Programa Mensual Noviembre 2012

ÍNDICE

Programación noviembre 2012

ESTRENOS

El sueño de Lu El velador Post tenebras lux Los refrigeradores

04 06 08 10

CONTINÚAN EN CARTELERA

Felícitas 12 Los labios 12 Moacir 13 No es una película 13 Pequeñas voces 14 Play. Juegos de hoy 14 Strella, más que una mujer 15 Videogramas de una revolución 15

MUESTRA

54 Muestra Internacional de Cine

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CICLOS

Universal cumple 100 años 28 DocsDF 36 Festival de Cine 4+1 38 Festival Internacional de Cine de Morelia 40

Reapertura

Sobre las salas de la Cineteca Nacional

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CONSEJO NACIONAL PARA LA CULTURA Y LAS ARTES

Presidente Consuelo Sáizar

CINETECA NACIONAL Directora General Paula Astorga Riestra Directora de Difusión y Programación Verónica OrtIz Cisneros Directora de Acervos Dora Moreno Brizuela Subdirector de Programación Nelson Carro Subdirector de Acervos CARLOS ÉDGAR TORRES PÉREZ Subdirectora de Investigación

Programación sujeta a cambios.

Para mayor información consulte www.cinetecanacional.net o llame al teléfono 4155 1190.

Las copias de las películas que se exhiben tienen la mejor calidad disponible. Dicha calidad puede variar debido a la diversidad de su procedencia y a su antigüedad.

El Programa Mensual es una publicación gratuita para informar sobre las películas que la Cineteca Nacional exhibe cumpliendo su misión de difundir la cultura fílmica. Los textos firmados son responsabilidad de sus autores.

Impresión: Digital Color Proof. Francisco Olaguibel 47, colonia Obrera, México, D.F.

Catherine Bloch Gerschel Subdirector de Documentación RAÚL MIRANDA LÓPEZ Jefe de Programación y Enlace Internacional

Portada: Fotograma de la película Moonrise Kingdom (Wes Anderson, Estados Unidos, 2012)

alejandro grande bonilla Jefa de Relaciones Públicas Anelena Rodríguez Cabrera

Programa Mensual de la Cineteca Coordinador editorial Abel Muñoz Hénonin

EUROPA CINEMAS / MEDIA Mundus

Editor José Luis Ortega Torres Jefe de redacción José Antonio Valdés Peña Diseño editorial Denia Nieto García Recopilación de imágenes Patricia Talancón Solorio Colaboradores Jorge martínez micher Raúl Miranda López Gustavo E. Ramírez israel ruiz arreola Diseño de anuncios daniela córdova rojas

Abreviaturas D: Dirección P: País, año G: Guión F en C: Fotografía en color F en B/N: Fotografía en blanco y negro M: Música E: Edición CP: Compañía(s) productora(s) Prod: Producción Dur: Duración Dist: Distribución PC: Procedencia de copia

ESTRENOS I El sueño de Lu

El sueño de Lu D y G: Hari Sama. P: México, 2011. F en C: Emiliano Villanueva. M: Darío González Valderrama. E: Mario Sandoval y Hari Sama. Con: Úrsula Pruneda (Lucía), Gerardo Trejoluna (Malik), María del Carmen Farías (Laura), Emilio Echevarría (Emilio), Moisés Arizmendi (Emilio, hijo), María Deschamps (Paola), Emiliano Magaña (Sebastián). CP: Catatonia Cine.

Prod: Sachiko Uzeta y Hari Sama. Dur: 106 min. Dist: Catatonia Cine.

El trauma, por definición, es aquello que se resiste a la simbolización. En un momento clave de El sueño de Lu, el segundo largometraje de Hari Sama, Lucía, que viene de un intento de suicidio después de la muerte de su hijo de cinco años por un aneurisma cerebral, asiste a un grupo terapéutico de madres y padres que han perdido a sus hijos (el grupo existe y excede a la ficción). Quien lleva adelante la sesión le explica que ni siquiera tenemos un vocablo que describa la experiencia de este tipo de pérdida. Existen los huérfanos, pero en español, como en otras lenguas, esa transgresión infinitamente dolorosa del orden natural que supone la muerte de un hijo es lingüísticamente estéril, una experiencia que ni siquiera puede conjurarse a través de una palabra. Sama tiene un desafío: ¿cómo filmar lo que no se nombra?, ¿cómo aproximarse decorosamente al duelo?

Dividida en tres actos denominados Primer, Segundo y Tercer movimiento, lo que remite al universo profesional de Lucía, que es guitarrista, la película simplemente sigue la

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El sueño de Lu I ESTRENOS

invisible pero constatable transformación de la protagonista. No es necesariamente una superación de esa experiencia innombrable, pero sí un sentido de afirmación. El encuentro con su madre, los paseos con su padre, las sesiones de terapia y un viaje simbólicamente fundamental a una zona marítima donde ocurren avistamientos de ballenas constituyen las acciones y situaciones que operan sobre la intimidad de Lucía.

Uno de los méritos de Sama es su aproximación prudente a la experiencia. La cámara no invade el relato, más bien acompaña con la distancia justa que suele ser necesaria frente a situaciones semejantes, lo que no impide que Sama decida “escribir” una escena fundamental, en la que Lucía se reconcilia inesperadamente con la música, a través de un plano secuencia arriesgado que cubre un espacio amplio e indica que el director eligió una puesta en escena discreta, impuesta por la naturaleza de la película.

Un plano sobre el altar donde descansan los restos del hijo perdido, en el que se ven figuras y esculturas hindúes, budistas y cristianas, más allá de su eclecticismo evidente, encierra una cifra del filme. Se trata, probablemente, de un área que cristaliza y ancla el dolor, y de cómo Lucía, en un trabajo notable de la actriz Úrsula Pruneda, puede establecer otra relación con ese espacio sagrado que detiene su duelo. El sueño de Lu registra ese movimiento espiritual cuando los vivos aprenden a soltar a los muertos sin dejar de amarlos.

Roger Koza Catálogo del Festival Internacional de Cine de la UNAM (FICUNAM), México, 2012.

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ESTRENOS I El velador

El velador D, G, F en C y Prod: Natalia Almada. P: México-Estados Unidos, 2011. E: Natalia Almada y Julien Devaux. CP: Altamura Films, American Documentary, Corporation for Public Broadcasting (CPB). Dur: 72 min. Dist: Cineteca Nacional.

La realizadora mexicana Natalia Almada (Al otro lado, El general) ha tenido una idea novedosa para El velador, su documental más reciente: evocar el clima de violencia imperante en una región sometida a la diaria confrontación de los cárteles del narcotráfico, mediante la crónica minuciosa de la actividad en un cementerio donde se yerguen, en toda su extravagancia y gusto dudoso, las tumbas y los remedos de mausoleo de algunos narcotraficantes y de algún policía presuntamente beneficiario del gran negocio de la droga. En la pequeña necrópolis sinaloense Jardines de Humaya reposan sicarios y grandes capos, viviendo su muerte con el fasto artificial con que vivieron una vida violenta, por lo general muy corta. La documentalista registra la rutina cotidiana de Martín, el velador del camposanto, sus faenas de limpieza y sus prolongados ratos de ocio frente al televisor que, con ecos próximos y lejanos, informa de los pormenores de una guerra absurda que multiplica delincuentes a un ritmo doble de aquel con que imagina eliminarlos.

El velador evoca la violencia sin hacer hablar a verdugos, víctimas o testigos. No hay entrevistas ni un punto de vista definido, ni juicios ni valoraciones críticas. Únicamente el

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El velador I ESTRENOS

registro de la cotidianidad en un microcosmos del país donde se yuxtaponen la opulencia y la miseria, el mal gusto y la indiferencia, la fanfarronería y el rencor social disimulado, las visitas plañideras de familiares de narcos y la rutina laboral de los desposeídos acostumbrados a convivir con la vanidad vulgar de los encumbrados. Culiacán es la zona de guerra, el sitio que se disputan con ánimo revanchista los cárteles de la droga, el lugar donde la carnicería obliga a la banda musical Los Tigres del Norte a cancelar sus conciertos. Y en ese panteón, que es jardín florido y despliegue de mármoles y vitrales, puede aparecer con toque siniestramente costumbrista la cabeza de un ajusticiado, a la puerta de la tumba del capo Arturo Beltrán Leyva, mientras el resto del cuerpo torturado se ubica un poco más lejos, en la tumba de Gonzalo, El Chalo, Guzmán. Como si se tratara de intercambios y mudanzas familiares, en eso que es la esencia del documental de Almada: la trivialización del horror de una guerra. A las letras de una canción popular, El sinaloense, sigue con ironía mordaz la melodía Te vas, ángel mío, interpretada por Cornelio Reyna.

Las ánimas de los desaparecidos rondan por el jardín mortuorio sinaloense, no con la fuerza y poesía visual con que otras ánimas pueblan el documental oscuro, chilango y festivo En el hoyo, de Juan Carlos Rulfo, sino con opacidad y casi en sordina, con algo de la violencia perturbadora y soterrada que deja entrever Verano de Goliat, de Nicolás Pereda.

El documental de Natalia Almada es una apuesta arriesgada, apartada por completo de los registros convencionales.

Carlos Bonfil La Jornada, México, 25 de mayo de 2012 Consulte cartelera en www.cinetecanacional.net

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ESTRENOS I Post tenebras lux

Post Tenebras Lux D y G: Carlos Reygadas. P: México-Francia-Países Bajos-Alemania. F en C: Alexis Zabé. E: Natalia López. Con: Adolfo Jiménez Castro (Juan), Nathalia Acevedo (Natalia), Willebaldo Torres (El Siete). CP: No Dream Cinema, Mantarraya Producciones, The Match Factory, FOPROCINE. Prod: Jaime Romandía, Michael Webery y Frans van Gestel. Dur: 120 min. Dist: ND Mantarraya.

En México hay bastantes detractores de Carlos Reygadas, y su cine película por película no hace más que alimentar la ira de estos: la mojigatería nacional indignada por la felatio inicial de Batalla en el cielo, el supuesto plagio tarkovskiano de Japón o la calca de Dreyer en Luz silenciosa. Reygadas no le teme al canon.

Estamos ante un provocador nato, un enfant terrible mexicano del siglo XXI, si acaso el único de nuestra época y probablemente uno de los pocos que el país ha producido. Desde Tequila de Rubén Gámez, ningún cineasta nacional había tenido el talento para producir imágenes tan bellas y contundentes como las que Reygadas crea.

Post tenebras lux tiene una bellísima secuencia inicial: una niña de unos tres años (Ruth, la hija del realizador) camina desorientada por el bello paisaje tepozteco, mientras una manada de toros y perros la rodea. Una tormenta se avecina, la niña parece desamparada ante la inmensidad del lugar, de la situación. Oscurece. La imagen es preciosista, devastadora. Funciona igual como alegoría y presagio de nuestra condición actual. En la entrevista que El Fanzine y yo realizamos, lo cuestionamos sobre la visión pesimista del filme:

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Post tenebras lux I ESTRENOS

No es pesimista, pretendo ser realista. Vivimos tiempos oscuros. En la película no deja de verse la belleza de la existencia incluso en los momentos oscuros. Y por otro lado, lo que para mucha gente es pesimismo, para mí es mera tranquilidad. El pesimismo en ciertas ocasiones da esperanza, hay gente que está viendo la verdad.

La condición mexicana –la heterogeneidad, el carácter violento y festivo del mexicano– persiste en su nueva película. Después del descanso poético que significó Luz silenciosa, es indudable el impacto que Este es mi reino ha tenido en su filmografía. Si un cineasta quiere capturar esa bipolaridad nacional, tiene cierta lógica que el acogimiento de sus películas sea igual de radical.

No esperemos respuestas sencillas. Mejor dicho, ni siquiera esperemos respuestas. Al igual que en el cine de Gámez, en Post tenebras lux, las imágenes hablan por sí solas, por más contradictorias que parezcan: una orgía en el sur de Francia, unos niños jugando rugby, el diablo saliendo de una habitación, una pareja y sus hijos en Tepoztlán. Esta serie de viñetas sólo podrían encontrar cabida en una bella pesadilla como a la que nos enfrentamos, fotografiada con maestría por Alexis Zabé y dirigida por un obsesivo e impulsivo realizador.

«Yo siento que ahora tenemos un deber absoluto de ver lo que está pasando en nuestro país con los ojos bien abiertos. Yo pienso que mucho de lo que nos ocurre se debe a cien años de hablar sobre nuestro nacionalismo. Los supuestos optimistas son los verdaderos pesimistas», nos dice Reygadas.

Post tenebras lux parece ser una apresurada respuesta al mal que nos aqueja: la negación de nuestro estado actual. Reygadas trata de combatir eso que Octavio Paz expresó alguna vez: «la indiferencia del mexicano ante la muerte se nutre de su indiferencia ante la vida».

Fragmentos de un texto de Ariel Gutiérrez.

El Fanzine (elfanzine.tv), México, 23 de octubre de 2012 Consulte cartelera en www.cinetecanacional.net

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FUNCIÓN ESPECIAL I Los refrigeradores

Los refrigeradores Heiße Nächte – Kühle Schränke D y F en C: Thomas Lehner. P: Austria-Cuba, 2012. G: Reinhard Jud y Thomas Lehner. M: Mego, D.J. Alex, El Médico. E: Sigi Stutz y Thomas Lehner. CP: Thomas Lehner Film Production. Prod: Thomas Lehner. Dur: 95 min.

Cuba on the rocks. Naturalmente es servido en cocteles en la playa o en el bar. Pero para los residentes de la isla caribeña, mantener cosas en estado frío y sólido es un asunto de supervivencia, una lucha constante. Un documental sobre un lugar en el mundo en el cual los refrigeradores son mucho más que objetos. Se les restaura y se les mantiene en perfecto estado. Hasta son heredados de una generación a otra. Éstos conforman el epicentro de la vida diaria en los hogares y confrontan a sus propietarios con las carencias de energía de un lugar aislado del mundo justo al final de la Guerra Fría. En Cuba ya no se intercambia azúcar por combustible: ahora es el hielo el supremo valor.

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CONTINúAN EN CARTELERA

Felícitas D, G y E: Érika Araujo. P: México, 2012. F en C: Carlos García, Rodrigo García y Édgar Hernández. M: Jethro Carbonell.

Testimonios: Irene Aguilar (policía), Mirna Becerra (minera), Claudia Canela (oftalmóloga), Felipe Nava (campesina nahua), Guadalupe (trabajadora doméstica). CP: Kalafilmes. Prod: Érika Araujo. Dur: 70 min. Dist: Kalafilmes.

A través de sus pensamientos, sus secretos, su alegría y su dolor nos adentramos en el universo de cinco historias, cinco verdades, cinco mujeres en la búsqueda de la felicidad. En un país en donde la discriminación, la explotación, la violencia, el acoso y la falta de oportunidades forman parte de la más pura y brutal cotidianeidad. Una muestra de entereza, fortaleza y lucha por la vida.

Los labios D y G: Iván Fund y Santiago Loza. P: Argentina, 2010. F en C: María Luisa Collasso. E: Lorena Moriconi. Con: Eva Bianco, Raúl Lagge, Victoria Raposo y Adela Sánchez. CP: Morocha Films. Prod: Iván Eibuszyc, Iván Fund y Santiago Loza. Dur: 100 min. Dist: Cineteca Nacional.

Tres trabajadoras sociales viajan hacia un olvidado paraje de la provincia argentina para atender las necesidades de una comunidad, teniendo como base un hospital abandonado. Filmada como si de un documental se tratara, la cinta es una oportunidad para sus creadores de criticar duramente las políticas sociales de su país en cuanto al combate a la pobreza se refiere, mientras descubren, entre el fango y la miseria, las muchas voces de aquellos que nunca han tenido la oportunidad de expresarse.

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CONTINúAN EN CARTELERA

Moacir D: Tomás Lipgot. P: Argentina, 2011. G: Javier Zevallos, basado en una idea de Tomás Lipgot. F en C: Víctor Narváez y Tomás Lipgot. M: de Moacir dos Santos, con arreglos de Sergio Pángaro e interpretación del grupo La Lija. E: Javier Zevallos y Bruno López. CP: Duermevela, Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), Fundación Universidad del Cine (FUC), Embajada de Brasil. Prod: Nadia Martínez y Tomás Lipgot. Dur: 75 min. Dist: Latinópolis.

Moacir Dos Santos llegó a Argentina, proveniente de Brasil, hace casi tres décadas. Sin trabajo y entregado a diversos excesos, fue internado con diagnóstico de esquizofrenia paranoide en un hospital psiquiátrico. Allí lo conoció al cineasta Tomás Lipgot, quien trabajaba en otro documental. Beneficiado por la atención recibida en el lugar, a sus 65 años, Moacir piensa dejar los fantasmas atrás grabando un disco de canciones propias que estuvieron, como él, perdidas largos años. Un filme que es tanto el retrato de un ser excepcional como un reconocimiento a los poderes curativos de la música.

No es una película In film nist D y F en C: Jafar Panahi y Mojtaba Mirtahmasb. P: Irán, 2010. G, E y Prod: Jafar Panahi. Testimonio: Jafar Panahi.

CP: Jafar Panahi Film Productions. Dur: 75 min. Dist: Cineteca Nacional.

Mientras espera el veredicto de apelación a la condena que lo inhabilitaría durante 20 años para dirigir cine y lo enviaría durante seis años a prisión, el cineasta Jafar Panahi es retratado en su vida cotidiana por Mojtaba Mirtahmasb, documentalista y antiguo colaborador. Panahi recurrió entonces a la realización de una “no-película” que trasciende lo íntimo para convertirse tanto en una denuncia sobre la situación desesperada de los cineastas iraníes ante la censura oficial como en la afirmación de la resistencia creativa y la libertad intelectual ante la tiranía y la represión.

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CONTINúAN EN CARTELERA

Pequeñas voces D y G: Jairo Carrillo y Óscar Andrade. P: Colombia, 2010. M: Songo Studio. E: Juan Felipe Orozco, Carlos Esteban Orozco y Daniel Camilo Gómez. CP: e-nnovva / RCN Cine, Cachupedillo Cine, Jaguar Taller Digital S.A. Prod: Jairo Carrillo, Óscar Andrade, Julián Giraldo, Harold Trompetero, Carolina Angarita. Dur: 110 min. Dist: Cineteca Nacional.

Pequeñas voces es una película basada en entrevistas y dibujos de una generación de niños desplazados (de 8 a 13 años de edad) que crecieron en medio de la violencia y el caos en Colombia. Los cuatro protagonistas, a través de sus testimonios, nos revelan cómo perciben su realidad. Las historias de ellos cuatro han sido ilustradas y animadas teniendo como base sus dibujos originales, donde compartieron su viaje, sus sueños y esperanzas.

Play. Juegos de hoy Play D: Ruben Östlund. P: Suecia-Dinamarca-Finlandia, 2011. G: Erik Hemmendorff y Ruben Östlund. F en C: Marius Dybwad Brandud. M: Saunder Jurriaans y Daniel Bensi. E: Jacob Secher Schulsinger. Con: Kevin Vaz, Yannick Diakité, Abdiaziz Hilowle, John Ortiz, Nana Manu, Anas Abdirahman, Sebastian Hegmar. CP: Plattorm Produktion, Film i Väst. Prod: Erik Hemmendorff y Philippe Bober. Dur: 118 min. Dist: Cineteca Nacional.

Un historia sobre un caso de acoso escolar. En Gotemburgo, Suecia, un grupo de adolescentes –entre 12 y 14 años– cometieron una serie de asaltos en más de 40 ocasiones entre 2006 y 2008 en un centro comercial. Los ladrones se basaron en una elaborada estafa que llamaron “el pequeño hermano” o “el truco del hermano” la cual consistía en un avanzado juego de rol y retórica de pandilla más que en violencia física.

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CONTINúAN EN CARTELERA

Strella, más que una mujer Strella D: Panos Koutras. P: Grecia, 2009. G: Panayiotis Evangelidis y Panos Koutras. F en C: Olympia Mitilinaiou. M: Mikael Delta. E: Yiannis Chalkiadakis. Con: Mina Orfanou (Strella), Yiannis Kokkiasmenos (Yiorgos), Minos Theoharis (Alex), Akis Ioannou (Wilma), Argiris Kavidas (Nikos), Yiorgos Mazis (Kolokousis), Konstadinos Siradakis (Antonis). Prod: 100% Synthetic Films, Panos Koutras, Eleni Kossifidou. Dur: 113 min. Dist: Cineteca Nacional.

Tras salir de prisión, Yiorgos regresa a Atenas con la intención de rehacer su vida, sin imaginar que en su camino se encontrará con Strella, una prostituta transexual y cantante de cabaret, mezcla de María Callas y Cher. El buen corazón de Strella gana el amor del protagonista, sin saber que el destino revelará un nexo desconocido entre ambos. Los bajos fondos de Atenas enmarcan esta transgresora historia de amor con reminiscencias mitológicas de la antigua Grecia.

Videogramas de una revolución Videogramme einer Revolution D y G: Harun Farocki. P: Alemania, 1992. E: Egon Bunne. CP: Filmproduktion, Bremer Institut Film/Fernsehen Produktionsgesellschaft GmbH, Berliner Filmförderung. Prod: Ulrich Ströhle y Harun Farocki. Dur: 106 min.

En 1989 la historia misma tomó lugar ante los ojos de toda Europa. La televisión, tomada por los revolucionarios, emitió en vivo la caída del régimen de Nicolae Ceauşescu en Rumania, así como su arresto y ejecución. Este documental fue realizado a partir de la recopilación de videos de aficionados y programas de televisión, y en él, Farocki vuelve a señalar la importancia de la imagen y cuestiona la forma en que el medio visual trabaja sobre contenidos que escapan al espectro de lo filmado para servir a otros intereses.

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54ª Muestra Internacional de Cine I MUESTRA

Macario D: Roberto Gavaldón. P: México, 1959. G: Emilio Carballido y Roberto Gavaldón, basados en un relato de B. Traven y un cuento de los hermanos Grimm. F en B/N: Gabriel Figueroa. M: Raúl Lavista. E: Gloria Schoemann. Con: Ignacio López Tarso (Macario), Pina Pellicer (mujer de Macario), Enrique Lucero (la Muerte), Mario Alberto Rodríguez (don Ramiro), Eduardo Fajardo (virrey), José Gálvez (el Diablo), José Luis Jiménez (Dios). CP: CLASA Films. Prod: Armando Orive Alba y José Luis Celis. Dur: 90 min. Dist: Cineteca Nacional / Fundación Televisa.

En tiempos del Virreinato un humilde leñador que compartió por caridad un trozo de guajolote asado con la Muerte se vuelve depositario de un elíxir capaz de devolver la salud incluso a los moribundos, un don que volverá su vida una pesadilla. Clásico indiscutible del cine mexicano donde la sobriedad narrativa y el universo trágico de Roberto Gavaldón son cobijados por la extraordinaria labor fotográfica de Gabriel Figueroa, capaz de transmitir la atmósfera fantástica del filme, con el cual México contendió por primera vez en los Óscares en 1961.

Moonrise Kingdom: Un reino bajo la Luna Moonrise Kingdom D: Wes Anderson. P: Estados Unidos, 2012. G: Wes Anderson y Roman Coppola. F en C: Robert D. Yeoman. M: Alexandre Desplat. E: Andrew Weisblum. Con: Jared Gilman (Sam Shakusky), Kara Hayward (Suzy Bishop), Bruce Willis (capitán Sharp), Edward Norton (líder scout Ward). CP: Scott Rudin Productions, American Empirical Pictures, Moonrise, Indian Paintbrush. Prod: Jeremy Dawson, Scott Rudin, Wes Anderson y Steven M. Rales. Dur: 94 min. Dist: Caníbal / Universal.

Wes Anderson vuelve patente aquel recuerdo idílico de los campamentos de verano infantiles a partir de la historia de Sam y Suzy, dos niños de doce años que se enamoran en el verano de 1965 en una isla de Nueva Inglaterra. Después de un pacto secreto, al año siguiente deciden escapar juntos hacia terrenos inexplorados. Tanto los scouts, sus familias y la policía deciden ir por ellos, pero una tormenta se avecina a la costa y la paz que caracteriza a la isla se ve alterada en todos los sentidos.

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MUESTRA I 54ª Muestra Internacional de Cine

Elefante blanco D: Pablo Trapero. P: Argentina-España, 2012. G: Alejandro Fadel, Martín Mauregui, Santiago Mitre y Pablo Trapero. F en C: Guillermo Nieto. M: Michael Nyman. E: Andrés P. Estrada y Nacho Ruiz Capillas. Con: Ricardo Darín (Julián), Jérémie Renier (Nicolas), Martina Gusman (Luciana). CP: Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), Canal + España, Wild Bunch. Prod: Alejandro Cacetta y Pablo Trapero.

Dur: 110 min. Dist: Caníbal.

La extrema pobreza subyace bajo el esplendor de la mayoría de las grandes ciudades cosmopolitas. En Villa Lugano, en el sur de Buenos Aires, el elefante blanco es una estructura semiabandonada cuyo destino en los años treinta era ser el hospital más grande de Latinoamérica. Hoy, habitado por cientos de personas en condiciones de miseria y marginación, el edificio y sus alrededores son el escenario en el que Julián y Nicolas, dos sacerdotes católicos, uno local y el otro extranjero, que trabajan con la población, se enfrentan a la corrupción, la violencia del narcotráfico y los intereses políticos para encontrar brechas que rediman su propio pasado.

Los mejores temas D, G y E: Nicolás Pereda. P: México-Canadá-Países Bajos, 2012. F en C: Alejandro Coronado y Pedro Gómez Millán. M: Variaciones Goldberg de Johann Sebastian Bach, ¿Dónde está ese amor? de Carlos Mata. Con: Gabino Rodríguez, Teresa Sánchez, José Rolo Rodríguez, Luis Rodríguez, Francisco Barreiro, Luisa Pardo, Carmen Elena Villacorta. CP: Interior 13, IMCINE, CONACULTA, FOPROCINE, Hubert Bals Fund, Canada Council for the Arts, Ontario Arts Council, Programa de Jóvenes Creadores FONCA, Bambú Audiovisual, Burning Blue. Prod: Sandra Gómez y Maximiliano Cruz. Dur: 103 min. Dist: Interior 13 Cine.

Mezclando ficción con documental, Los mejores temas cuenta la historia de Emilio, un hombre en sus cincuenta que regresa a casa luego de quince años de abandono. Su esposa Tere y su hijo Gabino, de veintiocho años, lo reciben con recelo y confusión. Luego de un par de días, deciden echar a Emilio de la casa, pero se percatan de que él ya se ha marchado por cuenta propia. Días después, Gabino busca a su padre y pasa con él un par de días en su departamento.

Marley D: Kevin Macdonald. P: Estados Unidos-Reino Unido, 2012. F en C: Mike Eley, Alwin H. Küchler y Wally Pfister. M: Bob Marley & The Wailers. E: Dan Glendenning. Testimonios: Ziggy Marley, Jimmy Cliff, Cedella Marley, Rita Marley, Lee Perry, Cindy Breakspeare, Lee Jaffe, The Wailers. CP: Magnolia Pictures, Shangri-La Entertainment, Tuff Gong Productions. Prod: Steve Bing y Charles Steel. Dur: 144 min. Dist: Interior 13.

El legado que Bob Marley dejó a la historia de la música es único e inigualable. Además de poner a Jamaica en el mapa y al reggae en los oídos de todo el mundo, fue un líder social que difundió la cultura rastafari y se convirtió en un profeta político al conciliar posturas opuestas. A través de viejo material de archivo, presentaciones en vivo nunca antes vistas, música inédita y entrevistas reveladoras con familiares, amigos y gente cercana a él, Marley es la historia definitiva del músico, revolucionario y hombre, desde sus comienzos hasta su ascenso al reconocimiento internacional.

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54ª Muestra Internacional de Cine I MUESTRA

Una luz en la oscuridad W ciemnosci ´ D: Agnieszka Holland. P: Polonia-Alemania-Canadá, 2011. G: David F. Shamoon, basado en el libro In the Sewers of Lvov, de Robert Marshall. F en C: Jolanta Dylewska. M: Antoni Komasa-Łazarkiewicz. E: Michał Czarnecki. Con: Robert Więckiewicz (Leopold Socha), Kinga Preis (Wanda Socha), Benno Fürmann (Mundek Margulies).

CP: The Film Works, Studio Filmowe Zebra, Schmidtz Katze Filmkollektiv. Prod: Steffen Reuter, Patrick Knippel, Marc-Daniel Dichant, Leander Carell, Juliusz Machulski, Paul Stephens y Eric Jordan. Dur: 145 min. Dist: Zima Entertainment.

Polonia, 1943: Leopold Socha, trabajador en las alcantarillas de la ciudad de Lvov y ladronzuelo, descubre a un grupo de judíos escondiéndose en el drenaje de las atrocidades de la ocupación nazi. Durante meses les brindará refugio a cambio de dinero, sin imaginar la transformación que su conciencia sufrirá tras la experiencia. Agnieszka Holland encuentra en esta historia verídica de redención y supervivencia lo necesario para orquestar una reflexión sobre la complejidad de la condición humana, llevada al límite en un mundo donde cualquiera es víctima y victimario a la vez.

La Sirga D y G: William Vega. P: Colombia-Francia-México, 2012. F en C: Sofía Oggioni Hatty. E: Miguel Schvenfinger. Con: Joghis Arias (Alicia), Julio César Roble (Óscar), David Guacas (Mirichis), Floralba Achicanoy (Flora), Heraldo Romero (Freddy). CP: Contravía Films, Film Tank, Ciné-Sud Promotion. Prod: Óscar Ruiz Navia y Édgar San Juan. Dur: 89 min. Dist: Cineplex.

El recuerdo de una guerra que la dejó sin nada y la exilió de su comunidad de origen, atormenta a Alicia, de poco más de quince años, quien intenta rehacer su vida en La Sirga, un hostal decadente a orillas de La Cocha, una gran laguna en lo alto de los Andes. El dueño del lugar es el único familiar que conserva con vida: Óscar, un viejo huraño y solitario. Ahí, en una playa fangosa e inestable que alguna vez fue paradero turístico, Alicia buscará echar raíces hasta que sus miedos y la amenaza de la guerra aparezcan una vez más.

Cosmópolis Cosmopolis D y G: David Cronenberg, basado en la novela homónima de Don DeLillo. P: FranciaCanadá-Portugal-Italia, 2012. F en C: Peter Suschitzky. M: Howard Shore. E: Ronald Sanders. Con: Robert Pattinson (Eric Packer), Juliette Binoche (Didi Fancher), Sarah Gadon (Elise Shifrin). CP: Alfama Films Production, Prospero Pictures, Kinologic Films, France 2 Cinéma, Téléfilm Canada y Talandracas. Prod: Paulo Branco y Martin Katz.

Dur: 108 min. Dist: Zima Entertainment.

Nueva York está convulsionada: la era del capitalismo está vislumbrando su pronto final. Eric Packer, el “niño maravilla” de las altas finanzas se refugia en su limusina blanca, mientras que una visita del presidente de los Estados Unidos paraliza Manhattan. Eric tiene una obsesión: cortarse el cabello con su peluquero justo en el otro extremo de la ciudad. Conforme transcurre el día el caos se apodera de todo, mientras él observa impotente cómo su imperio se colapsa. Además, está seguro de que alguien lo asesinará. Ahora está a punto de vivir 24 horas que serán decisivas en su vida.

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MUESTRA I 54ª Muestra Internacional de Cine

La voz dormida D: Benito Zambrano. P: España, 2011. G: Benito Zambrano e Ignacio del Moral, basados en la novela homónima de Dulce Chacón. F en C: Álex Catalán. M: Magda Rosa Galván y Juan Antonio Leyva. E: Fernando Pardo. Con: Inma Cuesta (Hortensia), María León (Pepita), Marc Clotet (Paulino), Daniel Holguín (Felipe), Lola Casamayor (Reme), Ana Wagener (Mercedes). CP: Maestranza Films, Warner Bros., Audiovisual Aval SGR. Prod: Antonio P. Pérez. Dur: 128 min. Dist: Cinemas Nueva Era.

Pepita, una joven andaluza, llega a Madrid para trabajar como asistente doméstica y así ayudar a Hortensia, su hermana embarazada y presa en Las Ventas –donde dará a luz– por sus actos antifranquistas. A partir de esta historia ubicada en la posguerra española, Benito Zambrano rinde homenaje a aquellas mujeres que sufrieron no sólo por defender sus ideales frente al totalitarismo, sino también porque siendo madres, hijas y esposas, fueron condenadas a que su exilio interior impidiera algo tan humano como llorar y enterrar a sus muertos.

La demora D: Rodrigo Plá. P: Uruguay-México-Francia, 2012. G: Laura Santullo. F en C: María Secco. M: Leonardo Heiblum y Jacobo Lieberman. E: Miguel Schverdfinger. Con: Roxana Blanco (María), Carlos Vallarino (Agustín), Óscar Pernas (Néstor). CP: Memento Films Production, Malbicho Cine, Lulu Producciones. Prod: Christian Valdelièvre, Sandino Saravia Vinay y Rodrigo Plá. Dur: 84 min. Dist: Cinemas Nueva Era.

Montevideo. Conforme el anciano Agustín es cada día más senil, su dependencia hacia María, la madura hija divorciada y con dos hijos que se ocupa de él, es más pronunciada. Pronto la presión económica y social que genera la presencia del padre conduce a la desesperada hija al borde de una decisión difícil de tomar. La demora es el primer largometraje que el director mexicano hijo de migrantes Rodrigo Plá realiza por completo en su país natal.

Amour D y G: Michael Haneke. P: Francia-Austria-Alemania, 2012. F en C: Darius Khondji.

M: Franz Schubert, Ludwig van Beethoven y Johann Sebastian Bach, interpretados por Alexandre Tharaud. E: Monika Willi y Nadine Muse. Con: Jean-Louis Trintignant (Georges), Emmanuelle Riva (Anne), Isabelle Huppert (Eva), Alexandre Tharaud (Alexandre), Geoff William Shimell (Geoff). CP: Les Films du Losange, Wega Film, X-Film Creative Pool. Prod: Margaret Menegoz, Stefan Arndt, Veit Heiduschka y Michael Katz. Dur: 127 min. Dist: ND Mantarraya.

Ganadora de la Palma de Oro en el Festival de Cannes 2012, la cinta nos introduce en la historia de un amor al final de sus días. Georges y Anne son un matrimonio octogenario de profesores de música jubilados, interpretado por dos leyendas del cine francés: Jean-Louis Trintignant y Emmanuelle Riva. Su única hija, Eva, quien comparte su vocación musical, vive en el extranjero con su familia. Cuando Anne sufre un ataque que pone en riesgo su vida, el lazo de amor que une a la pareja deberá enfrentarse a una difícil prueba.

20 I Programa mensual noviembre

54ª Muestra Internacional de Cine I MUESTRA

En otro país Dareun naraesuh D y G: Hong Sang-soo. P: Corea del Sur, 2012. F en C: Jee Yun-jeong, Park Hong-yeol.

M: Jeong Yong-jin. E: Won Hahn-sung. Con: Jung Yoo-mi (Won-ju), Isabelle Huppert (Anne), Yoo Jun-Sang (salvavidas), Kwon Hae-hyo (Jong-soo), Moon So-ri, Moon Sungkeun. CP: Jeonwonsa Film. Prod: Kim Kyoung-hee. Dur: 89 min. Dist: ND Mantarraya.

Para distraerse de sus problemas monetarios y liberar estrés, Won-ju, una joven estudiante de cine esboza tres diferentes versiones de un guión, protagonizado siempre por una elegante y a la vez garbosa mujer francesa que viaja al puerto surcoreano de Mohang. Aunque en un principio las historias podrían desarrollarse en dimensiones diferentes, esta primera colaboración del coreano Sang-soo con la francesa Isabelle Huppert guarda más simetrías metaficcionales de lo que uno podría imaginar, demostrando así que estamos destinados a cometer el mismo error una y otra vez.

Diario de Francia Journal de France D y G: Claudine Nougaret y Raymond Depardon. P: Francia, 2009. F en C y B/N: Raymond Depardon. E: Simon Jacquet. CP: Palmeraie et désert, France 2 Cinéma.

Prod: Claudine Nougaret. Dur: 100 min. Dist: Cineteca Nacional.

Raymond Depardon dedicó cuatro años a tomar fotografías de amplio formato por todo el territorio francés para una exposición en la Biblioteca Nacional de Francia. En ese periodo Claudine Nougaret revisó y redescubrió pietaje desconocido del acervo de su marido: sus primeros pasos con la cámara, sus reportajes alrededor de todo el mundo para la televisión, pedacitos de sus recuerdos y de eventos de la segunda mitad del siglo XX. Con estos dos extremos construyen una película que contrasta el amor con el devenir de la historia.

La caza Jagten D: Thomas Vinterberg. P: Dinamarca-Suecia, 2012. G: Tobias Lindholm y Thomas Vinterberg. F en C: Charlotte Bruus Christensen. M: Nikolaj Egelund. E: Anne Østerud y Janus Billeskov Jansen. Con: Mads Mikkelsen (Lucas), Thomas Bo Larsen (Theo), Annika Wedderkopp (Klara), Lasse Folgelstrøm (Marcus), Susse Wold (Grethe). CP: Zentropa, Film i Väst. Prod: Morten Kaufmann y Sisse Graum Jørgensen. Dur: 111 min. Dist: Canana.

Tras un divorcio complicado, Lucas reinicia su vida con una nueva novia y un nuevo trabajo en un kínder, al tiempo que intenta reconstruir la relación con Marcus, su hijo adolescente. Pero algo sale mal: de repente se ve envuelto en un escándalo de abuso infantil. Así, en medio de la nieve y las luces navideñas, la mentira se extiende y la comunidad se sume en una histeria colectiva, producto de la sorpresa y la desconfianza, mientras Lucas se ve obligado a luchar por su dignidad y su vida.

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MUESTRA I 54ª Muestra Internacional de Cine

En la niebla V tumane D: Serguéi Loznitsa. P: Alemania-Rusia-Letonia-Bielorrusia-Países Bajos, 2012. G: Serguéi Loznitsa, basado en la novela homónima de Vasil Bykaŭ. F en C: Oleg Mutu.

E: Danielius Kokanauskis. Con: Vladímir Svirski (Sushenia), Vladislav Abashin (Búrov), Serguéi Kólesov (Vóitik), Vlad Ivanov (Grossmeier). CP: ma.ja.de. fiction, GP Film, Rija Filml, Belarusfilm, Lemming Film. Prod: Heino Deckert. Dur: 127 min. Dist: Cineteca Nacional.

La ocupación nazi de Bielorrusia, en la antigua Unión Soviética, tuvo una fuerte resistencia de parte de los locales. Tras el descarrilamiento intencional de un tren, Sushenia, un aldeano inocente, es arrestado junto con un grupo de saboteadores. El militar alemán a cargo del asunto lo deja libre, pero ahorca a todos los demás presos. Entonces corren rumores de que Sushenia es un traidor y los partisanos Búrov y Vóitik vienen del bosque por él. Mientras se lo llevan son emboscados y Sushenia se encuentra cara a cara con un enemigo herido. Entonces decide ayudarlo pase lo que pase.

El viento Csak a szél D y G: Benedek Fliegauf. P: Hungría-Alemania-Francia, 2012. F en C: Zoltán Fliegauf. M: Benedek Fliegauf y Tamás Beke. E: Xavier Box. Con: Katalin Toldi (Mari), Gyöngyi Lendvai (Anna), Lajos Sárkány (Rio), György Toldi (abuelo), Gyula Horváth (Ali). CP: Inforg-M&M Film, The Post Republic, Paprika Films. Prod: András Muhi y Monika Mécs. Dur: 91 min. Dist: Cineteca Nacional.

Inspirado en una serie de asesinatos cometidos en Hungría, que cobraron la vida de varias personas en menos de un año, Benedek Fliegauf construye un thriller rural sobre una familia gitana que ve amenazada su vida cuando un grupo de “cazadores” comienza a cometer crímenes racistas en contra de gente de ese grupo, quemando sus casas y matando a sus habitantes. La espera se prolonga y los días se van llenando de miedo. Al anochecer, la familia junta sus camas para protegerse. Pero escapar de la locura racista es muy difícil.

Holy Motors: Vidas extrañas Holy Motors D y G: Leos Carax. P: Francia-Alemania, 2012. F en C: Caroline Champetier e Yves Cape. M: Neil Hannon. E: Nelly Quettier. Con: Denis Lavant (señor Oscar), Edith Scob (Céline), Eva Mendes (Kay M.), Kylie Minogue (Eva / Jean), Élise Lhomeau (Léa / Élise), Jeanne Disson (Angèle), Cordelia Piccoli (hombre con la marca de nacimiento). CP: Pierre Grise Production, Théo Films, Arte France Cinéma, Pandora Filmproduktion, WDR/Arte. Prod: Martine Marignac, Albert Prévost y Maurice Tinchant. Dur: 115 min. Dist: Cineteca Nacional.

Desde el amanecer hasta la noche, el señor Oscar viaja de vida en vida, interpretando a varios personajes con identidades completamente distintas: es un ejecutivo, un asesino, un mendigo, un monstruo, un padre de familia...

Está solo, únicamente acompañado por Céline, la mujer que conduce el inmenso vehículo que lo trasporta por París y sus alrededores, en busca de la belleza de un gesto, la misteriosa fuerza motora, las mujeres y fantasmas de su pasado. Pero, ¿dónde está su verdadera casa, su familia, su paz?

22 I Programa mensual noviembre

54ª Muestra Internacional de Cine I MUESTRA

Gebo y la sombra Gebo et l’ombre D y G: Manoel de Oliveira, inspirado en una pieza teatral de Raul Brandão. P: Portugal-Francia, 2011. F en C: Renato Berta. E: Valérie Loiseleux. Con: Michael Lonsdale (Gebo), Claudia Cardinale (Doroteia), Ricardo Trêpa (João), Leonor Silveira (Sofia), Jeanne Moreau (Candidinha), Luís Miguel Cintra (Chamiço), Bastien Guio (vecino).

CP: O Som e a Fúria, MACT Productions. Prod: Luis Urbano y Martine de ClermontTonerre. Dur: 95 min. Dist: Cineteca Nacional.

Inspirado en una pieza teatral del dramaturgo modernista portugués Raul Brandão, Manoel de Oliveira, el cineasta en activo más longevo del mundo, relata la historia de un viejo contador parisino de principios del siglo XX, quien ha ocultado a su mujer la mendicidad en que vive el hijo de ambos. Su regreso al hogar tendrá fatídicas consecuencias. Filme realizado como una pintura que cobra vida, el cineasta portugués encuentra en este relato del pasado fuertes ecos en el presente, al abordarse en la historia temas como la crisis económica en un mundo en el cual el dinero rige las relaciones.

Paraíso: Amor Paradies: Liebe D: Ulrich Seidl. P: Austria-Alemania-Francia, 2012. G: Ulrich Seidl y Veronika Franz.

F en C: Wolfgang Thaler y Ed Lachman. E: Christof Schertenleib. Con: Margarethe Tiesel (Teresa), Peter Kazungu (Munga), Inge Maux (amiga de Teresa). CP: Ulrich Seidl Filmproduktion, Tatfilm, Société Parisienne de Production, Österreichisches Filminstitut. Prod: Philippe Bober, Christine Ruppert y Ulrich Seidl. Dur: 120 min. Dist: ND Mantarraya / Interior 13 Cine.

En las playas de Kenia se conoce como sugar mammas a las mujeres europeas que buscan a los jóvenes africanos que se prostituyen para ganarse la vida. Teresa, una austriaca de 50 años y madre de una chica que está entrando en la pubertad, viaja de vacaciones a aquel paraíso.

Ahí, va de un chico a otro, de una decepción a otra, hasta que finalmente reconoce que en las playas de Kenia el amor es un negocio. Paraíso: Amor toca, no sin algunas dosis de humor, diferentes aspectos relacionados al turismo sexual. Éste es el inicio de una trilogía: tres historias sobre tres mujeres de una misma familia.

Paraíso: Fe Paradies: Glaube D: Ulrich Seidl. P: Austria-Alemania-Francia, 2012. G: Ulrich Seidl y Veronika Franz.

F en C: Edward Lachman y Wolfgang Thaler. E: Christof Schertenleib. Con: Maria Hofstätter (Anna Maria), Nabil Saleh (su esposo), Natalya Baranova, Rene Rupnik.

CP: Ulrich Seidl Film Produktion GmbH, Tatfilm, Société Parisienne de Production.

Prod: Ulrich Seidl. Dur: 113 min. Dist: Cineteca Nacional.

Un filme que explora lo que significa cargar con una cruz. Para hacerlo, Seidl se enfoca en Anna Maria, hermana de la protagonista de la primera cinta de esta trilogía, Paraíso: Amor. Anna es una mujer que en sus vacaciones realiza labor humanitaria en Austria con la finalidad de alcanzar la redención, llevando siempre a cuestas una enorme imagen de la Virgen María. Pero todo cambia cuando su marido musulmán confinado a una silla de ruedas, regresa al hogar. Entonces las plegarias se fusionarán con el rencor. El filme es, por lo tanto, el cáustico retrato de las estaciones a recorrer en ese via crucis llamado amor.

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MUESTRA I 54ª Muestra Internacional de Cine

César debe morir Cesare deve morire D y G: Paolo y Vittorio Taviani, inspirados en la tragedia Julio César de William Shakespeare. P: Italia, 2011. F en C y B/N: Simone Zampagni. M: Giuliano Taviani y Carmelo Travia. E: Roberto Perpignani. Con: Cosimo Rega (Casio), Salvatore Striano (Bruto), Giovanni Arcuri (César), Antonio Frasca (Marco Antonio). CP: Kaos Cinematografica, Rai Cinema, Le Talee, Stemal Entertainment, La Ribalta-Centro Studi Enrico Maria Salerno. Prod: Grazia Volpi. Dur: 76 min. Dist: Cinemas Nueva Era.

Durante un periodo de seis meses, los veteranos cineastas Paolo y Vittorio Taviani registraron los preparativos para una puesta en escena de la tragedia Julio César, de William Shakespeare, en el interior del penal de máxima seguridad de Rebibbia. Los intérpretes son los propios internos del lugar. Con este documental, ganador del Oso de Oro en el Festival de Berlín, los hermanos Taviani reflexionan sobre la capacidad del arte para conseguir que el hombre profundice sobre su condición existencial.

El romance y la culpa Koi no tsumi D y G: Shion Sono. P: Japón, 2011. F en C: Sōhei Tanikawa. M: Yasuhiro Morinaga.

E: Junichi Itō. Con: Miki Mizuno (Kazuko Yoshida), Makoto Togashi (Mitsuko Ozawa), Megumi Kagurazaka (Izumi Kikuchi), Kazuya Kojima (Shoji), Satoshi Nikaido (Masao Yoshida), Ryūju Kobayashi (Kaoru), Shingo Gotsuji (Kazuo Kimura). CP: Nikkatsu, Django Film. Prod: Nobuhiro Iizuka y Yoshinori Chiba. Dur: 144 min. Dist: Interior 13 Cine.

Una detective intenta resolver las causas y encontrar al responsable de un brutal crimen ocurrido en la zona roja de Tokio. La narrativa se divide en cinco capítulos a través de los cuales se intenta reconstruir el pasado de la víctima, una profesora de literatura de día y prostituta de noche, y la de su discípula, la esposa de un novelista famoso que será capaz de todo para reinventarse. Último filme de la llamada “Trilogía del Odio” de Sono, El romance y la culpa enfrenta a la sexualidad con la muerte mientras reflexiona sobre la represión como método de control de la sociedad japonesa actual.

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24 I Programa mensual noviembre

CICLOS I Universal cumple 100 años

UNIVERSAL cumple 100 años

En 1905, el inmigrante alemán Carl Laemmle descubrió durante un viaje a Chicago las imágenes en movimiento gracias a los muy populares nickelodeons de Thomas Alva Edison.

Convencido de poder acceder al negocio, fundó su propia compañía productora y distribuidora, la Yankee Film Company, en 1909. Tres años después, Laemmle abandonó su centro de operaciones en Nueva York para trasladarse a California, cuyas horas extras de sol y grandes terrenos la hacían una tierra propicia para fundar un nuevo y mejorado estudio cinematográfico, al que bautizó como Universal Pictures.

En 1912 comenzó a escribirse la historia de uno de los estudios más importantes en el desarrollo de la industria fílmica estadounidense. Con un globo terráqueo giratorio como su estandarte, Universal se unió a las nacientes compañías de cine en la consolidación de Hollywood. Durante los años del cine silente, Universal tuvo a Lon Chaney como su máxima estrella, destacando superproducciones como El fantasma de la Ópera en 1925. Para los albores del cine sonoro, Carl Laemmle dejó la compañía en manos de su hijo, Carl Laemmle Jr., quien genera el magistral ciclo de monstruos fílmicos que, bajo el ojo creativo de los geniales Tod Browning y James Whale, sin olvidar al maestro del maquillaje Jack Pierce, transformaron a actores como Béla Lugosi, Lon Chaney Jr. y Boris Karloff en Drácula, el Hombre Lobo, el monstruo de Frankenstein y La Momia, entre otros personajes.

Pese a haber alcanzado un importante peldaño en Hollywood con el Óscar a la mejor película de 1930 por el drama antibélico Sin novedad en el frente de Lewis Milestone, Universal fue siempre un estudio abocado a la producción de serie B, especializándose en el film noir y el thriller policiaco. Al igual que todos los estudios, Universal ha pasado por tiempos difíciles que la han llevado a pertenecer a diferentes corporaciones (MCA, Matsushita, NBC), pero siempre ha salido avante gracias al cine que su línea de producción fomenta, desde los melodramas de Douglas Sirk a las exitosas comedias románticas protagonizadas por Doris Day; de los blockbusters monumentales de Steven Spielberg, quizás el cineasta más identificado con Universal, estudio al que ha aportado clásicos como Tiburón, E.T. el extraterrestre o Parque Jurásico, al prestigio en los premios Óscar de África mía.

Universal Pictures conmemora 100 años de magia, entretenimiento y buen cine presentando algunos de sus clásicos más representativos en el marco de la reinauguración de la Cineteca Nacional, institución que con esta celebración refrenda su compromiso de ser un punto de reunión para las muy distintas generaciones de cinéfilos en torno a lo mejor del cine mundial.

José Antonio Valdés Peña Cineteca Nacional

28 I Programa mensual octubre

Universal cumple 100 años I CICLOS

Tiburón Jaws D: Steven Spielberg. P: Estados Unidos, 1975. G: Peter Benchley y Carl Gottlieb, inspirado en una novela del primero. F en C: Bill Butler. M: John Williams. E: Verna Fields. Con: Roy Scheider (Brody), Robert Shaw (Quint), Richard Dreyfuss (Hooper), Lorraine Gary (Ellen), Murray Hamilton (Vaughn), Carl Gottlieb (Meadows), Jeffrey Kramer (Hendricks). CP: Universal Pictures, Zanuck-Brown Productions. Prod: Richard D. Zanuck y David Brown. Dur: 124 min.

La paz de una playa californiana se acaba cuando un tiburón blanco devora a algunos vacacionistas. Tres hombres, con distintas perspectivas ante la vida se disponen a acabar con el escualo, enfrentándose a sus propios demonios en el proceso. Trepidante thriller con el cual un joven Steven Spielberg se colocó a la cabeza del cine norteamericano, creando un espectáculo que sembró el terror en el mundo entero. El tema musical que John Williams creó para el tiburón forma parte de la cultura popular.

La ventana indiscreta Rear Window D: Alfred Hitchcock. P: Estados Unidos, 1954. G: John Michael Hayes, inspirado en un relato de Cornell Woolrich. F en C: Robert Burks. M: Franz Waxman. E: George Tomasini. Con: James Stewart (L.B. Jefferies), Grace Kelly (Lisa Carol Fremont), Thelma Ritter (Stella), Wendell Corey (detective Thomas Doyle), Raymond Burr (Lars Thorwald), Judith Evelyn (señorita Corazón Solitario), Ross Bagdasarian (compositor).

CP: Paramount Pictures, Universal Pictures. Prod: Alfred Hitchcock. Dur: 112 min.

Un fotógrafo profesional, incapacitado en una silla de ruedas, comienza a espiar la vida de sus vecinos desde la ventana de su apartamento que da al patio trasero, descubriendo entre sus escapadas vouyeristas lo que podría ser un asesinato. El maestro Hitchcock orquesta bajo la fachada de un entretenido thriller una soberbia y a la vez perversa reflexión sobre el arte de observar la vida de los otros, un juego peligroso en el cual a veces el que observa es observado a su vez, poniendo su seguridad a prueba.

E.T. El extraterrestre E.T. the Extra-Terrestrial D: Steven Spielberg. P: Estados Unidos, 1982. G: Melissa Mathison. F en C: Allen Daviau. M: John Williams. E: Carol Littleton. Con: Henry Thomas (Elliott), Dee Wallace (Mary), Peter Coyote (Keys), Drew Barrymore (Gertie), Robert MacNaughton (Michael), Erika Eleniak (niña bonita), Pat Welsh (voz de E.T.). CP: Universal Pictures, Amblin Entertainment. Prod: Kathleen Kennedy y Steven Spielberg. Dur: 120 min.

Un extraterrestre, abandonado en la Tierra por accidente, encuentra en un niño solitario de un suburbio de Los Ángeles un amigo leal que le ayudará en su lucha por regresar a su planeta. Con este filme, uno de los más exitosos de la historia del cine, Steven Spielberg, desde una perspectiva infantil y semiautobiográfica, amalgama su pasión por lo fantástico con uno de sus temas más cercanos, el de la familia disfuncional que tras un suceso mágico en su existencia consigue volverse más sólida que nunca.

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CICLOS I Universal cumple 100 años

África mía Out of Africa D: Sidney Pollack. P: Estados Unidos, 1985. G: Kurt Luedtke, inspirado en la novela homónimo de Karen Blixen y el libro Isak Dinesen: The Story of a Storyteller de Judith Thurman. F en C: David Watkin. M: John Barry. E: Sheldon Khan, Fredric Steinkamp, William Steinkamp y Pembroke Herring. Con: Meryl Streep (Karen), Robert Redford (Denys), Klaus Maria Brandauer (Bror), Michael Kitchen (Berkeley), Malick Bowens (Farah), Joseph Thiaka (Kamante), Stephen Kinyanjui (Kinanjui). CP: Universal Pictures, Mirage Enterprises. Prod: Sidney Pollack. Dur: 161 min.

Una mujer danesa, casada por interés con un aristócrata, divide su corazón entre el cuidado de sus propiedades en Kenia y la pasión que siente por un aventurero que ama la libertad por encima de todo. Después de probar suerte en la comedia y el thriller político, Pollack se envuelve en el melodrama para acercarse a la vida de la escritora Karen Blixen (conocida también como Isak Dinesen, la autora de El festín de Babette) para reflexionar sobre la condición de la mujer a principios del siglo XX.

Apocalipsis Now - Redux Apocalypse Now - Redux D: Francis Ford Coppola. P: Estados Unidos, 1979/2001. G: John Milius y Francis Ford Coppola, inspirado en la novela El corazón de las tinieblas de Joseph Conrad. F en C: Vittorio Storaro. M: Carmine Coppola. E: Walter Murch, Lisa Fruchtman y Gerald B. Greenberg. Con: Marlon Brando (coronel Walter E. Kurtz), Martin Sheen (capitán Benjamin Willard), Robert Duvall (teniente Bill Kilgore), Frederic Forrest (Chef Hicks), Larry Fishburne (Clean Miller). CP: Zoetrope Studios. Prod: Kim Aubry y Francis Ford Coppola. Dur: 202 min.

Inspirado en la novela El corazón de las tinieblas de Joseph Conrad, Francis Ford Coppola orquestó en 1979 Apocalipsis Now, superproducción que hacía un delirante retrato de la intervención militar estadunidense en Vietnam como marco de una odisea en la cual un oficial era encomendado para asesinar a un superior que había enloquecido en medio de la selva. El filme obtuvo la Palma de Oro en Cannes y es considerado uno de los filmes más importantes del siglo XX. En 2001, Coppola reditó la película para crear una versión definitiva de la cinta, misma que se presenta en este ciclo.

Matar a un Ruiseñor To Kill a Mockingbird D: Robert Mulligan. P: Estados Unidos, 1962. G: Horton Foote, inspirado en la novela homónima de Harper Lee. F en B/N: Russell Harlan. M: Elmer Bernstein. E: Aaron Stell. Con: Gregory Peck (Atticus Finch), Frank Overton (alguacil Heck Tate), Rosemary Murphy (Maudie Atkinson), Ruth White (señora Dubose), John Megna (Dill Harris), Robert Duvall (Boo Radley), Brock Peters (Tom Robinson). CP: Universal Pictures, Brentwood Productions. Prod: Alan J. Pakula. Dur: 129 min.

Inspirada en una novela ganadora del premio Pulitzer escrita por Harper Lee, esta cinta narra las vicisitudes de un abogado que pretende demostrar la inocencia de un hombre negro acusado de abusar de una mujer blanca.

Aunque la verdadera médula de la historia es la relación entre el protagonista y su hija, a quien le enseñará invaluables lecciones de vida. Por su sensible interpretación como Atticus Finch, ícono de la tolerancia en la cultura popular norteamericana, Gregory Peck obtuvo el Óscar al mejor actor.

30 I Programa mensual octubre

Universal cumple 100 años I CICLOS

El golpe The Sting D: George Roy Hill. P: Estados Unidos, 1973. G: David S. Ward. F en C: Robert Surtees. M: Marvin Hamlisch, sobre temas de Scott Joplin. E: William Reynolds. Con: Paul Newman (Henry Gondorff), Robert Redford (Johnny Hooker), Robert Shaw (Doyle Lonnegan), Charles Durning (teniente Snyder), Ray Walston (J.J. Singleton), Eileen Brennan (Billie), Harold Gould (Kid Twist). CP: Universal Pictures. Prod: Michael Phillips, Julia Phillips y Tony Bill. Dur: 129 min.

En un momento en el cual el cine norteamericano de los años setenta apostaba por un hiperrealismo estético y una actitud crítica hacia la sociedad del momento, el veterano George Roy Hill arriesgó este divertimento “retro” en el cual la violenta muerte de un apostador asesinado por un mafioso es vengada hábilmente por un par de timadores. El resultado fue un muy exitoso filme cuyo encanto y sentido del humor conquistó siete premios Óscar, derrotando en el mismo año nada menos que a El exorcista (1973).

Los pájaros The Birds D: Alfred Hitchcock. P: Estados Unidos, 1963. G: Evan Hunter, inspirado en un relato de Daphne du Maurier. F en C: Robert Burks. E: George Tomasini. Con: Tippi Hedren (Melanie Daniels), Rod Taylor (Mitch Brenner), Suzanne Pleshette (Annie Hayworth), Jessica Tandy (Lydia Brenner), Veronica Cartwright (Cathy Brenner), Ethel Griffies (ornitóloga), Charles McGraw (pescador). CP: Universal Pictures, Alfred Hitchcock Productions. Prod: Alfred Hitchcock. Dur: 120 min.

Sin explicación alguna, distintas especies de pájaros atacan sin misericordia una apacible población californiana, mientras una caprichosa joven de sociedad desea conquistar a un apuesto joven de la localidad cuya anciana madre no será nada fácil de sobrellevar. En su segunda aproximación al género del horror después de Psicosis, Hitchcock se valió de sorprendentes efectos especiales y una banda sonora de efectos electrónicos de Bernard Herrmann para materializar el horror que esconde la naturaleza llevado a sus más apocalípticos límites.

El Fantasma de la Ópera The Phantom of the Opera D: Arthur Lubin. P: Estados Unidos, 1943. G: Samuel Hoffenstein y Eric Taylor, inspirado en la novela homónima de Gastón Leroux. F en C: Hal Mohr y W. Howard Greene. M: Edward Ward. E: Russell Schoengarth. Con: Claude Rains (Erick Claudin), Nelson Eddy (Anatole Garron), Susanna Foster (Christine Dubois), Edgar Barrier (Raoul D’Aubert), Leo Carrillo (señor Ferretti), Jane Farrar (Biancarolli), Edward Bromberg (Amiot). CP: Universal Pictures. Prod: George Waggner. Dur: 92 min.

Los estudios Universal ya habían filmado con anterioridad una versión del clásico de horror escrito por Gaston Leroux, en la cual Lon Chaney dio vida a una de sus creaciones más memorables. En esta versión, cuya fotografía en tecnicolor y barrocos decorados se hicieron merecedores del Óscar, Claude Rains, un memorable actor de reparto del Hollywood clásico, encarna al trágico músico que ama en secreto a una cantante, pero cuyo rostro desfigurado lo obliga a marginarse hasta la locura en los sótanos de la Ópera de París.

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CICLOS I Universal cumple 100 años

Espartaco Spartacus D: Stanley Kubrick. P: Estados Unidos, 1960. G: Dalton Trumbo, basado en una novela de Howard Fast. F en C: Russell Metty. M: Alex North. E: Robert Lawrence. Con: Kirk Douglas (Espartaco), Laurence Olivier (Craso), Jean Simmons (Varinia), Charles Laughton (Graco), Peter Ustinov (Batiatus), John Gavin (Julio César), Herbert Lom (Tigranes), Tony Curtis (Antoninus). CP: Bryna Productions, Inc. Prod: Kirk Douglas y Edward Lewis. Dur: 197 min.

Una superproducción que narra la rebelión del gladiador Espartaco contra Roma y que significó para Stanley Kubrick, hasta entonces un cineasta independiente, su entrada a la maquinaria fílmica hollywoodense, contando en su reparto con grandes estrellas y un enorme presupuesto que le permitió recrear multitudinarias secuencias de batallas con miles de extras. El filme, pese a su espectacularidad, es congruente con la visión pesimista de la condición humana que el director prodigó a lo largo de su obra entera.

Psicosis Psycho D: Alfred Hitchcock. P: Estados Unidos, 1960. G: Joseph Stefano, inspirado en una novela de Robert Bloch. F en B/N: John L. Russell. M: Bernard Herrmann. E: George Tomasini. Con: Anthony Perkins (Norman Bates), Janet Leigh (Marion Crane), John Gavin (Sam Loomis), Vera Miles (Lila Crane), Martin Balsam (detective Milton Arbogast). CP: Shamley Productions. Prod: Alfred Hitchcock. Dur: 109 min.

Una mujer en fuga se hospeda en un motel ubicado a la orilla de una carretera. Poco después es asesinada. Sus familiares comienzan su búsqueda sin imaginar que la pesquisa los llevará a confrontarse con la parte más oscura de la psique humana. Filmada modestamente con el equipo de televisión con el cual realizaba su serie Alfred Hitchcock Presents, esta cinta se volvió el más grande fenómeno cinematográfico realizado por Hitchcock, convirtiéndose en un referente obligado del cine de horror moderno por su manejo del terror psicológico y su delirante acercamiento a la violencia.

Volver al futuro Back to the Future D: Robert Zemeckis. P: Estados Unidos, 1985. G: Robert Zemeckis y Bob Gale. F en C: Dean Cundey. M: Alan Silvestri. E: Arthur Schmidt y Harry Keramidas. Con: Michael J. Fox (Marty McFly), Christopher Lloyd (doctor Emmett Brown), Lea Thompson (Lorraine Baines), Crispin Glover (George McFly), Thomas F. Wilson (Biff Tannen), Claudia Wells (Jennifer Parker), James Tolkan (director Strickland). CP: Universal Pictures y Amblin Entertainment. Prod: Neil Canton y Bob Gale. Dur: 116 min.

Después de que su mejor amigo, un científico que experimenta con la energía nuclear y los viajes en el tiempo, es asesinado, un joven se traslada por accidente a los años cincuenta, cruzándose con sus padres cuando eran adolescentes y poniendo en riesgo su destino. Se trata de una muy exitosa fantasía producida por Steven Spielberg con la cual el cineasta Robert Zemeckis manipula hábilmente los resortes de la comedia juvenil fusionada con la aventura y la ciencia ficción.

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32 I Programa mensual octubre

DocsDF I CICLOS Luego de seis ediciones, DocsDF se ha consolidado como uno de los eventos cinematográficos más importantes del país no sólo por la calidad de los documentales que exhibe, sino también por la riqueza y diversidad de sus elementos de creación y formación, así como los invitados que año con año acompañan al festival.

Sin duda su objetivo principal es difundir y acercar el cine documental a la gente, demostrando que no es un género aburrido ni exclusivo para la academia o los canales sobre naturaleza e historia. Para lograr este fin nos aseguramos de tener los mejores espacios de exhibición, llevando a cabo proyecciones no sólo en salas de cine sino también en espacios abiertos ubicados en distintos puntos de la ciudad.

Solemos decir que para hacer buenos documentales hay que ver buenos documentales y, por ello, la exhibición es fundamental, pero también promovemos la producción a través del Reto DocsDF e impulsamos la formación de creadores y productores mediante la realización del DocsForum, el cual este año tendrá como invitados especiales a Mika Kaurismäki, Taco Ruighaver y Michael Glawogger, entre otras personalidades.

Este 2012 es de novedades, ya que inauguramos un nuevo componente, único en nuestro país: el Latin Side of the Doc, en colaboración con el Sunny Side of the Doc, un encuentro de coproducción documental con 23 años de experiencia. Además, el ciclo Un, docs, tres por mí mostrará documentales con historias para y sobre niños, así como una nueva sección competitiva, Doctubre, que proyectó durante el mes pasado una selección de películas en 150 espacios de todo el país.

Como cada año exhibiremos lo mejor del cine documental de todo el mundo, comenzando con la proyección al aire libre de El alcalde, el jueves 8 de noviembre en la Plaza Manuel Tolsá. Durante los siguientes diez días, mostraremos producciones de reconocidos realizadores como Everardo González, Juan Carlos Rulfo o Maite Alberdi; las películas de las que todo el mundo habla: Undefeated, La camioneta, El Bella Vista, Zuloak o Jason Becker: Not Dead Yet, parte del trabajo documental de maestros del cine como Krzysztof Kieślowski, Mika Kaurismäki o Yann Arthus-Bertrand. Además se proyectarán producciones de nuevos talentos que seguramente después de esta edición serán reconocidos como jóvenes promesas.

No podía faltar la retrospectiva al trabajo de un cineasta y este año el honor recae en John Marshall, un antropólogo y documentalista estadounidense cuyas producciones muestran el estilo de vida de grupos indígenas y su relación con la tierra y sus costumbres.

Por lo anterior y más, del 8 al 18 de noviembre los esperamos en las salas, recordándoles que todo lo que van a ver es verdad. ¡Que comience la función!

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Festival de Cine 4 + 1 I CICLOS Hacer un festival en cinco ciudades diferentes puede parecer un gesto de megalomanía, y sin embargo no es más que una profunda declaración de amor. Como lo es, en el fondo, cualquier (buen) festival: un gesto de amor al cine, el fruto de la pasión, el goce de dar a conocer aquello que se ama. Porque la verdadera pasión no es secreta sino creciente y expansiva, y mejora cuanto más se comparte. Esa vocación de hacer partícipes a los demás de aquello que uno ama no solo está en la base de los festivales, sino en la de la crítica y también, y sobre todo, en la de la enseñanza. Por eso, cualquier (buen) festival de cine ha de ser también una escuela. Sin exámenes ni notas, pero con la misma vocación de expandir el conocimiento, de difundir la cultura, de multiplicar el goce y el disfrute del arte.

Por eso, y porque el pasado es esencial para mirar de frente al futuro, esta tercera edición del Festival 4+1-Fundación Mapfre, la mejor de todas las celebradas a juicio del equipo de programación, continúa con su combinación de cine contemporáneo, urgente y de última hora, y clásicos recuperados, además de un pequeño foco en un nombre que, a juicio del festival, es clave para entender los caminos del cine como arte. La sección competitiva, formada por catorce películas, es el fruto de una selección exhaustiva, y pretende ser al mismo tiempo, una fotografía y una declaración de intenciones. Como fotografía, borrosa y algo movida, es un pequeño retrato de lo que ocurre hoy en el cine mundial.

Y como declaración de intenciones, es peleonera y tiene una intención muy clara: la de apoyar aquel cine que no trabaja de espaldas al público sin renunciar al rigor, la libertad y la independencia artística. El foco homenaje se centra en Werner Herzog, cineasta alemán de larguísima trayectoria que además de presentar una selección de sus mejores trabajos, impartirá en la sede de Río de Janeiro, Brasil una master class (disponible para todo el mundo en streaming) en la que explicará por qué es mejor ser escritor que cineasta, y por qué caminar es una virtud y el turismo un pecado. Un programa educativo sorprendente que más que una boutade o una provocación es una perfecta definición de por qué 4+1 ha elegido a Herzog como figura a homenajear: por su capacidad de sorpresa, y porque siempre se ha mantenido en la periferia de las modas, fiel a sí mismo y a una forma de entender el cine que vincula de forma secreta la poesía, el documental y la ciencia ficción.

Herzog, que arrancó como cineasta en los ya lejanos años sesenta, sirve también de vínculo entre los dos polos temporales del festival, el presente de la sección oficial, y la mirada al pasado, representada en los clásicos restaurados que 4+1 selecciona para las sesiones inaugurales. En el caso de México DF, se presentará la versión restaurada por The Film Foundation de Born to Be Bad (Nicholas Ray, 1950), una de las primeras películas de un autor que siempre fue demasiado outsider para el mainstream, y demasiado mainstream para el underground, y que con el paso del tiempo se ha ido revelando como un auténtico explorador de esas fructíferas tierras de nadie. Tierras de nadie que son las que invitamos a todos los espectadores del festival a recorrer con nosotros, sin miedo y con el espíritu abierto de los buenos exploradores.

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Festival Internacional de Cine de Morelia I CICLOS

La décima edición del Festival Internacional de Cine de Morelia se llevará a cabo del 3 al 11 de noviembre de 2012.

El Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM) fue fundado en 2003 y surge de la necesidad de crear un punto de encuentro único en México entre los cineastas, el público de Michoacán y la comunidad fílmica internacional. El festival tiene como finalidad establecer un foro para promover a los nuevos talentos del cine mexicano, crear estímulos y diversas oportunidades culturales para el público nacional e internacional y difundir la enorme riqueza del estado de Michoacán.

El festival cuenta con cuatro secciones oficiales en competencia: Cortometraje mexicano, Documental mexicano, Largometraje mexicano y Sección michoacana (en la que participan cortometrajes y largometrajes, tanto de ficción como documentales, realizados por michoacanos).

Las actividades del FICM se complementan con estrenos internacionales, ciclos fílmicos, homenajes, funciones al aire libre, conferencias, así como exhibiciones en Morelia y Pátzcuaro.

Al término del festival, la programación llega a la ciudad de México para presentar los cortometrajes, documentales y largometrajes ganadores en distintas sedes, una de ellas, la Cineteca Nacional.

Para más información visita www.moreliafilmfest.com Facebook/moreliafilmfest Twitter (@FICM)

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Cineteca Nacional I REAPERTURA

Sobre las salas de la

CINETECA NACIONAL Como el recinto que preserva la memoria fílmica de nuestra nación, la Cineteca Nacional ha rendido homenaje, desde sus orígenes, a los hombres y mujeres cuyos talentos conformaron el desarrollo artístico, estético e industrial de nuestro cine. En su primera época, la sala mayor de la Cineteca Nacional llevó el nombre de Fernando de Fuentes, el más importante cineasta de los años treinta, director de obras maestras como El compadre Mendoza (1933) y quien sentó las bases del éxito internacional del cine mexicano con Allá en el Rancho Grande (1936). Después del fatídico incendio que destruyó sus instalaciones en 1982, la Cineteca Nacional renació en los terrenos de Xoco y aumentó tres salas más a la De Fuentes, bautizadas como Jorge Stahl (el primer laboratorista del cine mexicano), Salvador Toscano (pionero del cine y la exhibición en México) y Arcady Boytler (cineasta de origen ruso que realizó La mujer del puerto (1933), uno de los primeros clásicos de nuestro cine). En 1999 se inauguró la sala Alejandro Galindo, en homenaje al cronista social por excelencia del cine mexicano clásico, y en el 2000 surgieron las salas Roberto Gavaldón (uno de los mejores cineastas mexicanos de todos los tiempos) y Matilde Landeta, la infaltable pionera de nuestro cine. En 2012, con su reapertura monumental, la Cineteca Nacional suma tres salas más a las 7 existentes, que rinden homenaje a Juan Bustillo Oro, gran guionista y director, creador además de la nostalgia porfiriana y realizador de Ahí está el detalle (1940); a los hermanos Rodríguez (Roberto, Joselito e Ismael), pioneros del sonido en el cine mexicano y creadores de mitos inmortales como Pedro Infante; y finalmente a Luis Buñuel, el gran director español nacionalizado mexicano cuyo genio aportó al cine nacional clásicos como Los olvidados (1950). Pero eso no es todo. Nuestro Centro de Documentación lleva ahora el nombre de Mauricio Magdaleno, escritor zacatecano imprescindible en la cosmogonía nacionalista de Emilio El Indio Fernández, mientras que el Laboratorio de Restauración Digital que sitúa a nuestra Cineteca Nacional a la vanguardia de la restauración cinematográfica en América Latina, recordará a Elena Sánchez Valenzuela, la primera intérprete de Santa en 1918, creadora del Departamento de Supervisión Cinematográfica y quien en 1942 recibiera la encomienda presidencial de crear la primera Filmoteca Nacional. Por su parte, el nuevo Foro al Aire Libre lleva el nombre de Gabriel Figueroa, el más importante cinefotógrafo de nuestro cine, cuya épica mirada inspirada en el arte mexicano impulsó la imagen de nuestra nación en el mundo entero.

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REAPERTURA I Sala 1

JORGE STAHL Puebla, Puebla, 1886 – Ciudad de México, 1979

El joven Jorge Stahl adquirió sus primeras películas, junto con un proyector Edison, en la Feria Mundial de Misuri en 1904. Un año más tarde, asociado con sus hermanos, se inició como exhibidor en el Salón Verde, primera sala de cine en Guadalajara. Poco después filmó sus primeros cortometrajes, documentales y comedias para proyectar en su propio cine; entre éstos destacan Paseo en los portales (1905) y Ladrones de bicicletas (1907). Camarógrafo y exhibidor durante los tiempos de la Revolución Mexicana, fundó años más tarde los estudios México Films, primer laboratorio cinematográfico profesional en el cual se llevó a cabo la postproducción de Santa (Antonio Moreno, 1931), la primera película sonora nacional, considerada el punto de arranque de la gran industria fílmica en nuestro país.

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Sala 2 I REAPERTURA

SALVADOR TOSCANO

Guadalajara, Jalisco, 1872 – Ciudad de México, 1947

Estudió Ingeniería Civil en el Colegio de Minería. Participó en diversas comisiones hidrográficas y obras municipales en distintos estados del país. En 1895 conoció el Cinematógrafo de los hermanos Lumière gracias a un artículo encontrado en la revista científica La Nature. Cuando los enviados de la compañía Lumière llegaron a México, adquirió un aparato del novedoso invento. En 1896 inauguró la primera sala de exhibición en la ciudad de México.

Entre aquel año y el triunfo de la Revolución Mexicana, Salvador Toscano filmó, recopiló y exhibió imágenes en movimiento sobre diversos episodios y escenas de la vida cotidiana de ese complejo momento histórico. Su hija, Carmen Toscano, realizó en 1950 la antología Memorias de un mexicano, cuyos innegables valores cinematográficos la llevaron a ser declarada monumento nacional en 1962.

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REAPERTURA I Sala 3

FERNANDO DE FUENTES

Veracruz, Veracruz, 1894 – Ciudad de México, 1958

Estudió Ingeniería y Filosofía en México y Estados Unidos. En 1914 participó en el gobierno de Venustiano Carranza. Se hizo poeta y más tarde se convirtió en gerente del cine Olimpia, donde programa lo más destacado de la vanguardia fílmica europea. En 1931 fue asistente de dirección en Santa. Debutó como director con El anónimo (1932). Durante esa misma década, De Fuentes ejerció tanto el cine de géneros, como el terror (El fantasma del convento) o el melodrama (La familia Dressel) como una mirada crítica hacia la Revolución Mexicana presente en la trilogía conformada por El prisionero 13, El compadre Mendoza (ambas de 1933) y ¡Vámonos con Pancho Villa! (1935). Su exitosa comedia ranchera Allá en el Rancho Grande (1936), situó al cine mexicano en el mapa fílmico mundial.

48 I Programa mensual noviembre

Sala 4 I REAPERTURA

ARCADY BOYTLER

Moscú, Imperio Ruso, ¿1895? – Ciudad de México, 1965

Siendo muy joven participó en montajes teatrales y tuvo relación con Konstantín Stanislavski y Vsévolod Meyerhold. Filmó cortometrajes cómicos antes de huir de Rusia en 1917 al estallar la Revolución Soviética. Dirigió películas cómicas en Alemania y Chile, antes de migrar a Estados Unidos. Allí filmó doce películas en español para Empire Productions en los inicios del cine sonoro. Boytler fusiona el lirismo de Tolstói con la tragedia naturalista de Maupassant en La mujer del puerto (1933), un clásico del melodrama prostibulario y su mejor película. Director de las primeras cintas con Cantinflas como protagonista, Boytler se retiró de la realización en los años cuarenta para dedicarse a la exhibición en su propia sala de cine, llamada Arcadia, hasta su muerte.

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REAPERTURA I Sala 5

MATILDE LANDETA Ciudad de México, 1910 – 1999

Gracias a su hermano, Eduardo Landeta, consiguió empleo como continuista en la naciente industria fílmica mexicana. Después ascendió a asistente de directores como Emilio Fernández. Fundó su propia compañía productora, Tracma S.A. de C.V., y en 1948 debutó como cineasta con el drama indigenista Lola Casanova. En 1949 filmó La negra Angustias, una inteligente visión de la participación de la mujer en la lucha revolucionaria. Trotacalles (1951), un melodrama prostibulario, fue su última película en cuarenta años. Landeta se enfrentó al machismo de una industria incapaz de dar a las mujeres en el cine el lugar que merecían, por lo que se convirtió en una luchadora pro derechos de los trabajadores cinematográficos. Nocturno a Rosario (1991), sobre el poeta Manuel Acuña, fue su última película.

50 I Programa mensual noviembre

Sala 6 I REAPERTURA

ROBERTO GAVALDÓN

Ciudad Jiménez, Chihuahua, 1909 – Ciudad de México, 1986

Su familia permaneció errante durante los años de la Revolución. En 1926 se traslada a los Estados Unidos con la intención de ser Mecánico Dental; sin embargo, en la ciudad de Los Ángeles descubrió el cine y sus oficios. Con experiencia en Hollywood como asistente de dirección, Gavaldón se incorporó a la industria fílmica mexicana en los años treinta. Reconocido como un riguroso profesional de la industria, debutó en 1944 con una adaptación de La barraca, inspirada en una novela de Vicente Blasco Ibáñez. Ése fue el inicio de una de las filmografías más sólidas del cine mexicano clásico, que incluye películas como En la palma de tu mano (1950) y Macario (1959), entre otras, en la cual se encuentran una depurada técnica cinematográfica y un universo trágico donde sus personajes son víctimas de sus propias pasiones.

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REAPERTURA I Sala 7

ALEJANDRO GALINDO

Monterrey, Nuevo León, 1906 – Ciudad de México, 1999

Conoció el cine en su juventud gracias al productor Germán Camus, quien le permitió asistir a varios de sus rodajes. Comienza estudios de Odontología en los Estados Unidos, pero los abandona para ir a Hollywood, donde aprende varios oficios cinematográficos. Regresa a México para ingresar a la industria mexicana de cine en los años treinta. Gracias al productor y actor Raúl de Anda, Galindo debuta con Almas rebeldes en 1937. Pero lo mejor de su filmografía tiene que ver con los profundos cambios que el alemanismo trae a México, iniciándose como el cronista fílmico social de la época. Así reflexionó sobre el fracaso manifiesto del mexicano humilde en Campeón sin corona (1945), retrató el sindicalismo relajiento en ¡Esquina bajan! (1948) y confrontó la modernidad contra el conservadurismo de la naciente clase media en Una familia de tantas (1948). Otras de sus cintas destacadas son Doña Perfecta (1951), Espaldas mojadas (1953) y Los Fernández de Peralvillo (1955).

52 I Programa mensual noviembre

Sala 8 I REAPERTURA

HERMANOS RODRÍGUEZ

Joselito Rodríguez. Ciudad de México, 1907 – 1985 Roberto Rodríguez. Ciudad de México, 1909 – Guadalajara, Jalisco, 1995 Ismael Rodríguez. Ciudad de México, 1917 – 2004

Basados en los estudios de Electrónica que realizaron en los Estados Unidos, los hermanos Roberto y Joselito Rodríguez crearon un aparato llamado Rodríguez Sound Recording System, un símil de los primigenios sistemas de sonorización cinematográfica cuyas ventajas eran la sencillez y su portabilidad. Con éste equipo sonorizaron algunos cortometrajes experimentales en Hollywood entre 1929 y 1931, año en el cual el productor Gustavo Sáenz de Sicilia los contrata para sonorizar Santa, la primera película mexicana sonora, considerada el punto de partida de la industria fílmica nacional. En 1939 ambos fundaron Producciones Rodríguez Hermanos, casa productora para la cual Joselito realizó más de 30 exitosos filmes, entre ellos ¡Ay, Jalisco, no te rajes! (1941). Formado como cinefotógrafo y sonidista, Roberto también fue director de cintas como Las dos huerfanitas (1950) y Baile mi rey (1951). Ismael fue el menor de los hermanos Rodríguez. Es un cineasta que se ganó un lugar en la cultura popular mexicana gracias a la mancuerna que entabló con el actor y cantante Pedro Infante, con quien realizó algunas de las más exitosas películas de nuestro cine, como Nosotros los pobres (1947) o Los tres huastecos (1948). Tras la muerte del intérprete en 1957, Rodríguez comenzó una nueva etapa en su carrera que alcanzó varios reconocimientos internacionales y que incluye grandes cintas como Los hermanos Del Hierro (1961) o El hombre de papel (1963). Obtuvo la Medalla Salvador Toscano de la Cineteca Nacional en 2002.

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REAPERTURA I Sala 9

JUAN BUSTILLO ORO Ciudad de México, 1904 – 1989

Egresado de la carrera de Leyes, su pasión estuvo en los escenarios teatrales, la literatura y el cine. En el Teatro del Ahora, espacio creado con el escritor Mauricio Magdaleno, Bustillo Oro presentó piezas críticas hacia la Revolución Mexicana. Su segunda película, Dos monjes (1934), un delirante acercamiento al expresionismo alemán, fue un fracaso que dirigió los pasos del cineasta hacia un cine comercial dentro del cual crearía uno de los géneros únicos del cine mexicano, la llamada nostalgia porfiriana, evocaciones nostálgicas del porfiriato en tono de comedia musical dentro de las cuales destaca México de mis recuerdos (1943). Dirigió también el clásico de Cantinflas, Ahí está el detalle (1940) y entre otros filmes destacados.

54 I Programa mensual noviembre

Sala 10 I REAPERTURA

LUIS BUÑUEL Calanda, España, 1900 — Ciudad de México, 1983

Hijo de un terrateniente español, abandonó la carrera de ingeniero agrónomo para estudiar Filosofía y Letras. Tras conocer una película de Fritz Lang, Las tres luces (1921), se trasladó a París, donde fue asistente de Jean Epstein. Su debut como director, escrito junto a Salvador Dalí, Un perro andaluz, fue la primera película propiamente surrealista.

Tras el escándalo de su primer filme sonoro, La edad de oro, viajó a Hollywood y regresó más tarde a España, donde fue productor ejecutivo en la empresa Filmófono. En 1945 aceptó la oferta del productor Óscar Dancigers para realizar cine en México, país donde residió hasta su muerte. Por películas como Los olvidados (1950), Nazarín (1958), Viridiana (1961) y Bella de Día (1966), Buñuel es considerado uno de los más grandes directores de la historia del cine mundial.

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REAPERTURA I Foro al aire libre

GABRIEL FIGUEROA Ciudad de México, 1907 – 1997

Figueroa estudió pintura en la Academia de San Carlos antes de interesarse en el arte de la fotografía. Su amistad con los hermanos Martínez Solares lo hace dejar la fotografía fija para dedicarse al cine. En la cinta Revolución (1932) obtuvo su primer trabajo en el cine.

Poco después obtuvo una beca para estudiar cinefotografía en los Estados Unidos, siendo Gregg Toland, futuro fotógrafo de Ciudadano Kane (1941), su mentor. En 1938, Figueroa obtuvo el premio a la mejor fotografía en el festival de Venecia por su trabajo en Allá en el Rancho Grande (1936). Inspirado principalmente en la plástica mexicana, Figueroa creó un inigualable estilo fotográfico reconocido en el mundo entero, gracias a filmes como La perla (1945), Enamorada (1946), Nazarín (1958) y Macario (1959), entre muchas obras relevantes del cine mexicano clásico.

56 I Programa mensual noviembre

Laboratorio de Restauración Digital I REAPERTURA

ELENA SÁNCHEZ VALENZUELA Ciudad de México, 1900 – 1950

Era alumna del Conservatorio Nacional de Música cuando el productor Germán Camus la seleccionó para interpretar a la protagonista de una versión de Santa, la novela de Federico Gamboa, que Luis G. Peredo dirigió en 1918. El éxito del filme la llevó a participar en otras cintas, como En la hacienda (1921), un drama rural que generaría años después el argumento de Allá en el Rancho Grande. Poco a poco se fue retirando del cine para convertirse en periodista, publicando desde 1922 una columna dedicada al cine en el diario El Universal. Fue la primera encargada del Departamento de Supervisión Cinematográfica en los años veinte y en 1942 el presidente Manuel Ávila Camacho la nombra responsable de la Filmoteca Nacional, primer archivo fílmico de nuestro país.

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REAPERTURA I Centro de Documentación

MAURICIO MAGDALENO

Villa del Refugio, Zacatecas, 1906 – Ciudad de México, 1986

Participó activamente en el movimiento vasconcelista y fue escritor y periodista. A inicios de los años treinta se reunió con un viejo compañero de escuela, Juan Bustillo Oro, y fundó el Teatro del Ahora, un espacio para el teatro experimental apoyado por Narciso Bassols, entonces secretario de Educación Pública. Poco después, buscando entablar nexos con la República Española, Magdaleno reside en Madrid, donde publica su cuento El compadre Mendoza, crónica de una traición en tiempos revolucionarios. A su regreso a México, formó parte del equipo de lujo del cineasta Emilio Fernández y el cinefotógrafo Gabriel Figueroa.

Magdaleno escribió argumentos de clásicos del cine mexicano como María Candelaria (1943), Río Escondido (1947) y Pueblerina (1948), entre otros.

58 I Programa mensual noviembre

Sala de lectura I REAPERTURA

LUZ ALBA

Rosario, Sinaloa 1904 – Ciudad de México, 1993

Antonia Bonifant López, escritora, cronista y crítica de cine, adopta como firma periodística su apodo familiar, “Cube”, con el cual rubrica sus artículos durante cuatro décadas.

Además bajo dos seudónimos (QB y Luz Alba) aparecen crónicas suyas sobre temas de actualidad y cine. Su escritura hebdomadaria en el Ilustrado, en Todo y en otras publicaciones periódicas fue “antidiplomática” y satírica. Escribió sin “patrioterismo” y sin las concesiones del “amiguismo”, según Viviane Mahieux en el libro de recopilación de sus crónicas selectas Una pequeña marquesa de Sade. Luz Alba fue una hacedora de crítica cultural reflexiva, que no formaba parte de los famosos protagonistas de la cultura reconocida por el Estado.

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ÍNDICE Alfabético i Noviembre 2012 África mía

30

Mejores temas, Los

18

Amour 20

Moacir 13

Apocalipsis Now-Redux

30

Moonrise Kingdom: Un reino bajo la Luna 17

Caza, La

21

No es una película

13

César debe morir

24

Pájaros, Los

31

Cosmópolis 19

Paraíso: Amor

23

Demora, La

20

Paraíso: Fe

23

Diario de Francia

21

Pequeñas voces

14

Elefante blanco

18

Play. Juegos de hoy

14

En la niebla

22

Post tenebras lux

08

En otro país

21

Psicosis 32

Espartaco 32

Refrigeradores, Los

10

E.T. el extraterrestre

29

Romance y la culpa, El

24

Fantasma de la Ópera, El

31

Sirga, La

19

Felícitas 12

Strella, más que una mujer

15

Gebo y la sombra

23

Sueño de Lu, El

04

Golpe, El

31

Tiburón 29

Holy Motors: Vidas extrañas

22

Velador, El

06

Labios, Los

12

Ventana indiscreta, La

29

Luz en la oscuridad, Una

19

Videogramas de una revolución

15

Macario 17

Viento, El

22

Marley 18

Volver al futuro

32

Matar a un ruiseñor

Voz dormida, La

20

64 I Programa mensual noviembre

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