Teoría del Color a partir del Impresionismo

abstract

El impresionismo es una manera de observar. Es por esto que para entender su propósito se estudiaran ciertas obras que nos darán cuenta de ese equilibrio de color.

Son pequeños pasos que se estudiaron. Comenzando de la unidad mínima, el trazo, que se agrupa en tramas según sus direcciones, esto va generando sensaciones de color, cuando a cada trazo se le asigna un tono y es así como vemos que aparecen contrastes en las tramas que cumplen funciones con respecto a la totalidad de la obra, ya sea de iluminar o sombrear, etc. Cuando los contrastes los identificamos en la totalidad de la obra vemos como esta se fragmenta o divide en secciones de colores que permiten el equilibrio y una armonía al observar.

Catalina Hörr

presentaciön

Construccion de tramas, a traves de trazos como unidad mínima El impresionismo posee una característica muy primordial que lo hace destacarse

ubica una al lado de la otra sin llegar a tocarse o mezclarse ya que actúan como una unidad independiente del resto que se manifiestan al observarlas como una totalidad de trama.

como movimiento. Esta es la de sus trazos muy marcados y definidos, podemos ver claramente cada pincelada que realizo el pintor. Así notamos que cada pintor impresionista posee su propia pincelada, su trazo se vuelve como una caligrafía que lo identifica y que está pensada y posee un fin dentro de la obra.

Esto se identificara y mostrara en algunas obras estudiadas. En una primera instancia veremos la obra “naturaleza muerta con melocotones” de Pierre-Auguste Renoir la cual tiene una notoriedad importante en cuanto al trazo que por sus direcciones forma tramas. Esta obra posee gran cantidad de agrupaciones de trazos, pero identi-

Dentro de la obra veremos estos trazos que la componen como la unidad mínima de la

ficaremos las más comunes y evidentes al observarla la pintura.

pintura. Estas pinceladas poseen direcciones que van moldeando y dando forma a la figura que desean representar, generando cierto movimiento gracias a su notoriedad.

Es así como el impresionismo se aleja un poco de la realidad ya que nada es plano, todo posee flujo a través de los trazos.

Cuando llegamos a identificar estos trazos podemos comenzar a clasificarlos en tramas según sus direcciones. Las más frecuentes dentro de las obras estudiadas son tramas verticales, horizontales, diagonales y líneas que se encuentran de manera más libre, que llegan a cruzarse de manera perpendicular o en ciertos ángulos, siendo tramas más condensadas. Cuando tenemos estas tramas damos cuenta de la existencia y composición de una yuxtaposición de cada trazo. Es decir, cada pincelada se

Naturaleza muerta con melocotones

P.Auguste Renoir 1880 Oleo sobre Lienzo Paris, Musee De L’orangerie

En los melocotones encontramos trazos curvos que a través de su modulación y ductus van moldeando y dando forma a esta fruta, generando tramas redondeadas, líneas que son delgadas y cortas, que se van uniendo poco a poco por la forma que van dando. Hay una imparcialidad de la pincelada, es decir, no son planas, por lo que le dan ese volumen propio al melocotón dando esa sensación de esfera.

trazos

en diagonal que terminan en vertical

Otra obra que se analizó en cuanto a tramas fue “Monsieur Louis Pascal” de Henri Toulouse-Lautrec. Esta pintura es un claro ejemplo de las tramas que se encuentra en mayor libertad, es decir, sin ninguna dirección definida.

trazos curvos

En el mantel encontramos tramas en diagonal que siguen y recorren un camino terminando en vertical. Estos trazos simulan la caída de una tela, es por esto la dirección que tienen yuxtaponiéndose unos del otro. Entonces a través de la composición de esta trama que baja es como se da la sensación de una caída sutil de una tela.

Monsieur Louis Pascal Henri Toulouse-Lautrec 1891 Oleo sobre Cartón Museé Touluse-Lautrec

Sensación de color a través de contrastes

Estudiamos principalmente la vestimenta del caballero. Es ahí donde vemos estos trazos multidireccionales que le dan forma a la figura de la persona, junto con esto se logran entrecruzar líneas en ciertos ángulos formando una mayor condensación que van moldeando la caída de la tela y las partes del cuerpo del señor.

Cuando ya hemos estudiado los trazos y tramas junto con las posiciones y direcciones, a las pinceladas se le otorga un valor visual, propio del impresionismo. Cuando hablamos de este valor nos referimos al color, esta característica propia de este movimiento es la manera en que cada trazo posee un color, es decir la pincelada dispone de un color que será distinto del color del trazo que se ubica exactamente al lado (yuxtapuesto).

Al suceder esto, que dentro de una trama los colores sean distintos nuestra vista a la lejanía los mezclara creando la sensación de la existencia de un color que realmente

trazos multidireccionales

no está. Es así como los impresionistas van componiendo los colores dentro de la obra. Por todo esto está pensado, el color que ira al lado del otro tiene una razón y propósito. Con esto estudiamos por que la presencia de ciertos colores y que relaciones poseen en su construcción, ya que es más que una simple sensación de color.

Cuando presenciamos estos colores que son distintos unos a los otros vemos que hay una aparición de contrastes dentro de las tramas en cuanto a color. Estos contrastes son en base al libro “teoría del color” del diseñador y pintor Johannes Ittens, que fue estudiado y utilizado como referencia para identificar cada contraste que posee nombre.

Por lo tanto esa diferencia de color en los trazos se piensa de tal manera en que los

Contraste cualitativo colores que se ubican uno al lado de otro formen contrastes que al visualizarse en la lejanía crean una sensación y equilibrio de color que no está de manera real y concreta dentro de la obra. Como una forma de componer y hacer a parecer el color A través de esto se analizaron algunas obras estudiadas para dar cuenta de ese contraste dentro de tramas que nos generan sensaciones de color.

colores quebrados

En la obra de Vincent Van Gogh, “El anciano afligido” identificamos primeramente unas tramas en la ropa del anciano que van hacia abajo en vertical, estos trazos definidos van yuxtapuesto con distintos colores asignados. En la trama identificamos principalmente 3 colores, celeste, blanco y azul. Al yuxtaponerse nos da una sensación de la utilización de un solo color en su distinta variación de escala o gama. Cuan-

El anciano afligido

Vincent Van Gogh 1890 Oleo sobre Lienzo Kröller-Müller Museum

sensación de escala de color

do realmente el color se quiebra con la presencia del blanco que le da esa variación creando partes de luminosidad.

Con esto detectamos la presencia del contraste cualitativo, el cual habla de colores que se rompen a través del blanco o el negro, generando efectos en un color, de luminosidad u oscuridad, como también de neutralidad, aplicando ambos a la vez (gris).

Otra obra de Van Gogh que demuestra este tipo de contraste cualitativo es “joven campesina con sombrero de paja sentada delante de un trigal”. En la blusa de la joven vemos ese quebramiento de color por negros y blancos, entregando esa sensación de luz y sombra. En el fondo, detrás de la mujer, vemos un quebramiento que entrega luz a través del blanco y el amarillo; y oscuridad a través del uso de complementario para la oscuridad (verde-Rojo) presenciando pequeñas partes rojizas.

Contraste cualitativo

Contraste en si mismo

color quebrado por su complementario y por el blanco

Joven campesina con sombrero de paja sentada delante de un trigal Vincent Van Gogh 1890 Oleo Sobre Lienzo Berna, Coleccion privada

intensificación y saturación del color

sensación de una escala de color

En la obra “Monsieur Boileu” de Henri Toulouse-Lautrec vemos que en la ropa de las personas principalmente, hay una condensación de tramas que poseen múltiples direcciones entre cruzándose. En esta pintura el autor utiliza un solo color en la chaqueta verde separando los trazos para armar ese movimiento y moldeado de la figura, a través de la condensación aparece el color puro (verde) y en la persona de atrás utiliza tonos oscuros para dar la sensación de pardo al mezclarse visualmente.

Monsieur Boileau Henri Toulouse-Lautrec 1893 Oleo sobre Lienzo The Cleveland Museum of Art

Contraste en las tramas con respecto a la totalidad

y amarillos. Como totalidad de la obra vemos que la oscuridad Van Gogh la crea con los colores fríos y la luminosidad con los colores cálidos.

Ya sabemos que las sensaciones de colores en el impresionismo tienen un pensamiento previo que se destaca a través de contrastes. Esto lo vimos en tramas, es decir, en pequeños fragmentos de la obra. ¿Pero qué sucede cuando observamos la pintura en su totalidad? Cada sección de tramas que con sus contrastes, al verlo comple-

tramas de colores frios que componen sombra

tamente nos damos cuenta que nos quieren decir algo. Dependiendo del contraste

contrastandose con colores calidos que componen luz

puede ser que aquella sección en la totalidad sea la luz de la obra, como también la oscuridad, también nos pueden generar la sensación de la proximidad o lejanía. Es decir, hay una fiel relación entre el contraste de la trama con la totalidad de la obra.

Se podría decir que en si la obra completa es un contraste porque se puede observar,

Olivos con cielo amarillo y el sol Vincent Van Gogh 1889 Oleo sobre Lienzo The Minneapolis institue of Arts

por ejemplo, que en un lado hay colores cálidos y en otro fríos o en una parte hay un color que se complementa con otro que se encuentra al lado. Pero lo que queremos demostrar es que el contraste que se ubica en un fragmento pequeño (tramas) está pensado para ser una parte fundamental de la obra en su totalidad.

Otra situación de la obra son las montañas que están pintadas de un color azul y en partes de luces con color naranjo. Observando nuevamente el contraste que genera esta sensación de luz y sombra. Pero también damos cuenta que utiliza un color frio para la lejanía y colores cálidos para la proximidad.

Esto lo demostramos a través de la obra de Vincent Van Gogh, “Olivos con cielo amarillo y el sol”, donde encontramos tramas bajos los árboles que poseen harto movimiento en diagonal, estas se componen por colores fríos (verde y azul) de esta manera crean la sombra, contrastándose con el suelo que posee colores naranjos y

colores complementarios que forman la sensacion de lejania y luz en su union

Comparación con otros movimientos anteriores al impresionismo

Y observando de una manera más amplia la totalidad de la obra, encontramos tres horizontes, el superior e inferior poseen colores cálidos divididos por un tercer horizonte que pertenece a los colores fríos, de esta manera se trata de equilibrar los colores en una visión más amplia de la obra para.

Respecto con lo analizado anteriormente, como características principales, importantes y maneras de construir el color dentro del impresionismo, podemos compararlo y relacionarlo con otros movimientos para contextualizar lo que ya hemos estudiado. El impresionismo es un movimiento que cambia la manera de pensar, de ver y observar

horizontes dividios por colores frios para dar un equilibrio en la totalidad de la obra

lo que nos rodea para fragmentar en partículas y saber cómo es que cada cosa se compone en cuanto al color.

Es por esto que deja de lado la realidad y se dedica a observar pintando. Con esto se puede llegar a la abstracción de lo que se está viendo. No es así los movimientos artísticos anteriores a este, ya que su función primordial era acercarse lo más posible a la realidad y a la perfección humana. Con esto encontramos muchas distinciones con el impresionismo.

En la obra del Renacimiento “Sagrada familia con San Juanito” de Rafael Sanzio encontramos ese realismo donde la pincelada no se presencia de ninguna forma, todo es plano y vemos que el color genera el volumen a traves de la luz y sombra que crea, utilizando prácticamente la escala completa de un color. No es asi el impresionismo donde las pinceladas son notorias y la escala de un color no varia, ya que utiliza varios tonos y da volumen a traves de la modulación de sus trazos.

conclusión

A través de lo estudiado anteriormente llegamos a una manera de pensar el color en la pintura. Es decir, cada trazo y color que es asignado tiene un propósito dentro de -no hay pincelada -escala de color

Sagrada familia con San Juanito

la obra. El fin principal es crear un equilibro de color, los contraste toman un rol importante, ya que juegan con el color para crear una armonía en la observación, para

Rafael Sanzio

hacer agradable lo que vemos. Es por esto que aquellos pintores parten desde frag-

Otro ejemplo claro es en el Barroco un movimiento que juega mucho con las luces y

mentos (tramas) jugando con el color hasta terminar con la totalidad de esta.

las sombras. En la obra “David con la cabeza de Goliat y dos Soldados” de Valentin de Boulogne. Vemos que las luz aparece con un color que gradualmente llegue a

Esto se relaciona fuertemente con el Diseño Gráfico, principalmente. Porque una ma-

tonos blancos o cremas, como una manera de utilizar la escala de un color. En cam-

nera de diseñar, es pensar en el otro, en el lector. Y este va querer presenciar algo

bio en el impresionismo vemos que la luz aparece quebrando el color con un blanco

agradable y legible. Por tanto el equilibrio de color nos crea esa armonía y legibilidad

que se ubica al lado, dando esa sensación de luz.

para comunicar y entendernos con mayor facilidad, pensando previamente a través de contrastes que nos demuestran una proporción medida de lo que vemos.

David con la cabeza de Goliat y dos soldados Valentin de Boulogne

color que se acerca a la luz gradualmente

colofón

Dentro del trimestre comenzamos a estudiar un movimiento artístico, el impresionismo. Con esto empezamos a trabajar tres reproducciones semanales con un su análisis respectivo. A través de esto aparecen las primeras características.

Para contextualizar este movimiento se debieron hacer líneas de tiempo con movimientos anterior es a este. Así pudimos relacionar y comparar

Al conocer ya las características, el argumento iba apareciendo y creciendo. Las obras se elegían con el fin de que ayudaran a evidenciar este fundamento. Y la línea de tiempo generaba una manera de “ver en relación”.

Todo esto se iba a finando semanalmente con las correcciones del profesor hasta llegar al texto final.