Le lointain

le lointain on the horizon

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galerie christian berst art brut paris

catalogue publié à l’occasion de l’exposition « le lointain », à la galerie christian berst, paris, du 28 janvier au 1er mars 2014. this catalog has been published to mark the exhibition “on the horizon“, at the galerie christian berst, paris, from january 28 to march 1st, 2014.

galerie christian berst 3-5 passage des gravilliers 75003 paris www.christianberst.com réalisation | production : élisa berst traduction | text translation : pamela diaz

© galerie christian berst, 2014

le lointain on the horizon avant-propos / foreword christian berst

galerie christian berst

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sommaire | contents avant-propos | foreword par | by christian berst

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joseph barbiero

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john devlin

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janko domsic

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jill gallieni

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nina karasek aka joële

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raphaël lonné

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jean perdrizet

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patricia salen

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ionel talpazan

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melvin way

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george widener

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adolf wölfli

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henriette zéphir

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avant-propos | foreword christian berst

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portrait de |of walter benjamin

foreword

avant-propos

“The trace is the manifestation of a proximity, however far that which left it may be. The aura is the manifestation of a distance, however close that which gives rise to it may be. With the trace, we can grasp the object; with the aura, the object dominates us.” In a few lines, Walter Benjamin points us to our relationship with art – from its production to the experience of it – but also to its creation. Here, the notions of aura and distance echo the concept of “disturbing strangeness” that was dear to Freud.

How indeed do we qualify the secret and intimate mechanisms that push Man to try to resolve his metaphysical wanderings through the fabrication of transitional sacred objects? By theorizing outsider art (art brut) by measuring its supposed territory, Dubuffet had, without realizing it or without saying so, come close to the same terrain. But while he seems to want to isolate the artist or the creator in his practice by insisting on his autonomy with respect to “cultural” production – referring to works born “of their own foundation” – Benjamin re-establishes the artist in his own nature, the human-condition confronted with its mysteriousness. Nevertheless, the great achievement of Dubuffet is still that he knew to highlight – by naming them – the productions that, even nowadays, refer to this originary process: a process that goes beyond traditions, beyond collective norms, but is ontologically inseparable. The creators of outsider art that we have gathered here strikingly illustrate this distance, which is yet so close. What they all have in common is that they wanted to make their world more “inhabitable” by at times invoking other worlds. And by wanting to flesh out their distance, they open the doors to our own

“La trace est l’apparition d’une proximité, quelque lointain que puisse être ce qui l’a laissée. L’aura est l’apparition d’un lointain, quelque proche que puisse être ce qui l’évoque. Avec la trace, nous nous emparons de la chose ; avec l’aura, c’est elle qui se rend maîtresse de nous”. En quelques lignes, Walter Benjamin nous renvoie à notre rapport à l’art - de sa production à son expérience - mais également à sa genèse. Les notions d’aura et de lointain faisant ici écho à “l’inquiétante étrangeté” chère à Freud.

Comment qualifier, en effet, les mécanismes secrets et intimes qui poussent l’Homme à vouloir résoudre ses errances métaphysiques par la fabrication d’objets transitionnels sacrés ? En théorisant l’art brut, en en arpentant le territoire supposé, Dubuffet avait abordé, sans le savoir ou sans le dire, les mêmes contrées.

Mais là où ce dernier paraît isoler l’artiste ou le créateur dans sa pratique en insistant sur son autonomie par rapport aux productions dites “culturelles” - parlant d’œuvres issues “de leur propre fond” - Benjamin resitue l’artiste dans sa nature, dans sa condition d’Homme confronté à son mystère. Néanmoins, le grand mérite de Dubuffet reste - en les nommant d’avoir su mettre en lumière les productions qui, de nos jours encore, référent à ce processus originel. Un processus par-delà les traditions, par-delà les usages collectifs, mais ontologiquement indissociable. Les créateurs d’art brut que nous avons réunis ici illustrent de façon saisissante ce “lointain” si proche pourtant.

Tous ont en commun d’avoir voulu rendre leur monde plus “habitable”, en en appelant parfois à d’autres mondes. Et en voulant donner corps à leur lointain, ils nous ouvrent les portes du nôtre

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joseph barbiero 1901 - 1992 italie | italy

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biography

biographie

Joseph Barbiero was born on July 13, 1901, in Trebaseleghe in the Veneto region of Italy. The second of eight children, he never attended school, as his father needed his help in the garden to grow food for the family.

He left Italy at the age of 22 when Mussolini came to power and spent a short while in the south of France before settling in Beaumont, near ClermontFerrand in the Auvergne.

He married Andrée Coustet, originally from Paris, in 1927, and took French nationality in 1931.

As a professional stonemason, he was given the opportunity to take part in major projects in ClermontFerrand restoring Notre-Dame-du-Port basilica and the cathedral, using the local black volcanic rock from Volvic.

On his retirement in 1965, he turned his garage into a studio for his own artistic projects, eventually producing hundreds of sculptures, drawings, and sketches, most in black pencil.

He experimented with various materials for his sculptures, including clay, cement, limestone, sandstone, plaster, and wood, before settling on Volvic stone as his preferred medium, since as Jean Lelong noted, he wanted to « measure himself against the cathedral sculptures ».

His first exhibition took place in 1985, when he was eighty-four years old, twenty years after his first sculpture.

He died on March 6, 1992, at the age of ninety.

Joseph Barbiero naît le 13 juillet 1901 à Trebaseleghe en Vénétie. Deuxième enfant dans une fratrie de huit, Il n’est pas scolarisé car il doit aider son père à nourrir la famille en cultivant son jardin.

En 1923, suite à la prise du pouvoir par Mussolini, il quitte l’Italie à l’âge de 22 ans. Après un bref séjour dans le midi de la France, il s’installe à Beaumont dans le Puy-de-Dôme, près de Clermont-Ferrand.

En 1927, il se marie avec Andrée Coustet, une Parisienne, et prend la nationalité française en 1931.

Durant toute sa vie professionnelle, il exerce le métier de maçon et a la chance de participer à Clermont aux travaux de restauration des pierres de la basilique Notre-Dame-du-Port et de la cathédrale, bâtie entièrement en pierre volcanique : la lave noire de Volvic.

Retraité en 1965, il déploie dans son garage une activité créatrice personnelle qui aboutira à la production de centaines de sculptures et de nombreux dessins et esquisses réalisés principalement au crayon noir.

Pour les sculptures, il se sera essayé à l’utilisation de matériaux divers : terre, ciment, calcaire, grès, plâtre et bois. Mais c’est la pierre de Volvic qu’il choisit comme matériau de prédilection, car il souhaite, selon Jean Lelong, « se mesurer aux sculptures de la cathédrale ».

Sa première exposition aura lieu en 1985, alors qu’il a déjà 84 ans et 20 ans de sculpture derrière lui.

Il disparaît le 6 mars 1992 à l’âge de 90 ans.

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vue opposée | opposed vue

sans titre | untitled, sans date | undated 14

pierre des Beaux-de-Provence, 33.5 x 25 x 19 cm stone from Beaux-de-Provence, 13.19 x 9.84 x 7.48 in

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sans titre | untitled, sans date | undated 16

pierre de lave de Volvic, 28.5 x 18.5 x 16 cm Volvic lava stone, 11.22 x 7.28 x 6.3 in

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vue opposée | opposed vue

sans titre | untitled, sans date | undated 18

pierre de lave de Volvic, 46 x 22 x 20 cm Volvic lava stone, 11.22 x 7.28 x 6.3 in

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john devlin 1954 canada | canada

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biography

biographie

John Devlin was born in 1954 in Halifax, Nova Scotia.

At the age of 25, he left to read theology at St Edmund’s College, Cambridge. There he suffered a severe breakdown, the first of a series of psychotic episodes that forced him to return to his hometown to be hospitalized.

Over the course of a long convalescence, he was obsessed by the idea of reproducing the very essence of Cambridge, which he considered an ideal town.

He spent decades after that making hundreds of drawings, studies and maps of an imaginary, utopian town that he named Nova Cantabrigiensis, New Cambridge, located on an island in Nova Scotia.

His sketches recreate the buildings and ornamental gardens of the medieval town where he had planned to become a priest. All of them are coded with symbols and formulae that only he understands. “My theory,” he says, “is that for ideal design, there is an Ideal Ratio. I have been hunting for such a constant. I was on a Faustian quest, for arcane knowledge that would explain the magical ambience of Cambridge. I thought that if I could capture that ambience as a mathematical formula, then I wouldn’t have to go to England. I thought I could think my way out of mental illness back into the happy times in Cambridge… before things began to fall apart on me.” One of Devlin’s main obsessions is the ratio of 3 to 8, the relationship between the number of vowels and consonants in “Jesus Christ”; he has even marked his toenails with it. He his convinced that all objects that are not constituted according to this perfect ratio are flawed, and by correcting them, he will be able to prevent illness and death. After a lengthy, reclusive stay at his family home, in 1989 Devlin moved into a group home in Dartmouth, Nova Scotia, where he continues to live.

John Devlin est né en 1954 à Halifax, capitale de la province canadienne de la Nouvelle-Ecosse. À 25 ans, il part étudier la théologie au Collège StEdmond, de l’Université de Cambridge. C’est là qu’il est atteint d’une grave dépression, première d’une série d’épisodes psychotiques, qui l’oblige à retourner dans sa ville natale pour y être hospitalisé. Pendant sa longue convalescence, il est obsédé par l’idée de retrouver l’essence même de Cambridge qu’il considère comme la ville idéale.

Il consacre alors les 10 années suivantes à produire des centaines de dessins, études et autres plans d’une ville imaginaire et utopique, baptisée Nova Cantabrigiensis, qu’il situe sur une île en Nouvelle Ecosse. Ses esquisses réinventent les bâtiments et les jardins ornementaux de la ville médiévale qui devait le mener à la prêtrise. Toutes sont codées par des symboles, des formules que lui seul comprend. « Ma théorie, dit-il, c’est que pour un design idéal, il y a un ratio idéal. J’ai recherché une telle constante. J’étais dans une quête faustienne pour découvrir les arcanes de l’ambiance magique de Cambridge. Je pensais que si je pouvais capturer cette ambiance, je n’aurais pas à aller en Angleterre. Je pensais que je trouverais le moyen de sortir de la maladie mentale en revivant les moments heureux vécus à Cambridge… Avant que les choses s’effondrent en moi. » John Devlin est notamment obsédé par le ratio 3 : 8, rapport entre le nombre de voyelles et de consonnes dans « Jésus Christ ». Il ira jusqu’à se l’inscrire sur ses ongles des pieds.

Après être resté chez ses parents, reclus, de nombreuses années, John a rejoint une maison communautaire en 1989 à Dartmouth où il vit toujours.

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sans titre | untitled, n° 105, 1988 24

technique mixte sur papier, 22.5 x 28 cm mixed media on paper, 8.86 x 11 in

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sans titre | untitled, n° 250, 1988 26

technique mixte sur papier, 22.5 x 28 cm mixed media on paper, 8.86 x 11 in

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sans titre | untitled, n° 275, 1988 28

technique mixte sur papier, 22.5 x 28 cm mixed media on paper, 8.86 x 11 in

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sans titre | untitled, n° 276, 1988 30

technique mixte sur papier, 22.5 x 28 cm mixed media on paper, 8.86 x 11 in

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janko domsic 1915 - 1983 croatie | croatia

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biography

biographie

Janko Domsic was born in Malunje (Yougoslavia) in 1915.

We know almost nothing of Janko Domsic’s life or the circumstances of his arrival in France. He probably spent some time in prison and in 1935 worked on the construction of a railroad. When in Paris, he lived in misery in a sordid building. He was in conflict with the Social Security system about his old age pension and with others who would have robbed him of his writings.

Domsic draws and writes with colour pencils, ballpoint pens and felt-tip pens. His drawings teem with writings in French, but sometimes also in Croatian and German. With the exception of some information from his personal life, Nazi songs and religious writings, most of his vocabulary refers to mystic ideas, to the moral code of freemasons as well as to economy. The pentagram, swastika and hyphens embellish the drawings as well as are part of the figures stretched to extreme. The lines are joined together and form a labyrinth with no way out. He died in 1983, taking with him the secrets of his art. His work is in major collections of art brut in the world.

Janko Domsic est né à Malunje (Yougoslavie) en 1915.

On sait très peu de chose sur sa vie, sinon qu’il arrive en France dans des circonstances obscures, qu’il aurait peut-être séjourné en prison et qu’il travaille quelques temps à la construction du chemin de fer à Pont-sur-Yonne. A Paris, du côté de la place Clichy, il vit très pauvrement.

Domsic dessine et écrit abondamment : thèmes religieux, politiques, maçonniques. « Mes écrits sont codés » disait-il, chaque lettre d’un mot formant un autre mot et chaque symbole faisant partie d’un système de codification personnel.

Inventeur génial de nombreux néologismes, il écrit en français -bien que des mots croates ou allemands se glissent parfois- et parle de lui à la troisième personne.

Son écriture au crayon de couleur, au stylo à bille ou au feutre suit le dessin de façon perpendiculaire ou circulaire, c’est selon. La géométrisation des figures tout à fait singulière produit une tension totale qui soutient toute la composition et engendre un univers de personnages anonymes et désincarnés.

Ainsi qu’en atteste un document de la préfecture de police, il se faisait appeler Janko Bonsang Halleluya Domsic. Il s’éteint en 1983, emportant avec lui les secrets de son art et laissant derrière lui une belle postérité puisque son œuvre magistrale figure actuellement dans les plus grandes collections d’art brut au monde.

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sans titre | untitled, circa 1975 36

stylo bille sur papier, 63 x 49.5 cm ballpoint on paper, 24.8 x 19.5 in

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jill gallieni 1948 france | france

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biography

biographie

Jill Galliéni was born in 1948 to an American mother and a French father, and has always lived in Paris.

Her father was an actor. She was brought up by guardians until the age of seven, when her father took over her care.

She began creating her strange fabric dolls at a very early age. She turned to prayer towards the age of thirty as a way of helping her to rebuild her life and free herself from the vicious mental traps that were stopping her from living her life to the full. She initially wanted to “speak” through the medium of words, but, finding it unbearable to see sentences written in her own hand, she invented sentences from prayers – always the same, repeated hundreds of times. These formed tightly bundled garlands so that the meaning of the prayer would remain a mystery.

The prayers are addressed to Saint Rita, patron saint of lost causes, and refer to situations, people, her own circumstances, and so on. They feature imitations of the written word or superimposed layers of writing in black or coloured ink, covering loose sheets of paper and notebooks. Thus freed from the constraints of convention, the writing roams in differentdirections,followingitsownrhythm,forming curves and diagonals and creating calligram flowers, houses, hearts, and abstract shapes. Her striking texts – including a rare notebook presented at the «cHistoire(s) de carnet » exhibition at Drawing Now Paris in 2010 – have recently been acquired by the Lille Métropole Museum of Modern, Contemporary and Art Brut.

Née en 1948 d’une mère américaine et d’un père comédien, Jill Galliéni est élevée loin de ses parents avant que son père ne la prenne en charge à sept ans.

Depuis toujours, elle crée, à Paris, d’étranges poupées de tissus et, vers l’âge de 30 ans, les prières l’aident à se reconstruire, à chercher comment se sortir d’inextricables situations mentales qui l’empêchaient de vivre. Elle aurait d’abord voulu « dire » par des mots, mais voir une prose écrite de sa main était insupportable. Alors, elle a inventé les phrases de prières, toujours les mêmes, des centaines de fois répétées, guirlandes de prières très serrées afin que le sens échappe à tous.

Adressées à Sainte-Rita, patronne des causes désespérées, Jill « traite » par ces prières des situations, des personnes, elle-même, etc. Simili d’écriture ou écritures superposées les unes aux autres, c’est selon, l’encre noire ou de couleur emplit feuilles volantes et cahiers ; libérée de toute convention, l’écriture évolue dansdifférentssens,obéissantàunerythmiquepropre, suivant des courbes, des diagonales, dessinant, tels des calligrammes, fleurs, maisons, cœurs, ou d’autres formes parfois abstraites.

Ces textes saisissants – dont un cahier présenté à l’exposition « Histoire(s) de carnet » à Drawing Now en 2010 – ont récemment été accueillis dans les collections du Musée d’art moderne, d’art contemporain et d’art brut de Lille.

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sans titre | untitled, (texte du rosaire), 2012 42

encre de couleur sur papier, 24 x 16 cm coloured ink on paper, 9.45 x 6.3 in

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sans titre | untitled, (texte du rosaire), 2012 44

encre de couleur sur papier, 24 x 16 cm coloured ink on paper, 9.45 x 6.3 in

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sans titre | untitled, (texte du rosaire), 2012 46

encre de couleur sur papier, 24 x 16 cm coloured ink on paper, 9.45 x 6.3 in

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sans titre | untitled, (texte du rosaire), 2012 48

encre de couleur sur papier, 24 x 16 cm coloured ink on paper, 9.45 x 6.3 in

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joële (nina karasek) 1873 - 1933 autriche | austria

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biography

biographie

Born in 1873 or 1883, depending on the source, Nina Karasek studied art at the Frauenakademie of Vienna. She became a well-known symbolic artist who, when she discovered, at the end of her twenties, her psychic abilities, began to sign the drawings inspired by these experiences with the name Joële.

Was it her guardian angel ? On the other hand, it would seem that many of these works were inspired, or should we say dictated, by the great masters of the past, such as Rembrandt, Dürer, De Vinci, Goya or, closer to her, Klimt.

These drawings – now extremely rare, unlike her “standard” production – reveal, despite the obvious technical mastery of their author, a touching urgency and awkwardness particular to mediums, who are, after all, but perfect seismographs of the afterworld.

Moreover, certain works are complimented by commentaries on the development of the session, and even moral or esoteric considerations, when they don’t contain characters from an unknown alphabet.

These mediumistic works of art were presented for the first time by the Christian Berst Gallery in 2008.

Née en 1873 ou 1883, selon les sources, Nina Karasek étudia l’art à la Frauenakademie de Vienne.

Elle devint une artiste symboliste de renom qui, lorsqu’elle découvrit, à la fin des années 20, ses facultés de médium, se mit à signer les dessins issus de ces expériences du nom de Joële. S’agissait-il de son esprit tutélaire ? En revanche, il semblerait que nombre d’entre ces œuvres furent inspirées, dictées devrait-on dire, par des grands maîtres du passé tels Rembrandt, Dürer, De Vinci, Goya ou, plus près d’elle, Klimt.

Ces dessins - devenus extrêmement rares, au contraire de sa production « courante » - laissent entrevoir, malgré l’évidente maîtrise technique de leur auteure, une urgence, une maladresse touchantes propre aux médiums qui ne sont, après tout, que les parfaits sismographes de l’au-delà. De plus, certaines œuvres sont augmentées de commentaires sur le déroulement de la séance, voire de considérations morales ou ésotériques, lorsqu’ils ne comportent pas de caractères d’un alphabet inconnu.

Ses dessins médiumniques furent présentées pour la première fois par la galerie christian berst en 2008.

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verso

sans titre, recto verso| untitled, both side, 1945.

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graphite sur papier, 21.4 x 30.7 cm graphite on paper, 8.43 x 12 in

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sans titre| untitled, 1943.

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graphite sur papier, 28.5 x 45.5 cm graphite on paper, 11.22 x 17.9 in

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raphaël lonné 1910 - 1989 france | france

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biography

biographie

Nothing about his childhood suggested that Raphaël Lonné would be destined to draw. Born in the Landes region of France in 1910 to a family of sharecroppers, he stopped school at the age of 8 to work the land. Later on, he was successively a tramway conductor, a concierge-chauffeur, a handyman at the children’s hospital and then, after the war, a postman. Though he always showed an interest in music, he never dreamt of being a sketch artist. It was only in 1950, during an improvised spiritualist meeting at the house of some friends, that he produced his first work: with only a pencil and a piece of paper for the purpose of receiving any messages that might arrive from beyond, “[he] suddenly left, like thunder, to scribble.” No other session took place, but Lonné, alone, continued to draw at night, concentrating to enter into contact with the spirits who guided “the movement of [his] hand.” These impressive, spontaneous creations, covered in curves and delicate arabesques, a lightness bordering on joy, reveal some forms, women, animals, dog heads, birds... even if Lonné himself couldn’t really put a name to the whims of his pencil.

Discovered by Jean Dubuffet in 1963, and wellestablished in this family of artists dear to art brut enthusiasts, the spiritualists, Lonné has always refused to sell his works, vowing to not profit from them.

Today, these productions, now art brut classics, are being amply shown.

Rien ne destinait Raphaël Lonné au dessin. Né dans les Landes en 1910 d’une famille de métayers, il arrête l’école à 12 ans pour travailler la terre. Par la suite, il est tour à tour receveur de tramway, concierge-chauffeur, homme de peine à l’hôpital des enfants, puis, après la guerre, facteur. S’il a toujours manifesté un intérêt pour la musique, il n’a jamais songé à être dessinateur. Ce n’est qu’en 1950, lors d’une séance de spiritisme improvisée chez des amis qu’il effectue sa première production : muni d’un crayon et d’une feuille de papier dans le but de recevoir d’éventuels messages de l’au-delà « [il] est parti tout d’un coup, comme la foudre, à griffonner ». Aucune autre séance n’a lieu, mais Lonné, seul, continue de dessiner le soir se concentrant pour entrer en contact avec les esprits qui guident « le mouvement de [s]a main ». Ces créations spontanées, traversées de courbes et d’arabesques aux traits fins, d’une légèreté confinant à l’allégresse, laissent se profiler quelques formes, femmes, animaux, têtes de chiens, oiseaux… Bien que Lonné lui-même ne sache mettre réellement de nom sur les caprices de son crayon.

Découvert par Jean Dubuffet en 1963, Lonné, qui fait pleinement partie de cette famille d’artistes chère aux passionnés d’art brut : les spirites, a toujours refusé de vendre ses œuvres faisant vœux de n’en pas tirer profit. Aujourd’hui, ces productions, devenues des classiques de l’art brut, sont amplement exposées.

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sans titre | untitled, 1967 62

crayons de couleur sur papier, 9.2 x 12.8 cm coloured pencil on paper, 3.62 x 5 in

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jean perdrizet 1907 - 1975 france | france

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biography

Jean Perdrizet, the son of schoolteachers, is born in 1907 in Villers-la-Faye. In 1931 he obtains a bachelor’s degree in Civil Engineering. Laid off in 1939 for health reasons, he engages in odd jobs in electrical work and industrial design. Single, he lives with his parents who settle in Digne in 1955. « The Inventor » as he is named, manufactures machines in his basement, shows plans to teachers, distributes his inventions: CNRS, Faculty of Science, NASA, the Vatican, in the hope of a Nobel prize. His plans reveal, ingenious electrical devices with mathematical formulas, linguistic explanations, the metaphysical; all in a rage of materialization and concretion within the imagination. He attempts to « unravel the mysteries of life after death », with machines to « explore the Hereafter » to make contact and communicate with « souls » of the deceased; « souls » that become disembodied ghosts.

He created a man-machine « the self-reproducing robot astronaut » capable of thought and with a « soul », « these robots in the cosmos, on other planets, are flying saucers to rocket wheel-winch ».

For Perdrizet, « thought arises in the eye, the atoms of thought are pictographic letters » a number of these machines are machines to read, see, to be drilled. He created a universal language, Esperanto sidereal, « a machine to see objects in the Moon from the Earth » « which is the language of robotic astronauts. » This language is also known as: language T, the Optimal.

Jean Perdrizet dies in 1975, three days after his mother.

The machines he built did not survive, contrary to his plans, treasures, inexhaustible reservoir of imagination, which are major works of art brut.

biographie

Né en Bourgogne de parents instituteurs, Jean Perdrizet passe sa vie célibataire, auprès de sa mère. Il obtient en 1931 le diplôme d’adjoint technique des ponts et chaussées mais sera mis en disponibilité huit ans plus tard, pour raisons de santé. Par la suite il travaille épisodiquement à Électricité de France puis à la surveillance de la construction du pont de Bollène. Vers 1955, la famille Perdrizet s’installe à Dignes.

Perdrizet réalise dès l’âge de 24 ans les plans de ses inventions prodigieuses. Il s’enthousiasme autant pour la construction de robots, de machines à percer les plafonds que de soucoupes volantes et de moyens de communiquer avec les morts ou les extraterrestres. À la suite du décès de son père, il fabrique une table spirite d’une légèreté inouïe pour entrer en contact avec lui.

Trouver une langue universelle le passionne : il invente la « langue T » ou « espéranto sidéral » qu’il dit « parler couramment ». Perdrizet se dit « inventeur » et se tient au courant des avancées scientifiques les plus récentes.

Cherchant à faire connaître ses innovations, il expédie « deux tonnes [de plans] en 40 ans » à la NASA, au CNRS, aux facultés de sciences, au Vatican, à l’UNESCO... dans l’espoir de recevoir un prix Nobel…

Sans résultat. Pour autant, plusieurs scientifiques s’intéressèrent à son travail tels que José Argémi ou Jacques Paillard ; le peintre et collectionneur Adrien Dax enviait son « état de grâce »... Perdrizet, inventeur passionné par la science, repousse les frontières de cette discipline et la transcende en un espace aérien et sublime où l’impossible laisse place à l’imaginaire.

Au décès de sa mère, il déclare : « elle n’est pas morte, elle est ailleurs », avant de la rejoindre trois jours plus tard…

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sans titre | untitled, (Tables en images de multiplication et d’additionl), 1967 68

ronéotype et stylo à bille sur papier, 55.7 x 75 roneotype and ball-pen on paper, 21.93 x 29.53 in

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patricia salen 1957 france | france

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biography

biographie

Patricia Salen was born in Quebec. After studies at Arts Décoratifs in Nice, her mediumnity is revealed to herself following the 2005 tsunami . She has become Pandora since then. The « temporal openings » not only give her access to both past and future, but also to another level of consciousness that enables her to perform automatic writting, yet codified, that one could see in her works.

It is no longer bodies but fields of vibration; it is no longer brains but encrypted maps that convey a real language. She performs, like Zdenek Kozek, a cataclysmic perception.

Her work is hypnotic – and certainly enigmatic for neophytes – but nonetheless artistically jubilant.

Née au Québec et après un cursus aux arts décoratifs de Nice, Patricia Salen devient Pandora à la suite du tsunami de 2005 événement à partir duquel elle développe sa médiumnité dans un langage plastique. « Les ouvertures temporelles » lui donnent accès à la fois au passé et au futur, mais également à un autre niveau de conscience qui permet l’écriture automatique, et pourtant codifiée, que l’on retrouve dans ses travaux.

Ce ne sont plus des corps, mais des champs vibratoires, ce ne sont plus des cerveaux, mais des cartographies cryptées qui recèlent un véritable langage. Elle y exerce, à la manière d’un Zdenek Kozek, une perception cataclysmique.

Ce travail hypnotique - pour sybillin qu’il soit au néophyte - n’en est pas moins plastiquement jubilatoire.

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sans titre | untitled, circa 2013 74

graphite sur papier dessin, 36 x 48 cm graphite on drawing paper, 14.17 x 19 in.

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sans titre | untitled, circa 2013 76

graphite sur papier dessin, 36 x 48 cm graphite on drawing paper, 14.17 x 19 in.

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sans titre | untitled, circa 2013 78

graphite sur papier dessin, 36 x 48 cm graphite on drawing paper, 14.17 x 19 in.

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ionel talpazan 1955 roumanie | romania

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biography

biographie

According to Ionel Talpazan, his drawings and sculpture of flying saucers contain secret information about the propulsion systems of UFO’s that could interest NASA. What is sure is that his admirable, colorful creations, the ensemble of which constitutes a veritable inter-galactic space station, project us into the unique universe of this man who, as a child, saw an “extraterrestrial” blue light, the source of his work. Ionel had a turbulent childhood: born in 1955 near Bucharest (Romania), he lost his twin brother shortly after their birth. His parents, at odds with each other, left him with his grandfather before he was sent, at the age of six, to a foster family whose mother turned out to be a violent alcoholic.

At the age of eight, while hiding in the bushes after escaping from the house, he saw the strange blue light moving without a sound: four years later, he drew his first UFO. As an adult, he fled his country by swimming across the Danube; recognized as a political refugee, he established himself in New York. From then on, Ionel dedicated himself to his creation, his apartment barely large enough to store his impressive production.

His work, shown in multiple galleries in the United States and at the exhibition Chalet Society - The Museum of Everything, boulevard Raspail in Paris in 2012-2013, is presented in several major collections of art brut.

Selon Ionel Talpazan, ses dessins et sculptures de soucoupes volantes contiennent des informations secrètes sur les systèmes de propulsion des OVNI susceptibles d’intéresser la NASA. Ce qui est sûr, c’est que ses admirables créations multicolores, dont l’ensemble constitue une véritable station intergalactique, nous projettent dans un univers unique, celui de cet homme, qui, enfant, a vu une lumière bleue « extra-terrestre », source de son œuvre.

Ionel connaît un parcours mouvementé : né en 1955 près de Bucarest (Roumanie), il perd son frère jumeau peu après leur naissance. Ses parents, en conflit, le confient à son grand-père avant qu’à ses six ans il intègre une famille d’accueil dont la mère se révèle violente et alcoolique. À huit ans, alors qu’il se cache dans des buissons après s’être échappé de la maison, il aperçoit cette étrange lumière bleue qui se meut sans bruit : quatre ans plus tard, il dessine ses premiers OVNI. Adulte, il fuit son pays, traversant le Danube à la nage ; reconnu réfugié politique, il s’installe à New-York. Dès lors, Ionel se livre pleinement à sa création, son appartement suffisant à peine à stocker son impressionnante production.

Son travail, montré dans de nombreuses galeries aux États-Unis et à l’exposition Chalet Society - The Museum of Everything, boulevard Raspail à Paris en 2012-2013, est présent dans plusieurs collections majeures d’art brut.

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sans titre | untitled, 1990 84

crayon de couleur et stylo à bille sur carton, 38 x 51 cm colored pencil and felt-tip on cardboard, 15 x 20 in

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sans titre | untitled, 1993 86

gouache et stylo bille sur carton, 40.8 x 50.8 cm ballpoint pen and gouache on cardboard, 16.06 x 20 in

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melvin way 1954 états-unis | united-states

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Scraps of found paper covered in writing, mathematical and chemical formulae, geometric shapes, musical scores... The density of script layered on Melvin Way’s graceful works gives them a rare magnetism. They reflect his obsession with space and time, while his equations seem intended to calculate the channels between the two; they act as a path of enfranchisement, abolishing the place assigned to us by time and space, thereby opening new vistas to the artist, who sometimes signs his works Melvin « Milky » Way. Melvin was born in South Carolina and brought up by relatives in Brooklyn. He was fascinated by science at high school, where he also played bass and sang in a group. He was a student at the Technical Career Institute when he developed symptoms of mental illness that worsened over time. finding himself homeless on Wards Island. The artist Andrew Castrucci came across Melvin’s drawings in a homeless drop-in centre in the mid-1980s and set up an exhibition to showcase them. Melvin used a ball-point pen to draw on scraps of paper, scribbling countless signs, forms, and mysterious formulae, some gleaned from books, their secret known to no-one but him. He spends weeks, even months, working on his drawings, keeping them in his pocket or between the leaves of a book, and returning to work on them years later. Melvin Way’s art has been admired by eminent critics such as Jerry Saltz, who described him as « a mystic visionary genius ».

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Lambeaux de papiers récupérés, manipulés, recouverts d’écritures, de formules mathématiques et chimiques, de figures géométriques, de partitions de musique…

La densité graphique des billets graciles de Melvin Way leur confère un magnétisme rare. Ils témoignent de son obsession pour l’espace et le temps, et ses équations semblent vouloir calculer les passerelles qui mènent de l’un à l’autre. Comme une manière de s’en affranchir, d’abolir la place qui nous est assignée par ces concepts et, ainsi, offrir des voies nouvelles à celui qui signe parfois lui-même Melvin « Milky » Way. Né en Caroline du sud, Melvin est élevé à Brooklyn par un parent de la famille. Au lycée, passionné par les sciences, il joue de la basse et chante dans un groupe. Alors qu’il engage des études au Technical Career Institute, il est progressivement atteint par d’importants problèmes psychiques. Il se consacre par la suite à la musique, puis se retrouve SDF sur l’île de Ward. C’est dans un centre pour sans-abris que, dans les années 80’, l’artiste Andrew Castrucci découvre les dessins de Melvin Way et expose son œuvre.

Melvin griffonne au stylo bille sur de petits bouts de papier d’innombrables signes, formes, formules sibyllines dont il détient seul la clé. Il travaille plusieurs semaines, parfois plusieurs mois à un dessin puis il le garde dans sa poche ou entre les pages d’un livre et intervient à nouveau dessus des années plus tard.

Aujourd’hui, Melvin Way est un créateur salué par des critiques éminents comme Jerry Saltz qui dit de lui qu’il est « un génie mystique visionnaire ».

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Heat, circa 2010.

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encre sur papier, 7.5 x 10 cm ink on paper, 2.95 x 3.94 in

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D’Sairen, circa 2010.

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encre sur papier, 5.5 x 9.5 cm ink on paper, 2.17 x 3.74 in

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george widener 1962 états-unis | united-states

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© ted degener

The inconceivably omniscient knowledge of George Widener’s calendars and the exalted and unbridled creativity both stun and interest scientists and art critics to the highest degree.

After a childhood marked by explosions of violence and anger, Widener, born in 1962, became first a technician for the US Air Force, then a painter in construction, and finally a regular at psychiatric institutions and homeless shelters. At the age of 32, it was discovered that he had Asperger’s Syndrome (or a high level of autism).

If he is given a date, he knows the major events related to it by heart. His weakness: the sinking of the Titanic, which reappears as a leitmotif of his creation.

Presented at the exhibitions “World Transformers” at theKunsthalleofFrankfurtin2010and“TheAlternative Guide to the Universe,” organized by the Hayward Gallery in London in 2013 or at the Chalet Society - The Museum of Everything, boulevard Raspail in Paris in 2012-2013, this collection already figures amongst the most important ones of art brut.

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L’inconcevable connaissance omnisciente des calendriers qu’a Widener et la créativité exaltée et effrénée qui en émane sidèrent et intéressent au plus haut point scientifiques et critiques d’art.

Après une enfance marquée par des accès de violence et de colère, George, né en 1962, est tour à tour technicien dans l’US Air Force, peintre en bâtiment, usager des institutions psychiatriques et des refuges de sans-abris. À 32 ans, l’on découvre qu’il est atteint du syndrome d’Asperger (ou autisme de haut niveau).

Qu’on lui donne une date, il connaît par cœur les événements majeurs qui s’y rapportent. Son faible : le naufrage du Titanic qui revient comme un leitmotiv de sa création.

Présenté à l’exposition « World Transformers » à la Kunsthalle de Francfort en 2010 ou à celle organisée par la Hayward gallery à Londres en 2013 « The alternative guide to the universe » ou encore à la Chalet Society -The Museum of Everything, boulevard Raspail à Paris en 2012-2013, cet œuvre figure déjà parmi les plus importants de l’art brut.

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sans titre| untitled, 2009.

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encre et feutre sur papier de riz , 33 x 55.5 cm ink and felt tip on rice paper, 13 x 21.85 in

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adolf wölfli 1864 - 1930 suisse | switzerland

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Adolf Wölfli, born in Bowil (Switzerland) in 1894, had a rough childhood : his father, a stone sculptor who drank away all of his paychecks, abandoned his family in 1872. Adolf and his mother were sent to farms as laborers, but she died shortly thereafter. From then on, the young boy wandered from family to family, sometimes being treated harshly yet still managing to continue his studies. Disappointments in love affected him greatly and affected his development. In 1890, he went to prison after two attempted rapes; five years later, a third one provoked his internment at the psychiatric ward of Waldau near Berne, where he died in 1930 of stomach cancer.

Starting in 1899, Wölfli delved into the depths of creation and elaborated a universe as personal as it was complex, narrating the epic of St. Adolf II. In it, he reinvented his past and projected a utopic future in which St. Adolf II colonizes the universe up to the furthest reaches of space, an inordinate universe that obliged Wölfli to augment the numerical system by multiple units, the highest of which was called anger. To celebrate this advent, drawings, writings, collages and musical staves were put in dialogue in a proliferation of 25,000 pages. The psychiatrist Morgenthaler dedicated a work to him in 1921: A Mentally Ill Man as Artist. Many artists and collectors were interested in his work during his lifetime: Wölfli thus agreed to sell them “Brodkunst,” which he made specifically for the occasion. Rediscovered by Jean Dubuffet in 1945, thismonumentalworkenjoysinternationalrecognition.

Surely it fascinates through its rare capacity to “defy our way of thinking and fundamentally modify our vision of the world” (D. Baumann).

Adolf Wölfli, né à Bowil en 1864, connaît une enfance rude ; son père, tailleur de pierre qui noyait sa paye dans l’alcool, abandonne sa famille en 1872. Adolf et sa mère sont placés comme manœuvre dans des fermes mais elle décède peu de temps après. Dès lors, le jeune garçon erre de famille en famille où il connaît parfois d’âpres traitements tout en parvenant à suivre une scolarité. Des déceptions amoureuses l’affectent grandement et marquent son parcours. En 1890, deux tentatives de viol le mènent en prison ; cinq ans plus tard, une troisième provoque son internement à la clinique psychiatrique de Waldau près de Berne, où il mourra en 1930 d’un cancer de l’estomac.

Dès 1899, Wölfli plonge dans l’antre de la création et élabore un univers tant personnel que complexe narrant l’épopée de St Adolf II. Il y réinvente son passé, puis projette un avenir utopique où St Adolf II colonise l’univers jusqu’aux confins de l’espace, empire démesuré qui oblige Wölfli à augmenter le système numérique de plusieurs unités dont la plus élevée se nomme colère. Pour célébrer cet avènement, dessins, écritures, collages et portées de musique dialoguent en un foisonnement de 25 000 pages. Le psychiatre Morgenthaler lui consacre un ouvrage en 1921 : Un Malade mental en tant qu’artiste. Plusieurs artistes et collectionneurs s’intéressent de son vivant à son œuvre : Wölfli accepte alors de leur vendre des « Brodkunst » qu’il fait spécifiquement pour l’occasion. Redécouvert par Jean Dubuffet en 1945, cet œuvre monumental jouit d’une reconnaissance internationale. Sans doute fascine-t-elle par sa capacité rare à « défie[r] notre mode de pensée et modifie[r] fondamentalement notre vision du monde » (D. Baumann).

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verso sans titre | untitled, (Gold=Ringen in China ), 1922 106

crayon de couleur et crayon sur papier, 58 x 44 cm coloured pencil and pencil on paper, 22.83 x 17.32 in

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henriette zéphir 1920 - 2012 france | france

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© mario del curto

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Henriette Zéphir was born near Toulouse in 1920. Her parents working far from her village of birth, she was raised by her grandparents. Although having received a religious education, she is neither pious nor a practicing.

Marrying a Martiniquan in 1941, the couple decide to relocate to the French Antilles. However, their journey is stalled in Casablanca, where their first daughter is born.

Her husband conscripted, Henriette stays 2 and a half years alone in Morocco. After the war, they finally arrives in Martinique. However, Henriette finds it difficult to adapt, feeling constantly an exile. She parts ways with her husband by 1956 and settles in Nice.

May 1st, 1961 in a revelation, she confronts her «Guide» for the first time. From this moment on, Henriette devotes herself to what she calls « the occult ». The extreme demand of the Guide expresses itself in diverse manners : during sessions of drawing, the pen will settle on a sheet of paper and will remain until the space is completely filled. Other times, the Guide imposes on her sessions in which she must lie prostrate on the ground or kneel for hours, as it dictates messages which she must scrupulously jot down. Henriette considers herself an instrument of these forces of the netherworld world and seems doubtful when one considers the product of her process as mere art. Spotted by Jean Dubuffet himself, this clairvoyant’s meandering creations - a confluence of the organic and the vegetal, where geometry reveals the spiritual - were exhibited as early as 1967 in the first exhibition of art brut opened to the general public at the musée des Arts Décoratifs.

The gallery dedicated her a monographic exhibition and catalogue in 2011.

Henriette Zéphir est née en 1920 près de Toulouse. Ses parents travaillant loin de son village d’origine, elle est élevée par ses grands-parents. Bien qu’ayant reçu une éducation religieuse, elle n’est ni pieuse ni pratiquante.

Mariée à un Martiniquais en 1941, le couple part pour les Antilles ; au cours du voyage, les jeunes époux sont bloqués à Casablanca, où naît leur première fille. Son mari mobilisé, Henriette reste 2 ans et demi seule au Maroc. Après la guerre, ils rejoignent finalement la Martinique, néanmoins, Henriette ne s’adapte pas, se sent constamment en exil : elle se sépare de son mari vers 1956 et s’installe à Nice.

Le 1er mai 1961 se manifeste pour la première fois son « guide », dès lors, Henriette s’adonne à ce qu’elle appelle « l’occulte ». L’exigence extrême du guide s’exprime de diverses manières : lors de séances de dessin, le stylo se pose quelque part sur la feuille et ne s’en détache qu’une fois tout l’espace rempli. D’autres fois, il lui impose des séances de prostration, couchée par terre ou à genoux durant des heures, il lui dicte des messages qu’elle doit scrupuleusement noter. Henriette se considère comme l’instrument de ces forces de l’au-delà et paraît circonspecte qu’on puisse qualifier ses productions d’art. Repérées par Jean Dubuffet lui-même, ces créations médiumniques méandreuses où l’organique le dispute au végétal, où la géométrie rend compte du spirituel, furent exposées dès 1967, au musée des Arts Décoratifs, première exposition d’art brut ouverte au grand public.

La galerie lui a consacré une exposition et un catalogue monographiques en 2011.

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sans titre| untitled, 1965 112

crayon de couleur et encre de Chine, stylo bille sur papier Moirans, plastifié, 31.8 x 23.3 cm colored pencil and ink shift, pen ballpoint on paper Moirans, plasticised, 12.52 x 9.17 in

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sans titre| untitled, 2008 114

encre de Chine sur papier, 28.9 x 19 cm ink on paper, 11.38 x 7.48 in

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Corse| Corsica, 1965 116

encre de Chine sur papier, 50 x 21.3 cm Indian ink on paper, 19.7 x 8.4 in

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sans titre| untitled, 1990 118

aquarelle à la plume sur papier, 40.5 x 31 cm watercolour on paper, 15.94 x 12.2 in

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sans titre| untitled, 1990 120

aquarelle à la plume sur papier, 41 x 31 cm watercolor on paper, 16.14 x 12.2 in

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remerciements à | special thanks to hélène barré, walter benjamin, elisa berst, mario del curto, chiara d’andrea, benedetta grazioli, carmen et daniel klein.

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Achevé d’imprimer en janvier 2014.