Biancoscuro Art Magazine #40

biAncoscuro r i v i s tA d ’ A r t e Numero 40 - giugno/luglio 2020 - Bimestrale d’Arte, Cultura e Informazione

In questo numero

9 772385 170005

ISSN 2385-1708

Segno sintetico e suggestione timbrica Carrà e Martini al Museo del Paesaggio Virtual Gallery Solidale L’esposizione virtuale a scopo benefico Tra realtà e immaginazione Il genio surrealista arriva a Seoul La fotografia solidale 75 fotografi per il San Matteo di Pavia Passeggiando all’indietro L’India del Sud

Giuseppe Portella

L’uomo della resina

# 303 Gallery 47 Canal A A Gentil Carioca Miguel Abreu Acquavella Air de Paris Juana de Aizpuru Andréhn-Schiptjenko Antenna Space Applicat-Prazan The Approach Art : Concept Alfonso Artiaco B von Bartha Guido W. Baudach elba benítez Bergamin & Gomide Berinson Bernier/Eliades Fondation Beyeler Daniel Blau Blum & Poe Marianne Boesky Tanya Bonakdar Bortolami Isabella Bortolozzi BQ Gavin Brown Buchholz Buchmann C Cabinet Campoli Presti Canada Gisela Capitain carlier gebauer Carlos/Ishikawa Carzaniga Casas Riegner Pedro Cera Cheim & Read Chemould Prescott Road ChertLüdde Mehdi Chouakri Sadie Coles HQ Contemporary Fine Arts Continua Paula Cooper Pilar Corrias Chantal Crousel

D Thomas Dane Massimo De Carlo dépendance Di Donna E Ecart Eigen + Art F Konrad Fischer Foksal Fortes D’Aloia & Gabriel Fraenkel Peter Freeman Stephen Friedman Frith Street G Gagosian Galerie 1900-2000 Galleria dello Scudo gb agency Annet Gelink Gladstone Elvira González Goodman Gallery Marian Goodman Bärbel Grässlin Gray Alexander Gray Howard Greenberg Greene Naftali greengrassi Karsten Greve Cristina Guerra H Michael Haas Hamiltons Hauser & Wirth Hazlitt Holland-Hibbert Herald St Max Hetzler Hollybush Gardens Hopkins Edwynn Houk Xavier Hufkens I Invernizzi Taka Ishii J Bernard Jacobson Alison Jacques

Martin Janda Catriona Jeffries Annely Juda K Kadel Willborn Casey Kaplan Karma International kaufmann repetto Sean Kelly Kerlin Anton Kern Kewenig Peter Kilchmann König Galerie David Kordansky KOW Kraupa-Tuskany Zeidler Andrew Kreps Krinzinger Nicolas Krupp Kukje / Tina Kim kurimanzutto L Lahumière Landau Emanuel Layr Simon Lee Lehmann Maupin Tanya Leighton Lelong Lévy Gorvy Gisèle Linder Lisson Luhring Augustine Luxembourg & Dayan M Jörg Maass Kate MacGarry Magazzino Mai 36 Gió Marconi Matthew Marks Marlborough Mayor Fergus McCaffrey Greta Meert Anthony Meier Urs Meile Mendes Wood DM kamel mennour Metro Pictures Meyer Riegger Massimo Minini Victoria Miro

Mitchell-Innes & Nash Mnuchin Modern Art The Modern Institute Jan Mot mother’s tankstation Vera Munro N nächst St. Stephan Rosemarie Schwarzwälder Nagel Draxler Richard Nagy Edward Tyler Nahem Helly Nahmad Neu neugerriemschneider Franco Noero David Nolan Nordenhake Georg Nothelfer O Nathalie Obadia OMR P P.P.O.W Pace Maureen Paley Alice Pauli Peres Projects Perrotin Petzel Francesca Pia Plan B Gregor Podnar Eva Presenhuber ProjecteSD R Almine Rech Reena Spaulings Regen Projects Rodeo Thaddaeus Ropac Lia Rumma S Salon 94 Esther Schipper Rüdiger Schöttle Thomas Schulte Natalie Seroussi Sfeir-Semler Jack Shainman ShanghART

Sies + Höke Sikkema Jenkins Bruce Silverstein Skarstedt Skopia / P.-H. Jaccaud Société Pietro Spartà Sperone Westwater Sprovieri Sprüth Magers Nils Stærk Stampa Standard (Oslo) Starmach Christian Stein Stevenson Luisa Strina T Take Ninagawa Tega Templon Thomas Tokyo Gallery + BTAP Tornabuoni Travesía Cuatro Tschudi Tucci Russo V Georges-Philippe & Nathalie Vallois Van de Weghe Annemarie Verna Vielmetter Vitamin W Nicolai Wallner Barbara Weiss Wentrup Michael Werner White Cube Barbara Wien Jocelyn Wolff Z Thomas Zander Zeno X ZERO...

David Zwirner Feature 1 Mira Madrid Ben Brown Ellen de Bruijne Experimenter

September 17 - 20, 2020

James Fuentes Christophe Gaillard Garth Greenan Hosfelt Jhaveri Kasmin Levy David Lewis Loevenbruck Max Mayer Lorcan O’Neill Parker Project Native Informant Yancey Richardson Barbara Thumm Upstream Vedovi Venus Over Manhattan waldengallery Zlotowski Statements Bank Bodega Bureau Commonwealth and Council Company Bridget Donahue Emalin Lars Friedrich Grey Noise High Art Isla Flotante JTT LambdaLambdaLambda Magician Space Queer Thoughts Simone Subal Temnikova & Kasela Union Pacific Edition Niels Borch Jensen Cristea Roberts mfc-michèle didier Fanal Gemini G.E.L. Sabine Knust Lelong Editions Carolina Nitsch Paragon Polígrafa René Schmitt Susan Sheehan STPI Two Palms

Robert Irwin, Black³ (2008), Art Basel in Basel, 2015 [Top]; ART 05 in Basel, 1974, by Kurt Wyss [Bottom]

Participating Galleries

M A R K KO S T A B I

Social distancing, 2020, 60x45cm.

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NANDA VIGO

Ritratto © Ph. Afanador

Ciao Nanda, buon viaggio Milano, 17 maggio 2020 Vincenzo e Daniela, tutta la redazione di BIANCOSCURO

biancoscuro r i v i s tA d ’ A r t e Bimestrale d’Arte, Cultura e Informazione

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L’Editoriale di Vincenzo Chetta

Virtual Gallery Solidale L’esposizione virtuale a scopo benefico a cura di BIANCOSCURO

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Segno sintetico e suggestione timbrica. Carrà e Martini al Museo del Paesaggio

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FERT FERT FERT Il dominio sabaudo sul Regno di Sardegna

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Taddeo di Bartolo a Perugia. La prima grande monografica a lui dedicata

024

Il sogno di Lady Florence Phillips. A Siena, una selezione della sua Collezione

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#IoRestoaCasa - Arte durante il lockdown. Istituzioni e musei temporaneamente chiusi e le loro alternative digitali

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Family!

La famiglia che vogliamo

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La fotografia solidale Oltre 75 fotografi italiani e stranieri per sostenere il San Matteo di Pavia

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The Kiss Il più romantico gesto d’amore

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Giuseppe Portella L’uomo della resina

L’Arte... Messa in Opera CAMERA di Torino espone le creazioni di Paolo Ventura

L’inanimato a vibrare “vita”. L’opera di Luigi Pellanda al Museo Villa Bassi Rathgeb Street Art ai tempi del coronavirus. Le immagini che sdrammatizzano il difficile momento

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In copertina: (on the cover)

Passeggiando all’indietro: l’India del Sud. Introduzione ai Percorsi del mito [17ª puntata]

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Over the Cover: Jean-François Réveillard From Paris to the swiss mountains

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biancoscuro r i v i s tA d ’ A r t e

40 ISSUE June / July 2020

Bimestrale di Arte, Cultura e Informazione

SPECIALS ART FAIRS

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Art Fair Fiere ed esposizioni internazionali

Giuliana Maria Maddalena Fusari Dall’estetica dell’angelismo all’informale femmina

UpArt. Umberto Pettene e la sua pitto-scultura figurativa

Irina Schönhals. Ripartire con la bellezza mistica della natura

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L’arte emiliana risponde al cambiamento Bologna propone un piano per la cultura

I primi 15 anni di Fondazione Merz Online, la storia espositiva della Fondazione

La personale di Peter Wächtler. La Fondazione Antonio Dalle Nogare riapre al pubblico

EXHIBITIONS

Giochi di colore, Giochi di parole. MonoMax approda a Costa del Sol, Marbella

044 048 052 054 058

A Palazzo Creberg la cultura non si ferma Tante le iniziative online della Fondazione

Tra realtà e immaginazione Il genio surrealista arriva a Seoul

Ferrara ebraica L’ultima mostra del MEIS è visitabile virtualmente

Living room. Il salotto di Manifattura Tabacchi dedicato è diventato digitale.

L’arte non si ferma! Le bandiere d’artista del Centro Pecci

Come nasce una mostra?

Le OGR sono online con tante nuove rubriche

Fondazione Nicola Trussardi Si viaggia fra quattro mura

EMBODIED THOUGHT Quando l’ordinario si trasforma in stra-ordinario

Artissima Junior online Nuovi stimoli per gli artisti del futuro

Treccani e Artissima La collaborazione per la creazione dell’Alfabeto

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EDITORSHIP & GRAPHIC Liberementi viale Indipendenza, 26 27100 Pavia www.liberementi.it MANAGING EDITOR Daniela Malabaila CONTRIBUTORS Giuseppe Carnevale, Franco Crugnola, Vincenzo Chetta, Flavio Ennante, Mario Gambatesa, Lucia Garnero, Daniela Malabaila, Rebecca Maniti, R.Molino, Ettore Tiretto.

Fondazione Pomodoro. Alla scoperta del Labirinto

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BI-MONTHLY OF ARTS, CULTURE AND INFORMATION EDITOR IN CHIEF Vincenzo Chetta

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BIANCOSCURO Art Magazine

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PHOTOGRAPHERS Adele Arati, Luigi Caracappa, Vincenzo Chetta, Liberementi, Enrico Mangano, Isabella Rigamonti, Ruve Afanador, Mirko Colombo, Giorgio Bianchi, Sandro Capati, Carlotta Coppo, Renato Ghiazza, Ilisso, Matteo Monti, OKNOstudio, Samuele Piazza, Paolo Pellion, Andrea Rossetti, Roberto Serra, Dario Tettamanzi, Niccolò Vonci, Alessandro Zambianchi.

PUBLISHER Biancoscuro viale Indipendenza, 26 27100 Pavia www.biancoscuro.it PRINTING Pixartprinting SpA Via 1° Maggio, 8 30020 Quarto d’Altino (VE) Printed on certified paper FSC® C147178 (www.fsc.org)

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The publisher is available for persons entitled for any iconographic sources. Manuscripts, photos or other materials even if unpublished are not given back. In addition to the signed articles, texts published on Biancoscuro Art Magazine are taken from the mentioned sources or text available l under the creative commons license. s Reg. Trib. Pavia n.4 of 21/1/2014.

ISSN 2385-1708 © BIANCOSCURO 2020. Reserved artistic and literary copyright. Reproduction in whole or parts is forbidden save with the written permission of the publisher.

BIANCOSCURO Rivista d’Arte NUMERO 40 giugno / luglio 2020 BIMESTRALE DI ARTE, CULTURA E INFORMAZIONE DIRETTORE RESPONSABILE Vincenzo Chetta REDAZIONE & GRAFICA Liberementi viale Indipendenza, 26 27100 Pavia www.liberementi.it CAPOREDATTORE Daniela Malabaila COLLABORATORI Giuseppe Carnevale, Vincenzo Chetta, Franco Crugnola, Flavio Ennante, Mario Gambatesa, Lucia Garnero, Daniela Malabaila, Rebecca Maniti, R.Molino, Ettore Tiretto.

FOTOGRAFI Adele Arati, Luigi Caracappa, Vincenzo Chetta, Liberementi, Enrico Mangano, Isabella Rigamonti, Ruve Afanador, Mirko Colombo, Giorgio Bianchi, Sandro Capati, Carlotta Coppo, Renato Ghiazza, Ilisso, Matteo Monti, OKNOstudio, Samuele Piazza, Paolo Pellion, Andrea Rossetti, Roberto Serra, Dario Tettamanzi, Niccolò Vonci, Alessandro Zambianchi.

EDITORE Biancoscuro viale Indipendenza, 26 27100 Pavia www.biancoscuro.it STAMPA Pixartprinting SpA Via 1° Maggio, 8 30020 Quarto d’Altino (VE) Stampato su carta certificata FSC® C147178 (www.fsc.org) SOCIAL NETWORK Facebook.com/BiancoscuroArtMagazine Instagram.com/BiancoscuroMag Twitter.com/BiancoscuroMag L’Editore è a disposizione degli aventi diritto per eventuali fonti iconografiche non individuate. Manoscritti, foto o altri materiali inviati alla redazione anche se non utilizzati non verranno restituiti. Oltre agli articoli firmati, i testi pubblicati su Biancoscuro Rivista d’Arte sono tratti dalle fonti citate oppure da testi disponibili l secondo le licenze creative commons. s Registrazione al Tribunale di Pavia n.4 del 21/1/2014.

ISSN 2385-1708 © BIANCOSCURO 2020. Tutti i diritti di produzione in qualsiasi forma, compresa la messa in rete, che non siano espressamente per fini personali o di studio sono riservati.

Per qualsiasi utilizzo che non sia individuale è necessaria l’autorizzazione scritta dell’Editore.

BIaNCOSCURO art contest MONTE-CARLO EDITION

pittura painting scultura sculpture fotografia photography grafica graphic art

33 Premi: / 33 Prizes:

4 Copertine sulla Rivista d’Arte BIANCOSCURO 4 BIANCOSCURO Art Magazine Cover 4 Mostre personali in prestigiose location 4 Personal exhibition in prestigious location 4 Artists Management 4 Artists Management 1 Premio Speciale BAC 3.000,00€ 1 Special Prize BAC 3.000,00€ 4 Cataloghi personali condivisibili sui social network 4 Personal catalogs shareable on social networks 16 mostre in prestigiose Art Fair 16 exhibitions in prestigious Art Fair

Premiazione finale a Monte-Carlo Final award ceremony in Monte-Carlo

Tutte le opere saranno pubblicate sul catalogo BIANCOSCURO e sul nostro sito!

All the artworks will be published on the BIANCOSCURO catalogue and on our website!

artcontest.biancoscuro.it INFO

BIANCOSCURO viale indipendenza 26, Pavia

artcontest@biancoscuro.com

ficenza, Grazie agli artisti partecipanti abbiamo donato 2000€ in bene 1250€ alla Protezione Civile e 750€ alla Croce Rossa Italiana.

YYY

Barbara Legnazzi Angelo De Francisco Valeria Allevi Laura Sanetti Carmela Oggianu Pier Paolo Lorenzini Ornella De Rosa Tove Andresen Giuseppe Oliva Massimo Savio Tina Lupo Gianni Depaoli Marco Ara Mariella Orsini Raffaele Savoldelli Antonio Mancini Alessandra Di Francesco Qazim Arifi Gianfranco Pacini Sonia Scaccabarozzi Guido Mannini Ciro Fabbozzi Rosanna Balzarini Barbara Pazzaglia Manuela Scannavini Carlotta Mantovani Daniela Fabbri Barbara Benvegnù Pupi Perati Paolo Schiavon Fiorella Manzini Cor Fafiani Alberto Besson Umberto Pettene Gianluca G. Seregni Romeo Manzoni Rosa Maria Falciola Mariella Bogliacino Gabriella Pimpinicchio Claudio Sivini Luigi Mapelli Laura Fasano Loredana Boldini Liala Polato Vito Spada Sassoli Marcello Marco Fiaschi Damiano Bordogni Giuseppe Portella Mariarosa Sperandio Moreno Mariani Giuliana M. Fusari Luciano Borin Salvatore Privitera Francesco Sposito Federica Marin Stefania Gagliardi Paolo Bottioni Fabrizio Pruscini Ingrid Steckelberg Walter Marin Luciano Gargiulo Gianpiero Brunelli Annalisa Ramondino Widmer Tassinari Arnaldo Marini Aldo Gaverini Daniela Bussolino Roberto Re Brigitte Thonhauser-Merk Serena Martelli Annalisa Gheller Angela Cacciotti Jessica Reinl Cosimo Tiso Mauro Martin Monica Gheller Giuliana Capocchia Alida Rettore Giorgio Toniolo Marisa Grande Livia Carta Sabina Romanin Berardino Mastropasqua Miriam Tornese Maria Teresa Guala Khrissy Clément Mirko Roncelli Giorgio Melis Francesca Tosi Tiziana Gualandi Miriam Cojocaru Laura Ronchi Marisa Mezzadra Giuseppe Urso Ornella Guglielmino Gladys Colmenares Pamela Rosa Clot Marisa Milan Carmen Varlotta Ivan Iliev Mattia Consonni Leonardo Rossi Karin Monschauer Francesco Vattuone Vincenzo Ingrascì Nadiaanna Crosignani Ruggero Rotondi Fernando Montà Odile Weidig Michele La Sala Ionel Cuculiuc Elvira Salonia Mariella Muller Kees Woestenenk Patrizio Landolfi Deborah Da Re Franco Sammarco Lilly Nardi Lisa Yachia Laura Lantero Stefania Dal Molin Jonni Sandei Aurelio Nicolazzo

Duemila volte

Y

Grazie!

Virtual Gallery Solidale, oltre 100 artisti internazionali da Italia, Albania, Austria, Belgio, Francia, Germania, Israele, Olanda, Romania e Svizzera.

Visita le Virtual Gallery al sito virtualgallery.biancoscuro.it e se sei interessato ad una delle opere esposte manda una richiesta informazioni a: artshop@biancoscuro.com

Virtual Gallery, un progetto di BIANCOSCURO Associazione Culturale www.biancoscuro.it Realizzato in collaborazione con liberementi - realtà specializzata in idee creative per l’arte contemporanea www.liberementi.it

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l’Editoriale di Vincenzo Chetta

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[1] Michelangelo - Creazione di Adamo @clementstauffenegger [2] Koons - Rabbit @pookpayingattention [3] Leonardo - Ultima cena @isni_officiel Ph. @blocchirurgie [4] Dalí - La persistencia de la memoria @kazimir0malevich [5] Botticelli - Primavera @mozheg_ [6] Magritte - Les Amants @meggiemacdip @kimvandenhoek

N

el periodo di lockdown, con Istituzioni e Musei temporaneamente chiusi al pubblico, sono nate le loro sostituzioni virtuali: da Le Gallerie degli Uffizi al MOMA, passando per il Louvre ed il British Museum, le alternative digitali hanno allietato i nostri giorni culturali in quarantena. Oltre alle attività sui siti internet principali, numerose sono state anche le alternative sui social, la più virale quella del Getty Museum che ha invitato la rete a ricreare famosi dipinti utilizzando solo tre oggetti rinvenuti in casa. Questa idea è stata ripresa anche dai Musei Civici di Pavia, con il nome di Pavia Art Challenge e l’hashtag #lartetisomiglia.

L’iniziativa del Getty, è stata a sua volta ispirata dal Rijksmuseum di Amsterdam e dall’account Instagram

Tussen Kunst & Quarantaine: il bello della viralità digitale in questo caso è stato proprio il condividere la medesima idea per creare nuove immagini.

Dalla Fondazione Palazzo Strozzi, nell’ambito del progetto IN CONTATTO, arriva il videomessaggio di Jeff Koons: “L’Italia sta attraversando un momento davvero difficile, ma voi italiani avete una forza straordinaria.

Siete in grado di affrontare il coronavirus e alla fine sarete in grado di sconfiggerlo. L’Italia è un paese straordinario. Come popolo avete affrontato tanti momenti difficili e sconfiggerete il virus. Culturalmente, tutto il mondo è davvero grato per tutto ciò che ci avete dato. Palazzo Strozzi e tutte le altre meravigliose istituzioni italiane saranno in grado di dare all’umanità una luce, una direzione in cui saremo in grado di trovare la nostra strada per il futuro. Quindi, grazie Italia per tutto

il vostro contributo culturale. Palazzo Strozzi, grazie. Italia puoi farcela!”

Ho voluto riproporre integralmente queste parole, questo plauso fantastico, e non perché Koons è l’artista vivente più famoso, costoso e discusso al mondo (ricordiamo il suo “Rabbit”, venduto a 91,1 milioni di dollari esatamente 12 mesi fa), ma perché in maniera estremamente chiara fa comprendere (soprattutto a noi italiani) quanto sia immensa la nostra forza culturale ed artistica, quanto sia unica la nostra ricchezza, quanto sia doveroso difendere il nostro patrimonio culturale. Come disse Claudio Abbado: “La cultura permette di distinguere tra bene e male, di giudicare chi ci governa.

La cultura salva”.

Buona lettura.

Vincenzo Chetta 9

POTENZA GIANMARIA

VIRTUAL TOUR

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Un viaggio fuori dal comune, per il piacere del piĂš contemporaneo dei sensi, la vista.

Il virtual tour dello Studio Gianmaria Potenza vi porta alla scoperta dell’atelier dello di vetro e macchinari senza tempo. Visitabile online sul sito www.gianmariapotenza.it.

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R e a l A rt # 5

FRANCESCO DE MOLFETTA FRANCESCO DE MOLFETTA GINO GINI GINO GINI MARCO GRASSI MARCO GRASSI HACKATAO HACKATAO MASSIMO KAUFMANN MASSIMO KAUFMANN MARK KOSTABI MARK KOSTABI MAX MARRA MAX MARRA FABRIZIO MOLINARIO FABRIZIO MOLINARIO OLINSKY OLINSKY PETER PETER HIDE HIDE 311065 311065 ISABELLA ISABELLA RIGAMONTI RIGAMONTI MAX MAX HAMLET HAMLET SAUVAGE SAUVAGE CATERINA CATERINA TOSONI TOSONI BETTY BETTY ZOLA ZOLA VILLA CONTEMPORANEA MUSEO CIVICO FLORIANO BODINI VIA BERGAMO, 20 - 20900 MONZA

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DAL 11 GENNAIO AL 07 FEBBRAIO 2020 MUSEO 11 MA*GA VERNISSAGE SABATO GENNAIO 2020 ORE 18:00 VIA DE MAGRI, 1 - 21013 GALLARATE (VA)

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2019 2019

CASACIVICO MUSEO SPAZIO MUSEO F. TADINI BODINI VIA NICOLO’ JOMMELLI, 24 – 20131 MILANO

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DAL 01 AL 23 FEBBRAIO 2020 SHOWCASES GALLERY

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VERNISSAGE SABATO 01 FEBBRAIO 2020 ORE 16:30 sabato e domenica / 15.00-18.00 GALLERIA VILLA10.30-12.30 CONTEMPORANEA VIA BERGAMO, 20 – 20900 MONZA (MB) Visite guidate anche nei giorni feriali su prenotazione tel. 349.2267457 o info@museobodini.it

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Segno sintetico e suggestione timbrica Carrà e Martini al Museo del Paesaggio di

Lucia Garnero

D

ue artisti e due collezioni, l’una permanente del Museo e l’altra privata milanese, a dar vita all’evento espositivo che inaugura la stagione estiva del Museo del Paesaggio di Verbania.

“Carrà e Martini. Mito, visione e invenzione. L’opera grafica”, a cura di Elena Pontiggia e di Federica Rabai, direttore artistico e conservatore del Museo, offrono ai visitatori più di 90 opere, prevalentemente di grafica (insieme ad alcune sculture e tele), di due artisti che si sono affermati nel panorama artistico del Novecento italiano, con l’invenzione di nuovi linguaggi artistici, tanto in scultura, quanto in pittura. Nati nel nord Italia, seppure in contesti famigliari assai diversi, iniziano, in modi e per ragioni differenti, ad avvicinarsi all’opera grafica ed alla pittura intorno agli anni Venti e raggiungono entrambi, nel corso della loro formazione, la città di Milano. La città era straordinariamente ricca di iniziative in ambito artistico negli anni del primo dopoguerra e delle avanguardie figurative: qui suscitano l’attenzione del panorama culturale contemporaneo e riscuotono i primi successi. In mostra sono esposte, tra acqueforti e litografie a colori, circa cinquanta opere di Carlo Carrà: a partire dai paesaggi dei primi anni venti, realizzati con un disegno scarno ed essenziale, per poi proseguire con l’incisione

Carlo Carrà - Il poeta folle - 1916-1949, litografia su zinco, 25x35,5 cm.

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litografia la tecnica con cui sperimenta più frequentemente le proprie potenzialità creative. Proprio negli anni del secondo dopoguerra, si dedica intensamente all’illustrazione; in particolare, già nel 1944, esegue dodici tavole per “Versi e prose” di Rimbaud, dove compare un mondo di angeli, demoni e segni di morte, riflessi dei momenti della guerra. Nel 1947 illustra “L’Après-midi et le Monologue d’un Faune” di Mallarmé, tradotto da Ungaretti. Importante sottolineare quanto, proprio per mezzo di litografia, acquaforte ed incisione, l’artista avvii un sistematico ripensamento della sua pittura, che lo porta a reinterpretare i suoi principali capolavori, dal metafisico “Ovale delle apparizioni” al “Poeta folle”. Le circa quaranta opere di Arturo Martini, presenti in mostra, sono realizzate del 1921 al 1945 e coprono tutta la carriera a iniziare dal lavoro a matita “Il circo “del 1921, disegno del momennel 1924, anche grazie agli insegnamenti di Giuseppe Guidi, che apre in quell’anno un laboratorio calcografico a Milano; Carrà esegue trentatré acqueforti e stampa i rami incisi, ma mai impressi.

A questa fase iniziale, caratterizzata da “un segno sintetico, duro, capace di esprimere il suo mondo di figure e luoghi sottratti al tempo” segue un’appendice negli anni 1927-1928, quando Carrà, a stretto contatto con il gruppo del “Selvaggio” (la rivista toscana animata da Maccari, a cui sono vicini Soffici, Rosai, Morandi e altri artisti) esegue litografie e acqueforti caratterizzate da un linguaggio più marcatamente pittorico. Solamente dopo un lungo intervallo torna, nel 1944, a dedicarsi nuovamente all’opera grafica: ora è la

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Sopra: Arturo Martini La famiglia degli acrobati 1936-37, gesso originale, 38x21x34 cm.

Sotto: Carlo Carrà - Gli amanti 1927, acquaforte–acquatinta su rame, 24,7x33,9 cm.

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biancoscuro

to in cui Martini è molto prossimo a Carrà e, più in generale, ad una personale interpretazione dell’avanguardia metafisica, per poi proseguire con alcuni importanti esiti della sua ricerca artistica: “Carnevale” del 1924 e il “Suonatore di liuto” del 1929.

Particolarmente significativo il ciclo di incisioni eseguite a Blevio nell’estate del 1935 su soggetti già trattati anche in scultura (come “L’Attesa”)o già presenti in altre incisioni precedenti; opere in cui la trama delle linee è fittissima fino a oscurare la superficie, quasi a emulazione della maniera nera.

Alla Galleria Barbaroux di Milano, il 17 febbraio 1940, inaugura la sua prima mostra di pittura. La critica contemporanea è entusiasta Sotto: Arturo Martini - L’attesa 1935, pirografia su linoleum o celluloide 17,5x15,3 cm su carta di 25x35 cm.

Sopra: Arturo Martini - La siesta 1946, olio su cartone, 58x48 cm.

di queste tele, che uniscono il segno dell’espressionismo lirico ad una solidità da scultore.

Nel 1942 realizza 11 disegni preparatori del “Viaggio d’Europa” per l’illustrazione dell’omonimo racconto di Massimo Bontempelli.

Risalgono al 1944-45 il gruppo di incisioni predisposte da Martini per l’illustrazione della traduzione italiana dell’Odissea a cura di Leone Traverso. Pubblicate postume, rappresentano uno degli esiti più suggestivi della sua versatile fantasia, orientata a sperimentare “materiali poveri e linguaggi poveri, al limite tra immagine e pura suggestione timbrica”.

In occasione di questo straordinario evento, sono esposte anche dieci sculture, come “La famiglia degli acrobati” del 1937, e tre tele, tra cui “La siesta” del 1946, pezzi unici di grande valore storico e l artistico. s

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CARRÀ E MARTINI

Mito, visione e invenzione.

L’opera grafica

Museo del Paesaggio, Verbania May 24 - September 27, 2020

M

useo del Paesaggio opens the summer season with the Carrà and Martini exhibition.

Mito, visione e invenzione. l’opera grafica. with works from the museum’s collection and from a private collection, curated by Elena Pontiggia and Federica Rabai, artistic director and curator of the museum. On display over 90 works, mostly of graphics, of the two great artists of the Italian twentieth century who established themselves thanks to a new language in painting and sculpture. The exhibition displays about fifty of Carlo Carrà’s etchings and color lithographs, which include all the artist’s most important outcomes. The engraving becomes for the artist a moment of verification, but also a poignant album of memories. The approximately forty works of Arturo Martini are between 1921 and 1945, covering the artist’s entire career: the engravings made in Blevio; 11 preparatory drawings of Viaggio d’Europa and the engravings for the Italian translation of the Odissea by Leone Traverso.

Also some sculptures and canvases are exhibited, unique pieces of great histol rical and artistic value. s

Sopra: Carlo Carrà - L’ovale delle apparizioni 1918-1952, litografia a sei colori su zinco 68x46,8 cm.

A destra: Arturo Martini Viaggio d’Europa: La profezia di Clori 1942, matita litografica su carta, 37x8 cm.

CARRA’ E MARTINI.

Mito, visione e invenzione.L’opera grafica 24 maggio - 27 settembre 2020

(verifica l’apertura della mostra sul sito di riferimento) Museo del Paesaggio, Verbania INFO T. +39 0323 557116 segreteria@museodelpaesaggio.it Da martedì a venerdì 10.00 - 18.00 Sabato e domenica 10.00 - 19.00 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

www.museodelpaesaggio.it

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FERT FERT FERT Il dominio sabaudo sul Regno di Sardegna di

Mario Gambatesa

“

Il regno segreto esplora, per tramite di profili artistici, di microstorie, di fatti di costume, di vicende ufficiali, di situazioni politiche, di aneddoti biografici, di storie d’amore e guerra, di documenti, di illustrazioni, di legami spesso dimenticati, o mai chiariti, la costruzione di un mondo di segni tra Piemonte e Sardegna, senza una visione preconcetta, né tesi da dimostrare.

Nelle sale del MAN di Nuoro va in scena lo spettacolo di un luogo reale e immaginario a un tempo, di cui vengono fornite le mappe.

”

Luca Scarlini

N

el 1720, in conformità ai trattati di Londra e dell’Aia, il duca di Savoia Vittorio Amedeo II acquisì il titolo di Re di Sardegna, assicurandosi il dominio sull’isola dei nuraghi, in precedenza appartenuta alla corona aragonese e spagnola.

La concessione della Sardegna, motivata dall’esigenza di trovare un nuovo equilibrio tra le grandi potenze coinvolte nella Guerra di Successione Spagnola, ampliò in modo significativo l’estensione degli Stati governati dai Savoia, che si videro assegnato un territorio non facile da governare, ma strategico dal punto di vista militare e commerciale. È su questo scenario che sarà incentrata la mostra intitolata “Il regno segreto. Sardegna-Piemonte: una visione postcoloniale” aperta al pubblico da giugno fino al 15 novembre 2020.

Organizzata presso gli spazi del

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Sopra: Figura stante con gambe sottili, leggermente divaricate e piedi a piastra subtrapezoidale, XIX secolo bronzo, 68.8x 6.8 cm.

Musei Reali di Torino – Museo di Antichità.

A sinistra, dall’alto verso il basso: I Principi di Piemonte visitano la Galleria Comunale d’Arte di Cagliari giugno 1939, foto Luce Courtesy Archivio Arti Applicate, Nuoro I Principi di Piemonte visitano il sanatorio di Nuoro 6 giugno 1939, Roma, Istituto Nazionale Luce photoreportage Trampus – Paris Courtesy Archivio Arti Applicate, Nuoro A destra: Giovanni Michele Graneri (Torino 1708- 1762) Festa nautica nel porto di Cagliari 1747. Credits Palazzo Madama Museo Civico d’Arte Antica.

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MAN Museo d’Arte Provincia di Nuoro, l’esposizione curata da Luca Scarlini, mette in evidenza la cultura di due territori, dal 1720 agli anni Sessanta del Novecento, attraverso una raccolta attenta di documenti, manufatti,

testi letterari, illustrazioni, ceramiche, fotografie e spartiti musicali, di artisti, musicisti e intellettuali attivi nelle due regioni.

Un lavoro unico nel suo genere, che vuole porre le basi di un progetto molto più ampio sulla cul-

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Sopra: Giovanni Pintori Costruzione stradale 1950, foto b/n, 41x37 cm.

Nuoro, Collezione MAN.

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Sotto: Manifattura Essevi Maria Josè di Savoia in abito di Desulo ceramica Collezione privata.

tura e sulla relazione storiografica tra le due regioni a trecento anni dall’arrivo dei Savoia a Cagliari, con una raccolta proveniente da prestigiose istituzioni italiane.

La mostra svela ciò che è stato celato per molto tempo del Regno di Sardegna, un regno segreto, ricco di storie non ancora del tutto esplorate.

L’esposizione prosegue offrendo una panoramica del lavoro di ingegneri, architetti e maestranze d’arte, giunte sull’isola per costruire i luoghi della presenza sabauda: costruzioni private e pubbliche e infrastrutture che portano il segno di un nuovo pensiero che per certi versi si adatta alle forme preesistenti.

Nei cimiteri di Cagliari e Nuoro, si può scorgere il modello sabaudo dello scultore funerario Giovan Battista Sartorio. Etto-

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IL REGNO SEGRETO

re Sottsass, invece, immortala in una serie di fotografie, la presenza massiccia e inaspettata di manufatti di gusto sabaudo nel cimitero di Iglesias, dove si reca insieme al padre per la costruzione del villaggio operaio Olivetti.

Di stile piemontese è anche il Municipio di Cagliari, dove nella sala del consiglio comunale trionfa una monumentale opera in tre teleri di Filippo Figari dedicata alla storia cittadina. In mostra si potrà ammirare il cartone preparatorio, in cui è rappresentato Vittorio Amedeo

II di Savoia, svettante, a cavallo, a cui rendono omaggio i feudatari del regno stretti nella bandiera dei quattro mori. Importante fu poi la presenza sull’isola della famiglia Sella da Biella, che sostenne la creazione di miniere moderne e della ferrovia. Il percorso espositivo evidenzia le attività nei diversi campi artistici in un mondo di segni, sottolineando la relazione tra due regioni Piemonte e Sardegna che più avanti, contribuiranno ad una crescita culturale, costruendo al meglio la l recente storia italiana. s

Sardegna-Piemonte: una visione postcoloniale giugno - 15 novembre 2020

(verifica l’effettiva apertura della mostra sul sito di riferimento) MAN - Museo d’Arte Provincia di Nuoro, Nuoro INFO T. +39 0784 252110 info@museoman.it Da martedì a domenica 10.00 - 19.00 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

www.museoman.it

[1] Manifattura Essevi - Bambola sarda ceramica. Collezione privata.

[2] Giuseppe Porcheddu - Scatola Talmone 1930, litografia su latta, 33x27x9 cm.

Cagliari, Collezione privata

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[3] Alberto Della Marmora Carte Géologique de l’Ille de Sardaigne Torino, 1856, cromolitografia, 123x79 cm.

Collezione Piloni Cagliari. Ph. Ilisso

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Taddeo di Bartolo a Perugia La prima grande monografica a lui dedicata di Rebecca Maniti

“

Vere delizie per gli occhi, tali dipinti sono ricchi di colori, di ornati e sfavillanti d’oro. Raffigurano santi del Paradiso e spesso raccontano come lo hanno raggiunto. La costruzione in più parti, imposta dalla natura stessa del legno, facilitava l’assemblaggio, lo smontaggio e il trasporto dei vari elementi che lo componevano. Nella loro complessità i polittici erano micro-architetture.

” L

Gail E. Solberg

Taddeo di Bartolo - San Tommaso Museo di Palazzo Ducale, Gubbio

la Galleria Nazionale dell’Umbria di Perugia ha riaperto al pubblico le proprie sale, dopo la chiusura forzata a causa dell’emergenza sanitaria mondiale: dal 28 maggio è possibile ammirare la prima monografica dedicata a Taddeo di Bartolo, curata da Gail E. Solberg, la più accreditata studiosa del pittore. La mostra, intitolata semplicemente “Taddeo di Bartolo”, presenta circa cento tavole datate dalla fine degli anni ottanta del Trecento, fino al 1420-22, con prestiti provenienti da prestigiosi musei internazionali, quali il Musée des Beux-Arts di Nancy, il Kasteel Huis Berg a s’-Heerenberg, il Landesmuseum di Hannover e il Szépmuvészeti Múzeum di Budapest, e con la decisiva collaborazione di enti e istituti italiani. Attraverso questo grande corpo di opere, è possibile ricostruire la carriera del pittore senese, che visse spostandosi tra Toscana, Liguria, Umbria e Lazio, sempre al servizio di famiglie politicamente ed economicamente potenti, autorità pubbliche, grandi ordini religiosi e confraternite.

“Riaprire le sale della Galleria Nazionale dell’Umbria – afferma il

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Direttore, Marco Pierini – è un segnale di grande rilevanza che dev’essere salutato con grande entusiasmo, pur nella consapevolezza che il rispetto di alcune importanti regole di fruizione sia necessario TADDEO DI BARTOLO

28 maggio - 30 agosto 2020 Galleria Nazionale dell’Umbria, Perugia INFO T. +39 075.58668436 mostre@artikaeventi.com Lunedì 12.00 - 19.30 Da martedì a domenica 08.30 - 19.30 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

www.gallerianazionaledellumbria.it

per garantire la sicurezza del pubblico e del personale della Galleria”.

Questa mostra dona, lungo sette sezioni, una panoramica completa dell’arte di Taddeo, dalla prima opera firmata e datata (il polittico “Collegalli” del 1389), fino alla “Madonna Avvocata” del Museo di Arte Sacra di Orte del 1420.

Interessante la ricostruzione video in 3D dei murali di Palazzo Pubblico, parte di un ricco apparato multimediale che si ripropone di documentare i restauri e le indagini diagnostiche eseguiti in occasione della mostra, grazie al contributo della Galleria Nazionale dell’Umbria, e di illustrare l’altissima qualità tecnica e stilistica della produzione di questo l grande maestro. s

Sopra: Taddeo di Bartolo Santa Elisabetta d’Ungheria 1403, Assisi, Museo del Tesoro della Basilica di San Francesco, Collezione Perkins A sinistra: Taddeo di Bartolo Polittico bifacciale di San Francesco al Prato 1403, Galleria Nazionale dell’Umbria

Simona Vigorelli BIANCOSCURO RIVISTA d’ARTE Ordina la versione cartacea o PDF su https://artshop.biancoscuro.it Uffici stampa, gallerie ecc. possono chiedere il PDF gratuito a info@biancoscuro.it

V I SO D’ANG E LO 2005, t e c nic a mist a c on olio e foglia oro s u tel a 60x120 c m.

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Il sogno di Lady Florence Phillips A Siena, una selezione della sua Collezione di Daniela

Malabaila

S

anta Maria della Scala sarà la location per ammirare una parte della ricca collezione della Galleria d’Arte di Johannesburg: dal 13 giugno, “Il sogno di Lady Florence Phillips - La Collezione della Johannesburg Art Gallery”, sotto la cura di Simona Bartolena, animerà la scena cul-

turale di Siena.

La storia di questa magnifica collezione è quella di una donna forte e tenace, appassionata d’arte, Dorothea Sarah Florence Alexandra Ortlepp, chiamata semplicemente Lady Florence. Vissuta a Johannesburg con il marito (fino al suo esilio), una volta a Londra inizia a collezionare opere di grande valore e, al suo ritorno in Sudafrica, nel 1906, fonda un Museo pubblico in cui mostrare alla comunità tutte le opere acquisite. Le amicizie potenti non le hanno comunque permesso di non vendere i suoi gioielli per poter realizzare questo progetto d’arte e di pace, inaugurato dopo quattro anni di duro lavoro, nel 1910.

La mostra senese racconta una piccola parte di questa collezione, sarà infatti esposta una selezione di circa sessanta

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opere, tra olii, acquerelli e grafiche, che fanno ripercorrere al visitatore oltre un secolo di storia dell’arte internazionale. La creazione dei capolavori esposti varia dalla metà del XIX secolo fino al secondo Novecento, attraverso i suoi maggiori interpreti: Van Gogh, Degas, Monet (“La Primavera”, 1875), Cézanne (“I bagnanti”, 1898), Matisse, Modigliani, Turner, Rodin, Moore, Lichtenstein, Derain, Pissarro, Corot, Sargent, Sisley, Bacon, Rossetti (“Regina Cordium”, 1860), Warhol (“Joseph Beuys”), Signac, Picasso (“Donna con collana”, 1947) e molti altri.

La rassegna vanta un interessante catalogo Skira, altro segno che “Il sogno di Lady Florence”, sarà uno degli eventi più significativi dell’intera stagione l museale estiva. s A sinistra: Pablo Picasso - Donna con collana 1947 © Johannesburg Art Gallery A sinistra in basso: Andy Warhol - Joseph Beuys © Johannesburg Art Gallery A destra in alto:Dante Gabriel Rossetti - Regina Cordium 1860 © Johannesburg Art Gallery

Laura Fasano

IL SOGNO DI LADY FLORENCE PHILLIPS

La Collezione della Johannesburg Art Gallery 13 giugno - 13 settembre 2020 Santa Maria della Scala, Siena INFO T. +39 0422 513150 mostre@artikaeventi.com

Capitello 2017 acrilico e gesso su tavola di legno 30x40 cm.

Tutti i giorni 10.00 - 19.00 Giovedì 10.00 - 22.00 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

www.santamariadellascala.com

Sotto: Claude Monet - La Primavera 1875 © Johannesburg Art Gallery

Per sempre 2019 acrilico, olio cold and hot wax su tela 47x61 cm.

laurafasano@libero.it www.laurafasano.artistaonline.it

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www.newartpromotion.it

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L’inanimato a vibrare “vita” L’opera di Luigi Pellanda al Museo Villa Bassi Rathgeb di Lucia Garnero

C Sopra: Luigi Pellanda - Melograni edera e smith - olio su tela Sotto: Luigi Pellanda - Gran bunker - olio su tela

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on inaugurazione inizialmente prevista ad aprile, posticipata all’irrompere dell’emergenza sanitaria internazionale, il Museo Villa Bassi Rathgeb, ad Abano Terme, ospita la più vasta e importante antologica di Luigi Pellanda, evento espositivo a cura di Chiara Marangoni, coordinatore del Museo, e realizzato grazie alla collaborazione e promozione dell’Assessorato alla Cultura della Città di Abano Terme e di CoopCulture. Nella prospettiva di palesare, in modo esteso, seppur parziale, complessità e ricchezza delle rappresentazioni del Maestro, Chiara Marangoni sceglie 70 opere, affiancandole ad un’oculata selezione di sue incisioni e fotografie.

Luigi Pellanda nasce nel 1964 a Bassano del Grappa (VI); fin da adolescente, affina le sue notevoli abilità artistiche nell’immortalare la natura attraverso la fotografia e ne riceve ampio riscontro.

Nel 1985, lo scatto rubato di un Martin pescatore sulle sponde del Brenta, lo ispira a farne un quadro. Da quel momento, si dedica intensamente alla pittura, ma la fotografia continua ad essere fondamentale nelle fasi preliminari; nei lunghi tempi di esecuzione per ogni suo dipinto, la fotografia ne diventa supporto basilare e irrinunciabile, qua-

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Sopra: Luigi Pellanda - Papaveri irlandesi - olio su tela Sotto: Luigi Pellanda – Amanite - olio su tela

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le testimone dell’immagine dal vero. Alla base di ogni opera del maestro, infatti, c’è sempre una progettualità importante e meticolosa; la sua produzione, infatti, non supera mai 25/30 opere realizzate ogni anno.

Approda alla pittura attraverso un percorso vario e complesso: inizia da un laboratorio di ceramica, dove “il fuoco calcina le sue emozioni in forme tridimensionali”. Immediatamente a seguire la folgorazione per l’incisione, grazie alla conoscenza e allo studio dell’opera di Giovanni Barbisan.

Durante tutto il suo percorso formativo, la musica lo accompagna sempre, anche in ragione degli esordi musicali di una sua figlia.

Intanto, visita le terre del Brenta, alla ricerca di forme, fiori, alberi, animali, in cui si esprime la natura.

Inevitabile il passaggio alla pittura, che diviene sintesi di quanto maturato lungo il suo cammino.

Ogni sua tela è animata dalla ricerca dell’equilibrio di luce e atmosfere; ha la sostanza e la tridimensionalità delle forme ceramiche e l’armonia che deriva dalla sua intensa passione musicale.

Grandi collezionisti vi hanno colto, nell’accostare le sue realizzazioni ai giochi di luci e ombre del Caravaggio e alle nature morte di Pieter Bruegel, echi della tradizione della maggiore arte europea. Per questi aspetti e in ragione di tutto il suo modus operandi, Luigi Pellanda è etichettato come ‘pittore iperrealista’, solitamente collocato tra il realismo figurativo e il realismo magico degli anni ’20. L’artista che sembra averne maggiormente favorito la crescita in tal senso è l’armeno naturalizzato italiano Gregorio Sciltian. È tuttavia importante sottolinea-

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Sopra: Luigi Pellanda - La finestra aperta - olio su tela Sotto: Luigi Pellanda - La rosa mystica - olio su tela

re quanto la definizione si riveli limitante a descrivere la portata della sua opera.

Tecnica, metodi di analisi e di progetto lo portano lontano dall’iperrealismo di stampo europeo ed americano: assolutamente innegabile la perfezione della rappresentazione, ma, non appena si va oltre il primo impatto, emerge con forza la complessità che sottende “ciò che appare”: come l’artista organizzi scrupolosamente la scena e costruisca lo spazio seguendo quanto da lui stesso prefigurato.

Ogni oggetto, foglia, frutto o piega della tovaglia è posto nella scena in modo da sembrare naturale, ma in realtà rivela ciò che l’artista vuole rappresentare; la sua ricerca estetica intende dare importanza ai singoli oggetti al punto di renderli capaci di esprimere un’aura ben oltre il reale; oggetti immobili, protagonisti indiscussi, inanimati, ma resi capaci di vibrare al punto tale da sussurrare la verità della loro essenza, nel chiaro, evidente e l gioioso rimando alla vita. s OLTRE L’APPARENZA.

Un racconto nella pittura di Luigi Pellanda. 30 anni di iperrealismo

8 maggio - 20 luglio 2020 (verifica l’apertura della mostra sul sito di riferimento) Museo Villa Bassi Rathgeb, Abano Terme (PD) INFO T. +39 041 8627167 villabassi@coopculture.it Lunedì, giovedì, venerdì e sabato 15.00 - 18.30 Domenica 10.00 - 13.00 / 15.00 - 18.30 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

www.museovillabassiabano.it

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Guglielmo Meltzeid g m e l t z e i d @ g m a i l . c o m

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m e l t z e i d . c o m

G. Meltzeid - Nella leggenda - 2020 - acrilico su tela - 100x80 cm.

S tudio e Galleria a Pianezza (To r in o ) e Sa n t a M a r g e r it a L ig u r e (Ge n o va ) 12

LUIGI MARANO luigi.marano.art.designer

luigi42195@hotmail.it

d r a w i n g c o l l e c t i o n . t u m b l r. c o m

CHIMERA - 2020, pastello su carta, 50x70 cm.

Media Manager |

Hakkı Kılıçarslan

NEW ART p r o m o t i o n

pittura painting scultura sculpture fotografia photography grafica graphic art

NewArt Promotion è il nuovo progetto internazionale di LIBEREMENTI, realizzato in collaborazione con BIANCOSCURO, dedicato alla promozione dell’arte.

Il progetto è rivolto sia ad artisti giovani che a professionisti.

Chiedi maggiori informazioni! info@newartpromotion.it - www.newartpromotion.it

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Giuseppe Portella L’uomo della resina di Vincenzo Chetta

G

iuseppe Portella è l’uomo della resina, materiale che utilizza con impareggiabile maestria da sempre, dal 2006 talvolta unita Sono ciò che faccio, alle terre rare (pigmento naturalmente cerco di comunicare luminescente) per sfruttare le particolaattraverso le mie ri proprietà ed avere suggestivi effetti di opere, perché esse luce. Portella unisce la materia prima rappresentano antica con quella moderna, cercando la mia vera essenza una congiunzione tra passato e futuro.

Totalmente autodidatta, le sue tecniche Giuseppe Portella vanno acquisendo via via raffinatezza ed estro, creativamente poliedrico e dedito alla continua sperimentazione.

Queste le caratteristiche che gli hanno valso il primo premio BAC Winter Edition ‘19.

“

”

Ebollizione plastica rossa resine su tavola 50x50 cm.

Vincenzo Chetta: Complimenti Giuseppe, la tua opera “196 bugie” ha incantato la Giuria, sei pronto a rispondere alle domande? I lettori sono ansiosi di saperne di più di te…

Giuseppe Portella: Grazie per i complimenti Vincenzo, sono davvero felice che la mia opera abbia suscitato il parere positivo

della Giuria di Biancoscuro, sono onorato per questo premio e risponderò volentieri alle tue domande.

V.C.: Partiamo con ordine, come è nata in te la passione per l’Arte?

G.P.: A un certo punto del mio percorso di vita ho sentito l’esigenza di dare una svolta alla mia esistenza. Ho capito che la strada del cambiamento passava dall’arte. L’arte dà a tutti questa possibilità di trasformarsi e di reinventarsi, perché in ogni sua forma espressiva travalica i limiti imposti dai singoli linguaggi e ci consente di realizzare concretamente qualcosa che prima non esisteva, ed era solo nella tua mente. Nella società contemporanea, multietnica, globale, nomade, popoli diversi, provenienti da tutte le parti del mondo si incontrano, senza riuscire a comunicare l’uno con l’altro a causa delle differenze linguistiche. L’arte è il luogo dell’unione, sia che essa si presenti come performance visiva, dinamica, statica, o come rappresentazione sonora, riesce sempre a unire un insieme ampio di persone. L’Arte rappresenta l’orologio del tempo umano: le società antiche e moderne sono nate e si sono

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sviluppate grazie all’arte, perché è l’arte che ha consentito loro di manifestarsi e di avere un volto concreto, che oggi possiamo ancora ammirare nelle opere del passato che sono giunte sino a noi. Essendo un amante della storia delle antiche civiltà, ho compreso che il mistero della vita è celato proprio nell’Arte che ci hanno lasciato in eredità i popoli antichi. Un linguaggio universale fatto di segni, pittura, scultura e di suoni. Mi affascinano gli studi che gli artisti di ogni epoca hanno portato avanti fino ai giorni nostri, nel tentativo di raccontare l’evoluzione umana, con visioni ed espressioni singolari, sganciate dalle regole comuni.

L’Arte è comunicazione pura, senza filtri, e per quanto mi riguarda essa è diventata lo specchio del mio pensiero e di ciò che sono, per questo ho fatto dell’Arte la mia più grande passione.

V.C.: Il tuo medium preferito è la resina: come è nato questo amore?

G.P.: La vera svolta nel mio percorso artistico arriva alla fine degli anni ‘90, dove entro in contatto per la prima volta con le resine epossidiche. Sì, posso dire che è stato amore a prima vista.

Da quel momento è iniziato il mio rapporto vibrante con questo materiale meraviglioso, duttile e ancora da scoprire per molti versi, un materiale che rappresenta molto bene la nostra contemporaneità. Ho amato immensamente la resina, perché mi apriva un nuovo spazio ad interpretazioni scultoree, il potere delle sculture in resina è quello di trasformare un concetto, un’idea o un’emozione in una forma che occupa uno spazio reale nella vita di tutti i giorni.

Prediligo la sperimentazione e la ricerca continua e credo che le resine offrano molto spazio allo sviluppo di questi aspetti. I miei lavori diventano a volte il frutto di un compromesso tra la mia volontà di “Homo Faber” e la materia, e ciò non solo mi diverte, ma mi entusiasma ancora molto. Infine devo dire che per i concetti che desidero esprimere in ogni mia opera, le resine sono per me indispensabili per approfondire la mia vera indagine sulla luce, cuore dei miei lavori degli ultimi 15 anni.

Ritengo che la luce sia una materia esattamente come il nostro pensiero, le resine mi permettono di dare forma alla luce.

V.C.: L’intuizione di includere le “terre rare” quando l’hai avuta?

G.P.: Nel 2006 fui contattato, attraverso un caro amico che conosceva da tempo il mio lavoro, dal primo importatore in Italia di queste terre rare fotoluminescenti, il quale mi chiese una sperimentazione del prodotto unito alle resine, prima che entrasse sul mercato ufficialmente per gli eventuali utilizzi nei vari campi e per testarne gli effetti di luce naturale al buio . Il mio primo pensiero fu ovviamente quello di impiegare le terre in veste artistica.

I primi lavori che ho realizzato unendo le terre rare luminescenti alle resine mi hanno letteralmente conquistato e aperto un altro mondo sia concettualmente che tecnicamen-

Quasar 2010 opera luminescente 120x120 cm.

(A sinistra l’opera al buio, sopra alla luce)

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Contaminazione “Ciclo I festosi” 2019 semisfere in resina su tavola 70x70 cm.

Casualmente gioioso - Omaggio a D.Nido “Ciclo I festosi” 2019 semisfere in resina su tavola 30x30 cm.

TIAMAT (Opera pubblica 2014) Rotatoria di Via Rimembranze Novate Milanese

te. Poter concepire un’opera con una doppia anima, in un dualismo di luce, è stato molto stimolante e mi invitava a scoprire la falsità dell’esistenza del buio. Poter studiare e sperimentare la luce nascosta delle terre rare mi ha insegnato che tutto ciò che vediamo non corrisponde alla realtà, è soltanto una nostra rielaborazione visiva personale. Ho capito che il buio non esiste, anche se continuo ad avere paura dell’oscurità.

Lo studio sulle terre rare mi ha permesso di fare mostre personali importanti a partire dal 2007: la Galleria di Brera, Palazzo Ducale a Pavullo nel Frignano, Villa Venino a Novate Milanese, nelle quali ho avuto l’opportunità di presentare molte opere di questo ciclo sullo studio della luce.

Le terre rare luminescenti mi hanno permesso di iniziare un’ampia sperimentazione sulla luce che negli ultimi anni si sta spostando sui suoi effetti cinetici come l’ opera in copertina.

V.C.: Da chi, o da cosa, trai maggiormente ispirazione?

G.P.: L’ispirazione per me scaturisce sempre da una forte emozione, può capitare quando ascolto la musica classica che mi accompagna sempre nel mio laboratorio mentre lavoro e non potrei fare a meno di ascoltarla. Lo studio delle antiche civiltà, egizia e sumera mi ispirano molto perché questi antichi popoli hanno incontrato i “creatori”, la loro arte misteriosa e sublime mi ha sempre scosso e

affascinato; mi interessa moltissimo il fenomeno dei cerchi nel grano che studio da 30 anni e che sono diventati una generosa fonte di ispirazione per molti dei miei lavori; ritengo i crop circles un nuovo linguaggio ancora da decifrare, meravigliose forme geometriche di provenienza aliena che mi piace reinterpretare con le semisfere in resina con la convinzione che vadano lette esattamente come “sfere di luce”… Come vedi torno sempre alla “luce” che è la materia che da tempo maggiormente mi ispira perché per me è il vero mistero da risolvere.

Naturalmente c’è anche in me una fonte di ispirazione che devo attribuire all’Arte Contemporanea, in particolare mi piacciono le opere cinetiche dei maestri quali Alviani, Biasi, Costalonga, senza dimenticare artisti come Vasarely e Davide Nido.

V.C.: Senti la responsabilità del tuo lavoro di artista?

G.P.: Indubbiamente! L’Arte, come dicevo, è un linguaggio universale ed immediato, è uno strumento di comunicazione libero e potente. È necessario comprendere questa responsabilità, che per un artista assume maggiore importanza soprattutto in funzione del messaggio che vuole trasmettere.

Nella storia dell’uomo, l’Arte è responsabile della narrazione degli eventi di tutti i grandi cambiamenti e oggi più che mai la responsabilità degli artisti può aiutare questa umanità a trovare il giusto cammino, ponendo domande esistenziali. Un giorno, ad una mia mostra, si è avvicinato un bambino che mi ha detto: “Da grande voglio diventare come te”. Da quel momento mi sono davvero reso conto della responsabilità sociale e culturale che gli artisti hanno nei confronti del loro pubblico. Non si tratta quindi di comunicare solo l’estetica di un prodotto, ma anche la sua etica, i valori e i contenuti che un’opera d’arte vuole condividere con gli altri, cioè con il contesto e la comunità in cui l’artista si esprime.

V.C.: Nel 2014 è stata inaugurata a Novate Milanese la tua prima opera pubblica, una scultura posizionata all’ingresso del paese: “Tiamat”. Come è nato questo progetto e cosa ti ha lasciato?

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G.P.: Nel 2012 il Comune di Novate Milanese, dove sono residente, mi chiese di progettare e realizzare un’opera monumentale da posizionare su una rotonda all’ingresso del paese. Devo confessarti che dopo aver concepito due soluzioni per due opere differenti sullo stesso tema, scelsi Tiamat.

Proposi e realizzai nello stesso anno un prototipo dell’opera in scala 1:10 che ancora custodisco gelosamente nella mia collezione.

“Tiamat” era il nome con il quale gli antichi Sumeri chiamavano il nostro pianeta Terra, letteralmente Tiamat significa “vergine che dà vita”; questa scultura vuole rappresentare il nostro pianeta prima della comparsa delle terre, una sfera completamente blu, meravigliosa e stagliata nell’universo, molto tempo prima di essere attaccata dall’uomo. In effetti il titolo completo dell’opera è: “Tiamat, la Terra prima dell’uomo” che ha un doppio significato letterale facilmente intuibile.

La “sfera” è appesa ad una trave inclinata di 52 gradi, esattamente come il lato della piramide di Cheope in Egitto, a voler significare che il nostro pianeta è inscritto all’interno di una piramide immaginaria, un disegno universale più complesso che ancora sfugge alla comprensione umana. L’opera è posizionata ad est dove nasce il sole, richiamo alla civiltà egizia ed al primo monoteismo. Credo che l’archeoastronomia in futuro potrà fornirci alcune risposte per comprendere le leggi che regolano tutto l’universo.

Il nostro pianeta potrà liberarsi di noi in qualsiasi momento, ciò che posso augurarmi è che questa opera possa essere un monito per la difesa di Tiamat, nostra unica casa, nella quale siamo ospiti e non padroni…

Questa esperienza mi ha insegnato ad affrontare la progettazione monumentale di un’opera, a superare le difficoltà tecniche di realizzazione; mi ha dato il coraggio di mettermi in gioco pubblicamente mettendo a nudo il mio pensiero, sottoponendomi al giudizio della gente che non sempre è benevolo. Con “Tiamat” ho imparato che da soli non si fa nulla, è necessaria una sinergia, una condivisione per cambiare un sistema, per costruire un nuovo pensiero comune.

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196 bugie “Ciclo della cinetica rivisitata” 2019, semisfere in resina su tavola, 50x50 cm.

Scomposizione della luce - Omaggio a F. Costalonga “Ciclo Ololux”, 2019, resine su tavola, 60x50 cm.

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Requiem “Ciclo delle sfere” 2020 semisfere in resina su tavola 75x55 cm.

V.C.: So che stai lavorando ad un nuovo progetto monumentale, puoi raccontarci qualcosa?

G.P.: Sì certo... Dalla metà di marzo sto lavorando ad un progetto importante per un’opera pubblica da destinare al territorio bergamasco. L’idea per questo progetto è nata in me dopo aver visto quelle tristi immagini che hanno fatto il giro del mondo, i camion dell’esercito incolonnati per accompagnare alla cremazione le salme dei “caduti” di Bergamo. Il progetto è frutto di una profonda riflessione sulla vita e sulla morte, sul viaggio che accompagna la nostra vita in questo transito terrestre. Una grande scultura che non sarà commemorativa o funebre, ma basata sul concetto di “rinascita”, un ritorno alla luce con una chiave di lettura spirituale, che accoglie un grande cambiamento al quale tutti siamo chiamati. Perdonami, ma non desidero svelare ulteriori dettagli per mia scaramanzia. Mi preme invece sottolineare che sarà un lavoro di gruppo, un progetto che avrà la curatela di Fortunato D’Amico, vecchio amico e curatore di Michelangelo Pisto-

letto, il quale si occuperà anche del progetto editoriale che accompagnerà l’opera, nonché di altri importanti artisti contemporanei.

Il progetto artistico verrà totalmente curato dalla Galleria Artevents Mazzoleni, che ha accolto favorevolmente la mia idea e che si occuperà di tutta l’organizzazione e promozione dell’evento. Devo anche citare e ringraziare l’amico imprenditore della Simedil che per primo ha creduto in questo progetto e che con grande generosità metterà a disposizione tutto il supporto logistico e dei materiali che serviranno per realizzare la scultura, nonché il posizionamento della stessa. Anticipo comunque il titolo dell’opera che sarà “Porta della luce” .

V.C.: A quale ciclo, o pezzo, tieni particolarmente?

G.P.: Bella domanda… È davvero difficile per me scegliere un ciclo di opere o un mio pezzo in particolare. Ogni opera rappresenta una piccola parte di me e mi risulta difficile ogni volta privarmene.

Posso solo dirti sinceramente che ci sono alcuni lavori che non venderò mai, perché in

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essi vedo un punto di partenza o un punto di arrivo delle mie ricerche, dentro le quali c’è tutto il mio essere. Alcuni lavori racchiudono un ciclo intero di studi.

V.C.: Cosa ha significato per te vincere il BAC Winter Edition 2019?

G.P.: Essere il vincitore del BAC Winter 2019 mi ha reso molto felice, soprattutto perché essere stato scelto in mezzo a tantissimi bravi artisti che hanno partecipato al vostro Art Contest, rappresenta un premio di cui vado orgoglioso. Vedere la propria opera sulla prestigiosa copertina di Biancoscuro per me è un onore ed una gioia inaspettata. Aggiungo che questo vostro premio infonde in me fiducia e mi spinge ancor di più ad impegnarmi per migliorare e proseguire nella mia “indagine”.

Permettimi di ringraziare nuovamente te e la Giuria di Biancoscuro V.C.: Grazie per aver risposto con pazienza alle nostre domande. Ancora complimenti per questo ennesimo traguardo, spero di reincontrarti presto!

G.P.: Grazie a te Vincenzo! Un caro saluto a tutti i lettori, con l’augurio di vederti presto e di poterti stringere nuovamente la mano quando questa pandemia finirà.

V.C.: Certamente, spero presto!

Giuseppe Portella (Novate Milanese - 1962) Di origini sono siciliane, vive e lavora a Novate Milanese. Fin da ragazzo manifesta interesse e passione per la pittura e l’arte in generale. Totalmente autodidatta, le sue tecniche vanno acquisendo via via raffinatezza ed estro, in una poliedricità creativa e ponderata dedita alla continua sperimentazione.

Le sue opere in resina trovano spazio non solo in Italia, ma anche all’estero, promettendo continue conquiste.

Molte le mostre al suo attivo sia personali che collettive e internazionali e fiere d’arte.

Realizza quadri, sculture e opere di design con uno stile unico, senza mai abbandonare la resina, colei che tutto rende eterno.

Nel 2006 primo in Italia, inizia a vagliare le proprietà delle terre rare luminescenti ed a sfruttarne gli effetti di luce, proprietà naturali di questi pigmenti , unendo il vecchio al nuovo, nella ricerca della congiunzione tra passato e futuro.

Nel 2014 viene inaugurata a Novate Milanese la sua prima Opera Pubblica una scultura , posizionata su una rotonda all’ingresso del paese: “Tiamat”.

Nel mese di maggio 2017 espone le sue opere nella sua prima mostra museale presso il Museo Diocesano Francesco Gonzaga Di Mantova .

Nel settembre 2018 viene selezionato e partecipa alla 8ª Biennale d’Arte Internazionale a Monte-Carlo con la Galleria Malinpensa by La Telaccia Nel 2020 pubblicato su Catalogo Arte Mondadori – CAM n. 55

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www.giuseppeportella.it instagram.com/giuseppe.portella facebook.com/giuseppe.portella.96

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Il suono della luce “Ciclo ololux” 2020 semisfere in resina su lastra di acciaio 70x70 cm.

Oscillazione di luce “Ciclo ololux” 2020 resina e dibond su tavola 70x70 cm.

Esposizioni 2007- “ALCHIMIE di luminescenza e resina - l’uso della luminescenza nelle resine”, Fortunago (PV) 2012 - “MEMORIA DI LUCE” Opere in resina luminescente. Pavullo nel Frignano (MO) 2012 - “SINESTESIA”. Quadri e oggetti in resina e terre rare luminescenti. Castelvetro di Modena (MO) 2013 - “LA FORMA DELLA LUCE” Mostra in due atti. Villa Venino Novate Milanese (MI) 2014 - Inaugurazione opera pubblica “TIAMAT - la Terra prima dell’uomo”,

Scultura luminescente, Rotatoria di Via Rimembranze - Novate Milanese (MI) 2015 - “IL BUIO NON ESISTE” Cascina Centro Parco - Parco Nord Milano, Sesto San Giovanni (MI) 2017 - “OLTRE LA SOGLIA DEL CIELO” Museo Diocesano Francesco Gonzaga, Mantova; 2018 - Galleria Wikiarte - Bologna 2019 - “CIBART 2019” Palazzo Rossetti, Seravezza Lucca.

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V I T T O R I O VA L E N T E MAESTRO DEL SILICONE

o i g g a i V n I e n i h c a m u #L e m e i s n I o m a i t r a p i R #

Segui le lumachine su instagram @vittoriovalente4548 Hashtag ufficiale #lumachineinviaggio

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Jean-François Réveillard From Paris to the swiss mountains di Daniela

Malabaila

“

Contemporary art has to use all mirrors, techniques, and spread cultural ideas through the big network around the earth. There is no inferior or depreciated way to perform art, web, TV, digital facility, social network or simple paper, all are pencils and medium of the century.

JfR

J

ean-François Rèveillard, in arte JfR, è un pioniere dell’arte digitale, ha infatti iniziato ad applicare le nuove tecnologie ai suoi lavori già agli inizi degli

anni ‘80, lanciando al contempo uno dei primi studi di WebTv, fino ad arrivare ad una delle prime TV interamente digitali in Europa, nel 1997.

“Grazie alla stampa 3D di un concetto, una forma creata su un supporto virtuale, diventa realtà tangibile”, così spiega la decisione della tecnica utilizzata per dare forma concreta alla scultura “Post Hu

”

man”, che ha riscosso grande successo al BIANCOSCURO Art Contest Winter Edition. La propensione verso il futuro insita nell’animo di JfR, fa sì che utilizzi sempre le ultime tecnologie per creare e dare forma ai suoi progetti, ma la filosofia che c’è dietro a tutto è sempre ben radicata nel passato e nelle origini dell’arte.

Jean-François studia, medita, si interroga: “Qual è la traccia dell’uomo che rimarrà nel futuro?”

Lavora dunque su cimeli, artefatti, immagini, testi riferiti alla questione dell’arte

JfR 3D sculptures *POSTHUMAN* BIANCOSCURO

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JfR 3D sculptures *POSTHUMAN*

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“

Drawing is my daily exercize, always first step of an idea generating concept, sculpture, painting, or videoartwork. Technics really depends of my moods, but one thing is regular, everyday (night), i draw.

JfR

”

JfR *RELIQUIAE*

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ed alla sua persistenza nella scala temporale; da questo grande lavoro di ricerca sono nate due nuove opere: *RELIQUAE* e “TRACE”.

La prima, *RELIQUAE*, è la sua raffigurazione di un futuro distopico: l’uomo caricherà (upload) la sua coscienza in forme oniriche, i resti di uno stato naturale perduto. Una volta scomparso, l’uomo esisterà solo attraverso le reliquie “religiosamente” conservate da un server.

Le domande dell’artista proseguono, si chiede se ha ancora senso rimanere vivi in un corpo di carne e ossa, e quale posto possono avere gli esseri umani. Possono creare per migliorare o aggiornare dei concetti, ma quale sarà il senso di tutto ciò? E in tutto questo, che posto avrà l’arte con la sua necessità come messaggio o come artefatto, in un futuro in cui l’uomo perde gradualmente il suo posto sul pianeta? Il lavoro proposto attraverso *RELIQUAE* dà uno sguardo verso l’emergenza di civiltà.

L’opera performativa “TRACE” è figlia di questa domanda: “In un futuro in cui l’umanità sta gradualmente perdendo il suo posto sul pianeta, l’arte ha qualche significato come messaggio o semplicemente come artefatto?”

La rivoluzionaria performance crossmediale di JfR cerca modelli analizzabili, e lo fa per mezzo dell’arte. Il suo lavoro ruota sempre attorno a un tema centrale con affermazioni forti, influenzato dalla filosofia e dalla vita moderna. JfR pone la questione dell’impronta, “TRACE”, che la nostra esistenza e le nostre civiltà lasceranno alle spalle, si riferisce dunque alla sfida e al ruolo dell’arte nel garantire permanenza e sostenibilità.

L’arte ha significato anche senza l l’uomo? s

Jean-François Réveillard Conosciuto anche come JfR, è un artista svizzero nato a Parigi e trova la sua ispirazione proprio nelle montagne svizzere.

La sua tecnica pittorica si ispira principalmente alla calligrafia giapponese. Oltre alla pittura, l’artista è fortemente coinvolto nei media digitali, nella videoarte, nella stampa digitale, nel 3D e nei mondi virtuali. Gli piace definirsi un “Cross Media Picture Maker”.

Applica l’arte contemporanea come uno specchio, riflettendo e diffondendo la cultura, idee politiche e filosofiche. www.yoorart.com facebook.com/jfr.dbc instagram.com/jfr_yoorart

JfR *RELIQUIAE* BIANCOSCURO

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L’arte emiliana risponde al cambiamento Bologna propone un piano per la cultura di

Mario Gambatesa

L’

Istituzione Bologna Musei è alle prese con un piano tecnico organizzativo, per la riapertura dei vari luoghi della cultura. Le numerose sedi espositive del capoluogo emiliano, rispondono in modo attento agli standard nazionali messi in campo dopo l’emergenza Covid-19 dei mesi precedenti, che ha congelato, anche se in modo parziale, le iniziative culturali. Bologna non si è fermata e non si ferma!

In questi mesi è riuscita, attraverso un potenziamento dell’offerta digitale, a offrire servizi di qualità a distanza. Con speciali

newsletter, gli utenti sono stati ampiamente informati su tutte le attività digitali promosse nei vari musei, mentre sui social si è narrato, attraverso numerose fotografie, gli oggetti delle collezioni museali e le loro storie. Per i più piccoli invece, sono stati messi a disposizione alcuni quaderni didattici che raccontano la storia delle civiltà antiche.

Successivamente, si sono svolte numerose dirette social, tenutesi da diversi storici dell’arte, guide turistiche ed altri esperti grazie alla rassegna “La Storia #aportechiuse”. Per Bologna, il prossimo passo sarà quello di prorogare alcune mostre,

Mostra “Il Camino dei Fenicotteri.

I disegni dei Casanova dall’Æmilia Ars alla Rocchetta Mattei” Museo Davia Bargellini

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biancoscuro

Museo Civico Medievale Ph. Roberto Serra

come ad esempio l’esposizione “Imago splendida. Capolavori di scultura lignea a Bologna dal Romanico al Dueceneto”, e la mostra “Etruschi. Viaggio nelle terre dei Rasna”. Queste riaperture dovranno essere funzionali ad un nuovo modo di fruizione dei visitatori, che dovrà essere adottato, e adattato, alle particolari circostanze di questo periodo. Quindi, si punterà sicuramente su un turismo culturale che sarà meno orientato alla fruizione del grande evento, ma più meditato, con tempi meno frenetici, cercando di valorizzare al meglio ogni esperienza in un ottica culturale amplia e distintiva.

Sul fronte della formazione educativa, è in corso di reimpostazione l’attività di-

Mostra fotografica “Noi siamo la Minganti. Bologna e il lavoro industriale tra fotografia e memoria (1919-2019)” Museo del Patrimonio Industriale

Museo Morandi Ph. Matteo Monti

A sinistra: Cimitero storico momumentale Certosa di Bologna Chiostro VII Sotto: Museo per la Memoria di Ustica Ph.Sandro Capati

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ALBY MILANO

dattica per il prossimo anno scolastico, con un’offerta integrata che prevederà sia una proposta digitale adeguata, sia una presenza nelle sale in condizioni di sicurezza. Nel frattempo, già per quest’ultimo mese scolastico, è stata riorganizzata in corsa l’offerta per le scuole con modalità di didattica online distribuita su tutte le aree museali.

Inoltre, verrà utilizzato strategicamente il Museo Morandi, come punto di forza della regione. In questo modo si cercherà di valorizzare al meglio le capacità attrattive, attraverso un percorso espositivo che illustra l’operato di uno degli artisti più importanti in campo internazionale. Si intitola “Colori e forme del visibile”, la prima retrospettiva su Morandi organizzata in Cina, la cui inaugurazione è prevista al CAFA Art Museum di Pechino per il prossimo autunno. Parliamo quindi di un ripartenza unica e costruttiva, composta da secoli e secoli di straordinaria ricchezza, rivisitata e adattata in chiave contemporanea, dimostrando che anche il mondo dell’arte risponde al cambiamento e continuerà a farlo adattandosi quol tidianamente a nuove sfide. s

Sopra: Collezioni Comunali Arte Galleria Vidoniana Ph. Giorgio Bianchi

Sotto: MAMbo - Collezione permanente Ph. Giorgio Bianchi

FREEDOM olio su tela con inserti in gesso e mascherina 60x80 cm.

Alby Alberto Milano Alby MIlano albydance@hotmail.com You tube Alby - Alberto Milano www.pitturiamo.com

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FEDERICA MARIN

PIANETA TERRA 01 // IL DONO PREZIOSO - 2020, fotografia digitale, 75x100 cm.

federica_archmarin

federica.marin@fastwebnet.it

Federica Marin

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I primi 15 anni di Fondazione Merz Online, la storia espositiva della Fondazione di

Rebecca Maniti

D

opo qualche prima settimana un po’ incerta, anche il mondo delle esposizioni ha trovato il modo di non svanire dietro ad un portone chiuso, e così ha fatto anche la Fondazione Merz, che ha colto l’occasione per lanciare un nuovo format “#FondazioneMerzRewind”, rigorosamente online. Si tratta di un percorso che tocca i primi quindici anni della Fondazione; ricordi, immagini, testi e video a raccontare i successi espositivi.

Quanto andiamo a vedere una mostra, difficilmente conosciamo realmente il luogo che la ospita (e che spesso la organizza e produce), ci limitiamo ad attraversare l’arte che ci ha attirato fino a lì. Seguendo Fondazione Merz online, su Instagram o su Facebook, ricordiamo il restauro e la trasformazione dell’ex centrale termica Officine Lancia di via Limone, nella sede del centro d’arte contemporanea, nato per volontà di Beatrice Merz: era il 29 aprile del 2005, e la Fondazione venne inaugurata con una mo-

A sinistra: veduta della mostra “KARA WALKER. A NEGRESS OF NOTEWORTHY TALENT” (25 marzo - 3 luglio 2011) Ph. Paolo Pellion - Courtesy Fondazione Merz A destra: veduta della mostra “Wael Shawky. Al Araba Al Madfuna”, un progetto espositivo del vincitore della 1a edizione del Mario Merz Prize (2 novembre 2016 - 5 febbraio 2017) Ph. Renato Ghiazza - Courtesy Fondazione Merz

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stra dedicata a Mario Merz. A questa sono poi seguiti numerosi progetti che hanno visto alternarsi esposizioni dedicate a Mario e Marisa Merz a grandi progetti site-specific di artisti nazionali e internazionali invitati a confrontarsi con lo spazio della Fondazione. Tra questi 172 artisti, sono stati accolti Massimo Bartolini, Elisabetta Benassi, Fatma Bucak, Christian Boltanski, Mattew Barney, René Burri, Carlos Garaicoa, Petrit Halilaj, Alfredo Jaar, Sol LeWitt, Masbedo, Mona Hatoum, Emilio Prini, Wael Shawky, Simon Starling, Kara Walker, Lawrence Weiner, e tanti altri.

Commenta Beatrice Merz, Presi-

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dente della Fondazione: “Questo compleanno è giunto in un momento storico che ci ha colto tutti impreparati. Festeggiamo questi 15 anni di attività ripercorrendo quanto realizzato fino a ora, ma con lo sguardo ben puntato verso i prossimi anni, riflettendo sulla natura del luogo, dello spazio, del ruolo giocato dagli artisti e dalle loro opere e dalla funzione sociale data a un’istituzione. È il momento di porsi domande, l’arte non può infondere certezze, ma può aiutare a far cambiare il ritmo della ruota.”

A maggio è stato lanciato “Scusi, non capisco”, una serie di incontri, dialoghi, fra due personaggi che hanno collaborato con la

15 ANNI DI FONDAZIONE MERZ IN NUMERI: • 170 mostre di cui 9 fuori sede e 13 collaborazioni internazionali con retrospettive Mario e Marisa Merz; • 147 eventi; • 172 artisti di cui 64 italiani e 107 internazionali; • 97 autori; • 217 musicisti; • 1.605 laboratori; • 75.000 bambini; • 96 domeniche lunghissime; • 22.032 ore di lavoro di allestimento; • 8.250 kg di creta utilizzata; • 110 tonnellate di frammenti di vetro; • 130 metri cubi di sabbia; • 720 rose di Damasco, piante acquatiche e ciclamini; • 47 pubblicazioni; • 43 piani di un palazzo di libri; • 45 bramini; • 7 giorni dedicati a rituali del fuoco.

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Fondazione. Attraverso una serie di domande, si cerca di capire il ruolo dell’arte in un momento critico come questo. Queste discussioni vengono trasmesse in diretta Instagram sul profilo della Fondazione Merz ogni domenica pomeriggio.

Fondazione Merz ha trovato il modo di celebrare i suoi primi quindici anni, in attesa di poter ripartire anche con le attività pubbliche con una grande esposizione dedicata all’arte femminile: “PUSH THE LIMITS”. Curata da Claudia Gioia e Beatrice Merz, la rassegna indagherà la capacità dell’arte di porsi costantemente al limite, spostando l’asse del pensiero, della percezione, del

discorso, immettendo nuovi elementi nel sistema. Proprio come un’Istituzione culturale ed artistil ca, deve fare. s

Sopra: veduta della mostra “Simon Starling. The Inaccessible Poem” (29 ottobre 2011 - 15 gennaio 2012) Ph. Paolo Pellion Courtesy Fondazione Merz

A destra: veduta della mostra “Alfredo Jaar.

Abbiamo amato tanto la rivoluzione” (5 novembrer 2013 – 9 marzo 2014) Ph. Andrea Rossetti - Courtesy Fondazione Merz Sotto: veduta della mostra “Petrit Halilaj.

Shkrepëtima”, un progetto espositivo del vincitore della 2° edizione del Mario Merz Prize (29 ottobre 2018 – 3 febbraio 2019) Ph. Renato Ghiazza - Courtesy Fondazione Merz

Viviana

Pennati viviana.pennati.ink@gmail.com viviana_pennati_tattoo

Heart broken 2020, tecnica mista su tela, 30x30 cm. (cad)

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BENJO E CLARINETTO BLU - 2013, olio su tavola telata, 80x120 cm.

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-

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La personale di Peter Wächtler

La Fondazione Antonio Dalle Nogare riapre al pubblico dopo l’avventura virtuale del progetto #sharingiscaring di

Ettore Tiretto

F

ondazione Antonio Dalle Nogare ha riaperto i propri spazi al pubblico sabato 23 maggio. Grazie agli ampi spazi delle sale espositive, sia interne che esterne, il pubblico può tornare a visitare i vari percorsi espositivi in tutta sicurezza.

La Fondazione Antonio Dalle Nogare sarà aperta tutta l’estate, il sabato dalle 10.00 alle 18.00 e per garantire a tutti la possibilità

di visitare la Fondazione di persona, è stata istituita una fascia protetta, dalle 10.00 alle 11.00, per gli over 65 e gli immunodepressi (una lodevole iniziativa che speriamo perduri anche dopo la fine di questa terribile emergenza sanitaria). Ci saranno percorsi guidati speciali, contenuti digitali, movie screenings e laboratori per famiglie, il tutto a tema.

Il primo capitolo ha come titolo “Beyond, instead, possible: Robert Barry e la nascita dell’arte

concettuale” e si svolgerà sabato 6 giugno. É anche, finalmente, visitabile la mostra di Wächtler, artista emergente che ha progettato le sue opere site-specific per questa esposizione personale dal titolo “Peter Wächtler: Up The Heavies”, a cura di Vincenzo de Bellis. Opere scultoree, fotografiche, pittoriche e video, si mettono in relazione in questa mostra definibile come “complessa”.

Abbiamo però la possibilità di conoscere davvero l'artista, gli aspetVista dell’installazione alla Fondazione Antonio dalle Nogare Peter Wächtler, Up the Heavies, 2019 Orso (left), Lupo (right) 2019, bronze, various dimensions Courtesy Fondazione Antonio dalle Nogare

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ti caratteristici della sua pratica, i suoi interessi e le sue passioni. oltre che la capacità di muoversi liberamente attraverso i diversi mezzi espressivi. Un’esposizione che non mi lascerei sfuggire, ricca l di spunti di crescita creativa. s PETER WÄCHTLER Up the Heavies

12 ottobre 2019 - 15 agosto 2020 Fondazione Antonio Dalle Nogare, Bolzano INFO E PRENOTAZIONE T. +39 0471 971626 visit@fondazioneantoniodallenogare.com Sabato 11.00 - 18.00 Sabato 10.00 - 11.00 ingresso riservato ai visitatori over 65 e immunodepressi Da martedì a venerdì solo su prenotazione Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito Peter Wächtler, Up the Heavies, 2019 Ruins of Mankind, Fragments of my soul 2019, b_w photography on baryta, 108x107,5 cm. Courtesy Fondazione Antonio dalle Nogare

www.fondazioneantoniodallenogare.com

PETER WÄCHTLER Up The Heavies

T

Fondazione Antonio Dalle Nogare, Bolzano October 12, 2019 - August 15, 2020

he solo show of Peter Wächtler is the second commission project that the Antonio Dalle Nogare Foundation trusts to an emerging artist.

This project will cover the whole ground floor of the building in Rafenstein Street.

Invited to conceive a site-specific project for the this space and the surrounding context of the city and the region, Wächtler came visiting a few times during the year; he studied the places and the production sites which inspired him to realize an exhibition project that comprises sculpture, photography, painting and video. The result is a complex show where the artist underlines some key aspects of his practice: the interest for traditional artistic techniques and craftsmanship; the need for a narrative structure, similar to the one of a tale (Wächtler is a writer too) and the ability to switch freely from one expressive medium to another. All those media become part of a tale where

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the personal mixes with the impersonal, the subjective with the objective, the real with the surreal or the irreal. Peter Wächtler works in a variety of media: bronze and ceramics, text, drawings and video. But in many ways ‘stories’ could be described as his main artistic material.

His works often evoke a narration, with animals or human figures in animated states. They are made in ways that use and adapt elements of fiction, folklore and pop culture, relating to specific traditions and common tales, and materialize the ways of telling a story as much as the story itself. Wächtler (b. 1979 Hannover, Germany) lives and works in Berlin. His work has been the subject of solo exhibitions at the Bergen Kunsthall, Bergen; Schinkel Pavillon, Berlin; MUKHA, Antwerp; Chisenhale Gallery, London and Renaissaince Society, Chicago. His solo show at Kunsthalle Zurich opened on l August 30, 2019. s

Haegue Yang, Sol LeWitt Upside Down onto Wall White Five Part Modular Piece, Scaled Down 28 Times, 2016, aluminum Venetian blinds, aluminum hanging structure, powder coating, steel wire, LED tubes, cable, 100x252,2x103,6 cm.

Fondazione Antonio Dalle Nogare Collection display 2020, installation view Courtesy Fondazione Antonio Dalle Nogare

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LABIRINTO - Ph. Dario Tettamanzi

Fondazione Pomodoro Alla scoperta del Labirinto di

Flavio Ennante

U

na passeggiata virtuale completamente immersiva: è quella che Fondazione Arnaldo Pomodoro ha fatto realizzare per continuare il proprio lavoro di divulgazione culturale.

“LABYR-INTO - dentro il Labirinto di Arnaldo Pomodoro” è il digital tour che racconta l’opera ambientale “Ingresso nel

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labirinto”, installata negli spazi ipogei della sede espositiva della Fondazione. L’installazione di circa 170 mq, realizzata da Arnaldo Pomodoro dal 1995 al 2011, è espressione della riflessione e della sintesi del proprio percorso di artista. Addentrarsi in quest’opera significa fare un viaggio magico e misterioso nella mente del Maestro, tra rielaborazioni di sculture già note

e forme ancora in divenire.

Un’opera nella sua versione 3D, un’opera sull’opera, oltre che dentro l’opera. Il progetto, realizzato da Oliver Pavicevic (navigazione e ricostruzione degli ambienti e delle interazioni) e Steve Piccolo (sonorizzazione con i suoni prodotti all’interno del labirinto impiegando tecnologie olofoniche), ideato e curato da Eugenio Alberti Schatzin in

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collaborazione con la Fondazione Arnaldo Pomodoro, è stato possibile grazie al contributo di TSS (The Secular Society, Virginia, USA).

Il visitatore può immergersi nella versione virtuale e interattiva del Labirinto senza muoversi da casa, in un’esperienza multisensoriale in realtà virtuale, fruibile in due versioni basate su due distinte tecnologie: Gear VR e HTC Vive.

La Fondazione ha intrapreso già qualche anno fa un percorso volto a favorire una sempre più ampia conoscenza dell’opera di Arnaldo Pomodoro e a rendere accessibile al grande pubblico la propria Collezione; il lockdown ha forse leggermente accelerato la messa in rete del tour virtuale che vuole far sperimentare in prima persona come nasce un’idea e come un’ispirazione possa diventare un’opera d’arte.

A “LABYR-INTO” si affianca l’esperienza multisensoriale “Alla

LABIRINTO - Ph. Dario Tettamanzi

“

Oggi penso che le mie sculture siano cristalli, o nuclei, oppure occhi o fuochi, per la frontiera e per il viaggio, per la complessità, per l’immaginario.

Arnaldo Pomodoro

BIANCOSCURO

”

LABIRINTO - Ph. Dario Tettamanzi

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scoperta del Labirinto di Arnaldo Pomodoro”, che non si limita alla visita virtuale nel Labirinto, ma offre attività educative e interattive dedicate a differenti argomenti e divise per grado di difficoltà, pensate per essere accessibili a ogni età e con ogni livello di preparazione.

Il progetto, curato da Paola Boccaletti (coordinatrice del Dipartimento educativo della Fondazione), nasce da diverse esperienze di divulgazione dell’opera del Maestro intraprese negli scorsi anni, in particolare dal libro per bambini “Il Labirinto di Arnaldo Pomodoro”, edito da Corraini e realizzato grazie a un contributo di Fondazione Cariplo, e dal sopra citato “Labyr-Into” di Oliver Pavicevic e Steve Piccolo, prodotta dalla Fondazione Arl naldo Pomodoro. s Sotto e a destra: LABIRINTO Ph. Dario Tettamanzi

Maria Cavaggioni maria.cavaggioni@gmail.com Maria Cavaggioni

maria.cavaggioni

Il colore dei pensieri - 2019, olio su tela, 70x70 cm.

Ornella De Rosa (in arte DRO)

OLTRE - acrilico su tela 80x140 - DRO 2020

FB page: DRO ARTE

-

FB profile: Ornella De Rosa

www.ornelladerosa.it - ornella627@gmail.com

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A Palazzo Creberg la cultura non si ferma Tante le iniziative online della Fondazione di Vincenzo Chetta

C

ome tantissime altre istituzioni, anche la Fondazione Creberg ha trovato il modo di non fermare le attività che aveva programmato per l’anno 2020.

Così racconta i nuovi modi di divulgazione culturale, Angelo Piazzoli, Segretario Generale della Fondazione Credito Bergama-

sco: “In attesa di tornare in futuro (quando sarà consentito e in tutta sicurezza) alla visione diretta delle opere e alla partecipazione personale agli eventi culturali e artistici, intendiamo proseguire in modo efficace la nostra attività culturale utilizzando l’appassionata community (oltre 10.000 persone) che nel tempo si è formata attorno alla Fondazione, attraverso

la Newsletter e i profili Facebook, Instagram, Youtube. I canali social ci consentono inoltre di dar corso a nuove iniziative; stiamo pensando a una nuova modalità espositiva, chiamata “Finestra d’artista”, che consentirà di presentare da remoto mostre dedicate a artisti in forma smart, creando un ulteriore filone della nostra pianificazione volta a valorizzare le variegate e multiformi espressioni d’arte dei nostri territori.”

Con nuove modalità compatibili con l’emergenza sanitaria e con le restrizioni, le iniziative previste sono state confermate in modalità virtuale, le mostre programmate sono accessibili al pubblico attraverso percorsi online che consentono sia la visione delle opere che un primo approfondimento delle tematiche trattate. Naturalmente non si ferma la realizzazione dei cataloghi delle esposizioni principali: oltre alla normale pubblicazione cartacea, saranno consultabili e scaricabili anche online per rendere al visitatore l’intera esperienza che potrebbe avere in una consueta visita in Fondazione. Tutta la parte resa digita è accessibile tramite il sito www.fondazionecreberg.it e sui profili Facebook, Fabio Agliardi - Insegnare agli ignoranti A destra: Mimmo Rotella - Dante

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Salvatore Accolla - Senza titolo 2002, smalto su cartoncino, 50x70 cm.

CALENDARIO Ogni giorno è Pasqua.

Salvatore Accolla, un outsider fra le pietre della Magna Grecia a cura di Angelo Piazzoli, Daniela Rosi e Tarcisio Tironi

Instagram e Youtube di Fondazione Credito Bergamasco.

Oltre ai percorsi espositivi delle mostre in programma, è possibile documentarsi online sulle opere e sui lavori di restauro dell’iniziativa “Grandi Restauri”, che ha comportato ad oggi il recupero di numerosi dipinti di Chiese e di Istituzioni del territorio (ad oggi 94 dipinti riguardanti 60 opere). È stato anche realizzato un percorso online di approfondimento virtuale del Palazzo Storico del Credito Bergamasco con un appuntamento settimanale e collegamenti tematici a per-

corsi culturali sia in città che in provincia.

“Le nostre iniziative artistiche conclude il Segretario Generale affiancano l’attività liberale che la Fondazione da sempre esercita negli ambiti della solidarietà sociale, dell’education, della cultura, della ricerca medica e scientifica; queste ultime, in questo difficile periodo, sono state ulteriormente rafforzate con significative erogazioni operate in favore di istituzioni e formazioni sociali operanti in prima linea nella emergenza sanitaria in corso.” Arte e cultura che fanl no del bene, a tutto tondo. s

Dal 9 maggio la mostra sarà visitabile virtualmente sui canali social della Fondazione Credito Bergamasco.

Dal 26 luglio, fermo restando il video relativo alla mostra online, sarà consultabile la versione online del catalogo sul sito della Fondazione.

Opere di Misericordia.

Fabio Agliardi

a cura di Angelo Piazzoli, Daniela Rosi e Tarcisio Tironi

Dal 12 giugno la mostra sarà visitabile virtualmente sui canali social della Fondazione Credito Bergamasco.

Dal 5 settembre, fermo restando il video relativo alla mostra online, sarà consultabile la versione online del catalogo sul sito della Fondazione. Dal 17 ottobre, fermo restando il video relativo alla mostra online, sarà prevista un’iniziativa a sorpresa.

Oltre la POP ART la MEC-ART italiana a cura di Angelo Piazzoli e Paola Silvia Ubiali

La mostra Oltre la POP ART. La MEC-ART italiana si sarebbe dovuta tenere a Palazzo Creberg dal 7 maggio al 5 giugno; è stata rinviata al 3 ottobre fino al 6 novembre.

L’esposizione verrà inaugurata il 3 ottobre.

Il senso della misura.

Opere di Marco Grimaldi a cura di Angelo Piazzoli e Paola Silvia Ubiali

Dal 13 novembre mostra sarà visitabile virtualmente sui canali social della Fondazione Credito Bergamasco.

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Tra realtà e immaginazione Il genio surrealista arriva a Seoul di

Mario Gambatesa

R Qui sopra e nelle prossime pagine, alcune viste del percorso espositivo della mostra “Inside Magritte”

ené Magritte, il genio surrealista, arriva all’Insa Central Museum a Seoul! Dopo l’enorme successo ottenuto lo scorso anno a Milano e a Firenze, la mostra intitolata “Inside Magritte” arriva a invadere gli spazi del museo più importante della capitale della Corea del Sud. La rassegna, aperta al pubblico dal 29 aprile e visitabile (a seconda della variazione delle regole sanitarie in

costante aggiornamento) fino al prossimo 13 settembre 2020, è stata possibile grazie all’impegno di Crossmedia, una società che lavora nell’industria culturale digitale, che ha accolto la sfida di proporre idee innovative, in un periodo di piena emergenza. L’esposizione analizza uno degli artisti più ammirati di tutto il mondo. René Magritte nasce il 21 novembre 1898 a Lessines, in Belgio, dopo aver frequentato l’Accademia di Belle Arti

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di Bruxelles, lavora come grafico nel design di carta da parati. In seguito, inizierà ad interessarsi all’ambito delle avanguardie, assimilando influenze, passando dal cubismo al futurismo. La svolta surrealista, arriverà di lì a poco grazie alla

scoperta delle opere di Giorgio de Chirico, in particolare dopo aver ammirato “Canto d’amore”, che ne fu completamente folgorato. Nel 1925 aderisce al gruppo di Bruxelles, composto da Camille Goemans, Marcel Lecomte e Paul Nougé, rea-

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In questa e nella prossima pagina, alcune viste del percorso espositivo della mostra “Inside Magritte”

lizzando la prima opera dai caratteri pienamente surrealisti intitolata “Le Jockey perdu” (Il Fantino Perduto). Magritte, elabora così la teoria di una pittura che esprime a pieno l’idea di questa nuova corrente artistica, all’interno della realtà stessa, creando immagini dai toni avanguardistici e situazioni talmente irrealistiche che possono prendere vita solo nei sogni. Nel 1926 prende contatto con André Breton, il teorico del Surrealismo, e l’anno successivo tiene la sua prima mostra personale, presso la galleria Le Centaure di Bruxelles. La sua arte acquista una forte componente filosofica, portando in discussione la percezione delle cose e la prospettiva, ormai consolidata, del mondo che gli sta intorno. Il suo stile meticoloso, per certi versi rifinito e per altri immediato, mette in gioco un apparente realismo che diventerà il mezzo per raggiungere un fine, quello di incrementare nello spettatore il dubbio sulla veridicità di quello che viene raffigurato.

Il suo obiettivo non è quello di ritrarre e

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Alex Meli

di evidenziare l’ordinario, ma di svelare lo straordinario, cercando in tutti i modi di tenere a freno il lato tecnico su quello estetico.

L’iniziativa “Inside Magritte”, curata da Julie Waseige, storica dell’arte e già direttrice scientifica del Magritte Museum di Bruxelles, è un itinerario in cui i protagonisti assoluti sono alcuni tra i quadri più iconici della pittura del Novecento: tra uomini in bombetta che galleggiano nei cieli delle metropoli, corpi umani con la testa di pesce e l’ambigua “Ceci n’est pas une pipe”

(Questa non è una pipa). Un’esperienza unica che porterà lo spettatore a vivere una realtà multisensoriale, che in soli trentacinque minuti aprirà le porte al l mondo onirico di Magritte. s

Senza titolo 2018 acrilico su tela con applicazione di borchie, 40x40x2 cm.

Firma e numero di archivio sul retro autentica su foto

alexmeli.art@libero.it alexmeli.art Alex Meli

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www.newartpromotion.it

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Ferrara ebraica L’ultima mostra del MEIS è visitabile virtualmente di Rebecca Maniti

I

l Museo Nazionale dell’Ebraismo Italiano e della Shoah ha riaperto il 28 maggio con il “Giardino delle domande”, un percorso verde conduce alla scoperta delle regole dell’alimentazione ebraica e delle piante bibliche.

Purtroppo l’interno del Museo rimane ancora, temporaneamente, chiuso, ma questo non esclude di poter continuare ad usufruire dell’attività online che hanno predisposto per gli scorsi

mesi di chiusura. Il MEIS ha voluto allestire la mostra “Ferrara ebraica” per spiegare perché il museo sia nato proprio in questa città e ha dato la possibilità di visitarla e di conoscere almeno una parte della grande ricchezza del patrimonio ebraico della città estense, attraverso un visita virtuale. Tramite il sito ferraraebraica.meis.museum è possibile visitare, conoscere e approfondire alcune storie ebraiche ferraresi.

L’esposizione, organizzata piena-

mente dal MEIS, voluta dal Direttore Simonetta Della Seta, curata da Sharon Reichel e allestita da Giulia Gallerani, è un viaggio tra passato e presente che racconta una delle comunità ebraiche più antiche d’Italia, con una eredità culturale e artistica unica. Lungo il percorso espositivo troviamo un video introduttivo (realizzato in collaborazione con l’Istituto di Storia Contemporanea di Ferrara con un contributo della Regione Emilia Romagna, legge Memoria Marco Caselli - Nirmal

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Ricarda

Guantario Ricarda Guantario Art Ricarda Guantario rica.guantario71@gmail.com

Marco Caselli - Nirmal

del Novecento) ed alcune interviste agli ebrei ferraresi firmate da Ruggero Gabbai, foto di Marco Caselli Nirmal, mentre le musiche della tradizione ebraica ferrarese (incise appositamente per il MEIS) sono curate ed eseguite da Enrico Fink. Vengono presentati oggetti cerimoniali a ricostruire l’ambiente sinagogale, ed inoltre ci si interroga sul rapporto tra gli ebrei e la città, portando alla luce racconti affascinanti intrecciati con la storia.

La mostra è stata resa possibile grazie

Ricarda Guantario è un’artista italiana, il suo stile spazia dal figurativo contemporaneo all’arte concettuale. Tra le diverse mostre se ne citano alcune: Esposizione di Arti Visive “Triennale di Roma” 2017, Rassegna Internazionale “Grazie Italia” 2017 con il Patrocinio del Padiglione Guatemala 57ª Biennale di Venezia, Galleria Farini e Daliano Ribani Arte Casa d’Aste.

alla collaborazione del Comune di Ferrara e della Comunità ebraica di Ferrara, che ha prestato al MEIS gran parte degli oggetti, ed è stata sostenuta da Holding Ferrara Servizi, con il patrocinio della Regione Emilia-Romagna e dell’Unione delle Comunità Ebraiche Italiane. Con questa rassegna resa disponibile online, il MEIS vuole condividere i valori che hanno permesso agli ebrei di continuare a costruire la loro vita anche in momenti difficili, dando l un messaggio di forza e speranza. s

Marco Caselli - Nirmal

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L’Italia ai tempi del Covid-19” 2020 tecnica mista, cubi in legno colorati, acrilico e foglia oro su tela, 40x130 cm.

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Living room

Il salotto di Manifattura Tabacchi dedicato alla cultura e all’arte contemporanea, è diventato digitale di Flavio

Ennante

A

ncora un paio di settimane confermate per le iniziative digitali di Manifattura Tabacchi: LIVING ROOM è il salotto dedicato alla cultura e all’arte contemporanea, online per 6 settimane con interventi artistici, film, libri, poesie, podcast e interviste.

“In un contesto di distanza sociale e scarsità di rapporti interpersonali dal vivo, in cui siamo costretti a fermarci o a rallentare, si torna all’essenziale e ci si interroga sulle questioni fondamentali dell’esistenza umana...”. Un modo per continuare a confrontarsi e per continuare a tenere accesi i dibattiti culturali attraversi diverse rubriche che danno spazio a diverse iniziative culturali in tutte le loro declinazioni. Lanciato alla fine di aprile, il programma prevede sei rubriche per sei temi:

spazio, natura, tempo, corpo, identità, comunità. Il lunedì è per “IF I WOKE UP ONE DAY / Elaborazioni spaziali da un altro mondo” in cui viene dato spazio ad un artista che presenta il suo intervento spaziando tra video, performance, suono e immagine.

In alto a destra: Manifattura Tabacchi Living Room - Entrevue Manifattura Tabacchi HE - Living Room

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“LIEVITI / Meditazioni sull’arte per panificatori domestici” è un podcast a cura di Radio Papesse, per far lievitare i pensieri, proposto il martedì; il mercoledì è invece tempo di “POPOLI STREAMING ROOM / Documentari selezionati da Festival dei Popoli” visibili gratuitamente sulla piattaforma CG Digital.it. Ogni giovedì un nuovo appuntamento con “LIBRARTI / Rubrica sui libri d’artista, opere d’arte sotto la forma di volumi”, a cura di Centro Di, per conoscere questi oggetti affascinanti e molto dibattuti. Il fine settimana inizia con “DOCUMENTO / Video performance sperimentali” a cura di Fumofonico, per dare nuova voce alla potente e attuale poesia di Amelia Rosselli; e prosegue con “ENTREVUE/ Interviste con alcuni protagonisti del mondo dell’arte e della cultura”: momenti di approfondimento su tematiche diverse secondo i campi di competenza di ciascuno, uno spazio di dialogo, che coinvolge sei voci autorevoli nell’ambito dell’arte, dell’architettura, della moda e della sostenibilità. C’è quasi da sperare che si prosegua su questa via anche dopo quel sto periodo di distanziamento sociale. s

LIVING ROOM Manifattura Tabacchi’s Living Room dedicated to the discussion of culture and contemporary art goes digital. 6 weeks through the mediums of films, books, podcasts, poems, interviews and artistic contributions.

Monday 27 April, Manifattura Tabacchi launched its new interdisciplinary program, Living Room. Each week, on its Facebook and Instagram pages, Living Room features original cultural projects to explore a different themes, such as Space and Nature. While we await meeting and speaking with artists, curators, and experts in person, the MT Living Room program has temporarily shifted its location from Manufattura’s basement to its digital platform, offering fresh food for thought on the unprecedented reality of daily life during the COVID-19 emergency while simultaneously providing an exposition space for all forms of cultural initiatives.

Every week it presents and examines a different concept — space, nature, time, body, identity, and community — through the mediums of films, books, podcasts, poems, interviews and artistic contributions, in a multidisciplinary approach and thanks to the participations of exceptional partners and guests. s l

Gian

Reverberi

CORONA V.2 2020 mattoncini Lego 93x18x25,5 cm.

A destra: Manifattura Tabacchi - Living Room - Librarti Sotto: Manifattura Tabacchi - B8 - Ph. Niccolò Vonci

CORONA V.1 2020 stucco ceramico e legno 114x25,5x20 cm.

Gian Reverberi

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gian.reverberi@tim.it

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L’arte non si ferma!

Le bandiere d’artista del Centro Pecci di Mario

Gambatesa

I Sotto, a destra: Flavio Favelli Zuppa Inglese Bandiera (Zuppa Inglese Flag), 2020 Sotto: Nico Vascellari In Dark Times We Must Dream With Open Eyes (Flag), 2020

l Centro Pecci di Prato, ha aperto virtualmente i suoi spazi al pubblico della rete, una iniziativa dovuta alla chiusura dell’ otto marzo in coerenza con le misure adottate per limitare al massimo la diffusione del virus Covid-19. In una situazione di estrema emergenza il Centro Pecci si è reinventato. Dal 15 marzo scorso, ogni giorno, lo staff che ha continuato a lavorare da remoto, ha messo online nuovi contenuti, approfondimenti sulle mostre, video d’artista, materiale d’archivio, film e contributi di scrittori, artisti e critici. Centro Pecci Extra è iniziato con un contenuto davvero speciale: l’anteprima di “Centro Pecci 30x2. 30 anni x 2 minuti”, un film di montaggio di Maria Teresa Soldani, dedicato alla storia del museo: da

Mario Merz a Barbara Kruger ad Anish Kapoor, da Merce Cunnigham a Wim Mertens, da Germano Celant a Vito Acconci, da Fellini a Ettore Sottsass. Un caleidoscopio di facce, immagini e parole che restituisce la realtà della prima istituzione dedicata in Italia al dialogo tra tutte le arti contemporanee.

Inoltre, al Centro Pecci Extra si è voluto issare ogni settimana, una bandiera d’artista all’esterno del museo. La prima è stata “Shine” di Marinella Senatore, seguita da “In Dark Times We Must Dream With Open Eyes” di Nico Vascellari e “(Kilo)” di Marzia Migliora, successivamente si è passati alle opere di Eva Marisaldi, Flavio Favelli, Marcello Maloberti ed Elisabetta Benassi. Quest’ultima, sceglie di riprodurre sulla sua bandiera

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Francesco

Campanella

About Indiana 2017, acrilico e collage su tela, 90x100 cm.

lo spartito per clarinetto dell’interludio sinfonico detto Il volo del calabrone, tratto dall’opera “La favola dello zar Saltan” di Rimskij-Korsakov del 1900.

L’andamento del brano ricostruisce in chiave musicale, il ronzio di un insetto, in particolare gli impollinatori, come il bombo che sono tra le creature maggiormente colpite dai cambiamen-

ti climatici e dall’uso indiscriminato di pesticidi. Il loro ruolo fondamentale per gli ecosistemi rischia di essere compromesso, causando gravi conseguenze sulla produzione agricola e sulla biodiversità. Il messaggio vuole sottolineare, la necessità per l’uomo di ricreare un legame con la natura che lo circonda attraverso un mezzo, quello dell’arte, che come non mai in questo periodo deve essere una guida indispensabile da cui poter apprendere e perchè no, anche restituire.

Come diceva Aristotele: “La cultura è un ornamento nella buona sorte, ma l un rifugio nell’avversa”. s

“Quotidianamente vediamo i muri delle nostre città ricoperti di manifesti strappati, di scritte e disegni. Francesco Campanella si avvicina al mondo dell’arte prendendo spunto proprio dalla strada, inventando il suo stile dato da un connubio tra Informale e Street Art. Una pittura d’azione la sua, istintiva, gestuale che nasce da un’esplosione di colori, che utilizza una profonda simbologia, una scritta, una parola, un segno colpisce l’immaginazione dell’artista, adagiato sulla tela l’oggetto prende vita e si crea la composizione, all’impulso si aggiungono i colori, altri segni fino al completo appagamento della mente, solo in quel momento l’opera sarà completa e l’artista sarà soddisfatto del proprio lavoro [...].”

Dott.sa Roberta Filippi

francesco.campanella.391 francescocampanella7@gmail.com

In alto: Bandiera/ Centro Pecci Extra, 2020.

Veduta dell’esterno del Centro Pecci con la bandiera Shine di Marinella Senatore ©Margherita Villani A sinistra: Marzia Migliora - Kilo, 2020 Sotto: Cristiana Perrella, direttrice del Centro per l’arte contemporanea Luigi Pecci. Ph. OKNOstudio

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Be what you want 2017 acrilico e collage su bancale di legno 40x80x10 cm.

biancoscuro

Come nasce una mostra?

Le OGR sono online con tante nuove rubriche di

Daniela Malabaila

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all’inizio della chiusura forzata dei luoghi di aggregazione, sono ormai passati mesi, e anche le OGR di Torino si sono mosse per mantenere attiva la loro proposta culturale. Con il progetto OGR is digital si raccontano al pubblico le attività delle OGR Cult e Tech che, in questo periodo di emergenza sanitaria, proseguono in modalità virtuale sul sito www.ogrtorino.it. Prima fra le rubriche più seguite ed accattivanti, quella che svela i retroscena della preparazione delle mostre, da “Procession of reparationists” ai lavori preparatori del dipinto murale “Track” di Arturo Herrera (entrambe opere permanenti delle OGR), passando per il progetto “Dancing is what we make of falling 1”, ogni giovedì fino al 30 luglio verrà condiviso un nuovo racconto su “Come nasce una mostra”:“Restituire una nuova vita alle OGR è stato un percorso certamente complesso, ma sempre emozionante: vogliamo condividere anche questi ‘dietro le quinte’ della loro rinascita con il pubblico di OGR, affinché possa apprezzarle ancora di più come luogo che appartiene a tutta la comunità”, dichiara Massimo Lapucci, Direttore Generale delle OGR e Segretario Generale della Fondazione CRT.

[1] e [2] William Kentridge - Procession of Reparationists work in progress - Ph. Andrea Rossetti [4]

[3] e [4] William Kentridge - Procession of Reparationists work in progress - Ph. Samuele Piazza

Dal 25 maggio, il progetto OGR is digital si è arricchito di quattro nuove rubriche. Molti i temi trattati attraverso la condivisione di contenuti inediti: storie di eccellenze legate al mondo OGR Tech si intersecano con progetti educativi e divulgativi pensati dal Dipartimento Educazione delle OGR Torino per scuole, bambini e famiglie.

“Digital Focus” e “Tech Inspiration”, sono i nuovi format dedicati alle eccellenze che popolano le OGR Tech. La prima uscirà 2 volte al mese con approfondimenti legati ad argomenti specifici in ambito tech e digital (intelligenza artificiale e blockchain, Realtà Aumentata e Realtà Virtuale, Smart Mobility, sviluppo sostenibile e Big Data per il non profit). Tech Inspiration si affianca a Digital Focus raccontando storie di successo e di traguardi raggiunti delle startup e scaleup, delle aziende corporate nazionali e internazionali, delle industrie creative e dei centri di ricerca della Community OGR Tech.

Per bambini e studenti è attiva “OGR Kids - Play & Smile”, una serie di podcast (alcune favole di Gianni Rodari, Il leone e il topo di Esopo in italiano e inglese, favole di Oscar Wilde, narrate da Toni Servillo, e alcune filastrocche lette da Neri Marcorè), in italiano e in inglese reperibili anche su Spotify.

E ancora: dalla collaborazione tra le OGR – Officine Grandi Riparazioni e l’operaio delle ex officine di riparazioni dei treni, Gian Carlo Franceschetti, è nato “In

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Arturo Herrera - Track - work in progress - Ph.Daniele Ratti

viaggio con Elvira. Storie di grandi riparazioni”. Partendo dalla storia di Elvira, una locomotiva da riparare, le OGR ripercorrono con una serie di 8 podcast originali, pubblicati su Spotify, alcuni momenti della propria storia: ogni martedì sarà pubblicato un nuovo episodio. Giorno per giorno usciranno nuove iniziative digitali, per continuare ad arricchire l’animo di cultura, come ben conclude Nicola Ricciardi, Direttore Artistico OGR: “Ritengo che le OGR siano come un granaio, perché la funzione principale di ogni istituzione culturale è raccogliere delle riserve per l’inverno dello spirito. In questo ‘inverno dello spirito’ abbiamo voluto aprire il nostro granaio, contare le fascine e vedere che cosa abbiamo raccolto fino ad oggi: analizziamo la nostra giovane storia per iniziare a progettare il futuro, la mostra più bella di tutte, quella che inaugureremo, perché vorrà dire che ci saremo messi l tutto questo alle spalle”. s

Rosa Maria

Falciola

Senza titolo 2019 vetri tagliati e dipinti in tecnica mista su tavola 27x26,5 cm.

Senza titolo 2019 tecnica mista su tela 70x93 cm.

falciola@rosamaria-falciola.it

Arturo Herrera - Track - Ph. Andrea Rossetti A destra: William Kentridge Woman Wheel - Black

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Flora Castaldi

FLORA Castaldi FLORA - Maître franco-italien de l’Art Contemporain

FLORA “Cirrocumulus” tecnica mista, 60x60 cm.

Galeries - Musées - Collections Paris, New York, Moscou, Genève, Bruxelles, Barcellone, Rome, Osaka, Londres artisteflora@email.com i-cac.fr/artiste/castaldi-flora.html - fr.artprice.com/artiste/flora-castaldi - flora.artistecote.fr

www.newartpromotion.it

Fondazione Nicola Trussardi Si viaggia fra quattro mura

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iaggi da camera diventa “social”. Il progetto online della Fondazione Nicola Trussardi (ispirato al celebre romanzo settecentesco di Xavier De Maistre Viaggio intorno alla mia camera – scritto durante un soggiorno obbligato di 42 giorni in una stanza di Torino) che dallo scorso 27 marzo distribuisce quotidianamente immagini, video e testi, scelti da artisti invitati a raccontare il proprio spazio domestico e privato, si è aperto al pubblico. Chiunque potrà dunque postare sui social network il proprio “viaggio da camera”, aggiungendo l’hashtag #viaggidacamera e taggando la Fondazione Nicola Trussardi. La Fondazione condividerà quotidianamente tutti i contributi nelle stories dei suoi account Instagram e Facebook. I contributi degli artisti invitati continueranno a essere pubblicati nel sito web e nel feed dei canali social della Fondazione. Molti artisti ci hanno insegnato a guardare gli spazi che ci circondano da nuovi punti di vista e in questi momenti di chiusura forzata in casa, Viaggi da camera stimola a intraprendere nuovi viaggi all’interno del perimetro della propria stanza, per provare a scoprire nuove mappe della fantasia e nuovi punti di fuga.

Tra i molti artisti invitati troviamo ad esempio Ambiveri, Atelier dell’Errore, Rosa Barba, Belfiore, Benvenuto, Paolo Bottarelli, Cattelan, Cariello, Alberto Garutti, Isgrò, Luisa Lambri, MASBEDO, Perrone, Paola Pivi, Carolina Sandretto, Francesco Vezzoli, l Nanda Vigo, Luca Vitone, e tanti altri. s Massimo Grimaldi Massimo Grimaldi per Viaggi da Camera, 2020

Salvatore

Pr ivite r a

Viaggi da camera [Chamber Journeys]

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he online project created by the Fondazione Nicola Trussardi, is now opening up to the public. Since its launch, the Foundation has in fact received numerous messages from people who wish to contribute with their own “chamber journeys,” recounting their private universes at this time of domestic isolation. The Foundation has therefore decided to open up the project to everybody: now anyone can post their own “chamber journeys” on their social network accounts, adding the hashtag #viaggidacamera and tagging the Fondazione Nicola Trussardi. The Foundation will share the contributions every day in the stories sections of its Instagram and Facebook accounts. Meanwhile, the contributions of the invited artists will continue to be published daily on the website and on the social channel feeds of the Foundation. Inspired by the famous 18th-century novel by Xavier De Maistre Voyage Around my Room, “Viaggi da camera” invites everyone to open the doors to their own rooms, both real and imaginary. Over the years, many artists have taught us to look at the spaces that surround us from new points of view: from Giorgio Morandi, closed off in his studio in the middle of World War II, to Marisa Merz, who from her home in Turin encouraged us to look at the world with eyes shut, which according to her were “extraordinarily open,” artists have imagined the domestic sphere as a territory open to boundless discoveries.

During these times of forced isolation, “Viaggi da camera” encourages us to undertake new journeys within the perimeter of our own rooms, so as to unveil new maps of the imaginal tion and new vanishing points. s

LUCE TRA LE TENEBRE novembre 2017 tecnica mista su tela 50x60 cm.

RIFLESSI NOTTURNI febbraio 2019 tecnica mista su tela 50x70 cm.

sprivi57@gmail.com www.gigarte.com/salvoprivitera

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Le opere di Salvo Privitera Privi_Arte

biancoscuro

EMBODIED THOUGHT Quando l’ordinario si trasforma in stra-ordinario di Mario

Gambatesa

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a riscontrato un enorme successo la mostra virtuale “EMBODIED THOUGHT” organizzata sul sito web e sul profilo Instagram della Galleria Poggiali di Milano. Il progetto si presta for-

temente alla necessità del momento di sospendere le attività a causa dell’epidemia Covid-19. L’esposizione ha previsto l’inserimento sui social network della galleria, di un’ immagine al giorno per la durata di un mese, dal 4 aprile al 9 maggio scorso. Diciotto gli artisti in

mostra, troviamo quindi Manfredi Beninati, Marco Fantini, Giovanni Frangi, Zhivago Duncan, Enzo Cucchi, Slater Bradley, Luigi Ghirri, Goldschmied & Chiari, J&Peg, John Isaacs, Thomas Kovachevich, Eliseo Mattiacci, Luca Pignatelli, Claudio Parmiggiani, Roberto Barni, Grazia Toderi, Fabio Viale e Gilberto Zorio.

In particolare si evidenzia l’opera intitolata “Aegean Shield” del 2018 di Slater Bradley, un talento precoce nell’essere stato fra gli artisti più giovani ad avere una personale al Solomon Guggenheim Museum di New York. Nell’ opera, si posso ammirare un mix di differenti tecniche, pittura, disegno e fotografia. Si tratta di un processo per certi versi alchemico, in cui l’immagine diventa un’icona, un simbolo da cui si può attingere per porre delle riflessioni utili soprattutto in questi momenti di isolamento forzato. Da citare anche l’opera “Van Gogh” di Enzo Cucchi, artista legato al movimento che il critico d’arte Achille Bonito Oliva denominava Transavanguardia. L’opera in mostra appartiene ad una serie di piccole tele dedicate a Vincent Van Gogh, nelle quali Cucchi riesce a concentrare un forte stupore cromatico grazie all’uso appropriato di colori intensi su dimensioni estremamente ridotte (7x10 cm). Infine, ma non ultima, da ricordare “Science” del 2019 di Zhivago Duncan, artista poliedrico classe 1980 che si è fatto conoscere per la personale del Slater Bradley - Aegean Shield 2018, 168,5x104 cm.

Courtesy Galleria Poggiali

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2012 alla Contemporary Fine Art di Berlino. L’opera in mostra, realizzata con la tecnica Batik affronta un viaggio sia fisico che mentale in una realtà psichedelica, fatta di ricordi, sogni e credenze. “EMBODIED THOUGHT” offre un’occasione di rilettura delle esperienze del passato ed un’analisi delle vicende del presente, per guardare al futuro con slancio e curiosità.

L’iniziativa della Galleria Poggiali sottolinea un nuovo punto di vista, attraverso un viaggio unico e virtuale di una realtà ordinaria divenuta stra-ordinaria, analizzata e riletta in chiave contemporanea attraverso lo sguardo l attento dell’arte. s A sinistra: Zhivago Duncan - Science 2019, batik su tela, 160x120 cm.

Courtesy Galleria Poggiali Sotto: Enzo Cucchi - Van Gogh 2010-2011, olio su tela, 7x10 cm.

Courtesy Galleria Poggiali

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Artissima Junior online Nuovi stimoli per gli artisti del futuro di

Rebecca Maniti

“

Ora che sono cresciuto mi rendo conto che non posso insegnarti a disegnare, ma al massimo a capire che se un disegno non viene proprio come lo immaginavi, forse nasconde qualcosa di ancora più bello, devi solo imparare a vederlo.

O

”

Diego Perrone, lettera aperta ai partecipanti di Artissima Junior

ccasione speciale per i giovanissimi artisti e fruitori d’arte del futuro: Artissima e Juventus hanno presentato una speciale edizione online di Artissima Junior, progetto nato dal desiderio di coinvolgere i giovani visitatori della fiera interessati a scoprire il mondo dell’arte. Lanciata il 27 aprile sul sito di Artissima e durata un paio di settimane, questa edizione ha saputo dare ai bambini nuovi stimoli per imparare a conoscere l’arte contemporanea anche nell’attuale situazione.

Ilaria Bonacossa, Direttrice di Artissima: “In que-

sti tempi ci siamo resi conto di come la società e i bambini abbiano bisogno dell’arte e della creatività per sentirsi liberi e felici. Creare insieme a un giovane artista offre l’occasione di sentirsi parte di una squadra e di comprendere come le regole non siano una gabbia, ma la struttura da cui spiccare il volo con la fantasia.”

Diego Perrone (Asti, 1970), nuovo artista tutor, ha invitato i piccoli amanti dell’arte a diventare parte di una speciale squadra di artisti per creare opere che faranno parte di un progetto collettivo virtuale, condiviso a distanza e ispirato a YOUR ICON,

Diego Perrone, artista tutor della Online Special Edition di Artissima Junior

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Diego Perrone La stanza dei 100 re che ridono - Enrico Ottavo (detail) 1999, lambda print Courtesy Massimo De Carlo, Milan / London / Hong Kong

Sotto: Diego Perrone - Senza Titolo 2017, ballpoint pen on paper, 140x100 cm.

Courtesy Massimo De Carlo, Milan/London/Hong Kong Ph. Alessandro Zambianchi

iniziativa promossa da Juventus per invitare i tifosi a reinterpretare il logo della società nel modo più originale possibile.

Perrone ha invitato i piccoli partecipanti a riflettere sul binomio identità / squadra attraverso lo strumento del ritratto, elemento di riflessione cardine nella storia dell’arte antica e contemporanea, importante anche nella sua ricerca artistica. Ricordiamo la sua prima mostra personale intitolata “La stanza dei cento re che ridono”, in cui aveva presentato e modificato cento ritratti storici di antichi monarchi rendendoli sorridenti e allegri. In questa occasione ha proposto un piccolo ritratto autobiografico con una gallina in testa, già esposto nel 1994 in una delle sue prime mostre collettive, invitando i piccoli partecipanti a rielaborarlo.

I giovani artisti hanno potuto scoprire quanta libertà ci sia nella produzione artistica e come, a partire da poche regole, ognuno possa attivare la propria fantasia in maniera creativa contribuendo con la propria opera a un progetto concettuale condiviso, per arrivare ad un’opera corale che sottolinei l l’importanza dell’apporto dei singoli. s

Antonella Pecoraro “NINNI” antonella@artecultura.net

INIZIO DI PRIMAVERA - marzo 2020, acrilico e smalto su tela, 50x60 cm.

“I colori si confondono in questo ‘Inizio di primavera’: rimandano alle tonalità della stagione dei fiori e delle rondini, delle rapide nuvole in un cielo cangiante. La tecnica informale permette di evocare l’atmosfera che l’artista cerca di ricreare in questa tela rinunciando al figurativo, per lasciare spazio alla suggestione cromatica di una stagione fatta di rapidi cambiamenti. ” Domenico Iacaruso

Pecoraro Antonella

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Gianluca Giuseppe

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CLEAR LIFE - MIXED MEDIA ON SYNTH GLASS, 70x70 cm.

s a n t i e p r e s e p e @ g m a i l . c o m

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Treccani e Artissima La collaborazione per la creazione dell’Alfabeto di

Flavio Ennante

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orinoAlfabeto Treccani è un progetto di Treccani Arte sviluppato in collaborazione con Artissima per la creazione di un alfabeto dell’arte contemporanea italiana, associando a ogni lettera artisti il cui nome inizia con la lettera stessa. L’artista selezionato è invitato a creare un’opera ad hoc in edizione limitata che rappresenti la sua pratica artistica.

La curatela del progetto è di Ilaria Bonacossa, Direttrice di Artissima, che ha affidato la realizzazione delle opere a Rossella Biscotti, Piero Golia, Marisa Merz (1926A destra in alto: Maurizio Nannucci What to say what not to say 2018. Courtesy Treccani Arte A destra in basso: Diego Perrone Senza titolo - 2018. Courtesy Treccani Arte Sotto: Paolo Icaro Percorso Neuronale 2019. Courtesy Treccani Arte

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2019), Diego Perrone, Maurizio Nannucci, Francesco Vezzoli, Giorgio Andreotta Calò, Giovanni Anselmo, Massimo Bartolini, Paolo Icaro, Marinella Senatore e Gian Maria Tosatti. Il progetto permette dunque di fare una ricognizione sull’arte italiana contemporanea attraverso l’opera di tre diverse generazioni di artisti, dai grandi maestri ai talenti emergenti, un’occasione per fornire in maniera inedita una panoramica dell’arte italiana contemporanea.

Il progetto è nato dall’incontro tra due forze culturali italiane e riflette la volontà di sperimentazione artistica di Artissima e l’intento di divulgazione culturale di Treccani, per promuovere una diffusione universale della creatività contemporanea italiana, favorendo lo sviluppo di un collezionismo giovane e, allo stesso tempo, fidelizzando i grandi coll lezionisti. s

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Giochi di colore, Giochi di parole

MonoMax (Massimo Soldi) approda a Costa del Sol, Marbella di

Ettore Tiretto

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iochi di colore, giochi di parole nelle opere di MonoMax, in mostra alla Excellence Art Gallery di Marbella, un’esposizione inaugurata a febbraio che per ovvi motivi si è protratta nel tempo.

Appesi alle pareti oltre 20 inchiostri dell’artista milanese, ora residente sul lago di Como. Nonostante la mostra si sia svolta durante un periodo di “lockdown” si è conclusa nel migliore dei modi con alcune opere in partenza per il Kuwait, destinazione: il salotto di un noto collezionista.

Per MonoMax (Massimo Soldi), creare è il fulcro della sua ricerca artistica in cui il colore, la tecnica, il supporto sono solamente il mezzo per provare a rendere visibile l’interiore invisibile.

Il filo di Arianna è l’emozionarsi con il fine di emozionare, sorprendere, o semplicemente attirare l’attenzione di coloro che si accostano alle sue opere rielabo-

randole liberamente.

Comprendere un’opera non è solo ammirarla, ma reinterpretarla col proprio sentire, reinterpretando la visione dell’artista in una nuova e personale, connessa ai legami del proprio inconscio.

Il suo tentativo espressivo tende a introdurre il fruitore dell’immagine a un distacco dalla visione della realtà consueta e consolidata, inoltrandosi nel proprio e collettivo inconsueto, così da collegare i colori, le tecniche e il tratto in un personale salto dimensionale nel proprio spazio invisibile chiamato “libertà”.

La sua predilezione sono gli inchiostri, ha un motivo preciso e interiorizzato; così come la quasi totale mancanza dell’uso dei pennelli.

I tre elementi che guidano le sue opere nell’uso dell’inchiostro sono l’“inizio”, la “fine” e la “traccia”.

MonoMax sceglie di lasciare imperfezioni, a volte molto evidenti, per sottolineare quella parte istintiva ed emozionale che diviene parte integrante dell’opera stessa, meglio, del gioco emozionale dell’artigiano che, come un fanciullo, ritiene concluso il suo meraviglioso gioco di segni sulla tela, quasi un inno all’incompiuto e al tentativo di porsi come creal tore… Creatore dell’imperfetto. s

INFO Excellence Art Gallery www.excellenceartgallery.com excellenceartgallery

EXCELLENCEARTGALLERY I galleristi Massimo Cedrini e Giuseppe Carnevale con due collezionisti del Kuwait

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Luigi Mapelli MAPO

L.Mapelli “Mapo� - Distopia - olio su tela, 70x90 cm.

info@artemape.com

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w w w. a r t e m a p e . c o m

In questi giorni delicati la Fondazione Alberto Peruzzo ha deciso di chiedere ad un po' di persone, biancoscuro

addetti ai lavori e non, direttori di musei, collezionisti, artisti e semplici appassionati, di raccontare in poche righe – o tramite un breve video - una loro esperienza in relazione all'arte. Si discute spesso di quale sia il ruolo dell'arte nella società contemporanea, ed in questa occasione la fondazione ha voluto semplicemente sottolineare il 'potere dell'arte', ossia come l'arte abbia segnato la nostra vita in certi momenti particolari, ad esempio chiedendo all'interlocutore di raccontare un'opera che gli è rimasta impressa o che addirittura gli ha cambiato la vita, o anche di parlare di un'opera che ci dice qualcosa in questi tempi complessi. Non tanto per sottolineare il potere taumaturgico e salvifico dell'arte, ma per ricordare che l'arte è espressione della vita e di ciò che ci circonda, nel bene e nel male, può essere consolatoria o meno, e può essere anche stimolo al cambiamento.

#IoRestoaCasa - Arte durante il lockdown Istituzioni e Musei temporaneamente chiusi e le loro alternative digitali

In fondo, Bukowski diceva che ‘La differenza tra l'arte e la vita è che l'arte è più sopportabile’, e di F Ennante questo è lavio uno spunto di partenza.

IN CONTATTO “Italia, ti amo. Il mio cuore è con voi”: con #THEPOWEROFART Tra gli interventi – più di 20 – che appaiono online dal 25 marzo (uno al giorno): queste parole Marina Abramović saluta La Fondazione Alberto Peruzzo ha chiegli italiani un video esclusivo per sto agli addetti ai lavori e non, di raccon•tutti Giorgio Fasolin (collezionista) Palazzo Strozzi, inviato come personale tare in poche righe una loro esperienza in • Denis Curti (direttore Casa3Oci) contribuito al progetto CONTAT• Will Ramsay (fondatoreIN Hong Kong Art Fair,relazione AAF) all’arte. Si discute spesso di quale sia il ruolo dell’arte nella società contemTO, piattaforma nata per creare un nuo• Fabio Castelli (fondatore MIA Photo Fair) poranea, ossia come l’arte abbia segnato la vo rapporto a distanza con il pubblico.

• Fabrizio Plessi (artista) Marina invia un messaggio di profonda nostra vita in certi momenti particolari, ad • Alessandro Piangiamore (artista) solidarietà e incoraggiamento sottoline- esempio chiedendo all’interlocutore di rac• Maurizio Rigillo (socio fondatore di Galleria Continua) ando come gli italiani stiano dimostran- contare un’opera che gli è rimasta impressa • Sabrina Donadel (giornalista di Sky Arte) do “grande coraggio e un profondo senso o che addirittura gli ha cambiato la vita.

•di comunità Monique eVeaute (presidente Non tanto per sottolineare il potere dell’arumanità” e che la Fondazione crisi glo- Romaeuropa) •baleAlessia Zorloni (economista dell'arte) deve divenire un’occasione di ripen- te, ma per ricordare che l’arte è espressio•samento Albertaprofondo Pane (gallerista) del nostro rapporto ne della vita e di ciò che ci circonda e può •conAlberto Peruzzo (collezionista e presidente della fondazione omonima) anche stimolo al cambiamento. s il pianeta “la coscienza umana deve essere cambiare, il nostro approccio al mondo e Sito: https://www.fondazionealbertoperuzzo.it/?progetti=thepowerofart al pianeta deve cambiare”. s

DAN PERJOVSCHI per Bergamo A sostegno della campagna di raccolta fondi a favore dell'Ospedale Papa Giovanni XXIII, lanciata sul profilo Instagram della Galleria nelle scorse settimane, l'artista rumeno Dan Perjovschi (Sibiu, 1961), già chiamato in passato a collaborare con la Galleria d'Arte Moderna e Contemporanea, ha generosamente realizzato ex novo una serie di disegni che esprimono l'amore per Bergamo e il ringraziamento ai medici e agli operatori sanitari, trasformati in moderni eroi che lottano quotidianamente per la vita delle persone. s l

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Instagram: https://www.instagram.com/fondazionealbertoperuzzo/ Facebook: https://www.facebook.com/FondazioneAlbertoPeruzzo/

Gabriel von Max (1840-1915), Scimmie come critici d'arte, olio su tavola, Neue Pinakothek, Monaco. Foto Bayer & Mitko.

Credits Bayer & Mitko/Artothek/Archivi Alinari.

#20TRACKSOF a daily music selection for slow living Club to Club, uno dei più importanti festival internazionali di musica avant-pop, ha coinvolto un gruppo di artisti italiani a realizzare una lunga traccia sonora, capace di farci riscoprire lo “slow living” e di accompagnarci in questo necessario periodo di “reclusione domestica”.

La musica scelta ha composto ogni giorno su Spotify una playlist di 20 tracce, terminata alla fine della quarantena italiana. s l

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CONNESSIONI INVENTIVE Realizzato dal MAN di Nuoro in collaborazione con la Fondazione ICA di Milano, il progetto ha l’obiettivo di dare impulso a un percorso di promozione di conoscenza umanistica con linguaggi accessibili a tutti, promuovendo incontri in diretta streaming su Facebook e Instagram. I contributi sono stati successivamente resi disponibili sul canale YouTube dedicato “Connessioni Inventive” al fine di costituire un archivio accessibile in ogni momento. s l

MUSEO ARCHEOLOGICO DI METAUROS - Gioia Tauro (Reggio Calabria) Il Museo rimane aperto virtualmente attraverso una serie di iniziative social che permettono la condivisione con gli utenti di contenuti, visite guidate ed eventi.

In particolare, la sede Museale ha consentito visite guidate e approfondimenti virtuali sulla collezione esposta, la pubblicazione di “crucipuzzle” archeologici e due hashtag: #ABBRACCIAMUSEO, con il quale i visitatori e gli utenti sono invitati a raccontare le loro giornate e a salutare e abbracciare virtualmente il museo; #DANTEDÌ ovvero la presentazione delle litografie Gustave Dorè, della Divina Commedia e pla roiezione video “L’incontro infernale tra il Sommo e il traghettatore delle anime perdute”. s l

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Colori da Giulia Capodiferro (@giuls14) su disegno di Nico Vascellari

THE COLOURING BOOK Un progetto di Milano Art Guide promosso in collaborazione con Lara Facco P&C: 200 artisti hanno creato un disegno in bianco e nero da scaricare e colorare!

Rossella Farinotti e Gianmaria Biancuzzi hanno coinvolto artisti contemporanei per realizzare un album virtuale che tutti, da casa, hanno potuto sfogliare e scaricare su smartphone o tablet, oppure stampare su carta e colorare, da soli o con chiunque abbia condiviso la permanenza in casa, siano figli annoiati, nonni, genitori o coinquilini.

Gli artisti, con la loro consueta generosità amplificata dalla situazione attuale, hanno messo a disposizione la loro creatività, regalando un modo intelligente per trascorrere qualche ora con allegria.

The Colouring Book è un album da colorare che si compone giorno dopo giorno, collezionando i disegni che la piattaforma Milano Art Guide ha messo online sul sito www.milanoartguide.com.

I disegni possono essere scaricati su tutti i device, stampati, colorati e liberamente condivisi sui social network, taggando il nome dell’artista e @milanoartguide. s

PAUSA CAFFÈ MUSEOCITY Nato con l’obiettivo di offrire nuove chiavi di lettura delle istituzioni museali, spunti di riflessione e approfondimenti culturali per l’ascoltatore.

Pausa Caffè MuseoCity è un podcast dedicato al mondo dei musei realizzato grazie al prezioso contributo di MUMAC - Museo della macchina per il caffè di Gruppo Cimbali, la più importante esposizione di macchine per caffè espresso professionali al mondo.

Pausa Caffè MuseoCity offre un racconto ricco di curiosità che si snoda attraverso la città: un appuntamento che potrebbe diventare un rito, come il caffè, tracce audio, disponibili su Spotify, Spreaker e Storytel, che è possibile ascoltare più volte, anche off-line, in qualsiasi momento della giornata. s

CORPI SUL PALCO - Performance da casa in tempo di quarantena A cura di Andrea Contin, nasce da un approccio che vuole essere diverso ma parallelo al proliferare di iniziative online, per provare a trovare soluzioni del fare artistico. Non si vuole sostituire lo spazio reale, ma si vuole invece proporre un contributo, piccolo ma preciso, nel percorso di rinnovamento dei paradigmi produttivi ed espositivi del mondo dell’arte.

Agli artisti è stato proposto di raccontare la loro esperienza di chiusura forzata, accettando la sfida di interpretare la loro pratica performativa in una modalità diversa. Le performance sono diventate una rassegna nel teatro virtuale della rete Teatro Linguaggicreativi.

Tra gli artisti invitati a CORPI SUL PALCO, hanno aderito al progetto esordienti e artisti di respiro internazionale. s l

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Emmanuel Louisgrand, La Folie du PAV, 2009 installazione ambientale

PAV - PARCO ARTE VIVENTE Ogni settimana, tre diversi appuntamenti sui loro social: 1. un piccolo regalo, per aiutere le persone a trascorrere le lunghe giornate di quarantena; 2. un appuntamento dedicato alle famiglie e agli insegnanti; 3. un momento dedicato alla costruzione degli strumenti di pensiero ecologico in questi tempi emergenziali, con dei suggerimenti di articoli, libri o film che ci hanno aiutato a riflettere e ad affrontare questo momento. s l

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DIARIO DELLA QUARANTENA Il Museo MAN di Nuoro ha avviato un inedito progetto virtuale che attraverso la modalità del contest mira a coinvolgere bambini, studenti e adulti, proponendo loro di elaborare una personale visione del momento presente condividendola attraverso i canali Facebook e Instagram.

Il format si compone di due concorsi ciascuno indirizzato a una fascia di pubblico differente: #ladidatticacontinua, per bambini e ragazzi, e #artecheresiste, rivolto agli adulti. Il pubblico è invitato a produrre un elaborato che attraverso la scrittura, il disegno, la fotografia, la musica racconti un’esperienza, un sentimento, un’attività o un desiderio che rifletta il proprio sentire rispetto a quello che avviene in questi giorni. s l

MUSEO ARCHEOLOGICO LAMETINO - Lamezia Terme (Catanzaro) Il Museo ha continuato a tenere aperte virtualmente le sue porte con l’obiettivo di mantenere viva l’attenzione di tutti sulla propria collezione e di continuare ad essere presente nella vita della comunità lametina, con numerose iniziative: #unrepertoalgiornolevailmedicodicoditorno” o “#lezionedistoriadomicilio” e quella serale “#chesifastasera?” in cui tra il serio e il faceto sono stati presentati i reperti del museo; un breve video-tour, fissato in alto nella pagina Facebook, che accoglie i followers, permettendo di effettuare un giro virtuale tra le sale del museo chiuso.

Tutte le iniziative sono state curate dalla dottoressa Rosanna Calabrese, funzionario archeologo del Polo museale della Calabria. s l

Valeria

Blasetti

Senza titolo 2019 matite colorate su carta, 12x12 cm.

LE ISOLE FANTASTICHE Grazie al generoso contributo dell’artista bergamasco Matteo Rubbi, AMACI “Associazione dei Musei d’Arte Contemporanea Italiani” ha realizzato il progetto Le Isole Fantastiche.

Sono stati invitati, bambini ed adulti, dopo aver guardato il video di Matteo Rubbi, ad immaginare la propria isola, a tracciarne forma e confini, raffigurandone la morfologia, il clima e la biodiversità.

Le isole fantastiche sono state poi inviate al profilo Instagram AMACI, rese visibili sui canali dell’Associazione per formare insieme un grande arcipelago. s l

MUSEI CIVICI DI PAVIA Per i Musei Civici le proposte sono tre, sia su Facebook che su Instagram 1. Non puoi venire al museo? Te lo raccontiamo noi! Rubrica con brevi video che mostrano in carrellata le opere esposte in mostra, singoli post su alcuni capolavori.

2. Museo in pillole. Una serie di approfondimenti dedicati a opere specifiche delle collezioni, sia esposte sia nei depositi, con focus su personaggi come il marchese Luigi Malaspina di Sannazzaro, fondatore del patrimonio civico cittadino, sulle sue passioni e sui capolavori che ha collezionato e su altre opere provenienti da altre donazioni, come “l’Accusa segreta” di Hayez o il trittico l’Enigma umano di Giorgio Kienerk, opere “icona” dei nostri musei.

3. Musei Civici di Pavia Art Challenge. Cogliendo spunto dalla sfida lanciata dal Getty Museum di Los Angeles e dal Rijksmuseum di Amsterdam, con #lartetisomiglia, propone al pubblico di “ricreare” le opere d’arte preferite utilizzando solo 3 oggetti a disposizione in casa.

Il museo offre una galleria dei capolavori presenti nella collezione. s l

POTENZA GIANMARIA

VIRTUAL TOUR

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Studio di modella dal vero 2017 olio su cartone telato, 40x50 cm.

CAPOLAVORI E TANTE STORIE FAI DA TE L’Associazione MuseoCity, in collaborazione con Milanoguida, lancia CAPOLAVORI e tante storie fai da te, un contest per reinterpretare 11 opere d'arte selezionate tra le collezioni dei musei milanesi.

Il progetto nasce con l’intento di coinvolgere un pubblico sempre più vasto alla partecipazione della vita artistico-culturale della città, di renderlo più consapevole dell'importanza del patrimonio museale cittadino e di offrire uno strumento in più per affrontare le lunghe giornate in casa. CAPOLAVORI e tante storie fai da te è un contest aperto anche ai bambini: un modo nuovo per avvicinarli al mondo dell'arte, offrendo un momento di creatività e di partecipazione. s Un viaggio fuori dal comune, per il piacere del più contemporaneo dei sensi, la vista.

Il virtual tour dello Studio Gianmaria Potenza vi porta alla scoperta dell’atelier dello

di vetro e macchinari senza tempo. Visitabile online sul sito www.gianmariapotenza.it.

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GIANMARIA POTENZA VIRTUAL TOUR Un viaggio fuori dal comune, per il piacere del più contemporaneo dei sensi, la vista. Il virtual tour dello Studio Gianmaria Potenza vi porta alla scoperta dell’atelier dello scultore veneziano, tra pareti di tessere di mosaico, prati di fiori di vetro e macchinari senza tempo, nel cuore di Venezia. Visitabile online sul sito www.gianmariapotenza.it. s 20/05/20 15:03

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Come? liberementi può occuparsi dalla creatività alla stampa del tuo nuovo catalogo. liberementi può prepararti velocemente tutto il materiale pubblicitario di cui hai bisogno: ad esempio i biglietti da visita, le cartoline oppure i volantini o le brochure. liberementi può realizzarti il tuo nuovo sito web, anche con piattaforma e-commerce! liberementi può fornirti tutto l’esperienza necessaria per l’organizzare ed allestire la tua mostra.

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Virtual Gallery Solidale

L’esposizione virtuale a scopo benefico è visitabile sul sito www.virtualgallery.biancoscuro.it

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nche BIANCOSCURO ha voluto dare il proprio contributo in questi mesi di emergenza, continuando a divulgare cultura tramite il rilascio gratuito della versione digitale della rivista d’arte BIANCOSCURO, ma pensando anche alla categoria degli Artisti, che non hanno potuto esporre e vendere le proprie opere. Grazie alla Virtual Gallery BIANCOSCURO ogni Artista partecipante ha avuto (con una quota simbolica) la progettazione e la realizzazione in 3D di un’esposizione personale. Le mostre sono visibili sul sito www.virtualgallery.biancoscuro.it: muovendosi all’interno delle sale è possibile ammirare le opere e scoprire gli autori, oltre a poterli contattare per un acquisto. Come ulteriore gesto di solidarietà, BIANCOSCURO ha devoluto il 25% delle quote alla Protezione Civile ed alla Croce Rossa Italiana, un gesto l minimo per una grande causa comune. s

Sopra: alcune delle opere esposte nella Virtual Gallery BIANCOSCURO

VALERIA ALLEVI “Bolle di pensieri” LOREDANA BOLDINI “Covid 19”

QAZIM ARIFI “Ritratto di Gazmend Leka”

ALBERTO BESSON “Abissi”

TOVE ANDRESEN “Provence 9”

ROSANNA BALZARINI “Mattinata di ottobre” LUCIANO BORIN “All’improvviso”

MARIELLA BOGLIACINO “Vulcano”

MARCO ARA “Senza titolo”

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BARBARA BENVEGNÙ “Mattinata di ottobre” PAOLO BOTTIONI “I colori dell’estate”

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biancoscuro

virtuAl gAllEry solidAlE biAncoscuro BIaNCOSCURO ARTYCONTEST

GIANPIERO BRUNELLI “Pittura 7” GIANNI DEPAOLI “Yin Yang ”

KHRISSY CLÉMENT “Matrix”

NADIAANNA CROSIGNANI “Accoglienti acque”

ALESSANDRA DIEFFE “Richard Parker guarda il mare” DANIELA BUSSOLINO “Al chiar di Luna”

IONEL CUCULIUC “Libertà”

MIRIAM COJOCARU “July 1”

CIRO FABBOZZI “L’abbraccio”

DEBORAH DA RE“Maestosità”

ANGELA CACCIOTTI “Belle fuori II” DANIELA FABBRI “Senza titolo”

STEFANIA DAL MOLIN “Sete di vita” GLADYS COLMENARES “Fili colorati” COR FAFIANI “Nuova Luna” ANGELO DE FRANCISCO “Traboccante di forme” GIULIANA CAPOCCHIA “Il silenzio del mondo”

MATTIA CONSONNI “Lay & Love” ROSA MARIA FALCIOLA “Senza titolo” LIVIA CARTA “Senza titolo”

ORNELLA DE ROSA“Woman in blue”

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virtuAl gAllEry solidAlE

Y biAncoscuro

BARBARA LEGNAZZI “Numero 61”

ALDO GAVERINI “Onda cosmica”

TIZIANA GUALANDI “Primavera 1”

LAURA FASANO “Che paura” PIER PAOLO LORENZINI “Spazialità, geometria e materia”

MARCO FIASCHI “Landscape 3”

ANNALISA GHELLER “Autunno”

ORNELLA GUGLIELMINO “E”

TINA LUPO “Don Giovanni”

IVAN ILIEV “Dafne”

GIULIANA MADDALENA FUSARI “Pensieri sereni”

MONICA GHELLER “Il gallo con gli stivali”

MICHELE LA SALA “Paesaggio”

ANTONIO MANCINI “L’evoluzione di Adamo”

MARISA GRANDE “Grande dinamica delle complessità” PATRIZIO LANDOLFI “Vascelli sospesi”

STEFANIA GAGLIARDI “Circus”

GUIDO MANNINI “Blue planet”

LUCIANO GARGIULO “La droga (il drogato)”

MARIA TERESA GUALA “Palù” LAURA LANTERO “Veleggiando”

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CARLOTTA MANTOVANI “Il volto della Ninfa”

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virtuAl gAllEry solidAlE biAncoscuro BIaNCOSCURO ARTYCONTEST

AURELIO NICOLAZZO “Strange World” FIORELLA MANZINI “Turbinio”

GIORGIO MELIS “Eyse” WALTER MARIN “Senza titolo” CARMELA OGGIANU - CAROGGI “Scorcio di Marina Piccola” ROMEO MANZONI “Canto delle cicale ARNALDO MARINI “Il villaggio della memoria smarrita”

MARISA MEZZADRA “Tre note sul lago”

GIUSEPPE OLIVA “Nostalgia” LUIGI MAPELLI “Il dormiente”

MARISA MILAN “Le tre Grazie”

SERENA MARTELLI “Eii! Ho fatto una rosa (My rose)”

KARIN MONSCHAUER “Senza titolo”

MORENO MARIANI“Le mie emozioni U”

MARIELLA ORSINI “The mind”

MAURO MARTIN “Luce maltese III”

FERNANDO MONTÀ “Essenza. Dentro l’onda”

BARBARA PAZZAGLIA “Impressioni planetarie”

BERARDINO MASTROPASQUA “Cuore innamorato”

FEDERICA MARIN “Firenze

MARIELLA MULLER “Sentiero d’autunno”

PUPI PERATI “Frammento di Paradiso”

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Y biAncoscuro

UMBERTO PETTENE “Il luccio”

ANNALISA RAMONDINO “Fabbrica”

LAURA RONCHI“Beniamino”

PAMELA ROSA CLOT “Verso la meta”

GABRIELLA PIMPINICCHIO “Dinamiche elaborazioni di luce”

LAURA SANETTI “Diario ai tempi del Corona virus”

MARCELLO SASSOLI “Numèrisation”

ROBERTO RE “Colpire nel centro”

LEONARDO ROSSI “Riflessi d’acqua”

LIALA POLATO “Le parole del cuore”

MASSIMO SAVIO “402 fori”

JESSY REI “Humans alarm”

RUGGERO ROTONDI “Ballerina” GIUSEPPE PORTELLA “Requiem”

RAFFAELE SAVOLDELLI “Covid 19”

ALIDA RETTORE “Cesto di fiori”

SALVATORE PRIVITERA “Il divenire”

ELVIRA SALONIA “Laura”

SONIA SCACCABAROZZI “Trame 10.20”

SABINA ROMANIN “Venus”

JONNI SANDEI “Gli intrecci della vita” FABRIZIO PRUSCINI “Pandemia”

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MIRKO RONCELLI “Questa nostra realtà”

MANUELA SCANNAVINI “Invenrno”

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virtuAl gAllEry solidAlE biAncoscuro BIaNCOSCURO ARTYCONTEST

FRANCESCO SPOSITO “Paesaggio cosmico” PAOLO SCHIAVON “Ghiaccio”

MIRIAM TORNESE “Sognando”

KEES WOESTENENK “Shaman”

INGRID STECKELBERG “Unterwasserwelt I”

LISA YACHIA “The hill” FRANCESCA TOSI “San Prospero”

GIANLUCA GIUSEPPE SEREGNI “Senza titolo” WIDMER TASSINARI “Il cuore seduto”

GIUSEPPE URSO “The freedom”

CLAUDIO SIVINI “Dopo la pioggia, ritorna il sereno 2” BRIGITTE THONHAUSER-MERK “Fiori astratti - Blutorange”

CARMEN VARLOTTA “La vita te la scrivi tu”

VITO SPADA “Sovrapposizione geometrica” FRANCESCO VATTUONE “Lago di Braies” COSIMO TISO “Viso di donna”

MARIAROSA SPERANDIO MIGLIORINI “Mandala”

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Iscriviti anche tu alla Virtual Gallery solidale di BIANCOSCURO, avrai la possibilità di inserire le tue opere nella Galleria Virtuale 3D, visitabile sia tramite smartphone, semplicemente scorrendo con le dita che con PC o MAC, utilizzando rotellina e click del mouse.

Inoltre BIANCOSCURO devolverà il 25% della quota in beneficenza.

Le opere saranno collocate in un’intera sala virtuale a te dedicata, rimarranno online per 12 mesi e sarà possibile ottenere informazioni sulle opere cliccandoci sopra, si aprirà una scheda con la foto dell’opera in grande ed i relativi dati tecnici e quotazione. È possibile anche registrare un dominio a nome proprio www. nomeartista.it per reindirizzare subito alla Virtual Gallery o nel caso si avesse già un sito è possibile collegarlo o integrarlo al proprio.

Iscriviti subito, avrai la possibilità di promuovere ed aiutarci ad aiutare Protezione Civile e Croce Rossa Italiana, in prima linea per gestire lo stato di emergenza.

Ti ringraziamo in anticipo per la tua iscrizione.

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ODILE WEIDIG “Les gens de la forêt ” GIORGIO TONIOLO “Cerchi su cerchi”

www.virtuAlgAllEry.biAncoscuro.it

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ANGELO DE

“Il Veliero della Speranza”

2019, elementi di recupero in plexiglass termodeformati e assemblati, 40x40x20 cm.

Non sono sculture, ma assemblaggi, elementi di recupero in plexiglass termodeformati e assemblati.

Questa linea orizzontale e verticale mi ricordano l’albero e la prua di una nave che solca in un mare infinito.

A poppa, la forza dell’uomo che naviga in questo mare circondato da insidie (attualmente questa pandemia), alla ricerca di una terra promessa, accogliente, ma come la Luna irraggiungibile se non si aggancia a quelle “cime” che gli fanno manovrare questo veliero.

eMail: a.defrancisco@tin.it - Facebook: Angelo de Francisco Mazzaccara

FRANCISCO

“Io ti spaccherò”

2019, elementi di recupero in plexiglass termodeformati e assemblati, 40x30x15 cm.

Non sono sculture, ma assemblaggi, elementi di recupero in plexiglass termodeformati e assemblati.

Il mondo chiuso in una scatola nera bloccato da un microscopico virus, sembra soccombere alla potenza devastante di questo alieno venuto fuori da chissà dove.

Più forte però è l’istinto e la volontà di vivere dell’uomo che, come un antico eroe greco, raccoglie tutte le sue forze in un poderoso slancio, per riaffermare la sua supremazia in un mondo che lo vuole distruggere.

www.angelodefrancisco.com

Art Fair

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Fiere, manifestazioni ed esposizioni internazionali International fairs, exhibitions and exhibitions

Italia

MiArt 11-13 settembre 2020 www.miart.it

BERGAMO Bergamo Arte Fiera gennaio 2021 www.bergamoartefiera.it BOLOGNA Arte Fiera 22-24 gennaio 2021 www.artefiera.it

Affordable Art Fair febbraio 2021 www.affordableartfair.com Grand Art 13-15 novembre 2020 www.grandart.it

FORLI’-CESENA Vernice ArtFair marzo 2021 www.verniceartfair.it

Arte Forlì Contemporanea novembre 2020 www.fieracontemporanea.it GENOVA Arte Genova febbraio 2021 www.artegenova.com

MILANO Mia Photo Fair 10-13 settembre 2020 www.miafair.it

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MONTICHIARI (BS) Expo Arte 23-25 ottobre 2020 www.expoartemontichiari.it

Pavia Art Talent 28-29 novembre 2020 www.patpavia.it TORINO Artissima 6-8 novembre 2020 www.artissima.art

Paratissima 6-8 novembre 2020 www.paratissima.it

BASEL (CH) Art Basel september 17-20, 2020 www.artbasel.com

VENEZIA La Biennale di Venezia 23 apr. - 27 nov. 2022 www.labiennale.org Liste Basel september 14-20, 2020 www.liste.ch

VERONA ArtVerona 11-13 dicembre 2020 www.artverona.it PARMA ArtParma 3-4 e 9-11 ottobre 2020 www.artparmafair.it PER INFORMAZIONI: SEGRETERIA ORGANIZZATIVA: +39 049 8800305

AMSTERDAM (NL) Affordable Art Fair oct. 29-nov. 1, 2020 www.affordableartfair.com BARCELONA (E) Loop Fair november 17-19, 2020 www.loop-barcelona.com

PADOVA Arte Padova 13-16 novembre 2020 www.artepadova.com

PAVIA PaviArt 27-28 Marzo 2021 www.paviart.it

Europe

VICENZA Arte Vicenza marzo 2021 www.artevicenza.net

BERLIN (D) Berlin Art Week september 9-13, 2020 www.berlinartweek.de Art Berlin september 10-13, 2020 www.artberlinfair.com

Positions Berlin september 10-13, 2020 www.positions.de

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BRUXELLES (B) Art Brussels april 22-25, 2021 www.artbrussels.com

MADRID (E) Art Madrid february, 2021 www.art-madrid.com

Brafa january 24-31, 2021 www.brafa.be

MARBELLA (E) Art Marbella july 29-august 2, 2020 www.marbellafair.com

CHESTER (ENG) Chester Arts Fair november 13-15, 2020 www.chesterartsfair.co.uk COLOGNE (D) Art Cologne november 19-22, 2020 www.artcologne.com

MONTE-CARLO (MC) Art Monte-Carlo april 29-may 2, 2021 www.artmontecarlo.ch MONTREUX (CH) Montreux Art Gallery november 4-8, 2020 www.mag-swiss.com

GENEVE (CH) Art Genève january 28-31, 2021 www.artgeneve.ch KARLSRUHE (D) Art Karlsruhe february 25-28, 2021 www.art-karlsruhe.de INNSBRUCK (A) Art Innsbruck january 14-17, 2021 www.art-innsbruck.at

PARIS (F) Fiac october 22-25, 2020 www.fiac.com Art Paris april 7-11 2021 www.artparis.com

VIENNA (A) LONDON (ENG) Vienna Contemporary Frieze London september 24-27, 2020 october 8-11, 2020 www.viennacontemporary.at www.frieze.com ART SALZBURG CONTEMPORARY & ANTIQUES INTERNATIONAL ZURICH (CH) London Art19 Fair– 21 OTTOBRE Art International 2018 Zurich CENTRO FIERA DI SALISBURGO january 20-24, 2021 october 1-4, 2020 www.londonartfair.co.uk www.art-zurich.com Bild: Roman Träxler

11.00 – 1900 – 1700

DUBAI (UAE) Art Dubai march 17-20, 2021 www.artdubai.ae HONG KONG (CN) Art Basel Hong Kong march 25-27, 2021 www.artbasel.com

Affordable Art Fair august 20-23, 2020 www.affordableartfair.com MEXICO CITY (MEX) Zona MACO february, 2021 www.zonamaco.com

fiera internazionale d’arte contemporanea, classico moderno & antiquariato | 19° – 21° secolo

NEW DELHI (IND) India Art Fair february 18-21, 2021 www.indiaartfair.in NEW YORK (USA) Art NewYork may, 2021 www.artnyfair.com ArtExpo NewYork october, 2020 www.artexponewyork.com

Affordable Art Fair september 24-27, 2020 www.affordableartfair.com SHANGHAI (CN) Shanghai Art Fair september 18-20, 2020 www.sartfair.com SINGAPORE (SGP) Affordable Art Fair november 20-22, 2020 www.affordableartfair.com TOKYO (J) Art Fair Tokyo march, 2021 www.artfairtokyo.com

MIAMI BEACH (USA) Art Basel Miami Beach december 3-6, 2020 www.artbasel.com

ISTANBUL (TR) CI contemporary istanbul – 20 GENNAIO september2019 24-27, 2020 O FIERA INNSBRUCK contemporaryistanbul.com

nsbruck.com

CHICAGO (USA) Expo Chicago september 24-27, 2020 www.expochicago.com

SALZBURG (A) Art Salzburg Contemporary september, 2020 art-salzburg-contemporary.com

A INTERNAZIONALE CONTEMPORANEA | 19°– 21° SECOLO

rincipale A

World

MOSCOW (RUS) Cosmoscow september 11-13, 2020 www.cosmoscow.com

TORONTO (CDN) Art Toronto oct. 30 - nov. 1, 2020 www.arttoronto.ca VANCOUVER (CDN) Art! Vancouver september 24-27, 2020 www.artvancouver.net Per visualizzare l’elenco completo aggiornato inquadra con il tuo smartphone il codice QR e collegati al nostro sito ufficiale: w w w.b ian c o s c u ro.it /ar t -fai r s

In contemporanea alla più importante fiera austriaca di auto d‘epoca. www.art-salzburg-contemporary.com

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strassi dalla borsa di cuoio, l’antico libro Indiano ereditato dai miei avi, avevo bisogno di meditare, di risposte coerenti e di collegamenti per poter proseguire al Centro-Sud dell’India.

Dopo un’ora quella coltre si era alzata e guardando lungo la strada vidi sopraggiungere un furgone bianco. Emiri, ShuiShé, l’amico indiano Morya, come dal nulla si erano materializzati e fermandosi mi fecero salire (a volte penso che tutto questo sia solo frutto della mia immaginazione viaggiatrice e creativa, o forse no? Difficile è distinguere ciò che è reale da ciò che non lo è, perché nessuno conosce la realtà, tutto è ipnosi monoideale).

Lungo il percorso, su curiosa richiesta di Morya, iniziai a spiegare il passato di uno dei miei avi: “Arati Enrico II è stato uno dei pionieri delle spedizioni archeologiche di Napoleone in Egitto, a fine 1700 e fu presente al ritrovamento della Stele di Roseta; ma fece ricerche anche qui in India. Il suo grande dilemma era: Il linguaggio dove nasce?”. Guardando i miei interlocutori aggiunsi: “Ma sostanzialmente chi era la reale etnia fantasma, progettista della Lingua Madre e quale è stato il suo ramificato cammino?”.

Salimmo nuovamente a bordo di quel mezzo rottame

E

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“

India © Photo by Adele Arati

”

Passeggiando all’indietro, mi dirigevo verso il Sud dell’India, il quale ricorda per certi aspetti paesaggistici la Birmania, la Cambogia, le pianure Europee meridionale e orientali. Nel frattempo continuavo a riflettere: “Le nostre Origini sono molto più complesse di quelle semplificate nei libri di storia”.

Sola con i miei dubbi, ero avvolta nella nebbia dell’India e dei miei pensieri. Sbucando dal basso di quel muro aeriforme, i campi arati come Fili intrecciati mi davano la percezione di una strada da seguire e nel camminare sul loro ciglio pensavo: “La nostra vita è un continuo rimando, e giocando su questo non arriviamo mai ad affrontare noi stessi. Perché ciò che vorremmo essere ci fa paura e così sfuggiamo ai nostri reali bisogni. Ma il meccanismo della vita non può aspettare, ci trascina, e glielo lasciamo fare. La Storia è piena di errori, ha volte voluti per potere, per paure, per distrazione, oppure per sbagli di sovrapposizione. Ma è dagli errori che si impara, sono esperienze ed è quella via che ci porta poi a ripararli.”

Iniziai a capire che quest’ultimo era il compito che mi era stato assegnato, la mia missione.

Mi fermai, e a voce alta mi promisi: “Ora comando io!”. Frenai e mi sedetti sul ciglio di quella strada, tanto nelle campagne dell’India tutto questo è nella norma.

[17ª puntata]

Le terre di mezzo, i percorsi del mito, il cammino piramidale dell’essere

Passeggiando all’indietro: l’India del Sud

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che, saltellando per impervie strade, ci condusse a visionare altre misteriose raffigurazioni simboliche.

Arrivammo nel vicino stato collinare del Chhattisgarh, alle grotte di Charama nella regione Tribale di Bastar. Nelle quali nel 2014 furono scoperte pitture rupestri datate al 10.000 a.c., in cui vengono raffigurate figure ocra senza volto con sembianze umanoidi e dischi solari, che nella nostra futuristica immaginazione ricordano delle navicelle spaziali luminose.

Di fronte ad esse, (a differenza di ShuiShé, che fu rapito dalle criptiche raffigurazioni), affermai: “Dobbiamo essere obbiettivi e porci una domanda: l’essere umano antico su che basi ragionava e descriveva?”.

Le simbologie del serpente insito nel geometrico cerchio luminoso, che diventa a sua volta una spirale, è presente nelle più svariate culture ancestrali. La sua sintesi in movimento è un unico simbolo a croce elica cruciforme, come quella trovata a Bhinbetcka. E da altre culture sappiamo essere collegata all’orante, quella figura ocra che ritroviamo anche nelle grotte italiane da Sud a Nord e che ha un ampio spettro di diffusione mondiale. Quindi se ne può concludere che sono elementi con un valore archeotipale lontano, da cui noi possiamo solo dedurre ipotesi.

L’amico cinese sempre più confuso e come già aveva fatto in aereo iniziò a favoleggiare: “Questi pittogrammi, antichi libri e tavolette in sanscrito, ci raccontano di creazione e distruzione all’origine preistorica della civiltà. Nella sezione Drona Parva del Mahabharata si narra in sanscrito di antiche epopee, battaglie combattute tra i Kuru e i Pandava. Si descrivono dei veivoli chiamati Shakuna Vimana, i carri-uccello volanti dei cieli, e si narra di strane esplosioni di un’accecante luminosità. Qui torna la particolarità del sottosuolo delle rovine di Moherio Daro e Harappa della valle dell’Indo, che presentano livelli di radioattività; inoltre tra le montagne di Ramajmal e il Gange vi sono mura megalitiche fuse e vetrificate, ma senza particolari impatti nel terreno. Sono battaglie epiche riprese da antichi oracoli, India, Badavilinga © Photo by Adele Arati

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tramandati in tutto il globo, le quali si trovano anche incisi in alcune tavolette sumere. Dunque, com’è possibile che culture così distanti raccontino qualcosa d’identico, se non ci fosse alla base una fonte di verità?”.

Sorridendo risposi: “Se vogliamo dargli una spiegazione meno fantasiosa, questo è compatibile con le esplosioni vicine a terra di meteoriti. Infatti alla fine dell’ultimo periodo glaciale il Dryas (19.000-15.000 a.c.), i ghiacciai presentavano tracce di particolari minerali e le temperature salirono ovunque in modo consistente. Ed è accertato che portarono all’estinzione dei mammuth e della megafauna presente a quel tempo. A sostegno abbiamo la conseguente desertificazione nel Rajasthan, del Thar e del Sam qui in India. Un tempo la verde via verso l’Asia Minore, il mar nero, la Georgia e gli Urali”.

L’unica cosa certa era che una cultura mondiale con un denominatore comune aveva abitato in quelle grotte dell’India: Bhinbetcka, Vidisha (nei vicini anfratti del colle Udayagiri) e qui a Charama.

Un’altra curiosità balzava all’occhio del sapere, a Udayagiri (la montagna dell”alba) vi sono venti caverne oggi protette dall’indagine archeologica indiana, di cui quella della tigre, che ricorda una delle enigmatiche figure simboliche del parco di Bomarzo in Italia.

Ci aspettava ora l’ultima meraviglia megalitica: il Badavilinga ad Hampi. Avevamo già postulato che avesse una probabile e tangibile funzione, che oggi sfugge alle attuali indagini archeologiche, ma una volta visto frontalmente, e con un po’ di fantasia, era evidente che assomigliava a un conduttore e accumulatore di una sorta di energia. Immerso nell’acqua, con al di sopra il cielo aperto, così come le varie interpretazioni date dalla storia sull’utilizzo delle piramidi. La struttura Yoni era spettacolarmente, gigantesca e pesante. E la solita domanda, sorgeva spontanea: “Ma come hanno fatto a costruirlo?”

Un vecchio addetto alla sua cura, ci raccontò che in alcuni Templi all’estremo sud, erano ancora custodite delle India - Charata © Photo by Adele Arati

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tavolette in argilla e corteccia di betulla molto ricercate, con incise dei simboli che raccontavano l’epopea di questi luoghi. Dunque eravamo certi di essere arrivati al nostro obiettivo finale, qui in India.

Stiliamo ora il Punto 20: “Tutta la storia del passato è fatta di sovrapposizioni di popoli e la traccia linguistica ne è una prova. Fondamenta per creare quel diario di vita, partendo da un inizio, quell’unica cultura artistica di fondo.”

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Ogni riferimento a cose e persone è puraMente casuale, le parti culturali sono vere, ma intrecciate dai fili della fantasia Crea_R_ Evolutrice, infine, i testi sono liberamente tratti dai miei futuri romanzi artistici fanta-ma-scientifici. <Opere d’art’è di Scrittura CreAttiva, Parole con apPunti, Tavole AlgoRitmiche d’artiStà> In fondo cos’è la verità? Solo un’opinione ipnotica monoideale, che diventa reale solo se condivisa. L’arte, essendo l’origine delle scienze, ha la capacità d’intessere il passato ed il presente e modificare così il nostro cammino futuro. L’art’è Cultura, ed è Motivo di Vita per la sua continuità.

[...] continua sul prossimo numero di BIANCOSCURO

Come ultima tappa in India, eravamo diretti nel cuore della Terra del Tamil Nadu a Mahabalipuram con le sue strepitose architetture. Per poi dirigerci a ritroso in Turchia, in cerca di tracce e similitudini, per confutare le nostre ipotesi.

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India - piramidale © Photo by Adele Arati

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Giuliana Maria Maddalena Fusari Dall’estetica dell’angelismo all’informale femmina di Vincenzo Chetta

Sotto: ”Quadro con cerniera - Picture with zip” 2019, acrilici su tela (con tela a vista), con cerniera e zip, 40x50cm.

L

a Fusari ha un interessante percorso alle spalle, tale da rendere il suo stile riconoscibile e fuori dal comune.

Uscita dal DAMS con la lode, dal 2000 è professoressa accademica. Per lei è stata coniata nel 1992 da Pierre Restany l’espressione “Estetica dell’Angelismo”. È il 2013, non passa un anno che l’artista aderisce all’“Estetica Paradisiaca”.

Recentemente insignita da Spoleto Arte del Premio Internazionale Ambasciatore d’Arte (2019) e del Premio Tamara de Lempicka (2018) dalla Milano Art Gallery, Giuliana Maddalena Fusari è stata selezionata in precedenza per importanti esposizioni internazionali.

A febbraio di quest’anno, il Tgcom24 apre una nuova rubrica per portare l’arte dentro le case, la rubrica dal titolo “Arte

“Quadro con cerniera - Picture with zip” è stato esposto a Palazzo Albrizzi Capello - Biennale di Venezia e pubblicato su "50 anni di carriera di Gianni Dunil. I migliori Artisti italiani". L’opera ha dato il titolo alla sua Personale A.M.A.C.I. 2019. Sarà esposto a Palazzo Borghese - Roma per la Triennale di Roma 2020.

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in quarantena” nata dall’impossibilità delle persone di recarsi nei musei o luoghi di cultura. Grazie all’importante curriculum Tgcom24 decide di dedicare all’artista una puntata con un video dal titolo “L’informale femmina” dove l’artista descrive cosa è per lei l’arte, ovvero “un bisogno primario del cervello umano, una necessità che i nostri avi hanno scoperto ancor prima di inventare la scrittura” queste le parole della Fusari.

Nel video è presente un commento del critico Vittorio Sgarbi “...essere donna non sia solo la condizione riguardante l’altra metà del mondo, ma un modo diverso di avvertire il rapporto con il proprio io, coinvolto in un immaginario non coincidente a quello dell’altro sesso”.

A Marzo la Fusari partecipa alla Virtual Gallery Solidale di BIANCOSCURO, contribuendo a raccogliere 2000€ devoluti in beneficenza, 1250€ alla Protezione Civile e 750€ alla Croce Rossa Italiana.

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L’arte della Fusari è intimamente femminile

Le opere dell’artista sono visibili sul sito www.virtualgallery.biancoscuro.it (alla fine dell’articolo è presente un codice QR per collegarsi alla pagina dell’artista n.d.r.).

La Fusari ama identificarsi con gli angeli raffigurando con crocefissioni il dolore interiore.

Nei suoi lavori spesso cuciture, cerniere e zip a simboleggiare le ferite interiori aperte e ferite rimarginate.

Predilige forme sospese e fluide che con-

Sopra: ”Luna calante - Waning Moon” 2020, acrilici su tela, con perle vere, 70x50 cm.

A sinistra ”Tenerezza tua - Your tenderness” 2020, acrilici su tela con perla vera, 40x60 cm.

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Nei suoi lavori spesso cuciture, cerniere e zip a simboleggiare le ferite interiori

Dal 2019 quindi si dedica a una pittura informale a rilievo, inserendo vere perle per sottolineare la finezza e l’eleganza dei suoi lavori.

Lo stesso professore Vittorio Sgarbi commenta: “So che l’arte della Fusari è intimamente femminile, e non solo, o non tanto, tribuiscono a ricreare una stato spirituale per l’impiego […] dei tessuti cuciti. di introspezione.

C’è una sensibilità, nella Fusari, un modo Colori rarefatti e abbondanza di bian- di riconoscersi in ciò che produce, una preco, a simboleggiare purezza e bellezza. cisa disposizione interiore, fortemente indiQuesto il suo percorso che la porterà a vidualizzata, che non potrebbe non essere definire il suo informale: l’“Informale femminile”.

Femmina”.

In questa femminilità Giuliana ritrova se

”Tocco il cielo con un dito - I wolk on air” 1994, acquerelli su carta di cotone, acrilici su yuta, tagli e cuciture in lana mohair 150x182 cm.

Opera esposta nella sua mostra personale A.M.A.C.I. 2019 a Verona

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stessa, attraverso quello che diviene un atto di conoscenza introspettiva. “L’impulso sessuale”, continua il Professore, “fa da grande forza ancestrale che più di ogni altra ci lega alla natura. Ottenerne sollievo e trasmetterlo al prossimo è il massimo risultato che ci si possa prefiggere”.

Le sue opere, fanno parte di diritto del contemporaneo, impegnato in una ricerca discreta della forma, ma soprattutto volto a rappresentare situazioni e stati d’animo, un rapimento mistico e sensuale dove il contatto cercato è sensoriale, spiril tuale, profondamente introspettivo. s

“Cometa con coda danzante - Comet with dancing tail” 1999, acrilici su raso, rasi, taglio e cuciture in lana mohair.

220 x 193 cm.

L’opera ha dato il titolo alla sua mostra personale A.M.A.C.I. 2013, sua prima partecipazione alla Giornata del Contemporaneo.

Giuliana Maria Maddalena Fusari Laureata con il 110 e Lode al DAMS Discipline delle Arti, dal 2000 è Professore Accademico. Nel 1992 Pierre Restany conia per lei l’espressione “Estetica dell’Angelismo“.

Dal 2013 ogni anno partecipa con una Personale alla Giornata del Contemporaneo organizzata da AMACI. Dal 2014 appartiene al Movimento Artistico fondato da Daniele Radini Tedeschi “L’Estetica Paradisiaca“, catalogo monografico a cura di Vittorio Sgarbi (2017).

Dal 2016 al 2019 ha la pagina personale ogni mese su “Arte“ Mondadori. Nel 2020 solo qualche mese.

Dal 2017 ha il Patrocinio del Museo Ugo Guidi.

Nel 2018 Atlante dell’Arte Contemporanea della De Agostini.

Dal 2019 entra nel “Progetto Artisti MAG-Mediolanum Art Gallery.

Nella primavera 2019 ha vinto in Premio il catalogo monografico di 50 pagine Edizioni Italia Arte. 4 mostre interne alla Biennale di Venezia. 4 Triennali di Roma.

Dal 2019 inizia “l’Informale Femmina“,pittura informale a rilievo che esprime grazia ed eleganza con l’inserimento di Vere PERLE. Giuliana Maria Maddalena Fusari è inserita nei 20 migliori artisti d’Italia a cura di Gianni Dunil, Palazzo Albrizzi Capello a Venezia. fusari.gmm@gmail.com BIANCOSCURO www.amaci.org

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www.italia-arte.it

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Inquadra il codice QR per vedere le opere di Giuliana Maria Maddalena Fusari nella realtà Virtuale

https://virtualgallery.biancoscuro.it/giuliana-maria-maddalena-fusari

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UpArt Umberto Pettene e la sua pitto-scultura figurativa

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imitante il dover inquadrare il lavoro artistico di Umberto Pettene, basta osservare anche una sola sua opera per rendersi conto di quanti elementi, sia concreti che filosofici, la compongono. Nato a Verona, attualmente vive tra Torino e Ivrea dove ha il suo studio-laboratorio ,“UpArt Studio”.

Partecipa ad eventi, rassegne e

“

concorsi artistici nei circuiti tradizionali del mondo dell’arte, in Italia ed all’estero, inoltre partecipa e sostiene corsi di studio sull’uso delle tecniche di installazione e stesure dei colori.

Con il nome d’arte UpArt, Umberto è artista contemporaneo indipendente di “pitto-scultura” figurativa, che si inserisce a pieno titolo nel panorama artistico nazionale della PopArt e dell’Arte

Povera. Un realismo immaginifico ed ironico di grande sensibilità artistica, che sconfina dai comuni linguaggi figurativi: un modo di “fare arte concettuale” senza rinunciare alle immagini.

E se non rinuncia alle immagini, perchè dovrebbe rinunciare alle parole? Così nella progettazione creativa dei suoi lavori, una parte importante è proprio dedicata a quelle frasi che cam-

Vecchie tavole recuperate e materiali riciclati lavorati e assemblati insieme. Soggetti in rilievo, spesso con parti mobili, sovrapposti allo scopo di dare profondità e tridimensionalità all’opera, diventando una scenografia da restituire all’interpretazione dell’osservatore.

”

Sopra: Mongolfiere 2019, tecnica mista, colori acrilici su tavola con inserti legno e materiali vari, 70x100x6 cm.

A sinistra: Pistard 2018, tecnica mista, colori acrilici su tavola con inserti legno e materiali vari, 64x105x6 cm.

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BIANCOSCURO RIVISTA d’ARTE Ordina la versione cartacea o PDF su https://artshop.biancoscuro.it Uffici stampa, gallerie ecc. possono chiedere il PDF gratuito a info@biancoscuro.it

biancoscuro Guardiano del faro - 2019, tecnica mista, colori acrilici su tavola con inserti legno e materiali vari, 64x120x10 cm.

peggiano sul fronte dell’opera (o direttamente proiettate sulle pareti delle sedi espositive che lo accolgono), una sorta di didascalia che non si limita a dare una prima descrizione dell’intento, ma punta alla morale. La figura dipinta e le parole, senza un supporto tridimensionale, non sarebbero UpArt, ecco dunque il terzo elemento che completa la comunicazione di Pettene: i supporti lignei modellati e assemblati a creare profondità e prospettiva. I protagonisti del racconto “escono” dal quadro concretamente, spesso sono anche dotati di un movimento proprio, grazie

alla buona manualità dell’artista, che sceglie vecchi legni per dare forma alla storia che vuole narrare. In queste pagine abbiamo la possibilità di notare quanto siano diversi i temi da lui trattati, dallo sport agonistico alla natura morta, passando dall’ironia alla filosofia, senza però mai smentire la propria cifra stilistica.

Qualunque sia il racconto che vuole proporre al suo pubblico, troveremo sempre i tre punti cardinali della sua comunicazione creativa, in un mix calibrato ed accattivante, capace di farsi ascoltare, ed apprezzare, da chiunque.

Daniela Malabaila

Bottiglie autunnali 2019, tecnica mista, colori acrilici su tavola con inserti legno e materiali vari, 45x78x8 cm.

INFO umbertopettene@libero.it umbertopetteneupart umbertopetteneupart

Sopra: Bassa marea in arcachon 2020, tecnica mista, colori acrilici su tavola con inserti legno e materiali vari, 63x97x9 cm.

A destra: L’artista nel suo studio con l’opera Marlin tecnica mista, colori acrilici su tavola con inserti legno e materiali vari, 80x130 cm.

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Irina Schönhals Ripartire con la bellezza mistica della natura

“

Con le mie opere vorrei esortare l’osservatore ad ammirare la bellezza unica e rara della Natura attraverso la sua magia unica e illimitata.

In questo momento storico ripartire dalla contemplazione della bellezza circostante, fermandone rarità e grazia di ogni singola sfumatura, rispettandone regole e processi a noi ignoti, eleva il nostro essere permettendoci di essere liberi.

”I

rina Schönhals, artista svizzera di formazione accademica, oggi vive e lavora a Basilea.

Da sempre dedicatasi alla pittura e al suo inse­gnamento, continua da anni la sua ricerca professionale ed artistica attraverso l'approfondimento attivo e costante della pittura multistrato della vecchia scuola olandese, di cui ne è un'affermata rappresentante.

Questa tecnica, attraverso la suddivisione della pittura in più fasi, intervallate da lunghe pause di asciugatura e dagli effetti di sovrapposizionamento dei molteplici strati, restituisce un realismo di­ sarmante, ricercato e voluto, che porta ad una riflessione necessaria sul rispetto della natura e delle sue regole. Sono innumerevoli le virtù che essa possiede, prima fra tutte la bellezza incontaminata di ogni singolo fiore, dei suoi colori e sfumature.

L’intento di Irina è proprio quello di coglier­ne l’attimo che fugge e di fermarlo per sempre sulla tela. La natura morta di Irina è una natura che ha la pretesa di ritornare alla vita, grazie ai giochi di luce, ai colori vivaci e ai forti contrasti.

IRIS olio su tela, 50x80 cm.

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Irina Schönhals

biancoscuro

LE PETIT CHEMIN olio su tela, 60x60 cm.

EMERALD BEETLE olio su tela, 40x40 cm.

Una metafora della condizione della natura umana attuale che ha voglia di rivivere e farsi apprezzare.

Sono diverse le mostre allestite dall’artista negli anni e gli articoli su riviste internazionali a lei dedicati; proprio grazie a questo la produzione incessante di nuove opere di questi ultimi anni, le ha permesso di scoprire aspetti ed elemen­ti innovativi della pittura multistrato, portandola ad un perfezionamento costante l della tecnica stessa. s

INFO irina.schoenhals@outlook.com irinaschoenhals irinaschoenhals www.irinaschoenhals.com

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C ARMELA OGGIANU in arte CAROGGI

Melodia magica - 2020, acrilico su tela gallery, 70x50 cm.

Bosa, Ponte Vecchio - 2015, acrilico su tela gallery, 100x70 cm.

www.caroggi.com

-

caroggi@hotmail.it

-

arte.caroggi@gmail.com

S O L D I

W I T S C H

SERNACCHIOLI

C U T R A N O

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by biAncoscuro

Viale Indipendenza 26 27100 Pavia

biancoscuro

L’Arte... Messa in Opera CAMERA di Torino espone le creazioni di Paolo Ventura di

Lucia Garnero

L’

excursus di quindici anni di carriera della mostra antologica “Carousel”, curata da Walter Guadagnini nelle sale di CAMERA, avrebbe dovuto essere inaugurato a fine maggio, purtroppo a causa del lockdown, l’evento è stato riprogrammato in autunno.

Paolo Ventura, nato a Milano nel 1968, dove tutt’ora vive, la-

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vora per anni come fotografo di moda; all’inizio degli anni Duemila si trasferisce a New York.

Oltreoceano, decide di dedicarsi alla ricerca artistica. Ne emerge, immediatamente, la capacità di unire abilità manuali ad una visione poetica del mondo: costruisce scenografie in cui prendono vita vicende e racconti fiabeschi, quasi surreali, immortalati, poi, con la macchina fotografica.

Con queste opere ottiene i primi importanti riconoscimenti. “War Souvenir” (2005), rielaborazione delle atmosfere della Prima Guerra Mondiale attraverso piccoli set teatrali e burattini, è l’opera con cui l’artista viene inserito all’interno del documentario della BBC “The Genius of Photography” nel 2007.

Dopo dieci anni negli Stati Uniti, rientra in Italia dove realizza al-

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di Roma e il MART di Rovereto.

Ha partecipato a mostre collettive e personali in festival, musei e gallerie di tutto il mondo, fra cui Le Rencontres de la Photographie di Arles, The Hague Museum of Photography e il Museo Het Valkhof, entrambi in Olanda, ARMANI / SILOS di Milano e il MAG Museo Alto Garda di Riva del Garda. Ha realizzato le scenografie dell’opera Carousel di Rodgers e Hammerstein per il Teatro dell’Opera di Chicago e le scenografie di ‘Pagliacci’ di Ruggero Leoncavallo, per il Teatro Regio di Torino.

In occasione del presente evento, le sale del CAMERA ospiteranno opere provenienti da collezioni italiane e straniere, e dallo studio dell’artista, in un’inedita commistione di linguaggi che comprenderà disegni, modellini, scenografie, maschere di cartapesta e costumi teatrali. Ad animare la soluzione espositiva, la ferma volonA sinistra: Paolo Ventura Teatro Ruzzier (da G.R.Grazia Rivetuta), 2019 Sopra: Paolo Ventura Mare Tirreno (da G.R.Grazia Rivetuta), 2019 A destra: Paolo Ventura Behind the Walls 05 (da Behind the Walls),2011

cuni progetti all’interno dei quali mescola fotografia, pittura, scultura e teatro. La sua pratica artistica si ibrida ulteriormente, come dimostrano le collaborazioni col mondo del teatro e la presenza sempre più massiccia della pittura all’interno della rappresentazione.

Le sue opere sono incluse in importanti collezioni pubbliche e private, fra cui il Museum of Fine Arts di Boston, la Library of Congress di Washington, la Maison Européenne de la Photographie di Parigi, il MACRO

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PAOLO VENTURA Carousel CAMERA Centro Italiano per la fotografia Turin

I

n the autumn CAMERA hosts “Carousel”, a journey within the eclectic career of Paolo Ventura (Milan, 1968), one of the most recognized and appreciated Italian artists in Italy and abroad.

After working for years as a fashion photographer, in the early 2000s he moved to New York to devote himself to his artistic research. Since his earliest works, he combines a great manual ability with a poetic vision of the world, building scenographies within which short fairy-tale and surreal stories come to life, immortalized then by the camera.

With «War Souvenir» (2005), a reworking of the atmosphere of the First World War through small theater sets and puppets, he obtained the first important awards, such as the inclusion in the BBC documentary «The Genius of Photography» in 2007.

After ten years in the United States, he returned to Italy where he made some of his most famous projects, within which he mixed photography, painting, sculpture and theater.

On this occasion, the CAMERA rooms host some of the most evocative works of the last fifteen years - from Italian and foreign collections, as well as from the artist’s studio - in an absolute mix of languages that includes drawings, models, sets, masks of papier mache and theatrical costumes.

It is not, however, a linear path or a retrospective, but rather a staging of all the recurring themes of his poetics, among which the double and the fiction stand out.

Two unpublished projects are also on display: “Grazia Ricevuta” and the work that Paolo Ventura is carrying out for the Central Institute for Catalog and Documentation in Rome.

A volume will be published that traces the salient stages of the artist’s rel search. s Sopra: Paolo Ventura Automaton 15 (da The Automaton), 2010

A sinistra: Paolo Ventura Behind the Walls 02 (da Behind the Walls), 2011 A destra, in alto: Paolo Ventura Winter Stories 36 (da Winter Stories), 2007/2009

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tà di mettere in scena tutti i temi ricorrenti della sua poetica. In mostra anche due progetti inediti: “Grazia Ricevuta” e il lavoro

che Paolo Ventura sta realizzando per l’Istituto Centrale per il Catalogo e la Documentazione di Roma. L’evento è realizzato grazie

a Intesa Sanpaolo, Lavazza, Eni, Reda; la programmazione espositiva e culturale è sostenuta dalla l Compagnia di San Paolo. s

PAOLO VENTURA Carousel

mostra rinviata a data da destinarsi (si invita a controllare l’apertura sul sito di riferimento) CAMERA – Centro Italiano per la Fotografia, Torino INFO T. +39 011 088 1150 camera@camera.to Tutti i giorni 15.00 - 18.30 Giovedì 11.00 - 21.00 Inquadra con il tuo smartphone il codice QR per collegarti al sito

www.camera.to

AURORA COPPOLINO

IL VENTO DI PRIMAVERA - olio su tela - 60x60 cm.

www.facebook.com/aurora.coppolino.5 BIANCOSCURO

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Family!

La famiglia che vogliamo di

Mario Gambatesa

I

l MUDEC di Milano ha ospitato, dal 16 ottobre scorso, la mostra fotografica “Elliott Erwitt. FAMILY!”.

L’esposizione, prodotta da 24 ORE Cultura-Gruppo 24 ORE in collaborazione con SUDEST57 e dal Comune di Milano-Cultura, ha chiuso in anticipo a causa dell’emergenza sanitaria.

Per adattarsi alle nuove regole, il MUDEC ha offerto al pubblico una nuova iniziativa, portando online il progetto espositivo corrente, attraverso la realizzazione di video creati dalla curatrice Biba Giacchetti, grazie al progetto Pausa ad Arte. Si tratta quindi

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di una selezione di cinque scatti del grande fotografo americano, analizzati attraverso i vari social network del museo, in un periodo complessivo di cinque settimane, partendo dal 25 aprile scorso. A Elliott Erwitt si devono alcuni degli scatti più famosi degli ultimi settant’anni. Nato nel 1928 in Francia, trascorre la sua infanzia in Italia, successivamente si trasferisce a New York. La sua passione per il viaggio lo ha portato a girare il mondo. Durante la sua carriera di fotografo professionista, iniziata nel 1949, conosce personalità di spicco del mondo della fotografia dell’epoca, tra cui Roy

Stryker e Robert Capa. Fu proprio quest’ultimo ad offrigli l’opportunità di unirsi alla Magnum Photos (Agenzia Internazione di Fotografia), diventando presidente nel 1968 ed ancora oggi ne è membro attivo. Erwitt ha realizzato la totalità dei suoi scatti in bianco e nero, il suo obiettivo si concentra quasi esclusivamente su persone e animali, colti in atteggiamenti apparentemente insignificanti e a volte anche comici, ma sempre in grado di suscitare empatia nell’osservatore. Pur prendendo estremamente sul serio la fotografia, ha sempre sostenuto l’estrema importanza dell’umorismo nei suoi

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Daniela

Bussolino

In alto: la curatrice Biba Giacchetti con Elliott Erwitt Ph.@Carlotta Coppo A sinistra: Elliott Erwitt - USA. New York City. 1974 @Elliott Erwitt Sotto: la curatrice Biba Giacchetti Ph. @Carlotta Coppo

scatti: “ Far ridere le persone è uno dei più grandi traguardi che si possano raggiungere”. Erwitt ci dona una precisa e attenta osservazione della realtà che lo circonda, immortalando i soggetti in un modo unico, gentile, in cui non c’è mai posto per la violenza, le guerre e la crudeltà. La rassegna fotografica si compone di sessanta scatti, tutti accomunati dal tema della famiglia, sono rappresentati quindi genitori con figli e animali, famiglie singolari, famiglie arcobaleno, matrimoni nudisti, comitive di amici, famiglie adottate e molto altro. Si sa, soprattutto di questi tempi, la famiglia diventa un rifugio, una mutevole quotidianità affettiva, un punto di riferimento che molte volte, a causa dei ritmi frenetici, non vediamo e viviamo attentamente. Ed è proprio in questi precisi momenti che, in silenzio, subentra la fotografia di Erwitt, come monito nel ricordarci ciò che abbiamo e che non dobbiamo dimenticare. In questo mondo, si ha la libertà di scegliere di essere la famiglia che vogliamo, con diverse caratteristiche, ma con un tema universale, immortalato attraverso lo stile unico e inconfondibile di Elliott Erwitt che dona un gusto romantico e spesso ironico, nel punto esatto in cui l la parola si ferma e inizia l’immagine. s

A passo di danza 2018, acrilico su tela, 50x70 cm.

Classe 1971, autodidatta, frequenta corsi di tipo accademico ed anche online su disegno e pittura. Dipinge sin dalla giovane età, inizialmente su ceramica, per passare alla tela e ad altri supporti con diverse tecniche.

Dal 2017 ha intrapreso un nuovo e diverso percorso artistico, costituito da eventi, noti cataloghi e riviste per formare e migliorare il curriculum personale. Tramite le opere cerca di trasmettere all’osservatore energia positiva, voglia di cambiamenti, meditazione, passione ed amore per la vita. I critici d’arte definiscono le serie dei Ballerini, “i Ballerini della gioia” anche per il frequente uso del rosso.

Alcuni eventi: Roma al Campidoglio, Sala Promoteca; passaggio televisivo su Canale Italia, Percorsi d’Arte; Comiso, Premio Città di Comiso; Napoli, Maschio Angioino; Milano, Chie Art Gallery; video recensione di Sgarbi. Ha esposto a New York, Parigi, Barcellona, Belgio.

Femminilità riflessa 2019, polimaterico con acrilico su tela 50x70 cm.

Daniela Bussolino Artista

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bussolinodaniela daniela.bussolino@gmail.com www.danielabussolino.com

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La fotografia solidale

Oltre 75 fotografi italiani e stranieri per sostenere il Policlinico San Matteo di Pavia di Daniela

Malabaila

I

n questi mesi di incertezza, ansia e dolore, tante sono le iniziative artistiche benefiche che hanno aiutato in questa emergenza sanitaria, economica ed umana. É scesa in campo anche la fotografia attraverso l’azione dello storico CFO - Circolo Fotografico Oltrepò di Broni e dell’Associazione Spazio53 di Voghera, che hanno dato vita al progetto benefico Pop Up (Photographers Oltrepò Pavese - United Projet) con una raccolta fondi a favore del Policlinico San Matteo di Pavia.

Il numero degli aderenti al progetto è in costante aumento, al momento sono oltre 75 i fotografi (non solo dall’ Oltrepò Pavese, ma da tutta Italia, ai quali si è aggiunto anche l’americano Harry De Zitter) che hanno donato una o più immagini a favore degli operatori sanitari che si

prodigano quotidianamente in un lavoro di enorme sacrificio, messi a dura prova sia sul lato fisico che su quello umano e psichico. Al momento i fotografi che hanno donato uno o più scatti sono: Agnelli, Sardoni, Anglisani, Annunzi, Barbato, Barbieri, Bega, Bellesia, Benvenuti, BigaAldo Sardoni

Maurizio Lodi

Paolo Mazzocchi

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Mavi Di Marco

Manuela Marenzi

Roberto Cifarelli

Federico Cavallini

no, Bolchi, Bonazza, Borgarelli, Bottiroli, Brienza, Calanca, Callerio, Carnieli, Cavallini, Celano, Chiesa, Ciervo, Cifarelli, Cifarelli, Colla, Cortese, De Zitter, Dessì, Di Liborio, Di Marco, Di Napoli, Draghi, Giorgi, Innocenti, Lodi, Madeo, Maffi, Marcialis, Marchesi, Marchetti, Marenzi, Matassoni, Mazzocchi, Meazza, Micheletti, Miola, Moggio, Munari, Negri, Nosvelli, Palladini, Parentela, Perotti, Prada, Ramella, Rusinà, Ristuccia, Rotelli, Sala, Salmoirago, Santoni, Sartirana, Scarpin, Simonazzi, Spezia, Tarantini, Tecchio, Torti, Tortorella, Tres, Treves, Uda, Valdes, Vicini, Godot Villani.

Una volta scelta l’immagine, o le immagini, che vogliamo acquistare, sarà possibile decidere la dimensione della stampa (20×30 cm o 25×25 cm) che viene fatta con inchiostri a pigmento Epson UltraChrome K3 su carta cotone acid free, montata poi su passepartout con retro a cartellina. Vengono poi inviate al proprio domicilio entro 30 giorni.

Siamo contenti di poter dire che è stato grande il successo riscosso tra il pubblico, tanto che in soli 5 giorni sono state vendute sul sito di riferimento (www. popupfotografia.it, creato da Pangea Grafica e Comunicazione, dove è possibile anche procedere alla donazione) oltre 70 fotografie, con un contributo di base di soli Luca Cortese

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50 euro ciascuna. Il ricavato della vendita delle immagini d’autore sarà devoluto interamente alla Fondazione IRCCS Policlinico San Matteo di Pavia Mauro Negri e Luca Tres di CFO, e Arnaldo Calanca di Spazio53, così commentano: “Abbiamo deciso di realizzare un progetto partendo dalla forza del silenzio delle fotografie, nel rispetto di chi, ogni giorno e in silenzio, con grande dignità e immensa professionalità, lotta per tutti noi. La fotografia da sempre è uno sguardo privilegiato sulla realtà esterna e, nel suo rapporto stretto con quest’ultima, diventa un mezzo per creare conoscenza e coscienza, per unire e condividere, per fornire allo sguardo un punto d’arrivo differente. E, in questo momento, per aprire nuove visioni quando tutti siamo necessariamente lil mitati nella visione esterna”. s

Roberto Bigano

Giovanna Benvenuti

Milko Marchetti

Gianluca Micheletti

Loredana BOLDINI w w w . l o r e d a n a b o l d i n i . i t loredana@loredanaboldini.it l_bold28graphic

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Click here 2017, acrilico su tela con fondo a stucco, 70x80 cm.

EXCELLEN CE ARTGALLERY

MASSIMO CEDRINI

ARTE+EVENTO Giuseppe Carnevale

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The Kiss Il più romantico gesto d’amore di

Mario Gambatesa

“I

l bacio è più buono del vino” è con questa frase che si apre il primo passo del Cantico dei Cantici. Come sappiamo, il bacio è il gesto più semplice e più complesso che l’essere umano è capace di compiere.

Esso è celebrato come apoteosi, in poesie, canzoni e romanzi, immortalato come icona nella pittura di Hayez, nella scultura classica di Canova, nella fotografia romantica di Erwitt.

Si intitola “The Kiss” il tema fotografico di Marilù S. Manzini, ospitato dalla Galleria Paola Colombari, in occasione di MIA PHOTO FAIR a Milano, una delle più importanti fiere di fotografia che si terrà dal 10 al 13 settembre prossimo negli spazi di The Mall.

Marilù vive e lavora a Milano ed è un’artista tutto fare, sono molti i campi d’interesse di cui si occupa, pittura, scultura, fotografia, ed è anche autrice di numerosi romanzi. In mostra sarà presente anche l’opera “Quarantine”, che vede protagonista una donna incinta, sul cui grembo spiccano dei nastri adesivi con la scritta quarantena.

Un lavoro che esprime la necessità della donna di custodire ciò Marilù S.Manzini - Quarantina 2020, Lambda paper on aluminum dibond, 120x140 cm.

Limited Edition n. 6 + 2 Ap Courtesy Galleria Paola Colombari,Milano

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che ha di più prezioso nel suo ventre, e credere nell’idea che, l’amore materno e la vita che nasce siano più forti del virus. La serie fotografica The Kiss, creata nel 2019, racconta la storia di due persone che si amano moltissimo ma, per diverse ragioni, non riescono mai ad avvicinarsi del tutto, circostanze, tradotte in oggetti che si interpongono tra le labbra dei due innamorati. Attraverso questi scatti, Marilù, da un lato, vuole sottolineare l’importanza del rapporto con l’altra persona, mentre, dall’altro lato, vuole ribadire quanto le azioni semplici e abituali come un bacio, possano essere inaspettatamente interdette. Un gesto d’amore sottratto a causa del virus e del distanziamento sociale!

Però dobbiamo considerare che ci sono anche aspetti positivi: dei ricercatori di Osaka, in Giappone, affermano che attraverso il bacio si scambiano gli anticorpi e ciò rafforza il sistema immunitario.

Senza dimenticare che il bacio impegna ben 35 muscoli facciali, accelera il battito cardiaco e mette in circolo sostanze neuro ormona-

li che innalzano l’umore. Un vero toccasana! Nonostante tutte le

Sopra: Marilù S.Manzini The Kiss – Jail 2019, Lambda paper on aluminum dibond, 120x140 cm.

Limited Edition n. 6 + 2 Ap Courtesy Galleria Paola Colombari, Milano A sinistra: Marilù S.Manzini The Kiss- La fantasia 2020, Lambda paper on aluminum dibond, 120x140 cm.

Limited Edition n. 6 + 2 Ap Courtesy Galleria Paola Colombari, Milano

avversità che l’essere umano incontrerà nella propria vita, che sia la distanza, l’età, una gabbia o un virus, l’amore per una persona sarà sempre immortalato attraverso un bacio. In fondo, questo gesto trova in se stesso la sua ragione d’essere, unisce e separa, nasconde e rivela ma è senza ombra di dubbio, “la perfetta sensazione l che sia data dagli umani”. s

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BIANCOSCURO

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T r A t e e r t S T r A t e e Str La Street Art ai tempi del Coronavirus Le immagini che sdrammatizzano il difficile momento per l’arte e per l’umanità di

Flavio Ennante

I

l mondo dei murales non si ferma: “Lo street artist, usa sempre le dovute precauzioni, lo street artist indossa sempre mascherina e guanti”.

Qui a seguire una scelta tra i murales più significativi del momento, raccolti in un giro (virtuale) per il mondo.

“In onore di tutti i coraggiosi infermieri. Ora e per sempre”, questa la scritta che a New York (USA) accompagna un murale dedicato al coraggio degli infermieri. Un altro ringraziamento ai sacrifici di questi ragazzi lo troviamo a Zabbar (Malta) un murales realizzato in soli sette giorni e a Teheran (Iran) dove il messaggio è chiaro: “Non aver paura” detto da chi è in prima linea.

A Roma il topo Jerry invita Tom al

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HULA | sean yoro Los Angeles (USA) instagram.com/the_Hula

distanziamento mentre a Los Angeles (USA) il virus appare come metafora in una palla d’acciaio che distrugge tutto. A Bangkok è apparso un “Pukruk” (un love bird, il nostro inseparabile) che vestito da infermiere si sforza di tener fuori il virus.

A Metz (Francia) è ancora in scena la “preziosa” carta igienica in versione Indiana Jones e i predatori dell’arca perduta. Per finire c’è chi lavora da casa, sui muri di quello che dice essere il suo bagno a Bristol (UK) ecco comparire 8 ratti che scorrazzano liberamente, creando scompiglio e generando il malcontento della moglie: “My wife hates it when I work from home”. s

Justin Zabbar (MLT) instagram.com/justinks_and_murals

l

Maupal Roma (I) instagram.com/maupal3000

BIANCOSCURO

biancoscuro

Tristan Eaton New Yor (USA) instagram.com/tristaneaton

Banksy Bristol (UK) instagram.com/banksy

JĂŠrĂŠmy Syro Metz (F) instagram.com/syro.one

khamoosh Teheran (IRN) instagram.com/xamoosh

muebon Bangkok (TH) instagram.com/mue_bon

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PETER HIDE 311065 Abbaglio REM

VIA BERGAMO, 20 - 20900 MONZA info@villacontemporanea.it

CIVICO MUSEO ARCHEOLOGICO

S OT TO IL

CIELO DI NUT EGITTO DIVINO

11 MARZO 20 DICEMBRE 2020

civ ico mu seo arc h e olo g ic o

ORARI:

Corso Magenta 15 – Milano

DA MARTEDÌ A DOMENICA 9-17.30 / ULTIMO INGRESSO 16.30

www.museoarcheologicomilano.it

INGRESSO: 5€ INTERO / 3€ RIDOTTO / GRATUITO MINORI DI 18 ANNI IL MUSEO ADERISCE AD ABBONAMENTO MUSEI LOMBARDIA

Dove trovare BIANCOSCURO Versione digitale in abbonamento o presso: www.biancoscuro.it artshop.biancoscuro.it www.ebsco.com www.issuu.com

BRA40-2020

Versione cartacea in abbonamento o presso: Art Basel Art Basel Miami Beach Art Basel Hong Kong Art Verona Arte Padova Bergamo Arte Fiera Grand Art Milano Arte Genova ART Innsbruck ART Salzburg Art Zurich Montreux Art Art Parma Fair PaviArt Contemporanea Forlì Vernice Art Fair Forlì

A

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2020 - Bimestrale d’Arte, Cultura e Informazione

Jean-François Réveillard From Paris to the swiss mountains