BKMag 47

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Especial B-Boying // Kiss // Snow Patrol // Ataque 77 // The XX // Dj Villa Diamante // Ana Sanfelippo // Claudio Roncoli // Diez Imperdibles Películas de Rock // Levi Sherwood // Tony Hawk // Diez Pelis de surf que no podés dejar de ver // On the Road // Best of Fest // Ecología y Mucho Más.

argentina $25

ejemplar de colección



sumarioBKMAG2012

06

the xx “Nuestra música es fruto de la colaboración de tres personalidades distintas”

10

ataque 77 Ataque unplugged

14

Gravitying adidas originals

16

kiss Fui hecho para amarte

18

anika lori “Trabajo desde el estómago, usando y no usando mi mente”

20

dj villa diamante Empacho musical

22

best of fest

24

b-boying De chicos y chicas B

30

It won´t be soon before LONG

34

crowdfunding La diferencia entre tener una buena idea y concretarla

36

claudio roncoli El nuevo pop argentino

38

ana sanfelippo “Dibujar es uno de mis mayores motores de vida”

40

10 imperdibles películas de rock

42

profeta style

46

primavera cero

50

levi sherwood Acción sobre ruedas

52

foto x

54

kayak de aguas blancas A río revuelto

56

tony hawk Rey de las rampas

58

10 pelis de surf que no podés dejar de ver

60

gadgets

62

on the road Jack Kerouac llega al cine en una road movie imperdible

63

if a tree falls Cuando el fin no justifica los medios

64

some faces


STAFF créditos foto tapa Dirección creativa: Diego Timpanaro PH: Javier Flores Leyes Retoque digital: Alvaro Ras www.alvaroras.com Produccion & Estilismo: Nadia Hnatiw para CPM Make Up: Solange Perkes Pelo: Marcelo Pedrozo para Concept Video: Anibal Vecchio Asistente de Produccion: Javier Melfi Modelo: Ceci Barrios para Civiles Management Clothing: La Polilla Vestuario Thanks: Panasonic (auriculares) Sector Nine (longboard) Seguínos en www.facebook.com/revistabk @BKMag

Dirección Gral. y Creativa Diego J. L. Timpanaro.

Edición y Corrección Ana Quiroga.

Diseño gráfico Diego L. de Guevara.

Coordinación Ana Quiroga, Lina Alegria.

Comunicación y Mktg Valeria Izzo.

Redacción Nicolás Sobrero, Lorena Cevallos, ChamaLeona, Ana Quiroga, Agustina Compagnucci, Javier Sisti Ripoll, Betiana Neiman, Julieta Goldin, Amparo Quiroga.

Asesor Financiero Dr. Jorge A. Daniel. Súmate al Facebook de BK vas a enterarte de las últimas novedades de música, arte, diseño, moda y deportes extremos. Además, podrás participar por promociones semanales para entradas a recitales, obras de teatro y todo eso que A VOS TE GUSTA!!!

Agradecimientos especiales Javier Gabaldá, Fernando Merlotti, José Dafunchio, Lucía Huergo, Maite Wilson, Hernán Nisembaum, Euge Aramburu, Manuel Cadena, Cristian Ramos, María Bilote y a todos los que siguen haciendo que un nuevo número de BK este en este momento en tus manos.

Asesor Legal Dr. Martín Sivieri. Colaboran en este número Fotografía Javier Flores Leyes, Tatu García. Diseño e Ilustración Ana Sanfelipo, Alberto Ariza.

Contacto Press y publicidad: publicidad@bkmag.com.ar / comercial@cuartorayo.com.ar Notas: contenidos@bkmag.com.ar Suscripción: suscripción@bkmag.com.ar Lectores: lectores@bkmag.com.ar

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06/07

música

Coexist, el segundo disco de los ingleses The XX, y uno de los más esperados del año, salió a la luz el pasado septiembre y no son pocos los halagos que cayeron instantáneamente sobre la banda. Teniendo en cuenta que su álbum debut homónimo fue uno de los más laureados del 2009 y se convirtió en un fenómeno mundial, no sorprende que el trío ya sea un referente indiscutido de la nueva música de este siglo.

the xx “Nuestra música es fruto de la colaboración de tres personalidades distintas” Pocas veces se encuentran personalidades tan particulares como las de los muchachos de The XX. El nuevo y esperado LP, Coexist, muestra que los ingleses tienen verdadero talento para componer pop etéreo y poderoso. Texto: Nicolás Sobrero. Fotos: Prensa.

El nuevo trabajo de la banda ya ha sido considerado como el disco que marca la madurez de la agrupación y, por lo que se oye en los 11 tracks del álbum, todo indica que será la consolidación completa de una joven pero interesante y prometedora carrera musical. En este trabajo, sus integrantes -Romie, Oliver y Jamie- se muestran más unidos que nunca, algo evidente en el propio título del álbum: “Coexist significa que somos tres y nuestra música es fruto de la colaboración de tres personalidades distintas”, comentaron desde página web. Sin duda, el fenómeno que significó su primer disco ha desembocado directamente en esta nueva etapa: “El primer disco estaba hecho con canciones que habíamos hecho desde los 15 años, pero este segundo sobre todo está basado en el último verano. Comenzamos a crearlo cuando acabamos el Tour a finales de 2010, hasta comienzos de este año”, agregaron. También comentaron que no les fue difícil realizar este segundo trabajo, a pesar de las grandes expectativas que fanáticos y críticos tenían. Uno de las razones de esto, sin duda, es haber trabajado junto al productor Jamie XX (productor de Gil Scott-Heron), quien ha tomado un papel tan importante en la banda como el de Oliver y Romie, fundadores de la misma. En cuanto al sonido del nuevo álbum, vuelven a incursionar en climas atmosféricos, electrónicos y muy pop. Las canciones, como en su debut, hablan sobre el amor y las relaciones amorosas. Un disco para cerrar los ojos y relajarse.





10/11

música

Attaque 77 vuelve a sorprender con un nuevo desafío musical. A punto de cumplir 25 años de carrera, la banda presenta Western, su última obra, compuesta por un dúo de DVD y CD grabados en formato acústico en noviembre del año pasado en el épico Teatro Ópera Citi, con la participación de 14 músicos de lujo en escena. La banda, que se formó como un grupo de amigos que se reunía para tocar sus canciones favoritas y comenzó con un estilo punk típico de las agrupaciones de los 80, se encuentra hoy en una de sus etapas más maduras e interesantes, con un sonido más trabajado que rescata influencias de ritmos tan variados como ska, reggae, heavy metal, hard rock, pop y new wave. Pese a haber tenido momentos de mucha popularidad y éxito, acompañados de grandes hits, la banda siempre mantuvo un perfil bajo, sensible y fuertemente comprometido con temáticas sociales. A través de canciones de protesta, se han manifestado en contra de la clase política argentina y del sistema capitalista, y en octubre del año 1997 participaron del festival en homenaje a los veinte años de las Madres de Plaza de Mayo.

attaque 77 Attaque unplugged La legendaria banda de punk-rock nacional cumple 25 años de trayectoria artística y lo festeja presentando su nueva combinación acústica de DVD+CD, con una gira por teatros y salas de todo el país. Texto: Agustina Compagnucci. Fotos: Luciana Aldegani / Prensa.

Dentro de su amplia trayectoria, encontramos giras por Europa, Estados Unidos y América Latina; participación en recitales de bandas de la talla de Sex Pistols, Ramones, Iggy Pop y Motorhead; y varios Discos de Oro, como Todo está al revés (1993), Amén (1995), Amateur (2002) y Antihumano (2003). En el 2008, tras el abandono de su líder Ciro Pertusi (ex guitarra rítmica y voz), la agrupación quedó integrada por Mariano Martínez (guitarra y voz), Leonardo De Cecco (batería) y Luciano Scaglione (bajo). Como trío, dieron importantes shows en Chile, Buenos Aires, Mar del Plata, y Calafate, y presentaron su primer disco, Estallar, un año después. Ahora, con su último trabajo artístico, van por más. Este hito acústico en la actuación de Attaque da lugar a la presentación de versiones inéditas de sus mejores canciones y viene de la mano de una gira unplugged por teatros de todo el país, recorriendo ciudades como Córdoba, Santa Fe, Buenos Aires, Rosario, Salta, Tucumán, La Rioja, Catamarca, San Luis y Mendoza. Para los más fanáticos, a modo de adelanto, durante todo octubre aquellos que compraron entradas para los conciertos pudieron disfrutar, de regalo, de un ejemplar del nuevo DVD+CD en vivo & acústico, antes de su lanzamiento oficial. Éste, además, viene con un plus, que sólo se descubre mostrando una estrella -incluida en el arte del disco- frente a una webcam. Más info: www.attaque77oficial.com





Gravitying, ganador de la nueva campaña de adidas Originals

“Creemos que debe haber un antes y un después de esta iniciativa de adidas”

Con más de 1.600 votos del público, el grupo de tramp wall Gravitying fue elegido ganador argentino del concurso “All Originals Represent”, lanzado por adidas en todo el mundo. Lucas Piedras (trapecio, acrobacia de piso y cama elástica), Sebastián Afonso (cintas, verticales, cama elástica y acrobacia de piso), Alejandro Aquino (báscula, cama elástica, acrobacia de piso, zancos y verticales) y Juan Manuel Barreto (acrobacia de piso, verticales, báscula, cama elástica y zancos), integrantes del grupo de trampo wall Gravitying, fueron elegidos como los más originales del concurso “All Originals Represent”, que convocó a grupos de amigos a representar lo suyo, para demostrar su estilo propio y sus ganas de ser parte de la marca.

el fenómeno del pop coreano 2NE1, el jugador más valioso de la NBA Derrick Rose y el exitoso diseñador Jeremy Scott. Localmente, la campaña fue apoyada por celebrities como Nicolás Riera, Rocío Igarzábal, María del Cerro, Benjamín Rojas y Manuela Viale, quienes grabaron sus videos motivando a todos los grupos de la Argentina a compartir sus pasiones y talentos. El jurado que intervino en la votación estuvo integrado por la conductora de radio Julieta Pink, el experto en wakeboard y action sports Fernando “Ardilla” Borrello, el DJ Nico Cota y el equipo de Comunicaciones de adidas Argentina.

La iniciativa formó parte de la campaña 360° “adidas is all in”, que mostró el espíritu creativo de calles de todo el planeta, desde Nueva York hasta Tokio, París, Buenos Aires y Río de Janeiro, desafiando a los consumidores a representar a su grupo de amigos y sus pasiones, y contó con la participación de figuras de la talla de la cantante Nicki Minaj y del artista de hip hop Big Sean,

Los integrantes de Gravitying, que protagonizan la actual campaña de adidas Originals en Argentina, basada en el deseo de autoexpresión, contaron en una entrevista exclusiva con BK: “Entrenamos juntos desde hace algunos años, y el grupo surgió a principios de 2012 por las ganas compartidas de hacer algo nuevo que nadie practica en Argentina. Para la campaña, ade-


más, incorporamos a nuestro equipo a las acróbatas de piso y de cama elástica Lola Werner, Paula Wittib y Nicola Le Rougetel”. “Nuestro estilo es la combinación de lo que aporta cada uno de nosotros. Funcionamos como grupo porque los logros de uno alientan al resto. De esa manera nos motivamos para vencer los miedos y nos acompañamos en la adrenalina de cada giro; somos un grupo incluso cuando volamos. Esta es nuestra pasión”, agregan Lucas, Sebastián, Ale y Manu, casi al unísono. El trampo wall, disciplina que practican, permite suspenderse en el aire mediante una cama elástica que les sirve de plataforma para dispararlos más alto con cada rebote y hacer acrobacias en el aire hacia una pared que los ayuda a potenciar sus saltos. “Esta disciplina es nueva en Argentina y eso ya nos hace originales. Nuestros shows son enérgicos y dinámicos, no estamos quietos ni un segundo. Además, esta actividad implica una alta cuota de

riesgo. Cada salto que damos genera un nuevo desafío porque, por más que hayamos ensayado, las acrobacias salen distintas cada vez que se las ejecuta. Esa adrenalina que sentimos es percibida por el público, que se mantiene expectante a cada movimiento y se siente al límite en cada salto”. En relación a la oportunidad de protagonizar una campaña de adidas Originals, comentaron: “Es una experiencia extraordinaria, algo que nunca habíamos vivido. Nos parece super interesante vincular a Gravitying con una marca como adidas. Este tipo de acciones representan una oportunidad única de dar a conocer lo que nos apasiona. Y en nuestro caso, de mostrar algo nuevo en el país. Nos estamos exigiendo más como acróbatas profesionales, y estamos armando shows cada vez más variados y complejos. Creemos que debe haber un antes y un después de esta iniciativa de adidas”.


16/17

música

Fui hecho para amarte Con casi medio siglo de carrera, Kiss regresó a la Argentina con disco nuevo bajo el brazo, Monster, y lo presentó el 7 de noviembre en el estadio River Plate ante miles de fanáticos. Texto: Nicolás Sobrero. Fotos: Prensa.


Una cara pintada con denso maquillaje blanco resalta los ojos de Paul Stanley. Su inigualable voz suena enérgica como hace 40 años. Imposible sería que el icónico Starchild no arrancara el show con algunos temas de su nuevo y esperado disco, Monster. A su lado, Gene Simmons se impone con su vanidosa y gigantesca lengua, dando muestras claras de que hay Kiss para rato. La copiosa marea enardecida reacciona ante la magnitud del espectáculo y un cálido oleaje en claro apoyo a los renovados y arriesgados ritmos por los que la banda de los soldados imbatibles del rock transita en estos días, inunda el estadio. Sus trajes negros los hacen lucir como dioses de otra galaxia, una tripulación intergaláctica que termina de conformarse con el guitarrista Peter Criss -“Catman”- y el baterista Ace Frehley -“Spaceman”-, destinada a mostrarle a los terrestres como suena el verdadero rock and roll. El show comienza con los nuevos singles “Hell or Hallelujah”, “Wall of Sound” y “Back to the Stone Age” y hacen entrar a todos rápidamente en calor. Con cada uno de los temas la agrupación demuestra que mantiene vivo el distintivo sello rocker de Kiss, pero a diferencia de sus últimos (y olvidables) discos, esta vez lo hacen sin repetir fórmulas, bajo un claro intento de renovación sonora. El resultado son composiciones imprudentes, genuinas y que se adecuan perfectamente al actual espíritu musical. Además, Monster no deja de adecuarse con precisión a la monumentalidad que caracteriza al gran espectáculo audiovisual que propone la banda desde sus inicios en un invernal Nueva York de 1973. Como era de esperar, en su nueva visita a Buenos Aires los Kiss no se privaron de una puesta en escena demoledora provista de fuegos artificiales, explosiones, sangre (de utilería) y el más puro rock a tope.

Como si fuera poco, con sus arriesgados disfraces y el incomparable maquillaje han logrado trascender la barrera del tiempo, convirtiéndose en íconos retomados hasta el hartazgo por la cultura pop y llegando a convertirse en inspiración no sólo para músicos, sino también para grandes artistas visuales como Robert Rauschemberg o Damian Hirst. Su legado es, fue y sigue siendo innegable y no hay dudas que su combo de rock y glam seguirá atrayendo a nuevos seguidores por muchos años más. River se desploma por completo cuando al promediar el show llega el momento de repasar los grandes éxitos del cuarteto. Stanley y Simmons entran, así, en una extensa ronda de hits y corroboran que los clásicos jamás pasan de moda. Se suceden temas como “Take Me”, “Calling Dr. Love” y la caliente “Firehouse”, y la marea de fanáticos se colma de pasión. El éxtasis total llega con temas como “Lick it Up”, “Rock & Roll All Nite” y “I Was Made For Loving You”. Durante más de dos horas, aquella calurosa noche la banda hizo revivir a más de 50 mil personas el entusiasmo de sus primeros fanáticos, con temas de algunos de sus álbumes más importantes como Kiss (1974), Dressed to Kill (1975), Destroyer (1976), Rock and Roll Over (1976) o Unmasked (1980); con hits de sus discos de la década de los ochenta como Creatures of the Night (1982), Lick It Up (1983), Asylum (1985) y Crazy Nights (1987); y con algunos de los noventa, pertenecientes a Revenge (1992), Carnival of Souls: The Final Sessions (1997) y Psycho Circus (1998). De esta manera concluyó el nuevo paso por Argentina de una de las bandas más legendarias de la historia de la música mundial; una de las pocas que, tras tantos años de carrera, se mantiene fuerte y vigente igual que en sus inicios. Kiss es una leyenda viviente.


18/19

arte

Anika Lori ha logrado crear un universo surrealista y único, combinando de manera casi armoniosa elementos tan disímiles como gente famosa, caras anónimas, ojos, extremidades, animales, formas geométricas y muchos colores, que resulta en obras donde nada es lo que aparenta ser. La artista, pintora, fotógrafa, collagista y performer, estudió en Fatamorgana, la Escuela Danesa de Fotografía artística y documental, y vive actualmente en Copenhague. Ha realizado, además, arte de discos, videoclips musicales, ilustraciones, instalaciones y videoarte. Este modo integral de relacionarse con el universo creativo la convierte en una de las artistas más interesantes de este siglo. ¿Cómo fue que te convertiste en artista? Dibujar, colorear y crear fue de chica -y aún hoy lo es- mi gran escape. Creo que mi arte existe porque tengo muchísimas cosas que necesito sacar de mi sistema, cosas explosivas y peligrosas para mí. Me gusta, por ejemplo, contar historias con objetos que encuentro en la calle o con fotos de todo tipo, porque tienen un lazo entre sí desde el vamos, y técnicas como el collage me permiten deformar, recrear o dar completamente vuelta la historia que podrían llegar a unir esas imágenes. ¿Cómo es tu proceso de trabajo?

anika lori “Trabajo desde el estómago, usando y no usando mi mente”

Entrevistamos a la afamada danesa que se ha ganado su lugar en la escena mundial del arte a través de un estilo caótico, místico y rocker. Texto: BK Mag Staff. Fotos: Prensa.

Comienzo desde mi estómago usando y no usando mi mente. Un momento divino, por decir algo. Luego, mi cerebro se apodera de esa bajada “de arriba” y la destruye y deforma por completo. Suelo dar vuelta todo y siempre algo termina siendo parte de una próxima obra. Es bastante caótico el proceso, sin embargo descubrí cómo crear un marco conceptual muy grande que abarque todo. ¿Cómo describirías los temas que abordás en tus obras? Me interesa todo aquello que se relaciona con las identidades, la madre, la muerte, la vida después de la muerte, los demonios. ¿Cuáles son tus fuentes de inspiración? Me inspiro constantemente. La música y los viajes me fascinan. La gente en general. Me siento inspirada tanto cuando estoy despierta como cuando estoy dormida. Sueño mucho y recuerdo bastante. Viví en Haití en el 2007 y ese fue el momento más bello de mi vida. Adoro el arte de allá, tan honesto, doloroso, repleto de muerte y símbolos. ¿Qué tipos de artistas te interesan? Oh, ¡hay tantos! Me gusta mucho cuando los artistas son oscuros y graciosos a la vez. Tan sólo por nombrar algunos: Peter Doig, Tal R, Daniel Richter, COBRA, Kembra Pfahler, Matthew Stone y Christian Finne, además de muchos artistas de Haití.



20/21

música

Empacho musical Con sus mezclas, el Dj Villa Diamante desestructura la música electrónica para convertirla en un reducto de diversos géneros musicales, haciendo que hip hop, reggaetón y folclore suenen de forma casi armoniosa en un mismo tema. Dale play a este diamante en bruto. Texto: Amparo Quiroga. Fotos: Alejandro Ortigueira / Sol Del Río / Cortesía Red Bull.


Proyectos Hace casi un año Villa Diamante abrió una disquería de música argentina independiente junto con cuatro amigxs (Mercurio Disquería), con la idea de darles un espacio a artistas que no se comercializan en espacios convencionales. Desde enero trabaja con el Combinado Argentino de Danza, un elenco “inestable” (incorporan bailarines locales del lugar por el que pasan en cada presentación) de chicos y chicas no profesionales de la danza que bailan desde hip hop, hasta malambo y danza contemporánea, todo acompañado por mucha improvisación. Como DJ, Villa Diamante tira mashups mientras los bailarines muestran su arte, generando que el público también termine bailando. Está preparando varios nuevos discos de mash-ups, mientras sigue trabajando con ZZK Records y ZIZEK Club, fiesta que ya cumple 6 años, “por lo que no queda otra que festejarlo bailando, como siempre: ¡por Amor al Baile!”. Podés escuchar la música de Dj Villa Diamante a través de: www.myspace.com/ villadiamante

Diego Bulacio, más conocido como Villa Diamante, es uno de los Dj y productores que pisa con más fuerza en el circuito indie-electrónico local. Sus mezclas a lo bastard pop sorprenden con uniones impensadas entre cumbia, hip hop, folclore, música electrónica y rock nacional, y lo ubican en el centro de la escena musical desde mediados de 2004, cuando comenzó tocando en galerías de arte, clubes locales y de hip hop. Con su estilo tan particular, desde ese momento hace bailar a cientos de personas con su música compuesta por ritmos y cadencias diferentes, en espacios como Boquitas Pintadas, Bahrein, Le Click, El Dorado, TheLimit, Niceto, La Cigale, o compartiendo cabina con otros artistas locales como los Djs Pareja, Violet, Campeón, Oro11, Flavio Etcheto, Stuart, Iluminados, Loder, Groovedealers. - ¿Por qué “Villa Diamante”? - Villa Diamante es el nombre de un barrio en Valentin Alsina, Lanús, donde viví mucho tiempo y aún lo hace mi familia, muy cerca de barrio Obrero al que le canta 2 Minutos. Cruzando el puente Alsina, una tarde vi escrito “Aguante Villa Diamante” y me pareció que era el nombre indicado para lo que venía haciendo: una idea de mezclar música de diferentes géneros. - ¿Qué es el bastard pop o mash-up, técnica que elegís para hacer música? - El mash-up es, básicamente, mezclar la pista instrumental de un tema, por ejemplo, de Intoxicados, con la voz sin música de fondo de otro diferente, por ejemplo Pharrel Williams. De esta forma, es posible generar algo nuevo, como una mezcla de rock barrial con hip hop norteamericano. Esa idea se puede llevar a lo que se te ocurra, así salen mis mash-ups: mezclando, sin pudor, folklore, cumbia, dubstep, hip hop, rock argentino y cualquier referencia que me parezca la indicada, siempre con música que me gusta, con artistas del under o del mainstream que respeto y admiro. - ¿Cómo lográs que estilos tan diferentes puedan fusionarse en un mismo tema? - Me gusta pensar que con dos canciones que me gustan puedo generar algo inaudito, algo que no existe. También juego mucho con la sorpresa, con hacerte bailar en la pista algo que jamás hubieras imaginado y que encima... ¡te guste! Trabajo sin prejuicios, intentando romper límites. Los prejuicios los pone la gente, la música no tiene límites.

- Uno de tus discos se llama Empacho Digital, ¿por qué ese nombre? - Empacho Digital es una sintomatología contemporánea; es estar todo el tiempo consumiendo información de la televisión, internet, mp3, diarios y revistas, redes sociales y más y más música; mucha información difícil de digerir. Empacho Digital es un disco triple de mashup’s donde involucro a una cantidad inmensa de artistas, en los que suenan desde Intoxicados y Tego Calderón hasta M.I.A. y Los Encargados de Daniel Melero. - En el 2006 fuiste uno de los organizadores y Dj’s de “ZIZEK”, una fiesta semanal que se transformó casi en un culto. ¿Hay alguna relación entre la música que pasaban en esa fiesta y el nombre del filósofo que eligieron para nombrarla? - Es medio lúdico cómo apareció el nombre de esta fiesta. Leyendo a Slavoj, me gustó la manera en la que maneja referentes de la cultura popular para hablar de otras cosas: usa Star Wars para hablar del imperialismo, frases como “La verdad está ahí afuera” de X-Files a modo de citas literarias. Esas cosas lo vuelven un escritor muy cercano al bastard pop. Además, estaba buenísimo pensar en que el nombre de un filósofo esloveno representara ¡una fiesta de cumbia y hip hop! ZIZEK es un nombre con mucho punch. - No vendés tus discos y toda tu música se puede descargar y escuchar de forma gratuita a través de Internet, ¿por qué preferís esta vía para distribuir lo que hacés? - Básicamente, el mash-up es algo ilegal que no podría vender porque estaría usufructuando los derechos de autor de otros artistas. Dentro de lo que es la ética del mashupero, regalar los mash-ups es la forma de que le llegue a la gente y, a su vez, no estar abusando de ningún artista a quien admiro y respeto. Además, Internet hace que la llegada de la música sea infinitamente más masiva. - ¿Qué esperás que tu música impulse en el que la escucha? - Curiosidad, que escuchen algo que no conocían y que luego lo busquen o indaguen sobre ese género. Mucha gente se me acerca a veces a decirme que no escuchan tal estilo pero bailando mis sets comenzaron a entenderlo y a buscar artistas por ese lado.


22/23

música

Best Fest

of

Los mejores festivales y conciertos de la temporada A lo largo del 2012, los amantes de la música se vieron envueltos en una marea repleta de shows internacionales. Los meses de octubre y noviembre no fueron la excepción, con la visita de los “reyes” del brit-pop, el “niño” malo de las pistas de baile y los “herederos” de Sonic Youth. Textos: Nicolás Sobrero. Fotos: Prensa.


encendió la rave con todos los hits que creó en su corta y exitosa carrera. Además de los temas de sus dos discos de estudio - I Created Disco (2007) y Ready for the Weekend (2009)–, Harris encausó el show con el objetivo de mostrar las primeras canciones de su último y flamante álbum, 18 Months. La fecha de lanzamiento del álbum fue el 29 de octubre y en él trabajaron junto a Harris artistas como la diosa del R&B, Kelis, y Ne-jo. Entre los nuevos sencillos, en Buenos Aires sonaron “Let’s Go”, “Bounce”, “I Feel so Close” y la promocional “Awooga”, aunque también agitaron los clásicos “Acceptable in the 80’s”, “The Girls”, “I’m Not Alone”, “The Rain” y el popular tema “We Found Love”, junto a la cantante de Barbados, Rihanna.

Blonde Redhead El trío neoyorquino tocó por primera vez en Argentina y aterrizó en el escenario de Niceto Club para presentar Penny Sparkle, su último y flamante álbum. Los amantes de la música sabrán reconocer los méritos de Blonde Redhead en la escena del rock alternativo de la década de los noventa: formada originalmente por la intérprete japonesa Kazu Makino y el bajista Maki Takahashi, junto a los gemelos Simone y Amadeo Pace en un restaurante de Nueva York en 1993, desde entonces no para y por fin llegó el turno de que sus admiradores locales pudieran apreciar el combo en vivo de guitarras disonantes, cambios de ritmos repentinos y la estrafalaria voz de Makino. La cita fue el 29 de septiembre y la banda presentó – además de sus clásicos más esperados– las nuevas canciones grabadas en Nueva York y Estocolmo. El show confirmó la renovada etapa dentro del sonido de la agrupación: junto a una visión amoldada a los tiempos que corren, Blonde Redhead se rodeó de algunos de los mejores productores actuales y el resultado son temas que dejan de lado un poco las guitarras y la disonancia, para darle lugar a los sonidos electrónicos, una beta incesante que hizo mover a todos los espectadores del extraordinario show.

Suede La célebre banda liderada por Brett Anderson hizo delirar a sus fans argentinos en un íntimo, poderoso y emotivo show el 20 de octubre en La Trastienda Club. Aterrizaron en Buenos Aires embarcados en una gran gira sudamericana que los llevó también por México, Perú y Brasil. En el espectáculo, la banda que supo ser una de las figuras principales del brit pop junto a Oasis, Blur y Pulp, repasó sus grandes éxitos. Entre ellos, sonaron clásicos como “So Young”, “Animal Nitrate” y la muy coreada “Beautiful Ones”. Luego de estar 7 años separados, los integrantes de Suede confirmaron su gran regreso a los escenarios y volvieron a consolidar su destacada posición dentro del rock mundial. En su show en Argentina se los alabó sin par, sin embargo, se echó de menos a uno de los puntales de la banda en sus principios, el guitarrista y también compositor Bernard Butler.

Marilyn Manson El extravagante cantante y compositor estadounidense regresó a la Argentina dentro del marco del tour de presentación de su flamante octavo disco de estudio. La vuelta la realizó con una puesta en escena de primer nivel, en el marco del Maquinaria Fest, que llegó por primera vez a Buenos Aires con una grilla de artistas en la que el heredero de Alice Cooper (o Brian Hugh Warner) fue líder y cabeza. Allí presentó Born Villain, el nuevo álbum que fue lanza-

Pulp Se trata de una de las bandas de brit-pop más destacadas de las últimas décadas. Todos sus admiradores se deleitaron en vivo con la llegada de los británicos liderados por el carismático Jarvis Cocker, que aterrizaron el 21 de noviembre en el Luna Park y sonaron de lujo. do en abril de éste año y que marca el retorno a la cúspide del éxito del cantante; el miso que entró en los chart de los 10 más vendidos en varios países y debutó en el número 10 de los 200 más vendidos del mundo. Esto ha puesto a Manson de vuelta en el mainstream norteamericano y, sin duda, oiremos de él por mucho más tiempo. En el Maquinaria Fest sonó fuerte, tenebroso y tan extrovertido como siempre.

Calvin Harris El DJ y productor escocés regresó en el marco de la Creamfields 2012 con un Dj Set que hizo de la pista una fiesta inolvidable. El 10 de noviembre, en el Autódromo de Buenos Aires, el músico de 28 años nacido en Dumfries, Escocia, ocupó su lugar en la cabina y

Luego de una inesperada separación, la banda demostró que ha regresado con más fuerza que nunca. En el aguardadísimo show sonaron grandes clásicos como “Lipgloss” de His’n’ Hers (1994), el clásico “Disco 2000” proveniente de Different Class (1995), la estremecedora “A Little Soul” de This Is Hardcore (1998) o la inolvidable “Bad Cover Version” de su última producción hasta la fecha, We Love Life (2001). Su visita vino acompañada de la noticia sobre la reedición de sus tres primeros trabajos discográficos: It (1983), Freaks (1987) y Separations (1992). Según comentaron desde su página oficial “nos encontramos trabajando en nuevas canciones mientras nos armamos para la nueva gira por Sudamérica” y agregaron “no sabemos cuándo habrá nuevo material listo para que sea oído, pero sin duda tenemos muchas ganas de que una nueva generación escuche nuestras canciones”.


De chicos y chicas B. Si alguna vez se encontraron con un grupo de chicxs bailando danza acrobática entre saltos, contoneos geométricos, revolcadas y giros violentísimos en el suelo, estuvieron ante un espectáculo performance de b-boying, o b-girling (si la que bailaba era una chica). Esta postal es cada vez más común en las grandes ciudades del mundo, en las que la cultura hip hop hace explosión, entre disciplinas como el rap, el graffiti, el beatboxing y, por supuesto, el b-boying. Y sí, hay que decirlo, es hermoso ver todo eso junto. Textos: Javier Sisti Ripoll. Fotos: Prensa / Cortesía Red Bull.

Nacido en el Bronx neoyorquino a mediados de la década de los 70, de la mano de un DJ jamaiquino llamado Kool Jerc, el b-boying se expandió por el mundo rápidamente. Hoy casi todos conocemos un b-boy (o una b-girl). Como todas las expresiones artísticas nacidas al calor del hip hop, el b-boying apoya un pie en el desafío, el dogfight y la sana competencia; así como también en una compleja terminología, innumerables recursos estilísticos, y claro, una rica historia. Sus orígenes se remontan al inicio de la fusión electrónica de géneros bailables negros, mucho antes de que el hip hop funcionara como una disciplina autónoma con rasgos estilísticos fuertemente constituidos. Hoy la música para el b-boying, es, claro, el breakbeat, pero podríamos decir que esta disciplina evolucionó junto a la música y se fue convirtiendo, junto con ella, en un elemento constitutivo de la cultura hip hop. Llevando en su Cadillac sus bandejas giradiscos (turntables) y unos tremendos altavoces, Kool Jerc organizaba, allá por los 70, fiestas espontáneas y callejeras, que comenzaron a hacerse cada vez más populares, por su forma de mezclar canciones de moda, funk principalmente. El jamaiquino se dio cuenta rápidamente de lo mucho que el público se animaba cada vez que sonaban los breaks -partes instrumentales- de las canciones funk de James Brown. Fue entonces


cuando decidió tomar la aguja del tocadiscos y manualmente regresarla al punto de la canción en el que había empezado el break, para extenderlo tantas veces como lo quisiera. De esta manera, fue de a poco perfeccionando la técnica, utilizando dos discos del mismo álbum para reproducirlos uno detrás de otro y conseguir el mismo efecto que inicialmente lograba manualmente al mover hacia atrás la aguja del tocadiscos. Esto fue conocido como breakbeat y permitió la evolución y creación de un nuevo estilo de baile. En este contexto nace la figura del b-boys, los chicos negros y latinos que, extasiados por la original música, comenzaban a bailar frenéticamente por el suelo. El mismo Kool Jerc los bautizó como b-boys y b-girls, incorporando la B adelante por la apócope de break. Si bien es cierto que hay otras fuentes que aseguran que la palabra b-boy procede de fechas anteriores, cuando los Nigga Twins se autobautizaron de este modo, emparentando el término al beat, lo cierto es que fue necesaria la aparición del DJ Kool Jerc para extender su uso y el propio baile, así como su técnica de mezcla, sampleo y collage musical, dando base a tensos y cargados ritmos superbailables. Por otro lado, la figura del MC (master of ceremony), el tipo del micrófono, que en una primera instancia animaba las fiestas callejeras en los barrios negros, fue mutando al calor de los versos políticamente cargados de los Last Poets, un grupo de poetas y músicos que surgió a finales de los años 60 a partir del movimiento afroamericano de lucha por los derechos civiles. Entre ellos sobresale la figura de Gil Scott Heron, cuyas canciones tenían una riqueza lírica y una carga sumamente politizada que marca la prehistoria del rap. Más adelante, los Afrika Bambaataa serían reconocidos

como los primeros en utilizar el término hip hop para nombrar esta subcultura; mientras que Grandmaster Flash, junto con KRS One o Fat 5 Fredd harían que el rap se extendiera como el género musical característico del entorno hiphopero. Los b-boys le pusieron el cuerpo a todo esto, a fuerza de saltos y contorsiones, destreza y pasión. Bailando al compás de grandes parlantes, pequeños boombox o acompañados por el sólo ritmo del beatboxing (una especie de percusión vocal, que a través de la boca, los labios, la lengua y la voz produce beats de batería, ritmos y sonidos musicales), esta disciplina se convirtió, rápidamente, en un baile callejero que trascendió fronteras.

Fechas, caras y nombres Como ya dijimos, aunque ya existían otras manifestaciones callejeras precursoras, los b-boys recibieron su nombre y comenzaron a hacerse cada vez más populares en las fiestas de DJ Kool Jerc. En 1968, en la zona de Brooklyn, había nacido una modalidad de baile característica de las bandas de New York de aquellos tiempos, que se extendió por todas las discotecas y pubs de la zona: el rocking o uprocking o Brooklyn rock, un baile que se realiza de pie, en pandilla, con actitud belicosa y simulando un enfrentamiento con amagues de golpes al ritmo de una música vibrante. Poco tiempo después, nació en Los Ángeles el locking, de la mano de Don Campbell. Algo más tarde, James Brown


se ponía en llamas bailando “Get on the good foot”, tan enérgetico y espectacular que los jóvenes de la época empezaron a imitarlo. A éstos rápidos movimientos de pies, combinados con algunos drops y pasos ágiles en el suelo, se los llamo good foot, siendo éste el punto de partida de lo que luego se llamaría b-boying. En esta misma zona, otros estilos de baile evolucionaban y se ponían de moda. El popping, el locking, el electric bógalo, todos adoptados por la cultura hiphopera. Mientras que en el Bronx se bailaba más en el suelo, en Los Ángeles se bailaba de pie, centrando los movimientos en las articulaciones, ya fuesen expresivas y flexibles, o imitando los movimientos de robots. ¿Robots? Sí, es que estas danzas fueron muy influenciadas por las películas de artes marciales, de autómatas y ciencia ficción, muy en boga en los 70.

Mientras tanto, en el Bronx, con la energía, el ritmo y el sudor de JoJo y Jimmy D, se fundaba en 1977 la Rock Steady Crew. Para muchos el grupo de b-boys más importante de la historia y quienes pusieron de moda esta disciplina entre los jóvenes de los suburbios newyorkinos. Inicialmente eran cuatro miembros y se llamaban Untouchable Four B-boys, aunque luego sumaron unos cuantos nuevos miembros, por lo que decidieron cambiar su nombre. Dirigidos por el carisma casi místico de JoJo y sus enseñanzas, se convirtieron en uno de los grupos más influyentes del b-boying, contribuyendo enormemente a la evolución y difusión de la disciplina. Algunos otros miembros célebres de la RSC fueron Rubberband (creador, además, del rocking), Crazy Legs, Mr. Freeze, Ken Swift, Buck 4 y Kuriaki.

B-boys de acá Before you rock the floor, you have to let the music rock your soul Popularizador de la frase que marcó el universo b-boy, a mediados de los 70 surgió una de las figuras más importantes de esta disciplina. Conocido bajo el seudónimo de Spy, batallaba en los Crazy Commanders Crew, y dominó la escena hasta casi los años 80. Spy hizo escuela: se sirvió de los viejos movimientos y los adaptó a su propio estilo. A partir de esa base creó muchos otros trucos que los b-boys más jóvenes luego adoptaron. Se lo considera creador de la foundation del b-boying, de sus movimientos básicos y de pasos esenciales como el six step, el baby freeze o el top rock de estilo latino. Su gran arsenal de movimientos hizo que se ganase el apodo de “The man with a thousand moves”. Lo cierto es que Spy se dejaba llevar por la música como nadie, y fue una gran influencia, casi un héroe para todos los b-boys y b-girls.

En la década de los 80 el b-boying comenzó su período de comercialización, copando todos los medios de comunicación y siendo completamente asimilado por la cultura hegemónica. Lo que había nacido en una subcultura romántica de resistencia se convirtió en un espectáculo masivo. Lo que empezó como un baile que se practicaba sobre cartones en la calle, de repente se trasladó a los clubes y discotecas del momento, donde todos los que practicaban hip hop comenzaron a “competir” con otros jóvenes por nuevas y mejores destrezas. Viendo un nuevo nicho de mercado para explotar, los grandes productores de contenidos mediáticos llevaron a la pantalla la escena b-boy rebautizándola comercialmente como breakdance, término hoy en día defenestrado por toda la comunidad del hip hop. Este nuevo término era nombrado en cada programa de TV, cada revista y cada frecuencia de radio, lo que llevó al asalto y desprovisto del sentido inicial de la forma de vida de los b-boys


Movimientos El b-boying es un baile. No tiene nada que ver con la gimnasia, artes marciales o el circo, aunque se incorporen en sus rutinas elementos de estos. Es ante todo una danza, porque consiste fundamentalmente en expresar algo a través de la música. Respecto a las particularidades de esta forma de baile existen unos cuantos movimientos básicos que son: Top Rock: Es la parte de baile que se realiza de pié, se considera una parte fundamental, donde el bboy demuestra su estilo y sus habilidades para moldear sus movimientos con la música, y expresar algo a través de ella. Footwork ó floor rock/down rock: Es la parte que se baila en el suelo. Son movimientos combinados con pies y manos, que al igual que el top rock, es otra parte muy personal en la forma de bailar, en la que se ve el estilo de cada uno y la fluidez los movimientos. Freeze: Es la parte del b-boying referida a los bloqueos, los movimientos estático, o equilibrios; que sirven tanto para finalizar una rutina, como para marcar partes de una canción, con el fin de crear algun otro tipo de sensación en el espectador. Se podría usar como en el silencio en el habla, es un recurso con miles de utilidades. Powermoves: Es la parte que comprende los movimientos más gimnásticos del b-boying. Aquí están incluidos los molinos, giros con la cabeza, con la mano etc. En el b-boying se suelen incluir también una serie de movimientos y trucos que no son propios de la disciplina pero que han sido adoptados por gran cantidad de bailarines. En este repertorio se incluyen saltos y aéreos, drops y suicides.

Si bien las películas comerciales surgidas en el auge mediático de lo que entonces se llamó breakdance -como Beat Street, en la que se puede ver a los New York City Breackers librar una batalla impresionante contra sus rivales de Rock Steady Club; Breakdance y Electric Boogaloo- provocaron la diseminación del b-boying por todo el mundo, la escena original tendió prácticamente a desaparecer de los parques de New York. El desencanto de la exposición masiva de esta subcultura la hizo perder su atractivo misterio y la escena del b-boying sobrevivió de manera subterránea. Sin embargo, la vida se abre caminos: en Alemania ya existía una gran cultura de hip hop y algunos de sus exponentes de vieja escuela fueron a buscar las raíces de su danza a New York, animando a las viejas glorias del b-boying a seguir bailando y reanimando la escena.

B-boying en Latinoamérica y Argentina El b-boy dancing tuvo una rápida difusión en Latinoamérica. Hacia los 80 ya era una

expresión del pulso urbano en México y en gran parte de Centroamérica, encontrándose en países como Colombia y Venezuela, varias crews prestigiosas de b-boys. Por cercanía geográfica e intercambio cultural, los jóvenes latinoamericanos se apropiaron del hip hop como lenguaje y mística que narró la épica barrial. Al mismo tiempo, se desarrollaba muy cerca de nuestro país la impresionante escena break dance brasileña. La cercanía entre el b-boying y el capoeira generó una progenie de b-boys exquisitos, anfitriones, junto con México, de las más importantes batallas. En nuestro país, uno de los únicos de la región dueños de un patrón cultural definidamente eurocéntrico, el b-boying apareció a comienzos de la década de los 90, con la masificación de la televisión por cable y la convertibilidad, y creció a un ritmo vertiginoso, especialmente en lo que va del siglo. Los primeros en revolcarse y revolear sus piernas en la costa del Río de La Plata fueron Alfa, Apolo Novax, Cotelo, Piraña, Marcelo Cabrera, Mc Ninja y Robytor. Otras figuras, como Jazzy Mel, se convirtieron con esta disciplina en figuras masivas y pa-


Las competencias La expansión y popularidad del b-boying, además de su naturaleza estética y acrobática, ha generado un circuito internacional de competencias en los que se miden b-boys y b-girls de todo el mundo. La más importante y espectacular es la Red Bull BC One, creada en el 2004 y en la que actualmente participan miles de bailarines de todo el mundo. La competencia se desarrolla en gran cantidad de países en los que se elige un ganador que pasa a competir en una de las seis fases regionales (África, Europa, Sudamérica, Asia, Oceanía y Estados Unidos). La gran final se realiza cada año en un país diferente, en la que participan dieciséis competidores: seis elegidos en las fases regionales y nueve escogidos por expertos en la disciplina y el campeón del certamen anterior. Otra competencia importante es la Battle of the Year (BOTY), creada en Alemania en 1990. Allí participan crews de b-boys, en varias competencias grupales. También cuenta con eliminatorias regionales y las crews clasificadas compiten en la final que se lleva a cabo en la ciudad francesa de Montpellier. The Notorious IBE es una competencia creada en 1998 también en Alemania. No es un torneo en el sentido tradicional porque no hay jueces ni escenarios. La puesta es en múltiples espacios circulares de baile, rodeados de gente, y los ganadores son elegidos por el público presente. En este evento hay categorías múltiples, como la batalla de b-girls crews o la batalla Seven 2 Smoke, donde los ocho b-boys mejor rankeados batallan entre sí. La más entretenida y visceral es la All vs. All Continental Battle, donde compiten entre todos los b-boys europeos, norteamericanos, asiáticos y latinos. El Circle Prinz, por su parte, plantea una competencia a muerte, o casi: en un espacio pequeño bailan gran cantidad de b-boys; el que abandona pierde y el último que queda de pie hace de su danza la gloria. Del otro lado del mundo, la R16 Korea es una competencia fundada en 2007. En ella compiten las dieciséis crews mejor rankeadas en el mundo. Los b-boys son evaluados de acuerdo a cinco criterios: batalla, fundamentos, dinámica (power moves), originalidad y ejecución. Hay un juez para cada categoría y los resultados se muestran en una pantalla gigante para que el público pueda llevar la cuenta de quién va ganando. B-Boy Summit, quizás una de las menos nombradas por incluir un solo concurso, justo antes de finalizar, es una conferencia internacional que se desarrolla en San Diego, California, durante cuatro días. Fue fundada en 1994 por la b-girl Nancy “Asia one” Yu, y es algo así como una cumbre b-boy, que pone énfasis en la historia del hip hop y los referentes que marcaron sus raíces. Un verdadero momento de comunión para b-boys, raperos, DJs y graffiteros.

searon su rap por todos los medios, haciendo crecer el interés en el b-boying. Poco tiempo después, Run DMC y Beastie Boys sonaban en las plazas de Buenos Aires y el breakdance comenzaba a hacerse parte del paisaje porteño. Hoy en día, el b-boying goza de una popularidad in crescendo en nuestro país. En el Gran Buenos Aires se cuentan por decenas de miles los chicos y chicas que practican esta disciplina. La Plaza Seca del Shopping Abasto es un must en punto de encuentro. Allí nunca falta un bailarín mostrando sus quiebres. De la misma manera, el movimiento se expandió por todo el país, teniendo una manifestación importante en ciudades como Rosario y Córdoba. Si bien el hip hop y todas sus subdisciplinas sobrevivieron siendo actividades subterráneas, en estos

últimos años ganaron visibilidad y prestigio gracias a exposiciones y eventos como el Puma Urban Art y el Red Bull BC One. Más allá de los eventos mainstream, se cuentan más de dos docenas de batallas de importancia que congregan crews de las veintitrés provincias, en las que sobresalen los nombres de Sisto, Johnny Breaker y Bboy Matrix. Además, grupos como el Combinado Argentino de Danza (CAD), hacen lo suyo en varias presentaciones por mes en distintas partes del país. Aunque no realizan estrictamente b-boying, sino más bien se rigen por la óptica del movimiento de la performance, logran con la mezcla de estilos tan disímiles como la danza contemporánea, el reggaetón, la cumbia, el malambo y el hip-hop, estar muy cerca de la disciplina.


Menos es más Hoy en día, los auriculares no son sólo una herramienta para escuchar música, sino también una tendencia, una marca del estilo personal. Por eso, Panasonic presentó en Milán el último septiembre, su nueva serie de auriculares HXD, desarrollada con un diseño minimalista, integrando la alta calidad de sonido con la funcionalidad y la elegancia. Con un marcado estilo urbano, la línea compuesta por dos modelos da lugar a un look cotidiano, en el que moda, confort y tecnología van de la mano, para brindarte el mejor sonido en cualquier condición ambiental. Los HXD3, de estilo bien moderno, están disponibles en cuatro colores (rojo, blanco, negro y violeta) y cuentan con un revestimiento de silicona para las almohadillas, material ideal para el aislamiento de ruidos. En su diseño se combinan la parte superior de cada auricular en acabado metálico, junto con un marco de superficie mate. Además, sus altavoces de treinta milímetros de diámetro otorgan una respuesta en frecuencia de 10 Hz a 25 kHz. Los HXD5 están disponibles en color blanco o negro titanio con un acabado cromado en su parte exterior. Sus altavoces de 40 milímetros de diámetros brindan un sonido con un poco más de cuerpo y una respuesta en frecuencia de entre 10 Hz y 30 kHz, Además, este modelo incorpora cuero sintético en las almohadillas de los auriculares para una mayor comodidad. En ambas variantes se encuentra disponible la versión plus, que incorpora micrófono y botón de llamadas, haciendo de los HXD los compañeros ideales para escuchar música con smartphones.



It won´t be soon before LONG



Direcci贸n creativa: Diego Timpanaro. PH: Javier Flores Leyes. Producci贸n & Estilismo: Nadia Hnatiw para Concept www.nadiahnatiw.com.Make Up: Solange Perkes. Pelo: Marcelo Pedrozo para Concept. Video: Anibal Vecchio para Concept. Asistente de Produccion: Javier Melfi. Modelo: Ceci Barrios para Civiles Management. Clothing: La Polilla Vestuario. Thanks: Absurda (gafas), Panasonic (auriculares), Sector Nine (longboard) y Pietras Zapatos.


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tecnología

El método Una persona o grupo plasma su idea en video, la sube al sitio, un interesado dona lo que puede o quiere y, si el proyecto recauda el monto necesario en el tiempo pactado, se lleva una recompensa de acuerdo al valor donado. Más claro, echále agua. A las patadas Esto que conocemos como crowdfunding o financiamiento colectivo empezó con Kickstarter en 2009 y funcionó bastante bien: gracias a las donaciones de los usuarios, más de treinta mil proyectos lograron materializarse. En Latinoamérica, el favorito es Idea. me, que arrancó el año pasado con 25 proyectos de Argentina y Chile para extender su territorio virtual y posibilitar que los sueños se cumplan a través de contribuciones en moneda nacional. Qué tipo de proyectos participan

crowdfunding

La diferencia entre tener una buena idea y concretarla

En todo proyecto –desde un país hasta el kiosquito que puso tu tía en el garaje de la casa– interviene un Qué y un Cómo. La primera cuestión se resuelve usando un extra de materia gris, la segunda es un problema cuando lo que falta son recursos. Por suerte, abandonar al hippie interior para calzarse el traje y buscar inversores ya no es la única alternativa. Texto: ChamaLeona. Fotos: Prensa.

Prácticamente cualquiera (que sea legal, ¿no?). Los sitios de financiamiento colectivo normalmente apoyan invenciones tecnológicas, propuestas de cine y teatro, artes plásticas y también actividades solidarias. Hay casos locos como el de Pebble, un reloj multifunción que puede convertirse en reproductor de música, casilla de mensajes, velocímetro para atletas y hasta el mejor amigo de un golfista. Necesitaban cien mil dólares para arrancar pero reunieron ¡más de diez millones! La misma suerte de obtener un monto muy superior al necesario les tocó a los creadores de Form 1, maravillosa impresora que construye objetos de resina imitando diseños 3D. Créanme, ya quisieran tener una de éstas en casa. ¿Se perdió el anillo de bodas? ¿Se rompió el cuerito de la canilla? Con esta máquina podrías zafar aunque sea unos días. En el universo del Todoposible Hasta un guionista reconocido como Charlie Kaufman (Quieres ser John Malkovich, Eterno Resplandor de una Mente sin Recuerdos) “pide plata” por Internet, y no porque le falten productores interesados. Además del fin monetario, el juego también pasa por hacer partícipe a quien quiera depositar su granito de confianza. Un ama de casa puede aparecer en los créditos de una película Made in USA, por ejemplo, y tu abuela tener la última y más novedosa consola de videojuegos sólo con una pequeña colaboración: la Ouya. Todo es posible. También para una parejita tierna de argentinos en Nueva York buscando instalar los Hickies en la moda, que es ¡la solución para no tener que atarse los cordones nunca más! Por supuesto, hay que crear una buena presentación, atractiva y jugosa, para que el método surta efecto. Pero, si hay una idea rondando en tu cabeza, más vale ponerla en acción antes de que te la saquen de las manos.



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Presentado por:

claudio roncoli

El nuevo pop argentino

Claudio Roncoli ha logrado desarrollar un lenguaje propio, único y reconocible, que lo ha situado en un lugar visible del ambiente cultural y el mercado de arte contemporáneo argentino y extranjero. Su producción, constante y múltiple, se despliega en grandes lienzos y objetos artísticos que conquistan a un público que se identifica con su obra gracias a la simplicidad con que ésta es planteada, desde una perspectiva fresca que linda entre el pop, el arte callejero, lo naiv y la gráfica. Texto: Lorena Cevallos. Fotos: Cortesía del artista.


Su nueva muestra, “Lado B”, que incluye pinturas, objetos y hasta papeles pintados con su propia sangre, ofrece una visión más crítica y ácida del mundo contemporáneo y los sistemas de poder. Se puede visitar de lunes a viernes de 10 a 16 hs. entre el 2 de noviembre y el 2 de diciembre, en la Galería Document Art (Loyola 32, CABA).

Claudio Roncoli nació en el barrio de San Cristóbal, en la ciudad de Buenos Aires, el 19 de marzo de 1971. Su padre era dueño de una juguetería y creció rodeado de pequeños robots, lanchas, legos, monitos músicos, autitos de carrera, soldados de plástico, trenes y metegoles. La cercanía con este costado lúdico del consumismo sería, sin duda, una de las fuertes influencias a su iconografía. También lo serían aquellas revistas orientadas al público femenino que aparecieron masivamente durante los primeros años de la década del 80, cuando después de la Dictadura se instaló la libertad de prensa. En ellas, el artista encontraría, años más tarde, una fuente inagotable de imágenes que le servirían para construir su obra. Roncoli estudió Diseño Gráfico en la Universidad de Buenos Aires, trabajó como Director de Arte en varias agencias publicitaras y luego, decidido a convertirse en artista plástico, formó parte de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. La combinación del arte con el mundo de la publicidad es otro de los factores determinantes de una producción que apunta a señalar los elementos comerciales de la vida, sin que ello implique tomar una postura crítica y terminante frente a estos. Para ello, el artista elige una iconografía ligada a la publicidad de las décadas del 50, 60 y 70, aquellas que remiten a la sociedad de bienestar y consumo, a una pequeña burguesía formada por mujeres hermosas, niños saludables y hombres fuertes y seductores. En sus grandes lienzos encontramos amas de casa que realizan tareas domésticas, posan junto a sus amigas, pasean por playas o trabajan de azafatas; niños que juegan a la ronda, asisten a cumpleaños y hacen sus deberes, y padres que se sientan en la cabecera de las mesas e imponen orden. Pero también hallamos figuras icónicas del pop, artistas, personajes de historieta, postales antiguas y figuras de glitter que configuran una atmósfera seductora de colores brillantes y elementos decorativos. En su obra las minorías no existen, así como tampoco nada que se relacione con la realidad de la muerte, la pobreza, la vejez o la enfermedad. El mundo de Roncoli se extiende en lo irreal de la felicidad permanente, la idealización de un goce absurdo en su esencia y la ridiculización sutil de una cosmovisión importada que, sin embargo, aparece bajo una mirada nostálgica. En su propuesta existe una especie de santificación irónica de los personajes, a los que coloca aureolas en forma de galletitas Maná y ubica en pedestales de flores y arcoíris. Todos sonríen, posan y permanecen bellos eternamente en un ámbito que destila ingenuidad y armonía. El artista elabora sus cuadros a partir de la técnica mixta intervenida, que involucra un proceso de digitalización de imá-

genes y pintura. Revistas como Paris Match, LIFE, Selecciones del Reader´s Digest, Para Ti, entre otras, son su principal fuente al momento de seleccionar material que digitaliza, convierte en collage e imprime en tela para luego intervenir con pintura aplicada con espátula. El uso de la tecnología es fundamental para borrar los rastros del pasado, para evocar sin remitir directamente y también para generar un espacio unificado formado por piezas que originalmente se encontraban dispersas. De este modo, el artista arma lo que el crítico de arte argentino Julio Sánchez denomina pintura digital, que bien podría situarse entre la pintura, el arte digital y la fotografía, pero resulta inclasificable por la disolución de los límites que el propio artista impone como método para su ejecución. La obra de Roncoli se relaciona inevitablemente con el Pop, por la tendencia a apropiarse de elementos y desde este proceso cuestionar los conceptos de artista, creación y originalidad que han sido focos de discusión teórica desde que Marcel Duchamp instala sus ready mades en el mundo del arte. El artista señala un espíritu de época y lo extiende a la contemporaneidad para dar cuenta que ciertas visiones que parecerían caducas siguen siendo fuente inagotable de inspiración, construcción de discursos globales y nuevas formas de arte.


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arte


Un paso por Bratislava

“Dibujar es uno de mis mayores motores de vida” La ilustradora y diseñadora gráfica autora de nuestra Intro de este número, despliega su arte por el mundo editorial, de productos y algunos cuantos etcéteras más. Ana Sanfelippo charló con BK sobre sus inicios, su carrera y el fascinante camino entre trazos, colores y personajes mágicos. Texto: Ana Quiroga. Fotos: Cortesía Ana Sanfelippo.

En septiembre de 2011, Ana Sanfelippo fue seleccionada a través del foro de ilustradores para representar a la Argentina en el Workshop Albína Brunovského, realizado en el marco de la XXIII Bienal de Ilustración Infantil de Bratislava (capital de Eslovaquia), bajo la premisa “La ilustración y los nuevos medios”. Este evento es un punto de referencia de la ilustración editorial a nivel mundial. La exposición estuvo conformada por 44 países y 356 ilustradores con 2318 ilustraciones provenientes de 458 libros. Acerca de la experiencia, la joven ilustradora contó: “Increíblemente tuve la oportunidad de ser parte de ese taller internacional, en el que compartí momentos increíbles con gente de Serbia, Siria, Indonesia, Ucrania, Perú, Colombia e Irán, y aprendí mucho de destacados profesores como Peter Uchnár (Eslovaquia) y Nana Furiya (Japón). Mi paso por el Workshop significó un punto de inflexión en mi carrera, a partir del cual pude reflexionar acerca de hacia dónde quiero dirigir lo que digo con mi trabajo”. La actividad, que tuvo lugar en un castillo, en el que además todos los participantes se hospedaron, convocó a jóvenes ilustradores de distintas partes del mundo a realizar una actividad de intercambio profesional y cultural. La temática giró en torno a un libro de cocina con recetas y personajes fantásticos. La propuesta fue libre y estuvo guiada por Uchnár y Furiya para poder explotar al máximo el planteo de cada artista. La receta de Ana fue una sopa de chocolate y frutos rojos. “La particularidad era que aquellos frutos y personajes crecían y vivían en una tierra de animales autóctonos”, recordó. Y agregó: “Lo interesante fue ver la diversidad de propuestas y caminos elegidos bajo una temática común. Las imágenes son tan diferentes como las personas que las crean y las maneras de contar algo que existen. Allí todos hablábamos diferentes idiomas y, a la vez, intentábamos hablar un idioma común. Fue una experiencia muy positiva y estimulante”.

www.anasanfelippo.com.ar www.flickr.com/photos/anita-submarina @AnaSanfelippo

Ana Sanfelippo es ilustradora y diseñadora gráfica. También practica caligrafía y tipografía, “y anduve estudiando un poco de shodo” –escritura japonesa con pincel–, agrega, atenta, al hacer un repaso por las diversas ramas en las que incursiona su arte día a día. La búsqueda de expresión personal la llevó del Diseño Gráfico al mundo de la ilustración, casi naturalmente. “Encuentro en este rol una manera de representar la realidad que, más que pura fantasía, tiene la facultad de crear mundos, haciendo de lo imaginado algo tangible a los ojos, como una materialización de la vibración del alma”, dice, retomando la idea de la frase de Kandinsky que ilustró en la Intro que se puede ver en las primeras páginas de esta edición de BK. “Desde que mis recuerdos me acompañan, dibujar es uno de mis mayores motores de vida. En principio fue un sueño poder vivir de ilustrar y crear, pero de a poco se fue haciendo parte de mí, libremente”, recuerda. Hoy, su trabajo es uno de los eslabones del universo editorial, con publicaciones en libros, manuales, revistas, de editoriales argentinas, mexicanas y españolas, como Kapelusz, Santillana, SM, Planeta, V&R, Guadal, Grupo La Nación, Nikaia, CIDCLI, entre otros. “Papel, acrílicos y tintas son mi principal materia prima. En mis composiciones el foco está siempre puesto en el color y en la composición de planos: espacios superpuestos que conducen a universos mágicos de mundos infinitos dentro de una historia principal”. Además, ha realizado el arte de algunos discos, colabora con la imagen gráfica de marcas de productos, accesorios e indumentaria, y publicó algunas de sus tipografías diseñadas en Google Web Fonts. Su manera dedicada y profunda de trabajar le han valido reconocimientos como el premio Destapa –organizado por Monoblock-, y la posibilidad de exponer en la Bienal Iberoamericana de Diseño, en la muestra Typeit y en Puzzle Urban Arts, en el Trimarchi y en Tipos Latinos. Este año, uno de los más prósperos en su carrera, Sanfelippo participó del Pecha Kucha, realizó estampas para las campañas de Ver y Monoblock, participó en varios proyectos editoriales, ilustrando libros como “Uno de elefantes” y “De qué son las empanadas”, y se desempeñó como docente de Tipografía en la UBA, como ejercicio para lo que en un futuro espera sean sus propios talleres de ilustración en los que pueda compartir con otros, intereses y saberes. “El 2012 fue un año muy movilizante, con mucho trabajo y bastante exposición. Exponer y poner en palabras el laburo diario es un ejercicio super difícil. Un ejercicio de reflexión y de mirada a uno mismo, que ayuda a pensarse y a elegir día a día por dónde transitar el camino de contar a través de las imágenes. Hoy me paro en la vereda de la emoción a través del color, la simpleza de los personajes, su actitud y su mirada, como medio para transmitir un sentimiento”.


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IMPERDIBLES PELÍCULAS DE ROCK

Deseos básicos de un rockstar: codearse con los ídolos, llenar estadios, tener chicas a los pies, plata y tal vez una Les Paul de diseño exclusivo en la que Ozzy Osbourne grabe su nombre con la lengua. Debajo del escenario, el sueño es el mismo, pero historias como éstas nos hacen creer que todo es posible. Texto: Chama Leona. Fotos: Prensa.

10. GET HIM TO THE GREEK (2010, Nicholas Stoller) La secuela de la pochoclera ¿Cómo sobrevivir a mi ex? nos deja en primer plano a Aldous Snow y su mundo acidulado de delirios drogones, alcohol y chicas plásticas, llevado a extremos que igualmente no escapan la coraza de lo comercial. Russel Brand sabe ocupar bien los calzones de un rockstar bastante grandulón para andar esquivando compromisos, y el resultado es el mismo que The Hangover o cualquiera de esas variantes donde Zach Galifianakis o Ken Jeong –nuevos comodines de la comedia “trágame tierra” – desafían nuestra capacidad para desarrollar vergüenza ajena. Propuesta aceptable para la pizza con cerveza de un sábado a la noche.

9. VELVET GOLDMINE (1998, Todd Haynes) Más allá de la obvia referencia a Bowie, Iggy Pop, Lou Reed y el “todo vale” de esas veladas orgiásticas que hoy son chocolate por la noticia, este material es una manifestación destapada y carnal de la era glam en sus primeros años, mientras se mete en los hogares de padres conservadores a través de hijos adolescentes con sentimientos reprimidos. Chifla la pava en forma de canciones, música, psicodelia, pastillitas de colores y fantasías lujuriosas que se cumplen backstage, casi sin dificultades.

8. THIS IS SPINAL TAP (1984, Rob Reiner) Los ochenta: década que vio al glam en su auge –así como la moda de usar hombreras a lo Grecia Colmenares– y en la que esa hermandad de plumas, tacones y metal estaba ya cómoda e instalada. A ese lugar perteneció Spinal Tap, que no saltó a la popularidad entrando por las discográficas sino que salió a borbotones por la pantalla grande con un falso documental que presenta canciones tan chorreantes como “Esta noche te voy a dar”, “Granja del Sexo” y “Dame algo de plata”, entre otros títulos que transformaron la ópera prima de Rob Reiner en una peli de culto.

7. RADIO ON (1979, Christopher Petit) La dosis indie, minimalista y enrarecida del segmento es una road movie que nada tiene que ver con esposas frustradas, asesinos de la ruta o pibes con las hormonas por las nubes. Esto es lisa y llanamente una Inglaterra en escala de grises (símil Panamericana, zona Pacheco), que tiene a Alemania como puerto de conexión paralelo. Industrial y frío es el camino a las playas de Bristol en esta pesquisa existencial con música de Kraftwerk, Bowie, Robert Fripp, Devo y otros alumnos de esa escuela.


6. ALTA FIDELIDAD (2000, Stephen Frears)

3. GARAGE DAYS (2002, Alex Proyas)

Toda pasión por la música empieza en una disquería. Por lo menos así era antes, cuando la ilusión de un niño apenas púber era juntar veinte pesos para irse a comprar el disco de una banda que minutos después le rompería el coco para siempre. O no, tal vez el disco era un verdadero fiasco y ahí es cuando decimos: ¡Qué bueno que existe Internet! Pero precisamente, de darse contra la pared varias veces se trata esta comedia poco romántica y machista que lo tiene a John Cusack en la que tal vez sea su mejor participación en el cine.

En una Australia que Alex Proyas pinta de colores súper saturados y psicodélicos, esta antología de vivencias bajo el lema “sexo, drogas y rock n’ roll” está a kilómetros del típico formato biográfico bajonero donde muchas veces caen nuestros ídolos. Garage Days se mira como un videoclip de larga duración, disfrutando, sobretodo porque no es difícil encariñarse con estos polluelos que contemplan el estrellato con baba en la boca a tres subsuelos de la escalera a la fama.

5. SCHOOL OF ROCK (2003, Richard Linklater) Lo habían intentado poniendo monjas piolas en un colegio de vagos atorrantes pero eso sonó poco creíble entre la audiencia adolescente. Entonces llamaron a Jack Black para mandar todo el protocolo escolar a la remismísima y por fin llevar a la clase eso que los pequeños diablos mueren por escuchar: una estremecida y chirriante guitarra eléctrica. Reconocida por varios como la película de rock n’ roll, recorre pasiones y frustraciones e ilumina a los niños con una gran verdad: El rock es el buen camino… ¡Tómenlo!

2. CASI FAMOSOS (2000, Cameron Crowe) Mejor que quedarse en casa escuchando música es ir a buscar a los tipos que la hacen para saber quiénes son en la vida real. Como persona que vivió rodeándose de sujetos del rock, Cameron Crowe tiene lugar a dar su palabra y lo que nos dice no es demasiado alentador. Hablar del lado oscuro de la fama y de la superficialidad de lo que pretende ser profundo es moneda corriente y en eso el film no se destaca. Pero lo que más interesa a esta historia es tratar de explicar lo absolutamente inexplicable (el fanatismo, la histeria, el estúpido magnetismo de la estrella de rock) a través de los ojos de un chico de quince años con la increíble capacidad de caer en la trampa y al mismo tiempo lograr una crítica inteligente.

4. SOUND OF NOISE (2010, Ola Simonsson, Johannes Stjärne Nilsson) 1. EL MUNDO SEGÚN WAYNE (1992, Penelope Spheeris) Ya es raro ver a una banda de percusionistas enmascarados invadiendo espacios públicos para utilizar de instrumento lo que sea que ofrezca el ambiente en una especie de performance anárquica. Tampoco es muy normal que un hombre bautizado Amadeus sea alérgico a la música y se convierta en el detective cerebrito que busca atrapar a la banda. En clave de thriller con tono cómico, se reinventa el combate entre lo clásico y lo moderno para concluir en que hacer música no se trata de alcanzar la perfección sino de romper bien las reglas.

Ícono de los noventa y clásico de todos los tiempos, El Mundo según Wayne es el rejunte de todo lo que una gran época puede ofrecer. Se metió tan en el fondo de la cultura joven que hasta agregó el Shwing! y el Shyeaaaaaah! al lenguaje de la Generación X y estableció que el sinónimo de belleza era Heather Locklear. No sólo merece el trono indiscutible de esta y de todas las listas de rock movies: también entra en el chart de películas que podrías ver tantas veces como te cambiás de calzón.


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Profeta Style PH: Tatu Garcia. Produccion & Estilismo: Nadia Hnatiw para CPM www.nadiahnatiw.com. Make Up: Evelyn Avila. Pelo: Marcelo Pedrozo para Concept. Asistente de ProducciÛn: Javier Melfi. Modelos: Leila para Code Models y Maxi para Men Management.

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vida x

Motocross

acción sobre ruedas El motocross es, hoy en día, una de las disciplinas con más seguidores en todo el mundo. Levi Sherwood, flamante ganador de la Red Bull X-Fighters, se abre paso en un reñido circuito y, con sólo 20 años, se convierte en una de las grandes promesas del MX, con sus espectaculares trucos y su insuperable precisión. Texto: BK Mag Staff. Fotos: Cortesía Red Bull. Levi Sherwood ha pasado toda su juventud y parte de su infancia siguiendo los pasos de su padre, Dave Sherwood, un piloto profesional de speedway (deporte en el que los pilotos dan vueltas a un circuito oval de tierra). Sherwood creció rodeado de motos y no sorprende la solidez de su carrera como rider profesional de FMX. Aunque al principio sus pasos iban encaminados al motocross, la nueva estrella de los Red Bull X-Fighters no tardó en darse cuenta que los saltos y los trucos de estilo libre eran más emocionantes que el MX. Y pese a que aún hoy compite en algunos eventos de motocross y supercross para divertirse, a sus 20 años, parece que su carrera profesional está completamente dedicada al FMX (freestyle motocross). A bordo de su KTM SX 250, el neozelandés ha formado parte de diversos eventos nacionales en su Nueva Zelanda natal y también ha sido miembro del Crusty Tour australiano durante los últimos años. Su debut internacional fue en la prueba de los Red Bull XFighters en Ciudad de México, en 2009. Allí demostró al mundo que la juventud podía ir de la mano al talento y logró una impresionante e inesperada victoria, sobre todo porque fue inscrito como piloto invitado. Ese resultado le granjeó un puesto permanente en los Red Bull X-Fighters 2009 desde la siguiente prueba, disputada en la ciudad canadiense de Calgary. Levi no pudo repetir la victoria de México, pero se consagró como uno de los mejores riders del campeonato gracias a sus consistentes actuaciones y a los espectaculares trucos que justifican completamente su apodo: “The Rubber Kid” (“El chico de goma”). La sexta posición que obtuvo en 2009 le aseguró un lugar en el certamen del siguiente año, en el que fue uno de os cinco riders que lucho por el título hasta el final. Todo parecía ir a favor de Levi tras ganar en Moscú, lograr la medalla de plata en los X-Games y volver a ganar en Londres. Pero tuvo una fuerte caída en los LG Games de Panoma, California, y las lesiones que sufrió lo forzaron a perderse la última prueba del año, en Roma. Tras varios meses de recuperación, Sherwood volvió subirse a la moto a finales de 2010 para entrenarse de cara a la gira de Nitro Circus 2011 por Nueva Zelanda, evento que le sirvió como preparación de cara a la nueva temporada. Esto, sumado al premio “Swatch Best Move” obtenido y al quinto puesto logrado en el evento inaugural de la temporada, demostró que Sherwood estaba recuperando la forma. Pero recién en su competencia en Brasil fue que definitivamente el mundo comenzó a posar de nuevo sus ojos sobre él, luego de una de sus actuaciones más aclamadas e impresionantes, en una ronda en la que se dio el lujo de no hacer ninguno de los trucos con flips rotatorios boca abajo que lo caracterizan. Este año, en el Campeonato Mundial Red Bull X-Fighters 2012, disputado en varias partes del mundo con pruebas en Jumeira (Dubái) en el mes de abril, California (Estados Unidos) en mayo, Estambul (Turquía) en Junio, Madrid (España) en julio y Múnich (Alemania) en agosto, Sherwood se consagró ganador absoluto de la gran final celebrada en la ciudad australiana de Sídney durante el pasado octubre. El evento fue clave para la disciplina de motocross freestyle, en el que se vieron una serie de acrobacias extremadamente complejas, y que marca para el neozelandés el pico más alto de su camino profesional.



Š Red Bull X-Fighters World Tour 2012 Madrid Photographer: flohagena.com/Red Bull Content Pool



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Kayak de aguas blancas

A río revuelto El paraíso existe. Y es por donde transita Diego Campana, un experimentado remador de los ríos argentinos desde hace casi diez años. El joven de 34 años, oriundo de Buenos Aires, considera que “el kayak te da la libertad de conocer lugares a los que no podría llegar de otra manera”. Texto: Betiana Neiman. Fotos: Cortesía Diego Campana / Prensa.


La práctica de kayak es hoy una de las actividades acuáticas que mejor permiten su acercamiento, incluso a quienes tienen poca experiencia en este tipo de deportes. Los precursores del kayakismo fueron los esquimales, que utilizaban estas embarcaciones para navegar por el Ártico cazando o transportando cosas. Estos antiguos botes, junto con la tradicional pala con dos hojas siguen siendo los utilizados para el kayakismo, aunque con materiales más resistentes y durables. Dentro de la disciplina hay varias modalidades, entre las que se encuentra el kayak de aguas blancas, por ríos de montaña, una de las más fáciles de practicar, ya que se utiliza una embarcación personal, de polietileno, bastante corta –entre 1,8 y 4 mts- y liviana, lo que la hace más manipulable (incluso con el propio cuerpo), estable y resistente. Uno de los grandes atractivos de esta disciplina es la posibilidad de explorar los rincones más alejados y vírgenes de la naturaleza sin dejar huellas –el llamado “turismo sustentable”- y de experimentar un contacto directo con el río y una intensa adrenalina sin altos riesgos, por aguas extremadamente rápidas, por cauces e incluso por cascadas. - ¿Hace cuánto empezaste a remar? - Empecé a remar en Buenos Aires, en el Tigre, en el año 2003. No había practicado ningún deporte acuático anteriormente. En el 2004 me mudé a Ushuaia, ciudad donde vivo en la actualidad y es ahí dónde comencé a practicarlo con más seriedad. Hace cinco años que lo realizo de forma apasionada, que me dedico a remar todos los días que puedo y me capacito constantemente, y hace un año que soy instructor internacional de Sea Kayak del American Canoe Association (ACA). Además, tomo cursos de kayak de montaña, que es mi gran pasión dentro del mundo del kayakismo. - ¿Qué es lo que te apasiona del kayak? - La libertad que me da de conocer lugares a los que no podría llegar de otra manera, de estar en contacto con el agua y sentir como su fuerza fluye entre mi kayak y yo y, seguramente, la adrenalina de estar, por algunos momentos, en situaciones algo desafiantes. - ¿Cuál fue tu primera travesía? - Mi primera expedición fue en el 2006, al Cabo de Hornos, en el sur de Chile. Sí, comencé por donde todos terminan. Una experiencia increíble que duro 19 días. Luego, en el 2008, realicé una travesía de 20 días por el brazo noroeste del Canal de Beagle, un lugar fascinante con glaciares que descienden al canal desde aproximadamente 400 metros. Y dos años después, descendí el río Santa Cruz, desde el Lago Argentino hasta su desembocadura.Transité ríos en Argentina y Chile como el Río Atuel (Mendoza, ideal para comenzar), y otros más complicados como el Manso (Mendoza), Diamante (Mendoza) y el Pucón (Chile). En este momento estoy planeando dar la vuelta a la isla de Tierra del Fuego. - ¿Qué modalidad dentro del kayak preferís? - Me gustan todas. Hoy soy instructor de kayak de mar (travesía), pero me apasiona descender ríos de aguas blancas. Podría decir que el kayak de mar y de ríos son los que más me atraen. - ¿Cuáles son los pro y los contra de practicar este deporte? - No podría nombrar ninguna contra con relación a esta actividad, pero sí puedo contar que el kayakismo es una actividad adictiva, para todas las edades y gustos, debido a que incluye infinidad de modalidades. El kayak de aguas blancas, por ejemplo, tiene mucha adrenalina desde el primer momento; el de mar te permite conocer lugares increíbles y difíciles de acceder de otra manera; el kayak polo es

un deporte de conjunto muy divertido y de gran exigencia físico-técnica; el K1, de aguas tranquilas, permite formar parte de competencias de velocidad y maratones. - ¿Se puede vivir de la práctica del kayak? - Sí, es posible, pero es mucho más simple si te formás correctamente y realizás certificaciones que te habiliten internacionalmente. Esto le da mucha más profesionalidad a tu trabajo y te abre las puertas al trabajo en el exterior. - ¿En qué lugares se puede aprender? - Los lugares en los que podés aprender kayakismo son muchos, más hoy que los deportes al aire libre están de moda. Yo recomiendo que sea en lugares que dan certificaciones internacionales, ya que en Argentina no hay ninguna entidad que regule los conocimientos de los instructores.


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vida x

Skate

Rey de las rampas Un repaso por vida y obra de Tony Hawk, el mejor skater en rampa del mundo. Los mejores momentos de una leyenda del deporte extremo. Texto: BK Mag Staff. Fotos: Prensa.

Anthony Frank, más conocido como Tony Hawk “El Halcón”, es considerado el mejor skater del mundo en rampa, además de uno de los más versátiles y habilidosos. El californiano entró al mundo del skate gracias a su hermano Dani, quien le regaló, a los 9 años, un monopatín que le cambiaría la vida. Gracias a sus cualidades innatas, a los 12 años ya tenía promotores que financiaban su carrera. Con 14 era profesional, había fundado, junto a su padre, la California Amateur League y la National Skateboard Association, y a los 16 años formaba parte del equipo de Bones Brigada, donde logró aterrizar a 720º -casi diez años después, y con un trabajo constante para este objetivo durante todo ese tiempo, aterrizaría a 900º, siendo el primer patinador en lograrlo-. Sus primeros inspiradores fueron Eddi Elguera y Rodney Mullen, uno de los grandes de la historia en la disciplina, creador de muchos de los mejores trucos del skate actual. De la misma manera, Hawk se ha hecho famoso por sus históricos trucos, como el Madonna, el Benihana, variaciones de Airwalk, el Stalefish, el Frontside 540 Rodeo Flip -evolución del aéreo 540-. Con los años, Hawk se convirtió en una suerte de estrella de rock’n roll, con todo lo que eso implica. Engranado además en la industria del entretenimiento, con apariciones en episodios de Los Simpson –protagonizó el nº 300-, Scarred, CSI, Mtv´s Celebrity deathmatch y What I like about you, y paricipaciones en películas como Loca Academia de Policías 4, Jackass: The Movie, Jackass 2 y Jackass 3D, ha escrito bestsellers, creado el popular Tony Hawk Skatepark Tour para ESPN y es hoy uno de los deportistas mejor pagos del planeta. Hasta ha logrado abrirse camino en el mundo de las compañías de tablas, ropa y calzado para skate profesional, y su éxito es tal que a los 31 años se retiró del mundo competitivo para concentrarse en la Fundación que lleva su nombre, que financia la construcción de skateparks públicos en áreas marginales. Como si esto fuera poco, desde el año ’99, en tiempos de Nintendo 64, una serie de videojuegos inspirada en el sueño de Tony de realizar saltos enormes y pruebas irreales puso de moda los deportes extremos en las consolas, evolucionando año a año desde el Tony Hawk’s Pro Skater hasta los Tony Hawk’s Underground, Ride y Shred, para consolas como Xbox 360, PlayStation 3, Wii, Nintendo y algunas más -él último diseñado con el plus de una tabla con sensores de movimiento, que reemplaza el joystick-. Hoy, Hawk sigue estando en lo más alto del predio de los skaters. Aunque fuera de las competencias que, durante años, lideró, su tabla sigue siendo parte de su vida, tanto en los tranquilos días en San Diego, como en las decenas de viajes al año en los que las demostraciones y las entrevistas son un obligado, cualquiera sea el lugar por el que pase.



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10 pelis de surf que no podés dejar de ver Películas que acompañaron la revolución cultural del surf y que reescriben la historia de uno de los deportes más fascinantes que se pueden practicar. Aquí, una decena de opciones como antesala al reencuentro con el verano, las tablas y las olas. Texto: Ana Quiroga. Fotos: Prensa.

1- Gidget (1959, Paul Wendkos) Hay pelis que marcan una época, que impulsan modas. Esta es una de ellas. La historia de una chica –la hermosa Sandra Dee, a sus 16 años- que, mientras sus amigas se vuelven locas buscando chicos en la playa, descubre el surf y decide entrenarse para hacerse lugar entre las olas, fue la película que hizo que todos quisieran comprar una tabla y que marcó el principio de la era comercial del surf. Nota: A partir de esta película surge el concepto wanna be’s, con el que hoy se sigue llamando a los que se compran una tabla para aparentar un espíritu surfista que, en el fondo, no tienen.

2- The Endless Summer (1966, Bruce Brown) El primer documental verdaderamente surfista, acerca de una cultura, una ideología y un modo de vida. Los protagonistas de la película fueron los primeros en surfear en lugares como Nigeria, Senegal, Tahití y Nueva Zelanda. Ellos descubrieron el famoso Cape SaintFrancis en Sudáfrica, cerca de la archi-famosa Jeffrey´s Bay. Lo más impresionante es ver cómo creció el surf a nivel mundial, algo que muchos se lo atribuyen en gran parte a esta joyita del cine. Nota: La canción de esta película, “The Endless Summer Theme”, por The Sandals, es hoy en día un clásico.

3- Slippery When Wet (1958, Bruce Brown) Durante los 90, Bruce Brown re-editó viejas películas que había filmado en Súper 8 antes de realizar The Endless Summer. Una de ellas es esta pequeña pero gran película sobre las aventuras de un grupo de jóvenes surfistas del sur de California, que decide hacer un viaje de tres meses a Hawai. Nota: La financiación de este film salió del bolsillo del primer nombre de la entonces aún inexistente industria del surf: Dale Velzy.

4- Crystal Voyager (1975, David Elfick) Retrato e historia de George Greenough como surfer, pescador, navegante, diseñador y constructor de vehículos acuáticos, grabada y narrada por él mismo. La película es un fiel reflejo de aquella época, llena de innovaciones en todos los campos, tanto en las maniobras, en los materiales y diseños, como en las técnicas de grabación. Nota: Los 22 minutos finales, musicalizados con “Echoes” de Pink Floyd, logran una de las secuencias más psicodélicas de la historia del cine.


5- Big Wednesday (1978, John Milius)

9- A Fly in the Champagne (2009, Matt Beauchesne)

Un verdadero clásico del cine surfero. Pintura de la cultura de los jóvenes de la playa en la época rebelde, con una visión bastante más realista y cruda que las primeras hechas sobre el tema, que incluyen un cocktail de alcohol, drogas, peleas y un grupo de amigos que trata de zafar del enrolamiento al ejército y de la guerra de Vietnam.

La rivalidad es uno de los pilares del deporte; sin ella no existiría la motivación adicional que hace a la persona superarse siempre un poco más. Ese es justamente el tema de este documental, que tiene como foco a los dos mejores surfistas profesionales de la última década: Andy Irons y Kelly Slater. Con algunos años y títulos más a sus espaldas, estos dos grandes se unen en un viaje de dos semanas por Indonesia en el que no hay trofeos por medio.

Nota: Podrán reconocer, aunque mucho más jóvenes, a actores como el policía compañero de Keanu Reaves en Point Break y el mismísimo Freddy Kruegger -Robert Englund-, que también fue Willy, el marciano vegetariano de V Invasión Extraterrestre.

6- North Shore -Los Reyes de las Olas- (1987, Wil iam Phelps) Un joven surfista de Arizona gana un campeonato de surf en la pileta con olas de su pueblo y con el premio decide viajar a Hawaii para probarse con las grandes olas. Allí le pasa de todo pero conoce a una chica y termina trabajando para un shaper gurú que le va a enseñar a surfear de verdad, empezando por un tablón de madera hasta llegar a la Thruster. Gran historia pintada con colores flúo y stickers por doquier, bien ochentosa. Nota: Se puede establecer un paralelismo con Karate Kid, especialmente en las figuras de Chandler = Sr. Miyagui y Rick Kane = Daniel San, y en el progresivo entrenamiento que lo lleva, sobre el final, a una competencia con los mejores.

7- The September Sessions (1999, Jack Johnson) Mítica cinta rodada con gran arte y banda sonora. Lo mejor del freesurfing de Kelly Slater, Rob Machado, Brad Gerlach, Ross Williams y Shane Dorian y sus perfectos reefbreaks en las Mentawais del Pacífico sur. Nota: Sí, es el Jack Johnson cantante, en sus épocas de cineasta.

8- Singlefin: Yellow (2005, Jason Baffa) Rodado en 16 mm. con el espíritu de los años 60, la historia está centrada en una tabla de una sola quilla de 9’6’’ pies, que viaja por el planeta metida en una caja y que va pasando por las manos de 6 de los mejores longboarders de la actualidad. De esta manera, la película recorre los mejores spots de los cinco continentes indagando acerca del arte de fabricar a mano una tabla de surf, mientras que, de fondo, recorre los motivos que llevan a estos deportistas a elegir ese estilo de vida. Nota: Se respira lo mejor de la “vieja escuela” del surfing.

Nota: La gran presión mediática ejercida por las competencias llevó a Irons y Slater a detestarse sin conocerse. Sin embargo, gracias a esta película, al finalizar el rodaje, había nacido entre ellos una buena amistad.

10- Castles in the Sky (2010, Taylor Steele) Uno de los cineastas responsables de la renovación del cine de surf recorre el mundo con el objetivo de descubrir nuevos lugares y culturas fuera de los destinos habituales de este deporte. El resultado es un verdadero torbellino visual, con imágenes de los confines más recónditos en los que se puede surfear, como India y Perú, y surfistas de la talla de Jordy Smith, Dane Reynolds, Rob Machado y Dave Rastovich en ellos. Nota: El rodaje de este documental duró tres años, en cinco países.


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El último proyecto del director brasileño Walter Salles, basado en el paradigmático libro On the Road, novela autobiográfica de Jack Kerouac, padre fundacional de la literatura beatnik, tiene, por fin, su estreno oficial en diciembre, luego de circular por varios de los Festivales de cine más importantes del mundo. La historia, escrita en 1951 y publicada en 1957, está basada en los viajes en auto que Kerouac y el poeta Neal Cassady hicieron por Estados Unidos y México entre 1947 y 1950. Entre conversaciones intelectuales y bohemias, rondas interminables de alcohol y marihuana y gran cantidad de encuentros con la ley, On the Road se convierte en el espejo de una sociedad que se encuentra al final del camino. Salles se involucró con el proyecto mientras realizaba la inolvidable Diarios de Motocicleta (2004). En una conferencia de prensa brindada con motivo de la presentación del film en el Festival de Cannes, el brasileño afirmó que “existe una conexión entre ambas películas: el despertar social y político; la búsqueda de esa última frontera que nunca encontrarán”. “También es el descubrimiento de que este es el final del camino y el final del sueño americano”, agregó. En cuanto a la adaptación de la novela a la gran pantalla, gran parte del problema fue la narrativa llena de divagaciones y contrastes inspirados en el jazz, el LSD y la Guerra Fría, resultado de una vertiginosa escritura realizada en sólo tres semanas, en un largo rollo de papel. “La historia tiene el ritmo del be-bop, construida por capas. Era necesario traducir esto al guión sin que perdiera su espontaneidad”, explicó Salles en Cannes. Afortunadamente, la unión con el guionista puertorriqueño José Rivera resultó en una profunda y acertada adaptación de ese relato maníaco y de ritmo inquieto, sin perder el foco en la camaradería apasionada entre artistas y en la unión carnal de un grupo de personas en búsqueda de la libertad. Para poder llevar con fidelidad a la pantalla los primeros días de la Generación Beat, Salles pasó cinco años realizando un documental inédito sobre el libro y entrevistando a los descendientes de las personas que inspiraron los personajes. Inclusive, el brasileño organizó un “campamento de entrenamiento” de cuatro semanas para el elenco –que incluye, en los roles principales, a Sam Riley, Garrett Hedlund, Kristen Stewart, Kirsten Dunst, Viggo Mortensen y Amy Adams- antes de comenzar a filmar, para que se sumergieran en la historia y conocieran más de cerca ese universo. Por el momento, se prevé el estreno de On the Road en nuestro país para el 10 de enero de 2013.

on the road

Jack Kerouac llega al cine en una road movie imperdible

Inspirada en la novela del legendario escritor estadounidense Jack Kerouac y filmada parcialmente en la Argentina, On the Road llega a las pantallas grandes del mundo. Texto: BK Mag Staff. Fotos: Prensa.

“La única gente para mí es la loca, aquella que está loca por vivir, loca por hablar, loca por ser rescatada, deseosa de todo al mismo tiempo, aquella que jamás bosteza o dice un lugar común, sino arde, arde, arde como fabulosas velas amarillas romanas”. (Jack Kerouac)


if a tree falls

Cuando el fin no justifica los medios La tierra está siendo devastada por las grandes corporaciones y ninguna protesta es suficiente para frenarlas. Por eso es que surgen los ecologistas extremos, pero sus polémicos métodos tampoco serán la respuesta. Texto: Julieta Goldin. Fotos: Prensa. Hace ya más de dos décadas que agrupaciones sin fines de lucro protectoras de la naturaleza y los animales, tales como Greenpeace y PETA, entre muchas otras, se han abocado a la protesta y boicot de grandes corporaciones. Sus principales motivos se apoyan en la explotación desmedida de los recursos naturales y la tierra. Si bien hace algún tiempo gran parte de la sociedad prestaba poca atención a sus propuestas y reclamos, hoy en día las cosas han cambiado. Con el incremento de catástrofes naturales y cambios climáticos, un número creciente de personas han comenzado a tomar conciencia acerca del camino sin retorno que significan la devastación y explotación de los recursos naturales no renovables. Es por eso que estas organizaciones no gubernamentales han incrementado sus adeptos y han continuado sus luchas, pudiendo adjudicarse grandes logros dentro del campo de la defensa de la naturaleza. El documental If a tree falls (Si un árbol se cae), película que formó parte del ciclo del cine GreenFilm Fest 2012 en Buenos Aires y, anteriormente, fue nominada al Oscar 2012 en la categoría Mejor Documental, muestra la historia del activista extremo Daniel McGowan, que forma parte de un nuevo fenómeno de protesta ecológica: el activismo extremo o eco-terrorismo. McGowan perteneció a la agrupación llamada “Earth Liberation Front” (“Frente para la liberación de la tierra”), que fue fundada en Estados Unidos en los años 70 por algunos jóvenes cansados del fracaso de las protestas activistas y de ser víctimas de represión y violencia policíaca. En vez de continuar con las usuales protestas, los jóvenes de ELF fueron más lejos provocando incendios en las oficinas centrales de grandes corporaciones explotadoras de recursos naturales. Estas formas extremas de intervención efectivizaron su reclamo, realizando un sabotaje económico contra estas compañías que se beneficiaban a costa de la destrucción del medio ambiente. Después de varios años se registraron incendios similares en todo el país, demostrando un funcionamiento organizado del grupo. McGowan fue capturado por el FBI en el 2005 y se encuentra con arresto domiciliario mientras espera la sentencia por sus delitos. El cuestionamiento central que golpea al espectador surge cuando la sentencia es dictada y el joven debe ir siete años a la cárcel especial para terroristas. Si bien comparar sus acciones con actos de terrorismo resulta un poco desmedido –especialmente considerando que ninguno de los incendios dejaron ni un solo herido o muerto-, sus accionares no pueden dejar de ser castigados; vandalizar y destruir propiedad privada solamente generan más miedo y destrucción. Pero, ¿cuáles son los medios posibles para generar conciencia? ¿Hasta dónde sus acciones fueron desmedidas? Es el cuestionamiento que se desprende de este documental. Los responsables de estos actos de vandalismo serán duramente condenados, pero ¿qué pasa con las corporaciones, que seguirán ejerciendo su dominio sobre la explotación de los recursos naturales? ¿Habrá alguna manera de ponerles un freno o estaremos condenados a destruir por completo lo que queda de nuestros recursos naturales? Más info: www.ifatreefallsfilm.com


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1- Guido Kaczka y Delfina Gerez Bosco condujeron en Córdoba una de las primeras ediciones de las carreras LANPASS 10K, que reunieron más de 4000 personas. 2- Mariana Espósito en el vip de Luis Miguel en Geba, presentado por Arnet Música. 3- Malena Pichot estuvo con su novio Leandro Lopatín en al reapertura del local de PUMA en el Alto Palermo Shopping. 4- José Meolans fue invitado por Le Coq Sportif a la Caravane du Coq, que la marca realizó por primera vez en París, y que recorre el mundo con la bandera tricolor y la bicicleta como emblemas, en su local de Palermo Soho. 5- Manuela Viale pasó por el exclusivo parador de Tío Tom Resort, Tommy Beach Club, y disfrutó del presentó Punta del Este International Weekend. 6- PUMA renovó su tienda en Alto Palermo Shopping con un evento lleno de sorpresas y el show en vivo de la banda Horizonte, liderada por Anita y Nico Pauls. 7- Cinthia Garrido disfrutó del vip del Pepsi Music en Costanera Sur. 8- Valentino Spinetta no quiso perderse la exclusiva fiesta de cierre de campaña de adidas Originals, en la que se presentó al ganador del concurso All Originals Represent, el grupo de acrobacia Gravitying. 9- Mary del Cerro pasó por el showroom de adidas. 10- Catupecu Machu acompañó a Federico Bonomi, fundador de Kosiuko y Herencia, junto a Cynthia Kern, en la presentación de Herencia, la película, que se realizó en los cines del Dot Baires Shopping. 11- Emilia Claudeville asistió al show íntimo de la cantante irlandesa Kate Nash en The Roxy, como apertura de la octava edición del Personal Fest. 12- Diego Rodríguez y Diego Tuñón de Babasónicos, pasaron por el local de Casa Fila de Palermo Soho.


some news Fatboy Slim en Punta del Este El 2 de enero desembarca en José Ignacio el productor y músico de electrónica inglés Fatboy Slim, con uno de los eventos de música más importantes del verano 2013. El Dj que participó de la clausura de los Juegos Olímpicos estará encabezando una exclusiva fiesta frente a la Laguna Escondida en la ruta 10, km. 185. Fatboy Slim estará acompañado por el DJ uruguayo Southmen y los brasileros Pic Schmitz y Guga Guizelini. Las entradas ya están en venta por Ticket360.

PM Open Air ahora en Buenos Aires PM Open Air Music desembarca en Buenos Aires para instalar una tendencia que hace varios años se viene desarrollando en todo el mundo: las fiestas bajo el sol. Desde el 24 de noviembre, todos los sábados del verano, de 14 a 21 hs., esa experiencia se puede vivir en un patio de Palermo de Godoy Cruz y Paraguay. Cada edición del festival contará con shows de bandas en vivo como Mompox, Nairobi, Les Mentettes, The Ovnis, Yataians, Lavial, Horizonte y Carmel, y Djs como Stuart, Leandro Fresco, Momo, RS, Gustavo Lamas, Alfonsín, Deep Mariano y Diegors (Chile). Además, hay sectores techados para comer o tomar algo y al aire libre para disfrutar de propuestas como muestras de video, Street Art en vivo y exposiciones de arte, y para fomentar el reciclaje, el cuidado del planeta y el uso de bicicletas, incentivando a la actividad al aire libre. https://www.facebook.com/PmOpenAir

Personal presenta un nuevo concepto de atención a clientes La nueva oficina de Personal sobe la peatonal Florida inaugura un modelo de atención presencial en locales comerciales, diseñado para optimizar la eficacia de los pedidos y consultas de los clientes, transformándolos en espacios integrales que ubican al cliente en el centro de la experiencia. Allí, los visitantes pueden probar lo último en tecnología y dispositivos móviles vigentes en el mercado, y llevarse sus equipos completamente configurados. Además, es la primera oficina comercial del país con un auditorio para la capacitación de clientes.

Fernet Branca premió a los ganadores de Arte Único 2012

Sabbia Liquor Bar, este verano en las playas de Punta del Este y Pinamar Por sexta temporada consecutiva en Punta del Este y quinta en Pinamar, Sabbia Liquor Bar vuelve a las playas, imponiendo su característico estilo y ambiente lounge, moderno y sofisticado, inspirado en los clásicos bares neoyorkinos de largas barras. Una amplia y original carta de tragos y lo último en coctelería mundial invitan a reunirse con amigos en el after Beach y en todas las noches de verano, con bandas en vivo y sonidos house, disco y comerciales de la mano de los mejores Djs. Sabbia Punta Del Este: Ruta 10, km 161, La Barra, Punta del Este, Uruguay. Sabbia Pinamar: Simbad El Marino y Las Dunas, Pinamar, Argentina. www.sabbia.com.ar

En un evento realizado en el Malba – Fundación Costantini, y conducido por Lalo Mir, Fernet Branca entregó los premios de la 5ta edición del concurso de afiches “Arte Único”, bajo el lema “Conectados”, seleccionados por un exclusivo jurado integrado por Andy Cherniavsky (fotógrafa), Omar Panosetti (artista y Director de Arte), Dolores Avendaño (ilustradora), Julio Suaya (docente y curador de arte) y Enrique Longinotti (arquitecto y docente). El primer premio fue para Andrés Mendilaharzu de Capital Federal, el segundo para Mauricio Micheloud y el tercero para Antonio Emanuel García, ambos de la provincia de Córdoba. Los ganadores fueron premiados con $ 15.000, $ 10.000 y $ 6.000, respectivamente. En el evento se presentaron las 24 obras finalistas, que forman la muestra que comenzará a itinerar por todo el país a partir de enero del 2013, y que recorrerá los museos, shoppings, bares y centros culturales más importantes de Argentina.


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