5yacción. Edición 2 by 5 y acción

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Edición 2/Año1 Noviembre 2012 www.cincoyaccion.com.ve

MmIiGgUuEeLl FfEeRrRrAaRrIi: “En el cine no puedes fiarte de nada”

04 Propuestas SúperCharles

08 Gran Pantalla 18Tras el lente El Yaque, pueblo de campeones

KM 72

24 Ellos son cine Greisy Mena

Editorial

Iniciativas

David Pernía

Cine Crónica

Un mes y cinco festivales, gran experiencia para 5 y acción. De oriente a occidente, de norte a sur, pasando por nuestra querida Caracas, tuvimos oportunidad de conocer, desde la perspectiva de sus propios protagonistas, parte de ese proceso de transformación que vive nuestro cine nacional.

Este número está cargado de experiencias y anécdotas, de tips sobre cómo hacer un buen trabajo, de ejemplos para quienes a veces desmayan en la lucha por lo que sueñan. Son historias cotidianas que muestran la riqueza del talento venezolano y la importancia de la preparación y la perseverancia.

Niños y jóvenes haciendo cine, pueblos alejados interesados en contar sus historias y por supuesto, realizadores emergentes que se esfuerzan, no sólo para hacer bien lo que les gusta sino para presentar propuestas frescas y modernas, que sin duda alguna están dejando huella en el corazón de los espectadores.

Nuevos estrenos coquetean con nuestra gran pantalla, todos hechos con pasión y entusiasmo. En las próximas líneas podrán conocer una pequeña parte de lo que esconden cada una de estas producciones y sus creadores, vale la pena dedicarles un tiempo y no dejar de apostar por un buen cine venezolano

Sergio Siugza/Fotografía: 5 y acción De mano de los hermanos Siugza

“CcIiNnEe CcRrÓóNnIiCcAa”: 25 AÑOS con y para el CINE Primero se llamó “El Cine y su Música”, transmitido desde “Radio Satélite” en Guacara, Estado Carabobo, en 1987; luego “Venezuela y el Cine”; después “La música y el Cine” desde Radio Universitaria UC 104,5 FM. El primer intento audiovisual fue desde TVS Maracay en 1998 Con nombres varios para Radio, Televisión e Impresos, lo que hoy conocemos como “CINE CRÓNICA” llega a sus 25 años al servicio del Cine y del Cine Venezolano en particular

FfUuNnDdAaCcIiÓóNn CcIiNnEeMmAaTtEeCcAa NnAaCcIiOoNnAaLl: un reconocimiento al cine nacional Xavier Sarabia Mariche, presidente de la Fundación Cinemateca Nacional y fiel promotor del cine venezolano, nos explicó que uno de los aspectos más importantes de la época que está viviendo la industria cinematográfica en el país es el “RECONOCMIENTO innegable nacional que proviene de críticos, analistas y sobre todo de la audiencia, de los propios realizadores, de las actrices, de los técnicos; un RECONOCIMIENTO de que el cine tiene un gran auge en este momento”. La Cinemateca Nacional, con Sarabia a la cabeza, está comprometida con el desarrollo y apoyo de proyectos que incentiven a los realizadores audiovisuales y por supuesto,que beneficien a la comunidad, a través de oportunidades para la recreación, la cultura, la educación y sano esparcimiento.

Estrenar el Cine Nacional, Ver y Volver al Cine, Cine Accesible, Martes en 24 Cuadros, Sábados y Domingos Infantiles, ciclos de cine alternativos, así como el fortalecimiento de la Red de Salas Regionales y Comunitarias distribuidas en el territorio nacional, son sólo algunas de las propuestas que impulsa la Cinemateca Nacional para contribuir con la transformación que desde hace algunos años viene experimentando el cine nacional. Para más información: www.cinemateca.gob.ve @cinematecavzla Fe de errata: Declaraciones de Xavier Sarabia Mariche en nuestra edición numero 1, correspondiente al mes de Octubre

Créditos Director: David Pernía DISTRIBUCIÓN GRATUITA

Edición 2/Año1 Noviembre 2012 www.cincoyaccion.com.ve

Editora: Marlyn Da Costa Periodistas: Marlyn Da Costa y Bárbara De Jesús

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04 Propuestas SúperCharles

08 Gran Pantalla 18Tras el lente El Yaque, pueblo de campeones

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24 Ellos son cine Greisy Mena

Este periódico no se hace responsable por las opiniones y comentarios emitidos por sus colaboradores. 5 y Acción es una publicación de As de Trébol Produciones CA. Rif: J-400096421. Depósito legal: pp201201MI1551

Colaboraciones: Sergio Siguza

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Agradecimientos: Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (CNAC), Juan Carlos Lossada, Alizar Dahdah Antar, Leonardo Pineda, Evelyn Márquez

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Promediando la década de 1980, tal vez el momento más bajo de la chatura artística y creativa que caracterizó a ese decenio, la oferta cultural se repartía entre la superficial moda “Glam”, propuesta por el bombardeo de la industria del entretenimiento, y los movimientos de resistencia que trataban de prolongar la vigencia de las altas expresiones artísticas y comunicacionales que habían caracterizado a los 70, mientras, fruto de la efímera vida de los “productos” explotados por el vertiginoso mercado, se producía el inevitable y sano ocaso que devendría en el esperado renacimiento estético. En ese contexto, a principios del mes de Marzo de 1986, nace la “Agrupación Cultural Rabo de Nube”, en Valencia, Estado Carabobo, cuyos fundadores serán protagonistas y responsables de la organización de más de 30 Festivales de Cine, proyecciones especiales y múltiples actividades culturales que llegan hasta el presente. En ocasión del estreno de la película “Ifigenia” (dirigida por Iván Feo) y junto al cineasta y amigo Carlos Pineda, el viernes 30 de Abril de 1987 en la sala de “Cine Arte Patio Trigal”, se percibe la necesidad de crear un espacio para hablar de cine, para promover al cine, y en especial al Cine Venezolano.De esa inquietud nace “El Cine y su Música”, programa transmitido por “Ra-

dio Satélite”, apartir de julio de 1987, conducido por Daniel Siugza. Fueron muchas las frecuencias: Radio Latina 99,1 FM; La Mega 95,7 FM; Cosmopolitan 107,9 FM; Stereo Tips 100.9 FM; Universitaria UC 104,5 FM. Y fueron también muchos los nombres: “La Música y el Cine”; “Venezuela y su Cine”; “Radio y Cine Venezolano” entre otros. En 1993, y ante el inminente estrenodel primer programa temático en Radio Puerto Cabello, se elige “El Cine, Crónica de lo Posible”, inspirado y parafraseando a “Cine, Mitología de lo Cotidiano”, programa producido y moderado por Rodolfo Izaguirre, por entonces director de la Cinemateca Nacional. Desde esa fecha, “El Cine, Crónica de lo Posible”, ha estado ininterrumpidamente al aire por diferentes emisoras de radio, con programas completos, micros y especiales transmitidos desde el centro del país. El primer intento audiovisual se produce en 1998 a través de TVS Maracay. Este inicio se ve truncado tempranamente ante una actitud apática, tanto del Estado como de la empresa privada. 2007 es el año de la recompensa. El Cine, crónica de lo posible es incluido en la parrilla de programación original de la naciente Televisora Venezolana Social “TVes”.

Lil Rodríguez, quien cargó con la responsabilidad de dirigir el lanzamiento de este desafío comunicacional del Estado venezolano, confió en esta propuesta, a la cual otorgó una hora semanal en horario central y repeticiones regulares. Esta nueva etapa de El Cine, crónica de lo posible se extendió a tres temporadas consecutivas. La Sexta Temporada, en fase de rodaje, producida con recursos provenientes del Fondo de Responsabilidad Social de CONATEL, está centrada en la producción del Cine Comunitario y su importancia en el registro de este momento histórico del país, incluye, además, la pertinencia de los festivales nacionales como espacios de encuentro de las diversas propuestas audiovisuales nacionales y su posicionamiento en los festivales internacionales. Cinéfilas, cinéfilos, creadores, productores y amantes del audiovisual, cuentan con un espacio de encuentro semanal en “Cine Crónica”, hasta siempre… CONTACTOS: cinecron@hotmail.com y girosmerida@gmail.com

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SsÚúPpEeRrCcHhAaRrLlEeSs:

Nuevas Propuestas SúperCharles El casco histórico de Maracaibo esconde su guarida de ilusiones

Marlyn Da Costa/Fotografía: Lara-Zulia Films

SsÚúPpEeRrCcHhAaRrLlEeSs: El cortometraje muestra la vida de dos niños de la calle que por las noches se transforman para escapar de su realidad y ayudar a quienes lo necesitan Esta realización es una propuesta de La Boutique Audiovisual: Lara – Zulia Films, con el respaldo de CNAC y su estreno está previsto para el próximo 25 de Enero

dos superhéroes que se ganan la vida en los semáforos

Para Ysidro Soré y Marielvy D’Apollo, creadores de SúperCharles, no sólo la historia sino la producción, desde la idea hasta su montaje, fue una aventura. Todo comenzó cuando decidieron aplicar al financiamiento del Centro Nacional Autónomo de la Cinematografía (CNAC) para Producción de Cortometraje de Ficción por primera vez y quedaron seleccionados. Marielvy nos cuenta con la satisfacción de ver su obra ya en fase final que lo importante es trabajar organizadamente, cuidar los detalles y cumplir a cabalidad lo previsto, pues esto no sólo permite optimizar recursos físicos y económicos sino obtener el producto esperado. Del proceso rescata que“es uno de los guiones más rápidos que hemos escrito en nuestra vida, ya nosotros habíamos metido desarrollo de guión, que es como lo primero que una aplica al CNAC y dijimos, por qué no meter cortometraje, salió la idea y el corto fue escrito en 4 días y todo se hizo en 2 semanas”. Del proyecto a presentar y por supuesto a realizar, Marielvy afirma que el presupuesto es uno de los requerimientos más complicados, sobre todo en el caso de ella e Ysidro que nunca habían hecho cine en el país, para presentarlo ante el CNAC contaron con el apoyo de Diego Velazco, director de La Hora Cero, quien los ayudó con todo el desglose de rubros. Además, para el rodaje contaron con el respaldo del Centro de Arte Lía Bermúdez, el Museo de Arte Contemporáneo Maczul y la empresa Café Imperial, donde hicieron la guarida de los niños. Finalmente, la productora de este cortometraje resalta que la practicidad ha sido clave en el desempeño de este rol. “Cuando nosotros hicimos el guión ya sabíamos cuales eran las locaciones, siempre pensando en función de la practicidad, por ejemplo, yo sería incapaz de llevarme a unos niños donde no haya baño”.

Un cuento hecho realidad Ysidro Soré, comunicador social, director, guionista y editor, fue el responsable de convertir a SúperCharles en imágenes. Junto a Pablo Barboza, Director de Fotografía y Valeria Hanna, Directora de Arte, hicieron de esta una historia que combina la realidad con la ficción, respetando las peculiaridades del diarismo marabino.

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Del estilo visual, el padre de SúperCharles explica que trabajaron en la construcción de 3 mundos principales, asociados al universo de los niños. En este particular, el trabajo fotográfico fue fundamental para acentuar las diferencias y así lo describe: El primer mundo es la “CALLE DE DÍA”, donde Charles y

Súper trabajan y se relacionan con los personajes de esta comunidad, protegidos por su gente y la frenética dinámica que brinda el casco central de un ciudad latinoamericana, en este caso Maracaibo. El tratamiento fotográfico de este mundo se manejó principalmente con cámaras estáticas (en trípode) que acentúan la seguridad que sienten los niños durante el día que contrasta con el caos cotidiano; a la vez una iluminación abundante y relativamente plana no deja lugares oscuros en los cuales pudiera acechar algún peligro para los niños. El segundo mundo es la “GUARIDA SECRETA” de Charles y Súper, un mágico lugar al que llaman hogar, donde tienen la libertad de dejar volar su imaginación y ser quienes ellos realmente quieren ser. La calidez en la iluminación fue la herramienta perfecta para acentuar el sentimiento de hogar en este mundo. El tercer mundo es “LA CALLE DE NOCHE”, un lugar que Charles y Súper evitan a toda costa, en el cual personajes diferentes a los del día hacen que la vida de los niños sea más difícil de lo que es. La iluminación de estos escenarios fue de alto contraste, dejando zonas oscuras en los planos para mantener viva la sensación de peligro en la historia. Sobre la dirección de arte, Ysidro nos cuenta que Valeria se esmeró en la construcción de la “Guarida Secreta” y los “Trajes de Superhéroes”, todo a la altura de la imaginación de Charles y Súper. “En un trabajo muy cercano con el departamento de fotografía y dirección se llegó a una paleta de colores que transmitiera el sentimiento representado en cada uno de los mundos de esta historia”.

Con música propia Los creadores nos cuentan que “la composición de la música original estuvo a cargo de Vicente Avella, talentoso compositor venezolano radicado en Los Ángeles, USA; en donde, al igual que la fotografía, fue diseñada específicamente para cada intención dentro de la historia. Por ejemplo, cuando los niños corretean por la ciudad y se sienten libres, instrumentos de cuerda y pianos de juguete brindan melodías que emulan canciones de cuna y dan sensación de seguridad; mientras que cuando los niños se sienten amenazados la tonalidad musical cambia completamente a sonidos bajos combinados con percusión que acentúan el estrés de las situaciones”. “El diseño sonoro estuvo a cargo de Gustavo González, director de Taurus Studio; quien dio vida sonora a SúperCharles, enriqueciendo la historia con imágenes sonoras que resaltan el mundo que rodea a Charles y Súper, en especial sus mágicos donde juegan a ser superhéroes”.

SINOPSIS

MÁS FICCIÓN

Charles y Súper son dos niños de la calle que de día trabajan en los semáforos para sobrevivir y de noche se transforman en superhéroes para escapar de la realidad en la que viven y ayudar a otros en necesidad.

Ysidro y Marielvy han participado con sus cortometrajes en diversos festivales obteniendo múltiples reconocimientos, entre ellos destacan el Festival del Cortometraje Nacional “Manuel Trujillo Durán” 2010, donde participaron sus cortometrajes realizados en Los Ángeles: “Rose’s Fable” y “DrawThe Line”; haciéndose acreedores del Premio al Mejor Cortometraje Internacional por “Rose’s Fable”. En el año 2011, “DrawThe Line” fue selección oficial en del Festival Elco Oriente y el Festival de Cortos de Barquisimeto; ese mismo año obtuvieron el 5to lugar en el concurso de Cine Animado del Festival del Cine Nacional en Mérida con su corto “El Duelo”.

FICHA TÉCNICA Género: Aventura, Drama Idioma: Castellano Formato de Filmación: Video HD Formato de Proyección: 35mm Sonido: Dolby Digital Fecha de Culminación: Enero 2013 País de Producción: Venezuela CAST

Para Ysidro: Un verdadero trabajo de superhéroes Todo Director que vaya a enfrentar el reto de trabajar con niños debe tener un período previo de preparación física y mental para estar a la altura de lo que se avecina. En el caso de SúperCharles tuvimos un período previo al rodaje de 2 meses, en el que no sólo se ensayaban las escenas con el guión, sino que teníamos actividades de grupo en las que reforzamos los lazos de amistad entre los niños para convertirlos casi en familia, desde juegos y meriendas hasta bailes y conciertos improvisados con instrumentos musicales. En el set, físicamente es un trabajo demandante porque no sólo eres director, sino también niñero, y para mantener a los niños con la energía necesaria para completar las escenas debían estar en actividad constante, lo que me incluía a mi también. El trabajo con niños es muy difícil pero a la vez satisfactorio, me mantuvo los pies en la tierra todo el tiempo, porque uno es el que se tiene que adaptar al ritmo de los niños, y no lo contrario. Aprendí a mantenerme alerta en el set para capturar momentos especiales de improvisación llenos de naturalidad e inocencia que hacen brillar la pantalla y dan vida a los personajes de mi historia. Trabajar con niños es una experiencia única y no lo pensaría 2 veces en repetirla.

Charles: Jesús Muñoz Súper: Keisbel Barrios Amanda: Irianny Báez

CURIOSIDADES

CONTACTO www.supercharles.com Facebook: http://www.facebook. com/SuperCharlesLZF Twitter: @SuperCharlesLZF

• SúperCharles se rodó en la semana de Carnaval del año 2012, del 19 al 26 de Febrero para que los niños actores perdieran la menor cantidad de clases posible. • El rodaje se dió en diversos sectores de la ciudad de Maracaibo; principalmente en la Plaza Baralt, en pleno casco histórico entre el bullicio y la gran actividad comercial de día; y la soledad y silencio ensordecedor de noche. • La Plaza Baralt casi colapsa durante el rodaje gracias a los fanáticos de Henry Stephen (Mi limón, mi limonero) y Beto Parra (El Taxista Maracucho). • Ysidro Soré y Marielvy D’Apollo son esposos y cada uno ejerce el rol de Director y Productora respectivamente, pero juntos escribieron esta historia. • En el cortometraje, los chicos (Súper y Charles) son fanáticos de la historieta Súper Mandoca y Majarete Boy. • Charles y Súper son los protagonistas de esta historia y juntos forman SúperCharles. • Cuando Henry Stephen terminó de rodar su escena en la Plaza Baralt y caminaba hacia el campamento de producción en el Centro de Arte de Maracaibo Lía Bermúdez, los vendedores de CD’s Piratas colocaron a todo volumen su gran éxito “Mi limón, mi limonero”. • El actor Leónidas Urbina es amigo de Ysidro y Marielvy desde el año 2005, y acepto el rol del Villano de SúperCharles antes de que el cortometraje fuese seleccionado por el CNAC en Junio de 2011 durante el Festival de Cine Venezolano en Mérida. • Ysidro Soré (Director, Editor y Guionista), Marielvy D’Apollo (Productora y Guionista), Pablo Barboza (Cinematógrafo), Valeria Hanna (Diseñadora de Producción), Josselyn Guillén (Productora Asociada) y Elio Jordán (Asistente de Cámara) estudiaron juntos Comunicación Social Audiovisual y recibieron clases de cine de Ana María Otero “La Guari”, quien hizo Foto Fija en SúperCharles. • La Casa Productora de SúperCharles, Lara-Zulia Films, se llama así porque Ysidro Soré nació en Maracaibo - Estado Zulia, y Marielvy D’Apollo nació en Barquisimeto - Estado Lara.

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Cine Aulas

Desde el oriente

Pisando tierra firme

Mis Primeros Pies-cesitos

Una vez concretada la idea, Clorinda nos explica que fue puesta en práctica tomando como base los municipios que conforman la isla. “Hicimos una preparación previa a los facilitadores con las condiciones de los niños, les dictamos un taller, esa vez lo hicimos sobre el medio ambiente y salieron unos trabajos preciosos. Los niños participaron todos en todos los roles que existen en el cine, unos fueron directores, productores, guionistas y lo bueno es que la decisión fue en colectivo, todos presentaron su historia y entre todos votaron cual era la mejor historia.”

Con la colaboración del CNAC y el Laboratorio del Cine, este año la experiencia se replicó en todo el país. Los talleres se dieron en cada uno de los estadosy del 24 al 28 de septiembre fue el concurso.“Escogimos una escuela por cada municipio y pasamos una semana proyectándoles todas las películitas, bloquesitos de 4 por día; al final ellos votaban por la que más les gustaba”.

Marlyn Da Costa /Fotografía: 5 y acción Un programa donde el futuro se vive en presente

MmIiSs PpRrIiMmEeRrOoSs PpIiEeSs-CcEeSsIiTtOoSs: Cuando sea grande… quiero ser “Cineasta”

La idea surgió en Margarita y desde allí, más de 350 niños de todo el país han tenido la oportunidad de vivir el cine en su máxima expresión, desde pasar por cada rol de una producción hasta verse en la pantalla grande

El año pasado los ganadores fueronen el primer lugar: Pachamama, (Municipio Maneiro), segundo lugar: La Poza (Municipio Díaz) y tercer lugar: El Conejo y La Flor (Municipio Antolín del Campo).

Aprendizaje con diversión Durante el programa, “ellos pasan por todos los roles: hacen los guiones, su escenografía, su vestuario, todo lo que tiene la producción”, señala la coordinadora del programa, quien además nos explica que los talleristas acompañan a los niños en todo el proceso, pero sin intervenir su proceso creativo.

Para ellos, hacer una película ya no es un sueño de grandes, sino una meta que se cumple combinando la creatividad con la responsabilidad

En modo creativo En el marco del 5to Festival de Cine Latinoamericano y Caribeño, Margarita 2012, Clorinda Fuentes, Coordinadora de la Plataforma de Cine y Medios Audiovisuales del Ministerio del Poder Popular para la Cultura, nos comenta cómo la intención de incluir a los niños en este encuentro del mundo cinematográfico se ha convertido en toda una experiencia de formación y educación técnica y cultural. Basado en talleres dictados en las mismas comunidades, este programa ofrece a los más pequeños la posibilidad de aprender a utilizar la herramientas básicas para el rodaje de una película, así como técnicas de escritura y actuación, lo que les permite realizar el proceso desde la concepción y escritura de la idea hasta la puesta en escena de la misma. La idea original es de Víctor Luckert, Presidente de Amazonia Films y del Festival de Margarita, y surgió al pensar cómo abrir un espacio para la participación infantil en el encuentro. “En el número 2 hicimos un concurso de dibujo; los niños de todas las comunidades de Margarita, de los consejos comunales, participaron en un taller; hicimos una exposición y un jurado seleccionó un dibujo que tuviese las condiciones que se requerían. En esa oportunidad ganó Daniel Ordaz, hizo un trabajo de un dibujo excelente, un pelícano con unos vinoculares en una sala de cine”, recuerda Clorinda. Sin embargo, se trataba de “una vinculación del niño con el festival, pero no con el cine o con el cine, pero lateralmente. Entonces Víctor dijo, si el cine se mide en pies, vamos a sacar un concurso jugando con la palabra pies y los niños, surgió entonces, Pies-cesitos. Son los primeros pietajes de los niños, la primera vez que hacen su película y así surgió la idea de Mis Primeros Pies-cesitos”.

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Los resultados fueron contabilizados en Caracas, pero lo interesante es que los ganadores de ese escrutinio fueron presentados como parte de la muestra que entró en competencia en el Festival de Margarita y allí los mismos niños –participaron un promedio de 1500 niños- votaron por su favorita.

Asimismo, el taller incluye la visualización de películas, pues es fundamental ”la formación del espectador y de las personas a quienes van dirigidos esos trabajos porque no todo el mundo va a ser cineasta, lo interesante también es que la gente conozca el lenguaje cinematográfico, pueda entender y tener un cine distinto, con una mirada propia, con una esencia. Además de niños cineastas queremos niños críticos que puedan saber, leer y entender el cine”.

Herramientas al alcance de todos Disponer de los recursos y hacer un óptimo uso de ellos es una de las premisas fundamentales de esta propuesta. Se trata de que los niños conozca el cine en su máxima expresión, pero también de que trabajen con lo que tienen a mano, combinando así las herramientas de las que disponen con las que les pueden ser entregadas para proyectos específicos. Sus promotores describen a Mis Pies-cesitos como una iniciativa social de integración y desarrollo, donde se busca la masificación de la tecnología para que ellos puedan grabar sus historias, incluso en los lugares más recónditos, pero donde lo más importante es sembrar la semilla del cine, “enseñarles desde pequeños que ellos pueden expresar, pueden tener voz, pueden tener su imagen, pueden hacer sus contenidos… eso es la inclusión”.

Ganadores y protagonistas Este año, la votación de los más pequeños reconoció como ganadores de este II Concurso Nacional Mis pies-cesitos a Luis y sus Curiosidades (Nueva Esparta), Aragua Cuéntame (Aragua) y El muerto del Taparon (Cojedes).

Daniela Rodríguez. La abuelita de Luis. Luis y sus curiosidades. Fue una experiencia muy grande trabajar en una película. Me sentí muy alegre y un poco nerviosa. Aprendía a utilizar la cámara, es la primera vez que hago una película y fue una experiencia demasiado linda.

Héctor Portela. Luis y sus curiosidades. Fui el director de la casa de la cultura. La experiencia fue muy buena (Y al verla en pantalla grande) se siente muy bien ver a todos mis compañeros en la película.

Joaquin Frontado. Luis y sus curiosidades. Es bien fino, yo ya había actuado en otras cosas pero no en películas que fueran a transmitirse por toda margarita. Yo siempre salía por ahí, me pedían tirar una foto y yo la tiraba, tomé la cámara pero la profesora que nos estuvo orientando nos enseñó mucho. Lo que más me gusta es ser director, camarógrafo y actor.

Cristian Quijada. Luis y sus curiosidades. Yo me siento muy bien y de verdad que no todos los días se tiene esa oportunidad de verte en la pantalla grande. Las películas se las pasamos a los niños, los niños las ven, se ríen, se emocionan con el cine que hay aquí, nuestra cultura.

Fabiana Mujica. La mamá de Luis. Luis y sus curiosidades. Yo fui la mamá de Luis y grabé también, aprendía a utilizar la cámara. Nos enseñan como manejar la cámara, como actuar, todas esas cosas que se necesitan para una película. Es demasiado divertido, estoy feliz. www.cincoyaccion.com.ve 7

En la Gran Pantalla

¿Cuántas personas participaron en la producción de la película?

El Yaque, pueblo de campeones

Desde el día 1 de este proyecto hemos estado a la cabeza de la producción Horacio Collao y mi persona, Javier Chuecos. Unimos esfuerzos con nuestras casas productoras V4 Producciones y 57 Films y luego se unieron José Manuel y Manuel Díaz Casanova de la productora Infocus Producciones. También contamos con la participación de Joaneska Grossl de The Filmmaker Studio, Alberto Hadyar y Jesús Márquez de Titan Post en el diseño gráfico y Javier Weyler de BeatFactory, quien se encargó de la composición de la banda sonora y todo el trabajo de audio.

Marlyn Da Costa/Fotografía: Horacio Collao

También recibimos el apoyo de Tremendo Group en la colorización del film y el aporte del CNAC en la modalidad: Terminación de Largometraje. Realmente, ha sido un gran trabajo en equipo.

4 estrellas mundiales brillan en una tierra de pescadores

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¿A qué se enfrentaron cuando llego la etapa de montaje y edición?

pueblo de campeones

Esta fue una de las etapas más difíciles del documental. Recopilamos alrededor de 160 horas entre material grabado por nosotros y tomas de archivo que recibimos de los protagonistas. Hicimos un trabajo exhaustivo de pietaje de todo el material y organizamos la media de manera que pudiéramos manipularla efectivamente durante todo el montaje. Esta etapa estuvo a cargo de Horacio Collao. Una vez cerrada la película a nivel de edición, entramos en la etapa de colorización, masterización y mezcla de audio, procesos que hicimos entre Caracas y Londres, porque el músico Javier Weyler reside allá.

Ricardo Campello, Yoli de Brendt, Cheo Díaz y

Toda esta etapa estuvo a cargo de nuestro director de post-producción Julio Alejandro Miguel.

Gollito Estredo son los protagonistas reales de esta aleccionadora historia que exalta valores como la perseverancia, la confianza y el amor familiar. Año tras año se perfeccionaron en la práctica del windsurf, hoy son reconocidos por alcanzar el nivel más alto en el Tour Mundial de la PWA y su historia llegará a la pantalla grande para mostrar por qué debemos apoyar el talento nacional

Tuvimos la oportunidad de disfrutar este largo documental en el V Festival de Cine Latinoamericano y Caribeño de Margarita 2012, allí recibió Mención Especial como largo documental y uno de los reconocimientos más gratificantes para el ser humano: los aplausos del público al terminar la proyección. Hoy, sus creadores se preparan para hacer gala del talento venezolano en festivales internacionales y arrancar el 2013 con el estreno en cartelera nacional. A partir de ahora, Javier Chuecos nos contará su experiencia como director de esta película que trasciende la historia de los jóvenes deportistas, para convertirse en ejemplo de lucha y superación.

¿De dónde surge la idea de esta ¿Cómo fue el trabajo del equipo ¿Qué locaciones y equipos utilizaron producción? técnico? para el rodaje? Durante muchos años cubrimos competencias internacionales de Windsurf que se celebraban en Playa El Yaque, Margarita. Año tras año veíamos como subía el nivel de los deportistas locales, quienes poco a poco fueron mejorando su técnica hasta llegar al Tour Mundial de la PWA (Professional Windsurfers Association), el escenario más importante de este deporte. Inicialmente queríamos realizar un largometraje de ficción, para lo cual nos fuimos a buscar al estereotipo que nos serviría para construir nuestra historia, pero luego de documentar lo que estaba sucediendo en esa playa y llevar a cabo las primeras entrevistas, nos dimos cuenta que la historia debía ser contada por sus propios protagonistas: Ricardo Campello, Yoli de Brendt, Cheo Díaz y Gollito Estredo, quienes se convirtieron en windsurfistas profesionales.

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Comenzamos el rodaje en Diciembre de 2006 y lo finalizamos en Marzo de 2011; fueron más de cuatro años de grabación con una investigación viva durante todo este tiempo. Grabamos 160 horas por lo que la elaboración del guión no fue fácil. Analizábamos lo sucedido en cada competencia y elaborábamos nuestro plan de ataque para la siguiente grabación. Tardamos dos años en construir la estructura que nos permitiría finalmente contar esta historia. En cuanto a la propuesta visual, quisimos mantener la simplicidad, de manera que la cámara estuviera presente pero sin que se notara que estaba allí. Al cabo de un tiempo, era invisible para nuestros protagonistas.

Grabamos con la cámara HDVZ1 de Sony y usamos la GoPro para las tomas en el agua, emplazando la cámara en diversas posiciones de la vela con monturas especiales. La producción se llevó a cabo en el país y en varias localidades del exterior. Grabamos varias veces en la locación principal, Playa El Yaque, Isla de Margaria y también documentamos situaciones y realizamos entrevistas en Caracas, Maiquetía y el Parque Nacional Archipiélago de Los Roques. En el exterior tuvimos dos grandes locaciones que cubrimos durante varios años, son dos islas que anualmente organizan válidas del Campeonato Mundial de la PWA (Professional Windsurfers Association), Fuerteventura en Las Islas Canarias, España y la isla de Sylt, en Alemania. Además gravamos en Ibiraquera y Rio de Janeiro, en Brasil y en Guincho, Portugal.

Los héroes anónimos de un pueblo lleno de ilusiones ¿Qué esconde El Yaque, pueblo de campeones? Con esta película quisimos dar a conocer, una gran historia de éxito. Cuatro windsurfistas de un pequeño pueblo de pescadores superan todas las dificultades que se les presentan en el camino para llegar a la cúspide de un deporte que no es popular en Venezuela. En nuestro país muy pocas personas los conocen, pero son considerados estrellas en las grandes ligas del deporte, el Tour Mundial de la PWA. Nuestros cuatro protagonistas se convirtieron en profesionales del Windsurfy llegaron al tope de la competición. A nivel humano, la idea era contar una historia que fuera más allá de lo que es el deporte del windsurf en sí. Reflejando la cotideanidad de los personajes en su atmósfera más íntima. Quisimos plasmar además la relación de los cuatro protagonistas y sus madres. Las madres de Yoli, Gollito, Cheo y Ricardo tienen mucho que ver en el éxito de sus hijos. Ellos tomaron una decisión de vida, una profesión alternativa muy competitiva y el apoyo incondicional de sus madres fue un factor determinante.

Descubriendo la realidad de 4 jóvenes, un deporte y su pueblo Apoyemos el talento del país, sea cual sea la disciplina que practique. El windsurf puede parecer un deporte elitesco a simple vista, pero la iniciativa de algunos dueños de hoteles de Playa El Yaque, de intercambiar horas de trabajo en los clubes de windsurf por préstamo de equipos para que los locales pudieran incursionar en el deporte, modificó las prioridades de muchos jóvenes en esta playa. Hace una década se hubieran dedicado a la pesca artesanal, hoy en día tienen el gran sueño de convertirse en campeones mundiales y hacen todo lo que está en sus manos para lograrlo. En definitiva, estos cuatro personajes son ejemplo de superación para todo el pueblo de El Yaque, y así como nos motivaron a seguir durante estos más de seis años que ha durado el proyecto, esperamos que también sirvan de ejemplo para todo un país que necesita héroes de carne y hueso.

La historia continúa… Ahora, estamos inscribiendo la película en varios festivales internacionales y planeamos el estreno con la exhibidora Cines Unidos, para el primer trimestre de este año (2013).

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Festivales

Festivales Proyecciones, talleres, asesorías, conversatorios y hasta un poco de turismo

Margarita 2012 Marlyn Da Costa

La Flor de Venezuela le sonrió a una abuelita un tanto difícil… Aída, la gran ganadora

Festicortos Barquisimeto Marlyn Da Costa /Fotografía: 5 y acción

MmAaRrGgAaRrIiTtAa 2012: FfEeSsTtIiCcOoRrTtOoSs BbAaRrQqUuIiSsIiMmEeTtOo:

Durante una semana, los asistentes al V Festival de Cine Latinoamericano y Caribeño fueron protagonistas de un encuentro lleno de camaradería y buenas ideas para impulsar el cine en la región. Las proyecciones alcanzaron los 40 mil espectadores y lo más interesante es que, a excepción de los invitados extranjeros, se trataba de venezolanos viendo cine venezolano y por supuesto latinoamericano. Los talleres fueron dictados a sus máxima capacidad, incluso en los sectores más alejados, eso da cuenta del auge del cine comunitario en los últimos tiempos. Los niños tuvieron un papel fundamental, pues además de participar con las muestras de Mis Primeros Pies-cesitos, fueron los responsables de votar por los mejores trabajos. Pero,dejemos que hablen quienes hicieron posible este encuentro:

Alfredo Rubio. El Rostro de Alipio. Colombia

La película está hablando de 2 familias de poder adquisitivo diferente, en esas familias hay dos niños que comparten la escuela y a partir de ahí empieza el conflicto de la película. Uno de ellos se pierde en un desfile un primero de mayo y viene a encontrarse con este otro amigo de un poder adquisitivo muy bajo y en el proceso de la película llega a convertirse en un gran amigo. Siempre supimos que nos estábamos arriesgando a hacer una obra que a pesar de los pocos recursos económicos tenía muchos recursos humanos. En eso es en lo que hay que seguir creyendo, hay que arriesgarse con lo que hay y hacerlo bien, con mucha fe.

Gustavo González. José. Loreto. Guárico 24 mil personas votaron por nuestros videos en todas las Cinematecas Nacionales, lo que nos convierte en representantes de la comunidad. Este premio es lo máximo porque la emoción no se puede comparar con nada, es indescriptible y por eso quiero estimular a todos los productores comunitarios a que produzcan y envíen sus realizaciones a todos los festivales.

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Juan Carlos Lossada. Presidente del CNAC. Venezuela Hoy ha sido el primer día de un foro que pretende discutir la realidad y los desafíos del cine y el audiovisual latinoamericano. Hemos tenido algunas intervenciones de la mirada argentina, costarricense, cubana, venezolana, colombiana y la idea es, a partir de un diagnóstico y un estado de desarrollo que en este momento es muy positivo, encontrar acciones que nos permitan caminar juntos en materia de lograr una visibilidad mayor y lograr la difusión mayor de nuestros contenidos, lograr que nuestros contenidos nacionales dejen de ser nacionales en el sentido de la circulación doméstica y que más bien esos contenidos los podamos entender como que forman parte de un conjunto de países que están unidos, que están integrados y que tienen nexos comunes latinoamericanos. Facilitar la difusión de esos contenidos, reconocerlos y encontrar también espacios para que podamos avanzar juntos creando más producción y atender los desafíos inmensos que hay en un momento en el que está cambiando muy rápidamente el sistema en materia de distribución y exhibición cinematográfica.

8 años de formación y proyección del mejor cine de corta duración de Venezuela

Durante 5 días, la capital larense recibió a estudiantes y cineastas de todo el país para celebrar su tradicional fiesta de cortos. La entrada fue válida para los amantes del cine nacional y como condiciones especiales estaban el compartir experiencias, intercambiar ideas, aprender de los errores, premiar la creatividad y validar la técnica

Yo siento el privilegio de estar en el Festival de Margarita. Lo que pasó ayer con el público en la presentación de la película fue muy especial, la sala llena, la gente conectó desde el principio con la película y eso para mí es un privilegio porque mi objetivo como cineasta, como comunicador, es que la película se convierta en un vehículo para que la gente viaje, transite emocionalmente y que esa emoción lo lleve a reflexionar. Estamos viviendo una luna de miel que es resultado de mucho trabajo y esfuerzo de varias generaciones de cineastas y de una gerencia cultural que ha sabido defender el cine como lo está defendiendo, tanto como para que haya una pluralidad de temas, de géneros, de lecturas, y la gente está respondiendo. Lo más importante es la voluntad política de una ley que realmente nos apoya, no sólo con la financiación sino con abrir esas cuotas de espacio en las pantallas de cine comercial..

Aurelio Ledezma. Participante de Taller. Porlamar

Carlos Pucó. Tallerista. Cine y fotografía documental

Yo el año pasado estuve en el IV Festival que se hizo aquí en Margarita. Tengo algo de producción de televisión y quería prepararme un poquito mejor para poder hacer documentales, eso me llama la atención, quiero hacer un documental de la isla.

Estamos a cargo del taller de cine y fotografía documental, son 5 días y la experiencia ha sido muy buena, en general la receptividad de los participantes ha sido genial, ha sido con participantes de la comunidad que han venido con bastante energía y eso nos tiene contentos.

Jorge Luis Romero. Tradiciones y Costumbre de San Blas. Carabobo

Douglas Uzcátegui. Participante del taller. Margarita

Un corto que habla sobre nuestra parroquia en Valencia y nos sentimos muy orgullosos porque es una experiencia irrepetible, por primera vez en la historia la gente de la comunidad tiene derecho a elegir su propio video, eso lleva una experiencia dentro del movimiento cinematográfico sin precedentes en la historia del cine en Venezuela. Yo tengo más de 50 años y nunca pensé que podía tener la posibilidad y hoy la tengo, esa es la demostración que hoy quiero que se lleven.

Me parece que es una experiencia interesante. Lo mejor que puede pasar en el festival es la formación que le queda a la gente de la isla porque yo sostengo que la manera de crear una plataforma real del festival es con la gente que está cotidianamente haciendo cine en la isla de Margarita y la formación es un elemento para construir esa posibilidad y que el festival no sea solamente una edición que viene de Caracas y se monta anualmente.

Elina Tineo. Facilitadora Cine y fotografía documental Cada participante debe entregar un trabajo de foto documental que consta de 20 fotos y a partir de allí van a hacer un corto que tiene como mínimo 5 minutos y cómo máximo 10 minutos de duración. Tenemos 28 participantes , desde un niño de 10 años hasta una persona de 60, un grupo muy variado, gente sin experiencia, otros con productoras y estamos aprovechando eso para que a la hora de hacer los trabajos se apoyen.

EL JURADO Para los cortos: Patricia Kaiser, Rosaemilia Jacko y Patricia Ortega. Para el DESAFIO AUDIOVISUAL: Hernán Troconis, Michael Labarca y Hernán Jabes. I Concurso de Fotografía Documental: Luis Manuel Cobelo y Héctor Andrés Segura.

GANADORES

Frank Spano. La Hora Menos. Venezuela

Vengo con un cortometraje colombiano que representa la zona indefinible que une al Edo. Táchira con el Norte Santander. Una historia derivada de la violencia que se vive por los grupos paramiliatres. No mostramos imágenes violentas, contamos historias puntuales y son un par de adultos mayores que viven en alguna montaña y bajan a ver a su hijo y el momento de incomunicación es impresionante, después la odisea que pasan para llegar allá y se encuentran con la tecnología, internet, cuando lo están viendo la madre lo va a tocar y la guerrilla vuela la torre de energía y no hay luz, entonces no toca le rostro de Alipio, su hijo En este festival… Así como tenemos diferencias en el hablar tenemos diferencias en los íconos de las imágenes y de eso se trata, de empezar a explorar esos íconos de esas imágenes en cada región. Empezarnos a ver para poder crear un lenguaje propio de nosotros, con la singularidad de cada región, de eso se trata… El reto que tenemos es solucionar los problemas .

Blanca Rosa Blanco. Habanastation. Cuba

un cine de todos para todos

Para iniciar el encuentro, asistentes e invitados se congregaron en La Flor de Hannover, un centro cultural que desde su inauguración es parada obligada de quienes visitan Barquisimeto, no sólo por su imponente arquitectónica sino por relatar creativamente parte de nuestra historia y geografía. Entre los invitados, aguardaban ansiosos Román Chalbaud, Hernán Jabes, Carlos Malavé, Prakriti Maduro y por supuesto todo un público sediento de cine nacional. Con palabras de Daniel Siugza, presentador del programa televisivo “Cine Crónica”, arrancó oficialmente el acto de apertura, que en esta oportunidad rindió homenaje a los directores, destacando su pasión y lucha incasable en la construcciónde un cine venezolano de calidad. Esta octava edición estuvo caracterizada por la presencia de figuras emergentes en el mundo de la pantalla grande, hecho que le dio frescura a la propuesta e incentivo la participación juvenil. La actriz Prakriti Maduro; el director y productor Carlos Malavé; el fotográfo Luis Cobelo, Roberto Rojas y el joven realizador Michael Labarca fueron algunos de los ponentes de este festival, donde la premisa fundamental fue la práctica del cine como una profesión hecha con pasión y compromiso.

atrevido a dar crédito a la nueva generación de cineastas. Sin embargo, al final del día la conclusión era una sola: se está haciendo cine: en la calle, en las aulas, con el apoyo gubernamental, con el apoyo de la empresa privada, con técnicas de guerrilla, con muchas ganas de contar nuevas historias. La música, el arte y la cretaividad también tuvieron lugar en el Festicortos Barquisimeto, prueba de ello fue el concierto ofrecido por el maestro Antonio Jimenez, un guaro que ha dedicado su vida a la música y que trabaja directamente con el CIECA en la musicalización de sus piezas audiovisuales. Haciendo gala de sus cualidades, este músico deleitó a los amantes del cine con un concierto de cámara que acompañó la proyección de “El perro Andaluz”, cortometraje escrito, producido, dirjido e interpretado por Luis Buñuel.

Los participantes, en su mayoría estudiantes, tuvieron oportunidad de conocer de cerca ese nuevo cine que está produciendo nuestro país, un cine que es osado y creyente de si mismo, capaz de innovar en el tratamiento de los temas y por supuesto, de las técnicas y el lenguaje audiovisual.

Así entre tertulias y proyecciones, más de 70 trabajos fueron mostrados durante toda la semana, llegó el día de la clausura, como abreboca se presentaron todas las muestras seleccionadas para participar en el Desafío y luego la premiación, nombres que ya habían sonado en otros festivales salieron a relucir, una y varias veces, como el caso de Gerad Uzcátegui, con La noche anuncia la Aurora, pero la gran ganador de la noche con 7 premios, incluyendo el de Mejor Cortometraje fue “Aída”, una propuesta de Evans Briceño, con la actuación de Leonidas Urbina y una viejita que no pueden dejar de conocer porque les robará el corazón y sin grandes pretenciones les mostrará algunos dilemas que enfrentan las personas de la tercera edad y quienes las rodean.

Acaloradas discusiones se dieron en algunas sedes de trabajo, puntos de vista encontrados entre quienes reconocen la nueva cara del cine venezolano y quienes no se han

Con gran emotividad culminó la 8va edición de Festicortos Barquisimeto y desde ya, sus organizadores se preparan para continuar con la tradición el próximo 2013.

El Desafío Audiovisual Primer lugar: “Guarus Atorrantus”, de Ricardo Marapacuto, Dalver Hernandez y Eugenio Drake. Segundo lugar: “Mi sueño”, de Ricardo del Búfalo. 1er Concurso de Fotografía Documental Primer Lugar aficionado: “SENTIMIENTOS ENCONTRADOS”, de Ruth Oviedo Segundo Lugar aficionado: “LUZ DE FE”, de Oscar Ramírez Mención Especial: “MANITAS DE LARA” y “ARTES OSCURAS”, de Ricardo Marapacuto. Concurso Nacional Cortos Mejor DIRECCIÓN DE ARTE: Aida Mejor ACTRIZ: Aida Mejor ACTOR: Aida Mejor MÚSICA ORIGINAL: La noche anuncia la aurora Mejor SONIDO: La noche anuncia la aurora Mejor DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA: La noche anuncia la aurora Mejor GUIÓN: Aida Mejor PRODUCCIÓN: Transhumancia Mejor DIRECCIÓN: Aida Mejor CORTOMETRAJE ESTUDIANTIL REGIONAL, Premio JUAN ARCADIO RODRÍGUEZ: La Cita Mejor CORTOMETRAJE AFICIONADO REGIONAL, otorgado por IRIBARREN FILMS: Una mujer en guerra o en la guerra Mejor CORTOMETRAJE ESTUDIANTIL NACIONAL, otorgado por AVEP: LOOP Mejor VIDEO CLIPS, otorgado por RODANDO FILMS: THE Oceano Remix. Mención especial a Jhon Colmenarez por su obra “FUEGO” y a Javier Rojo Valery por su obra “SE TE ACABO EL TIEMPO”. Mejor CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN, otorgado por Revista Visor:Técnica de Animación en 3D: LA DANZA DEL TIEMPO Mejor CORTOMETRAJE DOCUMENTAL, otorgado por ALIANZA FRANCESA: QUIEN QUIERE TUKI Mejor CORTOMETRAJE DE FICCIÓN, otorgado por Bolívar Films: AIDA Mejor Cortometraje Nacional, otorgado por el Centro Nacional Autónomo de Cinematografía GRAN PREMIO CNAC: La Flor de Venezuela. A Evans Briceño por su obra “AIDA”

FICHA TÉCNICA: @FESTICORTOSBQTO http://www.facebook.com/festicortos.barquisimeto

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Festivales

Caracas

Guayana 2012

Marlyn Da Costa/Fotografía: Festivales

Arriba y abajo

Caracas vivió una fiesta cinematográfica para todos los gustos

Niños, niñas y adolescentes los reyes de la pantalla grande

Marlyn Da Costa /Fotografía: 5 y acción

X Festival de Cine Infantil de Guayana trajo una nutrida muestra audiovisual

Desde el nivel más alto del CC Líder descendimos al subterráneo para no perder ningún detalle de los festivales, que entre el 5 el 10 noviembre, presentaron a los caraqueños las más diversas propuestas audiovisuales, no sólo en temas, sino en técnicas y géneros Durante una semana, los habitantes de la agitada ciudad capital pudieron escapar de las colas de una forma poco usual: viendo cine gratis. Disfrutar de esta opción no era nada difícil pues las proyecciones se dieron por doquier, incluso en algunas estaciones metro. Festival Chorts, bajo la dirección de Daniel Ruiz Hueck y Juan Fermín y 1000 mts bajo tierra, presidido por Tatiana Canro se celebraron simultáneamente, sin competir entre si, pues la diversidad de gustos e intereses alcanzó para acoger receptivamente ambas actividades. Como dato curioso, ambas iniciativas celebraban su 4ta edición, aunque para el colectivo y la fundación 1000 mts bajo tierra era su primera vez en Caracas, pues siempre se había celebrado en la ciudad de Mérida, tomando en cuenta que sus fundadores en el país se desenvuelven en esa localidad. Si embargo, no todo son similitudes. FestiChorts conserva un esquema de premiación muy similar a la mayoría de los festivales, trabajando con un jurado de alto desempeño y un listado de nominaciones que evalúa los aspectos técnicos, creativos y actorales más relevantes a la hora de realizar una producción. Entretanto, 1000 mts Bajo Tierra está concebido como un espacio de proyección, donde no hay una premiación formal, la mayor recompensa es unir a directores y espectadores.

26 cortos en pantalla grande: Con más de 400 obras entregadas en el proceso de inscripción y 26 seleccionadas para la proyección final, el Festival Internacional de Cortos de Caracas entregó 14 galardones “El Guante de Oro”,$3.000,00 para el Mejor Cortometraje Internacional como parte del Premio Internacional I.SAT/CHORTS y más de 200 mil BS en servicios que incluyen alquiler de equipos para rodar un nuevo proyecto, post-producción y exhibición del corto ganador en salas de Cines Unidos, para el Mejor Cortometraje Venezolano. La actriz y directora Prakriti Maduro, la directora Marité Ugás y José Pisano, Director General de Cinematográfica Blancica conformaron el jurado, cuya decisión fue: 12

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Premio Internacional: “Apnea” (Chile) Mención honorífica por creatividad: “Funny web cams” (España) Premio Nacional: “La noche anuncia la aurora” Mención ficción nacional: “Extraños” Mejor Dirección: Gerard Uzcátegui “La noche anuncia la aurora” Mejor Producción: Patricia Fonseca “La noche anuncia la aurora” Mejor Guión: Alexandra Bas “Hija de puta” Mejor Actuación Masculina: Gabriel Osorio “Un momento de felicidad” Mejor Actuación Femenina: Greisy Mena “Hija de puta” Mejor Fotografía: Gerard Uzcátegui “La noche anuncia la aurora” Mejor Montaje: Adriana Cols “Extraños” Mejor Arte: Manuela Planas “Saudade” Mejor Sonido: Amauri Cedeño “Extraños” Mejor Música: Nascuy Linares “La noche anuncia la aurora” Síguelos ya: @FestivalChorts www.festivalchorts.com

Por un cine sin fronteras y la reivindicación de nuestra mirada audiovisual Tatiana Canrro, presidenta de la fundación Cine Subterráneo 1000 mts. Bajo Tierra, nos explica que “este es un proyecto transterritorial que nace en Argentina y se ha extendido a Venezuela, México y España, con colectivos independientes y autogestionados que realizan festivales de acuerdo a las necesidades audiovisuales de cada lugar”. En el caso de nuestro país, “las 3 primeras ediciones se realizaron en Mérida porque es de donde somos la gran parte del colectivo y también está muy ligado a que todos estudiamos en la Escuela de Cine de la Universidad de los Andes”; sin embargo, aplicando el principio de transterritorialidad y gracias al apoyo institucional, este año se dio en Caracas. El cambio de sede les facilitó cumplir con las 75 horas de proyección previstas de acuerdo a la selección de muestrascorrespondientes a las categorías: Video arte, documental, cine militante, ficción animación, cortometrajes, mediometrajes y largometrajes. Tuvieron 6 sedes, entre ellas estaciones del Metro de Caracas y salas no convencionales, incluyendo esto proyecciones en el Museo del Tecaldo y CANTV, también prestaron sus espacios la Cinemateca Nacional, UNEARTE y la UCV. Como no hubo premiación, la clausura estuvo aderezada por la emotividad propia de las despedidas y los agradecimientos, como muestra final se proyectó el largo documental “San Antonio”, procedente de Bolivia. Para el próximo año, no descartan tener nuevas sedes y no pierdas detalle de la convocatoria, pues tradicionalmente se realiza a partir del mes de Enero. Síguelos ya: @1000Mbajotierra www.milmetrosbajotierra.com.ve

Durante una semana, 52 películas provenientes de México, Brasil, Argentina, Cuba y Venezuela lucharon por ganarse el primer lugar en el corazón de los más pequeños de la casa, quienes además de disfrutar la muestra tuvieron la oportunidad de fungir como jurado, gracias a un proceso previo de selección. 12 instituciones educativas sirvieron de sede para las proyecciones del tradicional festival, uno de los primeros en su estilo que se celebró en Venezuela y Latinoamérica; el Museo de Arte Moderno Jesús Soto y el Instituto Universitario de Tecnología del Estado Bolívar en sus 3 sedes de Ciudad Bolívar, también cedieron sus espacios para que la muestra en concurso pudiera ser disfrutada por el público. El acto de clausura fue sencillo, pero emotivo, pues estuvo lleno de menciones especiales y las expresiones propias del público infantil. La selección de los ganadores estuvo a cargo de Alberto Monteagudo, Aramis Acosta, Luis Lara Gilberto, Henry Gómez y Federico Espina, como jurado adulto y Dayelis Rodríguez, Roswal Aurea, Jesús Vargas, Ángel Figuera, Wilkaren Medina y Elyanis Reinosa, como jurado infantil. Como dato curioso los pequeños críticos, estudiantes de la E.B.E. Antonio J. Ricaute, votaron unánimemente por “Sucre, Mariscal de América”, “Los guardianes del agua” y “Entintada”; además de manifestar su deseo de participar en la próxima edición del festival, prevista para 2014.

Un homenaje a José Castillo José Barceló, Presidente de Fundacin, organización que promueve el Festival Infantil de Guayana, nos explica que la edición de este año rindió homenaje al pionero en las técnicas de animación en el país; como parte de este reconocimiento se proyectó el film “Los sueños de José Catillo”, obra de Luis y Alejandro Rodríguez y se entregó el premió “Conejín”, otorgado por la Fundación José Castillo, cuya muestra más popular lleva el mismo nombre. “Castillo estuvo en el I Festival de Cine de Ciudad Guayana, donde incluso se firmó un manifiesto por el cine, él fue uno de los firmantes, y después de diez festivales ese manifiesto sigue siendo vigente y necesario. Para nosotros es un honor sacarlo del anonimato, porque no podemos permitir que este señor se nos muera sin que le rindamos el tributo necesario para que las audiencias venezolanas sepan quien es el pionero en realización de animaciones en el país y la continuidad

de su trabajo. A los contenidos de su obra y a aquella exigencia de un mundo de paz y amor en casi todas sus películas. Nosotros tenemos que recuperar esos contenidos y esos valores que son procesados en sus películas”, indicó. “Castillo necesita un impulso, no sólo de Fundacin y del Festival de Cine Infantil, sino de festivales de cine de adultos, revistas, noticieros, espacios culturales. Este señor merece que todos los niños y adultos de Venezuela sepan qué es lo que ha hecho, cuál ha sido su aporte; que se sepa que es reverenciado en el mundo entero, homenajeado en los mejores festivales del mundo”, concluyó.

La formación como base José nos comenta que “el Festival se hace cada dos años, pero entre festival y festival, Fundacin se ha dedicado ha contribuir y trabajar con docentes de la región en formarlos como multiplicadores para llevar la enseñanza audiovisual a las escuelas”. Sin embargo, durante la celebración del encuentro se realizaron dos talleres de iniciación al cine de la mano con la Cinemateca Nacional. Gracias a esta iniciativa, más de 150 niños del estado se beneficiaron con el taller Mis planos Cinematográficos, en el que se trabajó el concepto de plano y sus variantes y el taller El Fotograma, donde los participares descubrieron como hacer su propio fotograma.

Un poco de historia El Festival de Cine Infantil de Guayana data de 1987, cuando su fundadora, Luisa de Genollette, asistió al Festival de Cine de Mérida en representación del Cine Club Casa de la Cultura. “Yo les comenté a ellos, por qué no puede ser este festival en otros sitios, y me dijeron, porque los festivales digamos que se hacen famosos por el lugar de donde son, entonces me dieron una buena idea; yo como educadora dije vamos a hacer un festival de cine infantil y ahí empezamos a trabajar, en el 89 se hizo la primera edición y fundamos Fundacin, un año después, era el único festival de cine infantil, no solamente de Venezuela, sino de toda Latinoamérica, al principio”. Durante años, Luisa dictó talleres a las maestras de la localidad con la intención de formarlas para dar cine en las escuelas, la idea era que los pequeños aprendieran de lenguaje audiovisual; esta experiencia también la realizaron con la Cinemateca Nacional, durante un tiempo.

LOS GANADORES Mejor película de ficción: (ex aequo) MÚSICA DEL CIELO y HABANASTATION Mejor película documental: KORIDEL Mejor película de animación: D Mejor película de animación realizada por niños: LOS GUARDIANES DEL AGUA Mejor película de ficción realizada por niños: Desierto (no participaron obras en esta categoría) El jurado infantil otorga el premio “TUCÁN GUAYANÉS” en forma unánime a: SUCRE, MARISCAL DE AMÉRICA La Fundación José Castillo y el grupo Collage Animado presentan el premio “CONEJÍN” a la mejor animación venezolana en concurso: POEMA BAJO EL AGUA El jurado distingue con placa y diploma a la mejor película/video artesanal o experimental a: ZATHURA, UNA NUEVA AVENTURA ESPACIAL El jurado distingue con placa y diploma en aspectos técnicos según las siguientes categorías: Mejor Dirección: MÚSICA DEL CIELO Mejor Guión: UNA MIRADA AL MAR Mejor Fotografía: (ex aequo) ENTINTADA y UNA MIRADA AL MAR Mejor Edición: (ex aequo) EL ROBO DE LAS AES y HOY NO SE HACE PASTEL DE CHUCHO Mejor Música: POEMA BAJO EL LAGO y D Mención especial del jurado al: TALLER LA MATATENA de México por el conjunto de obras presentadas en esta edición y su larga trayectoria de participación en este festival Mención especial del jurado al: TALLER EL MATE de Argentina, por sus destacados 25 años de capacitación en la producción audiovisual para niños y niñas argentinos Mención especial del jurado a la actuación de la niña YUCEMAR MORALES por su destacada actuación protagónica en el largometraje UNA MIRADA AL MAR

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Zoom In Miguel Ferrari Marlyn Da Costa/Fotografía: Azul y no tan Rosa

Su desempeño como actor lo preparó para construir personajes y dirigirlos en el set

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“Las vivencias y capacidad de observación son herramientas fundamentales para cualquier artista en su creación”

Amante del arte en todas sus expresiones, le apasiona escribir, dirigir y actuar… hacer realidad historias que a veces nadie se atreve a contar. Es famoso por sus múltiples interpretaciones, no sólo en cine sino en teatro y televisión. Luego de un arduo trabajo, se prepara para despedir el año como director de largometrajes, el estreno en taquilla de su ópera prima, Azul y no tan Rosa, promete dejar sin palabras a más de uno

es el que finalmente conecta con el espectador. Con el transcurrir de los años, sentí necesidad de que se contaran otras historias. Historias que como actor echaba de menos en los proyectos que me ofrecían. Por eso decidí prepararme para estar detrás de las cámaras y tener la oportunidad de ofrecer mi propia visión como creador.

En pocos minutos… “Todo lo que sube”

Vocación o trabajo

Representa un importante logro profesional. Es el inicio de una etapa para la que me he estado preparando desde hace unos años y mi experiencia como actor me ha proporcionado herramientas importantes para manejar a los actores con un lenguaje que conozco. Es un momento interesante como creador que pienso seguir explorando.

Sin duda “Todo Lo Que Sube” significó una experiencia enriquecedora en mi carrera cinematográfica. Me permitió explorar un lenguaje propio y un estilo personal.

Detrás o frente a las cámaras… De actor a director Mi incursión en el mundo audiovisual fue delante de las cámaras, como actor. El último eslabón de la cadena, pero quizás el mas importante porque @5yaccionve

Es una cuestión de estilo, de gusto y de lenguaje. Mi intervención es definitiva. Todo forma parte del cuento que estás echando y todo lo que se ve en el cuadro tiene una razón de ser. Hasta el mas mínimo detalle, aunque sea imperceptible, está allí. Cualquier movimiento de cámara, cualquier elemento, debe reforzar la historia, hacerla coherente y sobre una base conceptual.

En medio de unos agitados días, en pleno proceso de postproducción y coordinando los detalles para la presentación de su producción Azul y no tan Rosa, Miguel Ferrari responde al llamado de 5 y acción para compartir su experiencia y contarnos un poco más sobre este largometraje que desde ya trae las mejores críticas de los expertos.

“Disfruto mucho escribir, dirigir y actuar. Enfrento cualquiera de estas facetas con entusiasmo. No obstante la sensación que se experimenta en cada una es diferente. Cuando escribes te sientes como un Dios que mueve los hilos de la historia y el destino de cada personaje. Dirigir es hacer realidad esa historia, es materializarla en algo tangible. Actuar es interpretar y darle humanidad a un personaje que ha sido imaginado por otro. Soy bastante inquieto y la oportunidad de desempeñarme en cada una de estas facetas, hace mi día a día mucho mas interesante”.

Hablando de la puesta en escena

Del papel a la imagen El proceso del guión es el más complejo. Requiere un importante trabajo de investigación sobre la historia que quieres contar. Las vivencias y la capacidad de observación son herramientas fundamentales para cualquier artista en su creación. Cuando obtengo información suficiente, diagramo la historia y los personajes. Luego estructuro el guión en actos, cuidando sobre todo los puntos de giro porque son claves para que la historia avance. Luego desarrollo el guión. Importante... los personajes se definen a través de sus acciones y una imagen puede sintetizar muchas palabras.

Los cortometrajes desarrollan la capacidad de síntesis. Te ves obligado a plantear una historia de manera eficaz en muy poco tiempo. Además el cortometraje le da la posibilidad al realizador de explorar, experimentar y tomar riesgos. Sin embargo hacer excelentes cortometrajes no significa necesariamente que llegues a realizar excelentes largometrajes y viceversa.

Producciones guerrilla y bajo presupuesto Son interesantes siempre y cuando se haga con una sólida base conceptual. No porque sea un cine de pocos recursos, se debe hacer de cualquier manera, todo lo contrario. Debe tener estilo y ser coherente. En primer lugar debe existir un buen guión con una historia atractiva y bien estructurada. Debe tener buenas actuaciones, creíbles y que generen interés en el espectador.

Más sobre el cine venezolano Vale la pena hacer cine si esa es tu pasión. Sea en Venezuela o en cualquier parte del mundo donde tengas la oportunidad. Lo importante es tener una sólida formación. Esa es la parte mas compleja porque debes saber mucho de todo, incluso de actuación.

Por ahora Miguel Ferrari se dedicará a honrar algunos compromisos actorales, aunque yo se encuentra “dándole forma a un nuevo proyecto cinematográfico”. www.cincoyaccion.com.ve

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Tips técnicos

Miguel Ferrari

Un buen guión Sergio Marcio www.cultura.ycomo.com

Marlyn Da Costa/Fotografía: Azul y no tan Rosa Porque “PARA GUSTOS, HAY COLORES”

AaZzUuLl Yy NnOo TtAaNn RrOoSsAa… Ya nos había comentado este querido director que una de sus inquietudes es desarrollar esas historias que siempre esperó como actor; quizás Azul y no tan Rosa, su ópera prima, tiene un poco de eso y algo más… Al preguntarle sobre cómo llegó al tema de las relaciones interpersonales y la vida cotidiana, en torno a la homosexualidad y por supuesto, la propuesta visual desarrollada. Nos cuenta Me interesa hablar de esa gente de la que nunca se habla, de esa gente que es discriminada por prejuicios de todo tipo. Precisamente el reto es que el espectador se ponga en los zapatos de ellos y se de cuenta que la vida “no es tan rosa” para nadie. El tema central de “Azul y no tan Rosa” gira en torno a la relación de un padre y un hijo que se reencuentran y se ven obligados a solucionar sus diferencias. Es una historia sobre el amor, la amistad y la familia en su sentido mas amplio. Una historia sobre lo que se considera diferente, pero que en realidad no lo es, porque hablo de seres humanos que sienten y padecen igual que todos. Hice una puesta en escena sin estridencias ni efectismos. Me preocupé en todo momento de que la cámara acompañara a los personajes y no que los personajes trabajaran para la cámara.

Del quién al dónde Filmamos en Caracas, Mérida y Madrid y las locaciones fueron en su mayoría bastante complejas. Desde la solitaria Laguna de Mucubají en Mérida, con una temperatura de 2ºC, hasta la concurrida Plaza de Oriente de Madrid con 40ºC en pleno verano y bajo un sol inclemente. Creo que muchas personas se sorprenderán cuando vean la película porque muestro una Venezuela que existe, pero que rara vez se muestra, una Venezuela que está allí, que nos pertenece, que forma parte de nosotros. Mi propuesta visual es sencilla, pero muy cuidadosa en lo relativo al equilibrio y la estética. Sin embargo no permito que nada compita con lo que para mi es lo fundamental, la historia y sus personajes.

Los personajes y su psicología Construí los personajes de la película utilizando las mismas técnicas que utilizamos los actores en la preparación de un personaje. Hice un análisis exhaustivo de cada uno de ellos y les fui creando una historia y un contexto que los hiciera atractivos y al mismo tiempo creíbles. Hay que hacer un estudio cuadrimensional de cada uno de ellos porque si no se corre el riesgo de que se conviertan en estereotipos y no me gustan para nada las etiquetas.

Entre amigos y profesionales Es muy complejo seleccionar el actor justo para un personaje. Lo que mas valoro en un actor es la sencillez de su actuación y su capacidad de empatizar con el personaje, de colocarse en sus zapatos y hacerme creer que él es el personaje. Sin adornos y sin trucos. Los personajes de “Azul y no tan Rosa” son complejos pero humanos. Existen, son reales aunque en un principio nos parezcan “raros”. Escogí a todos y cada uno de los actores de la película, además de su sensibilidad, por su maleabilidad. Casi todos los actores principales de la película los escogí sin pasar por el proceso de casting. Ya conocía sus trabajos y con la mayoría he compartido 16

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Parte de la producción es tener todo bajo control Tenía prevista la filmación de una secuencia en exteriores donde debía crearse una lluvia torrencial. Toda esa semana llovió torrencialmente en Caracas, menos el día que filmamos. Afortunadamente teníamos contratados dos camiones cisternas para crear el efecto. En el cine no puedes fiarte de nada, mucho menos de la naturaleza, así que debes prepararte para los muchos imprevistos que se presentan.

Y después de la post producción y el estreno… Qué siente Miguel Ferrari Mas que satisfecho. Tengo la película tal y como siempre la imaginé. Eso es fundamental. Creo que el público conectará con la historia y sus personajes porque es una película honesta, hecha con respeto y desde el corazón. Sin lugar a dudas es la experiencia mas gratificante de toda mi carrera. Estoy viviendo un momento muy dulce, cosechando lo sembrado y preparando el terreno para futuros proyectos.

¿Cómo escribir un buen guión? Para escribir un guión, basta saber escribir. Pero para redactar un guión de calidad, es necesario seguir algunos lineamientos, con el fin de llegar a buen puerto. En este texto, revisaremos algunos puntos a los cuales el escritor debe prestar especial atención si desea elaborar un libreto para el cine o la televisión. La primera regla es crear buenos personajes. Son ellos, en definitiva, los que lograrán (o no) la empatía del espectador y los que lo involucrarán en la historia. En principio, se debe optar por personajes que tengan rasgos bien definidos de personalidad, pero en ningún caso esto significa que aquéllos sean previsibles. Al final de cuentas, no existen “buenos que siempre son buenos” ni “malos que siempre son malos”. Por eso, siempre hay que dibujarlos con diferentes matices.

proyectos. Solo los protagonistas, Guillermo García e Ignacio Montes, pasaron por un proceso de casting como tal. A mis jefes de equipo los escogí por la identificación que siento con ellos en lo relativo a temas estéticos, algo muy importante para mí, y por supuesto porque tengo buena química y una fluida comunicación con ellos.

Sinopsis: Diego es un chico como cualquier otro. Tiene una familia común y corriente y sus amigos no tienen nada de especial. Pero hay algo que lo hace diferente. Tiene un hijo... heterosexual. Un padre, un hijo. Ambos tendrán que arreglar sus diferencias. Azul y no tan Rosa. Todo depende de cómo se mire. Premios: Guión clasificado entre los 6 finalistas del IV CONCURSO DE GUIONES CINEMATOGRÁFICOS CIUDAD DE SEGOVIA - España/2009 Selección Oficial del FESTIVAL INTERNACIONAL DEL NUEVO CINE LATINOAMERICANO DE LA HABANA - Cuba/2009 en el apartado de Guión Inédito. Ficha actoral: Guillermo García, Ignacio Montes, Hilda Abrahamz, Carolina Torres, Sócrates Serrano, Alexander Da Silva Síguelos en: http://www.facebook.com/AZULYNOTANROSA @azulynotanrosa @ferrarimiguel

Otro punto a considerar es la misma historia. Parece obvio, pero suele pasar de que el guionista no se dé cuenta que su texto carece de conflicto. Y es éste –el conflicto– el motor de la película. Sin drama, no hay historia; esto es algo que todo buen contador debe tener presente. Asegúrate entonces de que tienes un buen conflicto y de que éste es muy desafiante para el protagonista, lo suficiente como para que el espectador quiera saber cómo se zafará de él. Los diálogos son otro tema a tomar en cuenta. Por lo general, guionistas principiantes tienen la tendencia de querer explicar todo, pues tienen la impresión de que el público no los entenderá si no agregan algunas palabritas más. Pero en cine, “menos es más”, así que lo ideal es reducir lo más que se pueda la cantidad y extensión de diálogos. Haz que las acciones de los personajes hablen por sí solas, en vez de caer en el facilismo de explicarlo con palabras. En cine, es recomendable que el espectador complete una frase en su cabeza y saque sus propias conclusiones, en lugar de darles todo “masticado”. Respecto al desarrollo de la historia, hay algunos puntos que no debe pasarse por alto. Uno de ellos sin duda es que no hay mucho tiempo para captar la atención del espectador. Eso significa que los primeros 10 minutos son clave en la historia, pues hay que atrapar al público; de lo contrario, por más que el guión mejore en el tiempo restante, se corre el riesgo de ya haber perdido gran parte de los espectadores. En todo caso, después hay que mantener el ritmo, o sea, no acumular la acción en determinado punto del metraje, dejando otros flojos, sino saber cómo distribuir las escenas más interesantes a lo largo de la historia. También es muy importante conocer la historia antes mismo de escribirla. Es decir, no sirve empezar un guión “sin saber dónde va a dar”; es imprescindible conocer el final para que las acciones que se lleven a cabo en la historia conduzcan a ese final. Un posible ejercicio es escribir cada escena en una tarjeta, de manera a tener un argumento bien construido, y también redactar una sinopsis, que no debe exceder las dos páginas. Con todo esto, tendrás dominio sobre tu texto y sobre lo que cuentas. Hablando un poco más de los personajes, es importante definir bien quién es el protagonista (o los protagonistas), y no incurrir en el error de tener a varios personajes, pero flojos todos. Recuerda que el protagonista es el ser humano principal de tu historia, y que todo lo que le pase a él no puede dejar al espectador indiferente, sino hacer con que éste se sienta en la piel de aquél y reflexione sobre lo que haría en su lugar. Otro aspecto a tomar en cuenta: si tienes a dos personajes parecidos, elimina a uno de ellos, pues hay que evitar a toda costa esa duplicidad, que, en lugar de sumar, restará fuerza a tu creación. Por último, y aunque no esté directamente relacionado a escribir un “buen guión”, es muy importante formatearlo correctamente. Esto quiere decir que no se puede y no se debe presentar el guión de cualquier modo; el libreto no es un texto común, sino uno que tiene su manera de presentarse, con lineamientos bien definidos en cuanto a forma, fuentes, márgenes y demás aspectos. Por lo tanto, un correcto formato del texto no es un detalle menor, sino más bien una muestra de que sabes cómo hacer las cosas.

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Tras el Lente KM 72 Marlyn Da Costa/Fotografía: 5 y acción

Lo clásico, lo moderno y lo latinoamericano se mezclan para presentar un cine negro criollo

KkMm 72: una muerte entre contrastes y contraluces El cuerpo sin vida de un millonario, un hijo que vive la vida alegre, la fidelidad de un empleado y una mojigata con visos de femme fatal son las claves de un rompecabezas. Las piezas de esta historia están sueltas y los creadores tienen las pistas: sombras, texturas, telas, vidrios, puntos de luz fuerte, colores oscuros, efectos especiales…

Una tarde de rodaje en la mansión Verastegui no es nada fácil, el equipo de arte y escenografía no para de trabajar, hay que cuidar cada detalle para lograr que todo se vea tan real como se ha imaginado y diseñado. Hoy las escenas son con Gustavo Rodríguez, Diego Verástegui, y hay que aprovechar cada minuto en el set, el llamado terminará a las 5 de la tarde.

La película es de Samuel Henríquez, el joven director y guionista está concentrado en cada uno de los planos previstos para esa tarde. Mientras, nosotros robamos unos minutos de quienes hacen posible esta producción, ellos nos contarán todo lo que implica una propuesta de cine negro a la venezolana.

Gustavo González. Esta es mi segunda película como director de efectos especiales, pero esta tiene una característica muy importante: es full full efectos especiales sobre todo lo que es la parte donde entramos en un largo trayecto de muchas acciones: heridas, disparos. Muchos efectos de quemaduras, tatuajes, se ven explosiones, vómitos, explosiones de sangre que salen por impacto de bala. El mayor reto aún no hemos entrado, hay una secuencia de una escena que es donde están todos los efectos especiales, se va a grabar a partir de la próxima semana, ya tenemos todo avanzado, hicimos la pruebas, hay muchos efectos de heridas bastante grandes … va a ser bastante interesante porque hay muchos efectos tras otros y la composición va a estar buena, va a haber mucha sangre en esa secuencia.

Tapamos todas las entradas de luz fuerte. Estamos trabajando con texturas en vez de pintar paredes, en vez de trabajar con backings pintados estamos trabajando con tela de tapicería que es una tela más rústica

y fuerte, una tela difícil pero que visualmente brinda un atractivo súper grande por el diseño. Trabajamos con colores oscuros, el morado, el marrón, el dorado, pero tenemos unos toques de luz por allí. La madera también es importante para de cierto modo llamar al cine negro y el vidrio lo estamos usando en diferentes formas igual que la traslucidez. Trabajar con muchos acetatos y vidrios, con elementos que te den brillo pero que no sean tan costosos ha sido la meta que nos hemos

puesto en el equipo y tratar de construir la mayor cantidad de cosas que podamos al menor precio y al mejor costo posible; Pollo Ronco ha sido el escenógrafo que nos ha llevado a hacer posible muchos de los trabajos que tenemos acá, a convertir los vidrios en paredes, a convertir un espacio descubierto en una baranda, a tener un sótano en un estacionamiento, todo eso ha sido el trabajo de un poco de personas que están de la película, todo el día leyendo el guión y pensando una y otra vez como vas a llevar todo eso a lo que sea real, posible y económico, pero que luzca perfecto en cámara.

La paleta de colores se estudió de acuerdo a la psicología y nivel social, aquí hay un nivel social en cada personaje y además hay un estado psicológico que participa muchísimo en la historia y que va enlazando cuál eslabón para que el espectador cree su propia conclusión. Tenemos 6 personajes de los cuales 4 tienen muchísima participación y es bastante

evidente el uso del color. Dimas, el mayordomo, el escolta, en vez colores tiene valores, comienza con el negro y va siendo valores de grises hasta llegar al blanco, que es como la conclusión de su historia en la película. Ana Karina es un personaje dual porque dependiendo de la versión y la historia de cada quien, es una persona mojigata o malisiosa y muy sensual. Es bien interesante, por ejemplo el vestuario y la intención que ella tiene para cada escena y para cada acción contada en la historia. El hijo de Diego Verastegui tiene un amarillo carnio que es un color que lo caracteriza, es un persona fiestera, irresponsable y menos comprometida con la vida.

Diego Verasteguique es el dueño de la casa, el dueño de la fortuna y es la víctima de la película, no se sabe si es por suicidio o por asesinato, pero el set principal de la película se aboca hacia ese personaje y la paleta de colores también se aboca hacia él. Tiene colores morado, púrpura, uva, color vino.

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Volvimos nuevamente a presentar una carta al CNAC diciéndoles que conseguimos unos coproductores, pero no nos daba igual, el CNAC nos rechazó ese aumento de presupuesto que estábamos solicitando y nos tocó entonces sentarnos con el guión. Samuel tuvo que modificar el guión, reducir

José Ernesto Martínez. Productor Ejecutivo El equipo de producción somos 6 personas: un productor ejecutivo, un director de producción, un jefe de producción, un productor de campo, una productora general y los asistentes de producción. En general el gran reto es hacer la película con el dinero que tenemos, seguimos intentando y hay varios coproductores ya … Dificultades si, las exigencias de la película a veces superan un poco la realidad de lo que tenemos para hacer la película; sin embargo, yo creo que hasta ahora, estamos en la 5ta semana, hemos logrado superar en un 80% todos los obstáculos que se nos han presentado a nivel de permisología, espacios y técnica, la película es muy técnica por el mismo tipo de fotografía. Siempre nos quedan 2 semanas, nos queda una semana en enero, todavía hay mucho detalles que afinar para poder cerrar el rodaje de la película pero estamos encaminados y tenemos un equipo técnico preparado para cumplir el objetivo que es terminar la película con el nivel de exigencia que requiere el guión.

Todos los sets digamos que confluyen para terminar de dar una historia que se cuenta en rompecabezas y donde los colores y los materiales ayudan a que el espectador vaya uniendo las piezas hasta crear toda una historia clara o al menos una conclusión bastante clara para saber qué fue lo que pasó.

Patricia Ramírez. Productora General Ese proyecto se montó hace casi 2 años . Hicimos lo que fueron los desgloses, el plan de rodaje, el presupuesto bien detallado con el guión que Samuel tenía. Por ejemplo, recuerdo que el presupuesto daba como 4 millones 800, se metió así al CNAC y en la convocatoria salió elegido el proyecto, pero nos dieron sólo 4 millones.

Se va mostrando a lo largo de toda la película un lenguaje que es muy cambiante, muy dependiente de la atmósfera que se quiere crear, según el estado emocional de cada actor y según lo requiera el sentimiento y la colocación de la escena.

Tenemos un primer deadline para poder llegar al Cine Construcción de Toulusseque es junio de 2013 y ahí pues seguir buscando coproductores. La idea es buscar dinero en las distintas etapas para poder cubrir todos los aspectos. Estamos tratando de hacer una coproducción con España para hacer parte de la postproducción allá.

Daniela Hinestroza. Directora de Arte y Decoradora de set La dirección de arte es bastante importante en la historia porque cada rincón del set está íntimamente relacionado con la historia y la estética de la película, son referencias lo más fieles posibles al cine negro y en la preproducción se hizo un estudio bastante concienzudo de toda la estética.

La propuesta fotográfica se basa en un cine negro que viene de los años 40, 50, 60, donde es muy contrastada, puntos de luz muy fuerte, pero llevado a la realidad del nuevo cine negro y adaptada a la realidad latinoamericana. Es una mezcla interesante ver lo clásico de cine noir, con lo nuevo, más lo latinoamericano. Entonces esa mezcla son esos puntos de luz fuertes con altos contrastes en las caras, contraluz, un alto contraste en la imagen, muchas sombras, persianas venecianas, sombras sobre el rostro, sombras proyectadas en las paredes.

Se están utilizando muchas luces frías, la temperatura tiene que ser neutra, hay un momento que no puede haber muchos cálidos, entre eso está toda la rama de las luces HDMI que son luces 5600, son luces blancas, entre eso están los Kino que es luz blanca suave y que así como hay momentos con alto contraste con luz dura y sombras fuertes en otros momentos es suave que no se sabe ni donde están los faroles.

Francisco Rondón. Productor de Arte Básicamente estamos jugando con la oscuridad, la casa original es un casa llena de vidrios y por lo tanto es una casa hecha para que la misma luz sirva de decoración, ves vidrios por todos lados, plantas, es una casa que está llena de vida a pesar de ser una estructura de concreto y nosotros básicamente lo que hicimos fue matarla.

Juan Toledo. Director de Fotografía

Director de Maquillaje de efectos especiales

locaciones, reducir personajes y todo eso para hacer de nuevo la parte de desglose, personajes y presupuesto, volver al CNAC y decirle está bien, con está plata que nos están dando ustedes y este nuevo guión que estamos poniendo nosotros podemos hacer la película. Entre los retos de producción está sin duda el alquiler de la casa, fue bien complicado conseguirla, tuvimos bastante suerte de encontrar esta, ya Marcelo Pont la conocía y le gustó mucho, nos ayudó mucho con eso. El carro fue un gran tema porque el 40% de la película más o menos se desarrolla en el carro.

Samuel Henríquez. Director y Guionista El carro tenía que ser lujoso, no del año, pero si que represente. Teníamos el gran problema de que el carro tiene muchísimos llamados, 26 llamados y ese fue el mayor reto, conseguir un carro del que pudiésemos disponer suficiente tiempo y no nos fuera a desfalcar la película porque un carro de ese tipo podría costarnos fácilmente 3000 bs diarios. Es un Mitsubishi Eclipse descapotable, al final se decidió comprarlo para poderlo tener a disposición todo el tiempo lo cual fue genial porque incluso el plan de rodaje ha variado mucho y el tenerlo ahí siempre para nosotros ha sido una ventaja inmensa.

Mi inspiración para esta película son otras películas que yo amo dentro del cine negro y luego digamos que mi propia personalidad de ver las cosas. Dentro de lo dramático que tiene toda la película siempre hay cierto sarcasmo.

lealtad con su jefe con su padre, el tema de lealtad que hay entre los personajes o deslealtad; eso es lo que me hace a mí conectarme con los personajes y emocionarme cuando actúan de la manera en que actúan.

Hablando por el arte, lo empecé a trabajar con Marcelo Pont, un argentino que ha hecho aquí varias películas, y la directora de arte, Daniela Hinestroza y el director de fotografía, Juan José Toledo, entonces siempre hemos querido recrear una Caracas reinventada dentro de un lenguaje de cine negro.

Por otro lado me apasiona por la estructura que funciona como un acertijo o juego intelectual de manera que le reta al espectador, saber cuál de las 3 versiones es la verdadera, si es que hay alguna que sea verdadera y me he propuesto desde la primera vez que escribí el guión que fuera una estructura enrevesada, pero si el espectador analiza las pistas con detenimiento puede llegar a una teoría sobre qué fue lo que pasó esa noche, pero digamos que la ambigüedad siempre va a mantenerse.

Y hay algo que yo quiero decir con la película, yo creo que funciona en dos sentidos: en la relación que tiene el escolta con su jefe, la relación de lealtad, de

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Vida de Película

En la Red

Rodolfo Santana

El Color del cine

Marlyn Da Costa/Fotografía: Archivo

Su paso por el mundo de las letras y el arte deja una huella imborrable en la historia de la dramaturgia venezolana

RrOoDdOoLlFfOo SsAaNnTtAaNnAa: el hombre que convirtió las palabras en historias de vida Más de 80 obras escritas, títulos traducidos a múltiples idiomas, premios nacionales e internacionales,escenarios de cine y teatro y miles de espectadores. Estudiantes y profesionales del gremio lloran la partida de este venezolano amante de los guiones con alma y defensor del pensamiento plasmado con carácter y personalidad Nació en Guarenas en el año 1944 y desde muy joven su inclinación por la escritura se convirtió una vocación de vida. A los 19 años ya era autor de algunas piezas y en su afán por compartirlas y ganar experiencia se dedicó a organizar grupos de teatro en zonas populares de Petare, iniciativa que le permitió desarrollar el olfato para identificar problemáticas sociales de interés público, la imaginación de un cuenta cuentos y la agudeza de un productor con pocos recursos económicos. Pasando la barrera de los 20 años, la ciudad de Maracaibo fue testigo de su primer reconocimiento público, al ganar un Concurso de Dramaturgia promovido por la Universidad del Zulia (1944), con “La muerte de Alfredo Gris”. Desde ese día su carrera fue en ascenso y nunca más descendió, se convirtió en director de teatro universitario, ganó permios internacionales y sobre todo siguió leyendo e investigando, hasta convertirse en un reconocido guionista de cine. La capacidad de Rodolfo para reinventarse fue una de sus grandes aliadas hasta el día de su partida. Quienes lo conocieron hablan de un hombre brillante, con ideas inagotables, siempre pensado en cómo promover la escritura con argumentos. Pese a su pasión por el teatro, es recordado como un hombre circunspecto y hasta tímido, de mirada penetrante capaz de intimidar a cualquiera, pero sólo bastaba conocerlo para contagiarse con su carisma e inagotables proyectos. Su carrera como guionista comenzó en 1975, con “El Reincidente”, escrito para el director venezolano Clemente de la Cerda, para quien también hizo: “El Crimen del Penalista”, Compañero de Viaje (Premio al Mejor Guión Cinematográfico, 1979) y “Los criminales”. Pero no sólo los venezolanos reconocían las bondades de su pluma, por eso también tuvo oportunidad de adaptar su obra “La empresa perdona un momento de locura” para el mexicano Mauricio Wallesrstein. 20

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Quienes siguen la historia del cine venezolano moderno recuerdan con admiración la adaptación de Rock para una abuela virgen, con la que Olegario Barrera materializaría la película “La Abuela Virgen”; además de los guiones”Un sueño en el abismo” y “El Caracazo” escritos para Oscar Lucien y Román Chalbaud, respectivamente.

Escribir: Alimento para el alma y el espíritu Una carrera de éxitos y reconocimientos no era suficiente para el Rodolfo comprometido con el cine que se construye a partir de un buen guión y por eso, aunque nunca paró de escribir, durante sus últimos años se dedicó a promover la formación de guionistas, al punto de ser uno de los principales responsables y coordinador general del I Encuentro de Guionistas y del II Simposio de Investigación y Formación Cinematográfica, celebrados este año. Además, los entes reguladores y promotores del cine en el país dan fe su aporte invaluable a los programas de formación de la Fundación Villa del Cine y del Laboratorio del Cine y el Audiovisual del Centro Nacional Autónomo de Cinematografía; así como de su alto desempeño en la comisión de discusión del pensum del Plan Nacional de Formación de Unearte y en el consejo directivo de la Fundación Cinemateca Nacional, del cual era miembro activo.

A pocos días para su cumpleaños número 68, Rodolfo Santana dijo adiós a familiares, amigos, bohemios, intelectuales, escritores, dramaturgos, cineastas de Venezuela y el mundo; a un público que tuvo la dicha de disfrutar su propuesta. Se va dejándonos el sinsabor de una partida inesperada, pero con la certeza de que siempre será referencia obligada de quienes amamos el teatro y el cine nacional.

El Color y la Luz como elementos de lenguaje

El color proporciona mayor adecuación a la realidad, ya que el mundo es en colores, y una más amplia libertad para el juego de carácter creativo. Los cineastas del cine en blanco y negro, no obstante, llegaron a adquirir unas cotas altísimas de perfección fotográfica, de contrastes entre luz y sombras y una sorprendente profesionalidad en el uso de la iluminación. La luz es un elemento imprescindible para el lenguaje cinematográfico. Sin luz no hay cine. La iluminación crea sombras, arrugas, rejuvenece o envejece, crea efectos psicológicos del personaje, en función de donde se coloque cambia la atmósfera de una película. En claroscuro está filmada, por ejemplo, El sur, de Victor Érice. En el cine en blanco y negro lograron algunos cineastas como Eisenstein o Fritz Lang dominar el mundo de luces y sombras, dando a la sombra carácter protagonista, utilizando con maestría el contraluz, el humo de hogueras y cigarros. La niebla y otros efectos se realizaban con fines estéticos, para enfatizar la luz y las sombras y no solamente con el fin de crear atmósferas y ambientes. La luz se convierte en protagonista en la película Lady Halcón (Lady Hawke, 1984) de R. Donner, llegando al máximo en la secuencia final, en el eclipse, cuando al cambiar la luz por las sombras Lady Halcón se convierte, de halcón, en persona. La utilización del color en cineastas de las últimas generaciones, como Spielberg, que filma en blanco y negro, o revira al blanco y negro tras filmar en color, mezclando algunos toques de color como el vestido rojo de una niña y las llamas de una vela en La lista de Schindler o determina el porcentaje de color al diez por ciento en Salvar al soldado Ryan, (SavingPrivateRyan, 1998) para crear la atmósfera de horror hacia la guerra. Actualmente, en muchos casos, el cambio de color, o su saturación e intensidad, se realiza por métodos digitales. Los operadores y técnicos de fotografía saben dar a cada escena el tono, intensidad, o saturación adecuada a la secuencia que se está filmando.

Usos del color en el cine El color pictórico. Intenta evocar el colorido de los cuadros e incluso su composición. El color histórico. Intenta recrear la atmósfera cromática de una época. El color simbólico. Se usan los colores en determinados planos para sugerir y subrayar efectos determinados. El color psicológico. Cada color produce un efecto anímico diferente. Los colores fríos (verde, azul, violeta) deprimen y los cálidos (rojo, naranja, amarillo) exaltan.

El color y la perspectiva Los colores cálidos dan impresión de proximidad, y los fríos de lejanía. También influye el valor de la intensidad tonal de cada color: los valores altos, iluminados, sugieren grandiosidad, lejanía, vacío... Los valores bajos, poco iluminados, sugieren aproximación. Los fondos iluminados y claros intensifican los colores, dan ambiente de alegría y los objetos tienen más importancia en su conjunto. Los fondos oscuros debilitan los colores, entristecen los objetos que se difuminan y pierden importancia en el conjunto. El color sirve para centrar la atención, favorecer el ritmo en la narración y en el montaje, y expresar con más fuerza ciertos momentos.

El valor simbólico del color El color no es solamente un adorno. Se logra mediante el buen uso del color aumentar o reducir la expresividad del film. El color puede crear la atmósfera adecuada para la recepción de nuestro mensaje. Los colores tienen significado; por lo tanto, es conveniente usar el color apropiado para cada tema. Los significados típicos de los colores son: Negro: formal, nítido, rico, fuerte, elegante. Azul: frío, melancolía, deprimido, tranquilidad, serenidad. Oro: amor, realeza, rico, imperial. Rojo: amor pasional, ira, odio. Rosado: ternura Anaranjado: festivo, alegre, energía, salud. Sanguina: libertad, creatividad Amarillo: tibieza, luz, madurez. Verde: fresco, en crecimiento, joven. Blanco: pureza, limpio nítido.

RIF. J-312 77484-3

Por: Enrique Martínez-Salanova Sánchez http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/colorcine.htm

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Alfombra Roja

Soundtrack Antonio Jiménez

Que Detectives! Marlyn Da Costa/Fotografía: Cinemapress

El inspector Rodríguez llega a las principales salas del país

Marlyn Da Costa / Fotografía: 5y acción

Estudiar música para cine le cambió la vida

AaNnTtOoNnIiOo JjIiMmÉéNnEeZz: QqUuÉé DdEeTtEeCcTtIiVvEeSs: un estreno de enredos y grandes figuras del folklore larense a la gran pantalla Desde que regresó a Barquisimeto forma parte del equipo de trabajo del Cieca, con ellos ha tenido la oportunidad de participar en producciones como “Vochi y los guardianes del bosque”, “Amabilis” y “Un ideal para vivir”. Además, participó en la producción de la grabación de la orquesta del largometraje Zamora

La presentación oficial de este film se realizó en la ciudad de Maracaibo, en el marco de la Feria de la Chinita; una semana después llegó a Caracas para hacer reír a toda la familia

Oriundo de Barquisimeto, la música siempre estuvo presente entre sus actividades cotidianas pues parte de su familia estaba vinculada a la música popular tradicional larense. A los 13 años, en un acto de rebeldía, como él mismo lo llama, se inclinó por la música moderna – rockera, pero al graduarse de bachiller y enfrentarse al pregunta ¿Qué voy a hacer con mi vida?, decidió ser músico con todas las ley, sacó la licenciatura y aplicó a Fundayacucho, lo que le permitió hacer dos postgrados en Francia.

Una pasión desconocida

Luis “Moncho” Martínez, guionista y productor ejecutivo del film, comenta que llevó al Inspector Rodríguez a la gran pantalla “porque es el personaje con mayor cabida y liderazgo dentro de todos lo que he hecho en el programa ¡Qué Locura!, en sus 11 años. Además el Inspector se mantiene al aire actualmente narrando todos los casos del programa y a parte valoramos la excelente acogida que tiene en Latinoamérica. Me parecía que había que sacar al Inspector Rodríguez de su garita y darle vida propia. El público me lo pedía desde hace tiempo”. Actores, comediantes, modelos, periodistas y personalidades vinculadas al cine se dieron cita en la presentación a los medios de esta película que pronto dará mucho de qué hablar. 22

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Sinopsis: La historia comienza cuando el Inspector Rodríguez en un golpe de suerte, gana el premio mayor en el Kino y renuncia al canal de la Colina. Corre el rumor que su fiel compañero “Pacheco” también se retira de su puesto de trabajo. Fuentes cercanas al inspector Rodríguez señalan que este par se habría asociado para formar una agencia de detectives.

El rodaje: La película se rodó en 5 semanas en la ciudad de Caracas, el Edo. Vargas y en la Hacienda Santa Teresa. La Coordinación de la Banda sonora también estuvo a cargo del polifácetico Luis “Moncho” Martínez, con sus aliados musicales de siempre.

Ficha técnica: Dirección y Producción: Carlos Daniel Malavé Guión: Luis “Moncho” Martínez y Falco Antonio Producción Ejecutiva: Luis “Moncho” Martínez Invitados especiales: Jorge Reyes / Irán Lovera / Norah Suárez / Beba Rojas / Guillermo Canache / José Viera / Daniel Alvarado / Leonardo Villalobos/ Andreína Yépez / Edward Galindo / Norma Delgado / Mariángel Ruiz / Diosa Canales / Ivette Domínguez / Luis Gerónimo Abreu /Aran de las Casas / Franco Bellomo / Wilmer Ramírez / Wilmer “coquito” Machado / Richard Linares / Jessika Grau / Roberto Messutti / Norma Mendez / Gustavo Aguado / Guaco / Samir Bazzi / Roberto Lamarca / Roberto Antonio / Wiston Vallenilla / Luisana Beyloune / Jerónimo Gil / Pablo Martin /Carlos Guillermo Haydon / Hugo Vásquez / Karina Jaimes / Potro Alvarez / Eduardo Rodríguez.

Cuando se graduó de músico optó por una especialización como Director de Orquesta en París, allí descubrió la música para cine como una carrera formal y desde entonces la reconoce como su vocación, aunque a veces no sea una medio tan accesible. “Yo me voy a Francia en función de la dirección de orquestas, allá tenía un compañero que además estudiaba música de cine y le pregunté donde estudiaba porque me pareció interesante; eso fue para 1998, aquí en Venezuela el mundo del cine estaba incipiente, estaba muy reducido. Me dijo vete para la School Normal de Música en París, tienes que presentar unas pruebas. Como en Francia la mayoría de estudios son públicos dije, como esto no me va a representar una gran cantidad de gastos vamos a darle y cuando entré a estudiar me cambió la vida, me di cuenta que eso era algo que yo quería hacer pero que ni siquiera sabía que era capaz de realizarlo. Ahí mi profesor fue Patrice Mestral, un director reconocido en Francia. El entrenamiento fue súper árduo, había que musicalizar de 3 a 5 minutos semanales de película, eso es bastante si lo comparamos con universidades americanas donde se habla de un proyecto para toda la carrera. Cuando salí de ahí me sentí que iba como en un avión, me dio una facilidad para la escritura y la planificación de la música.

Musicalizar una película

El estado ideal de Antonio

Con mucha sencillez para que podamos entender, Antonio nos explica que hacer música para una película tiene varias etapas. Todo comienza con la preproducción, allí “se define cuál va a ser el estilo, si es orquestal, electrónico, fusión, latino rock and roll” y luego viene la primera etapa verdaderamente, “cuando el director de la película se reúne con el músico y entre los dos deciden en qué lugares puede o no ir música y durante cuanto tiempo”. “Después viene toda la imaginación, pero siempre hay que buscar dar el aspecto psicológico, dar la ambientación a la narrativa. Las tendencias más gringas se van a la ilustración sonora, tipo StarWars o Indiana Jones, que son netamente un fondo y la tendencia europea es más intimista, va más a la psicología del personaje que al contexto”. Para Antonio, “el proceso creativo es el más intimo, lo primero que yo pido es el guión, lo leo, me reúno con el director y me explica para tener una idea general de los personajes. A mí no me gusta trabajar con leitmotiv, cada personaje con una línea melódica, yo hago un solo tema que engloba todo. Lo que viene es imaginación y pensar”

“Ser músico y sonidista, que puedas hacer la música y el diseño sonoro. Porque que te contraten sólo para la música generalmente es para las producciones de mucho presupuesto, pero para bajo y mediano presupuesto lo mejor es hacer ambas cosas.

Adiós París Tras culminar sus estudios, Antonio regresa a su ciudad natal, se considera súper guaro y para él Barquisimeto es la mejor ciudad de Venezuela, allí conoce a Luis Girón e Isabel Caroto, fundadores del Centro de Estudios Integrales de Comunicación Audiovisual (CIECA), comenzó a dar clases y surgió la idea de convertirse en el músico de su instituto, “ellos me dan la música de todas sus producciones y eso es algo bien difícil de encontrar para las personas que quieren hacer algo a nivel audiovisual, encontrar un equipo de trabajo y que entre todos se vayan respaldando”.

La música como una profesión creativa Para quienes quieren incursionar en este mundo, Antonio recomienda: • La preparación, uno sin preparación no es nada. • La cultura, ver mucho cine y oír mucha música de todo tipo, porque ahora la música de cine no tiene ese estigma orquestal, hoy en día hay mucha fusión, hay orquestal electrónico, orquestal técnico. • El uso de las nuevas tecnologías, compositor que no maneje las computadoras, que no maneje programas como protool, o cualquier otro, puede que le den el mejor trabajo del mundo pero nunca hay dinero suficiente para contratar una orquestota porque eso es muy caro, hay que tener a la mano herramientas, alternativas. Yo tengo estos samples, este muestreo, no es que me tengo que traer un tablista hindú porque el director quiere una tabla hindú en una parte de la película

Ficha técnica Compositor y director de Orquesta, Licenciado en Música, del Instituto de Estudios Musicales en Caracas, hoy UNEARTE, hizo dos postgrados en Francia: Director de orquestas y Compositor de Música para Cine.

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Ellos son.. Cine Venezolano

México en el corazón

Greisy Mena Marlyn Da Costa/Fotografía: Greysi Mena

Aunque es conocida por su participación en importantes producciones nacionales

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Llegó a las pantallas mexicanas por un demoreel en youtube Su desempeño la ha convertido en una de las actrices de cine venezolano más nombrada en los últimos meses. Se inició en el teatro, pero desde que realizó su primer casting se comprometió con la pantalla grande. Hoy acumula importantes participaciones en producciones nacionales e internacionales de alta factura como “Los elefantes nunca olvidan”, “Hija de Puta”, “Maroa”, “Postales de Leningardo” y “La vida precoz y breve de Sabina Rivas”… Greisy Mena, talento de exportación Su más reciente interpretación en “La vida precoz y breve de Sabina Rivas”, película de Luis Mandoki, le ha valido elogios y reconocimientos, entre ellos el premio a la mejor actriz en la Semana Internacional de Cine de Valladolid (España). Ya en el país, luego del estreno en tierras aztecas, Greisy nos cuenta como Sabina Rivas es uno de esos personajes que dejan huella, no sólo por los comentarios de la crítica, sino por la intensa preparación y responsabilidad que implica llevar a pantalla la historia de una joven que realmente existió

De Greisy a Sabina Rivas Se trató de un personaje sumamente complejo porque es una adolescente hondureña que canta, baila y con la inocencia y fragilidad más pura se vuelve una heroína de su propia vida, una guerrera toda fuerza y valentía. Demandaba una preparación integral y compleja. Primeramente, leí ¨La Mara¨, de Rafael Ramírez Heredia, novela en que está basada el guión de la película. Tuve que pulir técnicas de música, canto, baile. Tuve que adoptar el acento hondureño con un coach. Trabajé la construcción del personaje desde el guión con Pablo Mandoki (hermano del director). Me entrevisté con hondureños ilegales en el consulado en México, estando en la frontera sur, fui a los prostíbulos de la zona para la visualización del ambiente. Posteriormente, trabajé con el director que le plasmó la mística necesaria y perfecta al personaje.

El resurgir del cine venezolano vs la industria mexicana Recordemos que México reresenta una gran industria cinematográfica constituida. La frecuencia de estrenos mexicanos es muchísimo mayor a la nuestra. De hecho, el mismo día que se estrenaba ¨Sabina Rivas¨ se estrenaba 24

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otra película también mexicana y la semana siguiente otra. Igualmente la inversión en producción es mucho mayor. Con ¨La vida precoz y breve de Sabina Rivas¨ me tocó protagonizar un film dirigido por uno de los directores más importantes del cine internacional, como lo es Luis Mandoki, que ha recibido premiación de los festivales más importantes del cine. Ha trabajado con personalidades como Susan Sarandon, Andy García, Meg Ryan, Charlize Theron, Paul Newman, entre otros. Se trata de la producción más costosa del cine mexicano, invertido en su mayoría en los elementos técnicos para mostrar un producto superior en calidad en todos los sentidos. Se filmó con dos cámaras 35mm, la iluminación nocturna se hacía con globos (no recuerdo el nombre técnico), una grúa más grande que otra, dollies, lentes de última generación… A resumidas cuentas, a nivel técnico no hay comparación pero a nivel humano si la hay. La calidad humana de mi familia de cine venezolano es la misma que encontré en México. Si hay algo que valoro y admiro profundamente de quienes hacemos posible un film, es al equipo técnico y de producción de cada una. Sin ellos, nada se haría posible. Con ellos, tanto venezolanos como mexicanos, me divierto mucho, recibo su cariño y protección. En eso no hay diferencias.

Anécdotas miles!!!! Como semblanza te puedo decir que el rodaje fue una experiencia extraordinara e inolvidable! No quería que se terminara el plan de rodaje nunca y mira que fue rudo, pero lo disfruté al máximo. Mis compañeros de trabajo fueron maravillosos, estuve ante primeros actores del cine y el trato mexicano son padrísimos seres humanos! Me divertí mucho con cada uno y su aporte a la atmósfera de nuestras escenas fue vital.

Recordando un poco aquella joven que se inició en el teatro sin ni siquiera pensar que actuar para cine sería su gran pasión. Greisy nunca olvida su primer programa de preparación actoral

“Me inicié en el taller de formación teatral del grupo Contrajuego y luego audicioné para aplicar en el Programa de Formación de la Compañía Nacional de Teatro, donde tuve la dicha de recibir clases de la mano de los docentes y profesionales más destacados de las artes escénicas gratuitamente por los tres años que duraba el proceso. En ese período también pude participar en varios montajes de la CNT, no sólo como actriz sino como aprendiz en las otras áreas de producción”. Al finalizar el Programa de Formación, hice un casting para el cortometraje de Lorenzo Vigas, ¨Los Elefantes nunca olvidan¨ y quedé seleccionada! Esta fue la ventana que me mostró lo maravilloso de hacer cine y a posteriori surgieron otras propuestas en el séptimo arte. En lo sucesivo hacía teatro y cine, y hace un poco más de tres años también he tenido la oportunidad de participar en el género de telenovela en nuestro país.

Protagonista desde el primer día y un poquito de ayuda cibernética Con mi primer trabajo en cine se dio la estelarización del proyecto, fue en ¨Los elefantes nunca olvidan¨, co producción entre Venezuela y México. Mi primer largometraje nacional como protagonista fue con ¨Postales de Leningrado¨ de Mariana Rondón y también se trató de una coproducción con varios países. La directora ya tenía referencia de mi trabajo por los cortometrajes y mi largometraje anterior para ese entonces que era ¨Maroa¨ de Solveig Hoogesteijn. Me llamaron para presentar el casting y quedé seleccionada. A mi protagónico en ¨La vida precoz y breve de Sabina Rivas¨ de Luis Mandoki, mi primera producción netamente internacional (mexicana),llegué de una forma poco usual. Tenían un año buscando la actriz en varios países y en una búsqueda de actrices latinoamericanas en youtube.com, la esposa de Mandoki, Olivia Bond encuentra mi demo reel. Imagínate! Eso comprueba de que cuando algo es verdaderamente para ti, así estés bajo las piedras, será para ti.

Un cúmulo de trabajos: Cortos, largos, estudiantiles, profesionales. Con unas pocas palabras es fácil conocer a una Greisy sencilla y amable, siempre dispuesta a dar lo mejor, sin importar si la producción es nacional o internacional, corto o largo, de estudiantes, nuevos realizadores o directores consagrados. Su experiencia nos deja ver mucho de la admiración que siente por el cine venezolano y lo que se está haciendo en las aulas y la calle. Disfruto plenamente mi oficio como actriz y esa es mi premisa. Creo que todo personaje significa un reto y deja en mi un gran aprendizaje. No tengo que ver si se trata de un corto, de un largo o de una obra de teatro, simplemente veo la historia, el personaje. Con ¨Los elefantes nunca olvidan¨ fue muy significativo. Se trataba de primer trabajo en cine, viniendo de una formación teatral tan intensa, es una producción del reconocido guionista y director mexicano Guillermo ¨Memo¨Arrtiaga… y fue lo que me hizo decir: ¨Quiero hacer cine siempre!¨

¨Postales de Leningrado¨ fue una experiencia maravillosa y muy especial porque se trataba de la biografía de la directora, Marina Rondón. Yo personificaba a su madre. Pero lo más grandioso de esa experiencia lo encontré tiempo después de filmarla y te cuento por qué. Después de filmar Postales, estaba en la casa de la directora y de un libro se cayó una fotografía, la recogí y me pareció curioso ver una foto mía en personaje y que no la haya recordado. Mariana me indicó que era su mamá con ella en brazos. Me sorprendió sobremanera cómo además del vestuario y el estilo de la foto, que era muy similar a la que se ve en la película, logré el gesto, la mirada y la atmósfera de su madre para aquel entonces sin haberla conocido y ni que Mariana nunca me dijera literalmente cómo era. Pensé con admiración: ¨ Mariana me llevó por su propio pulso creativo a encontrar la personalidad que tenía que representar¨. “Desde el primer momento que recibí la llamada de Livia Mata, productora del cortometraje de ¨Hija de Puta¨ de Alexandra Bas, me emocioné mucho poder colaborar con estos jóvenes y grandes profesionales de la escuela de cine de Mérida. Básicamente por lo que había conocido de ellos, durante mi estancia en esa localidad con la filmación de ¨Postales de Leningrado¨, sospechaba que se trataba de algo muy bonito. Y lo fue. De hecho superó mis expectativas, pues en ningún momento sentí que estaba tratando con estudiantes sino con un equipo muy profesional que disfrutaban plenamente lo que estaban haciendo y tenían todas las ganas de hacerlo de la mejor manera posible. Se encargaron de toda mi logística de llegada y salida, de mi hospedaje, traslados, viáticos… Sólo me tenía que ocupar de hacer bien mi trabajo, como en cualquier otra producción.

Para no olvidar Este arte, además de pasión, implica verdadera preparación, mucha disciplina, rigor y constancia. El facilismo, el conformismo y la mediocridad hacen efímero este transitar.

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Teaser tráiler en la red Rif. V-22408472-9

Para Hidalgo, “la película es un viaje para enfrentarnos a nuestros más profundos miedos. Una obra narrada a través de un género fascinante, pero olvidado por nuestros cineastas, que no sólo nos arrancará el aliento, sino también el corazón”. El teaser fue realizado con el apoyo de la casa productora Tres, de Marcel Rasquin y Joe Torres, y editado por Miguel Ángel García, quien trabajó también en el montaje de las películas Piedra, papel o tijera de Hernán Jabes y Azul y no tan rosa de Miguel Ferrari, entre otras. La musicalización estuvo a cargo de Yoncarlos Medina. El teaser puede ser visto en la siguiente dirección: http://www.youtube.com/watch?v=vxknH-AFz3c&feature=plcp Síganla por @lacasadelfin facebook.com/lacasadelfindelostiempos Fuente: Cameo Marketing

“La Ley” una comedia que juega con las ironías y contratiempos del orden…y el desorden Dirigida por Pablo de la Barra, “La Ley” es una película venezolana que garantiza a los cinéfilos empezar el 2013 con buen humor Filmada entre España y Venezuela, el director Pablo de la Barra, nacido en Chile y que vive desde hace más de 30 años en Venezuela, apuesta en su cuarta película al género de la comedia: “quería recordar mis orígenes en este país.” Se podría decir que “La Ley” es en parte autobiográfica, ya que de la Barra refleja en el personaje protagónico masculino, las vicisitudes que enfrenta cualquier extranjero en un contexto ajeno a su realidad. La historia de “La Ley” gira alrededor de Pedro, quien está a punto de ser nombrado magistrado de la suprema corte española, pero una llamada le anunciala muerte de su abuela en Venezuela y su consecuente herencia. Esta noticia lo obliga a “tomar maletas”, sin imaginar que este país cambiará su forma de ver la vida, la justicia y el amor. “La Ley” está protagonizada por la joven actriz venezolana Vanessa Mendoza, quien interpreta el papel de Fedora, y el actor español Lucas Fuica, personificando a Pedro. Además, el film cuenta con las destacadas actuaciones de Nacho Huett, Ignacio Márquez, Javier Vidal, Alejandro Corona, Yugui López, Rolando Padilla, Armando Gota, Mayra Africano, Verónica Arellano, Paco Ginot, y el recordado Julio César Mármol.

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Tú también puedes ser productor de una obra extranjera rodada en Venezuela

La casa del fin de los tiempos, de Alejandro Hidalgo presenta su primer teaser tráiler, dando así a conocer las primeras imágenes en movimiento de esta película que se estrena el 07 de junio de 2013. El primer thriller de suspenso y terror venezolano narra la historia de Dulce, interpretada por Ruddy Rodríguez, una madre de familia que tiene encuentros con misteriosas apariciones dentro de su vieja casa, lugar donde se desata una terrible profecía.

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En el marco de la Ley

Fuente: Dulce María Ramos. Prensa La Ley

Para optar por este puesto sólo debes estar debidamente inscrito en el Registro Nacional de Cinematografía del Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (CNAC) y estar atento a las oportunidades, pues la ley exige que toda empresa o individuo extranjero que desee filmar en Venezuela debe nombrar a un productor local que funja como representante legal. Los trámites para los rodajes de otros países son canalizados a través de la Comisión Fílmica de Venezuela, creada en 1996 y miembro de la Association of Film Commissioners International (AFCI), desde el 97, quien además de asesorar a los interesados en materia de trámites es la encargada de emitir el permiso general de rodaje. El productor local será encargado de todos los trámites legales, estos varían de acuerdo a las locaciones y necesidades de la producción. Para iniciar todo el proceso deberá solicitar el permiso general de rodaje, consignando la documentación completa del proyecto, desde el guión hasta el presupuesto detallado; este es un trámite gratuito y es otorgado en 5 días hábiles posteriores a la entrega de todos los requerimientos. Luego deberá trabajar en la permisología de cada locación, pues esa es gestionada directamente con los entes responsables del lugar. Para rodar en Parques Nacionales deberá dirigirse directamente a INPARQUES. Para la utilización de zonas indígenas, el permiso debe ser canalizado a través del Ministerio del Poder Popular para los Pueblos Indígenas. En el caso de los museos, los trámites deben hacerse ante la Fundación de Museos Nacionales y se trata de alguna instalación militar, el responsable directo es el Ministerio del Poder Popular para la Defensa.

Para los extranjeros: Debes asesorarte sobre la necesidad de visa, en este caso te corresponde la de Transeúnte de Negocios y deberás solicitarla en la oficina consular de tu localidad. Este visado es otorgado a comerciantes, ejecutivos, representantes de empresas o industrias y microempresarios, no migrantes, que deseen ingresar al país para realizar actividades y/o transacciones comerciales, mercantiles, financieras u otra actividad lucrativa legal relacionada con sus negocios. Tiene un año de vigencia y contempla múltiples entradas, permitiendo permanecer en el país por un período de hasta ciento ochenta (180) días, sin prórroga. Para más información: Av. Francisco de Miranda, con calle Los Laboratorios, Centro Empresarial Quórum, piso 1, oficinas 1-F, 1-G y 1-H Urb. Los Ruices. 1071. Caracas – Venezuela +58 212-235.21.94 / 238.05.70 / 238. 24.84 / 238.75.73, 239.21.71 / 239.52.07 www.cnac.gob.ve/filmcommission www.cincoyaccion.com.ve

Novedades Marlyn Da Costa

Joven Venezolano premiado en EEUU por Gremio de Directores de Cine El venezolano Francisco LupiniBasagoiti es galardonado con premio de cine estudiantil del Gremio de Directores de Cine en Estados Unidos, el famoso DirectorGuild of America. La gala fue el miércoles 28 de Noviembre, en el teatro principal del Gremio de Directores en Manhattan, Nueva York. Lupini obtuvo el premio al mejor director latino de la Costa Este por su cortometraje El Nido Vacíoprotagonizado por las españolas Soledad López, Joaquina Núñez, Inma Heredia, los españoles Francisco Fuertes y Miguel Belmonte y el joven actor argentino Francisco Huergo. Con mucho color y comedia, el cortometraje presenta los esfuerzos de una madre soltera y sexóloga que trata de reconectarse con su único hijo luego de descubrir que la fuente de sus angustias puede ser el enorme “problema” que él guarda dentro de sus pantalones. Recientemente la película gana el premio a la mejor comedia

en el Costa Rica International Film Festival donde es oriundo su talentoso compositor musical, Andrés Soto, y anteriormente ha sido estrenada en más de treinta festivales por el mundo con excelentes críticas. Lupini estudió cine y literatura dramática en la prestigiosa escuela de artes Tisch de la Universidad de Nueva York. Actualmente busca financiamiento para su ópera prima, un largometraje titulado La Maestra, y estrenará una serie web en Diciembre con el nombre de ¡Madre Mía! también protagonizada por la española Soledad López y producida por Francisco Fuertes. La serie trata sobre una monja que abre un servicio de confesiones por internet para salvar a su convento de la ruina debido a la actual crisis económica mundial. Fuente: Lupini Film

Cine foro de impacto: Danilo Márquez y su película Ana, el terror comienza en casa Productor Nacional Independiente, durante varios años se dedicó a la televisión, en el estado Lara, pero un día decidió cambiar de rumbo y hacer lo que realmente quería: cine. Ana, el terror comienza en casa es su primera producción formal; los recursos utilizados fueron propios y hoy en día está abocado a realizar cine foros para dar a conocer su trabajo y intercambiar ideas con los interesados en el tema. Desde ya se prepara para iniciar una nuevo proyecto y no descarta la próxima realización de Ana parte II. Según nos comenta, antes dematerializar su propuesta se tomó el tiempo necesario para estudiar elgénero terror, en especial el japonés, sin descartar algunas tendencias norteamericanas; además, utilizó los conocimientos adquiridos durante su desempeño en la televisión. Escribir el guión le tomó 6 meses, pues debía compartir el tiempo entre las obligaciones laborales, familiares y el nuevo rol de guionista. El rodaje fue posible gracias a amigos y conocidos que lo ayudaron, entre 10 y 15 personas trabajaron no sólo en la parte técnica y actoral, sino apoyándolo en todos los detalles del plan de rodaje, y en total se habla de 49 actores a lo largo de la historia.

Las grabaciones duraros 9 meses, por eso considera a Ana como su bebé. Sin embargo, el trabajo estuvo lleno de particularidades. La protagonista inicial, una niña, y su madre que también actuaba en la película, renunciaron, esto lo obligó a reformular el guión que hoy en día trata de una joven, su esposa en la vida real. Por problemas con el audio debió doblar toda la película en postproducción y en la grabación de una de las escenas le robaron el carro. Pero nada de esto fue suficiente para detenerlo y finalmente, hoy habla de la producción con orgullo y satisfacción. Para Márquez este largometraje, rodado totalmente en Barquisimeto, con una duración de 120 minutos, es una alternativa para los amantes del cine venezolano y sobre todo del cine terror, pues es un género poco explotado en el país. Para más información: https://www.facebook.com/mmdacosta#!/AnaElTerrorCo mienzaEnCasa?fref=ts http://www.la-consola.com.ve produccionesdanilomarquez@gmail.com

Venezuela presente en el 34 Festival del Nuevo Cine Latinoamericano Del 4 al 14 de diciembre, La Habana se vestirá de gala para recibir a directores, productores, guionistas, actores y autoridades vinculadas al mundo del cine en la región. Los amantes de la pantalla grande también están invitados a este encuentro que además de contemplar la proyección de casi 600 producciones, ofrecerá talleres, conversatorios, retrospectivas, homenajes, seminarios y actividades culturales de diversa índole. Entre los países que participan están Argentina, Brasil, Chile, Ecuador, Estados Unidos, México, Uruguay, Cuba y Venezuela. Por nuestro país se encuentran: Nostalgia de Gustavo Rondón (Ficción Mediometraje Cortometraje); Brecha en el silencio de los hermanos Rodríguez (Ópera Prima); D de Rafael Velásquez Stanbury y Orinokia de Ricardo Jabardo (Animación); Los golpes de la vida de Juan Carlos Valbuena y Los herederos de Gabriel Nuncio Flores y José Hernández Aldana (Guión Inédito); Er relajo der loro de John Petrizzelli, La pura mentira de Carlos Malavé y Memorias de un soldado de Caupolicán Ovalles (Panorama Latinoamericano); Aída de Evans Briceño, Extraños

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de Valeria Bolívar, Ley orgánica 1/92 de juan Fermín, Necrofilia de Ernesto medina y Primos de Marcos Altuve (La hora del corto); CELAC, un sonido para el mundo de Jordi Abusada, Dulcita de Nelson Romero Barreat Los sueños de José Castillo de Andrés Rodríguez y Luis Alejandro Rodríguez , Yo, indocumentada de Andrea Baranenko (Sección Informativa documental); Philémon chante HabanaPhilémon canta Habana de Pedro Ruiz, Venezuela – Canadá (Cuba). Entre las presentaciones oficiales está El 4F en la historia de Carlos Azpurúa. Como parte de su participación en el Festival, la distribuidora venezolana Amazonia Films, otorgará 2 premios destinados al mejor Largo Ficción y Mejor Ópera Prima, a fin de impulsar su distribución y difusión. Los interesados en este premio deberán aplicar a él expresamente y estar dispuestos a cumplir con las bases legales. Fuente: www.habanafilmfestival.com

Fuente: Entrevista a Danilo Márquez