M i g u e l J i m é n e z
L Y G I A P A P E : L A M E N T I R A D E U N A R T E R A C I O N A L
M . I . F l o r e s N a c h ó n
V í c t o r R i v e r a
P A P A L O T E S : F
¿ A C E P T A C I Ó N O C O N F O R M I S M O ? 3 7 1 2 1 6
M . I . F l o r e s N a c h ó n
Miguel Jiménez
El concepto de simplicidad trasciende fronteras y disciplinas, es una virtud externalizada a través del arte, donde se considera esencial y se celebra en diversas culturas y movimientos filosóficos. Querido lector, en este articulo me gustaría explorar las cualidades de la simplicidad en el arte, sus orígenes en la filosofía oriental y occidental y su significado variado en diferentes contextos.
La simplicidad se refiere a cuestiones que van más allá de la estética; para muchos es una filosofía de vida. Por ejemplo, en el contexto del budismo, se relaciona con conceptos como el desapego (si obtengo lo que quiero estaré agradecido, pero si no también) la impermanencia (reconocer que todo cambia y que tenemos que aprender a aceptar estos cambios) y la búsqueda de la verdad esencial (la liberación del sufrimiento humano a través del camino de las cuatro verdades). Esta visión se ve reflejada en el arte por formas depuradas, atendiendo una economía de medios que reflejan la esencia de las cosas, eliminan lo superfluo y accesorio, lo irrelevante o extra.
En la cultura japonesa, el concepto de simplicidad se manif diversas maneras. En textos como "Simplificación de la form arte japonés" de Pilar Cabañas Moreno y "Zen and Japanese de Daisetz T. Suzuki se exploran las maneras en las que japonés es caracterizado por su elegancia y sutileza, alcanz gran parte gracias a la apreciación que tienen por la simplif Los conceptos Wabi y Yûgen son fundamentales para ent qué me refiero cuando digo que la simplicidad es parte ese esta cultura:
Que representa la belleza que puede encontrarse en la pobreza y en la carencia de bienes materiales, constantemente buscando la esencia de la belleza genuina y elimina lo ficticio.
Que enfatiza el poder de la sugerencia o su sombras y fragmentos que evocan totalidad y
Una representación clara de esto es la pintura zen, con sus brochazos simples pero enérgicos, ejemplifica el poder de la simplicidad en la pintura y nos ofrece un gran significado con limitados elementos. Otros ejemplos similares pueden encontrarse en la cerámica japonesa y en la arquitectura de la Villa Katsura, donde el uso de materiales sencillos y diseños modulares son empleados para crear armonía y vitalidad, demostrando cómo se puede obtener de la simplicidad una fuente de fuerza y de simbolismo.
Mientras que el arte de Japón se centra principalmente en la horizontalidad y movilidad del punto de vista, el arte de occidente tiende a enfocarse en el realismo y la tridimensionalidad, generalmente intenta retratar la realidad que percibe el autor en lugar de representar un ideal. Habiendo mencionado esto, también existen movimientos como el minimalismo que, en el siglo XX han resaltado la belleza que puede traer la simplicidad en occidente. Ejemplos de esto son artistas como Donald Judd y Agnes Martin que exploraron formas geométricas básicas y paletas de colores limitadas para enfatizar la pureza de la forma y la estructura.
El Zen ha influenciado al arte contemporáneo de varias maneras, tiende a ser adaptado por artistas que buscan conexiones profundas entre sus entornos y ellos mismos. Los principios explorados anteriormente sirven como un puente entre la idea del ser y la realidad que este habita, es por esto que se considera útil. La simplicidad se convierte en un vehículo para la introspección y la meditación, promoviendo una apreciación del momento presente y la belleza en lo cotidiano.
Un ejemplo de esto es la obra de Yoko Ono, hace uso de instrucciones simples y directas, invitando al espectador a participar y reflexionar, crea una experiencia personal e íntima. Su pieza "Cut Piece" (1964) funciona como un acto de simplicidad que trasciende lo material para explorar la vulnerabilidad y la interacción humana a través de acciones simples, esto también es una manera de explorar la distancia entre el ser y el ideal.
La simplicidad es relevante en el arte, pero inicia en nuestro ser, ya que de esta experiencia nace el arte. Creo que solamente cuando eliminamos lo superfluo podemos llegar a la verdad fundamental, expresándola a través de nuestros instintos creativos y plasmándola y reconociéndola en las varias formas en las que podemos crear. A través de diversas culturas y filosofías, vemos cómo la simplicidad no es una mera reducción de elementos, sino una profundización en la esencia de la belleza y la existencia. En un mundo cada vez más complejo y acelerado, la simplicidad ofrece un refugio y una guía, invitándonos a vivir de manera más consciente y significativa.
Cabañas Moreno, P. (1992). Simplificación de la forma en el arte japonés. Universidad Complutense de Madrid Suzuki, D T (1973) Zen and Japanese Culture Princeton University Press Levine, G P (2006) Zen art: Pure gesture, nationalist aesthetic, or nothing at all? In S Noma (Ed), The Cambridge History of Japan (pp 195-213) Cambridge University Press Keene, D (1981) Japanese Aesthetics Columbia University Press
M.I. Flores Nachón
En el mundo de las grandes ciencias y el entendimiento racional a partir de operaciones explicativas y desglosadas al antojo para servir en una cuchara, el arte carece de fórmula y receta perfecta para su producción y comprensión. ¿Qué es lo que veo cuando lo veo? ¿Cómo lo entiendo?
Vivimos en la inmediatez y en el gusto a pedir de boca. Lo que no es rápido nos aburre, lo que no es simplificado nos confunde. Me incluyo en la serie innumerable de personas que tiene que repetirse a sí misma un acertijo matemático más de una vez para poder resolverlo. Sin embargo, escucho la voz de grandes ingenieros el impedimento de entender una obra de arte que a mi parecer resulta sencilla. Simple de entender. Inspirada en mi amigo Jo, quién es a mi parecer un genio ingeniero que simple y sencillamente carece del entendimiento artístico, escribo este ensayo y reflexión crítica a la comprensión del arte.
¿Qué es lo que hay en el arte que resulta tan complicado de entender?
Considero que nos han maleducado al pensar que el arte está directamente relacionado con su envoltura visual. Que se trata de una producción con intención de ser mimético y un espejo de la realidad, y aunque es cierto que parte de sus muchos propósitos es ser una representación de los sistemas de pensamiento, creo que más allá de ser un reflejo, es una lupa, que nos permite acercarnos de manera especial, abriendo el panorama y magnificando la realidad para poder entenderla.
Ahora, pensándolo así, cabe mencionar que una lupa tiende a magnificar la imagen de tal forma que tiende a distorsionarla. Entender el arte, hablando de su envoltura visual muchas veces mal interpretada, termina teniendo sentido cuando se entiende la magnificación de su imagen a través de la lupa.
Bajo esta premisa, presento a Lygia Pape (1927-2004) como protagonista de mi ensayo, ejemplo de un arte que miente de ser simple, y que se sonríe a sí mismo bajo la idea de ser sencillo. A primera vista con las obras de Pape, es fácil de interpretar como una inspiración meramente matemática y geométrica. Un juego de maderas, hilos, figuras y colores que se persiguen y se unen entre sí de una forma organizada y planeada. Si bien es cierto que la presentación visual de las obras tienen su por qué, el resultado y rompimiento de los paradigmas formularios de la racionalidad es la esencia de las piezas.
Considero que nos han maleducado al pensar que el arte está directamente relacionado con su envoltura visual. Que se trata de una producción con intención de ser mimético y un espejo de la realidad, y aunque es cierto que parte de sus muchos propósitos es ser una representación de los sistemas de pensamiento, creo que más allá de ser un reflejo, es una lupa, que nos permite acercarnos de manera especial, abriendo el panorama y magnificando la realidad para poder entenderla
Ahora, pensándolo así, cabe mencionar que una lupa tiende a magnificar la imagen de tal forma que tiende a distorsionarla. Entender el arte, hablando de su envoltura visual muchas veces mal interpretada, termina teniendo sentido cuando se entiende la magnificación de su imagen a través de la lupa.
Bajo esta premisa, presento a Lygia Pape (1927-2004) como protagonista de mi ensayo, ejemplo de un arte que miente de ser simple, y que se sonríe a sí mismo bajo la idea de ser sencillo. A primera vista con las obras de Pape, es fácil de interpretar como una inspiración meramente matemática y geométrica. Un juego de maderas, hilos, figuras y colores que se persiguen y se unen entre sí de una forma organizada y planeada. Si bien es cierto que la presentación visual de las obras tienen su por qué, el resultado y rompimiento de los paradigmas formularios de la racionalidad es la esencia de las piezas.
Magnificadas a través de la lupa del entendimiento, vemos que entender la obra de Pape carece de simplicidad, y se empapa de una objetividad que se opone a las ideas de un arte subjetivo y meramente estético y visual.
Por más de cinco décadas, Pape se desarrolló como una de las más importantes artistas contemporáneas en Latino América, particularmente como mayor exponente en el movimiento Neoconcreto en el año 1959 al 1961 que fue respuesta al concretismo o arte concreto puro, entendido como la tendencia de la pintura abstracta, inspirada mayormente en Kandinsky, en la cual la pintura se liberaba de la asociación simbólica de la realidad, basándose en la idea de que los colores y las líneas eran ya concretos por sí mismos. Es así como el neo concretismo toma lugar mayormente en América Latina, especialmente en Río de Janeiro, rechazando la racionalidad del arte del concretismo y entendiéndose como una forma de concebir el mudo a partir de las formas estructurales y racionales abstractas.
El Neoconcreto en América Latina, específicamente en Brasil es una respuesta a los pensamientos tradicionales, racionales y estructuralistas que resultaron en un sistema de opresión, traducida en violencia que desembocó en el Golpe Militar de 1964 que duró hasta 1985.
De esta forma, Lygia Pape, como representante del movimiento, acusó al arte concreto de ser una relación visual-máquina, más allá de ser una relación visión-cuerpo. De esta forma, se aleja de la rigidez de la racionalidad, y se concentra en la aprehensión de los sentidos humanos, eliminando la distancia entre el espectador y la obra de arte.
“Mi interés es siempre la invención. Siempre quiero inventar un nuevo lenguaje, eso es lo que me diferencia de otros también (…) quiero descubrir nuevas cosas. Porque para mi, el arte es una forma de conocer el mundo”
-Lygia Pape
Víctor Rivera
Reacomodé los muebles para cubrir la falta de ti quité tu ropa del estante y coloqué repisas para tener ocupada la mente en la zotehuela, los vecinos ya no escucharán tu risa inquieta y nuestro perro ya no ladrará a las seis no dije nada cuando saliste y dejaste las llaves para no volver nunca ahí, sobre la mesa, al lado del frutero, donde solías recargar tu hombro y morder un mango el jugo caía sobre el mantel, pero nunca alcanzaba el suelo
entonces siempre estaba limpio porque nunca faltaba tu mano tu beata y pulcra mano, y tus dedos que caminaban como arañas sobre el bureau cuando leías y bebías tu café en la cama ese, que en el primer cajón, contenía nuestros zapatos revueltos y ahora que sólo están los míos, le sobra, como a mí, tanto espacio en el cajón de arriba ya no encontrarás nada
sólo está el libro que terminaste y que no atinaste a llevar contigo por la premura de irte de nuestra vida esa, la única que conocimos, durante cinco largos años ahora, que como un niño redescubro el mundo me aferro a lo vivido con la misma fuerza que lo suelto marchita y nace mi voluntad de buscarte y mis lágrimas, que se ahogan en sí mismas, no brotan, quedan contenidas se aferran, no obstante, a su conjugación imperecederas a través del tiempo es la prueba de que “puesto que mueren, existen” y no me avergüenzo del desorden que dejaste ni de quién soy definido por muchos como aquel que es porque no está contigo ahora que, tras tu paso, quedó sólo un cascajo de aquel que era cuando éramos los dos uno
Del náhuatl papalotl ‘mariposa’.
M. Cuba, Hond., Méx, y R. Dom 1. Cometa de papel.
Sin.: cometa, birlocha, milocha, pandero, pandorga, barrilete, chichigua, chiringa, papagayo, volantín, papalota, cachirulo.
Este pasado 17 de julio se celebraría el cumpleaños de Francisco Toledo, quien nació en 1940 en Ciudad de México, aún cuando se tiene la noción de que era nacido y crecido en Oaxaca. Oaxaqueño por adopción, es conocido por ser de los mayores artistas plásticos en México en la historia reciente, su práctica artística se dirigió a un movimiento activista para la promoción del arte mexicano, además del cuidado del medio ambiente.
"Yo, para no sentirme tan mal de ser un capitalista, de ser un hacedor de dinero, lo gasto en instituciones que se abren a los jóvenes que no tienen posibilidades de viajar para ver exposiciones o tener libros. Esto que usted ve aquí, el cine, el centro fotográfico, todo está hecho un poco para pagar culpas, por el interés que tengo por la difusión."
Este mes en Catártica, le rendimos un breve homenaje, a él y a una de sus mayores obras de la cual tornó la simplicidad de un juego de niños, en un profundo concepto de búsqueda a la revolución. La acción con papalotes tomó lugar en diciembre del 2014, cuando Toledo al lado de niños de primaria, elaboraron 43 papalotes que volarán por los cielos buscando los rostros que se plasmaron en ellos; los rostros de los 43 jóvenes normalistas que desaparecieron (aunque en este momento, en este homenaje decido tratar con delicadeza la palabra desaparición, ya que hay respuestas escondidas que aún no alcanzamos a escuchar) en septiembre del mismo año.
Toledo transformó un cometa de papel, en mariposas que volaban incansablemente, hilando a través del cordón del papalote la tradición del sur de México, en la cual el papalote alcanzaba el cielo, para estar cerca de Dios, y así los muertos poder bajar por el hilo hasta la tierra, en Día de Muertos.
Carece de simplicidad cuando los elementos se unen con papel y palos de madera, atados a un hilo que les permite volar entre grandes distancias en la profundidad del cielo. Entre palabras que parecen no tener sentido, pierdo la simplicidad del arte al dedicarle a Francisco Toledo, letras en un papel digital que le lleguen hasta el cielo. Feliz cumpleaños.
Si te interesa participar en la revista deberás tomar en cuenta los siguientes lineamientos :
1.
Todos los manuscritos u obras deberán ser enviadas al correo oficial de Catártica, con su traducción correspondiente al inglés o al español
2
Todos los trabajos recibidos serán sometidos a revisión por parte de los miembros de Catártica para su selección y publicación.
3.
Si el editor lo cree pertinente podrá realizar cambios y correcciones en la redacción y el estilo de los manuscritos.
El archivo deberá seguir el siguiente formato: 4
Microsoft Word
Tipo de letra Arial
Tamaño de letra en doce puntos
Los márgenes superior e inferior deberán ser 2.5 centímetros y 3 centímetros el izquierdo y el derecho
El interlineado deberá ser de 1.5
Las imágenes e ilustraciones deberán estar citadas en formato APA y además de enviarlas en el archivo, adjuntarlas en formato JPG, PNG o PDF
Dirección General María Inés Flores Nachón maines flores@live.com
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