EE.UU años 50 y 60

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EE.UU

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a単os


Ă?ndice


1950 Estilo de vida americano pag / 4 - 13

american way of life

1960 Pop art Pop Art

pag / 14 - 19

Andy Warhol

pag / 20 - 31

Roy Linchtentein

pag / 32 - 39

Movimientos contraculturales Movimiento Hippie

pag / 42 - 49

Movimiento Underground

pag / 50 - 53

BibliografĂ­a

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195 est


50 tilo de vida


American Way of Life


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Como consecuencia de la implantación del llamado Estado de bienestar, a partir de fines de la II Guerra Mundial, importantes sectores sociales de los países industrializados aumentaron, considerablemente, su poder adquisitivo. Para mantener esa situación de mejoramiento salarial y de cobertura social, era necesario acrecentar la producción y, en forma paralela, el consumo para que se pudiera absorber todo lo fabricado. Así aumentarían las ganancias de los industriales que, a su vez, dispondrían de más capitales para seguir mejorando la capacidad adquisitiva de las clases medias y bajas, formando un círculo en el cual todos los elementos debían conservar el equilibrio. Todo esto se hizo posible gracias a los adelantos tecnológicos. Para sostener este nivel de vida, era necesario aumentar el consumo, aun de productos superfluos que comenzaron a ser publicitados como imprescindibles. En los Estados Unidos el nuevo estilo de vida, que comenzó a difundirse como el american way of life, para ello, se utilizaron dos elementos: la publicidad y la disminución de la calidad de los productos, con el fin de que tuvieran menor vida útil y por lo tanto,

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Esta forma de vida se basaba en el consumo de todo tipo de artículos, como uno de los principales caminos para nuestra realización. Se dejaban en segundo plano otros valores culturales, como el crecimiento intelectual o espiritual. Las características de ese “estilo” fueron —además del consumismo— la exageración, la ostentación de la riqueza y la grandiosidad, reflejadas en todos los órdenes. La industria automotriz norteamericana, por ejemplo, se diferenció de las demás por el enorme tamaño de sus vehículos y por su mayor potencia. Se creó, una notoria influencia y hasta dependencia cultural, pues el resto de los países estuvieron influidos por la moda y las preferencias norteamericanas, más allá de sus propias tradiciones o idiomas.

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d a d e i c o s a L o m u s n o c l de

En las sociedades de los países desarrollados —y en cualquier lugar del mundo donde se hace sentir la influencia del modelo dominante del capitalismo industrial— el trabajo se ha convertido en una forma de obtener dinero y éste en un medio para conseguir bienes. Esta cadena que llamamos “sociedad de consumo” es producto del gran crecimiento económico de los años siguientes a la posguerra. La venta de productos de consumo crece de forma imparable gracias a la publicidad, dirigida a una población cada vez más amplia, que se encuentra en condiciones de adquirirlos. Las nuevas técnicas publicitarias presentan los productos no sólo de forma atractiva, sino haciéndolos indispensables.

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Consumir se transforma una nueva escala de valores, donde prima el éxito ec sustituido a otr

todo se c y se ve

Después de la II Guerra, el avance tecnológico (en electrónica, física y químic de la producción industrial. Para mantener y aumentar el nivel de ganancias de los sectores medios y bajos en el mercado consumidor de productos antes rese etc. Dos elementos fundamentales ayudaron a instalar el consumismo: la p televisión, de los diarios y de las revistas, el deseo por acceder a un mundo id de productos. Incluso, las manifestaciones artísticas, como la música, el cine discográficas, las distribuidoras cinematográficas y las empresas teatrales o la difusión que la creación artística en sí misma. Tenía más valor lo más cono artís

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conómico, la abundancia de bienes y la búsqueda del máximo bienestar, ha ros principios.

compra y ende

ca), la mayor disponibilidad de mano de obra, ocasionaron un gran incremento e los empresarios, fue necesario elevar el consumo, para lo cual se incorporó a ervados a las clases privilegiadas, tales como, electrodomésticos, automóviles, publicidad y las ventas a crédito. Se estimulaba a través del cine, la radio, la deal y fantástico, al cual sólo se ingresaba comprando determinadas “marcas” e, el teatro o la literatura, eran impuestas por la propaganda de las empresas editoriales. Había nacido la cultura de masas, en la que era más importante ocido que lo más creativo o mejor producido. Prevalecía lo comercial sobre lo stico.

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t r a p o p




El arte POP es un estilo muy típico de años sesenta y setenta del siglo XX. Nació y se desarrolló primero en Estados Unidos (Nueva York fundamentalmente) pero pronto pasó a Europa occidental. El pop es toda una cultura de esa época ligada a los medios de comunicación de masas, al consumo de drogas, a la música, a la vida enloquecida y desbocada, a una sociedad de consumo desaforado y a un gusto generalizado por lo inmediato y efímero. Los artistas del pop pretenden llegar al máximo público posible, sin elitismos ni exclusiones. Su mensaje es sencillo y claro y se dirige al común de la sociedad. No se persigue la originalidad sino más bien la reinterpretación de fotografías, grabados y pinturas anteriores. Fundamental es el color, chillón y provocador, así como la temática, muy simple y directa. No se crea realmente nada nuevo sino que más bien los artistas POP hacen llegar al gran público las diferentes propuestas artísticas. Tal vez sea el primer estilo artístico que procura ser comprendido por todo el mundo y que se esfuerza por mostrar una estética popular. Contornos claros, colorido variado y fuerte y ausencia de grandes mensajes. No hay reivindicaciones, denuncias de injusticias, heroísmos o grandilocuencias.


El consumismo y la imagen, reyes de nuestro tiempo, son los dueños del POP. De ahí la complicidad con el mundo de la publicidad y el cartel promocional. A los artistas POP les interesaba más vender que innovar artísticamente. Los diversos pintores de este estilo reaccionan contra el abstractismo al considerarlo alejado de la realidad y difícilmente entendible por la población. Ellos se basan en la realidad cotidiana, a veces demasiado cotidiana ( botellas de Coca Cola, botes de tomate, fotos de Marilyn coloreadas, etc.). Eso sí, todas las obras presentan enormes dimensiones. Es posible que estés tentado de pensar que este arte POP es tan simple que cualquiera lo puede hacer. Es posible, pero en arte lo valioso es la originalidad, lo nuevo. Sin embargo la copia no se cotiza casi nada. Así que ya sabes, si crees que vales como artista, no copies nada anterior, invéntate tú algo y a ver si tienes suerte. En esta exposición puedes ver obras de dos grandes maestros del pop: Roy Lichtenstein y Andy Warhol.


andy warhol



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Nació el 6 de agosto de 1928 en Pittsburgh, Pennsylvania, en el seno de una familia de origen checo. Artista plástico estadounidense. Hijo de emigrantes eslovacos, inició sus estudios de arte en el Instituto Carnegie de Tecnología, entre 1945 y 1949. En este último año, ya establecido en Nueva York, comenzó su carrera como dibujante publicitario para diversas revistas como Vogue, Harper´s Bazaar, Seventeen y The New Yorker. El cambio de apellido (de Warhola a Warhol) se debió a un error; la revista Glamour Magazine publicó un dibujo suyo titulado Success is a Jobz en agosto de 1949, pero por una equivocación su apellido apareció como Warhol, en lugar de Warhola. Desde entonces decidió utilizar el nuevo apellido.

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En los años sesenta atrajo la atención con exposiciones de imágenes sorprendentemente banales. La importancia de estas imágenes reside en el hecho de que fueran objetos cotidianos y que, al ser impresos, podían ser repetidos mecánicamente hasta el infinito.

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Botellas de Coca-Cola (1962, Whitney Museum of American Art, Nueva York)

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Marilyn Monroe

(1962, colecci贸n de Mr. y Mrs Burton Tremaine)

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Lata de sopa Campbell (1965, Leo Castelli Gallery, Nueva York)

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cinematografĂ­a


Siguió el mismo camino en su trabajo cinematográfico experimental. En 1963 rodó su primer largometraje con un plano secuencia de un hombre durmiendo: “Sleep”, de 8 horas de duración, en la línea vanguardista del músico Erik Satie y, “Empire”, plano secuencia de ocho horas del edificio Empire State Building. Su cine, lo componen títulos como “Blow Job”, “Couch”, “Mario Banana”, “Harlot”, “My Husler” y la famosísima “The Chelsea Girl” rodada y proyectada mediante dos proyectores en dos pantallas, simultáneamente.

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Desde planteamientos hiperrealistas, realizó todo su cine, de 1963 a 1973, de forma independiente, creando una serie de “superestrellas” del “Underground” como Viva, Joe Dallesandro, Nico, Ingrid Superstar, Edie Sedgwick, Mario Montez y Paul América, que interpretarán delante del “ojo salvaje” de la cámara de Warhol sus vidas modernas. Warhol nunca pintó directamente, ni dirigió, ni escribió guiones ni colocó la cámara en ninguna de sus películas. Intervino más como ideólogo y artista famoso que firma un “producto” artístico.

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Entre las publicaciones de Warhol destacan Mi filosofía de A a B y de B a A (1975) y America (1985), colección de fotografías sobre la vida en Estados Unidos. De 1969 hasta su muerte publicóInterview, revista mensual con artículos ilustrados sobre las celebridades del momento. Al final de su carrera seguía participando en proyectos realizados en colaboración: así, trabajó con Jean Michel Basquiat y Francesco Clemente en lienzos pintados por los tres artistas. Las obras de las series de 1986,The last Supper (La última cena), Camouflage (Camuflaje) y SelfPortrait (Autorretrato), alcanzaron proporciones monumentales. Consideradas poco después como reflexiones sobre una muerte que le llegaría el 22 de febrero de 1987, a las 6:31h de la mañana, en el New York Hospital después de una operación a la que había sido sometido. Muchos le consideran como el artista americano más influyente de la segunda mitad del siglo XX. Aun vivo ya era una leyenda por obra, su extravagancia, el número de los escándalos que suscitó, sus 200 pelucas y su vestuario sin olvidar sus decenas de Rolex. El propio Warhol se había convertido por derecho propio en una imagen de marca registrada. 31


Roy Lichtenstein


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Roy Fox Lichtenstein nace el 27 de octubre de 1923. Roy Lichtenstein fue uno de los máximos exponentes del arte pop americano. En sus obras representó temas de la sociedad de consumo, de la vida cotidiana y de la cultura de masas, que sacaba de la publicidad, los cómics y las revistas populares. A través de estas composiciones, en apariencia sencillas, pintadas casi exclusivamente con colores primarios, hizo una personal crítica del mundo contemporáneo

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Entre. 1939 y 1940 estudió pintura en la Art Students League y posteriormente en la Ohio State University en Columbus, donde le influyeron mucho las ideas de Hoyt Sherman acerca de que el arte es un sistema donde la percepción está organizada. Al comienzo de su carrera se ganaba la vida como profesor de arte y como escaparatista, y sus primeras pinturas trataban los típicos temas americanos con un estilo influido por el cubismo y el expresionismo. En 1951 celebró, con poco éxito, su primera exposición individual en Cleveland. Entre 1957 y 1960 su obra se contagió de la corriente dominante en el arte americano del momento: el expresionismo abstracto. Más tarde, y tras haber experimentado con una versión personal del cubismo y el constructivismo, volvió a mirar a la realidad cotidiana, dominada en aquel momento por las imágenes prefabricadas de la cultura de masas. Comenzó un nuevo tipo de pintura —que se denominaría pop— inspirada en los temas y las imágenes de la nueva sociedad que se perfilaba en Estados Unidos. En 1961 realizó sus primeras obras de gran formato con imágenes sacadas de los cómics que definirían a partir de entonces su producción artística. Su característica técnica imitaba los puntos benday, un proceso de impresión industrial usado en los cómics que, a base de pequeños círculos coloreados, representaba las variaciones cromáticas de una manera muy esquemática

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in the car

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woman in bath


ohh alright

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movimient contra


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’s

tos aculturales


movimiento hippie


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Durante la década de los 60, muchos fueron los movimientos de jóvenes que se formaron con el afán de mostrar sus ideales. Pero fue especialmente uno el que marcó no sólo a un país sino que al mundo entero con su moda, pensamientos, música y estilo de vida pacifista. Esas fueron las bases del hippismo. En 1965, el periodista Michael Fallon definió el término hippie refiriéndose a la reunión de los beatniks y bohemios. Sin embargo, las primeras comunidades se habían formado en 1964. La sociedad rechazó y criticó a este grupo de jóvenes que se escapaban de los cánones sociales previamente establecidos. No aceptaban la forma de vida que llevaban, la ropa estrafalaria llena de colores, el pelo largo y su discurso crítico, político y pacifista.

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La música acompañó a este movimiento destacando dentro de sus máximos exponentes a Jim Morrison, Janis Joplin, Joe Coker, Jimi Hendrix, Led Zeppelin, The beatles,Pink Floyd, Santana, entre otros.

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Este movimiento se caracteriza fundamentalmente por su sentido pacifista y es más su nacimiento se debió a las constantes presiones de guerras inminentes. La guerra en Vietnam fue uno de los blancos predilectos de los pacifistas hippies En 1969 se realizó el megaevento de Woodstock, que reunió a miles de jóvenes al son de la música, el amor libre y las drogas. Los hippies se transformaron, de un momento a otro, en portada de revistas tan importantes como Time y Life. La prensa ayudó a que esta corriente se difundiera y se imitara en todo el planeta.

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Eran años rebeldes, en donde las nuevas generaciones querían un mundo nuevo. Premonizando su fin, el grupo de jóvenes realizó un acto conocido como ‘La muerte del hippie’, donde simularon el entierro de su movimiento. La procesión cargó un ataúd lleno de reliquias de la ideología. Poco a poco el movimiento se fue extinguiendo y aunque hoy aun existen personas adherentes al movimiento, este es menos masivo”

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movimiento underground


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Underground es una voz del inglés para referirse a aquellos movimientos, manifestaciones culturales o expresiones artísticas que están a contracorriente de la tradición, el canon y la cultura oficial. En este sentido, se trata de movimientos contraculturales que se encuentran fuera de las tendencias de moda. En inglés, su antónimo es mainstream. Como tal, la cultura underground comprende un conjunto de movimientos, corrientes y obras de carácter crítico, contestatario o experimental, que suelen ubicarse al margen de los circuitos comerciales tradicionales. Por lo general, son expresiones que se dan, fundamentalmente, dentro de la dinámica de la cultura urbana contemporánea. En este sentido, hay música, cine, literatura y arte underground. Movimientos musicales surgidos de la escena underground y que posteriormente se han popularizado son el rap, el hip hop y el reggaetón. Asimismo, otros géneros, como el punk, el grunge y el metal se han gestado también en el ambiente underground. A lo largo de la historia otros movimientos naturaleza underground han sido la resistencia clandestina durante la segunda guerra mundial, o movimientos contestatarios como el hippie y el beat en los Estados Unidos.

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The Velvet Underground fue una banda de rock formada en Nueva York más representativas de este movimiento. Aunque nunca alcanzó el éxito comercial, es una de las bandas de rock más influyentes de la historia y posee un intenso culto, a pesar de haber durado pocos años. Fue una de las primeras bandas en experimentar con la forma e incluir influencias avant-garde y, especialmente, el ruido de guitarras que los hizo definir el uso del noise dentro del rock.

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Bibliografía

•Wikipedia •biografiasyvidas.com •march.es •historiaybiografias.com •Apuntes

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Cristian Largo.

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