SEMANA DE CINE SUIZO
A PARTIR DEL 17 DE ENERO DE 2025
The Corageous ∙ 2024
BUEN DÍA, SUIZA
EL GORRIÓN EN LA CHIMENEA
YO SOY NEGROS
EL JUICIO A UN PERRO
Bon Schuur Ticino, Suiza-Italia, 2023, 88 min.
D: Peter Luisi.
El gobierno de Suiza, un país con cuatro idiomas oficiales (alemán, francés, italiano y romanche) decide, de un día para otro, lanzar una iniciativa que establece como idioma único y oficial al francés. Cuando el país entra en estado de emergencia a causa de esto, Walter Egli, un policía federal, es trasladado a Tucino para descubrir a un grupo de la resistencia. Con esta sátira política, el cineasta Peter Luisi plantea una serie de preguntas en torno a la multiculturalidad del país y la importancia del lenguaje.
Der Spatz Im Kamin, Suiza, 2024, 117min. D: Ramon Zürcher.
La última entrega de la “trilogía animal” de los gemelos Zürcher se desarrolla en una una casa-personaje donde nos volvemos testigos de las tensiones grupales en la que las relaciones se debaten entre lo salvaje y lo racional. Una puesta en escena que nos lleva a compartir un fin de semana familiar en una lejana cabaña. A medida que la casa se llena poco a poco de vida las frustraciones crecen y un gorrión en la chimenea busca una salida hacia la libertad, al igual que cada uno de los invitados.
Je suis noires, Suiza, 2022, 50 min.
D: Julianna Fanjul y Rachel M'bon
En Suiza, tierra de consenso y neutralidad, se alzan nuevas voces, las de las mujeres que luchan por el reconocimiento del racismo estructural, deconstruyen estereotipos y reivindican su doble identidad suiza y negra. En este contexto, Rachel, una periodista suizo-congoleña, inicia su propia búsqueda de identidad a partir del reconocimiento de su entorno y las implicaciones de su profesión. A medida que avanza hacia la libertad, cuestiona su pasado, su presente y muestra un espejo a su país y a sus pares.
Le Procès du chien, Suiza-Francia, 2024 , 80 min.
D: Laetitia Dosch.
Tras perder varios casos relevantes, Avril, una joven abogada con problemas de autoestima se promete ganar, a toda costa, el próximo. Lo que no imagina es que su próximo cliente será Cosmos, un perro acusado de morder a una mujer en el rostro y condenado a muerte casi de manera inmediata. Protagonizada por la misma directora, Laetitia Dosch, el filme basado en varios casos reales, desarrolla un tono satírico que homenajea indirectamente el humor de la reconocida serie inglesa Fleabag (2016-2019).
LOS VALIENTES
REINAS
DREAMERS
LOS VERDADEROS SUIZOS
Les Courageux, Suiza, 2024, 80 min. D: Jasmin Gordon.
Jule es una madre soltera que vive en un pueblo de Suiza. Día con día, intenta encontrar formas de alimentar y mantener a sus tres hijos, cometiendo pequeños delitos en supermercados y tiendas. Pese a los problemas, esta pequeña familia se mantiene unida y amorosa frente a los obsoletos sistemas de ayuda de su rico país. Con este conmovedor filme, la cineasta Jasmin Gordon articula una sólida ópera prima que confronta de frente los conflictos morales y éticos que surgen a causa de la pobreza estructural.
Suiza-España-Perú, 2024, 104 min. D: Klaudia Reynicke.
Mientras Perú se sume en la inestabilidad política de 1992, Lucía y Aurora están a punto de marcharse con su madre para buscar una vida mejor en Estados Unidos. Pero antes necesitan que su padre firme los papeles de consentimiento. Él ha estado ausente durante toda la infancia de sus hijas, pero ahora quiere luchar para recuperarlas. Ganadora del Gran Premio de la sección Generation Kplus en la Berlinale 2024, Reinas es un conmovedor relato iniciático sobre los lazos familiares y los retos del cambio.
Suiza-Alemania, 2023, 83 min.
D: Stéphanie Barbey y Luc Peter.
El sueño americano de Carlos está atrapado en el laberinto de la administración estadounidense, que se niega a reconocerlo legalmente. Llegó de México siendo un niño, pero ahora lleva tres décadas viviendo en Chicago. Sin ningún documento que confirme su condición, el más mínimo error puede llevarlo a la deportación. Los cineastas suizos Luc Peter y Stéphanie Barbey dan cuerpo a esta existencia indeterminada registrando el día a día de Carlos, hecho de trabajo, celebraciones familiares y amor.
Echte Schweizer - My Swiss Army., Suiza, 2024, 78 min.
D: Luka Popadić.
Saâd, Thuruban, Andrija y Luka, funcionarios suizos de origen serbio, esrilanqués y tunecino, han conservado un fuerte vínculo con su cultura de origen. En este documental, el realizador Luka Popadić explora su vida militar con humor y sinceridad, cuestionando los prejuicios sobre la patria, la integración y la diversidad. Escenas cotidianas, entrevistas e imágenes de archivo muestran una perspectiva única de la identidad suiza, resaltando la rica experiencia de los suizos de origen inmigrante.
JONÁS, QUE TENDRÁ 25 AÑOS EN EL AÑO 2000
Jonas qui aura 25 ans en l'an 2000, Suiza-Francia, 1976, 110 min.
D: Alain Tanner.
Ocho hombres y mujeres, todos ellos desilusionados por el aparente fracaso de la revolución izquierdista de 1968, se trasladan a una granja comunal en las afueras de Ginebra, donde esperan trabajar por un futuro más igualitario. Descrita por la crítica Pauline Kael como una obra coral en la línea de Jean Renoir, esta obra de Alain Tanner es una cinta clave del cine suizo de los años 70. Una película sobre las esperanzas y la búsqueda de una utopía concreta, divertida, conmovedora y alentadora.
EN LA CIUDAD BLANCA
Dans la ville blanche, Suiza-Portugal-Reino Unido, 1983, 108 min.
D: Alain Tanner.
A su paso por Lisboa, un marinero decide desertar y vagar por la ciudad. Con una cámara filma todo lo que ve y envía las películas a su amada en Suiza. Pero Paul encuentra un nuevo amor en Lisboa: Rosa, una camarera. Alain Tanner retomó sus obsesiones fílmicas preferidas, la fuga y el deseo de soledad, para reinterpretarlas en medio del silencio, la poesía y la melancolía. Bruno Ganz interpreta al errabundo protagonista que intenta integrarse a la realidad lisboeta a través del lente cinematográfico.
ESTRENOS
DESTACADOS
Un viaje en primavera 2023
EL PESAR DE LOS SUEÑOS
Burden of Dreams
D: Les Blank.
1982 · 95 min. · Color
Estados Unidos-Alemania
Dist: Tonalá Distribución.
El pesar de los sueños, de Les Blank, es uno de los documentales más notables jamás realizados sobre el rodaje de una película. La película que se rodó, Fitzcarraldo, de Werner Herzog, supuso algunas de las experiencias de rodaje en exteriores más tortuosas y peligrosas de la historia del cine. Está dirigido por Les Blank, un cineasta brillante, que no teme plantear preguntas difíciles y retratar a Herzog con todos sus defectos.
La historia de Fitzcarraldo es ya una leyenda del cine. La película se rodó en las profundidades de las selvas tropicales de Sudamérica, a miles de kilómetros de la civilización. Cuando la primera versión estaba a medio terminar, su estrella, Jason Robards, fue trasladado de urgencia a Nueva York con disentería y los médicos le prohibieron volver al lugar de rodaje. Herzog sustituyó a Robards por Klaus Kinski (protagonista de su Aguirre, la ira de Dios, [de 1972]), pero mientras tanto, el coprotagonista Mick Jagger abandonó la producción debido a un compromiso con una gira de conciertos. Entonces, la versión de Kinski de Fitzcarraldo se vio atrapada en medio de una guerra fronteriza entre tribus de indígenas. Toda la producción fue trasladada mil doscientos kilómetros, a una nueva localización donde los contratiempos incluyeron accidentes aéreos, enfermedades y ataques de tribus poco amistosas. Y todas esas penurias se sumaron a la increíble tarea que Herzog se propuso filmar: quería mostrar a su obsesionado héroe utilizando cientos de indígenas para subir un barco de vapor entero por una ladera utilizando sólo herramientas básicas.
Extractos de un texto de Roger Ebert
Sitio Oficial de Roger Ebert ene. 01, 1982
Estados Unidos
¿Qué lleva a Herzog a hacer películas que ponen a prueba su cordura y arriesgan su vida y la de sus colaboradores? El pesar de los sueños nos ofrece un extraordinario retrato de Herzog atrapado en medio de uno de sus sueños más salvajes.
TRES DESEOS
PARA CENICIENTA
Había una vez un universo cinematográfico lleno de adaptaciones de La Cenicienta, desde versiones animadas con el sello de Disney hasta versiones live-action protagonizadas por Hilary Duff, Lily James o Camila Cabello. Si bien, este cuento de hadas es un clásico atemporal, es interesante ver cómo la magia del cine puede reinventar y revitalizar una historia que se adapte a los tiempos actuales. Por lo tanto, en una industria cinematográfica llena de Cenicientas, pareciera que una nueva versión es innecesaria; afortunadamente no se puede decir eso de una nueva adaptación del relato a cargo de la directora Cecilie A. Mosli: Tres deseos para Cenicienta
Tre nøtter til Askepott
D: Cecilie A. Mosli
2021 · 87 min. · Color
Noruega
Dist: Impacto Cine.
Extractos de un texto de Kevin de León Tomatazos
dic. 10, 2022
México
Cecilie A. Mosli dirige un remake de la película homónima de 1973, dirigida por Václav Vorlíček, filmada en Checoslovaquia/Alemania. Esta versión se convirtió en un clásico navideño europeo, que hasta la fecha se sigue transmitiendo cada Navidad en la televisión de países como República Checa, Eslovaquia y Noruega.
La nueva actualización no se aleja mucho de la historia que ya conocemos, aquí Cenicienta lleva una vida simple, realiza las labores domésticas y vive con una malvada madrastra hasta que un día conoce a un apuesto príncipe en los bosques cubiertos de nieve y se enamora él. Las posibilidades de un encuentro entre ambos parecen imposibles, pero ella cuenta con tres nueces mágicas que dan inicio a grandes aventuras.
Aunque Tres deseos para Cenicienta intenta ser fiel tanto al cuento original como a la trama del filme original, el guion se apega más a la realidad que a los cuentos de hadas, incluso, en esta película no existe un hada madrina, en ese sentido, la cinta se aleja bastante del cásico de Disney para presentarnos una Cenicienta diferente, más fuerte, más valiente, más verosímil y afortunadamente, más feminista.
NOSFERATU
D: Robert Eggers.
2024 · 133 min. · Color
República ChecaEstados Unidos. Dist: Warner Bros.
Extractos de un texto de Miguel Ángel Espelosin
Acción Cine
dic. 06, 2024 Madrid
Era de esperar que un autor cuyo aprendizaje cinematográfico nace de las sombras expresionistas e impresionistas, que ha bebido del tenebrismo pictórico, el barroquismo e incluso del romance gótico, se percatase de la triste disolución del mito del vampiro primigenio, ese que representa la enfermedad y la libertad sexual, en mil subgéneros que han terminado por obliterar todo su potencial.
[En respuesta a ello] Nosferatu se despliega como una obra totémica en el que la fuerza arrasadora de sus imágenes está atada a su sonido de ultratumba y viceversa, creando una espeluznante atmósfera gélida y gótica que nos sumerge en un aura febril de muerte, sexo, ratas y pestilencia europea victoriana al mismo tiempo que recoge elementos incomprensiblemente obviados en otras aproximaciones, tales como el magistral y coherente diseño del propio Conde Orlok a modo de un, literalmente, aristócrata ortodoxo zombificado.
Nosferatu está plagada de planos forjados a fuego, sí, pero también de travellings, movimientos de cámara imposibles y elipsis que favorecen la fluidez y, por ende, la madurez en la narrativa. Esta versión de Eggers es la mejor jamás realizada en cuanto al viaje de Harker/ Hutter al castillo de Drácula/Orlok, emparentándolo con un delirio enfermizo en dos secuencias colosales. Todo en el filme alude a la chorreante delicia gótica por antonomasia, irguiéndose como una oscura catedral pagana perfectamente palpable desde los vestidos y carruajes hasta las mutilaciones, la descomposición de la carne, los Cárpatos y la ciudad de Wisborg.
Robert Eggers ha parido un anticuento invernal de navidades corruptas por la presencia de una sombra que se cierne sobre una Europa a punto de sucumbir a sus necesidades más animales, esas que nos invaden el cuerpo y nos hacen disfrutar.
UN VIAJE EN PRIMAVERA
El cine de Ping-Wen y Tzu-Hui es un cine contenido en los detalles, en las miradas, en los gestos. Desde la primera escena hasta la última, las autoras explicitan sus deseos estético-narrativos, pues su historia es tan orgánica que requiere tiempo suficiente para florecer sin presiones. Así se articula la trama, con calma, mirando el detalle granulado de paisajes capturados en 16 mm y sentimientos encapsulados en la cotidianeidad más pura. El día a día de una pareja que comparte un compañerismo lleno de claroscuros.
Chun xing
D: Tzu-Hui Peng y Ping-Wen Wang
2023 · 90 min. · Color
Taiwán
Dist: Diversion.
Extractos de un texto de Bianca Ashanti
Cineteca Nacional oct, 16, 2024
Ciudad de México
Con un protagonista profundamente antipático, las directoras taiwanesas construyen un recorrido emocional que culmina con la transgresión de las hegemónicas imágenes de lo sentimental que han dominado las narrativas visuales. ¿Qué es el amor? Khim descubre que el amor es el silencio elegido y la posibilidad que se tiene de romperlo a través de la palabra.
Con el cuerpo de su esposa en un congelador y la necesidad irracional de mojar su rostro para despertar de un mal sueño, Khim comienza a desandar el espacio transitado durante su matrimonio. Todo esto erosiona el campo de los afectos. Khim ha pasado una vida sin intentar adaptarse al mundo porque sus construcciones actanciales eran entendidas por su mujer. Ahora, la soledad se vuelve también parte del amor profesado para ella, ese amor fuera de toda norma que se alimentaba de peleas y de actos de cuidado sutiles, casi escondidos, que reflejaban una profunda ternura.
En honor a esta ternura, Khim, cuya cojera se articula como un desdoblamiento de su incapacidad emocional de desplazamiento, emprende un último viaje, junto a su esposa. Una cascada, un hombre y una caja de cenizas. La primavera ha terminado y todo ha florecido, incluso aquello que no ostenta una hermosa flor, pero que está lleno de vida en cada una de sus ramas.
LA CHICA DE LA AGUJA
Pigen med nålen
D: Magnus von Horn. 2024 · 115 min. · Color
Dinamarca-Polonia-Suecia
Dist: MUBI.
Extractos de un texto de Àngel Quintana
Caimán Cuadernos de Cine may. 16, 2024 España
La chica de la aguja de Magnus Von Horn es una excelente película danesa que se pregunta si es posible recuperar lo que queda del naturalismo en nuestro presente. Y lo hace partiendo de una historia real situada en los años posteriores a la Primera Guerra Mundial.
Las imágenes en blanco y negro nos trasladan al territorio del más puro melodrama. Con un pulso admirable y una sordidez que no admite concesiones, el director nos invita a conocer la historia de Karolina, una chica que vive en las alcantarillas de la sociedad porque su marido ha marchado al frente y no sabe nada de él. Un día, conoce a un chico rico que la deja embarazada. Cuando empieza el proceso de gestación aparece el marido y el padre rico para no perder sus privilegios de clase, abandona a Karolina.
El marido lleva las heridas de la guerra en su rostro, transformado en un auténtico monstruo físico, en un freak de barraca de feria. Von Horn decide en su película buscar la manera de confrontar esta deformidad física con la deformidad moral de la época y, en concreto, con la deformidad moral de un mundo en el que la pulsión de muerte está presente.
[Más tarde, cuando] Karolina conoce a una mujer que compra niños no deseados, todo va oscureciéndose de forma progresiva. Karolina podría ser una pobre víctima sin posibilidades de alcanzar la redención, pero la película va por otro lado. La mujer que compra niños podría ser Vera Drake, protagonista de una conocida película de Mike Leigh, o de La infanticida, un sórdido drama de finales del XIX escrito por Víctor Català. Sin embargo, estamos en ese mundo terrible, en el que la caricatura no es la del gran guiñol postmoderno, ya que está más cerca de esas otras caricaturas deformes de la sordidez que en plena República de Weimar reflejaron la pintura de Otto Dix o de George Grosz.
CÓNCLAVE
Fue [el guionista francés] Jean Ferry el que imaginó los azares de una sociedad tan secreta que ni sus miembros eran del todo conscientes de su existencia. Se podía formar parte de ella y no saberlo, y, al contrario, muchos de los que hacían ostentación del puesto más alto de su cúpula no eran más que piezas de una cuidada estrategia de ocultación.
Conclave
D: Edward Berger. 2024 · 118 min. · Color
Reino Unido-
Estados Unidos
Dist: Diamond Films.
Al Vaticano, admitámoslo, le ocurre algo parecido. No es que la Iglesia católica sea una sociedad secreta, pero buena parte de sus rituales, por lo menos contemplados desde fuera, se alimentan del secreto que suscitan. Y, la verdad y sin dogmatismos, el secreto tiene su gracia. El alemán Edward Berger lo sabe. O por lo menos se enteró de ello cuando cayó en sus manos el libro de Robert Harris Cónclave en el que se basa la película.
La virtud de Cónclave es precisamente el secreto. Un grupo nutrido de cardenales se enclaustran en probablemente el más bello lugar del planeta (la Capilla Sixtina) para decidir quién será el próximo papa. Uno de ellos, al que da vida Ralph Fiennes, es el señalado por el pontífice aún moribundo como árbitro en la contienda por fuerza oculta (y secreta) que dará con el nombre del sucesor. La deliberación correrá a cuenta no de 12 hombres sin piedad sino de 120 muy piadosos (o, por lo menos, eso parecen).
Extractos de un texto de Luis Martínez
El Mundo sept. 21, 2024 San Sebastián
Lo que sigue es un thriller de esos a los que es imposible renunciar. Berger se las ingenia para hilvanar metáforas más o menos obvias sobre las guerras ideológicas, culturales y de las otras que se suceden fueran del enclaustramiento con la misma finura y elegancia que hace coincidir la batalla interior con la exterior. Se antoja brillantísimo el partido que le saca el director a los pasillos infinitos, las puertas lacradas y los frescos de Miguel Ángel perfectamente acompasados a la tormenta de las almas. Secreto sobre secreto.
ANORA
D: Sean Baker.
2024 · 138 min. · Color
Estados Unidos
Dist: Universal Pictures.
Desde que Tangerine (2015) le diera reconocimiento internacional, el cineasta estadunidense Sean Baker ha forjado una carrera que ha sabido surcar las aguas de Hollywood sin sumergirse del todo en las mismas y sin comprometer un sentido estético y narrativo. Esa resistencia le ha otorgado una fuerza única como cineasta, que rebosa vitalidad e ingenio en Anora, su más reciente película, estelarizada por Mikey Madison. Aquí la actriz se convierte en Ani −Anora−, una escort y bailarina que se enreda con Vanya (Mark Eydelshteyn), el joven hijo de un mega millonario ruso que está viviendo en Estados Unidos y que se enamora perdidamente de ella. Tras una semana de intenso amorío, el joven adinerado decide casarse con Ani en Las Vegas, lo que provoca un desastroso problema.
Ya habiendo explorado odiseas urbanas similares tanto en Tangerine como en Red Rocket, en esta ocasión Baker se acerca más a los terrenos de la screwball comedy, género clásico del cine estadounidense de los años 30 y 40. El cineasta entrega una película que revitaliza el género con códigos contemporáneos, sin dejar de lado lo que hace tan efectivo a dicho género, que es el contacto entre personas que quizá en otras circunstancias no podrían conocerse, escucharse o ni siquiera mirarse.
Extractos de un texto de Jorge Negrete
Cine PREMIERE
may. 25, 2024
Ciudad de México
Lo que comienza como un idilio lleno de sexo, dinero, fiestas y lujos se transforma con la misma celeridad en una búsqueda frenética, en la que Ani y los guardianes de Vanya deben buscarlo después de que éste escapa al enterarse de que sus padres se dirigen a Estados Unidos con la intención de llevárselo y anular el matrimonio. Es a partir de ahí que la película toma un ritmo frenético que Baker sabe mantener, principalmente porque, como en sus trabajos anteriores, conoce y siente un profundo afecto por cada uno de sus personajes.
TONI Y SU FAMILIA
Toni y su familia es dirigida y editada por Nathan Ambrosioni (Les drapeaux de papier, 2018), quien ha hecho una gran transición entre ser el enfant terrible del cine francés, dirigiendo a sus 14 años cine de terror (Hostile, 2014), a entregarnos películas sobrias, como han sido sus dos últimas cintas.
Toni, en famille
D: Nathan Ambrosioni.
2023 · 96 min. · Color
Francia
Dist: Nueva Era Films.
Con una premisa que bien podría derivar en un drama potente inicia esta maravillosa película que, mediante una permanente atmósfera de comedia, nos plantea cuestionamientos interesantes. La historia de Toni y su familia es abordada de forma sencilla, dando seguimiento a situaciones cotidianas, pero siempre con una carga interesante de emociones. La dirección de Ambrosioni es impecable, con costuras invisibles. El director (de 24 años) captura de manera excelente el sentir de alguien que atraviesa una crisis de los 40, mientras que a la par sabe capturar la complejidad del sentir de los hijos adolescentes, creando secuencias perfectamente niveladas entre la carga emocional y la comedia pertinente.
Extractos de un texto de José Roberto Ortega Cinescopia sep. 22, 2024
Ciudad de México
El reparto de Toni y su familia está también a la nota, comenzando por su protagonista, una Camille Cottin que ofrece una gran actuación y los cinco jóvenes, cada uno al mismo buen nivel del anterior, pero destacando a Léa López como una joven aspirante a bailarina, quien desea más que nada lograr ser aceptada por una compañía húngara de danza, y Oscar Pauleau, quien entrega las escenas más dramáticas de la película. Todos ellos dotan a la trama de momentos lo mismo conmovedores que divertidos, siempre con una naturalidad digna de ser resaltada.
La experiencia de disfrutar esta cinta es totalmente positiva. En esta ocasión, tenemos una película que une el cine de arte, inteligente y propositivo, con el pleno disfrute del entretenimiento.
SAMSARA
D: Lois Patiño.
2023· 113 min. · Color España
Dist: Alfhaville Cinema.
Extractos de un texto de Carlos Losilla Caimán
Cuadernos de Cine oct. 25, 2023
Valladolid
A primera vista, Samsara podría ser uno de esos juguetes autocomplacientes que llenan ahora mismo los festivales de medio mundo. Visitas turísticas a países considerados “exóticos”, filmaciones de la vida cotidiana en los correspondientes parajes, todo parece conspirar para que la película se erija en un monumento a cierta banalidad new age. Sin embargo, las películas hay que verlas y, una vez vista, la de Lois Patiño se convierte en algo muy distinto: no un documental sobre Laos y Zanzíbar, no un tratado más o menos divulgativo sobre la reencarnación, sino un relato conceptual en el que la metafísica surge directamente de la realidad filmada para regresar a ella, en un bellísimo diálogo entre la materia y la forma, el universo físico y el espiritual. En Laos, una anciana se está muriendo y su nieto la visita, se baña en el río, experimenta raras premoniciones. En Zanzíbar, algunas mujeres trabajan en una granja de algas y tratan con las mismas sensaciones, mientras la transmigración se materializa en cuerpos que quizá no imaginábamos. El film nunca fuerza a su audiencia a creer en nada de lo que parece postular. Ni siquiera el Libro tibetano de los muertos, que en buena parte actúa como disparador de imágenes y conceptos, se ofrece como biblia indiscutible. Lo que importa aquí es la experiencia audiovisual capaz de traducir en luces y sonidos ese universo, y en este sentido el centro de la película lo constituye un intermedio abstracto que a la vez une y separa ambos territorios y los resume en sensaciones no figurativas en estado puro: un viaje alucinógeno que a partir de ahora deberá contarse entre los grandes hitos del cine contemporáneo. Pues puede que Samsara le deba algo al cine de Apichatpong Weerasethakul, como a otras influencias que el espectador sabrá identificar, pero lo que propone es único: la “reencarnación” es sobre todo ese fluido transcurrir de las formas que, lo queramos o no, está modelando el cine del siglo XXI.
LA REINA DESNUDA
D: José Celestino Campusano. 2022 · 89 min. · Color Argentina
Rodada en Gálvez, localidad [argentina] de Santa Fe, y con un elenco formado por actrices y actores de esa provincia, La reina desnuda (2022) habla de la violencia de género y del empoderamiento femenino pero [como era de esperarse] en la lente de Campusano, el tema escapa a cualquier discurso políticamente correcto. Es más, los pone en crisis desde la historia que se cuenta.
Natalia Page interpreta a Victoria, la protagonista de esta historia. Una mujer empoderada dispuesta a poner en jaque las masculinidades dominantes. Ella tiene una actitud subversiva para cualquier hombre, se acuesta con quien quiere, disfruta del sexo y goza de su libertad. Cuando ingresa en un programa de ayuda a víctimas de violencia de género, sus métodos poco ortodoxos confrontan con las burocracias del espacio institucional.
Victoria tuvo una situación de abuso en su infancia que marcó su vida pero también conoce las lógicas machistas que rigen la sociedad y las ataca de raíz. Devuelve con la misma vara las agresiones verbales y psicológicas ganándose el rechazo de hombres y mujeres. Campusano mete el dedo en la llaga al tema, describiendo como siempre lo hace, realidades mucho más complejas de las supuestas por los discursos progresistas. Asume riesgos y expone las contradicciones del relato social con respecto a políticas inclusivas que terminan excluyendo [a gran parte de la sociedad].
Extractos de un texto de Emiliano Basile Escribiendo Cine feb. 15, 2023
Argentina
Su cine esconde de esta manera una verdad irrefutable, acerca mundos y rostros históricamente ajenos a la representación cinematográfica, y los presenta de forma cruda ante la cámara. Las soluciones a problemáticas sociales no son frases panfletarias en sus películas, al contrario de esto [parecen enfrentar] realidades mucho más difíciles de abordar.
EMILIA PÉREZ
D: Jacques Audiard. 2024 · 130 min. · Color Francia, Bélgica, Estados Unidos, México Dist: Zima.
Con Emilia Pérez, Audiard se adentra en un terreno inexplorado: un musical melodramático sobre el crimen y la identidad de género, ambientado en México, que combina elementos de thriller, humor absurdo y coreografías al estilo de Broadway. El resultado es una experiencia cinematográfica única, que desafía convenciones y que se siente tan ambiciosa como fascinante.
Emilia Pérez destaca por su tono grandilocuente, que mezcla la violencia de los cárteles mexicanos con el drama personal de un capo que desea un cambio radical en su vida. La película toma una premisa extravagante (un jefe de cartel que quiere transformarse en mujer) y la convierte en una odisea emocional que atraviesa temas de identidad, remordimiento y redención. Desde los primeros momentos, donde vemos a Juan “Manitas” Del Monte (interpretado con autoridad por Karla Sofía Gascón) controlar su imperio con mano de hierro, hasta el momento en que decide convertirse en Emilia, la película mantiene una tensión constante, subrayada por números musicales.
Jacques Audiard abraza la extravagancia con una energía contagiosa, haciendo que las canciones y los números musicales se sientan como una parte integral del viaje emocional de los personajes. El uso de la música aquí no es un mero adorno, sino una extensión de la psique de los protagonistas.
Extractos de un texto de André Didyme-Dôme Rolling Stone en español 2023 nov. 15, 2014
Emilia Pérez es un espectáculo ambicioso que fusiona lo épico con lo personal, lo musical con lo criminal, y el humor con el melodrama. Con actuaciones sobresalientes, y una dirección audaz de Jacques Audiard, esta película demuestra que el musical aún tiene el poder de sorprender y emocionar cuando se hace con valentía y pasión. Aunque su tono puede desconcertar a algunos espectadores, su originalidad y corazón la convierten en un experimento fascinante que merece ser visto en la gran pantalla.
EUREKA
D: Lisadro Alonso.
2023 · 143 min. · Color
Francia-Alemania-MéxicoArgentina-Portugal Dist: PIANO.
La nueva película de Lisandro Alonso tiene claros ecos de sus películas anteriores. Con su ópera prima, La libertad (2001), se acercó a lo real más allá de los mandatos del documental, atesoró la experiencia del tiempo y recuperó una mística pampeana. Luego de las historias de silencio y soledad de Los muertos (2004) y Liverpool (2008), llegó el salto de Jauja (2014), la elaboración de un retrato de frontera y una excursión al fantástico argentino bajo la estela borgeana. De ese mundo que Alonso alumbró con rigor y riesgo nace Eureka, una película de historias múltiples y geografías en transición. Primero, el western como narrativa codificada sobre la conquista del desierto: Mortensen nuevamente interpreta a un padre, Chiara Mastroianni a un coronel; tiroteos y duelos desde un televisor. Luego llega la historia de la reserva Pine Ridge en el extremo norte de Estados Unidos, con su nieve cruenta y su pobreza. Alaina patrulla las noches a la espera de que algo suceda; Sadie se dirige a buscarlo y no espera. Y, por último, llegan las fábulas de los nómades del Brasil en los 70, aquellos que escapan de sus sueños y se suman a la fiebre del oro. Tres lugares, tres tiempos, el vuelo de un pájaro y una misma cámara, la de Alonso que no abandona a los que han sido narrados por otros, a los que hoy reclaman su propia voz.
Extractos de un texto de Paula Vázquez Prieto
La Nación
mar. 14, 2024
Buenos Aires
En cada bifurcación del relato, Alonso demuestra que el cine conserva su capacidad de grandeza, que puede escapar a las ataduras de lo literario, abrazar el mundo de la magia. Eureka es una cita obligada después de Jauja para contemplar aquellos descubrimientos en su justa medida. Puede ser desconcertante para un espectador desprevenido, un laberinto incierto como el que recorren los nómades en el cálido Amazonas. Pero es también un viaje sensorial e hipnótico,
LLUVIA
D: Rodrigo García Saiz.
2023 · 95 min. · Color
México
Dist: Pimienta Films.
La Ciudad de México es un mosaico, es un mundo donde conviven muchos mundos, los cuales se pueden rozar, se pueden tocar, se pueden entremezclar pero nunca juntarse, nunca ser un todo sino sólo una parte de él. Ese es el universo donde se desarrolla Lluvia , ópera prima de Rodrigo García Saiz. En una Ciudad de México azotada por lluvias interminables se desarrollan diversas historias, entre ellas la de un taxista que vive uno de los peores días de su vida; la de una enfermera que decide ayudar a un joven paciente; una maestra que sufre un robo; una pareja que enfrenta sus problemas mientras ayudan a un desconocido; la de un joven que conoce a una asiática de regreso a casa; la de una trabajadora sexual que debe afrontar su pasado.
Rodrigo García realiza un largometraje coral, pero donde cada voz es, a su vez, un solista que narra su propia historia, que puede rozar las de otros sin que ese cruce de caminos signifique más que eso. Teniendo como hilo conductor la lluvia, el director nos lleva por las historias de una forma sorprendente, dándole a cada una de ellas un estilo y forma única.
Extractos de un texto de Irving Torres Yllán cineNT
oct. 22, 2023
Ciudad de México
Lluvia tiene uno de los repartos más impresionantes del año, muchos de los actores pueden sostener una película por sí solos y aquí, en ocasiones, no pasan de ser casi un bit. La historia del taxista es conducida por Bruno Bichir, teniendo como compañera a Karina Gidi; el matrimonio es interpretado por Cecilia Suárez y Mauricio Isaac; Martha Claudia Moreno es la enfermera y Hoze Meléndez su paciente; Arcelia Ramírez es la maestra; y en otras historias vemos desfilar a Tiaré Scanda, Morgana Love, Krystian Ferrer, a Mayuko Nihei.
LAS AVENTURAS DE DOG MAN
Dog Man
D: Peter Hastings. 2025 · 89 min. · Color
Estados Unidos
Dist: Universal Pictures.
Extractos de una nota informativa de Plano informativo dic. 03, 2024
San Luis Potosí
Las novelas gráficas de Dog Man, un policía mitad perro mitad persona, un fenómeno literario con más de 70 millones de libros vendidos en el mundo, dará el salto al cine de la mano del [estudio de animación] DreamWorks. Esta colección infantil para niños mayores de seis años comenzó en 2016 firmada por Dav Pilkey, dibujante y escritor estadounidense de literatura infantil, creador de la también exitosa serie de Capitán Calzoncillos. La saga Dog Man , publicada en 42 idiomas, está protagonizada por un personaje que combate el crimen mientras no puede controlar sus instintos caninos. El salto a la gran pantalla lo dará bajo la dirección de Peter Hastings, que también estuvo detrás de las series [televisivas] Kung Fu Panda: la leyenda de Po y Las épicas aventuras del Capitán Calzoncillos El filme comienza cuando un fiel perro policía y su agente humano sufren graves heridas mientras cumplen con su deber, y sólo se les puede salvar mediante una operación descabellada en la que ambos se fusionan en uno. El nuevo agente jura proteger y servir, pero también sabe buscar, sentarse y dar la patita. Dog Man acepta su nueva identidad y se esfuerza en complacer a su jefe, mientras se enfrenta a las malvadas intenciones del supervillano felino Petey, que planea clonarse para crear al gatito Lil'Petey y disponer del doble de posibilidades para cometer fechorías. Los cómics de Dav Pilkey son en parte autobiográficos, ya que durante sus años de estudiante ningún profesor tomó en serio su vocación, «pues con esos dibujos tan ridículos no llegaría muy lejos». En sus cómics, las historias son creadas por los amigos George Beard y Harold Hutchins, dos niños muy traviesos que se dedican, en sus ratos libres, a crear sus propias historietas protagonizadas por Capitán Calzoncillos o por Dog Man.
FLOW
The Room Next Door
D: Gints Zilbalodis.
2024 · 85 min. · Color
Letonia-Bélgica-Francia
Dist: Cine Caníbal.
Sin diálogos y con una elegancia minimalista que mantiene la atención del espectador durante sus casi 90 minutos, el letón Gints Zilbalodis –director, co-guionista, editor, diseñador de producción y co-compositor de la banda sonora– convierte esta travesía acuática en una road movie introspectiva y transformadora con destellos de coming of age. Aquí, el agua es mucho más que un escenario (y una catástrofe): simboliza el cambio. Porque cada uno de los pasajeros de este improvisado arca de Noé – un gato negro solitario y arisco, un lémur materialista, un perro labrador juguetón, un pájaro secretario majestuoso y, tal vez la excepción, la capibara tranquila– cambia a lo largo de este peligroso periplo. El resultado es que el espectador empatiza, se ve reflejado (a pesar de ser animales) y se preocupa por ellos, y Gints consigue todo esto sin una sola palabra (y con voces, por cierto, de animales de verdad).
La destreza técnica del letón es innegable. La cámara, siempre inquieta, sigue a los personajes de cerca, haciendo de esta historia una muy cercana. Por otro lado, largos planos secuencia inundan el filme y crean una sensación de inmersión total, tanto que hace que uno parezca estar jugando a un videojuego de mundo abierto. A todo esto se añade un diseño de mundo excepcional y un tanto onírico: un universo habitado solo por animales, pero con vestigios de que en algún momento hubo seres humanos, como esas impresionantes arquitecturas o esa ciudad laberíntica para perderse.
Extractos de un texto de Marta Medina
MundoCine
nov. 26, 2024
Sevilla
Se trata de una fantástica película que podría perfectamente valerle una nominación en la categoría de Mejor Película de Animación en los Oscar. Y no solo eso, la cinta es también la candidata de Letonia a la Mejor Película Internacional, un país que nunca ha logrado la nominación en dicha categoría. Pero todo podría cambiar este año gracias a Gints.
ANINA
D: Alfredo Soderguit. 2013 · 78 min. · Color
Uruguay-Colombia
Dist: Cineplex
Extractos de un texto de Benjamín Harguindey EscribiendoCine abr. 14, 2013 Argentina
Basada en un libro para niños, AninA (2013) es una tierna y simpática película de animación infantil centrada en la heroína de diez años Anina Yatay Salas y el “lío de novela” en el que se ha metido. El director, Alfredo Soderguit, es quien ilustró el libro original, y aquí importa el mismo estilo simple y naif de sus dibujos. Es una coproducción uruguaya y colombiana, pero está hecha y ambientada en Montevideo.
Las penurias de Anina se remontan a su nombre, que es fuente de muchas burlas en la escuela y amerita el sobrenombre “Capicúa”. Una pelea durante el recreo envía a Anina y a “la elefanta” Yisel a la dirección, donde se les administra un castigo inusual: cada una recibe un sobre sellado con lacre que deberán entregar intacto dentro de una semana. ¿Qué hay dentro del sobre? Anina y su mejor amiga Florencia encabezan la trama, intentando descubrir sus contenidos sin violar los términos del castigo. Pero la historia es suelta y dispersa, y admite varias subtramas que se relacionan apenas vagamente una con la otra: la infatuación que Anina siente por su compañero Yonathan, la severidad de una maestra cuyo lema es “La letra con sangre entra” y la caprichosa relación que tiene con sus padres son algunas de las líneas narrativas que la película sigue. Estas historias mínimas llevan a las típicas, sanas conclusiones de película infantil: hay que valorar lo que uno tiene; con la violencia no se aprende; no hay que juzgar a los demás por las frivolidades de su nombre o su aspecto, y lo más importante de todo, hay que atesorar aquello que nos hace especiales. En el caso de Anina, se la pasa absorta en la peculiaridad de su nombre, que dice le ayuda “a ver las cosas de ida y de vuelta” (otra forma de decir “reflexionar”). AninA no necesita de golpes bajos para ser entrañable.
SECRETARÍA DE CULTURA
Secretaria
CLAUDIA CURIEL DE ICAZA
CINETECA NACIONAL
Director General
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Director de Difusión y Programación
NELSON CARRO RODRÍGUEZ
Director de Acervos
CARLOS EDGAR TORRES PÉREZ
Director de Administración y Finanzas
VICENTE FERNANDO CÁZARES ÁVILES
Subdirección de Programación
ORIANNA PAZ ESMORIS
DIANA GUTIÉRREZ PORRAS
CAROLINA ARELLANO ROJAS
JESÚS BRITO MEDINA
EMILIO RIVAS GONZÁLEZ
DANIELA MARTÍNEZ VELASCO
ANA LAURA MANZANILLA GARCÍA
IVAN GUILLERMO CABAÑAS MATA
Subdirección de Distribución
ALEJANDRO GRANDE BONILLA
Subdirección de Difusión
ALFREDO DEL VALLE MARTÍNEZ
PROGRAMA MENSUAL DE LA CINETECA
Edición y Composición Editorial
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Apoyo Editorial
ISRAEL RUIZ ARREOLA
BIANCA ASHANTI GONZÁLEZ SANTOS
