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κάθαρσις -Kathársis-
Catarsis muchas veces ha sido entendido como un proceso de purificación y liberación emocional, mental y espiritual. Se atribuye su origen en Grecia, en donde Aristóteles hace uso de la palabra para explicar la sensación de limpieza en el alma del público tras presenciar la tragedia griega. El método catártico entonces es justo aquél que se utiliza para la exaltación de una emoción y tras ella, la liberación. Es entonces que realmente podría ser interesante interpretar el arte como un método catártico pues, ¿quién no ha llorado, temblado, enojado por una obra? Catártica nace como un proyecto con intensiones de explorar, experimentar y descubrir, explotar al máximo la capacidad de sentir a través del arte.
¿Quiénes somos y qué queremos?
Somos un conjunto de estudiantes de diferentes disciplinas con la ambición de hacer llegar el arte a quien lo necesite. Con la desesperación de hacernos entender y escuchar en este mundo en el que abunda el ruido, Catártica nos permite tener una voz desde letras entintadas, en donde el discurso a pesar de ser monólogo permite el diálogo en la comunidad de estudiantes y profesionales del campo y sobre todo alcanzar a todo aquél que desconozca, que quiera conocer y que esté dispuesto a leer voces con distintas opiniones. En pocas palabras,
Catártica es nuestra herramienta para entender y comunicar nuestra relación sensible afectiva con nuestro mundo.
Lichtenstein, R. (1963) Thinking About Him.[Pintura]
Sin Escape
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Mi Obra Maestra
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Arte en Tiempos de Pandemia
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Entrevista con AndrĂŠs Gamiochipi
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En Defensa de lo Real
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Statement
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Detalles de CorazĂłn
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Luz
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Sin
escape
María José Díaz La oscuridad del cuarto te relaja, por primera vez después de meses te sientes seguro. La sábana cubre tus tobillos. El aire es cálido, se acerca el verano. Las ramas del árbol golpean la ventana, el sonido de los grillos te acurruca. Sientes tus ojos pesados y lentamente te dejas caer en las manos de Morfeo. Después de varios meses, estás en calma. ¡Corre! corre hasta que los pies te sangren, hasta que el corazón reviente. Corre hasta sentir el sabor de hierro en tu boca. La tierra roja se mete a tus tenis, el sudor corre por tu frente. No sabes por qué, pero aún así lo haces. —¡Rip Van Winkle!
Escuchas a alguien gritar. Corres con más fuerza. Sientes que las uñas de los pies se te van incrustando. No te detienes. —¡Hey, deténgase! - ¿Te hablan a ti? has corrido tanto que te duele el estómago. Recuerdas el asqueroso desayuno, no debiste comer ese
huevo verde con jamón.
No es bueno comer lo que hace tu hermana de 6 años. Vomitas. Un líquido grumoso sale de tu boca, ¿huele a cloro? —¿acaso es tonto? Lo llevo siguiendo desde el desayuno en Tiffany’s.
—Creo que me confunde- la boca te sabe a vinagre, los pies te palpitan. Quieres seguir corriendo. —“Creo que mi confunde”- dice en tono burlón —No pasaré por esto de nuevo, no es mi problema. — De verdad señor, déjeme en paz- Tomas aire y comienzas a correr, dejando atrás a ese extraño. La ciudad está vacía. Pasas por una casa morada, las persianas están cerradas, las luces encendidas. Huele a galletas. Sigues corriendo, pasas varias casas, un supermercado, un parque.
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Te detienes frente a una cabaña de madera. La construcción es enorme y tú sólo un átomo jadeante. ¡Detente! otra vez está en tu cabeza. No, no puedes detenerlo. —Supongo que quieres entrar- La chillante voz te hace voltear. Es una niña, sus zapatos rojo te hipnotizan. —Lindos, ¿no? —¿Cómo… cómo sabes lo que pensaba? —¡Todos lo saben, eres tú! —¿A qué te refieres? —Pues justo a eso… mira, no puedo creer que después de 53 años sigas queriendo entrar a
la cabaña.
Ya sabes que no puedes, no sin haberlo logrado antes.
No entiendes nada. El dolor de tu estómago va in crescendo, miras arriba. No comprendes ¿Es lunes o martes? El cielo comienza a tomar un tono rosado. Respiras con calma y en tu mejor tono le dices a la niña: —No sé qué es esto, ni qué hago aquí, pero dulce niña quiero ir a casa. La mujercita
te ve, dibuja una sonrisa en su cara. Le falta un diente. Su silencio te incomoda,
sabes que eres diferente a ella. —Me hacía falta verte- su voz te recuerda al verano del 2000. Sus ojos gigantes, el olor a margarita y el cálido aire.
—Van Winkle,
estás en casa.
¡Corre! corre hasta que el dolor desaparezca, hasta que los pies te sangren, hasta que el corazón reviente. Corre hasta sentir el sabor de hierro en tu boca. El lodo se mete a tus tenis, el sudor recorre tu frente. No sabes por qué, pero aún así lo haces. La calle se asfixia por el sonido de la radio. El locutor repite la misma frase “otra vez, porque ahora somos únicos”. El cielo toma un tono naranja, pasas por una granja que tiene vacas, cabras, conejos y ovejas de metal. Te detienes frente a la cabaña. Tienes un hueco en el estómago ¿Volverás a pensar en ella? volteas, ahí está . Sus zapatos rojos detienen tu corazón por un segundo. El hombre de la radio dice la palabra que estabas pensando. —Siempre regresas cuando menos te quieren. - sus palabras te lastiman. —Ayúdame a entender- ¿Estás suplicando? —¿Te has preguntado, si sueñan los Androides con Ovejas Eléctricas? - ha ignorado tu súplica. No puedes ocultarlo, tienes miedo.
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Tragas saliva y vuelves a suplicar.
La mujercita
ríe, agarra tu brazo para que la sigas.
Caminan por un bosque, todo parece estar en cámara lenta. Te hace sentir como STICKEEN,
eres fiel ¿morirás por ella? Has olvidado el temor. Comienza a llover, pero
no moja. Pasan por una enorme piedra marrón que tiene cristales derretidos. Parece una piedra lunar. —¿Qué es eso? —No seas tonto, tú mismo lo pusiste ahí...Son las memorias de un perro amarillo. Te cansa hacer preguntas porque temes las respuestas. Sigues caminando hasta llegar a un enorme edificio. Son oficinas. La gente viene y va, pero ninguno te mira. Tienes sed. El aire es ligero, tan ligero que dejas de sentirlo. Estás mareado. Te sientas en el escritorio blanco. La niña pone en tus piernas un bonche de hojas. —Escríbelo- te entrega una pluma, se da la vuelta, está a punto de irse. —¿Escribir qué cosa? —¡Eres el colmo! Sino puedes escribirlo, entonces píntalo o cántalo… ¡yo qué sé! barajea tus cartas si quieres regresar. - se ha marchado. Te quedas sentado, la esperas, pero sabes que no volverá. Hoy no. Miras el papel, tan solo es un rectángulo blanco ¿y por qué no? comienzas a escribir. Es un poema, morirás si haces poemas. El miedo regresa a ti. Sientes su mirada ya lo habías visto antes. Se acerca.
el guardián del tiempo,
—Entonces era cierto, regresaste- su presencia te intimida, es una entidad grande pero no vieja. —¿Lo hice? —Claro, siempre lo haces. Hoy estás bien, te sientes libre y mañana vuelves a caer… Ven. Sueltas los papeles. Caminan entre las oficinas, observas que el espacio es cada vez más pequeño o ¿estás creciendo? Tienes calor, tu boca está seca. Observas a un grupo de sujetos alborotados, alrededor de una mujer, quieren una foto. —¿Por qué la adoran? —¡Ja! ¿Bromeas? es un genio. Busca pecas de sandía, dice que la tierra es como y los gusanos
el queso
le hablan. ¡Es un Dios en todo su esplendor!
No tiene sentido buscarle un sentido, entonces solo lo admiras. Nada está en su lugar. —¿Y él? —Ah,
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el escribiente
… No le hables, no lo mires.
—¿Por qué? - El pelirrojo tomó sus cosas y se fue. ¿Por qué no hablarle, si de todos se ve que es el más normal? Te acercas a él, con un poco de miedo le tocas el hombro. ¡Corre! corre hasta que el dolor desaparezca, hasta que los pies te sangren, hasta que el corazón reviente. Corre hasta sentir el sabor de hierro en tu boca, hasta barajar tus cartas. Hasta encontrarle sentido a esto.
Rip van Winkle- Washington Irving
Huevos verdes con jamón- Dr. Seuss
Desayuno en Tiffany's- Truman Capote
La Cabaña- William Paul Young
Nada- Janne Teller
Mujercitas- Louisa May Alcott
STICKEEN- John Muir.
¿Sueñan los Androides con Ovejas Eléctricas? Phillip K. Dick.
La piedra lunar- Wilkie Collins.
Memorias de un perro amarillo - O. Henry
El guardián del tiempo- Mitch Albom
El escribiente- Herman Melville
El queso y los gusanos- Carlo Ginzburg
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Lecciones
podemos
MI
OBRA
de
arte
aprender
que
en
MAESTRA
Lucero S.T. En esta edición, el objeto de análisis será la película argentina del 2018 escrita por Andrés Duprat y dirigida por Gastón Duprat, Mi obra maestra. Antes de comenzar, debo advertirles que el siguiente articulo contiene spoilers, pero actualmente el filme se encuentra disponible en la plataforma de streaming, Netflix. Sin más que agregar comencemos con las lecciones.
LA CRÍTICA DE ARTE NO ESTÁ PARA COMPLACER AL
ARTISTA
NI EL ARTISTA A LA CRÍTICA
Desde los primeros minutos de la cinta nos damos cuenta de que los críticos de arte no tienen opiniones muy favorecedoras sobre el trabajo de Renzo. Este suceso no solamente ocurre en los largometrajes. A menudo los artistas y críticos no están en la misma página. Sin embargo, no dejemos que la palabra ‘crítico’ nuble nuestra vista bajo una acepción negativa. Por lo general el crítico de arte se dedica a glosar sobre lo que le gusta o le interesa.
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Y si nos remitimos a los inicios de esta actividad, en el siglo XIX, la práctica en cuestión surge con el objetivo de que el público que desconoce de fundamentos artísticos pueda entender -más allá de lo visual- a las obras artísticas. Teniendo en cuenta lo dicho, podemos entender que la crítica de arte no es una profesión que se dedica a adular el trabajo de un artista ni a devorarlo vorazmente señalando sus defectos o carencias; ni las obras de arte deben ser producidas con el objetivo de agradar al crítico de arte.
EL MECENAZGO ERA UNA DINÁMICA QUE EL MUNDO DEL ARTE NO SE RIGE FUNCIONABA EN EUROPA DEL SIGLO XVI… PERO YA BAJO UNA LÓGICA NO MÁS
La tarea parece bastante simple, sin embargo, servir a un grupo de élite va en contra de los principios éticos de Renzo, quien a pesar de estar en la miseria se mantiene firme a su ideología hasta el final. Esto es totalmente entendible, en el panorama contemporáneo con una amplia gama en cuanto a posibilidades técnico – materiales ya no es estrictamente necesario el apoyo de un mecenas para que las obras de arte sean producidas. Por lo que el arte ya no está en función únicamente de la ideología dominante o de los grupos de poder que la controlan, de hecho, los artistas frecuentemente se muestran en contra de estos o a través de su obra ofrecen miradas críticas a estos sujetos y sus postulados.
En la película hay bastantes ejemplos de este punto. Pero solo me centraré en el caso del mercado del arte. El periodo en el que Renzo Nervi alcanzó su cúspide fue en la década de los 80’s, su trabajo se vendía como pan caliente en esa época. Años más tarde, se regateaba el precio de sus obras y la excusa es que las piezas se habían quedado en los 80’s. Pero después de la supuesta muerte de Renzo, el precio se dispara por los cielos. En
estos
tres
momentos
Nervi
no
modifica la técnica ni el formato, tampoco deja de ser crítico o satírico. Lo que cambia es la percepción que tienen los consumidores sobre su trabajo, que puntualmente altera los precios de sus obras en el mercado del arte. Fuera de esto no hay una lógica que prediga el estatus del artista o la valoración de su trabajo, por lo que intentar encontrarla puede resultar frustrante.
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LOS ARTISTAS SON HUMANOS CON VIRTUDES Y
DEFECTOS.
Se presume que Renzo Nervi es uno de los últimos grandes pintores con una técnica excepcional. Pero también, podemos darnos cuenta de que es problemático, misógino e irreverente. Él mismo afirma que ser riguroso, consecuente y humilde no son cualidades de un artista. Esto me parece que es la enseñanza más importante del filme. La historia del arte occidental generalmente nutre un discurso en el que se enaltecen los aportes de hombres que, pese a sus obras contundentes, realizaron actos deplorables. Bernini, por ejemplo, el escultor de El éxtasis de Santa Teresa, quien tenía una forma única de trabajar el mármol para dotarlo de vitalidad y movimiento es el mismo que le destrozó la cara a su ‘amada’ tras un atraque de ira ante una supuesta infidelidad. Con esto, no pretendo que juzguemos a los artistas y sus obras bajo criterios morales contemporáneos. Lo que yo sugiero es que antes de poner sobre un pedestal a un artista, recordemos que son tan humanos como nosotros, no dioses, maestros o personajes iluminados o dotados de poderes divinos.
Concluyendo, me parece que Mi obra maestra, es una película amena para cualquier persona, ya sea un conocedor del mundo del arte o alguien que apenas comienza a adentrarse en este terreno. Considero que los cuatro puntos mencionados anteriormente son fundamentales para entender el panorama artístico contemporáneo, y aunque sin duda hay más cuestiones que podríamos discutir sobre este filme, en esta ocasión, dejé de lado el análisis del guion, la composición de las imágenes y el sonido para darle importancia a las enseñanzas que podíamos recuperar de los dos personajes principales. Para finalizar, solo quiero agregar como colofón una de las frases que pronuncia Renzo:
“Los extremos se tocan y el frío quema”. Valoremos este enunciado tan poético para tener siempre presente que el mundo del arte está lleno de contrastes.
Gastón, D. (Dirección). (2018). Mi obra maestra [Película].
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M.I. Flores Nachón Arte
en
tiempos
de
pandemia El 2020 ha llegado con sorpresas que nuestra generación nunca había imaginado El arribo de la pandemia que actualmente arrasa con el mundo ha significado no solo una pausa en las vidas de quienes nos encontramos en encierro voluntario con el propósito de diezmar el contagio, sino que ha impactado en todos los sectores productivos de nuestras vidas. Sin embargo, es necesario recordar que el Covid-19 no es el peor de los males en el mundo, nuestro planeta ha enfrentado un sinfín de dificultades que han sido plasmados en el mundo del arte. A forma de recuento histórico sería interesante dar un recorrido por algunos de los malestares de nuestro mundo manifestados desde diferentes expresiones artísticas. El primero a mencionar sería la histórica Peste Bubónica, o Peste Negra, cuyo primer brote data en el imperio de Justiniano I - quién en realidad fue infectado y tratado- en el año 541. En este periodo se estiman 50 millones de muertes, más no se trata del periodo más mortífero de la peste, en 1347, a finales de lo que conocemos como Edad Media, en Europa, la enfermedad volvió a brotar para ser aún más agresiva que antes, pues consiguió matar un tercio de la población mundial.
Anónimo (1349), Enterrando a las víctimas de la peste de Tournai, [Pintura]. Bibliothèque royale de Belgique
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La finitud de la vida humana era algo real entonces. El humano muere, y muere en grandes números y la representación de ello no faltó; en la obra Enterrando a Las Víctimas de la Peste de Tournai de 1349, de autoría desconocida, se observa justo lo homónimo, el entierro de aquellos que no sobrevivieron la enfermedad. Si bien anteriormente se representaban escenas que aludían a la muerte, - es importante recordar que el medioevo era un periodo de alto poder de la Iglesia, y por lo tanto la mayor parte de las representaciones de la muerte, iban de acuerdo a lo planteado por ella-, se plasmaba lo adecuado a la muerte de las escenas bíblicas, la novedad de las obras que surgen de la peste reside en el hecho de que se representa la muerte en la cotidianidad: la vida diaria ahora era la afrontación a la muerte. La última gran epidemia de la peste bubónica en Europa llevó consigo a Londres matando a la cuarta parte de la población (100 000 personas). Esta se desarrolló en 1600, y si bien habían pasado 300 años de la anterior, la potencia, el terror y el dramátismo era el mismo. Y de nuevo, los artístas no se limitaron a plasmar su realidad, pues en esta ocasión puedo citar a Nicolas Poussin quién pintó Los filisteos golpeados por la peste o El milagro del Arca en 1631 que en realidad narra uno de los temas presentados en el Antiguo Testamento, tema que resulta ser pertinente para la realidad vivida en Europa en la contemporaneidad del artista. Pareciere casi una reflexión a manera de espejo de su realidad y del temor a Dios y lo efímero de la vida.
N. Poussin, (1631) Los fiisteos golpeados por la peste/ El milagro del Arca. [Pintura al óleo] Museo Louvre, París, Francia.
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La siguiente peste que azotó el mundo fue la llamada gripe española en 1918. Los siglos avanzaron, la evolución del estudio de la salud y la ciencia era ya algo más exacto que lo que se vió con la peste negra, sin embargo, la enfermedad fue igualmente intensa. A pesar de tratarse de una gripe altamente sonada en la actualidad (Influenza A- H1N1), en el momento cobró varias vidas, probablemente los nombres que mencionaré a continuación resultan más conocidos, y su destino bastante trágico. Gustave Klimt, artista austríaco del siglo XX conocido mundialmente por su obra El beso de 1907, contrajo la gripe, que al final cobró no solo la vida de este artista, sino que la de Egon Schiele también, dejando inconcluso el cuadro que él mismo veía como su futuro La Familia de 1918, representando a su esposa, y al hijo que ella llevaba en su vientre. Tristemente tanto su esposa como el bebé y Schiele fueron víctimas de la gripa. Por último, Edvard Munch, quien a pesar de contraer la enfermedad también logro sobrevivirla a pesar del mal cuidado que le daba a su propia vida, dandonos como recordatorio de su padecimiento Autorretrato después de la gripe española de 1918, en donde se ve al propio autor retratado con una manta en su regazo. Es cierto, enfrentar una pandemia da terror, y mucho más la constante sosobra de ser víctima del temible asesino, sin embargo, hay una frase que me gusta recordar: quien no conoce su historia, está condenado a repetirla. Como lo leímos aquí, esta no es la primera gran enfermedad que el humano ha enfrentado y mucho menos será la última, y lo mejor que podemos hacer es reducir el impacto en la salud: quedarnos en casa. La expresión siempre estará para acompañarnos en los peores momentos, y algo de eso puede quedarse para la posteridad como los nombres de Poussin, las pinceladas de los ciudadanos de Tournais, el padecimiento de Klimt y Much, y el futuro de Schiele
E. Schiele, (1918) La Familia. [Óleo sobre tela] Osterreichische Galerie Belvedere, Viena
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Entrevista Andrés
con
Gamiochipi M. I. Flores Nachón
Andrés Gamiochipi es un artista mexicano que a través de su obra nos transporta desde nuestro mundo hasta un escenario fantástico que más allá de encantar, busca conectar con nuestras ilusiones a partir de un díalogo visual. ¿Cómo empezaste a incursionar en el collage?
En una clase que tuve en Florencia en el 2011, que se llamaba Expanding Creativity, el profesor nos pidió mostrar nuestro portafolio o nuestras obras. Yo mostré gran parte de mis pinturas y al analizarlas me comentó que era curioso que parecían collages, en el sentido que yuxtaponía y modificaba imágenes mías y/o encontradas para crear composiciones, con otro significado. Me pidió de tarea hacer 3 ó 4 collages como ejercicio, y terminé haciendo 10 ó 15. Desde ese momento empecé a buscar más y más imágenes, porque me cautivó la posibilidad de reinterpretarlas; así aprendí mucho más de armonía, de color, de escalas, composición, de impacto o potencia visual. Y desde entonces no he dejado de hacerlo. ¿Cuál es tu proceso creativo?
Hay varias fases de mi proceso. Las definiría como búsqueda, separación, archivo, ejecución. Normalmente empiezo abriendo un libro o una revista con muchas imágenes y comienzo a hojearla y ojearla. Es importante estar atento de los estímulos que cada imagen conlleva, y lo que siento que tiene potencial de modificarse o que exalta mi imaginación, y que además puedo categorizar por temática; recorto o separo todo aquello que me llama la atención y lo meto en micas, dentro de unos folders, que tienen etiquetas. Después de haber separado, por decir, personas, retratos, niños, cielos, montañas, animales, ilustraciones anatómicas o de fauna, objetos, estatuas, planetas, etc., ya que ordené lo que recorté, para hacerme más fácil la tarea de acceder a ese banco de imágenes que acumulé, empieza la ejecución, que es jugar con todo, a partir de lo que sé o recuerdo que tengo, y empieza a suceder la magia, sacando y buscando los mejores empates entre las imágenes que poseo. Es decir, es entre mucho orden en categorizar, para hacerme más fácil y específica la búsqueda, y dejarme llevar.
Baccillus anthracis
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¿En qué tipo de revistas buscas imágenes?
Usé por años muchas revistas National Geographic antiguas, de antes de la década de los 70’s, cuando el papel era más grueso, no era glossy y la impresión no era láser, y las fotos eran análogas y no digitales. Había un cuidado de la publicidad y de la luz, muy distinto a lo recuente. Además de la estética, me gusta el factor significativo que da el paso del tiempo. Uso también Libros de divulgación científica, como Time Life, enciclopedias, etc. Últimamente me he hecho de una gran colección de enciclopedias ilustradas y de libros más especializados. ¿Trabajas con herramientas mundanas? ¿Computadora normal, scanner normal? O ¿tienes
herramientas especiales?
Mis herramientas son las necesarias para hacer collage, que son varios tipos de tijeras, navajas Olfa muy puntiagudas, o X-actos, tabla de corte, lápiz adhesivo o pegamento, cinta azul adhesiva. Tengo un scanner normal, que llega a muy alta resolución Hemos notado que tienes muchas obras que se centran en la naturaleza …¿Es parte de tus
intereses personales?
Totalmente. Al final casi todo habla de la relación que tenemos con el entorno, y cómo lo creamos y nos crea de vuelta. Además de que soy amante de la naturaleza, mucho del contenido de las revistas y libros la aborda desde diferentes perspectivas, entonces es inevitable referirla constantemente. ¿Tienes alguna obsesión que te impulse a producir?
Sí, lo llamaría más bien una inquietud o adicción. Parte de estar trabajar interviniendo con imágenes y publicaciones, es que uno se involucra con los sucesos contenidos y se profundiza. Mi interés no es sólo la producción o elaboración de nuevas imágenes, sino de historias y significados. Me gusta mucho la idea de crear ficciones, simulaciones, y reinterpretar lo que existe, como si se jugara con el lenguaje en sí. Además de que es mi trabajo, disfruto mucho estar produciendo, me da una calma que pocas cosas me dan. ¿Tienes algún conocimiento en biología? - lo digo por tu trabajo en la serie Pandemia o
Landscapers (Creationism).
La serie Pandemia no tiene tanto que ver con Biología, sino con religión y cultura. En esa serie busco abrir un diálogo sobre el papel de la religión en nuestra cultura y sociedad actual. Pandemia abordado como un contagio de creencias y des-creencias. Una deconstrucción de esos mitos. Cómo las iconografías sagradas y religiosas siempre han sido antropomorfas y busco representarlas en decadencia. Con Landscapers o Creationism me interesa plantear y cuestionar esa noción de que el mundo fue creado para la satisfacer a la humanidad, casi como ilustrar esa metáfora deísta, pero abordada desde el hombre en sí creando el mundo. La serie que sí tiene más que ver con biología y en la que más he estudiado la evolución y la taxonomía de las especies animales y vegetales, es Mutaciones, que es un extenso Bestiario de quimeras. No soy ningún experto de biología, pero me interesa bastante e intento informarme lo más que pueda, para poder ampliar la manera en la que represento ciertos personajes en mis piezas.
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La Serie “As above so below” es mi favorita personalmente. ¿Podrías explicar un poco de ella?
Drawing Constellations
As Above so Below es parecida a Giants or Midgets y Creationism, en donde se juega con personajes y sus escalas, pero con un tema particularmente cósmico. Ese título habla de el micro y el macro cosmos como uno solo, y busco representar de manera surrealista y poética esa interacción que tenemos y queremos tener con el espacio. Tu obra favorita:
Sí tengo algunas preferidas, pero generalmente mi obra favorita es la que esté haciendo en el momento. Son mis favoritas mientras las estoy componiendo. Creo que siempre he sentido que me prohibo tener favoritas, porque me haría sentir satisfecho o conforme, y eso me podría detener a seguir buscando. ¿Algún artista que sientas que influya en tu obra?:
Muchos y depende de cada serie que haga. Últimamente he frecuentado a los pintores holandeses Hyeronymus Bosch y Peter Bruegel para el Bestiario que estoy haciendo, también a Luigi Serafini y su Codex. En otras series me identifico mucho con John Stezaker, otras con John Baldessari, y la lista crece.
¿Desde siempre supiste que esto era lo que querías hacer? ¿Qué te llevó o te lleva a producir?
No necesariamente. Desde chico he tenido inquietudes creativas y artísticas. El collage y la pintura son una manera o herramientas para expresarme e involucrarme con el mundo, como lo es el lenguaje, o como lo es la música también. No creo que sea lo único, no ha sido lo primero ni será lo último. A veces creo que es una etapa para descubrirme en ciertas facetas y quizás en algún punto agote lo que quería lograr y llegue a esa obra favorita. Otros medios dan otros resultados y otros significados. Me interesa el collage, pero no condicionado a la mezcla de recortes y de papeles, sino al juego con imágenes y yuxtaposición de significados. Lo comencé en serio desde los 17 y de lleno desde los 21 o 22. En particular sobre el saber qué es lo que uno hace y por qué, hay veces que no lo sé exacta ni completamente. Se tiene que adoptar un hábito muy rígido con uno mismo, practicar mucho y estudiar mucho, como con cualquier otro trabajo. A veces no sé qué va a surgir cuando me siente en mi escritorio y hojeo mis carpetas y mis libros, pero estoy dispuesto a crear. Hay veces que sí tengo una fórmula, una búsqueda específica hacia una estética, un concepto, una serie de imágenes bajo ciertos proyectos, pero en el collage particularmente uno dispone de las imágenes que se tienen y no siempre es crear desde cero como tal, sino transformarlo y llevarlo a otros lugares.
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¿Qué le dirías a un artista joven qué no sabe que rumbo tomar?
Que es normal no saberlo y que no hay que paniquearse. Lo importante es producir y hacer mucho. Hay momentos que uno no sabe qué rumbo tomar, aunque no se esté iniciando. Creo que uno lo descubre mientras lo hace, y en los resultados desplegados uno aterriza muchos de los intereses y tendencias que se tienen. No sé si fue Dalí quien dijo que “aquel que no quiere imitar algo, no produce nada”. Creo que uno tiene que saber qué es lo que quiere emular. Se tiene que saber a quién se admira, qué le conmueve, qué le inspira, y de algún modo a quién quiere uno se quiere parecer, a qué se quiere pertenecer, y tener ese ideal, y seguirlo ampliando conforme uno vaya avanzando. Y que la mayor gratificación y satisfacción debe estar siempre en el acto y proceso creativo, en esa intimidad con la obra. No en publicaciones, exposiciones, ventas, etc., sino en el estar creando.
¿Podrías describir un poco de donde sale la obra que usamos de portada?
Esa obra surge de la serie Pandemia. Es un dios helénico desenmascarado. Es una combinación de iconografías religiosas e ilustraciones anatómicas, en la que se busca humanizar y desacralizar a esas deidades.
Agradecemos a Andrés Gamiochipi porque con esta entrevista abre una puerta para conocerlo a él, artista detrás de los lienzos. Agradecemos por su obra, porque es inspiración para todo artista joven, porque nos permite continuar con el discurso de la Historia del Arte mexicano sin encasillarnos en campos ya explorados. Abre puertas y marca caminos. @andresgamiochipi www. andresgamiochipi.com
Masketosis
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EN DEFENSA DE LO REAL Hace tiempo que lo pienso. Solo quiero aquellas cosas que son reales, que puedo tocar, que puedo sentir. A veces me pregunto por qué la gente se queda tanto tiempo en lugares donde no quiere o con personas que ya no ama. Dirán que es la costumbre, yo digo que es más bien la certeza, el puro y simple hecho de que no estamos solos, de saber que la otra persona ve la tele cuando nosotros, despierta a un lado y tantas otras cosas que se vuelven parte de la rutina, o mejor dicho, de la realidad. Alguien podrá decir que lo que digo es obvio. Lo real es siempre mejor. Pero aunque así sea, es una realidad que cada día se nos escapa más. Pepe Flores nos preguntó en una clase si pensábamos que el dinero era real. Después de escuchar las respuestas nos hizo pensar en todo lo que ahora dizque pagábamos. Las compras por internet, ir a comer, transportarnos, todo ya puede ser pagado con tarjetas que tienen "dinero". O lo que creemos que sea el dinero. Y es solo una cosa del montón. A finales de febrero me enamoré de Paola. Meses atrás ya me gustaba, pero tenía novio; total, las cosas pasaron y de pronto nos veíamos cada vez más, me la pasaba en su casa. Un día de pronto, esto: Coronavirus, ahora en tu ciudad. Contingencia, quédense en casa, clases en línea, en pocas palabras, un idilio. Semanas enteras de estar juntos día y noche, semanas enteras en el paraíso. Y de pronto era inminente, tuvo que irse a Cancún y henos aquí, a un día de distancia en coche, a $43 pesos en avión según los engañosos precios de Viva Aerobús; lejos, sin la posibilidad de arreglar las cosas sin tantas palabras y solo nuestros cuerpos, sin verdaderamente estar juntos.
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Porque verán, sé que volveremos a estarlo en unos meses, sé que volveremos a vernos, pero de pronto todo se vuelve aferrarse a la idea del otro, a la certeza de que existe, al recuerdo de sus sabores y costumbres, pero no a lo corpóreo, no a lo real. Y si bien es posible, es difícil, porque puede verse y escucharse, pero no lo demás que no es lo de menos. En otras palabras, la extraño. Me parece que lo bueno de la vida son las experiencias. Ir, estar, probar. No tiene nada de mágico ir a la CDMX, subirse al metro, trasbordar y luego volver a subir al caos. No tiene nada de mágico, pero pocas cosas disfruto tanto en la vida. No tiene nada de mágico platicar con mi abuela, cocinar para mi novia, jugar fútbol en la escuela, no tiene nada de extraordinario salvo que existe. No me dejarán mentir, si tienen un libro en papel van a preferirlo por encima de veinte otros que puedan tener en su teléfono. Porque es real. Su mejor amigo puede irse a vivir a Venezuela y por mucho que lo quieran van a salir y pasársela bien con el que se sienta a lado en el salón. Nos esforzamos por querer aquello que sale en las pantallas, que viene en cajas, que es fácil y llega sin más. El problema es que tenemos que esforzarnos por quererlo, porque sabemos que le falta algo, algo que tenemos que darle nosotros, o más bien imaginarle: lo real.
Fernando Salas
Statement Como artista, personalmente mi producción artística se basa en su mayoría en técnicas digitales o bidimensionales, tratando de mostrar una fuerte postura socio-política respecto a una cultura contemporánea que en mi opinión está siempre dominada por un sistema económico capitalista y una cultura totalmente occidentalizada, en ocasiones mi trabajo puede ser interpretado desde un factor irónico e intento llegar al autoanálisis para reconfigurar el emplazamiento del espectador, en cuanto a la posición privilegiada de la cual la mayoría de los espectadores que mis obras han tenido, gozan. Se produce en mí una inconformidad hacia el sistema por la invisibilización y basurización de las minorías por parte de la superestructura, debido a esto se desarrolla mi interés principalmente de los temas relacionados con la decolonización cultural, la brecha de desigualdad entre la élite y la clase trabajadora gracias al sistema neoliberal, la deconstrucción del ser hacia el feminismo, y la dominación de la estética, los estándares por parte de la industria de la moda y en general el análisis de los discursos heterogéneos sobre las multiplicidades de los grupos sociales, por lo que en mi producción de imágenes se ve reflejada la conceptualización de dichos tópicos.
About fashion talks Bolsas de papel y plástico intervenidas con pintura acrílica 2019
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“Las injusticias se heredan en miseria o privilegio” Intervención de texto con aerosol sobre pared 2020
High Fashion Serie de fotografías intervenidas digitalmente 2019
Amisuri Guzmán @amisurigh
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amisuriguzman86@gmail.com
Detalles de Corazón
Cuadros personalizados para cualquier ocasión, un detalle hecho con mucho corazón y completamente a mano. Los precios varían de acuerdo al tamaño y técnica
(Ilustración:
acuarela,
óleo
o
acrílico; Lettering: bordado o plumones; Caligrafía de texto con plumilla). Pedidos y cotizaciones a este número 2224593042.
Luisa Portilla 21
L u z A pesar de que creamos que todo es cuestión de perspectiva y que la mayoría de lo que hacemos y decimos es fundamentalmente libre, tanto nuestras acciones, palabras, gustos y pensamientos están condicionados al medio en el que nos relacionamos temporal y geográficamente. Así que, sencillamente vivimos en una gran fuente de discursos fundamentalmente elegidos por la élite en turno, y que, por lo tanto, dictaminan ocasionalmente el rumbo que embarca el gusto de sus más allegados. Pero tranquilos, no se desanimen, aunque parezca que salir de ese círculo vicioso sea imposible, la investigación y el conocimiento, especialmente de otros países y culturas ayuda a abrir el panorama, del mismo modo que valorar por qué veo, leo o escucho tal o cual contenido en los medios. El cuestionamiento al entorno es necesario y la voluntad de pensar más allá de la dicotomía es imprescindible
Antonella Guagnelli Cuspinera
Al distinguir nuestro entorno, los sentidos son, ante todo, lo que nos ayuda a procesar la información que nos rodea. Los olores, sonidos, colores, texturas y sabores se convierten en parte de la relación sensible afectiva que tenemos con el mundo, entendiéndolos cómo un medio teórico, dan pie a la construcción del saber, destacando el proceso de sensibilidad conectada con el entendimiento o, como lo expresa Hegel, la capacidad de extraer lo racional a partir de los sentidos.
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Así pues, la teorización de los sentidos y su relación con la construcción del entorno es con lo que juega la obra del artista danés-islandés Olafur Eliasson (Copenhagen, 1967), quien incurre en el arte contemporáneo a través de la percepción, el movimiento, la experiencia física y las sensaciones. Especialmente con su obra Room for one colour (1997), que se ha presentado en recintos como el Moderna Museet en Estocolmo (2015), la National Gallery of Art (NGA) en Washington D. C. (2017) y el 21st Century Museum of Contemporary Art en Kanazawa (2009). La instalación tiene como propósito cambiar la percepción de la visión al exponer al público a un cuarto blanco con bombillas de monofrecuencia amarillas (589 nanómetros en su longitud de onda) lo que hace que los colores que portan las personas que entran a este cuarto, desaparezcan y se presenten solamente dentro de una gama reducida de color, específicamente tonalidades de negro, gris y amarillo, casi como encontrarse dentro de una fotografía con filtro sepia.
Room for one colour 1997, Moderna Museet, Stockholm (2015) Fotografía: Anders Sune Berg
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La experiencia que genera esta pieza, más que solo un divertido experimento, se inclina a la reflexión personal, pues, la sencilla acción de entrar a un cuarto pone en duda la aparente realidad que vivimos. Lo que con luz blanca muestra todo un arcoíris, con un cambio de bombilla se convierte en un panorama casi homogéneo, un cambio que parece pequeño pero que remite instantáneamente en nuestra percepción del mundo. Actualmente la obra de Eliasson deriva en una investigación más afondo de la teoría tanto de la percepción como del color, que se puede ver reflejada en el proyecto Colour experiment paintings con obras como Colour experiment no. 80 (2019) y Colour experiment no. 81 (2019).
Demostración de Olafur Eliasson con las bombillas de monofrecuencia, un muestrario de la gama de colores derivados de los primarios y una bombilla de luz blanca.
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