Billboard AR Diciembre 2022

Arcangel y Bad Bunny logran el Hot Shot Debut con “La Jumpa”

Manuel turizo agrega una semana y suma 13 en el 1° en la lista Billboard Argentina Hot 100 luego de ubicarse en el 2° lugar durante una semana hace dos semanas. La canción supera en semanas de permanencia a “Hawái” de Maluma y The Weekend y “Calma” (remix) de Pedro Capo y Farruko. Y “La Bachata” se convierte en la tercera entre todos los títulos desde que se lanzó la lista en 2018.

Bizarrap y Quevedo “Bzrp Music Sessions, Vol. 52” sube 3°-2°, mientras que “Despechá” de Rosalía cae al 3°. La Joaqui, Gusty DJ y Salsatkbron suben 5°-4° con “Dos Besitos” y “Tu turrito” de Rei y Callejero Fino cierra el Top 5 tras un ascenso de 7°-5°. Por otra parte, “La Jumpa” de Arcángel y Bad Bunny obtiene el Hot Shot Debut de la semana al unirse al 42°. Además, el Greatest Gainer va para “Mañosa” de La Joaqui y Omar Varela: la canción sube 38 lugares desde el 92° al 54°.

Además, La Mosca Tse -Tse comienza con “Muchachos, ahora nos volvimos a ilusionar” en el 55°. Un paso atrás, Rusherking, Emilia y L-Gante empiezan con “El Plan” en el 56°. Finalmente, Arcángel también debuta con “Bottas” en el 80°. En el 94°, Bm se inclina con “M.A (Mejores Amigos)”.

FOTO: ERIC ROJAS

TH E WEEK ’S M OS T POPU LA R CURREN T SO NG S ACRO SS A LL GENRE S, R AN KE D BY R AD IO A IRPL AY AUDIENC E IMPR ES SION S AS M EA SURE D BY LUMIN AT E, SALE S DA TA A S CO MPIL ED B Y LUMI NA TE A ND S TR EA MING AC TIVI TY D AT A BY ONL IN E MUSI C SO URCE S TR ACKE D BY LUMIN AT E. S ON GS A RE DEF INED A S CURREN T IF T HE Y AR E NE WL Y RELE AS ED T ITLES, O R S ON GS R ECEI VI NG W ID ES PR EA D AI RP LA Y AN D/OR S ALES

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Premio compartido para dos artistas nuevas

Dos generaciones diferentes se unieron en un mismo reconocimiento: con 70 años de diferencia, Angela Álvarez, de 95, y Silvana Estrada, de 25, se llevaron el Latin GRAMMY® 2022 al Mejor Artista Nuevo.

Asus 95 años de vida, para Angela Álvarez era poco probable recibir un galardón en una categoría que suele premiar artistas emergentes. Por lo tanto, el triunfo de la artista cubana signó uno de los momentos más emotivos de la noche.

Silvana Estrada llegó a Las Vegas como una de las favoritas de la terna. La mexicana de 25 años viene posicionándose como una de las voces de la nueva generación de artistas herederas de las figuras de Natalia Lafourcade, Mon Laferte o Julieta Venegas. Oriunda de Veracruz, oriunda de Veracruz, hija de Luthiers. Sus padres son maestros artesanos, fabricantes de instrumentos de

cuerda. Ellos fueron precisamente quienes fabricaron el cuatro venezolano que la acompaña al escenario. Es la primera artista latina firmada por el sello independiente Glassnote Records.

Con el público aplaudiendo de pie, el Latin Grammy honró una carrera que tiene un gran camino por recorrer y otra que llegó en los últimos capítulos de la vida. Estrada no preparó un discurso. “Como mujer, este premio ya era nuestro porque este año la categoría de mejor artista nuevo tiene mayoría de mujeres, así que este premio es de todas y más aún porque tengo aquí a esta señora maravillosa que desde que la vi me sacó las lágrimas”, agradeció.

Para terminar, agradeció a sus padres “por

enseñarme que la música vale la pena y que hay que vivir la vida con felicidad”. Más tarde, se sumó a Carlos Vives, Camilo y Nicole Zignano para interpretar «Baloncito viejo». Angela Álvarez comenzó con un agradecimiento a La Academia Latina de la Grabación® y todos los que la ayudaron a obtener el reconocimiento. De ellos, destacó a los músicos Misha’al Al-Omar, Andy García, su familia y su hija difunta, Marucha: “Yo sé que ella está disfrutando de este momento y se siente muy orgullosa de su madre”, compartió.

Para concluir, Álvarez dio las gracias a su nieto y productor, Carlos José Álvarez, quien la animó a grabar música. Se encontraba a su lado en el escenario. “Quiero dedicar este premio a Dios y mi patria querida, Cuba, que nunca podré olvidar. Y también a aquellos que no han realizado su sueño; aunque la vida es difícil, siempre hay una salida, y con fe y amor lo pueden lograr. Se los prometo que nunca es tarde. Los amo a todos, que Dios me los bendiga”, finalizó.

Las artistas compartieron la terna con Sofía Campos; Cande y Paulo; Clarissa; Silvana Estrada; Pol Granch; Nabález; Tiare; Vale; Yahritza y su Esencia; Nicole Zignago.

La 23ª edición de los Latin GRAMMY® contó con la presencia de MasterCard, Bacardí, Bulova, Clinique, Frontera Wines, 1800 Tequila y Walmart.

LATIN GRAMMY® 2022

Angela Álvarez

De Uruguay al mundo: Drexler fue el máximo ganador

El cantautor obtuvo siete galardones, en una noche donde también triunfaron Fito Páez, Rosalía y Bad Bunny.

POR MAJO GARCÍA MORENO

Cuando este año Jorge Drexler presentó en el teatro Gran Rex su disco Tinta y Tiempo, en una de las funciones a sala llena recordó esas primeras venidas a Buenos Aires, solo con una guitarra y un sampler. Era en un emblemático local de Palermo cuando ejecutaba tímidamente las canciones de sus primeros discos ante un público selecto y fascinado.

Más de 20 años pasaron hasta esta noche del 17 de noviembre cuando el uruguayo se convirtió, en Las Vegas, en el máximo ganador de los premios Latin GRAMMY®. La foto que circuló en los principales portales del mundo lo muestra tirado en el piso, de impecable traje marrón, sonriendo y con los premios en sus manos. En el mismo carrete se lo puede ver en el escenario interpretando “Tocarse”, composición de su último disco, nada menos que junto a Elvis Costello. “Locura”, como escribió

en sus redes.

Locura, merecida para un artista que en 2005 tuvo que resignarse a no interpretar en la gala de los Oscar su canción que resultó ganadora del premio, “Al otro lado del río”, por no ser lo suficientemente conocido a nivel global. Pero esa es otra historia. La del jueves, fue una noche de música, alegría y consagración en Las Vegas. En la edición número 23 de los premios que otorga La Academia Latina de la Grabación®, que tuvo lugar en el Mandalay Bay Michelob Ultra Arena, el músico uruguayo triunfó en siete de las nueve categorías en las que estaba nominado: “Tocarte” fue canción del año y grabación del año; Tinta y tiempo fue mejor álbum de cantautor; “El día que estrenaste el mundo” resultó mejor canción alternativa; “Vento Sardo”, que grabó con Marisa Monte, mejor canción en lengua portuguesa; “El plan maestro”, mejor arreglo y “La guerrilla de la concordia”, mejor canción pop

en un empate técnico con “Tacones rojos” de Sebastián Yatra y Pablo María Rousselon.

“Esto es una locura, es una exageración maravillosa”, dijo Drexler en una de sus tantas subidas al estrado, visiblemente emocionado por otra noche inolvidable para su carrera. Pero el artista que desde hace más de 20 años reside en Madrid y que lleva ganados 14 premios Grammy, no fue la única gran figura en la noche más importante de la música latina. Por el lado argentino, Fito Páez, El Mató a un Policía Motorizado y el pianista Pablo Estigarribia también fueron distinguidos. Fito, dio el gran batacazo, con tres de tres. El rosarino se impuso con su última producción, Los años salvajes, en el rubro Mejor disco de pop-rock, además ganó en las categorías Canción de rock por “Lo mejor de nuestras vidas” y Canción pop-rock por “Babel” que grabó junto a Carlos Vives. Fue el mismo Fito quien le dio a Rosalía, una de las figuras del año por su tremenda personalidad e influencia, el premio mayor. La artista española logró con su tercer trabajo discográfico, Motomami, llevarse el premio al Álbum del año. El disco le valió también los reconocimientos a Álbum de música alternativa, Mejor diseño y Mejor producción.

“Motomami es el disco con el que más me he tenido que pelear para hacer, que más me ha costado, pero que más me alegrías ha dado”, dijo la cantante catalana, una de las responsables de animar la gala con las interpretaciones de “Hentai”, “Despechá” y “La fama”,

intervención que le valió un par de ´piii´ por su contenido sexual no apto para la trasmisión televisiva.

Bad Bunny, quien se vislumbraba como el favorito por su gran cantidad de nominaciones, obtuvo la mitad. Diez de cinco, nada mal para el artista que, aunque no asistió a la ceremonia por compromisos laborales, fue otro de los más celebrados. El puertorriqueño ganó en los rubros Mejor álbum de música urbana por Un verano sin ti; Mejor Interpretación de reggaetón por “Lo siento BB” con Tainy y Julieta Venegas; Mejor canción de rap/hip hop por “De museo”; Mejor fusión urbana y Mejor canción urbana por “Titi me preguntó”.

Párrafo aparte para los otros argentinos ganadores: El Mató a un Policía Motorizado que obtuvo el premio a Mejor Disco de rock por Unas Vacaciones Raras y el pianista chaqueño Estigarribia quién logró el premio a Mejor Álbum de Tango su trabajo Horacio Salgán Piano Transcriptions.

NUNCA ES TARDE

Otra de las protagonistas de la noche fue Angela Álvarez, artista cubana que, a sus 95 años, fue consagrada como Mejor Nueva Artista, reconocimiento que compartió con la mexicana Silvana Estrada. La cantante y

compositora agradeció el premio a su nieto, el compositor Carlos José Alvarez, quien fue su productor musical. El premio a la Persona del año, entregado en una ceremonia aparte, fue para Marco Antonio Solis. El Buki, como se lo conoce al cantautor mexicano dijo al recibir el reconocimiento: “¿Que puedo decirles? tengo mi corazón inundado de gratitud, la gratitud es la memoria del corazón, gracias a todos los que me han apoyado en mi carrera durante tantos años, veo mucha juventud, hoy la música está siendo reconocida gracias a la gente que hace esto posible, ¡Viva México! y felicidades a los ganadores, pero también a quienes están soñando con estar aquí algún día”. El artista interpretó con Mariachi Sol de México de José Hernández, una emotiva versión de “Se veía venir” y “La venia bendita” y su homenaje contó con las actuaciones de Laura Pausini, Luis Fonsi y Thalía quienes cantaron “Si no te hubieras ido”. Sin Bandera y Carin León le pusieron voz a «¿A dónde vamos a parar?»; y Goyo, Aymée Nuviola y Gente De Zona se hicieron cargo de “Más que tu amigo”. Los Bukis fueron los encargados del broche de oro de la noche con “Tu Cárcel”

LOS SHOWS

Durante la ceremonia de premiación, una de las presentaciones más impactantes fue la

de la brasilera Anitta quien interpretó una fusión de sus éxitos “Movimiento da sanfoninha,” “Rave de favela,” “Vai malandra,” “La mamá de la mamá,” “Machika” y “Envolver” junto a un grupo de bailarinas, primero algo intimista y coreográfica y luego bien arriba y tiktokeable. De similar intensidad fue la performance de Karol G quien hizo un mix de “Gatúbela”, “Provenza” y “Cairo”. Y, por supuesto, entre los varios shows, otro punto alto fue el de Drexler junto a Costello. Con una puesta escenográfica en blanco, geométrica y minimalista los artistas unieron sus talentos a la banda del sudamericano para recrear una versión innovadora, elegante y súper potente de “Tocarse”. Inmensa fusión para coronar la noche del extraordinario artista uruguayo.

Todos los looks de la alfombra roja

POR BILLBOARD CONTENIDOS FOTOS TUTE DELACROIX

El michelob ultra arena del Mandalay Bay Resort and Casino en Las Vegas fue el escenario que reunió a muchas de las mayores figuras del mundo de la música de América Latina. Así la 23a. edición de los Latin Grammy® recibió a grandes estrellas que dejaron su impronta en la alfombra roja.

De esta forma, Luis Fonsi y Agueda López fueron los primeros en llegar, el cantante fue uno de los conductores del evento; Rosalia mostró su nuevo corte de cabello; Nicki Nicole tuvo un look entre gótico y romántico, porque "siempre me ha gustado mucho Morticia Addams", dijo. Thalía eligió un vestido color vinotinto y Karol G encen dió la alfombra roja con un vestido monocromático en nude. También se destacaron Camilo y Evaluna Montaner, María Becerra y Anitta, entre tantas otras estrellas.

Un cierre de año con todo

Con solo 25 años, el chileno de ascendencia angoleña, Polimá Westcoast es uno de los artistas más importantes de la escena urbana en el vecino país. Comenzó su carrera musical en 2015 y en poco tiempo dominó la escena de Chile y captó la atención de toda Latinoamérica, con 12 millones de oyentes mensuales en Spotify.

Su single “Brokeiboi” lo llevó a lo más alto de las listas de reproducción, y luego llegarían el disco “Eqilibrio”, seguido de “Las Crónicas de Ngangu” y “Crónicas de Ngangu 2”.

Polimá Westcoast además instauró “El Día del Trap Chileno”, cuando estrenó su canción “My Blood Remix”, una nueva versión de su

éxito “My Blood”, canción estrenada a comienzos de 2019.

En 2020 lanzó el hit “RUN RUN STOP” con Duki, una canción compuesta por ambos.

En 2022 Polimá presentó la canción que en poco tiempo se convertiría en un éxito viral: “Ultra solo”, junto a Pailita. “Ultra Solo” ha tenido un éxito arrollador y cuenta con más de 100 millones de reproducciones. Ingresó en el Top 50 global, en Chile fue la canción chilena más escuchada y el videoclip en YouTube superó 45 millones de reproducciones.

A este éxito impresionante le siguió “Ultra solo REMIX” junto a las estrellas internacionales Paloma Mami, De la Ghetto y Feid. El lanzamiento

generó gran expectativa por ser el remix de un single que impactó en todo el mundo, y se convirtió rápidamente en tendencia.

Pero Polimá no se conformó con estos hits y se determinó a sellar el 2022 como su gran año.

En septiembre presentó su esperada colaboración junto a J Balvin: “Kawaii”. El lanzamiento incluyó un video musical grabado en Los Ángeles con imágenes de estilo animé en un mundo NeoTokyo donde ambos se fusionan en un estilo único.

“LACONE” es una rítmica canción donde el artista demuestra su versatilidad respecto a estilos musicales y sonidos, conservando la esencia que lo caracteriza y que hoy lo posiciona en los primeros lugares de las playlist

Es uno de los artistas más escuchados en la escena chilena y ahora presentó “LACONE”, una nueva colaboración, esta vez con Quevedo y Mora.

Spotify: El reproductor universal

Mucho ha cambiado la industria de la música en el siglo XXI y un gran protagonista (y agente) de ese cambio fue la compañía sueca Spotify. En este informe, Billboard conversó en exclusiva con Maykol Sánchez, responsable de la distribución y crecimiento en Latinoamérica.

POR FLORENCIA MAURO Y WALTER GARRÉ

Con la innovación y reinvención como bandera, Spotify se convirtió en el reproductor de música preferido por la amplia mayoría de los amantes de la música. Pero un paso clave para entender su crecimiento y consolidación fue entender que, además de ser una plataforma de streaming, era importante y necesario convertirse en una red social. Seguramente ese engagement en las redes haya sido una de las claves de su arrollador éxito por sobre los demás servicios de streaming. Así como Mark Zuckerberg tuvo su momento eureka al incluir el estado civil en Facebook, el Wrapped fue clave para la consolidación del servicio de streaming de origen sueco. ¿Por qué? Porque como toda red social, nos relaciona con el otro de maneras cercanas e insospechadas.

El Spotify Wrapped se transformó en muy pocos años. Pasó de ser un acontecimiento sorpresa que llegaba a los celulares de forma inesperada, a un evento mainstream que todos esperan para conocer cuál fue la música más escuchada durante un año. A fines de noviembre también comienza el cosquilleo para conocer qué escuchan los demás.

¿Qué artistas descubrieron mis amigos? ¿De qué me perdí? ¿Cuántas veces le dimos play a un disco entero para escucharlo, o a una canción, sin saber realmente cuánto nos acompañó e influyó?

Hace un tiempo (era pre-wrapped) era costumbre en una cita o reunión pedirle a otra persona que nos muestre su listado de canciones más escuchadas en el teléfono. La música que escuchamos dice mucho de nosotros. No hay máscaras, las canciones están ahí para describirnos. Con el Wrapped hoy no solamente podemos saber qué le gusta a los que nos rodean, sino cuánto (y sin mentiras). Los números no mienten, y guilty pleasures mediante, los minutos, canciones y artistas escuchados dicen más de nosotros que nuestros discursos, muchas veces políticamente correctos.

Pero Spotify, además, fue la herramienta que la música nacional necesitó para ser escuchada en el mundo: ¿alguien se imagina a Soda Stereo, Charly, El Flaco, Los Redondos, Virus, Cadillacs o Pericos produciendo música en el auge del gigante del streaming? La siembra realizada por los artistas más icónicos de nuestro país hoy es cosechada por las nuevas generaciones, que

consiguen que sus canciones sean escuchadas, cantadas y sentidas alrededor del mundo. Bizarrap, Duki, María Becerra, Tini y Paulo Londra son algunos de los exponentes que alcanzaron los topes de las listas y que Maykol Sanchez (Head of Artist & Label Partnerships, LatAm & US Latin at Spotify) logró elevar y contribuir hacía la explosión de la música latina en el mundo.

MAYKOL SANCHEZ

¿Cuál es el balance de este 2022?

Año tras año, Spotify ratifica su posición como líder mundial del streaming de música latina, y este año no ha sido la excepción. Los números reflejan este presente indiscutido de nuestra plataforma: el promedio de streams mensuales de música latina en el 2022 fue de más de 24 mil millones. Y eso no ha sido todo. La escucha de música latina en Spotify ha aumentado un 137% en los últimos tres años, desde el 2019 a 2022. Este dato permite concluir que el volumen de streams ha aumentado 2.4 veces. Sin dudas, la música latina creció enormemente en los últimos años y Spotify ha hecho posible tal progreso.

¿Cuál es tu visión acerca de la tendencia en alza que tuvieron/ tienen los artistas Cono Sur, en los charts globales o en otros continentes?

¿Por qué crees que se dio este fenómeno?

La música creada por los artistas del Cono Sur ha sido una fuerza imparable durante los últimos años, impulsada por los nuevos talentos revelados. En la región, cada vez son más los artistas que se ganan un merecido lugar dentro de los charts globales.

Personalidades como Bizarrap, Duki, María Be-

cerra, Tini y Paulo Londra -entre muchos otros- son un claro ejemplo del nivel artístico existente y sus éxitos no fueron para nada azarosos.

Por ejemplo, este año el productor argentino Bizarrap no ha dejado de romper récords en el país y en el mundo. Con la colaboración de Quevedo alcanzó el #1 de las listas globales con su gran éxito “Quédate” a la vez que se posicionó como el tema con más streams en Argentina este 2022. No solo esto, también fue el artista argentino más escuchado a nivel global.

Por su parte, Duki hizo lo suyo encabezando el Top 10 de artistas locales más escuchados en Argentina durante este año y consiguió más de 2 billones de reproducciones en nuestra plataforma en 2022. Paulo Londra siguió el mismo camino, y su vuelta fue un regreso a lo grande sin dudas. El artista cordobés logró más de 1.3 billones de reproducciones en el mismo plazo y llegó a ocupar el puesto #2 de rankings globales.

Y las mujeres también están haciendo historia. María Becerra encabezó durante este 2022 el ranking de artistas mujeres de Argentina más escuchadas en el mundo, seguida por TINI.

Además, “Animal” de María Becerra logró ubicarse dentro del ranking mundial de los discos más escuchados en el año. Si bien fue publicado en agosto de 2021, aún sus oyentes lo siguieron eligiendo a lo largo de este año. Y así como ellos, muchos otros. Cada vez más el mundo comienza a poner su atención e interés en las creaciones de talentos del Cono Sur porque están frente a una región que se presenta como “cuna” del estilo urbano. Lo de dichos artistas es algo jamás visto. Duki

y Paulo, por ejemplo, han sido los padres y pioneros del trap, un género hoy día consolidado que no existía en otras regiones. Nuestros artistas están abriendo paso a una nueva generación de música y es lo que el mundo en la actualidad está buscando: nuevos protagonistas que escriban con éxito un próximo capítulo de la historia de la industria musical global.

¿Cómo es hoy la manera de buscar y elegir canciones por parte de los consumidores de Spotify? Nuestros consumidores hoy forman parte de lo que denominamos “Gen Z”: una nueva generación de usuarios que es conocida por buscar y consumir música con mensajes emocionales y que, de algún modo, están siempre detrás de las letras de canciones más “sad”. Nosotros observamos lo que nuestros consumidores prefieren, buscan y eligen y trabajamos a partir de esto. Por tal motivo, en la misma línea de la tendencia de consumo, hemos desarrollado la playlist “Sad Bunny” para satisfacer las necesidades de consumo de nuestro mayor público.

Pero también notamos otro tipo de estilos, que buscan acompañar momentos festivos con los mejores hits movidos de la industria. Algunas listas de reproducción de Spotify como ¡Viva Latino! y Mansión Reggaetón reflejan las preferencias de nuestros consumidores, dado que se trata de dos playlist que se ubican entre las más consumidas de la plataforma. Los tiempos y las tendencias de consumo cambian, pero nosotros siempre estamos acompañando dicha transformación.

qué patrones responde la creación de Marquee?

Marquee surge para

¿A

responder a la necesidad de nuestra plataforma de seguir impulsando las composiciones de los artistas locales. Con la creación -y expansión- de Marquee, buscamos brindarles a los artistas una nueva forma de dirigirse a los oyentes según su historial de reproducción. La herramienta aterrizó en Latinoamérica en octubre de este año y se convirtió así en una propuesta pionera en el mercado. Sabemos la importancia que tienen nuestros datos para los artistas y, por ello, con Marquee es posible recibir informes detallados de campañas en cuanto a la tasa de clicks, las reproducciones por oyente, y las veces que su canción se agregó a una playlist o que se guardó. La información es ante todo poder, y les permitirá a los artistas alcanzar su verdadero potencial.

Wrapped: lo más de lo más en el año

La lista individualizada con lo más escuchado en la plataforma es el highlight en el vínculo con los usuarios. Marketing y estrategias para aumentar la interacción.

POR MAJO GARCÍA MORENO

Llegó diciembre y hay un día en que las redes sociales son de Spotify. Por más que haya quienes quieran escapar o intenten no claudicar a la tentación, muchísimos usuarios de la plataforma comparten el resumen de su año musical. Y Spotify lo sabe. Y hace de este momento el más esperado por los oyentes. ¿Hay algo mejor para la empresa que lograr que sus suscriptores, por propia voluntad, inunden las redes con su marca?

Pero esto tiene un porqué, o varios. Cada año la compañía sueca busca aprovechar este día, el más importante en su relación con los usuarios, al máximo.

Para esto apela a diversas estrategias, hacia afuera, haciendo sentir importante al usuario, individualizándolo, y hacia adentro incentivando a los propios artistas a afirmar la comunidad, potenciar escuchas y monetizar ventas a través de sus canales.

El listado de Spotify Wrapped 2022 mide las reproducciones desde noviembre 2021 hasta el 31 de octubre 2022 para confeccionar las preferencias de canciones, artistas y podcast más escuchados. El

resultado se comunica en la cuenta de sus usuarios y a través de un aviso por e-mail durante la primera semana de diciembre.

Esta es una gran oportunidad para que los artistas fidelicen aún más su vínculo con los oyentes y por eso, Spotify, convocó a quienes tienen su música en la plataforma a hacer uso de distintas estrategias que los acerquen un poco más a su público.

De esta forma, los invitó a que publiquen un video corto de agradecimiento a quienes los tuvieron entre sus preferencias en 2022. Sin música, ni marcas, ni texto, simplemente hablando a cámara, mirando a los ojos de quienes durante este año repitieron una y otra vez las escuchas de sus canciones. El video se sube a través de Spotify for Artists y lo ven los fans junto a la publicación del esperado listado.

Otra sugerencia que la compañía realizó a sus artistas a nivel global fue la de aprovechar la ventana para vender merchandising. Esto es, actualizando su vidriera en Spotify para que la plataforma incluya los artículos más recientes del artista y los promocione a los principales fans como parte del Wrapped. Además, invitó a vincular los productos desde la tienda Shopify para que, con un clic, los usuarios ya están listos para adquirir productos.

Para esto, el primer paso es asociar Shopify a Spotify for Artists, con un costo adicional.

También, Spotify sugiere a sus artistas destacar sus próximos conciertos. En esta oportunidad, cuando se publica Tu año en Spotify, se muestran recomendaciones personalizadas de shows a los oyentes más fieles. Para ello hay que asegurarse que la información sea precisa en la sección De gira.

Por supuesto es imprescindible llegar a esta eta-

pa del año con el perfil de artista hiper optimizado. Foto de perfil, bio, enlaces, todo debe estar actualizado para no dejar pasar la semana donde exponencialmente Spotify se convierte en tendencia global gracias al entusiasmo de sus usuarios.

Las herramientas que ofrece Spotify para potenciar SU momento del año son múltiples. Crear una lista nueva de reproducción, compartir con los fans los favoritos de cada artista a través de Artist Pick, sincronizar las letras a través de Musixmatch para convertir cada canal en un karaoke son solo algunas de las opciones a tener en cuenta para llegar a diciembre bien preparado.

Cómo es el Wrapped 2022

Tal como viene haciendo la plataforma, Tu año en Spotify aparece en formato historias, de sencillo y armónico diseño, y de fácil compartida en Snapchat, Twitter, Instagram, Facebook y TikTok.

En algunos casos se incluye un pequeño juego donde se despliega un menú que muestra tres afirmaciones sobre los hábitos musicales del usuario que debe seleccionar cuál considera que es falsa. Un verdadero test de autoconocimiento musical.

Para finalizar se genera una historia a modo de síntesis con todas las preferencias vistas en las ventanas anteriores para personalizar con colores, compartir en redes y viralizar.

Un poco de historia

Lo que ahora es una rutina anual, recibir Tu año en Spotify y compartirlo, comenzó como una campaña de marketing en 2015. Con sólo siete años, la estrategia más viral de la compañía crece y se reproduce en cada nueva entrega de una forma impresionante, pero le costó los tres primeros años que los usuarios lo hagan propio y decidan compartirlo entre sus contactos.

Las estadísticas que Spotify personaliza con cada usuario, y que cada año se revisan para optimizarlas, incluyen los minutos que el oyente pasó en la plataforma, cuáles fueron las canciones, los artistas y los géneros de su preferencia. Se incluye, además, un comparativo con el año anterior que le permite al usuario analizar su propio comportamiento como oyente.

Según explicó Dan Brill, director Creativo del equipo global de Spotify, en un spot cuando en 2020 se gestaban las listas de la década, la experiencia de Wrapped “nació como la manera de darle un feedback al usuario de Spotify”. Ese año, la campaña aumentó el 21% de las descargas de la plataforma.

Para los ejecutivos de la compañía la clave está en entender que, a través del análisis del algoritmo de cada usuario, lo que se pretende, al final, es contar una historia. La data sola no sirve, es sólo la materia prima que da como resultado final, una historia. La del oyente, la propia, la que lo hace sentir único.

Así, con infografías simples, claras, el usuario se identifica con el resultado y cuenta su historia anual en canciones o Podcast. El resultado no son datos sueltos, simple estadística, sino que habla de la música que lo acompañó en cada momento.

olombia… país reconocido por la calidad de su café, la esmeralda que se encuentra en sus tierras, la diversidad cultural con la que uno se cruza al visitarla y sobre todo por la calidad de sus artistas que, gracias a la cumbia, el vallenato, el merengue y demás estilos lograron llevar a este país latinoamericano a lo más alto de la industria de la música latina. Todos estos géneros tienen en común el romanticismo en sus letras, siempre condimentados con algo de desamor y mucho sentimiento, y si hay alguien que supo reflejar este proceso en su música es el reciente ganador del Latin GRAMMY®, Sebastián Yatra.

Con sus letras y la fusión de ritmos tradicionales con el reggaetón moderno, Yatra consiguió ocupar un espacio en la industria que estaba destinado para unos pocos. Bajo el marco de la entrega de los Latin GRAMMY® 2022, el cantante encontró un momento para poder hablar con nosotros sobre ese proceso y cuál cree que es su espacio hoy en día luego de la salida de su álbum Dharma y éxitos como la canción “Tacones Rojos”, de la que ya existe un remix junto al condecorado John Legend.

Tu lírica sigue siendo tradicional, pero tu músic a es súper actual, como “Tacones Rojos”…

Las canciones que escribí después de “Tacones Rojos” tienen en común que tienen esa lírica tradicional romántica, pero también toques juveniles y ese venenito sutil que hace que no sientas que estás escuchando algo cursi. Es una línea muy fina en la que tienes que quedar para no irte ni para un lado ni para el otro. En “Tacones Rojos“ escuchas: ‘’…mi pedazo de sol, la niña de mis ojos’’ y piensas que es muy bonito, pero luego viene un: ‘’…tiene una colección de corazones rotos’’ y ya cuentas algo distinto, no estás hablando de la niña perfecta, sino que ella está coleccionando corazones rotos. Además, baila reggaetón con tacones rojos, representando que es fina pero también es sensual, eso creó un concepto muy claro como para crear un mundo en torno a la canción. Esta canción es muy especial porque es transversal a todas las generaciones, le encuentran algo especial y sienten que es una canción que les suma y que es para toda la familia, estoy muy orgulloso de ella.

Esta canción está incluida dentro del álbum ya mencionado Dharma, lanzado en enero y en el que se encuentran tracks de la talla de “Chica Ideal”, compartido con Guaynaa; “Pareja del Año”, en colaboración con Myke Towers; “Runaway”, en una sorpresiva unión junto a los Jonas Brothers, Daddy Yankee y Natti Natasha o “Modo Avión”, entre las 17 que componen este trabajo. Con este álbum, Sebastián no solamente consiguió completar un camino de más de dos años de producción, sino que también consiguió sus dos primeros Latin GRAMMY® en las categorías “Mejor Álbum Vocal Pop” y “Mejor Canción Pop”, por “Tacones Rojos”. “Estoy agradecido con la vida por todo lo que he podido contar en estos años con este álbum y toda mi música”, se sinceró Yatra.

Sebastián está muy bien: “Feliz de estar una vez más con Billboard Argentina después de tanto tiempo y más siendo que esta es una ocasión especial porque acabamos de llegar a Las Vegas para los Latin GRAMMY® y puedo decirles que estoy muy emocionado porque tengo cuatro nominaciones en estos premios. Estoy agradecido con la vida por todo lo que he podido contar en estos años con este álbum y toda mi música”, indicó durante el encuentro para esta entrevista que tuvo lugar en el Skyfall Lounge del Hotel Delano.

Hoy trato de recordar esto constantemente para poder aplicarlo y vivir el presente, lo que intento es cambiarle el eje a esa línea infinita y ponerla de lado a lado para vivir sin estar pendiente de lo que pasó y lo que puede llegar a pasar. Me di cuenta de que soy parte de esta comunidad y de este universo que es infinito, para mí esta idea es muy especial porque logró que estos últimos tres años tenga un cambio artístico y personal. Hoy le invierto mucho tiempo y amor a mi corazón y a las personas que tengo alrededor.

Justamente la música es infinita, nos trasciende… Sí, la música es para siempre. Por poner un ejemplo, si escuchas algo de Michael Jackson sientes que en esos tres minutos él está sentado al lado tuyo cantándote, vive para siempre.

En tus redes vemos que haces un montón de cosas, ¿te da tiempo para procesar todo eso?

Hubo algo que dijiste sobre el infinito en tuconcierto en la Argentina y me gustaría que nos lo compartas. El concierto en Argentina fue en el Movistar Arena, Buenos Aires. Antes de cantar “Un Año” siempre me pongo a hablar, pero nunca sé que voy a decir específicamente, digo lo que me viene a la mente y esa noche hablé de un concepto que se me ocurrió en algún momento de la vida acerca de que yo siento que tengo una raya infinita que siempre me ha atravesado. Sin embargo, antes esa raya iba hacia atrás y hacia adelante, por lo que eso hacía que viva detrás del futuro tratando de alcanzarlo y tratando de cambiar el pasado, eso es imposible y no me ayudaba a estar realmente en el presente.

Ahora mismo sí. Estoy teniendo mucho más tiempo para procesar las cosas porque mi equipo me cuida. Aunque estamos con una agenda muy ocupada, decido de manera consciente lo que quiero hacer y lo que no. Por ejemplo, si voy a hacer algo muy agotador físicamente lo decido yo de manera consciente y si decido hacerlo me preparo para poder darlo todo. Este trabajo es como cualquier otro, hay momentos de angustia, momentos en los que te sientes cansado física, mental o emocionalmente, pero de eso se trata la vida y estoy tratando de planear bien las cosas para poder disfrutarlas al máximo. Tengo el control de lo que quiero hacer.

Este álbum y esta gira han sido la evolución para llegar a lo que estoy viviendo hoy, por eso es tan bonito cerrar este capítulo en los Latin

GRAMMY®, después de esto comienza una nueva etapa en mi vida. Yo ya me siento ganador y ya lo celebro porque las mentes no

son conscientes de sí un evento pasó o no, por lo que celebro previamente para darle esa felicidad a mi cuerpo y alma y si pasa realmente será mucho más emocionante.

Siempre se te vio feliz. Recuerdo cuando viniste por primera vez a Las Vegas, estabas en una alfombra roja y te entreviste muchísimas veces porque de la felicidad pasabas a cada rato… Soy una persona alegre pero no sé si en el momento de mis primeros GRAMMY® era feliz, vivía pensando en lo que iba a suceder después, programado y ansioso. Ahora estoy en una etapa mucho más feliz de mi vida porque no estoy con esa ansiedad, no siento que tenga que demostrarle nada a nadie y tampoco a mí mismo, simplemente estoy aquí, agradecido y con ganas de compartir amor, música y proyectos. Eso es lo que más disfruto porque me fijo hasta en el más mínimo detalle para hacer algo que realmente me nutra y me ayude a crecer como ser humano.

Recién decías algo de los momentos, ¿cuál es tu momento “Modo Avión”? Mi momento modo avión es cuando medito, realmente me desconecto de todo lo que está pasando aquí, entro como en otro universo y en otros pensamientos. Es algo muy bonito porque aprendo a disfrutar y a enamorarme de esa soledad, para mí antes era imposible estar solo porque mi cabeza se llenaba de pensamientos que me daban miedo.

¿Cómo te definís? Curioso, amoroso, detallista y creativo.

En el tracklist me encontré con que en los nombres de las canciones mostrás momentos, ¿es así?

Sí, es algo bastante visceral, bastante tangible. Me gusta que las canciones no solo te hagan bailar, sino que te generen sentimientos específicos y te transporten, más que crear una canción estoy dándole vida a una emoción y un momento.

España se convirtió en un hogar para vos. ¿Qué buscabas de allí y que encontraste? En España viví algo muy especial estos últimos dos años de mi vida. La primera vez que fui pensé que era bonito, pero no me sentía cómodo, no me sentía en mi lugar, pero cada vez que la visitaba me gustaba más y más. Después de la cuarentena tuve la oportunidad de ir a España y comenzar a principios de 2021 una serie para Netflix en la que tuve que hacer acento español y tuve que estar cuatro meses en Madrid, y no girando como estoy acostumbrado. Eso me abrió la mente a conocer a nuevas personas en industrias completamente distintas a la mía y terminé sintiéndome parte de algo. España es un lugar con mucha cultura y me hizo sentir que podía tener un hogar

allí, por lo que tomé la decisión de comprarme una casa y organizarme allí, paso por el que me siento muy contento.

Además, tenés colegas que te acompañan, como Aitana. Sí, yo los quiero un montón a mis colegas. Ahora estamos haciendo “La Voz” con Bisbal, Rosario, Aitana, Pablo López y tantos artistas de ahí y es algo muy bonito porque compartimos muchísimas cosas juntos. Creamos relaciones

muy especiales y amistades muy fuertes como las que tengo con Mau y Ricky, Lele, Guaynaa y muchos más, es algo muy bonito.

Esperemos que después de tus shows vengas a la Argentina… Me encantaría, sabes que yo amo Argentina y me encantaría algún día tener mi casa en la Patagonia. Me siento muy feliz cuando aterrizo en Buenos Aires y cuando veo su cielo, es de las cosas más bonitas que hay.

RED BULL

Aczino hizo historia: primer tricampeón de Red Bull Batalla Internacional

Mecha fue el mejor argentino clasificado, quedó tercero y obtuvo su cupo para la Final Internacional 2023 en Colombia.

POR JULIÁN MASTRÁNGELO

El palacio de los deportes de México fue sede de lo que se perfilaba como una de las Finales Internacionales de Red Bull más importantes de la historia. Los españoles Skone y Gazir y el mexicano Rapder llegaban con la esperanza de lograr un bicampeonato, mientras que Aczino, quien partía como gran favorito, llegó al Palacio en busca del tercero, hito que terminó consiguiendo a base de rap, dedicación y freestyle.

“Me siento muy contento de darle esta alegría a mi gente. Es lo que más me llena”, dijo el mexicano instantes después de recibir el cinturón. Y sobre qué le espera en el futuro, despejó toda duda: “Vamos a luchar por la siguiente Internacional. Todos saben que elijo muy sabiamente las competencias a las que voy, que durante el año no son muchas, así que a lo mejor podemos cerrar un ciclo ganando en Colombia”.

El camino hacia el cinturón del campeón no fue sencillo para el mexicano, quien comenzó la tarde con una victoria frente al campeón español, Blon - freestyler que eligió enfrentarse al mexicano en primera ronda por motus propio al colocarse contra él durante el sorteo -; en segunda instancia derrotó al representante uruguayo Spektro, vencedor frente a Valles-T en primera; en semifinales se enfrentó a Mecha y cerró la noche con una memorable batalla frente a Gazir, otro de los representantes españoles.

Con respecto a la participación argentina en México, cabe destacar la presencia de dos competidores; Mecha y Wolf. El “Lobo de la Paternal” consiguió su clasificación semanas antes de la competencia gracias a llevarse la Batalla de Plazas, disputada también en el país anfitrión. En primera instancia de esta Final tuvo que enfrentarse al campeón chileno, Jokker, logrando una victoria que lo dejaría esperando por el vencedor de Mecha - Skiper. Por desgracia, ambos argentinos tuvieron que enfrentarse en cuartos de final, acabando así con la posibilidad de que los dos consiguieran un papel en la siguiente Internacional de forma directa.

Mecha, el campeón argentino 2022, dejó en el camino al competidor local Skiper; se enfrentó a Wolf en cuartos; cayó frente a Aczino en semifinales y cerró su participación derrotando al también mexicano Rapder en la batalla por el tercer y cuarto puesto. Esta victoria le dio la clasificación directa a la Final Internacional 2023, algo sobre lo que comentó posteriormente para Billboard Argentina: “Me gustaría ser jurado el año que viene. No te podría decir quién quiero que gane porque de esa forma no podría ocupar ese papel, pero quiero ser jurado”.

La noche de Red Bull en el Palacio tampoco po-

dría haber sido igual sin los host Serko Fu y Arci, el DJ local Demandado y el jurado, compuesto por algunos de los freestylers más prestigiosos de cada país: Blazzt, Stick, Klan, Piezas y Marithea.

COLOMBIA 2023

Otro de los momentos más esperados de la noche fue cuando se desveló que Colombia será el país anfitrión de la Final Internacional de 2023. Ahí subió al escenario Nazo para dar la noticia: después de 17 años, Colombia será nuevamente sede de la mayor competencia de rap improvisado en habla hispana del mundo, Red Bull Batalla. Esta será la segunda vez que Colombia recibe una Final Internacional de Red Bull Batalla, después de ser sede en 2006.

EL CAMINO A LA FINAL

La temporada 2022 de Red Bull Batalla arrancó en marzo con el proceso de inscripción en el que los participantes debían enviar un video improvisando a través de la app oficial de Red Bull Batalla. Un jurado vio todos los videos y seleccionó a los mejores de cada país que pasaban a la Final Nacional o a las clasificatorias regionales en aquellos países en las que se celebraron. Otros participantes se subieron directamente al escenario del Palacio de Deportes al haberse hecho podio el año pasado (Azcino, Skone y Gazir).

Por segundo año consecutivo, uno de los participantes de la Final Internacional de Red Bull Batalla surgió de las plazas de América y España. Dieciséis MCs campeones de competencias del underground de distintos países se enfrentaron por un cupo al principal evento internacional de freestyle en habla hispana.

Otro de los participantes fue elegido a través

de una votación online en la que Teorema (Chile) se hizo con el 47% de los más de 400 mil votos recibidos.

También se hizo un torneo de Subcampeones en Ciudad de México con los otros cuatro subcampeones más votados que ganó Skiper.

Red Bull Batalla nació oficialmente en 2005. Fue la primera vez que se convocaron finales nacionales y una final internacional, que se celebró en Puerto Rico, país que muchos consideran el germen de las batallas de MCs. En esta primera edición, jueces especializados en la escena evaluaban a raperos que improvisaban sobre bases rítmicas, con dificultades añadidas, como las temáticas sorpresa.

Las raíces de esta escena encuentran una profunda conexión tanto en el hip hop como en el estilo de improvisación de los trovadores tradicionales, evolucionando en Hispanoamérica a un estilo propio independiente del hip hop tradicional norteamericano. Red Bull da oportunidad a jóvenes artistas – llamados MCs – de entrenar, demostrar y mejorar en sus habilidades y talentos únicos en la improvisación.

Red Bull Batalla

“Thriller 40”: el homenaje que celebra el mundo

Se trata de una campaña global por el 40° aniversario del icónico disco que posicionó a Michael Jackson como Rey del Pop.

POR BILLBOARD CONTENIDOS

Después de cuarenta años del nacimiento de Thriller, -30 de noviembre de 1982- Sony Music y el Estate de Michael Jackson presentaron “Thriller 40”, una campaña global que estrena una versión extendida del álbum que marcó un hito tanto en la industria musical, como en los estándares de video y la coreografía, gracias al estilo original de Michael que logró la unión entre el sonido y el arte visual.

La propuesta consistió en la convocatoria de fans de distintas partes del mundo para celebrar a través de eventos gratuitos que incluyen experiencias inmersivas, proyecciones del documental “Thriller 40”, entre otros festejos para los invitados.

Se realizaron dos experiencias in-

mersivas, teniendo lugar la primera en Dusseldorf, Alemania, y la segunda en la ciudad de Nueva York, Estados Unidos. Ambas experiencias fueron dirigidas a las canciones destacadas del álbum.

Asimismo, fanáticos de ocho ciudades de diferentes partes del mundo, tuvieron la oportunidad de aprovechar la proyección privada del documental “Thriller 40” que se encarga de contar e ilustrar la creación del álbum que obtuvo el mayor número -cien millones- del mundo de cantidad de ventas – además fue certificado triple diamante por la RIAA y obtuvo ocho premios GRAMMY®-

Otras ciudades disfrutaron de fiestas con temáticas especiales de Thriller, además de escuchar en exclusiva la nueva versión expandida del álbum. También pudieron escuchar por primera vez el álbum doble completo.

Paulo Londra

De competencias de rap callejeras nacieron nombres que trascendieron no solamente el género, sino que han sabido evolucionar con el paso del tiempo y unirse a un selecto grupo de artistas internacionales que ya dejaron su huella en la industria global y muchos de ellos no llegaron a cumplir los 25 años, como es el caso de Londra.

POR JULIÁN MASTRÁNGELO Y AGUSTÍN CONTEPOMI FOTOS EUGENIO MAZZINGHI

“quise mostrarme en varios géneros que no me habían visto para sorprender”

l “león cordobés” regresó a la música en lo más alto, demostrando por qué cuenta en su haber con títulos como los del argentino más escuchado en Spotify -más de 19 millones de oyentes mensuales en abril de este año- o con la cifra de más de 1 billón de streams en la plataforma únicamente en 2022. Sin embargo, este regreso va más allá de una simple vuelta a los estudios, significa un paso más en la carrera del joven cantante, es por ello que Paulo decidió celebrarlo como se merecía: la salida de su álbum de estudio BACK TO THE GAME bajo Warner Music Latina.

“Mientras grababa sentía una alegría inmensa, pero a la vez me costaba manejar la ansiedad. No veía la hora de salir y darle mi nueva música a todos quienes me esperaron tanto tiempo”, nos dice Londra desde Qatar, sede de la Copa Mundial de la FIFA 2022. “Este álbum de regreso se lo dedico a Naomi y Francisca porque fue la lucha más grande que tuve para volver a hacer lo que mejor me sale, y a pesar de lo larga y dura que fue, pude gracias a ellas. Su amor me hizo más fuerte de lo que soy”, completó.

Mientras manejaba esa ansiedad, a finales del año pasado y a principios de este, Paulo dejaba pistas sobre cuál sería la canción y fecha con la que regresaría a escena, aunque conociendo su relación con el 23, lo único que faltaba era saber el mes. Finalmente, en marzo se produjo el lanzamiento de “Plan A”, canción con la que refleja lo que vivió los últimos años y single que automáticamente se volvió tendencia a nivel global por lo que significaba para la Argentina y para el propio Londra.

Esa canción logró debutar en el #1 de Global Debuts de Spotify, llegó a lo más alto del Billboard Argentina Hot 100 y actualmente supera la cifra de 169 millones de reproducciones únicamente en YouTube. “Elegí “Plan A” porque fue la favorita de familiares y amigos a la hora de mostrarles los temas que consideraba para volver y también sentía que el tema y el video refleja un poco lo que viví”, afirmó Paulo sobre el por-

qué de su elección.

¿Cómo manejaste la expectativa y ansiedad que se vivió con tu vuelta a nivel mundial? Lo descargaba en el litigio y en la familia, ahí di todo mi potencial porque sabía que era el primer paso para después hacer lo que en verdad me gusta. Gracias a mi papá que estaba siempre en videollamadas apoyándome para estudiar miles de cosas que ni entendía, pero eran necesarias para ser libre, y también valorando a toda mi familia que también veían como no dormía por eso.

Te podemos ver en el videoclip de “Plan A” cantando junto a una banda. ¿Es un elemento que incorporaste para esta nueva etapa?

Sí, la verdad que tanto tiempo me sirvió para seguir buscando mis gustos musicales. Quizás antes solo me enfocaba en el trap o reggaetón porque era lo del momento, pero me prometí a mí mismo hacer toda la música que escucho.

Ya pudimos conocer las 16 canciones que tiene el álbum BACK TO THE GAME. ¿Quedaron muchas canciones fuera del disco? ¿En el 2023 vas a continuar sacando singles?

Sí, muchas de las canciones que no pudieron aparecer en BACK TO THE GAME las tengo guardadas para seguir tratándolas, y mejorar también a la hora de reflejarlas y actuar en videos. Seguro más adelante vuelva a sacar singles y veremos después qué pasa.

Después del tiempo de la vuelta y escuchar un montón de canciones todos quieren saber cuándo podremos verte en vivo. ¿El que viene es el año de la gira mundial de Londra? ¿Cómo te imaginas el año de shows ?

En 2023 seguro voy a estar empezando las giras, y la verdad es que no sé qué va a pasar… jajaja. Llevo mucho tiempo sin sentir eso, seguro que en la tarima estaré muy loco y con muchas propuestas nuevas, quiero ver los nuevos países que podré recorrer.

eligió colaboraciones que van a quedar marcadas en su historia a base de ritmo y excelencia. Dentro de las 16 canciones que componen este trabajo discográfico ,se pueden encontrar canciones como “Noche de Novela”, donde comparte escena con su ya amigo Ed Sheeran; “Party en el Barrio” y “Necio”, representando el Quinto Escalón junto a Duki y LIT Killah; “Cansado”, en colaboración con Joaqo y finalmente “Toc Toc”, canción que puede ser considerada como un hito dentro del género en la Argentina gracias a que comparte producción junto a la leyenda norteamericana Timbaland.

“‘Cansado’ y grabar con Joaqo me recordó las épocas donde todo era competencia e ilusión. También me hace acordar a esa época donde tenía mucha libertad y cuando disfrutaba más del anonimato, que se extraña. Pero si te soy sincero, y si me detengo a pensarlo bien, no hay cómo el cariño de la gente ahora cuando me felicitan por una canción o cuando me dicen ‘ey, que bien que volviste’... Es algo que no tiene precio”, comenta sobre una de esas colaboraciones.

Si bien es cierto que sus canciones llegaron al público como un aire fresco, una había quedado pendiente y se estuvo haciendo esperar por meses: la “Music Session #23” junto a Bizarrap. El productor mostró unos mensajes en los que Paulo le pedía que guardase el número de ese trabajo para él algunos meses atrás, y finalmente así fue, la sesión vio la luz el 25 de abril y se convirtió casi al instante en un éxito en las plataformas. Durante ese mes, Londra consiguió 219 millones de streams únicamente en Spotify, siendo pieza clave para que, en septiembre, el cordobés superara el billón de escuchas. Además, la “Music Session #23” debutó en el Top #2 Global y también llegó a lo más alto del Billboard Argentina Hot 100, logrando por segunda vez en el año alcanzar esa posición.

del éxito “Nublado”, impostando sus baterías y demostrando porqué es considerado uno de los mejores de la historia.

“Chance” aparece como segundo single, se lo puede interpretar como una oportunidad para conseguir lo que uno quiere. ¿Tuviste miedo en cómo iba a tomar el público tus nuevas canciones?

La verdad que sí. Vi comentarios negativos diciendo que querían que haga lo de antes, pero creo que siempre van a haber comentarios de ese estilo así que me centré en los que eran positivos y quise mostrarme en varios géneros que no me habían visto para sorprender. Es lo que sentí para mi regreso.

Más tarde aparece la tan esperada “Session #23”, ¿cómo es tu relación con Bizarrap?

A Biza lo aprecio una banda, no solo por su talento enorme, sino también por cómo siente la camiseta argentina.

En la letra haces mención de tu tiempo sin cantar y las emociones que sentías. ¿Cuáles fueron las cosas a las que te aferraste para superar ese momento?

En el tiempo sin cantar me aferré a mis hijas, que gracias a Dios nacieron sanas. Y a pesar de mi separación hoy dejamos los rencores por el bien de ellas y me parece muy maduro por los dos. Con lo que desgasta un litigio sin mis bebés no hubiese podido tener tanta paciencia y resistencia por lo que me apasiona; y gracias a mi familia que me apoyó siempre y me hizo entender que los tiempos de Dios son perfectos.

Paulo quiso volver por todo lo alto. No quería que el álbum con el que dice presente una vez más fuese algo ordinario, y para ello

Ya para finales de año, Paulo continuó con sus proyectos y lanzamientos que lo posicionan una vez más como una de las figuras más significativas de la música urbana argentina, logrando la unión con artistas y referentes internacionales que quizás nunca hubiera imaginado. El artista de hoy 24 años consiguió que Timbaland en primer lugar, y Travis Barker más adelante quisieran colaborar con él y sumarse a algunos de sus proyectos. “Toc Toc” ya fue un hito, y Travis se sumó a una nueva versión

Con “Nublado” encontramos el protagonismo de una guitarra distorsionada con un sonido pop punk parecido a blink 182 muy de los 90´.

Ahora acaba de aparecer una versión de esta canción junto a Travis Barker que confirma este sonido. ¿Cuáles fueron tus influencias para que esta canción tome ese rumbo?

¿Cómo fue grabar con Travis? Siempre escuche muchas bandas de punk rock… Green Day, Blink 182, The Offspring, Paramore, Good Charlotte, Panic at the Disco, y me fascina la manera de gritar, de cómo

se mueven con el micrófono y como les dan a los instrumentos. Tal vez por la moda del momento en el mundo me olvidaba de esos gustos, que con ese párate pude indagarlos. Grabar con Travis estuvo increíble, solo con ver cómo le da a la batería sabes que está en otra liga.

“Luces” aparece con unos sonidos más de night club. Es el quinto single que sacaste y confirma el estilo ecléctico combinando distintos elementos y estilos de tu nueva música. ¿Nació como una propuesta de tus productores o es algo más personal en esta búsqueda de diversidad?

“Luces” salió de una búsqueda interna en la que quise combinar el funky brasilero con algo que la llevara más allá. Con los productores Fede y Rapa de Hot Plug logramos esa mezcla con electrónica que quedó zarpada y luego con la afinada de Fede Vindver la cerramos como se debía.

Aparece “Toc Toc”, junto a la leyenda de Timbaland, ¿qué representa para vos trabajar con alguien que trabajó con

Eminem y es considerado uno de los artistas que redefinió el sonido del hip hop moderno y la música urbana?

Grabar con Timbaland significa un gran logro para mi carrera porque es un productor que estuvo con leyendas del hip-hop y creo que eso no se le da a cualquiera. Creo que mi objetivo es llevar el talento que me dio la plaza, el freestyle y la rima argentina a lo más alto que pueda. Tal vez hay mucha gente que dice que no hago ni rap ni trap, pero la realidad es que hago de todo. No voy a limitarme a un solo género y creo que estas colaboraciones cómo con Timbaland no se le dan a cualquiera. Por algo el mismo Eminem lo entendió así.

“Julieta” muestra ese perfil romántico que tenés y es la segunda canción que nombras sobre la obra “Romeo y Julieta''. ¿Sos como un Quijote, un romántico en la forma de ver las cosas?

“Julieta” demuestra mi lado romántico. Tal vez surgió de esa forma porque me parece entretenido, me divierte y me fascina hablar sobre el amor, el desamor e incluso de la

forma más intensa posible me parece una fantasía muy linda.

“Noche de Novela” confirma la cercanía y buena relación que tenés con Ed Sheeran. ¿Qué otra colaboración te gustaría hacer?

Me gustó mucho esta nueva colaboración con Ed porque siempre quise hacer un sonido y un beat al estilo Chris Brown, y qué mejor que hacerlo con alguien que tiene esas melodías tan hermosas. Otra colaboración que me gustaría hacer sería nuevamente con él, siento que cada vez que trabajamos juntos progreso un montón musicalmente. También sumaría otra canción con A Boogie With A Hoodie, quien sacó un álbum hace poco.

“Party en el Barrio” con Duki, del Quinto Escalón para el mundo. Ustedes ya hicieron “Astral” pero, ¿podemos pensar que este feat actualmente es de los más esperados por la escena urbana de Argentina? Creo que es de las colaboraciones más esperadas por lo que representa en Argentina: dos muchachos que empezaron en las plazas y llegaron tan lejos con algo que nunca había pasado.

¿Cómo fue la grabación de “Necio” junto a LIT Killah? ¿Notaste algún cambio o evolución en él como artista? Siempre es un lujo compartir música y más con seres queridos como es mi loco LIT Killah. Lo aprecio banda porque fue la persona que apostó siempre a la unión y a sumar, me re-

presenta muchísimo y me impresiona su evolución constante. Su nuevo álbum me parece de lo más moderno de la escena.

Contanos sobre tu relación con Oberto y Campazzo, el universo del básquet que tanto te apasiona… Con Oberto nos cruzamos varias veces en Córdoba, me acuerdo cuando vino a visitarme a mi primer show en el Quality, lo quiero mucho por lo buena persona que es y la facilidad que tiene para siempre decir cosas bellas. Con Facu hasta tuve el lujo de poder jugar un partidito con él y ya se lo dije a todos mis amigos, es un Goku, su físico, su fuerza y su mente es lo más. Con Bolmaro pude recorrer Minnesota y compartir fiestas cuando él jugaba en la NBA. La verdad es que la humildad que tiene sin duda me lleva a decir que va a ser de lo mejor de Argentina en exportación

¿Cómo te impactó la paternidad? ¿Sentís algún cambio sensible a la hora de hacer música después de ser padre? La paternidad hizo que me diera cuenta de que tengo personas que dependen de mí, y que nunca más voy a estar solo sino que tengo mis ángeles que me acompañan y me refuerzan ese norte que mi familia siempre me marcó. Este álbum de regreso se los dedico a Naomi y Francisca porque fue la lucha más grande que tuve para volver a hacer lo que mejor me sale, y a pesar de lo larga y dura que fue, pude gracias a ellas, su amor me hizo más fuerte de lo que soy.

la par que el lanzamiento de este último álbum, Drexler comenzó una extensa gira que lo llevó por el Antel Arena de Montevideo, el Movistar Arena de Bogotá y ya confirmó una presentación en el WiZink Center de Madrid para el 28 de enero de 2023. Dos semanas más tarde, actuará en el espectacular Auditorio Nacional de Ciudad de México. Ambos recintos, considerados un antes y un después en la carrera de cualquier artista.

Hace apenas unas semanas, el cantautor también formó parte de la 23a entrega de los Latin GRAMMY®, ceremonia donde resultó como el máximo ganador de la noche ganando los gramófonos en las categorías de Mejor Arreglo por “El Plan Maestro”, a cargo de Fernando Velázquez; Mejor Canción Alternativa por “El Día Que Estrenaste el Mundo”; Grabación del Año y Canción del Año por “Tocarte” junto a C. Tangana y Mejor Álbum Cantautor por Tinta y Tiempo. Además, su sencillo “La Guerrilla De La Concordia” también resultó premiado como Mejor Canción Pop y “Vento Sardo”, donde Drexler colabora con la brasileña Marisa Monte, candidata a Mejor Canción en Lengua Portuguesa, también se alzó con el galardón al que optaba.

¿CÓMO VIVISTE EL PROCESO DE CREACIÓN DE ESTE ÁLBUM?

Es un milagro que haya quedado más o menos homogéneo y coherente, porque fue un álbum hecho a lo largo de un periodo de tiempo muy grande y con una parte en pandemia. Ese fue un momento en el que me costó horrores terminar las canciones, por la ausencia de vida exterior que me generaba una ausencia de vida interior. Al no tener relación con otras personas me costaba mucho saber hacia dónde estaba escribiendo, estaba muy desorientado en la pandemia.

Después que tuve el repertorio más o menos armado me costó muchísimo encontrar el sonido, tardé dos años y dos semanas porque fue un proceso de búsqueda profundo y terminó surgiendo todo de golpe en dos semanas, como si todo eso hubiera estado esperando para poder encajar. Te mentiría si dijera que es un disco planificado, ni siquiera tenía bien claro lo que estaba escribiendo. Pero al verlo ahora listo veo que había algunos hilos en común en toda la obra. Este disco fue un caos muy grande llevado a buen puerto por las buenas artes del equipo.

¿CÓMO TE SENTÍS AL SER EL MÁXIMO GANADOR EN ESTOS LATIN GRAMMY®?

Si miro hacia atrás en mi carrera… Es una locura todo esto, realmente en ningún momento de mi existencia se me ocurrió siquiera sospechar que iba a pasar algo así. Empecé a vivir de la música a los 30 años, me empezó a ir relativamente bien a los 40 y eso hace que sienta que todo pasó muy lento y muy rápido a la vez.

Estuve los primeros diez años en España feliz de la vida porque había hecho un cambio vocacional importante ya que estudié medicina y ejercí tres años, pero estaba realmente muy feliz de haber hecho esa transición. En ese momento me recorrí trabajando todos los boliches chiquitos de España, desde 1995 hasta 2005. Empezó a irme bien antes en Argentina que en España con el disco Frontera, de igual manera ese ‘’irme bien’’ es en términos relativos porque yo siempre fui un pésimo vendedor de discos. He ido por la vida no aspirando a mucho, pero logrando las cosas y siendo agradecido de eso, logré más cosas de las que esperaba y probablemente más de las que merecía. Estoy muy feliz y agradecido por todo lo que ha ocurrido en mi camino.

¿QUÉ ES LA MÚSICA HOY PARA VOS?

Para mí la música es un plan sumamente imperfecto, por eso la quiero.

cillo de Tinta y Tiempo, recibido de manera espectacular por público y crítica. El videoclip, dirigido por Joana Colomar, ya supera 4.8 millones de visualizaciones

¿CÓMO RECIBISTE LA NOMINACIÓN AL GRAMMY AMERICANO?

Estoy muy feliz y no puedo hacer más que festejar junto al equipo, cuando lleguen, porque se fueron al Cañón del Colorado a dar un paseo. La verdad es que fui el último en enterarme de mi equipo, prefiero estar fuera del mundo de las expectativas de las fechas de las entregas de premios, no porque no lo considere valioso, los agradezco mucho, pero nunca me llevé bien con el mundo de las expectativas, pero estoy muy contento.

Hoy las redes sociales son la vidriera de un artista, vos las usas muy puntualmente y agotas conciertos. ¿A qué crees que se debe?

La verdad es que no tengo ni idea. A mí me gustan las redes sociales, pero me gusta que la gente se acerque a mis redes a raíz de mi proyecto, no para saber qué desayuné. Creo que uno tiene derecho a querer saber esas cosas, pero siento que sería algo decepcionante que yo se los cuente porque me parece que el misterio es necesario. Por ejemplo, en las parejas el saber todo del otro es garantía de des-erotización, y no me gustaría que eso pase. Todas las cosas que uno hace tienen que tener un punto

SOSPECHAR QUE IBA A PASAR ALGO ASÍ ”

En la entrega de los Latin GRAMMY® Drexler participó en una de las actuaciones más destacadas, interpretando junto a Elvis Costello su canción “Tocarte” que se alzó con dos de los premios más importantes, Grabación del Año y Canción del Año . Una actuación estelar en la que Costello que generosamente adaptó y cantó en inglés parte de la canción, acompañando a Drexler y su banda con una innovadora puesta en escena, minimalista y elegante; adaptando la canción al escenario y al idioma. Fantástica manera de encajar entre ambos artistas con una original puesta en escena y arreglos de la canción, realizados especialmente para esta presentación. La canción original, creada en colaboración con C. Tangana - a quien conoció en la alfombra roja de la edición de 2018 de los Latin GRAMMY®, precisamente - fue el primer sen-

de misterio porque en definitiva venimos y nos vamos solos y mi intimidad es sumamente aburrida, no me interesa compartirla.

¿CORAZÓN IMPAR O FUSIONADO ?

Cuando uno está mucho tiempo escribiendo canciones, éstas empiezan a contradecirse entre sí, y en el concierto hay una parte que digo en “Corazón Impar”: “Te propongo apenas que juntemos soledades, cada naranja tendrá ella sola sus dos mitades…”, queriendo derribar ese mito de que uno es incompleto y que otra persona lo completa, pero tres canciones después de esa aparece “Fusión”, que dice exactamente lo opuesto porque fueron escritas con 20 años de diferencia y con distintas perspectivas de lo que es el amor. Considero que ambas son válidas porque uno, con suerte, va evolucionando los conceptos

“ ES UNA LOCURA TODO ESTO, REALMENTE EN NINGÚN MOMENTO DE MI EXISTENCIA SE ME OCURRIÓ SIQUIERA

Muchas veces, la confusión puede ser enemiga de la acción. En el caso de iLe, fue un recurso para la creación de su tercer álbum, Nacarile. La artista puertorriqueña abrazó ese estado y de allí floreció un trabajo discográfico de once canciones. Once retratos sinceros de su vida alterada por los movedizos años pandémicos: “Me lancé a algo que no tenía idea qué era ni hacia dónde me estaba llevando, pero las canciones seguían saliendo de manera muy impulsiva, espontánea y desorganizada”, confiesa.

Nacarile es un disco que atestigua el valor

de dejarse llevar. En ese acto de quitar presión a entenderse y definirse, iLe construyó una solución creativa: un álbum que referencia a los géneros clásicos latinoamericanos y la percusión folclórica puertorriqueña, con algunas voces hip-hoperas y nuevos estilos derivados del pop. Un álbum que incluye voces como las de Ivy Queen, Trueno, Rodrigo Cuevas, Natalia Lafourcade, Mon Laferte y Flor de Toloache.

¿Cómo surgió el juego de palabras de Nacarile ? Surgió un poco en chiste, no recuerdo muy

bien, pero aquí en Puerto Rico usamos la frase: ‘’Nacarile del oriente’’ para decir ‘’No’’ de forma muy decidida y con algo de flow. Luego, vimos que iLe estaba en la palabra y el chiste pasó a ser algo más serio. Así que tomé ese nombre para este disco, que fue muy intenso de hacer en esas etapas de incertidumbre e incomodidad de la cuarentena. Porque Nacarile es esa expresión que usas para esos momentos en que estás confundido o pasándola mal y quieres salir de ese estado.

Es tu tercer disco, ¿qué iLe das a conocer en estas 11 canciones?

Quizás dentro de toda esa incomodidad que te decía, fue un buen ejercicio estar constantemente buscando cómo salir de eso. Al principio, buscaba ese momento de claridad y visión para entender bien lo que estaba pasando y organizarme. Cuando me di cuenta de que ese momento de organización no llegaba, fui aceptando que estaba bien sentirme así. Porque tenía que darle espacio a esa incomodidad, por más difícil que se me hiciera. Creo que eso es lo que aprendí y lo que formó a la iLe que hay en este disco. Lo de este caso fue más allá de salirse de la zona de confort, fue más intenso. Me lancé a algo que no tenía idea qué era ni hacia dónde me estaba llevando, pero las canciones seguían saliendo de manera muy impulsiva, espontánea y desorganizada.

Hiciste el videoclip de “Escapándome de mí”. ¿Cómo fue el proceso de dirigir un video por primera vez?

“Escapándome de mí” es una de mis canciones favoritas del disco. Siento que expresa bien esto de lanzarse a algo incierto, pero que a la vez sientes que te va a hacer bien. Hacer el video fue una experiencia súper rara e intensa para mí, pero tuve un equipo donde me sentí súper bien acompañada y eso me ayudó a poder fluir en tranquilidad a la hora de estar trabajando y viendo cómo hacer este video que tenía muchos rumbos hacia donde irse. Pero quería que se reflejara esa parte donde ella está escondida en ese espacio transparente y luego de una manera surreal va saliendo hacia el nuevo espacio.

Hay mucha diversidad de estilos y de países en las colaboraciones, ¿cuál fue la más desafiante para vos?

Siento que la mayoría fue bastante desafiante, pero quizás Ivy Queen y Trueno porque es rap. Buscar la manera en la que pudiésemos conectar y que fluyan bien ambas cosas fue desafiante. Con Ivy debía buscar algo que sea lo suficientemente fuerte, directo y súper femenino para mí, pero en donde ella también se pudiese encontrar para poder hacer el trabajo que hizo. Con Trueno la canción es más existencialista, yo no sabía lo joven que era él, entonces es muy interesante la parte generacional porque han cambiado cosas y estamos en otro momento, pero seguimos cargando con otras del pasado. Todos dieron una gran entrega en las canciones, estoy muy contenta con eso.

POR JOSEFINA ARMENDARIZ

“Hice solo lo que me hizo feliz y me salió bien”

invitaron a mi primera competencia, fui y me gustó tanto que nunca dejé de ir. Entonces, nunca lo hice con una planificación, simplemente dejé que todo se dé. Sí es verdad que por momentos sentí que me había bajado del tren, que no me dio y me bajé antes de llegar al destino. Pensé que había cosas que nunca más me iban a volver a pasar y me están pasando, así que las estoy recibiendo muy gratamente. Te pueden decir “tengo un regalo para vos” y te cuentan qué es y te ponés contento. Pero, si te traen algo que te encanta y encima no sabías que iba a venir es increíble, así que lo estoy re disfrutando.

Todo sucede muy veloz, pero tuviste el tiempo para decidir sacar Barbie Copiloto

Durante la elaboración de este álbum, transite un montón de situaciones de público conocimiento. Por momento estuve allá arriba, por momentos me sentí muy abajo, por momentos sentí que no era capaz y por momentos también súper capaz así que creo que fue algo real, tiene carga de un ser humano normal. Un ser humano que se asusta, que se preocupa, que está ansioso, que está contento, que anhela que la vida le presente otras oportunidades. Estaba tan segura de que estas oportunidades no se me iban a presentar que esta vez, por primera vez, hice solo lo que yo quería hacer sin pensar en si funcionaba o no. Hice solo lo que me hizo feliz y me salió bien.

Alos 17 años, Joaquinha Lerena se convirtió en la primera mujer en participar de una Batalla de Gallos. La cantante, actriz y compositora oriunda de Mar Del Plata, inició en el camino de la música desde muy chica, pero en ese instante se adueñó del freestyle.

Diferentes lanzamientos y oportunidades confluyeron en su nuevo álbum, Barbie Copiloto, conformado por seis canciones. Con 28 años, presentó un trabajo en el que reivindica el rol de quienes acompañan a los pilotos. Un álbum que muestra el corazón de las movidas fierreras y busca desmitificar las posiciones. No importa ser primera o segunda, si coope-

rás sos una parte fundamental del viaje.

La artista se encuentra en constante crecimiento. De un crecimiento auténtico, ya que, como revela, se escuchó a sí misma y eso está dando fruto: “Estaba tan segura de que estas oportunidades no se me iban a presentar que esta vez, por primera vez, hice solo lo que yo quería hacer sin pensar en si funcionaba o no. Hice solo lo que me hizo feliz y me salió bien”, reveló.

Tus canciones dicen: “…no importa ser segunda, sino estar en el viaje”, ¿hacés la música que a vos te hace bien? Totalmente. De hecho, siempre lo cuento. Me

También fuiste generosa e hiciste que podamos descubrir ciertos talentos qué tal vez no estaban tan escuchados… Si. Totalmente. No soy la madre Teresa de Calcuta, no es que digo: “Voy a ayudar a esa persona o le voy a cambiar el destino”. Escuché personas que decía “con la producción casera que tiene esto, que se nota que es en una pieza que seguro ecualizaron con una sábana. Imagínate si a esta piba la llevas a un estudio de verdad”. Por ejemplo, Kenzy, que está en “38”. La invité al tema solo porque me gustaba su música. Cuando la conocí, vi que esta piba vive todo lo que la gente canta y comercializa. Una piba que se merece que le vaya bien en la vida y así y montón de personas. Es re real y tan agradecida que me hace pensar en la cantidad de personas así, escondidos y refugiados en el underground, al que la gente trata de evadir contacto visual mirando los carteles grandes de la autopista del otro lado ¡Cuántas cosas hay ahí escondidas! Me interesa, cada vez más, encontrar a alguien nuevo. También me inspira mucho y alimentó un montón mi crecimiento, fue recíproco.

¿Pensás en escenarios?

La verdad es que tenemos muchas ganas de hacer nuestro primer teatro o lo que fuese. Todavía no me he animado, porque siempre que estamos camino a un show todavía siento un poco de miedo. Le estoy dando su tiempo, pero se vienen un montón de cosas hermosas que prefiero que sean sorpresa, para que las vivan como yo estoy viviendo todo lo que me está pasando.

POR

50 años junto a toda la ciudad de Santa Fe

Soledad, Axel, Pablo Lescano, La Delio Valdez, Jorge Rojas y Karina se acercaron a la Costanera para celebrar junto a la banda.

POR JULIÁN MASTRÁNGELO

Si uno habla de rosario se le vienen a la cabeza figuras deportivas como Ángel di María o Lionel Messi, pero si se hace foco en Santa Fe, lo primero en lo que uno piensa es en la cumbia, y en ese caso no hay nadie que la represente tanto como Los Palmeras. El 15 de noviembre la ciudad se vistió de fiesta bajo el marco de los 450 años de su fundación, y si se habla de fiesta, la banda liderada por Rubén y Marcos no podía faltar.

Los Palmeras no solamente celebraron el cumpleaños de la ciudad que los vio nacer, sino que también comenzaron los festejos por sus 50 años como banda, un número histórico alcanzado por muy pocas agrupaciones a lo largo de la historia. Como no podía ser de otra manera, el evento de festejo fue gratuito y accesible para toda persona que quisiera acercarse a la costanera y disfrutar de una noche a pura cumbia y baile. “Bombón Asesino”, “Perra” y “Olvídala” fueron solo algunos de los clásicos que sonaron durante las tres horas de show que brindaron Marcos, Cacho y compañía.

Además, para festejar su cumpleaños no podían estar solos. La noche se tiñó de fiesta cuando subieron al escenario más figuras locales y llegaron a las pantallas gigantes saludos de artistas y personalidades amigas de la banda, como uno propio de Lionel Messi con el que cerraron la noche. Soledad, Axel, La Delio Valdez, Pablo Lescano, Karina, Jorge Rojas y Marcos Castelló fueron los artistas invitados, brindando un show único bajo el cielo santafesino que más de uno no olvidará.

Para cerrar la noche, los decorados artistas recibieron una placa de parte de Diego Zapico, presidente de CAPIF, para celebrar sus 50 años y cortaron un clásico alfajor santafesino para compartir con su gente y todos los presentes. Luego de esa mesa dulce, Marcos nos brindó un tiempo especial para hablar con nosotros, diciéndole a su producción “vayamos a hablar con Billboard al micro, así la hacemos tranquilos y hablamos de todo un poco”. Dicho y hecho, minutos más tarde nos encontramos en el micro junto a sus músicos para charlar sobre su camino, el show que acababan de brindar y el lanzamiento de sus dos próximos álbumes de estudio, los números 49 y 50.

¿Cómo se sienten después de tener a Santa Fe saltando y cantando con ustedes? marcos: Estamos un poquito agotados pero realmente muy felices porque disfrutamos y creo que la gente también. Fue un espectáculo sin precedentes en Santa Fe gracias, en parte, a la cantidad de invitados que subieron a ese escenario.

Cacho, se te vio contento durante todo el show… cacho: La verdad que sí, era nuestro deber en cierto punto, trabajar para que esto sea una gran fiesta y la gente se vaya conforme, como creemos que se fueron. Ellos querían seguir festejando, cantando y bailando así que nuestro propósito está cumplido. Aprovecho para agradecer a todo este público que nos sigue desde hace tanto tiempo.

Con estos invitados, el show podía haber seguido sin problemas. marcos: Hay muchos cantantes de Santa Fe que se acercaron para estar con nosotros y desgracia-

damente algunos no pudimos subirlos al escenario. Algo así pasó también con los artistas con los que grabamos y colaboramos, no pudimos traer a todos por cuestiones de logística pero vinieron siete invitados y fue increíble.

Cómo se nota el cariño que le tienen a Los Palmeras, veíamos saludos desde artistas hasta Lionel Messi… cacho: Gracias. La verdad que sí se pudo notar ese cariño del que hablás esta noche. Había muchas familias presentes, gente de todas las edades, y por fuera también quisieron estar de alguna forma por parte de los saludos que mostramos en pantalla.

Queda muy poco para el lanzamiento de su álbum número 49, ¿hay algún secreto? marcos: No estaba planificado desde mucho tiempo atrás. Te diría que Dios puso las cosas así en este lugar y nosotros estamos acá para concretarlo.

EL REY DE LA BACHATA Y SU LEGADO

Gracias a su pasión por la escritura, el romanticismo de sus letras y la personalidad que consiguió a lo largo de los más de 20 años de carrera a sus hombros, Romeo Santos se quedó hace tiempo atrás con el apodo del “Rey de la Bachata”, y está más que justificado.

POR FLORENCIA MAURO

e ascendencia puertorriqueña y dominicana, el artista nacido en el Bronx de New York, Estados Unidos, siempre tuvo sangre latina corriendo por sus venas y la música y el baile fueron la mejor manera en las que poder sacarla a relucir.

Durante la década del 90’ comenzó su carrera junto a su hermano en Los Tinellers, banda que posteriormente se convertiría en Aventura y que sin duda marcaría un antes y un después en la escena latina, sobre todo dentro del mundo de la bachata.

Mientras trabajaba en esta agrupación, el cantante todavía no usaba el nombre Romeo, sino que se presentaba con el de su nacimiento, Anthony. Sin embargo, según el propio Santos, éste era un cambio que debía darse tarde o temprano para que pudiera crear el personaje que estaba buscando: “El paso de Anthony a Romeo fue tan orgánico que no podría decirte si fue fácil o difícil. Si me pongo a analizar, podría haber sido más difícil de lo que verdaderamente fue porque yo entendía que la timidez y el no desenvolverme en el escenario como la gente esperaba me hubiera traído muchas más consecuencias desfavorables”, recordó. “Empecé a trabajar en mi físico porque era bastante delgado y quería tener algo de músculos para poder vestir de cierta forma. Comencé a desarrollar una virtud de atracción con el público porque no conocían las canciones, entonces debía animarlos frecuentemente hablando con ellos, haciéndolos reír y logrando que la situación fluya”.

Junto a Aventura presentó diversos álbumes de estudio entre los años 1993 hasta 2011, fecha donde comenzaría su etapa solista ya bajo el pseudónimo de Romeo Santos y momento de lanzamiento de su primer single “You”, presente en el trabajo discográfico Fórmula.

¿Cuáles son las huellas que te dejó tu historia?

Creo que cada momento en que uno puede lograr una nueva hazaña lo marca. Yo todavía estoy procesando cosas que logré en mis inicios con Aventura. Recuerdo la primera vez que escuché con mis compañeros una canción nuestra sonando en la radio, esas son huellas que verdaderamente nunca pasarán desapercibidas.

¿Diste paso a una nueva generación de artistas de bachata?

Creo que sí, para mí es un gusto poder percibir en muchas propuestas musicales una familiaridad con lo que he creado con Aventura y como solista. Además, muchos artistas de la nueva generación me han dicho que los he influenciado y eso para mí es algo muy bonito.

Más allá de tu música, vos tenés magnetismo y seducción, ¿sos consciente de lo que generás en el público y tu entorno? Yo siempre fui bastante tímido, lo sigo siendo, pero creo que en la etapa de mi vida en que me empezó a ir bien en el negocio de la música tuve que aceptar que si me manejaba con mi timidez no iba a llegar lejos, por lo que me cree un personaje que estuviera a la altura del juego.

Sos una persona cero competitiva con tus colegas, pero sí competís con vos mismo. ¿Cómo es el día a día con tus exigencias hacia vos?

No me frustro con el éxito del prójimo, creo que hay que estar sintonizado con lo que pasa día a día en la industria musical, pero no enfocarte demasiado porque te estarías preocupando más por lo que hacen los demás que por tu propia carrera. Soy bastante exigente conmigo y con mi entorno para que demos el cien por ciento. Por suerte tengo un equipo de profesionales que me acompaña.

Hace algunos años, precisamente en 2019, Romeo anunció su regreso a Aventura, demostrando por qué fueron considerados en su momento los mayores exponentes de la bachata y unos íconos dentro de la industria latina. Durante la pandemia comenzó a trabajar en un conjunto de canciones que se sintieron llamativas, llenas de fusiones y colaboraciones que continuaron impulsando la bachata hacia el futuro, o por lo menos esa era la idea al momento de su creación.

Así fue como en septiembre de este mismo año surge Fórmula Vol.3, un trabajo con 21 canciones en las que Santos reúne estrellas internacionales y locales como Rosalía (“El Pañuelo”), Justin Timberlake (“Sin Fin”, marcando también la primera aparición del estadounidense en el género) y Christian Nodal (“Me Extraño”), entre muchos

otros nombres que hicieron de este álbum algo inédito en la trayectoria de Romeo.

Tanto “El Pañuelo” como “Sin Fin” lograron ingresar al Billboard Argentina Hot 100 durante la semana de su lanzamiento, siendo de las pocas bachatas presentes en el chart nacional. Además, el álbum debutó en el puesto número 10 del Billboard 200 con 26.000 unidades vendidas en la semana del 17 de septiembre de 2022, marcando el cuarto álbum Top 10 de la lista para el artista. En la misma semana, alcanzó el número uno de US Tropical Albums, al igual que los dos trabajos anteriores de la trilogía Fórmula, vol. 1 (2011) y Fórmula, vol. 2 (2014).

Por último, y por si fuera poco, tras su paso por los escenarios de la 23.a Entrega Anual del Latin GRAMMY®, Romeo sigue recorriendo el mundo con este lanzamiento teniendo entradas agotadas en tiempo récord en Perú y Chile.

¿Cuánto te sorprende llenar de esta manera los conciertos?

Es una bendición, sinceramente nunca me acostumbro a este tipo de éxito y cuando alguien del equipo me avisa este tipo de cosas no siento ni un pelito de arrogancia, no pienso: “Yo ya sabía que iba a vender así”, sino todo lo contrario, siento preocupación y me gusta hacer la publicidad adecuada y necesaria, el marketing es muy importante. Cuando me avisan que se vendieron todas las entradas de un show lo siento como esa primera vez en que hice sold out en una discoteca, es muy emocionante.

En lo que a nuestro país respecta un anuncio muy prometedor tiene en alerta a sus fanáticos y acerca de este regreso, el cantante afirmó: “Argentina tiene un espacio muy especial en mi corazón, es un público muy eufórico. Argentina es impecable, siempre me llevo buenos recuerdos de allí y disfruto sus vinos, su gastronomía y la amabilidad de los fanáticos, jamás podría dejarlos fuera de una gira”.

Hay algo que me llamó mucho la atención en tu disco y es que hace rato que alguien no le hablaba en una canción a la suegra… “Suegra” es de las canciones que más ha gustado en cuanto a la producción, creo que tiene que

“ ESTOY EN UNA ETAPA DE MI VIDA DONDE LA SENSIBILIDAD ESTÁ MUY PRESENTE ”

ver con que muchas personas se identifican con la temática porque es un tema muy humano. Creo que todos conocemos a alguien que detesta a su suegra o tiene algún tipo de familiaridad con esa situación, es algo muy común porque no todas las suegras son un pan dulce.

Los títulos de tus canciones marcan muchas cosas, por ejemplo, “Sin Fin” me hace pensar en tu carrera que no tiene fin. ¿Cómo elegís los nombres de las canciones?

No recuerdo haber creado alguna vez el título de una canción y luego la letra, sino que primero sale la canción, dejo que las cosas fluyan y luego pienso en el título. Me parece muy importante que el título sea fácil de pronunciar, corto y que tenga algún tipo de relación con la temática de la canción.

Ya pasaste los 40 años, ¿qué querés que esté en tu vida y qué ya no querés más? Estoy en una etapa de mi vida donde la sensibili dad está muy presente y me sirve muchísimo para componer estas canciones que conectan con el público. También siento una madurez gracias a la que ya no me estreso tanto en cuestiones como la gira y demás. Creo que todos los artistas somos bastante sensibles, nosotros creamos contenido, producimos música y realizamos conciertos espe rando la aprobación de la gente, pero siento que en este último tiempo no me está afectando tanto la crítica negativa, que siempre existe. Quizá debí aprender eso a mis 30, pero lo estoy aprendiendo ahora porque es una enseñanza que se gana con la paciencia y diría que eso es gracias a mis hijos, siempre fui una persona impaciente, pero mis hijos han cambiado eso en mí, han cambiado mi forma de pensar.

Francisco Rodriguez

Aaliyah Gordon

Ashley Bohorquez

Natasha Fernandez

Claudia D'Amico

René Rodriguez Maria Barcelo Michelle Velez Mayna Nevarez

LA HINCHADA ARGENTINA TIENE SU BANDA DE SONIDO

Son varios los artistas, consagrados y amateurs, que transformaron su pasión por la Selección en canciones que acompañan a los jugadores y son cantadas por los fanáticos alrededor del mundo.

“Muchachos”, el himno de Qatar 2022.

por MAJO GARCÍA MORENO

n ritmo de cuarteto, de trap, de rock and roll o de balada, la temática fue la misma: alentar a la Selección Argentina en el mundial Qatar 2022. La pasión desbordante está en las calles, en murales, pintadas, se hace literatura, se editan videos con goles, con festejos, cada uno sublima el amor por la albiceleste como puede, y la música no se queda atrás. Está claro que la Selección inspira y, si no, veamos algunas de las canciones que ya conforman la banda sonora del mundial.

En Instagram y YouTube se multiplican las composiciones sobre Messi, Maradona y la Scaloneta con la ilusión de que la Selección los escuche y se emocione. Así es la suplica de @ nicolasj.g y @elsindromedepeter rogando que Messi escuche su tema.

El mismo espíritu tiene el hincha cordobés que, rápido de reflejos, hizo un cuarteto inspirado en el “¿Qué mirás, bobo?” de Messi.

Y los consagrados también abogan por lo mismo. Callejero Fino y DJ Tao hicieron la “Turreo Sessions #723” viralizada en TikTok que expresa: “Bienvenida a Argentina, la tierra de Maradona, del Fernet, el asado, fabricante de la moda, el mate, el folklore...”

Y no nos olvidemos del otro viral, el pegadizo “Abuela la la la la la”.

De autores desconocidos, los cánticos de la hinchada argentina se multiplican: “Yo soy así, soy argentino" (Somos la banda argentina, siempre vamos a alentar

Porque teníamos el sueño de salir campeón mundial), "Vamos Argentina, sabés que yo te quiero" (Vamos Argentina. Sabes que yo te quiero. Hoy hay que ganar y ser primero. Esta hinchada loca, dejo todo por la copa. La que tiene a Messi y Maradona), "Ganar la Copa del Mundo es lo que imagino", con la melodía de "Imposible" de Callejeros (Ganar la Copa del Mundo es lo que imagino, los jugadores dejando la vida en cada partido; no importa donde sea el Mundial, igual te seguimos..).

Y los niños, claro, no se quedan atrás. Sino veamos ““De Pulga a Pulga”: la canción que le dedicó Janna, una nena de 7 años a Messi y que dice “Porque sos un gigante y vos no tenés rival, este año la Copa te traes del Mundial”.

“Un sueño mundial” es la composición de la banda Savia, de Rosario que también sueña con que llegue su melodía al vestuario argentino. Al igual que lo siente el músico de Viedma, Edelmiro Farías, quien también le hizo un tema a la Pulga.

Desde Paraná, la banda 12 monos también vibra la fiebre mundialista y compuso otra

canción dedicada a la Scaloneta.

Y quién no se la podía perder es L-Gante quien entona “Soy de Argentina, tierra de Maradona”.

Pero de todas, hay una que se ganó el corazón del país y se convirtió en el tema de la hinchada, “Muchachos”.

La reversión que se volvió himno

Con cifras exorbitantes en todas las plataformas (más de 9 millones de reproducciones) y convirtiéndose en una de las canciones del Top 50 Global de las más virales, “Muchachos” es la canción emblemática de la hinchada en Qatar.

Por eso hablamos con Santiago Ruiz, manager de La Mosca y productor de la reversión de este hitazo.

¿Cuándo se enteraron de que había una nueva versión de “Muchachos”? Estaba mirando TyC Sports y vi en vivo cuando le hicieron una entrevista a un chico en su momento desconocido en las afueras del Estadio de River en la Copa América. Este chico dijo que tenía una canción para el Mundial. Me detuve porque cantó “Muchachos”, una canción de La Mosca, mi grupo, el que represento hace más de 25 años y porque soy hincha de Racing y es una canción que canta Racing. Cuando el muchacho empieza a cantar “En argentina nací”, en ese momento se me erizó la piel.

¿Cómo la recibieron?

Muy bien, con muy buena onda porque todo el mundo empezó a cantarla, sobre todo en las redes, no tan masivamente pero la cantaban, sobre todo los jugadores cada vez que iban a una eliminatoria. Fue una gran alegría para La Mosca.

¿Por qué decidieron grabarla y cómo es la relación con el hincha de Racing, Fernando Romero, autor de la letra reversionada?

Grabar la canción fue una decisión mía como manager y productor del grupo. Al no ser una letra del grupo al principio no la íbamos a grabar porque podría haber algún tipo de controversia, pero ahí fue cuando se me ocurrió llamar a Fernando y contarle la idea. El me comento que había registrado la letra entonces se me ocurrió juntar las partes e invitarlo a grabar la canción y el video. Hoy en día con Fernando hicimos una amistad muy buena. Él es profesor de teología, somos los dos hinchas de Racing… estamos transitando una gran amistad y un camino muy feliz.

¿Cómo es tu relación personal con “Muchachos”, la original y la de ahora?

Yo siempre dijo que “Muchachos, esta noche me emborracho” es la mejor canción de La Mosca. Se grabó en 2003 en el disco Tango lati-

no y fui yo quien la llevo a Racing e insistí para hacer una versión para el Atlético de Madrid e insistí en grabarla ahora para los jugadores.

Es una canción sumamente positiva, de aliento, ¿esto los motivó a reinterpretarla?

“Muchachos” siempre fue una canción positiva y más esta versión que habla de la ilusión de ganar una copa mundial, de la idiosincrasia argentina, nombrando a Diego, la Tota, Don Diego, Lionel, los pibes de Malvinas que jamás olvidare. Por eso creo que tanto gustó y le pegó a la gente, porque nos sentimos identificados y con el plus de que la canción original ya está instalada en el futbol. Quería que cada argentino en cada lugar del mundo cada vez que a escuchen sea como escuchar un tango de Gardel, como “El día que me quieras”, con mucho respeto y salvando las distancias.

Imagino que ya la cantan en los shows…. La canción la estamos haciendo en los shows y te eriza la piel. La cantan grandes, chicos, rockeros, cuarteteros, todos se unen sin distancia.

¿Qué sintieron cuándo supieron que la Selección también la adoptó?

Fue una emoción terrible. Verlo a Lionel que la eligió como mejor canción es una satisfacción que nos confirma que hicimos las cosas bien. Que explote en el mundo y haya videítos de todo tipo musicalizados con “Muchachos” ya te da la pauta de que la canción no es más de La Mosca, es de la gente.

MUCHACHOS

en argentina nací tierra de diego y lionel de los pibes de malvinas que jamás olvidaré

no te lo puedo explicar porque no vas a entender las finales que perdimos cuántos años las lloré

pero eso se terminó porque en el maracaná la final con los brazucas la volvió a ganar papá muchachos, ahora nos volvimo’ a ilusionar quiero ganar la tercera quiero ser campeón mundial y el diego, en el cielo lo podemos ver con don diego y con la tota alentándolo a lionel y ser campeones otra vez

ZOE GOTUSSO

“Estoy aprendiendo

a ser una atleta de la música”

En un año a puro movimiento abrió los shows de Coldplay en River y cerró en el Teatro Gran Rex el pasado 16 de noviembre.

por JOSEFINA ARMENDARIZ | foto RAFA KOGAN

n la vida y música de zoe gotusso están floreciendo un sinfín de oportunidades. Desde su álbum debut en diciembre del 2020, la artista cordobesa nunca se detuvo: Mi primer día triste la condujo por Europa, América, todo el país y le concedió su primer teatro Gran Rex el 16 de noviembre. Cuando todo eso parecía suficiente, apareció Coldplay para probar que la música podía seguir sorprendiéndola. Chris Martin la invitó a abrir sus diez recitales en River. “Pude agradecerle y decirle que me estaba abriendo una puerta muy grande”, celebra. La conjunción de talento, carisma y disciplina están transformando a Zoe en una atleta de la música. También se volvió un poco más consciente de que un gran espacio conlleva una gran responsabilidad. “Espero hacer buen uso del lugar que tengo y del movimiento que tengo dentro y fuera del país”.

Con un segundo disco en camino -al que invitó a producir a Cachorro López-, Zoe es la prueba viva de que el movimiento genera más movimiento. Desde sus inicios en Salvapantallas, cada paso dado hoy se materializa haciendo realidad sus más grandes sueños: “Está sucediendo todo eso por lo que trabajé”.

ESTÁN SUCEDIENDO UN MONTÓN DE COSAS CON VOS…

Me gusta que te des cuenta porque yo vivo todas estas cosas y sí, es un montón. El año ya venía increíble con la gira que habíamos hecho. Los conciertos, el disco que no paró de crecer y el que estoy preparando, pero en eso aparece esta locura para coronar el año de hacer diez River con Coldplay y terminar mi año con otro Gran Rex. Me siento contenta, muy ilusionada y empoderada porque está sucediendo todo eso por lo que trabajé, esto me dio gasolina nueva. Además, siento que tomé otro ritmo de trabajo, estoy aprendiendo a ser una atleta de la música y eso es porque amo lo que hago y soy muy activa.

ESTÁS PASEANDO POR TODO EL PAÍS CON TU MÚSICA, ¿QUÉ SE SIENTE VIAJAR GRACIAS A ELLA?

Es una fortuna, un privilegio. Hay muchísima gente apasionada de la música que desearía estar arriba de un escenario y no se le da, por eso espero hacer buen uso del lugar que tengo

y del movimiento que tengo dentro y fuera del país. Ahora me doy cuenta de que, además del canal de la música, existe el canal del mensaje y están relacionados. Cuando viajo pienso en que no he llegado sola, sino que hay mucha gente que quería que yo esté ahí. Por eso pienso mucho en el mensaje que quiero dejar a esas personas, tratando de abordarlo con la mayor naturalidad posible.

¿QUÉ SENTISTE LA PRIMERA VEZ QUE PISASTE RIVER?

No lo conocía, entré a probar sonido y me impresionó, me reía de la alegría. La primera noche que salí a tocar había muchísima gente. Creía que al ser más temprano no iba a ser tanta, pero me dieron un súper lugar y la gente estaba muy predispuesta a escucharme.

ES COMO SI ESTUVIERAS ENCARGADA DE HACER LA ENTRADA EN CALOR EN UNA COMPETENCIA… Sí, como que pongo el primer riego a la semilla. Es un gran desafío para mí. Yo no hago esos estadios con esa cantidad de gente. Me entrena porque son diez recitales en los que aprendo muchísimo e intento animarme a hacer cosas distintas. Lo interesante es que la gente no me va a ver a mí, se encuentra

ba disfrutando muchísimo.

¿QUÉ ZOE DESCUBRISTE ESTE AÑO? Descubrí que soy una, pero me descubrí como una Zoe 2.0. Siento que evolucioné y espero que en algún momento haya una Zoe 3.0 ¿Quién me quita lo bailado de hacer un River? Nadie. Y eso me da experiencia, seguridad y expansión. Además, me siento más humana, yo pensaba que estaba acá solo por mi música, pero ahora veo (me doy cuenta) que también estoy acá por la humanidad. En mi casa han sido muy estrictos conmigo en cuanto a ser educada. Creo que eso me ha llevado a buenos puertos.

RECIÉN VIMOS LAS IMÁGENES DEL VIDEO QUE VAS A SACAR DE “DESNUDA” EN VIVO, ¿QUÉ SENTÍS AL VER LAS IMÁGENES DE TODAS TUS AVENTURAS DE ESTE AÑO?

Siento mucho amor. Quizás es muy cursi la palabra, pero es súper real. La gente me trata muy bien, conectan con mi música. No sé qué sabor tendrá para la gente mi música, pero el sabor que yo recibo de ellos es muy amoroso, puedo verlo en sus caras y sonrisas. A veces vuelvo a mi casa y lloro un montón porque me desborda tanto amor, lo agradezco muchísimo.

¿Y TE DESBORDA HACIA MÁS MÚSICA TAMBIÉN?

Sí, estoy yendo todas las mañanas al estudio antes de irme a River.

¿HAY ALGO DE TIEMPO EN ESA AGENDA?

Estoy aprendiendo también a cuidar a la gente que quiero porque a veces me paso de trabajo. Me gusta tanto trabajar que me he vuelto un poco adicta al movimiento, pero intento reflexionar sobre eso para poder pasar tiempo con mi gente.

¿QUÉ NOS PODÉS CONTAR SOBRE LA MÚSICA QUE ESTÁS HACIENDO?

conmigo. Pero me reciben muy bien igual y hasta siento que se alegran de que este ahí. Me siento muy cómoda, no me voy a olvidar nunca de esto.

¿QUÉ TAL TE PARECIERON LOS CHICOS DE COLDPLAY Y EL RECITAL? El recital, muy bueno. Ellos, muy educados. Hablé con Chris las primeras dos noches. Vino a buscarme, a agradecerme, a preguntarme si estaba bien y si me estaban tratando bien. También me preguntó por mi show y me pidió que le presente a mis músicos. Además, pude agradecerle y decirle que me estaba abriendo una puerta muy grande y que lo esta-

Estoy trabajando con un productor que admiro mucho, Cachorro López. Ha trabajado en discos que a mí me cautivaron mucho. A nosotros nos presentaron y fue un encuentro hermoso. Fui a su estudio y me contó que estaba en un momento en el que no quería hacer discos. Yo le conté que hace dos años que estaba componiendo, que no quería hacer singles, quería hacer todo un disco. Pero como no teníamos compromiso alguno entre nosotros, le pedí mostrarle las canciones. Aceptó y a la semana siguiente volví para mostrárselas. Una semana más tarde, me dijo que quería grabar el disco. Hoy en día estamos trabajando juntos y está saliendo algo muy lindo

“ ESTOY TRABAJANDO CON UN PRODUCTOR QUE ADMIRO MUCHO, CACHORRO LÓPEZ ”

Desde siempre, la música de Thalía es vehículo de mensajes de inclusión, igualdad y empoderamiento. La artista desarrolla un arte y contenido que, disfrazado en forma de

éxitos, sobrepasa barreras culturales y llega a cada rincón del planeta. Su nuevo single sigue con esa línea. Con "Psycho B**ch", la artista demuestra su constante evolución, sin dejar de lado sus raíces musicales.

Su actitud aguerrida la acompañó desde siempre: destaca su primer álbum como uno de los hitos de su carrera. Un disco que, catalogado como sadomasoquista e inapropiado, vetado en radio y TV, impulsó que vaya a contracorriente: “Seguí adelante y no me dejé. Me deprimí y me encerré en mi habitación porque creía que acababa mi mundo, pero salí a seguir promocionando la canción y el disco, que hoy es de los más icónicos de mi carrera”, cuenta.

¿Qué se siente volver a sacar una canción después de casi un año? Me encanta, cada proyecto musical me inyecta de energía y alegría. Siempre estoy creando cosas y proyectos, pero este se coló de la nada, salió del corazón y dije: ‘’Hay que sacarla’’. Esta canción es una delicia y aquí estamos presentándola, realmente me pone muy contenta porque tiene un sonido como pop electrónico

y disco retro con una letra increíble.

¿Cómo surgió la canción?

Usualmente me mandan música, tracks y demos, pero me mandaron este y me enloqueció, inmediatamente me metí en el estudio junto a dos chicas compositoras. Grabé la canción hace aproximadamente dos meses y cuando la terminé sentía que algo no cuadraba, así que me encerré en mi cuarto y en diez minutos salió “Psycho Bitch”. Al día siguiente, fui al estudio y la grabé. También hicimos el videoclip y aquí estamos. Hay veces que las canciones son más preparadas, otras que salen en el momento y otras, como esta canción, en las que debés fluir con tu intuición. En toda mi carrera he seguido mi corazonada.

¿Qué nos podemos encontrar de nuevo?

Es como tocar base con ese lado mío tan salvaje, sexy e inesperado. Está esa disyuntiva de Thalía que tiene esas baladas maravillosas, esas canciones tan cool y familiares con ese pop delicioso… De pronto, tengo el lado irreverente, salvaje, sexual de canciones como “A quién le importa” y “Arrasando”. Esta canción es un guiño a ese lado mío tan propio, tómenlo o déjenlo, pero esa soy yo.

¿Cuál es tu secreto para seguir haciendo música después de tanto tiempo y estar tan radiante?

Como en todo creo que cuando hay un proyecto, te creas una historia y la empiezas a desarrollar, a hacer realidad, sigues adelante, enfocado y reinventándote refrescando tus puntos de vista. Tengo muy claro que la vida es cambiante, tengo un modo de vida en que cada día es una oportunidad para empezar de cero y así la vivo, eso me ayuda en mi forma de llevar mi vida profesional, personal y empresarial.

Hoy el terreno musical es más fértil para las mujeres y vos sos responsable de esa evolución, ¿te sentís un poco madrina de las mujeres en la música?

No diría madrina, pero siento que cuando arranqué teníamos otro tipo de herramientas en cuanto a la difusión de tu mensaje, producción, canción o interpretación. Hoy es mucho más fácil y tangible en un segundo. Creo que sí me tocó luchar muchísimo más que a estas generaciones, pero antes de mí también hubo otras que lucharon más que yo. Esto se trata de dejar un sello y de forjar un camino para las próximas generaciones.

¿Creés que esta es una época dorada para la música en español?

Todo es cíclico, si te pones a ver a Desi Arnaz o a Carmen Miranda fueron pioneros, luego hubo otra ola con Julio Iglesias y Gloria Estefan. También tuvimos la ola de Ricky Martin, Shakira y Enrique Iglesias, pero esta nueva ola verdaderamente es en español. En las olas anteriores nosotros intentábamos hacer el crossover en inglés, con nuestras raíces y sonidos, pero en inglés, ahora no, ahora es puro español y me parece una maravilla.

x LOS PERICOS x JUANCHI BALEIRÓN

l proyecto original del álbum tenía como base interpretar grandes clásicos de habla hispana. Con este punto de partida, Los Pericos seleccionaron canciones latinas que marcaron la historia en toda la región, y las reversionaron junto a artistas invitados y su infaltable «toque Pericos», que ya es una marca registrada.

Hay temas de Miguel Matamorros, Marco Antonio Solís, Los Rodríguez, Jorge Drexler, Julio Iglesias, Robi Draco Rosa, y Daniel Melero. Cuentan con invitados de lujo como Rubén Albarrán (“Me estas atrapando otra vez”), Carlos Vives (“Trátame suavemente”), Emiliano Brancciari (“La edad del cielo”) y La Delio Valdez (“Vete ya”).

Con 36 años de carrera, infinidad de premios recibidos, más de 3 millones de discos vendidos y más de 3200 presentaciones en vivo, consagran a Los Pericos como una de las bandas más importantes en la historia del reggae y rock Latino.

Juanchi Baleirón (cantante de la banda) nos contó en exclusiva cómo fue el proceso creativo del álbum y cuáles son los próximos pasos del grupo.

¿CÓMO SURGIÓ LA IDEA DEL PROYECTO “VIVA PERICOS!”?

La idea del proyecto surgió en conjunto entre la banda y Sony Music, de hacer un disco diferente durante la pandemia y nos pareció genial abordar canciones de otros autores: otras épocas, de otras latitudes, otras culturas, de otros géneros y a eso ponerle la impronta de Pericos. De hecho, Pericos en su historial tiene muchas canciones que se han identificado como propias y son de otros autores, como por ejemplo “Hace lo que quieras”, “Mucha experiencia”, “Mi resistencia” y “Complicado y aturdido”.

ENTRE TANTAS CANCIONES EMBLEMÁTICAS, ¿CÓMO FUE ESE PROCESO DE SELECCIÓN?

El criterio fue en base a que las canciones nos queden bien, es como probarse ropa: por más que sea de marca te tiene que quedar bien y siempre aparecen sorpresas, canciones que no esperabas y terminan formando parte de este

Eproyecto. Fue muy divertido, elegimos unas 50 de las cuales finalmente dijimos: “Estas 11 son las que realmente representan este momento y este disco”.

¿HAY ALGUNA CANCIÓN QUE LES GUSTE MUCHO Y HAYA QUEDADO AFUERA?

Hemos probado desde Shakira, Jarabe de Palo, Héroes del Silencio, Damas Gratis, Los Tres, etcétera. Hay tantas que nos gustaron y quedaron afuera que quizá en un futuro quién te dice hagamos una segunda parte.

¿QUÉ TIENE QUE TENER UNA CANCIÓN PARA QUE TENGA EL “TOQUE PERICOS”?

Bueno, ahí es donde uno se da cuenta que la música o, mejor dicho, uno confirma que la música es magia, por más que en los papeles te parezca que una canción puede quedar bien con Pericos siempre tiene que pasar el tamiz, y por más que en apariencia algo suene a Pericos quizá cuándo la probamos no nos suena… o al revés: algo que lo ves tan lejano termina sonando muy Pericos nuevamente en la magia de la música.

xha sido un alivio, y no sólo eso, como te digo, hemos recorrido infinidad de países subidos al disco y sobre todo siendo 100% Pericos en España, Estados Unidos, Costa Rica, Colombia, Perú, Bolivia, Chile, Paraguay, y Uruguay.

CUENTAN CON INVITADOS DE LUJO COMO. ¿POR QUÉ LOS ELIGIERON? ¿HAY ALGUNA ANÉCDOTA QUE RECUERDEN DEL PROCESO DE GRABACIÓN?

A medida que las canciones tomaban forma surgían ideas espontáneas, aleatorias, random, de quién podría ser el invitado, y así fue como se conformó esto, gente querida, admirada. Un placer contar con ellos y haberle aportado su sonoridad hasta en algunos casos su co-producción y su participación completa, no solamente cantarlos.

EN CUANTO AL ARTE DE TAPA DE VIVA PERICOS! ¿CÓMO LLEGARON A MILO LOCKETT?

Al ser este un disco de alguna manera colorido y variado, nos pareció que nuestro amigo Milo naturalmente con su estilo iba perfecto

ESTAMOS VIVIENDO UNO DE LOS MEJORES AÑOS EN CUANTO A GIRAS, PROYECCIÓN INTERNACIONAL Y TRABAJO ”

¿CÓMO

SE SIENTEN CON LA RECEPCIÓN DEL ÁLBUM?

El álbum tiene una gran recepción sobre todo en vivo, porque las canciones nuevas para nosotros son archiconocidas para el público y se integra perfectamente al playlist en vivo y, de hecho, lo potencia más. En junio lo presentamos acá en Buenos Aires en el Complejo C Art Media, luego pasamos por Estados Unidos, España, México, Costa Rica y Chile.

para una tapa de un disco como este, así fue que lo convocamos, mientras nos contaba que es fan de nuestra música, así que fue una unión perfecta.

¿QUÉ PODEMOS ADELANTAR DE LOS PERICOS PARA LOS PRÓXIMOS MESES? ¿PODRÍA SURGIR UN VIVA PERICOS! 2?

¿CÓMO

VIVIERON ESA GIRA Y SEGUIDILLA DE SHOWS?

Estamos viviendo uno de los mejores años en cuanto a giras, proyección internacional y trabajo realmente, después de la pandemia

Cómo te decía antes, hay tantas canciones buenas que nos gustan que quizá en algún momento, no sé cuándo, haremos una segunda parte, pero en realidad tenemos ya unas siete canciones nuevas inéditas bastante avanzadas de un disco nuevo, lo cual tomará forma durante el 2023.

una coautoría conmigo mismo…”

Así definió Shasei , su primer disco, en el que a través de una mirada retrospectiva busca amigarse con experiencias de su adolescencia.

POR ROMINA BARRIL

Benito cerati terminó con la expectativa de su primer álbum solista: Shasei -palabra japonesa que se traduce al español como “dibujo de la naturaleza”-. Es un material de diez canciones en las que el artista aprovechó para volcar todas sus experiencias de chico, cantándole a sus primeras veces, la intensidad de los vínculos que estas conllevan, y la convivencia entre la naturaleza y la tecnología. “Muchas de las letras son a partir de bocetos y cosas que yo había escrito en esa época, por lo que en cierto punto se podría decir que este disco lo escribí a los dieciséis, es una coautoría conmigo mismo. A veces cuesta amigarse con las cosas que hiciste de chico; te resultan inmaduras y te arrepentís de ellas. Pero de repente sentir que me estoy tomando la mano, está muy bueno”, explica Benito.

Casi 15 años después, se enfrenta a penas del pasado utilizando el arte como herramienta. “Los sufrimientos de alguien de dieciséis o diecisiete años suelen ser distintos a los de una

persona de casi treinta años”, asegura. Además, contó que tiene una forma de sentir en la que incorpora las vivencias y cree que “todo es aprendizaje, hasta las cosas más difíciles…”, y agrega: “Si uno sigue vivo, puede capitalizar ese aprendizaje y sacar algo positivo”.

Orgulloso de su primer material discográfico en solitario, expresó que para él es el mejor disco. Es por eso por lo que contó cuál canción, a su parecer, es la mejor del álbum. En sus palabras: “Creo que la que más me gusta y que me hizo bien al alma que exista es “Buenos Días Amor”. Es de esas canciones mías que escucho como si la hubiera hecho otro artista…”.

¿Por qué elegiste Shasei para bautizar al álbum?

En realidad, esta es la primera vez que me costó elegir el título. Siempre se me ocurrían primero los títulos y después las canciones, pero ahora fue lo último en llegar. El disco tiene muchas de mis experiencias de la adolescen-

cia, mis primeras veces de varias situaciones. La primera vez que me enamoré, mi primer disco y demás. También hay una cuestión de la convivencia entre tecnología y la naturaleza, ambos extremos. Yo soy una persona muy de los extremos para explicarme, me considero bastante bipolar para eso.

¿Cómo viviste el hecho de enfrentar el pasado?

No me fue difícil el proceso, sino más bien agradable. Me di cuenta de que no he cambiado mucho en esencia. Lo que va cambiando es la presentación de uno, la caja. Siento que soy el mismo de siempre y pude reconectar con esos sentimientos del recuerdo.

En “Buenos Días Amor” jugás con los paralelismos de un robot, ¿cómo nació la producción creativa de la canción?

Estaba con esta cuestión de las series sobre ciborgs porque hubo un boom con Ghost in the Shell, y un montón de series empezaron a hablar de esa temática. Empecé a ver los pros y contras de esas cosas, de la comunión entre naturaleza y tecnología y cómo podrían llegar a convivir. En este caso, pensaba en lo humano que es sentir y lo artificial que es el reprimirse. Para eso quise usar términos como: ‘’ojos de metal’’ o ‘’me maquino’’. Este tema propone esa “cosa antinatural” que a veces tiene la cabeza, que hace que no puedas ir hacia eso que querés. Lo asocié a lo que me pasaba de chico con la primera vez que me gustó alguien, y miraba a esa persona desde un costado deseando que estemos juntos, pero no me acercaba por miedo al rechazo.

“Es

> BENITO CERATI <

Gran debut del Primavera Sound en Buenos Aires

Lo que parecía un sueño, se hizo realidad. La primera edición del icónico festival europeo en Argentina ofreció tres jornadas con una oferta musical liderada por artistas internacionales y locales.

POR SOL ROCCATAGLIATA

Noviembre fue el mes encargado de recibir y abrazar uno de los festivales más renombrados del mundo #PrimaveraSoundBuenosAires. El mítico festival catalán, producido por DF Entertainment, que tiene ediciones en Europa, nos dejó una colección completa de experiencias increíbles en su primer ciclo local.

En sus diferentes segmentos pasaron artistas nacionales e internacionales como: Jack White, Pixies, Cat Power, Bjork, Julieta Venegas, Travis Scott, Juana Molina, Hernán Cattaneo, Miranda, Father John Misty, Charli XCX, Mitski, Caroline Polachek, Damas Gratis, L

Un comienzo con mucha fuerza femenina

El PS dio su puntapié inicial el 9 de noviembre en el predio ubicado en Costanera Sur. El lineup de la primera noche del festival estuvo al mando de cuatro artistas singulares, con sellos personales y una fuerte apuesta por la experimentación: Feli Colina, Julieta Venegas, Javiera Mena, y Björk, que brindaron performances únicas.

Feli Colina fue la primera en subirse al escenario. La artista local viene de lanzar su tercer álbum, El Valle Encantado, que se hizo presente en canciones como “Diabla”y “Chakatrunka”; además de sencillos de su obra consagratoria, Feroza, como “Martes”.

Luego de la entrada en calor protagonizada por la argentina, llegó la hora de Javiera Mena. La chilena se apoderó del escenario con la caída de la tarde, y se unió a sus fans interpretando diversas canciones de su último trabajo discográfico, Nocturna, lanzado en septiembre. Desde México, llegó Julieta Venegas para acompañar la llegada de la noche. En su show, la cantautora adelantó su disco Tu Historia, sin privar a los presentes de cantar sus más conocidos hits como “Me Voy”, “Eres Para Mí”, “Limón y Sal” y “Lento”. La presentación finalizó con “El Presente”.

Para coronar el cierre llegó Björk. La islandesa regresó al país desde su última visita en 2012 y se brindó un show sinfónico integrado por músicos del teatro Colón. “Gracias”, respondió múltiples veces, haciendo uso de su acotado español. Su voz, la orquesta y momentos emocionantes como la interpretación de “Hyper-ballad” y “Come to me” concluyeron la noche y encaminaron las expectativas del fin de semana.

Segunda jornada para el recuerdo

Llegó el esperado sábado 12 de noviembre, con un lineup ecléctico encabezado por figuras internacionales como Travis Scott y Charli XCX, y referentes de la escena nacional como Miranda!, Hernán Cattáneo, Damas Gratis y L-Gante.

Cuando todavía era de día, la británica Jessie Ware se encargó de desplegar todo su pop y convertir el escenario Flow en una fiesta acompañada de sus coristas y bailarines. Y se sorprendió con la respuesta que tuvo por parte del público que, a pesar del horario, se acercó a disfrutar uno de los primeros shows de la jornada. En el mismo horario debutó El Doctor en el escenario Heineken, acompañado de muchos jóvenes rapeando sus letras completas.

Caía la tarde y llegaba el turno de José González para apropiarse del contexto del escenario Samsung. El músico sueco con padre y madre argentinos armó una atmósfera única

Gante, Artic Monkeys, Lorde y muchos otros.

MÚSICA EN VIVO

para darle rienda suelta a las canciones de sus cuatro discos de estudio. El año pasado editó Local Valley, primer LP que cuenta con las dos primeras canciones en español “El Invento” y “Valle Local”, y qué mejor que tocarlas en Buenos Aires

Muy cerca, en el escenario Heineken, se presentaba la artista española Amaia, con presentación muy armónica y un perfecto equilibrio entre instrumentos orgánicos como efectos de máquinas, uso de pistas de voz para sumar matices, y su voz, que terminó predominando por encima de todo.

Llegó la noche y fue el turno de la cantautora británica Charli XCX de adueñarse del escenario de Flow. Desde el primer tema, no hizo otra cosa que cantar y moverse de aquí para allá al ritmo de su música pop. Uno de los platos fuertes de la noche fue el DJ y productor argentino Hernán Cattáneo quién compartió su reciente álbum Future Memories Desfiló por todos los temas, por un poco más de una hora y prácticamente sin interrupciones. Uno de los momentos más emocionantes de la presentación fueron los homenajes a Gustavo Cerati y David Bowie combinando su talento con la inconfundible voz y presencia en escena de Richard Coleman.

Acercándose el final de la segunda jornada llegó el debut argentino del artista norteamericano Travis Scott, quien trajo una potencia demoledora al escenario con rap, y una puesta en escena de altura. En los primeros minutos de su show, Travis Scott lo pasó en una plataforma gigante elevada a unos cuantos metros por encima del escenario. Las referencias galácticas, los desiertos rocosos, las explosiones volcánicas y otros accidentes geográficos fueron su fondo. Sonaron éxitos como “Highest In The Room”, “Butterfly Effect” y “No Bystanders”.

En el mismo horario que Travis, pero desde el escenario Heineken, sonaba Miranda!. Durante una hora, Sergi y Juliana Gattas montaron un banquete pop con la celebración como común denominador. Sonaron éxitos como “Nadie Como Tú”, “743”, “Perfecta”, “Dos” y el electropop de “Ritmo y decepción”.

Para coronar y cerrar la segunda noche del primer Primavera Sound argentino, L-Gante se metió en un set de cumbia encabezado por Pablo Lescano y sus Damas Gratis.

Un cierre contra todo pronóstico

Después de un sábado para el recuerdo, llegó la tercera y última jornada del Primavera Sound, con un domingo lluvioso. El festival ya había adelantado el cronograma de shows y logró condensar gran parte de la jornada antes de la tormenta, pero alrededor de las 21.30, cuando ya era demasiado intensa, la jornada quedó suspendida.

Eran las 15:25 y se encendió el escenario Heineken con el cuarteto madrileño Carolina Durante. Con su apuesta musical histriónica que combina el Punk, Pop y el Indie, pasearon

por algunos de sus éxitos: “Aaaaaa#$!&”, “Joder, no sé” y “Famoso en tres calles”.

El encuentro de apertura en el escenario Samsung estuvo en manos de la inmensa Juana Molina, quien tocó con máquinas, su voz y la acompañó una batería. También en ese mismo lugar se presentaron los norteamericanos Interpol, con un recital sin escrúpulos.

Por la tarde llegó el turno de uno de los shows más esperados de la jornada con Santiago Motorizado en el escenario Heineken. Con “Yoni B”, “La Noche Eterna” y “El Tesoro”, interpretados en cámara lenta y a guitarra y voz, el artista no hizo más que demostrar su progreso como vocalista. Abrió las puertas de su set con “Soy rebelde” y se despidió con “You Are So Beautiful to Me”.

Comenzaba a anochecer y le tocaba el turno a los Arctic Monkeys. Entre la emoción de la gente y el comportamiento agresivo del vallado,

la banda británica de rock tuvo que frenar el show en varios momentos, por una cuestión de seguridad y solicitaron calma por parte del público. Luego de “Arabella” (con homenaje final a Black Sabbath, con un fragmento de War Pigs) siguieron con “Potion Approaching” para engarzar “There'd Better Be a Mirrorball”. El tridente final fue “I Bet You Look Good on the Dancefloor”, “Body Paint” y la reformada “505”. El cierre épico de este inolvidable festival estuvo al mando de una de las joyas de la noche: Lorde. La artista subió al escenario Samsung para desplegar un show performático. Si bien tuvo las canciones de Melodrama, su segundo disco, como grandes protagonistas, el diseño de espectáculo estuvo montado inspirado en su más reciente trabajo Solar Power. “The Path”, “Homemade Dynamite” y “Buzzcut Season” fueron algunos de los temas que se vivieron en el show.

Un Estadio Obras colmado fue testigo del histórico regreso de La banda liderada por Fernando Ruiz Díaz.

Es que a principios de año Catupecu Machu anunció un regreso muy especial en el marco del festival Quilmes Rock, pero solo por una noche y con músicos de todas las formaciones del grupo, incluso Abril Sosa, el baterista que primero formó Cuentos Borgeanos, luego se hizo solista. Así la banda decidió seguir adelante como cuarteto: Ruiz Díaz, Sosa, Noguera y Gondell. El show resultó en un encuentro lleno de emoción y celebración, en el que no faltó el festejo y la alegría por el triunfo de la Selección argentina. Habiendo agotado las entradas en pocos días, ya se encuentran disponibles los tickets para su primera presentación en el Movistar Arena de Buenos Aires, el 24 de junio del 2023.

El artista volvió al Estadio Único de la Ciudad de La Plata para cerrar el 2022 con un show en una noche única, en la que repasó durante casi tres horas de concierto las canciones más populares de su carrera. “Tu voz”, “Oncemil”, “La llave”, “Pájaro Cantor”, “Motivos”, “De solo vivir”, “Cien Años”, entre muchas otras fueron parte de la lista que el artista le regaló esta noche a su público. Al sonar los acordes de “Aventura” sorprendió sobre el escenario la visita de Marcela Morelo invitada especial para la ocasión. El concierto contó, además, con un hecho destacado e inédito, a partir de una iniciativa solidaria ideada por el artista, Marcelo González y Jorge Quinteros, responsables de Plan Divino: 1000 estudiantes con discapacidad visual pertenecientes a distintas escuelas de educación especial de la provincia de Buenos Aires fueron invitados a presenciar el concierto.

Con sus dos shows en el estadio de River Plate, la parada en Argentina de su gira mundial “Love On Tour” fue una demostración de por qué es uno de los artistas más venerados del momento. Esta gira que lo ha llevado por todo el mundo pone el foco más que nada en su último álbum de estudio, Harry’s House (2022), pero también trae las canciones del exitosísimo Fine Line (2019), que iba a presentar ante el público local en 2020 cuando las restricciones que impuso la pandemia obligaron a una postergación. Además de presentar canciones como “Daylight”, “Cinema”, “Keep Driving” y “Satellite”, Styles no privó a sus fans, que lo esperaron durante dos años, de éxitos de su repertorio como "Watermelon Sugar High", “Matilda” y "Adore You", que fueron coreadas por el público con devoción. Con un repertorio más que completo, el cierre llegaría con los bises “Sign of the Times”, “As It Was” y “Kiwi” que puso el punto final a una primera noche que no hizo más que confirmar el enorme talento del músico y el amor de sus fans argentinos.

// HARRY STYLES

Ante un Movistar Arena colmado, LIT presentó oficialmente su nuevo álbum SnipeZ y también hubo espacio para los grandes éxitos de MAWZ. Con un setlist de 28 canciones, dio inicio a la noche haciendo un repaso a través de “California”, “A tus pies”, “Dejame Tranki” con la participación de Khea, “Hechizame”, “My Bag”, “En la oscuridad” con la presencia de María Becerra y “Mala Mía”. Luego llegó su más reciente material, comenzando con “Man$ion”, “Mientras Tanto”, “Bad Bitches” ft Rei, “Otra Vez”, “La Noche”, “La Tormenta” con Pato Sardelli en guitarra invitada, “Luz Verde”, “KU”, “Go”, “Killer Bombón” el tema que incluye un sampleo de Los Palmeras, “Trampa es ley”. Las raíces también estuvieron presentes rememorando los tiempos del quinto escalón con un freestyle con toda la banda marcando el beat: “Tan bien”, “Si te vas”, “Apaga el celular”, “Bufón”, “Yo sé que tú” feat Rusherking y FMK, “Entre nosotros”, “Necio”, con la presencia de Paulo Londra para estrenar en Buenos Aires su más reciente hit juntos, “Además de mi”, y “Flexin”. “Muchas gracias mi gente, gracias a ustedes estamos donde estamos. No tengo palabras del orgullo que siento por estar acá frente a toda esta gente” señaló LIT al finalizar el show.

El artista hizo historia en la música con su “Elton John Live: El show despedida”, su último concierto en Estados Unidos, que se emitió en vivo exclusivamente en Disney+ el 21 de noviembre. Así fue, una de las despedidas más impresionantes de todos los tiempos, artistas e invitados especiales, junto a un estadio repleto de fans y admiradores de todas partes del mundo, celebraron el momento que cerró un ciclo del ídolo de la música en el Dodger Stadium, rindiendo homenaje a su actuación de 1975 que consolidó su éxito mundial. Elton John le brindó a la audiencia de Disney+ un asiento en primera fila para disfrutar de un electrizante y legendario show durante tres horas, que incluyó los temas “Bennie and the Jets”, “Tiny Dancer”, “I’m Still Standing”, “Crocodile Rock” y “Goodbye Yellow Brick Road”. Dua Lipa, Kiki Dee y Brandi Carlile, rindieron homenaje al ícono musical en el escenario interpretando junto a él los temas “Cold Heart”, “Don’t Go Breaking My Heart” y “Don’t Let the Sun Go Down on Me”, respectivamente. Además, entre los asistentes e invitados destacados, se encontraron Paul McCartney, Mick Jagger, Taron Egerton, Bernie Taupin, Jude Law, Billie Jean King, H.E.R, Donatella Versace, Angela Bassett, Courtney B. Vance, Miles Teller, Jude Law, Heidi Klum, Joni Mitchell, JoJo Siwa, Neil Patrick Harris, Christopher Lloyd, Connie Britton, Kirsten Dunst, Jenna Dewan, John Stamos, Lucy Hale, Raven Simone, Sara Gilbert, Sophia Bush, Erick McCormack, Lisa Rinna, Diana Jenkins, Reed Horstmann, entre otros.

El artista canadiense deslumbró al público argentino con su esperado show en el Movistar Arena. Mientras la orquesta y la big band que acompaña al crooner se iban acomodando, a eso de las 21:10 una descollante intro reveló que la presencia de Bublé sobre el escenario era inminente y los acordes de “Feeling Good” comenzaron a sonar. Apareció modestamente para entonar la canción y en el primer corte del tema, una lluvia de chispas disparadas desde el piso dejó atónita a la audiencia, quienes durante el show disfrutarían no sólo de la música sino de todos los condimentos que acompañaron a este gran show como pantallas gigantes, juegos de luces, pasarelas y efectos especiales. Luego entonó la popular “Haven't Met You Yet” y se presentó al público diciendo: “Buenas noches, soy Miguel Burbuja”. Con más de veinte canciones en el setlist, el cantante dio un concierto mágico en el que intercambió canciones de su repertorio como “Higher”, “Home” y “It’s a Beautiful Day” con clásicos de la música como “L O V E” de Nat King Cole, “Cry Me a River ” de Julie London, “You´re the First, the Last, My Everything” de Barry White y más. Una mención especial merece el set dedicado al rey Elvis Presley, enérgico y emotivo. Bublé, no dio solo un concierto, dejó que su efervescente personalidad brillara tanto como su privilegiada voz. Movedizo, recorrió tanto el escenario como la pasarela de punta a punta, bajando a abrazarse y cantar con la gente que esperó con ansias el reencuentro con su artista.

La versatilidad, energía y presencia escénica de Nathy Peluso conjugaron una noche única en el Movistar Arena de Buenos Aires: el jueves 18 de noviembre, la argentina radicada en España dio el primero de los shows en el país. Dueña de un estilo único y un gran talento, la compositora, cantante y rapera argentina lleva adelante su gira “Calambre Tour 2022”. Las entradas para el primer recital se habían agotado en apenas horas. Por lo tanto, la sandunguera redobló la apuesta y sumó su segunda fecha para la noche del viernes 19, que también agotó, reuniendo más de 25 mil personas. La gira la llevó también por escenarios de México, Estados Unidos, Francia, España, Colombia, Colombia, Chile y Uruguay. Con una fuerza indomable y estilo inigualable, Peluso comenzó pasadas las 21hs con “Célebre”, parte de su aclamado por la crítica, Calambre "Se que ustedes son el público más potente, los amo", exclamó al comienzo. En su primera noche especial no faltaron los hits “Ateo”, “Buenos Aires”, “Mafiosa”, “Puro veneno” y su BZRP Session junto a Bizarrap, entre otros, que animaron al público y circularon la adrenalina por todo el estadio. Para terminar, Nathy se despidió en grande entonando “Estás buenísimo”, “Delito”, “Business Woman”, “Emergencia” y “Vivir así es morir de Amor”.

El artista realizó un gran show en el Teatro Gran Rex para celebrar su gran año, a través de una mega puesta en escena y con invitados como Airbag, Khea, Bhavi, Luck Ra y más. Es que 2022 fue un año bisagra para Seven Kayne: su primera gira, shows en festivales de todo el país, música nueva como 7 Secretos su EP más reciente y la búsqueda de nuevos sonidos entre el rock-pop. Entonces no podía dejar de tener una gran celebración, por eso llegó por primera vez al Teatro Gran Rex. Fueron 26 canciones que recorrieron toda su carrera desde “Si te lastimé”, de la cual celebró los 5 años de su lanzamiento, y que fue el puntapié al éxito. Seven comenzó su show con “Ordene mi cuarto”, frente al público con guitarra acústica en mano, telón blanco de fondo el cual explotó a mitad de canción y dejó ver el escenario de tres pisos, pantallas, efectos especiales y a Seven ya acompañado por su banda completa y guitarra eléctrica. Luck Ra fue el primer invitado en subir al escenario para “Ya no quiero más” la emblemática canción que lanzaron juntos en 2018. Khea lo acompañó en Dame Love y Buenos Aires, donde también se sumó Bhavi. Patricio Sardelli de Airbag se sumó en “Lento” y, además, interpretaron juntos “La partida de la gitana” hit de la banda de los hermanos Sardelli.

// CONOCIENDO RUSIA

En un Movistar Arena completamente lleno la banda recorrió sus tres discos de estudio: La Dirección (2021), Cabildo y Juramento (2019) y Conociendo Rusia (2018). Mateo Sujatovich estuvo acompañado de Guillermo Salort en batería, Benjamín Rampoldi en teclados, Chechi De Marcos en guitarra acústica y coros, y bajo la dirección musical del bajista Juan Giménez Kuj y guitarrista Nico Btesh, sumó momentos más íntimos al show con la incorporación de un cuarteto de cuerdas y vientos en canciones como “Cabildo y Juramento”, “Quiero que me llames” y “Loco en el desierto”. “Es una locura. No lo puedo creer. Se me escapó de las manos lo de tener una banda de rock”, bromeó Sujatovich, antes de interpretar “Mi casa, tu casa”. El músico recordó que hace apenas cuatro años la banda comenzaba con sus primeros recitales, y su público respondió emocionado al grito de “Olé olé, ruso, ruso”. Como representante del nuevo rock argentino, dio un lugar especial a sus colegas Feli Colina y Fran Azorai para interpretar “Montaña infinita”. Hacia el cierre del show, se subió al escenario Pato Sardelli, de Airbag, para hacer vibrar al estadio con un ida y vuelta de solos entre él y Mateo durante “Vos y yo” y “Bruja de Barracas”.

Uno de los artistas más destacados del hip-hop argentino hizo historia con sus presentaciones sold out durante tres noches consecutivas en el Estadio Luna Park, Buenos Aires. Y para el último show, Trueno colaboró con Amazon Music y Twitch para hacer un livestream de su concierto en vivo que se transmitió por el mundo entero. Con espectáculos llenos de energía, en el marco de su gira “Bien o Mal World Tour”, Trueno ha dejado un impacto innegable en los aficionados. En el primero de sus shows abrió el espectáculo con su éxito "Hoop Hoop" junto a su padre y legendario rapero uruguayo, Pedro Peligro. Luego el público cantó algunos de sus éxitos más notables como "Dance Crip", "Un Paso" y "Feel Me??", entre otros.

Además, a lo largo de la presentación, invitados especiales y miembros de la banda se unieron al artista del hip hop en el escenario para convertir el espectáculo en una obra de arte: Trueno invitó a Nicki Nicole para una interpretación de su éxito "Mamichula" y convocó al rapero argentino LIT Killah para un ardiente intercambio de estilo libre.

De la mano de “Hottest Tour”, puertorriqueña -recientemente ganador de cuatro Latin GRAMMYs® 2022- le dió todo su cariño al país en dos shows en los que trajo los éxitos de su último álbum Un Verano Sin Ti, además del repaso de clásicos que se convirtieron en himnos del género urbano como “Diles”, “No Te Hagas”, “Vuelve”, “Tu No Metes Cabra”, “Chambea”, “Soy Peor” y en la segunda noche -por pedido del público- “Amorfoda”. Después de la apertura a cargo de Rei con un estadio sold out de 45 mil personas, Vélez Sarsfield apagó las luces y le dio una cálida recibida al Conejo Malo mientras sonaba el primer single del álbum: “Moscow Moule”, seguido por el gran hit “Me Porto Bonito”. Además, abrazó al país rindiéndole homenaje a Charlie García la primera noche sonando “Demoliendo Hoteles”, y la segunda a Enanitos Verdes con “Lamento Boliviano”. Sin contar que en el día que Hottest Tour debutó en su paso por Argentina, recibió a una de las figuras más aclamadas del país: Duki. El artista entró mientras sonaba “Hablamos mañana”, y después aprovechó el espacio para cantar su éxito “Givenchy”. Mora también acompañó al Conejo, llegado el momento de “Una Vez”, y se quedó para interpretar “Memorias” e “Inocente”. En cuanto a su segundo recital en Buenos Aires, uno de los momentos más destacados fue cuando el cantante subió a cuatro fanáticos a bailar al escenario. Las puertas se cerraron al ritmo de “Después De La Playa”, luego de un pogo que Argentina le dedicó a Puerto Rico con “El Apagón”.

— Romina Barril

Mientras sigue preparando un gran cierre de tour lleno de sorpresas en el Estadio Vélez, fecha para la que quedan las últimas entradas, Lali emocionó al público en el Movistar Arena con un maravilloso homenaje a Gustavo Cerati interpretando el tema “Puente”, en uno de los momentos más bellos de estas dos noches. A las setlist de estas dos noches no les faltó nada: “Eclipse”, “Asesina”, “Tu novia”, “Fascinada”, “Somos amantes” y “Bailo Pa’ Mí”. Un hit tras otro, con un cuerpo de bailarines en escena que llevan a la perfección el ritmo de LALI en el escenario. Sin descanso se escucharon “Diva”, “Histeria”, “Irresistible”, “Soy” y “Ego”. Vestuarios deslumbrantes, movimientos constantes en permanente comunicación con el público, sintiendo a la par, y así fueron sonando “Lo que tengo yo”, “Ladrón”, “Una Na”, “No puedo olvidarte” y “Sin querer”. Y el ambiente se calentaba aún más hasta estallar con los ritmos de “2 son 3”, “Del otro lado”, “Enredaos” y la explosión absoluta en “Disciplina”, “Mil años”, “100”, “Único”, “A bailar” y los hits “N5” y “Motiveishon”. Así, luego de una gira nacional e internacional que convocó a miles de fans, una de las artistas más destacadas del pop en Argentina sigue sorprendiendo y cautivando.

Con la presencia de importantes músicos, comunicadores y personalidades del espectáculo el evento se realizó en Herencia Custom Garage, un templo de los fierreros.

POR WALTER GARRÉ

Ford celebró los seis años del Mustang en el país

El ford mustang es sin duda un ícono de la industria automotriz mundial y como tal, su presencia en nuestro país por sexto año mereció un festejo acorde a su estilo de alta gama. En el evento realizado el 11 de noviembre se combinaron la música en vivo de Viticus, modelos Mustang de todas las épocas y la gastronomía de autor proporcionada por el Café San Juan de Leandro “Lele” Cristóbal. ¿Dónde? Como no podía ser de otra manera, la fiesta tuvo lugar en Herencia Custom Garage, un espacio fuertemente asociado al muscle car desde sus inicios, y al estilo rebelde y disruptivo que lo caracteriza.

El Mustang Mustang Mach 1 fue junto a Eruca Sativa uno de los protagonistas de la tapa de Billboard del mes de octubre y en la fiesta la banda también dijo presente: “Es una alegría volver a vernos después del momentazo que vivimos en este lugar haciendo la nota de tapa” comentó Lula Bertoldi, cantante de la banda. “A la gente le gustó mucho la producción, por la combinación de energías entre nuestra esencia tomando mates arriba del capot y la presencia del Mustang, se lograron combinar las dos cosas y quedo muy bien”.

El Mustang que llegó a la Argentina en 2016 es el primer Mustang global y el de mejor performance producido por Ford en toda su historia. Está presente en más de 100 diferentes mercados y se comercializa en todos los continentes, volviéndose el vehículo deportivo más vendido del mundo. En Argentina, desde su lanzamiento en 2016 se posicionó como el deportivo más vendido y desde su lanzamiento ya se entregaron más de 400 unidades.

Con su lanzamiento en 1964, el ponycar inauguró una nueva categoría de vehículos, caracterizados entonces por ser accesibles, compactos, con estilo y dirigidos al público joven. Fue creado como un nuevo concepto de vehículo cuyas características y prestaciones permitían personalizarlo para hacerlo más deportivo o sofisticado, según las necesidades y preferencias de cada cliente. Su creación y la apertura de un nuevo tipo de vehículos es un ejemplo del espíritu innovador de Ford.

Así nos contaba Lula Bertoldi su preferencia por los clásicos: “Yo soy fan del Mustang viejo, el clásico, ese de los 60. Me parece una delicia, las fotos del interior de la nota se hicieron en uno clásico de esa época. Incluso dimos una vuelta por acá dentro del garage y fue muy lindo, ese ronroneo del motor es único, muy seductor. Estoy para grabar una sesión arriba del Mustang” desafió.

Si hablamos de la historia del Mustang, también conversamos con una de las personas más involucradas en el proyecto de Ford durante estos seis años: Federico Bonomi, dueño de Herencia Custom Garage, que nos contaba:

“Es el sexto año que los recibimos acá, está lleno de amigos y hay varios Mustang, estamos disfrutando mucho. El Mustang arrancó siendo un auto sencillo; mi primer Mustang lo compré hace más de 30 años, no tenía un mango, tuve que vender una moto para comprarlo. Estaba bastante destruido, lo arreglé y fue mi único auto durante cinco años. Con ese auto recorrí todo el país vendiendo ropa para Kosiuko (empresa principal de Bonomi). Era mi medio de transporte. Después se pusieron de moda y hoy encontrás una variedad de todos los precios y colores hasta

que llegas al Match 1 que es un mega tope de línea. Y esa es un poco la magia del Mustang, la versatilidad”.

Esa versatilidad de la que habla Bonomi se vio reflejada en el show que brindó Viticus (con la presencia de Vitico y Nico Bereciartua) porque además de interpretar grandes clásicos invitaron al escenario al artista urbano y freestyler Surdo SRD y a Lula Bertoldi, demostrando cómo Mustang se convirtió en un emblema de la cultura que atrae a los fanáticos de la vieja escuela como también a las nuevas generaciones.

En cada aniversario de Mustang Argentina se busca transmitir esa esencia rebelde y libre con un evento que refleje estos valores, acompañado de una estética rockera y vanguardista. Lo cierto es que el protagonismo de Mustang no se reserva solo al sector automotriz, sino que su carácter legendario se construyó a partir de su vínculo con la música, el cine, el arte, las vanguardias y la historia de personalidades influyentes.

“Me hace bien venir acá” dice Fede Ruiz Díaz, frontman de Catupecu Machu y Vantra. “Venimos al evento de Mustang y hay amigos, la pasamos realmente bien”. El cantante fue uno de los primeros en tener

el Mustang en Argentina “Cuando llegaron me hicieron elegir entre 5 que estaban en un Hangar, era un secreto y no podíamos decir nada; sin dudar elegí el negro, el auto que me acompaña siempre”.

Con el paso del tiempo, se le atribuyó el carácter de ícono pop con más de 50 años de historia ya que estuvo presente en diferentes hitos de nuestra cultura. Además de ser respetado por su rendimiento y estilo, está caracterizado por un diseño sofisticado que ha evolucionado para atraer más adeptos y fanáticos alrededor del mundo. Fue asociado a distintas personalidades del entretenimiento y el arte, como Jim Morrison y Paul Newman, y también a películas clásicas como Bullit (1968) y James Bond: Diamonds are Forever (1971), entre muchos otros.

Desde su nacimiento en los años 60’s, el Mustang recorrió un mundo en constante cambio. Para continuar haciendo historia, supo evolucionar a través de siete generaciones de producción ininterrumpida con diferentes versiones, mejorando su potencia e incorporando tecnología a su equipamiento. Hoy, el Mustang es un ejemplo de creatividad en términos de diseño e ingeniería.

Fernando Ruiz Díaz

Martín Galdeano y

Federico Bonomi

YAMI SAFDIE

Dije Que No Me Iba a Enamorar

WARNER MUSIC | 18-11-2022

La artista argentina estrena su primer álbum, que cuenta con la participación de artistas como Nacho, Enez, Milo J, entre otros. En este 2022, Yami lanzó su single “Catálogo” con la cantante mexicana Francely Abreuu. El tema ya superó los 200.000 streams en Spotify. En junio presentó “El Show”, su primer tema en solitario del 2022 el cual además de “La Canción + bella” forma parte de este, su primer disco junto a Warner Music. El título del álbum hace referencia a una frase célebre de la cantante que le dio gran viralidad en redes sociales y es el manifiesto de sus raíces y su conexión con el público, motor protagonista de su éxito y evolución como artista. El estreno del álbum viene acompañado por el lanzamiento de “El Bolero”, el corte de difusión del

RAUW ALEJANDRO

Saturno

SONY MUSIC | 11-11-2022

Se trata del tercer disco que el artista y productor puertorriqueño publica en un periodo de dos años tras los álbumes Afrodisíaco (2020) y Vice Versa (2021). El cantante se animó a crear un disco que desde la primera a la última nota pueda ser disfrutado como una experiencia. Con sus palabras explicó: “Quería llevar a mis fans en un viaje por mi mente, mis emociones, los sonidos que me influenciaron”, dijo el cantautor puertorriqueño. “Este álbum cuenta una historia de principio a fin”. Del disco ya se conocía el éxito “Punto 40” Feat. Baby Rasta, "Lokera" junto a Lyanno y Brray, "Dime Quién????" y apenas ayer salió a la luz "Lejos del Cielo" con las imágenes de su videoclip. Las tres primeras canciones se colocaron en distintas listas

disco que cuenta con Milo J. como artista invitado, canción que tiene como sello un sonido más experimental combinando elementos clásicos con otros mucho más actuales. La voz de Milo genera contraste y suma un color misterioso al tema. En palabras de Yami, ““El Bolero” es una historia desgarradora de desamor. Se refiere al hecho de extrañar a alguien como una maldición, como un fantasma que te sigue a todas partes”. Otros adelantos del disco, como “De Nada”, fueron subidos a Tik Tok e Instagram con un adelanto y el mismo ya cuenta con 3 millones de vistas. Dicho fenómeno viral llevó a que Yami decida grabarla en estudio a pedido del público y por ello está incluida en el disco.

de popularidad, mientras que el resto de los temas del álbum también son candidatos a triunfar manteniendo un flujo constante de bops y bangers a un ritmo supersónico. El material también cuenta con otras gratas sorpresas como la introducción con "Saturno", el interludio "Deca' A Las Vegas" y el skit "Rauleeto", en el cual se animó a que la pieza quede plasmada en un recitado. Todo esto fue creado principalmente por Rauw Alejandro, quien asumió un papel más activo en lo que la producción respecta, y fue curada por expertos. Por su parte, el título también trae un significado profundo y emotivo para Rauw, ya que su madre le solía decir que era de “otro planeta”. Justamente por esa razón, el cantante bautizó Saturno a su tercer disco de estudio.

LIT KILLAH

Un año después del lanzamiento de Mawz, su primer disco, presentó su segunda entrega con 13 tracks que serán un viaje por diferentes géneros como la electrónica, el dubstep, el trap, el pop e incluso el RKT. Además, este álbum cuenta con temas reversionados, como “La Trampa es Ley”, en el que buscó honrar la tradición popular argentina con un sonido más actual.

El álbum incluye colaboraciones nacionales de la mano de Rei y L-Gante, y también internacionales como De La Ghetto, Dalex, Snow Tha Product y el estadounidense Lil Mosey. Además, entre los productores elegidos por el artista para este álbum se encuentran Zecca, Big One y el colombiano Jack Massic. El álbum cuenta con dos caras: “Lado S” y “Lado Z”: el primero es más ex-

perimental, inspirado en los sonidos de la Electrónica, Trap y HipHop. Por otra parte, el segundo lado, permite que el oyente pueda disfrutar temas originales sampleados, algo que LIT supo desarrollar con profesionalismo y una versatilidad musical que cautivó a sus fanáticos y a nuevas audiencias.

Después de mantener a sus fanáticos a la expectativa, la artista estadounidense, lanzó su décimo álbum que llega tras los éxitos de Folklore y Everemore, dos importantes discos bisagras en su carrera, y las regrabaciones de “Fearless (Taylor’s Version)” y “Red (Taylor’s Version)”.

“Para todos los que hemos dado vueltas en la cama y hemos decidido mantener las luces encendidas e ir en busca, esperando que tal vez, cuando el reloj dé las doce… nos encontremos a nosotros mismos. Midnights, la historia de 13 noches de insomnio esparcidas a lo largo de mi vida. Encuéntrame a la medianoche”, explicó Taylor. El disco se compone por 13 canciones en las que la artista vuelve a un pop introspectivo y suave, y cuenta con colaboraciones en las letras de Lana del Rey (“Snow On

The Beach”) y Jack Antonoff, cuyo nombre figura en la mayoría, también aparecen la actriz Zöe Kravitz (en “Karma” y “Lavender Haze”), así como la pareja de Swift desde hace 6 años, Joe Alwyn (“Sweet Nothing”), con el que en el pasado ya escribió cortes como “Exile”. Junto a la salida del nuevo álbum, llegó el primer corte y video de Midnights: la canción elegida fue “Anti Hero”, cuyo videoclip recurre al estilo nocturno, surrealista y onírica que la artista refleja a lo largo de su álbum y la estética de este.

Mora Robirosa “LPM”

el cuarto single de mora robirosa ya es una realidad: “LPM”, una canción pegadiza de estilo R&B con pinceladas de pop, con algunas particularidades. En primer lugar, es un juego constante con la sonoridad de siglas de palabras. Mejor dicho, de insultos que suelen deletrear los argentinos frecuentemente, sumado a algunas expresiones que utilizan las nuevas generaciones.

La complicidad entre el lenguaje informal genera sonrisas y cabeceos, que a su vez se suman al groove de la música que acompaña y potencia. La creatividad y el juego de la canción son disparadores del buen humor que provoca estar insultando de una manera tierna y divertida. La «puteada» revive de forma simpática en la canción.

La canción fue producida, grabada y mezclada por Joaquín Lagos Aguirre –Los Tabaleros-, con mención especial a la ayuda de Lucho Pellegrini en detalles. Participan también Marcos Perez Rivero en la batería y Francisco Azorai –Catriel, Wos, Emmanuel Horvilleur– en el piano y bajo. Fue masterizada por Daniel Ovie (ganador de 12 GRAMMY®).

“LPM” se une a un repertorio que incluye “Amor de Poesía” (2020), “Tanto Ardor” (2021) y “Antinatural” (2022). La artista muestra su versatilidad al mostrar diferentes facetas desde su canto y composición, pero siempre fiel a su estilo de R&B y neosoul en castellano.

Mermelada de Morcilla El éxito es para los idiotas

luego de presentar single y videoclip bajo el mismo título el pasado agosto, el cantautor Mermelada de Morcilla acaba de publicar su tercer álbum de estudio, El éxito es para los Idiotas, que se propone ser su obra más representativa. Conformado por siete canciones, y en tan solo 18 minutos, el músico mezcla ironía, acidez y ternura, a través de letras elocuentes e ingeniosas que relatan con humor distintas temáticas: la adultez, los corazones rotos y sus vivencias dentro de un ambiente musical hostil. Al fin y al cabo, señalar a los demás también es mirarse al espejo. Este álbum se presenta como un subibaja emocional, entre canciones indie pop-rock rápidas y pegadizas como “Granola y gatorade”, “La guirnalda y la tristeza”, “Altoparlante”, además del single que le da nombre al mismo “El éxito es para los idiotas”; y otras más sensibles y acústicas, como “Milagro molecular” y “La mujer sin brazos”. A mitad del disco, el artista nos presenta su tema más combativo titulado “Tortugas ninja”, una suerte de himno de protesta – aclamado en sus vivos – que invita a reflexionar sobre el papel de las fuerzas de seguridad con un tajante verso: Hay que matar a la policía (tranquis: al final nada es tan en serio y todo se soluciona con amor). El éxito es para los Idiotas llega luego de cuatro años de su último larga duración – Buen mozo (2018) – y es el primer álbum de Merme que es grabado en solitario. Tras varias mutaciones internas en el proyecto, giras por el interior, varios singles publicados, este nuevo álbum funciona como la foto perfecta del momento presente de Mermelada de Morcilla, ya que reúne todas aquellas canciones que viene tocando en vivo en sus shows performáticos durante los últimos años: “Este disco es la materialización del vivo. Son todas canciones de distintas épocas que fueron madurando en los shows, y están en su mejor versión. Podés escucharlo con los ojos cerrados e imaginarte que estás en un recital de Merme ” – comentó el artista al respecto.

Lucila Ruiu “Quedarse en Buenos Aires”

la compositora argentina radicada en españa presenta su nuevo single en donde renueva sonido con una oda a su ciudad natal.

De esta forma, poco después de despedirse con un show en el CCSI, Lucila Ruiu regresa con un nuevo sencillo: “Quedarse en Buenos Aires”. La canción combina sus melodías pegadizas y nostálgicas con un especial de soul y pop moderno de fina producción y notable influencia del jazz.

En la letra, la cantautora plantea un contraste ansioso entre la velocidad de viajar con la mente y la quietud del plano físico. Con melodías dulces y una letra dotada de sensibilidad, el single fue resultado de un proyecto trunco, resignificado como la mejor oportunidad para dar las gracias al presente. En propias palabras de la artista, Buenos Aires “se trata de darse cuenta de que todo es perfecto”.

La canción fue producida por Nacho de la Riega y Juan Cruz Marino. De la Riega interpretó el piano Rhodes y el bajo, Fran Azorai el piano y la artista las guitarras. Fue grabado y mezclado en el Estudio Bulo y masterizada por Sr. Warrior.

COQUE “Pase lo que pase”

jorge constantino lappas es coque. el multifacético artista oriundo de la provincia de Buenos Aires. Lappas está presentando «Pase lo que pase», la canción que completa una decena lanzada tan solo este año. El sencillo es una nueva prueba de la pasión que descubrió una noche de pandemia en 2020, cuando la descubrió viendo YouTube por la madrugada: “Me cayó la ficha de que si le ponía ganas y esfuerzo, yo también podía hacer música”.

Clases de piano y freestyle desembocaron en su primera canción «Hechicera», en marzo de este año. Su objetivo este 2022 fue subir una canción al mes. Lo logró. El día de hoy, COQUE cuenta con diez canciones en Spotify y ocho videoclips. Además, planea sacar dos canciones más antes de que termine el año: “Che Lucía” y “Ninfómana2”. Todas comprueban su versatilidad y presentan estilos diferentes como R&B, funk, rock, rap y tech house. COQUE trabajó con colegas como Kingstein, 4nalog, Saitone, Ticky, Cry Cat y Kenzo Grau.

Además de la música, pasó por carreras como Ingeniería Informática, Administración de Empresas y Diseño Multimedial. En medio, fundó Sedai Sushi junto a su madre, un emprendimiento que creció y hoy cuenta con cuatro locales. También creó juegos como El Siracha y Epic War; y organiza un encuentro para agasajar a músicos, “Do it fest”.

“Decidí moverme para que mi música empiece a sonar en todos lados: voy a las plazas con un parlante, un cartel con códigos QR y una cajita de stickers, a mostrar mi música y regalar stickers. Me ha servido un montón y estoy esperando a que llegue el verano para hacerlo en las playas. Cabe destacar, que antes de hacer música, empecé como productor audiovisual: he sido productor en más de 20 y he dirigido más de 10 videoclips. De hecho, fui director, productor y guionista de todos mis videoclips”, cuenta COQUE.

“La canción combina sus melodías pegadizas y nostálgicas con un especial de soul y pop moderno de fina producción y notable influencia del jazz.”

Es el cuarto top 10 para la banda en el Billboard 200. También se ubica en el No. 1 en Top Rock & Alternative Albums, Top Rock Albums y Top Alternative Albums (el tercer líder del grupo en cada uno).

El álbum también se lanza en el No. 1 en Top Christian Albums, el 12º líder del acto, extendiendo su récord de la mayor cantidad de No. 1 entre dúos o grupos desde que comenzó la lista en 1980.

El álbum de colaboraciones, que presenta a artistas como Ari Lennox, Kehlani y Ella Mai, es el primer set de Babyface desde Return of the Tender Lover de 2015 (número 39).

YoungBoy Never Broke Again acumula su quinto álbum Top 10 de 2022 en el Billboard 200, la mayor cantidad de cualquier acto este año, cuando Ma' I Got a Family debuta en el No. 7. El conjunto se inclina con 37.000 unidades equivalentes de álbumes vendidas en el Estados Unidos durante la semana que terminó el 27 de octubre, según Luminate. El prolífico rapero ha registrado la friolera de 25 entradas en el Billboard 200 desde que hizo su debut en la lista hace poco más de cinco años, con AI YoungBoy, el 27 de agosto de 2017. Casi todas sus entradas en la lista han sido a través de Atlantic Records. En total, ha recopilado una docena de top 10 y cuatro No. 1. A fines de octubre, se anunció que YoungBoy había firmado un acuerdo con Motown para lanzar música en 2023 después de cinco años fructíferos con Atlantic.

KEITH CAULFIELD

¿CÓMO TE VINCULASTE CON LIL BABY PARA “FOREVER”?

FRIDAYY Fue en realidad a través de Vory. La canción originalmente éramos Vory y yo: yo estaba enganchado y Vory estaba en los versos, entonces Vory la publicó en Instagram. Después de esto fue que Lil Baby llamó a Vory: "¿Quién está cantando en el estribillo?", le dijo. Entonces Vory le respondió: "Eso es FRIDAYY". Y Lil Baby dijo: "Hombre, necesito ese estribillo". Me llamó por FaceTime y hablamos sobre el disco. Al principio, cuando lo produje, era solo piano: [Lil Baby] dijo: "Hermano, necesito un ritmo". Entonces llamé a mis hermanos Bizness Boi y Fortune, quienes lo produjeron conmigo.

¿LIL BABY TE DIO INSTRUCCIONES SOBRE CÓMO QUERÍA QUE SONARA EL RITMO?

Al principio le envié un par de ideas. Era similar a los tambores trampa. Pero cuando se lo envié, me dijo: “Hermano, lo quiero más simple. No quiero que sucedan muchas cosas”. Así que me explicó cómo lo quería, cuándo era un bombo y una caja, solo algunas vibraciones simples, no demasiados charles. Una vez que me dijo eso, lo conseguimos como en el primer intento.

¿CÓMO SE COMPARA ESTAR EN UNA CANCIÓN CON LIL BABY CON ESTAR EN UNA CANCIÓN COMO "GOD DID" DE DJ KHALED, CON JAY-Z, LIL WAYNE Y RICK ROSS?

Son leyendas. Fue algo que ni siquiera pude imaginar que me sucedería alguna vez. Pero ese era más como música icónica. Mis primos en la escuela secundaria no tocan "God Did" todos los días. ¿Pero el de Lil Baby? Me abrió a la juventud.

ANDREW UNTERBERGER

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