De creación y creadores by Fundación Universitaria San Martín

De Creación y Creadores

Una mirada a la imagen artística, publicitaria y al diseño

Fundación Universitaria San Martín Facultad de Publicidad y Mercadeo

Código ISBN: 978-958-721-022-4

Presentación Este esfuerzo de la Fundación Universitaria San Martin y la Facultad de Publicidad y Mercadeo, hace un gran reconocimiento al maestro Germán Páez, quien con su estilo coloquial nos permite recorrer con él, sus recuerdos y añoranzas para unos vida intensa y pletórica de colores y formas que agradaran a nuestros estudiantes y que hoy con el pasar del tiempo, nos ubica en ese ayer bohemio, lleno de escenarios, de artistas y sobre todo de creatividad y la que nos regala nuestro maestro Germán Páez.

Introducción El presente libro se desarrolló ante la necesidad de un reencuentro con el fenómeno creativo, a partir de los conocimientos adquiridos por medio de las vivencias y la aprehensión del hecho estético. En ese sentido, parto desde mi punto de vista como artista y me apoyo inicialmente en mi vivencia personal, aunque en algunos momentos me sirvo de algunos autores para articular y dar solidez a mis planteamientos. Espero que el presente trabajo sirva a todos aquellos que se interesan por estudios sobre creación y que finalmente se llegue a entender que procesar lo adquirido nos brinda una nueva posibilidad de plasmarlo en un hecho concreto.

CONTENIDO 6

Capítulo 1: “Encuentros y vivencias“: (Con la historia del arte, los materiales artísticos, personajes, el mundo, la percepción del entorno y la creatividad)

Capítulo 2: “Diálogo con las ideas” (Pensamiento de varios autores sobre el tema de la creatividad arte y cultura, que nos ayudan a comprender el rico mundo de la creación).

Capítulo 3: “En la búsqueda de la perfección y la belleza” (Análisis crítico aplicado al arte, la publicidad y la imagen)

Capítulo 4: Diversas obras, épocas y procedimientos de realización.

Capítulo 5: “Diálogo con mis críticos. Germán Páez”

Capítulo 6: “Imágenes artísticas aplicadas a la publicidad”.

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Capítulo 7: “Inducción a la creatividad en la docencia universitaria”

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Capítulo 8: Bibliografía

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Capítulo 9: Hoja de vida

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Germán Páez Morales

Capítulo 1 “Encuentros y Vivencias” (Con la historia del arte, los materiales artísticos, personajes, el mundo, la percepción del entorno y la creatividad) En este capítulo trataré los diversos caminos que recorrí como antesala a una creación, y que, desde luego, han marcado mi producción artística. Al iniciar esta senda, lo primero que hice fue dejarme tocar del mundo sensible por medio de los sentidos. Es así como empecé, no sé si conciente o inconcientemente a mirarlo todo, a percibir el mundo que me rodeaba: sus formas, colores, olores, sonidos y sabores y querer, como los niños, tocarlo todo; percibir con mis propias manos la increíble presencias de objetos reales que me introducían a un mundo desconocido y fascinante, y permitían de igual manera, despertar mi imaginación y fantasía. Paso a detallar ese mundo sensible que se abría ante mí, al que denomino ―Encuentros y Vivencias‖

I. Encuentros: Encuentro con “El juicio final “de Miguel Ángel ―El juicio final ―de Miguel Ángel. Esta obra corresponde al período del Renacimiento pleno, en que el arte no sólo buscó observar la naturaleza desde el punto de vista de la ciencia sino que fue un tiempo de inventiva, lo que llamamos hoy creatividad. Nacido en 1475, Miguel Ángel fue un artista que a los 23 años realizó una de las obras más queridas para el mundo católico cuyo tema fue el descendimiento de la cruz: La

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Piedad. La estatua del profeta David, por su parte, debería ser recordatorio del buen gobierno; y es una de las esculturas más polémicas del arte y más retomada como objeto creativo tanto para el arte del siglo XX, como para la publicidad actual. Encontramos también que el encargo de realizar La Capilla Sixtina le permitió desarrollar el tema de profetas y sibilas, la creación de Adán y Eva, el pecado, la expulsión del paraíso y la pintura central del recinto lo constituye

El Juicio Final. Esta obra la encontré por primera vez en un viejo libro de la biblioteca de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional, por entonces ubicada junto a la colonial iglesia de Santa Clara en Bogotá. Allí, en ese entonces, quedaba la facultad; yo me encontraba estudiando diseño gráfico y estaba empeñado en comprender la historia del arte, apoyado por las clases magistrales de Eugenio Barney Cabrera. ¿Cuál fue mi primer impacto con una de las obras más representativas del arte: El

juicio final de Miguel Ángel pintado entre 1535 y 1541? Lo primero que recuerdo fue la gran fuerza representativa de las poderosas figuras, especialmente la imagen de Cristo, ubicada en la parte central de la composición, y de cada uno de los grupos: a derecha con la resurrección de los muertos que ascienden al cielo para encontrarse con la figura de Cristo en gran poder y majestad. En la parte central los ángeles tocando trompetas y a la izquierda los condenados cayendo al infierno: todos son grandes estudios anatómicos de figuras contorsionadas por el terrible momento. Tiempo después me acordaría de esta obra viendo autores como Teodoro Gericault1 con una de 1

Gericault.(1791-1824) Artista del romanticismo Francés, trabajo temas de fuerte contenido emocional como naufragios y temas de la locura.

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las obras que lo inmortalizaron, ―La Balsa de la medusa‖2, la obra de Luis Caballero3 y de miles de artistas que nos hemos beneficiado con el trabajo plástico de Miguel Ángel. Así mi obra posterior de los años ochenta de figura humana en las obras sobre papel y la carpeta de grabados ―del Negro al Blanco y del Blanco al Negro‖ editada por Arte Dos Gráfico, hacen referencia de una u otra forma al genial maestro del Renacimiento.

Tumba de Gericaul. Cementerio Pere Lachaise. Paris

“El naufragio de la medusa”.

”Sembrador”.Pastel. G. Páez M 2

En 1819 se presenta esta obra en el Salón de Paris. También llamada “El naufragio de la medusa”. Es una obra emocionante y trémula que hace culto a la muerte y que seguramente se inspiró en Miguel Angel cuando estudió en Roma Gericaul.. Actualmente el relieve de esta obra acompaña su tumba en el cementerio Père Lachaise de París. 3 Luis caballero Artista colombiano inspirado en las obras de Miguel Angel y Gericault

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Linóleo. G- Páez M.

Dibujo. Luís Caballero

Encuentro con la cerámica Para una persona que se adentra en el arte es indispensable el encuentro con la tierra, la creación en bruto; la cerámica, esa palabra un poco más sofisticada con la que llamamos al barro. De esta experiencia –que personalmente no me cautivo para expresarme como artista– surgió el modelado del cuerpo de una figura y una cabeza de Santo Domingo de Guzmán que regalaría a mi hermano en su proyecto de novicio dominicano.

Cabeza Santo Domingo de Guzmán. G.Paez M.

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Happening “El Rollo”.Taller Cinco

Ese embarrarme, untarme, mancharme, lo he retomado con el tiempo realizando una serie de Happening4 y pintura corporal5 con alumnos del Taller Cinco y de la facultad de Publicidad de la universidad San Martín. Una experiencia que me ha permitido sentir nuevamente en mis manos la materia pictórica, el color, así como vivir la emoción de aplicar múltiples formas, composiciones, líneas y manchas en un cuerpo humano que respira y siente. Siempre he creído que una experiencia con nuevas formas de expresión enriquece el espíritu, nos saca de la cotidianidad y nos introduce

Happening: denominado arte de acción no persigue nada concreto, es efímero, persigue integrar el mayor número de personas en forma creativa. no quiere representar algo sino vivir la relación arte y vida. 5 Cuando el cuerpo se convierte en un lienzo que recibe toda clase de colores y permite libertad y creatividad por parte del artista.

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en nuevos campos de acción creativa. Experimentar nuevas posibilidades nos abre panoramas desconocidos y apasionantes.

Encuentro con Marta Traba6

Marta Traba representa en el arte colombiano la entrada en nuestro país del análisis serio y profundo del arte moderno en Colombia. En ese tiempo Marta creó, junto a Gloria Zea, el Museo de Arte Moderno de Bogotá que en principio tuvo su sede en la Universidad Nacional. Siempre veíamos a Marta dictando conferencias en la sala principal, donde la gente se sentaba en el piso para escuchar a esta crítica de arte que fascinaba con su acento argentino y con sus múltiples conocimientos de artistas especialmente europeos y americanos; artistas que en ese entonces apenas conocíamos y nos deslumbraban con sus increíbles obras que veíamos en las deficientes diapositivas que se presentaban, pero que nos dejaban un gran aprendizaje de lo que pasaba en el mundo del arte mundial.

Crítica de arte argentina que condujo el arte moderno colombiano y permitió el lanzamiento internacional de artistas como Botero, Negret, Ramírez Villamizar, Obregón y Grau

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Mi encuentro personal con Marta Traba fue en un concurso de la facultad de artes, donde presenté un monotipo:‖Visionario‖, en blanco y negro que fue aceptado por ella y del cual me llené de orgullo, pues era una luz en el camino que tendría que recorrer en mi futura carrera creativa. De ese grabado saldría con el tiempo toda la serie de figuras en blanco y negro que por la fuerza del contraste me apasionaría por muchísimo tiempo.

“Visionario” Monotipo. G. Páez M.

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Encuentro con el marcador Nunca pensé que el color apareciera en mi obra por medio de los marcadores de color, y menos en una ciudad tan tropical como Cali, y en momentos de una dolorosa situación personal por la pérdida de mi mamá. Pero el arte en estos difíciles momentos es una maravillosa escapada de los problemas y dificultades que tenemos. En estos trabajos que fueron realizados a manera de experimentación se reflejaba en mí la soledad y el querer recrear momentos muy felices con mi familia. Los dibujos en color con marcadores de colores me introdujeron sin quererlo con Fauvistas7 y con la obra de Matisse. Algún artista diría posteriormente que era mi homenaje al color. El arte tiene un ingrediente que en cierta forma es un parto doloroso pues cuanto más problemas tememos más se dispara en nosotros la creatividad. Y eso fue lo que realmente hice en Cali. La serie de dibujos que mostré en el Hotel Intercontinental fue el inicio de una serie de exposiciones que realizaría en muchas partes tanto de Co7

Fauvismo 1905.Movimiento que trabajo la violencia cromática. Llamados Fauces o fieras. Período de liberación de los artistas controlado todo por el color contrastado. Para Matisse el color constituye la sustancia de las cosas.

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lombia como del extranjero. El arte importante colombiano lo conocí en el museo La Tertulia con las conocidas Bienales de arte. Así, mi estadía en Cali (1969 -1972), no fue sino un proceso de redescubrir y amar a Bogotá y lanzarme a una aventura que realmente cambió mi vida, como fue irme a vivir a Barcelona y conocer el arte y cultura del viejo mundo.

II. Vivencias Descubrimiento del viejo mundo (1972 - 1975) Este romper con todo e irme a vivir a Europa fue una experiencia que cambió mis criterios artísticos. Al llegar a Madrid, una ciudad totalmente desconocida para mí, a las siete de la mañana de un domingo en septiembre de 1972, encontré, detrás del gran Edificio España de la gran plaza del mismo nombre, un pequeño hostal en donde permanecí unos días antes de mi viaje final a Barcelona. Así, fue mi entrada a lo que sería un mundo nuevo y fascinante. Descubrí, en el museo del Prado, que la apreciación de la obra artística es totalmente distinta cuando se ve en directo que en un impreso. Es impresionante no solo apreciar que el color es diferente, sino que la textura de la superficie de la tela en que fue pintada y, casi diría que el olor, es algo que marca una gran diferencia con la percepción de la obra. Realicé este análisis con el gran for-

“Cristo”. Velásquez

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mato del ―Cristo‖ de Velásquez8 que siempre imaginé de tamaño pliego. En ―Las Me-

ninas‖ de Velásquez descubrí que la tela presenta un cosido vertical. Recorriendo las calles encontré el museo Zorolla9, el gran maestro del impresionismo español y cuya mancha de color usaría yo en algunos trabajos posteriores. De este artista me sorprendería ver posteriormente unos muy buenos trabajos en el museo de la ciudad de La Habana. “Las Meninas”. Velásquez

“Niños en la playa”. Joaquín Sorolla 8

Velásquez artista del Barroco español. su obra mas representativa : Las Meninas

Sorolla: figura mas destacada y representante español del movimiento impresionista en ese país.

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Barcelona, Barcelona

“La Pedrera”. Gaudi “

La Pedrera” Chimeneas

Barcelona fue mi verdadera entrada a Europa, pues el idioma español desapareció en esta ciudad costera y me encontré con una cultura, un idioma y un especial ser del catalán que fueron todo un reto. Mis primeros pasos se encaminaron a conocer el Románico y el Gótico y toda la obra de Gaudi10. Mi ruptura con el diseño gráfico se efectuó precisamente al estudiarlo en la escuela Massana de Barcelona. De este modo empezó otra etapa de conocimiento como fue aprender una serie de oficios artísticos, especialmente la tapicería, el Batik (con el cual realizaría una serie de muestras a mi regreso a Colombia y que me llenaría de profundas satisfacciones) y la estampación sobre tela, además de las clases de arte. La escuela estaba situada en la calle Hospital de la ciudad y desembocaba en las ramblas barcelonesas. El sitio donde funciona la escuela es un antiguo hospital llamado de la Santa Cruz y está ubicado en el barrio Gótico. De la escuela aprendí que el ―hacer‖, esto es, el oficio en el arte, es parte fundamental en el producto final de la obra plástica. Allí conocería a mis mejores amigos catalanes y españoles; aprendería a comer los bocadillos, el pan con ajo, aceite y tomate, la paella marinera, el vino en porrón; y asistiría a la bodega bohemia donde se presentaban los fines de semana artistas de los años cuarenta. También

Gaudi (1862-1926) Creador de la arquitectura modernista con obras como la “Sagrada Familia”,”La Pedrera” ”La Finca Guell”.

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aprendería palabritas en catalán como ―escolta‖:(escucha), una ―miqueta‖:(un poqui-

to), ―res de res‖:(nada de nada).

Allí también iríamos a cenar bocadillo y vino con mis amigos de la escuela los días jueves; y en noviembre, con la temporada de opera en el gran Liceo de Barcelona, conocería a la entrada del mismo a la nobleza y burguesía catalana y a algunos artistas como Dalí 11 –haciendo su entrada triunfal al Liceo Vestido con una gran capa roja de terciopelo en donde se colgaban muchachos jóvenes y recibían del artista un latigazo– ¡Oh! Barcelona, Barcelona

“Epígono del Surrealismo”

Salvador Dalí 11

Dalí (1904-1989) Sus obras hacen referencia al inconciente, los sueños la irrealidad. Una de sus obras es” La persistencia de la memoria” que trabaja el concepto del tiempo.

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Semana Santa en Paris en el 73

Si hay una ciudad a la que le tenga respeto es a París. Y llegar a la Gare du Lyon una mañana fría de semana santa del 73, sin pronunciar una palabra en francés y pensando donde buscar un sitio donde alojarme fue más que un reto, y a esto debe sumarse mi gran deseo de conocer el museo del Louvre. Terminaría mi angustia por el alojamiento cuando un cubano me llevó a la casa de España en París, situada en una calle muy cerca del trocadero, y haciéndome pasar por hijo de español nacido en Colombia lograría que se me recibiera como español buscando trabajo en París. Se supone que salía después de las 8 a.m. a buscar trabajo y debía regresar antes de las diez, hora en que cerraban la puerta.

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Pasé una de las semanas más plenas de mi vida visitando los sitios turísticos de la ciudad, pero sobre todo conociendo el gran museo del Louvre y enamorándome de las obras ―El

Juramento de los Horacios‖ de David12, y ―Las bodas de Caná‖ del Veronés13, y viendo por primera vez la sorprendente ―Victoria de Sa-

motracia‖14.

Boceto entrada Museo del Louvre. G. Páez M.

“Victoria de Samotracia”

“El juramento de los Horacios” J. L. David

El viernes santo de esa inolvidable semana fui a los oficios santos de Notre Dame, vi la ciudad desde el Sagrado Corazón y me revelé a hacer el saludo fascista de la fa12

J.L. David (1748-1825) El mayor representante del Neo-clásico .Su obra “El Juramento de los Horacios” el tema; es morir juntos por un ideal común. Declarado el cuadro más bello del siglo y la obra más exitosa en la H. del arte. Se presento en París en 1785.Su gran pintura histórica: “La consagración de Napoleón”. Considerado El Napoleón de la pintura. 13 El Veronés (1528-1588).Su pintura es una visión de la sociedad Veneciana. Suntuosos palacios, grandes cenas. Su gran obra “Las bodas de Caná” fue atacado por presentar distracciones paganas: Pájaros, moros, enanos africanos. Se pinto en 1573.Tomó el espacio arquitectónico del arquitecto Palladio. 14 Escultura de la escuela de Atenas, es una figura femenina alada representa la elegancia del siglo III A.C..Hoy es la escultura central a la entrada del Museo de Loubre.

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lange española a la hora de acostarnos en la pensión. El viaje a París crearía en mí la responsabilidad de ser artista, de conocer ese ―mundo ancho y ajeno‖ del arte y en cierto sentido era un suramericano que había conquistado La ciudad luz. Regresé a Barcelona con el espíritu lleno, y pronto emprendería otra gran aventura: el viaje a la ciudad de Estambul.

“Las bodas de Caná”. El Veronés

Viajar, viajar, viajar: Estambul, Londres y Marruecos Para un colombiano la facilidad de los viajes en Europa es una oportunidad única. Con la escuela Massana emprendí otra aventura visual que fue conocer Estambul. Esta ciudad, cuna del arte Bizantino15, de las grandes mezquitas y de los puentes gigantes, me dejaría algo tan especial como lo fue ver la luz natural que transforma la ciudad –especialmente en las horas de la tarde, cuando el sol se oculta por el Cuerno de Oro y convierte el lugar en un cuento de hadas de resplandores dorados– Una ciudad de contrastes entre el color oscuro de sus murallas, minaretes y mezquitas, y la belleza del mar profundamente azul. 15

Arte Bizantino.

Siglo V D.C. Expresión de autoridad absoluta, grandeza sobrehumana mística inaccesible.

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De Londres, puedo decir que hace sentir al visitante como un parroquiano más, visitando sus tabernas y calles; allí conocería los increíbles paisajes de Jhon Constable16 y de Willian Turner17 que me produjeron la nostalgia de nuestros atardeceres sabaneros y que hoy retomo en la serie sobre paisajismo colombiano.

“Wivenhoe Park”, Essex, por John Constable

Willian Turner.

“Mujeres de Argel”. Eugenio Delacroix

J. Constable (1776-1837).Precursor del impresionismo. Expresó sus sentimientos por medio del paisaje La naturaleza la consideró como algo religioso interrelacionó la naturaleza con sus estados anímicos. 17 W. Turner (1775-1851) Dibujante topográfico realizó los más bellos temas marinos. sus obras son como las pasiones del hombre integradas a la naturaleza.

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El exotismo de Marruecos –con los encantadores de serpientes, el te marroquí, las chilabas– y de ciudades como Casablanca, Fez y Marraquesch me recordaría las

―Mujeres de Argel‖, pintadas por ese genio de la pintura francesa: Eugenio Delacroix18. Este deseo por conocer me llevaría a recorrer parte de las capitales suramericanas como Caracas, Río de Janeiro y Buenos Aires, descubriendo en cada una su gente, sus colores y sus aromas, al tiempo que se despertaría en mí una verdadera identidad latino-americana. Bogota 1975-2007 De regreso a Bogota me reencontré con la familia, la ciudad, los amigos, y fue también el inicio de una serie de experiencias artísticas importantes: la creación de la galería Fray Angélico en la universidad Santo Tomas, la dirección del Museo de Arte contemporáneo durante 12 años –experiencia que fue dirigida hacia las nuevas expresiones plásticas–, el ingreso como artista a una serie de eventos tanto de exposiciones individuales y colectivas como la participación en los Salones Nacionales de Artistas creados por Colcultura, la realización de una serie de viajes en cursos internacionales tanto de museología como de animación cultural en ciudades como Río de Janeiro y Caracas. Otra experiencia que me brindó nuevos conocimientos la beca que obtuve en investigación Cultural con Colcultura, cuyo producto final fue la ―Cartilla de percepción visual e inducción al arte y la creatividad‖, la cual he aplicado en mis clases como docente universitario. Mi encuentro con las aplicaciones de la imagen en el mundo actual se inició en el curso que realicé en la Universidad Complutense de Madrid, en donde aprendí la aplicación de la imagen en el arte, el diseño y la publicidad. El aprendizaje con la fo-

Eugenio Delacroix (1798-1863) Patriarca del romanticismo. Sus fuentes fueron Dante , Shakespeare, Byron Para el los cuadros deben ser una fiesta de color para los ojos .Trabajó la violencia en sus masacres.

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tografía y el cine tuvo lugar en el seminario que el Centro de Diseño Taller Cinco realizó, sobre Producción de Cine, Fotografía y Televisión en la ciudad de la Habana.

“Cartilla de percepción visual e Inducción al Arte y la Creatividad”. G.P.M.

Encontré la cultura europea otra vez en el viaje de estudios a París en el cual pude realizar un nuevo recorrido visual por la ciudad en los museos del Louvre, Orsay, museo de los Gobelinos y George Pompidou. Así me acerque a otro punto de vista: la imagen como comunicadora de ideas y generadora de nuevos proyectos. Lo anterior me llevaría a realizar propuestas estéticas en otros campos del saber: el video arte Atrapasueños, la acción de pintura corporal llamada ―El Jardín de la delicias‖, ―Espeji-

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to espejito‖, el video danza: ―La danza de las horas ―, el Happening sobre fotografía y body art denominado ―El rollo‖ realizado con los alumnos del Taller Cinco en la casa de la cultura de Cajicá y la acción plástica ―Danza de las horas‖ realizada con bailarines profesionales.

Capítulo 2 “Diálogo con las ideas”

En este apartado, a partir de fragmentos cortos sobre temas de creatividad y arte, hago comentarios personales sobre formas de pensamiento que nos ayudan a comprender el rico mundo de la creación. Parto del supuesto de que el individuo, por su misma naturaleza, está en un proceso permanente de cambio que lo lleva a realizar acciones que modifican su realidad de una manera diferente.

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Apuntes sobre creatividad Ser creativo consiste en reorganizar lo que vemos de una manera diferente, es, en cierto sentido, mostrarnos a nosotros mismos que lo que percibimos es posible imaginarlo de forma distinta. Nuestra cotidianidad debe ser enriquecida con nuevos contenidos visuales que debemos aprehender y codificar en nuestro intelecto y que afloran de una manera conciente e inconciente al momento de realizar una obra. Sobre los aportes externos Si bien es cierto que el producto final de un creador es el resultado de diversas instancias que éste ha abordado, en muchos casos los aportes externos son de gran ayuda incluyendo por ejemplo los comentarios críticos y la prensa especializada que sin condicionar el resultado final de la creación, pueden orientar y resolver en gran medida las dudas existentes. La obra, una vez concluida, está inscrita dentro del proceso de la comunicación visual, donde el emisor o creativo –sirviéndose de un medio como la tela, el pincel, los colores– muestra ese producto final a un receptor que es el público. Se espera que éste produzca una respuesta positiva o negativa. A partir de ese momento la obra recibe un aporte que de una u otra manera la transforma, al tiempo que se transforma el proceso mismo del creador. Sobre el creador Identifica a un creativo su capacidad de asombrarse; quien no se inmuta por nada de lo que ve, oye o siente, difícilmente es una persona creadora. Y parece ser que una modalidad de la persona que crea, consiste en estar en muchas ocasiones sumergido en el caos para que de allí surjan las ideas más sorprendentes, los aportes más originales.

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Sobre el proceso Podemos tener las más geniales ideas, los proyectos más espectaculares, los sueños más grandes, pero todo ello, hablando de creatividad, queda sin pie si no se llega a una realización concreta. Se debe partir de un problema por resolver, el cual pasa por un período de debates y posibles soluciones, hasta que finalmente se concreta en un producto nuevo. Consideraciones sobre la belleza y la voluptuosidad En la obra de arte como en cualquier hecho creativo se observa una gran belleza en el resultado final como consecuencia de un orden que nos produce tranquilidad y calma, pero Baudelaire19 presiente el siglo XX como lleno de una gran pasión al hablar de la voluptuosidad, lo que en términos de Nietzsche sería lo dionisiaco en el arte. El término voluptuoso se define en el diccionario como dado a los placeres o deleites sensuales. Pero recordemos que en este siglo también se presenta la estética de lo feo, que igualmente nos puede impresionar y transmitir de pronto mucho más que la belleza tradicional. Maurice Vlaminck pintor del Fauvismo expresaba que lo que hubiera hecho tirando una bomba, lo había logrado por el arte. Decía que había utilizado sus instintos destructivos en recrear un mundo sensible. Esa sensibilidad ante el mundo que lo rodea lo hace como dice Vlaminck vivo y libre.20 A Eduard Munch Cuando se le preguntaba sobre su obra ―El grito‖ decía que sólo y temblando de angustia sintió el grito vasto e infinito de la naturaleza; ésta parece pedirle al creativo que devuelva lo que le ha brindado gratuitamente. De ahí la pasión del artista que hace que en muchas ocasiones todo lo vea bajo sus parámetros y como es lógico sienta una gran angustia de cómo expresarse de la mejor forma posible.

Bodelaire. (1821-1867) Condenado por sus escritos escandalosos. Su obra:” Flores del mal”

Vlaminck. (1876-1958). Pintor del movimiento Fauvista

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Claves para el creativo o para la creación El creativo debe adentrarse muchas veces en mundos a veces desconocidos, insólitos, porque la aventura es un generador de nuevas ideas. El hecho de atreverse significa una ganancia hablando de creatividad, pues hace diferente al sujeto y proporciona nuevas sendas por donde poder encausar su camino. Aportes desde el arte En la declaración de los principios del movimiento Dada se afirmaba entre otras cosas, que la palabra ―Dadá‖ no significa nada. Que era ―la nada significativa cuya significación consistía en significar algo, que querían cambiar el mundo con nada, la poesía y la pintura con nada y acabar la guerra con nada.‖21 La aventura de la creación es tan extraordinaria en el ser humano que podríamos decir como afirmaba Dada: cambiar el mundo con nada y todo a la vez, respirar aire embotellado de París, o crearnos toda una epopeya imaginaria sin pensar nunca realizarla. Tememos que estar un poco cuerdos, un poco locos, no tomarnos las cosas demasiado en serio, para comprender que la capacidad creativa es un don maravilloso de Dios. En la historia del arte los conceptos han ido cambiando permanentemente. Desde el siglo XIX la preocupación de la captación de lo real fue un objetivo de los pintores, afán que se vería disminuido con la invención de la fotografía, perfeccionada en el nuevo siglo. Por eso, si leemos a Kandinsky, comprendemos que lo importante no es tanto la captación de lo real sino la interpretación de lo real. Esa nueva realidad se refiere a la dimensión del objeto mirándolo de diferentes ángulos: interviniendo la forma para alterar el mensaje.

Dada: Movimiento encabezado por Duchamp.

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Ives Kleim hizo una acción en el arte que tituló ―Realización de una antropometría en casa de kleim‖

con la cual cambió el concepto en el uso de instrumentos como los

pinceles para realizar una obra. Su propuesta consistió en emplear como pincel el propio cuerpo que, previamente embadurnado, unta la superficie del lienzo o de la pared creando una huella del mismo, con todas las implicaciones que esto conlleva. El cuerpo se convirtió en un instrumento, le dio otra nueva función y ya no sólo la creación surge con el pensamiento, con la idea que quiero transmitir ordenando a la mano que lo ejecute, sino que directamente el cuerpo cumple la función de pensamiento-acción. En la acción creadora hay introspección con uno mismo que se manifiesta por medio del silencio. Silencio...silencio. Cuanto nos cuesta callar. Si el hombre comprendiera que en el silencio se encuentra consigo mismo, con Dios, con su historia, con su yo, la humanidad sería diferente; seriamos más seres en el espíritu. Y llevando esto al plano de la creación, la obra que un creativo realiza requiere de unos momentos de reflexión, de un profundo silencio, de una profunda introspección sobre lo realizado y sobre sí mismo. Por eso es importante darnos un tiempo, dejar que la obra madure, no cortarla antes de tiempo. Acerca de cómo se crea o qué elementos influyen en la creación No creamos en el vacío ni partimos de cero para crear; siempre se tenemos puntos de referencia. Picasso decía que le dijeran lo que habían pintado y les diría de quién lo habían robado. Recordemos el robo inteligente que él tuvo al realizar más de 26 trabajos con el tema de ―Las Meninas‖ de Velásquez. Su obra final es totalmente creativa, un nuevo aporte del cubismo, basada en las obras del Barroco español.

Kleim(1928-1962).Artista Francés catalogado como un Neo Dada.

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Así mismo, una vez culminada la obra, tendemos a compararla y contrastarla, es como si pusiéramos a la creación en un plano de competencia, lo que es saludable, pues si hay algo que nos ubica en lo que estamos haciendo es ver otras posibles soluciones. Un elemento indispensable en un creativo es la capacidad de sorprenderse. El sorprendernos, el cuestionarnos, el encontrarnos cosas nuevas por su belleza, o bien por no tenerla, por su color diferente, por su forma insólita o movimiento; es condición de lo humano que cada día re-descubre su entorno. Las personas que no ven nada, pasan por un mundo en blanco y negro y se han perdido de observar las múltiples comunicaciones visuales, auditivas, sensoriales, que nos encontramos diariamente. Es la esencia misma de la creación y del individuo que realiza una obra nueva, diferente. Quien no se asombra por nada, quien no descubre nada nuevo en lo que ve continuamente, quien no percibe la belleza de un amanecer o atardecer, a quien no lo impresiona nada, difícilmente es creativo. La experiencia viene a ser una consecuencia del habernos atrevido a entrar en campos tal vez insólitos y desconocidos, de haber dicho sí a situaciones nuevas, de no negarnos a la aventura del saber que nos brinda el conocimiento. La experiencia, se dice, se logra con la edad, pero en el mundo en que vivimos los tiempos se acortan y hoy nuestra experiencia comienza racionalmente mucho más temprano, influida por los grandes medios de comunicación. Las experiencias creativas nos dejan grandes satisfacciones que tendremos como memoriales de pasos adelante en nuestro desarrollo. Sobre la mirada y las formas de mirar Willian Blake preocupado por cómo percibir y transcribir sobre una tela la naturaleza que observaba, llegó a afirmar que si una persona tenía la visión alterada eso lo alte-

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raba todo.23 Para los impresionistas por su parte, la visión de lo que pintaban alteraba la atmósfera; para los paisajistas ingleses como Turner o Constable el entorno se modificaba por los estados de ánimo en que se encontraban en el momento de pintar el cuadro. Si pasamos lo anterior a nuestro mundo actual podemos provocar toda suerte de imágenes alucinantes a partir de ciertas sustancias psicoactivas, de la rabia, la angustia o el dolor que cambian nuestra percepción de la realidad de una manera sorprendente. Eugenio Delacroix el gran maestro del color del siglo XIX concluyó que los colores amarillo, naranja y rojo despiertan y representan las ideas de la alegría y riqueza.24 Decía Delacroix que el cuadro debería ser una fiesta para los ojos y esto lo sabía muy bien Van Gogh, quien, cuando observó la obra del gran maestro del romanticismo, comprendió que la pasión se debe representar primero por el color, antes que por el tema del cuadro. Me imagino la sorpresa que causaría el cuadro con un caballo azul pintado por Delacroix al ser presentado en la exposición del siglo XIX con una visión futurista. El reconocimiento que le rindieron todos los artistas importantes del siglo en el cuadro ―Homenaje a Delacroix‖ pintado por Fantin-Latour en 1884 es el agradecimiento de todos ellos, a quien les enseñó como expresarse por medio del color, al maestro que sería el precursor del fauvismo y del expresionismo del nuevo siglo. Vassilly Kankinsky afirmaba que todo artista como creador ha de expresar lo que le es propio, lo que conoce, y que la necesidad interior no es otra cosa que la voluntad de expresarse que hay en todo artista, quien debe ser ciego a formas reconocidas que sus ojos abiertos deben mirar hacia su vida interior.25

23 24 25

Blake, poeta pintor y dibujante: (1757-1827). Delacroix : (1798-1863).El más importante representante del Romanticismo.Pintor. Kandinsky.(1886-1944).Creador de la publicación “El jinete Azul”.Pintor Ruso.

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Los artistas del siglo XIX buscaron en el mundo exterior los temas que querían plasmar en sus realizaciones, por eso Millet buscó en el paisaje de Barbizón la sombra y luz, la belleza de un atardecer o bien las mujeres recogiendo en el campo lo que sobraba de la cosecha (Las segadoras). Courbet, en su taller de trabajo, plasmó su mundo personal y por eso su estudio lo llenó de amigos, de cazadores, de sirvientes (El estudio del pintor). Los artistas del siglo XX además de buscar en el exterior se han volcado dentro de su propio yo para examinar su interior y plasmar sus pasiones, triunfos y fracasos, sacar de sí para mostrar plásticamente lo que conocen. De ahí esa mirada interior tan valiosa en los artistas expresionistas alemanes como Munch ( ―El grito‖), Ensor (―La entrada de Cristo a Brucelas‖), Kirchner (―Cinco mujeres en la calle‖). O bien la mirada del propio Kandinsky con sus obras de las series emociones espontáneas y composiciones. Marcel Duchamp en muchos de sus trabajos nos vuelve cómplices verdaderos de las propuestas visuales que realiza y nos convierte en testigos ocultos.26 Este creador, en algunas de sus obras, nos introduce en los laberintos del arte para que descubramos nuestro propio yo, cuando en algunas de sus obras convierte al espectador en receptor voyerista como en su obra ―Dándose: 1º El salto del agua, 2º el gas de alumbrado‖ (1946-1966), buscando que el espectador sea un receptor erótico testigo de formas agresivas; o en cómplice de su mundo visual, como ocurrió con ―La Gioconda‖, con bigote de chivo y con las letras que el espectador debe descifrar L.H.O.O.Q. (1919) Theo Van Doesburg 27 en el manifiesto del elementarismo expresaba la abolición de lo positivo y negativo mediante la diagonal y con respecto al color. Se rechaza la modulación de unos colores con otros. Se rechaza el concepto clásico de la composición. 26

Duchamp. (1887-19689).Del grupo Dada, invento el Ready made .(objetos prefabricados con objetos ya existentes). Creador polémico con obras como:” La fuente “y” La monalisa con bigotes” 27 Doesburg.( 1883-1931) Pintor arquitecto del movimiento Neo-plasticismo.

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Se reconoce el color como materia y energía independiente, planteamiento propuesto por De Stijl28. Los artistas De Stijl se proponían que la expresión en el arte y arquitectura fuera un concepto claro simple y ordenado. Si hay algo que deben tener las propuestas visuales del momento es que sean una combinación de lo irracional –como es el caso de las obras que trabajan el concepto del caos– y de todas las producciones basadas sobre el concepto de orden y razón lógica –como sucede con toda la obra minimalista– Esa búsqueda de lo esencial es la preocupación de artistas y diseñadores de hoy que deben llegar a proponer síntesis para alcanzar la plena comunicación con el espectador. Pied Mondrian y su propuesta :Vertical igual hombre ,hombre igual espacio, espacio igual estática, estática igual armonía, armonía igual horizontal, horizontal igual mujer, mujer igual tiempo y tiempo igual melodía.29 Con ecuación Mondrian quiere expresar su concepto sobre pintura, pero nos introduce en un campo creativo extraordinario cuando nos presenta una nueva posibilidad del desarrollo de una idea integrada no solo por la forma sino por la armonía, la música, el espacio, el tiempo, las matemáticas; todo lo anterior inscrito en la idea de hombre y mujer. Lo importante de su planteamiento es que todo termina en melodía y es el sonido que todo lo convierte en etéreo, sutil, transparente que es y no es, que todo lo vuelve liviano. Kasimiro Malévich en 1913 quiso liberar el arte de la carga del objeto, se refugió en las formas cuadradas y expuso un cuadro que consistía únicamente en un cuadrado negro sobre fondo blanco30.Eeste autor logró la síntesis a la que todos debemos llegar cuando se habla de un proceso creativo. A veces el objeto se nos convierte el algo tan pesado e inmanejable que pensamos en renunciar a los proyectos y nos en28

De Stijl.1917. Vanguardia artística vanguardia artística que exaltaba lo contrario del movimiento Dada, éste último considerado como irracional. 29 Mondrian. (1827-1944).Principal protagonista del movimiento DE Stijl.Pintor. 30 Malevich (1878-1935).Pintor creador del Suprematismo.

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contramos en caminos sin salida. Cuando Van Gogh buscaba desesperadamente un color siendo el gran maestro del pos-impresionismo, o cuando una computadora nos brinda miles de posibilidades del color, es cuando verdaderamente entendemos a Málevich, quien logra con un mínimo de elementos –como son el cuadrado negro sobre el blanco– un máximo de posibilidades. La no-razón en el proceso creativo Cuando en algunos momentos del proceso creativo apelamos a la ―ausencia de razón‖ hay una verdadera liberación de los esquemas mentales que momentáneamente ayudan a la mente. El exceso de razón y lógica al realizar una tarea creativa nos impide la libertad de pensamiento, nos encasilla y nos hace repetir esquemas y soluciones ya propuestas; incluso puede generar bloqueos creativos.

Capítulo 3 “En la búsqueda de la perfección y la belleza” Muchas de las personas que se adentran en el campo creativo tienden a la búsqueda de la perfección en sus obras o productos. En este sentido, considero oportuno hacer un acercamiento al libro ―Historia de la belleza‖ de Humberto Eco, uno de los más interesantes pensadores contemporáneos quien aborda temas como lo bello, lo feo, lo apolíneo, lo dionisiaco, la armonía de las formas, la belleza de los monstruos, entre otros. Todos estos enunciados son vistos con ojos del siglo XXI y son aplicados al mundo actual de la imagen, el arte y la publicidad. Debido a la profundidad y pertinencia de sus aportes, he querido dedicar todo un capítulo a propósito del libro mencionado.

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Eco hace referencia a un texto de Winckelmann sobre la imitación del arte griego en la pintura y escultura de 1775 : ―En toda acción aparece en primer lugar lo impetuoso y lo impreciso; la ponderación y la exactitud aparecen mas tarde, y hace falta tiempo para aprender a admirar esas cualidades‖31, ese ímpetu e imprecisión es característico cuando se plantea un trabajo artístico y corresponde a aquel momento en el que no hay nada definido –pese a que tenemos muchos ánimos- , las ideas todavía están confusas. La reflexión aparece cuando se vislumbra el verdadero problema a desarrollar.

El concepto de Kalón32 hace referencia a lo que gusta, a lo que suscita admiración y atrae la mirada; lo que en virtud de su forma satisface los sentidos, especialmente la vista y el oído. Si hacemos un acercamiento de tal concepto a la comunicación visual de la imagen hoy, podremos agregar que la imagen debe tener la posibilidad de, no 31

Winckelmann :(1717-1768) Historiador de arte y uno de los fundadores de la arqueología. Teórico del movimiento Neo clásico. Amigo de los artistas neo clásicos: David y Cánova. 32 Eco, Humberto. Historia de la belleza. Editorial Lumen, Milán, 2006.

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sólo sorprendernos por su belleza sino de recordarnos sonidos, olores, perfumes, a la vez que debe conectar tanto a través de lo visual como de todos los demás sentidos. ―El arte griego pone en primer lugar la visión subjetiva (…) En contra de lo que se creerá más tarde, la escultura griega no idealiza un cuerpo abstracto, sino que busca más bien una belleza ideal efectuando una síntesis de cuerpos vivos en la que se expresa una belleza psicofísica que armoniza alma y cuerpo, o bien la belleza de las formas y la bondad del espíritu: es el ideal de Kalokagathía…‖.33

Esta visión de armonía entre alma y cuerpo la encontramos hoy en día en múltiples manifestaciones. Pongo el caso de la moda que, se supone, nos debe presentar esa armonía del traje con la modelo, y ella a su vez en armonía consigo misma. Pero vemos en el mundo de la alta costura que la anorexia ha causado verdaderos estragos en lo físico, realidad que se refleja en las pasarelas. En el universo de la moda se

Eco. “Historia de la belleza “. Editorial Lumen, Milán ,2006, pag 45

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busca una belleza que sea el canon de especialistas y lo que estamos viendo son seres esqueléticos, flacos y deprimentes. Basta con retomar la valla publicada por el fotógrafo Oliverio Toscani en que se ve a una mujer desnuda y totalmente anoréxica imagen que ha causado controversia en Italia. Y claro, ante la cotidiana imagen de modelos muy delgadas mostrando bellas prendas, hay una contradicción de no correspondencia entre modelo y prenda que además nos hace suponer que esa persona se enfrenta a un problema, que tiene una lucha interna, que se encuentra en una búsqueda por encontrarse consigo misma. Se ha perdido entonces el concepto de Kalokagathía. De ahí que en los dictámenes de la gran moda que se sucede el los grandes centros como París, Londres, Roma, se haya prohibido la flacura extrema y le estén dando cabida a cuerpos más sanos que reflejen una rica vida interior.

Analiza Eco el pensamiento de Jenofonte que distingue belleza ideal, es decir, la representación de la naturaleza; belleza espiritual, reflejada por medio de la mirada; y finalmente la belleza funcional, representada por todo aquello que nos es útil. El mun-

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do de hoy está lleno de belleza funcional: ―me gusta porque me sirve, porque llena mis aspiraciones‖; la publicidad, en particular, nos muestra cada día las grandes ventajas de la belleza funcional: automóviles, motos, casas. En eso precisamente radica el reto del creativo publicitario, en que el producto con todas las ventajas técnicas, funcionales y de grandes posibilidades comerciales sea además y primero que todo bello ¿Dónde pongo yo una nevera en mi cocina que, aunque cumple todos los requerimientos funcionales, su diseño no es agradable? Cuando un objeto es funcional y además bello habremos logrado insertar en nuestro habitad un elemento total. Me pregunto si la visión subjetiva del hombre de hoy es tan profunda o es solo una mirada superficial, si me aporta algo, si es válida, o de lo contrario lo sacamos de nuestro esquema de prioridades. Siempre he creído que la mirada superficial de las personas puede llevarnos a profundas equivocaciones; cuántas veces no hemos subestimado a una persona por su apariencia física y luego nos sorprende su inteligencia y lucidez mental. Esa búsqueda por encontrar conceptos claros sobre lo bello, la armonía, y el orden ha sido una búsqueda permanente desde los griegos hasta el siglo XX. Desde la concepción griega ‖La belleza no corresponde a lo que se ve (de hecho, era célebre la fealdad extrema de Sócrates, cuya belleza interior, en cambio resplandecía). Puesto que el cuerpo es para Platón una caverna oscura que aprisiona el alma, la visión sensible ha de ser superada por la visión intelectual, que exige aprendizaje del arte dialéctico, esto es la filosofía‖34. El espíritu griego, esto es, el alma griega, es clasificada por Nietzsche al final del siglo XIX cuando escribe su obra ―El origen de la tragedia‖. Para él, este espíritu está integrado por dos elementos totalmente contradictorios: por un lado son ordenadores,

Eco: “Historia de la belleza”, Editorial Lumen, Milán, pag 50

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racionales y lógicos de donde nace en ellos su amor por la filosofía, la ciencia y el arte y constituye el concepto Apolíneo. Basado en la figura de Apolo35

Escultura Griega:Baco

“Apolo y Dafne”. Bernini

“Triunfo de Baco”: Velásquez

De otro lado está lo ingobernable instintivo y pasional, lo que genera en este pueblo el culto a Dionisios36. El concepto Dionisiaco que representa la no razón –todo lo 35

Apolo: Dios de la mitología griega y romana, dios de la belleza conocido como dios solar ,de las artes de los poetas. Hermano de la virgen cazadora artemisa

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opuesto a la lógica–, el verdadero caos. Esa mezcla es lo que hace fascinante lo griego, que en cierta medida está lleno de elementos contradictorios: los dioses del Olimpo se enredan en profundas pasiones humanas y de ahí la categoría de arte apolíneo, arte dionisiaco. La figura de Orfeo37 también influirá en su arte y su filosofía pues los llevara a ser reformadores, al ascetismo, a la unión con Dios. No hay nada más tranquilizante y bello, es decir, nada más cercano al concepto apolíneo que los paisajes de Millet en Barbizón o toda la escuela impresionista: Manet, Monet, Degas, por nombrar sólo a unos pocos de fin de siglo XIX, que nos mostraron en sus pinturas idílicas situaciones de paisaje urbano o toda la bella campiña francesa, o bien los paisajes primaverales o las puestas de sol de los paisajistas ingleses: trigales, ríos y atardeceres especialmente de Jhon Constable.

“Las espigadoras”. J.F. Millet

36 37

Dionisio: Baco romano figura de la no razón orgias y bacanales. Orfeo: Personaje de la mitología griega, dios de la música y la poesía recibió de su padre Apolo la lira. Cristo será llamado Nuevo Orfeo.

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“Amapolas”. Claude Monet

“Bailarinas”. E. Degas

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“Desayuno en la hierba” (Detalle). Manet

Por el contrario no hay nada más perturbador que las obras de los artistas del expresionismo alemán (Munch, Ensor, Kirchner) o de los surrealistas del siglo XX, en donde aparece el caos, la incidencia de la guerra y un mundo en terribles conflictos, que produjeron las obras más inquietantes del arte en el siglo XX. Si pasamos los conceptos de lo apolíneo y dionisiaco al campo de la publicidad tendremos que confesar que son apolíneas las imágenes publicitarias sobre los productos de bienestar como carros, perfumes y viajes, en donde aparece la belleza por todas partes; por su parte, el concepto de caos, muerte y destrucción lo podemos ver en las vallas de Benetton en donde se ve a una familia acongojada acompañando a un enfermo terminal de SIDA,

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fotografías realizadas por Oliverio Toscani. En la campaña de Benetton nos enfrentamos a una desarmonía entre el producto que se vende y la imagen presentada. En este punto conviene retomar las anotaciones que sobre el concepto de armonía de los filósofos griegos retoma Eco.

James Ensor

“El grito” Eduard Munch

“Calle con buscona de rojo”. Kirchner

“Paseo Kart Johan” 1892. Eduard Munch

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United colors of Benetton. Fotógrafo Oliverio Toscani

Lo novedoso de la propuesta de Benetton es precisamente el utilizar para la marca que vende ropa bella, costosa y de excelente calidad, algo totalmente contrario a la belleza, la armonía y el orden como es la figura fatal de la muerte, de un enfermo de sida. Pero se cumplen a cabalidad las propuestas griegas sobre la armonía ya que hay equilibrio entre los contrarios bello/feo. Mas adelante sobre el concepto de lo feo anota Eco que ‖También las cosas feas se componen en la armonía del mundo por la proporción y contraste. La belleza nace de estos contrastes, y también los monstruos tienen una razón y una dignidad en la armonía de lo creado, también el mal en el orden se vuelve bello y bueno porque en él nace el bien, y junto a él el bien resplandece mejor.‖38 En el campo artístico lo feo tiene su cabida de una manera particular; el arte se puede dar el lujo de presentar lo impresentable y así llegar al público para cuestionarlo en su forma de pensar. Por esta razón, no nos extraña encontrar la estética de lo feo que muchos artistas trabajan en el siglo XX e inicios del XXI. 38

Eco: Historia de la belleza ,Editorial Lumen, Milán,2006 pag85

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A propósito de la belleza de los monstruos plantea Eco lo siguiente: ―existe lo feo que nos repugna en la naturaleza, pero que se toma aceptable y hasta agradable en el arte que expresa y denuncia ―bellamente‖ la fealdad de lo feo, tanto en sentido físico como moral. ¿Pero hasta qué punto la representación de lo feo (y de lo monstruoso) lo hace en cierto modo mas atractivo?‖39. Esa es la gran pregunta que nos hacemos los creativos actualmente, ¿por qué hoy nos llama más la atención lo insólito, desfigurado, lo feo? Parece ser que el hombre del siglo XXI se ha cansado de observar la belleza y acaso quiere recrearse en algo totalmente nuevo. Una de las series que realicé recientemente se denomina ―El divino rostro‖ y se compone de personajes anónimos como pueden ser cartoneros, locos, rastas, personajes de carnaval. He notado que estos dibujos digitales, en apariencia más agresivos e incluso hasta ―feos‖, han tenido más acogida que aquellas obras mías ubicadas dentro de la estética tradicional de lo bello.

1.Caimán ( obra digital G.P.)

2.Rosito(Obra digital G.P)

Eco: Historia de la belleza, Editorial Lumen, Milán 2006 pag133.

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3. Cartonero (Obra digital.G.P.)

4. Piersen (Obra Digital G.P.)

Eco expone cómo para Santo Tomás de Aquino lo bello rebosa la apariencia exterior, de ahí que no dude en considerar feo un martillo de cristal porque, ―a pesar de la be-

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lleza superficial de la materia de que esta hecho, resulta inadecuado para su función. La belleza es colaboración mutua entre las cosas, por lo que se puede considerar ―bella‖ la acción recíproca de las piedras que, sosteniéndose y empujándose mutuamente, sustenten sólidamente el edificio‖.40 Por su parte, San Agustín también concibe la belleza en un sentido amplio, que queda evidenciado cuando Eco afirma al respecto: ―Será misión de muchos místicos, teólogos y filósofos medievales demostrar que, en el gran concierto sinfónico de la armonía cósmica, los propios monstruos contribuyen, aunque sea por contraste (como hacen las sombras y los claroscuros en un cuadro), a la belleza del conjunto‖.41 Respecto al ejemplo del martillo de cristal dado por Santo Tomás de Aquino, diremos que se encuentra conceptualmente en varios creativos del siglo XX. Uno de ellos, Oppenheim nos presenta una taza de café con cucharita y plato revestidas de una superficie de finos pelos que producen en el espectador una repulsión instantánea; porque el placer que produce consumir café se da, en gran parte, en tanto se toma en una taza de porcelana. En otras palabras, la taza no se adecúa al fin para el cuál fue hecha. Este recurso de cambiar la función para la cual fue hecho el objeto, fue realizado por un gran artista innovador: Marcel Duchamp42 en el siglo XX, quien descontextualizó un orinal y lo convirtió en un objeto mágico; en otra ocasión, sobre un impreso del cuadro de la Monalisa, pintó unos bigotes y una chivera, descontextualizando de este modo la belleza de la obra artística. Todos estos aportes del grupo Dada van a llevar a nuevas concepciones artísticas especialmente en las segundas vanguardias. Por ejemplo se le da gran importancia a utilizar en el arte nuevos materiales, para que observemos su belleza: la belleza del fuego, la belleza del petróleo, la belle-

Eco: “Historia de la belleza”,Editorial Lumen ,Milán 2006, pagina 88 Eco : “Historia de la belleza “,Editorial Lumen, Milán 2006 ,página 147 .Duchamp: 81887-1968). Artista Dadaísta francés, revoluciono el arte descontextualizando objetos y creando verdaderos escándalos en el arte.”La Monalisa con bigotes” fue una obra muy polémica. 41 42

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za de la luz, la belleza de los elementos de la naturaleza que cambian de sólidos a líquidos, entre otros.

“La Fuente “1916-1917.Marcel Duchamp

“L.H.O.O.Q.”.1915. Marcel Duchamp

Leonardo Duchamp

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Un vistazo a la belleza en diversos movimientos artísticos En el arte cristiano primitivo la belleza es una cuestión espiritual porque se considera que el cuerpo es feo mientras el alma es hermosa; las formas son planas e incorpóreas. En otras palabras, el arte se emancipa de la realidad, pues ha nacido un hombre espiritual representado en las palabras del apóstol Pablo cuando decía: vivo pero no yo, es Cristo quien vive en mí.

En el arte Bizantino del siglo V d.C. a las figuras de Cristo, María y los Santos se los viste como reyes y se los engalana con capas de armiño, coronas y joyas. En este período, la belleza está en el poder real que representan dichas figuras. A su vez, en la escultura Románica se trabaja el concepto de lo ornamental por eso se trabaja un gran expresionismo especialmente el ojos, cuerpo, manos. El arte Gótico se propuso acercar al creyente a la iluminación divina; la belleza está representada en los grandes espacios arquitectónicos con todo el esplendor terrenal

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representado en joyas, metales, vidrieras y esmaltes. Por eso a la Catedral de Chartres se le llama ―Nuestra Señora de la bella Vidriera‖.

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Fue realmente en el Renacimiento cuando surge una interminable lista de genios que trabajaran la belleza del color, de la luz, de las formas etc., patrocinados todos ellos por mecenas y por cortes suntuosas como la de los Médicis o la corte del Señor de Urbino. Y dentro de esa cadena de artistas surge la encarnación perfecta del renacimiento: Leonardo. Cuyo interés artístico se refleja en su polémica obra La monalisa. Siguiendo a Leonardo, puede decirse que el artista es a la vez creador e imitador, y aunque esta afirmación pareciera ser contradictoria, no lo es puesto que

―Como afirma claramente Leonardo da Vinci, la imitación es, por un lado, estudio e inventiva que se mantiene fiel a la naturaleza porque recrea la integración de cada una de las figuras en el entorno natural y, por otro, actividad que exige también innovación técnica (como el célebre esfumato de Leonardo, que hace enigmática la belleza de rostros femeninos) y no una repetición pasiva de las formas‖.43

ECO: “Historia de la belleza”,Editorial Lumen, Milán 2006 pag.179

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A partir del tema del Renacimiento, Eco analiza conceptos como la belleza práctica, con relación al período del Barroco, referida a los trabajos familiares, amas de casa o educadoras en el caso de la mujer; y razón y belleza con relación al siglo XVIII de los grandes pensadores y de las grandes pasiones; la belleza cruel y tenebrosa con relación a la obra de Goya de la serie de grabados sobre los desastres de la guerra; la belleza romántica con relación al romanticismo del siglo XIX, encarnada en el principal representante artístico Eugenio Delacroix; hasta llegar a introducirnos en temas del siglo XX, empezando por lo que se denomina: El nuevo objeto con referencia al

Art Nouveau de fines del siglo XIX e inicios del XX, y analizar además, entre otros temas, la belleza de las máquinas para finalmente llegar a la belleza de los media, sobre la cual Eco afirma lo siguiente:

Asiento con diseño “Art Nouveau”

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―Nosotros no podemos mirar desde tan lejos; podemos contentarnos con destacar que la primera mitad del siglo XX y a lo sumo los años sesenta de ese siglo (luego será más difícil) es el escenario de una lucha dramática entre la belleza de la provocación y la belleza del consumo‖ 44

Capítulo 4 “En la búsqueda de la perfección y la belleza” (Diversas obras, épocas y procedimientos de realización) En el desarrollo creativo de un trabajo se presentan dos factores que debemos tener en cuenta. El primero es la parte que constituye el hacer, es decir, aplicar correctamente la técnica o medio para que el resultado final sea satisfactorio. Y el segundo es la parte creativa que es la suma de múltiples factores como vimos en capítulos anteriores; es el momento en que se transforma lo que hacemos en algo totalmente nuevo, en que aportamos ideas, nuevos logros. Pero este segundo factor no tiene una secuencia igual para todos, pues depende de cada individuo, de sus vivencias, de su forma de pensar particular, de cómo enfrenta los problemas creativos.

Eco: “Historia de la belleza”, Editorial Lumen, Milán 2006 pag. 414

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A continuación se describen diversas obras artísticas de mi autoría describiendo como fue el procedimiento de realización, las técnicas que se emplearon, el tema tratado, los problemas que surgieron, todo lo cual considero ayuda a esclarecer dudas, y a comprender las múltiple complejidad que encarna el hecho de la producción y el montaje de las creaciones artísticas.

Titulo: ―Jacob y el Angel‖ Técnica: Intaglio sobre tela Dimensiones: 300x200 Año: 1994 Presentado en el XXXV Salón Nacional de Artistas. Corferias, Bogotá. Tema de la obra: Religioso.

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Descripción de la obra: Esta obra consiste en 14 paneles de un metro por un metro y está acompañado por tres atriles con su correspondiente libro. El panel central representa la lucha bíblica de Jacob con el Ángel: y en el correspondiente libro enfrente de la pieza se lee: ―Y habiéndose quedado Jacob solo, estuvo luchando alguien con él hasta rayar el alba. Pero viendo que no podía, le tocó la articulación femoral y se dislocó el fémur de Jacob mientras luchaba con aquel…..Jacob le preguntó:-Dime por favor tu nombre ¡para que preguntas por mi nombre¡ y le bendijo allí mismo. Jacob llamó a aquel lugar Penuel pues se dijo: He visto a Dios cara a cara y tengo la vida salvada‖ Génesis 32 ,25-31. La intención de esta obra se dirigía a despertar en el receptor un interés al observar la obra central, y leer el libro que le corresponde. El conjunto central está acompañado de dos obras a la derecha e izquierda. En la primera se ve la silueta en negro de una persona dividida en cuatro paneles y el libro que tiene enfrente es una recopilación filosófica del concepto de hombre que el espectador deberá descubrir al leer los conceptos. En el panel derecho se ve un ala dividida en cuatro paneles con su correspondiente libro con la idea filosófica de Dios. Y frente al panel central de seis páneles, está la historia bíblica de la lucha de Jacob y el ángel. Esta obra se hizo dibujando grandes manchas de cada una de las figuras que luego fueron cubiertas con trozos de papel recortado y pegado. La intención era que se creara una textura no convencional pues los papeles fueron previamente texturados de un pequeño relieve para que la obra no quedara tan plana y que casi el espectador quisiera tocarla. La respuesta del público demostró que las personas trataban de entender la obra leyendo el texto que se complementaba además con el relato bíblico central. Por su

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parte, los espectadores trataban de descubrir que una mancha negra o blanca no era solamente eso, sino que tenía, por así decirlo, otro mensaje que cada uno interpretó a su manera.

Titulo: “Atrapasueños” Técnica: Lámina de hierro pintada Dimensiones: 110 x 90 x 10 (dos obras) Año: 1996 Obra presentada en la exposición “Atrapasueños” realizada en el Centro Colombo-Americano de Bogotá. Tema de la obra: Ecológico

Descripción de la obra Esta obra realizada en lámina de hierro se elaboro en un taller de soldadura, la figura central es el esquema de un sembrador que lanza la semilla; esta idea surgió de un grabado anterior realizado en el taller de González Cerón. En esta nueva versión se crearon dos sembradores: el primero con pequeños bombillos, simbolizando la luz y el calor que requiere las cosecha para su germinación. El segundo, presenta una serie de pequeños visores en donde el espectador puede mirar paisajes de diferentes épocas del año, realizada por artistas del Renacimiento, del siglo XIX, y algunos del siglo XX. Considero que el trabajo fue muy interesante por la curiosidad que despertó

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en las personas que miraban cada uno de los sembradores y sentían verdadera admiración por la belleza, la luz, el color, las transparencias y la frescura que despiertan los paisajes.

Titulo: Marcela Técnica: Batick Dimensiones: 30x50 cm. Año: 1979 Presentada en la galería Arte Independencia de Bogotá. Tema: figuras en situaciones cotidianas.

Descripción de la obra El Batik es una antiquísima técnica de pintura sobre seda creada en Jaba y Balí para elaborar mantos ceremoniales de gran belleza y de uso muy común, posteriormente, en toda la zona asiática.

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Hoy día se ha popularizado y la mayoría la utiliza en prendas artesanales. La idea de utilizar esta técnica con un fin meramente artístico surgió en los claustros de la escuela Massana de Barcelona donde nos enseñaron que no sólo con las técnicas tradicionales se podía expresar una idea, sino que cualquier medio para realizar una obra es válida siempre y cuando sobrepase lo artesanal y logré lo puramente artístico.

Los materiales son muy nobles, pues la seda sobre la cual se realiza el trabajo debe ser natural del gusano de seda para que el acabado sea más bello y transparente. Sobre esta superficie se va aplicando cera líquida por medio de una pipeta especial, lo que genera una reserva de líneas que forman el diseño final. Una vez seca, se le aplican las tinturas de diferentes colores y así sucesivamente se va aplicando color y reservando con la cera el dibujo. La cera se retira con plancha y papeles absorbentes que quitan la reserva de cera y dejan ver finalmente el trabajo. Este se monta en un bastidor o se enmarca como usualmente se hace con las pinturas, acuarelas o acrílicos. En el trabajo presentado (ver dibujo anexo) se fragmentó la figura humana en una cotidianidad por medio de la expresión, lo cual recuerda algunas obras del arte Pop.

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Titulo: “Del blanco al negro del negro al blanco” Técnica: Linóleo Dimensiones: Varios tamaños. (50 linóleos) Año: 1992 Editado por la Galería Sextante. Bogotá. Tema: El análisis de la figura masculina y femenina como positivo y negativo.

Descripción de la obra El linóleo como medio de realización en el arte es uno de los más directos para lograr un buen resultado en la producción artística. Consiste en el diseño con lápiz de un dibujo sobre la superficie del linóleo y con cuchillas especiales se va eliminando la línea del dibujo permitiendo que quede una incisión poco profunda. Una vez terminado el anterior proceso sobre el dibujo se coloca con un rodillo con tinta de imprenta sin dejar brumos y a continuación se coloca encima de la superficie del linóleo y con una prensa o bien con otro rodillo se presiona suavemente y finalmente se retira el papel con la imagen impresa. Este procedimiento se puede repetir cuantas veces se quiera, siempre retirando la tinta sobrante y efectuando nuevamente el proceso. La buena impresión final depende del cuidado en la ejecución y la optima limpieza en la presentación final. Recordemos que nuestras culturas precolombinas utilizaban rodi-

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llos de cerámica con grabados incluidos que entintaban y pasaban directamente al papel o la tela. Caso parecido al linóleo es el monotipo que permite una impresión directa, en donde se puede apreciar todo el trazo emotivo del creativo y es el más sencillo de los procedimientos. Sobre una lámina metálica o sobre un vidrio se vierte la tinta y con un trapo o con diversos utensilios puntiagudos se realiza la creación. Una vez terminado lo anterior se coloca el papel sobre la superficie de tinta y se presiona con prensa o rodillo y se retira el papel con el trazo final. A veces es posible lograr dos o tres impresiones de buena calidad con la misma tinta pero eso depende del tiempo de secado.

Título: Revuelta Técnica: Dibujo a lápiz Dimensiones: 20x25 cms. Año: 1984 Tema: político

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Descripción de la obra El lápiz ha sido, en la historia del arte, el punto de arranque de cualquier producción artística .En el arte primitivo del Paleolítico y Neolítico encontramos los primeros signos y trazos realizados con carbones sobre las paredes de la cueva en los que encontramos bellas figuras primitivas de ciervos, renos y bisontes, entre muchos otros signos que vienen a ser las primeras versiones de un dibujo realizado sobre la superficie de la roca. Y así sucesivamente en toda la historia del arte encontramos en cada época que las grandes obras de la pintura, de la escultura, de la arquitectura, han estado precedidas de monumentales dibujos previos a la ejecución de la obra final. Considero que la verdadera creación, la iluminación creativa, la idea genial del artista se queda siempre en el dibujo inicial. Recordemos los grandes dibujos de Miguel Ángel previos a la realización de las grandes esculturas, los bellísimos dibujos de Durero: bocetos anteriores de los grabados y pinturas, los trazos finos y delicados del dibujo de Millet, antes de realizar su gran obra del realismo social: ―Las Espigadoras‖.

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La obra política realizada en dibujo (ver anexo) es una aproximación a los sucesos acontecidos en Bogotá por los estudiantes de la Universidad Nacional, que recoge el momento crucial de los encapuchados, la quema de buses y el cargado ambiente político que hemos vivido en Colombia en los últimos tiempos. El dibujo tiene algo fascinante que es la intimidad que el artista logra con cada trazo, es sencillo, sin pretensiones de ser obra monumental y que, precisamente, por este silencio entre creación, artista y lápiz, de pronto logra transmitir mil veces más contenidos que una obra de grandes dimensiones y con propósitos de trascendencia. Siempre he creído que la obra de todos los grandes artistas se encuentra primero en los dibujos a lápiz. Viva el lápiz.

Titulo: “Atrapasueños” Video arte de animación Año: 1995 Tema: La creación de la naturaleza con respecto a Dios.

Descripción de la obra La creación de un video de animación tiene varias partes anteriores a la realización del mismo. Es así como lo primero que debemos tener es la historia que vamos a na-

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rrar en imágenes visuales, que tienen una guía de grabación denominada story board. Lo segundo es la realización en plastilina, dibujo, papeles recortados de cada recuadro de la guía del story board. Una vez se tenga la historia completa, en imágenes, se realiza la grabación cuadro a cuadro que viene a constituir el proceso más dispendioso por cuanto debe aparecer en cada toma el ingenio y creatividad del realizador que a partir de la historia, debe sacar todo el provecho de la imagen. Y finalmente, sigue el proceso mecánico de edición. Hay que tener en cuenta que hoy podemos realizar todo el proceso creativo eliminando la realización de cada una de las figuras mediante un proceso digital pero considero que si hay algo que realmente continúa siendo novedoso es la ejecución artesanal de la animación sin negar los grandes logros que la animación digital ha logrado con historias como Toy Story y 300, que nos han sorprendido gratamente.

Título: “En la cuerda floja”. Video dramatizado Tiempo de proyección 20 minutos Tema: Mundo Universitario Año: 2007

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ESCENA PLANOS AMBIENTACION VESTUARIO MAQUILLAJE 1

medio

Interior clase

Profesor muy formal con corbata y anteojos Exterior del salón Profesor de clase igual alumna informal (SARA)muy bonita Interior de un Profesor salón de clase elegante. alumnos informales Interior clase Igual anterior interior clase Igual anterior EXTERIOR Igual anterior interior clase Igual anterior

medio

general

medio

detalle cara

detalle interior clase cara (profesor)

Igual anterior

Canas en bigote y barba

Alumna con maquillaje natural.

natural

natural natural natural natural

Cara de Sara con dibujo de color

Descripción de la obra El trabajo previo a la realización de un video dramatizado tiene una serie de pasos a seguir, sin los cuales sería imposible el producto final. Por tanto se debe tenser en cuenta los siguientes puntos: El Guión literario, El guión técnico, El Story Board, La Sábana de Producción.

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El guión literario inicial debe ser lo suficientemente claro para no crear confusiones a la hora de transcribirlo y consiste en la obra literaria de un escritor, que se debe plasmar de una manera visual creativa. Una vez estudiado con detenimiento se debe transcribir cada toma a realizar lo que constituye el guión técnico. Con este material se realiza el story board que debe ser visto como se plasma cuadro a cuadro, cada una de las tomas de manera visual; estas se pueden o bien dibujar, lo que sería la manera tradicional de hacerlo, o bien apoyarnos en fotografías o realizarlo digitalmente. Por lo general, el guión sugiere que personajes pueden interpretar los papeles, y se debe estudiar cuidadosamente para que encajen con el carácter que el director le quiere imprimir a la historia. El paso siguiente es la creación de la sábana de producción; así se le denomina a la serie de pasos a seguir en el momento de hacer cada toma. Esta debe tener en cada escena los siguientes enunciados: Número de la escena, escenografía, iluminación, vestuario, maquillaje, efectos especiales, tiempo y notas anexas para despejar cualquier duda. A continuación se debe llegar a la parte de realización en que intervienen todos los integrantes de la producción: actores, director, iluminadores, maquilladores, coordinador de vestuario, director de escenografía. Una vez terminado el proceso anterior se continúa con el paso siguiente; la edición, que se realiza en un estudio y del cual depende en gran medida la buena comprensión de las secuencias del dramatizado. Finalmente, la proyección o estreno, en la cual se deben evaluar los diversos comentarios que surgen del público en general. Y

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siempre es bueno conocer la opinión de personal especializado cuyos aportes críticos serios son un paso adelante en futuras producciones.

Titulo: De la figura Técnica: Tinta sobre papel (gran formato) Dimensiones: 150 x 380 cms. /150 x 210 Año: 1986 Obra presentada en el XXX ―Salón Anual de Artistas Colombianos‖. Museo Nacional Bogotá Colombia.

Descripción de la obra Trabajar grandes formatos es todo un reto para un artista plástico, por cuanto debe enfrentarse con una superficie blanca de grandes dimensiones en donde va a aplicar el acrílico. El segundo reto es la tinta, ésta debe ser aplicada en forma directa con un trapo o con una brocha grande, siempre y cuando la pintura sea bastante espesa para no causar manchas sobre la superficie blanca, se sugiere por lo general amarrar el trapo o la brocha a un palo largo lo que facilita el trabajo creativo. El tercer reto es

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como manejar las formas que se están realizando, sin que se llegue a una desproporción. Lo usual, en estos casos, es trabajar con una distancia de varios metros con respecto a la superficie del papel o la tela e irse acercando y alejando a medida que se realiza la creación para no perder la proporción de lo que se quiere dibujar. Un cuarto reto consiste en la selección del lugar donde se va a trabajar por cuanto este debe ser muy espacioso que facilite la movilidad del artista y que visualmente no lo distraiga con elementos ajemos a lo que se esta trabajando. El quinto reto en los trabajos de gran formato es el cuidado de las piezas y su correspondiente embalaje y transporte por cuanto debe estar al cuidado de manos expertas ya que se puede ocasionar un daño irreparable si no se trabaja con todas las prevenciones posibles.

Titulo: “Danza”, “Espejo” Técnica: Fotografía Año: 1993 Lugar: Paris

Descripción de la obra Cualquier diseñador, en el trabajo previo a la fotografía, debe tener seguir unos pasos. Cuando Dios hizo el mundo dijo: ―Hágase la luz‖. La fotografía es la magia de la cámara oscura y la luz, la luz que surge de las tinieblas (cámara oscura) y que se

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plasma sobre la superficie de la película y crea el hecho fotográfico como Adán es el hecho creativo de Dios. La magia que ocasiona la luz debe ser el primer elemento a tener en cuenta cuando hablamos de fotografía. Toda fotografía, ya sea tenue, de alto contraste o violenta, debe ser acorde al tema que estamos trabajando; por ejemplo, la ternura la debemos representar con una luz de color pastel cálido. El tema que elegimos debe ser el mismo que tomaría cualquier fotógrafo pero con la otra mirada. La mirada del creativo, del diseñador que no es otra que el diferente punto de vista; ese ángulo que nadie vio, ese instante en que todo brilla como una fugaz revelación. Si el fotógrafo capta eso, logrará el reconocimiento del espectador. Todo el mundo toma fotos pero a veces toman fotos por el sonido o según las emociones y no por la percepción del ojo que puede llegar a transforma una piedra y presentarla como si fuera un diamante.

Titulo: Re-Conquista Instalación Año: 1993 Lugar: Universidad complutense de Madrid.

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Descripción de la obra La instalación es un término utilizado por los artistas de las últimas décadas del siglo XX, que hace referencia a la presentación de la obra de un creativo o de un grupo en un espacio determinado, ya sea interior o exterior, con el objeto de intervenir el espacio, modificarlo y transformarlo creativamente. Este espacio creativo debe tener relación con un público quien es espectador y de una u otra forma recibe el impacto visual y de contenido de la propuesta. En el caso concreto de la instalación Re-conquista, debía realizarse en un tiempo determinado (media hora) con el fin que la presión del tiempo en los participantes genere un intenso desarrollo creativo. Se dividieron las instalaciones por grupos y mi equipo lo conformaban, una catalana, una boliviana, un madrileño y dos colombianos. De ahí que

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surgió la idea de realizar una instalación con la idea inicial de re-conquistar no al nuevo mundo sino realizar una reconquista de América hacia Europa, teniendo en cuenta las distintas identidades culturales que conformaban el grupo. Se pensó en reconquistar a Europa con una serie de barquitos de papel que saliendo de América llevarían los aportes indígenas en cultura, arquitectura, religión etc. Dada la premura del tiempo elaboramos barquitos de papel y nos ubicamos en un jardín exterior de la universidad Complutense de Madrid. Una de las integrantes se fue despojando de la ropa a medida que se acercaba al lugar elegido representando el despojo cultural, económico social y religioso a que fuimos sometidos. La instalación permite que los espectadores entren a participar en ella al caminar y recrear de una manera viva la propuesta del artista. Se le pueden dar múltiples usos al concepto de instalación: Arte, publicidad, arquitectura, diseño. Lo importante es el impacto que la propuesta genere en el espectador, quien deberá terminar sintiéndose parte de la obra. Por lo general el espectador es respetuoso con la obra y en algunos casos no se atreve a intervenir en ella de una manea activa, que a la larga sería lo ideal. La instalación es una nueva vía de interrelacionarse en forma creativa con el espacio que modifica total o parcialmente. Y en el caso de la publicidad es un instrumento que le permite al publicista hacer la presentación o el lanzamiento del producto de una manera contundente al relacionar el producto con el piso, techo, paredes y espacio del sitio intervenido y causar en el espectador y futuro comprador un impacto en lo visual y más aún si la instalación esta acompañada de música, efectos audiovisuales o multimedia.

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Titulo: “El rollo” Happening (1) Año: 1994 Lugar: Casa de la cultura de Cajicá.

Descripción de la obra El rollo fue una propuesta visual con base en la fotografía realizada con alumnos del Centro de Diseño Taller Cinco. El trabajo consistió en dibujar sobre el cuerpo de los participantes película fotográfica. La acción consistió en ir dibujando cada uno de los segmentos de la película, tanto de la protagonista como de los demás integrantes. Al final al unir a los participantes se revelaba la película completa con todos los cuerpos creando una unidad visual. Esta presentación acompañada de mucho público se convirtió en un verdadero hap-

pening cuando una de las asistentes al evento pidió que ella fuera pintada y participar en la acción. A partir de esta colaboradora espontánea casi todos los asistentes

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querían sentir en su cuerpo el húmedo de los colores, la cercanía de otro cuerpo que ejecutaba la pintura. Vale decir que este hecho se multiplicó y todos querían tener la experiencia de sentirse con la cara pintada. A medida que la efervescencia subía uno de los asistentes se desnudó para que todos pintaran su cuerpo y a partir de este momento se realizo un verdadero happening pues un hecho creativo se descontextualizó creativamente conformando la verdadera esencia del happening que además sólo sucede una vez y no se repite de la misma manera. En este juego creativo intervinieron desde niños hasta adultos mayores. Además fue una acción no pensada de antemano pues se partió de crear un rollo fotográfico pintado en el cuerpo o pintura corporal y se paso a un verdadero happening.

Título:”Huellas” Happening (2) Año: 2006 Lugar: Centro de Diseño Taller Cinco

Descripción de la obra En este happening intervinieron alumnos del Taller Cinco para iniciar la acción y así entusiasmar a los demás alumnos a participar. Se invitaron a tres bailarines profesio-

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nales de danza contemporánea a iniciar el happening contorsionando su cuerpo y sobre el cuerpo de cada uno se les fue embadurnando diversos colores .El público observaba cuidadosamente la acción sin intervenir en la misma. El verdadero Happening comenzó cuando los espectadores cogieron pliegos de papel blanco y lo aplicaron sobre los cuerpos con color de los danzantes, obteniendo ―Huellas‖ de diferentes partes del cuerpo y posteriormente se cubrió una pared con los trabajos obtenidos. Este trabajo es importante de realizar para lograr la participación masiva de espectadores que nunca han tenido contacto ni con el color ni con cuerpos danzantes de una manera directa y que sienten finalmente que su actuación contribuyó como parte de un todo en un gran mural de color. Descripción de la obra Con este proyecto se quería hacer tomar conciencia sobre el problema ambiental y el compromiso del hombre por preservar la naturaleza. Con ocasión del congreso de museos que se desarrollaba en Villa de Leiva se aprovecho la ocasión y todo el grupo de participantes sembró un árbol conformando todos ellos la figura de un hombre como testimonio de preocupación de todos los museólogos participantes por el problema ecológico que genera la tala de árboles. Posteriormente la misma acción se desarrollo en los jardines de la quinta de Bolívar donde se sembró el ―Hombre héroe‖ como un homenaje al libertador. Estas primeras acciones se espera sean continuadas en diferentes sitios de Colombia con el objeto de convertir al hombre en un actor activo de su historia y no un elemento pasivo con respecto a la naturaleza.

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Capítulo 5 “Diálogo con mis críticos. Germán Páez” En la obra de un artista hay un proceso de adelantos y retrocesos permanentes, que hace que se encuentre de manera crítica, con lo que está haciendo. Es así como, descubrimos que en la parte artística vamos cambiando poco a poco. En este hacer artístico nuestro mundo también varía según las múltiples circunstancias: el estudio, las personas, los ambientes artísticos, los amigos, las dificultades. Por lo tanto me propongo analizar en este capítulo, las transformaciones de mi obra a partir de las muestras realizadas en diferentes eventos y particularmente de los comentarios de críticos de arte, prensa escrita y la respuesta de los espectadores, que considero afectan de una u otra manera el quehacer creativo.

La Gallerie. Bogotá 1977.

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Comentario a la muestra de Batiks por el crítico Rodolfo Charria ―Me interesa el batik por lo que tiene de milenario y misterioso; por la expectativa que ofrece la inmersión de la tela en el tinte y el calor de la cera protegiendo zonas a la espera o al cuidado de cierto color; por la duda que nos deja al no limitar los campos entre la artesanía y el arte; por la ‗explotación que puede hacerse de un hecho accidental; porque lucha como la cerámica o la orfebrería para llegar a la calidad de arte mayor .Las telas de Germán Páez tienen todo esto y el deseo de ser pintura antes que diseño textil; son portadoras de ideas concretas sobre lo que él gusta o le interesa sobre las cosas, espacios o personajes que conforman un estado cualquiera de su vida y cree justo presentar como realidad estética. Es apenas lógico reconocer cómo estos batiks son tratados para que la esencia histórica no se rompa asimilando cualidades técnicas de otro ancestro cultural a expresiones personales y con- temporáneas‖ (Texto del catalogo de la exposición) Germán Páez: Cuando dice Charria, hablando del Batik, de la duda que le deja al no limitar los campos entre la artesanía y el arte, se refiere a la división entre arte y artesanía que bien vale la pena explicar. Cuando hablamos de arte pensamos en una producción que intenta plasmar el espíritu humano en una realización determinada y que es independiente de cumplir una función determinada como no sea el goce estético. La artesanía por el contrario tiene una función utilitaria, tiene una funcionalidad implícita en su mismo ser. Y de ahí su lucha por ser un arte mayor. El arte griego tenía una doble funcionalidad en sus vasijas, porque de un lado el interior contenía agua, especies o vino y en su exterior se plasmaba un bello dibujo sobre dioses y héroes.

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Galería Iriarte. Bogota 1980.

Comentario crítico de Germán Rubiano Caballero ―Con esta exposición de Germán Páez Morales, la Galería ‗Iriarte‘ está comprobando que se puede mantener un alto nivel de calidad, dentro de un panorama variado tanto de técnicas como de generaciones. Lo que importa, por encima de todo, es el profesionalismo, la seriedad, el ser consciente de lo que se hace. Ya lo había dicho en otra ocasión, Páez Morales no se limita a hacer ‗Batiks‘. Él pinta con la técnica de las sedas que se recubren de cera para trabajar las zonas que se quieren colorear, es decir, pinta con la técnica del Batik, así como otros trabajan con el óleo, la acuarela o el pastel. La presente muestra está dedicada a tres temas: los espacios Interiores, las ventanas y las figuras en el paisaje. Dentro de una estética vinculada al arte finisecular —por el

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sintetismo de las formas, el juego decorativo de líneas sinuosas, la intrascendencia del tema o, más exactamente, la importancia de lo pictórico sobre lo representado— Páez Morales presenta su visión intimista, descomplicada y fina de figuras mirando el paisaje, de ventanas y de vanos a través de los cuales se capte el paisaje. Es decir, la observación de un mundo que, próximo, resulta cada vez más llamativo que, familiar, resulta todos los días más extraño. Porque dentro del tráfago habitual, lo natural y cotidiano no se ven y lo intimista se ha vuelto un ideal. Gracias al espíritu optimista de Páez Morales, las pinturas que se pueden ver en ‗Iriarte‘ nos regresan a unas Imágenes paradisíacas, casi que definitivamente perdidas. Es lógico que su capacidad técnica, así como su creatividad facilitan ese viaje hacia realidades que casi todos recordamos como presencias verídicas, las cuales, aunque lejanas ahora, aún pueden rescatarse‖. (Texto del catalogo de la exposición) Germán Páez: Los espacios interiores, las ventanas y las figuras en el paisaje fueron en la historia del arte del renacimiento elementos primordiales en los componentes constitutivos de una producción artística: (arquitectura, figura humana y paisaje).La arquitectura permitía mostrar el poder económico, el desarrollo de las ciudades, y la belleza de los acabados de las formas arquitectónicas. El paisaje que en el siglo XIX adquirió su mayor esplendor con la Escuela de Barbizón había sido un tema tratado en el renacimiento especialmente como fondo de los cuadros que se observa a través de una ventana; y claro, influyó poderosamente en este tema el descubrimiento de América con su naturaleza desbordante. Dice Germán Arciniegas que lo que más impactó a los conquistadores españoles fue el canto de las aves al amanecer. Y en cuanto a la figura humana es el gran tema tra-

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tado por artistas como Leonardo como suma y medida de todas las cosas. Recordemos que en su obra: ―La ultima cena‖, las figuras humanas de Cristo y sus discípulos se enmarcan en un recinto arquitectónico donde todas las líneas de fuga convergen en la figura de cristo cuya cabeza tiene por fondo tres ventanas que enmarcan un lejano paisaje.

Galería Sextante. Bogotá 1992 “Del blanco al Negro, del Negro al blanco”.

Comentario de Benoit Junod. ―No hay duda que los orientales son sabios en su observación de la polarización de las cosas. El mundo se divide en buenos y malos de leyenda, como el tiempo se divide en día y noche, los humores en ying y yang. Y desde siempre, los colores en sus extremos, se dividen en síntesis de todo color - blanco - y ausencia de color, negro. Pero el uso del contraste en la insinuación de formas no es una exclusividad oriental: en América Latina tiene raíces que se remontan a los sellos y cilindros precolombinos, y en el occidente fue recuperada por los Nabis. Los linóleos de Germán Páez se inscriben dentro de estas tradiciones. Las figuras que surgen de sus composiciones se vuelven manchas, violentas, hieráticas, intransigentes. Están fuera del tiempo y en la encrucijada de todas las civilizaciones‖. (Texto del catalogo de la exposición)

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Germán Páez: La síntesis blanco y negro en la creación artística viene dada por la hoja blanca y la tinta negra que enfrenta al creativo a la hora de realizar una producción. Pero esa fascinación por los violentos contrastes surgió como una respuesta a la necesidad de alejar de la figuración cualquier referencia que distraiga al espectador de lo que el creativo se propone: ser lo más radical posible para que la sustancia del mensaje que se quiere transmitir no tenga ningún elemento de distracción; ya sea color, la textura, y que llegue al receptor de una manera directa sin distracciones visuales. A todo creador lo marca –de manera inconsciente o no– la obra de Casimiro Malevich cuando propuso su pintura negro sobre blanco, después de agotar en sus trabajos anteriores toda la paleta de colores. La mancha violenta que se logra del negro sobre el blanco debe ser directa, sin miedo, que se sienta como si despedazara el blanco lo salpicara, le negara la posibilidad de ser la suma de todos los colores para ser herido de muerte por el Negro.

Auditorio Consulado General de Argentina. Río de Janeiro 1985.

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Comentario del crítico de arte Mark Berkowtz ―He viajado bastante por América Latina y llegué a la conclusión-hace un tiempo yaque en Colombia existe la mayor concentración de Artistas Plásticos de nivel internacional. Estoy hablando de nivel, y no de fama, porque frecuentemente una cosa nada tiene que ver con la otra, artistas como Ramírez Villamizar, Botero, Negret, Cárdenas, Obregón, Hernandez, Rayo, Tejada y la colombo brasileña Negreiros, y varios otros artistas serían artistas importantes en cualquier lugar del mundo. En vista del intercambio deficiente –limitado solamente a la Bienal de Sao Paulo– nosotros conocemos poco del arte colombiano, que tuvo un increíble desarrollo en el período precolombino y que ha vuelto a tenerlo en los últimos treinta años. Germán Páez Morales, quien se encuentra aquí como becario de la fundación Getulio Vargas no vino a exponer, más en buena hora aceptó la invitación de la embajada de su país. Así sus monotipos vigorosos, algunos monumentales, muestran un artista ya dueño de su ―Metier‖, un dibujante de trazo fuerte y sutil. Germán Páez usa el monotipo como si fuera grabado, de manera incisa, severa, sin el alivio al color. El lado erótico de su obra es franco, asumido sin jamás resbalar en lo vulgar. Espero que Germán Páez vuelva a Brasil, mostrando más obras y más facetas. Más contentémonos con esta exposición de uno de los buenos artistas colombianos‖. (Texto del catálogo de la exposición) Germán Páez: El descubrimiento del monotipo en el taller de grabado fue el resultado de experimentar con nuevas formas artísticas y encontrar en el una manera de expresar toda la pa-

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sión y la emotividad de una manera directa sin derecho a equivocarse ni corregir posibles ajustes en la obra. Esa característica es lo que lo hace fascinante (recordemos que el monotipo es una técnica que consiste en untar sobre una superficie lisa como el vidrio o el metal, tintas de colores o negras, realizar un dibujo y sacar una única impresión sobre papel). En la obra artística el espectador debe encontrar el código secreto de la misma y eso determinara quién es un buen creativo y quién no, por lo tanto cuando hablamos de erotismo en una obra, ese código debe ser sutil y descubierto por el espectador para no caer en lo vulgar como lo afirma el crítico.

Galería Arte Independencia. Bogotá 1978.

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Comentario del Crítico de arte Germán Rubiano Caballero ―Lo primero que hay que destacar en esta exposición de Germán Páez Morales, es el impecable oficio de sus ―batiks‖. El artista no se limita a repetir el procedimiento —a la larga sencillo— sino que le extrae toda clase de posibilidades. Un ejemplo, para muchas personas que trabajan batiks con el simple objetivo de hacer una tela curiosa y decorativa. Páez Morales pinta con la técnica de las sedas que se recubren de cera para trabajar las zonas que se quieren colorear y esta aseveración, aparentemente obvia, sólo desea enfatizar el hecho de que el artista crea un trabajo original a partir del profundo conocimiento de la técnica del batik, que no se limita a producir formas llamativas coloreadas armónicamente con ánimo mercantil. Hablo pues de un verdadero artista que pinta con una técnica poco común —dentro de los procedimientos acostumbrados en la pintura— pero que logra un resultado de connotaciones significantes. Gracias a su amplio mundo de experiencias artísticas —lecturas de historia del arte, visitas a los Museos Europeos y Norteamericanos— Páez Morales ha podido henchir su trabajo de vivencias varias y de contenidos diversos. Sin embargo, existe en estos ―batiks‖ un denominador común. Es su absoluta frescura y su intención placentera. Todas las imágenes que nos trasmite el artista se distinguen por el buen gusto, la sencillez y la diafanidad y, sobre todo, la idea de armonía. Parece que Páez Morales tuviera muy en cuenta la lección de Matisse cuando dijo que lo que él deseaba era un mundo de equilibrio, un mundo de paz y tranquilidad que produjera un verdadero descanso espiritual. En este caso sus temas se restringen a las figuras humanas fragmentadas, a los interiores con muebles a unos pocos bodegones. Dichos temas son, por supuesto, el pretexto para trabajar zonas amplias de color puro o para reiterar elementos gráficos o contrastar elementos rectos y curvos. Todo calculado, exacto y muy limpio. De allí

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que en un momento dado —como me pasó cuando ví por primera vez estos ―batiks‖ — los temas sean secundarios y las obras brillen por sus méritos técnicos y la transparencia y buena correspondencia de sus formas‖. (Texto del catálogo de la exposición) Germán Páez: De Matisse tenemos mucho que aprender por cuanto el color, a partir de este pintor, se convirtió en libertad. Lo puede aplicar cualquier creativo sin importar la referencia natural y por lo mismo se volvió independiente de los rígidos convencionalismos estéticos de siglos anteriores. Que el color sea la sustancia de las cosas nos permite jugar con el mismo, de manera que el sólo color nos puede brindar más conocimiento y posibilidades creativas de expresión. El mundo de equilibrio de paz y tranquilidad que muchas veces transmite una creación puede ser el estado de ánimo del autor que se refleja en lo que hace, como ocurrió con los paisajistas ingleses del siglo XIX: Jhon Constable y William Turner. Pero el espíritu humano es inquieto e igualmente puede expresar dolor, sufrimiento, muerte y destrucción como fue el caso de los pintores expresionistas alemanes: Munch, Ensor, Kirchner; reflejando los terribles sentimientos humanos o bien el dolor por la guerra con todo lo que conlleva.

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Centro Colombo Americano. Bogota 1996. “Atrapasueños”

Comentario crítico de Francisco Gil Tobar. ―No se puede saber cuáles son los caminos por los que un hombre puede atrapar la idea de Dios; pero uno de ellos, sin duda, ha de ser el del arte. Hablo, claro está, del arte propiamente dicho sea él lo que fuere, no de la técnica artística: de ese fenómeno y de esa actividad complemento del espíritu a la que se ha llamado arte. Es seguro que a más de un espectador de la obra que ahora nos presenta Germán Páez podrá parecerle extraño el que esta nota sobre ella comience con la anterior consideración; pero es que en él se ha venido desarrollando un trayecto que va desde ciertas experimentaciones formalistas y materiales en torno del cuerpo humano hasta el planteamiento de las relaciones del artista con la naturaleza como donación de Dios al Hombre, pasando por esas mismas relaciones al margen de la preocupa-

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ción divinal. Trayecto de estirpe gótica, se puede decir, pero con situación en estas inquietantes postrimerías del siglo XX. (Viene a propósito recordar que Páez, además de artista, está graduado de filósofo). En suma, no me cabe duda en afirmar que lo que él práctica es un arte religioso en el más fiel sentido del término. Dicho lo dicho, podría parecer irrelevante añadir algo sobre los ensayos y propuestas que preocupan a Páez en orden a los medios de expresión, si no fuera porque estos aspectos se involucran en sus intenciones. Y sería difícil pensar que, a estas alturas, su proyecto de alinear Humanidad, Naturaleza y Divinidad se apoyara en la imitación de modelos naturales o de símbolos gastados por el uso. Por el contrario, intenta Páez crear los suyos junto a los propios procedimientos y las propias soluciones técnicas, con materiales ya habituales para el hombre de hoy. Láminas de acero o de acrílico, instalaciones eléctricas, superposiciones de acetato, collages, fotografías intervenidas, objetos encontrados, televideos... y hasta pintura, son solo medios de los que se vale para transmitir sus ilusiones y atrapar sus sueños a base de alusiones, símbolos y emblemas, en un arte que se nos ofrece para nuestra reflexión, no para nuestro regodeo‖ (Texto del catálogo de la exposición). Germán Páez: Creo que lo más destacado del aporte de las segundas vanguardias del siglo XX, fueron las múltiples posibilidades de expresión que se abrieron para el artista en el tema que desarrolla. Lo anterior enriqueció muchísimo la imagen visual desatando las ataduras de lo formal para dar paso al desarrollo de una creatividad desbordante. Caso concreto de las obras de algunos artistas norteamericanos de los ochenta que utilizan platos rotos: (Julián Schnabel), Mensajes escritos en grandes espacios públicos como aeropuertos o estadios: ( Jenny Holder), o bien el caso de ( Jana Sterback)

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que usa un vestido de carne real. Esto por mencionar a unos pocos, sin que olvidemos las obras realizadas hoy a base de tecnología digital. Comunicados de Prensa. Diario El Tiempo, redacción .Cristina Pignalosa ―El interés de Germán Páez Morales por reflejar el desnudo masculino, no es solamente desde el punto de vista temático. El artista en su nueva serie de trabajos exhibida en Casa Negret, plantea estudios y análisis hechos en torno a la figura masculina. Lo fragmenta, pinta sus piernas, torsos, troncos y formas anatómicas que claramente revelan su identidad. La mayoría de obras forman parte de su nueva serie. Reflejan un dominio de la anatomía, que le da al artista la libertad de hacer uso de su imaginación y permitirse la deformación de fragmentos anatómicos. Grandes zonas de color negro, básicamente que recuerdan partes íntimas del cuerpo humano masculino dibujado a grandes rasgos en óleo sobre lienzo o sobre papel, indican que el artista va ahora por un nuevo rumbo. En ellos se refleja cómo a través del cambio y por un proceso, llegó a él. Su oficio inicial de artesano del arte, que data de las temporadas en que trabajó el batik, le abrió muchos caminos. Por una parte, porque esa técnica le permitió una obra abierta y rápida, de la cual permanece ahora la línea blanca. Pero como el proceso de esa técnica era dispendiosa, se sentía como atado. Se encauzó entonces por los monotipos, que exhibió exitosamente en Alemania.

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Los remanentes de esa época le permitieron trabajar un estilo más racional que emotivo. Páez Morales dice que crear es un proceso mental continuo y cotidiano y que siempre permaneció dentro de dicho proceso. El hecho de traducir esto en un lenguaje plástico es el reflejo de una parte más mecánica. Para sus últimos trabajos el artista omitió el uso de pincel. Dice que se siente limitado por su uso y utiliza el trapo empapado en pintura. Se siente plenamente identificado con lo que hace. Son aproximaciones a la figura con una dosis de erotismo que se deriva del mismo sentir del cuerpo humano. Plasma la belleza que la figura humana tiene de por si aun en la belleza fragmentada. Cada obra es una totalidad que funciona tanto en conjunto como individualmente. Sus contornos orgánicos le dan ese aire sensual que es un elemento inherente en el cuerpo humano. Le interesa explotar esa belleza que todos los cuerpos humanos tienen y presentarla abiertamente y sin tapujos. Pero, así no lo parezca su obra tiene una intención básicamente figurativa. No pretende hacer ―una abstracción de la figuración‖. Son 29 obras en total que requieren un año y medio de trabajo. Páez Morales dista del concepto romántico del artista contemplativo. Es un profesional que trabaja investiga y estudia cada tema antes de plasmarlo en el lienzo. Dice que ha llegado a donde esta gracias a la lectura y al respaldo filosófico que le da a cada obra‖. (Comentario publicado en el diario El Tiempo) Germán Páez: El arte para que sea más contundente requiere en algunos trabajos que nos aproximemos a la figura humana mostrando sólo primeros planos como lo haría el fotógrafo. Miramos pero no vemos y ver es aprender lo mirado, registrarlo, codificarlo y esa mirada crítica del espectador se puede convertir en más radical cuando se le presenta

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un primer plano. En él encontramos la textura, la mancha, el rasgo personal de quien lo hizo, su huella, su gesto. Ver una figura no como una totalidad sino fragmentada nos permite mirarla con otros ojos.

Comentario del Crítico: Francisco Gil Tobar. Diario el Tiempo. Bogota. ―Todo lo contrario es Germán Páez Morales un pintor antipictórico que plantea sus cuadros como esquemas en que el color realmente estorba. Ver su obra desde la perspectiva de la visualidad pura, es desencantador; pero verla desde la idea que la naturaleza engendra sus propios signos captables por el artista que los hace, subjetivos—una tesis que va cobrando entidad en nuestra hora— permite calibrar por lo alto lo que, este pintor y filósofo se propone. Oponiendo la plasticidad significativa a la plasticidad decorativa, el camino demasiado sobrio y difícil que hace años emprendió

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sin concesiones al gusto nos parece más expedito ahora‖. (Comentario publicado en el diario El Tiempo) Germán Páez: En los procesos creativos son convenientes las rupturas ya sea de forma como de materiales y contenidos. Se trata de un encuentro con uno mismo, es como regresar al primer día en que hicimos nuestro primer trazo, colocamos nuestro primer color, o compusimos nuestro primer verso. En la creación artística cada creativo tiene diferentes etapas que corresponden a sentimientos, nuevas ideas, la vida misma, etc. que nos va cambiando conciente e inconcientemente y esta transformación se va notando en lo que hacemos. Me tendría que hacer la pregunta de por qué cambié de una obra inspirada en el impresionismo, en los fauvistas, para pasar a un campo más expresionista con total ausencia de color y en la que de cada trazo quería sacar todo lo que llevaba interiormente. Esa respuesta creo encontrarla en el estudio de la filosofía que no es otra cosa que ubicar a la persona en una historia determinada, con un pasado un presente y un futuro. Y además el romper esquemas por medio de la filosofía crea un nuevo campo de libertad individual que nos permite expresarnos de la mejor forma posible.

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María Elvira Ardila. Diario El siglo. Bogotá 1988 ―La pintura de Páez es una manifestación de una vivencia interior hacia el ser superior, por eso a veces sus cuadros nos evocan figuras prehistóricas, manchas que quedaron grabadas en las cavernas como testimonio de esa necesidad de acogimiento y explicación. Y tal como el arte prehistórico la obra de Páez es esencialmente acción, una creación real. Sus manchas, sus croquis de la figura humana no agraden al espectador, es un desnudo relegado hacia la espiritualidad del ser. Sus colores como son el blanco y el negro tienen todo el significado ancestral de la vida y la muerte. Páez trabaja esos croquis dejando una aureola que rodea las figuras de poesía. Esta pintura también se acerca al ―minimal art‖ donde hay una síntesis fundamental descarta lo accidental, lo extremo, es como si quisiera mostrarnos solamente la esencia del hombre‖. (Comentario publicado en el diario El Tiempo ,Bogotá 1988) Germán Páez: Nunca imagine que en la época en que estaba realizando figuras humanas tan violentas con total ausencia de color y de una manera tan atrevida, se dijera que estaba enfocado hacia la espiritualidad del ser y que el blanco y el negro tuvieran el contenido ancestral de la vida y la muerte. Pero en el fondo de mi ser me agrada ese comentario porque quería expresar por medio del desnudo del cuerpo, la belleza de la creación divina reflejada de una manera esquemática por el trazo violento y directo. Como finalización de los comentarios de críticos y periodistas debo decir que los artistas estar agradecidos de los comentarios positivos o negativos que se hagan con relación a un trabajo artístico, pues quiere decir que ha llegado de una u otra forma a comunicar un sentimiento en el receptor. De otra manera sería estéril el trabajo que realizamos si pasa desapercibido y no llega a transmitir algo.

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Como finalización de los comentarios de críticos y periodistas, sean éstos positivos o negativos, en tanto se hagan con relación a un trabajo artístico, nos sugieren que la obra ha llegado de una u otra forma a comunicar un sentimiento en el receptor. De otra manera sería estéril el trabajo que realizamos.

Capítulo 6 Imágenes artísticas aplicadas a la publicidad La decantación, tanto de la percepción visual como de todos los conocimientos adquiridos, la apreciación visual de las múltiples formas de arte, el conocimiento de las personas, los viajes, el aprendizaje continuo y permanente, se concretan en el taller del creativo. La inspiración no es otra cosa que un mar de ideas después de haber pasado por un río turbulento, que finalmente toman su curso y se clarifican, lo cual indica que es la hora de plasmar una nueva obra. El problema inicial del que parto es la imagen, ya sea artística, publicitaria, o informativa. La imagen es la representación de un cuerpo físico que es captado por medio de la visión; tal palabra proviene del sustantivo latino IMAGO que significa figura, sombra, imitación y EIKON o sea retrato, signo o sea que se parece al objeto representado. Si partimos del presupuesto de que la función de la imagen es la comunicación visual, se entiende que para ello se requiere un emisor o creativo, un medio en el cual se plasma la idea y finalmente un receptor, quien es la persona que recibe el mensaje y a su vez produce una respuesta. En el caso de la publicidad se espera que la respuesta a la imagen que el publicista plantea para vender su producto sea positiva, de lo contrario hay que replantear la campaña. En lo artístico, si la respuesta es negativa significa que al espectador le quedó grabada en su mente esa imagen no positiva, lo cual la convierte en válida.

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Aunque existen varios tipos de imágenes que llegan a nuestra mente, podemos clasificarlas en dos grandes grupos: imágenes fijas e imágenes en movimiento. Dentro del campo de las primeras esta la fotografía que es la imagen fija por excelencia, que representa un tiempo detenido y nos recrea algo concreto. Hay imágenes fijas que sugieren movimiento como son los Comics, el Story Board o guiones visuales para realizar una animación y la Fotonovela, que plantean todos ellos una secuencia de imágenes. Ese instrumento mágico que es la fotografía es la sumatoria de varios elementos: la mirada del fotógrafo, la luz que hace que la imagen se fije al soporte, y el tiempo que se requiere para que los químicos hagan su labor sobre el papel fotográfico. Las imágenes en movimiento son las que dan lugar a un suceso determinado, inscrito en un tiempo; el cine constituye especialmente este tipo de imágnees: ese extraordinario invento que hace que suscite nuestra atención y que se parece a los sueños, en tanto que los vemos pero no podemos modificarlos. También en este grupo está el teatro. Debemos partir de la idea de que ninguna imagen es inocente, se hicieron por algo y nos quieren comunicar algo, es decir, son intencionales. Las imágenes son mecanismos seductores del mundo actual y por donde nos movamos vamos a encontrarlas. Lo importante es convertirnos en consumidores activos emancipados de ellas y no en sujetos que las reciben pasivamente, esto es, en sujetos colonizados. En este capítulo he seleccionado algunos anuncios publicitarios que han incluido obras de arte para mostrar este recurso como una salida creativa interesante, siempre y cuando se le de un manejo impecable. Como vamos a detenernos en algunas imágenes publicitarias conviene decir sobre ellas lo siguiente: quieren despertar en nosotros ideas de consumo, nos proporcionan modelos a imitar, muchas veces se apoyan

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en la psicología para ser mucho más seductoras, en ocasiones nos transportan a un mundo ideal, de felicidad y de bienestar. La imagen es una herramienta indispensable en la publicidad, y en esta medida debe ser protagonista. Por esta razón, dicha imagen debe convencer, impactar y en general, debe llegar a nosotros de una manera muy creativa. Es realmente fascinante cuando el creativo publicitario usa el recurso visual de tomar imágenes de la historia del arte y se apoya en estas para vender un producto o marca. La publicidad ha retomado imágenes de gran parte de las etapas de la historia del arte, desde el hombre del paleolítico y neolítico hasta las manifestaciones artísticas de los últimos tiempos, empleándolas de la manera más creativa posible para favorecer el producto anunciado y, pese al énfasis indiscutible del producto y la marca, la imagen resulta también siendo una gran protagonista. A continuación mostraré algunos momentos de la historia del arte que han sido frecuentemente retomados por la publicidad actual. Arte Griego Hay elementos en el arte griego que lo hacen diferente al arte de otros pueblos y es ese espíritu o el alma griega, clasificada por Nietzsche entre lo Apolíneo y lo Dionisiaco. El primero lo es por lo ordenador, lo racional y lo lógico de donde posteriormente nacerán la filosofía, la ciencia y el arte. El segundo concepto Dionisiaco hace referencia a lo ingobernable, instintivo y pasional de donde surgirá el culto a Dionisio o Baco romano. De la mezcla de los conceptos de apolíneo y dionisiaco surge la tragedia griega; un componente contradictorio entre orden y caos; razón y pasión, y que habría de influir posteriormente en la cultura.

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La fascinación por lo griego perdura hasta nuestros días. Esa búsqueda por la belleza y la idea de lo clásico como lo que tiende a la serenidad, al equilibrio y a la perfección tomada y aplicada a productos publicitarios suele ser muy interesante, y puede lograr que la comunicación visual del producto sea óptima y permita llegar al consumidor para cumplir el objetivo propuesto como es el consumo. A continuación algunas piezas publicitarias con los elementos del arte griego.

Producto: Renault 5, 1982 Agencia: Publicis Conseil45

Este anuncio unió dos elementos como son el pórtico de un templo griego como fondo, con la imagen de un carro Renault formando una diagonal de izquierda de arriba a abajo. El templo esta formado con pequeños textos que anuncian los beneficios del producto. Este proyecto unió lo griego al producto porque se quiere en un automóvil la perfección, la belleza, la matemática en cada una de sus piezas. En cuanto a la composición se trabajó el concepto de Jerarquía: el templo con respecto al carro y al ubicar el automóvil en la sección inferior derecha se logra resaltar el producto como término de la diagonal.

Ilustración tomada del libro “ L´art dans la pub”.Museo de la Publicidad .Unión central de artes decorativas.Paris.2000

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Producto: Absolut Athen,1994 Agencia: TBWA46

La publicidad de Absolut por lo general utiliza una botella del producto diagramándola de forma tal que se destaque y que ocupe todo el espacio visual. En este caso la botella se ha convertido en una pieza escultórica y arquitectónica de carácter monumental. Se ha hecho énfasis jerárquico al colocar a cada lado un pino y un trozo de columna respectivamente, lo que significa la contundencia del producto sobre otros. El tiempo en el licor es otro elemento importante de añejamiento, que en este caso se asocia con la antigüedad de la arquitectura griega. La sola presencia imponente del producto lo dice todo.

Ilustración tomada del libro “ L´rt dans la pub”.Museo de la publicidad. Unión central de artes decorativas. Paris 2.000

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Cabe recordar que la estatuaria griega siempre ha sido objeto muy interesante para la publicidad y las grandes obras clásicas han sido tema publicitario muy destacado, ya sea para ser utilizadas con títulos jocosos o bien mostrando lo que anteriormente anotamos que caracteriza el carácter griego. Caso concreto de obras que permanentemente vemos con anuncios comerciales: La Venus del Nilo, La Victoria de Samotracia, el Discóbolo de Mirón sólo por nombrar algunos pocos.

Arte renacentista El renacimiento fue la suma de la antigüedad clásica sumada a la espiritualidad medieval. A estos elementos debemos agregar la búsqueda de la belleza dentro de un contexto de la alegría por la vida; en el renacimiento se observó la naturaleza de una manera minuciosa para trasladar las ideas a la tela. Las matemáticas constituyeron, junto con la figura humana y el paisaje, los tres componentes fundamentales a la hora de plasmar un trabajo artístico. Y por lo tanto fue descrito lo bello como la concordan-

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cia lógica entre las partes singulares de un todo matemático. Dentro de este siglo de genios pintores y escultores destacarían Leonardo y Miguel Ángel. Por eso no es de extrañarnos el gran interés de la publicidad por el tema renacentista especialmente con los autores mencionados. En el caso de la pieza publicitaria seleccionada se retomó la obra ―La creación de Adán‖ pintada en el techo la capilla Sixtina por Miguel Ángel.

Producto Levi`s 1970 Agencia: Young & Rubican, San Francisco

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En este anuncio publicitario, Dios Padre entrega al primer hombre unos jeans para cubrir su desnudez. El creador publicitario empleó la modalidad de retórica visual por adjunción (añadir), como figura de préstamo, es decir, utilizó códigos visuales ajenos (jeans) a los que la imagen tiene. Cabría anotar que la obra del autor renacentista no fue intervenida para nada. En este caso la marca del producto lo dice todo. Las imágenes tanto de la obra de Miguel Ángel como de los Jeans se vuelven protagonistas. La firma Levi´s por medio de la agencia Young & Rubicam de San Francisco en 1970 le puso unas bermudas de Jeans a la obra ―David‖ de Miguel Angel Producto: Automóvil Golf Agencia: DDB Advertising Tema: La última Cena

La última cena de Leonardo, es una de las obras de arte más representativas del renacimiento. Este anuncio publicitario se ha modificado al cambiar a Cristo y a sus apóstoles por una serie de amigos acompañados de un texto que dice: Amigos

míos, alegrémonos porque un nuevo

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carro Wolf ha nacido. El tema de la última Cena ha sido saturado por muchos creativos, incluso en Colombia, en donde una revista colombiana cambió los personajes por reconocidas estrellas de la farándula, políticos y la figura de cristo fue sustituida por una reconocida modelo desnuda. En otras palabras la repetición no creativa. El copiar modelos publicitarios ya existentes demuestra una gran pereza mental y tenemos además el peligro de ridiculizar la obra de arte de una manera burda. La modalidad visual utilizada fue de paralelismo entre la cena de cristo y sus seguidores, y un encuentro de amigos en el mismo lugar. En el caso de la Monalisa se ha realizado una comparación entre dos imágenes iguales y diferentes por su volumen y se ha tomado el producto de salsa para espaguetis realizando una comparación de gustos en que ambas imágenes optan por el mismo producto.

Producto: Prince Agencia: Fallon McElligott Rice,Mineapolis. Tema: La Monalisa.

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Arte Barroco Este período se caracterizó porque las obras, al contrario del renacimiento, trabajaron el claro-oscuro; la obra es dramática porque la acción se presenta en el momento más álgido, todos los cuadros del barroco tienen efectos plásticos similares a los utilizados por el cine y el teatro actualmente como son las luces, los efectos de sombras, el vestuario y la escenografía de una manera llamativa. El barroco era sinónimo de extravagante, ridículo y su nombre se tomo de una perla negra portuguesa que tenía formas irregulares. La composición en los cuadros esta formado por diagonales y el tema principal fue el humano. Hay gestos expresivos, emotivos y teatrales y la ciudad de Roma se convertiría en el centro del arte Barroco.

American Civil Liberties Union,1991 Agencia: Cramer-Krassel Orlando

Este anuncio de la unión de libertades civiles norteamericana tiene en el título toda su fuerza dramática cuando afirma: Es evidente que cualquier representación de violen-

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cia sexual debe ser prohibida. El fondo de la pieza publicitaria es un cuadro del gran maestro del Barroco Pedro Pablo Rubens titulado: ―El robo de las hijas de Leucipo‖ realizado en 1616 y perteneciente a la Pinacoteca de Munich. Se ha utilizado toda la violencia del cuadro para publicitar un anuncio institucional. La agresión violenta esta determinada por la diagonal de los cuerpos de las figuras femeninas y masculinas y los caballos al fondo que se levantan nerviosos ante el acontecimiento. Se convierte en monumental esta representación que pretende, por medio de las formas, conmover al espectador. Aquí tenemos un caso en que la imagen ha sido respetada en su totalidad y solo ha unido dos acontecimientos separados en el tiempo pero unidos por la misma agresividad.

La Lechera: Agencia FCB Ccocepción del texto: S.Renaudat y la parte visual: E.Pennegues

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La Lechera de Vermeer, pintado por el artista en 1558-60 y presentada en el Rijksmuseum es otra obra en que el creativo publicitario no la ha intervenido y es el título el que une la imagen con la idea que se quiere transmitir. El producto Chambourcy es reforzado con el título: A 356 años usted hará la crema caramelo tan bien como ella. El rectángulo del anuncio permite dividir en dos partes el anuncio y respeta igualmente la diagonal de la obra. Este tipo de imagen tiene unas características que la hacen perfecta para un producto comestible casero, por cuanto el color dominante son los tonos cálidos, calor de hogar, también los años cuentan pues se esta informando de la experiencia y esta imagen que es una de las más conocidas de Vermeer quedara en la mente del consumidor como demostración de calidad y eficiencia. Impresionismo Albert Wolf crítico del impresionismo afirmaba, acerca de la manera de pintar de los impresionistas, que no se pintaba una marina o una figura, se pintaba la impresión personal del artista a determinada hora del día. En otras palabras se retrata la percepción del mundo como la ve el artista. La luz va a ser un fenómeno siempre cambiante y la naturaleza se explora a través de experiencias visuales. Se cambió lo estático por lo dinámico, siempre se construye una figura o un bodegón con los datos que nos dan los sentidos. Su dibujo es rápido, sin bocetos. Tanto impresionistas como pos-impresionistas hicieron grandes aportes a la pintura pero especialmente los últimos pusieron el aporte para el arte del siglo XX: obras con base geométrica: Cezanne; color explosivo: Van Gogh; división matemática del color: Seurat; Gauguin: colores planos. Tolouse Lautrec uno de los primeros artistas que hizo carteles en el naciente siglo XX, captó el color de la noche realizando imágenes con un dibujo libre sobre el tema de los cafés de principio de siglo.

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“Ambassadeurs”: Aristide Bruant. 1892 Litografía a color. Autor: Tolouse Lautrec

En este cartel. Lautrec utiliza dos nombres y la figura central de una persona con bufanda roja que contrasta con los colores oscuros de la ropa. Aquí aparecen a principios de siglo elementos de la moda como son el sombrero, la bufanda roja y los colores, elementos que nos introducen en el movimiento Fauvista. La modernidad la podemos ver en los escasos elementos visuales que contrastan con los recargamientos del siglo anterior. La figura masculina central gira hacia la izquierda. Este cartel fue realizado en 1892. La técnica utilizada es impresión tipográfica. Al fondo a la derecha

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se ve la figura de una silueta a contraluz sobre un fondo azul que le da un toque de misterio a la obra.

Cartel, litografía a color Autor: Tolouse Lautrec

En este cartel el planteamiento visual es diferente al anterior, por cuanto la figura principal se encuentra a la izquierda del cartel y por el vestido oscuro logra destacarse y producir un efecto monumental. El texto rojo escrito a mano se encuentra a la derecha sobre un fondo cálido. El impresionismo trata de captar el momento presente, lo fugaz del tiempo y por lo tanto no se preocupa de los detalles que ha cambiado por planos de color.

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Siglo XX Los grandes artistas del siglo XX han sido tema de la publicidad especialmente el cubismo de Picasso, el surrealismo de Joan Miró y el movimiento Stijl encabezado por Mondrian. Pero ha sido el Arte Pop Norteamericano el que más acogida ha tenido porque trabaja la cultura de masas, y al interesarse por el objeto cotidiano, se identifica con la publicidad que inscribe al producto en una sociedad de consumo.

El arte pop se nutre del mundo cotidiano y toma de las revistas, del cine y de la televisión sus temas a desarrollar. Además la actitud de rebeldía se identifica con la gente joven, franja de consumidores que resulta de sumo interés para la publicidad.

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Producto: Levis.1970, Agencia Young & Rubicam San Francisco EE UU

El arte Pop convirtió a algunos símbolos norteamericanos como la bandera, la estatua de la libertad y las estrellas de cine en verdaderos íconos de la sociedad moderna. De ahí que todas estas características del pop sean tan atrayentes para la creación publicitaria actual. El anuncio de Levis ha tomado la estatua de la libertad desde un contrapicado lo que la vuelve monumental. La figura está ubicada a la izquierda de la composición y el producto Levis se ve en primer plano lo que se destaca de una manera sobresaliente.

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Producto: Canon Warhol, Agencia : Hans Brindfors Ab, Estocolmo.

Marilyn Monroe fue uno de los temas más queridos por los artistas pop especialmente Andy Warhol que trabajo especialmente la técnica la serigrafía como un homenaje a la figura más sexy, popular y símbolo sexual de la cultura norteamericana. Su misteriosa muerte contribuyó a crear un verdadero mito de la belleza, la sensualidad y el gla-

mour. En este afiche aparecen cuatro caras de la diva con diferentes cambios de color lo que la hace más llamativa al cambiar fondo y cabello. El texto que acompaña la publicación hace énfasis en la calidad del producto anunciado Canon y para ello se hace la siguiente pregunta: ―¿Es tan bueno que deberíamos prohibirlo?‖ Es importante anotar que la historia del arte es y será siempre la gran fuente creativa no solo en el campo publicitario sino en el campo de la moda, el interiorismo, el cine y

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la fotografía, por nombrar a algunos de ellos. Pero ha sido el creativo publicitario el que seguirá recreándonos imágenes contundentes de toda la historia del arte en favor del producto publicitario lo que ha permitido enaltecer la publicidad.

Capítulos 7 Reflexione finale Quisiera, para terminar esta aventura iniciada en torno a la creatividad, sugerir sus aplicaciones al mundo universitario por cuanto considero que es un campo abonado donde el conocimiento, la investigación y la duda están a la orden del día y todos los que trabajamos en este campo debemos ser conscientes de que transmitir experiencias creativas y métodos de aprendizaje diferentes, aporta en el proceso de realización de las personas y las convierte en seres emancipados y transformadores de la realidad circundante. Al iniciar un proceso creativo a nivel universitario, es necesario estimular en los alumnos como base indispensable, la educación visual, que les permita tener una óptica diferente de su entorno y del mundo que los rodea. Y en esta tarea el docente debe realizar un proceso de infundir con ahínco en el ánimo de los alumnos ideas y conceptos muy claros para iniciar un dialogo creativo. Ortega y Gasset decía que un buen profesor debe motivar a sus alumnos para que no crean ciegamente en lo que se les dice y en cambio, que pregunten y se interroguen por los planteamientos formulados, que observen, y si es el caso, cuestionen las ideas de una manera inteligente. Afirmaba que el papel del profesor es fundamental para fomentar la curiosidad de los estudiantes, para que aprendan a estimular su creatividad, su actividad mental permanente, a la vez que se ejercitan en la acción de comu-

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nicar sus ideas y pensamientos, para llegar a proponer nuevos caminos resultado de una exploración constante. Sugiero en este proceso de educación creadora y con relación a los estudiantes, despertar en ellos los sentidos, desarrollar su sensibilidad, generar estrategias y metodologías para que éstos que sean concientes de que tenemos la capacidad de ver, oler, tocar, gustar y oír, pues estos son los medios de los cuales disponemos para comunicarnos con el mundo exterior, pero si no los hemos desarrollado no podremos transformar nuestro mundo circundante. Aunque pueda parecer trivial, una forma de empezar por el camino de la percepción es que seamos concientes de cómo es la casa donde vivimos, el edificio de nuestra universidad, cuales son los colores de nuestra calle , con qué color nos identificamos, cómo se viste la gente en nuestras ciudades, como son visualmente nuestras urbes, cuales son los materiales más usuales con que están construidas, cómo percibimos nuestro barrio; preguntarnos por cómo captamos los objetos que nos rodean: la forma, el color, la textura, el movimiento que las cosas tienen o si por el contrario no percibimos esas pequeñas cosas. Que nos preguntemos además la relación que tienen las cosas, objetos y personas que observamos, y que finalmente nos preguntemos si nuestra mirada es superficial o profunda. Vemos además lo importante en este camino, que evitemos todo lo que impide la creatividad como son los pensamientos que bloquean el libre fluir de las ideas y que de entrada cierran cualquier intento de cambio: no puedo, me da pereza, no sé si

seré capaz, ¿saldrá bien?, ¿me atreveré?, ¿se burlarán de mí?, ¿qué tal si fracaso? Un buen ejercicio al iniciar una tarea creativa es que, a partir de un tema propuesto por el alumno, se le invite a producir el mayor número de respuestas o enunciados

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posibles sobre una idea inicial pero sin prevenciones, dejando que la mente fluya, sin miedo, escribiendo todo lo que se le ocurra. Es conveniente tener un buen número de respuestas y que el tiempo no sea indefinido pues la presión ante un problema obliga a la mente a esforzarse por encontrar respuestas. En una segunda fase del ejercicio entramos a un terreno propiamente creativo pues se deben producir respuestas inusuales, originales, poco comunes, no convencionales sobre una o más palabras sugeridas. Aquí ya nos permitimos dinamizar nuestra mente con muchas ideas, proponemos nuevos planteamientos que talvez mejoren un producto, lo que constituye un elemento primordial cuando hablamos de publicidad. Descubriremos que los objetos o cosas no son como las han mostrado sino que pueden ser susceptibles de mejorar. Y que podemos cambiar el mundo con nuevas ideas que a la larga nos hacen sentir mejor como personas, y nos hacemos concientes que aportamos creativamente en cualquier lugar donde nos encontremos. Lo valedero hoy son los grupos interrelacionados sobre un tema específico que ya no creen en verdades absolutas sino que trabajan en ideas cuestionadas. La respuesta del espectador ante las ideas creativas debe ser primordial para completar un proceso de pensamiento. La realidad creativa se construye día a día; la idea sería que lleguemos a preguntarnos como el pintor Gauguin en uno de sus cuadros: ―De conde venimos, donde nos encontramos, y hacia donde podíamos ir‖. Si llegamos a un punto en que podamos desarrollar nuestra capacidad de discernir, de interpretar el alud de información que recibimos cada día, de comprender los múltiples significados de las imágenes como textos visuales de nuestra cultura, de entender como ha sido la representación que hemos hecho de nosotros mismos en cuanto a la vida, la guerra, la religión, el cuerpo como lugar de expresión, el amor; si hemos sabido explorar ideas y sentimientos, procesos de introspección y comunica-

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ción y desarrollo de habilidades; si hemos encausado las ideas con exitosas formas de expresión personal; si hemos hecho visible lo invisible, si hemos transmitido creativamente tal o cual conocimiento, si en el proceso creativo hemos llegado a la hermenéutica de la sospecha, entonces podremos decir: la tarea se ha cumplido, hemos hecho un verdadero debate sobre nuestra realidad, llegó la hora de iniciar una nueva acción creativa.

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8. Bibliografía: ARHEIM, R. ―El pensamiento visual, Editorial Paidos, Barcelona, España 1986 HAUSSER, A. ―Historia social de la literatura y el arte ―.Editorial Labor, Barcelona 1978 BERGER J. ―Modos de ver ―, editorial Gustavo Gili, Barcelona .1974 BEADOT, A ―La creatividad‖. Editorial Aguilar, Madrid 1976 DAVIS, G. ―Estrategias para la creatividad ―, Buenos Aires, Editorial Paidos 1980 LYOTARD, J.F. ―DISCURSO FIGURA‖, Editorial Gustavo Gili, Barcelona 1974 WOODFORD, S. ―Cómo mirar un cuadro‖, Editorial Gustavo Gili, Barcelona 1985 DIETMAR ELGER, ―Expresionismo‖, Editorial Taschen, 1991 LODWICK M. ―Guía del arte de la pintura occidental‖. Editorial Blume. 2002 KRAUSS R. ―Pasajes de la escultura moderna‖. Ediciones Akal. Madrid 2002 MACKE A.-MESEURE A. ―Pintura Alemana: Expresionismo Alemán‖ Ed. Taschen SERULLAZ M. ―Museo del Louvre‖.Editorial Océano. Barcelona PÉREZ SÁNCHEZ A. ―Museo del Prado‖. Editorial Océano. Barcelona. FICACCI L. ―Francis Bacon 1909-1992‖. Editorial Taschen 2003 EMMERLING L. ―Jackson Pollock‖ . 1912-1956. Editorial Taschen 2003 WANCKE C.‖ Pablo Picasso 1881-1973‖. Editorial Taschen 2003 BRAYER Y. ―Andrés de Santamaría‖ Talleres Gráficos Escala. Bogotá, 1985 LAMBERT R. ―Introducción a la Historia del arte del siglo XX‖. Editorial Gustavo Gili, Barcelona 1985 VARIOS AUTORES. ―Historia del arte Colombiano‖ Editorial Salvat. Barcelona 1986 BECKETT W. ―Historia de la pintura‖. Editorial Blume, Barcelona 1995 MOLES A. ―Métodos de innovación‖, Biblioteca de Comunicación CIAC Ibérico, Europea de ediciones, Madrid 1990 MUNARI, B. ―Diseño y comunicación visual‖, Barcelona, editorial Gustavo Gili VELARDI, C y B ―Psicología de la creación‖, Madrid 1990

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VARIOS AUTORES: ―El jardín de las delicias de el Bosco: copias, estudio técnico y restauración‖. Ed. Museo Nacional del Prado. Madrid 2000 BARTZ GABRIELE, KÖNIG EBERHARD.‖ Miguel Ángel‖. k. Verlagsgesellschaft. Alemania 1998 ELGER DIETMAR: ―Expresionismo‖ .Editorial Taschen 1991 BIBLIOTECA LUIS ANGEL ARANGO: ―Luis Caballero retrospectiva de una confesión‖ Banco de la República. Bogotá 1991 R. LAMBERT. ―El siglo XX‖, Editorial Gustavo Gili. Barcelona. 1981 MUSEO DEL LOUVRE. ―Su visita del Louvre‖ Art Lys, Versalles, 1998 ADRIEN GOETZ. ―La Grande Galerie des Peintures‖, Edición Centro Pompidou 2003. VARIOS AUTORES: ―Museo de Orsay‖. Editor J.C. Castelain 2004 WENDY BECKETT: ―Historia de la pintura‖, Editorial Blume 1995 VARIOS AUTORES: ―L´art dans la pub‖, Museo de la Publicidad. Unión central Artes Decorativas. Paris 2.000 HANS DAUCHER: ―Visión artística y visión racionalizada‖. Editorial Gustavo Gili, Barcelona 1978 A. MOLES: ―Teoría de los objetos‖. Editorial Gustavo Gili, colección comunicación visual. Barcelona 1974 ANGELA OTTINO DEIIA CHIESA. ―La obra pictórica completa de Leonardo‖ Editorial Noger, Madrid y Barcelona 1977 INGO F. WALTHER: ―Los maestros de la pintura occidental: una historia del arte en 900 análisis de obras‖, 2ª edición. Taschen, 2005. Colonia

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9. Hoja de vida Germán Páez Morales Estudios realizados: 1967.

Diseñador Grafico. Universidad Nacional. Facultad de Artes. Bogotá

1972/75 Especialización en artes y Oficios Artísticos. Escuela Massana Barcelona, España. 1985

V Curso de Administración de Proyectos Culturales. Fundación Getulio Vargas, Río de Janeiro. Brasil

1986

Filósofo. Universidad Social Católica ―La Salle‖. Bogota

1987

I Curso Regional de Diseño de Planes y Programas de formación para agentes para el desarrollo cultural. Caracas. Venezuela

1990

Beca Francisco de Paula Santander en Investigación cultural. Proyecto ganador: ―Cartilla de percepción visual e inducción al arte y creatividad‖ Colcultura. Bogota.

2002

“Como aprender a interpretar una imagen”. Universidad Complutense. Madrid, España.

2002

Curso de “Fotografía y producción de cine y televisión” Organizador: Taller 5. La Habana. Cuba.

2003

Viaje de estudios a Paris. Organizador Centro de Diseño Taller 5.París

Cargo actual: Profesor Fundación Universitaria San Martín: Facultad de Publicidad y Mercadeo y del Centro de Diseño Taller 5 en Bogotá.

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Exposiciones individuales 1976

Dibujos. Alianza Colombo-Francesa – Bogotá

1980/83 Dibujos y Pinturas. Galería Iriarte Bogotá 1982

Batiks. Galería Ruta Correa. Alemania

1987

Pinturas y Dibujos. Galería Casa Negret. Bogotá

1988

Acrílicos. Galería Arte XIX. Bogotá

1992

Del Blanco al Negro, del Negro al Blanco. Galería Sextante. Bogotá.

1996

“Atrapasueños‖ Centro Colombo-Americano. Bogotá

2007

“Tiempos de creación‖ Centro de diseño Taller 5. Bogotá

EXPOSICIONES COLECTIVAS 1996

V Festival Franco-Latinoamericano del Video Arte (Video a la Carta). Biblioteca Luis Ángel Arango. Bogotá.

1995

Arte para Bogotá. Galería Santa Fe de Bogotá. Planetario Distrital. Bogota

1994

XXXV Salón Nacional de Artistas. Corferias. Bogotá.

1993

Lithographs by Colombian Artists.Galería Consulado Colombiano Washington, D.C. U.S.A. VI Salón Regional de Artistas. Corferias. Bogotá. Un metro cuadrado. Reflexión sobre el arte conceptual. Universidad Javeriana. Bogotá.

1992

XXXIV Salón Nacional de Artistas. Corferias. Bogotá. V Salón Regional de Artistas. Corferias. Bogotá Colección Museo de Arte Moderno Ramírez Villamizar. Galería Garcés Velásquez. Bogotá. Homenaje a Buñuel. Cajas Eróticas. Galería Alonso Arte. Bogotá. Hombre Héroe. Homenaje a Bolívar. Museo Quinta de Bolívar. Bogotá.

1991

Diez Escultores Colombianos. Museo de Museos Colsubsidio. Bogotá.

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Latin Amerika Grafikleri. Galería Sanst. Ankara. Turkía. Hombre Luz. Homenaje al Padre García Herreros. M.A.C. Bogotá. I Salón de Nuevos Valores del Arte. Museo de Arte Religioso. Jericó, Antioquia. Hombre Árbol. Asociación Colombiana de Museos. Villa de Leiva. 1990

XXXIII Salón Nacional de Artistas. Corferias. Bogotá. Diez Artistas Colombianos en Alemania. Kolumbien in Manchen. Kunsforum Arabellapark. Munich, Alemania.

1989

Doce Artistas. Centro Brasileño de Cultura. Bogotá.

1988

Selección del Jurado XXXI Salón Anual de Artistas Colombianos. Biblioteca Luis Ángel Arango. Bogotá. “ExLibris” –Biblioteca Luis Angel Arango. Bogotá. El Desnudo. Galería El Museo. Bogotá.

1987

XXXI Salón Anual de Artistas Colombianos. Aeropuerto Olaya Herrera. Medellín. Mini-Print Internacional. Galería Fort. Cadaques, España.

1986

XXX Salón Anual de Artistas Colombianos. Museo Nacional. Bogotá. Arte para el Dorado. Museo de Arte Moderno. Bogotá. I Bienal Iberoamericana de Pintura. Bienal de Miami, U.S.A.

1985

Egresados Recientes. Museo de Arte - Universidad Nacional Bogotá. Pinturas y Dibujos. Auditorio Consulado General de Argentina Río de Janeiro. Brasil. XXIV Premio Internacional de Dibujo Joan Miró. Fundación Joan Miró. Barcelona. España Internacionale Batik Ausstellung. Galería Smend. Colonia. Alemania. Carteles Ecológicos. Museo de Arte Moderno. Bogotá.

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1979

XXVII Salón Nacional de Artes Visuales. Museo Nacional. Bogotá-

1978

Bienal de Nuevas Tendencias. Museo de Arte Moderno. México.

1977

XXV Salón de Artes Visuales. Museo Nacional. Bogotá.

1975

Salón Internacional de Agosto. M.A.C. Bogotá.

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De Creaciรณn y Creadores

Germรกn Pรกez Morales

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