Programa mensual agosto de 2014
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SEMANA
DE CINE ALEMĂ N
A partir del 14 de agosto
ÍNDICE
Programación agosto 2014 ESTRENOS El pasado 04 Workers 06 Big Joy: Las aventuras de James Broughton 08 Centenario de James Broughton 10 Cumbres 12 El acto de matar 14 El gigante egoísta 16 Purgatorio: Viaje al corazón de la frontera 18 Generación Spielberg 20 El rey del erotismo 22
CONTINÚAN EN CARTELERA El casamiento 25 La danza de la realidad 25 Los Gatos Persas 26 Historias de caballos y hombres 26 Huérfanos 27 Joven y bella 27 Klip 28 Más anameceres 28 Naomi Campbel 29 Ninfomanía vol. 2 29 Noche 30 Paríso: Fe 30 Polissía 31 Reflejos 31 El rostro 32 Se levanta el viento 32 Tanta agua 33 Vamos a jugar al infierno 33
CICLOS 13a Semana de Cine Alemán La provincia alemana: Entre el sueño y la pesadilla Semana de Cine Coreano Retrospectiva Julien Temple Retrospectiva John Appel Retrospectiva Luis Ospina Chaplin para siempre Día de la Academia 19º Festival Internacional de Cine para Niños (...y no tan niños) Macabro XIII
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clásicos del cine Erich von Stroheim
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CONSEJO NACIONAL PARA LA CULTURA Y LAS ARTES Presidente rafael tovar y de teresa Secretario Cultural y Artístico Saúl Juárez Vega Secretario Ejecutivo francisco cornejo rodríguez CINETECA NACIONAL Director General alejandro pelayo rangel Director de Difusión y Programación Nelson Carro Directora de Acervos Dora Moreno Brizuela Subdirector de Programación ALEJANDRO GRANDE BONILLA Subdirector de Publicaciones José Luis Ortega Torres Subdirector de Acervos CARLOS ÉDGAR TORRES PÉREZ Subdirectora de Investigación
En portada: Oeste (Lagerfeuer, Christian Schwochow, Alemania, 2013) Programación sujeta a cambios. Para mayor información consulte www.cinetecanacional.net o llame al 4155 1190. Las copias en cinta de las películas que se exhiben tienen la mejor calidad disponible. Dicha calidad puede variar debido a la diversidad de su procedencia y a su antigüedad. El Programa mensual es una publicación gratuita para informar sobre las películas que la Cineteca Nacional exhibe, tanto en sus instalaciones como en sedes alternas, cumpliendo su misión de difundir la cultura fílmica. Los textos firmados son responsabilidad de sus autores. Impresión: Digital Color Proof. Fco. Olaguibel 47, col. Obrera, México, D.F. Parte de la programación de la Cineteca Nacional recibe el apoyo de la Unión Europea y de Europa Cinemas.
Catherine Bloch Gerschel Subdirector de Documentación RAÚL MIRANDA LÓPEZ Jefe de Programación y Enlace Internacional dalia rosa peña flores Programa Mensual de la Cineteca Editor Gustavo E. Ramírez carrasco Jefe de información José Antonio Valdés Peña Diseño editorial FABIOLA PÉREZ SOLÍS Investigación iconográfica Patricia Talancón Solorio Colaboradores Daniela López Amézquita Israel ruiz arreola Diseño de anuncios SHalom J. PÉrez GonzÁleZ Venta de espacios con Relaciones Públicas FERNANDO TORRES BELMONT ftorres@cinetecanacional.net
EUROPA CINEMAS / MEDIA Mundus
Cineteca Nacional Av. México-Coyoacán 389, col. Xoco.
Abreviaturas D: Dirección. G: Guión. F en C: Fotografía en color. F en B/N: Fotografía en blanco y negro. M: Música. E: Edición. CP: Compañía(s) productora(s). Prod: Producción. Dist: Distribución. PC: Procedencia de copia.
ESTRENOS I El pasado
EL PASADO Le passé, Francia-Italia, 2013, 130 min. D y G: Asghar Farhadi. F en C: Mahmoud Kalari. M: Evgueni y Youli Galperine. E: Juliette Welfling. Con: Bérénice Bejo (Marie), Tahar Rahim (Samir), Ali Mosaffa (Ahmad), Pauline Burlet (Lucie), Elyes Aguis (Léa). CP: Memento Films Production, France 3 Cinéma, Bim Distribuzione. Prod: Alexandre Mallet-Guy. Dist: ND Mantarraya.
Una de las obsesiones de Asghar Farhadi, cineasta iraní, es la de tratar en su cine el tema de la familia en crisis. Con El pasado vuelve al asunto con un buen guión y unas sobresalientes actuaciones de Tahar Rahim, Ali Mosaffa y Bérénice Bejo, quien por este trabajo logró el premio a la mejor actriz en el Festival de Cannes. La película comienza con la llegada de Ahmad a París para iniciar el proceso de divorcio a petición de Marie, su esposa francesa. El director de la premiada Una separación (Jodaeiye Nader az Simin, 2011) vuelve a cautivar con su nuevo filme. Durante la breve estancia que lo mantendrá en la capital, Ahmad, va descubriendo la conflictiva relación entre Marie y su hija Lucie. Farhadi no es amigo de las escrituras de guión lineales y esos cambios de contexto y de ubicaciones hacen la película más atractiva y enigmática, en especial cuando los esfuerzos del recién llegado para restablecer el vínculo entre madre e hija acaban revelando un secreto del pasado. Así entonces, lo que comienza siendo una reunión presencial necesaria para zanjar algunos asuntos del fin de una relación, deviene en varias tramas que discurren paralelas a lo largo de la película. Hay que ser un realizador muy talentoso para poder combinar todas esas bifurcaciones de una manera compresible para el espectador, y Farhadi lo consigue con maestría y con una dirección de actores encomiable.
6 I Programa mensual agosto
El pasado I ESTRENOS
El cineasta basó el guión en distintos fragmentos de historias separadas que acaban encontrando un punto de convergencia en la misma dirección y que nos plantean una serie de interrogantes que nos hacen el relato más inexplicable y misterioso. La nacionalidad es lo de menos, ya que todo lo que ofrece la película está definido por una situación que se asoma desde el ayer, y ése es el eje principal de lo que se está contando; si debe privilegiarse una cierta lealtad hacia el pasado o renunciar a él para lanzarse hacia el futuro. El realizador definía muy bien esa postura tan común en unas declaraciones en las que decía que «Se tiende a pensar que el futuro es impreciso porque se desconoce, pero el ayer me parece aún más opaco. Actualmente tenemos numerosas huellas palpables del pasado, y debería ser más cercano que antes. A pesar de las fotografías, de los correos electrónicos, de todo, lo anterior es aún más oscuro. Es posible que la vida actual tienda a ir hacia adelante y a ignorar lo pretérito. Pero la sombra del pasado siempre está presente y nos tira hacia atrás. Me parece que ocurre en Europa y en el resto del mundo. Por mucho que nos esforzamos en propulsarnos hacia adelante, el peso de los acontecimientos de nuestro pasado sigue frenándonos».
Fragmentos de un texto de José Luis García Cinestel (cinestel.com) España, abril 16 de 2014.
Cineteca: a partir del jueves 7
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ESTRENOS I Workers
Workers México-Alemania, 2013, 120 min. D y G: José Luis Valle González. F en C: César Gutiérrez Miranda. E: Óscar Figueroa. Con: Suzana Salazar (Lidia), Jesús Padilla (Rafael), Bárbara Perrin Riverman (Elisa), Sergio Limón (Severino), Vera Talaia (patrona), Giancarlo Ruiz (gerente), Rey Castro (Saraí). CP: Zensky Cine, Autentika Films, FOPROCINE. Prod: José Luis Valle González, Elsa Reyes. Dist: Canana.
¿Qué cuenta en Workers? Es una doble historia de dos trabajadores en Tijuana, son sus pequeñas odiseas. Uno es un hombre que ha trabajado 30 años en una fábrica, en labores de limpieza, y por un error de papeleo no lo jubilan cuando le tocaba, y entonces se tiene que quedar a trabajar diez años más. En paralelo está una mujer que trabaja varias décadas en casa de unos ricos extravagantes. Cuando la señora muere deja su herencia al perro, pero deja dicho que a la muerte del animal los trabajadores heredarán ese dinero. Contra esas circunstancias absurdas, de una manera sorda y secreta, estos dos personajes inician una lucha contra estos eventos que van contra su dignidad. No es una denuncia, sino que trata del trabajo como experiencia de vida, que otorga muchas otras cosas además de dinero. Cuando no tienes trabajo te sientes mal, aparte de la subsistencia económica. ¿Cómo surgió la idea de la historia? El detonante fue algo bastante azaroso. Mi padre reflexionaba en voz alta sobre el hecho de no poder hacer planes a largo plazo. Y me puse a pensar en eso, en toda la gente que no puede hacer esos planes porque su vida está condicionada por décadas, por años de trabajo en lo mismo, y pensé en la gente que se concibe desde el trabajo, por el trabajo, sólo trabajando... Centré la historia en ese universo, con hechos un poco extraños, que pueden dar risa por absurdos: dejar la herencia al perro, un animal con rutinas aristocráticas y rodeado de sirvientes. Quizás forzando el imaginario hacia situaciones medio raras era más fácil reflexionar sobre el trabajo.
8 I Programa mensual agosto
Workers I ESTRENOS
¿Diría usted que se trata de un cine de mensaje? Casi no me gusta pensar en el concepto de mensaje, ni en el cine ni el arte en general. No digo que no deba ser así, pero mi postura es que no pretendo enviar mensajes sino más bien compartir historias que considero dignas de ser contadas, o mejor; disfrutadas. En este proceso hay algunos niveles de lectura con reflexiones sobre el trabajo, la edad, la soledad, el absurdo social. ¿Hay cierta base real en esos personajes o todo está inventado? Las historias yo creo que las vas construyendo sobre el camino, con las vivencias, fragmentos de realidad, narrativas, anécdotas que escuché de niño, etc. En el caso de esta película, el personaje de la fábrica es un emigrante salvadoreño que sufrió un atropello similar, pero pasado por el filtro de la ficción. Es un amigo de mis padres, además. Y la historia de la mujer tiene elementos de realidad y otras cosas que son pura fabulación para lograr el tono que se quería.
Fragmentos de una entrevista de Jon Apaolaza con José Luis Valle Noticine, (noticine.com) Madrid, 11 de marzo de 2013
Como complemento se exhibirá el cortometraje Música para después de dormir (Nicolás Rojas Sánchez, México, 2013, 10 min). Cineteca: a partir del jueves 7
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ESTRENOS I Big Joy: Las aventuras de James Broughton
Big Joy:
Las aventuras de James Broughton Big Joy: The Adventures of James Broughton, Estados Unidos, 2013, 82 min. D: Stephen Silha, Eric Slade, Dawn Logsdon. F en C: Ian Hinkle, Art Adams. M: Jami Sieber, Evan Schiller. E: Dawn Logsdon, Bill Weber, Kyung Lee. Testimonios: James Broughton, Suzzanna Hart, Neeli Cherkovski, Jack Foley, Anna Halprin, Davey Havok. CP: Frisky Divinity Productions. Prod: Stephen Silha, Eric Slade.
Son pocos los espectadores que conocen el nombre del poeta y cineasta experimental James Broughton, un hombre que jugó un papel importante en la creación de la escena del cine indie que hoy en día florece. Big Joy: Las aventuras de James Broughton, un agradable documental sobre la vida y el trabajo del estadounidense, es el revelador retrato de un hombre que ayudó a ampliar nuestra idea sobre el alcance de las películas. El fime abre con el coreógrafo y artista del performance Keith Hennessey, dándonos un breve resumen de la vida de Broughton, describiéndolo como el más outsider entre los outsiders y como un artista visionario. Siguiendo el insolente ejemplo de Hennessey, los directores Stephen Silha y Eric Slade construyen un vivo y entretenido collage donde se intercalan animaciones breves, extractos de los diarios personales de Broughton, poemas y películas experimentales, así como diversas entrevistas realizadas a sus conocidos, entre los que se encuentra un amante masculino. Broughton no tenía interés alguno en los caminos convencionales, a pesar de su origen burgués. En cambio, fue uno de los líderes del renacimiento artístico de San Francisco, que comenzó a finales de 1940 y ayudó a lanzar el movimiento beat. El artista fue inspirado por los pioneros filmes experimentales de Jean Cocteau, Maya Deren y otros, él mismo realizando su primer cortometraje en 1946. En esa misma época, Pauline Kael, una joven escritora que llegaría a convertirse,
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Big Joy: Las aventuras de James Broughton I ESTRENOS
décadas más tarde, en la más importante crítica de cine de los Estados Unidos se convirtió en su acompañante habitual. Vivieron juntos un tiempo y tuvieron una hija, Gina; tras este suceso Broughton terminó al instante su relación. Big Joy incorpora generosos extractos de varios filmes del artista, pero las secciones más interesantes del documental tienen que ver con su vida privada. Uno podría argumentar que Broughton vivió la típica “doble vida” de muchos hombres homosexuales. Aunque eso sería demasiado simplista dada la variedad de las experiencias narradas en la película. Fue la propia Kael quien le presentó al que sería su primer amante masculino importante, Kermit Sheets, un director de teatro y publicista. Pasaron algunos años en Europa, pero cuando se separaron Broughton contrajo matrimonio con Suzanna Hart, con quien procreó dos hijos. A la edad de 61 años, se enamoró de Joel Singer, un estudiante de cine que fue su protegido durante 35 años, y con quien pasó el resto de su vida. Big Joy proporciona un retrato bastante complejo y profundo de un hombre atado tanto a su obra artística como a constantes cambios amorosos.
Fragmentos de un texto de Stephen Farber The Hollywood Reporter (hollywoodreporter.com), 9 de marzo de 2013 Trad: José Luis Ortega Torres
Cineteca: a partir del viernes 8
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ESTRENOS I Centenario de James Broughton
Centenario de James Broughton Duración total: 71 min. Four in the Afternoon, Estados Unidos, 1951, 15 min. l Erogeny, Estados Unidos, 1976, 6 min. l The Golden Positions, Estados Unidos, l 1971, 30 min. l The Bed, Estados Unidos, 1968, 20 min.
Cuando James Broughton tenía 30 años, frecuentemente contemplaba el hecho de suicidarse. Entonces, comenzó a hacer cine y los pensamientos sobre su propia extinción desaparecieron para siempre. Esto fue en los años 40 cuando el cine era todavía un medio joven. Hoy, Broughton es llamado “el padre del cine experimental de la Costa Oeste”. Hizo 23 películas profundamente personales, poéticas y conmovedoras, que oscilan entre los tres y 23 minutos de duración. Estos filmes establecen un estándar para la expresión cinematográfica, combinando imaginación mitológica, experimentación visual, desnudez pionera y lecciones de vida humorísticas. En el libro sobre su filmografía, See the Light (1977), Broughton escribió: «El cine, como la vida, únicamente vale la pena si está al servicio de algo más allá de lo explícito y lo mundano. Manténte fiel a tu propia naturaleza y serás lo suficientemente original. Confía en tus sentimientos, intuiciones, locuras y actitudes. Ve hacia lo profundo. No luches contra un ratón. Hazlo con el enemigo angelical o el demonio desafiante. Sigue tu propia rareza».
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Centenario de James Broughton I ESTRENOS
La poesía, visual o verbal, domina en las películas de Broughton. The Bed, por ejemplo, exhibida por más de un año en San Francisco, relata una serie impresionante de fantasías y realidades que pueden ocurrir en la cama. Sobre ella, Broughton declaró alguna vez: «Nunca esperé tal éxito, hice la película por diversión propia y fue el único de mis filmes que alguna vez hizo dinero». Los trabajos del realizador han sido proyectados en retrospectivas del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), el National Film Theatre de Londres y el Museo Real de Cine de Bruselas, entre muchos otros. Galardonado por el Instituto Americano de Cine con un premio a su trayectoria, las técnicas innovadoras presentes en las películas de James Broughton siguen siendo inspiradoras hoy en día.
Sitio oficial del documental Big Joy: Las aventuras de James Broughton Estados Unidos, 2013
Cineteca: a partir del sábado 9
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ESTRENOS I Cumbres
Cumbres México, 2013, 84 min. D y G: Gabriel Nuncio. F en B/N: Israel Cárdenas. M: Rodrigo Guardiola, Mauricio Terracina. E: Yibrán Asuad. Con: Aglae Lingow, Ivanna Michel, Abdul Marcos. CP: Aurora Dominicana. Prod: Israel Cárdenas, Laura Amelia Guzmán. Dist: Circo 2.12
Los últimos doce meses en cuanto a cine mexicano se refiere, arrojaron un pequeño pero atractivo fenómeno relacionado con una serie de películas descentralizadas, filmadas de manera completamente autogestionada por talento regional, cuyos vasos comunicantes se localizan tanto en una óptica original, como en la voluntad personal para abordar el modo en que sus entornos fueron gradualmente cambiando de fisonomía a partir de la violencia y el sin sentido cotidiano. Las ciudades se han convertido en protagonistas. «Veo muy difícil mudarme a otro lugar para hacer mi trabajo, teniendo tan arraigado el norte, sobre todo porque mi cine está hecho de proyectos personales», afirma Gabriel Nuncio, director de una pieza importante dentro de este novísimo mapa fílmico, Cumbres, proveniente de Monterrey. La opera prima de Nuncio toma como punto de partida el célebre caso de nota roja ocurrido hace ocho años en una exclusiva zona residencial regiomontana, para narrar el entrañable road trip fraternal que emprenden Miwi (Aglae Lingow) y Juliana (Ivanna Michel) rumbo a Querétaro. La segunda deberá de entregarse a la justicia por un crimen que cometió. «Si bien está inspirada en un capítulo oscuro que permeó de una manera extraordinaria en la memoria colectiva de la ciudad, Cumbres no pretende para nada ser una crítica hacia la violencia que vive Monterrey. Mi motivación fue encontrar una historia de amor en un escenario escabroso, y esa es la película para mí: dos hermanas que huyen a partir de una tragedia, que reinventan su relación; es un relato rosa dentro de una nota roja». «La película es un pequeño registro histórico de nuestra hermandad como creadores, un rencuentro después de varios años de que nos separamos por cuestiones profesionales. Yo estudié la
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Cumbres I ESTRENOS
carrera con Alexandro Aldrete (productor), Israel Cárdenas (productor y fotógrafo) y Abdul Marcos (actor que interpreta a un amigo cercano de las hermanas). Cuando queríamos hacer cine a finales de los 90 encontramos en el videoclip para artistas gruperos una manera de acercarnos al audiovisual. La tradición de la música grupera chocaba con nosotros, pero fueron nuestros primeros trabajos remunerados, constantes. Yo participé en unos cuarenta o cincuenta videos, otros en casi cien. Al mismo tiempo, Israel Cárdenas realizaba cortometrajes experimentales y yo escribía guiones. Otro de los integrantes del grupo, Rodrigo Guardiola, acabó siendo el baterista de Zoé. Tuve la suerte de que la banda no se encontraba ni en gira ni en el estudio, para que hiciera parte del score».
Fragmentos de una entrevista a Gabriel Nuncio por Alberto Acuña Navarijo Cinema Tradicional (cinematradicional.com) Ciudad de México, 18 de julio de 2014
Como complemento se exhibirá el cortometraje Las tardes de Tintico (Alejandro García Caballero, México, 2012, 9 min). Cineteca: a partir del jueves 14
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ESTRENOS I El acto de matar
El acto de matar The Act of Killing, Dinamarca-Noruega-Reino Unido, 2012, 115 min. D y G: Joshua Oppenheimer, Christine Cynn y un director anónimo. F en C: Carlos Arango de Montis, Lars Skree. E: Nils Pagh Andersen, Erik Andersson, Charlotte Munch Bengtsen, Mariko Montpetit. Testimonios: Anwar Congo, Herman Koto, Adi Zulkadry, Syamsul Arifin. CP: Final Cut for Real, Piraya Films A/S, Spring Films. Prod: Christine Cynn, Signe Byrge Sørensen, Werner Herzog, Errol Morris. Dist: Ambulante Presenta.
Claude Lanzmann, en su obra maestra documental Shoah (1985), le encontró la cuadratura al círculo tomando una decisión ética que terminó siendo, inevitablemente, estética y estilística. El filme, de nueve horas de duración, no muestra una sola imagen histórica del Holocausto. Los seis millones de muertos son recordados a través de los testimonios de los sobrevivientes: de las víctimas y también de los victimarios. La representación del horror se logra, entonces, a través de la palabra, escuchada y luego interpretada/imaginada por cada espectador. El acto de matar, segundo largometraje documental de la pareja creativa formada por los estadounidenses Joshua Oppenheimer y Christine Cynn (The Globalisation Tapes, 2003) está ubicada en otro extremo. Podría ser entendida, acaso, como el anti-Shoah. En 1965, después de un fallido golpe de Estado en Indonesia, alrededor de un millón de “comunistas” –en realidad, sindicalistas, opositores, rebeldes y cualquier otro que se atravesara en el camino– fueron asesinados brutal y sistemáticamente por grupos de paramilitares, gánsteres y fuerzas del gobierno del presidente Sukarno. En Shoah, algunos de los viejos nazis fueron entrevistados y grabados por Claude Lanzmann con una cámara escondida. Estaban dispuestos a hablar, sí, pero eran muy precavidos. No pre-
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El acto de matar I ESTRENOS
sumían sus crímenes o, por lo menos, no se animaban a hacerlo públicamente. En contraste, los genocidas de El acto de matar están orgullosos de todo lo que hicieron. Más aún: quienes los rodean –medios de comunicación, funcionarios públicos, partido en el gobierno, prominentes empresarios, influyentes periodistas, parte de la población– los tratan como héroes nacionales. Son gánsteres a quienes la sociedad indonesia “les debe”, entre otras cosas, “la libertad” en la que se vive. Por eso, no tienen por qué esconderse. Al contrario: pareciera que todo lo que hicieron se justifica ahora más que nunca, ya que tienen una cámara enfrente. Sin timidez de ninguna especie, Anwar Congo, Herman Koto y Adi Zulkadry, los asesinos elegidos para participar en el filme, están dispuestos a hablar de todos los crímenes que cometieron y no sólo eso: también a recrearlos frente a las cámaras. Los realizadores llevan la provocación al límite ético y, acaso, lo cruzan. Congo, Koto y Zulkadry no sólo revisitan los lugares de los asesinatos o recrean torturas y crímenes, sino que proponen montar sus propias escenas cinematográficas para convertirse, ahora sí, en los “héroes de la película, papá”: un escenario de film noir, un musical con cascada al fondo, una cinta de acción violenta y todas las que salgan de la fértil imaginación de estos reales matones hablantines, admiradores de los ficticios matones hollywoodenses.
Fragmentos de un texto de Ernesto Diezmartínez Guzmán Revista Icónica núm. 5 Ciudad de México, julio de 2013
Cineteca: a partir de jueves 14
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ESTRENOS I El gigante egoísta
El gigante egoísta
The Selfish Giant, Reino Unido, 2013, 91 min. D: Clio Barnard. G: Clio Barnard basada en el cuento El gigante egoísta de Oscar Wilde. F en C: Mike Eley. M: Harry Escott. E: Nick Fenton. Con: Conner Chapman (Arbor), Shaun Thomas (Swifty), Ralph Ineson (Johnny Jones), Sean Gilder (Kitten), Ian Burfield (Mick Brazil). Prod: Katherine Butler, Lizzie Francke y Tracy. Dist: Caníbal.
El gigante egoísta, de Clio Barnard, sostiene una relación tenue con el cuento infantil de Oscar Wlide que inspiró la película, tan tenue que la directora admite haber pensado en cambiar el título por completo. El gigante de su historia, Kitten, es un chatarrero explotador, violento en potencia, y su jardín es un deshuesadero, un campo de reciclaje de metal por lo general robado. El jardín de Kitten expresa la malicia de una sociedad industrial desmantelada en la que no se hace nada nuevo, pero todo puede ser tomado o robado; una economía egoísta donde las cosas pueden valer un chelín o dos. Afortunadamente, con apenas débiles ecos, la empalagosa moraleja de renovación y redención del cuento de Oscar Wilde no acosa al argumento de la película de Barnard con demasiada obviedad. Su rastro residual sólo cobra completo sentido con la sorpresiva y repentina redención de Kitten. De alguna manera, el filme es un retorno a la opera prima de Clio Barnard, The Arbor (2010), ubicada en el poblado de Bradford, en la cual los actores de una especie de puesta en escena sincronizaban los labios con los testimonios del documental acerca de la dramaturga local Andrea Dunbar.
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El gigante egoísta I ESTRENOS
A pesar de ser una reelaboración no siempre congruente del texto de Wilde, El gigante egoísta comparte un poco de la abierta motivación experimental de The Arbor. Se trata de un ensayo de realismo lírico perteneciente a una tradición británica muy familiar, con filmes como Kes (Ken Loach, 1969), Ratcatcher (Lynne Ramsay,1999), Sweet Sixteen (Daniel Oron, 2002) y Fish Tank (Andrea Arnold, 2009), donde la privación social es observada desde el punto de vista de niños y jóvenes. Al igual que Ken Loach en Kes, Barnard logra un giro poético distintivo en su material, que convierte a su película en un estudio del poroso límite entre el campo y la ciudad. Existe una sorprendente magia rural en las recurrentes tomas de caballos en los horizontes nocturnos, pero también en las extraordinarias imágenes de un paisaje con marcas de desuso industrial: la tierra y la vegetación que asumen el aspecto del metal cansado, oxidado, evocando la mineralización inerte de un mundo alguna vez orgánico. Las fuerzas orgánicas de El gigante egoísta (la resistencia de la vida irreprimible para hacer que el jardín inglés muerto florezca, en términos del cuento de Wilde) son representadas por dos niños y por el caballo de Kitten, Diesel. Sus protagonistas son el grandulón Swifty, más astuto de lo que sus perseguidores piensan, y el más pequeño Arbor, quien encarna la capacidad del alma joven. Conner Chapman y Shaun Thomas, quienes interpretan a los personajes, son dos maravillosos y frescos hallazgos de Barnard, y la película representa un triunfo en la dirección de los jóvenes y novatos actores.
Fragmentos de un texto de Jonathan Romney Sight & Sound (bfi.org.uk) Londres, 19 de febrero de 2014 Traducción: Cintia Nájera
Cineteca: a partir del jueves 14
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ESTRENOS I Purgatorio: Viaje al corazón de la frontera
Purgatorio: Viaje al corazón de la frontera
México, 2012, 70 min. D y G: Rodrigo Reyes. F en C: Justin Chin. M: Rodrigo Cordera. E: Manuel Tsingaris. Prod: Rodrigo Reyes e Inti Cordera. CP: FOPROCINE, La Maroma Producciones, RR Cinema. Dist: IMCINE.
Una cosa que se debe saber antes de ver el documental de Rodrigo Reyes es que no es un trabajo objetivo. La película es una pieza meditativa diseñada para hacernos experimentar los sentimientos de su realizador sobre la frontera mexicana. Purgatorio toma la perspectiva del cineasta mientras se aventura a través de la frontera, de Tijuana a Ciudad Juárez, encontrando a varios personajes de ambos lados de la cerca. Si bien este tema ha sido abordado muchas veces, lo que hace diferente a la película es su acercamiento estilístico: en lugar de una incursión llanamente periodística, Reyes creó una pieza visual fina que avanza lentamente, con una cadencia casi naturalista. El documental inicia de manera típica, con dos hombres preparándose para saltar la cerca que separa a Estados Unidos de México. Sin embargo, pronto da un giro oscuro, de las imágenes de un drogadicto a las de dos mujeres que opinan que los criminales deben ser quemados. Nos lleva por pueblos desiertos, un refugio donde los animales son sacrificados, un asilo y un cementerio de niños. Tal y como su título lo indica: áreas desoladas, enclaves lejanos donde los sueños se rompen y donde las almas perdidas quedan atascadas.
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Purgatorio: Viaje al corazón de la frontera I ESTRENOS
Reyes también cruza un par de veces la frontera para conocer a distintos personajes, como un sacerdote que ayuda a los migrantes, un forense estadounidense que recolecta cadáveres y un minuteman que se asegura de que los ilegales no encuentren el camino a la Unión Americana. Además de la bonita fotografía, los méritos de la película residen en que su director permite a todos los personajes hablar libremente, sin juzgarlos. Como resultado, cada uno de los encuentros pone algo interesante sobre la mesa, como la pregunta, lanzada por el minuteman, de qué pasaría si todos los esfuerzos de los mexicanos por cruzar la frontera se canalizaran en desarrollar su propio país. Por supuesto, muchos opinarán que la visión de Reyes es mayormente pesimista y no completamente representativa de la situación real. Sin embargo, aunque su interpretación puede llegar a ser monocromática, debemos respetar sus elecciones temáticas, pues la película nunca intenta ser algo más que un retrato de las propias experiencias del realizador. La influencia de directores como Wim Wenders o Werner Herzog es obvia, pero a diferencia del trabajo de esos autores, Purgatorio: Viaje al corazón de la frontera no cuenta con una narración que clarifique las bellas y oscuras imágenes que transitan por la pantalla.
Fragmentos de un texto de Fred Tom Plume Noire (plume-noire.com) Los Ángeles, California, 2014 Traducción Gustavo E. Ramírez
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ESTRENOS I Generación Spielberg
Generación Spielberg México, 2014, 110 min. D, G, F en B/N, E, Prod: Gibrán Bazán. M: Genaro Ochoa, Sabina Maytorena. Con: Bruno Bichir (Tito), Silvia Carusillo (Aurora), Sophie Gómez (Luisa), Alejandro Durán (Pancho), Luisa Sáenz (Susana), Sonia Franco (Mónica), Miguel Conde (Leonardo), Ricardo Zárraga (Bogdan), Gabriel Casanova (González), Mauricio Ramírez (Marco), Eduardo Negrete (Gabriel). CP: Marsash Producciones. Dist: Alfhaville Cinema.
Generación Spielberg reúne cinco historias que se entrelazan, se intercomunican y se complementan: una pareja de amantes decide hacer un pacto similar al que hicieron John Lennon y Yoko Ono y se quedan bajo las sábanas durante 24 horas; al mismo tiempo una chica de alcurnia se queda atrapada en un elevador con un mensajero y un contador del que termina enamorándose. Entre tanto, en el estacionamiento de un centro de convenciones, un grupo de escritores decide emborracharse con mezcal en una camioneta, recordando sus épocas doradas ochenteras; mientras una sicoanalista se encierra en el baño con la intención de suicidarse y una ejecutiva y madre de familia se esconde en el cuarto de escobas de su oficina para curar su corazón roto con una botella de vino. Como persona nacida a principios de los años 70 me sorprende descubrir que muchos de los recuerdos que comparte mi generación se basan de forma casi absoluta en la mercadotecnia, dejando sus vivencias personales en segundo plano. Cuando pregunto a amigos qué recuerdan de los años 80, de inmediato mencionan películas, programas televisivos, productos y canciones,
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Generación Spielberg I ESTRENOS
e incluso han hecho suyas las filosofías que alguna vez les legaron los filmes más exitosos de esa época. Pocos se percatan de que comparten una memoria colectiva, producto de la sociedad de consumo, así como fantasías que inconscientemente se han integrado a su existencia como una forma de sortear de manera infantil sus conflictos adultos. La historia de esta cinta se desarrolla en un tono de humor negro donde a través de los personajes y sus conflictos se muestra el México actual y sus problemáticas sociales, pero ante todo es una propuesta que busca explorar la naturaleza humana, sus contradicciones, búsquedas, pasiones y demonios. Mi interés en la película se centra en los aspectos estructurales, narrativos, filosóficos y generacionales. Casi toda la película se desarrolla en pequeños interiores donde se juega con la intimidad y la claustrofobia, con una historia que se sostiene en base a los diálogos y las actuaciones, y que sin efectos especiales, grandes locaciones ni costosas escenografías procura mantener el interés del espectador con la honestidad de un producto artesanal. Con esta cinta busco abundar en la generación de los 80, su confianza en los extraterrestres que con dedo luminoso muestran el camino y la fuerza de los caballeros Jedi de Star Wars que “todo lo pueden con sólo desearlo”. Me interesa contar el relato de una generación que se olvidó de matar las fantasías de George Lucas y de Steven Spielberg, y que por simple lógica hollywoodense cree que los tiempos mejores llegarán sin esfuerzo... sin poner de su parte.
Como complemento se exhibirá el cortometraje Dentro de uno (Salvador Aguirre, México, 2013, 8 min). Gibrán Bazán Dixit
Cineteca: a partir del jueves 21
CINETECA NACIONAL I México
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ESTRENOS I El rey del erotismo
El rey del erotismo The Look of Love, Reino Unido-Estados Unidos, 2013, 101 min. D: Michael Winterbottom. G: Matt Greenhalgh. F en C: Hubert Taczanowski. M: Antony Genn, Martin Slattery. E: Mags Arnold. Con: Imogen Poots (Debbie Raymond), Anna Friel (Jean Raymond), Steve Coogan (Paul Raymond), Chris Addison (Tony Power), Carl Snitcher (James Lance), Tamsin Egerton (Fiona/Amber Richmond). Prod: Melissa Parmenter. Dist: Cinemas Nueva Era.
Para su cuarta colaboración con el director Michael Winterbottom, Steve Coogan propuso un filme acerca de Paul Raymond, la versión británica de Hugh Hefner, y por algún tiempo el ciudadano inglés más rico. Los resultados muestran de manera impresionante el lado dramático del comediante. El guión de Matt Greenhalgh presenta más o menos una serie de importantes sucesos personales en orden cronológico. Las cosas empiezan con una sección en blanco y negro que muestra el escenario de un adivinador de mentes, Raymond, quien desde el principio trabaja más como presentador de espectáculos, siempre acompañado de mujeres semidesnudas. Una de ellas es su primera esposa, Jean (Anna Friel), una coreógrafa con quien tiene dos hijos. Cuando llega la década de los 60 (que se muestra en color), Raymond gana riqueza y notoriedad al forzar los límites legales de los espectáculos en Inglaterra, con sus clubes sólo para miembros y obras de teatro con copiosa desnudez femenina. Estos proyectos teatrales lo llevarán a conocer a la amazónica pelirroja Fiona (Tamsin Egerton). Si Jean le ha tolerado a su esposo innumerables infidelidades casuales, esta implicación más profunda con una aventurera de ideas sexuales afines, detona un amargo divorcio.
24 I Programa mensual agosto
El rey del erotismo I ESTRENOS
Paul y Fiona entran de lleno a una década de los 70 en la que se vale casi todo, y emprenden junto a Chris Addison, quien interpreta al libertino editor Tony Power, un nuevo proyecto: la revista Men Only. Mucho de El rey del erotismo funciona como una crónica del exceso –el título de la anterior colaboración de Coogan-Winterbottom, 24 Hour Party People (La nueva orden) también quedaría como anillo al dedo–; es entretenida, mordaz y gloriosamente retro. A pesar de que todas las actuaciones son muy buenas, mucho de lo que hace a la película entretenida proviene de un impresionante paquete tecnológico que captura las modas cambiantes del swing a la cultura pop fosforescente en un periodo de aproximadamente veinticinco años. Los vestuarios y el diseño de producción (el departamento de Raymond es una maravilla de la década de los 70) son magníficos, al igual que el montaje retro y los estilos gráficos. La banda sonora va de lo exótico (Yma Sumac) a Mellow Yellow de Donovan, y de la música disco a la música de Soft Cell, con un adecuado énfasis recurrente en los éxitos de Burt Bacharach y Hal David durante los melancólicos y sinuosos años 60. Fragmentos de un texto de Dennis Harvey Variety (variety.com) 20 de enero de 2013 Traducción: Cintia Nájera
Cineteca: a partir del jueves 21
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ESTRENOS I Cortometrajes del IMCINE
Música para después de dormir México 2013, 10 min. D: Nicolás Rojas Sánchez. G: Nicolás Rojas Sánchez e Indira Velasco Viloria. F en C: Carlos Hidalgo AMC. E: Beto Basilio. M: Rubén Luengas y Pasatono. Con: Agapita Cipriana, Urbano Cisneros, Celerino Rosales Augurio, Ricardo Luis Rosales Ubano, Ezequiel Vásquez Chávez, José Tiburcio Vázquez Chávez. CP: Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE). Prod: Claudia Valdez.
Fidencio, un viejo violinista, emprende la búsqueda de los integrantes de su antigua orquesta para poder recibir a su hijo, mostrándonos que cuando la vida parece enmudecer, la música nos reencuentra. Cineteca: a partir del jueves 7, antes de las funciones de Workers
Las tardes de Tintico México, 2012, 9 min. D: Alejandro García Caballero. G: Daniela Villanueva Valdés. M: Daniel Hidalgo. CP: Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE). Prod: César Moheno Plá.
Bajo la bella Quebrada de Acapulco, un grupo de mosquitos adictos a la música trata desesperadamente de devolverle la alegría a un viejo y famoso maestro de la rumba. Cineteca: a partir del jueves 14, antes de las funciones de Cumbres
Dentro de uno México, 2013, 8 min. D: Salvador Aguirre. G: Ángela Galindo. F en C: Martín Boege. E: Salvador Aguirre y Gerardo Garza. M: Antonio Fernández. Con: Alan Fuentes, Graciela Orozco, Sonia Couoh y Gerardo Taracena. CP: Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE). Prod: Mónica Cervera.
Un niño indígena llamado Juan se enfrenta a lo que, para él, es un terrible monstruo. Su miedo crece constantemente, ante lo cual, su abuela Mariana cree tener una cura. Cineteca: a partir del jueves 21 antes de las funciones de Generación Spielberg
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CONTINÚAN EN CARTELERA
El casamiento Uruguay-Argentina, 2011, 71 min. D y G: Aldo Garay. F en C: Germán de León, Nicolás Soto. Prod: Yvonne Ruocco.
Esta película narra la peculiar historia de amor y compañerismo entre Julia Brian, una transexual uruguaya, e Ignacio González, un ex obrero de la construcción. Julia e Ignacio se conocieron en una plaza en la víspera de la navidad de hace 21 años. Ambos estaban solos y decidieron pasar juntos las fiestas. Desde ese momento han sido inseparables. Cineteca: a partir del viernes 1º
La danza de la realidad Chile-Francia-México, 2013, 130 min. D y G: Alejandro Jodorowsky, basado en su libro autobiográfico homónimo. F en C: Jean-Marie, Dreujou M: Jean-Marie Dreujou y Adán Jodorowsky. E: Maryline Montieux. Con: Brontis Jodorowsky (Jaime), Pamela Flores (Sara), Jeremías Herskovits (Alejandro Jodorowsky, niño), Alejandro Jodorowsky (él mismo). CP: Caméra One, Le Soleil Films. Prod: Moisés Cosío, Michel Seydoux, Alejandro Jodorowsky. Dist: Caníbal.
Con el estilo que lo ha llevado a ser una de las figuras más reconocidas del cine fantástico, Alejandro Jodorowsky lleva a la pantalla los recuerdos de su infancia en el pequeño pueblo de Tocopilla, Chile, donde pese a las presiones de su riguroso padre, un comunista recalcitrante, y la abnegación de una madre amorosa pero débil tuvo que abrirse camino en medio de una sociedad que no siempre entendió sus orígenes. Cineteca: a partir del viernes 1º
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CONTINÚAN EN CARTELERA
Los gatos persas Kasi az gorbehaye irani khabar nadareh, Irán, 2009, 106 min. D: Bahman Ghobadi. G: Bahman Ghobadi, Hossein Mortezaeiyan y Roxana Saberi. F en C: Turaj Mansuri. M: Mahdyar Aghajani y Ash Koosha. E: Haydeh Safi-Yari. Con: Negar Shaghaghi (Negar), Ashkan Koshanejad (Ashkan) y Hamed Behdad (Nader). Prod: Bahman Ghobadi, Mehmet Aktas. Dist: Alfhaville Cinema.
Del autor de Las tortugas pueden volar llega este retrato del mundo del rock underground de Irán, un país en el que sólo es permitido tocar música tradicional. Rodado en la clandestinidad y con una banda sonora que recorre toda la producción del país árabe, Bahman Ghobadi presenta un trabajo político sobre la censura, a partir de las aventuras de Negar y Ashkan, quienes buscan comprar visados en el mercado negro de Teherán para poder volar a Londres y presentarse a un concierto que ya tienen programado. Cineteca: a partir del viernes 1º
Historias de caballos y hombres Hross í oss, Islandia-Alemania, 2013, 80 min. D y G: Benedikt Erlingsson. F en C: Bergsteinn Björgúlfsson. M: Davíð Þór Jónsson. E: David Alexander Corno. Con: Ingvar Eggert Sigurðsson, Charlotte Bøving, Steinn Ármann, Helgi Björnsson, Kjartan Ragnarsson, Atli Rafn Sigurðarson, Juan Camillo Román Estrada, Sigríður María Egilsdóttir. CP: Hrossabrestur. Prod: Friðrik Þór Friðriksson. Dist: Alfhaville Cinema.
Adornado con hermosas vistas del paisaje islandés, el debut como director de Benedikt Erlingsson es una exploración sobre lo que hay de humano en los caballos y lo que hay de caballo en los humanos. Situado en una comunidad rural, donde los equinos son una parte crucial de la interacción social, el director permite al espectador conocer el mundo de sus personajes humanos a través de los ojos expresivos de los animales, en un ensamble coral que mezcla comedia y tragedia. Cineteca: a partir del viernes 1º
28 I Programa mensual agosto
CONTINÚAN EN CARTELERA
Huérfanos México, 2013, 155 min. D: Guita Schyfter. G: Hugo Hiriart, Fausto Zerón-Medina y Guita Schyfter. F en C: Sebastián Hiriart. M: Jesús Echeverría. E: Pedro G. García. Con: Rafael Sánchez Navarro (Melchor Ocampo), Dolores Heredia (Ana María Escobar), Germán Jaramillo (Lindoro Cajiga), Claudette Maillé (Francisca Javiera), Alberto Estrella (Emeterio). CP: Producciones Arte Nuevo, FEMSA, FIDECINE, Estudios Churubusco. Prod: Guita Schyfter. Dist: Videocine.
Con la independencia, España deja huérfanos a los mexicanos. Extraviados pelean entre sí buscando el camino a seguir. Huérfanos es la historia verdadera de un hombre enigmático, Melchor Ocampo, que mientras vive un amor prohibido y apasionado en la violencia del siglo XIX, se dispone a cambiar el destino de la nación. Cineteca: a partir del viernes 1º
Joven y bella Jeune & Jolie, Francia, 2013, 95 min. D y G: François Ozon. F en C: Pascal Marti. M: Phillippe Rombi, Françoise Hardy. E: Laure Gardette. Con: Marine Vacth (Isabelle), Géraldine Pailhas (Sylvie), Frédéric Pierrot (Patrick), Fantin Ravat (Victor), Johan Leysen (Georges). CP: Mandarin Cinéma, Mars Films, France 2 Cinéma, FOZ. Prod: Eric Altmayer, Nicolas Altmayer. Dist: Cinemas Nueva Era.
Isabelle es una joven francesa de 17 años que comienza a explorar su sexualidad. Su odisea de autodescubrimiento ocurre a lo largo de cuatro episodios, cada uno de ellos dividido por una canción de François Hardy. Después de ese acercamiento a la perversidad del thriller hitchcockiano que significó En la casa (2012), el cineasta François Ozon adopta una notable, sensible sobriedad para narrar el tránsito de la inocencia a la madurez sexual de su protagonista con una mirada tan sutil como emotiva. Cineteca: a partir del viernes 1º
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CONTINÚAN EN CARTELERA
Klip Serbia-Montenegro, 2012, 100 min. D y G: Maja Miloš. F en C: Vladimir Simic. E: Stevan Filipovic. Con: Isidora Simjonović (Jasna), Vukašin Jasnić (Djordje Djole Tosic), Sanja Mikitišin (madre de Jasna), Jovo Maksić (padre de Jasna), Monja Savic (Marija), Katarina Pesic (Ivana). CP: Film House Bas Celik. Prod: Jelena Mitrović. Dist: ND Mantarraya.
La opera prima de Maja Miloš es una historia de adolescentes contemporáneos llenos de ansiedad e incertidumbre. El relato se centra en Jasna, una estudiante que vive con su familia en un edificio en las afueras de Belgrado. Lo único que le interesa es estar de fiesta y complacer sexualmente a su novio mientras se toman imágenes con teléfonos celulares que pronto circularán por Internet. Klip propone una mirada frontal a esta generación, con sexo explícito, violencia y drogas. Cineteca: a partir del viernes 1º
Más amaneceres México, 2012, 79 min. D: Jorge Leyva. G: Herminio Ciscomani y Hatuey Viveros. F en C: Jorge Leyva. M: Uriel Ohm. E: Jaime Villa. Con: Ximena Aréchiga (Eva), Gabriel Chino Arellano (Pedro), Sergio Galindo (jefe de pescadores), Eva Lugo (María), Arturo Merino (joyero), Jesús Ochoa (Weron Jiménez), Osari Pacheco (Diego). Prod: Lilia Velazco.
Es la historia de Diego, un niño de apenas 11 años que vive en una pequeña comunidad pesquera al norte de México. Se acercan los trece años de su amiga Eva, la hija única de María y Jacinto. Mientras sueña con celebrar su cumpleaños, una serie de eventos están a punto de afectar su vida para siempre. Para Eva, Diego es la única luz en la hora más oscura, antes del amanecer. Cineteca: a partir del viernes 1º
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CONTINÚAN EN CARTELERA
Naomi Campbel Chile, 2013, 83 min. D, G, F en C y E: Camila José Donoso y Nicolás Videla. Prod: Catalina Donoso y Rocío Romero. Dist: Obra cine.
Yermén es una transexual chilena de treinta y tantos años que trabaja como tarotista y vive en la población de La Victoria. En busca de una “reasignación de sexo” decide probar suerte en un programa de televisión sobre cirugías plásticas, donde conoce a una enigmática inmigrante que desea operarse y ser igual a la modelo Naomi Campbell. Cineteca: a partir del viernes 1º
Ninfomanía Vol. 2 Nymphomaniac, Vol. 2, Dinamarca, 2013, 123 min. D y G: Lars von Trier. F en C: Manuel Alberto Claro. E: Molly Malene Stensgaard. Con: Charlotte Gainsbourg (Joe), Stellan Skarsgård (Seligman), Shia LaBeouf (Jerôme), Jamie Bell (K), Willem Dafoe (L), Sophie Kennedy Park (B), Jean-Marc Barr (deudor). CP: Zentropa Entertainments. Prod: Louise Vesth. Dist: Zima Entertainment.
Joe, la protagonista del primer volumen de Ninfomanía, continúa relatando al solitario Seligman su biografía erótica, centrándose ahora en su vida adulta, un momento en el cual su adicción al sexo provocó un enfrentamiento entre su posición social como esposa y madre y su búsqueda eterna del placer. Segunda parte del binomio fílmico en el cual el siempre polémico Lars von Trier retrata sin restricciones la sexualidad femenina llevada a los extremos. Cineteca: a partir del viernes 1º
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CONTINÚAN EN CARTELERA
Noche Argentina-Italia, 2013, 87 min. D y G: Leonardo Brzezicki. F en C: Massimo Ruggieri. E: Filip Gsella. Con: Flavia Noguera, Jair Toledo, Pablo Vega, Gastón Re, Maria Soldi, Nadyn Sandrone Julian Tello. Prod: Leonardo Brzezicki y Ginevra Elkan. Dist: Circo 2.12.
Seis jóvenes amigos, en una casa de campo en Entre Ríos, escuchan las grabaciones que dejó Miguel, con quien cada uno de ellos tenía una relación distinta. Los sonidos del pasado establecen un juego con las escenas del presente; un presente extraño, en el que los tiempos y los espacios se funden. Es el tiempo del duelo, y es el lugar en el que Miguel pasó sus últimos días antes de suicidarse. Cineteca: a partir del viernes 1º
Paraíso: Fe Paradies: Glaube, Austria-Alemania-Francia, 2012, 113 min. D: Ulrich Seidl. G: Ulrich Seidl y Veronika Franz. F en C: Edward Lachman y Wolfgang Thaler. E: Christof Schertenleib. Con: Maria Hofstätter (Anna Maria), Nabil Saleh (su esposo), Natalya Baranova, Rene Rupnik. CP: Ulrich Seidl Film Produktion GmbH, Tatfilm, Société Parisienne de Production. Prod: Ulrich Seidl. PC: Cineteca Nacional.
Un filme que explora lo que significa cargar con una cruz. Para hacerlo, Seidl se enfoca en Anna Maria, hermana de la protagonista de la primera cinta de esta trilogía, Paraíso: Amor, una mujer que en sus vacaciones realiza labor humanitaria en Austria con la finalidad de alcanzar la redención. Pero todo cambia cuando su marido musulmán confinado a una silla de ruedas, regresa al hogar después de un tiempo para reclamar sus derechos maritales. Cineteca: a partir del viernes 1º
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CONTINÚAN EN CARTELERA
Polissía Polisse, Francia, 2011, 127 min. D: Maïwenn. G: Maïwenn y Emmanuelle Bercot. F en C: Pierre Aïm. M: Stephen Warbeck. E: Laure Gardette, Yann Dedet. Con: Karin Viard (Nadine), Joeystarr (Fred), Marina Foïs (Iris), Nicolas Duvauchelle (Mathieu), Maïwenn (Mélissa), Karole Rocher (Chrys). CP: Les Productions du Trésor, Arte France Cinéma, Mars Films, Chaocopr Shortcom. Prod: Alain Attal. Dist: Circo 2.12.
La vida diaria de los policías de la Brigada de Protección de Menores transcurre entre la detención preventiva de pedófilos, el arresto de carteristas menores y también la pausa para el almuerzo, donde se cuentan los problemas de pareja. También están las audiencias de padres maltratadores y la solidaridad entre colegas. Fred, el hipersensible del grupo, tendrá dificultades para soportar la mirada de Mélissa, enviada por el Ministerio del Interior para realizar un libro de fotos sobre la brigada. Cineteca: a partir del viernes 1º
Reflejos Argentina, 2012, 62 min. D, G, F en C y E: Mariela Pietragalla e Ignacio Vergilla.
La dupla de realizadores sigue el cine del director argentino Gustavo Fontán para encontrar las motivaciones más profundas en su obra. En Reflejos no hay fascinación sino un interés genuino por este cineasta singular, que es abordado en sus propios términos. Cineteca: a partir del viernes 1º
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CONTINÚAN EN CARTELERA
El rostro Argentina, 2013, 64 min. D y G: Gustavo Fontán. F en C: Luis Cámara. E: Mario Bocchicchio. Prod: Guillermo Pineles. Dist: Obra cine.
Un hombre en un pequeño bote llega a una isla en el Río Paraná. Se dirige a un lugar en el que solía haber una casa y un pequeño pueblo. Ahora no hay nada. Pequeñas señales de algo viejo y perdido: el lugar donde nació. Su presencia permite que las cosas en ese lugar abandonado se materialicen: chozas y mesas, animales y canoas. Cineteca: a partir del viernes 1º
Se levanta el viento Kaze tachinu, Japón, 2013, 126 min. D y G: Hayao Miyazaki, basado en su historieta homónima, inspirada a su vez en una novela de Tatsuo Hori. F en C: Atsushi Okui. M: Jirō Horikoshi. E: Takeshi Seyama. Con (voces): Hideaki Anno (Jirō Horikoshi), Miori Takimoto (Naoko Satomi), Hidetoshi Nishijima (Honjo), Masahiko Nishimura (Kurokawa), Stephen Alpert (Castorp), Morio Kazama (Satomi), Keiko Takeshita (Mamá de Jiro). CP: Studio Ghibli, Nippon Television Network, Dentsu, Hakuhodo DYMP, Walt Disney Japan, Mistsubishi, Toho y KDDI. Prod: Toshio Suzuki. Dist: Zima Entertainment.
Un joven apasionado de la aviación, cuya vista le impidía ser piloto, se convirtió en el creador de los aviones con los cuales Japón peleó en la Segunda Guerra Mundial. Inspirada en la historia verdadera de Jirō Horikoshi, el maestro japonés de la animación Hayao Miyazaki construyó un filme (anunciado como el último de su carrera) en el cual su acostumbrada visión fantástica aterriza en las duras condiciones de un país en pie de guerra. Todo ello con un realismo poco común en su obra. Cineteca: a partir del viernes 1º
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CONTINÚAN EN CARTELERA
Tanta agua Uruguay-México-Holanda-Alemania, 2013, 100 min. D y G: Ana Guevara y Leticia Jorge. F en C: María José Secco. M: Maximiliano Angelieri. E: Ana Guevara, Leticia Jorge, Yibrán Asuad. Con: Néstor Guzzini (Alberto), Malú Chouza (Lucía), Joaquín Castiglioni (Federico). CP: Control Z Films. Prod: Agustina Chiarino y Fernando Epstein. PC: Cineteca Nacional.
Lucía tiene 14 años pero parece de un poco menos. Sus papás están divorciados. Ella y su hermano viven con su madre. Alberto, su padre, un quiropráctico que ve a sus hijos en pocas ocasiones, ha alquilado una cabaña en las termas; las vacaciones van a ser cortas y el cielo amenaza con lluvia. Cuando llegan, el panorama es desalentador. Meterse en las piscinas está prohibido por una tormenta eléctrica. Mientras más intenta Alberto arreglar el fracaso de esta excursión familiar, menos lo consigue. Cineteca: a partir del martes 1º
Vamos a jugar al infierno Jigoku de naze warui, Japón, 2013, 126 min. D, G y M: Shion Sono. F en C: Hideo Yamamoto. E: Jun’ichi Itô. Con: Jun Kunimura (Muto), Shinichi Tsutsumi (Ikegami), Fumi Nikaidô (Michiko), Hiroki Hasegawa (Hirata), Gen Hoshino (Kouji). CP: Bitters End, Gansis, King Record Co., T-Joy. Prod: Takuyuki Matsuno y Tsuyoshi Suzuki. Dist: Interior 13 Cine.
Los Fuck Bombers, un grupo de jóvenes que ansían filmar la mejor película de la historia, tendrán su oportunidad al involucrarse en un enfrentamiento añejo entre dos clanes de yakuzas. Con un guión realizado hace 20 años, Shion Sono hace un homenaje a los entrañables rodajes en 35 mm, al legendario Bruce Lee, al clásico filme Cinema Paradiso, al cine amateur y al cine de yakuzas con una explosiva mezcla de comedia gore y falso documental. Cineteca: a partir del viernes 1º
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CICLOS I 13 Semana de Cine Alemán
SEMANA DE CINE ALEMáN La presente edición de la Semana de Cine Alemán, uno de los eventos más concurridos que se presentan en la Cineteca Nacional durante el año, refrenda su compromiso como un puente cinematográfico entre la actualidad de la industria fílmica alemana y el público mexicano. El cine alemán, tanto en la ficción como en el documental, ha sido ejemplar en cuanto a su compromiso con la realidad social que impulsa a sus creadores y por lo tanto a su propia existencia. Por ejemplo, la tensión que a nivel mundial se experimenta debido a las constantes crisis económicas se pone de manifiesto a través del documental Amo del universo de Marc Bauder, compuesto por una reveladora entrevista con un legendario inversionista que aporta un retrato insólito acerca de aquellos que mueven los hilos de la economía en este mundo globalizado. En los terrenos de la ficción, una película como Finsterworld apuesta por una visión surreal de la Alemania actual a través de sus múltiples relatos y protagonistas, mientras que Love Steaks y Parque trizado retoman el tema de una juventud actual enfrentada a un destino incierto, enmarcado por la violencia y el desamor. Por su parte, Zonas húmedas es una desenfadada reflexión sobre la sexualidad y sus demonios. La historia alemana sigue cautivando a los realizadores, como lo demuestra La otra patria, filme de Edgar Reitz acerca de la presencia alemana en Sudamérica durante el siglo XIX, y que resulta un extraordinario antecedente a su obra magna, la inolvidable Heimat (1984-2004). Mientras que Dos vidas y Oeste son cintas en las cuales las fantasmagorías del Muro de Berlín y los tiempos de la Alemania dividida reaparecen. También hay opciones dentro de la programación de este ciclo dedicadas al público infantil. Una de ellas, Viento del este, narra la historia de su joven protagonista a través de su pasión por los caballos. Por su parte, Sputnik, desde su perspectiva de comedia juvenil, plantea un fantástico escenario en el cual el asunto de la Alemania dividida ideológica y políticamente se resuelve de una forma sumamente original. El ciclo es complementado con la retrospectiva La provincia alemana: entre el ensueño y la pesadilla, compuesta por siete títulos que recorren la historia del cine alemán a través de una serie de miradas centradas en los cambios que dicha sociedad sufrió a lo largo del siglo XX, con títulos de cineastas tan relevantes como Rainer Werner Fassbinder, Wim Wenders y Tom Tykwer, entre otros. José Antonio Valdés Peña Cineteca Nacional
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13 Semana de Cine Alemán I CICLOS
Amo del universo Der Banker: Master of the Universe, Alemania, 2013, 88 min. D y G: Marc Bauder. F en C: Börres Weiffenbach. M: B. Fleischmann. E: Hansjörg Weißbrich, Rune Schweitzer. Con: Rainer Voss. CP: Bauderfilm, NGF-Geyrhalter Filmproduktion, Hessischer Rundfunk, Südwestrundfunk und arte. Prod: Marc Bauder, Markus Glaser, Wolfgang Widerhofer, Nikolaus Geyrhalter, Michael Kitzberger
Reiner Voss fue uno de los inversionistas más importantes de Alemania, quien obtenía millones de euros en ganancias al día. En un banco vacío en la zona financiera de Frankfurt, este hombre nos lleva al interior de un mundo casi religioso, megalómano y aterrador. Con esta entrevista y una investigación minuciosa, el director Marc Bauder revela el desconocido lado psicológico de la crisis financiera. Cineteca: viernes 15, miércoles 20 y miércoles 27
Love Steaks Alemania, 2013, 89 min. D: Jakob Lass. G: Jakob Lass, Ines Schiller, Timon Schäppi, Nico Woche. F en C: Timon Schäppi. M: Golo Schultz. E: Gesa Jäger. Con: Lara Schmelzing (Lana Cooper), Clemens Pollozek (Franz Rogowski). CP: Hochschule für Film und Fernsehen, MAMOKO Entertainment. Prod: Ines Schiller, Golo Schultz.
Love Steaks relata la historia de amor entre Clemens y Lara. Clemens es un chico tímido que comienza a trabajar como masajista terapéutico en un lujoso hotel. Las mujeres a las que atiende se vuelven locas por sus manos. Lara, trabaja en la cocina y se esfuerza día a día por sacar a Clemens de su burbuja. Son dos personalidades opuestas que se complementan: mientras ella trata de remover los miedos de Clemens, él trata de apartarla de sus adicciones. Cineteca: viernes 15, domingo 17, jueves 21 y martes 26
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CICLOS I 13 Semana de Cine Alemán
Zonas húmedas Feuchtgebiete, Alemania, 2013, 109 min. D: David Wnendt. G: David Wnendt y Claus Falkenberg, basados en la novela homónima de Charlotte Roche. F en C: Jakub Bejnarowicz. M: Enis Rotthoff. E: Andreas Wodraschke. Con: Carla Juri (Helen Memel), Christoph Letkowski (Robin), Meret Becker (madre de Helen), Axel Milberg (padre de Helen), Marlen Kruse (Corinna), Peri Baumeister, (Sor Valerie) Edgar Selge (Prof. Notz). CP: Rommel Film, Zweites Deutsches Fernsehen. Prod: Peter Rommel.
A Helen, la protagonista de esta comedia dramática, le gusta experimentar con vegetales mientras se masturba y cree que la higiene corporal está sobrevalorada. La gente a su alrededor se sorprende por sus ademanes poco femeninos y sus temas de conversación. Un accidente a la hora de depilarse la lleva al hospital. Aún en su estado convaleciente, encuentra la oportunidad de reunir a sus padres divorciados y elaborar un plan para atraer a su enfermero. Cineteca: domingo 17, jueves 21, domingo 24, lunes 25 y martes 26
Finsterworld Alemania, 2013, 91 min. D: Frauke Finsterwalder. G: Christian Kracht, Frauke Finsterwalder. F en C: Markus Förderer. M: Michaela Melián. E: Andreas Menn. Con: Corinna Harfouch (Inga Sandberg), Sandra Hüller (Franziska Feldenhoven), Ronald Zehrfeld (Tom), Michael Maertens (Claude Petersdorf), Johannes Krisch (ermitaño), Christoph Bach (profesor Nikel). CP: Walker +Worm Film. Prod: Tobias Walker, Philipp Worm.
Esta comedia es un viaje a través de una Alemania surrealista; una antología en la que todos sus personajes se encuentran en un país donde el sol siempre brilla y todos son felices, hasta que de pronto revelan su lado oscuro: un agente de policía disfrazado de oso, una cineasta incapaz de encontrar una historia interesante, una pareja adinerada que se reúsa a sentarse en un automóvil fabricado en Alemania, un hombre salvaje entrenando un cuervo. Cineteca: sábado 16, domingo 17, lunes 25 y jueves 28
La otra patria Die andere Heimat – Chronik einer Sehnsucht, Alemania-Francia, 2013, 230 min. D: Edgar Reitz. G: Edgar Reitz y Gert Heidenreich. F en B/N: Gernot Roll. M: Michael Riessler E: Uwe Klimmeck. Con: Jan Schneider (Jakob), iAntonia Bll (Jettchen), Maximilian Scheidt (Gustav), Marita Breuer (Margarethe), Rüdiger Kriese (Johann), Philine Lembeck (Florinchen), Lena (Mélanie Fouché), Eva Zeidler (abuela). CP: Edgar Reitz Film. Prod: Christian Reitz.
Precuela de la trilogía Heimat que Edgar Reitz realizó para la televisión en 1984, 1993 y 2004, en donde sigue la historia de Alemania en el siglo XX a través de un pueblo ficticio. Situada en el siglo XIX, La otra patria refleja una época en la que muchos europeos se establecieron en Sudamérica con el fin de escapar de la pobreza y la hambruna. Esta película se centra en los sueños y las esperanzas de dos hermanos. Cineteca: martes 19, miércoles 20 y viernes 22
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13 Semana de Cine Alemán I CICLOS
Parque trizado Scherbenpark, Alemania, 2013, 94 min. D: Bettina Blümner. G: Katharina Kress, basada en la novela de Alina Bronsky. F en C: Mathias Schöningh. M: Ali N. Askin. E: Inge Schneider. Con: Jasna Fritzi Bauer (Sascha), Ulrich Noethen (Volker Trebur), Vladimir Burlakov (Peter), Max Hegewald (Felix), Maria Dragus (Anna). CP: Eyeworks Film Gemini. Prod: Sabine de Mardt, Iris Wolfinger.
Sascha es una adolescente que vive en un barrio conflictivo en la ciudad y sueña con escribir una novela protagonizada por su madre. Al mismo tiempo, busca vengarse de su padrastro, quien mató a su madre y está a punto de ser liberado de la cárcel. Cuando Sascha conoce a un editor de periódico y a su hijo, comienzan una relación amorosa. Este drama muestra cómo una situación desafortunada puede conducir a la esperanza. Cineteca: viernes 15, sábado 16 y miércoles 20
Me siento disco Ich fühl mich Disco, Alemania 2013, 95 min. D y G: Axel Ranisch. F en C: Dennis Pauls. E: Mileka Nawka y Guernica Zimgabel. Con: Frithjof Gaweda (Florian Herbst), Heiko Pinkowski (Hanno Herbst), Christina Große (Monika Herbst), Robert Alexander Baer (Radu), Talisa Lilli Lemke (Nele), Christian Steiffen (Christian Steiffen), Rosa von Praunheim (Rosa von Praunheim). CP: Kordes & Kordes Film GmbH, Zweites Deutsches Fernsehen. Prod: Alexandra Kordes, Meike Kordes
Florian Herbst es más feliz cuando su padre sale de casa, ya que mientras él no está puede bailar por todo el lugar usando disfraces descabellados. Hanno Herbst, no sabe qué hacer con su torpe hijo, de vientre abultado y poco interés por los deportes y las chicas. La madre mantiene la frágil armonía de la familia. Cuando una mañana, ella desaparece de sus vidas, padre e hijo tendrán que encontrar juntos el lazo que los mantenga unidos. Cineteca: martes 19, sábado 23, domingo 24 y miércoles 27
Kohlhaas –la proporcionalidad de los medios
Kohlhaas oder die Verhältnismäßigkeit der Mittel, Alemania 2012, 90 min. D y G: Aaron Lehman. F en C: Cristian Pirjol. M: Boris Bojadzhiev. E: David Hartmann. Con: Robert Gwisdek (Lehmann), Jan Messutat (Kohlhaas), Rosalie Thomass (Lisbeth), Michel Fuith (Heinrich), Eckhard Greiner (Johann Hubel). CP: Kaminski.Stiehm.Film. Prod: Miriam Klein, Frank Kaminski, Ulrich Stiehm.
En lo profundo de la campiña bávara se rueda el drama histórico Michael Kohlhaas, pero el primer día de rodaje llega la noticia de que el presupuesto ha sido cancelado. Así, a falta de una producción de impresionantes escenas épicas con disfraces y accesorios extraordinarios, el joven director Lehmann deberá apelar a la imaginación de su equipo y del espectador para hacer una película indudablemente auténtica. Cineteca: lunes 18, jueves 21 y martes 26
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CICLOS I 13 Semana de Cine Alemán
Dos vidas Zwei Leben, Alemania-Noruega, 2012, 97 min. D: Georg Maas. G: Georg Maas, Christoph Tölle, Ståle Stein Berg. F en C: Judith Kaufmann. M: Christoph M. Kaiser y Julian Maas. E: Hansjörg Weißbrich. Con: Juliane Köhler (Katrine Evensen Myrdal), Liv Ullmann (Åse Evensen), Ken Duken (Anwalt Sven Solbach), Sven Nordin (Bjarte), Julia Bache-Wiig (Anne), Rainer Bock (Hugo). CP: Zinnober Film, B&T Film, Helgeland Film. Prod: Dieter Zeppenfeld, Rudi Teichmann, Axel Helgeland.
En 1990, el muro de Berlín acaba de ser derrumbado. Katrine vive cómodamente en Noruega desde hace 20 años. Ella es “hija de la guerra”, producto de una relación entre una mujer noruega y un soldado alemán durante la Segunda Guerra Mundial. Cuando un abogado le pide a ella y a su madre que testifiquen en contra del estado noruego, Katrine se resiste. Poco a poco, una red de secretos es descubierta. Cineteca: lunes 18, viernes 22 y miércoles 27
Oeste Lagerfeuer, Alemania, 2013, 102 min. D: Christian Schwochow. G: Heide Schwochow, basada en la novela de Julia Franck. F en C: Frank Lamm. M: Lorenz Dangel. E: Jens Klüber. Con: Jördis Triebel (Nelly Senff), Tristan Göbel (Alexej), Jacky Ido (John Bird), Anja Antonowicz (Krystyna), y Alexander Scheer (Hans). CP: Zero One Film, Terz Filmproduktion, ö Filmproduktion. Prod: Katrin Schlösser, Thomas Kufus y Christoph Friedel.
Empezar de cero y dejar el pasado atrás. Eso pretendieron en los años setenta Nelly Senff y su hijo Alexej cuando escaparon de Berlín Oriental para buscar un futuro mejor en la Alemania del Oeste. Christian Schwochow retrata la disfunción de su país a través de esta historia, la cual transcurre entre las paredes del refugio Marienfelde de Berlín Oeste, donde interrogatorios realizados por franceses y norteamericanos deciden si sus inquilinos reciben el sello de aprobación para vivir en Occidente. Cineteca: domingo 24 y jueves 28
Tiempo de caníbales Zeit der Kannibalen, Alemania, 2014, 93 min. D: Johannes Naber. G: Stefan Weigl. F en C: Pascal Schmit. M: Cornelius Schwehr. E: Ben von Grafenstein. Con: Sebastian Blomberg (Kai Niederländer), Devid Striesow (Frank Öllers), Katharina Schüttler (Bianca März), Romesh Ranganathan (Singh), Steve Ellery (John Schernikau) y Jaymes Butler (Vincent Akume). CP: Studio-TV-Film. Prod: Milena Maitz.
Dos exitosos asesores han viajado por varios de los países más sórdidos del planeta con una sola idea en mente: satisfacer la codicia de sus clientes y civilizar la expansión del capitalismo. Öllers y Niederländer tienen hasta los treinta años para conseguir la promoción que les hace falta. Antes tendrán que luchar contra un viejo enemigo y aliarse a la ambiciosa Bianca con tal de lograr su objetivo en medio de una situación caótica. Cineteca: lunes 18, viernes 22 y sábado 23
40 I Programa mensual agosto
13 Semana de Cine Alemán I CICLOS
VíaCrucis Kreuzweg, Alemania, 2014, 107 min. D: Dietrich Brüggemann. G: Dietrich Brüggemann y Anna Brüggemann. F en C: Alexander Sass. E: Vincent Assmann. Con: Lea van Acken (María), Franziska Weisz (madre), Florian Stetter (padre Weber), Lucie Aron (Bernadette), Moritz Knapp (Christian). CP: UFA Fiction. Prod: Jochen Laube, Leif Alexis, Fabian Maubach.
María tiene 14 años y su familia es parte de una comunidad católica fundamentalista. Ella vive su día a día en el mundo moderno pero su corazón pertenece a Jesús, quiere seguir sus pasos y encaminarse a la santidad. Vía Crucis está filmada en 14 tomas de ángulo fijo basadas en las Estaciones de la Cruz que van desde “Jesús es condenado a muerte” a “Jesús es sepultado”; así, María pasa por 14 capítulos, tal como Jesús lo hizo en su camino al Calvario. Cineteca: sábado 16, sábado 23, lunes 25 y jueves 28
Sputnik Alemania, 2013, 83 min. D y G: Markus Dietrich. F en C: Philipp Kirsamer. E: Andreas Baltschun y Sebastian Thümler. Con: Flora Li Thiemann (Frederike Bode), Finn Fiebig (Fabian Schwartze), Luca Johannsen (Jonathan Rheinhardt), Devid Striesow (ABV Mauder). CP: Ostlicht Filmproduktion y Hamster Film. Prod: Marcel Lenz, Guido Schwab, Dorothe Beinemeier, Leontine Petit y Joost de Vries.
En octubre de 1989, poco antes de la caída del muro de Berlín, Frederike está teniendo un desastroso inicio de mes, pues su amado tío Mike ha sido expulsado de la República Democrática de Alemania. Ella y sus dos mejores amigos construyen un transportador que los lleva hasta el Oeste de Berlín. Sin embargo, el experimento falla y en lugar de teletransportar a los tres niños, el aparato hace que la población entera de la cuidad desaparezca. Todos han sido transportados del otro lado del muro. Cineteca: sábado 16 y domingo 24
Viento del este Ostwind, Alemania, 2013, 103 min. D: Katja von Garnier. G: Lea Schmidbauer y Kristina Magdalena Henn. F en C: Torsten Breuer. M: Annette Focks. E: Tobias Materna y Theo Strittmatter. Con: Hanna Binke (Mika), Marvin Linke (Sam), Cornelia Froboess (abuela de Mika), Tilo Prückner (Sr. Kaan), Nina Kronjäger (Elisabeth Schwarz). CP: SamFilm Produktion y Constantin Film Produktion. Prod: Ewa Karlström y Andreas Ulmke-Smeaton.
Mika, una chica de 13 años, está convencida y orgullosa de ser una buena para nada. A pesar de su brillante inteligencia, sigue reprobando todos sus exámenes finales, por lo que sus padres deciden cancelar su ida al campamento de verano y enviarla con su estricta abuela, quien está al cuidado de una granja. Un día durante una caminata, Mika conoce a Ostwind, un caballo salvaje que le ayudará a descubrir su única pasión: escuchar la voz de los caballos. Cineteca: domingo 17 y sábado 23
CINETECA NACIONAL I México
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CICLOS I La provincia alemana: entre el sueño y la pesadilla
Retrospectiva
La provincia alemana: entre el sueño y la pesadilla El presente ciclo es la conjunción de varias miradas que a través del tiempo y el espacio han resultado contundentes para el desarrollo artístico e histórico del cine alemán. ¡Adiós, Franziska! (1941) es una muestra importante del cine realizado por la industria fílmica alemana durante los años del nazismo. Escondida dentro de su trama, que aborda un melodrama cuyos designios se encaminan a través de la continua presencia de la guerra, sus realizadores inyectaron una fuerte carga de propaganda a favor del esfuerzo bélico, en la cual nada, ni siquiera el amor, es más importante que servir al país. Por su parte, El corazón frío (1950) es un ejemplo de otro tipo de propaganda, mucho más sutil que en el caso anterior. Filmada en color en la Alemania Oriental, con producción estatal, dentro de su fantástica trama (una variación del mito de Fausto, en la cual un hombre suple su corazón por una piedra para volverse un desalmado negociante) va implícita una severa crítica a aquellos que privilegian el capital por encima de todas las cosas. Rainer Werner Fassbinder y Wim Wenders enarbolan la bandera del llamado nuevo cine alemán dentro de este ciclo, ese álgido movimiento cinematográfico que revolucionó el cine de esa nación gracias a una mirada crítica a la frágil democracia y estabilidad social creada en la posguerra. El primero, con Katzelmacher (1969), denuncia la mediocridad y el racismo de la juventud alemana de ese tiempo, en cuyo carácter reaparecían prejuicios que se suponían extintos tras el fin de la guerra. Mientras que el segundo, con Alicia en las ciudades (1974), torna la violencia en desencanto y contemplación, siguiendo los pasos de un fotógrafo alemán que regresa derrotado de los Estados Unidos y acompaña a una niña pequeña a reencontrarse con los suyos, en medio de paisajes desolados en los cuales la influencia de la cultura norteamericana es constante. Por fortuna, las nuevas generaciones del cine alemán no han perdido dicha capacidad crítica hacia el retrato de su país. Christian Wagner, Marcus H. Rossenmüller y Tom Tykwer representan en sus cintas esa nueva sangre fílmica que sigue encontrando en la condición humana enfrentada a un destino incierto su principal fuente de inspiración.
José Antonio Valdés Peña Cineteca Nacional
42 I Programa mensual agosto
Cineteca Nacional: del 21 al 28 de agosto
La provincia alemana: entre el sueño y la pesadilla I CICLOS
¡Adiós, Franziska! Auf wiedersehen, Franziska!, Alemania, 1941, 93 min. D: Helmut Käutner. G: Helmut Käutner y Curt J. Braun. F en B/N: Jan Roth. M: Michael Jary. Con: Hans Söhnker, Herrmann Speelmans, Marianne Hoppe, Rudolf Fernau, Margot Hielscher, Fritz Odemar, Herbert Hübner. Prod: Döring Filmwerke.
Un fotógrafo reconocido internacionalmente pone en riesgo la relación con su pareja debido a lo demandante de su trabajo. Tras vivir una amarga experiencia en un campo de batalla en China, decide abandonarlo todo para reunirse con ella para siempre. Sin embargo, la guerra mundial ha comenzado y debe partir hacia el frente. En este filme realizado durante el nazismo puede apreciarse la fusión del melodrama romántico con la propaganda a favor de la participación bélica alemana en la Segunda Guerra Mundial. Cineteca: jueves 21
El corazón frío Das kalte herz, Alemania Oriental, 1950, 104 min. D: Paul Verhoeven. G: Paul Verhoeven, Wolff von Gordon y Marieluise Steinhauer, inspirados en un relato de Wilhelm Hauff. F en C: Bruno Mondi y Ernst Kunstmann. M: Herbert Trantow. E: Lena Neumann. Con: Lutz Moik (Peter Munk), Hanna Rucker (Lisbeth), Paul Bildt (Glasmännlein), Paul Esser (Ezechiel), Lotte Loebinger (madre), Erwin Geschonneck (Holländer-Michel). CP: Deutsche Film (DEFA).
La primera película filmada en color por la industria fílmica de la Alemania Oriental se inspira en un clásico relato fantástico en el cual un humilde comerciante de carbón, ansioso por amasar una cuantiosa fortuna para poder acceder a la mujer que ama, se convierte en un despiadado hombre de negocios al intercambiar su corazón por una piedra con un gigante que cumple sus anhelos. El resultado es una curiosa variación del mito de Fausto que en su moraleja condena la voracidad del capitalismo. Cineteca: viernes 22
CINETECA NACIONAL I México
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CICLOS I La provincia alemana: entre el sueño y la pesadilla
Katzelmacher Katzelmacher, Alemania Occidental, 1969, 88 min. D, G, E y Prod: Rainer Werner Fassbinder. F en B/N: Dietrich Lohmann. M: Peer Raben, inspirado en piezas de Franz Schubert. Con: Hanna Schygulla (Marie), Lilith Ungerer (Helga), Elga Sorbas (Rosy), Doris Mattes (Gunda), Rainer Werner Fassbinder (Jorgos), Rudolf Waldemar Brem (Paul), Hans Hirschmüller (Erich). CP: AntiteaterX-Film.
La existencia de un grupo de jóvenes de un suburbio de Múnich se trastorna cuando aparece un joven griego con intenciones de vivir en dicho sitio. Cuando se gana el aprecio de las chicas del barrio, se convierte en una seria amenaza. El racismo de la clase media alemana es puesto en tela de juicio por Fassbinder, en uno de los filmes más cáusticos de su primera etapa. “Katzelmacher” es un término despectivo para decir que una persona “se reproduce tan fácilmente como un gato”. Cineteca: sábado 23
Alicia en las ciudades Alice in den städten, Alemania Occidental, 1974, 110 min. D y G: Wim Wenders. F en BN: Robby Müller. M: Can. E: Peter Przygodda. Con: Rüdiger Vogler (Phil Winter), Yella Rottländer (Alice), Elisabeth Kreuzer (Lisa), Edda Köchl (Angela), Ernst Boehm (editor), Sam Presti (negociante de automóviles), Lois Moran (mujer del aeropuerto), Didi Petrikat (amiga en Frankfurt). CP: Filmverlag der Autoren, Westdeutscher Rundfunk (WDR). Prod: Joachim von Mengershausen.
Un escritor y una niña, quien le ha sido encargada por su madre, viajan por Alemania buscando a la abuela de ella. De la búsqueda se pasa al aprendizaje en este emotivo relato, muy representativo de la primera etapa de la carrera fílmica de Wim Wenders, en el cual el vacío de los espacios que ambos recorren, expresa la desconexión emocional de él, y las numerosas fotografías que aparecen en el filme sirven como reflexiones sobre la sustitución de la realidad. Cineteca: domingo 24
El último viaje de Waller
Wallers letzter gang, Alemania Occidental, 1988, 100 min. D y G: Christian Wagner, inspirado en una novela de Gerhard Koepf. F en C: Thomas Mauch. M: Florian Ernst Müller. E: Norbert Herzner. Con: Rolf Illig (Waller), Sibylle Canonica (Rosina), Volker Prechtel (Karg), Herbert Knaup (Waller, joven), Crescentia Dünßer (Angelika), Rainer Egger (Albin). CP: Bayerischer Rundfunk (BR), Christian Wagner Filmproduktion. Prod: Axel von Hahn y Christian Wagner.
En espera de una última inspección a la vía del tren en la cual labora y que lo llevará a perder su empleo, un viejo ferroviario recuerda los pasajes más importantes de su vida. El filme obtuvo en 1989 una mención especial en el Festival de Cine de Cannes, además del Premio del Cine Alemán al mejor debut cinematográfico para el director Christian Wagner. Cineteca: martes 26
44 I Programa mensual agosto
La provincia alemana: entre el sueño y la pesadilla I CICLOS
Soñador invernal Winterschläfter, Alemania, 1997, 124 min. D: Tom Tykwer. G: Tom Tykwer y Anne-Françoise Pyszora, inspirados en la novela Expense of Spirit, de la segunda. F en C: Frank Griebe. M: Reinhold Heil, Tom Tykwer y Johnny Klimek. E: Katja Dringenberg. Con: Ulrich Matthes (Rene), Heino Ferch (Marco), Floriane Daniel (Rebecca), Marie-Lou Sellem (Laura), Josef Bierbichler (Theo), Agate Tattertshofer (Edith). CP: X-Filme Creative Pool, Palladio Film, Arte, Westdeutscher Rundfunk (WDR), Mitteldeutscher Rundfunk (MDR). Prod: Stefan Arndt.
Un accidente automovilístico involucra por azar a varios personajes. En uno de sus filmes previos al éxito internacional de Corre, Lola, corre (1998), el cineasta alemán Tom Tykwer reflexiona sobre los extraños lazos que unen nuestras vidas, impulsado por una intensa melancolía enmarcada por su siempre notable estilo visual. Cineteca: miércoles 27
Decisiones de ultratumba Wer früher stirb ist länger tot, Alemania, 2006, 102 min. D: Marcus H. Rossenmüller. G: Christian Lerch y Marcus H. Rossenmüller. F en C: Stefan Biebl. M: Gerd Baumann. E: Anja Pohl y Susanne Hartmann. Con: Marcus Krojer (Sebastian Schneider), Fritz Karl (Lorenz), Jürgen Tonkel (Alfred Dorstreiter), Jule Ronstedt (Veronika), Saskia Vester (señora Kramer), Johann Schuler (Graudinger). CP: Roxy Film, Bayerischer Rundfunk (BR). Prod: Annie Brunner, Andreas Richter y Ursula Woerner.
El protagonista de la exitosa opera prima de Marcus Rossenmüller es un niño que se cree culpable de la muerte de su madre, quien falleció al darlo a luz. Por lo tanto, se dedica a hacer feliz a quienes lo rodean con la creencia de que ello le ahorrará menos años en el purgatorio. Cineteca: jueves 28
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CICLOS I Semana de Cine Coreano
semana de cine coreano El cine de Corea del Sur se ha convertido en poco más de una década en un referente de la industria no sólo en el mercado asiático, sino del arte fílmico contemporáneo. Sus planteamientos argumentales, su arriesgada mezcla genérica al interior de un solo filme, su rigor técnico y preciosismo estético hacen de él un platillo delicado. Tras su despegue nacional e internacional en 1999 gracias al éxito de Shiri –filme de acción que entre balaceras y persecuciones toca temas de incomodidad política–, que batió todos los récords de asistencia en su país, el cine de Corea del Sur alzó la mano como alternativa a la exhibición mayormente estadounidense en sus pantallas, logro que terminó de asentarse con el estreno de JSA en el año 2000, que también ponía el dedo en la llaga de las tensiones bélicas entre ambas Coreas, y que descubría al mundo el talento de un cineasta prometedor: Park Chan-wook. En México, el cine de Corea del Sur ha estado presente en el gusto del público desde el año 2000 con diversos ciclos y retrospectivas en varios festivales nacionales, donde se han reunido nombres como los del propio Chan-wook –convertido ya en una celebridad internacional con Oldboy. Cinco días para vengarse, opus dos de su “Trilogía de la venganza”–, pero también los de venerados maestros como Im Kwon-taek (quien ya alcanzó el centenar de filmes dirigidos), o los de realizadores incluso más apreciados en México que en su propia nación, como Kim Ki-duk. Al mismo tiempo hemos visto crecer a jóvenes como Bong Joon-ho, Kim Jee-woon y Hong Sang-hoo, siguiendo gran parte de su filmografía. Todos estos realizadores y varios más, han encontrado en la Cineteca Nacional un público que ante cada título exhibido en la Semana de Cine Coreano termina por maravillarse y, porqué no decirlo coloquialmente, “engancharse” a unas propuestas estéticas y argumentales que rompen por completo los moldes del predecible cine occidental al que estamos acostumbrados. De tal manera, la edición del 2014 no será la excepción, presentando al cinéfilo mexicano una selección de diez títulos donde los mismo se exhiben animaciones que para nada resultan infantiles, sino por demás perturbadoras, que ejemplos de reconstrucción histórica de su pasado –mítico, ubicado en sus diferentes dinastías, o contemporáneo, a partir de su desgarrador conflicto bélico–, thriller y por supuesto, del género coreano por excelencia: el drama.
José Luis Ortega Torres Cineteca Nacional
46 I Programa mensual agosto
Cineteca: a partir del miércoles 27
Semana de Cine Coreano I CICLOS
JUEGO RUDO Baewooneun baewooda, Corea del Sur, 2013, 98 min. D: Shin Yeon-shick. G: Kim Ki-duk. F en C: Choi Yong-jin. E: Kim Jeong-hoon. Con: Lee Joon, Yang Dong-keun, Seo Yeong-hee, Ma Dong-seok Prod: Kim Ji-hyoung CP: Finecut Co., Ltd.
Young es un actor desconocido que sueña con convertirse en una súper estrella de cine. Un día le llega una gran oportunidad de descubrir el nuevo y misterioso mundo de la fama, el poder y el placer, pero también de sus lados oscuros. Como una arrogante celebridad se vuelca a una vida glamorosa e incluso se relaciona con criminales. Pronto se da cuenta de la situación peligrosa en la que se ha metido.
La novela rusa Reoshian soseol, Corea del Sur, 2012, 140 min. D: Shin Yeon-shick. G: Shin Yeon-shick. F en C: Choi Yong-jin. M: Kim Seen-eel. E: Kim Jeong-hoon. Con: Kim In-soo, Kang Shin-hyo, Kyung Sung-hwan, Lee Jae- hae, Lee Kyung-mi. Prod: Kim Ji-hyoung. CP: Luz Y Sonidos.
Shin-hyo, un escritor desconocido, decidió suicidarse, pero fracasó en el intento. Después de 27 años en estado vegetativo despierta para enterarse de que su novela, ahora considerada una obra maestra, se ha convertido en un éxito.
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CICLOS I Semana de Cine Coreano
El camino de regreso a casa Jibeuro ganeun gil, Corea del Sur, 2013, 131 min. D: Pang Eun-jin. G: Lee Jeong-beom. F en C: Lee Mo-gae. M: Kim Jun-seong. E: Kim Sun-min. Con: Jeon Do-yeon, Ko Soo. Prod: Kang Myung-chan, Seo Young-hee, Jung Tae-sung. CP: CJ Entertainment.
Con poco más que su familia en la vida, un ama de casa ordinaria es encarcelada en Francia como traficante de drogas. Será enviada a una prisión francesa en la remota isla atlántica de Martinica, a 22 horas y 12,400 kilómetros de su casa en Corea. Mientras tanto, su marido, un hombre común y corriente que ha perdido su hogar y a su esposa por una venganza, intentará recobrar a su mujer y la estabilidad de su vida.
El lector de rostros Gwansang, Corea del Sur, 2013, 108 min. D: Han Jae-rim. G: Kim Doung-hyuk. F en C: Ko Rak-sun. M: Lee Byung-woo. E: Kim Chang-ju. Con: Song Kang-ho, Lee Jungjae, Baek Yoon-sik, Kim Hye-soo, Cho Jung-seok, Lee Jong-suk. Prod: Kim Woo-jae, You Jeong-hun. CP: Showbox/Mediaplex Inc.
El hábil lector de rostros Nae-kyung vivía en aislamiento cuando se le ofreció la oportunidad de colaborar con la geisha Yeon-hong. Pero al aceptar la propuesta de leer los rostros de los clientes de la mujer se ve inmiscuido en un caso de asesinato. Nae-kyung identifica con éxito al asesino gracias a sus habilidades y su talento es reconocido incluso por el rey Moonjong, quien lo lleva a su corte para identificar a traidores potenciales que amenacen su reinado.
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Semana de Cine Coreano I CICLOS
Norah Noh
Corea del Sur, 2013, 93 min. D: Kim Sung-hee. F en C y E: Colectivo para las Culturas Sexuales Minoritarias. M: Choi Eui-kyung. Con: Nora Noh, Suh Eun-young. Prod: Kim II-rhan. CP: CinemaDAL.
La diseñadora de modas Nora Noh dominó la escena de la moda femenina coreana en su momento. Fue la primera persona en llevar a cabo un espectáculo de moda en Corea y en hacer ropa de diseño con tamaños estándares. Vistió a la cantante coreana Yoon Bok-hee con una minifalda y le dio estilo al dúo vocal de Pearl Sister. Junto al joven estilista Suh Eunyoung creará un nuevo espectáculo.
La estafa Saibi, Corea del Sur, 2013, 101 min. D: Yeon Sangho. G: Yeon Shango. M: Jang Young-kyu. E: Lee Yuen-jung. Con: Yang Ik-june, Oh Jung-se, Kwon Hae-hyo, Park Heebon. Prod: Cho Young-kag, Kim Woo-taek CP: Finecut Co., Ltd.
Un poblado rural está por inundarse y sus residentes son compensados debido a una reubicación. Choi, un estafador, intenta convencer a los pobladores desamparados con una doctrina religiosa falsa para que donen sus compensaciones a la iglesia. Min-chul, un despilfarrador bueno para nada, descubre la verdad, pero es incapaz de convencer a nadie de la estafa. Cuando estos falsificadores obligan a la fiel hija de Min-chul a prostituirse, éste se prepara para la venganza.
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CICLOS I Semana de Cine Coreano
El rey de los cerdos Dwae-ji-ui wang, Corea del Sur, 2011, 97 min. D y G: Yeon Sang-Ho. M: Been Eom. E: Lee Yeon-jeong y Yeon Sang-ho. CP: Studio Dadashow. Prod: Cho Young-kag.
Este filme de animación sacudió al público y la crítica de Corea del Sur tras su estreno en 2011. Ultraviolenta y con una energía admirable, la cinta involucra a dos hombres, amigos desde la infancia, quienes esconden un terrible secreto entre ambos. Mientras tanto, su ciudad vive bajo la amenaza de un asesino en serie. Alejada de la estética del film noir o el cybertech, se trata de un filme muy en deuda con el cine de Park Chan-wook, en particular con Oldboy.
El frente Go-ji-jeon, Corea del Sur, 2011, 133 min. D: Hun Jang. G: Park Sang-yeon. F en C: Kim Woo-hyung. M: Jan Yeong-gyu y Dalparan. E: Kim Jae-beom y Kim Sang-beom. Con: Shin Ha-kyun (Kang Eun-pyo), Soo Go (Kim Soo-hyeok), Ryu Seung-su (Oh Gi-yeong), Ko Chang-seok (Yang Hyo-sam), Lee Je-hoon (Shin Il-Young). Prod: Kim Hyun-chol y Robert Lee. CP: TPS Company, A-Po Films.
Hacia el final de la guerra de Corea, un destacamento se adentra en territorio enemigo con la finalidad de conquistar una estratégica posición. La historia se centra entonces en un soldado que reencuentra a un viejo amigo, transformado en una máquina de matar. Producido en forma espectacular, este melodrama reflexiona acerca de los absurdos de la guerra.
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Semana de Cine Coreano I CICLOS
Gyeongju Corea del Sur, 2014, 145 min. D y G: Lu Zhang. F en C: Jo Young-jik. M: Kang Min-kuk. E: Kim Hyeong-ju. Con: Park Hae-il (Choi Hyeon), Shin Min-a (Gong Yoon-hee), Yoon Jin-seo (universitaria), Kim Tae-hoon (detective), Baek Hyeon-jin (profesor Park), Jeong In-seon (recepcionista), Kim Soo-an (niño). CP: Invent Stone, Lu Films. Prod: Lu Zhang.
La nostalgia y la muerte de un amigo llevan a un hombre de regreso a su pueblo natal en la provincia coreana de Gyeongju. Durante su estancia conocerá a una mujer con quien no tarda en establecer algo más grande que una amistad, al mismo tiempo que se ve envuelto en una intriga policiaca.
Encuentro fatal Yeokrin, Corea del Sur, 2014, 135 min. D y G: Lee Jae-kyoo. F en C: Go Rak-sun. M: Lee Sung-hyun. E: Shin Min-kyung. Con: Hyun Bin (rey Jeongjo), Jung Jae-young (Sang-chaek), Cho Jung-seok (Sal-soo), Han Ji-min (reina Jeongsun). CP: Choice Cut Pictures. Prod: Lee Yong-nam.
Ambientada en el siglo XVI, durante la dinastía Joseon, e inspirada en hechos históricos auténticos, esta superproducción narra las andanzas de un desalmado mercenario quien es obligado a asesinar a un soberano, apodado “El rey del infortunio”, a cambio de la vida de su amada.
CINETECA NACIONAL I México
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CICLOS I Retrospectiva Julien Temple
Retrospectiva
Julien temple Mientras estudiaba en el King’s College, en Cambridge, Julien Temple descubrió al director que después se convertiría en su máxima influencia: Jean Vigo. Más tarde, al ingresar en la Escuela Nacional de Cine y Televisión (NFTS), conoció a otra importante manifestación del espíritu anarquista: los Sex Pistols. Documentó cinematográficamente y de primera mano la corta y turbulenta vida del grupo, lo que culminó en su primer largometraje, La gran estafa del rock and roll (1980). Siguiendo al éxito de esta primera experiencia, el cineasta se convirtió en un figura popular entre la élite del rock. En los 80 ayudó a posicionar el uso del video musical como parte esencial de la mercadotecnia en la industria, al dirigir videoclips para los Rolling Stones, David Bowie, Neil Young y Janet Jackson, entre otros. En 2006 tras haber realizado un gran número de proyectos en documental y ficción para el cine y la televisión inglesa y estadounidense, regresó a la escena del rock con Joe Strummer: El futuro no está escrito, un documental sobre su amigo de toda la vida e integrante de The Clash. A éste le han seguido los también documentales dedicados al mundo de la música Glastonbury (2006), Oil City Confidential (2009), Ray Davis: hombre imaginario (2010) y Dave Davis: Kinkdome Come (2011). Realizado a petición de la BBC, London: la moderna Babilonia es uno de sus proyectos recientes más exitosos, trazando la ruta del último siglo en la capital inglesa a partir de toda clase de imágenes y evocaciones.
52 I Programa mensual agosto
Retrospectiva Julien Temple I CICLOS
Joe Strummer: El futuro no está escrito Joe Strummer: The Future is Unwritten, Irlanda-Reino Unido, 2007, 123 min. D y G: Julien Temple. F en C y B/N: Ben Cole. M: The Clash. E: Niven Howie, Mark Reynolds, Tobias Zaldua. Testimonios: The Clash, Bono, Martin Scorsese, John Cusack, Steve Buscemi, Joe Strummer. CP: Parallel Film Productions, FilmFour, Nitrate Films, Sony BMG Feature Films. Prod: Amanda Temple.
El documental narra la historia del músico Joe Strummer antes, durante y después de su participación en The Clash, una de las bandas británicas de rock punk más influyentes de todos los tiempos. Ganador como mejor documental en los Premios Independientes del Cine Británico de 2007, este filme encuentra su fortaleza en los testimonios que sobre Strummer aportan algunas de las más importantes personalidades del rock actual. Cineteca: viernes 1o
La gran estafa del rock and roll The Great Rock ’n’ Roll Swindle, Reino Unido, 1980, 103 min. D y G: Julien Temple. F en C: Adam Barker-Mill, Nicholas D. Knowland, John Metcalfe, Willi Patterson. M: Sex Pixtols. E: Richard Bedford, Crispin Green, Mike Maslin, Bernie Pokrzywa. Con: Malcolm McLaren (el desfalcador), Steve Jones (el ladrón), Paul Cook (el que hace el té), Sid Vicious (el truco), Johnny Rotten (el colaborador), Ronnie Biggs (el exiliado). CP: Boyd’s Co., Kendon Films Ltd., Matrixbest, Virgin Films. Prod: Don Boyd, Jeremy Thomas.
Jugando las reglas del falso documental en tono de comedia, Julien Temple realizó este filme que narra una versión surreal acerca del inicio, auge y decadencia del grupo de la banda punk Sex Pistols. Todo comienza cuando el mánager del grupo, Malcolm McLaren, divulga que él creó a la agrupación con la finalidad de agitar a la juventud inglesa. El tono de la cinta es delirante, mientras que su estética guarda muchas similitudes con las películas de horror de la casa productora Hammer. Cineteca: sábado 2
CINETECA NACIONAL I México
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CICLOS I Retrospectiva Julien Temple
La suciedad y la furia The Filth and the Fury, Reino Unido, 2000, 108 min. D y G: Julien Temple. F en C y B/N: Geordie Devas. M: The Sex Pixtols. E: Niven Howie. Con: Paul Cook, Steve Jones, Glen Matlock, Johnny Rotten, Sid Vicious, Malcolm McLaren. CP: FilmFour, Jersey Shore, Nitrate Film, Panacea Entertainment, The Sex Pistols Residuals. Prod: Anita Camarata, Amanda Temple.
Un documental sobre los orígenes, auge y ocaso del legendario grupo The Sex Pistols en el marco de una Inglaterra donde las desigualdades sociales y la rigidez del gobierno favorecieron la furia de su gente. Con testimonios únicos, un ágil montaje que mezcla entrevistas con los miembros sobrevivientes de la banda y materiales de archivo editados de forma sarcástica, Temple presenta el contexto en el que surgió la agrupación, con una natural evolución del rock al grito de guerra. Cineteca: sábado 2
Ray Davis: Hombre imaginario Ray Davis: Imaginary Man, Reino Unido, 2010, 75 min. D, G y Prod: Julien Temple. F en C y B/N: Stephen Organ. E: Caroline Richards. Con: Ray Davis (narrador). CP: BBC One.
Ray Davis, cantautor de la famosa banda de rock de los sesenta The Kinks es el centro de este documental. Con notable admiración hacia su protagonista, Temple conforma un nostálgico recuento de la infancia de Davis, y de su formación como músico, influenciado por el rhythm and blues y el rock and roll. La película es narrada por el propio Davis desde la actualidad. Cineteca: domingo 3
Dave Davis: Kinkdome Come Reino Unido, 2011, 75 min. D y G: Julien Temple. F en C y B/N: Stephen Organ. E: Caroline Richards. Con: Dave Davis. CP: BBC Four. Prod: Julien Temple.
Ante la lente de Stephen Organ y bajo la dirección de Julien Temple, Dave Davis, guitarrista de The Kinks, narra su historia. Es una oleada de remembranzas, que van desde sus recuerdos más íntimos, comenzando por la infancia, hasta su incursión en uno de los grupos más trascendentes de todos los tiempos, donde se convirtió en un sobresaliente guitarrista. Cineteca: domingo 3
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Retrospectiva Julien Temple I CICLOS
Glastonbury Estados Unidos-Reino Unido, 2006, 138 min. D y G: Julien Temple. F en C y B/N: Terry Flaxton, Ben Smithard, Julien Temple. E: Niven Howie, Tobias Zaldua. Testimonios: Björk, David Bowie, Billy Bragg, James Brown, Nick Cave, Michael Eavis, Morrissey, Joe Strummer. CP: Newhouse Nitrate, BBC Films. Prod: Robert Richards.
Este documental conmemorativo del treinta aniversario del Festival de Glastonbury, el más importante evento musical de Inglaterra, está construido a través de imágenes de archivo, testimonios del público, y un collage que reúne las apariciones más memorables de varias bandas actuales. De forma apasionada, Temple revive en este filme los momentos intensos que han conformado esta experiencia. Cineteca: martes 5
Oil City Confidential Reino Unido, 2009, 106 min. D y G: Julien Temple. F en C y B/N: Stephen Organ. M: JC Carroll, Dr. Feelgood. E: Niven Howie, Tobias Zaldua. Con: Lee Brilleaux, Wilko Johnson, John B. Sparks, The Big Figure. CP: A Product of Malitsky, Cadiz Music Ltd. Prod: Stephen Malit.
Dr. Feelgood fue un cuarteto con un estridente estilo musical proveniente del rythm and blues que surgió en los bares ingleses a principios de los años setenta. A través de entrevistas con sus miembros y otros grupos como The Clash, Blondie y Sex Pistols, en este documental Temple aborda la historia de sus integrantes, quienes en su momento de mayor auge conquistaron las listas de éxitos del Reino Unido, Cineteca: miércoles 6
Réquiem por Detroit Requiem for Detroit, Reino Unido, 2010, 74 min. D y G: Julien Temple. F en C y B/N: Steve Organ. E: Caroline Richards. Con: Lowell Boileau, Paul Thal, Mike Neeson, David Gartman. CP: Films of Record. Prod: George Hencken.
Detroit, la cuarta ciudad más grande de Estados Unidos, se vuelve un caos tras el paso del huracán Katrina, seguido del colapso industrial y una consecuente ola de violencia. Con imágenes de archivo y diversos testimonios de sus residentes, el cineasta logra capturar con maestría la transición de Detroit, desde su auge como ciudad industrial hasta su decadencia. La cinta fue ganadora del Premio Grierson (el más importante del cine documental inglés) como mejor documental histórico en 2010. Cineteca: miércoles 6
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CICLOS I Retrospectiva Julien Temple
Londres: la moderna Babilonia London: the Modern Babylon, Reino Unido, 2012, 125 min. D y G: Julien Temple. F en C y B/N: Stephen Organ. E: Caroline Richards. Narración: Keith Allen, Michael Gambon, Steve Jones, Bill Nighy, Andy Serkins, Imelda Stuanton, Julien Temple. CP: BBC Films, BFI, Nitrate Film. Prod: Amanda Temple, Stephen Malit, Julien Temple.
Un viaje al corazón de Londres mediante un exhaustivo trabajo de recopilación e investigación. Julien Temple retrata la capital inglesa a lo largo de todo el siglo XX y principios del XXI a partir de un collage compuesto por fotos, grafitis, portadas de álbumes, extractos de poesía y películas en distintos formatos. Cineteca: jueves 7
Río 50 Grados: Carry on CaRIOca Rio 50 Degrees: Carry On CaRIOca, Reino Unido-Alemania-Brasil, 2014, 105 min. D: Julien Temple. G: Julien Temple, basado en una idea original de Helen Beltrame y Christopher Pickard. F en C y B/N: Stephen Organ. E: Caroline Richards. Testimonios: Carmen Miranda, Paulo Lins, Alan Yentob, Fernando Gabeira, Dado VillaLobos, Narcisa Tamborindeguy, Fausto Fawcett. CP: BBC One. Prod: Alan Yentob, Sam Taylor, Mike Downey.
Un retrato de la ciudad de Río de Janeiro, Brasil, poco antes de ser la sede del Mundial de Futbol de 2014. Tras Réquiem por Detroit y London: la moderna Babilonia, Julien Temple recorre las calles de la ciudad carioca, conformando un torbellino de imágenes con un marcado sentido social. Río se presenta como una influencia social y cultural, donde también persisten las divisiones de clases y una violencia constante que afecta principalmente a los más pobres. Cineteca: viernes 8
56 I Programa mensual agosto
CICLOS I Restrospectiva John Appel
Retrospectiva
john appel Egresado de la carrera de literatura clásica por la Universidad de Ámsterdam, John Appel se graduó además como cinefotógrafo y director de la Escuela Holandesa de Cine y Televisión. Desde 1987 ha dirigido más de 35 documentales para cine y televisión, entre los que destacan André Hazes (1999), con el que ganó el Premio Joris Ivens en el Festival Internacional de Cine Documental de Ámsterdam; El jugador (2009), ganador del Premio a Mejor Largometraje en el mismo festival y Wrong Time, Wrong Place (2012), sobre la masacre perpetuada en julio de 2011 por un extremista de derecha en Oslo y la isla de Utøya, Noruega. Appel es docente invitado en la Escuela Holandesa de Cine y Televisión e imparte talleres alrededor del mundo. Ha sido jurado en festivales como Karlovy Vary, Visions du Réel y Movies that Matter. Según las propias palabras del director, su obra «gira alrededor de la memoria y de la soledad, con personajes talentosos pero al mismo tiempo profundamente solitarios». Esto se hace evidente en películas como Johnny Meijer (1993), sobre el reconocido músico holandés de jazz, Tierra prometida (2000), una reflexión en torno a la muerte solitaria y El jugador (2009), el retrato que el cineasta hace de su padre a través de recuerdos e interpretaciones.
58 I Programa mensual agosto
Restrospectiva John Appel I CICLOS
Wrong Time, Wrong Place Wrong Time Wrong Place, Países Bajos, 2012, 80 min. D y G: John Appel. F en C: Erik van Empel. M: Wouter van Bemmel. E: Mario Steenbergen. CP: Cobos Films. Prod: Carmen Cobo.
El 22 de julio de 2011 se convirtió en una de las fechas más dolorosas para Noruega. Un atentado con bomba en el centro de Oslo y un tiroteo en la isla de Utøya cobraron la vida de 77 personas. Fue el absurdo y brutal acto de un solo hombre: Anders Breivik. Wrong Time, Wrong Place narra la historia de 5 personas que estaban presentes entonces y muestra el papel fundamental que tuvo la casualidad en esta tragedia. Cineteca: jueves 7 y sábado 9
Johnny Meijer Países Bajos, 1993, 50 min. D y G: John Appel. F en C: Brigit Hillenius. M: Johnny Meijer. E: Teun Pfeil. CP: Jura Filmprodukties. Prod: Ruud Monster y Jan Heijs.
Documental sobre el acordeonista holandés Johny Meijer, quien murió en 1992. Meijer es considerado como uno de los mejores acordeonistas del mundo, con un repertorio que iba de la música tradicional de su país al jazz. La película muestra cómo “El rey del acordeón” vive en la memoria de la gente que lo rodeó, particularmente de su hijo Cor. Cineteca: viernes 8 y domingo 10
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CICLOS I Restrospectiva John Appel
André Hazes André Hazes - Zij gelooft in mij, Países Bajos, 1999, 88 min. D: John Appel. G: Jan Eilander y Michael Peterson. F en C: Erik van Empel. M: André Hazes. E: Teun Pfeil. CP: Zeppers Film & TV. Prod: Frank van den Engel.
Con su incomparable voz y sus lacrimógenas canciones de amor no correspondido, André Hazes fue uno de los cantantes favoritos de Ámsterdam. John Appel lo siguió de cerca por varios meses: lo acompañó en sus presentaciones, lo llevó de vuelta a la casa donde pasó su infancia y lo observó mientras convivía con su esposa e hijos. La película ofrece un retrato de su solitaria y estresante vida como cantante, y muestra a un hombre bastante inseguro en el estudio y en los escenarios. Cineteca: sábado 9
Trinchera de muerte Dodengang, Países Bajos, 1999, 65 min. D: John Appel. F en C: Erik van Empel. E: Hans Dunnewijk. CP: VPRO TV. Prod: Vera de Vries.
Cerca de la ciudad belga de Diksmuide se pueden encontrar algunas trincheras de la Primera Guerra Mundial que aún permanecen intactas. Entre 1914 y 1918 los jóvenes lucharon en estos espacios de muerte para mantener su posición frente a los alemanes. Trinchera de muerte presenta a los últimos cinco soldados belgas que sobrevivieron a la guerra y seguían vivos para 1999. Por entonces rondaban los 100 años de edad y eran los últimos testigos de una guerra que se libró en condiciones espantosas. Cineteca: domingo 10
Tierra prometida Geboden - Het beloofde land, Países Bajos, 2000, 50 min. D y G: John Appel. F en C: Peter Brugman y Erik van Empel. E: Ot Louw. CP: Paul de Bont Producties. Prod: Paul de Bont.
«Durante seis meses, un hombre yació muerto en departamento». Este encabezado en un diario inspiró a John Appel a realizar una película acerca del sexto mandamiento: «No matarás». Con escasos medios reconstruye la vida de un desconocido mientras revela cómo todos sus allegados –familiares, excolegas, vecinos– no se dan cuenta de que ha muerto desde hace mucho tiempo. Cineteca: martes 12
60 I Programa mensual agosto
Restrospectiva John Appel I CICLOS
Las cenizas del Fénix De as van Phoenix, Países Bajos, 2010, 50 min. D, G y Prod: John Appel. F en C: Erik van Empel. E: Mario Steenbergen. CP: VOF Appel & Honigmann.
En noviembre de 2009 un edificio de departamentos en Ámsterdam se quemó hasta los cimientos. Con él, los objetos personales de cientos de inquilinos. John Appel puso a algunas de las víctimas frente a una pantalla verde y les preguntó acerca de las cosas que perdieron para siempre, las cuales iban desde muebles hasta una guitarra firmada por U2. El director muestra sin piedad cómo encontró dichos objetos entre los escombros. Los recuerdos les dan nueva vida. Cineteca: martes 12
La última victoria The Last Victory, Países Bajos, 2003, 88 min. D y G: John Appel. F en C: Erik van Empel. M: Wouter van Bemmel. E: Mario Steenbergen. CP: Cobos Films e IKON TV. Prod: Carmen Cobos.
Civetta, el distrito más pequeño en Siena, Italia, no ha ganado la carrera anual de caballos de la ciudad por casi 25 años. Los habitantes de este pequeño distrito son seguidos de cerca por Appel en sus preparativos y en el desarrollo de la carrera, a medida que esperan la victoria que le devuelva el orgullo al barrio. Cineteca: miércoles 13
El jugador The Player, Países Bajos, 2009, 85 min. D y G: John Appel. F en C: Erik van Empel. M: Wouter van Bemmel. E: Mario Steenbergen. CP: Cobos Films. Prod: Carmen Cobos.
Un documental sobre apostar, ganar y perder, inspirado por los recuerdos del cineasta sobre su padre. Su vida se dibuja a través de tres retratos separados: el de un jugador, un estafador y un corredor de apuestas, quienes son representados como alter egos del padre. La película retrata la vida al filo del riesgo. Cineteca: jueves 14
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CICLOS I Luis Ospina
Retrospectiva
Luis Ospina Nacido en Cali en 1949, Luis Ospina comenzó su carrera documental en Colombia después de realizar algunos cortos experimentales y de ficción durante su formación cinematográfica en Estados Unidos a finales de los 60. Atento a las vanguardias audiovisuales de varias épocas, su trabajo se caracteriza por la experimentación en los métodos y los códigos para registrar, así como el desmantelamiento de la técnica y el lenguaje común del cine para proponer nuevas formas y discursos. La obra documental de Luis Ospina se puede ver como toda una gran película, cuyos temas y situaciones han ido derivándose unos de otros, mientras el método de trabajo ha guardado coherencia con el principio de, en palabras del director, «crear con la dinámica de la sociedad». Junto con el humor negro, la provocación y la burla en función reflexiva y política, dicho precepto se manifiesta en la mayoría de sus filmes, desde Oiga vea (Colombia, 1971), primer documental de Ospina –codirigido por Carlos Mayolo– hasta Agarrando pueblo (1978), una protesta escandalosa contra un modelo de documentalismo nacional e internacional que explotaba con descaro todo tipo de penurias tercermundistas (la “pornomisera”, según Ospina y Mayolo, quien también codirigió la cinta). El último documental que Ospina realizó en formato de cine fue sobre el primer largometraje del cine colombiano, María (Máximo Calvo y Alfredo del Diestro, 1922), una película absurdamente perdida de la que apenas sobreviven cuatro planos que duran veinticinco segundos. Sobre esta huella tan nimia y escrutando hasta el fondo de la memoria de las personas implicadas en aquella experiencia recóndita del cine nacional colombiano, Ospina compuso En busca de María (codirigida por Jorge Nieto, 1985), una reconstrucción que sobresale por su habilidad para fusionar, con buenas dosis de humor, la puesta en escena documental con la manipulación técnica, los materiales de archivo y los testimonios. Aunque de ahí en adelante el director trabajaría sólo en formato de video, las referencias cinematográficas seguirían siendo un elemento acusado en su obra: el cine como un tema puntual o tangencial, como memoria; las citas del cine y de cineastas, trozos de secuencias como soluciones narrativas, o la narrativa cinematográfica como recurso documental. Andrés Caicedo, unos pocos buenos amigos (1986) justo arranca de una película inconclusa del escritor Andrés Caicedo, para recuperar su historia y su vida a través del testimonio de quienes fueron sus mejores amigos. Este título, junto con En busca de María y Antonio María Valencia: Música en cámara (1987) forma parte de un tríptico propuesto para salvar del olvido la existencia y la obra de personajes fundamentales en la cultura y la historia de Cali, una ciudad por la que Ospina siente un amor profundo pero también un odio casi doloroso.
Fragmentos de un artículo de Isleni Cruz Carvajal Presentación a la retrospectiva Luis Ospina en el Centro Cultural Lugar a Dudas Cali, Colombia, mayo de 2007
62 I Programa mensual agosto
Luis Ospina I CICLOS
Un tigre de papel Colombia, 2007, 114 min. D y Prod: Luis Ospina. G: Luis Ospina, basado en la investigación realizada por él y Carolina Sanín, François Bucher y Bernardo Ortiz. M: Orquesta Sinfónica de Colombia. E: Rubén Mendoza y Luis Ospina. Con: Jaime Osorio, Carlos Mayolo, Arturo Alape, Joe Broderick, Jotamario Arbeláez, Vicky Hernández. CP: Congo Films, Efe-X.
La vida de Pedro Manrique Figueroa, precursor del collage en Colombia, se parece demasiado a una novela de aventuras, a la vez incompleta y contradictoria. Utilizando como pretexto la vida y obra de este artista, el cineasta y escritor Luis Ospina yuxtapone aquí el documental con la ficción para recorrer la historia del arte y la política en Colombia desde 1934 hasta 1981, año de la misteriosa desaparición del artista. Cineteca: martes 19 y viernes 22
Pura sangre Colombia, 1982, 90 min. D: Luis Ospina. G: Luis Ospina y Alberto Quiroga. F en C: Ramón F. Suárez. E: Luis Ospina, Rodrigo Lalinde. M: Gabriel Ossa y Bernardo Ossa. Con: Humberto Arango, Patricia Bonilla, Nelly Delgado, Rita Escobar, Gilberto Forero. CP: Producciones Luis Ospina.
Un anciano magnate azucarero, regresa a Cali después de hacerse un examen médico en Estados Unidos. Para sobrevivir a su extraña enfermedad, que lo mantiene aislado en el penthouse desde donde controla su imperio económico, debe someterse a transfusiones masivas de sangre de niños o adolescentes. Una vez enterado de las exigencias de la enfermedad, Adolfo, su hijo, chantajea a un grupo de pervertidos empleados de su padre para conseguir el líquido que lo mantenga con vida. Cineteca: miércoles 20
La desazón suprema: retrato incesante de FernandoVallejo Colombia-México, 2003, 90 min. D, G, F en C y Prod: Luis Ospina. E: Rubén Mendoza y Luis Ospina. Testimonios: Fernando Vallejo, Antonio Caballero, Carlos Monsiváis, Elena Poniatowska. CP: Conaculta, Ministerio de Cultura de Colombia.
A pesar de haber dirigido tres películas y de haber publicado cinco novelas autobiográficas, Fernando Vallejo era prácticamente un desconocido hasta la publicación y posterior adaptación al cine de La Virgen de los sicarios, dirigida por Barbet Schroeder. Este documental no sólo abarca su vasta obra literaria sino también sus múltiples intereses: el cine, la música, la poesía, la gramática, la ciencia y la política. Cineteca: miércoles 20 y sábado 23
CINETECA NACIONAL I México
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CICLOS I Luis Ospina
Andrés Caicedo, unos pocos buenos amigos Colombia, 1986, 86 min. D y G: Luis Ospina. F en C: Olmedo Cardozo, Diego Villegas, Erik Bongue, Mauricio Monsalve. M: Gabriel Ossa, Bernando Ossa. E: Rubén Mendoza y Luis Ospina. Testiminios: Jaime Osorio, Carlos Mayolo, Arturo Alape, Joe Broderick, Jotamario Arbeláez, Vicky Hernández. CP: Colcultura, FOCINE. Prod: Mónica Gutiérrez, Ricardo Alonso.
Utilizando como eje narrativo la reconstrucción de la película inacabada Angelita y Miguel Ángel (1971) de Andrés Caicedo y Carlos Mayolo, los amigos del escritor y crítico de cine fallecido en 1977, incluyendo al propio director Luis Ospina, reflexionan sobre su vida, su obra y su suicidio. Cineteca: jueves 21
Antonio María Valencia: Música en cámara Colombia, 1987, 87 min. D, G y E: Luis Ospina. F en C: Diego García, Erik Bongue. M: Antonio María Valencia. CP: Corporación para la Cultura de Cali, Banco de la República, Colcultura, Universidad del Valle. Prod: María Isabel Caicedo.
Este documental rescata del olvido la memoria trágica del compositor Antonio María Valencia, fallecido en 1952, exponente de la cultura musical y artística de Cali. Valencia sacrificó una brillante carrera como concertista en París al regresar a su ciudad natal, donde la hostilidad del medio condenó su homosexualidad, conduciéndolo a la drogadicción y el ostracismo. Cineteca: viernes 22
Nuestra película Colombia, 1993, 96 min. D, G y E: Luis Ospina. F en C: Diego Lalinde, Rodrigo García. CP: Unos pocos buenos amigos, Galería Garcés Velásquez. Prod: Claudia Triana de Vargas.
Ante su muerte inminente a causa de SIDA el artista Lorenzo Jaramillo reflexiona sobre su vida y obra a través de los cinco sentidos. Cineteca: sábado 23
64 I Programa mensual agosto
Luis Ospina I CICLOS
Soplo de vida Colombia-Francia, 1999, 100 min. D: Luis Ospina. G: Sebastián Ospina. F en C: Rodrigo Lalinde. M: Germán Arrieta, Gonzalo de Sagarmínaga. E: Luis Ospina, Elsa Vásquez. Con: Fernando Solórzano (Emerson), Flora Martínez (Golondrina), Robinson Díaz (Jacinto), César Mora (Mago), Constanza Duque (Irene), Álvaro Ruiz (Medardo), Álvaro Rodríguez (Estupiñán). CP: EGM Producciones, Mille et Une Productions. Prod: Efraín Gamba Martínez.
Soplo de vida es una película de cine negro que gira en torno al asesinato de una joven en un sórdido hotel del centro de Bogotá. Por razones del destino, Emerson, un ex policía se convierte en el investigador del crimen. Sin conocer la verdadera identidad de la víctima, reconstruye, en el curso de su investigación, fragmentos de la vida de la muchacha. Descubre que esta joven misteriosa tuvo relaciones con varios hombres: un boxeador fracasado, un torero cobarde, y un político corrupto. Cineteca: domingo 24
Programa 1 de cortometrajes Colombia, 95 min. D: Luis Ospina.
Oiga vea (codirigida con Carlos Mayolo, 1972, 27 min.). Agarrando pueblo (codirigida con Carlos Mayolo, 1978, 27 min.). En busca de María (codirigida con Jorge Nieto, 1985, 15 min.). Ojo y vista: peligra la vida del artista (1987, 26 min.). Cineteca: jueves 21
Programa 2 de cortometrajes Colombia, 75 min. D: Luis Ospina.
Arte sano cuadra a cuadra (1988, 25 min.). Adiós a Cali (1990, 25 min.). ¡Ah, diosa Kali! (1990, 25 min). Cineteca: viernes 22
Programa 3 de cortometrajes Colombia, 100 min. D: Luis Ospina.
Al pie (1991, 25 min). Al pelo (1991, 25 min). A la carrera (1991, 25 min.). Capítulo 66 (1994, 25 min.) Cineteca: sábado 23
Programa 4 de cortometrajes De la ilusión al desconcierto: Cine colombiano, 1970-1995 Colombia, 100 min. D: Luis Ospina.
Capítulo I: El desprecio del sobreprecio (2007, 25 min.). Capítulo II: El estado de las cosas (2007, 25 min.). Capítulo III: Las cosas del estado (2007, 25 min.). Capítulo IV: Memorias del subdesarrollo (2007, 25 min.) Cineteca: domingo 24
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CICLOS I Chaplin para siempre
chaplin
para siempre Interpretar a un borracho, tan simpático como impertinente, que interrumpía con sus torpezas una representación, le ganó al joven Charles Chaplin un boleto de ida del music hall londinense a los escenarios teatrales de los Estados Unidos. La rutina resultó más que fructífera, ya que la gracia y la sorprendente agilidad física del muchacho llamó la atención del productor Mack Sennett, algo así como el padre de la comedia silente norteamericana, quien arrancó a Chaplin de la tutela del empresario teatral Fred Karno para llevarlo frente a las cámaras de cine. Cobijado por la compañía Keystone, la carrera cinematográfica de Chaplin comenzó con el cortometraje Making a Living (1914), una comedia de un rollo de duración en la cual el debutante interpretaba a un torpe periodista. Pero en su siguiente película, Kid Auto Races at Venice, filmada en ese mismo año, Chaplin apareció ya como el personaje que le daría fama mundial, aunque todavía sin los rasgos de carácter que caracterizarían su personalidad. El exterior ya estaba presente: sombrero de hongo, bigote recortado, saco ceñido y raído, grandes pantalones y un bastón de carrizo como una extensión de su brazo. El primer esbozo del vagabundo chaplinesco era el de un pícaro callejero, capaz de todo por sobrevivir. Era la caricatura de un hombre de mundo, el rostro oscuro del hombre civilizado. No fue sino hasta 1915 que, ya como realizador, guionista y actor de sus propias películas en la compañía Essanay, Chaplin conforma el alma de su personaje. Fue en el cortometraje El vagabundo (The Tramp) donde por primera vez Charlot levanta su voz (metafóricamente) en contra del abuso de los poderosos, busca el amor sin encontrarlo y comienza a destilar una melancolía que lo hace siempre rozar la tragedia. Era un héroe que hablaba por miles sin voz, lo que lo hacía también propenso a los finales infelices. Chaplin arrancó a su vagabundo de los senderos de la comedia física, del “pastelazo”, para encaminarlo hacia los caminos de la crítica social en un cine que, conforme fuera evolucionando, se volvería cada vez más crítico hacia la situación social de la época. Con su vagabundo, Chaplin se convirtió en uno de los primeros íconos fílmicos universales. Y entre ambos orquestaron algunos de los momentos más célebres de la historia del cine. Fue padre, buscador de oro, casi siempre amoroso frustrado, artista de circo, obrero desempleado. Un ser que rozó el patetismo más grande y luchó siempre por una felicidad que nunca acabó de llegar del todo. Su reino fue el de la pantomima. 100 69 0 4
José Antonio Valdés Peña Cineteca Nacional
66 I Programa mensual agosto
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Chaplin para siempre I CICLOS
El chico The Kid, Estados Unidos, 1921, 50 min. D, G, M, E y Prod: Charles Chaplin. F en B/N: Roland Totheroh. Con: Charles Chaplin (el vagabundo), Jackie Coogan (el chico), Edna Purviance (la mujer), Henry Bergman (profesor Guido), Walter Lynch (policía), Lita Grey (ángel seductor). CP: Charles Chaplin Productions.
Un vagabundo se hace cargo amorosamente de un niño abandonado a su suerte, volviéndose cómplices en la vida. El primer largometraje de Charles Chaplin, filmado en sus propios estudios de cine, es una emotiva remembranza de sus años de infancia en Londres. Acompañado por el magistral Jackie Coogan, de tan sólo 6 años de edad, Chaplin consolidó las bases de su estilo, basado en una sutil fusión entre la comedia física del cine silente y el melodrama que se decanta hacia la tragedia. Cineteca: jueves 7, domingo 10 y martes 12
La quimera del oro The Gold Rush, Estados Unidos, 1925, 72 min. D, G, M, E y Prod: Charles Chaplin. F en B/N: Roland Totheroh. Con: Charles Chaplin (el buscador solitario), Mack Swain (Big Jim McKay), Georgia Hale (Georgia), Tom Murray (Black Larsen), Henry Bergman (Hank Curtis), Malcolm Waite (Jack Cameron). CP: Charles Chaplin Productions.
Charlot es en este filme un buscador de oro que deambula por las tierras de Alaska, desafiando a la adversidad y encontrando el amor. Considerada como la mejor comedia del cine silente norteamericano, esta fue la cinta con la cual el propio Chaplin afirmó que deseaba pasar a la posteridad. En 1942, el cineasta reeditó la película, eliminando intertítulos y añadiendo una narración realizada por él mismo. Cineteca: sábado 9, lunes 11 y miércoles 13
CINETECA NACIONAL I México
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CICLOS I Chaplin para siempre
El circo The Circus, Estados Unidos, 1928, 71 min. D, G, M, E y Prod: Charles Chaplin. F en B/N: Roland Totheroh. Con: Charles Chaplin (el vagabundo), Henry Bergman (un viejo payaso), Allan García (dueño del circo), Merna Kennedy (su hija), Steve Murphy (carterista), Harry Crocker (Rex), George Davis (un mago). CP: Charles Chaplin Productions.
Huyendo de la policía, un vagabundo se incorpora a un grupo circense. Pronto descubre el amor en la hija del propietario, sin imaginar que sus sueños resultan muy distintos a la realidad. El último filme silente de Chaplin, realizado un año después del estreno de El cantante de jazz, la primera película sonora de la historia, es una comedia de una intensa melancolía, extraída de los difíciles momentos por los cuales pasaba el realizador, enfrentado entonces a un complicado juicio de paternidad. Cineteca: jueves 14, domingo 17 y martes 19
Luces de la ciudad City Lights, Estados Unidos, 1931, 87 min. D, G, M, E y Prod: Charles Chaplin. F en B/N: Roland Totheroh. Con: Charles Chaplin (el vagabundo), Virginia Cherrill (una muchacha ciega), Harry Myers (un millonario excéntrico), Allan García (el mayordomo), Florence Lee (la abuela), Hank Mann (campeón de box). CP: Charles Chaplin Productions.
En sus correrías, un vagabundo conoce a una joven vendedora de flores ciega, cuyo mal tiene remedio si se somete a una costosa operación. Decidido a ayudarla, luchará sin cesar para conseguir el dinero necesario. Filmada justo en la transición entre el cine silente y el cine sonoro, esta tragedia romántica significó para Chaplin una afrenta hacia la nueva tecnología, potenciando al máximo la fuerza de la pantomima y la acción física para denunciar la injusticia social. Cineteca: sábado 16, lunes 18 y miércoles 20
68 I Programa mensual agosto
Chaplin para siempre I CICLOS
Tiempos modernos Modern Times, Estados Unidos, 1936, 87 min. D, G, M, E y Prod: Charles Chaplin. F en B/N: Roland Totheroh. Con: Charles Chaplin (obrero), Paulette Goddard (muchacha), Henry Bergman (propietario de la cafetería), Stanley Sandford (Big Bill), Chester Conklin (mecánico), Allan García (empresario), Hank Mann (ladrón). CP: Charles Chaplin Productions.
Un obrero y una muchacha luchan por sobrevivir en medio de una terrible depresión económica que los arrastra hacia la miseria sin remedio. El último filme protagonizado por el vagabundo es una reflexión implacable acerca del sistema que sumió a los Estados Unidos en una profunda crisis, además de una denuncia de la maquinización inhumana de los trabajadores a manos de los industriales. Fue también el último de sus filmes realizados sin diálogos, utilizando solamente sonidos ambientales y música. Cineteca: jueves 21, domingo 24 y martes 26
El gran dictador The Great Dictator, Estados Unidos, 1940, 125 min. D, G, M y Prod: Charles Chaplin. F en B/N: Roland Totheroh y Karl Struss. E: Willard Nico. Con: Charles Chaplin (Adenoid Hynkel, dictador de Tomania / barbero judío), Paulette Goddard (Hannah), Jack Oakie (Napaloni, dictador de Bacteria), Henry Daniell (Garbitsch), Billy Gilbert (Herring), Maurice Moscovich (señor Jaeckel). CP: Charles Chaplin Productions.
Filmada a pocos meses de iniciada la Segunda Guerra Mundial y la segregación racial de la población judía europea, esta cinta constituye una dura denuncia por parte de Chaplin a los horrores del fascismo. En su primera película totalmente hablada, el actor y realizador interpreta dos papeles, uno el de un dictador megalómano muy parecido en gestos y forma de hablar a Adolfo Hitler, y otro, el de un barbero judío que sobrevive a las penurias de su tiempo, muy similar al vagabundo Charlot. Cineteca: sábado 23, lunes 25 y miércoles 27
CINETECA NACIONAL I México
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CICLOS I Día de la Academia
Día de la academia FRANCISCO SÁNCHEZ Francisco Sánchez, guionista de cine y televisión, escritor, crítico e historiador de cine, nació en Ciudad Acuña, Coahuila, el 22 de enero de 1939. Fue muy apreciado entre los lectores y la gente del medio fílmico por su labor como crítico cinematográfico en la sección de espectáculos del popular periódico deportivo Esto, donde trabajó de 1972 a 1980. Inició su carrera como guionista en 1973 con el largometraje documental Los que viven donde sopla el viento suave, dirigido por Felipe Cazals, sobre las condiciones de vida de los seris, grupo indígena que vive en la costa sonorense de Kino y frente a la Isla Tiburón. El documental ganó el premio a la mejor película en el Festival Internacional de Cine de Bilbao, España, en 1974. Desde entonces colaboró en los libretos de medio centenar de películas, por lo que obtuvo premios como la Diosa de Plata al mejor guión de 1980 por Amor libre (Jaime Humberto Hermosillo, 1978); el Ariel de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas en 1984 por El tonto que hacía milagros (Mario Hernández, 1983); el Premio Coral en 1991 por Pueblo de madera (Juan Antonio de la Riva, 1990) en el Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana y la Diosa de Plata al mejor guión por El tigre de Santa Julia (Alejandro Gamboa, 2002). Su obra publicada sobre cine comprende títulos como: Todo Buñuel (Cineteca Nacional, 1978); Hermosillo, pasión por la libertad (Cineteca Nacional, 1989); Crónica antisolemne del cine mexicano (Universidad Veracruzana, 1989); La comezón del séptimo arte (Juan Pablos, 1998); Luz en la oscuridad, crónica del cine mexicano (Juan Pablos, 2002) y Amor al cine (Juan Pablos, 2009), en los que consigue plasmar su pasión por el cine a través de un estilo que conjunta la erudición y el conocimiento cinematográfico con una prosa clara y sencilla no exenta de profundidad. En uno de sus libros escribió: «No concibo la vida de nuestros días sin la referencia cinematográfica. Los hechos que los filmes narran, sus escenarios y propuestas visuales, la música que en ellos se escucha y los gestos, voces y presencias de sus intérpretes amalgaman un todo caleidoscópico que inevitablemente se filtra en sueños y conciencia condicionando formación y comportamiento. El cine es de todas las artes el que con mayor evidencia revela precisamente el triunfo de la luz sobre la oscuridad». Francisco Sánchez falleció el 23 de agosto de 2013 en la ciudad de México. Cutberto Gaudázar Agosto de 2014
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Día de la Academia I CICLOS
Amor libre México, 1978, 97 min. D: Jaime Humberto Hermosillo. G: Francisco Sánchez. F en C: Jorge Stahl Jr. M: Nacho Méndez. E: Rafael Ceballos. Con: Julissa (Julia), Alma Muriel (July), Manuel Ojeda (Ernesto), Jorge Balzaretti (Octavio), José Alonso (Mario), Ana Ofelia Murguía (esposa de Ernesto). CP: Conacine.
Julia y July comparten una gran amistad, un departamento y los hombres de su vida. Viven libremente su sexualidad en un claro desafío a las estrechas normas y reglas de la sociedad. El desenfado y la libertad se respiran en Amor libre gracias a las actuaciones de Alma Muriel y Julissa, las traviesas heroínas de Hermosillo, creadas por la pluma de Francisco Sánchez. En 1980, la cinta recibió la Diosa de Plata como mejor película. Cineteca: miércoles 27
CINETECA NACIONAL I México
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CICLOS I 19º Festival Internacional de Cine para Niños
19° Festival Internacional de Cine para Niños (…y no tan Niños)
En el 19° Festival Internacional de Cine para Niños (…y no tan Niños) nos veremos en la pantalla, en ese oscuro y mágico espejo donde nos reflejamos, con montones de películas y de emociones… Conmovernos, revalorarnos y entendernos a nosotros mismos y a los otros ha sido la premisa principal en este foro, que a lo largo de la casi dos décadas ha dedicado sus esfuerzos a las niñas y niños de nuestro país. Del 5 al 10 de agosto, el festival se exhibirá en salas de la Cineteca Nacional, el Centro Cultural Universitario, el Faro de Oriente y la Universidad Autónoma Chapingo, y del 23 al 28 de septiembre se extiende por segunda ocasión a la Sala Carlos Monsiváis del Centro Cultural Tijuana. En la presente edición se proyectarán 92 películas de 34 países, que entrarán en competencia en las categorías de largometraje de animación y ficción, cortometraje de ficción, animación y documentales, así como una premiación especial a la mejor producción nacional dirigida a la población infantil de México. Otra de las sorpresas que el festival tiene preparadas para esta emisión es la visita de tres importantes personalidades en materia de cine para niños: Enrique Martínez-Salanova (España), fundador y creador de la revista Comunicar; Jean Beaudry (Quebec, Canadá), cineasta y productor, quien presentará el largometraje La liga fuera de la ley (The Outlaw League, 2014), y Rodolfo Pastor (Argentina), también director de animación. Entre las películas de ficción presentadas este año se encuentran Casper y Emma (Noruega, 2013), una historia de amistad dirigida por Arne Lindtner Næss; Un bello horizonte (Suiza-Etiopía, 2013), de Stefan Jäger, sobre un recorrido laberíntico a través del desierto de África del Este, y Vergüenza de usar lentes (Italia, 2013), de Alessandro Riconda. Así como el documental Loden – El pequeño monje (Nepal-Alemania, 2012), de André Hörmann, y el cortometraje de animación Mi abuelo creativo (Rusia, 2011), de Dina Velikovskaya, que aborda la relación entre una niña y su abuelo, un estrafalario inventor con cierto gusto por buscar entre la basura los materiales para sus creaciones.
La Matatena, A. C. www.lamatatena.org
74 I Programa mensual agosto
CICLOS I Macabro
MACABRO XIII La transformación y reinvención del horror
Macabro se reinventa una vez más en el 2014, en su XIII edición, número mágico que ha inspirado nuestra imagen y programación, enfocada como cada año en lo más relevante de la producción contemporánea del cine de horror y la revisión del cine clásico y de culto. Hacer un festival como Macabro no es fácil, nuestras propias metas son superadas edición con edición y el crecimiento del festival ha sido exponencial en los últimos cuatro años, en parte gracias al reciente boom del cine de género en México y otros países de Latinoamérica. Implica un gran esfuerzo por tratarse del festival más longevo en su tipo, que además se lleva a cabo en una de las ciudades más grandes del mundo, la ciudad de México. Este año, la competencia de largo y cortometraje contará con notables producciones recientes, como Posesión (2013), un acercamiento al cine de terror del realizador filipino ganador del premio a mejor director en Cannes, Brillante Mendoza; el regreso a Macabro del serbio Milan Todorovic y la actriz Kristina Klebe con Mamula (2014); la cinta de terror orgánico Contracted (2013), presentada por su director Eric England; y la película que ha causado conmoción, The Demon’s Rook (2013). México Macabro estrenará la nueva película de uno de los pioneros de la actual ola de cineastas mexicanos de género, Leopoldo Laborde, quien estrenará su cinta La piel rota. La retrospectiva de la XIII edición estará dedicada a una revisión del diálogo entre la lucha libre y el cine de terror. La curaduría, realizada por The Killer Film (el crítico enmascarado), incorpora filmes clásicos y películas extrañas, así como cortometrajes inspirados por el género. Además contaremos con la presencia del luchador Tinieblas, quien compartirá con el público de Macabro su experiencia como actor en el cine de lucha libre. Entre los eventos especiales tendremos el estreno de cine independiente en 3D y una mesa de especialistas que analizará la obra de Stephen King, en la cual se presentarán diversos puntos de vista sobre sus temas, miedos y obsesiones personales. Finalmente, ante la demanda de un público que pide mayor cantidad de eventos y películas en nuestra programación, este 2014 tendremos música, intervención de espacios públicos, charlas magistrales, conferencias y la realización del Macabro Lab.
Edna Campos Tenorio Directora General y Fundadora
76 I Programa mensual agosto
Cineteca: viernes 22
CLÁSICOS DEL CINE I Erich von Stroheim
erich von stroheim Filmar la vida como es para la mayoría. Áspera, inesperada, fatalista, sin esperanza. Construir sobre las contradicciones de la condición humana un universo fílmico único fue el mayor logro de Erich von Stroheim. Sin embargo, este cúmulo de creatividad permanece casi desconocido para los cinéfilos en la actualidad. En primer lugar, porque Stroheim realizó su obra como cineasta antes de la llegada del sonido, lo que dificulta su disponibilidad, como casi la de todo el cine silente. Pero el aspecto más triste es que sus filmes fueron, en su mayor parte, mutilados por sus productores, reducidos sin que su autor fuera consultado. Lo que en la actualidad conocemos de su filmografía como director es en buena medida gracias a los arqueólogos cinematográficos, quienes han descubierto, por aquí y por allá, fragmentos de sus obras maestras. Erich von Stroheim apareció por primera vez en Hollywood hacia 1914, como asesor de vestuario y estrategias militares en escenas bélicas. Había llegado unos cuantos años antes a Estados Unidos, proveniente de su natal Viena. Pronto, pasó de asesor a asistente de dirección, apareciendo incluso en algunos filmes de D.W. Griffith como actor. Su rápido aprendizaje lo llevó a dirigir su primer largometraje en 1919. Encarnando a militares enigmáticos que seducían mujeres norteamericanas de paseo por escenarios europeos que tenían en común el aburrimiento conyugal, Erich von Stroheim hizo un estereotipo de sí mismo, con sus elegantes maneras, su elegancia militar, pero sobre todo por su descaro y amoralidad, por asumida sumamente disfrutable. Se convirtió en “el hombre que usted ama odiar…”. Reconocido por sus excesos al momento de filmar, su tiránico proceder como cineasta en el set y los presupuestos millonarios que sus filmes requerían para recrear los paisajes europeos, poco a poco von Stroheim fue ganándose una mala reputación en Hollywood. Si bien Maridos ciegos (1919) y Esposas frívolas (1922) habían sido recibidas ambiguamente por el público y la crítica de la época, Avaricia (1924), su obra maestra, en la cual el american way of life era duramente destruido mediante la crónica de un matrimonio devastado por un amor enfermizo al dinero, significó el inicio del fin. Mutilada salvajemente por Irving Thalberg, máximo ejecutivo de la MGM, fue presentada de forma infame durante años. Mientras que en La reina Kelly (1928), su pleito personal con la actriz Gloria Swanson (amante del productor, Joseph Kennedy), provocó la cancelación del rodaje cuando faltaba un tercio de la cinta. En ambos casos, la arqueología fílmica ha conseguido completar las partes faltantes con imágenes del rodaje o fotos fijas de las secuencias perdidas. José Antonio Valdés Peña Cineteca Nacional
78 I Programa mensual agosto
Erich von Stroheim I CLÁSICOS DEL CINE
Maridos ciegos Blind Husbands, Estados Unidos, 1919, 91 min. D y G: Erich von Stroheim, basado en su relato The Pinnacle. F en B/N: Ben F. Reynolds. E: Eleanor Fried y Frank Lawrence. Con: Erich von Stroheim (teniente Erich von Steuben), Sam De Grasse (doctor Armstrong), Francelia Billington (Margaret Armstrong), T.H. Gibson Gowland (Silent Sepp), Fay Holderness (mesera seductora). CP: Universal-Jewel Production de Luxe. Prod: Erich von Stroheim y Carl Laemmle.
Un mujeriego militar intenta añadir como su trofeo de caza a la insatisfecha esposa de un aburrido cirujano norteamericano, durante una estancia en los Alpes suizos. Las bajas pasiones y la incapacidad humana para dominarlas son la médula de esta primera película dirigida por un Erich Von Stroheim de gran presencia y villanesca personalidad. Cineteca: viernes 22
Esposas frívolas Foolish Wives, Estados Unidos, 1922, 117 min. D y G: Erich von Stroheim. F en B/N: William Daniels y Ben Reynolds. M: Sigmund Romberg. E: Arthur Ripley y Arthur Lennig. Con: Erich von Stroheim (conde Wladislaw Sergius Karamzin), Rudolph Christians (embajador Andrew Hughes), Missy DuPont (Helen Hughes), Mae Busch (princesa Vera Petchnikoff), Dale Fuller (Maruschka), Malvine Polo (Marietta), Al Edmundsen (mayordomo). CP: Universal Film Manufacturing Company. Prod: Irving Thalberg.
Con las aventuras de un falso aristócrata seductor en Monte Carlo, el cineasta Erich von Stroheim retrata una sociedad que se miente a sí misma, en la cual los estafadores y la nobleza conviven alegremente. La amoralidad del filme, aunada a su elevado costo (más de un millón de dólares de la época), su excesiva duración original (seis horas) y el conflictivo carácter del cineasta, comenzaron a crear la mala fama de Stroheim en Hollywood, con serias repercusiones para su carrera posterior. Cineteca: sábado 23
EL CARRUSEL Estados Unidos, 1923, 110 min. D: Erich von Stroheim y Rupert Julian. G: Finis Fox, sobre una idea de Erich von Stroheim. F en B/N: Charles Kaufman y William Daniels. M: M. Winkler. E: James McKay. Con: Norman Kerry (conde Franz Maximilian von Hohenegg), Mary Philbin (Agnes Urban), Cesare Gravina (Sylvester Urban), Edith Yorke (Ursula Urban), George Hackathorne (Bartholomew, el jorobado). CP: Universal Pictures. Prod: Irving Thalberg.
Haciéndose pasar por un modesto vendedor, un aristócrata vienés enamora a una joven organillera que vive en los bajos fondos. Ambientado en la Viena imperial, este melodrama romántico inició su rodaje bajo la dirección de Erich von Stroheim. Sin embargo, las exigencias del cineasta y la atmósfera decadente de la historia provocaron su despido a manos del productor Irving Thalberg, quien suplió al director austríaco por Rupert Julian, recordado sobre todo por El fantasma de la Ópera (1923). Cineteca: domingo 24, sábado 30
CINETECA NACIONAL I México
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CLÁSICOS DEL CINE I Erich von Stroheim
Avaricia Greed, Estados Unidos, 1924, 140 min. D: Erich von Stroheim. G: June Mathis y Erich von Stroheim, basados en la novela McTeague de Frank Norris. F en C: William H. Daniels y Ben F. Reynolds. M: Carl Davis. E: Joseph Farnham. Con: Zasu Pitts (Trina), Gibson Gowland (McTeague), Jean Hersholt (Marcus), Dale Fuller (María), Tempe Pigott (madre McTeague), Joan Standing (Selina). CP: Metro-Goldwyn Pictures Corporation. Prod: Irving Thalberg.
Avaricia es el filme con el cual Stroheim intentó plasmar un descarnado realismo en el cine de Hollywood. Narra la historia de degradación y destrucción de un matrimonio víctima de la codicia. La magistral forma en la cual el cineasta consiguió retratar la miseria humana, inspirada por su interés en Émile Zola y otros autores naturalistas, aunada a su monumental duración original de poco más de 10 horas de proyección, provocaron que la casa productora MGM mutilara la película. Cineteca: martes 26, domingo 37
La viuda alegre The Merry Widow, Estados Unidos, 1925, 137 min. D: Erich von Stroheim. G: Benjamin Glazer y Erich von Stroheim, inspirados en la opereta homónima de Víctor León, Leo Stein y Franz Lehar. F en B/N: Oliver T. Marsh. Con: Mae Murray (Sally O’Hara), John Gilbert (príncipe Danilo Petrovich), Roy D’Arcy (príncipe Mirko), Tully Marshall (barón Sixtus Sadoja), George Fawcett (rey Nikita I), Josephine Crowell (reina Milena). CP: MGM. Prod: Irving Thalberg.
Un príncipe europeo se obsesiona románticamente con una vedette norteamericana, pero sus compromisos le impiden contraer nupcias con ella. Despechada, ella termina casándose con un repulsivo millonario que muere en la noche de bodas. Tras la mutilación de Avaricia (1924), Von Stroheim realizó para la MGM este exitoso melodrama romántico, lujosamente ambientado en una Europa de ensueño en la cual, sin embargo, aparecen ciertos toques de perversidad y decadencia muy del gusto del cineasta. Cineteca: sábado 23, miércoles 27
La marcha nupcial The Wedding March, Estados Unidos, 1928, 115 min. D: Erich von Stroheim. G: Erich von Stroheim y Harry Carr. F en C y B/N: Ray Rennahan, Hal Mohr, Ben Reynolds, Harris Thorpe. E: Frank E. Hull. Con: Erich von Stroheim (príncipe Nicki), Fay Wray (Mitzi), Matthew Betz (Schani Eberle), ZaSu Pitts (Cecelia Schweisser), George Fawcett (príncipe Ottokar), Maude George (princesa María), George Nichols (industrial). CP: Paramount Famous Lasky Corporation. Prod: Jesse Lasky y Adolph Zukor.
En los tiempos de la Viena imperial, un príncipe austríaco se enamora de una plebeya, provocando una hecatombe en sus respectivas familias. El propio Erich von Stroheim es quien encarna, no sin cierta melancolía, al protagonista de esta tragicómica reflexión sobre el amor, los intereses económicos y las diferencias sociales que impiden la felicidad de los individuos. Su musa inspiradora fue la joven actriz Fay Wray, quien algunos años más tarde sería la heroína de King Kong (1933). Cineteca: domingo 24, jueves 28
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Erich von Stroheim I CLÁSICOS DEL CINE
La reina Kelly Queen Kelly, Estados Unidos, 1928, 74 min. D y G: Erich von Stroheim, basado en el argumento The Swamp de él mismo. F en B/N: Gordon Pollock y Paul Ivano. M: Adolph Tandler. E: Viola Lawrence. Con: Gloria Swanson (Patricia Kitty Kelly), Seena Owen (Reina Regina V), Walter Byron (Príncipe Wolfram van Hohenberg-Falsenhein), Tully Marshall (Jan Bloehm), Lucille Van Lent (doncella de Wolfram), Sidney Bracey (sirviente de Wolfram). Prod: Joseph Kennedy, Gloria Swanson.
Erich Von Stroheim fue despedido de la filmación de esta película a causa de sus continuos altercados con la actriz protagónica, Gloria Swanson. Como resultado, el filme quedó inconcluso y la carrera como cineasta de Stroheim acabada para siempre. Fue hasta 1985 que se presentó esta versión, completada con fotografías de rodaje, en la cual se puede atisbar el barroquismo con el cual el director abordó la historia de una joven huérfana que enloquece de deseo por un príncipe. Cineteca: viernes 29
El gran Gabbo The Great Gabbo, Estados Unidos, 1929, 92 min. D: James Cruze y Erich von Stroheim. G: Hugh Herbert, inspirado en el relato The Rival Dummy de Ben Hecht. F en B/N: Ira H. Morgan. Con: Erich von Stroheim (Gabbo), Betty Compson (Mary), Donald Douglas (Frank), Marjorie Kane (Babe), John Hamilton (vecino), Harry Ross (artista), George Grandee (voz de Otto). CP: James Cruze Productions. Prod: James Cruze.
Para el ventrílocuo Gabbo, su muñeco de madera Otto es su único medio de expresión hacia el mundo. Sin embargo, cuando comienza a depender cada vez más de él para vivir, su cordura se pone a prueba. Filmada justo en la transición entre el cine silente y los inicios de la industria fílmica sonora, esta cinta (en la cual Stroheim participó en algunas secuencias como director) cuenta con una gran actuación del cineasta austriaco como el egocéntrico protagonista. Cineteca: sábado 30, domimgo 31
Hello, Sister! Estados Unidos, 1933, 62 min. D: Erich von Stroheim, Alfred Werker, Edwin Burke. G: Leonard Spigelgass, Erich von Stroheim y Maurine Dallas Watkins, sobre la pieza teatral Walking Down Broadway de Dawn Powell. F en B/N: James Wong Howe. E: Frank E. Hull. Con: James Dunn (Jimmy), ZaSu Pitts (Millie), Boots Mallory (Peggy), Minna Gombell (Mona), Terrance Ray (Mac), Will Stanton (borracho), Astrid Allwyn (muchacha). CP: Fox Film Corporation. Prod: Winfield R. Sheehan y Sol M. Wurtzel.
Melodrama en el cual se abordan temas como la prostitución, el suicidio y la homosexualidad en torno a una tragicómica protagonista, encarnada por ZaSu Pitts (la misma actriz de Avaricia), se trata del único filme sonoro en el cual Von Stroheim participó como realizador. Para su estreno, la compañía Fox mutiló la cinta y solicitó a otros cineastas la filmación de ciertas escenas buscando aligerar el argumento. Considerada perdida, fue recuperada en los años setenta. Cineteca: sábado 30, domingo 31
CINETECA NACIONAL I México
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Agosto 2014 I ÍNDICE ALFABÉTICO Acto de matar, El 14 ¡Adiós, Franziska! 41 Alicia en las ciudades 42 Amo del universo 35 Amor libre 71 Andre Hazes 58 Andrés Caicedo: Unos pocos buenos amigos 62 Antonio María Valencia: Música en cámara 62 Avaricia 78 Big Joy: Las aventuras de James Broughton 08 Camino de regreso a casa, El 46 Carrusel, El 77 Casamiento, El 25 Cenizas del Fénix, Las 59 Chico, El 65 Circo, El 66 Corazón frío, El 41 Cumbres 12 Danza de la realidad, La 25 Dave Davis: Kinkdome come 52 Decisiones de ultratumba 43 Desazón suprema, La 61 Dos vidas 38 Encuentro fatal 49 Esposas frívolas 77 Estafa, La 47 Finsterworld 36 Frente, El 48 Gatos Persas, Los 26 Generación Spielberg 20 Gigante egoísta, El 16 Glastonbury 53 Gran Gabbo, El 79 Gran dictador, El 67 Gran estafa del Rock & Roll, La 51 Gyeongju 49 Hello, Sister! 79 Historias de caballos y hombres 26 Huérfanos 27 Joe Strummer: El futuro no está escrito 51 Johnny Meijer 57 Joven y bella 27 Juego rudo 45 Jugador, El 59 Katzelmacher 42 Klip 28 Kohlhass 37 Lector de rostros, El 46 Londres: La moderna Babilonia 54 Love Steaks 35
Luces de la ciudad 66 Marcha nupcial, La 78 Maridos ciegos 77 Más amaneceres 28 Me siento disco 37 Naomi Campbel 29 Ninfomanía vol. 2 29 Noche 30 Nora Noh 47 Novela rusa, La 45 Nuestra película 62 Oeste 38 Oil City Confidential 53 Otra patria, La 36 Paraíso: Fe 30 Parque trizado 37 Pasado, El 04 Polissía 31 Pura sangre 61 Purgatorio: Viaje al corazón de la frontera 18 Quimera del oro, La 65 Ray Davis: Hombre imaginario 52 Reflejos 31 Reina Kelly, La 79 Réquiem por Detroit 53 Rey del erotismo, El 22 Rey de los cerdos, El 48 Río 50 grados: Carry on CaRIOca 54 Rostro, El 32 Se levanta el viento 32 Soplo de vida 63 Sputnik 39 Suciedad y la furia, La 52 Soñador invernal 43 Tanta agua 33 Tiempo de caníbales 38 Tiempos modernos 67 Tierra prometida 58 Trinchera de muerte 58 Último viaje de Waller, El 42 Última victoria, La 59 Tigre de papel, Un 61 Vamos a jugar al infierno 33 Víacrucis 39 Viento del este 39 Viuda alegre, La 78 Workers 06 Wrong Time, Wrong Place 57 Zonas húmedas 36
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