Programa Mensual julio 2012 by Cineteca Nacional de México

ÍNDICE

Programación julio 2012 ESTRENOS

Elena Érase una vez en Durango El Mocito

06 08 10

CONTINÚAN EN CARTELERA

Algo así como un buen tipo 12 A través del silencio 12 La balada de Genesis y Lady Jaye 13 Carlos 14 Los labios 14 El lenguaje de los machetes 15 Seguir siendo: Café Tacvuba 15 Submarino 16 La vida inagotable 16

CINEMUNDI Harold Lloyd

OBSERVATORIO

Shoah 20

CICLOS

Carlos Fuentes en el cine

función especial

Jornadas de Reapropiación 2012

BANDAS SONORAS Las manos de Orlac

canal β

El origen extraterrestre

PROGRAMAS DOBLES Cassavetes x 2 Hitchcock silente / sonoro La pasión según Wong Kar-wai

24 Letras X SEGUNDO Charlas de julio

CINE DOCUMENTAL Queridísimos verdugos El fondo del aire es rojo El último rock The Kids Are Alright

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CONSEJO NACIONAL PARA LA CULTURA Y LAS ARTES

Presidente Consuelo Sáizar

CINETECA NACIONAL Directora General Paula Astorga Riestra Directora de Difusión y Programación Verónica OrtIz Cisneros Directora de Acervos Dora Moreno Brizuela Subdirector de Programación Nelson Carro Subdirector de Acervos CARLOS ÉDGAR TORRES PÉREZ Subdirectora de Investigación Catherine Bloch Gerschel Subdirector de Documentación RAÚL MIRANDA LÓPEZ Jefe de Programación y Enlace Internacional

Programación sujeta a cambios. Para mayor información consulte www.cinetecanacional.net o llame al teléfono 4155 1190. Las copias de las películas que se exhiben son las de mejor calidad disponibles. Dicha calidad puede variar debido a la diversidad de su procedencia, a su antigüedad y a las capacidades técnicas de las sedes alternas. El Programa Mensual es una publicación gratuita para informar sobre las películas que la Cineteca Nacional exhibe cumpliendo su misión de difundir la cultura fílmica. Durante las obras de remodelación de la Cineteca la exhibición se llevará a cabo en sedes alternas consignadas aquí. Los textos firmados son responsabilidad de su autores. Impresión: Impresora y Encuadernadora Progreso S.A. de C.V. (IEPSA). San Lorenzo 244, colonia Paraje San Juan, México, D.F.

alejandro grande bonilla Jefa de Relaciones Públicas Anelena Rodríguez Cabrera

Portada: Fotograma de la película Elena (Andréi Zviáguintsev, 2011)

Programa Mensual de la Cineteca Coordinador editorial Abel Muñoz Hénonin

EUROPA CINEMAS / MEDIA Mundus

Editor José Luis Ortega Torres Jefe de redacción José Antonio Valdés Peña Diseño editorial Denia Nieto García Diseño de anuncios daniela córdova rojas Colaboradores Jorge Martínez Micher Mauricio Matamoros Durán Gustavo E. Ramírez David israel ramírez garcía Investigación iconográfica Patricia Talancón Solorio

Abreviaturas D: Dirección P: País, año G: Guión F en C: Fotografía en color F en B/N: Fotografía en blanco y negro M: Música E: Edición CP: Compañía(s) productora(s) Prod: Producción Dur: Duración Dist: Distribución PC: Procedencia de copia

ESTRENOS I Elena

Elena Yelena D: Andréi Zviáguintsev. P: Rusia, 2011. G: Oleg Neguin. F en C: Mijaíl Kritschmann. M: Philip Glass. E: Anna Mass. Con: Nadezhda Márkina (Elena), Andréi Smirnov (Vladímir), Yelena Liádova (Katerina), Alekséi Rozin (Serguéi). CP: Non-Stop Prodakshi. Prod: Aleksándr Rodnianski. Dur: 109 min. Dist: Cineteca Nacional.

Asuntos como la crisis económica, la disfuncionalidad de la familia o la diferencia de clases corren por debajo de la trama de Elena. El filme sigue al personaje titular, un ama de casa ya mayor que transita del mundo de riquezas de su esposo al deplorable universo de miseria en el cual su hijo se encuentra encerrado. El director Andréi Zviáguintsev permite que la historia transcurra lentamente para que cuando el clímax llegue el espectador descubra la razón de dicho ritmo. La forma en la cual el cineasta construye cada una de sus escenas es notable; cada una es digna de ser exhibida en los muros de cualquier museo como imágenes fijas que capturan la irónica belleza del triste mundo de la protagonista. Se ha mencionado que el filme era en principio parte de una antología de historias y que usted dejó el proyecto al impacientarse por esperar a los demás participantes. ¿Qué lo llevó a continuar con la cinta ya fuera de la idea original? Estaba yo ansioso por realizarla. Ésta es la clase de preguntas que me parece difícil contestar, pues siento que es complicado definir cómo nacen las ideas. Simplemente brotan dentro de ti y estallan como el calor de la primavera. Nadie sabe de dónde provienen las ideas. Existen, nada más. El filme está hermosamente compuesto en el terreno visual. ¿Cómo planeó la estética de la cinta? Tuve la suerte de contar con productores que me permitieron una larga preparación del proyecto, casi ocho meses. Por preparación me refiero a la definición de cada escena, su colorido, su iluminación. Es poder ver la película en tu cabeza antes de comenzar el rodaje. De esta forma puedes considerar cada uno de los elementos en tu cuadro y realmente saber lo que quieres. La cinta tuvo su estreno mundial en Cannes. ¿Cómo fue la reacción del público? Para saber las reacciones del público hubiera tenido que confrontarlo en algún foro o algo parecido y no hubo nada de eso. No me gusta que las ideas de los espectadores me influyan; la película está terminada y nada más. En Rusia, algunos críticos comentaron que percibían cierta fobia hacia “lo ruso”. Porque siempre hay quienes creen vivir en el país más hermoso del mundo y le cantan alabanzas sin tomar en cuenta la realidad que les rodea.

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Elena I ESTRENOS

¿Hay algún aspecto de la vida en Rusia, particularmente en la ciudad de Moscú en la actualidad, del cual quiso usted comunicar su punto de vista al público internacional? La película no es un documental, sino una concentración de imágenes. Resultaría imposible abordar todos los temas que me preocupan o intentar retratar todos los aspectos de la vida que llevamos en Rusia. Prefiero decir que mi película es un boceto sobre la condición humana. Una de las cosas que me interesaba subrayar es la forma en la cual el dinero cambia a las personas. Esto es especialmente notorio en Rusia, puesto que nunca lo tuvimos anteriormente dadas las circunstancias sociales de la Unión Soviética. Todos contábamos solamente con 120 rublos mensualmente y de pronto, hace 20 años, fuimos arrojados sin preparación alguna a un mundo globalizado, consumista y metalizado. Este cambio nos afectó de una forma inexplicable aún. Siento que Elena no es solamente acerca de Rusia, es sobre la humanidad, es universal. Solamente que en el contexto ruso, es algo sumamente notorio. Fragmento de una entrevista realizada por Gillian Mohney Interview, Nueva York, 17 de mayo de 2012 Trad.: José Antonio Valdés Peña, Cineteca Nacional Sala Molière del IFAL: del 13 al 28 The Movie Company, sala 9: del 13 al 30 Lumiere Reforma: del 13 al 30 Cine Lido: del 13 al 30

CCU Tlatelolco: del 13 al 15, del 20 al 22 y del 27 al 29 Cinépolis Universidad: del 13 al 30 Alianza Francesa: sábado 21, martes 24 y miércoles 25

CINETECA NACIONAL I México

ESTRENOS I Érase una vez en Durango

Érase una vez en Durango D: Juan Antonio de la Riva. P: México, 2010. G: Juan Antonio de la Riva, basado en una historia de Alejandro Parodi. F en C: Arturo de la Rosa. M: Antonio Avitia, Sebastián de la Riva y Mario Adrián Gallardo. E: Óscar Figueroa Jara. Con: Jorge Luke (Antonio Montaño), José Eduardo (Gabriel Nevárez), Lumi Cavazos (la madre), Jorge Galván (don Roque Aguilar), Guillermo Larrea (el padre), Iñaki Goci (Antonio, joven), Valentín Trujillo II (El Silencioso). CP: EUVED S.A. de C.V., En Rodaje Films, Productora Hilo Negro Films, Duck Films, Balero Films, FIDECINE, EFICINE 226, Gobierno del Estado de Durango, H. Ayuntamiento del Municipio de Durango, Universidad Juárez del Estado de Durango. Prod: Juan Antonio de la Riva, Julio César Estrada López, Estrella Medina Escamilla, Gilberto Trujillo y Raúl Trujillo. Dur: 99 min. Dist: Juan Antonio de la Riva.

En la plaza central de Durango solían pasearse las viejas estrellas de un Hollywood que había tomado estas tierras como un set natural, propicio, para filmar algunos de sus westerns clásicos, hasta que el declive del género alejó a esas grandes producciones. Algo del recuerdo por ese cine ya ido, alimenta el nuevo filme de Juan Antonio de la Riva, llamado Érase una vez en Durango. Durango es una zona donde se filmó muchísimo y de pronto cesaron las producciones tanto extranjeras como nacionales. Era un estado cuyos habitantes guardaban una relación especial con el cine... Durango se volvió un escenario para el western norteamericano a partir de 1953 y hay una muy larga historia al respecto. Se filmaron también muchas películas mexicanas y hay

8 I Programa mensual julio

Érase una vez en Durango I ESTRENOS anécdotas muy divertidas, por ejemplo, cuando John Wayne reconstruía un pueblo del viejo oeste, llegaban los de la ANDA el lunes y aprovechando esas locaciones filmaban rápidamente y sacaban la película antes que la hollywoodense. Y el género decayó comercialmente, no tenía ya el mismo impacto. Durango fue perdiendo poco a poco esa presencia como locación y quedó un poco a la deriva. Pero también es motivo para la nostalgia… De pronto las películas se fueron. Nos dejan añorando un Durango que habíamos idealizado. Entonces se acabó un ciclo que no fue fácil de vivir para los aficionados al cine, hubo un sentimiento de pérdida, de relegamiento. Nostalgia por ese cine pero también por la historia propia. Siento que el personaje del niño es una especie de alter ego suyo por su propia relación con el cine familiar… Sí, claro, pero es muy curioso, porque podría pensarse en un alter ego no sólo del personaje infantil, sino también del personaje del viejo. Cuando él habla de que los tiempos han cambiado y que las cosas no son como antes, esa es un poco mi visión de las cosas. Es alguien con quien me identifico profundamente y desde luego con el niño que también se dejó llevar y fascinar por todo el mundo que había conocido a través de las películas. Además, es curioso el hecho de que el argumento no sea mío, sino de Alejandro Parodi, quien lo escribió para ser filmado en el pueblo del oeste de los Estudios Churubusco, que desapareció con la transformación de aquel espacio en el Centro Nacional de las Artes. Después de El Gavilán de la sierra (2001), pasaron varios años para que finalmente me acordara de ese argumento. Hablé con Parodi, adapté todo a un nuevo guión y con su aval finalmente enfrentamos la película. Ese espíritu de nostalgia por un tipo de cine que se está perdiendo, estaba ya en la historia original y al estar ubicada en el back lot de Churubusco, que ya no existe, era natural que tuviera que filmarse en Durango, donde tenemos todavía tres pueblos del oeste. ¿Qué tanto se permitió rescatar las reglas del western y qué tanto esta historia es un melodrama rural que rescata la nostalgia por un género ya ido? Es un dilema notorio en el filme… Al retomar la historia yo no pretendía a hacer un western, aunque hay una premisa básica que es la del maestro y su discípulo. Pero indudablemente que en términos de forma cinematográfica está mucho más cercano al cine que yo he hecho y que es el que me interesa relatar. Desde luego en algún momento la película participa de la posibilidad de hacer escenas de western, porque es un sueño de muchos cinéfilos que fuimos apasionados al género, pero no pierde nunca de vista que no es una película así. Va por otro rumbo, marcando esa íntima tristeza por un mundo que irremediablemente ya ha cambiado. Fragmentos de una entrevista de Sergio Raúl López con el director Cine Toma, número 21, México, marzo-abril 2012 Sala Molière del IFAL: del 20 al 28 Cine Lido: del 20 al 27

CCU Tlatelolco: del 13 al 15 y del 20 al 22 Biblioteca Vasconcelos: sábado 21 y miércoles 25

CINETECA NACIONAL I México

ESTRENOS I El mocito

El mocito D y G: Marcela Said y Jean de Certeau. P: Chile, 2010. F en C: Arnaldo Rodríguez. M: Jorge Arriagada. E: Jean de Certeau. CP: Icalma Films. Prod: Marcela Said. Dur: 70 min. Dist: Cineteca Nacional.

"Yo soy el tipo más honesto que pisa la Tierra aunque tú no lo creas. Aunque fui partícipe involuntariamente de secuestros y asesinatos y de todo el atao… Yo los vi, pero nada más. No podrías tú acusarme a mí de asesino… ¿sí o no?" Con esas palabras de Jorgelino Vergara que abren El mocito, Marcela Said y Jean de Certeau establecen el marco conceptual y ético de lo que presenciaremos a continuación. Más parece una arenga autoafirmativa que una pregunta, pero los realizadores al montarla en el inicio del documental la redirigen hacia los espectadores para que en el transcurso de la película vayan tomando una posición y encuentren una respuesta. ¿Se puede presenciar desapariciones, homicidios y torturas y no asumir ninguna responsabilidad sobre esos hechos? Jorgelino Vergara tras ser asistente personal de Manuel Contreras, jefe de la Dirección Nacional de Inteligencia (DINA) en el comienzo de la dictadura de Pinochet, fue trasladado a un cuartel de este departamento para trabajar como junior y luego deambuló por los centros de tortura de la CNI cumpliendo labores similares. Según su propio testimonio, su tarea era básicamente dar comida a los prisioneros, servir café a los torturadores o eventualmente cooperar trasladando algún cadáver desde su celda al maletero de un automóvil, como fue el caso del detenido desaparecido Víctor Díaz López, subsecretario

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El mocito I ESTRENOS

general del Partido Comunista y dirigente de la CUT. Si bien es cierto que su actividad no tenía relación directa y material con esos delitos, su presencia excedía con mucho lo que podríamos considerar la participación de un simple testigo. Vergara era un colaborador menor, un funcionario civil de baja graduación que seguramente recibía un sueldo por su trabajo, pero no estaba completamente desligado de lo que allí sucedía. Que sus acciones posteriores –entregando información clave que permitió identificar a 74 agentes de la DINA– de alguna manera enmienden su actuación, no lo exculpa ni lo redime totalmente. Por eso resulta tan impresionante cuando Vergara se reúne con Nelson Caucoto, un emblemático abogado de derechos humanos, para conseguir una indemnización estatal como víctima de la dictadura. El largo plano fijo de la entrevista con Caucoto, en una oficina donde hay una ruma de expedientes a su espalda (presumiblemente de casos de atropellos a los derechos humanos), atendiendo desde su escritorio a Vergara, es tan feroz e insólito, que pone alerta sobre la verdadera naturaleza del personaje. No se trata de un tipo que esté arrepentido de los hechos violentos en que le tocó participar de manera "involuntaria", sino que incluso quiere sacar provecho de esa supuesta inocencia. Aunque patológicamente él pueda considerarse a sí mismo de verdad una víctima, lo que la escena expone es la curva moral de un oportunista. De un modo relativamente imperceptible, Vergara va modificando su aspecto: con bigote, sin bigote, con lentes, sin lentes, con boina, con sombrero alón, etc. Pero justamente, esa conducta camaleónica (que no busca ni la aprobación ni conmiseración del resto sino simplemente evadirse), es su marca de identidad. Vergara tiene como único propósito su propio beneficio. Puede ser un paria, pero al mismo tiempo su falta de arrepentimiento lo convierte en un tipo arrogante y egocéntrico. En ese sentido, el nombre del documental alude a un sujeto permanentemente menospreciado, pero que ahora con falsa humildad busca su protagonismo. Fragmentos de un texto de Jorge Morales Mabuse (www.mabuse.cl), Santiago de Chile, 24 de noviembre de 2011 Sala Molière del IFAL: viernes 27 y sábado 28 Cine Lido: del 27 al 30 Lumiere Reforma: del 27 al 30

The Movie Company, sala 5: del 27 al 30 CCU Tlatelolco: del 27 al 29 Cinépolis Universidad: del 27 al 30

CINETECA NACIONAL I México

CONTINúAN EN CARTELERA

Algo así como un buen tipo En ganske snill mann D: Hans Petter Moland. P: Noruega, 2010. G: Kim Fupz Aakeson. F en C: Philip Øgaard. M: Halfdan E. E: Jens Christian Fodstad. Con: Stellan Skarsgård (Ulrik), Bjørn Floberg (Rune Jensen), Gard B. Eidsvold (Rolf), Jorunn Kjellsby (Karen Margrethe), Bjørn Sundquist (Sven), Jon Øigarden (Kristian), Kjersti Holmen (Wenche). CP: Paradox Produksjon. Prod: Finn Gjerdrum, Stein B. Kvae. Dur: 105 min. Dist: Cineteca Nacional.

Es difícil envejecer con dignidad, incluso para los criminales. Ulrik ha pasado doce años en prisión por un asesinato. Ahora tiene 50 años de edad y está libre, sin futuro, sin hogar, sin trabajo y con una familia que no quiere saber nada de él. Su exjefe delincuente le consigue un trabajo como mecánico y un lugar donde vivir. Ahora tiene una oportunidad de comenzar de nuevo, con la ayuda de todos. Sin embargo, Ulrik aún tiene cuentas pendientes con el hombre que lo llevó a prisión. Lumiere Reforma: del 3 al 26 The Movie Company, sala 5: del 3 al 30 Cinépolis Universidad: del 1º al 26

Alianza Francesa: martes 3, miércoles 4, sábado 7, martes 10 y miércoles 11 CCU Tlatelolco: míercoles 4, sábado 7 y miércoles 11

A través del silencio D: Marcel Sisniega. P: México, 2010. G: Marcel Sisniega, inspirado en una novela de Javier Sicilia. F en C: Jorge Z. López. M: Zbigniew Paleta. Con: Gonzalo Vega (Lorenzo), Erando González (Bulmaro Cuevas), Lisa Owen (Sonia), Mariana Gajá (Leonor), Martín Zapata (Simeón), Tomás Rojas (Iliasi), Harold Torres (Jacinto). CP: Sisniega Films, FIDECINE. Prod: Patricia Loyo y Moisés Cosío. Dur: 121 min.

En un pueblo de Veracruz, azotados por el mal tiempo, siete hombres y mujeres emprenden caminos que trastocarán sus vidas. Un creyente bien intencionado se deja tentar por una joven viuda; un presidente municipal sucumbe a la codicia; una mujer madura adopta a una niña quemada; una doctora rompe con el pasado que blinda su corazón. Todas estas pasiones se anudan en un afán por dotar de sentido a sus existencias. Centro Cultural España: sábado 28

12 I Programa mensual julio

CONTINúAN EN CARTELERA

La balada de Genesis y Lady Jaye The Ballad of Genesis and Lady Jaye D, F en C y E: Marie Losier. P: Estados Unidos, 2011. M: Bryin Dall. Testimonios: Genesis Breyer P-Orridge, Lady Jaye Breyer P-Orridge, Big Boy Breyer P-Orridge, Bryin Dall, Tony Conrad, Gibby Haynes, Clayde Magid, Edley Odowd, David Max, Markus Persson, Caresse P-Orridge Balpazari, Genesse P-Orridge, Lili Chopra, Peaches. Prod: Steve Holmgren, Marie Losier. Dur: 73 min. Dist: Cineteca Nacional.

Marie Losier, cuyos aclamados cortometrajes incluyen retratos de artistas underground, conoció a Genesis P-Orridge en 2003 y fue invitada por él y su esposa Lady Jaye para documentar su proyecto Pandrogyne. Filmado en el curso de siete años, este largometraje incorpora imágenes de archivo, películas caseras y secuencias llenas de fantasía para producir un filme que es a la vez una biografía artística, un romance como ningún otro, y un crie de cœur por la idea de que se puede ser lo que uno desee. The Movie Company, sala 7: del 1º al 30

CINETECA NACIONAL I México

CONTINúAN EN CARTELERA

Carlos D: Olivier Assayas. P: Francia-Alemania, 2010. G: Olivier Assayas y Dan Frank. F en C: Yorick Le Saux y Denis Lenoir. E: Luc Barnier y Marion Monnier. Con: Édgar Ramírez (Ilich Ramírez Sánchez, “Carlos”), Nora von Waldstätten (Magdalena Kopp), Alexander Scheer (Johannes Weinrich), Alejandro Arroyo (doctor Valentín Hernández), Juana Acosta (amiga de Carlos), Fadi Abi Samra (Michel Mourkharbel), Susanne Wuest (Edith Heller). CP: Films en Stock, Egoli Tossell Film, Canal+, Arte France. Prod: Frank Lehmann y Jens Meurer. Dur: 140 min. Dist: Cineteca Nacional.

El venezolano Ilich Ramírez Sánchez, conocido como Carlos, "El Chacal", fue un personaje clave en la historia del terrorismo de los años 70. El cineasta francés Olivier Assayas lo convierte en el personaje principal de esta superproducción, concebida originalmente como una miniserie televisiva, que reflexiona sobre los ideales traicionados, el radicalismo político y sus consecuencias en el individuo y la sociedad. Lumiere Reforma: del 3 al 12 The Movie Company, sala 9: del 3 al 30

Cinépolis Universidad: del 3 al 12 Sala Molière del IFAL: del 3 al 12

Los labios D: Santiago Loza e Iván Fund. P: Argentina, 2010. G: Santiago Loza e Iván Fund. F en C: María Laura Collasso. E: Lorena Moriconi. Con: Eva Bianco, Victoria Raposo, Adela Sánchez y Raúl Lagge. Prod: Iván Eibuszyc, Iván Fund y Santiago Loza. Dur: 100 min.

Tres trabajadoras sociales viajan hacia un olvidado paraje de la provincia argentina para atender las necesidades de una comunidad, teniendo como base un hospital abandonado. Filmada como si de un documental se tratara, la cinta es una oportunidad para sus creadores de criticar duramente las políticas sociales de su país en cuanto al combate a la pobreza se refiere, mientras descubren, entre el fango y la miseria, las muchas voces de aquellos que nunca han tenido la oportunidad de expresarse. The Movie Company, sala 7: del 1º al 30

14 I Programa mensual julio

CONTINúAN EN CARTELERA

El lenguaje de los machetes D y G: Kyzza Terrazas. P: México, 2011. F en C: Christian Rivera. M: Jessy Bulbo. E: Yibrán Asuad y Miguel Musálem. Con: Andrés Almeida (Ray), Jessy Bulbo (Ramona), Flor Eduarda Gurrola (Disneylandia). CP: Mr. Who, FOPROCINE. Prod: Rafael Ley, Gael García Bernal, Diego Luna y Gerardo Naranjo. Dur: 77 min. Dist: Interior 13 Cine.

Ray y Ramona son una pareja de treintañeros inconformes con la injusticia de su contexto social. Cada uno desde su propia trinchera –para ella la música y para él el activismo– se empeñan en luchar por un entorno más justo. Entregado al autosabotaje, Ray fracasa en su rebeldía y arrastra a Ramona en una espiral descendente que culminará con un acto radical de poesía y terrorismo. Opera prima de Kyzza Terrazas, estrenada en la Muestra de Arte Cinematográfico de Venecia en 2011. CCU Tlatelolco: del 6 al 8 Sala Molière del IFAL: del 13 al 19 Cine Lido: del 13 al 18 y del 28 al 30

Biblioteca Vasconcelos: sábado 14 y miércoles 18 Alianza Francesa: sábado 14, martes 17 y miércoles 18

Seguir siendo: Café Tacvba D y G: Ernesto Contreras y José Manuel Cravioto. P: México, 2010. F en C: Tonatiuh Martínez. M: Café Tacvba. E: Ernesto Contreras, José Manuel Cravioto, Pedro Jiménez y Gabriel Mariño. Testimonios: Enrique Rangel Arroyo, Emmanuel del Real Díaz, José Alfredo Rangel Arroyo y Rubén Albarrán. CP: Agencia SHA, FOPROCINE. Prod: Luis Albores, Juan de Dios Balbi, Ernesto Contreras y José Manuel Cravioto. Dur: 80 min. Dist: Canana

Este documental es un retrato al interior del grupo Café Tacvba de gira por Japón. José Manuel Cravioto y Ernesto Contreras filmaron 600 horas de material durante un año y ocho meses de manera ininterrumpida. El resultado es una historia narrada desde los aviones, camiones, hoteles y camerinos en los que poco a poco se va descubriendo el proceso creativo que une al grupo, además de la amistad, los problemas, las frustraciones y su deseo de seguir siendo la banda de rock más importante de México. CCU Tlatelolco: del 6 al 8 Centro Cultural España: sábado 14 Sala Molière del IFAL: del 17 al 19

Alianza Francesa: sábado 28 Biblioteca Vasconcelos: sábado 28

CINETECA NACIONAL I México

CONTINúAN EN CARTELERA

Submarino D: Thomas Vinterberg. P: Dinamarca–Suecia, 2010. G: Tobias Lindholm y Thomas Vinterberg, basados en la novela de Jonas T. Bengtsson. F en C: Charlotte Bruus Christensen. M: Kristina Eidnes Andersen. E: Valdís Óskarsdóttir y Andri Steinn. Con: Jakob Cedergren (Nick Torp), Gustav Fischer Kjaerulff (Martin Torp), Patricia Schumann (Sofie), Helene Reingaard Neumann (Mona), Peter Palugborg (hermano menor). CP: Nimbus Film Productions. Prod: Morten Kaufmann. Dur: 100 min. Dist: Cineteca Nacional.

Pionero del movimiento Dogma ’95, Thomas Vinterberg regresa al territorio del melodrama familiar, abordado por él en Festen, para narrar la historia de dos hermanos marcados desde su infancia por un entorno de violencia y marginación. El resultado es una sobria reflexión sobre los efectos del desamor y la culpa en la vida adulta, magistralmente interpretada por sus actores protagónicos. The Movie Company, sala 5: del 3 al 26

La vida inagotable Sayabkuxtal D, G y E: Érika Araujo. P: México, 2010. F en C: Robert Rodríguez, Omar Ramírez, Michael Segura y Alejandro Elizondo. M: Humberto Álvarez y Luis Lozano. Narradores: Ciro di Constanzo y Miriam Uitz May. CP: Kalafilmes. Dur: 50 min.

Ganadora del premio a la mejor fotografía en el Festival de Cine de Estrasburgo, Francia, y elegida como una de las diez mejores películas mexicanas en el festival Cinema Planeta, La vida inagotable nos lleva a través de un recorrido por el mundo actual de los mayas, uno de los grupos étnicos más numerosos de México. El documental fue realizado con el apoyo del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) y la Secretaría de Medio Ambiente y Recursos Naturales (SEMARNAT). Centro Cultural España: sábado 21

16 I Programa mensual julio

Cinemundi I Estados Unidos

HAROLD LLOYD Nació en una aldea de Nebraska en 1893 y su primer empleo como actor fue con la Edison Film Company. Años después, en los estudios Universal, Lloyd conoció al productor Hal Roach, cuya visión llevó al perfeccionamiento del personaje. El hombre mosca (1923) resultó su mayor logro cinematográfico y financiero, dejando la imagen del comediante, colgando peligrosamente de las manecillas del reloj de un rascacielos en la memoria cinéfila del mundo entero. En 1927, el cine comenzó a hablar. Lloyd tuvo que adaptar su estilo de comedia al nuevo ritmo que la innovación tecnológica impuso al medio. Sin igualar el éxito de su etapa silente, y tras participar en 200 películas, filmó su última película en 1947, año de su retiro. Dueño de su propia obra, el comediante guardó celosamente su legado fílmico, sintiéndose eclipsado por los logros de otros colegas. Fue hasta después de su muerte, en 1971, que su obra volvió a ser mundialmente difundida, para enfrentarse a nuevas generaciones de cinéfilos. Harold Lloyd hizo de un hombre común en apariencia un héroe cómico, personaje de enorme flexibilidad dramática, capaz de sortear cualquier peligro en nombre del honor y la justicia, con el optimismo guiando siempre sus acciones. José Antonio Valdés Peña Cineteca Nacional

El novato The Freshman D: Fred Newmeyer y Sam Taylor. P: Estados Unidos, 1925. G: John Grey, Sam Taylor, Tim Whelan y Ted Wilde. F en B/N: Walter Lundin. M: Robert Israel (versión de 2004). E: Allen McNeil. Con: Harold Lloyd (el novato), Jobyna Ralston (Peggy), Brooks Benedict (el colegial), James Anderson (el héroe), Hazel Keener (la bella), Joseph Harrington (el sastre), Pat Harmon (entrenador de futbol americano). CP: The Harold Lloyd Corporation. Prod: Harold Lloyd. Dur: 76 minutos.

La emoción de un joven por entrar a la universidad, se convierte en pesadilla cuando se convierte en el centro de las burlas del campus. El novato buscará la forma de ganarse la admiración de sus compañeros, formando parte del equipo de americano del colegio. El espíritu de triunfo del personaje creado por Lloyd alcanza en este largometraje algunos de sus momentos más célebres, particularmente en el emocionante clímax del filme, cuando las habilidades deportivas del protagonista afloran. Museo de Arte Carrillo Gil: domingo 8 Centro Cultural del Bosque: viernes 20 Sala Luis Buñuel del CCC: domingo 22

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Estados Unidos I Cinemundi

El hombre mosca Safety Last! D: Fred Newmeyer y Sam Taylor. P: Estados Unidos, 1923. G: Tim Whelan, Sam Taylor, H.M. Walker y Jean C. Havez. F en B/N: Walter Lundin. E: T.J. Crizer. Con: Harold Lloyd (el muchacho), Mildred Davis (la chica), Bill Strother (el amigo), Noah Young (policía), Westcott Clarke (señor Stubbs), Mickey Daniels (niño voceador). CP: Hal Roach Studios Inc. Prod: Hal Roach. Dur: 74 minutos.

En El hombre mosca, Lloyd interpreta a un ingenuo provinciano en busca de fortuna en la gran ciudad. Para atraer más clientes al almacén donde trabaja, el protagonista se ofrece a trepar por las paredes del edificio hasta la cima; sin embargo, las cosas no serán tan sencillas como él piensa. La imagen del comediante colgando peligrosamente de las manecillas de un reloj a gran altura se volvió clásica en el cine mundial. Centro Cultural del Bosque: viernes 13 Sala Luis Buñuel del CCC: domingo 15 Biblioteca Vasconcelos: domingo 22 Museo de Arte Carrillo Gil: domingo 29

Relámpago Speedy D: Ted Wilde. P: Estados Unidos, 1928. G: John Grey, Jay Howe, Lex Neal y Howard Emmett Rogers. F en B/N: Walter Lundin. E: Carl Himm. Con: Harold Lloyd (Harold Swift “Speedy”), Ann Christy (Jane Dillon), Bert Woodruff (abuelo), Babe Ruth (Babe), Bryon Douglas (W.S. Wilton), Brooks Benedict (Steve Carter). CP: The Harold Lloyd Corporation. Prod: Harold Lloyd. Dur: 86 minutos.

Un anciano tranviario ve amenazado su empleo ante la aparición de modernos trenes eléctricos en Nueva York. Su futuro yerno, un taxista, recobrará el tranvía del viejo para reinstalarlo en su ruta. Para los fanáticos del beisbol, en este filme hace una breve aparición el legendario Babe Ruth como un pasajero del taxi, tratando de llegar a tiempo al estadio de los Yankees. Biblioteca Vasconcelos: domingo 8 y domingo 29 Museo de Arte Carrillo Gil: domingo 15 Centro Cultural del Bosque: viernes 27 Sala Luis Buñuel del CCC: domingo 29

Cinemanía Movie Crazy D: Clyde Bruckman y Harold Lloyd. P: Estados Unidos, 1932. G: Vincent Lawrence, basado en un argumento de Agnes Christine Johnson, John Grey y Felix Adler. F en B/N: Walter Lundin. M: Alfred Newman. E: Bernard Burton. Con: Harold Lloyd (Harold Hall), Constance Cummings (Mary Sears), Kenneth Thomson (Vance), Louise Closser Hale (señora Kitterman), Spencer Charters (J.L. O’Brien), Robert McWade (Wesley Kitterman, productor). CP: The Harold Lloyd Corporation. Prod: Harold Lloyd. Dur: 96 minutos.

Un torpe pueblerino desea ingresar al mundo del cine sin importarle sus escasas habilidades actorales. Sus deseos se cumplirán cuando, por error, sea llamado a Hollywood para una audición. Primer largometraje sonoro de Lloyd, estrenado en los peores momentos de la Gran Depresión económica experimentada por los Estados Unidos a partir de 1929. Centro Cultural del Bosque: viernes 6 Sala Luis Buñuel del CCC: domingo 8 Biblioteca Vasconcelos: domingo 15 Museo de Arte Carrillo Gil: domingo 22

CINETECA NACIONAL I México

OBSERVATORIO I Shoah

Shoah D y G: Claude Lanzmann. P: Francia, 1976-85. F en C: Dominique Chapuis, Jimmy Glasberg, William Lubtchansky y Phil Gries. E: Ziva Postek y Anna Ruiz. Testimonios: Franz Suchomel, Simon Srebnik, Michaël Podchlebnik, Raul Hilberg, Abraham Bomba, Jan Karski, Simha Rotem. CP: Les Films Aleph, Historia, Ministère de la Culture de la Republique Française. Prod: Séverine Olivier-Lacamp, Stella Gregozz-Quef y Claude Lanzmann. Dur: 550 min. PC: Goethe Institut Mexiko.

20 I Programa mensual julio

Shoah I OBSERVATORIO Monumental película que excede las nueve horas de duración y en la que se invirtieron años de trabajo, Shoah es una reconstrucción de lo que fue el exterminio nazi de los judíos a través de las voces de diversos supervivientes, de uno y otro bando. A lo largo de una serie de entrevistas salen a la luz las experiencias, los recuerdos y las vivencias de quienes vivieron ese periodo único de la historia. Los primeros planos de los supervivientes se van fundiendo, según explican sus recuerdos, con imágenes de los diversos lugares del desastre en el momento en que se rodó la película. Paisajes cargados de subjetividad, como los campos de Auschwitz, de Treblinka o de Bełżec, mostrados en ruinas, acordes a los recuerdos que los supervivientes quieren borrar de su memoria, sin conseguirlo. Claude Lanzmann, escritor y periodista parisino nacido en 1925, decidió, en los años 70, volcar sus inquietudes en el cine, y se embarcó en la realización de esta película a la que siempre se ha negado la catalogación de documental. Condecorado como miembro de la Resistencia durante la Segunda Guerra Mundial, Lanzmann decidió mantener la historia viva en un documento realmente singular y atroz. La experiencia propia de Lanzmann le impide ser objetivo y mucho menos imparcial. Lanzmann remueve, con sus entrevistas, los recuerdos, provoca a los entrevistados para que ejerciten su memoria, y hasta se inmiscuye en los pasajes que no quedan claros. La película se divide en dos etapas. La primera empieza con los recuerdos de Simon Srebnik, un superviviente que por entonces tenía 13 años de edad y al que los nazis utilizaban para que les cantara canciones en la región polaca de Chełmno. Más de treinta años después, Srebnik vuelve a Chełmno y comprueba que la antigua fábrica de muerte compuesta por dos gigantescos hornos crematorios ha desaparecido por completo. La película va entonces buscando a protagonistas anónimos, supervivientes judíos que dan gracias a Dios por olvidar lo que vivieron (el caso de Michaël Podchlebnik, que tuvo que enterrar los cuerpos gaseados de su mujer e hijos), e incluso a colectividades, como los miembros de la localidad de Grabow, que demuestran sus sentimientos antisemitas al afirmar que “los judíos eran los que tenían el capital”. La segunda etapa de Shoah se centra, una vez realizado el contexto y asumido por una enorme cantidad de voces la existencia de los campos de exterminio, en el funcionamiento por dentro de estas fábricas de aniquilación, para concluir con la descripción de la vida en el gueto de Varsovia. La cámara de Lanzmann intenta situarnos y ponernos en la piel de las víctimas. El plano largo, cámara en mano, de la entrada a Auschwitz es una buena muestra del horror que, aún hoy despierta, la visión de la macabra puerta. Documento pesimista pero que busca la construcción de una memoria viva para evitar la repetición de la catástrofe, Shoah (vocablo hebreo con el que se designa al Holocausto) no se trata de un documental al uso con imágenes de archivo, sino un crisol de voces perfectamente ordenado que trata de explicar la crueldad inexplicable.

Fragmentos de un texto de Manuel De La Fuente Efe Eme (www.efeeme.com), Valencia, 13 de noviembre de 2011 Museo de Arte Carrillo Gil: sábados de julio

CINETECA NACIONAL I México

CICLOS I Carlos Fuentes en el cine

CARLOS FUENTES EN EL CINE

Si algo emocionaba a Carlos Fuentes era el cine. Lo pudimos comprobar una noche en la cual él y Carlos Monsiváis, otro cinéfilo irredento, conversaron sobre sus películas favoritas en la Cineteca Nacional en un encuentro muy especial llevado a cabo con motivo de los 80 años del autor de La región más transparente. La aparición de Fuentes como escritor para el cine mexicano se da en una coyuntura muy particular, cuando nuestra industria fílmica pedía a gritos un relevo generacional. Productores como Manuel Barbachano Ponce buscaban en sus filmes encontrar el justo medio entre una propuesta comercial y una calidad indiscutible. Sólo así se explica que Carlos Fuentes y un colega colombiano radicado en México, Gabriel García Márquez, hicieran mancuerna con Roberto Gavaldón, uno de los más importantes realizadores del cine mexicano clásico, para llevar a la pantalla un argumento de Juan Rulfo, El gallo de oro. Filmada en 1964, la cinta es considerada como la última gran producción de “aliento” realizada por el cine industrial de la época. Los caminos de Fuentes y Rulfo se cruzarán en al

22 I Programa mensual julio

Carlos Fuentes en el cine I CICLOS menos dos ocasiones más: Pedro Páramo y ¿No oyes ladrar los perros? Ambas interesantes aproximaciones de un maestro de las letras al universo rulfiano, habitado por fantasmas, violencia, injusticia social y tragedia, en las cuales Fuentes supo transformar lo poético en imagen concreta. En el segundo caso, incluso, lo que en las letras son los últimos momentos entre un hijo irresponsable y su padre rencoroso se transforman en una reflexión sobre la situación de los indígenas mexicanos ante un urbanismo que los devora. Es en la década de los sesenta cuando Fuentes participa en ese ejercicio de renovación industrial del cine mexicano, que fue el I Concurso de Cine Experimental efectuado en 1964. En la antología Amor, amor, amor (que se partirá en otro largometraje, Los bienamados), el escritor colaboró con el argumento de dos cortometrajes, Un alma pura y Las dos Elenas. Dos relatos influenciados por lo que podía verse en el cine europeo de la época (la nouvelle vague, el neorrealismo, el jazz…) en los cuales sus personajes trataban de escapar al yugo de la moral conservadora que les impedía experimentar los placeres de lo prohibido. La mancuerna artística de Fuentes con el cineasta y director teatral Juan Ibáñez alcanza su mayor punto con Los Caifanes, película parteaguas en la cual no sólo se dio a conocer una nueva generación de actores y un nuevo estilo de pensar el cine, sino que el viejo conflicto entre pícaros y señores dio paso a una exploración de lo insólito escondido tras lo urbano, lo misterioso oculto bajo el halo de lo popular, la posibilidad de vivir una vida sin límites. Cada uno de los barrocos diálogos de los personajes del filme, capaces de alternar el caló del barrio con frases extraídas de Santa Teresa u Octavio Paz, son una delicia para el oído. Su pasión siguió hasta el fin e incluso Fuentes fue también un notable crítico de cine. La vida de Carlos Fuentes se extinguió el 15 de mayo de 2012. Esta revisión de su paso por el cine pretende mantener viva la pasión que sintió por el cine; sin duda, su oscuro objeto del deseo. José Antonio Valdés Peña Cineteca Nacional

El gallo de oro D: Roberto Gavaldón. P: México, 1964. G: Carlos Fuentes, Gabriel García Márquez y Roberto Gavaldón, basados en un argumento de Juan Rulfo. F en C: Gabriel Figueroa. M: Jesús Zarzosa y Rubén Fuentes. E: Gloria Schoemann. Con: Ignacio López Tarso (Dionisio Pinzón), Lucha Villa (Bernarda Cutiño, “La Caponera”), Narciso Busquets (Lorenzo Benavides). CP: CLASA Films Mundiales. Prod: Manuel Barbachano Ponce. Dur: 103 min. PC: PTI Films.

Un gritón de pueblo encuentra la fortuna en los palenques gracias a un gallo dorado al cual le salvó la vida. Sin embargo, su suerte se pondrá en jaque al toparse en su camino con un apostador y su amante, una altiva cantante. Dos de los máximos exponentes del boom latinoamericano convirtieron en imágenes el universo rulfiano en una película pletórica en folklor y el sino trágico característico de la obra de Gavaldón. Sala Molière del IFAL: lunes 3 Centro Cultural España: sábado 7 Cine Lido: viernes 13 CCU Tlatelolco: viernes 13

CINETECA NACIONAL I México

CICLOS I Carlos Fuentes en el cine

Los bienamados D: Juan José Gurrola (Tajimara) y Juan Ibáñez (Un alma pura). P: México, 1964. G: Juan José Gurrola y Juan García Ponce (Tajimara); Juan Ibáñez y Carlos Fuentes (Un alma pura). F en B/N: Antonio Reynoso (Tajimara) y Gabriel Figueroa (Un alma pura). M: Manuel Enríquez (Tajimara) y Joaquín Gutiérrez Heras (Un alma pura). E: Luis Sobreyra. Con: Tajimara: Pilar Pellicer (Cecilia), Claudio Obregón (Roberto), Pixie Hopkin (Julia); Un alma pura: Enrique Rocha (Juan Luis), Arabella Arbenz (Claudia/Clara), Vait Gentry (padre de Clara). Prod: Manuel Barbachano Ponce. Dur: 93 min. PC: Fundación Televisa.

Gurrola e Ibáñez, ambos reconocidos directores del ámbito teatral mexicano de los años sesenta, dirigieron los dos mediometrajes que componen esta cinta que participó en el mítico I Concurso de Cine Experimental. Carlos Fuentes adaptó para la ocasión su relato Un alma pura, crónica de un amor prohibido entre hermanos. Por su parte, Tajimara es una reflexión sobre la imposibilidad amorosa en un mundo que ha perdido sus ilusiones. Sala Molière del IFAL: miércoles 4 Cine Lido: sábado 14 CCU Tlatelolco: sábado 14

Amor, amor, amor D: Benito Alazraki (La viuda), Miguel Barbachano Ponce (Lola de mi vida), Héctor Mendoza (La Sunamita) y José Luis Ibáñez (Las dos Elenas). P: México, 1964. G: Benito Alazraki (La viuda); Gabriel García Márquez, Miguel Barbachano Ponce y Juan de la Cabada (Lola de mi vida); Inés Arredondo, Juan García Ponce y Héctor Mendoza (La Sunamita) y Carlos Fuentes (Las dos Elenas). F en B/N: Walter Reuter (La viuda), Gabriel Figueroa (Lola de mi vida y Las dos Elenas) y Antonio Reynoso (La Sunamita). M: Joaquín Gutiérrez Heras (La viuda), Manuel Enríquez (Lola de mi vida) y Rocío Sainz (La Sunamita). E: Luis Sobreyra. Prod: Manuel Barbachano Ponce. Dur: 101 min. PC: Fundación Televisa.

Originalmente, los mediometrajes que conformaron Los bienamados formaban parte de esta antología. Uno de ellos, Las dos Elenas, parte de un cuento de Fuentes. Se trata de la historia de dos generaciones de mujeres, madre e hija, y su postura ante las normas sociales que delimitan su libertad. Los demás relatos son reflexiones sobre el desamor y el desencanto. Sala Molière del IFAL: jueves 5 Cine Lido: domingo 15 CCU Tlatelolco: domingo 15

Tiempo de morir D: Arturo Ripstein. P: México, 1965. G: Carlos Fuentes y Gabriel García Márquez, basados en un argumento del último. F en B/N: Alex Phillips. M: Carlos Jiménez Mabarak. E: Carlos Savage. Con: Marga López (Mariana Sampedro), Jorge Martínez de Hoyos (Juan Sáyago), Enrique Rocha (Pedro Trueba), Blanca Sánchez (Sonia), Alfredo Leal (Julián Trueba), Tito Junco (comisario), Hortensia Santoveña (Rosita). CP: Alameda Films. Prod: Alfredo Ripstein y César Santos Galindo. Dur: 92 min. PC: Alameda Films.

Juan Sáyago regresa a su pueblo tras cumplir 18 años de presidio por el asesinato de un comerciante de caballos. Juan está dispuesto a olvidar su pasado y construir un futuro tranquilo, pero un destino adverso lo espera: los hijos de su víctima han jurado vengar la muerte de su padre. Al poco tiempo de su retorno, Juan tiene ya suficientes motivos para creer que los años de paz con que ha soñado durante mucho tiempo no serán posibles. Sala Molière del IFAL: viernes 6 Cine Lido: lunes 16 CCU Tlatelolco: viernes 20

24 I Programa mensual julio

Carlos Fuentes en el cine I CICLOS

Pedro Páramo D: Carlos Velo. P: México, 1966. G: Carlos Fuentes, Carlos Velo y Manuel Barbachano Ponce, basados en la novela homónima de Juan Rulfo. F en B/N: Gabriel Figueroa. M: Joaquín Gutiérrez Heras. E: Gloria Schoemann. Con: John Gavin (Pedro Páramo), Ignacio López Tarso (Fulgor Sedano), Carlos Fernández (Juan Preciado), Pilar Pellicer (Susana San Juan). CP: Clasa Films Mundiales y Producciones Barbachano Ponce. Prod: Federico Amérigo, Manuel Barbachano Ponce y Felipe Subervielle. Dur: 110 min. PC: Fundación Televisa.

En esta adaptación de una de las más importantes novelas en español, el joven Juan Preciado viaja al pueblo de Comala buscando a su padre, un cacique llamado Pedro Páramo, dueño de la hacienda de la Media Luna. Hijo de Dolores Preciado, la primera mujer de Páramo, Juan descubre que Comala es un pueblo fantasma. Víctima de la fiebre, Juan es visitado por varios fantasmas que lo introducen a la historia de su propio origen. Sala Molière del IFAL: sábado 7 Cine Lido: miércoles 18 CCU Tlatelolco: sábado 21

Los Caifanes D: Juan Ibáñez. P: México, 1966. G: Carlos Fuentes y Juan Ibáñez. F en C: Fernando Álvarez Garcés. M: Mariano Ballesté y Fernando Vilches. E: José Juan Munguía. Con: Julissa (Paloma), Enrique Álvarez Félix (Jaime de Landa), Sergio Jiménez (“El Capitán Gato”), Óscar Chávez (“El Estilos”), Ernesto Gómez Cruz (“El Azteca”), Eduardo López Rojas (“El Mazacote”). CP: Cinematográfica Marte, Estudios América. Prod: Juan Fernando Pérez Gavilán y Mauricio Walerstein. Dur: 95 min. PC: Filmex.

Después de una fiesta, Jaime trata de convencer a su novia, Paloma, para que le dé una “prueba de amor”. En el intento, los jóvenes se meten en un auto que resulta ser del "Capitán Gato", mecánico que, acompañado de sus colegas se hacen llamar Los Caifanes. Pese a que Jaime se opone, Paloma y él terminan por acompañar a estos fuereños de excursión por la capital. El alma de lo popular, explorada por Fuentes en La región más transparente, alcanza su máxima expresión en los barrocos diálogos de este filme. Sala Molière del IFAL: martes 10 Cine Lido: viernes 20 CCU Tlatelolco: domingo 22

Muñeca reina D: Sergio Olhovich. P: México, 1971. G: Sergio Olhovich y Eduardo Luján, basados en un cuento de Carlos Fuentes. F en C: Álex Phillips Jr. M: Manuel Enríquez. E: Alberto Valenzuela. Con: Enrique Rocha (Carlos), Ofelia Medina (Amilamia), Helena Rojo (Carmen), Anel (Silvia), Daniela Rosen (Susana), Carlos Cortés (Salvador), Pilar Souza (madre de Amilamia). CP: Cinematográfica Marco Polo S.A. Prod: Leopoldo Silva y Marco Silva. Dur: 95 min. PC: Fundación Televisa

Carlos descubre entre las páginas de uno de sus libros una tarjeta que le regaló Amilamia, su pequeña amiga de la infancia que compartía sus juegos. La tarjeta despierta en Carlos un cúmulo de recuerdos que poco a poco se convierten en obsesión. Decide buscarla, pero los padres le cuentan que falleció a los siete años. Tiempo después, Carlos regresa para darles a los padres la tarjeta que alguna vez escribió Amilamia y se encuentra con una sorpresa. Sala Molière del IFAL: miércoles 11 Cine Lido: sábado 21 CCU Tlatelolco: viernes 27

CINETECA NACIONAL I México

CICLOS I Carlos Fuentes en el cine

Aquellos años D: Felipe Cazals. P: México, 1972. G: Felipe Cazals y Carlos Fuentes, basados en un argumento original de José Iturriaga y el segundo. F en C: Jorge Stahl Jr. M: Temas de Haydn, Paganini, Offenbach, Felipe Villanueva, Ricardo Castro y Vincenzo Bellini. E: Rafael Caballos. Con: Jorge Martínez de Hoyos (Benito Juárez), Helena Rojo (Carlota), Mario Almada (Mariano Escobedo), Francisco Morayta (Maximiliano), Gonzalo Vega (Ignacio Zaragoza). CP: Alpha Centaury, Cinematográfica Marco Polo S.A., Estudios Churubusco S.A. Prod: Guillermo Aguilar Álvarez, Leopoldo Silva y Marco Silva. Dur: 142 min. PC: Fundación Televisa.

Con motivo del centenario del fallecimiento de Benito Juárez en 1972, Felipe Cazals hace una reconstrucción de la segunda intervención francesa. Benito Juárez es presidente mientras que los conservadores proponen que Maximiliano de Habsburgo reine México. Napoleón III invade el país con pretexto de la deuda contraída, el Emperador no cuenta con el favor de la nación y Juárez inicia una guerra de guerrillas. Sala Molière del IFAL: jueves 12 Cine Lido: domingo 22 CCU Tlatelolco: sábado 28

¿No oyes ladrar a los perros? D: François Reichenbach. P: México-Francia, 1975. G: Carlos Fuentes, Noël Howard, Jacqueline Lefebvre y François Reichenbach, basados en el cuento homónimo de Juan Rulfo. F en C: Rosalío Solano. M: Vangelis. E: Alberto Valenzuela. Con: Salvador Sánchez, Ahuí Camacho, Ana de Sade, Salvador Gómez Tagle, Auorora Clavel, Patrick Penn, Gastón Melo, Juan Ángel Martínez, Tamara Garina. CP: Cinematográfica Marco Polo S.A., Corporación Nacional Cinematográfica CONACINE, Les Films du Prisme. Prod: Georges Bacri y Leopoldo Silva. Dur: 82 min. PC: IMCINE.

Inspirada en el cuento homónimo del escritor mexicano Juan Rulfo, el filme sigue los pasos del indio tzotzil Juan Dolores, a través de varias poblaciones, mientras lleva cargando a su hijo enfermo en busca de un doctor que lo cure. En un intento por despejar el dolor del pensamiento de su hijo, el padre le cuenta múltiples historias que revelan parte de la vida de los nativos de México en la ciudad y la provincia. Además, son testigos de las celebraciones y costumbres de los pueblos por los que viajan. Sala Molière del IFAL: viernes 13 Cine Lido: lunes 23 CCU Tlatelolco: domingo 29

Gringo viejo Old Gringo D: Luis Puenzo. P: Estados Unidos, 1989. G: Aída Bortnik y Luis Puenzo, basados en la novela homónima de Carlos Fuentes. F en C: Félix Monti. M: Lee Holdridge. E: William M. Anderson, Glenn Farr y Juan Carlos Macías. Con: Jane Fonda (Harriet Winslow), Gregory Peck (Ambrose Bierce), Jimmy Smits (general Tomás Arroyo). CP: Columbia Pictures Corporation, Fonda Films. Prod: Lois Bonfiglio. Dur: 120 min.

La Revolución Mexicana es el marco dentro del cual convergen las vidas de Harriet Winslow, maestra de primaria que viaja a México para dar clases; el general Tomás Arroyo, cuya vida gira en torno al conflicto armado y a su amor por Harriet; y Ambrose Bierce “El Gringo Viejo”, un periodista retirado que vaga por el desierto buscando un sentido a los últimos años de su vida. Adaptación de la novela homónima de Carlos Fuentes, la cinta cuenta cómo se cruzan las vidas de estos tres personajes en medio del amor, la muerte y la guerra. Sala Molière del IFAL: sábado 14 Cine Lido: viernes 27

26 I Programa mensual julio

Jornadas de Reapropiación 2012 I FUNCIÓN ESPECIAL

Jornadas de Reapropiación 2012 Las Jornadas de Reapropiación 2012 son un escaparate para los cortometrajes contemporáneos (20 minutos o menos) cuya premisa principal es la de utilizar películas o secuencias de video y reutilizarlas en forma inventiva. Se plantean como un espacio para la difusión de los consagrados del género entre el público mexicano, así como para los nuevos cineastas decididos a explorar estas alternativas.

Selección Mexicana Una muestra de lo más selecto de la filmografía de reapropiación que se ha creado en México.

El hindú

Desintegración

D: Michael Ramos Araizaga. P: México, 2011. Dur: 1’53’’

D: Erik Tlaseca. P: México, 2011. Dur: 5’58’’

Crank It!

Mercado negro

D: Alejandra Espasande. P: México, 2012. Dur: 2’12’’

D: Orlando Jiménez y Demián Flores. P: México, 2004. Dur: 6 min.

Mujer perfecta / Perfect Woman

Una piedra en el camino

D: Michael Ramos Araizaga. P: México, 2012. Dur: 2’23’’

D: Carlos Cuarón. P: México, 2011. Dur: 8 min.

Lumière Remix

La muerte de Videoman

D: Andrés García Franco. P: México, 2007. Dur: 2’49’’

La caída de las Águilas D: Sejen Luna. Dur: 3 min.

D: Gregorio Rocha y Fernando Llanos. P: México, 2010. Dur: 8 min.

64-75 D: Iván Ávila Duelas. P: México, 2011. Dur: 8’54’’

Allegro non molto

Familia desconocida

D: Alejandra Espasande. P: México, 2010. Dur: 3 min.

D: Ezequiel Reyes. P: México, 2011. Dur: 10 min.

Rosita, el espejo

Novena

D: Michael Ramos Araizaga. P: México, 2009. Dur: 3’01’’

D: Demián Flores y Orlando Jiménez. P: México, 2004. Dur: 17 min.

Diario del ladrón

Cine Lido: miércoles 18

D: Erik Tlaseca. P: México, 2011. Dur: 3’23’’

http://jornadasdereapropiacion.tk/ Estas jornadas reciben apoyo de

CINETECA NACIONAL I México

Las manos de Orlac I bandas sonoras

Las manos de Orlac Musicalizan Extraños en el Tren

Orlacs Hände D: Robert Wiene. P: Alemania-Austria, 1924. G: Louis Nerz, inspirado en una novela de Maurice Renard. F en B/N: Hans Androschin y Günther Krampf. Con: Conrad Veidt (Orlac), Alexandra Sorina (Yvonne Orlac), Fritz Kortner (Nera), Carmen Cartellieri (Regine), Fritz Strassny (padre), Paul Asoknas (Diener). CP: Berolina Film GmbH, Pan Films. Dur: 92 min.

Un reconocido pianista pierde sus manos en un accidente ferroviario. Un médico le implanta unas nuevas, provenientes de un asesino que acaba de ser ejecutado. Justo ahí comienza la pesadilla para el protagonista de Las manos de Orlac, un clásico cuento de horror del expresionismo alemán dirigido por Robert Wiene, el mismo de El gabinete del doctor Caligari (1919), y protagonizada por Conrad Veidt, quien en la misma cinta interpretó al sonámbulo asesino Cesare. Se trata también de un clásico del cine que reflexiona, desde la trinchera del horror fílmico, sobre la lucha entre los poderes de lo desconocido y la voluntad que rige la conciencia. José Antonio Valdés Peña Cineteca Nacional

Extraños en el Tren es un dueto de multiinstrumentalistas conformado por Ezequiel Cruz Guido y Guillermo Olivera Ogazón, cuyo estilo va desde lo minimalista y experimental hasta lo psicodélico, estridente e incluso la improvisación. The Movie Company, sala 5: sábado 28 de julio

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El origen extraterrestre I CANAL β

El origen extraterrestre El planeta de los vampiros

Asesino de estrellas

Terrore nello spazio D: Mario Bava. P: Italia-España, 1965. G: Mario Bava, Alberto Bevilacqua, Callisto Cosulich, Antonio Román y Rafael J. Salvia. F en C: Antonio Pérez Olea, Antonio Rinaldi y Mario Bava. M: Gino Marinuzzi Jr. E: Romana Fortini y Antonio Gimeno. Con: Barry Sullivan (capitán Mark Markary), Norma Bengell (Sanya), Ángel Aranda (Wess), Evi Marandi (Tiona), Stelio Candelli (Brad), Franco Andrei (Bert). Prod: Italian International Film, Castilla Cooperativa Cinematográfica y America-International Pirctures, Fulvio Lucisano. Dur: 86 min.

Dark Star D y M: John Carpenter. P: Estados Unidos, 1974. G: John Carpenter y Dan O’Bannon. F en C: Douglas Knapp. E: Dan O´Bannon. Con: Brian Narelle (teniente Doolitle), Cal Kuniholm (Boiler), Dre Pahich (Talby), Dan O’Bannon (sargento Pinback), John Carpenter (voz de Talby), Nick castle (voz del alienígena). Prod: Jack H. Harris Entreprises, University of Southern California, John Carpenter. Dur: 83 min.

Prometeo (2012), el más reciente filme de Ridley Scott, y sonada precuela a su clásico Alien (1979), surge del siguiente principio: “los grandes sucesos tienen pequeños comienzos”… y más allá del origen de las especies alienígenas, nos encontramos con el nacimiento de las quimeras en las mentes de jóvenes artistas y sus influencias imperecederas. Como bien se sabe, la saga de Alien se debe a una serie de encuentros y accidentes afortunados (desde filmes clásicos Serie B de los años 50, hasta un proyecto malogrado de Alexandro Jodorowsky), pero el verdadero comienzo se da en la Universidad del Sur de California con un grupo de estudiantes de cine comandados por John Carpenter y Dan O’Bannon, y quienes con grandes cantidades de talento e imaginación (pero no de billetes verdes) filman Asesino de estrellas, las aventuras de la tripulación de una nave que en el futuro se dedica a destruir pla-

netas inestables. Esta comedia negra permitió que el talento de O’Bannon y Ron Cobb, en los departamentos de diseño y efectos especiales, tuviera la relevancia necesaria para que un par de años después Ridley Scott los contratara para crear en su famoso filme y el cual, igualmente, surge de un guion escrito por el propio O’Bannon, a su vez inspirado en el clásico de Jack Arnold, It Came from Outer Space y, entre otros, un filme italiano poco conocido del maestro Mario Bava, El planeta de los vampiros, de atmósfera envidiable y en el cual claramente se guarda la esencia del planeta y las criaturas que desde hace más de tres décadas nos mantienen aullando desde nuestra escotilla… aunque nadie nos escuche en el espacio. Mauricio Matamoros Durán Cineteca Nacional Museo de Arte Carrillo Gil: jueves 26 y viernes 27

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PROGRAMAS DOBLES I Uno

Cassavetes x 2

El asesinato de un apostador

Noche de estreno

The Killing of a Chinese Bookie D y G: John Cassavetes. P: Estados Unidos, 1976. F en C: Mitchell Breit y Al Ruban. M: Bo Harwood. E: Tom Cornwell. Con: Ben Gazzara (Cosmo Vittelli), Timothy Carey (Flo), Seymour Cassel (Mort Weil), Al Ruban (Marty Reitz), Azizi Johari (Rachel), Donna Gordon (Margo Donnar). CP: Faces Distribution. Prod: Al Ruban. Dur: 135 min.

Opening Night D y G: John Cassavetes. P: Estados Unidos, 1977. F en C: Al Ruban. M: Bo Harwood. E: Tom Cornwell. Con: Gena Rowlands (Myrtle Gordon), John Cassavetes (Maurice), Ben Gazzara (Manny Victor), Joan Blondell (Sarah Goode), Zohra Lampert (Dorothy), John Tuell (Gus Simmons). CP: Faces Distribution. Prod: Al Ruban. Dur: 144 min.

John Cassavetes, conocido actor estadounidense (El bebé de Rosemary), en su tiempo libre y autofinanciándose se dedicaba a dirigir películas con temáticas poco tratadas en Hollywood. En 1974 dirige uno de sus mayores éxitos, Neurosis de mujer, con su esposa Gena Rowlands como protagonista. Un año después dirige El asesinato de un apostador, protagonizada por Ben Gazzara, uno de sus actores predilectos, quien interpreta a Cosmo Vitelli, dueño de un club nocturno donde hay espectáculos con mujeres semidesnudas, que al perder una fuerte suma de dinero con unos mafiosos, considera asesinar a su competidor como le sugieren su acreedores. En 1977, filma Noche de estreno,

con la participación conjunta por única vez de Rowlands y Gazzara. Ella interpreta a Myrtle Gordon, una actriz de Broadway quien estrena una obra sobre una mujer que no acepta estar envejeciendo. Después de un ensayo, presencia un accidente que la trastorna, reviviendo fantasmas y creando tensión entre sus compañeros. Cassavetes fue un creador como pocos. No le bastó ser actor y consiguió contar las historias que él quería y sin el apoyo de una industria a la que, igualmente, pertenecía.

34 I Programa mensual julio

David Israel Ramírez García Cineteca Nacional Museo de Arte Carrillo Gil: jueves 5 y viernes 6

Dos I PROGRAMAS DOBLES

Hitchcock silente/sonoro

Chantaje (versiones silente y sonora) Blackmail D: Alfred Hitchcock. P: Gran Bretaña, 1929. G: Charles Bennett, Alfred Hitchcock, Ben W. Levy y Garnett Weston, basados en una pieza teatral del primero. F en B/N: Jack Cox. M: Campbell & Connelly. E: Emile de Ruelle. Con: Anny Ondra (Alice White), John Longden (detective Frank Webber), Donald Calthrop (Tracy), Cyril Ritchard (Crewe), Sara Allgood (señora White), Charles Paton (señor White), Hannah Jones (ama de llaves). CP: British International Pictures. Prod: John Maxwell. Dur: 82 min.

Al estar involucrada su novia en un homicidio, un policía inglés es chantajeado por un criminal de poca monta que atestiguó el suceso. Conocida también como La muchacha de Londres, esta cinta de suspenso se encontraba en su proceso de postproducción y montaje cuando la tecnología que había hecho posible la sonorización de El cantante de jazz (1927) arribó a la Gran Bretaña. Alfred Hitchcock, su director, recibió órdenes para filmar de nuevo algunas secuencias del filme con la finalidad de explotarlo como una película sonora. Hitchcock replanteó por completo la puesta en escena del filme. Así, mientras en una secuencia la culpabilidad de la protagonista se tornaba en paranoia al escuchar el tañer de unas campanas que aparecían a cuadro, en

la versión sonorizada de Chantaje las campanas ya no aparecen, sino que el sonido de las mismas se fusiona con la imagen de la mujer entrando en pánico. Al momento de su estreno, muchos cines de Inglaterra no contaban con la tecnología adecuada para exhibir películas sonoras, por lo cual Chantaje, silente y sonora, se exhibió por igual en 1929; éste programa doble reúne ambas versiones. Además de reafirmar el talento del cineasta para la manipulación del público a través del suspenso, el filme resultó también un título clave para que la industria del cine inglés conformara su identidad en las salas de cine del mundo entero. José Antonio Valdés Peña Cineteca Nacional Museo de Arte Carrillo Gil: jueves 12 y viernes 13

CINETECA NACIONAL I México

PROGRAMAS DOBLES I Tres

La pasión según Wong Kar-wai

Happy Together: Historia de un encuentro

Deseando amar

Cheun gwong tsa sit D y G: Wong Kar-wai. P: Hong Kong, 1997. F en C y B/N: Christopher Doyle y Mark Lee Ping-bin. M: Danny Chung. E: William Chang y Wong Ming-lam. Con: Leslie Cheung (Ho Powing), Tony Leung (Lai Yiu-fai), Chang Chen (Chang). CP: Block 2 Pictures, Jet Tone Production, Prénom H Co. Ltd., Seowoo Film Company. Prod: Chan Ye-cheng y Wong Kar-wai. Dur: 97 min.

D y G: Wong Kar-wai. P: Francia-Hong Kong, 2000. F en C: Christopher Doyle y Mark Lee Ping-bin. M: Michael Galasso. E: William Chang. Con: Maggie Cheung (señora Chan), Tony Leung (Chow Mo-wan), Siu Ping-lam (Ah Ping), Rebecca Pan (señora Suen), Lai Chen (señor Ho). CP: Block 2 Pictures, Jet Tone Production, Paradis Films. Prod: Wong Kar-wai. Dur: 98 min.

El cine de temática gay tuvo un antes y un después de Happy Together. La historia de Powing y Yiu-fai, atribulada pareja de chicos que dejan Hong Kong para conocer Iguazú y vivir en Buenos Aires, se ha quedado en el imaginario como un gran retrato de lo crudo que puede llegar a ser el amor. Tres años después, Wong Kar-wai presentó Deseando amar, ambientada en el Honk Kong de los años 60, en la que una pareja de vecinos, al darse cuenta de que sus respectivos esposos están teniendo una aventura amorosa, se convierten en confidentes y surge la posibilidad de vivir algo

similar entre ellos. Esta película, que catapultó a Wong como uno de los mejores directores chinos de la actualidad, hace uso a conciencia de muchas de las fórmulas de Happy Together: drásticos saltos temporales de una secuencia a otra, la infalible participación de sus inseparables Christopher Doyle (fotógrafo) y Tony Leung (actor) y, sobre todo, la capacidad de retratar la fragilidad de las relaciones humanas sin distinción de género y/o sexo.

36 I Programa mensual julio

Jorge Martínez Micher Cineteca Nacional Museo de Arte Carrillo Gil: jueves 19 y viernes 20

Charlas de julio I 24 letras

24 LETRAS X SEGUNDO Charlas de julio Carlos Fuentes en el cine a cargo de Ricardo Pohlenz

El autor de La región más transparente desde temprana edad manifestó su gusto por el cine. Éste, un medio nada indiferente a los procesos históricos y sociales de una nación, contó con la simpatía de Fuentes quien, adaptando materiales de otros autores o siendo su obra objeto de adaptaciones a su vez, compuso referentes fílmicos colaborando con cineastas y narradores como Juan Rulfo, Arturo Ripstein, Gabriel García Márquez, Roberto Gavaldón, Paul Leduc y Luis Puenzo, entre otros. La historia del cine y la literatura mexicanos durante la segunda mitad del siglo XX no se puede entender sin la mención de este autor mexicano recientemente fallecido. Ricardo Pohlenz, ha hecho crítica de cine y de arte en diversas revistas (Vuelta, Letras Libres, La Tempestad, Flash Art, Art Nexus…), además del periódico Reforma. Es autor del libro de relatos Lounge (2010). Museo de Arte Carrillo Gil: jueves 12

La Serie B, que debe verse...

a cargo de Mauricio Matamoros Durán y José Luis Ortega Torres

A contracorriente de los grandes estudios y de presupuestos estratosféricos existe otro cine realizado con limitaciones monetarias pero con un uso –y abuso– de imaginación y desfachatez que, en consecuencia, le otorgan un estilo propio y único: la Serie B. Este cine es una paradoja afortunada: sus restricciones de producción dan carta abierta a excesos argumentales y formales casi siempre instalados en los géneros más populares: terror, ciencia ficción, western y hasta melodramas noir de tintes exacerbados, donde el público encuentra honesta satisfacción a sus pulsiones lúdicas. Mauricio Matamoros Durán, periodista cultural especialista en cine y cómics y jefe de Documentación de la Cineteca, y José Luis Ortega Torres, editor de Revista Cinefagia y jefe de Publicaciones de la Cineteca, intentan reivindicar el cine de Serie B mediante Canal B porque creen que lo merece. Museo de Arte Carrillo Gil: jueves 26

CINETECA NACIONAL I México

cine documental I Programa 60

Queridísimos verdugos D, G y Prod: Basilio Martín Patino. P: España, 1977. F en C: Acácio de Almeida, Augusto García Balbuena y Alfredo Mayo. M: Temas de Johann Sebastian Bach. E: Eduardo Biurrun. Testimonios: Antonio López Sierra, Vicente Copete y Bernardo Sánchez-Bascuñana. CP: Turner Pictures. Dur: 103 min.

Años antes de realizar Canciones para después de una guerra (1976), una de las películas más representativas del llamado Nuevo Cine Español, Basilio Martín Patino comenzó a filmar Queridísimos verdugos, un documental que aborda la vida cotidiana de tres verdugos veteranos en el decadente franquismo de principios de los setenta. El retrato de estos personajes, plenos de contradicciones morales, dibuja el panorama de fondo de una España rural sumida por la rigidez del conservadurismo y una flagrante ignorancia. Museo de Arte Carrillo Gil: jueves 5 y viernes 6

40 I Programa mensual julio

Programa 61 I cine documental

El fondo del aire es rojo Le Fond de l’air est rouge D, G y E: Chris Marker. P: Francia, 1977. F en C y B/N: Pierre William Glenn, Willy Kurant. M: Luciano Berio. CP: Dovidis, Institut National de l'Audiovisuel (INA), Iskra. Dur: 177 min.

Dividido en varios capítulos El fondo del aire es rojo es un estudio conceptual de larga duración sobre la izquierda internacional y la resistencia política ante los poderes fácticos del imperialismo. A través del reciclaje de entrevistas, noticiarios y películas militantes de distintos países y periodos históricos, Chris Marker simboliza los imaginarios de la izquierda en un documento sensorial que va más allá de los panfletos. Museo de Arte Carrillo Gil: jueves 12 y viernes 13

CINETECA NACIONAL I México

cine documental I Programa 57

El último rock The Last Waltz D: Martin Scorsese. P: Estados Unidos, 1978. G: Mardik Martin y Martin Scorsese. F en C: Michael Chapman. M: The Band. E: Jan Roblee y Yeu-Bun Yee. Participantes: The Band, Bob Dylan, Neil Diamond, Neil Young, Joni Mitchell, Muddy Waters, Dr. John, Ringo Starr. CP: FM Productions, Last Waltz Inc. Prod: Robbie Robertson, Frank Marshall y Joel Chernoff. Dur: 117 min.

Filmada por Martin Scorsese en 1976 durante el concierto de despedida de los escenarios de la banda canadiense The Band en el teatro Winterland Ballroom de San Francisco, esta película, un clásico del documental sobre rock, tiene varias secuencias memorables, entre ellas, la interpretación de “I Shall Be Released” con Bob Dylan, Neil Young, Joni Mitchell, Ronnie Hawkins, Dr. John, Neil Diamond, Paul Butterfield, Bobby Charles, Eric Clapton, Van Morrison, Ringo Starr, Ron Word, y por supuesto, los festejados The Band. Museo de Arte Carrillo Gil: jueves 19 y viernes 20

42 I Programa mensual junio

Programa 58 I cine documental

The Kids Are Alright D y G: Jeff Stein. P: Gran Bretaña, 1979. F en C y B/N: Peter Nevard, Anthony B. Richmond, Norman Warwick. M: The Who. E: Ed Rothkowitz. Participantes: The Who (Roger Daltrey, Pete Townshend, John Entwistle, Keith Moon), Keith Richards, Ringo Starr, Steve Martin, Tommy Smothers. CP: The Who Films. Prod: Bill Curbishley, Tony Klinger, Ed Rothkowitz, Jeff Stein. Dur: 101 min.

A partir de actuaciones en vivo y shows para televisión, este documental, opera prima del director británico Jeff Stein, nos brinda una mirada desde adentro a una de las bandas de rock más populares de los años sesenta y setenta: The Who. El filme, emblemático de la era pre-MTV, logra capturar la peculiar energía del cuarteto desde su formación en 1964, así como la llegada de sus principales éxitos. También registra la última actuación en vivo del baterista Keith Moon poco antes de su muerte prematura. Museo de Arte Carrillo Gil: jueves 26 y viernes 27

CINETECA NACIONAL I México

ÍNDICE Alfabético i Julio 2012

Algo así como un buen tipo

Noche de estreno

Amor, amor, amor

Novato, El

Aquellos años

¿No oyes ladrar los perros?

Asesinato de un apostador, El

Pedro Páramo

Asesino de estrellas

Planeta de los vampiros, El

A través del silencio

Queridísimos verdugos

Balada de Génesis y Lady Jaye, La

Relámpago 19

Bienamados, Los

Seguir siendo

Caifanes, Los

Shoah 20

Carlos 14

Submarino 16

Chantaje (silente)

Tiempo de morir

Chantaje (sonora)

Último rock, El

Vida inagotable, La

Cinemanía 19 Deseando amar

Elena 06 Érase una vez en Durango

Fondo del aire es rojo, El

Gallo de oro, El

Gringo viejo

Happy Together: Historia de un encuentro 36 Hombre mosca, El

Kids Are Alright, The

Labios, Los

Lenguaje de los machetes, El

Manos de Orlac, Las

Mocito, El

Muñeca reina

48 I Programa mensual julio