Programa Mensual Enero 2023

Amos Gitai Clásicos en Pantalla Grande

Retrospectiva

CINETECA NACIONAL

Av. México-Coyoacán 389, Col. Xoco, Alcaldía Benito Juárez, C.P. 03330, Ciudad de México

Cineteca Nacional es miembro de la Federación Internacional de Archivos Fílmicos.

EN PORTADA

Amos Gitai en el rodaje de Kippur ∙ 2000

ABREVIATURAS

D: Dirección.

B/N: Fotografía en blanco y negro. Dist: Distribución.

PC: Procedencia de copia.

Programación sujeta a cambios. Para mayor información consulte www.cinetecanacional.net o llame al 554155 1190.

Las copias en cinta de las películas que se exhiben tienen la mejor calidad disponible. Dicha calidad puede variar debido a la diversidad de su procedencia y a su antigüedad.

El Programa mensual es una publicación para informar sobre las películas que la Cineteca Nacional exhibe, tanto en sus instalaciones como en sedes alternas, cumpliendo su misión de difundir la cultura fílmica.

Los textos firmados son responsabilidad de sus autores.

EN PANTALLA GRANDE

RETROSPECTIVA AMOS GITAI

Dossier AMOS GITAI

Amos Gitai: Cine en estado de conflicto 20 Exilios y territorios: El cine de Amos Gitai

CLÁSICOS EN PANTALLA GRANDE

FINES DE SEMANA DE ENERO

Desde enero de 2015, los fines de semana están reservados para los Clásicos en Pantalla Grande. A lo largo de ocho años se han proyectado obras cumbre de la cinematografía mundial para delite de los espectadores más experimentados, así como para quienes se acercan a estas películas por primera vez. Sin duda, este ciclo se ha afianzado como uno de los más importantes y favoritos de la Cineteca Nacional, y cada temporada llega con una lista de nuevos títulos a los que hay que volver. Para empezar el 2023, continuamos con la exhibición de clásicos de la cinematografía mexicana que ocupan un lugar muy especial en el gusto de la cinefilia nacional. Abrimos el primer sábado y domingo de enero con Los caifanes (Juan Ibáñez, 1967), parteaguas del cine de los años 60 que significó una bocanada de aire fresco para el público de la época, quienes quedaron alucinados con aquella odisea nocturna por la Ciudad de México encabezada por el Capitán Gato, el Estilos, el Azteca y el Mazacote. Después llega Las puertas del paraíso (1970), adaptación de un cuento de la escritora Elena Garro en la que el director Salomón Láiter imaginó una historia de amor sumergida en el mundo de

las drogas como una especie de paráfrasis moderna de la Odisea. Por otro lado, también se presenta una de las cintas más reconocidas de Luis Alcoriza, Tiburoneros (1962), película con espíritu buñueliano que mezcla el cine neorrealista más cruel con la comedia grotesca, la sátira y la personalidad pícara y salvaje de México. Finalmente, el mes cierra con Sensualidad (1950), nueva incursión en el noir cabaretil de Alberto Gout en la que Ninón Sevilla enloquece de lujuria nada menos que a don Fernando Soler.

Cineteca Nacional

Tiburoneros ∙ 1962

LOS CAIFANES

México, 1967, 95 min.

D: Juan Ibáñez.

Paloma y Jaime, una pareja de clase alta, escapa de una fiesta con la intención de tener un encuentro amoroso en un coche abandonado que pertenece al Capitán Gato, quien junto a sus caifanes cambiará los planes de la pareja. Así comienza un pintoresco paseo nocturno por la Ciudad de México, durante el cual Paloma quedará fascinada. El argumento de Carlos Fuentes en combinación con pasajes inspirados en Fellini hicieron de Los caifanes uno de los filmes más importantes del cine mexicano de los años 60.

LAS PUERTAS DEL PARAÍSO

TIBURONEROS

México, 1970, 90 min.

D: Salomón Laiter.

Por problemas de apuestas, Andrés y su amante, Blanca, huyen de la ciudad y viajan por varios estados del país; durante su recorrido se involucran con una pareja de hippies con quienes conviven durante un tiempo hasta que la tragedia se hace presente. A partir de un argumento de Elena Garro y del poeta Eduardo Lizalde, el director Salomón Laiter desarrolló un guion cuya trama presenta una reelaboración de la Odisea, en la cual dos jóvenes citadinos se sumergen en el submundo de las drogas.

México, 1962, 100 min.

D: Luis Alcoriza.

Aurelio es un trabajador que ha dejado a su familia en la ciudad para cazar tiburones en la costa de Tabasco. Su trabajo no sólo le permite enviar remesas, sino ayudar a la comunidad en la que vive, donde mantiene un amorío con una chica mucho más joven. Cuando reciba una carta, Aurelio deberá decidir entre su plácida vida y la compleja existencia en la urbe. Con influencia de Luis Buñuel y un argumento que equilibra drama, erotismo y comedia, Tiburoneros es una de las cintas más reconocidas de Luis Alcoriza.

México, 1950, 96 min.

SENSUALIDAD

D: Alberto Gout.

El juez Alejandro Luque se ve tentado por la sensualidad de Aurora Ruiz, una prostituta a quien él mismo condenó a prisión y que ha conseguido obsesionarlo. Consumido por la pasión, Luque cometerá una serie de delitos con tal de conquistar a la mujer, sin importar que sacrifique una vida de rectitud. Tras el éxito obtenido un año antes con su película Aventurera (1950), Alberto Gout realizó una nueva incursión en el noir cabaretil, en la que volvió a trabajar con Ninón Sevilla en el papel protagónico.

RETROSPECTIVA

AMOS GITAI

A PARTIR DEL 17 DE ENERO

En poco más de cuarenta años de prolífica trayectoria, el cineasta Amos Gitai ha realizado más de cuarenta películas, entre documentales y ficciones, en las que ha explorado las distintas capas de la historia de Oriente Medio y el devenir del Israel moderno, así como su experiencia personal a través de temas como el hogar, el exilio, la familia, la política y la religión. Viviendo y trabajando entre Israel, Francia y Estados Unidos, él mismo se considera un extranjero en su propio país, condición que le ha permitido adoptar una perspectiva única que combina una dura crítica a los abusos de poder estatal con un interés especial por la historia del pueblo palestino y el patrimonio cultural judío.

Siguiendo los pasos de su padre, Munio Weinraub Gitai, integrado al movimiento de la Buahaus, Amos Gitai estudió arquitectura. Pero dos sucesos truncaron esa primera vocación: su madre le regaló una cámara de Súper 8 y un año después, en 1973, tuvo un accidente mientras combatía en la guerra de Yom Kipur. En las primeras películas del cineasta aparecen rastros de aquel primer afán arquitectónico de representar el territorio y el espacio combinado con su inquietud por buscar entre las cicatrices identitarias de su

país. Un ejemplo claro es uno de sus primeros cortometrajes documentales, Bayit (1980), donde Gitai sigue los cambios de ocupantes (un médico palestino, el gobierno, un profesor israelí…) de una casa situada al oeste de Jerusalén. En un país donde los conflictos territoriales van acompañados de construcción y destrucción, la vida y la obra de Gitai se convierten en un referente sobre cómo la identidad personal se revela en fértil material artístico en permanente reconstrucción.

La Cineteca Nacional, en colaboración con el Instituto Francés de América Latina (IFAL), la Embajada de Francia en México y la Embajada de Israel, presentan este ciclo que hace un recorrido por la extensa filmografía del cineasta, recuperando algunos de sus largometrajes más representativos, entre los que se encuentran títulos como su primera película de ficción, Esther (1985); su Trilogía de las Ciudades y su Trilogía de las Fronteras; Kippur (2000), su desgarradora película autobiográfica sobre la guerra; o las meditaciones caleidoscópicas sobre sus progenitores, Carmel (2009) y Canción de cuna para mi padre (2012).

Cineteca Nacional

ESTHER

BERLÍN JERUSALÉN

Austria-Israel-Reino Unido, 1985, 97 min. D: Amos Gitai.

En su primer largometraje de ficción, Amos Gitai diseña un fresco para contar la historia bíblica de Esther, parte del Nuevo Testamento. Tras ser elegida por el rey de Persia como esposa, Esther descubre un plan en contra del pueblo judío e intentará salvarlo. Filmada en las ruinas de un barrio abandonado por los palestinos en 1948, el director narra un mito de supervivencia y resistencia, primer episodio de una trilogía también compuesta por Berlín Jerusalén y Golem: El espíritu del exilio

Berlin-Yerushalaim, Israel-Francia-Países Bajos-ItaliaReino Unido, 1989, 89 min.

D: Amos Gitai.

Las visionarias Else Lasker-Schüller y Manya Shohat viajan cada una a Jerusalén, una ciudad mítica a la que deben enfrentarse. Las vidas de estas figuras, una poetisa expresionista alemana y una de las primeras sionistas rusas, se entrecruzan en una odisea donde, entre los cafés berlineses de los años 30 y las áridas y estériles colinas de Jerusalén, se reflexiona sobre las utopías aplastadas y los ideales, luchas y desilusiones personales y políticas que se esconden tras la búsqueda de una identidad.

GOLEM: EL ESPÍRITU DEL EXILIO

Golem, l'esprit de l'exil, Alemania-Países Bajos-Reino Unido-Francia-Italia, 1992, 105 min.

D: Amos Gitai.

El destino de dos mujeres obligadas a exiliarse de Francia tras las muertes de sus esposos, es el eje de esta película en la que Amos Gitai buscó inspiración en el personaje bíblico de Ruth y en la interpretación del Golem –mítica figura judía según la Cábala española– para abordar el tema del exilio y las migraciones. Inspirado en su propia vida, Gitai transmite en imágenes sobrecogedoras (situadas en el París de los años 90) el sentimiento de deslocalización y desarraigo que permea en nuestros tiempos.

GOLEM: EL JARDÍN PETRIFICADO

Golem, le jardin pétrifié, Francia-Alemania-Rusia-Israel, 1993, 87 min. D: Amos Gitai.

Daniel, que dirige una galería de arte en París, viaja a Siberia para traer una colección de obras de arte que acaba de heredar. Entre las piezas, hay una mano gigante esculpida que cree que es una pieza del Golem, la legendaria figura de los mitos judíos, por lo que continua su odisea en Rusia para hallar el resto de la estatua. La tercera y última parte de la trilogía sobre la figura del Golem es una especie de travesía iniciática de un hombre que poco a poco descubre el sentido de su existencia.

DEVARIM

LA ARENA DEL CRIMEN

Zichron Devarim, Israel-Francia-Italia, 1995, 110 min.

D: Amos Gitai.

La primera parte de la Trilogía de las Ciudades –completada por Yom Yom (1998) y Kadosh (1999)– examina la confusión espiritual de tres hombres que rondan los 30 y 40 años en medio del ajetreo de Tel Aviv, la ciudad creada por pioneros judíos en 1909. Ninguno de los tres tiene la vida que se habían imaginado. El desencanto es el tema principal de esta película en la que los personajes ya no creen en nada, rechazan el legado y la historia familiar mientras esperan que algo les regrese las ganas de vivir.

Zirat Ha'Rezach, Israel, 1996, 90 min.

D: Amos Gitai.

Tres semanas después del asesinato de Isaac Rabin –quien fuera dos veces primer ministro de Israel– en noviembre de 1995, Amos Gitai investigó este hecho a partir de un viaje a su país natal en el que, por tres meses, recuperó imágenes y testimonios de las secuelas del asesinato de Rabin, delineadas por los recuerdos de la guerra y la búsqueda de paz. El relato se nutre del documental, la road movie y la autobiografía para crear un puente entre el fallecido Rabin y los lugares y personas que Gitai visita.

Israel-Francia, 1998, 102 min.

YOM YOM

D: Amos Gitai.

La vida de Moshe en la ciudad de Haifa es difícil: su esposa quiere el divorcio, su amante frecuenta a su mejor amigo, su madre le llama Moshe y su padre Moussa; ella es judía y él árabe. La segunda parte de la Trilogía de las Ciudades explora la tradición de coexistencia pacífica entre árabes y judíos en Haifa para contar la historia turbia y cómica de unos personajes movidos por lealtades divididas e inhibiciones neuróticas, conflictos que son parte del día a día, sea en el mercado o en la alcoba.

Israel-Francia, 1999, 110 min.

KADOSH

D: Amos Gitai.

Rivka y Mëir han estado casados por diez años, pero al no tener hijos, deben separarse por órdenes de la autoridad religiosa. Melka, la hermana de Rivka, está enamorada de un hombre que vive fuera de la comunidad, lo que lleva al rabino a tomar una decisión extrema. La tercera película de la Trilogía de las Ciudades de Amos Gitai tiene lugar en Mea She'arim, un barrio ultraortodoxo de Jerusalén donde a menudo los sentimientos de mujeres y hombres quedan a expensas de inclementes leyes de su religión.

KIPPUR

EDÉN

KEDMA

ALILA

Kippur, Israel-Francia, 2000, 120 min. D: Amos Gitai.

En 1973, las tropas de Egipto y Siria atacaron el territorio israelí en la fecha más sagrada de su calendario: el Yom Kipur. Weinraub y Ruso son jóvenes reservistas israelís que intentan llegar a los Altos de Golán para alcanzar la unidad de combate a la que han sido asignados, pero al no encontrarla se integran a una unidad de emergencias de la fuerza aérea. Basada en las experiencias de Amos Gitai como combatiente, Kippur es una vertiginosa representación del conflicto desde una óptica casi documental.

Eden, Italia-Israel-Francia, 2001, 91 min.

D: Amos Gitai.

En 1939, Kalman, un hombre de negocios, deja Europa para reunirse con su hermana Samantha en Palestina, donde ella vive con Dov, un arquitecto idealista obsesionado con el estilo Bauhaus. Junto a varios amigos, la pareja formará parte de un grupo que discute el futuro del estado israelí. Basada en el libro del escritor estadounidense Arthur Miller, Homely Girl: A Life, este drama muestra una perspectiva europea sobre la construcción de Israel durante uno de los momentos más álgidos del movimiento sionista.

Israel-Francia-Italia, 2002, 100 min. D: Amos Gitai.

Amos Gitai realizó una reconstrucción de un episodio de la fundación de su nación, ambientada en 1948, en vísperas del nacimiento del estado de Israel. Los británicos están a punto de poner fin a su control del territorio palestino y aumentan las tensiones entre las comunidades judía y árabe. El Kedma, un carguero europeo, va repleto de supervivientes de los campos de concentración rumbo a Palestina. Allí se encontrarán de pronto en un lugar inhóspito, ocupado por una población que se resiste al desalojo.

Israel-Francia, 2003, 120 min.

D: Amos Gitai.

En un barrio obrero situado en Tel Aviv, hay un edificio con inquilinos instalados en la rutina. Ezra es un albañil arruinado que vive frente a su exmujer, quien se ha instalado con otro hombre. La llegada de Gabi, amante de un hombre que ha rentado un apartamento, trastorna la ordenada vida del viejo Schwartz, quien vive tranquilamente con su asistente filipina. Con humor ácido, Alila es un estudio sociológico del entramado urbano de Tel Aviv que entrelaza las vidas de muy diferentes personajes.

LA TIERRA

PROMETIDA

Promised Land, Israel-Francia, 2003, 90 min.

D: Amos Gitai.

La tierra prometida sigue a un grupo de jóvenes estonias que pasan de contrabando por Egipto para ser subastadas como prostitutas en Israel, de su iniciación en este comercio de la carne y, por último, de la liberación accidental de una de ellas, que es la que más lucha por su libertad. Con cámara de video en mano, una escasa iluminación y edición apresurada, la primera entrega de la Trilogía de las Fronteras de Amos Gitai es un filme de denuncia que retrata el alma profunda de su país de origen.

Free Zone, Israel-Bélgica-Francia-España, 2005, 90 min.

ZONA LIBRE

LA RETIRADA

ALGÚN DÍA COMPRENDERÁS

D: Amos Gitai.

Después de pelear con su suegra, Rebecca, una joven estadounidense en Jerusalén, sube al taxi de Hanna, una mujer israelí que debe ir a Jordania a recoger una importante cantidad de dinero. Sin embargo, cuando llegan a su destino, Leila, una mujer palestina, les explica que el dinero ha desaparecido. Zona libre es una road movie con el conflicto árabeisraelí como telón de fondo que cuenta el encuentro entre tres mujeres obligadas a superar sus diferencias culturales y religiosas para entenderse.

Disengagement, Israel-Francia-Italia-Alemania, 2007, 115 min.

D: Amos Gitai.

Con la intención de reencontrarse con la hija que dio en adopción veinte años atrás, una mujer francesa viaja a Israel en compañía de su hermanastro. Su odisea se verá enmarcada por el violento desalojo de residentes israelíes en la Franja de Gaza ocurrido en 2005. El realizador Amos Gitai completa su Trilogía de las Fronteras con esta cinta en la que la turbulencia política, religiosa y social que rodea a la protagonista en Oriente Próximo, es tan sólo un reflejo de sus emociones más profundas.

Plus tard, Francia-Alemania-Israel, 2008, 88 min.

D: Amos Gitai.

Victor descubre que una parte de su familia judía fue deportada durante la ocupación nazi en Francia. Veinte años antes, el juicio del oficial de las SS, Klaus Barbie, despertó en la madre de Victor tristes recuerdos. Ambos son protagonistas de este sobrio drama en el cual Amos Gitai, inspirado en las memorias de un sobreviviente del Holocausto, reflexiona sobre cómo la necesidad de encontrar nuestras raíces siempre toca fibras sensibles en la memoria, reviviendo heridas nunca sanadas por el tiempo.

CARMEL

ROSAS A CRÉDITO

Israel-Francia-Italia, 2009, 93 min.

D: Amos Gitai.

Carmel es una meditación profundamente personal y resonante en la que Amos Gitai ofrece una mirada impresionista de la larga historia de conflictos armados de su nación. Utilizando elementos autobiográficos, de ficción y de archivo personal, Gitai crea un caleidoscopio que relaciona su historia familiar con la historia antigua de Israel, reflexionando sobre su propio pasado como soldado, así como su presente al ser padre de un joven atrapado en los conflictos actuales que asolan la región.

CANCIÓN DE CUNA PARA MI PADRE

Roses à crédit, Francia, 2010, 113 min. D: Amos Gitai.

Es el final de la Segunda Guerra Mundial en París. Marjoline y Daniel contraen matrimonio; como regalo reciben un apartamento. Contra los deseos de su esposo, Marjoline se endeuda al amueblarlo y pronto este deseo obsesivo amenaza su felicidad. Basada en una novela de Elsa Triolet, en esta película Amos Gitai diseccionó el mundo materialista de la clase media francesa de posguerra a partir de los giros emocionales de una pareja infeliz a medida que las deudas y créditos abruman el flujo de su relación.

Lullaby to My Father, Francia-Suiza-Israel, 2012, 87 min.

D: Amos Gitai.

Amos Gitai cuenta la historia de su padre, Munio Weinraub, quien era estudiante en la escuela de diseño y arquitectura Bauhaus en la ciudad de Dessau antes de que Hitler la clausurara en 1933. Weinraub fue acusado de traición, enviado a prisión y más tarde expulsado de Alemania. La película sigue la ruta de Weinraub de Polonia a Alemania y de Suiza a Palestina, dentro de un viaje caleidoscópico en busca de las relaciones entre un padre y su hijo, la arquitectura y el cine, la Historia y la memoria.

ANA ARABIA

TSILI

Israel-Francia, 2013, 85 min.

D: Amos Gitai.

Película rodada en un único plano secuencia de 85 minutos, que tiene lugar en una pequeña comunidad en la que judíos y árabes viven juntos, ubicada en la frontera entre Jaffa y Bat Yam, en Israel. Un día, Yael, una joven periodista, va a visitarlos y descubre un mundo completamente diferente al que imaginaba. Yael irá conociendo un abanico de personajes que le van contando una constelación de relatos personales y nostálgicos que recuerdan una época en la que judíos y musulmanes convivían en paz.

RABIN, LOS ÚLTIMOS DÍAS

Israel-Rusia-Francia-Italia, 2014, 88 min.

D: Amos Gitai.

Ucrania, durante la Segunda Guerra Mundial. Tsili, una joven judía, se esconde en el bosque al sur de Chernivtsí. Toda su familia fue deportada a los campos de concentración. Escondida en la zona de guerra, construye un nido para sí misma, un refugio en la naturaleza ante el salvajismo del lugar. Inspirada en una novela de Aharon Appelfeld, Tsili narra el deambular de una heroína sumergida en la pesadilla y el sinsentido de la guerra, en la que intuición y vitalidad parecen ser las claves para sobrevivir.

Rabin: The Last Day, Israel-Francia, 2015, 153 min.

D: Amos Gitai.

Isaac Rabin, primer ministro de Israel, fue asesinado en 1995 por un sionista radical en el centro de Tel Aviv. Amos Gitai reconstruye con una vigorosa mezcla de ficción e imágenes de archivo las últimas horas de este hombre que luchó enérgicamente por lograr la paz entre Israel y Palestina, lo que lo condujo a ese fatal desenlace. Gitai denuncia las calumnias e injurias que fueron lanzadas en contra del ganador del Premio Nobel de la Paz, así como la falta de rigor en la investigación judicial.

AL OESTE DEL RÍO JORDÁN

In West Of the Jordan River (Field Diary Revisited), Francia-Israel, 2017, 84 min. D: Amos Gitai.

A 35 años de haber realizado en Cisjordania el documental Field Diary (1982), Amos Gitai retorna a aquel territorio para explorar cómo los habitantes, tanto palestinos como judíos intentan sortear las consecuencias de medio siglo de ocupación israelí. Al registrar las actividades de organizaciones como un círculo binacional de padres con hijos desaparecidos, o una asociación que ayuda a mujeres palestinas a documentar abusos, este trabajo muestra la labor de activistas y periodistas frente al fracaso de los políticos.

UN TRANVÍA A JERUSALÉN

LAILA EN HAIFA

Ra'ckevet Kalah, Francia-Israel, 2018, 94 min. D: Amos Gitai.

En Jerusalén un tranvía conecta distintos barrios de este a oeste, cada uno con sus particularidades y diferencias. En medio de una ciudad donde conviven tres grandes religiones monoteístas, el judaísmo, el cristianismo y el islam, una serie de personajes tendrán encuentros y desencuentros que develan el rostro multicultural de un territorio lleno de vida y contradicciones. Un tranvía a Jerusalén es una divertida comedia que nos transporta a la vida cotidiana de una capital tan tensa como agitada.

Laila in Haifa, Francia-Israel, 2020, 99 min. D: Amos Gitai.

En el transcurso de una noche en un club nocturno de la ciudad portuaria de Haifa, la tercera mayor de Israel, las historias de cinco mujeres se entrelazan, develando cuestiones que van de sus relaciones interpersonales a temas como la identidad. Con un reparto de actrices y actores tanto israelíes como palestinos, Laila en Haifa es un drama de humor irónico que presenta una instantánea de la vida contemporánea en un espacio citadino donde personajes de ambas nacionalidades confluyen y entablan relaciones.

Amos Gitai

Amos Gitai

Fotografía tomada en Cisjordania ∙ ca. 1972 Archivos Amos Gitai ∙ París Cortesía: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Amos Gitai en el rodaje de Bait be Yerushalayim ∙ 1998 Cortesía: Cinemateca Francesa

AMOS GITAI: CINE EN ESTADO DE CONFLICTO

Extractos de un texto de Damon Smith Senses of Cinema Febrero de 2007 Traducción: Gustavo E. Ramírez Carrasco

Durante más de tres décadas, el intrépido cineasta israelí Amos Gitai se ha dedicado a examinar las desuniones y los corrosivos antagonismos que azotan permanentemente su patria y, por extensión, perpetúan el conflicto árabe-israelí en todo Oriente Próximo. Al mismo tiempo, ha explorado (y cuestionado radicalmente) los mitos fundacionales –religiosos y políticos, arcaicos y modernos– que sustentan la identidad judía contemporánea, tanto en sus formas humanistas individuales como en las estatales oficiales. Aunque Gitai –que ahora, a sus 56 años, está considerado como el guionista y director más destacado de Israel– es probablemente más conocido por Kadosh (1999), un drama lúgubre profundamente compenetrado con los misteriosos ritmos del amor y el deseo, y a la vez inquebrantablemente crítico con las actitudes ultraortodoxas hacia las mujeres, y Kippur (2000), su desgarradora película autobiográfica sobre la guerra, ha trabajado a un ritmo frenético desde principios de los 80, produciendo una obra extraordinariamente amplia y sin concesiones que abarca casi cincuenta documentales y largometrajes de ficción.

Nacido en Haifa en 1950 y formado como arquitecto al igual que su padre, Munio Weinraub Gitai (judío alemán, alumno de Kandinsky y a la vanguardia del movimiento Bauhaus), Gitai comenzó a realizar documentales cortos en súper 8 en la década de 1970. Durante la

Archivos

Cortesía: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Amos Gital de niño cuando era estudiante del Colegio Reali en Haifa · 1962-1963

Amos Gitai · París

guerra del Yom Kipur en 1973, Gitai fue reclutado por una unidad de rescate del ejército y experimentó una epifanía casi mística después de que su helicóptero fuera derribado por una munición siria sobre los Altos del Golán, muriendo muchos de los que iban a bordo. El incidente, que ocurrió el día de su cumpleaños, fue transformador y más tarde proporcionó el escenario para Kippur. Durante este periodo, Gitai realizó sus primeros cortometrajes para la televisión israelí, pero finalmente regresó a sus estudios de arquitectura, para completar su doctorado en la Universidad de California en Berkeley, donde vivió de 1976 a 1979. Allí recibió clases del filósofo de la ciencia Paul Feyerabend y del teórico de la Escuela de Frankfurt Leo Lowenthal, y también impartió cursos de introducción al cine y trabajó en el Pacific Film Archive del Museo de Berkeley.

Después de que sus primeras incursiones en el documental político, Bayit (1980) y Diario de campo (1982), fueran consideradas demasiado incendiarias para emitirse en la televisión israelí a principios de los 80 (presumiblemente por dar voz a la disidencia palestina), Gitai se marchó a Francia, donde vivió exiliado durante más de una década. Allí fundó Agav Films y produjo su primer largometraje, Esther (1985), además de otras dos imaginativas historias sobre temas de la diáspora, Berlín Jerusalén (1989) y Golem: El espíritu del exilio (1992). Pero el cine de Gitai también evolucionó junto al tumulto de la política israelí y la Primera Intifada, que comenzó en 1987. Cuando regresó a Israel, en 1995, fue para participar en un proyecto documental de investigación post mortem, La arena del crimen (1996), sobre el asesinato del primer ministro israelí Yitzhak Rabin.

Amos Gitai en una unidad de socorristas durante la guerra de Yom Kipur L’Express · Octubre de 1973

En la última década, Amos Gitai se ha centrado cada vez más en el largometraje, observando las vicisitudes de la vida diaria en las comunidades urbanas contemporáneas con la Trilogía de la Ciudades (Devarim, 1995; Yom Yom, 1998; Kadosh); la revisión de los violentos y agitados primeros días de la fundación de Israel (Kedma, 2002); la reimaginación de su propio pasado catártico (Kippur); y el examen de la cuestión de la estatalidad y la utopía (Edén, 2001), un tema que exploró por primera vez en Wadi, de 1981, un docuretrato sobre una remota comunidad de marginados sociales. En la mayoría de estas películas, Gitai ha recurrido a un pequeño grupo de técnicos y colaboradores que, en los últimos años, ha incluido a la guionista Marie-José Sanselme; el productor Laurent Truchot; los directores de fotografía Henri Alekan, Renato Berta y Nurith Aviv; el diseñador de producción Miguel Markin; y los editores de sonido Alex Claude y François Fayard. Actrices y actores como Yaël Abecassis, Yoram Hattab, Uri Ran-Klauzner, Yussuf Abu-Warda y Hanna Lazslo también aparecen con frecuencia en sus largometrajes de ficción, completando una comunidad creativa muy unida y entregada a la visión progresista del director.

Kadosh ·

Michael Atkinson llamó en una ocasión a Gitai "la Nueva Ola israelí en solitario", lo que sin duda refleja la posición única del cineasta como antiguo exiliado con sensibilidades importadas y vanguardistas. Pero la perspectiva de Gitai es única –especialmente en Israel, donde es una figura controvertida– por otra razón: combina un deseo moral-estético de criticar los abusos del poder estatal y de ser testigo de lo que durante mucho tiempo fue una población invisible y sin voz (los palestinos) con un interés permanente por el rico patrimonio cultural de sus compatriotas judíos, cuya propia existencia mundial ha estado marcada por un sufrimiento y un desplazamiento abominables. Su cine consiste en –o más bien insiste– en este paradójico doble gesto.

Rabin, los últimos días · 2015

Algún

Al oeste del Río Jordan ∙ 2017

EXILIOS Y TERRITORIOS:

EL CINE DE AMOS GITAI

Serge Toubiana Presentación del libro Exilios y territorios: El cine de Amos Gitai Semana Internacional de Cine de Valladolid Valladolid, 2004

A partir de Kadosh (1999), la obra de Amos Gitai empezó a ser más conocida y mejor valorada en muchos lugares. Hasta el punto de que, para los medios de comunicación, Gitai se ha convertido, no sólo en la representación visible de todo el cine israelí, sino en una especie de intérprete virtual de los acontecimientos y desgracias que con frecuencia golpean Oriente Medio. Es una situación paradójica, puesto que Gitai se niega, con razón, a asumir la condición incómoda y esterilizadora de “cineasta oficial”. Aunque decididamente comprometido, su cine no aspira a ser el reflejo ideológico o político de una situación histórica conflictiva y muy compleja. Pero sus películas tratan de captar algunas de las claves, reales y simbólicas, en torno a las cuales se ha construido la imagen colectiva que se tiene de esta zona del mundo. Eso aporta valor añadido a una experiencia cinematográfica singular, a la vez solitaria y muy frecuentada. Solitaria, en el sentido de que la posición de Gitai como cineasta vendría a ser la de un vigía o un centinela. Filmar en estado de vigilia supone tener un punto de vista. Y, para él, eso significa contemplar esta región siempre a la distancia adecuada –desde dentro y desde fuera al mismo tiempo– para mantener libremente su mirada crítica. Pero esa experiencia es también muy frecuentada, ya que el mundo entero tiene la vista puesta en esta zona, y cualquier imagen de ella ve multiplicados sus efectos por diez.

Amos Gitai ejerce una especie de vigilancia crítica dentro del propio Israel, su país natal. Y lo hace en su idioma, el hebreo. Los títulos de sus películas suelen contener una palabra en esa lengua materna (“devarim”, “yom yom”, “kadosh”, “kippur”, “kedma”, etcétera), legitimándola ante los demás –dado que hablar su lengua equivale a afirmar su pertenencia al mundo– y permitiéndose valorar o criticar una determinada representación del mundo, en cuanto pueda ser engañosa, negativa e incluso contraria a los intereses de su país. Naturalmente, esa actitud exige cierta valentía. El cine de Gitai sería un intento de captar o registrar –tanto en sus películas de ficción como en las documentales– la sacudida sísmica de la zona. Es un cine que actúa “en caliente” sobre los hechos, en el sentido fuerte de la expresión, aunque dando un rodeo a través de la Memoria, del Libro o de la Historia.

Las primeras características de la obra de Amos Gitai son su fecundidad y su rapidez de ejecución. Nacido en Haifa el 11 de octubre de 1950, ha realizado ya más de cuarenta películas en una veintena de años. Sus obras tienen duraciones muy variadas –hay entre ellas cortos, medios y largometrajes– y han sido realizadas en todos los soportes: Súper 8, 16 y 35 mm, en celuloide o en video, en ocasiones para la televisión y en la mayoría de los casos para el cine. No es raro que Gitai realice varias películas en un mismo año, pasando de la ficción al documental, sin renunciar a ninguno de los dos. Ese sorprendente ritmo tiene su origen en el sistema de producción que ha sabido organizar y ha asegurado su independencia.

Field Diary · 1982

Agav Films, la productora creada con su socio y amigo Laurent Truchot, cuenta con diversas fuentes de financiación, procedentes de varios países, y no sólo de Israel, sino de Europa: Francia, en primer lugar, gracias a Michel Propper, compañero de producción de Gitai desde Kadosh, pero también Italia, Inglaterra o los Países Bajos. Sin esa estructura no podría disfrutar de tanta independencia artística. Aparte de que, si no hubiera tenido el apoyo decisivo de diferentes organismos o instituciones de Israel para emprender sus primeras realizaciones, Gitai jamás habría podido alcanzar la libertad de maniobra de que goza hoy. Y esa libertad –nunca conquistada de manera definitiva, por lo demás– lo protege de todo tipo de presiones, ideológicas o comerciales. Eso le permite tratar ciertos temas que resultan muy poco ortodoxos en Israel, ya se trate de la ocupación de Cisjordania (Yoman sade / Diario de campaña, 1982), del papel que otorga la religión judía ortodoxa a las mujeres (Kadosh), o incluso de las condiciones de la creación del Estado de Israel en 1948 (Kedma). Pero nada de eso convierte tampoco a Amos Gitai en un iconoclasta o un provocador. Como hemos apuntado, su estatus, si lo tiene, es muy diferente: el de vigía o centinela

En ese sistema de producción, la rapidez desempeña un papel primordial. Gitai rueda todas sus películas muy deprisa –en cuatro semanas, pocas veces en más– y con presupuestos muy ajustados. Esta economía de producción exige una perfecta preparación de los

Amos Gitai (der.) en el rodaje de Esther · 1985

rodajes, y reunir a un equipo técnico y artístico competente y fiel a la vez, con el que poder tomar decisiones rápidas en el contexto difícil y tenso de la situación de crisis de Israel. Así, en los títulos de créditos de sus películas se repiten con frecuencia los mismos nombres de técnicos: Renato Berta, su director de fotografía desde Devarim; Kobi Netanel como montador; Shuki Friedman, productor ejecutivo. También Marie-José Sanselme escribe con él los guiones desde Kippur. En cuanto a los intérpretes, aparecen los mismos nombres en todas sus películas: Yaël Abecassis, Yoram Hattab, Meital Barda, Yussef Abu-Warda, Lea Koenig, Jualiano Merr, Liron Levo, Uri Ran Klauzner, Tomer Ruso o Hanna Maron.

Es en ese marco familiar y casi doméstico donde Gitai ha encadenado durante los últimos diez años un gran número de películas, con una cadencia sostenida y regular: en menos de una década –desde su regreso a Israel a mediados de los noventa, después de pasar diez años en Francia–, el cineasta ha dirigido una quincena de películas, la mitad de ficción y la otra mitad documentales. Devarim, realizada en 1995, supuso el regreso a su país y el reencuentro con la luz y la geografía de una ciudad: Tel Aviv. Fue la primera parte de una trilogía sobre ciudades, que se completó con Yom Yom (sobre Haifa) y Kadosh (sobre Mea Shearim, el barrio de los religiosos ortodoxos de Jerusalén). En 2000 filmó Kippur, evocación de la guerra de 1973, en la que estuvo a punto de perder la vida en un accidente de helicóptero, mientras cumplía el servicio militar. Al año siguiente, Eden, basada en una novela de Arthur Miller, y después Kedma en 2002, Alila en 2003 y La tierra prometida en este mismo año 2004. A esos siete títulos de ficción hay que añadir varios documentales, cada uno de los cuales responde a un acontecimiento político de gran importancia.

Aunque a veces le obligue a correr riesgos, esa rapidez de ejecución le permite ensayar, en cambio, una apuesta estética muy ambiciosa, consistente en inscribir imaginariamente el cine como un elemento de resistencia o como un contrapeso simbólico frente a todo el poder mediático que “contamina” esta zona del mundo con imágenes de propaganda, fabricadas para uso exclusivo de los medios de comunicación internacionales. Con los medios de que dispone, Gitai apuesta por el cine como arte de la rapidez, con el único objetivo de ofrecer con libertad una mirada subjetiva sobre una región en la que el cine, precisamente por razones históricas –ideológicas y religiosas–, ha dejado poca huella en la imaginación colectiva.

Los filmes de Gitai juegan con la mitología y la memoria, con las huellas geográficas y los estratos físicos de esa memoria. Este planteamiento físico y arqueológico del espacio tiene su origen en el hecho de que, en su juventud y cuando todavía no se dedicaba al cine, Amos Gitai estudió arquitectura, siguiendo los pasos de su padre, Munio Weinraub Gitai, integrado en el moderno movimiento de la Buahaus antes de instalarse en Palestina en los años 30.

En las primeras películas del cineasta aparecerán rastros de aquel afán inicial de representar el territorio y el espacio mediante objetos imaginarios y juegos de memoria: Bayit, su primer largometraje documental, planteaba la cuestión de la puesta en escena dentro de un espacio concreto, el de una casa de Jerusalén que hasta 1948 había pertenecido a una familia palestina. De entrada, el cine se veía confrontado a su “exterior”, la arquitectura y la arqueología, planteando el espacio como una cuestión de memoria, simbólica y política a la vez. Cabe pensar que esta manera de percibir el territorio constituye en Israel una apuesta política decisiva. Al sondear el espacio de una vivienda (Bayit), después de una metrópolis (la trilogía de las ciudades), luego el de un texto ( Esther, Berlín Jerusálen o Golem: El espíritu del exilio), e incluso el de un hecho o acontecimiento histórico (Kedma), el cine de Amos Gitai invita a descubrir otra memoria, a escuchar otro relato; es decir, a hacer que oigamos otra historia. La fuerza y la capacidad de veracidad de su cine se basan en esta visión polifónica de un territorio que la imagen se esfuerza en delimitar, sondear, explorar, para extraer de él una palabra que tenga valor de testimonio.

Amos Gitai

Fotografía tomada en Cisjordania ∙ ca. 1972 Archivos Amos Gitai ∙ París

Cortesía: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

ESTRENOS

Dioses de México 2022

ROJO PROFUNDO

En el cine italiano existe un género fascinante conocido como giallo Giallo significa amarillo en italiano y hace referencia a las portadas amarillas que caracterizaban a una serie de libros de misterio de bolsillo muy populares en Italia desde 1920. Las películas giallo suelen conservar todos los elementos de la novela policíaca que fueron tan populares en las novelas que las inspiraron, pero también añaden generosas cantidades de terror y thriller psicológico. El resultado de esta combinación de géneros suele ser una pesadilla sangrienta, vívida y operística, a veces ridícula, pero siempre entretenida. Hay varios directores asociados con el giallo, pero ninguno se me ocurre tan fácilmente como el maestro del género, Dario Argento.

Profondo rosso D: Dario Argento. 1975 · 127 min. · Color Italia

En Rojo profundo, Argento parece más interesado en explorar la atmósfera cada vez más onírica e inquietante, a veces a expensas de la coherencia narrativa. Sin embargo, esto no importa cuando el resultado es un ejercicio tan emocionante en el desarrollo de la técnica cinematográfica de un maestro.

Rojo profundo sigue los imprudentes intentos del pianista Marcus Daly y de la periodista Gianna Brezzi de llevar a cabo una investigación amateur sobre una serie de asesinatos perpetrados por un asesino invisible con guantes negros. A medida que la investigación avanza, los cadáveres se acumulan a través de varias secuencias de asesinatos virtuosos que han llevado a Argento a ser comparado con Hitchcock por su hábil ejecución de estas piezas de suspense.

Extractos de un texto de Andy Goulding Blueprintreview sept. 14, 2012

Traducción: Cristina Camacho

Hito del terror, Rojo profundo es una obra maestra a pesar de y, hasta cierto punto, debido a sus ridículos excesos. Horrorosa e hilarante, tensa, apasionante, a veces estomagante y completamente inolvidable, permanecerá con usted tanto si le gusta como si no. Si eres un fanático del terror de calidad, te espera un espectáculo lleno de sangre.

MADERA Y AGUA

El alemán Jonas Bak debuta en la dirección de largometrajes con una obra de ficción atravesada por una determinante carga documental. La película narra el viaje físico y emocional de Anke (interpretada por Anke Bak, madre del cineasta), cuando tras jubilarse decide reunirse con sus dos hijos. El plan es hacerlo en el Báltico, en la casa junto al mar donde solían pasar los veranos, pero allí sólo se encuentra con su hija Theresa (Theresa Bak). Su hijo Max vive en Hong Kong y las protestas en las que está inmersa la región, los recientes movimientos en favor de la democracia, le impiden moverse. Así que su madre decide que la solución es viajar a su encuentro.

El uso del sonido, la planificación reposada que permite que las secuencias respiren con una emoción particular y la mirada documental impregnada en el relato son los elementos sobre los que Bak trabaja en su puesta en escena, mientras que a nivel narrativo, los silencios y la música espectral, que lleva el sello minimalista de Brian Eno, se acoplan con las imágenes que aparecen muchas veces vaciadas de presencias humanas y acaparadas por los paisajes, primero de entornos rurales y en la segunda parte del filme de las calles de la metrópoli inabarcable. Esa dicotomía entre los lugares donde se desarrolla la acción funciona como un contraste simbólico entre dos formas de vida –de la tranquilidad al ruido y la agitación–, pero no altera el ritmo de su protagonista, una mujer que sirve como nexo de unión entre las dos partes a través de la lentitud con la que se mueve y expresa, de cómo deja intuir sus sentimientos sin expresarlos de una forma verbal (ni tampoco gestual) y por la forma en la que se relaciona de forma calmada con los espacios, transmitiendo un sentimiento de soledad en su búsqueda del sentido de la palabra hogar.

Wood and Water D: Jonas Bak. 2021 · 80 min. · Color Alemania-FranciaHong Kong Dist: La Ola.

Fernando Bernal Caimán Cuadernos de Cine dic. 22, 2021 Madrid

RUIDO

D: Natalia Beristáin. 2022 · 104 min. · Color México-Argentina Dist: Netflix.

¿Cuánto ruido tendría que hacer una madre para encontrar a su hija desaparecida? Todo, pero en México, ni el más fuerte de los alaridos sería suficiente. Así lo retrata Ruido, la película dirigida por Natalia Beristáin y protagonizada por Julieta Egurrola, quien trastoca con su espectacular actuación. Julia es una artista plástica que abandona su privilegiada vida para buscar a su hija Ger, quien lleva meses desaparecida. En la odisea, se halla con un exmarido casi paralizado, la incompetencia de un Estado corrupto y coludido, con la latente amenaza del narcotráfico y la trata de personas, con redes de mujeres que le brindarán guía y contención, con la valentía de periodistas y abogadas que luchan desde trincheras casi clandestinas, con las marchas de mujeres que repudian, se enfurecen.

A las personas olvidadas siempre las acompaña la desesperanza, el abuso, el abandono, la impotencia. Precisamente Ruido aborda a todos estos olvidados y lo hace con rigor, sin correcciones políticas. Es la mujer la que destaca como centro del conflicto y la posible solución. Y aunque la historia de Julia transcurre en la ficción, Beristáin acierta con acercarla a colectivos reales, colectivos haciendo el trabajo del Estado. El dolor individual de Julia se vuelve colectivo, se transforma en un dolor acompañado por otras mujeres que viven el mismo calvario.

Extractos de un texto de Diana Vázquez Revista GQ dic. 15, 2022 México

Está también el testimonio de las marchas feministas, y ahí Julia se descubre cada vez menos íntima, más expuesta porque su dolor es de miles y en ese dolor ya no cabe el silencio. Ruido es testimonio, es denuncia, es realidad. Es el México de los nuevos olvidados, de los que viven en el limbo, de familias que transitan entre el infierno y el purgatorio. Ruido es el México de violencias, un país que le llora a sus desaparecidos y también a sus muertos.

TODO SALDRÁ BIEN

Tout s'est bien passé D: François Ozon. 2021 · 113 min. · Color Francia Dist: Supra Cinema.

Emmanuèle Bernheim, escritora y frecuente colaboradora del director François Ozon, es autora del libro autobiográfico Todo salió bien (2012), en el cual refiere la muerte de su padre. Ozon lo adapta cinco años después del fallecimiento de la propia novelista, en una de sus cintas más emotivas, cuyo título en México opta curiosamente por un tiempo futuro. La actriz Sophie Marceau encarna a Emmanuèle, evidente alter ego de la escritora, una mujer que debe ocuparse, junto con su hermana, de la suerte de su padre, un hombre de 85 años semiparalizado por un derrame cerebral, y quien ha tomado la decisión de abreviar su vida solicitando un suicidio asistido en Suiza, dado que en Francia la eutanasia está prohibida.

Lejos de presentar un melodrama familiar con tintes revanchistas, Ozon elige una vertiente narrativa más inteligente y sensible. El entramado de recelos y rencores que persiste en esa familia, acentuado por el silencio hostil de una esposa y madre con depresión crónica y un desdén irreprimible, tiene como contrapeso un humor tan sarcástico y saludable como el que manejan el anciano y su hija mayor en la ceremonia de los adioses, donde el antiguo conflicto de amor y odio procura una salida generosa.

Extractos de un texto de Carlos Bonfil La Jornada nov. 12, 2022 Ciudad de México

Con su destreza habitual, Ozon transita aquí de un thriller dominado por el compás de espera de un suicidio asistido muy complicado, al drama. No se trata de un enfermo terminal, sino de un hombre cansado que reclama el derecho a poner fin a su propio vacío existencial. Además de ser un cineasta comprometido con causas sociales justas, Ozon es también un agudo observador de las contradicciones morales en la conducta de sus personajes. En Todo saldrá bien, señala la insensibilidad jurídica y religiosa que impide a un humano poner fin a un sufrimiento físico o mental insoportable.

ELLA DIJO

El retrato de los cambios culturales contemporáneos suele descolocar al cine. Hay algo en muchos de los intentos de retratar hechos actuales que hace que sufran de una aparente simplificación de los acontecimientos reales. El hecho de que Ella dijo esquive ese obstáculo y relate con aplomo los detalles de la investigación del diario The New York Times sobre la conducta de Harvey Weinstein, es tal vez uno de los mayores logros de una película inscrita a la larga tradición de filmes sobre la labor periodística, al hacer justicia a la historia que está relatando.

She Said D: Maria Schrader. 2022 · 129 min. · Color Estados Unidos Dist: Universal Pictures.

En 2017, el periódico publicó un artículo firmado por las periodistas Jodi Kantor y Megan Twohey en el que se daban detalles de los abusos cometidos por Weinstein a través de los años, y el sistema de protección y mutismo instalado en la industria del entretenimiento que permitía y avalaba su conducta. Una fisura que subyugó y silenció a muchas mujeres. La película dirigida por Maria Schrader pone la mirada en Kantor, Twohey y en las primeras víctimas del productor.

Extractos de un texto de Natalia Trzenko La Nación nov. 24, 2022 Argentina

Sin salir de lo formal en su puesta en escena, la película aporta una gran novedad: el punto de vista de las investigadoras se alinea con el tema en el que trabajan y su género es factor en el relato. El foco puesto en las vidas tanto profesionales como personales de sus protagonistas se equilibra con las historias íntimas de las víctimas retratadas, sin perder de vista que lo que está en juego en la historia es la opresión, intimidación y abuso sistémico a todo un género, una perversa estructura cultural de la que Weinstein era apenas uno de los emergentes. Si el filme logra ese difícil balance es en gran medida gracias a las interpretaciones de todas sus actrices y especialmente las de Zoe Kazan y Carey Mulligan, un dúo a la altura de la historia que Ella dijo consigue contar.

ALCARRÀS

Atrapar el momento, atrapar la emoción, alcanzar la armonía. Así es Alcarràs, una obra realmente portentosa en la que Carla Simón da un paso más allá a la hora de configurar un imaginario propio que parte de lo íntimo para alcanzar un sentimiento universal. Si en Verano 1993 (2017) habló de la muerte, la infancia y el sentimiento de orfandad desde un punto muy íntimo y personal, el de una niña tras el fallecimiento de sus progenitores, en Alcarràs todo el dispositivo se articula a partir del arraigo a un lugar, a una tierra, a una forma de vida que llega a su fin.

D: Carla Simón. 2022 · 120 min. · Color España-Italia Dist: MUBI.

Esto lo hace desde la coralidad, a través del crisol de relaciones entre los miembros de una familia que se enfrenta a la pérdida, al desarraigo y al zarandeo de su propia identidad, de sus raíces y de su herencia, cuando después de toda una vida, tienen que abandonar la tierra que han cultivado para que sus legítimos propietarios la exploten a través de las placas solares. Cada quien gestiona ese desconcierto y vacío de distintas maneras, mientras la cámara los sigue en ese espacio de tiempo que va desde la rabia a la aceptación. Son coreografías internas de una enorme delicadeza expresiva, casi como si fuera una danza mágica entre las distintas generaciones.

Extractos de un texto de Beatriz Martínez

El Periódico de España abr. 29, 2022 Madrid

El paisaje rural se filtra por todos los poros de la película. Los espacios abiertos, el sol del verano, el perfume de la cosecha… La luz natural lo inunda todo porque en Alcarràs no hay artificios, no hay imposturas, solo néctar, esencia, alma. Una épica cotidiana que casi se puede palpar y, sobre todo, sentir. Carla Simón junta riesgo, ambición artística y al mismo tiempo una enorme humildad. Habla del pasado, pero sin romantizarlo, y de cómo el futuro queda en suspenso lleno de incógnitas. Habla de la lucha diaria, de los pesares y de las pequeñas alegrías. Habla de todo.

RÍMINI

El protagonista de la nueva película de Ulrich Seidl resulta un tanto cautivante a pesar de no ser digno de todas las simpatías. Su nombre es Richie Bravo y es un cantante en decadencia que vive de su gloria pasada como intérprete de schlager, un tipo de música romántica en idioma alemán. Su complexión robusta, su cabello largo y grasiento y una voz engolada que utiliza para entonar sus baladas frente a grupos de turistas, así como para seducir a sus fans a quienes complace sexualmente a cambio de dinero, conforman la imagen de un hombre aferrado a un pasado cada vez más lejano, pero con el que todavía tiene deudas pendientes.

D: Ulrich Seidl. 2022 · 114 min. · Color Austria-Francia-Alemania Dist: PIANO.

Como el título lo indica, Rímini está ambientada en la costa adriática italiana famosa por sus playas y su vida nocturna, sin embargo, Seidl se aparta de la atmósfera veraniega para instalar su historia en pleno invierno cuando la neblina cubre todo a su alrededor y la nieve reemplaza a la arena. Este contraste visual ilustra el declive por el que Richie Bravo (interpretado con gran brío por Michael Thomas) va descendiendo y se acelera con la repentina aparición de su hija, quien después de muchos años le reclama su ausencia pidiéndole dinero.

Israel Ruiz

Arreola, “Wachito”

Cineteca Nacional oct. 04, 2022

Ciudad de México

Rímini es la primera parte de un díptico formado junto con la polémica Sparta (2022), películas que cuentan las historias paralelas sobre dos hermanos austriacos en el extranjero y su padre enfermo de demencia viviendo en un asilo en Austria. Mientras Richie Bravo trata de sacar provecho de lo poco que le queda de su vieja fama en Italia, su hermano menor, Ewald, es un pedófilo que intenta construir una nueva vida en Rumania. Con la migración como telón de fondo, Rímini es el primero de estos retratos satíricos de hombres atrapados en su pasado, protagonizado por un patético casanova que le canta al amor sin saber darlo realmente.

Rimini

LA DECISIÓN DE PARTIR

Todo comienza con una muerte (¿un accidente?, ¿un suicidio?, ¿un asesinato?), pero aunque La decisión de partir se nutre del cine policiaco, climas de thriller y estética noir, es, en verdad, una épica historia de amor contada con la elegancia asombrosa de un esteta consumado, de un narrador brillante. Puede que muchos fans de Park Chan-wook sientan que lo que cuenta en 138 minutos es poco, y que a la trama le falta violencia, sexo, sangre, golpes de efecto. En ese sentido, La decisión de partir es una película bastante austera, más de climas y sentimientos que de hechos contundentes.

Heojil kyolshim D: Park Chan-wook. 2022 · 138 min. · Color República de Corea Dist: Diamond Films.

Quien muere tras ¿caer? de una montaña es un poderoso hombre chino aparentemente especialista en ese tipo de escaladas. Y quien se encargará del caso es Hae-joon, el más joven en llegar a ser detective de la comisaría de Busán, siempre bien vestido, impecable, metódico, amable, incorruptible. Pero su universo cambiará para siempre cuando interrogue a la viuda de la víctima, Seo-rae. Ella no muestra demasiados signos de dolor ni remordimiento. Y enseguida surge entre ambos una evidente atracción.

Extractos de un texto de Diego Batlle Otros Cines may. 23, 2022 Cannes

Mientras la investigación avanza con cuestiones tecnológicas, la relación entre ambos también. ¿Hay engaño, ocultamiento y manipulación, hay deseo y obsesión enfermiza o estamos en presencia de un amor puro y verdadero? Más allá de los matices que la película incorpora de a poco, La decisión de partir es en muchos aspectos el filme más sobrio, sutil, contenido y minimalista de la carrera de Chan-wook. Además, incluso en momentos supuestamente tensos y oscuros, aflora un inesperado e inocente sentido del humor. Pero lo cierto es que este heredero directo de Alfred Hitchcock ratifica (una vez más) su maestría para la puesta en escena, para la dirección de intérpretes y para conseguir un final bello, desgarrador y apoteósico.

BIENVENIDOS A BORDO

Rien à foutre

D: Julie Lecoustre y Emmanuel Marre. 2021 · 110 min. · Color

Bélgica-Francia

Dist: Bestiario Films.

Solemos asociar el acto de volar con la libertad, sin embargo, no es posible estar en las nubes todo el tiempo. Esta es la situación por la que atraviesa Cassandre, una azafata de una aerolínea de bajo costo –de esas que cobran hasta los cacahuates– que está tan aferrada a su trabajo que acepta cualquier horario que le ofrezcan sin pensarlo dos veces, y cuyas únicas distracciones son las salidas nocturnas a fiestas y encuentros casuales vía Tinder. La protagonista de Bienvenidos a bordo, primer largometraje de la dupla conformada por los cineastas franceses Emmanuel Marre y Julie Lecoustre, representa un tipo de soledad contemporánea, una que es compartida colectivamente, que se enorgullece de su desapego emocional y que vive a través del filtro aspiracional de las redes sociales.

Israel Ruiz

Arreola, “Wachito”

Cineteca Nacional ag. 12, 2022

Ciudad de México

La actriz Adèle Exarchopoulos es quien dicta el pulso de la película. Su interpretación como la joven azafata se deja sentir con sutileza y naturalismo en un personaje que parece andar todo el tiempo en piloto automático evitando salirse de la ruta de su cotidianidad, hasta que un percance la obliga a aterrizar, volver a casa, reconectar con su familia y enfrentar un episodio doloroso que no había atendido. Marre y Lecoustre ponen especial atención al trabajo y forma de vida de las aeromozas, a quienes se les exige una entrega total al servicio al cliente con una sonrisa tatuada permanentemente en el rostro. Acompañándola en su rutina aérea mientras lidia con todo tipo de pasajeros y compañeros de trabajo, y siguiéndola en sus fugaces encuentros terrestres con otras personas, los cineastas van completando el retrato de una mujer que aparentemente se siente cómoda sin vínculos afectivos duraderos, pero que en realidad necesita hacer una escala en su propia vida antes de continuar volando.

NOS HICIERON NOCHE

Según la leyenda que cuenta doña Romualda, en 1974 el camino de una tonal –especie de alter ego de una persona que al nacer se conecta espiritualmente con un animal– en forma de culebra provocó los aguaceros que inundaron el pueblo de Charco Redondo en la Costa Chica de Oaxaca. Los habitantes se exiliaron, pues el ciclón Dolores arrasó con sembradíos, animales e historias de vida. Luego fundaron la comunidad de San Marcos, donde han vivido por más de cuatro décadas sin ser reconocidos por el gobierno y sin aparecer en los mapas.

La crónica de este pueblo es el eje de Nos hicieron noche , documental dirigido por Antonio Hernández. Pero no es una crónica historiográfica que aborde datos esquemáticos. Al contrario, la historia del sitio se irá diseccionando con la vida cotidiana, ritos y anécdotas que la comunidad cuenta, en especial la familia Salinas Tello, quienes guían el relato. Es distintivo ver la relación entre doña Romualda y su nieto Adonis o las pláticas entre sus hijos Fabián y Plácido, para entender las diversas cosmovisiones que tejen el constructo social de una comunidad como San Marcos.

Ciudad de México

No es un trabajo de cine directo como quizá sí una exploración sensitiva sobre el sentir de un pueblo. Para ello, Hernández se despoja de una visión complaciente en favor de una mirada coral. Poco a poco, las escenas de las calles y casas de San Marcos, el pastoreo o los velorios mutan a un vitral identitario definido por las anécdotas del ciclón, la fiesta patronal y la danza de los diablos, un baile que «habla mucho de la gente negra», en palabras de doña Romualda. Y es aquí donde el documental se hace más cercano. Porque además de ser una crónica, Nos hicieron noche también habla de la negritud, de cómo ha resistido en el tiempo aunque la desaparezcan de los mapas.

D: Antonio Hernández. 2021 · 76 min. · Color México Dist: Mandarina Cine.

Edgar Aldape Morales Cineteca Nacional ag. 10, 2022

EMILY

El drama sensual y ligeramente biográfico de la actriz convertida en escritora y directora Frances O'Connor sobre la autora de Cumbres borrascosas, Emily Brontë, captura la época victoriana con una sensibilidad moderna en la forma en que imagina el comportamiento solitario y los cambios emocionales de la protagonista teniendo en cuenta el trauma, la depresión y otros posibles problemas de salud mental para los que tenemos el lenguaje hoy en día. Los personajes de la película no pueden diagnosticar estas cosas, pero un público contemporáneo detectará los signos que O'Connor introduce astutamente en el papel interpretado por Emma Mackey.

D: Frances O’Connor. 2022 · 130 min. · Color Reino UnidoEstados Unidos Dist: Imagem Films.

Tampoco trata los problemas mentales y emocionales de la escritora como un obstáculo o una plaga desafortunada en su corta vida (murió de tuberculosis a los 30 años). Son sólo facetas de este personaje de sentimientos profundos y aguda crítica que, la película supone, canalizó en Cumbres borrascosas Emily es un retrato sensible y apasionado de la autora. También es el debut en la dirección de O'Connor, que protagonizó Madame Bovary de la BBC, y que, a su vez, realiza una obra de época despojada de la pompa o la majestuosidad típicas del género. La suya es una película más cinética, que opta por la cámara en mano y un montaje que sigue de cerca los ritmos de la feroz interpretación de Mackey.

Extractos de un texto de Radheyan Simonpillai

The Guardian sept. 10, 2022

Toronto

Traducción: Gustavo E. Ramírez Carrasco

Emily es el tipo de historia que imagina antecedentes en la vida de Brontë basándose en elementos de su novela. Utilizar la narrativa ficticia de Cumbres borrascosas como ventana a la escritora es inevitable para cualquier tipo de biografía, ya que se sabe muy poco sobre ella. Se trata de una película sexy. O'Connor encuentra un inmenso placer en los roces incómodos, las miradas robadas y los personajes demasiado vestidos que se arrancan todas las capas que llevan puestas.

BABYLON

Con Babylon, el cineasta Damien Chazelle lanza algo así como un beso envenenado y un pedo a la misma ciudad que describió con tanto entusiasmo en La La Land (2016). Separadas por nueve décadas y un océano de cinismo, parece improbable que las dos películas ambientadas en Tinseltown hayan surgido de la misma cabeza; nunca lo sospecharíamos, si no fuera por la banda sonora del colaborador musical Justin Hurwitz. Aquí, Chazelle retrocede el reloj hasta los estridentes primeros días de Hollywood, en concreto, la transición del cine mudo al sonoro, cuando la industria aún estaba fresca y descubriendo lo que podía llegar a ser.

La película, que reúne a las estrellas de Había una vez en Hollywood (2019), Margot Robbie y Brad Pitt, junto con el recién llegado Diego Calva, sigue a tres personajes drogados y atrapados en el desquiciado carnaval que acabaría definiendo la cultura estadounidense. Babylon parece la última de un cierto tipo de película: épica, extravagante y tan desmesuradamente cara que habría necesitado de los hábitos cinematográficos anteriores a la pandemia para recuperar su costo.

Extractos de un texto de Peter Debruge Variety dic. 16, 2022

Estados Unidos Traducción: Gustavo E. Ramírez Carrasco

Desde la saturnaliana fiesta en una casa del mundo del espectáculo que da el banderazo de salida hasta el montaje desarmantemente cursi con el que culmina esta locura de tres horas, Chazelle exige que veamos el cine de otra manera. Hollywood no era la industria inocente y asexuada que un clásico como Cantando bajo la lluvia (1952) describía con tanto amor. En su libro Hollywood Babylon, Kenneth Anger desvela los secretos de las estrellas de la Edad de Oro. Chazelle toma prestado tanto el título como el núcleo de sabiduría de la truculenta novela de Anger, centrándose en un alarmante fenómeno de finales de los años 20 y principios de los 30 en el que muchos miembros de la industria se quitaron la vida.

D: Damien Chazelle. 2022 · 189 min. · Color Estados Unidos Dist: Paramount Pictures.

LOS CAIFANES

D: Juan Ibáñez. 1967 · 95 min. · Color

PC: Cineteca Nacional.

Israel Ruiz

Arreola, “Wachito”

Cineteca Nacional oct. 12, 2022

Ciudad de México

Los caifanes irrumpieron en la escena cinematográfica nacional de los años 60 con una energía revitalizante que prometía una bocanada de aire fresco para el público mexicano, especialmente el joven, cansado de las convenciones fílmicas de la época y que podía sentirse identificado con esa mítica y delirante odisea nocturna por el Distrito Federal que significó el primer largometraje de Juan Ibáñez. Al momento de su estreno, la crítica se dividió entre quienes celebraron la picaresca urbana y aventuras fellinianas que encarnaban el Capitán Gato, el Estilos, el Azteca y el Mazacote, y entre quienes le reclamaban una falta de realismo social y un exceso de intelectualidad por parte del coguionista Carlos Fuentes. A más de medio siglo de su estreno, podemos decir que aún permanece una sensación de frescura en este innegable clásico. Es verdad que ciertas formas del idioma “totacho” sesentero con el que se comunica el grupo han perdido vigencia, pero no aquella necesidad que tenemos para jugar con el lenguaje y amoldarlo a nuestro gusto. Por otro lado, ese choque de clases sociales que representó el encuentro entre los niños fresas Paloma y Jaime de Landa con el cuarteto de mecánicos albureros, sigue siendo en la realidad una de las fibras más sensibles de nuestra identidad. Los caifanes es una fantasía popular, una de las primeras road movies chilangas con ganas de comerse la ciudad entera, de empacharse con postales extravagantes como las del cabaret donde se desata un desmadre provocado por el Mazacote; la de la funeraria donde le rinden homenaje y al mismo tiempo se burlan de la muerte; o aquella icónica imagen de la Diana Cazadora con brasier.

LA CRUZADA

Una pequeña revolución sacude los cimientos de una familia burguesa parisina. El pequeño Joseph (Joseph Engel) lleva cuatro meses vaciando los armarios y joyeros de sus padres (Laetitia Casta y Louis Garrel) para vender sus pertenencias, sin que estos hubieran reparado en las ausencias durante todo ese tiempo. Ante el pasmo paterno, un flemático Joseph les explica el motivo: miles de niños organizados en células globales, y apremiados por la urgencia de actuar antes de convertirse en adultos que pontifican mucho y hacen poco, están organizando un proyecto gigantesco contra el cambio climático. Proyectan nada menos que la creación de una red fluvial y lacustre en pleno desierto del Sahara. Los argumentos idealistas de Joseph dejan sin palabras a los progenitores. Garrel dirige estas escenas con un estilo pedestre, a base de una cámara en mano. Esto, sumado a la naturalidad con la que se desarrolla la situación, resulta paradójicamente la vía más directa al absurdo. Ayuda, claro está, el sólido guion de Jean-Claude Carriére –el último que completó antes de su muerte–.

Extractos de un texto de Miguel Muñoz Garnica El Antepenúltimo Mohicano jul. 14, 2021 Cannes

A Garrel hay que reconocerle su capacidad para desenvolverse con registros sencillos sin resultar simple, pero también la versatilidad de tonos que despliega. No es nada fácil que una mezcla de comedia ligera y pasquín ecologista, cita de Greta Thunberg incluida, funcione con tanta gracia. Todo, además, concentrado en poco más de una hora y con un memorable plano final de un «espejismo» en el desierto que añade el cine de aventuras al cóctel. Desde su desparpajo adquirido en la comedia liviana, Garrel demuestra con La cruzada algo que deberíamos pedir más a menudo a los cineastas: su capacidad para divertirse (y divertirnos) inventando sin parar salidas para el juego.

La croisade D: Louis Garrel. 2021 · 66 min. · Color Francia Dist: Nueva Era Films.

CORSAGE

La realeza y el pedestal-prisión de la mujer es el tema de esta nueva película de la directora austriaca Marie Kreutzer, que imagina la vida doméstica de la emperatriz Isabel de Austria en 1877, el año de su cumpleaños número 40. Al igual que la María Antonieta de Sofia Coppola y la princesa Diana de Pablo Larraín, la empetriz vive en un lujoso delirio de soledad: teóricamente querida.

D: Marie Kreutzer.

2022 · 115 min. · Color Austria-LuxemburgoAlemania-Francia Dist: Tulip Pictures.

En líneas generales, se trata de una obra históricamente exacta, aunque esto no se aplica al uso de “Help me make it through the night” en la banda sonora ni al encuentro de Isabel con inventos posteriores como el cine y la heroína. Pero Kreutzer ve su melancolía política como parte de la tensión que condujo a la Primera Guerra Mundial.

Vicky Krieps interpreta brillantemente a Isabel como misteriosa y sensual, imperiosa y severa: una mujer de pasiones y descontentos que se enfrenta a la gélida aversión de la corte y de la familia de su infiel marido. Los asistentes y funcionarios vieneses impugnan su lealtad austriaca mientras ridiculizan el físico de Isabel: cada día se enfrenta a la lucha literal y figurada por entrar en su corsé y bajar a unos aterradores 45 centímetros de cintura. Toda la vida de Isabel está velada, y Kreutzer ve su estilo de vestir y su existencia casi como una variación del luto de la corte. Es una figura solitaria, que galopa desatendida por varias fincas europeas.

Extractos de un texto de Peter Bradshaw

The Guardian dic. 20, 2022

Reino Unido Traducción: Cristina Camacho

En muchos sentidos, éste es un estudio sobre la ira, y es un cuadro austero y anguloso. Krieps ofrece una interpretación estimulantemente feroz y poco conciliadora. La última película de Kreutzer, The Ground Beneath My Feet, de 2019, tenía el mismo sentido sagaz de cómo las mujeres están aisladas y restringidas por cualquier estatus que hayan podido cultivar. Para Isabel, lo personal es político.

EL SUPLENTE

La educación se puede concebir de dos maneras: como una transmisión de conocimientos útiles para un futuro profesional o, en su versión más extendida y realmente necesaria, el desarrollo de la capacidad intelectual, moral y afectiva del individuo. Así como la transmisión de las normas de convivencia de las diversas sociedades en las que los seres humanos pueden establecerse. Diego Lerman, el cineasta argentino de Tan de repente [2002], La mirada invisible [2010] o Una especie de familia [2017], se inclina por la última opción.

En su última película, El suplente, Lucio, poeta y escritor, se encarga de la sustitución de un profesor de una escuela de barrio de Buenos Aires. En un suburbio de las afueras de la ciudad que conoce a la perfección porque su padre ha instalado, hace años, un comedor social para los niños y jóvenes del lugar.

Enclavada en el subgénero de “películas de profesores”, Diego Lerman actualiza la ficción de estas historias, añadiendo los conflictos actuales que algunas de estas escuelas e institutos están sufriendo: corrupción política, presencia de narcotraficantes y la intrusión de la droga en los recintos escolares. Sin lanzarse en búsquedas narrativas innovadoras, el cineasta filma la historia con ritmo y honestidad. El espectador recorre con agrado las conocidas etapas que atraviesan el esquema de estas películas: del rechazo de los alumnos al nuevo docente hasta llegar a la comunión entre ellos.

Extractos de un texto de Carlos Loureda Fotogramas sept. 17, 2022 Madrid

El cineasta no olvida salpimentar la narrativa con algunos nuevos sabores para dar más sabor al conjunto. Desde la sorpresa ante la nueva pareja de su antigua pareja o la incapacidad de comunicarse con su hija adolescente frente a su valentía para afrontar a un narcotraficante. El resultado es un filme con un mensaje muy actual y defendible: la necesidad de una educación en valores.

D: Diego Lerman. 2022 · 110 min. · Color Argentina-Italia-FranciaEspaña-México Dist: Pimienta Films.

DIOSES DE MÉXICO

Durante más de nueve años, el cineasta y productor italiano radicado en México Helmut Dosantos se dedicó a viajar por el país para retratar junto a un equipo de diferentes colaboradores, fotógrafos y sonidistas, las profundidades de un territorio culturalmente megadiverso. Dioses de México, el documental resultante de esas incursiones a lo largo y ancho del territorio nacional –más de quince estados, desde Yucatán hasta Sonora– es una impresionante sinfonía de imágenes que lejos de capturar la “identidad” del país o alimentar una ilusoria fantasía de integración cultural, rinden un homenaje a la compleja geometría del campo mexicano.

D: Helmut Dosantos. 2022 · 140 min. · Color y B/N México-Estados Unidos Dist: Fulgura Frango.

Divididas en cuatro capítulos principales que organizan la experiencia sensorial de la película, las imágenes de Dioses de México funcionan como tableaux vivants de personajes y acciones suspendidas en un tiempo espectral: Diablos afromexicanos de la costa de Oaxaca preparándose para la danza; grupos de hombres que extraen piedras de una mina de sal mientras una serpiente multicolor nada entre las salinas; una pareja desnuda que nos mira fijamente desde un baño de temazcal. Todas de estremecedora belleza y registradas en viñetas que se suceden a lo largo de más de dos horas de composiciones difíciles de olvidar; unas tras otras, colocadas sobre el sonido casi táctil de su entorno y que se integra a un diseño sonoro no menos sobrecogedor.

Gustavo E. Ramírez Carrasco Cineteca Nacional ene. 5, 2023 Ciudad de México

No faltará quien relacione esta ópera prima con el llamado cine antropológico, ese “género” del documental tan difícil de delimitar. Y es verdad, su óptica podría coincidir con los intereses indigenistas de la búsqueda etnográfica y su relación con el cine. Pero si Dioses de México fulgura, no es por llevar a cabo un estudio sociocultural del el trasfondo étnico de nuestro país, sino por sumergirse en una travesía plástica de enorme belleza que descubre una multitud de formas y saberes que redimensionan el retrato.

MATINÉ DÍA DE REYES

LILO, LILO, COCODRILO

Lyle, Lyle, Crocodile, Estados Unidos, 2022, 106 min.

D: Josh Gordon y Will Speck.

Basada en el libro infantil del mismo nombre, obra del escritor estadounidense Bernard Waber, Lilo, Lilo, Cocodrilo sigue la historia de un cocodrilo de juguete que vive en el sótano de una familia en Nueva York. A pesar de su apariencia peligrosa, Lilo es un animal muy amigable y juguetón que se convierte rápidamente en el mejor amigo de la familia Primm. Cuando un grupo de ladrones planea robar un valioso tesoro escondido en el sótano de su casa, Lilo debe usar su astucia y valentía para proteger a los suyos.

PINOCHO DE GUILLERMO DEL TORO

Guillermo del Toro's Pinocchio, Estados Unidos, 2022, 114 min.

D: Guillermo del Toro y Mark Gustafson.

Guillermo del Toro reinventa el cuento clásico de Carlo Collidi sobre una marioneta de madera que mágicamente cobra vida para reparar el corazón del afligido carpintero Gepetto. Ambientada en la Italia de los años 30, gobernada por Benito Mussolini, esta película en animación stop motion sigue las aventuras del travieso y desobediente Pinocho en su búsqueda de un lugar en el mundo, a través de un relato que no rehúye de los elementos más oscuros de la historia escrita por el autor italiano.

CON LOS MUPPETS

UNA NAVIDAD

The Muppet Christmas Carol, Estados Unidos-Reino Unido, 1992, 82 min.

D: Brian Henson.

El clásico Cuento de Navidad de Charles Dickens fue reinterpretado por los Muppets en una divertida y tierna película llena de su característico sentido del humor y ocurrentes números musicales. El reconocido actor británico Michael Caine da vida al avaro señor Scrooge, quien recibe la visita de tres espíritus durante la nochebuena y es transportado a su pasado, presente y futuro, en un viaje que le hará replantear su vida y su espíritu navideño.

SECRETARÍA DE CULTURA

Secretaria

ALEJANDRA FRAUSTO GUERRERO

CINETECA NACIONAL

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Director de Difusión y Programación NELSON CARRO RODRÍGUEZ

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Subdirección de Difusión

ALFREDO DEL VALLE MARTÍNEZ

Subdirección de Distribución

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PROGRAMA MENSUAL DE LA CINETECA

Editor

GUSTAVO E. RAMÍREZ CARRASCO

Concepto Gráfico Original GISSELA SAUÑE VALENZUELA

Diseño Editorial TAYDÉ LUNA

EDGAR ALDAPE MORALES

Apoyo Editorial ISRAEL RUIZ ARREOLA

EDGAR ALDAPE MORALES

Colaboraciones

CRISTINA CAMACHO Investigación Iconográfica

PATRICIA TALANCÓN SOLORIO