Retrospectiva Osamu Tezuka
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Semana de Cine Portugués
JUNIO 2021
PROGRAMA MENSUAL
ÍNDICE
CINETECA NACIONAL Av. México-Coyoacán 389, col. Xoco. Cineteca Nacional es miembro de la Federación Internacional de Archivos Fílmicos.
EN PORTADA Astroboy: Héroe del espacio · Eiichi Yamamoto, Shigeyuki Hayashi “Rintaro” y Atsushi Takagi · 1964
SEMANA DE CINE PORTUGUÉS
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ABREVIATURAS D: Dirección. B/N: Fotografía en blanco y negro. Dist: Distribución. PC: Procedencia de copia.
Programación sujeta a cambios. Para mayor información consulte www.cinetecanacional.net o llame al 4155 1190. Las copias en cinta de las películas que se exhiben tienen la mejor calidad disponible. Dicha calidad puede variar debido a la diversidad de su procedencia y a su antigüedad. El Programa mensual es una publicación para informar sobre las películas que la Cineteca Nacional exhibe, tanto en sus instalaciones como en sedes alternas, cumpliendo su misión de difundir la cultura fílmica. Los textos firmados son responsabilidad de sus autores.
RETROSPECTIVA OSAMU TEZUKA
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PROGRAMACIÓN
JUNIO 2021
Dossier RETROSPECTIVA OSAMU TEZUKA
ESTRENOS
Osamu Tezuka: Revolución a ocho cuadros por segundo
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Osamu Tezuka: Dios del manga
26
Astroboy, estrella de televisión
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42
4
CICLOS
SEMANA DE CINE PORTUGUÉS
JUNIO · 2021
A PARTIR DEL 18 DE JUNIO
No es desacertado pensar en Portugal como uno de los países europeos donde el cine ha tomado una de sus formas más vanguardistas y prometedoras en las últimas décadas. Del trabajo radical desarrollado por el pionero Manoel de Oliveira en sus años más prolíficos –curiosamente, los últimos–, a la obra de cineastas contemporáneos como Pedro Costa o Miguel Gomes, quienes de alguna manera actualizan y expanden su visión, la cinematografía lusitana ha estado constelada de ideas refrescantes. A partir de la labor de estas personalidades y otras como Rita Azevedo Gomes, Teresa Villaverde, João Canijo y otros más jóvenes que poco a poco se van integrando al espectro de la producción alternativa, el cine hecho en Portugal ha tomado algo de lo mejor de las tradiciones europeas, pero al mismo tiempo, y sobre todo, ha encontrado estimulantes estilos propios y una voz que se sumerge en la compleja historia de su país. Presentada por VAIVEM, asociación cultural dedicada a difundir y visibilizar el mejor cine portugués, y con apoyo de la Embajada
de Portugal en México y el Instituto Camões, la edición 2021 de la Semana de Cine Portugués trae a nosotros una interesante y equilibrada selección, que incluye tanto reconocidas películas recientes del cine de ese país, como un par de programas dedicados a la obra de la documentalista Teresa Villaverde. En la curaduría de este año destacan el segundo largometraje de ficción del director innovador João Nicolau (John From, 2015), Technoboss, excéntrica comedia ubicada entre el musical y la road movie; el documental sobre la historia reciente de Mozambique, Soñamos un país, dirigido por Camilo de Sousa eIsabel Noronha, y el trepidante drama El fin del mundo, que se sumerge en la periferia de Lisboa para contarnos una notable historia de violencia y precariedad.
Cineteca Nacional
SEMANA DE CINE PORTUGUÉS
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CINETECA NACIONAL MÉXICO
Sacavém · 2019
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CICLOS
TECHNOBOSS
Portugal-Francia · 2019 · 112 min. D: João Nicolau.
JUNIO · 2021
Luís Rovisco es un hombre divorciado a punto de jubilarse de una empresa de sistemas de seguridad, y vive solo con su gato. Technoboss, la más reciente película de João Nicolau, construye un musical dentro de una road movie, cantado por Miguel Lobo Antunes, un actor no profesional y maduro debutante. Entre situaciones absurdas y un humor dislocado e impasible, el último tren del amor pasa para Luís, en una película que oscila entre la comedia excéntrica y el retrato refrescante sobre el envejecimiento.
SOÑAMOS UN PAÍS
Sonhámos um País · Portugal-Mozambique · 2019 · 70 min. D: Camilo de Sousa e Isabel Noronha.
A principio de los años 70, Camilo de Sousa salió de Maputo, Mozambique, recorrió Europa, se unió a la guerrilla del FRELIMO (Frente de Liberación de Mozambique) y se convirtió en director de cine. Hoy, viviendo en Portugal, regresa a su país natal para reencontrarse con dos antiguos camaradas de armas. Así, junto a Aleixo Candi y Julião Papalo, rememora el pasado, cuando la ilusión de la liberación dio como resultado un tiempo en el que la búsqueda de un “hombre nuevo” vino a destruir los sueños de un país.
YAMA NO ANATA MÁS ALLÁ DE LAS MONTAÑAS
Yama No Anata - Para Além das Montanhas Portugal · 2011 · 59 min. D: Aya Koretzky.
Sumergiéndose en los paisajes de Portugal, país al que llegó a vivir con sus padres desde Tokio, Japón, cuando era niña, en Yama No Anata - Más allá de las montañas, la directora Aya Koretzky retoma las cartas que años atrás intercambió con amigos y familiares que permanecieron en su país de origen; reflexiona sobre la vida en Portugal, y explora su pasado con la intención de retener la memoria efímera. El resultado es un ensayo documental donde la experimentación y la añoranza se entremezclan.
SEMANA DE CINE PORTUGUÉS
GUERRA
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Portugal · 2021 · 105 min. D: José Oliveira y Marta Ramos.
La investigación de un profesor en el presente nos permite seguir a su padre, Manuel, un excombatiente de la llamada “guerra colonial portuguesa” en contra de las armadas independentistas africanas entre las décadas de los 60 y los 70. El hoy anciano, atormentado por sus recuerdos, es retratado en los lugares que lo marcaron en el pasado. Entre la ficción y el documental, Guerra propone una reflexión en torno al conflicto bélico al tiempo que se acerca a una Lisboa moderna que no deja de ser fascinante.
O Fim do Mundo · Portugal-Suiza · 2019 · 107 min. D: Basil da Cunha.
Después de pasar años en una escuela correccional, Spira regresa a Reboleira, un barrio pobre de los suburbios de Lisboa en proceso de demolición. Al tiempo que se reencuentra con familia y amigos, uno de los narcotraficantes del vecindario le deja en claro que no es bienvenido. Presentada en el Festival de Locarno, la segunda película del director suizo-portugués Basil da Cunha se sumerge en la periferia de la capital portuguesa para colocarnos frente a un drama de violencia y precariedad.
BALAOU
Portugal · 2007 · 77 min. D: Gonçalo Tocha.
En 2005, siete meses después de la muerte de su madre, el joven cineasta portugués Gonçalo Tocha se embarca en un viaje hacia la isla de San Miguel en la región de Azores, perteneciente a Portugal. Pronto, el viaje que inicia como una forma de honrar a la madre y encontrarse con la familia que vive en la isla, se convierte en una desafiante travesía de autoconocimiento que es registrada en este íntimo documental.
CINETECA NACIONAL MÉXICO
EL FIN DEL MUNDO
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CICLOS
PROGRAMA 1
EL TERMÓMETRO DE GALILEO
O Termómetro de Galileu · Portugal · 2018 · 115 min. D: Teresa Villaverde.
JUNIO · 2021
La directora Teresa Villaverde convivió durante un verano con el cineasta italiano Tonino De Bernardi y su esposa Mariella Navale en su residencia estival en la pequeña localidad italiana de Casalborgone, mientras él trabajaba en varios proyectos cinematográficos. Villaverde se integró totalmente en la rutina de la pareja y captó con su cámara la cotidianidad de la familia, rodeada por un apasionante microcosmos cultural. Este documental va más allá de una revisión de la filmografía de De Bernardi.
¿DÓNDE ESTÁS, TERESA VILLAVERDE?
Où en êtes-vous, Teresa Villaverde? · Francia-Portugal · 2019 · 17 min. D: Teresa Villaverde.
La cineasta portuguesa Teresa Villaverde visita una famosa escuela de samba en Río de Janeiro, la Mangueira, mientras en el Sambódromo, miles esperan eufóricos la decisión del jurado sobre el ganador del carnaval de 2019. En las calles, sin embargo, permea un ambiente de indignación por el reciente asesinato de la legisladora de izquierda Marielle Franco.
SEMANA DE CINE PORTUGUÉS
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PROGRAMA 2
SACAVÉM
Portugal · 2019 · 65 min. D: Júlio Alves.
Sacavém es un viaje a través de las películas del director Pedro Costa, especialmente Casa de Lava (1995), Ossos (1997), No Quarto da Vanda (2000), Juventud en marcha (2006) y Caballo Dinero (2014). Construido a partir del paisaje visual y sonoro que caracteriza la obra del director portugués, y acompañado por sus propias reflexiones, este documental dirigido por Júlio Alves sirve como una ventana hacia el trabajo de uno de los cineastas iberoamericanos más destacados de los últimos años.
Retratos da Dor: O Desejo Sem Lei · Portugal · 2019 · 26 min. D: Teresa Villaverde.
A menudo, el escritor francés Antonin Artaud fantaseaba sobre la idea de una erótica revolucionaria en la que fuera posible un deseo completamente liberado. En este cortometraje, Teresa Villaverde se inspira en este ideal para reflexionar sobre la sexualidad, el placer o la maternidad como conceptos ajenos al simbolismo y plenos de existencia.
CINETECA NACIONAL MÉXICO
SEIS RETRATOS DE DOLOR
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CICLOS
RETROSPECTIVA OSAMU TEZUKA
JUNIO · 2021
A PARTIR DEL 1 DE JUNIO No se puede hablar de la historia de la animación japonesa sin mencionar el nombre de Osamu Tezuka. En realidad, no se puede hablar de una parte importante de la cultura del siglo XX sin que surja el legado de este artista japonés. Conocido como manga no kamisama, o el Dios del manga, Tezuka estableció muchos de los fundamentos del manga y el anime –incluyendo los grandes ojos de los personajes– que hasta el día de hoy distinguen a ambas formas de arte. Con una imaginación anormalmente fértil y una productividad casi sobrehumana, se dice que Tezuka dibujó más de 150 mil páginas de historietas a lo largo de su vida y creó 500 obras diferentes, pobladas por más de un millar de personajes. Su trabajo en el manga sorprendió por un estilo visual muy innovador que se inspiraba en el cine al utilizar varios tipos de viñetas y descomponer el movimiento de las imágenes, además de introducir historias de gran desarrollo narrativo. Sin embargo, como el propio artista solía decir en tono de broma, «el manga era como su esposa y la animación era como su amante», lo que implicaba que, aunque amaba el manga, su pasión por la animación estaba casi fuera de control.
Gran admirador de Walt Disney, a principios de la década de los sesenta fundó su propio estudio, Mushi Production, con el objetivo de crear una nueva filosofía para la animación. En aquel tiempo, los aparatos de televisión empezaban a proliferar en las casas japonesas y fue entonces cuando realizó una adaptación animada de su popular manga Astroboy, la cual daría a conocer al mundo el estilo del anime. Al pequeño androide le seguirían las adaptaciones de otros personajes clásicos de Tezuka como La princesa caballero, Kimba, el león blanco o Black Jack, tanto en versiones para cine como televisión, que dejarían una profunda marca en la cultura japonesa y en la historia de la animación mundial. Reuniendo varios títulos que abarcan distintas etapas en la carrera del historietista, esta retrospectiva es una pequeña muestra del vasto universo de creatividad de Osamu Tezuka.
Cineteca Nacional
RETROSPECTIVA OSAMU TEZUKA
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CINETECA NACIONAL MÉXICO
La historia de Osamu Tezuka: soy Son Gokū · 1989
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CICLOS
ASTROBOY: HÉROE DEL ESPACIO
Tetsuwan Atom: Uchū no yūsha · Japón · 1964 · 87 min. D: Eiichi Yamamoto, Shigeyuki Hayashi “Rintaro” y Atsushi Takagi.
JUNIO · 2021
La obra más icónica de Osamu Tezuka, acerca de un niño robot con súper fuerza que puede volar, dio origen a la primera serie regular de animación emitida en la televisión japonesa en 1963, alcanzando gran popularidad en el extranjero e introduciendo al mundo la estética del anime. En esta compilación de las aventuras del niño androide se seleccionaron los episodios #46 ("Robot Rocket"), #56 (“Tropas de defensa de la Tierra”) y #71 (“El último día de la Tierra”) para una versión destinada a salas de cine.
KIMBA, EL LEÓN BLANCO
Janguru taitei · Japón · 1966 · 75 min. D: Eiichi Yamamoto.
El manga que Osamu Tezuka dibujó y escribió en la década de los 50 sobre un cachorro de león blanco que pierde a sus padres a manos de los cazadores y posteriormente debe reclamar su lugar como rey de la jungla, se convertiría años más tarde en el primer anime a color de la historia. Debido al éxito, en 1966 fue lanzada esta versión cinematográfica con la que Tezuka estaba muy satisfecho, pues consideraba que transmitía su tema con precisión, algo que no pudo lograr con la serie de televisión.
LAS MIL Y UNA NOCHES
Sen'ya ichiya monogatari · Japón · 1969 · 128 min. D: Eiichi Yamamoto.
A finales de los 60, Osamu Tezuka emprendió un proyecto junto con el director Eiichi Yamamoto, cuya intención era desarrollar películas de anime pensadas para proyectarse en pantallas de cine, con elementos estéticos contemporáneos y temáticas más adultas. El resultado fue la trilogía Animerama, cuya primera parte, Las mil y una noches, es una adaptación libre de los cuentos tradicionales del Oriente Medio, influenciada por las corrientes contraculturales de la época y con una fuerte carga erótica.
RETROSPECTIVA OSAMU TEZUKA
LA HISTORIA DE OSAMU TEZUKA: SOY SON GOKŪ
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Tezuka Osamu monogatari: Boku wa Son Gokū Japón · 1989 · 70 min. D: Masami Hata y Shigeyuki Hayashi “Rintaro”.
Osamu Tezuka pretendía hacer una versión de ciencia ficción de La Leyenda de Son Gokū, el manga que creó en los años 50 basado en la novela china Viaje al Oeste. Lamentablemente, Tezuka murió durante la etapa de planificación en 1989. La productora decidió hacer este inusual y semiautobiográfico proyecto que, dividido en dos partes, muestra los años de juventud de Tezuka, cuando surge su pasión por la viñeta y la animación, así como la versión de la leyenda del Rey Mono ambientada en el año 3010.
Burakku jakku · Japón · 1996 · 93 min. D: Osamu Dezaki.
Black Jack, un cirujano que pese a no tener licencia es muy solicitado para prestar sus servicios a cambio de grandes sumas de dinero, es uno de los personajes más oscuros y misteriosos de Osamu Tezuka, con el que expresaba su desacuerdo con el racionalismo y el progreso científico. Continuando la filosofía de Tezuka, esta película sigue a Black Jack mientras es obligado a encontrar la cura para una extraña enfermedad que causó la muerte prematura de varios atletas durante los Juegos Olímpicos.
LEO, EL REY DE LA SELVA
Gekijōban Janguru Taitei · Japón · 1997 · 99 min. D: Yoshio Takeuchi.
La historia sobre el legendario león blanco de Osamu Tezuka ha sido una de sus obras que más veces se ha adaptado al cine y la televisión, siendo famoso el caso del supuesto plagio por parte de Disney debido a las similitudes creativas que tiene con El rey león. Basada en la segunda mitad del manga original, esta película sigue la vida de adulto de Leo después del nacimiento de sus dos cachorros, mientras se enfrenta a diversos peligros cuando un cazador de tesoros amenaza la seguridad de la selva.
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BLACK JACK: LA PELÍCULA
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CICLOS
ADACHIGAHARA / LA PELÍCULA ESTÁ VIVA
Adachi-ga Hara / The Film is Alive · Japón · 1990-1991 Duración aproximada: 62 min. D: Nao Sakaguchi (Adachigahara) y Katayama Masahiro (La película está viva).
Adachigahara es la adaptación de una de las historias publicadas en la colección de manga Lion Books de Osamu Tezuka, en la que un astronauta es enviado a un planeta donde conoce a una anciana que le muestra la verdad de la vida y el amor. La película está viva es una compilación de las obras maestras de Tezuka, desde sus primeros trabajos hasta la pieza experimental inacabada, La leyenda del bosque (1987). Dibujantes y animadores amigos de Tezuka escribieron las 10 letras que componen el título.
JUNIO · 2021
PROGRAMA DE CORTOMETRAJES 1 DURACIÓN APROXIMADA: 89 MIN.
HOMBRES
Male · Japón · 1962 · 2 min. D: Osamu Tezuka.
Exhibido en su primera exposición, Osamu Tezuka produjo este corto que parece una versión de la novela Soy un gato de Natsume Sōseki, en la cual un felino mira la rutina de su amo. En el relato de Tezuka, el gato observa una situación extraña en la que un hombre mata a la mujer que ama y espera a que llegue la policía.
PELÍCULA ROTA
Onboro Filmu · Japón · 1985 · 6 min. D: Osamu Tezuka.
Un héroe occidental lucha contra un villano y salva a una mujer que pide auxilio mientras está atada en las vías de un tren. Pero las acciones se ven estropeadas, borrosas y manchadas, porque están hechas al estilo de una película antigua deteriorada. El héroe no sólo debe luchar contra el villano, sino también contra el mal estado del filme.
RETROSPECTIVA OSAMU TEZUKA
PULSAR
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Push · Japón · 1987 · 4 min. D: Osamu Tezuka.
El desastre que provoca la guerra es el tema de este corto que, narrado de forma humorística, sigue a un jinete de aspecto rudo en lo que parece ser una tierra devastada. En su andar, se encuentra con máquinas capaces de satisfacer necesidades: bebidas, vestimenta, vehículos, etc. Todo lo que hay que hacer es tocar un botón y elegir la opción que más se adecua a lo deseado.
Tenrankai no e · Japón · 1966 · 39 min. D: Osamu Tezuka.
Inspirado en la suite musical homónima de Modest Músorgski, este corto conjuga varios segmentos sin diálogo que retratan a personajes de la sociedad moderna, los cuales apuntan un comentario sobre el progreso de la civilización. La animación es combinada con una sinfonía clásica en un estilo similar al de Fantasía (1940) de los estudios Disney.
CUENTOS DE LA ESQUINA
Aru machikado no monogatari · Japón · 1962 · 38 min. D: Yusaku Sakamoto y Eiichi Yamamoto.
En la esquina de una calle hay un cartel, una niña, un farol y una polilla que se siente atraída por una lámpara. Estos seres y objetos inanimados, cada uno con su propio drama, se involucran en una guerra. Frustrado por trabajar para grandes estudios, Tezuka hizo este corto para representar lo que quería en sus animaciones: expresar sentimientos.
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CUADROS DE UNA EXPOSICIÓN
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CICLOS
PROGRAMA DE CORTOMETRAJES 2 DURACIÓN APROXIMADA: 62 MIN. LA PRINCESA CABALLERO (THEATRICAL)
Ribbon no Kishi · Japón · 1967-1968 · 8 min. D: Osamu Tezuka [idea original] y Nishida Masayoshi [reinterpretación para su exhibición en el Tezuka Osamu World en Kioto].
JUNIO · 2021
Por la travesura de un ángel, Zafiro nace con la mente de un niño y el cuerpo de una niña. Ella es criada como un príncipe, ya que sólo los varones pueden acceder a ocupar el trono. Cuando un duque descubre su secreto, acusa al rey de engañar al pueblo. Aún con este malicioso plan, Sapphire sigue creyendo en un mañana con un mundo pacífico y tranquilo.
EL CHICO DE LA LLUVIA
Amefuri kozô · Japón · 1983 · 24 min. D: Osamu Tezuka.
Segundo episodio de la serie “The Lion Books”, estrenado hasta 1989, este corto basado en un manga del propio Tezuka gira en torno a un niño que conoce a un fantasma solitario. El chico le promete al espíritu que le dará un par de botas de lluvia a cambio de tres deseos. Sin embargo, cuando el pequeño crece olvida por completo su promesa.
LA LEYENDA DEL BOSQUE, PARTE 1
Mori no densetsu · Japón · 1987 · 30 min. D: Osamu Tezuka.
Inspirado en la sinfonía núm. 4, Op. 36, de Piotr ilich Chaikovski, este primer episodio de la que sería una serie en la que Osamu Tezuka revisaría la historia de la animación, retoma el manga Musa, the Flying Squirrel publicado en 1971. Éste, sigue la historia de una ardilla voladora que busca sobrevivir ante la tala de su árbol.
RETROSPECTIVA OSAMU TEZUKA
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PROGRAMA DE CORTOMETRAJES 3 DURACIÓN APROXIMADA: 67 MIN. ASTROBOY: SHINSEN-GUMI
Japón · 1963-1964 · 11 min. D: Osamu Tezuka [idea original] y Satoru Kuwahara [reinterpretación para su exhibición en el Tezuka Osamu World en Kioto].
Nacido de la serie más célebre de Osamu Tezuka, este corto parte de “The Blue Knight”, un episodio que narra la confrontación entre Astroboy y un caballero que considera a los humanos como enemigos. Un ave fénix introduce el episodio y reflexiona sobre la guerra, mientras echa un vistazo a la historia de la ciudad de Kioto durante el periodo Tokugawa.
LA PRINCESA CABALLERO (PILOTO)
Ribbon no Kishi · Japón · 1966 · 29 min. D: Osamu Tezuka.
MURAMASA
Japón · 1987 · 9 min. D: Osamu Tezuka.
El artista Hyakkimaru, reconocido por usar recortes de papel para su obra, aceptó participar en este corto sobre una espada encantada llamada Muramasa, la cual es encontrada clavada en un wara-ningyo (figura de paja). Cada vez que los samuráis intentan probar el filo de la espada, las figuras inmediatamente se convierten en humanos.
OSAMU Y MUSASHI
Osamu and Musashi · Japón · 1994 · 18 min. D: Rintaro, sobre una idea original y supervisión de Makoto Tezuka.
Animación producida para el Museo del Manga Osamu Tezuka, el cual tiene como uno de los temas centrales la “vida y naturaleza” de la infancia del director nacido en la ciudad de Osaka. Este corto sigue el vínculo entre el pequeño Osamu y un escarabajo carábido [osamushi]; su singular conexión da origen al título de esta obra.
CINETECA NACIONAL MÉXICO
Planeado originalmente como uno de los episodios de la serie animada Mushi Pro Land, este piloto de La princesa caballero cuenta el origen y nacimiento de Zafiro, una niña criada como príncipe para ascender al trono. Su elaborada producción incluyó escenas de acción en vivo y muñecos que guían la narración.
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Osamu Tezuka
CICLOS
RETROSPECTIVA OSAMU TEZUKA
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OSAMU TEZUKA: REVOLUCIÓN A OCHO CUADROS POR SEGUNDO CINETECA NACIONAL MÉXICO
Mauricio Matamoros Durán Ciudad de México, 24 de mayo de 2021
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CICLOS
JUNIO · 2021
Kimba, el león blanco · 1966
Hacia la mitad del siglo XX, el cine de animación ya era presa de la agenda hollywoodense y Walt Disney. Una batalla cultural, no obstante, permanecía en ciertas regiones que a la larga mantendrían importantes escuelas de animación, como la soviética, la checa, la francesa y la italiana, por nombrar tal vez las más prolíficas. En aquel momento, en Japón, Osamu Tezuka decidió dar su propia batalla cultural desde el escenario del manga. Aunque se matriculó en física, con especialización en medicina, Tezuka se decantó por el manga y a partir de 1947 comenzó la construcción de un monumento artístico que se cuantifica en alrededor de 170 mil páginas realizadas –divididas en unos 700 títulos distintos– durante más de 40 años de labor, provocando una profunda influencia en la industria y en toda la cultura de su país. Tezuka logró comenzar a levantar un imperio nipón desde la incuantificable capacidad de la imaginación. Mangas como Kimba, el león blanco y el hitazo Astroboy, publicados en la década de los 50, transformaron la industria del entretenimiento japonés y poco a poco se convirtieron en referentes y cimientos culturales. Pero aunque sus hallazgos y logros en el campo del manga habían comenzado ya, restaba su paso transformador por otro medio hermano, y que igualmente resultaría radical. En 1961, tras una agridulce experiencia colaborando con la Tōei Animation en la producción de Saiyūki dos años atrás, Tezuka decide fundar su propia productora de cine animado, Mushi Production, con la firme idea de provocar una popularización del cine de animación, transformando incluso su proceso de producción.
RETROSPECTIVA OSAMU TEZUKA
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Osamu Tezuka
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Osamu Tezuka
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JUNIO · 2021
CICLOS
La princesa caballero · 1967-1968
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Astroboy: Héroe del espacio · 1964
CINETECA NACIONAL MÉXICO
Ocho fotogramas en lugar de los 24 requeridos, y libertad melodramática y narrativa, fue la revolución en el cine animado que Tezuka estableció a partir de aquel año con la realización de la serie animada para TV basada en su popular Astroboy. A los 32 años, contradijo el único camino que hasta entonces llevaba la animación audiovisual, y con Astroboy no sólo llevó el mensaje de “luchar por la paz” del pequeño robot a infinidad de países donde llegó la serie, sino que estableció una manera de realizar y percibir una industria que, con el paso de los años, se convertiría en uno de los grandes activos culturales y económicos de Japón y se conocería como “anime”. En primer lugar, la cruda animación lograda con ocho cuadros por segundo evolucionó en un nuevo estilo y lenguaje animado en el que cabía más la exploración de las connotaciones introspectivas de los personajes, y en segundo lugar, las historias se arriesgaban más que el común de la animación venida de Occidente, permitiendo una animación más consistente e íntegra, en la que no se excluía al público adulto. Aun cuando el inicio de su labor con Astroboy buscó llegar a un público masivo con las aventuras del pequeño robot, los entretelones dramáticos de la serie permiten ver el interés de su autor por la búsqueda de paz en plena Guerra Fría; mientras que series que le siguieron a ésta, como Kimba y La princesa caballero (1967) –basadas en sus propios mangas–, abordaron temas tan distintos, trascendentes y poco abordados en la industria hasta entonces, como la explotación y maltrato de la fauna, o la revocación de estereotipos y la condenación de prejuicios. Pero, a pesar de lo extenuante y agobiante que pudiera ser la producción de estas empresas de alcance internacional, a la par de continuar la realización ininterrumpida de diversas series de manga de periodicidad semanal, Tezuka continuaba la exploración artística, con la realización de animación menos común.
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CICLOS
Las mil y una noches · 1969
Ya desde que inició Mushi Production, Tezuka y su equipo realizaron cortos experimentales, como Hombres (1962) y Cuentos de la esquina (1962), que marcaban claramente el ímpetu vanguardista del autor. Y así durante los siguientes años y décadas, Tezuka continuó explorando el lenguaje prácticamente sin marcar división en los esfuerzos entre lo comercial y lo experimental. En 1969, inició un fascinante proyecto de anime para adultos al cual llamó “Animarama” (Adult Animated Drama) y se compuso de tres largometrajes: una particular versión de Las mil y una noches (1969) con música de Isao Tomita, Kureopatora [Cleopatra] (1970) y, cerrando el ciclo, Kanashimi no Belladonna (1973), una película en la que aunque ya no laboró Tezuka por cuestiones de agenda –al frente de este estuvo Eiichi Yamamoto–, se trata de uno de los anime más bellamente líricos y salvajes de los que se tenga memoria. Tezuka continuó trabajando en manga y anime prácticamente hasta los últimos días de su vida (falleció en 1989), y continuó explorando y sorprendiendo, como lo constatan sus cortos animados Muramasa (1987), La leyenda del bosque (1987) y Película rota (1985), los cuales forman parte de esta retrospectiva presentada por la Cineteca Nacional y Madness Enterteinment.
Osamu Tezuka
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JUNIO · 2021
CICLOS
La historia de Osamu Tezuka: soy Son Gokū · 1989
RETROSPECTIVA OSAMU TEZUKA
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OSAMU TEZUKA: DIOS DEL MANGA CINETECA NACIONAL MÉXICO
Extractos de un texto de Helen McCarthy Blog del Museo Británico [The British Museum] Londres, 16 de agosto de 2019 Traducción: Edgar Aldape Morales
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CICLOS
JUNIO · 2021
Película rota · 1985
Una de las cosas que siempre tengo en mente cuando hablo sobre el notable artista de manga Osamu Tezuka es el alcance de su obra, otra es que su historia es, literalmente, tan emocionante, inspiradora y, a veces, espeluznante como cualquier manga que haya escrito. Desde su tranquila infancia dentro de una familia de clase media en una pequeña ciudad rural cerca de Osaka, pasando por el acoso escolar y su experiencia de primera mano frente al creciente militarismo de Japón, hasta convertirse en una superestrella adolescente en la posguerra y la posterior batalla para mantenerse en la cima del mercado del anime y el manga (al que ayudó a dar forma), Tezuka combinó sus logros artísticos con una especie de fama autocurada. Uno de los roles más importantes de Tezuka en la historia del manga –y en el resurgimiento de la industria de los medios en Japón después de que ésta prácticamente cerró durante la guerra– fue actuar como un puente entre el manga cosmopolita y masivo de la década de 1920 y principios de los años 30, y su resurgimiento en la posguerra. Muchos artistas, escritores y editores de manga fallecieron junto a sus lectores en los bombardeos incendiarios en Tokio y el frente del Pacífico. Los pocos sobrevivientes llevaron el recuerdo del manga anterior a la guerra como algo abierto y transcultural, como parte de un compromiso más amplio con el cine, la política, la música y el arte.
RETROSPECTIVA OSAMU TEZUKA
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Osamu Tezuka
CINETECA NACIONAL MÉXICO
Osamu Tezuka
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CICLOS
La película está viva · 1990
RETROSPECTIVA OSAMU TEZUKA
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Adachigahara · 1991
CINETECA NACIONAL MÉXICO
El adolescente delgado y con gafas de Osaka abrió el camino. Impulsado por su pasión juvenil por los cómics, películas y animaciones japonesas, europeas y estadounidenses, y su determinación de seguir creando mangas pese a las privaciones y peligros de la guerra, Tezuka vio la rendición de Japón [en 1945] como una oportunidad para vivir su vida al máximo y ayudar a crear un mundo nuevo y pacífico. A sus 17 años, egresó de la facultad de medicina y vendió su primer trabajo profesional a los pocos meses de haber acabado el conflicto bélico. También comenzó a relacionarse con otros creadores y editores de cómics japoneses, aunque sin perder de vista a los debutantes, tanto para ofrecer ayuda y aliento, como para estar al tanto de las nuevas ideas y tendencias. Sabía que los lectores jóvenes como él querían algo más que relatos de sólo cuatro viñetas. Querían historias que les ayudaran a escapar de la pobreza de su país e imaginar nuevos y mejores mundos. En el empobrecido Japón de la posguerra, el manga era una forma de entretenimiento barata y accesible que podía compartirse, intercambiarse y releerse tantas veces como fuera necesario. Las largas y novedosas historias de Tezuka, con giros en la trama y un extensivo desarrollo de los personajes, transmitieron la emoción visual del cine. Sus trabajos eran populares en niñas y niños por igual, construyendo una base de fans para sus relatos de ciencia ficción, sus cuentos de aventuras y sus exuberantes dramas románticos. Hacia 1950, Tezuka debutó con dos personajes que resumirían los polos de su universo.
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CICLOS
JUNIO · 2021
La princesa caballero · 1967-1968
Atom, un robot infantil, fue un personaje secundario en Atom Taishi (1951). Un año después, se convirtió en el personaje principal de Tetsuwan Atom (Iron-Arm Atom, mejor conocido como Astroboy). El atractivo de Atom se extendió más allá de las páginas de los cómics a un drama radiofónico y la primera serie de animación en la televisión japonesa. Seis meses después de su debut en el año nuevo de 1963, las aventuras de Atom fueron trasmitidas en Estados Unidos. Hoy, después de 65 años, la creación robótica de Tezuka se ha convertido en un símbolo de los oprimidos. Ha sido defensor de la paz, hablando contra la guerra en muchas historias. También ha sido fuente de inspiración para desarrollos científicos y robóticos de la vida real. En otra de sus obras seminales, Zafiro, una princesa nacida con dos corazones, uno femenino y otro masculino, debe desempeñar el rol de un príncipe para proteger a su país y su familia. Hizo su primera aparición en Ribon no Kishi (mejor conocida como La princesa caballero) de 1953. Este innovador manga fue de gran influencia en todo Japón y más allá, estableciendo una tradición de heroínas con características andróginas y una estética europea del siglo XIX. La muerte de Tezuka en 1989 fue inesperada. Su enfermedad se mantuvo en secreto para todos, excepto para su familia y amigos cercanos. Su legión de fans quedó devastada. Los periodistas extranjeros que llegaron a Tokio a cubrir su funeral se sorprendieron de la gran atención pública al artista de manga […] El intérprete y amigo de Tezuka, Frederik L. Schodt, comparó las reacciones a su muerte con la desesperación que siguió al asesinato de John Lennon en 1981. En últimos años, su obra y las obras sobre él se han traducido ampliamente. La historia de Osamu Tezuka: soy Son Gokū · 1989
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CICLOS
Astroboy: Héroe del espacio · 1964
RETROSPECTIVA OSAMU TEZUKA
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ASTROBOY, ESTRELLA DE TELEVISIÓN CINETECA NACIONAL MÉXICO
Extractos del cuarto capítulo de The Astroboy Essays: Osamu Tezuka, Mighty Atom, and the Manga-Anime Revolution Frederik L. Schodt Ed. Stone Bridge Press, Berkeley, California, 2007 Traducción: Israel Ruiz Arreola, Wachito
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Astroboy: Shinsen-gumi · 1963-1964
El 1 de enero de 1963, Astroboy [Tetsuwan Atomu] explotó en los televisores de Japón, emocionando a los espectadores jóvenes de todo el país. El programa era en blanco y negro, y en comparación con la fluida animación de Disney, parecía crudo y entrecortado, casi estático. Aun así, fue la primera serie animada japonesa, y si el manga había sido un gran éxito entre los niños, la versión animada actuó como los propulsores en los pies de Astro, lanzando al pequeño robot a la estratosfera de la popularidad. Para Osamu Tezuka, animar a Astro fue la culminación de un largo sueño. [Su amor] por la animación se remonta a su infancia. Para el futuro artista del manga y animador, su casa era un lugar privilegiado. [Su padre] poseía una cámara fotográfica Leica alemana, una cámara de cine casera, e incluso un proyector de manivela llamado Pathé Baby. Como resultado, Tezuka vio cortometrajes extranjeros de Mickey Mouse, Félix, el gato y las caricaturas de Max Fleischer una y otra vez, y también tuvo la oportunidad de ver algunas de las primeras obras animadas japonesas, como Tako no hone [El hueso del pulpo, 1927] y Norakuro gochō [1934], de Yasuji Murata. Cuando era niño, Tezuka visitaba regularmente el cine con su madre, los dos disfrutaban de los primeros cortos a color de Walt Disney y las caricaturas de Popeye. Cuando comenzó la Segunda Guerra Mundial, la animación estadounidense estaba prohibida en Japón, pero Tezuka vio algunas de las obras japonesas pioneras, como Kumo to Chūrippu [La araña y el tulipán] de Kenzō Masaoka, de 1943, y a medida que avanzaba la guerra, piezas de propaganda.
RETROSPECTIVA OSAMU TEZUKA
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La leyenda del bosque · 1987
CINETECA NACIONAL MÉXICO
La historia de Osamu Tezuka: soy Son Gokū · 1989
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Cuentos de la esquina · 1962
RETROSPECTIVA OSAMU TEZUKA
Astroboy: Héroe del espacio · 1964
CINETECA NACIONAL MÉXICO
La transmisión de televisión comenzó en Japón en 1953, pero la mayoría de la gente todavía era demasiado pobre para comprar aparatos. Para 1960, la transmisión en color había comenzado, y aunque pocos podían permitirse el lujo, el número de hogares que al menos poseían uno en blanco y negro se había disparado. Durante este periodo, la industria de la animación japonesa todavía estaba muy poco desarrollada, y la mayor parte de la animación que se transmitía por televisión provenía de los Estados Unidos. Algunos estudios pequeños crearon cortos o películas artísticas, pero el principal productor de animación fue el estudio Tōei Dōga. En 1958, Tezuka se asoció con ellos y ayudó tanto en la redacción de historias como en la dirección de lo que se convirtió en el largometraje de 1960, Saiyūki [Alakazam el mago / Viaje al Oeste], basado en su propio manga La leyenda de Son Gokû [Boku no Songokû, 1952-1959]. En junio de 1961, Tezuka formó Osamu Tezuka Productions y un año después cambió el nombre a Mushi Production. La compañía comenzó con sólo seis personas trabajando desde su propia casa, pero eventualmente se multiplicaría a cuatrocientas. Pronto comenzó el trabajo en una película experimental titulada Aru machikado no mono-gatari [Cuentos de la esquina]. Concebida, escrita y producida por Tezuka, [...] la película fue una especie de trabajo “anti Disney”: una aventura artística sin diálogos y una historia antibélica. Yusaku Sakamoto y Eiichi Yamamoto, quienes formaban parte del equipo original, dirigieron la película. Y es a Sakamoto a quien supuestamente se le ocurrió la idea de animar Astroboy de Tezuka.
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Cuentos de la esquina · 1962
El 5 de noviembre de 1962, Tezuka y su equipo realizaron una proyección especial de Cuentos de la esquina y un episodio piloto de Astroboy. El piloto duró sólo un poco más de diez minutos, pero Tezuka agregó diálogo, efectos de sonido y música, y fue suficiente para que el proyecto despegara. Con esto, pudieron hacer un trato con Fuji Television para crear una serie completa de episodios semanales. El 1 de enero de 1963, Astroboy se emitió como la primera serie de televisión animada del nuevo canal, y fue un éxito rotundo. El primer episodio se tituló "El nacimiento de Astroboy". Era la historia de cómo el Dr. Tenma, el temperamental jefe del Ministerio de Ciencia, creó un robot, Astro, como reemplazo de su hijo muerto. El movimiento era limitado, pero las escenas iniciales eran particularmente fluidas y se emplearon una variedad de trucos para crear la ilusión de más movimiento en la pantalla. A partir de entonces, las transmisiones de la serie continuaron durante cuatro años más. En total, se crearon 193 episodios [que] siguieron bastante de cerca al manga de Tezuka. Los episodios de Astroboy fueron divertidos e interesantes, y a diferencia de los dibujos animados estadounidenses, como Los Picapiedra o Los Supersónicos, no eran sólo chistes o comedias familiares. Debido a que se basaron en las historias del manga de Tezuka, conservaron gran parte del encanto de los originales. Tenían tragedia (algunos personajes incluso morían), humor e ideas provocativas; en resumen, tenían los fuertes elementos visuales y narrativos que Tezuka había explotado tan bien en su manga, y crearon una nueva y emotiva experiencia en la animación. Además, la historia era de un japonés, creada para las sensibilidades japonesas. En otras palabras, no sólo había una gran sensación de novedad en el programa, sino también un gran orgullo nacional. Osamu Tezuka
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ESTRENOS
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ESTRENO
First Cow · 2019
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ESTRENO CLÁSICO
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8½ Otto e mezzo D: Federico Fellini. 1963 · 140 min. · B/N Italia-Francia Dist: Mirada Distribución.
Edgar Aldape Morales Cineteca Nacional mar. 10, 2021 Ciudad de México
Como pasa en casi todos los casos, elegir la “mejor” obra de quien dirige películas es un problema porque el cine es un gran cúmulo de piezas de cerámica no terminadas. Si se habla de la escultura tallada por Federico Fellini, quien remita únicamente a la icónica postal de Anita Ekberg dentro de la Fuente de Trevi en La dulce vida (1960) no puede obviar, entre muchas otras cosas, la entrañable secuencia final de Las noches de Cabiria (1957), el pesar de la Gelsomina de Giulietta Masina en La calle (1954) o las partituras de Nino Rota en Amarcord (1973). 8 1/2 es quizá el pulmón de la pieza esculpida por Fellini, inmiscuido aquí tras una máscara: la de Guido Anselmi, un director de cine en crisis al descubrir que ha perdido toda inspiración. Sin hallar ningún momento de paz por el asedio de varias personas, Guido transita por un camino existencial que, más allá de ser una especie de autobiografía fellinesca, es un onírico himno sobre aquellos artistas en crisis frente a la sociedad y frente a su propia conciencia. Las letras del cántico quedan plasmadas en el rostro de un Marcello Mastroianni que captura la ironía de su personaje: un ser acongojado por bloqueos creativos, pero sobre todo por los lamentos del ayer y el tedio del ahora. Cada secuencia es parte de un pentagrama que poco a poco armoniza. Las notas fluyen en la delgada división entre realidad y fantasía; en esas miradas y diálogos de Guido con Luisa, Claudia, Carla, Rossella, Madeleine o la Saraghina, mujeres que marcan su vida; y en los principales sucesos de la historia de vida de ese cineasta, que no son más que los fantasmas de su conciencia. La película procesa el aire que nutre gran parte del cine del director italiano, esculpido desde el amor y los sueños, los recuerdos y la opresión, y arropado por matices impresionistas y una magia circense.
ESTRENO
ÁNGELES CAÍDOS
Do lok tin si D: Wong Kar Wai. 1995 · 99 min. · Color Hong Kong Dist: MUBI - Pimienta Films.
Extractos de un texto de Luis Xavier García Revista Cinefagia ago. 11, 2003 (actualización: mar. 18, 2019) México
CINETECA NACIONAL MÉXICO
Ángeles caídos, quinto largometraje de la corta pero novedosa y experimental filmografía de Wong Kar Wai, es ya un nuevo clásico del cine actual. Su planteamiento sobre lo conflictivas que pueden llegar a ser las relaciones personales al descubrir los distintos sentimientos que las alteran y motivan, es imprescindible para todo espectador que goza de ver un cine que moviliza los sentidos. La película cuenta la historia de un asesino a sueldo que ronda las extrañas y excitantes calles de noche en Hong Kong, su relación de trabajo con una mujer está por terminar y dar un giro diferente a su vida. A esta historia se unen varios personajes que cuentan la suya a partir de cada uno de sus monólogos. Por un lado, se encuentra un joven mudo que confiesa ser feliz abriendo negocios ajenos en la madrugada. En su ir y venir, conoce a una chica obsesionada por el hombre que se comprometió con su mejor amiga. Ángeles caídos se inmortaliza debido a sus personajes complejos, bizarros y, sobre todo, sobrevivientes solitarios de la vida nocturna. En un intento por rescatar cada instante y sensación de los personajes, la película recurre a la cámara lenta para entregar imágenes de gran belleza visual: las diferentes luces convertidas en una sola dentro de un túnel o el humo de cigarro que se desvanece lentamente en una motocicleta en movimiento, son sólo algunas tomas inolvidables que se resumen en un gran final emotivo, melancólico; una reflexión sobre las relaciones humanas y la imposibilidad para mantenerlas. Tal vez se le pueda criticar a Wong Kar Wai el uso excesivo de la técnica de videoclip para enfatizar las sensaciones de los personajes; sin embargo, es también la acelerada edición de imágenes y el uso de la música lo que los mueve y les permite recordar quienes son, así como recrear y reinterpretar su propia historia.
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FINAL ACCOUNT
D: Luke Holland. 2020 · 90 min. · Color Reino Unido Dist: Universal Pictures.
Extractos de un texto de Kaleem Aftab Cineuropa sept. 5, 2020 Venecia
ESTRENO
El documental Final Account tardó una década en completarse. Un intertítulo informa que el cineasta británico Luke Holland empezó a entrevistar para la película en 2008. Desafortunadamente, el notable documentalista y fotógrafo falleció en 2020. Holland filmó más de 250 entrevistas con austriacos y alemanes octogenarios y nonagenarios. Hombres y mujeres de toda condición, algunos de ellos miembros de las SS, combatientes de la Wehrmacht [fuerza de defensa de la Alemania nazi], guardias de los campos de concentración y testigos civiles silenciosos. Cabezas parlantes, filmadas en sus hogares, ofrecen su versión de los hechos, y Holland cuidadosamente muestra cómo viven ahora. No la hace explícita, pero crea una yuxtaposición entre los que fueron parte del régimen y pudieron salir adelante haciendo borrón y cuenta nueva, y los que murieron en el Holocausto. Según los entrevistados empiezan a hablar, sus palabras son acompañadas por metraje de archivo y fotografías con señales prohibiendo a personas judías. Es una propuesta que hiela la sangre. Pero hay un asunto más peliagudo. ¿Cuál es el propósito de estas entrevistas hoy en día? Es una pregunta que Holland aborda en el acto final, donde cuestiones de remordimientos y culpa son más directamente planteadas. Y consigue una perspectiva horripilante. Al haber escogido a trabajadores ordinarios, el cineasta muestra cómo la gente puede dejarse llevar por los acontecimientos y formar parte de algo incluso si ignoran sus ramificaciones. ¿Eso los hace inocentes? Es una gran pregunta. Pero va más allá y demuestra cómo el cáncer del odio racial sigue vivo hoy y ha sido absorbido por otras generaciones que ahora regurgitan el mensaje. Es por lo que recordar la historia es una necesidad constante, especialmente para los nuevos tiempos.
ESTRENO
LOS LOBOS
D: Samuel Kishi. 2019 · 91 min. · Color México Dist: Mantícora Distribución.
Extractos de un texto de Antonio G. Spíndola Cine PREMIERE oct. 09, 2020 Ciudad de México
CINETECA NACIONAL MÉXICO
La película mexicana Los lobos, el segundo largometraje del tapatío Samuel Kishi, sigue la historia de una triada de migrantes mexicanos –Lucía y sus dos hijos pequeños, Max y Leo– que cruzan la frontera con Estados Unidos hacia Albuquerque, Nuevo México, donde Lucía debe someterse al desgaste de empleos de medio tiempo consecutivos, mientras que sus vástagos pasan los días resguardados dentro de un ruinoso departamento. En su soledad, ellos constantemente miran por la ventana, atestiguando quizás un entorno plagado de peligros. Pero ellos se saben lobos, como su misma madre los describe: lobos que no lloran, sino que muerden, aúllan y protegen su casa. Afín a otros filmes sobre reclusión o persistencia del refugio, Los lobos a veces se aproxima al encanto musical de Temporada de patos (2004), y en otras ocasiones, al concepto “niño contra la adversidad” de El premio (2011), ambas escritas por Paula Markovitch. Sin embargo, por su enfoque en la infancia y elementos tales como un condominio destartalado y el anhelo de los hermanos por pisar Disneylandia, deviene inevitable que Los lobos evoque el drama estadounidense El proyecto Florida (2017). Cabe destacar aquella atractiva tangente que Samuel Kishi tuvo a bien incluir en Los lobos, nacida de los caricaturescos lobeznos dibujados sobre una pared del departamento, por mano de Max y Leo. Mediante sus respectivas creaciones, ambos plasman sus álter egos pero también propician inesperadas secuencias animadas: una clave enternecedora que nos sumerge en la imaginación escapista y juguetona de los niños. Los lobos es un conmovedor vistazo hacia la escabrosa búsqueda de oportunidades; sobre lo difícil que es abandonar las raíces y mantener vivas las ilusiones… pero firme en que, aunque trémula, siempre habrá una luz en toda oscuridad. Sólo basta mirar con atención.
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PRESENTE. PERFECTO
Wan mei shian zai shi D: Shengze Zhu. 2019 · 124 min. · B/N China-Hong KongEstados Unidos Dist: Salón de Belleza.
Gustavo E. Ramírez Carrasco Cineteca Nacional may. 28, 2021 Ciudad de México
ESTRENO
Más allá de su complejidad económica, de su inmenso y contrastante territorio, y de las reconocibles comunidades de sus ciudadanos en otros países, China parece ser todavía un misterio para muchos de nosotros. En los tiempos que corren, sin embargo, algo es evidente: la manera en la que los chinos han abrazado a la tecnología como parte de su realidad cotidiana es notable, y la influencia de los universos digitales que han desarrollado a partir de plataformas que van de lo social a lo bursátil, adquiere cada vez más fuerza en otras regiones del mundo. Presente.Perfecto, el tercer largo de la documentalista y productora china Shengze Zhu, representa una aproximación sui géneris a la extrema virtualización de la vida cotidiana en su país a partir de un fenómeno en particular, los livestreams, o transmisiones en vivo a través de internet en las cuales los anfitriones –cualquier persona con un celular o una cámara web– llevan a cabo shows en los que interactúan con una audiencia. Y aunque esta práctica es, de hecho, una tendencia global, su alcance en cualquier otro lugar no podría compararse al de la marea digital china: en el país, las personas que realizan streamings llegan a casi medio billón (sí, BI). Pero incluso frente a un fenómeno tan apabullante, Presente. Perfecto muestra un óptica más complejaa: no se contenta en hacer una exploración del livestream como una forma de vida en China, ni lo hace a partir de los casos de éxito, sino que plantea un estudio sociológico de aquellos que utilizan esta vía desde los márgenes de la sociedad. El resultado es una inversiva curaduría de found footage que compila las transmisiones en vivo de un puñado personajes que desde la soledad, la pobreza o la diferencia física dejan entrever el interesantísimo telón de fondo de la vida moderna en su país.
ESTRENO
MUERTE AL VERANO
D: Sebastián Padilla. 2019 · 77 min. · Color México Dist: Neverlanding Pictures.
Extractos de un texto de Armando Casimiro Revés Online oct. 22, 2019
CINETECA NACIONAL MÉXICO
Dante lidera una banda adolescente de death metal [en Muerte al verano (2019), ópera prima del oriundo de Monterrey, Sebastián Padilla]. Ante la ausencia definitiva del progenitor, su familia queda conformada por su madre, eternamente ocupada con la venta de calzado por catálogo, y un hermano mayor al que casi nunca ve. Ante la promesa de una primera tocada, Dante debe enfrentar una serie de dificultades: la renuncia del vocalista de la banda, el precipitado regreso de su hermano enfermo y la llegada de Lucy, la extrovertida novia del convaleciente, quien en apenas siete días volteará su mundo de cabeza. Aunque claramente podemos ubicar la historia en la ciudad de Monterrey gracias a los amplios corredores industriales, el clima e incluso algunas comidas, esto no queda claro en ningún momento. Incluso en alguna toma abierta se difumina el famoso contorno del Cerro de la Silla, para hacer un tanto difusa la identificación geográfica. Además, la mayor parte del elenco es originario de la Ciudad de México, aunque tanto el director como el guionista Alexandro Aldrete son regiomontanos. Vemos cómo la violencia provocada por el crimen organizado permea en la sociedad. Pero la forma en como el director aborda el tema es particularmente interesante al mostrar a los chicos que van por las calles haciendo caso omiso de los cadáveres tirados en las banquetas. Esta normalización de la violencia es consecuencia de una larga serie de agravios sociales que han vuelto a los habitantes de este país cada vez más insensibles. Pero lo anterior es sólo el telón de fondo. La inseguridad y los intereses musicales son solamente el vehículo de la ilusión y del amor adolescente. Muerte al verano es una apuesta a la esperanza, al amor real o imaginario que surge en los momentos y lugares menos esperados.
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ESTRENO
ALELÍ
D: Leticia Jorge. 2019 · 88 min. · Color Uruguay-Argentina Dist: Mutante Cine S.R.L.
Patricia Talancón Solorio Cineteca Nacional may. 18, 2021 Ciudad de México
Tras la muerte de un ser querido se alteran los equilibrios familiares, significando en algunos clanes una crisis en la esfera familiar que afecta tanto lo individual como lo colectivo. Cambia la perspectiva que se tiene de uno mismo y del mundo, y si la persona que fallece era el integrante más preponderante, los roles de cada individuo del núcleo se transforman hasta convertirse en una lucha por encontrar un lugar en esa nueva recomposición. Para superar esta crisis se debe pasar por un proceso de adaptación que permita una transición hacia la nueva identidad, a este proceso se le llama duelo. La crisis de la familia Mazzotti se desata cuando, por un inesperado apagón, se pospone la venta de la casa que pronto será convertida en un balneario. Ernesto aprovecha el incidente para mostrar su desacuerdo ante las imposiciones de su hermana mayor, Lilián, quien tiene planes de usar parte del dinero para internar a Alba, la madre octogenaria, en un asilo de ancianos («la vejez cuesta», dice). Mientras que Silvana, la menor, intenta justificar el nuevo accidente de hogar que le ha dejado otro moretón en uno de los ojos. Todo esto ocurre en un fin de semana en donde la familia se da cuenta de que Alelí –como llaman a la casa familiar– poco a poco se ha venido cayendo a pedazos, como se han caído a pedazos sus lazos familiares en esta divertida comedia satírica. Alelí es una película sobre el duelo, sobre el proceso de recomposición tras la pérdida de un ser querido. Describe con aguda ironía la manera en que se alteran los equilibrios familiares en la vida cotidiana de sus personajes, la crisis de identidad personal y la pérdida de la perspectiva del mundo que nos rodea. Así, más que una casa de playa disputada por los Mazzotti, Alelí termina siendo el hilo más delgado por donde se pueden romper para siempre los lazos.
ESTRENO
FIRST COW
D: Kelly Reichardt. 2019 · 102 min. · Color Estados Unidos Dist: Interior XIII.
Julio César Durán Cineteca Nacional may. 18, 2021 Ciudad de México
CINETECA NACIONAL MÉXICO
Kelly Reichardt es una de las maestras del cine norteamericano contemporáneo. Su figura se sostiene en aquel cine que, pese a encontrarse en los márgenes de una de las industrias más poderosas del mundo, ha reclamado su relevancia por encima de clásicos y veteranos hollywoodenses y que, además, constituye una filmografía de la cual, se augura, se hablará durante muchas décadas a partir de ahora. Esta posible marginalidad del cine de Reichardt es valiosa en tanto que llega desde dos lugares: por un lado, su obra está al margen porque es subversiva y, por otro, tanto sus historias como personajes se encuentran al borde de lo correcto, de zonas seguras y del estatus quo. First Cow es una película subversiva porque realiza el movimiento preciso de la palabra: altera el orden regular de lo que por años ha caracterizado al western, un género típico de la industria norteamericana. Las aventuras de un joven cocinero, el tierno Cookie Figowitz, codo a codo del asertivo inmigrante chino, King-Lu, van a componerse desde fuera, desde un espacio nuevo, sujeto a descubrirse, pero también desde el hecho de tenerse a sí mismos como única ventaja. El salvaje Oeste es aquí domesticado a partir de la amistad. Al encontrarse a merced de los peligros de una zona en plena colonización, los protagonistas decidirán no enfrentarse al Viejo Oeste con armas sino a partir de su libertad. La habilidad de Cookie para cocinar los mejores pastelillos sumada a la labia de King-Lu les abrirán camino evitando la sangre y el plomo, generalmente asociados al héroe del western, pero además los pondrán en otro aspecto de aquel capitalismo visto en filmes donde los motores son económicos (minas, ferrocarriles, bancos). Kelly Reichardt pone la mirada en los detalles de la vida cotidiana, en cómo y de qué manera resolver el día a día con todo en contra.
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SELVA TRÁGICA
D: Yulene Olaizola. 2020 · 96 min. · Color México-Francia-Colombia Dist: Malacosa Cine.
Extractos de un texto de Diego Batlle OtrosCines nov. 22, 2020 Buenos Aires
ESTRENO
Imaginen Tropical Malady [2004], de Apichatpong Weerasethakul; Aguirre, la ira de Dios [1972], de Werner Herzog; y El abrazo de la serpiente [2015], de Ciro Guerra; súmenle algunos mitos y leyendas de la cultura maya, una veta ecologista y otra feminista, ciertos aires de western y del cine de aventuras, pero con una construcción dramática que luego deriva más hacia lo metafórico y lo abstracto y tendrán una idea aproximada de la propuesta de Selva trágica. Ambientada en la década de 1920, en la frondosa jungla y a lo largo del Río Hondo, en la frontera entre México y Belice, Selva trágica describe las diferencias de clase, los abusos del poder, la explotación del lugar (de una manera muy parecida al caucho, se extrae chicle de los árboles), el racismo y las violentas disputas entre distintos grupos integrados por ingleses, blancos lugareños, indios y negros. Sin autoridades ni leyes, el lugar queda a merced de aquellos que disparan más y mejor. Más allá de la tensión sexual que es uno de los ejes dramáticos de la trama (Agnes, una bella joven que sólo habla inglés, es raptada –y en varios momentos abusada– por un grupo de chicleros mientras su “dueño” británico sale a bordo de una lancha a motor para recuperarla), Selva trágica tiene también una fuerte impronta documental, ya que a la ficción con esos hombres rudos sumergiéndose en la inmensidad de esa naturaleza salvaje se le suma el registro de las imágenes de los animales que habitan las zonas (como monos en las copas de los árboles). En ese sentido, los humanos (toscos, brutos, violentos, abusadores, explotadores, depredadores, traicioneros) no son más que una parte más de un imponente y exuberante ecosistema y luego víctimas de unas fuerzas milenarias que en muchos casos los irán devorando.
ESTRENO
CINETECA NACIONAL MÉXICO
TINTA BRUTA
Tinta Bruta D: Filipe Matzembacher y Marcio Reolon. 2018 · 118 min. · Color Brasil Dist: Machete Cine.
Extractos de un texto de Juan Roures El antepenúltimo mohicano nov. 2018 Madrid
Aunque es introvertido, Pedro se expone día tras día frente a miles de extraños a través de la webcam de su pequeño apartamento. ¿Su seña de identidad? La pintura fluorescente con la que cubre su cuerpo mientras se contonea, compensando así la evidente falta de pasión que pone a su trabajo. De vez en cuando, alguien es hipnotizado por sus sinuosas contorsiones y paga por una cita a solas, siempre, eso sí, con la pantalla de por medio. Los directores Filipe Matzembacher y Marcio Reolon retratan así a un joven carente de afecto y, por extensión, la crisis existencial de toda una generación de jóvenes brasileños enfrentados a un país y una cultura con la que ya no se identifican. Pedro vaga sin un mañana claro, preocupado sólo por sobrevivir a cada día, a ser posible con relativa dignidad. Ganadora del Teddy a Mejor Película en la Berlinale [de 2018], Tinta bruta presenta un fuerte contraste entre el artificioso universo confeccionado por el protagonista en su cuarto como imán de hombres de esferas económicas muy superiores, y la cruda realidad exterior, plagada de peligros. Pedro, además, está acusado de un crimen que lo persigue como un fantasma, contribuyendo más a un carácter retraído que tan sólo se diluye frente a la webcam. En presencia de personas reales, el chico es incapaz o no tiene suerte de participar siquiera en una conversación sin estridencias. Aunque, ¿cómo serlo en un país que ha hecho del toque de queda una rutina? Al final, él ha perdido la confianza en sí mismo y los demás, así como en un entorno que Tinta bruta plasma frío y descarnado. Irónicamente llamada Porto Alegre, la ciudad no parece albergar esperanza alguna. Quizá por eso el joven necesita bañarse en tinta fosforita: para brillar una vez y recordarse a sí mismo que siempre hay luz al final de túnel, por largo y tortuoso que éste sea.
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TRÓPICO FANTASMA
Ghost Tropic D: Bas Devos. 2019 · 85 min. · Color Bélgica-Países Bajos Dist: FDR.
Extractos de un texto de Boyd van Hoeij The Hollywood Reporter may. 29, 2019 Los Ángeles Traducción: Israel Ruiz Arreola, Wachito
ESTRENO
Una empleada de limpieza se duerme en el último metro después de trabajar hasta tarde en Trópico fantasma, y este error aparentemente mundano es el comienzo de una odisea nocturna silenciosa y bellamente retratada, ya que la mujer tiene que viajar por gran parte de Bruselas para llegar a casa. Éste es el tercer largometraje del cineasta Bas Devos, cuyo segundo trabajo, el sombrío cuento de Bruselas en tiempos de terrorismo, Hellhole, se estrenó en Berlín hace sólo unos meses. Aquí, la esperanza parece haber regresado, a medida que el director lanza una mirada benévola a un mundo complejo pero hermoso. Cuando comienza la película, vemos cómo desciende el anochecer lentamente sobre la sala vacía [de Khadija] en una sola toma fija. Esta apertura, en la que no ocurre nada más que cambios sutiles en la luz que entra a través de una ventana, es una clara señal por parte de Devos para indicarle al público que ésta no será una experiencia tan narrativa como sensorial. Devos, quien también escribió el guion, involucra a su protagonista en una serie de viñetas en las que se reúne, acompaña o espía a diferentes personajes de la noche. En el camino, acumulamos pequeñas ideas sobre Khadija y su vida, incluido el hecho de que es una mujer relativamente orgullosa a la que no le gusta pedir ayuda. Devos logra pintar una imagen bastante detallada del complejo crisol multicultural en el que hoy se ha convertido Bruselas, donde los temas de raza, religión, clase y movilidad social juegan un papel importante. Pero dado que cuestiones como éstas están encapsuladas en una sola pregunta, la película nunca se convierte en una exposición académica pesada sobre los problemas de vivir en una capital europea del siglo XXI.
MATINÉ INFANTIL
UNA RONDA MÁS
Druk D: Thomas Vinterberg. 2020 · 115 min. · Color Dinamarca-SueciaPaíses Bajos Dist: Gussi Cinema.
Israel Ruiz Arreola, @wachitou Cineteca Nacional may. 18, 2021 Ciudad de México
CINETECA NACIONAL MÉXICO
No es fácil ser un buen borracho. Si no se tiene precaución, el alcohol puede tomar las riendas y echarlo todo a perder. El buen borracho (que no es lo mismo que alcohólico) se mantiene al margen de la mala copez, prolonga lo más que puede el estado de ligereza y asume responsablemente el precio de la cruda. El trago es el pretexto para dejar aflorar una parte adormecida de sí mismo, una parte luminosa que la sobriedad no deja salir fácilmente. El buen borracho, por supuesto, es más un mito que una realidad, pero la relación del alcohol con el ser humano va más allá del mero vicio. Es por eso que, Una ronda más, le sirve a Thomas Vintenberg para hablar de la embriaguez desde una postura más filosófica que etílica. Encabezados por el actor Mads Mikkelsen, cuatro maestros llevan a cabo un experimento basado en la teoría de que nacemos con un déficit de alcohol en la sangre y que una ligera embriaguez permite un mejor desempeño en la vida diaria. Lo que viene a continuación, son una serie de sorbos clandestinos durante clases y tardes de brindis con diferentes resultados. Sin apologías ni lecciones moralinas sobre el alcoholismo, Una ronda más consigue el equilibrio entre las causas y consecuencias de la travesía etílica de estos hombres. El vino y la cerveza son el alivio de una crisis profunda, una especie de resaca existencial en busca de una solución dionisiaca. Detrás de la película, hay un episodio doloroso en la vida de Vinterberg: su hija de 19 años falleció después de iniciar el rodaje. Tal vez por eso, el contraste entre la juventud y la madurez sea una de las claves para entender el renacer de estos personajes a partir de la bebida. El éxtasis juvenil recuerda a los protagonistas que el buen borracho no es quien más alcohol aguanta, sino quien no tiene miedo de pedirle una copa más a la vida.
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SÉ NATURAL: LA VIDA DE ALICE GUY-BLACHÉ
Be Natural: The Untold Story of Alice Guy-Blaché D: Pamela B. Green. 2018 · 120 min. · Color Estados Unidos Dist: Benuca Films.
Extractos de un texto de A.O. Scott The New York Times abr. 25, 2019 Nueva York Traducción: Gustavo E. Ramírez
ESTRENO
Alice Guy nació en el seno de una familia burguesa en la Francia de 1873. Una entrevista realizada más de 90 años después la muestra como una mujer de su tiempo y clase, con una dicción bien marcada y una cierta ironía al hablar incluso de temas dolorosos o controvertidos. Entrenada en taquigrafía, Alice fue contratada a los 22 años como asistente de Léon Gaumont, quien muy pronto se convertiría en uno de los fundadores de la industria francesa del cine. Guy (quien se casó con el camarógrafo inglés Herbert Blaché en 1907) es a menudo considerada como una pionera –una en un puñado de importantes mujeres cineastas activas en los primeros días del cine–, pero en realidad es más que eso. Presente en las exhibiciones privadas de las vistas de Louis y Auguste Lumière en París, estuvo entre los primeros que exploraron el potencial narrativo de la nueva tecnología. En el estudio Gaumont, donde trabajó hasta 1906, llegó a dirigir cientos de fantasías, comedias, melodramas y películas históricas. Y después de mudarse a los Estados Unidos, fundó su propia compañía, Solax Studius, continuando con su prolífica producción para el floreciente proto-Hollywood de Fort Lee, Nueva Jersey. En suma, Alice fue una jefa de estudio al mismo tiempo que una directora y productora; también fue una pieza central en el surgimiento de dos grandes cinematografías nacionales. La recuperación de su vida es el centro del proyecto de Pamela B. Green, Sé natural, construido sobre el trabajo de historiadores y archivistas, incluyendo a la biógrafa de Guy-Blaché, Alison McMahan. La película es el making-of documental de su búsqueda, siguiendo a Green en la labor detectivesca de rastrear cartas y documentos, artefactos y descendientes.
ESTRENO
LA PORTUGUESA
A Portuguesa D: Rita Azevedo Gomes. 2018 · 136 min. · Color Portugal Dist: Basilisco Filmes.
Extractos de un texto de Erik Negro Cinelapsus feb. 25, 2019 Génova
CINETECA NACIONAL MÉXICO
La relación del cine portugués con la literatura siempre ha sido esencial, luminosa y extraordinaria. La misma Rita Azevedo Gomes ha llevado a la pantalla textos importantes, leyendo entre líneas lo que permanece oculto en medio de las páginas. En su ejemplar mirada al texto de Robert Musil, La portuguesa recoge la continua deriva de mistificación y metáfora del escritor austríaco, con una deliberada reconstrucción del tiempo, el lugar, el espacio y los personajes que se convierten en símbolos de la condición humana. El amor, como espacio de reconstrucción de la distancia y la memoria, es la esencia de esta historia circular. En el sutil trabajo de Gomes encontramos los gestos mínimos y las miradas profundas para describir la historia, fragmento a fragmento. Empezando por la portuguesa, una joven enamorada y confinada, inicialmente presa de su destino pero que rápidamente se abre al poderoso espectáculo del mundo, sus misterios y destinos. A su alrededor todo continúa destruyéndose, en cada batalla, en cada guerra, drama tras drama. Rita Azevedo trabaja la película con una sensibilidad extraordinaria, construyendo un imaginario sublime y misterioso en la relación entre el hombre y la mujer, la guerra y el amor, la realidad y el sueño. Esta serie de dicotomías nos devuelven el sentido de un cine antiguo y abstracto que desarrollaron las nuevas olas de todo el mundo. Encontramos, sin duda, las lecciones de [los cineastas] Manoel de Oliveira y Raoul Ruiz, de un cine de belleza abrumadora, de la espléndida fotografía de Acácio de Almeida a la utilización de la palabra como vórtice cinestésico del universo. Azevedo Gomes deja la guerra en el fuera de campo, generando un movimiento continuo de nuestra fragilidad en la que la existencia es un remolino de emociones sin aparente explicación.
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JUNIO · 2021
ESTRENO
LUX ÆTERNA
D: Gaspar Noé. 2019 · 51 min. · Color Francia Dist: Cine Caníbal.
Extractos de un texto de Joan Sala Filmin nov. 27, 2020 Cannes
«Cuando la presión es mucha, me convierto en un dictador en el set de rodaje». Es con esta frase de Rainer Werner Fassbinder que, acompañada de otras afirmaciones como las de [Carl Theodor] Dreyer, Gaspar Noé ilustra los sugestivos rótulos de los primeros compases de Lux Æterna. Y lo hace a la vez que, ocupando un mismo espacio, pero separadas por una pantalla dividida, Béatrice Dalle y Charlotte Gainsbourg se confiesan entre ellas a partir de anécdotas extremas que han vivido a lo largo de su carrera en un plató. Este primer acto sirve como hilarante preámbulo al histérico relato, entre bambalinas y en formato de documental ficcionalizado, en el que Dalle hace de enajenada productora y Gainsbourg de actriz sometida, incluso cosificada, en unas extremas y desbordadas exigencias de rodaje tanto por parte de producción como, sobre todo, de dirección. Y es ahí donde Noé incide para articular una suerte de homenaje metafórico y destructivo en el que las actrices son tratadas como brujas y los cineastas como una suerte de inquisidores, o como bien sugería Fassbinder, dictadores. De la estridencia y bullicio que caracterizan los sets de rodaje y que invaden los dos primeros tercios del mediometraje, pasamos, como no podía ser de otra forma, a un tramo final, a un clímax visual y sonoramente violento como inevitablemente hipnótico, cuyo carácter estroboscópico no es apto para epilépticos. Lux Æterna se convierte en una reflexión agresiva y provocadora que, más allá de homenajear y valorizar el estoicismo y persistencia que atañe a los actores cuando están a merced de las ambiciones de los directores, sirve como un acto confesional en el que el creador de Irreversible [2002] es consciente del costo que supone para el equipo artístico cristalizar los anhelos de quien busca la genialidad en su labor directoral.
ESTRENO
EL BESO EN EL ASFALTO
O Beijo no Asfalto D: Murilo Benício. 2018 · 98 min. · B/N Brasil Dist: República Pureza.
Extractos de un texto de Matheus Fiore Plano Aberto dic. 04, 2018 Brasil Traducción: Edgar Aldape Morales
CINETECA NACIONAL MÉXICO
Adaptar la obra de un artista tan consagrado como Nelson Rodrigues no es tarea fácil. La obra en cuestión ya tiene, inclusive, otra versión cinematográfica, dirigida por Bruno Barreto en 1981. Murilo Benício decidió, en su primer proyecto como director, hacer una nueva versión de la pieza [teatral] de 1960, El beso en el asfalto, de Rodrigues. Sin embargo, el camino elegido va más allá de ser una simple adaptación. La versión de Benício deconstruye el texto original para llegar a la esencia de la sociedad brasileña. Su película busca comprender el cosmos de la pieza original para extraer, desde su esencia, comentarios sobre nuestro pueblo. Esta nueva versión se diferencia desde sus primeros momentos, cuando el director decide filmar la claqueta que anuncia el inicio del rodaje, y la mesa que reúne al elenco para discutir el guion. El beso en el asfalto reconstruye parte de la trama original de Rodrigues, pero Benício no está interesado en la historia en sí, sino en su ADN. Benício quiere llegar a la génesis de la obra y extraer de ella un análisis del contexto social en el que fue producida. Algunos momentos ni siquiera se escenifican en un ambiente propio de la diégesis. Es como si el objetivo no fuera rescatar la obra, sino comprender su contexto de concepción. Siempre hay una ruptura entre la ficción y las reuniones del elenco. El beso en el asfalto fluctúa entre lo diegético y lo extradiegético prácticamente en todo el metraje. La fotografía en blanco y negro de Walter Carvalho permanece en los dos momentos. Con esta elección, además de exponer la máscara del cine, la película crea un sentido de unidad que da una de las pistas para entender la visión que Benício quiere establecer: la de que el Brasil actual y el Brasil de 1960 no son muy diferentes respecto a las cuestiones morales.
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JUNIO · 2021
MATTHIAS Y MAXIME
Matthias et Maxime D: Xavier Dolan. 2019 · 120 min. · Color Canadá Dist: Nueva Era Films.
Edgar Aldape Morales Cineteca Nacional may. 21, 2021 Ciudad de México
ESTRENO
Una de las cosas más enriquecedoras de Matthias y Maxime es la sobriedad con la que Xavier Dolan maneja las inseguridades juveniles. Si bien no renuncia a los momentos de histeria y estridencia de sus obras previas, sí los yuxtapone con otro tipo de catarsis, una más contenida. Muestra de ello es el deseo oprimido de los protagonistas, un abogado que busca consolidarse y un joven errante que quiere darle un respiro a su vida en otro país. El inofensivo beso que se dan gracias a la escena de un corto amateur, será el inicio de una exploración visceral sobre una edad en la que la vida parece tener cierta madurez, y a la que, muchas veces, le tenemos recelo. Dolan intenta esquivar ese recelo con un riguroso tratamiento visual y una saturación del color en sintonía a lo que le hace ser uno de los cineastas más ingeniosos de su generación. Aquí vuelven las imágenes al estilo del videoclip, momentos estridentes envueltos por canciones que van desde Phosphorescent y Arcade Fire hasta los Pet Shop Boys y Britney Spears, y ásperas discusiones que pueden culminar en golpes. No obstante, el quebequense privilegia su relato bajo una forma más lineal, centrado en la disyuntiva entre el deber ser y el querer ser. Esa dicotomía parece cobijarse bajo un concepto: la amistad. La amistad de un grupo de amigos que, entre bromas, juegos y fricciones, no hallan la forma de definir sus vidas; la amistad fracturada por un beso capaz de poner en jaque los sentimientos propios; o la amistad de una madre que ve al hijo de una familia disfuncional como uno propio. De ahí que, en un tono más sincero e íntimo, Matthias y Maxime nos regresa a un Xavier Dolan en su dimensión más personal a través de la letanía de una generación confundida, pero con un ímpetu y nostalgia depositados en esos amigos que nos cargan en los momentos difíciles.
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ÉRASE UNA VEZ EN VENEZUELA
D: Anabel Rodríguez Ríos. 2020 · 99 min. · Color Venezuela-AustriaReino Unido-Brasil, Dist: Artegios Distribución.
Extractos de un texto de Carlos Loureda Fotogramas ago. 25, 2020 España
CINETECA NACIONAL MÉXICO
Venezuela (con gran probabilidad, una de las palabras más utilizadas por los políticos españoles) parece provenir del nombre de una de sus islitas, llamada Veneci-uela y consignada en un mapa de Juan de la Cosa en 1499 (depositado actualmente en el Museo Naval de Madrid). Muchos otros creen que se debe a otro cartógrafo, italiano, el mismísimo Américo Vespucio, por las chozas nativas de los indígenas añú, construidas sobre pilares en las costas del Lago de Maracaibo, que le recordaban una pequeña Venecia. Y es en el sur del lago, en el pueblo Congo Mirador, donde Anabel Rodríguez Ríos, directora de este magnífico documental, ha instalado su cámara durante cinco años. Un paisaje impresionante, sublimado por la inspirada fotografía de John Márquez (Pelo malo, 2013), con fenómenos inimaginables, como el relámpago silente del Catatumbo, que se repite cada noche, o el bullicio del agua, cambiante y alegre por momentos o inquietante en otros que gracias al decorado sonoro de Daniel Turini (Quiero volver solo, 2014) vive cada espectador, como si estuviese en el mismo centro del lago. Sólo la belleza plástica de esta logradísima ópera prima, Érase una vez en Venezuela, ya le sitúa como uno de los documentales más hermosos, mejor fotografiados y con el mejor acabado sonoro, de toda la sección del festival de Málaga. Por otra parte, la tenacidad de Anabel Rodríguez Ríos, sus 400 horas de rodaje, la empatía hacia sus personajes y una orquestada narración hacen de él un elemento imprescindible en la comprensión de ese caos generalizado en el que se ha convertido este país, sumiendo a su población en una miseria generalizada y una profunda desesperación. [La película] es una crónica local que explica un fenómeno universal.
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JUNIO · 2021
MATINÉ INFANTIL
BAILARINA
Ballerina D: Eric Summer y Éric Warin. 2016 · 89 min. · Color Canadá-Francia Dist: Corazón Films.
Extractos de un texto de Marc Dominguez Reels of Cinema ene. 25, 2017 España
Bailarina comienza en un orfanato a las afueras de París. Allí, Félicie y Victor sueñan con escapar, viajar a la capital francesa y empezar una nueva vida donde puedan alcanzar sus metas. Unas metas esperanzadoras e inocentes que, no obstante, son atizadas por solemnes y demoledoras reflexiones como las de la madre superiora quien, sin ningún atisbo de duda, sentencia: «Los sueños nunca se hacen reales. Son sólo ilusiones… La vida es implacable». Más allá de paralizar a los protagonistas, esto los empuja para alejarse de ese lugar y llegar a París para iniciar su aventura. Félicie, quien lleva el baile en la sangre, está decidida a convertirse en bailarina profesional y triunfar en la Ópera de París. Muy pronto, conoce a una chica que se convierte en su mentora y aliada: Odette, quien en el pasado fue una gran bailarina, le abre las puertas a un mundo nuevo donde el trabajo duro y la disciplina serán clave para acercarse al sueño. Victor, en segundo plano, conoce de forma accidentada al ayudante de Gustave Eiffel y consigue estar en el taller del inventor. El mundo de la danza clásica es presentado con gran realismo gracias a las coreografías creadas con mucho detalle por Aurélie Dupont y Jérémie Bélingard, añadiendo algunas piruetas que en la vida real serían imposibles, pero que evidencian el trabajo duro y la evolución de Félicie. Un trabajo que la hará comprender su ímpetu para bailar, más allá de la admiración y pasión que siente por la danza. Por otro lado, Bailarina recrea el París de finales del siglo XIX con mucha precisión. Una época en la que Gustave Eiffel ya había empezado a trabajar en la Torre Eiffel y la Estatua de la Libertad, las cuales aparecen junto al edificio de la Ópera para ser testigos de la aventura de Félicie y su conflicto entre el instinto y la pasión, la técnica y el rigor.
FUNCIONES ESPECIALES
CINETECA NACIONAL MÉXICO
JEAN-LOUIS JORGE 11 y 12 DE JUNIO
LA SERPIENTE DE LA LUNA DE LOS PIRATAS
República Dominicana-Estados Unidos · 1973 · 73 min. D: Jean-Louis Jorge.
Las ideas obsesivas de una bailarina neurótica la llevan a perder el control de su existencia, que se debate entre la cotidianidad hogareña del día y su trabajo en un cabaret durante la noche. Dedicada a la actriz Greta Garbo, La serpiente de la luna de los piratas dio a conocer el extravagante y transgresor talento de Jean-Louis Jorge, cuya explosiva mezcla de pasión caribeña, glamour a lo Hollywood y noción histriónica de la escuela francesa se plasmaron en una obra que combina lo anecdótico con lo surreal.
MÉLODRAME
Francia · 1976 · 90 min. D: Jean-Louis Jorge.
Seleccionada para la Semana de la Crítica en Cannes 1976, Mélodrame vuelve al tema de la fractura entre fantasía y realidad, representados esta vez por el mundo del teatro y la cotidianidad de un actor narcisista y bisexual que confunde su propia vida con la del gran amante que interpreta. Jean-Louis Jorge remite, dentro de una estructura de rompecabezas, a los amores cinematográficos de los actores Pola Negri y Rodolfo Valentino, utilizando el estilo y las convenciones de la era del cine mudo.
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JUNIO · 2021
ESTRENO
SECRETARÍA DE CULTURA Secretaria ALEJANDRA FRAUSTO GUERRERO CINETECA NACIONAL Director General ALEJANDRO PELAYO RANGEL Director de Difusión y Programación NELSON CARRO Directora de Acervos DORA MORENO BRIZUELA Director de Administración y Finanzas VICENTE FERNANDO CÁZARES ÁVILES
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