BKMag 44

Especial Indie // Bob Dylan // Jane´s addiction // Bob Marley // Miss Bolivia // Wawes // Gavin Russom // Hernán Pitocco // Liga de Roller Derby // Arto Saari // Leonardo Gauna // Nicolás Trombetta // Hernán Corera // Best of Fest // Ecologia // Y mucho más…

argentina $22

ejemplar de colección - 2012

sumarioBKMAG2012

06

Wavves Wavves of mutilation

10

miss bolivia Me llaman calle

14

adidas originals adidas Originals Mujer reversiona sus grandes clásicos

16

bob dylan Por siempre Dylan

20

gavin russom El nuevo arca

22

jane´s addiction La vuelta de Jane´s Addiction

24

Best of fest

26

¿qué es el indie?

Desmitificando el movimiento independiente

31

indie spirit

38

tec Pintar la vida

40

leonardo gauna El lápiz cobra vida

42

hernán corera El mundo audiovisual argentino pisa fuerte

43

nicolás trombetta Visiones desoladas

44

bang bang

48

let it fall

54

foto x

56

arto saari La vida en skate

58

liga de roller derby Amazonas sobre ruedas

60

hernán pitocco Desafiando las alturas

61

bob marley Un ícono a prueba del tiempo

62

ballena azul humana Los rituales del reencuentro

64

some faces

STAFF créditos foto tapa PH: Maylus by Milos Nasio www.milosnasio.tumblr.com.

Produccion & Estilismo: Nadia Hnatiw para CPM www. nadiahnatiw.com. Make Up & Pelo: Marcelo Pedrozo para CPM. Photoretouch: Trigo+Gerari para Farbone Studio. Video: Anibal Vecchio para CPM. He: Juan Cruz para Muse Management.

Indumentaria: La Polilla Vestuario.

Dirección Gral. y Creativa Diego J. L. Timpanaro.

Edición y Corrección Ana Quiroga.

Diseño gráfico Diego L. de Guevara.

Coordinación Ana Quiroga, Lina Alegria.

Comunicación y Mktg Valeria Izzo.

Redacción Nicolás Sobrero, ChamaLeona, Ana Quiroga, Cecilia Rubino, Javier Sisti Ripoll, Agustina Compagnucci, Amparo Quiroga, Julieta Goldin.

Asesor Financiero Dr. Jorge A. Daniel.

Seguínos en www.facebook.com/revistabk @BKMag

Asesor Legal Dr. Martín Sivieri.

Colaboran en este número Fotografía Sebastian Quintero Roldan, Maylus by Milos Nasio.

Diseño e Ilustración Joaquín Blair, Leonardo Gauna.

Producción de moda Nadia Hnatiw.

Producción video de tapa Anibal Vecchio

Agradecimientos especiales Silvina Tenembaum, Martín Ventola, Cristian Ramos, Hernán Nisembaum, Euge Aramburu, Ale Czerwacki, Mariano de la Fuente, Ruben Salinas, Tito Khabie, Melanie Steiner, Andrés Gobbi, Analia Massacane, Gonzalo Rango, Juan Pablo Masón, Eitan Sobol, Hernan Sforzini, Mariano Ladavaz.

Contacto Press y publicidad: publicidad@bkmag.com.ar / comercial@cuartorayo.com.ar Notas: contenidos@bkmag.com.ar Suscripción: suscripción@bkmag.com.ar Lectores: lectores@bkmag.com.ar

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06/07

música

wavves of mutilation Te presentamos a una excelente banda para conocer antes de que decidan traerla dentro de un pack de artistas internacionales a un festival auspiciado por una franquicia y tengamos que hacernos fanáticos de golpe.

Texto: Javier Sisti Ripoll. Fotos: Prensa.

Wavves empezó en el año 2008 como el proyecto de grabación de Nathan Williams, un adolescente con cara de nene y avezado fumador de marihuana, criado bajo las amables condiciones meteorológicas de San Diego, junto a las Playas del Océano Pacífico. Editó unos cuantos simples de 7´´, y un larga duración en cassette, homónimo a la banda, que luego fue reeditado en LP/CD, que se convirtió en el disco debut oficial.

Sigamos con las cosas geniales de Wavves...Wavves es un nombre hermoso. O sea, podría ser Waves, ¿no?, pero ya es una palabra que connota algo. Consejo: si van a bautizar una banda pónganle un nombre que no evoque a otra cosa. Googleen “Massacre” y vean de qué les hablo. Es todo cuestión de hacer las cosas rápido.

Poder ser googleado es una ventaja. De ahí esas dos “ve” cortas en Wavves. Y ni hablar de la belleza del título del segundo disco Wavvves. ¡Tres ve cortas! Cool.

Con su segundo LP, aparecido en febrero del 2009, titulado Wavvves, y bajo la tutela de la genial escudería discográfica independiente Fat Possum, su música, una letal mezcla de noise pop lo fi, punk rock, y adrenalínicas armonías en clave surf, mezcla de melodía y distorsión, de ruido y dulzura, llamó la atención del faro de lo que está in -sobre todo en la música independiente-, Pitchforkmedia. Eso los llevó a ser convocados para su primera gira norteamericana y europea. Para esto, Nathan Williams completó la formación de su banda (guitarra, voz, batería) con el baterista Ryan Ulsh.

Otra razón para prestarle atención a esta banda es su tercer disco, King of the Beach (Fat Possum, 2010), donde todo lo insinuado en los discos precedentes fue llevado a la perfección. Velocidad, explosiones de distorsión muy cercanas a las de Nirvana, capas y capas de coros con reverb. Una mezcla perfecta del quilombo de los primeros Jesus and Mary Chain, con la voluptuosidad guitarrera de Dinosaur Jr, y las armonías de los Beach Boys, comprimidas para el adolescente contemporáneo en coros zigzagueantes. Todo eso en un disco veraniego sumamente enérgico, ideal para viajar en cualquier vehículo con el viento en la cara. Además, su tapa. Una tapa que es un collage lo fi psicodélico, con motivos pseudo esotéricos que invita a la escucha, también. No es la primera joya gráfica de la banda, se suma a una tradición de portadas impecables. La primera, un joven intentando una maniobra en skate sobre una cosa así como una carretilla; la segunda, un joven en skate, también, pero en pleno movimiento, la imagen completamente fuzzeada.

El fino oído y el buen gusto de los programadores del festival barcelonés Primavera Sound los llevó como uno de los números de la edición ’09. Too much too soon: la actuación terminó en un escándalo. Williams se mostró errático en el escenario, pifió en los acordes de sus canciones, se peleó con su baterista, insultó al público, y se fue entre botellazos y abucheos. Al día siguiente admitió que tomar un cocktail de ecstasy, valium y xanax (chicos, no hagan esto en casa) antes de tocar frente a miles de personas fue una de las decisiones más tontas de su vida. Luego reconoció que era adicto al alcohol. Canceló lo que quedaba de la gira europea.

Es ampliamente sabido que la idiotez es un componente fundamental de la historia del rock, y Wavves se lo estaba montando en grande. Aún hoy, con un poco de vergüenza, Williams suele mencionar que lo primero que sale al googlearlo es “mezcla de ecstasy y xanax”. Un perdedor hermoso.

Hasta aquí, entonces, reconocemos que, ya entrenados en el escándalo y la confrontación con el público desde muy temprano en su carrera, y habiendo realizado mezclas absurdas de drogas antes de recitales importantes, los Wavves tienen méritos suficientes para ser una gran banda. Y lo son, sí. Por algo estamos aquí escribiendo de ellos, sin que estén por sacar un disco, o por venir a la Argentina.

Lo último, y más importante, quizás, son las letras, que no dicen nada nuevo, pero dentro de este pequeño final de la historia al que llegamos después de la muerte de Cobain en la música existencialista adolescente, son bastante decorosas, sentidas y sinceras. “bueno, odio lo que escribo / es siempre igual / pero viaja como pose / mi cabeza simplemente cuelga / Y me odio, viejo / pero, ¿quién tiene la culpa? / supongo que soy transparente”; “estoy aburrido, sí, muy aburrido”; “ojos verdes me escaparía con vos, pero no soy tan rápido, mis amigos me odian, pero no me importa”. Sí, adolescencia. ¿En qué andan los Wavves ahora? Obsesionados por Dave Grohl -otra vez volvemos a Nirvana, oh-. Chequear el video de “Bug”, buscar su último EP Life Sux (Ghost Ramp, 2011), que incluye colaboraciones con Best Coast, y tiene puntos altísimos.

Ah, y se viene el videojuego de Wavves, ojo.

10/11

música

Entrevista a Miss Bolivia Me llaman calle La cantante, DJ, MC y productora continúa pegando fuerte con su segundo trabajo discográfico, Alhaja, un álbum en el que demuestra un giro marcado hacia un sonido más grave y potente, que incluye nuevas fusiones y finísimas colaboraciones donde se atreve a trazar puentes que conectan distintos universos, escenas y tribus.

Texto: BK Mag Staff. Fotos: Prensa.

La nueva exponente del Hip Hop argentino, Paz Ferreyra, conocida en los escenarios como Miss Bolivia, fusiona desde el 2008 como cantante, DJ, MC y productora de los ritmos dancehall, hip hop, reggae y tropical con sonoridades originarias. Con líricas explosivas y una propuesta que combina sonidos y texturas digitales y experimentales con otros de barrio y propios latinoamericanos, y despliega experiencias plenamente bailables, se ha convertido junto a músicos como Bomba Estéreo, en uno de los fenómenos del under más expansivo del momento.

“Lo mejor de este último tiempo a nivel profesional fue haber consolidado un formato en vivo muy solvente a la vez que potente”, afirma con convicción la multifacética Miss Bolivia, psicóloga en la línea deleuziana, profesora de yoga, escritora para varios medios gráficos, y ex docente universitaria y productora de televisión. “También las giras nacionales e internacionales estuvieron bien gordas, y los planes son seguir la gira afuera con Alhaja, hasta que termine y le ponga el moño al nuevo material que comencé a grabar hace unos meses”. ¿Cómo se transformó Alhaja en un disco?

Alhaja es mi alhajero. Lo abrí, saqué lo mejor de mí, mi joya interna musical y espiritual, para la gente, para compartir.

Creo que Alhaja tiene un sonido más profesional que mi anterior disco, Apágalo. Hay concepto integral de obra, tiene un desarrollo de principio a fin, homogeneidad estética en el audio, es un tripi por mi cabeza y mi corazón. Además, en Alhaja el reggae solo se deja ver en algunos recursos estilísticos pero aplicados a otros palos que lo rozan por la tangente, en cambio me animé un poco más al rap, que no es lo mío pero me fascina y me atrevo a veces un poco a decir “permiso, voy a intentar rapear a ver qué pasa”. También hay más cumbia y texturas más experimentales. ¿Cómo llegaste a convertirte en profesional del reggae, de la cumbia, del dancehall y tantas otras fusiones?

Porque mi cabeza, mi alma y mis oídos son una licuadora. Soy una promiscua musical. No me caso con ningún estilo ni tengo exclusividad. Tengo una relación abierta con los géneros musicales, el purismo ya fue, te conduce a un loop idéntico a sí mismo al que se le apaga la llama indefectiblemente. Creo que transitando y escuchando diversos universos musicales, la decantación que eso genera en un músico es que su composición sea de fusión, diversa y plural.

Cuando mirás hacia atrás, ¿cuáles creés que fueron los momentos claves en tu carrera artística?

Un momento clave fue cuando el DJ Lucas Luisao me dio un cd con bases y riddims clásicos para que pruebe algunas canciones que tenía en la cabeza y no tenía cómo hacer. Él inició mi viaje por la cultura del soundsystem. Con un cd podía groovearla y volar. También tuve la bendición de encontrar en el camino a Juanito el Cantor y Guillermo Beresñak, los padres de mis canciones. Y creo que dos momentos claves luego de iniciada mi carrera son el lanzamiento de Alhaja y el del video “Alta Yama”.

adidas Originals Mujer reversiona sus grandes clásicos La nueva colección Otoño – Invierno 2012 de adidas Originals es un tributo a cuatro décadas de pura creatividad en formas y diseños ya instalados como íconos de la moda. Además, nuevos looks para las amantes de la moda urbana con estilos que van desde informales hasta ultra chic, con opciones para todas las ocasiones.

Con el objetivo de revivir, con una mirada contemporánea, los diferentes estilos, diseños, prendas, calzados y formas que caracterizan a la marca desde que se lanzó el legendario logotipo de las tres hojas, hace cuarenta años, adidas Originals presenta una renovada Blue Collection Mujer. El resultado es una línea súper cool con looks para todos los estilos, y una gama hiper variada que ofrecerá distintas colecciones durante toda la temporada.

Esta nueva colección de moda urbana delinea a la mujer moderna de hoy con prendas para todos los gustos: desde las chicas que buscan el look urbano más elegante con un toque deportivo hasta las que prefieren algo más rebelde y rocker.

El estilo preppy estadounidense, el senderismo y la estética mod son las inspiraciones por excelencia y las tendencias top para este 2012, fusionadas con elementos deportivos y detalles elegantes, que generan un mix perfecto entre pasado y presente.

Lo mejor de la colección: las clásicas camisas en Denim con múltiples tonos y con nuevos procesos de lavado que le dan un toque de sutiliza a prendas tan tradicionales de adidas, y los cómodos y multifacéticos Skinny Jeans, que vuelven esta temporada con distintos colores, cortes y tiros.

Además, celebrando las Olimpiadas de Londres 2012, adidas Originals también presenta algunas prendas especiales alusivas tanto a la nación anfitriona de las competencias, como a las míticas siluetas de adidas de ediciones anteriores, con estampados inspirados en la bandera del Reino Unido y calzados metálicos en dorado y plateado.

www.facebook.com/adidasOriginals

16/17

música

por siempre Con sus 70 años, Bob Dylan sigue creando e innovando musicalmente. Un recorrido histórico por la carrera de este mítico músico y poeta.

Texto: Amparo Quiroga. Fotos: Prensa.

Situarse en el contexto histórico siempre parece lo más apropiado para comprender un fenómeno social, político o económico.

También lo es para vislumbrar cómo se configuró Bob Dylan como tal.

Como punto de partida, es bueno advertir que una nota y una humilde reflexión no nos darán una explicación acabada sobre su persona, su faceta musical o sus canciones. Y tal vez eso sea lo mejor. Probablemente ese misterio que irradia, esa sensación de escucharlo, re-escucharlo, analizarlo y al volverlo a escuchar todavía sentir que uno no termina de comprenderlo, sea una pequeña razón por la cual Dylan será eterno.

sumo y bienestar; el Presidente Kennedy teniendo amoríos con Marilyn Monroe, pero también la amenaza nuclear, la Guerra Fría, el mítico muro de Berlín, los planes para derrocar a Fidel Castro en Cuba. En este contexto, alegre y sombrío al mismo tiempo, surgía Bob Dylan, como músico y trovador.

Al año de comenzar la Universidad, decide irse a Nueva York y allí comienza a tocar su guitarra y su eterna armónica en bares y cantinas, con un estilo muy similar al de Woody Guthrie, pero con visiones apocalípticas y críticas políticas. Así, al poco tiempo, firma su primer contrato con Columbia Records, luego de recibir excelentes críticas por parte del New York Times.

Entonces, contextualicemos. Robert Allen Zimmerman (su nombre original) nació en Minnesota el 24 de mayo de 1941. En el ‘59 y con el apoyo de sus padres, comenzó a estudiar en la Universidad de Minnesota, donde rediseñaría su futuro, no como estudiante, sino como Bob Dylan.

Ya para el ‘61 se vislumbra como uno de los artistas más prometedores y de moda del rock estadounidense. Todavía los Beatles no estaban en escena, y entre tanta prosperidad y esperanza había un vacío de deseos insatisfechos que Dylan con sus letras y su voz, empezaba a llenar.

Situado en los sesenta, lo rodeaban los “años dorados” estadounidenses, de prosperidad económica, televisores, lujos, con-

Su carrera y sus canciones durante los años sesenta estuvieron marcadas por la impronta política del momento: los años

dorados llegaban a su fin, y con ellos, aquella prosperidad de comienzo de década. La cruel realidad, adormecida por las mejoras económicas, empezaba a desenmascararse. En este sentido, sus canciones formaron parte de la contracultura antibelicista del momento, que se expandía por Estados Unidos y Europa, de la mano del movimiento hippie.

La poesía en sus canciones superó la crítica política del momento, alimentada por las calles ardiendo, el amor libre y la búsqueda de un sistema sin dinero, y generó versos con dimensiones novelescas, entendibles, pero que a su vez no agotaban sus significados. Con su voz y su prosa inconfundibles, y citando a Lennon, “lo importante no es lo que se dice, sino cómo se lo dice”.

En marzo del ‘65 hay un punto de inflexión en su carrera: Dylan saca su primer disco con instrumentos eléctricos, Bringing it all back home, que supuso un cambio rotundo de estilo.

En la primavera del ‘66, al emprender una gira por Europa, sus conciertos ya se dividían en dos partes: la primera, totalmente acústica, en la que él, con su guitarra y su armónica, interpretaba temas de comienzos de su carrera. La segunda, acompañando a The Hawks, y en la que tocaba la guitarra eléctrica por primera vez en vivo, al son de los acordes de la hoy mítica “Like a Rolling Stone”.

Poco después, el multifacético artista resiste constantes demandas por parte de su representante para hacer cada vez más giras, en tanto que la cadena ABC le exige que escriba el guión de una serie que ya le había pagado por adelantado, y la editora Macmillan presiona para que entregue el manuscrito final de una novela.

Con un carácter impenetrable, los fines de los sesenta, además de contestatarios y filosóficos, fueron de rechazo hacia los medios masivos de comunicación: a fines de 1966, luego de sufrir un accidente de motocicleta, el músico cae en la cuenta de las presiones a las que estaba sometido y decide desaparecer de la opinión pública y de las giras por ocho años.

Luego de su vuelta, entre nuevos discos, giras y fuertes críticas, abandona el judaísmo y se convierte al cristianismo, lo que también se ve reflejado en sus canciones. Siempre rodeado de un grupo de músicos que cambian con los años, Dylan comienza una gira a fines de los ‘80, que se conoce como su “Never Ending Tour”.

Con 70 años, Bob Dylan sigue grabando discos continuamente. Ya está confirmado que para fin de año saldrá su álbum de estudio número 35, que incluye instrumentos mexicanos y el “tres cubano”, una especie de guitarra más pequeña que la convencional, típico instrumento del son. Luego de tantos años de carrera, de metamorfosis religiosa, amorosa y espiritual, sigue compartiendo e innovando musicalmente. Y en poco tiempo lo esperamos en Argentina, de nuevo, y siempre.

20/21

música

gavin russom

El nuevo arca

El incondicional artista de DFA Records presenta su última aventura sonora, The Crystal Ark, una mezcla inesperada de sonidos latinos y ritmos noventosos que no dejan parar de bailar.

Texto: Nicolás Sobrero. Fotos: Cortesía Gavin Russom.

Después de recorrer por cinco semanas todo Brasil, el músico, productor y DJ Gavin Russom regresó a su hogar en Nueva York no sólo enamorado de la música carioca, sino también con una fuente renovada de inspiración. Los ritmos brasileños lo condujeron a explorar nuevos pasos sónicos y a fusionar con eclecticismo funk, tropicalia y acid house. Lo que creció de esta combinación tan dispar de sonidos- y se convirtió en The Crystal Ark (El Arca de Cristal), el último proyecto de Russom- es una síntesis perfecta de sinfonías infecciosas y fascinantes para la pista de baile.

Aquí, el creador de hits como “Rise Slowly”, “Casual Friday” y “Releeve”, nos cuenta sobre su nueva banda.

En tus shows no sólo te ocupás de la música, sino también de toda la estética de la presentación: desde las luces y las proyecciones hasta los detalles decorativos: ¿Cómo nace tu interés por tantas y diversas disciplinas artísticas?

Me interesa cualquier trabajo que sea creativo y me parece que lo que define a las acciones artísticas en diferentes disciplinas y las separa entre sí es una mentira creada en los departamentos de marketing de las grandes empresas. Considero que se genera mucha fuerza y creatividad cuando se interceptan diferentes disciplinas. Mi práctica artística incluye la música, el dibujo y la escultura, el cine, el video y la performance, pero principalmente mi interés se centra en la manera en que se combinan todas estas prácticas.

Ya sea a dúo con Delia González o con Black Meteoric Star, venís haciendo música desde 1997. ¿Cuándo se convirtió la música en un trabajo de tiempo completo?

Ha sido un largo y gradual proceso. Empecé tocando en pequeños clubs nocturnos durante mi adolescencia. Hace once años dejé mi trabajo de camarero en un restaurante de comida vegetariana y desde entonces decidí poner toda mi energía en mi carrera creativa. ¿Quiénes te ayudaron durante este largo y gradual proceso?

Tantas personas…Toda la gente de DFA Records, todas las personas con las que trabajo ahora en The Crystal Ark, especialmente Viva Ruiz; Giangi Fonti que tiene la Galería Fonti en Nápoles (Italia), que entendió el camino que estaba buscando desde un comienzo; y Delia González, con quien he trabajado por varios años en conjunto.

¿Qué es lo mejor de ser uno de los artistas de DFA Records?

El hecho de que somos amigos, nos conocemos desde hace tiempo y eso me hace sentir muy cómodo al trabajar con ellos. ¿Cómo definirías el proceso creador de The Crystal Ark?

¿Qué han aportado la música y el arte en general a tu vida?

Al principio, la música y el arte eran un espacio de seguridad donde podía ser completamente yo mismo y donde no tenía que lidiar con las cosas que me parecían terribles de este mundo. Un lugar donde podía crear mi propio mundo, alejado de la locura en la que vivimos todos cotidianamente. Pero eso llegó hasta un punto y luego, especialmente la música, se convirtió en una manera para conectarme de manera autentica con otras personas. Para mí la música y el arte son mi link con Dios y con las personas que me rodean.

Ha sido un proceso increíble, principalmente porque el proyecto sigue creciendo día a día.

¿Cuáles considerás que fueron los momentos claves en tu carrera musical?

Ya sea en tus letras, presentaciones o videos, soles crear imágenes chamanicas y atmósferas litúrgicas ¿Cómo surgió esta estrecha relación entre tu música y los rituales?

Cada uno de los álbumes que grabo y lanzo son una marca clave en mi carrera. También creo que los lugares donde viví fueron claves. Salir de Rhode Island y mudarme a Nueva York en 1997, mudarme a Berlín en 2004 y regresar a Nueva York en 2009, me marcaron tanto a nivel profesional como personal.

Para mí es muy natural. De hecho la música y los rituales son inseparables en mi experiencia. Para mí la música siempre tuvo una función mucho más elevada que la de entretener. Solo la música logró abrir puertas dentro de mi ser que antes estaban cerradas. Así que trato de transmitir esta sensación en lo que hago y el chamanismo es lo más cercano a mi experiencia con la música.

¿Qué músicos y artistas en general han influenciado tu trabajo?

Son demasiados para poder contestarte. Pero puedo decirte que las cosas que veo y oigo, y las personas que he conocido y con las que he trabajado, son mi verdadera fuente de inspiración.

22/23

música

la vuelta de La banda de culto que revolucionó el rock alternativo a nivel mundial, regresa con The Great Escape Artist, su primer disco de estudio en ocho años.

Texto: Agustina Compagnucci. Fotos: Prensa.

Por imposible que parezca, la extensa carrera de Jane´s Addiction se resume en solo cuatro discos. La grabación y creación de cada uno de ellos fue compleja para el grupo, que no logró establecer una continuidad en tiempo ni formación. En el año 2008, luego de dos rupturas y reiteradas idas y vueltas, finalmente volvieron a reunirse con su formación original: Perry Farell en voz, Dave Navarro en guitarra, Stephen Perkins en batería, y Eric Avery en bajo.

Dos años después, la banda se presentó en el marco del festival de Soundwave en Australia. Tras su finalización, Avery anunció que dejaba la banda. Jane’s Addiction, con Farrel a la cabeza, no dio un paso atrás y comenzó a producir material para un nuevo álbum. El disco sufrió al principio distintos cambios de tendencia musical, hasta que encontraron el rumbo. En más de una oportunidad Dave Navarro declaró el punto de inflexión que significa este trabajo y el carácter psicodélico que tomaron muchas de las canciones, que él mismo define como aquellas que “de momento te sumergen en un aire tribal, que oscilan entre el medio tiempo y el rock de toda la vida”.

The Great Escape Artist fue concebido en Los Ángeles junto al productor Rich Costey (Muse, The Mars Volta, Supergrass, Artic Monkeys) y el bajista Dave Sitek (TV on the Radio), quien también realizó aportes en teclados, electrónica y guitarras acompañantes. A su vez, contó con la colaboración de otros dos bajistas: Duff McKagan (Velvet Revolver y Guns n Roses) y Chris Chaney.

Mediante un original método de trabajo, Perry Farrell grabó sus partes vocales en el estudio de su casa, enviando los archivos de audio a través de e-mails a Navarro, Perkins y Sitek. Además, uno de los aportes más interesantes lo hace la gran guitarra de Dave Navarro, que explora las diferentes texturas en el estudio y, aunque con un enfoque más orientado a lo melódico y simplista, abierta a complementarse con las nuevas tecnologías.

Navarro no es el tipo de guitarrista que se sienta en su casa a practicar escalas, más bien prefiere pasar tiempo con la guitarra escribiendo, que trabajando en la técnica.

Para la última producción, reconoce haberse preocupado más en el espacio, las capas y la creación de atmósferas que en los solos. Se mostró muy resistente con el tema de ponerlos en el disco, y afirma que fueron Costey y Farrell quienes lo empujaron a hacerlo. El guitarrista considera que Jane’s Addiction está en un terreno más sólido que nunca, y esto se debe a que todos sus integrantes tienen intereses propios y asuntos fuera de la banda: Perry Farrell consiguió su música electrónica y trabajos como DJ, él y Perkins tienen sus familias, y Navarro tiene varios proyectos paralelos con los que mantenerse ocupado.

El resultado de este trabajo es una estética dada por una extraña mezcla de la oscuridad del post punk gótico que Jane’s Addiction tenía, con lo que está pasando hoy con grupos como Muse o Radiohead.

El primer single del nuevo disco, “End to the lies”, es ejemplo claro de la experimentación instrumental de la banda hacia la búsqueda de un nuevo sonido. En su grabación, se integró a The Master Musicians of Joujouka, legendarios músicos marroquíes conocidos por su conexión con la Generación Beat, que crean ritmos exóticos a través de flautas, cañas y percusiones.

El grupo se alejó claramente del sonido de sus anteriores producciones -entre ellas, se cuentan Nothing’s Shocking (1988) y Ritual de lo Habitual (1990), dos obras maestras que siguen manteniendo su vigencia hasta hoy- dando un giro más experimental, con temáticas atmosféricas y oscuras. Esto ha despertado hasta el momento críticas mixtas. Por un lado, se aplaude el regreso de Jane’s Addiction con una obra digna y exitosa, probando que a pesar de haber cambiado, no perdieron su particular estilo. Por el otro, se cuestiona que la escena musical no preste demasiado espacio al rock y que el disco no esté a la altura del resto de los trabajos de la banda.

Más allá de las distintas opiniones acerca de su última obra, es bueno saber que esta mítica banda volvió a la acción, demostrando, dos décadas después de su gran momento, que el talento y la magia de Jane’s Addiction siguen vivos.

24/25

música

Best Fest

of

Los mejores festivales y conciertos de la temporada En un año colmado de visitas internacionales y shows imperdibles, repasamos algunos de los mejores eventos musicales que se desarrollaron durante el primer trimestre porteño.

Textos: Nicolás Sobrero. Fotos: Prensa.

Sisters of Mercy La banda inglesa de rock gótico visitó por segunda vez la Argentina para presentarse en el Teatro Flores y revivió el antológico show que ofrecieron en junio del 2009. Con más de 30 años de carrera, Andrew Eldritch y los suyos recorrieron buena parte de sus clásicos inspirados durante el auge del post punk. De esta forma, mostraron a todos sus fans las marcadas influencias en sus canciones de músicos tan disímiles como Leonard Cohen, The Stooges, Suicide y Motorhead, entre otros.

Alpha Blondy Uno de los cantantes de reggae más populares de la historia volvió al país para tocar en el Luna Park como parte de la gira de promoción de su último álbum de estudio. Alpha Blondy cuenta con más de veinte discos grabados, siendo Vision su último trabajo discográfico editado en el 2011.

En el recital tocó gran parte de sus nuevas canciones e hizo un repaso por todos los grandes clásicos de su carrera. De esta manera, el músico nacido en Costa de Marfil bajo el nombre de Seydou Koné, demostró su gran energía y un groove que dejó a todos sus fanáticos pidiendo más.

Se trató de la tercera visita del legendario vocalista a la Argentina, tras sus presentaciones en 2000 y 2004, aunque esta reciente estadía de Morrissey incluyó shows también en las ciudades de Mendoza, Córdoba y Rosario. El concierto contó con “clásicos nuevos” de su trayectoria, como el tema “First Of The Gang To Die” del disco You Are The Quarry, de 2004, que revitalizó su carrera y continuó con otros grandes temas como “You re The One For Me, Fatty”, de principios de los noventa, la gloriosa “There Is A Light That Never Goes Out” y la melancólica “Everyday Is Like Sunday”. Arrolladora y estremecedora fue la versión de “How Soon Is Now”, seguramente la canción más famosa de los Smiths, editada originalmente en 1985, y que marcó el final del show.

En el show sonaron temas de sus grandes discos como “First and last and always”, “Floodland” y “Vision Thing”. Así, crearon una velada altamente rockera en la que también actuaron las bandas locales Moonlight Asylum, Fixion y Flood of Tears.

Javiera Mena Entre la enorme cantidad de artistas chilenos, Javiera Mena se destaca por su pop femenino y alentador. Como parte de la gira de difusión de su segundo y último disco, la aclamada “Mena”, representante del indie trasandino, se presentó en el marco de la nueva edición de las fiestas MSTRPLN en Crobar. El show, orientado al baile y a las baladas, confirmó el gran momento que está viviendo la cantante. Además del concierto, Javiera grabó un nuevo video junto al local Aldo Benítez, mientras se preparaba para recorrer todo México durante la primera mitad del año, donde tocará en el Festival Vive Latino y el Nrmal.

Junior Boys La fiesta Embassy inauguró su temporada 2012 con una de las bandas más esperadas del circuito indie pop electrónico. El dúo canadiense, referente del techno pop más elegante del planeta, llegó por primera vez a nuestro país con un nuevo álbum bajo el brazo. Titulado It’s All True, el disco instala un verdadero giro hacia la pista de baile en la carrera del grupo, y en su presentación incendiaron el escenario de Niceto Club en una noche llena de lujo y descontrol.

Bob Sinclar El DJ francés llegó a la Argentina para presentarse en State - Alsina Buenos Aires junto a su French Touch, subgénero musical nacido de la música house y el dancehall. También conocido como The Mighty Bop, Chris the French kiss o Reminiscence Quartet, allí hizo de las suyas con un set list que hizo bailar a todos. Incluyó grandes éxitos como los temas “Love Generation” y “World Hold On” de su álbum Western Dream del año 2006 y sus últimas producciones junto a DJ Yellow.

Roger Waters Frente a 60 mil personas en cada show, el ex integrante de Pink Floyd dio nueve conciertos en Buenos Aires, una cifra récord en la historia musical de nuestro país. Acompañado de fuegos artificiales y un muro con visuales, el cantante británico se presentó en el Estadio River Plate, en el marco de su gira internacional The Wall Live. Entre los temas que protagonizaron el set list no pudieron faltar “In The Flesh?”, “Another Brick In The Wall Part 1” (con 10 niños cantando el clásico coro, luciendo unas remeras con la inscripción “FEAR Builds Walls” -El miedo construye muros-) y “Good Bye Cruel World”, entre tantos otros himnos.

MoRrissey El cantante británico se presentó ante más de 20 mil fanáticos en el club GEBA del barrio porteño de Palermo, donde interpretó canciones de su último disco Years Of Refusal y repasó clásicos de su carrera solista y un puñado de temas de The Smiths.

Con estos shows, Roger Waters se presentó en Argentina justo 10 años después de haberlo hecho por primera vez como solista, aquel 7 de marzo de 2002 en el estadio de Vélez Sársfield. Con la saga de nueve conciertos, el músico inglés superó los récords de cinco presentaciones de los Rolling Stones en ese estadio y los seis recitales que realizó en 2007 la banda argentina Soda Stereo en su regreso, luego de 10 años de separación.

Carajo La banda comenzó la despedida de las presentaciones de su último disco de estudio El Mar de las Almas con una gira por los barrios de la provincia de Buenos Aires y Capital Federal, antes de entrar a estudio a grabar su próximo trabajo, ya en composición.

Presentando además temas de todas las épocas de su discografía y con todo el power que los caracteriza, la Gira por los barrios que comenzó el 30 de marzo en The Roxy de Quilmes, continuando en el Complejo Tedeum de Zarate (31/3), el Teatro Flores de Capital Federal (7/4), el Teatro Ópera de La Plata (13/4) y el Club Sportivo de Escobar (14/4), sigue durante todo mayo en el Auditorio Oeste de Haedo (11/5), el Auditorio Sur de Temperley (12/5), el XLR CLUB de San Miguel (18 y 20/5) y el Club Plan 4 de Gral. Rodríguez (19/5), cerrando con un mega evento en Capital Federal.

¿que es el

indie?

“Es cool. Es indie.”

Con esa línea cerraba una no tan vieja publicidad gráfica para un conocido centro comercial.

Bajo la lupa, la idea es absurda: “cool” no se usa desde que Beavis and Butthead dejaron de ser novedad (aunque ahora regresen, probablemente junto con su latiguillo) y, por otro lado: ¿cómo se relaciona el negocio millonario y moda-dependiente de un shopping con el disco que a sangre y pulmón edita una banda o la peli que costó todos los ahorros de un director? Hace tiempo que la palabra ha caído en el bastardeo popular: indie por aquí, indie por allá.

Algunos hablan de una suerte de apogeo abrazado a la era digital mientras otros se animan a declarar su muerte. Y aún así, ¿qué corno es el indie? El desafío es definirlo, pero para eso hay que confrontarlo con ciertas ideas:

1.- Indie versus bajo presupuesto: hacer milagros con dos cobres Llegó la hora de hacer la compra del mes en el súper y tenemos cien pesos. Hoy, eso no es nada y a la vez, es algo. La limitación

Desmitificando el movimiento independiente Textos: ChamaLeona. Fotos: Prensa. monetaria de repente se transforma entonces en un motor de ideas. ¿Cómo hacer lo mejor posible con el peor presupuesto? Es sólo cuestión de romperse un poco el coco y salir de lo convencional.

En una situación similar estaban Mike Cahill y Brit Marling, dos chicos multifunción con ganas de llevar buenas historias a la pantalla grande. Un día dijeron: “vamos a hacer una peli de ciencia ficción con doscientos mil dólares”. ¿Cuánto? ¿Doscientos mil dólares? En una época donde se gastan 250 millones en cada entrega de Piratas del Caribe, pensar en una película que gira en torno a la aparición de un segundo planeta Tierra con ese costo suena a disparate absoluto. Bastó una buena cantidad de ejercicio neuronal y un repaso por algunos trucos de cámara primitivos para dar nacimiento al paisaje mágico que rodea a la protagonista (Brit Marling en persona) en Another Earth. La película fue una de las joyitas del último Sundance.

Conclusión: ser independiente es usar la cabeza.

2.- Indie versus mainstream: cuando el arte vende como pan caliente Primer acto: Tus amigos, que tienen una banda, te vienen a ver. “Che, buscamos a alguien que nos financie el disco”, te dicen. Rápidamente te explican que su música es una especie de garage mezclado con guitarras muy distorsionadas. Te convencen porque sos un amante de la música y encima te caen simpáticos.

Segundo acto: cuando te traen el disco ya listo para salir a la calle, te querés morir.

Los pibes no tienen ni la más cercana noción de volumen. “Así no”, salta el inversor escondido bajo la piel mientras marcás el número de un ingeniero de sonido.

FUENTES: Secrets of Another Earth (Charlie Jane Anders). Kurt Cobain: Oh Well, Whatever, Nevermind (Jeff Burlingame, 2006)

Acto final: los chicos escuchan el producto acabado y te quieren trompear. “Fea tu actitud, man”.

Eso fue a grandes rasgos lo que le pasó a Nirvana apenas Nevermind salió del horno. La pulida que le hizo Andy Wallace en post-producción no fue precisamente algo que haya alegrado a Cobain y compañía. Conste que lo habían elegido entre varios nombres de ingenieros. Wallace despojó a Nirvana de toda raíz indie y la puso a tono con lo que se escuchaba en la radio. Pese al enojo del rubio precursor del grunge, el disco funcionó y se convirtió en ícono para toda la generación X. Más tarde, ese sonido oscuro y rústico original se recuperó con la salida de In Utero.

Conclusión: ser independiente significa no estar atado a nada.

3.- Indie versus do-it-yourself: el jefe sos vos Cuántas veces escuchamos a la gente despotricar contra sus trabajos de oficina: el aire siempre está a mil, el telepasillo, el jefe que no te da bola cuando llegás con una idea. Mucho ruido y pocas nueces: todo queda en la queja. Hacia el final de la vida, son todos jubilados con cuarenta años de servicio en su haber.

Algo de eso habrá inquietado a Kyle Gabler y Ron Carmel cuando trabajaban para Electronic Arts, el gigante creador y distribuidor de videojuegos que tiene por pasatiempo absorber empresas y crear licencias monopólicas. El dúo dinámico abandonó entonces EA para ponerse a la cabeza de una productora independiente. ¿Oficinas? 2D Boy funciona desde cualquier cafetería/ bar/restó de San Francisco que tenga wi-fi. El primer lanzamiento, un puzzle basado en leyes de la física llamado World of Goo, ganó dos premios en el IGF (Festival de Juegos Independientes) de 2008. El arte, la calidad y la música del desarrollo cautivaron la atención de un mundo gamer cansado de tanto Counter-Strike. Hoy, está disponible para PC, Wii, iPad, iPhone y Android.

Conclusión: ser independiente es llevar las riendas del proyecto.

4.- Indie vs. Indie: ojo con las etiquetas Voy a Grooveshark y me meto en las estaciones de radio. Elijo “Indie” y enseguida se despliegan unos temas de Beirut, Man Man y Vampire Weekend. Es claro que esa selección no es tan al random como parece. Beirut ya cuenta con un sello discográfico propio, Man Man pegó un tema en la serie Weeds y Vampire Weekend fue una de las bandas que Barack Obama fue a buscar para la campaña de la reelección. Todo apunta a que van a seguir creciendo y tarde o temprano, aún cuando no medien terceros (productores, discográficas), habrá un grupo de fans al que satisfacer. Dicho eso, resulta difícil pensar al indie como género porque no es una condición permanente. En el mientras, Brit Marling filma con Richard Gere, Mike Cahill quizá reciba propuestas de Hollywood y 2D Boy tal vez necesite una estructura corporativa en el futuro si sigue sumando adeptos.

Conclusión: El indie es libertad artística. El dinero, la consagración, los productores, la voluntad popular: todos quedan afuera... Al menos, por un tiempo.

INDIE FOR EXPORT

Sin grandes productoras de soporte, esta gente se pasea por las tablas de bares, teatros y sitios de interés cultural de Buenos Aires. La música los llevó a cruzar fronteras.

Quien diga que el indie está muerto se equivoca. ¡Está más vivo que nunca! Hoy, llevar a cabo un proyecto artístico está al alcance de nuestras manos. La era digital lo hizo posible: con una PC, un instrumento y un cable que los una ya podemos empezar a grabar algo en crudo. Ahora, destacarse entre la muchedumbre es otro cantar. Para que eso suceda, el talento es una primera herramienta básica pero también hay que arremangarse y trabajar mucho.

Por suerte, en Buenos Aires, tenemos muchos ejemplos de gente que transpiró y la pegó con un tema, un video o una aparición en TV: caso Poncho/Maxi Trusso y la publicidad que protagoniza Darín. De ahí que cada fin de semana estalle un tsunami de propuestas musicales que se expande desde el centro de la ciudad hasta los confines del conurbano bonaerense. En ese mar lleno de frutos que es hoy la escena independiente local, hay quienes lograron nadar hacia otras aguas, llegar a tierras extranjeras y probar distintos escenarios. Aquí, cuatro vertientes de ese océano que ofrecen música para exportación.

VIVA EL REVIVAL: THE TORMENTOS Y LOS PEYOTES La fantasía de sintonizar una radio del pasado se hace realidad. Explosión de rockabilly, surf rock y psicodelia garage de la década de 1960: la música de estas bandas bien podría ser parte de un filme de Tarantino.

The Tormentos Pulp Fiction se estrenó en 1994, con una banda de sonido que permanecerá por siempre en la memoria. El surf rock regresaba así en formato audiovisual. Era hora de volver a darle cuerpo y evolucionar. Por suerte, no había que viajar a California para escucharlo. De eso se encargó The Tormentos, un cuarteto de argentos amantes del género que se ocupó de encontrar un ritmo vertiginoso, joven, divertido, valiéndose del mismo tipo de equipos valvulares e instrumentos vintage que habían usado bandas como The Beach Boys o Dick Dale & His Del Tones (creadores de ese instrumental que te pone en estado gamma al comienzo del filme de Tarantino).

“Al ser una de las primeras bandas de la Argentina que reproducía el género verazmente, la noticia corrió velozmente y la gente comenzó a venir”, dice uno de los Tormentos intentando explicar la convocatoria que tiene esta música de mar, de playa, de un Cadillac que trae chicas a go-gó y unas tablas para saltar olas. “Pienso que si te gustan determinados tipos de cosas que están dentro o cerca de la cultura surf, te puede gustar esto y en ese ambiente, es probable que encuentres gente con afinidades parecidas.

Calculo que esa es la clave del éxito”.

The tormentos Surf rock Mr. M (bajo), Dacho X (guitarra), Nacho Álvarez (guitarra), Coco Reinolds (batería).

Datos curiosos: The Tormentos recibió cinco estrellas del maestro y crítico del género Phil Dirt e hicieron gira por Brasil, Chile, Uruguay y México. En ese último país, se editaron los compilados Latinorama y Spaghetti & Chilli Western, que incluyen sus temas. En 2011, la banda se presenta en Europa.

Imperdible: El clip “Il Diavolo in Corpo”, donde participa Wallas de Massacre.

los peyotes Garage Rock 60s David Peyote (voz, maracas), Pablo “Bam Bam” (batería) Oscar “Hechomierda” (bajo), Rolando Bruno (guitarra Fuzz, coros) Juan Román Lemons (órgano Farfisa, coros).

Datos curiosos: Telonearon a los míticos New York Dolls cuando se presentaron en el Teatro de Flores, en 2008, y participaron de Run Run Bunny, un film de comedia/terror a la Robert Rodriguez, dirigido por Mad Crampi.

Imperdible: El video de “Garage o Muerte”, muy al estilo grindhouse.

Los Peyotes Fuzz + Farfisa + Gritos: ya sea para uso medicinal o para dejarse caer por su efecto alucinógeno, la fórmula de Los Peyotes ofrece un salvaje y muy loco espectáculo inspirado en el garage rock de bandas como The Music Machine, The Seeds, Los Shakers y Los Gatos Salvajes. Hablamos con ellos para que nos cuenten sobre sus giras y cómo llegaron a trabajar con un sello indie británico.

Los Peyotes forman parte del sello Dirty Water Records. ¿Cómo es que bandas argentinas llegan a firmar con casas independientes del Reino Unido?

Sí, es nuestro sello inglés desde hace años. Como casi todas las cosas que surgen del exterior, nos contactaron ellos. Propusieron editarnos un single en vinilo, el cual lleva ya varias re ediciones (creo que van por la sexta). Cada edición son 500 singles. Ya llevamos dos LPs trabajando juntos y seguro seguiremos. ¿Qué les interesa a ellos de su música y qué nivel de incidencia tienen en el proyecto?

Qué les interesa… la verdad, no sé. Ellos nos indican que nosotros somos referentes obligados del garage sixtie de esta parte del planeta y que estamos muy bien posicionados en el gusto mundial. Calculo que deben hacer números y les cierra. Somos una banda que gira constantemente por el exterior y eso ayuda.

El nivel de decisión es alto. Te diría que todo pasa por nuestro OK. Sino, no sale.

Por ejemplo, el primer LP fue de una sola tapa y le pedimos que este último, Garage o Muerte, sea doble tapa y grabado en España. No demoraron en darnos su aprobación.

En relación a las giras en Europa y México, ¿qué diferencias ven entre esos públicos y la audiencia argentina?

La principal diferencia es la edad. En México, son generalmente más chicos, gente que va desde 16 a 25 años. En Europa, son de 25 para arriba. Ojo, no es que sea así a rajatabla pero es lo que se ve a primera vista. Ambos grupos son pasionales. Es conocido que los latinos somos más calientes, pero ¡vamos! los españoles son geniales para agitar al garage. La Argentina es genial. No es tan informada como la de afuera. Acá, el garage sixty es un género menor pero eso no quita que armen unos alocados pogos, porque más allá de los géneros y etiquetas, en el fondo lo que suena es música. ¿Cómo es tocar en el exterior a nivel organizacional?

Europa es como el lugar ideal en cuanto al backline, porque tocamos en festivales la mayoría de las veces y te encontrás con cada joyita original de la época...

Es también otra realidad económica. Acá o en México, hay buenos sitios con buena estructura pero Europa nos lleva una cabeza. ¡Ya los vamos a alcanzar! Ja.

PARA LA RUTA: UTOPIANS Un intercambio de emails, preguntas y respuestas con Barbi Recanati -voz, guitarra y frontwoman- deja a la vista que Utopians es un claro ejemplo de lo verdaderamente independiente.

Leí que el primer disco lo editaron con No Fun Records (una discográfica norteamericana) y el segundo con un ingeniero de sonido en Santiago de Chile. ¿Qué diferencias encontraron en la producción de los dos discos? Con respecto a la toma de decisiones, ¿fue siempre 100% la voluntad de la banda?

Los dos primeros discos tuvieron algo en común, que es la rara oportunidad cuando no la buscás. El primero se realizó a partir de la oferta de un amigo de la banda chilena The Ganjas que, al enterarse de que todavía no habíamos grabado un disco, se ofreció a financiarnos una recopilación de lo que teníamos. Nos metimos en la casa de un amigo y grabamos todo en cinco días. Después un sello de Estados Unidos nos ayudó con el resto.

El segundo disco fue una propuesta de otro amigo chileno de la misma banda para grabarlo en su estudio. Nos fuimos de gira a Chile un mes y medio y lo grabamos. Cuando llegamos acá, quien es hoy nuestro manager nos vio en un boliche y nos financió el segundo disco. La diferencia entre los dos es 100% artística: el primero junta nuestros primeros EPs y el segundo fue compuesto para esa ocasión. ¿Cómo llegan a hacer una gira europea y a la BBC? Esa gira fue producto del bajón en la escena post-Cromagnón. No se podía tocar en ningún lado y aproveché el momento de MySpace, mandé

Utopians Garage/Rock Larry Fus (batería), Barbi Recanati (voz y guitarra), Mario Romero (bajo), Gus Fiocchi (guitarra) Dato curioso: La revista francesa Rock&Folk consideró a Utopians como la banda más novedosa del under argentino.

Imperdible: Los discos Freak e Inhuman, material disfrutable de principio a fin.

Se pueden escuchar desde la página oficial: www.utopians.com.ar

quinientos mails a bares y boliches europeos, diciéndoles que íbamos a estar de gira por allá y nos ofrecíamos para tocar (era mentira, no había nada). Cincuenta me dijeron que sí, treinta y dos se concretaron, veinticinco pagaron.

En cuanto a la BBC, me mandaron un mensaje por MySpace preguntándome si quería tocar. Casi borro el mail pensando que era spam.

El video de “Allá Voy” se mostró en el ranking latino de MTV durante el año pasado, ¿eso les ayudó a hacerse más conocidos regionalmente?

Cuando “Allá Voy” alcanzó los primeros puestos en MTV, recién ahí entendimos el verdadero alcance de la TV. Fue un antes y un después en la banda, a nivel convocatoria y reconocimiento. Hasta el día de hoy, nos damos cuenta de esa diferencia en los shows. Cuando arranca el primer acorde de esa canción, el clima cambia, la gente canta de principio a fin.

Seguro hay un millón de modos de alcanzar esas diferencias. En nuestro caso fue el video clip. ¿Qué es lo que más ayuda a que una banda indie alcance más popularidad en los tiempos de hoy? Algunos hablan de Internet, otros del famoso “boca en boca”, pero siempre estuvieron la radio, la tele, los medios en general.

Creo que todos los medios pueden funcionar. Pero en mi opinión, lo que nunca falla es tocar en vivo sin parar. Si la banda funciona artísticamente, no hay forma de que no funcione. Tarde o temprano aparece todo lo demás: los discos, los videoclips, la tele, la radio, las giras. A nosotros, esas cosas se nos presentaron a la puerta, pero por estar siempre tocando. La frase “estar en el lugar en el momento indicado” es 100% cierta. Así que lo mejor es estar en todo momento, en todo lugar.

LA DESCARGA ELECTRO: PaNICO RAMiREZ “Ya está terminado el nuevo disco”, es el comentario que dejó recientemente la banda en su página de Facebook. Pánico Ramírez, una banda que se autodefine como rocktrónica, entró a la escena de lleno con un primer disco galardonado en los Premios Gardel, seguido de una gira que los llevó hacia Perú y México. Es una de las propuestas más interesantes: música bailable que escapa a los clichés. Germán Lentino cuenta la experiencia de Pánico como banda de la escena independiente que ha logrado reconocimiento.

Hay una clara referencia a la fusión entre la electrónica y el rock cuando hablan de “rocktrónica” pero, ¿cómo logran el balance entre esos dos géneros?

La fusión entre el rock y la electrónica se fue dando como resultado de mucho trabajo en la búsqueda del balance entre ambas cosas. No se trata de poner un bombo en negras y una viola con distorsión encima. La fusión se logra integrando los conceptos de música electrónica con los del rock, con independencia de los instrumentos que se usen. Se puede hacer música electrónica con instrumentos análogos o acústicos y también hacer rock con computadoras, es una cuestión de intensidad. ¿Qué es lo que distingue a la banda?

Lo que distingue a Pánico es el manejo de esa intensidad sin perder el formato de canción. ¿Cuánta incidencia tiene el sello discográfico y/o productor a la hora de editar un álbum?

Nuestro primer disco Al Fin Solos fue editado por un sello nacional y como productor artístico tuvo a Javier Zucker. El sello no tuvo ninguna intervención en el proceso creativo. Se trabajó con total libertad. Al ser una banda nueva fue casi como editarlo independiente pero a través de un sello. Acabamos de terminar nuestro segundo disco, que se llamará Para Qué? y saldrá pronto. ¿Cómo llegaron a México y a otros países latinoamericanos? ¿Qué cosas distinguen a los públicos de esos lugares?

La llegada a México se dio a través de una nominación a los premios MTV Latinos como Mejor Artista Nuevo. Allí, creo que la ayuda del sello pudo tener cierta influencia. Para mí, el público de Latinoamérica es más abierto y menos prejuicioso que el argentino. Si le gusta lo que escucha o lo que ve de un grupo, lo apoya. Si no, no. No le importa de donde venís o qué hiciste antes.

Ganaron el premio Gardel al Mejor Disco de música electrónica en 2008 y recibieron una nominación de MTV. ¿Qué cambios trae el reconocimiento en la carrera de la banda?

El reconocimiento del Gardel fue muy importante porque se trató de nuestro primer disco y es el reconocimiento de la gente de la industria. Quizás es un premio que en las ediciones posteriores fue perdiendo notoriedad y es una lástima. Creo que nosotros lo obtuvimos en el momento justo, toda la industria de la música estaba pendiente en esa edición y fue la última a la que se le dio la difusión que el premio merece. En cuanto a la nominación de MTV, fue muy importante para llegar a México y comprender que además de la música, la banda tenía un fuerte respaldo en la cuestión visual a través de los videoclips.

EL LADO SALVAJE: LIERS Presencia: no se compra ni se gana… Se tiene.

Del otro lado del móvil, la cantante Ludmila Guerzoni dice con su voz particularmente arenosa: “Somos cinco personas que se conectan mucho, que tienen toda la energía puesta en el escenario. Nos unen los gustos musicales y creamos una dinámica que se ve. Cada una tiene una personalidad muy diferente, un protagonismo, un lugar. Eso se nota en los shows. Se dio naturalmente así.”

Y así es: las chicas de Liers salen al escenario e impactan por esa diversidad y por ese estilo I love rock n’ roll pujante, efusivo que suena junto a historias como la de “She Wants” y “Kill Your Wife”. La electricidad de guitarras agudas y distorsionadas, la velocidad de una batería resuelta que sube y baja en intensidad, el baile sacado y lujurioso de Ludmila: todo provoca ese sacudón que obliga al público a soltarse. Pero que esta actitud extrovertida y animal no engañe: como toda mujer con los ovarios bien puestos, en el fondo son sensibles. Una de sus actuaciones con mayor convocatoria fue la de Plaza de Mayo durante la Marcha por el Orgullo Gay. “Cuando estás frente a gente que lucha… se te pianta un lagrimón”, agrega la chica del nombre spinettoso.

Ellas mismas son luchadoras: durante el último año estuvieron haciendo hasta tres presentaciones por semana. También estuvieron rompiendo corazones paulistas.

Es que la guitarrista Sara Sepúlveda es brasilera y eso posibilitó que la banda viajara a San Pablo con algunas fechas en el plan de viaje. ¿Diferencias? Sólo el idioma.

LIERS Rock Ludmila Guerzoni (voz), Emilia Kiernan (batería), Barbi Martínez (1ra guitarra), Rocío Pradines (bajo), Sura Sepúlveda (guitarra rítmica y coros) Datos curiosos: En estos meses, la banda graba lo que será su primer EP, totalmente autogestionado.

Imperdibles: La versión de “Trick Pony” que cantan en los shows.

Pánico Ramírez Electrorock Grisel Arquimbau (voz, guitarra, sintetizador), Germán Lentino (bajo, sintetizador), Gastón Morales (batería, sampler).

Datos curiosos: Fueron nominados a los Premios MTV 2007 en la categoría Mejor Artista Nuevo Sur. Imperdibles: El video del último corte difusión “Nada de Nada” y su encantador abanico monocromo.

PH: Maylus by Milos Nasio www.milosnasio.tumblr.com. Produccion & Estilismo: Nadia Hnatiw para CPM www.nadiahnatiw.com.

Make Up & Pelo: Marcelo Pedrozo para CPM. Photoretouch: Trigo+Gerari para Farbone Studio. Video: Anibal Vecchio para CPM. He: Juan Cruz para Muse Management. Indumentaria: La Polilla Vestuario.

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andreas laszlo konrath

Skate en Helsinki

Fotógrafo, artista, editor, skater y guitarrista, el británico Andreas Laszlo Konrath tiene mucho para contar.

Tanto, que acaba de publicar un nuevo libro, “Back to Mystery City”, en el que deslumbra fotografiando a los skaters de la Perus Crew de Helsinki, en el golfo de Finlandia.

Texto: Nicolás Sobrero. Fotos: Andreas Laszlo Konrath.

Tu trabajo fotográfico aborda la moda, la música, celebridades de Hollywood, ¿cómo te interesaste por retratar a la cultura callejera?

De hecho comencé tomando fotos de la cultura callejera, y de esa manera me involucré con el resto de las áreas para retratar. Mis primeras fotos estaban basadas en proyectos personales y que me inspiraban. Empecé a andar en skate a los 13 y eso era todo lo que me importaba hasta que me lastimé la rodilla en el 2001.

Todo lo que sé de fotografía lo aprendí de la cultura skater. Larry Clark, Ed Templeton, Glen E. Friedman fueron mis primeros héroes y la razón por la que comencé a tomar fotos. También toqué en varias bandas durante mi adolescencia, así que comencé a tomarle fotos a mis amigos músicos y skaters. Aún hoy trabajo en proyectos personales junto a propuestas editoriales que me hacen. Es bueno mantenerse puro con la creatividad, por eso intento tomarme mi tiempo para mis proyectos personales sin que haya ninguna agenda de por medio más que la de tomar fotos que me inspiren.

Contanos un poco más sobre tu adolescencia en Inglaterra…

Crecí andando en skate: comencé a fines de los ochenta y tenía una Jasón Hesse Santa Cruz mini que el hermano de un amigo me regaló. Luego mi madre me compró una Santa Cruz Clic, pero después dejé de andar por un tiempo. En 1994 encontré la vieja tabla en el cuarto de mis padres y comencé nuevamente. ¡Las tablas habían cambiado mucho en esos 4 años! Así que me compre una nueva de Real, y los siguientes 8 años simplemente anduve en skate todo el tiempo.

¿Básicamente eras un skater?

Bueno, sigo siéndolo realmente, en mi mente, aunque ya no puedo andar como lo hacía antes por la cirugía en la rodilla y el hombro. Pero aún lo amo. Siempre estoy interesado en lo que pasa en la escena mundial. En Inglaterra en particular, la escena skater durante los noventa fue increíble. Yo crecí andando en Harrow Skate Park (HSC), que es un parque muy famoso, y ahí conocí a muchos de mis amigos. Si mi infancia y adolescencia no hubiese girado alrededor del skate, hoy no sería fotógrafo.

Hace poco viajaste a Finlandia a retratar una de las skate crews más importantes de la escena actual, ¿por qué decidiste hacer este viaje y cómo fue la experiencia de realizar una sesión de fotos al Perus Crew?

Fui a visitar a un amigo skater –Paulo-, quien vive en Helsinki desde el 2005 y desde entonces me enamoré de Finlandia. Cuando Paulo logró insertarse en la escena skater de allá, me enviaba fotos y videos de las personas con las que andaba. Me contaba todo sobre la escena (Perus es una de las crews, también están los Pub 26, los Ponkes Shop y los Happy Hour Crew) que es enorme y son todos amigos entre sí. Paulo me dijo que tenía que volver para andar junto a los chicos de Peras, y le dije que me encantaría tomar algunas fotos suyas andando en skate, y a todos les encantó la idea.

Los chicos de esta crew son personas increíbles, lo que hizo que las fotos fueran muy distintas a las que podría haber tomado en California, Nueva York o Londres.

Además, los finlandeses tienen una cultura única. ¿Qué elementos interesantes encontraste en la cultura skater finlandesa?

Los finlandeses son personas muy particulares y únicas. Son callados y tímidos al principio, les toma un tiempo entrar en calor. A mí me aceptaron bastante rápido, y la escena skater es muy diversa y los skaters en general son como nómades y se pasan mucho tiempo en España y otras partes de Europa para huir de los meses más fríos de su país.

Helsinki es una ciudad chica, relajada, los finlandeses se toman más tiempo para hacer las cosas y el clima frío los hace ser más reservados. Esto se transfiere a todos los ámbitos de la cultura, incluso a la del skate y el arte callejero.

Realizaste mucho zines con tus fotos y estás por lanzar tu primer libro, ¿cómo fue el proceso de trabajo?

Realizar el libro fue completamente distinto al proceso de trabajo que involucró los zines ya que los hacía yo mismo, junto a mi buen amigo Brian Paul Lamotte, con quien tenemos nuestra propia empresa editorial que se llama Pau Wau publications.

Nuestros zines están hechos a mano. Tratamos de gastar lo menos posible para hacerlos por lo que todo es muy artesanal.

Ahora, con “Back to Mystery City” trabajamos junto a Dashwood Books, una editorial

más grande que la nuestra. Brian realizó el diseño, pero David Strettell de Dashwood tuvo la última palabra en todo, así que fue muy interesante trabajar junto a otra persona. Sin embargo, nos dejó hacer lo que nosotros queríamos y fue una gran experiencia colaborativa entre los tres. ¿Qué creés que le aporta la cultura callejera al mundo?

Creo que los jóvenes, a quienes identifico automáticamente con la cultura callejera, tienen mucho que decir. Ya sea a través de la música, del skate o cualquier otra forma creativa de expresión, lo que están diciéndole al mundo es cómo sienten. Creo que de esta manera le dejan ver al mundo su manera de percibir nuestra sociedad. O quizás no, tal vez no sea su intención ser entendidos por nadie. De cualquiera de las dos maneras, si no tuviésemos estos mensajes, ¡el mundo sería un lugar muy triste! ¿Cuáles son tus planes para lo que queda del año?

Voy a editar más zines y libros con Pau Wau Publications, tenemos varios fotógrafos a quienes queremos editar. También me gustaría editar un nuevo zine con nuevos trabajos míos, tengo algunas ideas ya pero nada confirmado aún. Considero que estos proyectos tienen que nacer orgánica y naturalmente. Además hace poco tomé algunas fotos que realmente me gustan mucho en Hawaii y que quisiera publicarlas. Y por supuesto, durante este año trataré de andar en skate lo que más pueda, y tocar la guitarra, que hace mucho que no lo hago!

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Presentado por:

tec

Pintar la vida Tec forma parte del multifacético colectivo artístico Fase junto a amigos y colegas. Diseñador de profesión y graffitero de alma, nos cuenta sobre su trabajo en las paredes argentinas y europeas.

Texto: Cecilia Rubino. Fotos: Gentileza TEC.

¿Cómo empezaste a trabajar y cómo te definiste por el arte?

Mis orígenes con la pintura se relacionan con la banda de rock Ocote. Componíamos temas y tocábamos en festivales escolares, incluso llegamos a tocar en Arpegios, en San Telmo. Ahí empecé, pintando por todos lados el nombre de la banda con aerosol, años después llego a mis manos un libro de Graffiti de Nueva York. A partir de ahí intenté copiar las piezas que había en ese librito que hoy guardo junto a mi partida de nacimiento.

Te formaste en el diseño gráfico, ¿qué herramientas de ahí usas en tus trabajos como artista y graffitero?

Luego de mis primeras experiencias con el graffiti típico, que es el de las letras, comencé a estudiar diseño gráfico en la UBA. Me incliné por esa carrera ya que no veía un futuro laboral en el graffiti y el diseño podía ser una herramienta interesante para trabajar. Como el graffiti que yo hacía era un tipográfico, esa carrera me resultó atractiva.

Mientras discutía con los docentes y gastaba dinerales imprimiendo entregas, se formó Fase, que es hasta hoy en día una sobremesa con amigos. Comenzamos haciendo la revista homónima junto a Camila, Defi, y el Muerti, a la que luego se sumaron Pedro y María. En realidad, el último en sumarse fui yo, pero veníamos todos trabajando juntos en cosas alternativas a la facultad.

Fase fue un playroom para jugar con nuestras reglas: autogestión y rebeldía. Utilizamos el diseño para hacer algo que no respetaba los cánones de la comunicación; jugábamos y aprendíamos lo más importante: trabajar en grupo, construir una empresa, buscar sponsors y hacer jodas telefónicas.

Con los años, ya más dedicados a la pintura callejera, el diseño apareció de lleno en nuestras piezas. La estrategia y el uso icónico están muy presentes en nuestro trabajo, tanto a nivel grupal como individual.

Cualquier aprendizaje puede ser una herramienta para hacer otra cosa, todo está relacionado, todo suma, solo hay que aprovecharlo dentro de la clave que me dijo un cordobés que vive en un castillo en París: “es bueno aprender, pero mejor es saber desaprender”. ¿Cómo es trabajar con la sinergia de un grupo? ¿Cuáles son las cosas buenas y las malas?

Sería la diferencia entre el fútbol y el tenis. Es fundamental saber dónde el éxito depende del trabajo grupal, en qué momentos hay que dejar de lado lo personal y saber cómo sumar en grupo. Para mí se aprende mucho más colectivamente, más cuando la facultad te dice “el mercado es así y tenés que adaptarte”: ahí te refugias en tus amigos. ¿Cómo son los procesos de trabajo?

Los procesos son variados, en mi caso el graffiti es un vicio y a la vez una terapia, así que uno siempre está viendo paredes, pensando ideas, pero a la vez diciéndose “mañana debo dedicarme a otra cosa, debería trabajar de algo fijo”, etc. Eso es parte del proceso y te llena de fuerzas para seguir con lo que más te gusta hacer y defender lo que tanto costó lograr. De ahí en adelante se trata de ponerse la ropa sucia y trabajar, si alguna buena idea aparece, lo mejor es tener un pincel a mano para que no se escape.

En la muestra Salvate! parecía haber por un lado una intensión de llevar a Berlín un poquito de “folclore” (pero no del folclore comercial, sino del día a día en Buenos Aires) local y por otro lado meter la calle en la galería. ¿Cómo fue eso? ¿Cómo surgió la idea?

El hecho de llevar la calle a la galería es algo que intentamos hacer siempre, creemos que es nuestro valor agregado, venimos de ahí y por ahora lo queremos respetar.

La idea de Salvate! fue plasmada entre los colectivos Fase y Doma. Desde que empezamos a trabajar en Europa siempre vivimos en carne propia el problema de la permanencia en el primer mundo, que es algo tan común que ya parece normal. El primer mundo abusa del cuarto mundo y luego no te deja trabajar ahí, es una verdadera injusticia, es algo que admitimos pero deberíamos rebelarnos más, deberíamos dejar de consumir sus productos, deberíamos resistir como se hizo con Botnia, pero ahí vamos.

Esta indignación era algo en común entre todos los que conformamos esa expo, así que en vez de llevar trabajos de cada uno por separado y hacer una muestra colectiva, decidimos tomar una idea y materializarla con bajo presupuesto, ya que la galería de Berlín, Neurotitan, no nos daba más que el espacio y un lugar donde parar (que tenía la particularidad de tener el baño en la cocina).

Uno de nosotros tiró la imagen de los paracaídas de ayuda humanitaria, algo absurdo, irónico, asqueroso, te tiran bombas y después cajitas con comida, parece un chiste de mal gusto… A esto le sumamos los pasaportes y así se fue armando la idea, la cual quedó abierta a diferentes interpretaciones. Las cajas contenían pasaportes argentinos, pero hablaban de los pasaportes en general, queriendo decir de alguna manera que si son tan copados de tirar comida ¿por qué no tiran pasaportes?

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LEONARDO GAUNA El lápiz cobra vida

Conquistado por el trazo, Leonardo Gauna se convierte, de a poco, en uno de los artistas jóvenes con más proyección nacional y expande las fronteras de su arte para llegar más lejos y con distintas propuestas que van desde el dibujo, hasta el óleo, el mural y originales ilustraciones sobre ventanas.

Texto: Ana Quiroga. Fotos: Cortesía Leonardo Gauna.

Leonardo Gauna es un artista plástico integral por donde se lo mire. Ilustrador de raíz, pero también domador del pincel, del humor y especialmente de las ideas, lo que lo convierte, con sus originales proyectos (ver recuadro Ventanas), en uno de los artistas con más movimiento en la ciudad de La Plata y en Buenos Aires, y reconocido a nivel nacional e internacional por la tira diaria “Los Gaunitas”, que ya lleva tres años en carrera. “Arranqué a dibujar a Los Gaunitas en mis ilustraciones, que incluía en revistas como Caras y Caretas. Aparecían como un complemento del dibujo. Para la presentación de mi primer libro de ilustraciones, y sabiendo que iban muchos amigos, preparé unos cuantos chistecitos con estos personajes y los pegué entre los dibujos “serios”. Les gustaron, mucho, y uno (Mariano) me sugirió que haga una tira diaria. Pasado el tiempo, otro amigo los empezó a llamar por el diminutivo de mi apellido. En el año 2010 los empecé a dibujar todos los días, y a subirlos a Facebook”, cuenta él, entre humilde y orgulloso del camino transitado. Hoy, Los Gaunitas parecen tener vida propia: casi 2000 seguidores en Facebook, y muchísimos visitantes de distintos países de habla hispana en la web (www.capocosmico. blogspot.com). Tanto fue el boom de estos pequeños alter ego del zarateño, que el año pasado salió el libro de la tira por ediciones Las Ideas, “un pequeño proyecto mío para publicar a ilustradores, que lleva editado cuatro libros, de colegas que admiro mucho, y hay unos más en mente”, agrega. Este libro, ya agotado, anduvo durante el 2011 viajando por todo el país, enviado directamente por correo por su autor, y en breve sale el segundo. “Hacer la tira me abrió muchísimo las herramientas de dibujar y la mente. Puedo estar trabajando sobre una ilustración mucho tiempo, y también, por otro lado, encontrar la diversión y la soltura de la línea en la tira, relajarme. Me hace muchísimo bien en mi vida; estoy pensando (y anotando) pavadas todo el día, y me mantiene feliz. Es que estoy ejercitando el humor a cada rato”, confiesa.

Cuando llega la pregunta de sus comienzos, primero cuenta que arrancó a dibujar de chico, “como todos”, pero luego agrega: “tenía muchos problemas de respiración, y para las largas noches en los hospitales, mi papá me compraba unas historietas, que después yo dibujaba. Ese fue un motor muy inspirador. Pasó el tiempo, y mi hermana se ganó un viaje a Disney en el programa “El agujerito sin fin”; cuando fuimos y ví los estudios donde dibujaban dije: esto es lo mío, yo quiero dibujar toda la vida”. Entonces, llegó la hora de elegir un rumbo, y decidió trasladarse a La Plata para estudiar Bellas Artes. “Y acá estoy, intentándolo”.

Afirma, además, que su mayor influencia, más allá de los artistas que conoce y admira, fue Silvana Zanou, una escenógrafa y docente de Zárate, que le trasmitió todo su amor por esta disciplina y que fue como una madre artística para él. “Una Genia, falleció hace un par de años y su familia me regaló sus libros y sus óleos. Creo que por eso me cuesta tanto pintar”, dice él, como regalándole mucho más que admiración.

Las obras de Leonardo Gauna varían en estilos y formatos. La mayoría de los dibujos los realiza en hoja a4, pero también los hay en grandes dimensiones, como las ilustraciones de 1 x 0,90 metros que hizo diariamente –y en vivo- en el hall principal del Pasaje Dardo Rocha durante dos semanas. O el “Dibujazo”, algo que se convirtió prácticamente en una performance, cuando estuvo 6 horas seguidas dibujando en un pasillo de la Facultad de Bellas Artes, por invitación del decanato. “¡Me dolía la mano!, pero estaba contentísimo”, recuerda. O las habitaciones que interviene con

Ventanas El proyecto Ventanas arrancó en el 2010, en medio de la explosión de muralistas y graffiteros de La Plata. Buscando interactuar con este fenómeno, Leonardo Gauna encontró en las ventanas una excusa para salir de su casa, de la hoja. El desafío de trabajar sobre algo ya realizado, sobre el paisaje que todos conocemos. “Y para mí dibujar es eso, es aportar algo más, personal, pero a la vez de todos”, dice. Al principio, la gente le mandaba por mail las fotos de sus ventanas, coordinaban una fecha y él pasaba a dibujarlas. Pero rápidamente se empezó a correr la bola y el proyecto llegó a una de las salas del Centro Cultural Islas Malvinas y al Pasaje Dardo Rocha, donde durante cuatro meses todo el que pasó por el corazón de la ciudad platense se encontró con sus dibujos.

Casi consciente del carácter efímero, de happening, que este proyecto tiene, saca fotos de cada obra que hace, para inmortalizarlo. “Yo tomo por obra las fotos que saco. Para mí el registro fotográfico es el resultado, más allá de la experiencia de ver (y hacer) la ventana”. blog: www.leogauna.blogspot.com facebook: http://www.facebook.com/capocosmico twitter: https://twitter.com/#!/capocosmico

sus dibujos. “En ellas pongo mis cosas, las de mis amigos, objetos que conozco, anécdotas... y es como una terapia, es un juego que me relaja muchísimo, en el que me comunico con quienes me conocen. Ese desorden soy yo”.

El formato varía, según la circunstancia: “si estoy en mi casa, por ahí tengo algún óleo para terminar y lo agarro; si estoy en el correo, tengo mi cuadernito de bocetos, que es como hacer gimnasia, es un anotador, pero a la vez también puede ser un resultado (por ejemplo, estoy preparando un librito para este año, donde van a estar muchas de las cosas que ilustré en cuadernos, junto con una sección semanal, “Cosmicidad” que hacía para una revista); y por falta de tiempo, últimamente estuve trabajando con acuarela, que me da mejor comodidad, y resultados más rápidos”. ¿Qué se viene en el mundo Gauna? Leonardo reflexiona, “tengo metas, sueños, pero estoy listo a lo que venga, necesito dejar cosas a la casualidad, es por mucho, muchísimo, más genial que lo que yo pueda hacer”.

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arte

hernán corera

El mundo audiovisual argentino pisa fuerte Hernán Corera forma, junto a Luciano Cieza, una de las duplas del audiovisual nacional más prometedoras del momento. Directores de cine y artistas multidisciplinares, se definen además como “comunicadores de ideas, sentimientos y situaciones”.

Te contamos quiénes son estos apasionados del cine y el arte, cada vez más presentes en el panorama actual del audiovisual.

Texto: Ana Quiroga. Fotos: Gentileza Luciano Cieza y Hernán Corera.

Con aspiraciones claras, pasión por el arte y cada vez más instalados en el medio con todo el viento a su favor, Luciano Cieza y Hernán Corera -el primero artista plástico y egresado en Cine Arte en San Francisco y París, el segundo autodidacta, fotógrafo y músico de la banda Dietrich-, sostienen no sólo expresarse con la imagen en movimiento sino también buscar y utilizar los medios que tienen a su alcance para transmitir sus ideas, sea con música, pintura, fotografía, escultura o medios alternativos como instalaciones o performances.

Cuando les preguntamos por aquello que los moviliza a la hora de crear, sin dudarlo sostienen: “Utilizando los espacios del arte como herramientas y medios de comunicación, y sintiéndonos eternamente agradecidos de poder hacerlo, sentimos a la vez una gran responsabilidad a la hora de observar, procesar y expresar nuestras sensaciones sobre una situación social, política o natural. Sentimos la necesidad de hablar con franqueza y sin tapujos, pero no hablamos desde la palabra, lo hacemos desde el arte, desde la expresión artística. Es una necesidad que tenemos y un modo de vida, donde descubriendo nosotros mismos cosas que estaban escondidas, podemos hacer de intermediarios para que otros también las descubran. Por medio del arte, por medio de lo sublime, buscamos despertar emociones y pensamientos que generen un cambio, que despierten conciencias sobre lo bello y lo humano, sobre la destrucción y lo artificial, sobre lo falso y lo construido”.

Exposiciones de sus obras los han llevado por galerías nacionales y de distintas partes del mundo. Además, la dupla trabaja para la productora DEACA.TV de Sebastian Sutton, donde además Corera se desarrolla junto a Antonella Arismendi como fotógrafo publicitario y de moda. Allí como directores han realizado videoclips y otras piezas de audiovisual, como el trailer para IKV estrenado en el pasado octubre, los videos de Dante Spinetta “Gisela” (que ganó como Mejor video urbano latinoamericano 2011 en Quiero TV) y “Pyrámide”, y los videoarte “Hienas” -inspirado en un single de Dietrich- y “Zentredi”, publicado en la página web de Trendhunter, además de varias colaboraciones con Calle 13 para guiones e ideas de videoclips.

Entre sus proyectos a futuro, la agenda incluye seguir colaborando con artistas admirados por el equipo y el trabajo en un largometraje. “Nos interesan temas de lo más diversos, desde las máquinas y la tecnología, a la manipulación genética y lo producido en masa, el marketing, el branding y el consumismo, las leyes, regulaciones y el poder, hasta el control y los límites. En definitiva, lo que nos interesa es el hombre”.

fotografía

Contanos algo sobre la última muestra en Praxis, Hotel. ¿De dónde partió la idea? ¿Cómo fue el proceso?

Tengo con los hoteles una relación desde que nací. Mi familia posee uno en la costa y hoy lo dirigimos junto con mis hermanos. Allí crecimos junto con los turistas, visitantes desconocidos de poco tiempo.

En esta serie en particular me gustó la idea de trabajar en el hotel Boquitas Pintadas, por encontrarse en Buenos Aires. El clima desolado que me provocaba este hotel vacío, recién puesto a la venta, me invitó a construir historias.

Nicolás trombetta Visiones desoladas

Te presentamos la obra del fotógrafo Nicolás Trombetta. Una obra cargada de surrealismo, misterio, ambientes enrarecidos y poderosos. La perfecta combinación entre teatralidad y barroco.

Texto: Ceci Rubino. Fotos: Gentileza Nicolás Trombeta.

El proceso se inicio en el 2009 y lo continué en el 2011. El tiempo de receso en el medio me ayudó a verlo de otra y nuevas formas.

Entre muestra y muestra se ve una continuidad en tu obra. ¿Sentís que hay un tema motor?

El hombre y sus estadios están siempre presentes en mis fotos, las relaciones entre estos y con lo otro, lo que podemos ver y lo que imaginamos.

Las obras de Hotel tienen un tono barroco y teatral: ¿cómo trabajás tus composiciones?

Parten de la imaginación. Pocas veces anoto alguna idea y éstas pueden transformarse. Me interesa tener una experiencia al fotografiar, encontrarme en algún lugar nuevo o desconocido.

Si hay algo con lo barroco no estoy seguro, podría ser, pero no es algo que me parezca determinante al fotografiar.

¿Cómo te acercaste a la fotografía y definiste que por ahí iba tu rumbo?

Estudié unos pocos años y luego aprendí el oficio trabajando para medios de prensa y comunicación. Hace aproximadamente diez años comencé con mi trabajo personal. Fue una necesidad de verme y experimentar y la fotografía es un medio técnicamente simple, es directo y claro. Puede haber mucha riqueza y profundidad en ella y también muchas formas de ver su propuesta de realidad.

¿En qué estás trabajando ahora?

Estoy fotografiando nuestro hotel de manera documental y ficcional, hace dos años que lo vengo haciendo y me gusta lo que está pasando. Veremos en qué termina esto, si se funden o se rechazan estas formas.

el: remera y pantalon Nike, campera Fila, zapatillas Nike, gafas Absurda. ella: top Mia Cruz, calzas Amores Trash, botas Mary & Joe, collar Mia Cruz, pulseras Escuela de Sirenas, gafas 360.

el: remera y jeans Rip Curl, campera y zapatillas Fila, gafas 360. ella: vestido y top Mia Cruz, botas Mary & Joe, gafas Absurda, anillo Escuela de Sirenas.

el: Sudadera Adidas Originals, jeans Converse, zapatillas Nike. ella: camisa Mia Cruz, calzas Amores Trash, botas Mary & Joe, gafas 360, pulsera y anillo Escuela de Sirenas.

el: campera, remera, pantalon y zapatillas Adidas Originals. ella: remera Nike, campera Fila, calzas Amores Trash, zapatillas Adidas Originals, gafas 360.

PH: Sebastian Quintero Rold谩n. Producci贸n & Estilismo: Nadia Hnatiw para CPM www.nadiahnatiw.com. Make Up & Pelo: Marcelo Pedrozo para CPM. Asistentes de PH: Jane Vargas y Sebastian Hernandez. Modelos: Santy Kraus para EP Bookers y Vicky Ramos para Elite Model. Thanks: Ro Mulet, Gustavo Graziani.

Con el otoĂąo ya instalado y el invierno que se acerca, empezamos a recorrer vidrieras para armar el guardarropas para esta nueva temporada. Te mostramos y te contamos todo lo que tenĂŠs que saber de las mejores marcas, para elegir tu look otoĂąal y no dejar de estar a la vanguardia de la moda.

Š Fred Mortagne Red Bull Illume

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vida x

Todo comenzó en la ciudad natal de Arto Saari, Seinajoki, Finlandia, donde su infancia incluyó clases de hockey sobre hielo y sky. A finales de los ´80, con menos de diez años, empezó a patinar de la mano de su tío. Ya en los ’90, a pesar de que en su ambiente no había gran incentivo para que siguiera un camino en el mundo del patinaje, su visión de lo que el skateboarding podría llegar a ser a nivel profesional en los próximos años, lo llevó a presentarse en el campeonato de Finlandia de 1993, con composiciones en la calle y en minirampas. Allí Arto se encontró con chicos que habían dedicado mucho tiempo y esfuerzo a prepararse para este tipo de concursos y que lo estimularon fuertemente a seguir en este camino.

Cinco años más tarde, a los 16, se presentó en los campeonatos mundiales en Munster, Alemania. Fue allí donde este chico por el momento desconocido sorprendió a todos con su innovadora y descollante manera de patinar. Mucho se dijo sobre esta presentación, probablemente todos los que lo vieron allí jamás olvidarán su comienzo. “Arto básicamente salió de la nada y empezó a hacer cosas que nadie más estaba haciendo. Era perfecto. En ese momento supimos que iba a ser uno de los más grandes de su generación”, afirmó en una entrevista el cámara Greg Hunt.

Después de este gran inicio, Danny Way lo invitó a participar de un tour por Canadá con Plan B, Platinum y los Red Dragons (Rick McCrank, Colin McKay, Paul Machnau, Moses Itkonen). Era un sueño hecho realidad: patinaría con los mismos skaters a los que había admirado durante los últimos casi diez años de su vida.

arto saari

La vida en skate

Arto Saari, el joven finlandés que consolidó su nombre en la historia del skate con un estilo relajado y a la vez poderoso hace más de una década, hoy, con 30 años, se luce hoy en todo el mundo, es sponsoreado por marcas como Flip, Etnies, Fury, Ricta, Gravis Footwear y Quicksilver, y hasta es uno de los personajes de la saga de videojuegos de Tony Hawk.

Texto: BK Mag Staff. Fotos: Gentileza Red Bull.

A partir de aquí, se volvió una estrella. Ascendió a las altas ligas del skateboarding profesional y comenzó a marcar tendencia en los Estados Unidos con skaters como Ed Templeton, apareciendo constantemente en videos y revistas.

En el 2001, su participación en el video para Flip, “Sorry” (en cuyo rodaje sufrió dos fuertes accidentes), marcó un momento trascendente en su carrera. Arto creció con Flip pero estaba alejado hace unos años. Según cuentan en el video -en el que se da a conocer la noticia de su regreso al equipo-, la marca insistió sin descanso para que esto sucediera. Su actuación es clave en la última parte y la intro: comienza con una caída que lo deja inconsciente (algo que realmente sucedió), y luego a esto le sigue un sueño donde aparece Tom Penny al ritmo de Velvet Underground. Al final de la intro, el propio Penny lo despierta y comienza su inolvidable parte, al ritmo de “1984” de Bowie.

Casi al mismo tiempo, Arto es elegido S.O.T.Y. (premio al skater del año) por la revista Thrasher, y su carrera no para de subir, aún a pesar de sus problemas con las rodillas y de una ruptura de ligamentos que lo dejó diez meses prácticamente inactivo. Es por estos años que sus intereses empiezan a expandirse a las motocicletas, la carpintería y, en especial, la fotografía, por la que toma un profundo conocimiento.

En el 2007 es convocado para ser uno de los personajes de la novena entrega de la saga Proving Ground de videojuegos de Tony Hawk, junto a skaters como Nyjah Huston, Ryan Sheckler y Bob Burnquist.

Dos años después, participa del video de 60 minutos de la compañía de skate Alien Workshop, “Mind Field”, donde se lo puede ver en una fuerte caída golpeando la cara contra el cemento. Esta fue la cuarta entrega videográfica de la marca, aunque la primera desde que fue adquirida por la multinacional de snowboards Burton / Analog.

Y como si esto fuera poco, en el 2011, siguiendo una tendencia de muchos riders y skaters, que hacen un trabajo in-situ con marcas de zapatillas -ya sea en el diseño, la tecnología que se aplique o su fabricación-, presentó la nueva creación de Gravis Footwear. Para esto, además, se grabó un video de un fin de semana perfecto y relajado al lado de una piscina y una parrilla junto a viejas leyendas del skate como Steve Caballero y Chiristian Hosoi.

Mientras tanto, Arto Saari sigue viviendo en Huntington Beach, en California, como hace ya varios años, y sigue reinventándose para continuar ocupando un lugar en el podio de los skaters de street más reconocidos a nivel mundial.

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vida x

roller derby Amazonas sobre ruedas

Para estas gladiadoras del mundo moderno, los patines son la conexión con su espíritu más competitivo. Entrenamos con la Liga Buenos Aires Roller Derby.

Texto: ChamaLeona. Fotos: Hernán Morganti y Ana Clara de la Barrera.

“Es fuego. Adrenalina. Sentirse viva”. Na’Dynamite #7N7 sintetiza la sensación de jugar Roller Derby en pocas pero intensas palabras. Arión Costillar #0 a la izquierda observa la acción desde el banco. Está en plena rehabilitación luego de una fractura de tibia y peroné que la tiene alejada de sus amigos de cuatro ruedas. “Es una mezcla entre volar y nadar”, explica mientras se aguanta las ganas de entrar al juego.

para la disciplina. Por eso, no sorprende que Acid Sector #303 lleve una calavera prendida fuego sobre el casco o que Cruella Overkill #35ºC se inunde de tonos flúor desde las rodillas hacia abajo, alejándose del animal print que prefería la malvada de 101 Dálmatas. Orejas de gato, cordones de colores, medias de nylon rotas, volados, maquillaje y muñequitas en el pelo terminan esta colección que une los puntos entre la estética pin-up y el look punk.

LA ACCIÓN

Mención especial es la que merecen los tatuajes, que llaman la atención no sólo por la cantidad que se ve sino por el nivel de detalle en sus diseños.

En el campo de batalla, dos equipos de cinco mujeres preparan la pista con actitud de pantera. Los patines muerden el piso a la espera del silbato que dará comienzo al primer jam. Primero salen los grupos de bloqueadoras y luego viene el turno de las jammer (identificadas con una estrella en el casco), encargadas de mantener la verticalidad mientras las contrincantes intentan sacarlas del ruedo. Durante la próxima hora y media habrá mucho contacto físico, seguramente más de una caída y varios moretones que mirarán con cierta ternura cuando lleguen a casa después del partido.

ATRACCIÓN FATAL

RIOT GRRRLS

Si bien muchas apasionadas del Roller Derby llegan gracias a la película Whip It (dirigida por Drew Barrymore), a otras “el bichito del amor” las tomó por sorpresa. Por ejemplo, a Diamantina #069 le dieron un volante en una cumbre de tatuajes y lo que más le atrajo fueron “¡Los patines!, sin duda”. Antes, había visto fotos en una revista alemana pero no tenía idea de que se practicaba el deporte en Buenos Aires. Acto seguido, se contactó con la Liga.

Si algo está presente en un partido de Roller Derby es la personalidad de las jugadoras. Se refleja desde los nombres con que se autobautizan hasta la customización de los cascos, coderas, rodilleras y muñequeras obligatorios

La historia de Dana empezó más lejos, en las remotas tierras de Nueva Zelanda. Allá, se topó con un partido profesional de Roller Derby como por arte de magia. De regreso, buscó equipos en Buenos Aires y así llegó a la Liga.

DATOS CURIOSOS •

Si bien el deporte es de chicas, los referís son generalmente hombres. También algunos entrenadores.

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Como en el boxeo y otras disciplinas deportivas, las jugadoras de Roller Derby tienen la obligación de usar protección bucal. No porque reciban golpes en la cara (eso está prohibido) sino por las tremendas caídas que a veces terminan en lesiones graves.

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No hay dos jugadoras de Roller Derby con el mismo nombre o números en el mundo. Las competidoras deben registrar sus apelativos en un sitio de Internet para evitar repeticiones.

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A las chicas que recién se inician en la disciplina se las llama freshmeat (carne fresca). Luego de un tiempo de entrenamiento, deben pasar un examen para entrar en alguno de los equipos.

Liga BARD (Buenos Aires Roller Derby) Fecha de nacimiento: 18 de septiembre de 2010 Equipos integrados: Dirty Fucking Dolls (Zona Sur), La Rèsistance (La Plata), Cougar Rollers y Psycho Rollers (Capital).

Requisitos: todas pueden jugar Roller Derby, no importa contextura física, edad o experiencia. ¡BARD está reclutando!

Contactáte a rollerderbyba@gmail.com

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vida x

hernán pitocco Desafiando las alturas

Con 33 años, el argentino Hernán Pitocco dedica la mayor parte de su vida a volar. Es uno de los más destacados pilotos de parapente del mundo y, en sus tiempos libres, practica ala delta, kite surf, paracaidismo y vuelo en ultralivianos.

Texto: BK Mag Staff. Fotos: Cortesía Red Bull.

Hernán Pitocco ocupa actualmente el segundo puesto del ranking mundial de parapente acrobático, lidera varias competencias internacionales y es campeón argentino en acrobacia y distancia. Famoso por su decidido estilo para hacer las maniobras más difíciles del catálogo “acro” en el aire, su ímpetu por hacer de cada truco algo único lo ha llevado a permanecer los últimos años en los primeros puestos de su especialidad.

Sus días transcurren volando, ya sea haciendo deportes como a bordo de los grandes jet de aerolíneas, de un lugar a otro del mundo, de una a otra de las competencias del circuito de la Commission International de Vol Libre. Es que cuando Hernán no está en alguna de las localidades europeas donde se disputan las cinco fechas de la Copa del Mundo de Parapente, entre mayo y agosto, o alguna competencia de Cross Country hasta completar unos 12 torneos en su calendario anual, vuela en los alrededores de La Cumbre, una tranquila localidad de las sierras cordobesas, en parapente, alta delta, paracaídas, ultralivianos e incluso, cuando puede, practica kite surf.

Su vocación se despertó de muy pequeño. Desde niño se entretenía armando planeadores a escala; a los 12 años ya había construido su propio avión a radiocontrol.

Un buen día decidió arrojarse del tejado de su casa con un paraguas. Milagrosamente, la travesura no tuvo mayores consecuencias, pero poco tiempo después, cuando vio por primera vez un parapente en Buenos Aires, sabría que en el aire estaba su vocación.

A los 16 años se inscribió en la escuela de iniciación y realizó su vuelo de bautismo en parapente, a las afueras de la gran ciudad, sobre la llanura pampeana. En seguida se apasionó y no paró hasta lanzarse en las montañas, desde una cumbre.

Ese día decidió dedicarse a este deporte, dejar su trabajo, vender lo que tenía y con ese dinero mudarse a Córdoba y perfeccionarse con cientos de horas de vuelo para probar suerte.

Hoy es uno de los grandes exponentes internacionales en acrobacia –la copa del mundo congrega sólo a 40 pilotos de los más expertos, que participan de las cinco fechas en Suiza, Austria, Francia, Italia y España-, pero cuando empezó a volar, no existía esa disciplina.

En el 2010 comenzó a incorporar algunas maniobras vedadas por cuestiones de seguridad, lo que significó importantes desafíos. A principios del 2011 participó del Mundial de Parapente en Roldanillo, en el Valle del Cauca en Colombia, donde fue uno de los más aplaudidos al mostrar un “Base Jump” despegándose de su parapente y descendiendo en caída libre a pocos metros del objetivo final.

Uno de sus últimos desafíos fue el intento de algo inédito junto a dos amigos también pilotos profesionales: volar en el Valle de Hunza, en el norte de Pakistán, a 7300 metros de altura (el récord mundial de altitud en parapente es de 7860 mts.) sin ayuda mecánica, como parte de un proyecto para filmar un documental con la productora inglesa Fire Light, que estará listo en julio de este año.

En sus doce años de carrera profesional, le impuso su sello a varios movimientos que hoy son clásicos y continúa con una intensa concentración en competencias y entrenamientos, un renovado desafío en cada prueba y una fuerte y comprometida dinámica en lo más alto del vuelo libre y el deporte de riesgo en general.

cine

En una discusión en torno a figuras emblemáticas de la escena musical mundial, es difícil pasar por alto a Robert Nesta Marley.

Fundador del género reggae, ubicó a Jamaica dentro del mapa de la industria comercial y difundió a través de esta música la fe Rastafari a nivel mundial. Sus canciones lo han convertido en un ícono y su cadencia en un padre influyente para las generaciones que vinieron detrás de él.

Mientras su música se ha mantenido a prueba del tiempo desde su muerte en 1981, su figura sigue encabezando indiscutiblemente el reggae y la cultura popular.

Ahora, el director escocés Kevin Macdonald desnuda su historia en la gran pantalla a través de un documental único, recientemente presentado en el Festival de cine de Berlín, y en los todos los cines desde el 20 de abril, tras su estreno mundial en New Kingston, Jamaica.

Macdonald, uno de los realizadores de documentales más importantes, obtuvo el Oscar en este género en el año 2000 por su film acerca de los atentados contra los atletas israelitas durante los Juegos Olímpicos de Munich ’72, “One day in September”; dirigió la galardonada “El último rey de Escocia”, y fue elegido por YouTube para dirigir el documental-video social “Life in a Day” –producido por Ridley Scott-, realizado a modo de experimento con escenas subidas por millones de usuarios de todo el mundo a esta web, con el fin de reunir y exponer lo que el mundo vivió un 24 de julio de 2010.

En este film, titulado “Marley”, el director logra un íntimo contacto con familiares y allegados del mítico músico, para abarcar distintos aspectos de su vida y carrera mediante archivos audiovisuales y canciones hasta ahora desconocidos -hallados por el director en los Tuff Gong estudios, la discográfica fundada por el cantante- y extensas entrevistas a su madre, hermanos, novias, tías, amigos, colaboradores e hijos. Así, el film intenta hacer una crónica de la vida del artista desde sus primeros días ignotos hasta su estrellato y, en última instancia, su muerte.

Con poco más de dos horas y media de duración, el documental delinea la figura de un hombre que mostró todo lo que la sociedad capitalista no quería que se viera. Quizás por esto, y luego de sufrir un atentado contra su vida, Marley decidió abandonar Jamaica en 1976 para mudarse a Inglaterra –decisión también polémica, que fue tildada de “aburguesada”-. Sin embargo, fue allí donde, durante el verano del ’77, grabó Exudus, uno de los álbumes más simbólicos de su carrera y que consolidó el estatus internacional del músico y su banda The Wailers, permaneciendo en las listas de Europa durante 56 semanas seguidas.

Además, “Marley” muestra otros aspectos íntimos de su vida, como su afición por el fútbol. Su relación con este deporte iba mucho más allá de un simple pasatiempo; lo veía como un estilo de vida, a través del cual era posible probar, desarrollar y desafiar constantemente las propias habilidades. “Football is Freedom” decía el rey del reggae, una frase que sin lugar a dudas es rescatada en imágenes en esta cinta. Esto era él, en la vida y en la música, para la que podía llegar a ensayar hasta 18 horas diarias buscando autosuperarse.

Bob marley

Un ícono a prueba del tiempo Los fans de la leyenda del reggae finalmente tienen una impresión real de su vida y obra, en un profundo documental que rastrea sus pasos fundamentales por el mundo de la música.

Texto: BK Mag Staff. Fotos: Prensa.

Significativamente, el fútbol fue lo que lo llevó a descubrir la enfermedad que acabó con su vida a los 36 años. En 1977, mientras jugaba un partido con sus amigos, se lastimó un pie. Tras darle varias semanas de descanso sin lograr recuperarse del todo, comenzó a hacerse estudios médicos, y allí descubrió que tenía uno de los tipos de cáncer de piel más agresivos. Para su tratamiento, le indicaron, entre otros procedimientos, la amputación de una parte del pie para extirpar el tumor. Sin embargo, su adhesión al movimiento Rastafari y a su ideología le impedía atentar contra su propio cuerpo (esta creencia era la que, por ejemplo, no le permitía cortarse el pelo), por lo que Marley optó por tratarse con medicina alternativa, que tras no dar buenos resultados, culminó con su temprana muerte.

Paradójicamente, un año antes de su desaparición física, en su período musical más próspero, lanza Uprising, el trabajo que lo convertiría en una leyenda, con el éxito inmediato “Could You Be Loved?”, que mezclaba de manera única la cadencia reggae con un beat más rápido, inspirado en la música disco.

Todo esto y mucho más explora este documental, que reconstruye de manera inédita vida y obra de Bob Marley, y ahonda en el universo que logró construir y en su influencia en la cultura y la sociedad de su época. Es allí, en su impacto en la historia de la música y en su papel como profeta social y político, que Macdonald encuentra los ribetes fundamentales para retratarlo.

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ecología

Ballena azul humana Los rituales del reencuentro

Casi sesenta mujeres de todas las edades se desnudaron y nadaron en las aguas del Mar de Cortés, en México, para darle forma a la ballena azul, el mamífero más grande del mundo. El resultado: una fotografía subacuática de 28 metros de largo, que será expuesta en espacios públicos y buscará generar conciencia acerca de la problemática en torno a la conservación de las ballenas. Texto: Ana Ezcurra y Julieta Goldin. Fotos: Patricio Robles Gil.

Los rituales son prácticas que se han realizado dentro de los distintos grupos humanos a lo largo de la historia y que, incluso hoy, siguen celebrándose. A través de bailes, cantos, rezos y fiestas, los rituales marcan el paso de la niñez a la adultez, el despertar sexual, la unión de una pareja, los nacimientos y las muertes. Un ritual simboliza el reconocimiento de un individuo dentro de algún grupo; un ritual provee del sentido de pertenencia a una estructura social que nos brinda seguridad e identidad, y a cambio nosotros la honramos con lealtad y respeto.

Patricio Robles Gil, fotógrafo de naturaleza y artista plástico, retoma el concepto de ritual y lo pone en práctica en torno a temas ambientales. Rituales del reencuentro consiste en la producción de unos 30 ejercicios plásticos que utilizan el cuerpo humano desnudo como lienzo para representar símbolos relacionados con temas ambientales críticos o con las especies más amenazadas del planeta. En este proyecto, el artista se convierte en un chamán y el resultado son obras que pretenden crear conciencia y despertar en el espectador ese instinto por reencontrarse con la naturaleza.

El último trabajo de Patricio Robles Gil es Ballena Azul Humana (La Paz, México 2011), que consistió en formar la silueta de una ballena azul con 59 cuerpos de mujeres desnudas, agarradas de pies y manos, en las aguas de la isla Espíritu Santo en el Golfo de California, dando forma a este cetáceo de 30 metros de largo, el animal más grande del planeta. El escenario escogido fueron las aguas del Golfo de California dado que la ballena azul visita el Golfo cada invierno, cuando éste es más productivo para reproducirse, alimentarse y criar a su ballenato.

Para Ballena Azul Humana, Patricio Robles Gil se reunió con un grupo de fotógrafos: Octavio Aburto, Roberto Chávez, Neil Osbourne y otros colaboradores como Ana Ezcurra, Jaime Rojo, Fátima Andrade, Lucía Frausto y Carlos Sánchez, para

darle vida a una ballena azul formada por mujeres desnudas. Este proyecto que inició con el objetivo de darle voz a las ballenas a través del arte, consistió en la realización de una fotografía de tamaño real. Para ello se requirió de una gran cantidad de equipos fotográficos subacuáticos que bajo las manos de los expertos y el apoyo de una buena organización, pudo llevarse a cabo en un solo día de arduo trabajo.

La ballena azul, como prácticamente todos los animales, necesitan un territorio virgen para sobrevivir a largo plazo. Las acciones para su conservación deben estar encaminadas a garantizar estos espacios que, en el caso de la ballena, son inmensas extensiones marinas. Los grandes desarrollos turísticos que pueblan estas costas ponen en alto riesgo la salud y la permanencia de la población de ballenas azules. Por eso, la obra final que se desprende del ejercicio artístico Ballena Azul Humana busca llamar la atención de un amplio público, en espacios donde la voz del mundo natural aún no ha sido tan escuchada: museos de arte y espacios públicos urbanos. Allí se exhibirá durante todo este año Ballena Azul Humana a escala real, 30 metros de largo por 10 de alto. El impacto visual que propone esta obra busca generar una conciencia en todos los que desconocen las problemáticas ambientales que hoy sufrimos.

Además, en paralelo a lo que este proyecto representó en el ámbito ambiental y cultural, hubo un proceso de liberación personal en las participantes. Sin saberlo, estas mujeres vivieron una experiencia renovadora, realizaron un ritual al desnudarse y lanzarse a las aguas transparentes que bordean la isla Espíritu Santo. Lo que comenzó con un objetivo puramente estético y artístico, logró marcar una diferencia en sus vidas.

Más información: www.humanbluewhale.com y www.patricioroblesgil.com

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1. Vanesa González también pudo disfrutar del show de Roger Waters y del exquisito sushi cortesía de “M” Buenos Aires.

2. Eugenia Tobal participó del Circuito Callejero de TC2000 de la Ciudad de Buenos Aires, auspiciado por Arnet.

3. La diseñadora Juliana Awada también estuvo presente en la segunda fecha del circuito nacional del TC2000, que pasó por el Obelisco, el Teatro Colón, la Catedral y el Cabildo.

4. Anita Álvarez de Toledo vibró con Foo Fighters en el Quilmes Rock 2012 y pasó por el exclusivo Espacio de Black XS L’EXCÈS de Paco Rabanne 5. Emilia Attías estuvo en el vip del Quilmes Rock 2012. en River, donde tocaron en las cuatro fechas Roger Waters, MGMT, Arctic Monkeys, Foo Fighters, Las Pelotas, Catupecu Machu, Fito Páez y Charly García 6. Marcela Kloosterboer fue una de las invitadas exclusivas del restaurante “M” Buenos Aires para disfrutar del show de Roger Waters en el exclusivo VIP. 7. La diseñadora Cora Groppo fue otra de las mujeres fotografiadas por Gabriel Rocca para formar parte de la muestra Chocolovers, que Cadbury presentó en el Buenos Aires BAF Week 2012.

8. Paula Morales y Juan Manuel Guilera pasaron por el VIP de la primera edición de la Fiesta de la P que presentó Personal en la Costanera Sur del Río Paraná en Corrientes, donde tocaron Calle 13 y La Mala Rodríguez.

9. Dolores Barreiro y su esposo Matías Camisani fueron invitados a una de las cuatro presentaciones de la música y compositora islandesa Björk en el Centro Municipal de Exposiciones, en el marco del Opening del Personal Pop Festival 2012.

10.La Leona Luciana Aymar pasó por el espacio LAN del torneo de tenis Copa Claro - ATP Buenos Aires 2012 y puso a prueba su habilidad en un juego que medía la velocidad del saque para acumular KM LANPASS. 11. Dolores Trull, fanática de Campari, disfrutó con amigos de la exclusiva fiesta de la marca en el Círculo italiano. La consigna fue disfrutar los drinks de siempre en jarra, una tendencia traída de Europa que se impone como formato para tomar entre amigos.

12. El diseñador argentino de 20 años que viste a Katy Perry Santiago Artemio pasó por el Círculo Italiano para disfrutar de la tercera edición de las exclusivas fiestas en la ciudad que organiza Campari para ponerle onda al verano en Buenos Aires.

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13. Lola Becerra fue la encargada de mantener el ánimo de los espectadores de la competencia internacional Rip Curl Wakeboard Battle 2012 a flor de piel, relatando minuto a minuto la batalla en el Club de Regatas La Plata, en una tarde de fiesta a puro wake.

14. Joaquín Furriel, Rodrigo de la Serna y Juan Gil Navarro también estuvieron en el Opening del Personal Pop Festival 2012 disfrutando del íntimo show de Björk en el Centro Municipal de Exposiciones.

some news Holy Piby presenta Su tercer disco A tres años del lanzamiento de su último disco, llega el tercer álbum de la banda Holy Piby, Solo imaginación.

Canciones frescas y originales con una base reggae y fusiones de jazz, funk, soul, folk y rock integran este trabajo discográfico íntegramente grabado y mezclado en los estudios Afro de Lanús, con grabaciones adicionales en Jamaica, USA, Brasil y Puerto Rico, y masterizado en Lion & Fox Studios, a cargo del renombrado ingeniero Jim Fox. El disco cuenta con una interminable lista de músicos invitados como el enorme Gregory Isaacs; las coristas jamaiquinas de Groundation, Kim Pommel y Kerry-Ann Morgan; el guitarrista jamaiquino Eugene Grey, que tocó con Burning apear y Culture; el coro Kennedy de niños; el bajista Juan Nelson y el percusionista Leon Mobley de Ben Harper & The Innocent Criminals y Dj Alex.

SURF & ROCK Inspirada en la energía, pasión y música de Nirvana y Foo Fighters, esta radio 100% digital, interactiva, artística y con música non stop las 24 horas del día tiene toda la música en un solo lugar para los amantes del rock alternativo, el reggae, la cultura y espíritu Surf, Skate y X Sports, además de las mejores noticias del mundo del rock.

Dirigida y musicalizada por Ramiro Quesada, Surf & Rock está diseñada para integrar las plataformas sociales 2.0, Smartphones, Tablets y PodCasting on-demand.

Podés escucharla en www.surfandrock.fm o a través de su página en Facebook SURF & ROCK FM.

Sábados en Club Aráoz para lectores de BK A partir de abril disfrutá de una promo exclusiva para los lectores de BK, en los sábados únicos de Club Áraoz (Aráoz 2424). Sólo mencionando esta promo accedés al beneficio de una cena show a un costo de $50, 2x1 en cerveza durante la cena, acceso al sector VIP con 2x1 en la barra hasta las 4 am, y si festejás tu cumpleaños, cenás gratis. El menú incluye entrada, (canastitas rellenas de pollo al verdeo y capresse), plato principal (variedad de pizzas libre) y postre (helado de almendras con salsa de chocolate).

Para realizar la reserva, tenés que comunicarte con Mariano Ladavaz RR.PP. a marianoladavaz@hotmail.com o Cel/Whatsapp: 1137980927.

Teatro, danza y música de Charly en el Konex Luego del éxito de la serie de Bruno Zampardi que revolucionó la web, llega a Ciudad Cultural Konex la obra “Frustrados en Baires”, un homenaje a la obra de Charly García, con arreglos y dirección musical de Gaby Goldman, dirección de Valeria Ambrosio y las actuaciones de Luz Cipriota, Elis García, Juan Gentile, Mariana Jaccazio, Juan José Marco, Esteban Masturini, Belén Pasqualini y Roberto Peloni.

Este homenaje al más grande del rock nacional recorre especialmente canciones de Serú Girán y, a través de su poesía, representa la frustración de gente con talento que no logra triunfar en una realidad dominada por el establishment, hostil y sin horizontes claros. Qué pasa cuando no podemos cumplir nuestros sueños, cuando la gran ciudad nos aplasta, cuando nuestro grito no se escucha.

Teatro, música, danza y cine se unen para darle vida a esta historia todos los jueves, viernes y sábados a las 21 hs, y domingos a la 20 hs, en el C.C.Konex, Sarmiento 3131, con entradas desde $80.

El mejor reggae en Buenos Aires Los mayores exponentes del reggae sudamericano estarán en la segunda edición del Festival Sudamericano de Reggae en Buenos Aires, el sábado 21 de abril a partir de las 16 hs. en el Estadio Cubierto Malvinas Argentinas (Gutenberg 350).

Estarán Dread Mar I, un referente indiscutido del reggae roots y lover en nuestro país; Armandinho, uno de los artistas mas populares de la música reggae del sur de Brasil, por primera vez en un estadio en Buenos Aires; la banda chilena Gondwana, a punto de cumplir 25 años de historia y presentando su sexto álbum de estudio Revolución; los uruguayos Marulata; Matamba, músico icono en Bolivia, junto a su banda Zion, y más bandas.

Las entradas están en venta en los locales de Locuras, La Estaka, La Cueva, Leechi y a través de Ticketek.

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