Con los pies en la tierra y la cabeza en el cielo: escudriñando todos los horizontes. Fundando un arte de Oaxaca
Enrique Guillén sáenz Memorias, ficciones y extravíos 7 OAXACA Raíces aéreas. Germinaciones y desviaciones de la plástica oaxaqueña
Irreductible otro.
Museo Regional de Guanajuato Alhóndiga de Granaditas
Casianämi Re Xtogolnu.
zapoteco
OAXACA Las 16 culturas y pueblo afromexicano y sonoro de las 15 lenguas
Universidad de Guanajuato
por el agua. Cuarta Bienal Internacional de Cartel Oaxaca 2021
25 Carteles por la soberanía alimentaria ¡No a los transgénicos! Segunda Bienal Internacional de Cartel Oaxaca 2017
Fábulas
Museo Palacio de los Poderes
Museo de Arte Olga Costa-José Chávez Morado
Museo Hermenegildo Bustos
31 José Chávez Morado. El transitar de un artista 33 Hilvanando territorios. Ar te textil contemporáneo de Guanajuato 34 Gráfica rupestre. El transcurso lumínico milenario
Congreso del Estado de Guanajuato
Museo Iconográfico del Quijote
37 A flor de tinta. El imaginario colectivo en el grabado mexicano. Colección Instituto Oviedo
38 Las voces de la gráfica hoy. Exposición colectiva del Taller Caracol Púrpura
40 Ana Queral pinta El Quijote
Museo de Arte e Historia de Guanajuato
43 Omar Rodríguez-Graham. Variación no. 1
Centro de las Artes de Guanajuato
44 Jesús Gallardo. Virtuosismo en la línea
Parque Guanajuato Bicentenario
45 Magali Ávila. Jardín duatrópica
Museo Conde Rul
48 Colección ALAR de arte chino
49 Alain Gibersztein. Rostros de oriente
Museo de Arte e Historia de Guanajuato
52 Liber tad y rebeldía. Homenaje a Lourdes Grobet
53 Casi oro, casi ámbar, casi luz
55 Jorge en Joy.Historia de un amor. Joy Laville y Jorge Ibargüengoitia
Parque Guanajuato Bicentenario
56 Ana Frank. Notas de esperanza.
Foro Cultural 81
58 Dirse Tovar. Miradas de la India
M.C. ESCHER Universo Estructurado
M.C. Escher, Other World, 1947 Colección particular
[…] El título de esta exposición es Universo estructurado, donde Escher nos muestra a escala humana cómo se organiza todo a nivel planetario aquí en la Tierra, llegando incluso hasta el nivel de los insectos, predilectos en las representaciones del holandés. Creemos que su obra es una miniatura detallada y minuciosa de cómo opera todo en el universo ordenadamente.
La obra del reconocido artista gráfico, M.C. Escher, es icónica y reconocible inmediatamente. Aunque se especializó en gráfica sobre madera y litografías, sus grabados a media tinta han sido valorados también como obras maestras. Su trabajo incluye sellos postales, arreglos geométricos teselados y, más notablemente, análisis acerca de la autorreferencia, la conciencia y paradojas lógicas y de perspectiva.
Escher no podría ser considerado una rara-avis en el mundo del arte -el surrealismo, el Dadaísmo y el cubismo comparten influencias y motivos- pero ciertamente su técnica y sus representaciones matemáticas, únicas, singulares, lo colocan más allá de aquellos ismos. Sus estudios sobre animales e insectos que devienen unos en los otros, no son solo elegantes e ingeniosos arreglos geométricos, son también fascinantes muestras del trabajo de la mente al concebir la realidad desde distintas perspectivas a un mismo tiempo y sobre un plano que, de manera imposible, crea profundidad tridimensional: de igual forma como el yo se construye por reflejos, imágenes en espejo y ecos cóncavos. […]
Josemaría Moreno y Skot Foreman
M.C. Escher. Structured Universe
[…] With the title of the show is “Structured Universe”, what we are trying to postulate is that Escher shows us on a human scale how everything is organized here on Earth down to the smallest size animal recognizable to the naked eye, insects. We believe he realized that what he could depict was a microcosm of how the entire universe operates –in an orderly fashion.
The work of renowned Dutch graphic artist, M.C. Escher, is iconic and immediately recognizable. He specialized in woodcuts and lithographs, but his mezzotints have also been acknowledged as masterpieces in the medium. His work ranges from postal stamps, to tiling or tessellated geometric arrangements, and, most fascinatingly, analysis of self-reference, conscience, and paradoxes of logic and perspective.
Escher cannot be considered a rara avis in the art world –surrealism, Dadaism, and cubism can all be said to share similar influences and motives– but certainly his technique and inclination for mathematical representations, unique and influential, set him apart from these isms. His studies of animals and insects metamorphosing into each other, as mentioned before, are not only clever and elegant geometrical arrangements, they are a wonderful representation of the work of the mind as it conceives reality from different perspectives at once on a linear plane that, impossibly, creates tridimensional depth: much as the self is constructed by reflections, mirror-images, and concave echoes. […]
Con
los pies en la tierra y la cabeza en el cielo:escudriñando todos
los horizontes Fundando un arte de Oaxaca
La muestra es una revisión que conjuga obra de los grandes maestros del arte de Oaxaca provenientes de diversas colecciones estatales y privadas, entre ellas, el Museo de los Pintores Oaxaqueños (MUPO), el Museo de Arte contemporáneo y de las culturas oaxaqueñas (MACCO) y la colección del Taller de gráfica Fernando Sandoval. Desde un ímpetu moderno que se empezó a gestar en los años 70´s los artistas de Oaxaca imaginaron y gestaron un arte que a la par de dialogar universalmente conecta con nociones, temas, mitos, historias e imaginarios populares y tradicionales del estado. Con ello forjaron una identidad que dio visibilidad y diferenció a la producción artística de Oaxaca del resto de México; posibilitando una explosión creativa desde el sur del país. Tal como lo dijo el maestro Rufino Tamayo en los años sesenta: Tener los pies firmes, hundidos, si es preciso, en el terruño; pero tener también los ojos y los oídos y la mente bien abiertos, escudriñando todos los horizontes es, en mi opinión, la actitud correcta. Recoger y aprovechar sin temor la experiencia de todas partes y, a la vez, enriquecerla con el aporte local, es la única manera de lograr que nuestro mensaje tenga un alcance universal.
Hampshire
With Feet on the Ground and Head in the Sky: Scanning All Horizons Founding an Art of Oaxaca
This exhibition is a retrospective that gathers works from the great masters of Oaxacan art, sourced from various state and private collections, including the Museo de los Pintores Oaxaqueños (MUPO), the Museo de Arte Contemporáneo y de las Culturas Oaxaqueñas (MACCO), and the Fernando Sandoval Printmaking Workshop collection. Oaxacan artists, driven by a modern impulse that began to take shape in the 1970s, imagined and developed an art that, while engaging in universal dialogue, also connects with the notions, themes, myths, histories, and popular traditions of the state. In doing so, they forged an identity that gave visibility to and distinguished Oaxaca’s artistic production from the rest of Mexico, sparking a creative explosion in the country’s southern region. As master Rufino Tamayo remarked in the 1960s: “To have one’s feet firmly planted, even sunk if necessary, in the homeland, but also to have eyes, ears, and mind wide open, scanning all horizons, is, in my opinion, the correct attitude. To gather and utilize experience from all parts without fear, and simultaneously enrich it with local contributions, is the only way to ensure our message has universal reach.”
Luis
Rodolfo Nieto, Sin título, s.f. Colección Museo de Arte Contemporáneo y de las Culturas Oaxaqueñas MUSEO CASA DIEGO RIVERA
Enrique Guillén Sáenz
Memorias, ficciones y extravíos
La obra del maestro Enrique Guillén Sáenz es la manifestación de un acto de conciencia que nos impulsa a reflexionar sobre lo que acontece en un mundo desprovisto de contención; un mundo en el que se desploman las estructuras que sostienen, con cierta fragilidad, los escenarios que habitan seres invisibles, sin rostro, que cargan una esperanza que se resisten a abandonar.
Los migrantes, esas figuras anónimas que dejan sus raíces con desánimo y una obligada cuota de dolor, se van incorporando de manera creciente a un conflicto que sucumbe ante lo inevitable: el abandono. Con una imponente fuerza expresionista y un manejo notable de la técnica, Enrique Guillén nos confronta a través de una realidad delirante, en complicidad con el extravío de sus personajes. Con el predominio de los grises y el trazo suelto, el resto de los colores van apareciendo de manera circunstancial y magistral, propiciando atmósferas con personajes que flotan, casi fantasmales, como emergiendo de una realidad ficticia y sombría. Algunos, como salidos de una narrativa literaria, van existiendo de manera desolada, provistos de una ficción que emana de una realidad aplastante. En las obras, las figuras definidas permiten la lectura franca, como relatando un texto encontrado en el recuerdo, mientras que las figuras que se entrelazan en su indefinición, sucumben en el caos extraviado de su propia ficción. […]
Arturo Joel Padilla Córdova
Enrique Guillén Sáenz. Memories, Fictions, and Wanderings
The work of master Enrique Guillén Sáenz is a deliberate act, compelling us to reflect on what unfolds in a world without restraint—a world where fragile structures collapse, leaving invisible, faceless beings clinging to a hope they refuse to abandon.
Migrants, those anonymous figures who leave their roots with dismay and an inevitable dose of pain, find themselves increasingly entangled in a conflict that leads to abandonment. With an imposing expressionist force and remarkable technical skill, Enrique Guillén confronts us with a delirious reality, sharing in the disorientation of his characters. Dominated by grays and loose strokes, other colors appear circumstantially and masterfully, creating atmospheres where characters float, almost ghostly, emerging from a fictitious, somber reality. Some figures, as if drawn from a literary narrative, exist in a desolate manner, infused with a fiction born of crushing reality. In his works, clearly defined figures allow for a straightforward interpretation, as if narrating a text drawn from memory. Meanwhile, those that intertwine in their indefiniteness succumb to the lost chaos of their own fiction. […]
Enrique Guillén Sáenz Breve historia de América Latina, 2024 Colección del artista MUSEO CASA DIEGO RIVERA
OAXACA
Raíces aéreas
Germinaciones y desviaciones
de la plástica oaxaqueña
Siegrid wiese, La joya, 2024 Colección de la artista
MUSEO DEL PUEBLO DE GUANAJUATO
Raíces aéreas es un concepto que se refiere a la idea de que las plantas no necesitan tener sus raíces en la tierra, sino que pueden crecer aparte. Es la capacidad de encontrar apoyo y sustento de manera autosuficiente.
En un texto escrito en los años ochenta, el gran escritor italiano, Ítalo Calvino refiriéndose a su encuentro con el gran árbol del tule en Oaxaca escribió:
Es un monstruo que crece y se diría sin plan alguno. El tronco es uno y múltiple, como envuelto en las columnas de otros troncos menores que surgen adosados al mastodóntico fuste central o se separan de él casi como si quisieran hacerse pasar por raíces aéreas que hubiesen caído desde lo alto de las ramas como ancla para encontrar la tierra, cuando en realidad son proliferaciones de las raíces terrestres que crecen hacia arriba. El tronco parece unificar en su perímetro actual una larga historia de incertidumbres, germinaciones, desviaciones como esquifes que no logran hacerse a la mar.
Parece que esta descripción de un fenómeno biológico, topológico y turístico de Oaxaca, describe de manera precisa las maneras en que la escena de la plástica en Oaxaca ha proliferado y conjugado una serie de topos y tropos desde donde se puede entender eso que se llama “arte oaxaqueño”. […]
Luis Hampshire
Aerial Roots: Germinations and Deviations in Oaxacan Art
The concept of “Aerial Roots” suggests that plants can grow independently without needing their roots in the ground, symbolizing the ability to find support and sustenance in a self-sufficient manner.
In the 1980s, the great Italian writer Italo Calvino, reflecting on his encounter with the great Tule tree in Oaxaca, wrote:
“It is a monster that grows, seemingly without any plan. The trunk is one and many, as if wrapped in columns of smaller trunks that emerge attached to the mastodonic central shaft or separate from it almost as if they wanted to pass themselves off as aerial roots that had fallen from the high branches like anchors to find the earth, when in reality they are proliferations of terrestrial roots growing upwards. The trunk seems to unify in its current perimeter a long history of uncertainties, germinations, deviations like skiffs that fail to set sail.”
This description of a biological, topological, and touristic phenomenon in Oaxaca mirrors the ways in which the art scene in Oaxaca has proliferated. It combines a series of topoi and tropes that help define what is recognized today as “Oaxacan art.” […]
OAXACA
Irreductible otro. Acoplamientos del arte contemporáneo en
Oaxaca
Guadalupe Salgado, Opción para abrir una puerta, 2023 Colección de la artista
MUSEO DEL PUEBLO DE GUANAJUATO
Oaxaca es un territorio cuya energía creativa desafía las fronteras de la identidad y la cultura en México. Esta región, hogar de 16 grupos étnicos y el pueblo afro-mexicano, es una estructura social, mental y cultural de tradiciones y prácticas artísticas que se entrelazan de forma vibrante en acoplamientos e híbridos de técnicas tradicionales con materiales modernos, ordinarios y que utilizan el arte como herramienta de activismo poético, social y político en un sentido ambiguo y concreto. Esta exposición, es una invitación para relacionarse con una serie de otredades que conforman el mundo del arte contemporáneo de Oaxaca, donde la diversidad se celebra y la complejidad se abraza. Los artistas nos muestran que la identidad no es algo fijo, sino un flujo constante de influencias y tradiciones que se acoplan y en donde la irreductibilidad del otro se convierte en una celebración de la diferencia, en donde los acoplamientos generan una rica diversidad de expresiones artísticas que reflejan la complejidad y riqueza cultural de Oaxaca, y permiten la reinvención de tradiciones y prácticas artísticas, la creación de nuevas formas de expresión y lenguajes artísticos, la reflexión crítica sobre la identidad, la cultura y la sociedad y la construcción de puentes entre diferentes comunidades y mundos, pensando que siempre todo es un otro que soy yo.
Luis Hampshire
Irreducible Other: Couplings of Contemporary Art in Oaxaca
Oaxaca is a region whose creative energy challenges the boundaries of identity and culture in Mexico. Home to 16 ethnic groups and the Afro-Mexican community, it is a social, mental, and cultural structure where traditions and artistic practices intertwine vibrantly. Here, traditional techniques merge with modern, everyday materials, using art as a tool for poetic, social, and political activism in both ambiguous and concrete ways.
This exhibition invites us to engage with the various forms of otherness that shape contemporary art in Oaxaca. In this context, diversity is celebrated, and complexity is embraced. The artists demonstrate that identity is not fixed but a continuous flow of influences and traditions that interweave, where the irreducibility of the other becomes a celebration of difference. These couplings generate a rich diversity of artistic expressions that reflect Oaxaca’s cultural complexity and richness. They allow for the reinvention of traditions and artistic practices, the creation of new forms of expression and artistic languages, and critical reflection on identity, culture, and society. In doing so, they build bridges between different communities and worlds, acknowledging that everything is always an “other” that is also “me.”
La hora gris. Interacciones y transformación de la imagen en Oaxaca
Claudia López Terroso, Bajo los párpados, 2016 Colección de la artista
MUSEO DEL PUEBLO DE GUANAJUATO
La hora gris. Interacciones y transformación de la imagen en Oaxaca es una reflexión sobre la naturaleza de la imagen y su capacidad para transformar (y transformarse) la percepción de la realidad. A través de esta muestra, los visitantes pueden explorar el poder de la fotografía como un medio que no solo captura momentos, historias y memorias, sino que los reinterpreta y los transfigura, creando formas distintas de ver y entender el mundo.
Tomando como base el contexto de Oaxaca, esta muestra se plantea como un espacio donde la realidad y la percepción se encuentran en un punto medio, una hora gris donde los límites entre lo que vemos y lo que interpretamos se difuminan para plantear mundos alternos, revelando una realidad que a menudo pasa desapercibida. Este proceso de transformación es clave en la exposición, ya que subraya cómo la imagen no es solo un reflejo de la realidad, sino una construcción que depende de la perspectiva y la experiencia individual.
Luis Hampshire
The Gray Hour: Interactions and Transformation of the Image in Oaxaca
The Gray Hour: Interactions and Transformation of the Image in Oaxaca reflects on the nature of the image and its ability to transform—and be transformed by—our perception of reality. This exhibition invites visitors to explore photography as a medium that not only captures moments, stories, and memories but also reinterprets and transfigures them, offering new ways of seeing and understanding the world.
Set against the backdrop of Oaxaca, the exhibition serves as a space where reality and perception converge—a gray hour where the lines between what we see and what we interpret blur, suggesting alternate realities and uncovering aspects of the world often overlooked. This transformation process is central to the exhibition, highlighting how images are not merely reflections of reality but constructions shaped by individual perspectives and experiences.
Tumbas arqueológicas de Oaxaca
Máscara que representa al dios Xipe-Tótec, tumba de Monte Albán, 1200 - 1521 d.c.
Acervo del Instituto Nacional de Antropología e Historia Foto: José Ignacio González Manterola, 2001 MUSEO REGIONAL DE GUANAJUATO ALHÓNDIGA DE GRANADITAS
El recorrido por la exposición arqueológica busca presentar, las prácticas culturales que rodean el tratamiento funerario de la cultura zapoteca, principalmente del Valle de Oaxaca. Se podrá observar por medio de fotos actuales e históricas la tumba 7 de Monte Albán, la tumba 5 del Cerro de la Campana, la tumba 3 de Atzompa, la tumba de Zaachila, la tumba de Xaagá y las tumbas de Mitla, así como la representación arquitectónica de la tumba 104 de Monte Albán. La organización social de los zapotecos refleja en la cultura material observada en los registros arqueológicos, ha sido utilizada para entender los contextos funerarios en Oaxaca. La arqueología funeraria en el valle de Oaxaca está documentada desde el periodo formativo medio hasta el post clásico.
Las tumbas oaxaqueñas han tenido una fuerte presencia y relevancia a nivel mundial, principalmente por el descubrimiento de la tumba 7 de Monte Albán por el arqueólogo Alfonso Caso, considerada el contexto funerario con la ofrenda más sorprendente en todo el suroeste de Mesoamérica, dejando al descubierto la manifestación física del poder económico y político de un linaje que nos antecedió.
Secretaría de las Culturas y Artes Gobierno del estado de Oaxaca
Archaeological Tombs of Oaxaca
This archaeological exhibition presents the cultural practices surrounding funerary treatments in the Zapotec culture, primarily from the Oaxaca Valley. Visitors can explore current and historical photographs of notable tombs, including Tomb 7 from Monte Albán, Tomb 5 from Cerro de la Campana, Tomb 3 from Atzompa, as well as tombs from Zaachila, Xaagá, and Mitla. The exhibition also features an architectural representation of Tomb 104 from Monte Albán. The social organization of the Zapotecs, as reflected in material culture observed in archaeological records, has been instrumental in understanding the funerary contexts of Oaxaca. Funerary archaeology in the Oaxaca Valley is documented from the Middle Formative period to the Postclassic period.
Oaxacan tombs have garnered significant global attention, primarily due to the discovery of Tomb 7 at Monte Albán by archaeologist Alfonso Caso, which is considered the most remarkable funerary offering in all of southwestern Mesoamerica. This discovery revealed the physical manifestation of the economic and political power of a lineage that predates us.
Casianämi Re Xtogolnu
Yuxchan Togool, El Cuarto del Altar de los Muertos) Don Gildardo Colección del artista Foto: Uriel Sánchez Sosa, 2020.
MUSEO REGIONAL DE GUANAJUATO ALHÓNDIGA DE GRANADITAS
Casianämi Re Xtogolnu, en la lengua Dixza, que podría traducirse como “caminando con nuestros difuntos” expresa la convicción de la realidad de los antepasados de los pueblos zapotecos de Oaxaca, para los Beniza, la gente de las nubes, la presencia de los antepasados nos mueve a ofrendar, danzar, compartir los alimentos, bebidas y festejar los lazos con nuestra gente en la tierra dónde enterramos nuestro ombligo al nacer, y donde es una bendición morir para permanecer con los nuestros. Los Ben Gulaal, los ancestros, nos dan pertenencia a la tierra y al entorno en el cual habitamos. El altar tiene su origen desde los cuartos prehispánicos en las casas zapotecas dedicados a los ritos religiosos, Yu Dxan. Lo que antes era una plataforma de piedra a unos extremos de dicho cuarto ahora es la peana, una mesa normalmente de piedra o concreto, con un espacio debajo dónde se guardan las semillas de cultivo de cada año. Enriquecidos con la fervorosa tradición cristiana católica los altares comenzaron a ser consagrados con imágenes de santos en bulto, esculturas o cuadros que cubren la peana y la pared arriba de ella. […]
Uriel Sánchez Sosa
Casianämi Re Xtogolnu: Traditional Zapotec Altar
Casianämi Re Xtogolnu, in the Dixza language, translates to “walking with our deceased,” reflecting the deep belief in the presence of ancestors among the Zapotec peoples of Oaxaca. For the Beniza, or people of the clouds, the presence of ancestors compels them to offer, dance, share food and drink, and celebrate the bonds with their community on the land where they buried their umbilical cord at birth—a place where it is a blessing to die and remain with their own. The Ben Gulaal, the ancestors, grant belonging to the land and the environment in which they live.
The altar’s origins trace back to pre-Hispanic rooms in Zapotec homes dedicated to religious rites, known as Yu Dxan. Originally a stone platform at one end of the room, it has evolved into the peana, a table usually made of stone or concrete, with a space underneath for storing seeds for each year’s crops. Enriched by Catholic tradition, these altars began to feature images of saints, either in statues or paintings, that cover the peana and the wall above it. […]
Las 16
culturas y pueblo afromexicano y sonoro de las 15 lenguas
Jarabe Mixteco, Huajapan de León, región Mixteca, 2023
Acervo del Gobierno del Estado de Oaxaca Foto: Erick Ramírez Miguel, 2023.
MUSEO REGIONAL DE GUANAJUATO ALHÓNDIGA DE GRANADITAS
Para mostrar la diversidad cultural y lingüística del Estado de Oaxaca, la Secretaría de las Culturas y Artes ofrece esta exposición que consta de elementos fotográficos, textiles, archivos sonoros y visuales, que tienen el objetivo de mostrar la vida comunitaria al interior de las Ocho Regiones del Estado.
Oaxaqueñas y oaxaqueños mixtecos, zapotecos, triquis, mixes, chatinos, chinantecos, huaves, mazatecos, amuzgos, nahuas, zoques, chontales, cuicatecos, ixcatecos, chocholtecos, tacuates y afromexicanos, con orgullo por su herencia, son las y los portadores del legado cultural tangible e intangible que constituye su “cultura viva”; parte de ella se exhibe en esta muestra.
Secretaría de las Culturas y Artes Gobierno del Estado de Oaxaca
The 16 Cultures and Afro-Mexican People: A Sound and Visual Tribute to 15 Languages
To showcase the cultural and linguistic diversity of the State of Oaxaca, the Secretaría de las Culturas y Artes presents this exhibition featuring photographs, textiles, and sound and visual archives. The exhibition aims to display the community life within the eight regions of the state.
The people of Oaxaca—Mixtecs, Zapotecs, Triquis, Mixes, Chatinos, Chinantecs, Huaves, Mazatecs, Amuzgos, Nahuas, Zoques, Chontales, Cuicatecs, Ixcatecs, Chocholtecs, Tacuates, and Afro-Mexicans—proudly carry the tangible and intangible cultural legacy that constitutes their “living culture,” a portion of which is displayed in this exhibition.
Informe para una academia Franz Kafka
Francisco Toledo, Sin título, s.f. Acervo Toledo INBAL, Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca UNIVERSIDAD
DE GUANAJUATO
Durante mucho tiempo, Francisco Toledo estuvo leyendo a Franz Kafka como un acto cotidiano. El escritor checo provocaba en el pintor oaxaqueño el deseo de tomar el lápiz y el pincel y crear un mundo paralelo. Quizá le interesaba por su sencillez o su capacidad para entender lo extraordinario que hay en lo cotidiano, o porque Kafka supo descubrir lo absurdo de las circunstancias humanas como ningún escritor del siglo XX.
En el caso de “El informe para una academia”, Toledo realizó más de una docena de grabados que muestran el viaje del mono al del hombre. En esta odisea moderna, la inocencia, la vida salvaje, la explotación de la naturaleza, la relación del entorno y la pérdida de un origen dan paso a una de las fábulas más interesantes de Franz Kafka, ilustrada por la extraordinaria mano del pintor oaxaqueño.
Guillermo Santos
Report to an Academy: Franz Kafka
For a long time, Francisco Toledo made reading Franz Kafka a part of his daily routine. The Czech writer inspired the Oaxacan painter to pick up his pencil and brush to create a parallel world. Kafka’s appeal perhaps lay in his simplicity, his ability to find the extraordinary in the everyday, and his unmatched insight into the absurdity of human circumstances in the 20th century.
In the case of “A Report to an Academy,” Toledo produced over a dozen engravings depicting the monkey’s journey to becoming a man. This modern odyssey captures themes of innocence, wild life, exploitation of nature, the relationship with the environment, and the loss of origins, all culminating in one of Kafka’s most intriguing fables, brought to life by the extraordinary hand of the Oaxacan painter.
18 Carteles Francisco Toledo
Francisco Toledo, Sembrador, 2014 Colección Toledo
UNIVERSIDAD DE GUANAJUATO
A lo largo de su vida el artista Francisco Toledo encabezó movimientos sociales enfocados en la protección del patrimonio, la defensa del maíz, el cuidado del agua y el fortalecimiento de las lenguas originarias, entre otras causas; el cartel fue el medio que exploró para comunicar diversos mensajes y llegar a más personas.
Su interés para difundir las distintas causas hizo que generará carteles con un estilo particular, lo mismo recurrió a la composición fotográfica, la pintura y el collage. En la exposición se ve su inquietud por generar materiales y comunicar mensajes de una manera ocurrente y llamativa.
Hazam Jara, Director del IAGO y diseñador que trabajó de cerca con el artista, mencionó que “era interesante ver cómo el maestro Toledo recurrió a distintos medios para expresar sus ideas, el cartel fue la herramienta que utilizó para transmitir mensajes de las distintas campañas que emprendía, un día podía ser el tema los libros, otro el maíz, las lenguas originarias o exigir justicia, siempre con mensajes contundentes y con una propuesta estética única”.
Regina Mejía
Posters: Francisco Toledo
Throughout his life, artist Francisco Toledo led social movements aimed at protecting cultural heritage, defending maize, safeguarding water, and strengthening indigenous languages, among other causes. The poster became his chosen medium to communicate these messages and reach a broader audience.
Toledo’s passion for these causes inspired him to create posters with a distinctive style, blending photographic composition, painting, and collage. This exhibition reflects his commitment to generating materials and conveying messages in a clever and impactful manner.
Hazam Jara, Director of IAGO and a designer who worked closely with Toledo, remarked, “It was fascinating to see how Maestro Toledo turned to different media to express his ideas. The poster was his tool for various campaigns—one day about books, another about maize, indigenous languages, or demanding justice—always with powerful messages and a unique aesthetic.”
Procesos Francisco Toledo
Francisco Toledo Muerte saltando con tortuga, s.f. Colección Toledo
UNIVERSIDAD DE GUANAJUATO
Dos de los impresores del artista Francisco Toledo, dialogan en torno al proceso creativo del grabador oaxaqueño. El Taller Sangfer fue el espacio donde el fundador del IAGO, trabajó durante los últimos veinte años de vida.
Fernando Sandoval: Los papeles que podemos ver en la exposición se llaman prueba de estado, y consiste en sacar una prueba, para ver “cómo va” el grabado, para ver “en qué capítulo vamos”, el primer capítulo es siempre la primera estampa de lo que está sucediendo y después de eso que más le iba a poner o si ya estaba lista. Les puedo decir que en los años que estuvo trabajando aquí Toledo, hubo solo dos o tres grabados que a la primera quedaron, porque no necesitaban más, entonces ahí sí nos quedamos sin pruebas de estado. Creo que fueron unas puntas secas o un azúcar. Pero siempre trabajar con Toledo era hacerlo con varias placas a la vez, ya sea en blanco y negro o en color, y sacando muchas, muchas pruebas de estado.
Había ocasiones que la placa se guardaba y pasaba el tiempo y regresaba porque la pedía y era cuando comenzábamos otra vez el proceso, trabajando siempre él, y nosotros ayudando como técnicos. Nosotros apoyando, ya sea en el ácido o a veces compartiendo algún consejo sobre la impresión. […]
Francisco Toledo A.C.
Processes: Francisco Toledo
Two printers who collaborated with artist Francisco Toledo discuss his creative process as a printmaker. The Sangfer Workshop was where the founder of IAGO spent the last twenty years of his life perfecting his craft.
Fernando Sandoval: The papers you see in the exhibition are called proof states. These involve pulling a proof to check “how the print is progressing,” to see “what chapter we’re in.” The first chapter is always the initial print, showing what’s happening, and then we would decide if more needed to be added or if it was finished. In all the years Toledo worked here, there were only two or three prints that were perfect on the first try and needed no further work, so we didn’t have proof states for those. I think they were some drypoints or sugar-lifts. But working with Toledo typically meant working with several plates at once, whether in black and white or color, producing many, many proof states. There were times when the plate would be set aside, only to be revisited later. That’s when we would restart the process, with Toledo always working and us assisting as technicians—whether with the acid or by offering advice on the printing process. […]
Francisco Toledo y la fotografía
Graciela Iturbide, Nuestra señora de las iguanas, 1979 Colección Toledo del Centro Fotográfico Manuel Álvarez Bravo
UNIVERSIDAD DE GUANAJUATO
Francisco Toledo fue un hombre consciente de los poderes de su imaginación, pero también un observador atento a los destellos de las fantasías de otros artistas, entre quienes destaca Manuel Álvarez Bravo, cuya obra despertó en el Toledo adolescente la posibilidad de mirar e imaginar el mundo a través de la luz capturada por una cámara fotográfica.
Lu’ Biaani es una combinación de palabras zapotecas que significa en español “ojo de luz”. Esta es la idea que sustenta Lu’ Biaani: Francisco Toledo y la fotografía, una exposición que presenta al público en el Festival Cervantino un panorama de la relación del artista con este tipo de imágenes, a través de algunas de las series que realizó, además de piezas de la Colección Toledo del Centro Fotográfico Manuel Álvarez Bravo, y obras de algunos autores que se formaron en los talleres y seminarios de dicho lugar, así como en el Centro de las Artes de San Agustín, ambos espacios fundados y apoyados por el Maestro Toledo, donde tiene lugar la transferencia de la misma etérea experiencia que le hizo imaginar el mundo a través del “ojo de luz” de la cámara.
La fotografía fue, para Francisco Toledo, un modo de asumir el poder del medio para construir imágenes e imaginarios, ligados a su condición moderna, documental y artística. […]
Alejandro Castellanos
Lu’ Biaani: Francisco Toledo and Photography
Francisco Toledo was deeply aware of his imaginative powers and a keen observer of creative sparks in other artists, notably Manuel Álvarez Bravo, whose work inspired the young Toledo to see and imagine the world through the light captured by a camera.
Lu’ Biaani combines Zapotec words meaning “eye of light.” This concept forms the foundation of Lu’ Biaani: Francisco Toledo and Photography, an exhibition at the Cervantino Festival that explores Toledo’s relationship with photography. The exhibition includes a series created by Toledo, pieces from the Toledo Collection of the Manuel Álvarez Bravo Photographic Center, and works by artists trained in the workshops and seminars of that center and the Centro de las Artes de San Agustín. Both spaces were founded and supported by Maestro Toledo, where the same ethereal experience that led him to imagine the world through the “eye of light” of the camera is passed on.
For Francisco Toledo, photography was a medium through which he could construct images and imaginaries, connecting to its modern, documentary, and artistic nature. […]
Mujeres y artes gráficas en la Colección Toledo
KÄthe Kollwitz, Autorretrato frente a la mesa (Selbstbildnis am tisch), 1893 Colección Toledo - INBAL
A través de una exploración continua, volver la mirada hacia las obras que conforman su acervo, y promover el diálogo entre las mismas, la Colección Toledo presenta Mujeres y artes gráficas en la Colección Toledo, que se enmarca dentro de la edición 52 del Festival Internacional Cervantino.
Esta colección, tiene su morada en Oaxaca de Juárez, Oaxaca, y fue fundada en la década de los setenta por el artista oaxaqueño Francisco Toledo (1940-2019), y se ha posicionado como una de las colecciones especializadas en artes gráficas más importantes en Latinoamérica, albergando obra de diferentes artistas, temporalidades, técnicas, estilos y movimientos.
Mujeres y artes gráficas en la Colección Toledo, es una muestra que se enfoca en presentar obras realizadas por mujeres artistas nacionales e internacionales, que han experimentado y/o desarrollado un vínculo con las artes gráficas en sus trayectorias, y que han encontrado en sus diferentes técnicas un medio de manifestación creativa, emotiva, innovadora y revolucionaria.
Se retoman obras de artistas como Käthe Kollwitz, Celia Calderón, Olga Costa, María Luisa Martín, Andrea Gómez, Lena Bergner, Fanny Rabel, Mariana Yampolsky, Remedios Varo, Sonia Delaunay, Leonora Carrington, Graciela Iturbide, Bona de Mandiargues, Paula Rego, entre otras, quienes experimentaron con las posibilidades técnicas de la gráfica y la integraron a su producción. […]
Ariel Miranda
Women and Graphic Arts in the Toledo Collection
Through ongoing exploration and dialogue, the Toledo Collection presents Women and Graphic Arts in the Toledo Collection as part of the 52nd edition of the International Cervantino Festival.
Founded in the 1970s by Oaxacan artist Francisco Toledo (1940-2019) and located in Oaxaca de Juárez, this collection has become one of the most significant in Latin America, specializing in graphic arts and housing works by artists across different eras, techniques, styles, and movements.
Women and Graphic Arts in the Toledo Collection focuses on works created by national and international women artists who have explored or developed a deep connection to graphic arts throughout their careers. These artists have used various techniques as mediums for creative, emotional, innovative, and revolutionary expression.
The exhibition features works by artists such as Käthe Kollwitz, Celia Calderón, Olga Costa, María Luisa Martín, Andrea Gómez, Lena Bergner, Fanny Rabel, Mariana Yampolsky, Remedios Varo, Sonia Delaunay, Leonora Carrington, Graciela Iturbide, Bona de Mandiargues, Paula Rego, and others who have experimented with the technical possibilities of printmaking and integrated it into their artistic practice. […]
UNIVERSIDAD DE GUANAJUATO
Carteles por el agua.
Cuarta Bienal Internacional de Cartel Oaxaca 2021
Elmer Sosa, Water Primer Lugar, 2020 Colección Toledo
UNIVERSIDAD DE GUANAJUATO
El Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca (IAGO) y la Asociación Civil Amigos del IAGO y del CFMAB, presentan los resultados de la Cuarta Bienal Internacional de Cartel Oaxaca. Esta Bienal fue instaurada por el artista Francisco Toledo en 2014, a partir de la desaparición de 43 estudiantes en Ayotzinapa. Al cierre de esta cuarta convocatoria de la Bienal Internacional de Cartel Oaxaca, se registraron un total de 240 participantes, con una participación total de más de 400 carteles. […]
Esta muestra cuenta con la participaron de Elmer Sosa (México), María Carolina Espinoza Zepeda (México), Emmanuel Tanús (México), Pavel Pisklakov (Rusia), Eduardo Davit (Uruguay), Omar Alonso García Martínez (Colombia), Ivan Ciro Palomino (Perú), Jonathan López García (México), Arantza Jimena Morales Medina (México), Obed Meza Romero (México), Olivia rojo Becerra (México), Jorge Torres Tetecatl (México), Marco Polo Ayala Sanabia (México), Pamela González (México), Roberto Lezama Espadas (México), Alberto Aguilar Cortés (México), Alejandra Carreón Martínez (México), Manuel Barrón Sigüenza (México), Dayana Eliosa (México), Diego Morán (México), Oscar Aslam Carbajal (México), Ángel Atl Meritano (México), Iván Beltrán (México), Luis Antonio Rivera (México), Mario Estévez (México), Paco Gálvez (México), Luis Cabrera Cruz (México), Cesar Levi Hernández Osorio (México), Adrián Santiago (México), Jorge Gamboa (México), Alejandra Jiménez Rafael (México), Alejandra Carreón Martínez (México), Óscar Daniel Gómez Sánchez (México), Víctor Manuel Martínez Aguirre (México).
Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca
Posters for Water: Fourth International Poster Biennial Oaxaca 2021
The Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca (IAGO) and the Asociación Civil Amigos del IAGO y del CFMAB present the results of the Fourth International Poster Biennial Oaxaca. This Biennial, established by artist Francisco Toledo in 2014 following the disappearance of 43 students in Ayotzinapa, has grown significantly. For the fourth edition, 240 participants registered, submitting over 400 posters.
This exhibition showcases contributions from artists such as Elmer Sosa, María Carolina Espinoza Zepeda, Emmanuel Tanús, Pavel Pisklakov, Eduardo Davit, Omar Alonso García Martínez, Ivan Ciro Palomino, Jonathan López García, Arantza Jimena Morales Medina, Obed Meza Romero, Olivia Rojo Becerra, Jorge Torres Tetecatl, Marco Polo Ayala Sanabia, Pamela González, Roberto Lezama Espadas, Alberto Aguilar Cortés, Alejandra Carreón Martínez, Manuel Barrón Sigüenza, Dayana Eliosa, Diego Morán, Oscar Aslam Carbajal, Ángel Atl Meritano, Iván Beltrán, Luis Antonio Rivera, Mario Estévez, Paco Gálvez, Luis Cabrera Cruz, Cesar Levi Hernández Osorio, Adrián Santiago, Jorge Gamboa, Alejandra Jiménez Rafael, Óscar Daniel Gómez Sánchez, and Víctor Manuel Martínez Aguirre.
Segunda Bienal Internacional de Cartel Oaxaca 2017
Roberto Antonio salazar Aguiñaga Tierra y maíz de quien los rabaja, 2016 Colección Toledo
UNIVERSIDAD DE GUANAJUATO
Los organizadores de la segunda Bienal Internacional de Cartel Oaxaca eligieron como tema central de su convocatoria la lucha contra el maíz transgénico; una lucha que se ha ido librando desde hace años por parte de intelectuales, biólogos, campesinos, organizaciones sociales y la sociedad civil.
La idea de una posible suplantación de la planta nativa, ayudada en parte por empresas trasnacionales y en parte debido a la permisión de los gobiernos que, dicho sea de paso, hace años abandonaron entre muchos otros el campo mexicano, se configura como uno de los mitos del nuevo milenio. Un mito apocalíptico que no se llega a cumplir del todo pero que nos parece de una inminencia espantosa.
Estamos en una época de extinciones; junto a ciertas plantas y animales, idiomas y ecosistemas que se pierden para siempre, están las semillas que dan rostro a las civilizaciones, entre ellas el maíz. A lado de estas extinciones proliferan, a su vez, numerosas imágenes. La estética de la abeja, con sus hexágonos y su colectividad, es un ejemplo de la situación, pues pareciera que junto con la pérdida de un elemento del mundo, el inconsciente humano, sintiéndose culpable, tendiera a crear puentes entre un recuerdo idealizado y aquello que hemos desgastado. […]
Guillermo Santos
Posters for Food Sovereignty: Second International Poster Biennial Oaxaca 2016
The Second International Poster Biennial Oaxaca centered on the fight against genetically modified corn—a struggle that has been championed for years by intellectuals, biologists, farmers, social organizations, and civil society.
The potential replacement of native corn, driven by transnational corporations and government policies that abandoned the Mexican countryside long ago, stands as one of the myths of the new millennium. This apocalyptic myth, though not yet fully realized, looms terrifyingly close.
We live in an age of extinctions—where plants, animals, languages, ecosystems, and even the seeds that shape civilizations, like corn, face irreversible loss. Alongside these extinctions, countless images proliferate. The bee, with its hexagons and collective nature, symbolizes this crisis, reflecting how, as elements of the world disappear, the human unconscious, burdened with guilt, seeks to build bridges between an idealized memory and what we have destroyed. […]
27 Fábulas de Esopo
Francisco Toledo
Francisco Toledo, Esopo, 2013 Colección Toledo
UNIVERSIDAD DE GUANAJUATO
A Francisco Toledo le interesaba la fábula como fuente de una sabiduría elemental. ¿Cómo transformar las líneas de un mítico narrador cuyo nombre creemos que es el de Esopo? El Maestro encontró en la gráfica el medio ideal para ilustrar las parábolas e historias repletas de animales que están en la escritura de Esopo. El león herido por la espina, la garza y el zorro, el asno impostor y otros relatos breves, nos muestran metáforas de la vanidad, la astucia o la voluntad de un modo bello y simple. Francisco Toledo creó un auténtico bestiario visual para poder recrear las fábulas de Esopo; en su mirada adquieren atemporalidad, como si esas imágenes hubiesen estado siempre ahí, en la conciencia colectiva.
Guillermo Santos
Aesop’s Fables: Francisco Toledo
Francisco Toledo had a deep interest in fables as sources of elemental wisdom. How could one transform the lines of a mythical storyteller, whose name we believe to be Aesop? Toledo found in printmaking the ideal medium to illustrate the parables and animal-filled stories within Aesop’s writings. The lion wounded by a thorn, the heron and the fox, the impostor donkey, and other short tales offer metaphors of vanity, cunning, and willpower in a beautifully simple way.
Toledo created an authentic visual bestiary to bring Aesop’s fables to life. Through his vision, these timeless tales acquire a new dimension, as if the images he crafted have always existed within our collective consciousness.
Sonidos de la carne Fotografías de Ricardo Beliel
Torrenciales a la manera de un accidente meteorológico, las fotografías del artista brasileño Ricardo Beliel testimonian, con una mirada que se hunde en las entrañas, los cuerpos y las temperaturas de un pueblo mestizo y canoro dueño de un profundo magnetismo lunar: se trata de un abanico encendido que revela un territorio híbrido en transfiguración (permanente) donde la carne e historia lo mismo que la comunión y el deseo se encuentran y desencuentran en un cuerpo insurrecto colectivo que recuerda un adagio conocido: lo más profundo está en la piel.
En estos recortes de una arcadia personal -que registra en cada uno de sus gestos las heridas de una historia colonial, pero al mismo tiempo iluminan una imperturbable emancipación a través de un gozo en carne viva alimentado tanto por la belleza y la violencia como la incoherencia y la piedad inherentes la especie- es posible escuchar con la mirada el encuentro entre la montaña y las costas, los morros, los océanos y los cielos frente a los personajes de un elenco estable -la comparsa de un carnaval interminable, ese misma comparsa sobre la que supo decir, pecando de intransigente cubanidad, Virgilio Piñera: “aquello que nos diferencia del resto de los pueblos de América es precisamente el saber que nada es verdaderamente doloroso o absolutamente placentero. […]
Rafael Toriz
Sounds of Flesh: Photographs by Ricardo Beliel
Torrential like a meteorological event, the photographs of Brazilian artist Ricardo Beliel capture the essence of a mestizo and musical people, endowed with profound lunar magnetism. His vivid images reveal a hybrid territory in constant transformation, where flesh and history, communion and desire, intersect and diverge in a collective insurrection of the body, echoing the adage: the deepest lies in the skin.
These snapshots of a personal Arcadia record the wounds of colonial history while simultaneously illuminating an unshakable emancipation, expressed through a raw, living joy fueled by beauty and violence, incoherence and compassion. Beliel’s gaze allows us to hear the meeting of mountains and coasts, hills, oceans, and skies, populated by a constant cast of characters—the troupe of an endless carnival. This troupe reflects the sentiment expressed by Virgilio Piñera, who remarked that what sets apart the peoples of America is their understanding that nothing is truly painful or absolutely pleasurable. […]
MUSEO PALACIO DE LOS PODERES
Ricardo Beliel, Bate - bolas en Río de Janeiro, 2020 Colección del artista
Un espacio habitado
Vanessa Freitag, Jardín I, 2023-2024
Colección de la artista
MUSEO DE ARTE OLGA COSTA-JOSÉ
CHÁVEZ MORADO
Concebida como una investigación que reflexiona sobre procesos identitarios, de tránsitos y de construcción de sentidos de pertenencia, los trabajos escultóricos que aquí se presentan están elaborados a través de la materialidad textil. Aspectos biográficos, tales como la infancia vivida en el campo en Brasil, y de la experiencia migratoria en México, se visibilizan por medio de la escultura, de la instalación y delfoto-performance, donde estudio e incorporo elementos del paisaje natural que flirtean con formas abstraídas.
El tejido y la materia textil posibilitan numerosas formas de construir, coadunar, integrar, enlazar, reunir, amarrar y de sustentar un trabajo. A la vez, permite cuestionar sobre el lugar y la representación social que ocupan las prácticas artesanales en nuestra sociedad, especialmente, cuando son producidas por manos femeninas.
En esta misma lógica, el interés por la botánica y por los espacios naturales dialogan con perspectivas que buscan integrar miradas, prácticas y saberes que han sido consideradas retrógradas, anacrónicas o negligenciadas por nuestra realidad, tales como, el cuidado de los espacios verdes en contextos altamente industrializados.
Por lo tanto, la exposición tiene la intención de problematizar nuestra postura dicotómica entre saberes tradicionales y el conocimiento científico, entre el paisaje natural y el urbano, entre lo construido, tejido, manufacturado y lo encontrado, desechado, apropiado por uno. […]
Vanessa Freitag
Vanessa Freitag. An Inhabited Space
Conceived as an exploration of identity, transitions, and the construction of belonging, the sculptural works presented here are crafted through textile materiality. Biographical elements, such as a childhood in the Brazilian countryside and a migratory experience in Mexico, are made visible through sculpture, installation, and photo-performance, where natural landscapes are studied and abstracted into forms.
Weaving and textile materials offer diverse ways to build, coalesce, integrate, and support a work, while also questioning the place and social representation of artisanal practices in society, especially those created by women.
This approach also engages with botany and natural spaces, integrating views, practices, and knowledge often considered outdated or neglected in our industrialized reality, such as the care of green spaces in urban contexts.
The exhibition thus aims to challenge the dichotomy between traditional knowledge and scientific understanding, between natural and urban landscapes, and between what is constructed, woven, and manufactured versus what is found, discarded, or appropriated. […]
31 José Chávez Morado
El transitar de un artista
MUSEO JOSÉ Y TOMÁS CHÁVEZ MORADO
José Chávez Morado fue un artista prominente, provocativo y con grandes capacidades creativas. Estos rasgos lo acompañaron durante toda su vida y formaron su sello, mismo que es palpable en sus obras, con los intereses marcados por el realismo de la vida diaria, los oficios y trabajos, con elementos sobre costumbres y tradiciones populares; resaltando además en su obra de caballete los usos y circunstancias de los habitantes del pueblo, sus rutinas y las configuraciones históricas propias del país.
La calidad y la dimensión de su producción artística reflejan las horas que dedicaba a sus proyectos y al trabajo de estudio en demasía, no solo por convicción, sino por la pasión misma de sus creaciones; cualidad de un artista transcendente que le permitió lograr la vigencia, permanencia y frescura creativa, a través de la minuciosa observación de su entorno y contexto social, mismos que lo condujeron a desdibujar detalles que resaltan en su obra colores, formas y volúmenes; consolidando su ingenio a través de la provocación cotidiana transformada en eminencia.
José Chávez Morado fue testigo y partícipe de la evolución del panorama físico e incorpóreo de su colectivo social. Artista multifacético, que desarrolló altas habilidades sociales que le ayudaron a consolidar cientos de proyectos artísticos y culturales que continúan beneficiando a toda una comunidad. […]
Sergio Gustavo Ceballos Parra
José Chávez Morado: The Journey of an Artist
José Chávez Morado was a prominent and provocative artist known for his remarkable creative abilities. These traits defined his life and became his hallmark, evident in works characterized by a keen interest in the realism of daily life, labor, and elements of popular customs and traditions. His easel paintings, in particular, highlighted the lives of the people, their routines, and the unique historical configurations of the country.
The quality and scope of his artistic output reflect the countless hours he devoted to his projects and studio work, driven not only by conviction but by the passion inherent in his creations. This dedication is the mark of a transcendent artist, enabling him to achieve lasting relevance and creative freshness through meticulous observation of his surroundings and social context. His work captures vivid details—colors, forms, and volumes—showcasing his genius by transforming everyday provocations into art of enduring significance.
Chávez Morado was both a witness to and a participant in the evolution of his social collective’s physical and intangible landscapes. A multifaceted artist, he developed strong social skills that allowed him to realize numerous artistic and cultural projects, benefiting an entire community. […]
Olga Costa, Retrato de José Chávez Morado, 1939 Colección particular
Hilvanando territorios
Arte textil contemporáneo de Guanajuato
Daniela Edburg, Ayoloco (detalle), 2019 Colección de la artista
MUSEO HERMENEGILDO BUSTOS
En la actualidad el textil ocupa un lugar en todas las muestras a nivel internacional, dejando de ser una artesanía o un “trabajo de mujeres”, hoy se aprecia una variedad de tejidos, así como un entusiasmo por utilizar diversos materiales, métodos y procesos. Hilvanando territorios expone quince artistxs guanajuatenses: jóvenes creadores, artistas establecidos y artistas con trayectoria, que abordan temas relacionados con situaciones sociopolíticas, de género, de identidad y de ecología. […]
Hilvanando territorios tiene la intención de llevar los textiles a un nuevo entorno de entendimiento, y poner en evidencia otras formas plásticas de representación y expresión de creadores guanajuatenses.
Los artistas expositores son San Gil, Vanessa Freitag, Nelly Lorenzo, Marisol Guerrero, Daniela Edburg, Alejandra Mendoza, Paulina Quintana, Paula Reyes-Pérez, Patricia Andrade, Alondra Velázquez, Gloria Pérez Fuentes, Cosa Rapozo, Ana Karen Gómez, Mariana Vallejo, Agapito Jiménez.
Ana Quiroz
Stitching Territories: Contemporary Textile Art from Guanajuato
Textiles have gained prominence in international exhibitions, evolving beyond their traditional classification as crafts or “women’s work.” Today, there is a growing appreciation for the diversity of weaving techniques and an enthusiasm for using various materials, methods, and processes. Stitching Territories showcases the work of fifteen artists from Guanajuato—ranging from emerging talents to established artists—who explore themes related to sociopolitical issues, gender, identity, and ecology. […]
This exhibition aims to reframe textiles, bringing them into a new realm of understanding. It highlights alternative forms of representation and expression by Guanajuato’s creators, emphasizing the versatility and depth of contemporary textile art.
The exhibiting artists include San Gil, Vanessa Freitag, Nelly Lorenzo, Marisol Guerrero, Daniela Edburg, Alejandra Mendoza, Paulina Quintana, Paula Reyes-Pérez, Patricia Andrade, Alondra Velázquez, Gloria Pérez Fuentes, Cosa Rapozo, Ana Karen Gómez, Mariana Vallejo, and Agapito Jiménez.
Gráfica rupestre
El transcurso lumínico milenario
CONGRESO DEL ESTADO DE GUANAJUATO
Esta exposición es resultado de la programación académica que oferta el Taller de Gráfica del Instituto Estatal de la Cultura y el Centro de las Artes de Guanajuato, ubicado en el Ex Convento de San Agustín en la ciudad de Salamanca, Guanajuato, México. Gráfica rupestre fue un proyecto integral, ya que englobó actividades de investigación, experimentación y de producción profesional dirigidas a artistas con trayectoria. Sobre este grupo de artistas del grabado cabe señalar que han sido instructores del Taller de Gráfica (IEC-CEARG) y/o han obtenido reconocimientos en concursos nacionales e internacionales en distintos rubros de las artes visuales. El proyecto inició con actividades de investigación en Arroyo Seco, un sitio arqueológico ubicado en el municipio de Victoria, Guanajuato, donde podemos encontrar pintura rupestre. El objetivo principal fue tener una mayor comprensión del tema, por lo tanto, fue necesario realizar visitas a esta zona, ya que cuenta con una impresionante variedad de pintura rupestre que data de una antigüedad de 3,000 años aproximadamente. El contacto con la pictografía, con la atmósfera envolvente del lugar que se modifica mientras el sol recorre su ruta acostumbrada durante el día, creando contrastes de forma y color sobre los volúmenes rocosos encarnados, resultaron en una experiencia estética incomparable. […]
Eliseo Mijangos de Jesús
Rupestrian Graphics: The Millennial Luminous Passage
This exhibition is the culmination of the academic programming offered by the Printmaking Workshop of the State Institute of Culture and the Center for the Arts of Guanajuato, located in the Ex Convento de San Agustín in Salamanca, Guanajuato, Mexico.
Rupestrian Graphics is an integral project that encompassed research, experimentation, and professional production activities aimed at established artists. Notably, the participating printmakers have served as instructors at the Printmaking Workshop (IECCEARG) and/or have earned national and international recognition in various visual arts fields.
The project began with research activities at Arroyo Seco, an archaeological site in the municipality of Victoria, Guanajuato, renowned for its rock paintings. The primary objective was to gain a deeper understanding of these ancient artworks, necessitating visits to the site, which features an impressive array of rock paintings dating back approximately 3,000 years. The encounter with these pictographs, coupled with the site’s ever-changing atmosphere—where the sun’s daily path creates dynamic contrasts of form and color on the rocky surfaces—resulted in an unparalleled aesthetic experience. […]
Carla Zaldívar, Dos perspectivas realidad y magia, 2016 Acervo del Centro de las Artes de Guanajuato
Colección Instituto Oviedo
MUSEO ICONOGRÁFICO DEL QUIJOTE
En México las artes gráficas han acompañado siempre el carácter de unas cuantas minorías, algunas de orden técnico o científico, otras de orden intelectual y político, pero casi siempre, desde pequeños grupos de mentes observadoras y acuciosas que, mediante la imagen, han descrito de forma contundente a nuestra sociedad.
Esta exposición parte de una selección de producción gráfica que fue pensada, de origen, como el nuevo medio masivo de difusión de ideas. El énfasis curatorial está en hacer patente la enorme y muy incisiva influencia de este “arte menor” en el vocabulario simbólico visual de nuestro país, quizá en una corriente subterránea, pero en muchos sentidos más pertinente para la cultura visual del siglo XXI que sus congéneres “mayores”. Esto como homenaje a uno de los invitados de este año para el Festival Internacional Cervantino, el Estado de Oaxaca que, se ha constituido en uno de los más importantes capítulos del arte mexicano justamente desde la gráfica como medio expresivo.
Obras que nos llevan en un hilo secuencia a la revisión de la adquisición colectiva de referentes visuales que, sin duda, están en nuestras mentes como parte de un vocabulario que sigue vigente en los ahora nuevos medios de difusión de las ideas […] como parte de un código base, socialmente amplio y representativo, así como profundamente entrañable. […]
Grisell Villasana Ramos
A Flor de Tinta: The Collective Imagination in Mexican Printmaking Oviedo Institute Collection
In Mexico, graphic arts have consistently resonated with the spirit of a few minorities— whether technical, scientific, intellectual, or political—often emerging from small groups of observant and meticulous minds who have powerfully depicted our society through images.
This exhibition features a selection of graphic works originally conceived as a new mass medium for disseminating ideas. The curatorial focus is on highlighting the profound and incisive influence of this “minor art” on the visual symbolic vocabulary of our country. While perhaps a subterranean current, this influence is in many ways more relevant to the visual culture of the 21st century than its “major” counterparts.
This exhibition is a tribute to one of this year’s honored guests at the International Cervantino Festival, the State of Oaxaca, which has become a significant chapter in Mexican art, particularly through printmaking as an expressive medium.
The works guide us through the collective acquisition of visual references that remain deeply embedded in our minds. These references form part of a vocabulary still relevant in today’s new media, contributing to a socially broad, representative, and deeply cherished foundational code. […]
Julio Ruelas, Revelación, 1904 Colección Instituto Oviedo
del Taller Caracol Púrpura
MUSEO ICONOGRÁFICO DEL QUIJOTE
El Taller de Producción Gráfica Caracol Púrpura tiene una raíz muy profunda que viene de la época dorada del grabado en México, aunque fue fundado en el año 2000, sus raíces llegan hasta la fundación misma del Taller de la Gráfica Popular (TGP), magnífico proyecto que surge de auténticos artistas del pueblo, preocupados por las causas sociales que, como consecuencia misma de su ideología, exportaron al mundo el valor de un grabado artístico de la más alta calidad que fuera al mismo tiempo un medio de protesta social, me atrevo a decir esto, porque Caracol Púrpura florece de varias vertientes directamente relacionadas al TGP, la formación misma de uno de sus fundadores, el artista Luis Garzón, como alumno del legendario impresor José Sánchez, impresor de Leopoldo Méndez y de otros grandes artistas del grabado.
La diseñadora Bárbara Huerta, fundadora de Caracol Púrpura, fue parte también del TGP, conoció a profundidad su historia y los trances de su supervivencia. En este camino ambos desarrollaron amistades con personajes fundamentales en la historia del arte en México, perfeccionaron sus talentos y unieron sus vidas de forma personal y profesional. Su interés por lograr la excelencia en la habilidad técnica en todas las ramas del grabado, así como su natural sensibilidad a la estética, les permitió aventurarse a desarrollar su propio proyecto […].
Rafael H. Víquez
The Voices of Printmaking Today: Collective Exhibition by Taller Caracol Púrpura
The Caracol Púrpura Printmaking Workshop has deep roots that trace back to the golden age of printmaking in Mexico. Although founded in 2000, its origins are closely linked to the Taller de la Gráfica Popular (TGP), a groundbreaking project born from genuine artists dedicated to social causes. The TGP’s ideology emphasized the value of high-quality artistic printmaking as a medium of social protest, a legacy that Caracol Púrpura continues. This connection is especially significant through one of its founders, artist Luis Garzón, who was a student of legendary printer José Sánchez, known for his work with Leopoldo Méndez and other great printmaking artists.
Designer Bárbara Huerta, co-founder of Caracol Púrpura, was also involved with the TGP and deeply understood its history and the challenges it faced. Along their journey, Garzón and Huerta forged friendships with key figures in Mexican art, honed their skills, and united their lives both personally and professionally. Their pursuit of excellence in technical skill across all branches of printmaking, combined with a keen aesthetic sensitivity, led them to embark on their own project. […]
Bruno Fourure, La azotea, 2023 Colección Taller Caracol Púrpura
Ana Queral pinta El Quijote
Ana Queral, Sancho gobernador de Barataria, 2005 Acervo del Museo Iconográfico del Quijote
MUSEO ICONOGRÁFICO DEL QUIJOTE
Esta exposición refleja el conocimiento plástico de un oficio pictórico que permite narrar con el pincel y crear la posibilidad de leer parte del Quijote en la presente selección de obras distribuidas en esculturas, tintas, dibujos, arte-objeto y de ambientaciones. Es el resultado de cinco años de trabajo para representar con sutil habilidad los pasajes y correrías del Caballero de la Triste Figura y de Sancho Panza, la artista regala a la vista a quienes se introducen en sus pinturas y textos, una secuencia deleitosa para la vista y un deleite en sus narraciones acompañadas con la voz del mismo Cervantes.
Puede afirmarse que el contenido intrínseco de esta pintura recrea, ameniza su comprensión y hace posible de manera fácil e inteligente la conjunción de imágenes con las letras. Mueve la artista sus personajes con trazos firmes y sui generis creados para alentar a la reflexión más profunda de los textos originales y al tiempo de que se disfruten escenas en movimiento, sin excluir el rigor de no apartarse del texto cervantino. […]
El trabajo realizado por Queral se resuelve en la creación fecunda de obras en las que concilia el espíritu artístico y la profundidad del texto cervantino. Ella lo afirma así: “Yo pinto el Quijote, no lo ilustro”.
Museo Iconográfico del Quijote
Ana Queral Paints Don Quixote: Collection of the Iconographic Museum of Don Quixote
This exhibition showcases Ana Queral’s artistic mastery, allowing her to narrate Don Quixote through a selection of works including sculptures, inks, drawings, art objects, and installations. After five years of dedicated effort, Queral subtly and skillfully depicts the adventures and misadventures of the Knight of the Sorrowful Countenance and Sancho Panza. For those who immerse themselves in her paintings and texts, the artist presents a delightful visual sequence, accompanied by the voice of Cervantes, offering both visual pleasure and narrative depth.
The content of her paintings enhances the understanding of the story, making it easy to blend images with the written word. Queral’s firm and unique strokes bring the characters to life, encouraging deeper reflection on Cervantes’ original texts while allowing viewers to enjoy dynamic scenes that remain true to the narrative. […]
Queral’s work culminates in a fruitful creation of pieces that harmonize artistic spirit with the depth of Cervantes’ text. As she herself states: “I paint Don Quixote, I do not illustrate it.”
Omar Rodríguez-Graham
MUSEO DE ARTE E HISTORIA DE GUANAJUATO
En Variación no. 1, Omar Rodríguez-Graham continúa la exploración y reflexión sobre los legados históricos de la pintura. En este proyecto, su atención se centra en la pintura de gran escala y mural, y en cómo este medio puede articularse con otras disciplinas artísticas para crear una experiencia totalizante. Esta búsqueda de síntesis ha sido un elemento definitorio del arte moderno, con resonancias tanto en México como en vanguardias europeas, por ejemplo, la Bauhaus o De Stijl.
Desde 2014, Rodríguez-Graham ha desarrollado trabajos que reinterpretan pinturas clásicas del arte occidental, llevándolas a una “composición postformalista”, como ha señalado el curador, Willy Kautz, en algunas de sus conversaciones sobre el trabajo del artista. A través de la manipulación digital, las figuras se transforman en trazos abstractos que siguen refiriéndose al legado de la pintura. En Variación no. 1, esta investigación continúa con base en las obras dedicadas a Cleopatra y Marco Antonio por Giovanni Battista Tiepolo en el siglo XVIII. Rodríguez-Graham reconfigura estos referentes en lienzos de gran tamaño que, mediante su secuencialidad, buscan crear una experiencia inmersiva y envolvente. Esta técnica puede evocar a la obra de David Alfaro Siqueiros, quien también buscaba dar continuidad a ciertos referentes clásicos y activar una percepción dinámica y más viva. […]
Arroniz Arte Contemporáneo
Omar Rodríguez-Graham: Variation No. 1
In Variation No. 1, Omar Rodríguez-Graham continues his exploration of the historical legacies of painting. This project focuses on large-scale and mural painting, investigating how this medium can be integrated with other artistic disciplines to create a totalizing experience. This quest for synthesis has been a defining element of modern art, resonating with both Mexican and European avant-gardes, such as the Bauhaus and De Stijl movements.
Since 2014, Rodríguez-Graham has developed works that reinterpret classical Western paintings, bringing them into what curator Willy Kautz describes as a “post-formalist composition.” Through digital manipulation, figures are transformed into abstract strokes that still reference the legacy of painting. In Variation No. 1, this investigation continues, drawing inspiration from Giovanni Battista Tiepolo’s 18th-century works dedicated to Cleopatra and Mark Antony. Rodríguez-Graham reconfigures these references into large canvases that, through their sequential arrangement, aim to create an immersive and enveloping experience. This technique evokes the work of David Alfaro Siqueiros, who also sought to extend classical references and activate a more dynamic and vivid perception. […]
Omar Rodríguez Graham Performance, s.f. Colección del artista
Jesús Gallardo Virtuosismo en la línea
CENTRO DE LAS ARTES DE GUANAJUATO
En la primavera de 2006, la historiadora y crítica de arte Graciela Kartofel (1945-2022) realizó un análisis de la obra gráfica del maestro Jesús Gallardo (1931-2018) producida en el Taller de Gráfica del Instituto Estatal de la Cultura. Actualmente, esta exploración forma parte del patrimonio de este recinto, que, sumada al acervo de estampas del maestro Gallardo, dan forma a esta valiosa muestra individual. Cabe destacar que posterior a 2006, en 2012 y 2017, se continuó editando junto al maestro Gallardo, obra gráfica que completa esta colección.
Kartofel en su texto “Virtuosismo de la línea” (2006), señala: “estos grabados amplían el capítulo de la memoria colectiva y aportan desde la subjetiva visión del artista. El artista no es un cronista, sino que aporta su mirada. Ese es el plano en que se ubica la producción autoral”. Y a propósito de este enunciado es posible vislumbrar la importancia que la obra del maestro Gallardo tiene, su legado técnico -el aguafuerte, aguatinta y mezzotinta-, su propuesta iconográfica, donde podemos conocer su perspectiva humana sobre la naturaleza, la vida, la muerte, la geografía, lo urbano y su arquitectura. El reconocimiento de la atmósfera estética, de la existencia de personajes de la cotidianidad.
José Luis Méndez Ortega
Jesús Gallardo: Virtuosity in Line
In the spring of 2006, historian and art critic Graciela Kartofel (1945-2022) conducted an analysis of the graphic work of Maestro Jesús Gallardo (1931-2018) produced at the Printmaking Workshop of the State Institute of Culture. This exploration now forms part of the heritage of this institution, and along with Gallardo’s collection of prints, it shapes this valuable solo exhibition. Notably, additional graphic works were produced with Maestro Gallardo in 2012 and 2017, completing this collection.
In her essay Virtuosity in Line (2006), Kartofel remarked, “These prints expand the chapter of collective memory and contribute from the artist’s subjective vision. The artist is not a chronicler but offers his gaze. This is the plane on which authorial production is situated.” This statement underscores the significance of Gallardo’s work, his technical mastery—etching, aquatint, and mezzotint—and his iconographic vision, where we can explore his human perspective on nature, life, death, geography, urbanity, and architecture. His work captures the aesthetic atmosphere and the presence of everyday characters.
Omar Rodríguez Graham Rocas sobre rocas, 2006 Acervo Centro de las Artes de Guanajuato
Magali Ávila Jardín duatrópica
PARQUE GUANAJUATO BICENTENARIO
Cuando entramos al jardín duatrópica de Magali Ávila, nos encontramos inmediatamente con la sorpresa de lo desconocido. Un jardín que nos arrebata a lo caótico, que no encuentra asidero en nuestra imaginación, que incluso tuvo que ser nombrado bajo un sintagma inexistente: duatrópica. ¿Será que los límites de nuestro lenguaje serán los límites de nuestra representación? En todo caso, Magali Ávila sigue expandiendo este jardín, cultivando una fuerza que crece desde lo más íntimo. Resulta interesante que la artista trabaje en series de pinturas. En esta ocasión, las 10 pinturas integran un cuerpo de trabajo que coincide en proceso y forma. Su obsesión con el azul continúa reflejando ese “territorio interior” que actúa como una estancia de vida. Insisto con la noción de “jardín” para pensar en el contraste iconográfico. Finalmente, ¿qué jardín se nombra en azul? Es precisamente aquí en donde encontramos el cese de la semiótica binaria del lenguaje.
Recorremos esta serie como el cuerpo de un solo trabajo que permanece fuertemente ligado a la fuerza materica de la pintura. La dicotomía figurativo-abstracto ya no nos dice nada. Magali Ávila va más allá. Si Cy Twombly demostró que se podía hacer arte abstracto después de Pollock, creo que Magali Ávila nos recuerda que podemos hacer algo después de Cy Twombly. […]
Juan Heiblum
Magali Ávila: Duatropic Garden
Entering Magali Ávila’s duatropic garden, we are immediately confronted with the surprise of the unknown. This garden, which pulls us into chaos, finds no foothold in our imagination and even required a nonexistent term: duatropic. Could it be that the limits of our language are the limits of our representation? Regardless, Magali Ávila continues to expand this garden, cultivating a force that grows from the most intimate depths.
Notably, the artist works in series. This time, the 10 paintings form a cohesive body, consistent in process and form. Her obsession with blue reflects an “inner territory” that serves as a dwelling of life. I emphasize the notion of a “garden” to explore the iconographic contrast. After all, what garden is named in blue? Here, we reach the end of the binary semiotics of language.
We move through this series as if traversing the body of a single work, deeply connected to the material force of painting. The figurative-abstract dichotomy no longer holds meaning. Magali Ávila transcends it. If Cy Twombly proved abstract art could continue after Pollock, I believe Magali Ávila shows us that creation is possible after Cy Twombly. […]
Magali Ávila, Jardín duatrópica 7, 2024 Colección de la artista
Autor desconocido, Quimera, China Dinastía Qing Segunda mitad del siglo xix Colección ALAR de arte chino, Instituto Estatal de la Cultura Foto: Gabriel Rojo, 2024
Los vínculos entre el Arte Asiático y el Arte Mexicano son fascinantes y se remontan a varios siglos atrás, dando pie a un intercambio cultural que ha influenciado profundamente a ambas regiones del mundo.
La relación entre Asia y México se remonta a la época virreinal. Fue crucial en la historia de ambas regiones, marcando un intercambio cultural, económico y social que dejó huella en diversos ámbitos. Una de las primeras y más evidentes conexiones se encuentra en la cerámica; tanto en China como en México ha sido una forma de expresión artística trascendente. La influencia de la cerámica china, especialmente la de la dinastía Ming, se puede observar en las técnicas de esmalte y las formas utilizadas por la talavera. La porcelana china también llegó a América a través de la ruta de Manila y tuvo un impacto significativo en la cerámica novohispana.
México y China están así entrelazados por el arte. La Colección ALAR es un conjunto excepcional de 155 piezas de arte chino, un tesoro que abarca un amplio espectro de formas y estilos artísticos. En él encontramos porcelanas delicadas que reflejan la maestría artesanal; muebles exquisitamente tallados; pinturas que capturan la esencia de la cultura china y bases y ménsulas de pared que decoraban los hogares de épocas pasadas. […]
Dirección de Museos y Artes Visuales ALAR Collection of Chinese Art
The connections between Asian and Mexican art are fascinating, rooted in centuries of cultural exchange that have profoundly influenced both regions.
The relationship between Asia and Mexico dates back to the colonial era, playing a crucial role in the history of both regions. This exchange left its mark on various aspects of culture, economy, and society. One of the earliest and most evident connections is found in ceramics; in both China and Mexico, ceramics have been significant forms of artistic expression. The influence of Chinese ceramics, particularly from the Ming dynasty, is evident in the glazing techniques and forms used in Mexican talavera. Chinese porcelain, which reached the Americas via the Manila route, had a profound impact on New Spanish ceramics.
Thus, Mexico and China are intertwined through art. The ALAR Collection is an exceptional ensemble of 155 pieces of Chinese art, a treasure showcasing a wide spectrum of artistic forms and styles. This collection includes delicate porcelains that reflect masterful craftsmanship, exquisitely carved furniture, paintings capturing the essence of Chinese culture, and bases and wall brackets that once adorned the homes of past eras. […]
MUSEO CONDE RUL
49 Alain Gibersztein
Rostros de oriente
Alain Gibersztein Lhasa, Tibet, 1987 Colección del artista
Desde que tenía 18 años y a través de varios viajes, tuve la oportunidad de descubrir el lejano oriente. En los años setenta, se abrió el mundo a un nuevo tipo de viajeros, para quienes los destinos lejanos se volvieron de cierta forma más accesibles.
Esos viajes fueron una explosión de sensaciones nuevas, de encuentros insospechados para mí, con culturas y tradiciones ancestrales tan vivas en aquel tiempo. Viajar en esa época era todavía una gran aventura, y en el año 1987, año en el que fueron tomadas las fotografías que componen la presente exposición, decidí pasar varios meses en esta región del mundo que tanto me atraía.
Sin haberlo planeado, ese periplo se volvió también un viaje al pasado, que culminó en el Tíbet una región que en este momento era muy aislada del mundo, pero más importante aún se volvió un viaje de introspección. La misma cultura budista te lleva a eso, tan es así, que pasé varias semanas en un monasterio en Nepal, compartiendo la vida cotidiana de sus monjes, iniciándome a la meditación y al budismo. Esto sin duda cambió para siempre mi visión de la vida. […]
Alain Gibersztein
Alain Gibersztein. Faces of the East
Since I was 18, through numerous journeys, I had the opportunity to discover the Far East. In the 1970s, the world opened up to a new type of traveler, making distant destinations more accessible.
Those trips were an explosion of new sensations and unexpected encounters with ancient cultures and traditions that were still very much alive. Traveling back then was a true adventure, and in 1987, the year the photographs in this exhibition were taken, I decided to spend several months in this region of the world that so deeply attracted me.
Unplanned, that journey also became a voyage into the past, culminating in Tibet—a region then very isolated from the world. More importantly, it became a journey of introspection. The Buddhist culture naturally leads you in that direction. I spent several weeks in a monastery in Nepal, sharing the daily life of its monks and beginning my practice of meditation and Buddhism. This experience undoubtedly changed my perspective on life forever. […]
La exposición rinde homenaje a la gran trayectoria de la artista Lourdes Grobet, quien, entre sus tantos proyectos, documentó de forma magistral a los autores de la lucha libre, dentro y fuera del ring. En esta muestra encontramos las historias de mujeres y hombres exitosos, aclamados en la arena, pero vulnerables en su vida diaria, en su lucha cotidiana de sobrevivencia. Lo mismo los fotografiaba en una azotea que en las salas de sus hogares, en la intimidad de una habitación, en los vestidores, en las arenas. Son sus retratos de familia, el registro mientras caminaban por la calles, y también de ellos en acción, vitoreados ante la bandera mexicana que ondea ante el júbilo y asombro del público asistente.
Este trabajo documental, al que le dedicó más de dos décadas de trabajo (1980-2003), es una visión antropológica que realizó con mucha dignidad y poder, que pretendía quitar el prejuicio social de clase.
Lourdes Grobet (México, 1940-2022). Artista visual mexicana que trabajó con fotografía, video y cine. Perteneció a la generación que inició reflexión y uso del concepto de multimedia. […] Fue alumna de los artistas Mathias Goeritz, Gilberto Aceves Navarro, Katy Horna y El Santo, el Enmascarado de Plata. […]
FFIEL y Museo de Arte de Historia de Guanajuato
Freedom and Rebellion: A Tribute to Lourdes Grobet
This exhibition pays tribute to the remarkable career of artist Lourdes Grobet, who masterfully documented the stars of lucha libre, both inside and outside the ring. Through her lens, we encounter the stories of successful women and men, celebrated in the arena yet vulnerable in their daily lives, continually struggling for survival. Grobet captured them on rooftops, in their living rooms, in the intimacy of bedrooms, in dressing rooms, and in the arenas. These images include family portraits, moments in the streets, and scenes of them in action, cheered on under the Mexican flag, to the delight and amazement of the crowd.
This documentary work, to which she dedicated over two decades (1980-2003), offers an anthropological vision imbued with dignity and power, aiming to dismantle social class prejudices.
Lourdes Grobet (Mexico, 1940-2022) was a Mexican visual artist who worked with photography, video, and film. She belonged to the generation that pioneered the reflection on and use of the multimedia concept. […] She studied under artists like Mathias Goeritz, Gilberto Aceves Navarro, Kati Horna, and El Santo, the Silver Masked Man. :[…]
Casi oro, casi ámbar, casi luz
MUSEO DE ARTE E HISTORIA DE GUANAJUATO
Casi oro, casi ámbar, casi luz es una exposición que hace dialogar obras de paisaje mexicano, pertenecientes al acervo del Museo Kaluz, con la colección del estadounidense Terry Welch, que es la colección más importante de pintura japonesa moderna en América Latina. Los paisajes japoneses corresponden a las corrientes nihonga 日本画 y bunjinga 文人画, y comparten espacio con piezas nacionales del mismo periodo, es decir, de finales del siglo XIX a principios del XX. A esta selección se agregaron obras cronológicamente anteriores o posteriores que permiten observar similitudes y diferencias que estimulan la reflexión en torno a una época de reformulación de los cánones artísticos en el mundo entero.
A lo largo de este lapso de tiempo, los procesos de construcción tanto en México como en Japón de una nación moderna hicieron proliferar nuevos espacios de enseñanza, producción y circulación del arte, y dieron lugar a una relectura del pasado, de la práctica artística misma, mediante la experimentación de técnicas, formas, medios y mensajes. Al poeta y crítico José Juan Tablada (1871-1945) debemos el título de la muestra. El escritor recreó en español la iluminación y la sorpresa del haikú en diversas obras del género, una de ellas la pieza Sauz. Por otro lado, Tablada fue una figura decisiva en la difusión del arte japonés en México. […]
Luis Rius Caso y Amaury García
Almost Gold, Almost Amber, Almost Light
Almost Gold, Almost Amber, Almost Light is an exhibition that brings together Mexican landscape works from the Kaluz Museum’s collection with pieces from American collector Terry Welch’s collection, the most significant collection of modern Japanese painting in Latin America. The Japanese landscapes belong to the nihonga 日本画 and bunjinga 文人画 styles and are displayed alongside Mexican works from the same period, spanning the late 19th to early 20th centuries. The exhibition also includes pieces from earlier and later periods, allowing viewers to observe similarities and differences that prompt reflection on a time when artistic canons were being redefined globally.
During this era, the processes of constructing modern nations in both Mexico and Japan led to the proliferation of new spaces for art education, production, and circulation. This period also sparked a reevaluation of the past and artistic practice, marked by experimentation with techniques, forms, media, and messages.
The title of the exhibition is inspired by poet and critic José Juan Tablada (1871-1945). Tablada, who translated the illumination and surprise of haiku into Spanish, was a key figure in promoting Japanese art in Mexico. His work Sauz serves as a touchstone for the exhibition. […]
Rafael Vera de Córdova, Paisaje de Xochimilco, ca. 1900. Colección Kaluz
Joy Laville, Sin título (portada para la novela La casa de usted y otros viajes de Jorge Ibargüengoitia), s.f. Colección particular
MUSEO DE ARTE E HISTORIA DE GUANAJUATO
Este proyecto está conformado por una exposición y un libro, que se complementan, que narran la historia de amor de Joy Laville y Jorge Ibargüengoitia, que duró diez años y comenzó en San Miguel de Allende, en el marco de las conmemoraciones del centenario del nacimiento de la pintora Joy Laville.
Esta exposición está dirigida a todo público, con el objetivo de mostrar la importancia de la artista visual Joy Laville y el escritor Jorge Ibargüengoitia. Es un pretexto para celebrarlos y transmitir a las nuevas generaciones el legado de estos dos creadores a partir de un relato amoroso. Su historia de amor aún no ha sido contada ni contextualizada.
Este proyecto es un relato visual, literario, musical, teatral y poético.
A través de una serie de entrevistas, registros fotográficos, libros de los artistas, cuadernos históricos, cartas, poemas, música y pintura nos adentramos a este momento de sus vidas como en una novela, se propone una exposición dinámica y un libro que dé cuenta de este evento.
[…] Un juego de escalas, de diálogo entre objetos y fotografías como detonantes para que los diversos públicos reflexionen, a partir del encuentro entre Jorge Ibargüengoitia y Joy Laville, no sólo sobre sus aportes a la cultura mexicana, sino que se trata de un homenaje al amor
Cristina Faesler
Jorge and Joy: A Love Story Joy Laville and Jorge Ibargüengoitia
This project, consisting of an exhibition and a complementary book, narrates the tenyear love story of Joy Laville and Jorge Ibargüengoitia, which began in San Miguel de Allende. It is part of the centennial celebrations of painter Joy Laville’s birth.
The exhibition is designed for a broad audience, aiming to highlight the significance of visual artist Joy Laville and writer Jorge Ibargüengoitia. It serves as an opportunity to celebrate their legacy and introduce new generations to a love story that has yet to be fully explored or contextualized. This project combines visual, literary, musical, theatrical, and poetic elements to tell their story.
Through interviews, photographic records, books by the artists, historical notebooks, letters, poems, music, and paintings, we delve into this chapter of their lives as if it were a novel. The project presents a dynamic exhibition and a book that capture this unique narrative.
[…] The exhibition plays with scales and creates a dialogue between objects and photographs, prompting various audiences to reflect not only on the contributions of Jorge Ibargüengoitia and Joy Laville to Mexican culture but also as a tribute to love.
56 Ana Frank Notas de esperanza
PARQUE GUANAJUATO BICENTENARIO
A pesar de vivir oculta por más de dos años a causa del odio y las políticas discriminatorias del nazismo, Ana Frank nunca dejó de confiar en la bondad de los hombres. En la adversidad del escondite, ella eligió ser feliz y narrar sus sentimientos más profundos a su diario que, a más de 70 años de su publicación, continúa siendo inspiración y modelo de bondad para los lectores de todo el mundo.
La historia de Ana Frank representa la de decenas de miles de familias judías que resistieron al exterminio de Hitler escondiéndose, pero también la de miles de seres comprometidos que decidieron dar un paso adelante y dejar de lado la indiferencia para socorrer a otros, aunque con esto arriesgaran su futuro y la vida. […]
El 12 junio de 1943, cuando Ana cumplió 12 años, recibió un significativo regalo: un diario de tapa roja cuadriculada que se convertiría en la obra de su vida. […]
Ana Frank. Notas de esperanza llega a Guanajuato gracias a una colaboración del Museo Memoria y Tolerancia, La Casa de Ana Frank de Ámsterdam y el Gobierno del Estado de Guanajuato con el objetivo de difundir el legado de Ana Frank entre los jóvenes de nuestro país, pues el futuro está en sus manos.
Museo Memoria y Tolerancia
Anne Frank: Notes of Hope
Despite being in hiding for over two years due to the hatred and discriminatory policies of Nazism, Anne Frank never stopped believing in the goodness of people. In the adversity of her secret life, she chose happiness and poured her deepest feelings into her diary. More than 70 years after its publication, her words continue to inspire and serve as a model of kindness for readers around the world.
Anne Frank’s story mirrors that of tens of thousands of Jewish families who resisted Hitler’s extermination by going into hiding. It also reflects the courage of countless individuals who, at great personal risk, chose to help others, setting aside indifference. […]
On June 12, 1942, when Anne turned 13, she received a significant gift: a red-checkered diary that would become the work of her life.
Anne Frank: Notes of Hope arrives in Guanajuato through a collaboration between the Museo Memoria y Tolerancia, the Anne Frank House in Amsterdam, and the Government of the State of Guanajuato. The exhibition aims to spread Anne Frank’s legacy among the youth of our country, as the future is in their hands.
Autor desconocido. Passport photographs of Anne Frank, 1939. Polyfoto, 1939 Uso libre
Miradas de la India
FORO CULTURAL 81
¿Por qué es que los seres humanos viajamos? ¿Qué es aquello que nos mueve a dejar la comodidad de lo conocido y convertirnos en trashumantes? Nos mueve la pasión por aquello que desconocemos y que no hemos experimentado con nuestros sentidos: lugares, personas, sonidos, lenguajes y sensaciones, en resumen, la vida en sus múltiples e infinitas modalidades.
Al observar detenidamente la rica colección de registros que la artista Dirse Tovar hizo por la India, así como las intervenciones pictóricas realizadas sobre las mismas, nos convertimos en testigos mudos de un camino de aprendizaje y liberación que hasta ahora sigue definiendo a su obra y su vida personal.
El choque radical que supone las experiencias recogidas en este viaje iniciático de la artista pasa por el tamiz de la vida cotidiana, el caos en las calles y la religión omnipresente, rancia y profunda, para sublimarla a la experiencia pura y directa del espíritu humano. Ahí en la India, Dirse se ve envuelta en ritos de purificación, de transmutación al lado del milenario Ganges, donde la muerte para trascender se huele e impregna el aire y el agua.
Inundada en la realidad de observa, se mira a sí misma, cuestionando sus límites y miedos, para finalmente dejar de oponer resistencia y fluir ante una realidad que va más allá de cualquier entendimiento. […]
Álvaro Gómez Gómez
Dirse Tovar: Gazes of India
Why do humans travel? What compels us to leave the comfort of the familiar and become wanderers? It is the passion for what we do not know, what we have not yet experienced with our senses: places, people, sounds, languages, and sensations—in short, life in its countless and infinite forms.
As we closely observe the rich collection of records that artist Dirse Tovar made during her time in India, along with the pictorial interventions she created on them, we become silent witnesses to a journey of learning and liberation that continues to define her work and personal life.
The radical shock of the experiences gathered during this initiatory journey passes through the filter of daily life, the chaos in the streets, and the omnipresent, ancient, and profound religion, sublimating it into the pure and direct experience of the human spirit. In India, Dirse finds herself immersed in rituals of purification and transmutation alongside the ancient Ganges, where death, as a means to transcend, permeates the air and water.
Engulfed by the reality she observes, she turns inward, questioning her limits and fears, ultimately ceasing to resist and allowing herself to flow with a reality that transcends any understanding. […]
Dirse Tovar, Vishnu, 2024 Colección de la artista
El Festival Internacional Cervantino es siempre un motivo de júbilo para las personas amantes del arte, por ser un espacio privilegiado para poder disfrutar de la riqueza cultural del orbe, no sólo en los escenarios, calles y plazas de Guanajuato, sino también en sus museos y galerías.
Las artes visuales, como en cada edición, son un ingrediente esencial de la “fiesta del espíritu”, como un testimonio del pulso intelectual y estético del presente, pero también como un escaparate hacia el patrimonio que brinda significado e identidad a cada una de las entidades y naciones convocadas a esta intensa jornada.
Esta nueva emisión del Cervantino tiene como invitados de honor a Oaxaca y Brasil, territorios ampliamente reconocidos por su inmensa inventiva y la profundidad ancestral de sus expresiones; rasgos que asoman en las propuestas que comparten para la sección de artes visuales del festival, coordinada por el Instituto Estatal de la Cultura.
Serán un total de 35 exposiciones, montadas en espacios museísticos de Guanajuato capital, León, Salamanca, San Miguel de Allende y SIlao; las que nos permitan observar no sólo un cautivador mosaico de lenguajes, técnicas, soportes y discursos plásticos; sino también los alcances de un trabajo conjunto entre varias instancias culturales.
Desde aquí reitero mi reconocimiento por su entusiasmo, compromiso y visión a cada uno de los actores que han contribuido a dibujar el panorama de la plástica del Cervantino en este tiempo. Mi gratitud también hacia los aliados, instituciones, asociaciones civiles y creadores que han sumado su obra y acervos a este encuentro sin paralelo.
María Adriana Camarena de Obeso Directora General Instituto Estatal de la Cultura
El Festival Internacional Cervantino llega a su edición 52 como un referente a nivel mundial en la gestión cultural que muestra una amplia gama de expresiones artísticas, de lo tradicional a lo contemporáneo, de las raíces indígenas a la diversidad e inclusión.
Durante 17 días, Guanajuato es un escenario con una gran oferta nacional e internacional de artes escénicas, artes visuales, ciclos de cine y presentaciones de libros, para satisfacer las necesidades de un público cautivo que aumenta cada año y que hereda la tradición de acudir al FIC entre diversas generaciones.
El programa de artes visuales del 52 FIC cruza las visiones más innovadoras y las tradiciones más profundas. Los artistas y la curaduría en cada una de las exposiciones abren y fortalecen espacios de encuentro y de diálogo, de intercambio de historias para construir puentes entre generaciones y culturas, desafiar percepciones y expandir los límites de la imaginación.
La gestión del Instituto Estatal de la Cultura del Gobierno de Guanajuato, así como la colaboración de la Secretaría de las Culturas y Artes de Oaxaca y la Embajada de Brasil en México, Invitados de Honor de esta edición, proponen vestir la sede de La Fiesta del Espíritu de color, vanguardia y disrupción, a través de la obra de sus artistas.
Cada espacio, cada exposición, es una invitación a llegar con la mente abierta y el corazón dispuesto, a dejarse inspirar por la creatividad y la pasión que emanan de cada obra.
Larga vida al Festival Internacional Cervantino.
Mariana Aymerich Ordóñez Directora General del Festival Internacional Cervantino y Circuitos Culturales
Cervantes, con su pluma inmortal, nos obsequió un legado universal que trasciende fronteras y épocas. El Festival Internacional Cervantino (FIC), fiel a este espíritu, nos reúne cada año para celebrar la diversidad cultural y la riqueza del alma, en una fiesta donde se entrelazan la tradición y la vanguardia, lo clásico y lo contemporáneo, la diversidad y la universalidad de valores.
En esta edición 52, el Congreso de Guanajuato nuevamente se enorgullece de ser parte de este encuentro que nos transporta a un universo de creatividad, expresiones artísticas y reflexiones que enriquecen. Como legisladores, somos guardianes de la identidad de nuestro estado y promotores de las expresiones artísticas que nos hacen únicos, porque la política y el arte pueden y deben caminar de la mano. Y es precisamente en este espíritu que hemos decidido abrir nuevamente las puertas del Centro Cultural Santa Fe para recibir una muestra artística del FIC.
Este espacio, concebido como un puente entre el Poder Legislativo y la sociedad, se transformará una vez más en un recinto donde la belleza y la creatividad se darán cita a fin de fomentar el diálogo y la reflexión sobre el mundo que nos rodea. Al abrir las puertas de nuestro Centro Cultural en el marco del FIC, estamos invitando a la ciudadanía a acompañarnos a esta fiesta, demostrando que la cultura es un derecho de todos y que los Congresos, lejos de ser ajenos al arte, pueden ser sus más entusiastas promotores.
Al igual que el ingenioso hidalgo, el FIC nos invita a emprender un viaje interior, a explorar nuevos mundos y a descubrir la belleza que nos rodea. Que esta fiesta cultural sea un homenaje a Cervantes y a todos aquellos que, como él, han dedicado su vida a enriquecer nuestra alma a través del arte. Que sea, además, un tributo a la diversidad cultural y un llamado a la unidad en torno a los valores universales que nos unen.
Diputado Luis Ernesto Ayala Torres Presidente de la Junta de Gobierno y Coordinació Política del Congreso del Estado de Guanajuato
En el marco de la Edición 52 del Festival Internacional Cervantino, que celebra la fusión de las artes visuales y escénicas en Guanajuato, este año destacamos la obra y el acervo del inigualable Francisco Toledo, cuyo legado artístico ilumina la programación con su profundidad y creatividad únicas.
El festival se expande a nuevas sedes de la Universidad de Guanajuato, incluyendo los municipios de León, San Miguel de Allende e Irapuato, gracias al esfuerzo de la Dirección de Extensión Cultural. Esta iniciativa no solo amplía la oferta cultural, sino que promueve un acceso más inclusivo y diverso a las expresiones artísticas.
Agradecemos especialmente el apoyo del Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca (IAGO), que enriquece nuestra programación con la presencia del maestro Toledo y la esencia de Oaxaca. Esta colaboración refleja la esencia misma del festival: unir culturas a través del arte y fomentar un diálogo enriquecedor entre artistas y espectadores. Especialmente el apoyo de amigos del IAGO y del CFMAB, así como de las instituciones fundadas por el artista.
Les invitamos a explorar las múltiples facetas del Festival, que incluyen exposiciones, presentaciones y actividades diversas que reflejan la diversidad y la creatividad en su máxima expresión. Que esta edición sea una fuente de inspiración y descubrimiento para todo el público cervantino, reafirmando el compromiso de la Universidad de Guanajuato con el enriquecimiento cultural y la promoción del arte.
Claudia Susana Gómez López Rectora General Universidad de Guanajuato
Directorio
Gobierno del Estado de Guanajuato
Jorge Videgaray Verdad
Presidente del Consejo Directivo
del Instituto Estatal de la Cultura
María Adriana Camarena de Obeso
Directora General
Instituto Estatal de la Cultura
Arturo López Rodríguez
Director de Museos y Artes Visuales
Instituto Estatal de la Cultura
Nuestro agradecimiento especial a Diego Sinhue Rodríguez Vallejo
Gobernador Constitucional 2018 - 2024
Congreso del Estado de Guanajuato
Luis Ernesto Ayala Torres
Presidente de la Junta de Gobierno y Coordinación Política
Diputadas y Diputados de la LXV Legislatura
Christian Javier Cruz Villegas
Secretario General
Cristina de la Parra Hernández
Directora de Gestión y Vinculación Social
Universidad de Guanajutao
Claudia Susana Gómez López
Rectora General
José Eleazar Barboza corona
Secretario Académico
José Osvaldo Chávez Rodríguez
Director de Extensión Cultural
Museo Iconográfico del Quijote
Onofre Sánchez Menchero
Director General
Ernesto Alejandro Sánchez Méndez
Coordinador de Museografía
Rodrigo Quiñones Museólogo
Gobierno de México
Alejandra Frausto Guerrero
Secretaria de Cultura
Mariana Aymerich Ordóñez
Directora General
Festival Internacional Cervantino y Circuitos Culturales
