Programa Mensual Octubre 2023

Retrospectiva Alberto Cortés

Retrospectiva Fernando Spiner

Dossier: Alberto Cortés

Clásicos en Pantalla Grande: Tin Tan

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OCTUBRE 2023

PROGRAMA MENSUAL

CINETECA NACIONAL

Av. México Coyoacán 389, Col. Xoco, Alcaldía Benito Juárez, C.P. 03330, Ciudad de México

Cineteca Nacional es miembro de la Federación Internacional de Archivos Fílmicos.

EN PORTADA

Alberto Cortés. Imagen cortesía del director.

ABREVIATURAS

D: Dirección.

B/N: Fotografía en blanco y negro. Dist: Distribución.

PC: Procedencia de copia.

Programación sujeta a cambios. Para mayor información consulte www.cinetecanacional.net o llame al 554155 1190.

Las copias en cinta de las películas que se exhiben tienen la mejor calidad disponible. Dicha calidad puede variar debido a la diversidad de su procedencia y a su antigüedad.

El Programa mensual es una publicación para informar sobre las películas que la Cineteca Nacional exhibe, tanto en sus instalaciones como en sedes alternas, cumpliendo su misión de difundir la cultura fílmica.

Los textos firmados son responsabilidad de sus autores.

Dossier

ALBERTO CORTÉS Alberto Cortés: Las posibilidades de mirar(se) desde el reflejo

CLÁSICOS EN PANTALLA GRANDE:

El legado de Germán Valdés Tin Tan perdura en la memoria colectiva de México y más allá de sus fronteras. A través de su intensa carrera, que abarcó cine, música y teatro, Tin Tan no sólo nos regaló algunos de los momentos más divertidos de la comedia mexicana, sino que también abordó, de forma única y sui géneris, temas de la cultura nacional que van de la migración y la relación binacional con Estados Unidos –a partir, por ejemplo, de su conocida figura de pachuco–, a las condiciones, sociales y económicas de un país, el nuestro, que a mediados del siglo XX se modernizaba de una forma desigual. El fenómeno Tin Tan surgió en una época de cambios significativos. Durante los años 40 y 50 el país experimentaba una explosión cultural y un renacimiento artístico que consolidaba al fin, los frutos sangrientos de la Revolución iniciada décadas atrás. Su figura no sólo entretenía (¡y de qué manera!), sino que también se sumergió en importantes tópicos del momento a través de sus películas e inolvidables canciones. A través de la comedia, criticó la discriminación, la marginación y la injusticia; y su humor, excéntrico e ingenioso, además de un inmenso carisma, lo convirtieron en un ícono de la comicidad que se adelantaba a las estructuras aún vigentes en su tiempo.

En este mes de octubre, nuestros Clásicos en Pantalla Grande presentan cinco pelícu-

las que Germán Valdés Tin Tan protagonizó bajo la dirección del cineasta que mejor logró captar la extravagante genialidad de su estilo: Gilberto Martínez Solares, para acercar una vez más a las pantallas de la Cineteca verdaderas obras maestras de la comedia mexicana como Calabacitas tiernas (¡Ay qué bonitas piernas!) (1948), El rey del barrio (1949) y La marca del zorrillo (1950).

Cineteca Nacional

CALABACITAS TIERNAS (¡AY QUÉ BONITAS PIERNAS!)

México, 1948, 101 min.

D: Gilberto Martínez Solares.

Accidentalmente, Tin Tan se relaciona con un empresario arruinado que lo hace pasarse por sí mismo para evitar a sus acreedores. En su nueva personalidad, monta un espectáculo musical con una galería internacional de bellezas femeninas que pelean por el crédito principal del espectáculo, el cual ha sido financiado con dinero inexistente. En la primera de sus más de treinta colaboraciones, la excéntrica comicidad de Tin Tan encontró en Gilberto Martínez Solares al director ideal para dar rienda suelta a su inventiva.

México, 1949, 101 min.

D: Gilberto Martínez Solares. EL

Caritativo y desprendido, el ferrocarrilero Tin Tan se empeña en proteger a su joven vecina Carmelita, a pesar de que ésta rechaza su ayuda, sin saber que en realidad él es jefe de una famosa banda de ladrones que se dedica a estafar a mujeres millonarias, haciéndose pasar por músicos y pintores. A este moderno Robin Hood se le comenzarán a complicar los planes cuando la estrafalaria Nena, una de sus millonarias conquistas, se prenda de sus encantos y quiere casarse con él.

LA MARCA DEL ZORRILLO

México, 1950, 105 min.

D: Gilberto Martínez Solares.

California, 1840. El vizconde de Texmelucan ofrece una fiesta para celebrar el esperado regreso de su hijo, quien se encontraba en Italia estudiando esgrima. A su regreso, el joven es retado a un duelo con el capitán Gaspar y huye despavorido, sin imaginar que en su camino encontrará a una bruja con la posible solución a sus problemas. Ahora, el cómico y desvirtuado espadachín deberá enfrentar sus miedos, vencer su cobardía y salvar a su padre de las injusticias del malvado gobernador Marcelo.

México, 1950, 96 min.

SIMBAD EL MAREADO

D: Gilberto Martínez Solares.

Empeñado en conquistar a las bellas turistas extranjeras que vacacionan en las playas de Acapulco, Simbad rechaza a su enamorada Azucena. Cuando un falsificador y su banda llegan al puerto, Simbad se pelea con ellos en un cabaret. Al tratar de escapar, se convierte en modelo para la pintora Vitola, pero termina por toparse de nuevo con los falsificadores. Sin necesidad de elogiar al bello puerto guerrerense, Tin Tan cambia los escenarios capitalinos por una comedia de tintes tropicales y oníricos.

ME TRAES DE UN ALA

México, 1952, 90 min.

D: Gilberto Martínez Solares.

Para conquistar a la vedette Rosita, el periodista Tin Tan se somete a sus caprichos. Al ser despedido junto con su amigo Narciso del periódico en que trabaja, Tin Tan intenta vender un argumento para cine. Una mujer lo busca para comprárselo y él va a visitarla a una lóbrega mansión en la que se desata un tremendo lío. El cine de horror, el musical y las persecuciones burlescas se mezclan en esta comedia de enredos en la que Germán Valdés representa su idea mítica del mundo farandulero y cinematográfico.

BLACK CANVAS FCC

RETROSPECTIVA PETER KUBELKA

Con motivo de la retrospectiva realizada por Black Canvas, en su séptima edición, sobre el extraordinario cineasta vienés Peter Kubelka, nos acercamos a la obra de un profesor y cocinero, considerado uno de los fundadores del cine experimental austriaco, además de una figura radical, libre y fundamental del cine independiente hasta nuestros días, quien colaboró junto a Jonas Mekas en la creación del mítico espacio de la ciudad de Nueva York, Anthology Film Archives. Kubelka también fue fundador del Museo de Cine de Austria en Viena.

Amante de la vida en toda la extensión de la palabra y del "verdadero arte", Kubelka exploró la música, la arquitectura y el diseño espacial; fue campeón de judo, teórico, coleccionista y programador. En su juventud, su primer filme, Mosaik im Vertrauen (1955) fue rechazado por la industria del cine, situación que marcó profundamente la carrera del autor. En 1966 se establece en Estados Unidos, sin embargo, la mayor parte de su obra más importante fue realizada entre 1957 y 1960, el llamado “cine métrico”, donde busca resaltar la imagen como objeto y trabaja con el fin de eliminar la ilusión en el cine.

Sus películas proporcionan experiencias

visuales de gran profundidad donde prescindió de la imagen misma, que es remplazada por la luz. Sin embargo, sus obras no sólo son luz; el cineasta norteamericano Stan Brakhage escribió: «Las obras de Kubelka son películas sonoras. He aquí, por fin, el oído de un cineasta que crea en contrapunto con su ojo». Kubelka vio el cine como una arquitectura en el tiempo y en el espacio, entre la luz y el sonido, y exploró cada uno de los 24 fotogramas que tiene un segundo, dominando el flujo del tiempo. Su cine no surge de ninguna decisión frívola, ni de ser simplemente original, sino de aprovechar la pobreza y la falta de medios. Es un cine hecho con las manos y herramientas como tijeras y pegamento sobre el formato 35mm.

Podríamos nombrar al cine de Kubelka como un cine absoluto, que está a sólo un paso de ser un cine construido por nuestra misma mente.

Extractos de un texto de Manuel Trujillo, Morris

DEL 29 DE SEPTIEMBRE AL 8 DE OCTUBRE

Peter Kubelka

MOSAIC IN CONFIDENCE

Austria, 1955, 16 min.

D: Peter Kubelka.

Considerada como la primera película austriaca de vanguardia, Mosaic in Confidence surge de la crítica de Kubelka a las cintas comerciales, en donde no se explotaban las posibilidades cinematográficas. Así, la composición de este cortometraje se basa en enfatizar los elementos básicos del cine como herramientas de construcción fílmica.

ADEBAR

Austria, 1957, 1 min.

D: Peter Kubelka.

Adebar se compone de secuencias de imágenes en altísimo contraste, tomando como base y estructura el movimiento de un grupo de bailarines que entre tonos blancos y negros transforman la pantalla a partir del movimiento, la imagen y el sonido. Éste fue el primer cortometraje de la trilogía de películas métricas de Peter Kubelka.

Austria, 1958, 1 min.

D: Peter Kubelka.

Pensado originalmente como un anuncio de la cerveza Schwechater, este cineminuto experimental fue realizado a través de una compleja edición de materiales. El trabajo fue rechazado por la empresa, pero fue celebrado como una pieza de vanguardia.

Austria, 2012, 6 min.

D: Peter Kubelka.

Jugando con los cuatro elementos básicos del cine (luz, oscuridad, sonido y silencio), Kubelka construye una obra que utiliza la imagen como base para la confrontación de estos componentes. Así subvierte la idea de las películas dominantes (en el ámbito comercial) y estructura una fuerte resistencia a esa clase de narrativas.

ARNULF RAINER

Austria, 1960, 6 min.

D: Peter Kubelka.

En su tercera película métrica, Kubelka utilizó fotogramas blancos y negros para desdibujar la ilusión de movimiento y regresar a los elementos más primigenios de la imagen, una que escapa al ensoñamiento. Esta obra se contemplaría, años más tarde, como parte del ambicioso proyecto Monument Film, que incluye la proyección conjunta de Antiphon (2012).

Austria, 1966, 13 min.

OUR TRIP TO AFRICA

D: Peter Kubelka.

En 1961 Kubelka comenzó la realización de un documental sobre un grupo de europeos en un safari de África. Después de cinco años de edición, el resultado fue este cortometraje en donde se establece una relación causal y crítica entre el cazador y la presa, con un interesante montaje al que él llamaría “evento de sincronización”.

Austria, 1977, 12 min.

D: Peter Kubelka. PAUSE!

Un poderoso acercamiento al artista austriaco Arnulf Rainer en donde Kubelka parece trascender todo un género de arte contemporáneo (face art) a través de su complejo y característico estudio del ritmo y la repetición. Este filme está considerado, junto con Mosaic in Confidence (1955), parte de su trabajo cinematográfico metafórico.

POETRY AND TRUTH

Dichtung und Wahrhei, Austria, 1996-2003, 13 min.

D: Peter Kubelka.

Este cortometraje contiene piezas recopiladas de películas publicitarias con un elemento en común: muestran a los actores antes de comenzar a interpretar lo que se les ordena representar. El objetivo de Kubelka no fue brindar un mensaje único a través de las imágenes, sino conservar la riqueza arqueológica del material.

RETROSPECTIVA

FERNANDO SPINER

Fernando Spiner es egresado del Centro Sperimentale Di Cinematografía de Roma, donde fue alumno, entre otros, de Gianni Amelio, Roberto Perpignani, Carlo Di Palma y Furio Scarpelli. Fue profesor en de Comunicación Social de la Universidad de Buenos Aires y en la Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica (ENERC). Ha dirigido cortometrajes, documentales, largometrajes y series por los que ha obtenido numerosos premios.

Su obra es diversa y vanguardista, explorando diferentes géneros, y realizando películas muy personales que hablan de la memoria, del padre, el legado, la poesía, la violencia y la culpa, y están vinculadas a cuestiones muy diversas de la historia Argentina, como la cultura gaucha, el rock nacional, la tradición de la literatura fantástica de Borges y Bioy Casares, y el horror de la dictadura y de la guerra de las Malvinas.

Su ópera prima, La sonámbula (1998), escrita junto a Ricardo Piglia y Fabián Bielinsky, fue estrenada en Toronto (TIFF) y en San Sebastián (SSIFF), y premiada en La Habana, Toulouse, y Nantes. Le siguió Adiós querida luna (2004), premiada en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, y Aballay, el hombre sin

A PARTIR DEL 22 DE OCTUBRE

miedo (2011), basada en el cuento Aballay de Antonio Di Benedetto, que obtuvo once premios internacionales y fue seleccionada para representar a Argentina en los premios Óscar como Mejor Film Extranjero, y en los Premios Ariel como Mejor Film Iberoamericano.

En 2018 estrenó La boya, nominada a mejor película documental del 2018 por la Academia de Cine Argentino. Su última película, Inmortal, tuvo su premier mundial en 2022, en la competencia oficial de Sitges-Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña.

Fue productor general y director artístico del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata en 2013 y 2014, y en 2015 recibió el premio “Italia Nel Mondo”, otorgado por el gobierno de aquel país.

Se han realizado retrospectivas de su trabajo en museos, universidades y festivales de todo el mundo.

Fernando Spiner

LA SONÁMBULA, RECUERDOS DEL FUTURO

Argentina, 1998, 107 min.

D: Fernando Spiner.

Una peligrosa sustancia química es liberada, por accidente, en la población argentina. Las personas afectadas comienzan a sufrir amnesia y el gobierno, en un intento desesperado por contener la crisis, obliga a los afectados a comenzar con un proceso de rehabilitación opresivo. Cuando una ola de caos se desata y surge la resistencia, aparece Eva Rey, una misteriosa mujer que parece tener en su memoria la clave para solucionar de una vez por todas la confrontación entre los rebeldes y el gobierno.

Argentina, 2004, 100 min.

ADIÓS QUERIDA LUNA

D: Fernando Spiner.

Es el año 2068. El calentamiento global ha llegado a un punto insostenible y el mundo parece enfrentarse a un desenlace aterrador. En ese contexto apocalíptico, un científico argentino parece tener la solución, destruir la luna y recobrar el equilibrio. El mundo se opone, pero el gobierno argentino decide arriesgarse y emprender una misión para salvar a la humanidad. Con su segunda apuesta por la sci-fi, Fernando Spiner logró entrar a la competencia de los premios Astor en el 19° Festival de Mar del Plata.

ABALLAY, EL HOMBRE SIN MIEDO

Argentina-España, 2010, 100 min.

D: Fernando Spiner.

Durante un asalto armado, Aballay asesina a un hombre. Al cruzar la mirada con el hijo de la víctima, descubre en el infante un miedo profundo que lo rompe por dentro. A partir de ese momento, Aballay decide purgar su pena siguiendo las ideas de los estilitas. Basada en el cuento homónimo del escritor Antonio di Benedetto, la cinta fue seleccionada en el 2011 por La Academia Argentina como candidata a la categoría de Mejor Película Extranjera de los premios Óscar.

Argentina, 2018, 90 min.

LA BOYA

D: Fernando Spiner.

Filme documental que explora la profunda amistad entre Fernando Spiner y Aníbal Zaldívar, en un íntimo ensayo que se estructura a partir del retrato de un ritual conjunto en donde cada verano, sin falta, ambos amigos se sumergen en un mar en donde converge el pasado y el presente. Así, a través de la experiencia de nadar juntos hasta una boya, el cineasta y el poeta argentino logran evadir el tiempo y adentrarse en la reconstrucción de un par de vidas unidas por las palabras.

INMORTAL

Argentina, 2020, 96 min.

D: Fernando Spiner.

Ana regresa a Buenos Aires, su padre ha muerto y debe supervisar los trámites de su sucesión. En el proceso, conoce a un misterioso científico que ha descubierto una dimensión en donde los vivos y los muertos pueden coexistir. Ana, tentada por la curiosidad y la melancolía de la pérdida, acepta entrar sin imaginar lo mucho que esto cambiará su vida. Inmortal formó parte de la selección oficial de largometrajes en el Festival de Sitges 2020 y marcó el esperado regreso de Spiner al género de ciencia ficción.

Argentina, 2020, 127 min.

ERDOSAIN

D: Ana Piterbarg y Fernando Spiner.

Este homenaje, dirigido por Ana Piterbarg y Fernando Spiner recopila material de la conocida serie Los siete locos y los lanzallamas, enfocándose en el complejo y querido personaje Erdosain, quien, desesperado ante la falta de dinero, se une a una sociedad secreta que intenta establecer el orden social a través de una cruel y terrible revolución. La película se realizó gracias a una serie de seminarios en donde colaboraron más de 30 directores, editores, guionistas y fanáticos de Roberto Arlt.

FORMATOS CORTOS

TESTIGOS EN CADENA

Argentina, 1985, 11 min.

D: Fernando Spiner.

Realizado en 1980, en plena dictadura militar, Testigos en cadena se articula como un presagio, la historia de un periodista que registra con su cámara un asesinato, convirtiéndose en testigo y eje de un problemático devenir en donde su existencia y las imágenes registradas correrán el peligro de desaparecer.

FITO PÁEZ, CIUDAD DE POBRES CORAZONES

Argentina, 1987, 48 min.

D: Fernando Spiner.

Inspirado en el álbum Ciudad de pobres corazones, de Fito Páez, lanzado en 1987 y considerado uno de los más importantes de la carrera del músico argentino, esta “ficción musical” cuenta una violenta historia que va ligando todos los temas del disco a través de una desgarradora actuación de Páez y el grupo que lo acompañaban durante la época.

BALADA PARA UN KAISER CARABELA

Argentina, 1987, 22 min.

D: Fernando Spiner.

Con la música y la actuación del ícono del rock argentino Luis Alberto Spinetta, este cortometraje cuenta la historia de un hombre que vive en un pueblo abandonado y pasa sus días intentando encender autos de lujo. Un día, llegan a este poblado una mujer y su hijo; parecen apurados por abandonar el lugar, pero ante la invitación del hombre, se quedan por una noche.

REGIMIENTO 7 REGRESA A CASA

Argentina, 2014, 10 min.

D: Fernando Spiner.

Un atormentado excombatiente de la guerra de las Malvinas se adentra a un viaje subterráneo en donde se va encontrando con sus camaradas, quienes parecen ignorar que están muertos. El cortometraje formó parte de la selección oficial de la 29° edición del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata en la categoría Malvinas, 30 Miradas.

RETROSPECTIVA ALBERTO CORTÉS

La crisis que padeció la industria cinematográfica mexicana durante la década de los 80 dejó un abismo entre el público y los artistas que parecía hacerse cada vez más grande ante las pocas opciones de calidad que se presentaban en las salas de cine. Sin embargo, en medio de ese desolado contexto y con el recién creado Instituto Mexicano de Cinematografía en 1983, algunos cineastas se esforzaron por materializar historias dignas de ser contadas y en buscar nuevas formas creativas para desarrollarlas. Uno de ellos fue Alberto Cortés, cuyo primer largometraje ganó el III Concurso de Cine Experimental, así como el Ariel a Mejor Ópera Prima. Amor a la vuelta de la esquina (1985) se convirtió en una obra emblemática, de las que mejor han retratado la vida en la Ciudad de México y las dificultades que esta gran urbe pone al amor. La película marcó el inicio de una filmografía que continuaría explorando el poder de la ficción cinematográfica con cintas como Ciudad de ciegos (1990), un compendio de relatos desarrollados al interior de los cuatro muros de un departamento en diferentes épocas de México; o Corazón del tiempo (2008), una historia de amor en conflicto rodada al interior de las comunidades

zapatistas, coproducida y realizada junto con el Ejército Zapatista de Liberación Nacional.

Egresado del Centro Universitario de Estudios Cinematográficos y habiendo estudiado etnología en la Escuela Nacional de Antropología e Historia, Alberto Cortés también ha contribuido al mundo del documental, produciendo obras que arrojan luz sobre temas relevantes y urgentes como su reconocido primer cortometraje La tierra de los tepehuas (1982) o más recientemente El maíz en tiempos de guerra (2016), donde el director sigue el curso anual de cuatro milpas indígenas en distintas regiones de México para advertir del patrimonio cultural que se podría extinguir con la entrada comercial de los alimentos modificados genéticamente.

Durante octubre, la Cineteca Nacional dedica una retrospectiva a Cortés reuniendo sus largometrajes y cortometrajes tanto de ficción como documental para acercar al público al legado de un cineasta que desde sus comienzos y hasta la fecha se ha distinguido por defender la expresión artística a través del cine.

AMOR A LA VUELTA DE LA ESQUINA

México, 1985, 90 min.

D: Alberto Cortés.

María escapa de la cárcel. Con la pierna rota y huyendo por la carretera conoce a Julián, que la auxilia y la lleva a vivir con una conocida. Un día, una vieja amiga la encuentra y la invita a prostituirse. Después de un tiempo y aunque su nueva vida le resulta más cómoda, María siente un impulso desbordante por volver a reunirse con Julián. El primer largometraje de Alberto Cortés fue muy bien recibido por la crítica nacional y se llevó la Diosa de Plata por Mejor Ópera Prima en 1987.

México, 1990, 89 min.

CIUDAD DE CIEGOS

D: Alberto Cortés.

Tras los muros de un departamento en la Ciudad de México, diez historias se mezclan para formar una sola. Entre ellas la única constante es la ruptura. Los protagonistas son sombras que cruzan por los pasillos, entran y salen: adquieren vida. Prácticamente, sólo tienen en común el espacio. El mundo exterior se adivina en los objetos que acompañan a los personajes: la televisión, las flores marchitas en el basurero, el radio, el teléfono, ciertos detalles de ambientación y vestuario.

VIOLETA

Cuba, 1997, 87 min.

D: Alberto Cortés.

Violeta es una prostituta cubana que decide contarle su historia a un joven periodista. Su primer amor fue un insurgente asesinado durante la revolución, su segundo amor un importante artista norteamericano que después de embarazarla la abandona. Ahora, con la edad, la resiliente e imponente mujer depende de hombres extranjeros que contratan sus servicios para poder llegar a fin de mes.

CORAZÓN DEL TIEMPO

México, 2008, 91 min.

D: Alberto Cortés

En la Esperanza, Chiapas, en medio de la lucha zapatista, Sonia, miembro de la comunidad, va a casarse. Ya se dio la dote: una vaca; ya se habló con la familia del novio. Pero Sonia está enamorada de otro joven: un insurgente. Ahora el EZLN tiene un problema y habrá que resolverlo con toda la comunidad. Rodada en el interior de las comunidades zapatistas e interpretada por miembros insurgentes, Corazón del tiempo es una inmersión en un territorio que ha construido su identidad desde la rebeldía.

RETROSPECTIVA ALBERTO CORTÉS

TIJUANA, SONIDOS DEL NORTEC

México, 2012, 60 min.

D: Alberto Cortés.

El crucero de las avenidas 5 y 10 es un hervidero de autos e historias durante la noche y el día y conecta los cuatro puntos cardinales de Tijuana. Es en esta intersección donde comienza el viaje del documental Tijuana, sonidos del Nortec. Esta ciudad nos invita a penetrar en un territorio tremendamente vivo. Aquí, el encuentro de Nortec Collective con la banda Agua Caliente, formada por michoacanos, sinaloenses y tijuanenses, cobra forma, en el plexo solar de Tijuana.

EL MAÍZ EN TIEMPOS DE GUERRA

México, 2016, 88 min.

D: Alberto Cortés.

El maíz en tiempos de guerra sigue el curso anual de cuatro milpas indígenas en distintas regiones de nuestro país. El documental ilustra el excepcional proceso del maíz, la tenacidad de sus cuidados y los usos vitales de sus frutos. Una familia wixárika en el norte de Jalisco, otra más en Sierra Mixe de Oaxaca, y dos familias tseltales en Chiapas nos hablan desde sus milpas sobre la necesidad contemporánea de conservar los territorios que dan continuidad a la milpa y la vida de millones de mexicanos.

FORMATOS CORTOS

LA TIERRA DE LOS TEPEHUAS

México, 1982, 30 min.

D: Alberto Cortés.

Esta producción, reconocida en 1983 con la Mención de honor en el Festival Internacional de Cine de Oberhousen, en lo que fue la República Democrática Alemana, muestra la lucha de los tepehuas en el ejido de Pisaflores, para conseguir tierras y apoyo para trabajarlas. Los habitantes de esta comunidad expresan los problemas que acarrea la falta de tecnología, la ausencia de caminos y las condiciones geográficas del ejido. Para esta comunidad indígena, la tierra es el principal valor que poseen.

IMÁGENES DE NICARAGUA

México, 1988, 10 min.

D: Alberto Cortés.

Mientras la mayoría de los cineastas mexicanos en la década de los 80 usaban la cámara para congelar sus imágenes y su relato, Cortés consiguió aquí una de las películas más ricas visualmente de aquel momento. Imágenes de Nicaragua usa estrictamente la colección de fotografías de Antonio Turok para construir un ensayo musicalizado por Eugenio Toussaint.

MÉXICO, CIUDAD HIP HOP

México, 2004, 50 min.

D: Alberto Cortés.

Bajo la dirección de Alberto Cortés y la narración de Roco, vocalista de la Maldita Vecindad, este documental recorre la cultura hip hop en los barrios de Xochimilco, Iztapalapa, Tlalpan y Ciudad Neza de la Ciudad de México. A través de entrevistas con jóvenes dedicados al grafiti, el hip hop y el break dance, se describe cómo este movimiento fusiona la cultura con la ideología chilanga. El cuerpo, la facha, el tatuaje y el baile son elementos característicos de estos artistas contemporáneos.

TRES PELÍCULAS CORTAS

México, 2007, 21 min.

D: Alberto Cortés.

Programa de cortometrajes que rescata algunos de los trabajos documentales del cineasta mexicano Alberto Cortés, en donde resalta su profundo interés temático por los movimientos revolucionarios indígenas del país. Con una mirada profundamente respetuosa, Cortés explora a partir de diferentes geografías el quehacer diario de las comunidades en la lucha por la defensa del territorio y la vida.

LA HERIDA SE MANTIENE ABIERTA

México, 2012, 16 min.

D: Alberto Cortés y otros.

La herida se mantiene abierta quiere dejar constancia de la lucha emprendida por el pueblo de San Salvador Atenco; es un documento fílmico contra el olvido, para alimentar la memoria y comprobar que a veces es posible ganar espacios para la autogestión y la libertad para decidir el destino de los pueblos.

TEPITO VIVE, BARRIO

México, 2004-2006, 50 min.

D: Alberto Cortés

Retomando uno de los ejes temáticos predilectos del director Alberto Cortés, Tepito vive, barrio se articula como un documental que registra la conformación de comunidades en torno a la música. En esta ocasión a través de un paisaje urbano, colorido y diverso, en donde los sonideros se convierten en la fuente principal de entretenimiento, convivencia y socialización.

MÚSICA MIXE

RETROSPECTIVA ALBERTO CORTÉS

México, 2013, 50 min.

D: Alberto Cortés.

El cineasta mexicano Alberto Cortés explora la cultura mixe, ubicada en comunidades de la sierra de Oaxaca y reconocida nacional e internacionalmente por su música, que se articula como una conexión entre el pasado y el presente. Con su ya característica mirada etnográfica y poética, Cortés registra de forma cautelosa los rituales de la región y su conexión con un mundo espiritual que prevalece hasta nuestros días.

El maíz en tiempos de guerra · 2016

Alberto Cortés durante filmación Imagen por cortesía del director

ALBERTO CORTÉS: LAS

POSIBILIDADES DE MIRAR(SE) DESDE EL REFLEJO

Bianca Ashanti Cineteca Nacional Ciudad de México, 25 de septiembre de 2023

Al crear, nos podemos encontrar muy frecuentemente en una disyuntiva fundamental para nuestros procesos creativos, un entronque de caminos que determina prácticamente toda nuestra obra artística e, irremediablemente, el lugar que ocupamos en ella. Esta decisión se fundamenta en lo que, de forma superficial, podría ser conceptualizado como una dicotomía discursiva: ¿somos espejo o somos ventana? Para Cortés fue muy claro desde un principio donde debía estar, él y su cámara. Como estudiante de la Escuela Nacional de Antropología e Historia, aprendió, incluso antes de hacer cine, a mirar. Y mirar, para Cortés, implicó un exilio, una renuncia. Esto ha convertido gran parte de su obra en un claro referente de lo que arriesgadamente llamaremos postdocumentalismo indigenista

Alberto Cortés durante la filmación de Violeta · 1997

Ser espejo

En el cine una de las preguntas más importantes que podemos hacernos, es ¿dónde pongo la cámara? Esto va a determinar no sólo lo que veo, sino lo que no veo. Pero, muy a menudo, olvidamos que todo aquello que no vemos es igual de importante para la historia, porque, en ese conjunto vacío e invisible ante el espectador, se esconde el autor. Y es aquí en donde comienza nuestro entronque discursivo. Ser espejo es desdibujarse, es dejar a un lado la vanidad y construirnos como un enorme objeto que no muestra nada de nosotros. El cine postdocumental de Cortés orbita en este páramo, en donde la imagen autoral se borra a sí misma como un acto de pleno entendimiento y control sobre el discurso. Un discurso que no se limita a ceder la voz. El cine de Alberto Cortés cede, también, la imagen. Lo comenzó a hacer desde su primer trabajo profesional, con La tierra de los tepehuas (1982), en donde se preguntaría por primera vez sobre los intereses y habilidades de los pueblos indígenas para recuperar su historia, pese al voraz secuestro de sus imágenes y de sus propias voces.

Este secuestro audiovisual fue uno de los principales factores para que Cortés eligiera ceder sus espacios. En más de una entrevista ha dejado ver su contundente posicionamiento en torno a todo aquello que les debemos a los pueblos originarios. Tomamos sus historias, sus imágenes, sus símbolos, sus leyendas, sus creencias y con ello, según las palabras del realizador mexicano, construimos una cinematografía nacional. Una que no los incluía. A partir de ahí, el acercamiento que se dio hacia esas comunidades fue a través de un documentalismo insípido que funcionaba como ventana. Una ventana que te permite ver fragmentos de un paisaje sin sonido. Un paisaje escogido que limita el acceso y el diálogo, el conocimiento y el entendimiento.

Gabriel Roel y Alonso Echánove en Amor a la vuelta de la esquina · 1985

Ser ventana

El problema con el documental que se plantea desde la concepción de construir ventanas es que, irremediablemente, el acto de mirar por detrás de un cristal tiene más limitaciones que oportunidades. Pero pareciera que a Cortés las limitantes lo incentivaban. Detrás de su cámara, su ojo audaz entendió rápidamente las posibilidades que existían en el cine de ficción. Para él jamás existió gran diferencia entre documental y ficción, y a partir de la concepción de las limitantes del ojo fílmico, comenzó con un proceso de deconstrucción de dichas categorías.

Así, jugando y conjugando estilos, realizó Amor a la vuelta de la esquina (1985), que ganaría el Ariel a Mejor Ópera Prima. Este filme fue un ejercicio que a Cortés le permitía intercambiar fichas. La película se centraba en la vida de una joven prostituta, pero, a diferencia del tan conocido cine de ficheras, en donde las mujeres eran simplemente un elemento utilitario del morbo, el cineasta construyó una imagen femenina completamente diferente, a través de intercambios simples en los roles dados y ya establecidos por la moral social. Resulta evidente la amplia cantidad de estereotipos que Cortés movió a través de la ventana ficcionada, mostrando historias diferentes para la época, que no agradaban del todo a los espectadores del cine mexicano. Prostitutas, ladronas, amantes, suicidas, revolucionarias, marxistas, las mujeres tenían un papel predominante en cada uno de sus rostros. La ventana que dentro del documental suponía una irreverencia narrativa y un secuestro audiovisual, se convirtió en una herramienta de creación disruptiva que marcaba la pauta para dudar de los roles sociales.

Ser reflejo

Entonces ¿Cortés es ventana o espejo? Cuando comenzamos este texto, aseguramos que él conocía perfectamente su lugar. Él y su cámara. No mentimos. Desde un principio, Cortés elegiría mantenerse ahí, a la expectativa de ambos caminos. Con una habilidad impresionante, aprendió cómo desdibujarse y desaparecer detrás de su lente para permitir que otros se narraran a sí mismos. Por ello fue ampliamente reconocido en Corazón del tiempo (2008), que es quizá su trabajo más célebre, por ser una película filmada en su totalidad con actores no profesionales que pertenecían a los caracoles zapatistas, regiones autónomas, posrevolucionarias que hasta el día de hoy se han enfrentado como comunidad a las fuerzas armadas del gobierno y el narcotráfico.

Y aunque el resto de los trabajos enfocados en la comunidad zapatista y las juntas del buen gobierno (que año tras año encuentran

nuevos modelos relacionales para proteger la tierra, el maíz, y su vida) lo han posicionado a lo largo de varios años como uno de los pocos autores nacionales realmente interesados en los pueblos indígenas, es importante entender que ese universo no define ni limita la complejidad de Cortés. Por el contrario, con los años, el cineasta mexicano ha logrado construirse un lugar propio en la bifurcación de caminos, a través de la fractura, el juego y el autoexilio. Cortés es el reflejo que se asoma en la ventana nocturna y muestra una sombra desdibujada, habitando los espacios de una casa sin entrar en ella. Es también el reflejo del agua en donde Alicia se esconde del amor que parece enfermar a todos en Corazón del tiempo. Pero, sobre todo, es el reflejo en la lente de su cámara, que le permite permear sus imágenes de una honestidad profunda sobre el devenir del cine comunitario. Un cine que, a diferencia de otros tantos géneros, existe sólo a través de la ausencia autoral. El postdocumentalismo indigenista cede el ojo fílmico, para conocer más allá del cristal a las personas que, hasta el día de hoy, nos muestran el arte de resistir al tiempo y sonreír al futuro.

Marisela Rodríguez en Corazón del tiempo · 2008

El maíz en tiempos de guerra · 2016

VER DESDE LA MIRADA

DEL OTRO: ENTREVISTA A

ALBERTO CORTÉS

Extractos de una entrevista de Juan Solís a Alberto Cortés El Universal Ciudad de México, 27 de mayo de 2002

El cineasta Alberto Cortés no cree en la perversidad de la mirada cinematográfica. La mirada que nos ofrece a través de sus películas va del registro de una ciudad metamórfica a la caricia de un cuerpo impúdico, de los exteriores laberínticos a los interiores dramáticos. Desde un café ubicado en el centro de Coyoacán, Alberto Cortés, quien este lunes cumple 50 años, habla de su carrera, de Amor a la vuelta de la esquina (1986) y Ciudad de ciegos (1990), sus dos películas más conocidas. Asegura que al cine mexicano le ha costado mucho retratar la situación del país y aboga por que el estado se ocupe de crear sistemas de producción y exhibición más justos para el cine de calidad. «No sé dónde inició mi vocación cinematográfica, creo que empezó de un gusto por contar historias con imágenes. Entré a la ENAH en 1971, veníamos del 68 con una necesidad de repensar lo que estaba pasando en el país, buscaba una base social teórica. En el primer o segundo año hice mi examen al CUEC, una vez que me aceptaron me fue muy difícil continuar con ambas carreras».

Al inicio de su carrera usted realizó documentales, ¿por qué eligió ese género?

Los primeros ejercicios que hice fueron de ficción. Mi primer trabajo escolar fue una mezcla de las dos cosas: era una pequeña película en Súper 8, de 10 minutos. Eran cinco o seis secuencias las que formaban la película y dos o tres eran documentales. Eran años muy politizados para ciertas escuelas. Una de ellas, el CUEC, fue muy activa durante el movimiento del 68 y ahí se gestó El grito (1968). Cuando entré a la escuela había dos grupos: uno era el grupo de cine Octubre y el otro estaba formado por compañeros como García Agraz, Montero y Busteros, que abogaban por un cine de ficción. Nos pasamos discutiendo un rato cuál género era el más adecuado, era un debate inútil. No veía grandes diferencias entre hacer una cosa u otra. De momento quería hacer un documental y acababa haciendo ficción, y no era que yo hubiera decidido. Conforme se desarrolla el cine cada vez hay menos diferencias entre el documental y la ficción. Cualquiera de los dos géneros puede ser muy creativo o propositivo en términos de imagen.

Tanto su trabajo de tesis El servicio (1978), como Amor a la vuelta de la esquina, parten de textos literarios, ¿implica un reto especial la adaptación cinematográfica?

Partir de un cuento o novela te ayuda porque comienzas de una historia que ya está contada y empiezas a experimentar sobre cómo quieres abordarla. Es importante la literatura como base dramática del

cine. El servicio estaba basado en el cuento La escalera de servicio de Witold Grombowicz, autor polaco. No es un cuento que esté narrado cinematográficamente. Tenía otras cosas que me llamaron la atención. Amor a la vuelta de la esquina partió de una novela corta llamada El astrágalo de la autora francesa Albertine Sarrazine. Lo que me interesaba era el desarrollo de un personaje femenino.

En algunos guiones usted ha trabajado al lado de escritores como José Agustín, Hermann Bellinghausen o Silvia Tomasa Rivera, ¿fue un trabajo de colaboración, adaptación o asesoría?

Ciudad de ciegos fue un experimento muy divertido a partir de una idea estrictamente cinematográfica: contar, a lo largo de 40 años, la historia de un departamento en el cual vivieron una serie de personajes que nos ayudaban a describir cómo se fue desarrollando la historia cotidiana de esta ciudad. Bellinghausen y yo lo desarrollamos. Me interesó mucho su manera de escribir, es alguien que elabora muchas imágenes, que narra con una mirada cinematográfica. Desarrollamos las diez historias en un formato de sinopsis y, a partir de ahí, decidimos invitar a una serie de escritores. Llamamos a Silvia Tomasa Rivera, a José Agustín, a Marcela Fuentes y a Paz Alicia Garcíadiego. Era una historia que permitía que entraran todos estos colaboradores sin que chocaran unos con otros.

En Amor a la vuelta de la esquina y Ciudad de ciegos se nota una constante: el tema femenino, ¿qué le preocupa de la condición de la mujer?

Las dos películas han sido acusadas, desde un punto de vista feminista, de utilizar la imagen de la mujer como un objeto. A mí me parece que los personajes femeninos de ambas películas pueden controlar su destino. Actúan sobre sí mismas, independientemente de que el tratamiento sensual del cuerpo femenino en la película pueda llegar a interpretarse como un objeto de consumo masculino. Me parece que el personaje de Amor a la vuelta de la esquina es alguien que toma su sensualidad, la usa y es dueña de su destino.

En Ciudad de ciegos hay una recurrencia a personajes femeninos casi en su totalidad, incluso tocamos la homosexualidad con Blanca Guerra, que se descubre en una relación lésbica.

Arcelia Ramírez y Claudia Maillé en Ciudad de ciegos · 1990

ALBERTO CORTÉS

¿Las tomas a detalles del cuerpo femenino tienen un grado de perversidad?

Creo que el cine difícilmente puede expresar una mirada perversa. Para perversos tenemos a los políticos. Amor a la vuelta de la esquina se hizo en los 80, todavía teníamos un último impulso del cine de ficheras. Era retomar esa misma temática: la prostitución, la vida nocturna en la Ciudad de México, y darle una vuelta de tuerca, contarlo de otra manera, darle un sentido estético y una intención a la sexualidad, a la feminidad y a la ciudad misma que pocas veces se veía como un lugar atractivo. Siempre se le había visto como algo sórdido, un escenario de historias improbables con la única intención, ahí sí, de explotar el cuerpo femenino como única atracción cinematográfica.

¿Qué opina del cine que se está haciendo actualmente en México?

Creo que está pasando por un momento en que, por primera vez en muchos años, ha encontrado a su público. Empieza a haber una comunicación entre los cineastas, los productores y el público. Sin embargo, también creo que dejar al cine mexicano a que sobreviva en el terreno comercial globalizado, simplemente como un producto para ser vendido, y olvidarnos de aquello que se llamó cine de calidad, es peligroso. Es un riesgo dejar en manos de la producción privada la totalidad del cine, dejarlo que se rija por el mercado. Si hubiéramos permitido que las leyes del mercado rigieran la producción del cine Luis Buñuel no hubiera filmado nada, sus películas más importantes no fueron éxitos de taquilla. No creo tanto que el cine en México no sea negocio.

El epígrafe de Carlos Pellicer que aparece en Ciudad de ciegos dice: «El bien y el mal por los ojos entran». El cine finalmente es una mirada, por eso es importante. Poder ver desde la mirada de otro es muy disfrutable. Si esa mirada nos hace sentir cosas y emocionarnos ¿qué más se busca?

Difícilmente se encuentra a alguien que no haya gozado intensamente del cine. Tal vez busco en el espectador un cómplice o un compañero de esa mirada, alguien que pueda participar del gozo que yo pueda tener de algo. Si tienes una forma de observar algo y tu actitud es honesta el público lo va a recibir bien. El cine mexicano, en muchos momentos, no ha sido honesto ni consigo mismo ni con lo que cuenta, no obstante que siempre ha sido reconocido internacionalmente. El problema es interno.

ACERVOS

Rollos 1,2,3 y 4∙ de Los olvidados. Foto: Cineteca Nacional

A 100 AÑOS DEL FORMATO

DE 16MM EN EL MUNDO DEL CINE

El mundo del cine se caracteriza por una constante innovación y cambio, con cineastas y audiencias que se sienten atraídos por el encanto de las nuevas tecnologías y formatos. En este panorama dinámico, podría parecer sorprendente que un formato tan antiguo como la película de 16mm mantenga su relevancia e importancia. Sin embargo, la película de 16mm ha demostrado una notable resistencia y adaptabilidad a lo largo de los años, desempeñando una variedad de roles en la industria del cine.

Para apreciar la importancia de este tipo de película, es necesario adentrarse en su evolución histórica. El formato surgió en 1923 principalmente como una alternativa más económica al formato de película de 35mm. Kodak, un jugador destacado en la industria de la fotografía, desempeñó un papel fundamental en su desarrollo. Inicialmente, el formato de 16mm estaba destinado a cineastas aficionados y fines educativos, ofreciendo un medio accesible para grabar y proyectar imágenes en movimiento.

A pesar de sus modestos comienzos, la película de 16mm pronto encontró su lugar en diversos rincones de la industria cinematográfica. Durante la Segunda Guerra Mundial, se volvió indispensable para películas de entrenamiento militar y documentación de

combates. El tamaño compacto y la portabilidad de las cámaras de 16mm las hicieron ideales para capturar imágenes en el campo. Este periodo marcó la primera incursión del formato en el mundo del cine profesional, demostrando su versatilidad.

Democratización del cine

Una de las contribuciones más perdurables del formato de película de 16mm a la industria del cine es su papel en la democratización de la realización de películas. Antes de la revolución digital, los cineastas aspirantes a menudo enfrentaban costos prohibitivos asociados con la producción en película de 35mm. El formato de 16mm ofrecía una alternativa más asequible, permitiendo que los talentos emergentes dieran vida a sus visiones creativas.

Además, la película de 16mm facilitó un espíritu de "hazlo tú mismo" en el cine independiente y experimental, permitiendo a los cineastas abrazar la estética granulada y el encanto de baja fidelidad del formato para crear un cine experimental innovador. El aspecto democratizador de la película de 16mm dejó a estos artistas explorar narrativas no convencionales y desafiar los límites de la narrativa cinematográfica.

Tradición documental

La importancia de la película de 16mm se extiende más allá de sus contribuciones al cine narrativo. El formato ha desempeñado un papel significativo en

la tradición documental, capturando momentos de importancia histórica y preservando el patrimonio cultural.

En el ámbito del cine documental, la película de 16mm ha sido fundamental para capturar la inmediatez de eventos de la vida real. La portabilidad y flexibilidad del formato permitieron a los cineastas estar presentes en medio de movimientos sociales, conflictos y revoluciones, registrando momentos que de otro modo se habrían perdido en la historia.

Preservación del patrimonio cultural

Otro aspecto de la importancia de la película de 16mm radica en su papel como medio para preservar el patrimonio cultural. A lo largo del siglo XX, diversas instituciones y archivos recurrieron a la película de 16mm para documentar y proteger prácticas culturales, tradiciones e idiomas en peligro de desaparición. Este aspecto archivístico de la película de 16mm ha sido particularmente relevante en el contexto de las comunidades indígenas y sus esfuerzos por preservar sus identidades culturales.

En muchos casos, las bobinas de película de 16mm contienen valiosas imágenes de rituales, ceremonias y tradiciones orales que de otro modo habrían desaparecido. La durabilidad del formato ha permitido que estos materiales resistieran la prueba del tiempo,

poniéndolos al alcance de las futuras generaciones para fines de investigación, educación y revitalización cultural.

Estética visual y uso contemporáneo

A pesar de la proliferación de la cinematografía digital, la película de 16mm sigue ocupando un lugar especial en el mundo del cine contemporáneo. Cineastas y directores de fotografía a menudo recurren a ella por su estética visual única. La granulosidad, textura y distintiva reproducción de colores del formato evocan una sensación de nostalgia y autenticidad que las tecnologías digitales a menudo luchan por replicar.

Desafíos y perspectivas futuras

La película de 16mm es innegable, no está exenta de desafíos. La disponibilidad de rollos de película de 16mm ha disminuido y el costo de la producción y postproducción puede resultar prohibitivo. No obstante, cineastas dedicados, archivistas y conservadores como los que nos encontramos en la Cineteca Nacional, continuamos defendiendo el formato. Los esfuerzos para restaurar y digitalizar las imágenes existentes de 16mm están en curso, garantizando que este medio histórico siga siendo accesible para las futuras generaciones.

Sofía Arévalo Subdirectora de Preservación de Acervos

27 DE OCTUBRE, DÍA MUNDIAL DEL PATRIMONIO AUDIOVISUAL

Desde hace ya casi veinte años, Cineteca Nacional celebra cada 27 de octubre el Día Mundial del Patrimonio Audiovisual en apoyo al proyecto de difusión promovido conjuntamente por la Federación Internacional de Archivos Fílmicos (FIAF), Memoria del Mundo de la UNESCO, y el Consejo Coordinador de las Asociaciones de Archivos Audiovisuales (CCAAA). Esta celebración conmemora la adopción en 1980 por la UNESCO de la Recomendación para la Salvaguarda y Preservación de las Imágenes en Movimiento. Se trata de una ocasión importante concebida para reconocer la importancia de los documentos audiovisuales, la necesidad de protegerlos y para tomar medidas para su conservación a largo plazo. Año con año los archivos audiovisuales celebran su trabajo con programas que visibilizan la vulnerabilidad de los materiales y que al mismo tiempo celebran el trabajo de las instituciones que los protegen y preservan,

garantizándonos así su disponibilidad futura. En 1992 la UNESCO lanzó el programa Memoria del Mundo en apoyo a la salvaguarda del patrimonio documental mundial para para promover su conservación y garantizar su accesibilidad a las generaciones venideras, eje rector de todas las instituciones patrimoniales o de la memoria, como lo es Cineteca Nacional. ¡Ven y celebra con nosostros!

Cineteca Nacional

Bóveda de resguardo, Cineteca Nacional

27 TOUR DE CINE FRANCÉS

SALAS DEL CNA

El Tour de Cine Francés es una muestra itinerante que presenta la mejor selección de cine francés contemporáneo (en versión original subtitulada) alrededor de la República Mexicana, Centroamérica, Argentina y Chile, previo a su estreno comercial en salas.

Fundado hace varios años por Nueva Era Films, Cinépolis, la Embajada de Francia en México y la Federación de Alianzas Francesas, esta muestra tiene el propósito de promover el cine francés, y crear un nuevo público cinematográfico, ávido de la cultura y el lenguaje galo.

Cada película se presenta entre dos y cuatro semanas en cada una de las ciudades que forman parte de un muy amplio circuito de exhibición.

Para ésta, su edición 27, el Tour de Cine Francés nos ofrece una variada selección de filmes de reciente producción, entre los que destacan algunos de los estrenos franceses más destacados del año. Entre ellos se encuentran Miente conmigo, drama gay de Olivier Peyon sobre los resabios de un viejo amor en una pequeña ciudad de Francia; Mi crimen, el trabajo más reciente del celebrado director François Ozon, quien elabora aquí un estimulante retrato de época; El libro de las soluciones, la última película hasta el momento

DURANTE OCTUBRE

del ilusionista del cine galo Michel Gondry, director de películas como la icónica Eterno resplandor de una mente sin recuerdos (2004) y La ciencia del sueño (2006); y Azúcar y estrellas, un emotivo filme sobre la realización y la pasión personal, basado en la historia real del repostero Yazid Ichemrahen.

EL LIBRO DE LAS SOLUCIONES

Le livre des solutions, Francia, 2023, 103 min.

D: Michel Gondry

Al más puro estilo de Michel Gondry, el filme nos cuenta la historia de Marc, un director de cine que huye con su equipo de producción a la casa de su tía Denise, en un pequeño pueblo de las Cevenas. En el lugar, su creatividad se manifiesta con un millón de ideas que lo sumergen en un extraño caos. Mientras intenta vencer sus demonios, Marc se embarca en la redacción de El libro de las soluciones, una guía de consejos que podría tener la respuesta a todos sus problemas.

MI CRIMEN

Mon crime, Francia, 2023, 102 min.

D: François Ozon

Madeleine es una joven y guapa actriz, sin dinero y sin mucho talento, que vive en el París de los años 30. Para su desgracia, es acusada de asesinar a un famoso productor. Con la ayuda de su mejor amiga Pauline, una joven abogada desempleada, resulta absuelta por asesinato en legítima defensa. Aparentemente, a su vida le espera una nueva época llena de éxito y fama, pero un peligroso secreto está a punto de salir a la luz.

RECUERDOS DE PARÍS

Revoir Paris, Francia, 2022, 105 min.

D: Alice Winocour.

Inspirada en la serie de ataques terroristas del 13 de noviembre de 2015, particularmente en el de la sala de conciertos Bataclan, Recuerdos de París sigue la historia de Mia, quien queda atrapada en un bistró parisino durante un atentado. Tres meses después, sin lograr aún retomar su vida con normalidad y recordando sólo fragmentos de aquella noche, Mia decide contactar a los sobrevivientes y hurgar en sus recuerdos para encontrar un camino de vuelta a la felicidad.

AZÚCAR Y ESTRELLAS

À la belle étoile, Francia, 2023, 110 min.

D: Sébastien Tulard.

Desde pequeño, Yazid tenía una sola pasión: la repostería. Criado entre una familia adoptiva y varios hogares de acogida, nada lo predestinó para esa carrera. Sin embargo, su determinación y su ingenio lo ayudaron a tener éxito. El filme está basado en la historia real de Yazid Ichemrahen y su libro biográfico Un rêve d’enfant étoilé en el que cuenta cómo el joven tuvo que superar sus traumas para lograr trabajar con los reposteros más cotizados y convertirse en el mejor.

Luz silenciosa ∙ 2007

UN NUEVO COMIENZO

Nouveau départ, Francia, 2023, 96 min.

D: Philippe Lefebvre.

Alain y Diane viven juntos desde hace 30 años. Alain, en su cabeza, todavía tiene 30 años. Para Diane, sin embargo, las cosas son distintas. La rutina, el síndrome del nido vacío y encima un trabajo en el que tener 50 es como una enfermedad incurable, crean un efecto mucho menos eufórico para ella. Alain ama a Diane con todo su corazón y está dispuesto a cometer una inesperada locura por ella, algo muy arriesgado para ayudarla a recuperar la vitalidad.

MIENTE CONMIGO

Arrête avec tes mensonges, Francia, 2022, 98 min.

D: Olivier Peyon.

Tras aceptar ser el embajador de una famosa marca de coñac, que celebra su bicentenario, el novelista Stéphane Belcourt regresa a su ciudad natal por primera vez en 35 años. Allí conoce a Lucas, el hijo de su primer amor. Los recuerdos lo inundan: las primeras experiencias de la adolescencia, el deseo incontenible, los cuerpos que se unen, una pasión que hay que silenciar... Este primer amor se llamaba Thomas, tenían 17 años.

UN TRABAJO EN SERIO

Un métier sérieux, Francia, 2023, 101 min.

D: Thomas Lilti.

Benjamin es un estudiante que después de fracasar en la carrera de medicina, y a pesar de su falta de experiencia, acepta un trabajo como profesor de matemáticas en un colegio de los suburbios parisinos. Sin haber recibido formación alguna, descubre las dificultades y los beneficios de ser maestro en una escuela secundaria en donde conocerá a un grupo de estudiantes y colegas con los que formará lazos estrechos y que cambiarán su visión sobre dicha profesión.

SECRETARÍA DE CULTURA

Secretaria

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CINETECA NACIONAL

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Investigación Iconográfica

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