Homenaje a Jaime Humberto Hermosillo Retrospectiva Nicolas Wadimoff
$25.00
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Quebecine MX 2020
FEBRERO 2020
PROGRAMA MENSUAL
ÍNDICE
Cineteca Nacional Av. México-Coyoacán 389, col. Xoco. Cineteca Nacional es miembro de la Federación Internacional de Archivos Fílmicos.
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clásicos en pantalla grande: martin scorsese
En portada Jaime Humberto Hermosillo Abreviaturas D: Dirección. B/N: Fotografía en blanco y negro. Dist: Distribución. PC: Procedencia de copia.
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RETROSPECTIVA nicolas wadimoff
Programación sujeta a cambios. Para mayor información consulte www.cinetecanacional.net o llame al 4155 1190. Las copias en cinta de las películas que se exhiben tienen la mejor calidad disponible. Dicha calidad puede variar debido a la diversidad de su procedencia y a su antigüedad.
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quebecine mx 2020
El Programa mensual es una publicación para informar sobre las películas que la Cineteca Nacional exhibe, tanto en sus instalaciones como en sedes alternas, cumpliendo su misión de difundir la cultura fílmica. Los textos firmados son responsabilidad de sus autores. Impresión Impresos Bautista. Francisco Villa 15, col. Apatlaco, Ciudad de México.
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renau, cineasta
Programación
FEBRERO 2020
Dossier homenaje a JAIME HUMBERTO HERMOSILLO Jaime Humberto Hermosillo y su cine son uno mismo Hermosillo: Pasión por la libertad
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La pasión según Hermosillo
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Ciclo
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estrenos
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CICLOS
CLÁSICOS EN PANTALLA GRANDE: MARTIN SCORSESE
febrerO · 2020
FINES DE SEMANA DE FEBRERO
El cine para Scorsese es como la religión: es una oportunidad para compartir una experiencia espiritual colectiva. La pasión que el cineasta siente por el cine se ve reflejada en su filmografía con obras que sacuden con violencia poética al espectador, despertando las emociones más contradictorias: nos hace enojar con los mafiosos en Buenos muchachos, pero también nos seduce con su estilo de vida; nos hace sentir pena por psicópatas sanguinarios como Travis Bickle; y nos hace testigos silenciosos del sufrimiento de hombres de fe para los que su Dios parece volverse contra ellos. El italoamericano no sólo ha demostrado su devoción detrás de la cámara, también ha profesado una cinefilia apasionada que ha volcado en proyectos como Un recorrido personal por el cine norteamericano o The Film Foundation, la organización que fundó para la preservación y restauración del patrimonio cinematográfico mundial. Y cómo olvidar esa carta de amor dedicada a Georges Méliès en uno de sus filmes más atípicos, La invención de Hugo. La obra de Scorsese es inseparable de los rostros de De Niro, Pesci, Keitel y DiCaprio;
de colaboradores como los escritores Paul Schrader y Jay Cocks, los cinefotógrafos Michael Ballhaus y Robert Richardson; y, por supuesto, de Thelma Schoonmaker, su editora de cabecera. Clásicos en Pantalla Grande se complace en presentar una retrospectiva del cineasta italoamericano con 27 de sus títulos más emblemáticos. El recorrido por su filmografía es una oportunidad para constatar las palabras que Guillermo del Toro escribió a propósito del estreno de El irlandés: «Se necesita sabiduría en el cine en estos días. Puedes encontrar energía, espectáculo o actitud en abundancia. ¿Pero la sabiduría? Mirando hacia atrás, uno puede invocar a Renoir, Bresson, Bergman, Oliveira o Kurosawa, pero la lista se vuelve escasa cuando se llega al cine estadounidense actual, posiblemente porque en su cultura obsesionada por la juventud, parece eliminar gradualmente al sabio a favor del rebelde. Martin Scorsese es ambos».
cicloS
CLÁSICOS EN PANTALLA GRANDE
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cineteca nacional méxico
Taxi Driver · 1976
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clásicos en pantalla grande
Taxi Driver
CICLOS
Estados Unidos · 1976 · 114 min. · Color D: Martin Scorsese. · Dist: Park Circus.
febrerO · 2020
Considerada como una de las piedras angulares del Nuevo Hollywood, Taxi Driver delineó el perfil estilístico de Martin Scorsese a partir de la historia del solitario taxista Travis Bickle, quien, aturdido por la frivolidad y violencia de la ciudad de Nueva York, decide actuar a favor de Iris, una prostituta adolescente, y manifestar su rabia tramando un asesinato. Ganador de la Palma de Oro en el Festival de Cannes de 1976, el filme presenta una descripción gráfica de la oscura vida nocturna neoyorkina.
New York, New York
Estados Unidos · 1977 · 164 min. · Color D: Martin Scorsese. · Dist: Park Circus.
Jimmy, un impetuoso y seductor saxofonista que aspira a formar parte de una gran banda, y Francine, una tímida cantante que sueña con la fama, se conocen en Nueva York durante los festejos de victoria por el fin de la Segunda Guerra Mundial. Entre ambos surge un vínculo que se convertirá en una tormentosa relación. Las melodías de los músicos John Kander y Fred Ebb dan forma a este homenaje musical en el que Scorsese rinde tributo a su ciudad natal y al encanto de la época de oro hollywoodense.
El último vals
The Last Waltz · Estados Unidos · 1978 · 117 min. · Color D: Martin Scorsese. · Dist: Park Circus.
Además de ser uno de los cineastas contemporáneos más influyentes, Scorsese también ha dirigido más de una veintena de documentales, muchos de ellos en torno al rock. En El último vals, siguió los pasos de The Band –mítica agrupación canadiense considerada de culto en la escena del rock de los años 60 y 70– y capturó la atmósfera de su último concierto, que funcionó como una suerte de despedida de su trayectoria musical, pero también como el cierre simbólico de toda una época de innovaciones y excesos.
cicloS
Toro salvaje
CLÁSICOS EN PANTALA GRANDE
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Raging Bull · Estados Unidos · 1980 · 129 min. · B/N D: Martin Scorsese. · Dist: Park Circus.
Jake LaMotta es un boxeador de peso medio entrenado por su hermano y mánager Joey. Aún con buenas posibilidades de conquistar el campeonato mundial, Jake explota recurrentemente debido a complejos que lo llevan a tener actitudes paranoicas y a descargar su furia dentro y fuera del ring. Ganadora de dos Óscares en 1981, este filme se apoya en una fotografía en claroscuros y la notable interpretación de Robert De Niro para explorar la psique de uno de los pugilistas más complejos de la historia.
The King of Comedy · Estados Unidos · 1982 · 109 min. · Color D: Martin Scorsese. · Dist: Park Circus.
Seleccionada como la quinta mejor película en la lista de Cahiers du Cinéma de 1983, El rey de la comedia relata el descenso a la locura de Rupert Pupkin, interpretado por Robert De Niro, apasionado comediante que, en su intento por alcanzar el éxito, decide secuestrar a Jerry Langford, su personalidad de televisión favorita. En este filme, un ya consolidado Martin Scorsese juega con los géneros dramáticos del cine, pues lo que aparenta ser una comedia termina mutando en una amarga e incómoda tragedia.
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El rey de la comedia
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CICLOS
RETROSPECTIVA NICOLAS WADIMOFF
febrerO · 2020
A PARTIR DEL 27 DE FEBRERO Nacido en Ginebra en 1964 y graduado en comunicaciones y cine por la Universidad de Montreal en Quebec, Nicolas Wadimoff es un cineasta y productor suizo que ha dirigido tanto documentales como películas de ficción. Realizó su primer documental en 1990, y a partir de entonces ha trabajado como director para Radio Télévision Suisse y su propia productora, Akka Films, dedicada al desarrollo de documentales y cintas argumentales, entre las que destacan las internacionalmente exhibidas Aisheen (Todavía en Gaza) (2010), Operación Libertad (2012) y El apolo de Gaza (2018), esta última presentada en festivales de la categoría de la Berlinale, Locarno y Cannes. En colaboración con la Embajada de Suiza en México, Swiss Films y la Escuela Superior de Cine (ESCINE), la Cineteca Nacional presenta por primera vez en nuestro país una retrospectiva de su trabajo, caracterizado por la versatilidad de los temas que ha explorado alrededor del mundo desde la década de los 90, y por una visión política que cuestiona el orden internacional vigente a partir de distintos estilos de registro.
Este ciclo, que contempla seis películas entre documentales y ficciones, contará con la presencia del director suizo, quien además presentará un programa especial integrado por cortometrajes desarrollados en prestigiosas escuelas de cine de Ginebra, Lausana, Zúrich y Lucerna.
cicloS
RETROSPECTIVA NICOLAS WADIMOFF
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Aisheen (Todavía en Gaza) · 2010
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RETROSPECTIVA NICOLAS WADIMOFF
Jean Ziegler, el optimismo de la voluntad
CICLOS
Jean Ziegler, l'optimisme de la volonté · Suiza · 2016 · 93 min. D: Nicolas Wadimoff.
febrerO · 2020
En 1964, el Che Guevara le pidió al joven Jean Ziegler que se quedara en Suiza para combatir al "monstruo capitalista". Más tarde, como escritor, profesor, diputado y colaborador de Kofi Annan, Ziegler nunca dejó de luchar contra las injusticias sociales. Hoy, con 82 años, sus libros se venden en todo el mundo y todavía trabaja en el seno de la ONU para honrar su promesa al Che. En un viaje a Cuba sus ideas revolucionarias serán puestas a prueba tras los cambios que descubre en la isla.
espartanos
Spartiates · Suiza-Francia · 2014 · 80 min. D: Nicolas Wadimoff.
El cineasta suizo Nicolas Wadimoff pasó semanas filmando en el Quartier Nord de Marsella, un distrito de la ciudad conocido en los medios de comunicación por el narcotráfico, tiroteos de pandillas y rifles Kalashnikov. Allí conoció a Yvan Sorel, un profesional del kick boxing que dirige un club de artes marciales mixtas. Día tras día, solo y sin el apoyo del Estado, que abandonó esta área hace mucho tiempo, lucha por mantener a los niños y adolescentes en un camino apartado de la violencia callejera.
Aisheen (todavía en Gaza)
Aisheen (Still Alive in Gaza) · Suiza-Catar · 2010 · 86 min. D: Nicolas Wadimoff.
La tragedia golpeó la Franja de Gaza en diciembre de 2008, cuando Israel comenzó una ola de ataques aéreos que dañaron y destruyeron decenas de miles de hogares, arruinaron a cientos de familias y no dejaron nada más que miedo y pesimismo. Capturando la devastación de la posguerra y el sufrimiento humano, el cineasta suizo Nicolas Wadimoff muestra la vida de los sobrevivientes, retratando brillantemente la extraña esperanza que existe en medio de las ruinas, el dolor y la devastación.
cicloS
RETROSPECTIVA NICOLAS WADIMOFF
el apolo de Gaza
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L'Apollon de Gaza · Suiza-Canadá · 2018 · 78 min. D: Nicolas Wadimoff.
En 2013, una estatua de Apolo de más de 2 500 años de antigüedad fue descubierta en las redes de un pescador de Gaza. De repente, la estatua desapareció en circunstancias extrañas, lo que dio pie a todo tipo de especulaciones sobre su paradero. Tanto una película de investigación como una reflexión sobre la historia, este documental gira alrededor del misterio que gurda la estatua del dios de las artes desaparecida, ahora convertida en todo un símbolo de lo que la región significa para el mundo.
Opération Libertad · Suiza · 2012 · 90 min. D: Nicolas Wadimoff.
En abril de 1978, los miembros de una banda revolucionaria suiza robaron un banco en Zúrich con el objetivo de sacar a la luz los lazos encubiertos entre el sistema financiero suizo y las dictaduras en América Latina. Queriendo asegurar evidencia concreta, filmaron toda la operación. Combinando metraje de las cintas de video originales reaparecidas en 2011 junto con recreaciones del robo, Operación Libertad muestra los conflictos y dilemas morales que enfrentó la agrupación revolucionaria.
Clandestinos
Clandestins · Suiza-Canadá-Bélgica-Francia · 1997 · 97 min. D: Nicolas Wadimoff y Denis Chouinard.
Seis inmigrantes clandestinos intentan abandonar un puerto en el norte de Francia con destino a Canadá. Su escondite es un contenedor de 25 metros cuadrados al fondo de un carguero. Los días pasan y las provisiones escasean, y en medio de la extrema reclusión que significa ese viaje, surgirán la enfermedad, la promiscuidad y la angustia. Presentado en el festival de Locarno, Clandestinos es una película acerca de la partida, la pobreza, la violencia y la desesperanza, pero también sobre el amor.
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operación Libertad
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CICLOS
QUEBECINE MX 2020
febrerO · 2020
A PARTIR DEL 20 DE FEBRERO Para su sexta edición, que tendrá lugar del 20 de febrero al 1° de marzo, Quebecine MX, la muestra de cine de Quebec, invita al público de la Cineteca Nacional a explorar nuevos territorios. Su selección de once largometrajes busca reajustar los márgenes, dándole visibilidad a protagonistas largamente relegados al segundo plano o dejados fuera de cuadro. En películas de la presente selección, como Una colonia, El río sin descanso, Primas, Las rutas en febrero o L.A. Tea Time, las heroínas se comen la pantalla. Se construyen a partir de la apertura al otro, y sacan fuerzas de sus dudas íntimas para encontrar en el arte un motor de resiliencia. En la exploración de estos nuevos territorios cinematográficos, el otro no es siempre quien creemos sino, a veces, el desconocido que está dentro de nosotros. Ese es el caso de otra de las películas de esta muestra, La caída del imperio americano, regreso triunfal del director Denys Arcand; o de Siglo XX, donde la obsesión por el poder es retratada con humor corrosivo por el cineasta Matthew Rankin.
Finalmente, la voz creadora de los pueblos autóctonos se hace oír con fuerza en Un día en la vida de Noah Piugattuk, una obra imprescindible de Zacharias Kunuk, también director de Atanarjuat, ganadora de la Palma de Oro en el festival de Cannes de 2001. Lo invitamos a tomar asiento al lado de estas historias para explorar nuevos horizontes. Durante diez días, Quebec viene a su encuentro. Bon cinéma!
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L.A. Tea Time · 2019
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Una colonia
CICLOS
Une colonie · Canadá · 2018 · 102 min. · Color D: Geneviève Dulude-De Celles.
En la zona rural de Quebec, Mylia debe abandonar el campo para comenzar la secundaria. Perdida en este nuevo ambiente hostil, ella tendrá que hacer frente a su nueva vida lo mejor que pueda, lidiando con la desorganización dentro de su propia familia y con los absurdos y las pequeñas victorias de la adolescencia. En el camino, se encuentra con Jacinthe, una mala influencia que la anima a experimentar con el sexo y el alcohol, y Jimmy, un estudiante indígena que la ayudará a salir adelante.
L.A. Tea Time
Canadá · 2019 · 82 min. · Color D: Sophie Bédard Marcotte.
febrerO · 2020
Una cineasta desempleada atrapada en el árido invierno de Quebec se embarca en una búsqueda por los Estados Unidos. Su ruta debería llevarla a Los Ángeles para encontrarse con la artista Miranda July, pero nada sucede según lo planeado. L.A. Tea Time utiliza la fantasía y el humor para retratar el paisaje estadounidense y los tormentos de la artista errante en busca de inspiración. Un diario de viaje inusual que combina encuentros improbables, el apocalipsis, los fantasmas y la meditación.
La caída del imperio americano
La Chute de l'empire américain · Canadá · 2018 · 127 min. · Color D: Denys Arcand.
El tímido doctor en filosofía Pierre-Paul se ve obligado a trabajar como repartidor para ganarse la vida. Un día, mientras entrega un paquete, queda atrapado en medio de un atraco que salió mal: dos muertos y millones de dólares en bolsas tiradas en el suelo. Pierre-Paul se enfrenta a un dilema: ¿irse con las manos vacías o tomar el dinero y huir? La caída del imperio americano toma una mirada ingeniosa al predominio del dinero en una sociedad donde todos los demás valores parecen haberse derrumbado.
Las rutas en febrero
Canadá-Uruguay · 2018 · 84 min. · Color D: Katherine Jerkovic.
Impulsada por los recuerdos de la infancia y la esperanza de un reencuentro, Sara visita a su abuela paterna en su aldea en Uruguay. Tras la muerte de su padre en Montreal, la joven espera subsanar así una ausencia de más de diez años. Pero un malestar flota en el aire, y pronto Sara enfrenta su fantasía con respecto al pueblo de ancianos olvidado por la modernidad, donde el calor es agobiante y los días parecen durar para siempre. Choque cultural, humor y tristeza dan forma a esta película agridulce.
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Un día en la vida de Noah Piugattuk
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One Day in the Life of Noah Piugattuk · Canadá · 2019 · 111 min. · Color D: Zacharias Kunuk.
Un día en la vida de Noah Piugattuk está ambientada en la isla canadiense de Baffin durante la década de los 60, cuando se confrontan dos bandos en la pequeña región de Kapuivik: uno comandado por los líderes de la milenaria comunidad y el otro por un emisario gubernamental que busca irrumpir. El choque generará una profunda ruptura entre las partes involucradas, obligando a los habitantes del territorio, quienes no quieren abandonar sus hogares ni sucumbir ante la modernización, a resistir.
El río sin descanso
La rivière sans repos · Canadá · 2019 · 98 min. · Color D: Marie-Hélène Cousineau.
Primas
Canadá-Argentina · 2018 · 95 min. · Color D: Laura Bari.
Presentada en los festivales de Mar de Plata, Montreal y Zurich, Primas oscila entre la realidad y la ficción: Laura Bari, la directora, narra la historia de vida de Rocío y Aldana, sus sobrinas, dos adolescentes que buscan sosiego para las heridas de su infancia. En Primas, las fuerzas protagónicas se valen de un viaje que va de punta a punta del continente americano para encontrar otras maneras de sanar: la danza, el teatro, las artes visuales y el circo, elementos redentores de esta historia.
Siglo XX
The Twentieth Century · Canadá · 2019 · 90 min. · Color D: Matthew Rankin.
La opera prima de Matthew Rankin reinventa los años formativos del ex primer ministro canadiense William Lyon Mackenzie King. Con una estética que recuerda al alucinante cine de Guy Maddin, el filme sigue a un joven que lidia con enredos románticos que lo llevan a una obsesión fetichista, además de enfrentarse con las expectativas de su soberbia madre y las fantasías de un general tiránico. El resultado es una parodia fantasmagórica sobre la identidad nacional canadiense y las figuras que la inspiraron.
cineteca nacional méxico
Hacia el norte de Quebec, después de la Segunda Guerra Mundial, una joven inuk es violada por un soldado norteamericano en una base militar. Tiempo después de aquel infortunio nace un bebé de ojos azules y cabello rubio, rasgos que provocan un profundo dolor en su madre. En el marco del nacimiento de un nuevo mundo, El río sin descanso, segunda ficción de Marie-Hélène Cousineau, recoge un relato que expone el proceso de mutación de una joven violentada para convertirse en una inquebrantable mujer.
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villa nueva
CICLOS
Ville neuve · Canadá · 2018 · 76 min. · Animación en B/N D: Félix Dufour-Laperrière.
febrerO · 2020
Es verano en la costa atlántica de Quebec. Joseph se muda a casa de un amigo situada junto al mar. Él convence a Emma, su exesposa, de que lo acompañe. Mientras la campaña de referéndum en 1995 sobre la independencia de Quebec está prosperando, estos amantes se reencuentran y se enamoran nuevamente. ¿Se separarán una vez más? Con una animación en claroscuros marcada por tintes poéticos, Ville neuve sigue el frágil proceso de redención de un hombre en una región que podría amanecer independiente.
los días de gran oscuridad
La grande noirceur · Canadá · 2018 · 95 min. · Color D: Maxime Giroux.
El quebequense Philippe es un aspirante a actor atrapado en un estado del suroeste estadounidense sin nombre. En ese sitio, se ve obligado a lidiar con la pobreza, el colapso del orden moral y la persecución, todo eso provocado por una guerra en curso esbozada por un líder invisible cuyos discursos promocionan el éxito a toda costa. Este filme es una alegoría siniestra e inquietante sobre nuestros tiempos a partir de los pasos de un hombre que navega entre la miseria y una temible máquina propagandística.
desde los techos de la habana
Sur les toits Havane · Canadá · 2019 · 80 min. · Color D: Pedro Ruiz.
Ubicada en lo alto de una zona en ruinas de La Habana, existe una aldea secreta escondida del ajetreo y bullicio que dominan las calles de la capital cubana. Estas improvisadas casas albergan a personas que, al igual que muchos otros residentes del centro de la ciudad, se vieron obligadas a refugiarse en las alturas ante la escasez crónica de viviendas. Desde su barrio, este documental sigue a los testigos de una sociedad en plena transformación histórica tras más de 60 años de revolución.
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CICLOS
RENAU, CINEASTA
febrerO · 2020
18, 19 y 20 DE FEBRERO
El Centro Cultural de España en México, en colaboración con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, presenta la primera retrospectiva de la producción cinematográfica realizada por Josep Renau en el exilio. Inédita hasta hoy en su mayor parte, ha sido recuperada tras una larga investigación en archivos audiovisuales alemanes y mexicanos. La obra fílmica de Renau concentra las poéticas del exilio español, la síntesis entre artes visuales e información en una nueva forma de noticiario y el intento de pensar el dibujo como un medio de masas. Pocas personalidades han sido más relevantes para las vanguardias históricas y las derivas de la cultura española del siglo XX que Josep Renau (1907-1982), autor clave en todos los campos en que desarrolló su acción, como artista, teórico y gestor. Sin embargo, es prácticamente desconocida su producción cinematográfica, que llega a ser paradigmática durante su exilio. Si bien es indudable su vinculación con el cine como cartelista e importador del fotomontaje en España, su relación va más allá. La producción cinematográfica de Josep Renau ha aparecido siempre como una
curiosa nota al pie en los estudios que se le han dedicado. Por ello, y porque no terminó algunas obras y otras desaparecieron, en la actualidad sigue siendo difícil establecer una filmografía razonada de este autor. Pero las pocas películas suyas que nos han llegado constituyen, al igual que su obra gráfica, un crisol de sus preocupaciones políticas, éticas y estéticas, al que conviene prestar atención. En México (1939-1958), Renau contribuyó a la poderosa industria audiovisual del país con obras anónimas y fragmentadas sobre las vanguardias históricas y la influencia del cine y la fotografía en la transformación de las artes plásticas. Curaduría: Luis E. Parés y Chema González, quienes presentan el ciclo. Agradecimientos: Cineteca Nacional, Deutsches RundFunkarchiv (DRA), Radiotelevisión Española (RTVE), TV Azteca.
cicloS
Programa 1 Duración aproximada: 50 min. D: Josep Renau, Manuel Barbachano.
Duración aproximada: 39 min. D: Josep Renau.
Programa 3 Duración: 78 min. D: Eva Vizcarra, Rafael Casañ.
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Este programa incluye películas realizadas por Renau en México, además de cortometrajes que dirigió en Alemania. Su vida en el exilio mexicano es relatada por Manuel Barbachano en Nuevos timbres (1953) a partir de su participación en un concurso para renovar la imagen postal de la nación. Renau contribuyó a la industria audiovisual del país con aportaciones anónimas pero singulares, como es el caso de La tercera dimensión (1952-1955), único de sus reportajes gráficos mexicanos recuperado íntegramente.
Petrograd 1917 es una pieza de animación que, aunque inacabada, fue para el cineasta la obra más ambiciosa entre todos los proyectos de “filmes gráficos” que inició en Alemania del Este, en los que mezclaba las técnicas de la animación con el grafismo revolucionario de los años 20. Se proyecta también The American Way of Life (1962), un reportaje inédito de la Deutsche Fernsehfunk sobre Renau y una serie de fotomontajes en la que este explica el proceso ideológico que le llevó a confeccionar ese trabajo.
Filmada entre Valencia y Alemania, Josep Renau. El arte en peligro, conduce al espectador por las calles del Cabañal, paisaje de la infancia del multifacético artista, para luego viajar hasta la extinta República Democrática Alemana y contemplar los monumentales murales que realizó a comienzos de 1970 y que todavía se conservan en la ciudad de Halle-Neustandt. La película ahonda en la contradicción vital de un Renau que siempre buscó la revolución aun a costa de no aceptar sus desengaños.
cineteca nacional méxico
Programa 2
renau, CINEASTA
homenaje a JAIME HUMBERTO HERMOSILLO
febrerO · 2020
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Jaime Humberto Hermosillo filmando
CICLOS
cicloS
homenaje a JAIME HUMBERTO HERMOSILLO
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Jaime Humberto Hermosillo y su cine son uno mismo cineteca nacional méxico
Texto publicado a propósito de la entrega de la Medalla Salvador Toscano. Cineteca Nacional, 2012
homenaje a JAIME HUMBERTO HERMOSILLO
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CICLOS
María de mi corazón · 1979
Jaime Humberto Hermosillo y su cine son uno mismo. A lo largo de una trayectoria profesional que ha recorrido más de cuatro décadas, Hermosillo ha conseguido crear uno de los universos fílmicos de mayor solidez dentro de la filmografía mexicana gracias a la constancia con la cual, como cineasta, ha sabido sortear los devenires históricos de nuestro cine para siempre estar presente, desde la industria o la trinchera de la producción independiente. El hecho es que Jaime Humberto Hermosillo ha trascendido el tiempo y el espacio para ser siempre tanto una voz crítica como un ejemplo de tenacidad. La pasión de Hermosillo comenzó en su natal Aguascalientes, cuando se escapa de la escuela para correr al cine Rex y disfrutar de los seriales de Flash Gordon, de los westerns de John Ford y Howard Hawks, o bien, del colorido mundo de ensueño planteado por los musicales de Vincente Minnelli. Así, entre Cantando bajo la lluvia (1952) y el melodrama clásico, Jaime Humberto Hermosillo cursó la carrera de Contaduría Privada en la Academia Comercial Llamas. Mientras la Nouvelle Vague francesa cambiaba para siempre la forma en que se hacía y entendía el cine, Hermosillo abandonó el nido para emigrar a la Ciudad de México. Trabajando como contador en Lindavista, a través de la escritura encontró la forma de relacionarse con el mundo del cine justo antes de integrarse al primer curso del recién nacido CUEC de la UNAM.
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cicloS
Jaime Humberto Hermosillo
cineteca nacional méxico
Isela Vega en Las apariencias engañan · 1977
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homenaje a JAIME HUMBERTO HERMOSILLO
Hermosillo en la filmación de Doña Herinda y su hijo · 1984
cineteca nacional méxico
Matinée · 1976
Pero Jaime Humberto Hermosillo se parece mucho a ese niño aventurero de Matinée (1976), que prefería recorrer el mundo antes que quedarse para siempre anclado en el confort de lo establecido. Después de tres años en el CUEC y sus primeros cortos realizados, Hermosillo se aventura en la realización de lo que sería su primer filme, Los nuestros (1969). Fue la primera piedra de su universo fílmico, que se asienta en un retrato demoledor de los peores vicios privados y virtudes públicas de la clase media mexicana, institución a la que, desde la perspectiva del cineasta, sólo le queda desmoronarse a través de una ruptura de su rancio orden establecido. Lo mejor del caso es que, desde Los nuestros, hasta Juventud (2010), las cosas no han cambiado. La explosión de esas barreras emocionales, de los prejuicios clasemedieros, de la hipocresía, de la asfixiante represión social (sea urbana o provinciana), aún está por llegar. Jaime Humberto Hermosillo formó parte de la generación de directores del cine mexicano que en los años 70 significó un intenso cambió formal y temático para una industria fílmica funcional pero anquilosada en sus propuestas. A la par que Arturo Ripstein, Jorge Fons, Felipe Cazals y Paul Leduc, entre otros, Hermosillo sorprendió con obras como La pasión según Berenice (1975) o Naufragio (1977). Cuando vino el fin de esa época, a causa de un progresivo desmantelamiento del cine de producción estatal, Hermosillo encontró en el cine independiente y la producción en cooperativa su válvula de escape. Las apariencias engañan (1977) y María de mi corazón (1979), se realizaron en este esquema. Modelo de producción que ha sido, si no el óptimo, sí el que más le ha funcionado al cineasta para expresarse sin más barrera que la de su imaginación.
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febrerO · 2020
Fundador de la Muestra de Cine Mexicano en Guadalajara, que ahora es uno de los festivales más importantes de Iberoamérica, Jaime Humberto Hermosillo es la prueba viviente de que un autor no necesariamente entra en el callejón sin salida de la repetición filmando la misma película una y otra vez. Todas sus cintas resultan distintas entre sí. Pueden ser en un plano único como Intimidades en un cuarto de baño (1989), comedias como Doña Herlinda y su hijo (1984), evocaciones fantasmagóricas como eXXXorcismos (2002) o monólogos fílmicos como El más espantoso infierno (2010). Lo que las une es la pasión de su creador por hacer de las imágenes en movimiento un lienzo único para exponer su visión del mundo y tratar de cambiarlo. Actividad académica y experimentación La actividad académica de Jaime Humberto Hermosillo ha sido casi tan intensa como su quehacer fílmico. Algunas generaciones del Centro Universitario de Estudios Cinematográficos y el Centro de Capacitación Cinematográfica disfrutaron de su cátedra, mientras que en Guadalajara fue una pieza clave para la creación del Centro de Cine y Crítica de Occidente de dicha ciudad, impartiendo también cátedra en el Centro de Enseñanza Cinematográfica del Centro de Investigación y Estudios Cinematográficos de la Universidad de Guadalajara. Como resultado de algunos talleres de realización que Hermosillo impartió en Jalisco y Aguascalientes nacieron películas como Doña Herlinda y su hijo y Juventud (2010). Cineasta notable por su afán de experimentación que lo ha llevado a filmar en 16 mm, video profesional y formatos digitales, eXXXorcismos fue la primera película digital en ser proyectada en el marco de la Muestra Internacional de Cine de la Cineteca Nacional.
Doña Herlinda y su hijo · 1984
homenaje a JAIME HUMBERTO HERMOSILLO
febrerO · 2020
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La pasión según Berenice · 1976
CICLOS
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homenaje a JAIME HUMBERTO HERMOSILLO
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HERMOSILLO: PASIÓN POR LA LIBERTAD cineteca nacional méxico
Extractos de un ensayo de Francisco Sánchez Hermosillo: Pasión por la libertad Cineteca Nacional, Ciudad de México, 1989
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CICLOS
febrerO · 2020
Jaime Humberto Hermosillo
Desde que la escogió para el título de su pieza maestra prima, hay una palabra que gravita sobre la obra de Jaime Humberto Hermosillo. Esa palabra es pasión. Pasión es entrega sin cortapisas, entrega al amor, al arte, a la vida. Pasión es hacer cine como lo hace Hermosillo: como un arrebato, como la urgencia de una droga, como el fin justificante de la existencia al que conducen no sólo el cerebro, sino todos los órganos del cuerpo. Hermosillo rechaza en su fuero íntimo las normas del establecimiento y un mecanismo hecho de hipocresía y enajenación. Dice no para reafirmar los sueños de su propia concepción del espectador humano. Todo no entraña un sí y en el caso del cineasta ese sí es contestatario: no acepta a la sociedad para poder salvar al individuo. Ética de la transgresión El héroe o antihéroe de las películas de Hermosillo suele ser un transgresor de las leyes o tabúes de la moral imperante. Por lo general, a ese contraventor se le suele enfrentar a un rotundo (es decir, cuadrado) representante de las buenas conciencias. Hermosillo se las arregla para que este último quede mal parado. En Los nuestros, su primer largometraje (1969), la madre es una asesina con escrúpulos religiosos. Mata para que su hija se quede con el hombre que ama, pero luego se enoja porque la pareja vive en el pecado. De contradicciones así se ha ido configurando el universo fílmico del realizador, pero la regla general es que haya una transgresión.
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homenaje a JAIME HUMBERTO HERMOSILLO
La pasión según Berenice · 1976
Matinée · 1976
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febrerO · 2020
homenaje a JAIME HUMBERTO HERMOSILLO
Naufragio · 1977
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En el mundo normal, los héroes de Hermosillo se saben fuera de lugar. No sólo porque en ellos alienten sueños, deseos y pensamientos en desacuerdo con los formularios de la decencia y lo bien visto, sino también porque se saben dueños de defectos físicos. Berenice oculta la cicatriz de una quemadura en el rostro con un mechón de su cabellera. Los personajes de Hermosillo se saben freaks. Son lisiados o tullidos o enfermos. El esperado hijo marinero de Naufragio es manco y la hermosa heroína de Las apariencias engañan es hermafrodita. Tirando de ese hilo, a través de la filmografía de Hermosillo se llega a una conclusión no por paradójica menos estremecedora: en el mundo de la normalidad todos son (somos) anormales. El sexo como disidencia
Jaime Humberto Hermosillo en el rodaje de La tarea · 1990
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Otra forma de transgresión es la sexual. El erotismo es mal visto por la respetabilidad. En los filmes del autor de Las apariencias engañan los personajes con frecuencia transgreden las normas de la decencia conyugal, las que tienen que ver con la hipocresía generalizada. Fornicar, que es la cosa más ordinaria del mundo, es visto por la sociedad como delito o como pecado. Hay que conseguir, para hacerlo, autorización formal del Estado y la Iglesia. Si en la vida real la mayoría no toma esto en serio (aunque haga todo lo posible por simular hacerlo), Hermosillo menos se lo toma (y no se molesta en simularlo ni nada por el estilo). Sus películas están así llenas de fornicaciones.
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Doña Herlinda
Del amor llamado natural, Hermosillo pasa a las prácticas llamadas contranatura. Es en el cine mexicano no sólo el pionero sino el principal representante del cine gay. Si en el mundo de la normalidad nadie aparece como normal, en el ámbito del sexo resulta para Hermosillo exactamente lo contrario: nada es anormal. Razón no le falta, si se ven bien las cosas, pues si la homosexualidad masculina y femenina es un hecho que surge espontáneamente de la naturaleza, ¿cómo puede ser entonces considerado como antinatural? Sin embargo –bien lo sabemos–, la sociedad no lo ve así. Los prejuicios pesan demasiado. Para llegar a la exposición totalmente abierta sobre el amor homosexual, Hermosillo tuvo que ir abriendo brecha poco a poco, ganándole un tramo a la censura en cada tentativa. Primero fue en El cumpleaños del perro, en 1974. La atracción homosexual entre el hombre maduro y el hombre joven está sólo sugerida. En 1976, Hermosillo ya pudo ir más allá. Filmó una película en la que dos personajes masculinos adultos no disimulaban demasiado su relación homosexual. Hablo de Matinée. Dos años después, a través de un filme independiente realizado en 16 milímetros, Las apariencias engañan, definió ya con claridad las características homosexuales de sus personajes y presentó en imágenes la sodomización de un jactancioso macho mexicano por medio de un símbolo sexual femenino –Isela Vega. Hermosillo realizaría en 1984 no sólo una de sus comedias más disfrutables, sino también la película homosexual más franca y contundente realizada hasta el momento dentro del marco del cine nacional: Doña Herlinda y su hijo. Basada en un relato de Jorge López Páez, la cinta se inicia con el encuentro impetuoso de dos varones bien bragados que se dan un fogoso y apasionado beso. En Doña Herlinda y su hijo se muestra ya sin complejos el por demás estético espectáculo de los desnudos cuerpos masculinos entrelazados. Amor libre, amor en libertad, los transgresores eróticos en el cine de Hermosillo han ido alcanzando el derecho de decir el verdadero nombre de su pasión.
y su hijo · 1984
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Jaime Humberto Hermosillo
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LA PASIÓN SEGÚN HERMOSILLO cineteca nacional méxico
José Antonio Valdés Peña Ciudad de México, 20 de enero de 2020
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Naufragio · 1977
El lunes 13 de enero de 2020, a tan sólo unos días de su cumpleaños número 78, el corazón de Jaime Humberto Hermosillo dejó de latir. Conforme se confirmó su deceso comenzaron los obituarios por escrito, las condolencias y el sentir expreso de los amigos en las redes sociales, el paño de lágrimas colectivo de nuestra actualidad. Horas después iniciaban los homenajes, la proyección en televisión de algunas de sus películas más importantes, la planeación de retrospectivas, las declaraciones de sus amigos cercanos. Mientras tanto, el hueco en el corazón se iba ensanchando. Comenzaba a sentirse la ausencia. Quedaban huérfanas la apasionada provinciana Berenice, quien a través del fuego resucitaba a una libertad desconocida, acompañada por Adriana/Adrián, la subyugante hermafrodita de engañosas apariencias, o Amparito, que espera a su hijo marinero, mitificado por ella misma. Hermosillo fue una pieza importante de la generación de cineastas surgidos a principios de los años 70 en el marco de una reestructuración de la industria fílmica que introdujo a varios jóvenes realizadores a sus filas. En un contexto de apertura cinematográfica, de abolición de la censura y bajo esquemas de una libertad creativa total, Jaime Humberto Hermosillo fue entrelazando relatos, personajes y un estilo personal para conformar su universo propio.
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Jaime Humberto Hermosillo filmando Clandestino destino · 1987 Matinée · 1976
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La pasión según Berenice · 1976
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homenaje a JAIME HUMBERTO HERMOSILLO
La tarea · 1990
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Ese universo lo conforman, a manera de contexto, una clase media mexicana, urbana y provinciana, medianamente educada y que se vale de sus usos y costumbres sociales para controlar a los individuos que la conforman. Una estrategia que genera una tensión emocional insoportable que no tarda en provocar tragedias emocionales y estallidos físicos. Sobre este lienzo, Hermosillo despliega a sus criaturas, mujeres y hombres asfixiados por esa misma represión. Se trata de seres que ansían la libertad ante la incapacidad de expresar quienes son en realidad, rechazando las máscaras que su entorno desea imponerles. El cine de Jaime Humberto Hermosillo encuentra la libertad casi siempre por medio de la transgresión erótica o la libre expresión de las preferencias sexuales. El del cineasta es un sexo gozoso, festivo, que respira libertad, que no se vive sólo en la imaginación, como en Las apariencias engañan (1977). Mientras que a la protagonista de La pasión según Berenice (1975), una pasión amorosa en la cual uno de los amantes rechaza cualquier atadura emocional, termina por liberarla a través del fuego purificador. Los hombres protagonistas de El cumpleaños del perro (1974) eliminaban todo obstáculo para una vida en común, mientras que los amantes de Doña Herlinda y su hijo (1984) encontraban en la mentira socialmente aceptada una posibilidad para continuar con su relación homosexual. Otros de sus personajes anhelan, imaginan, sueñan o añoran emociones ya pasadas o porvenires nebulosos. Mitifican ausencias o ven la magia desvanecerse ante la realidad. Algo que les ocurre a las protagonistas de Naufragio (1977) y María de mi corazón (1979). No podemos olvidar el amor filial oculto tras los amantes de La tarea prohibida (1992). Mientras que la evocación del ser amado fusiona a la muerte y el erotismo en eXXXorcismos (2002).
Foto: Patricia Talancón / Cineteca Nacional
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Jaime Humberto Hermosillo
Con la muerte de Jaime Humberto también parte uno de los cineastas que más experimentaron con las posibilidades del cine en el marco de nuestro cine. Del 16 mm del cine independiente al 35 mm industrial y de ahí a las infinitas virtudes que Hermosillo encontró en los formatos digitales, del MiniDV al cine hecho en celular y en la sala de su casa. Como director, siempre encontró el formato ideal para cada una de sus historias; cada textura de ellas se lo indicaba. También era un enamorado de la forma en la cual el cine retrataba el tiempo, jugando con atrevidos planos secuencia o con el reto de la toma ininterrumpida en Intimidades en un cuarto de baño (1989) y en La tarea (1990). Ambas cintas, realizadas en celuloide y con la necesidad de cortar en el cambio de rollo, fueron ensayos de lo que Hermosillo pudo expresar a sus anchas en su odisea digital, con la posibilidad de mantener una misma toma de forma ininterrumpida, dejando fluir así emociones y grandes momentos de cine puro que invitan al espectador a mirar el mundo de una forma distinta. Jaime Humberto Hermosillo y su cine eran un mismo. Como le pasaba a su admirado François Truffaut. Oscilando entre la tragedia y la comedia, sus emociones, su visión del mundo, sus luces y oscuridades, estaban siempre presentes. El admirador de los dramas familiares de Eugene O’Neill, el discípulo asumido de Alfred Hitchcock, Max Ophüls, Howard Hawks y Luchino Visconti, con quien tuve la fortuna de compartir la calidez de su hogar en compañía de grandes amigos y siempre alrededor del cine, vivió sus últimos días como a él le gustaba: compartiendo su sabiduría y provocando en jóvenes cineastas nuevas pasiones. Su cine vivirá por siempre. Pero ya no habrá más películas de Jaime Humberto Hermosillo.
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CICLOS
HOMENAJE A
JAIME HUMBERTO
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HERMOSILLO
Naufragio · 1977
A PARTIR DEL 6 ___ FEBRERO
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La pasión según Berenice
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México · 1976 · 100 min. · Color D: Jaime Humberto Hermosillo.
En Aguascalientes, la enigmática y atractiva viuda Berenice vive con su anciana madrina Josefina, dedicada a la usura. La llegada de Rodrigo, el hijo del fallecido médico de cabecera de la anciana, quien es cautivado por la misteriosa personalidad de Berenice, dará inicio a un complicado juego de pasiones. Esta película consolidó la carrera de Jaime Humberto Hermosillo, siendo una de sus obras más logradas al contener todos los temas que a él le interesaban en una historia a la vez realista y poética.
Matinée
México · 1976 · 90 min. · Color D: Jaime Humberto Hermosillo.
Naufragio
México · 1977 · 100 min. · Color D: Jaime Humberto Hermosillo.
Doña Amparito anhela el regreso de su hijo Miguel Ángel, quien se enroló en la marina años atrás para conocer el mundo. La obsesión de su recuerdo ha contagiado a Leticia, una joven que le renta un cuarto y que comienza a enamorarse del hombre ausente a través de lo que la señora le cuenta. El séptimo largometraje de Jaime Humberto Hermosillo, ganador de cinco premios Ariel incluyendo el de mejor película, aborda el peso de los recuerdos y la manera en que se anclan a la vida de las personas.
María de mi corazón
México · 1979 · 120 min. · Color D: Jaime Humberto Hermosillo.
Película fundamental del cine independiente mexicano de los 80, María de mi corazón narra las desventuras de un joven ladrón que se reencuentra con su amante, una bella maga que busca a un asistente. Después de que su camioneta se descompone en la carretera, ella terminará recluida en un hospital psiquiátrico donde los cuidadores la creen enferma. Con la participación de Gabriel García Márquez en el guion, esta película de Jaime Humberto Hermosillo fue restaurada por la Cineteca Nacional.
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Jorge y Aarón, dos niños de Aguascalientes que suelen faltar a clases para ir al cine, son secuestrados por unos ladrones cuando viajan en un camión. Al desintegrarse la banda, ambos comienzan a participar en los atracos hasta que la aventura se convierte en algo más peligroso. Advirtiéndose ya el espíritu libertario que marcaría su obra posterior, Hermosillo combina los géneros de aventuras y el thriller en una historia donde los niños juegan a ser adultos y los adultos juegan a ser niños.
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homenaje a JAIME HUMBERTO HERMOSILLO
Doña Herlinda y su hijo
CICLOS
México · 1984 · 90 min. · Color D: Jaime Humberto Hermosillo.
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Doña Herlinda, una viuda adinerada que vive en Guadalajara, finge no estar enterada del romance de su hijo Rodolfo con Ramón, un joven estudiante de música. Cuando ella invita a Ramón a vivir en su casa, la situación se complica con el matrimonio de conveniencia de Rodolfo con Olga. En una de sus cintas más audaces y polémicas, Jaime Humberto Hermosillo plantea con agudo humorismo algunas de sus preocupaciones temáticas: la familia, la figura de la madre permisiva y la diversidad sexual.
La tarea
México · 1990 · 85 min. · Color D: Jaime Humberto Hermosillo.
Virginia espera la visita de su exesposo Marcelo, a quien no ha visto en cuatro años. Mientras arregla los últimos detalles para recibirlo, esconde estratégicamente una cámara de video encendida. Además de pasar una velada amorosa, Marcelo ayudará a Virginia a cumplir con una tarea de su escuela de cine. Considerada como una de las películas mexicanas más controvertidas de principios de los 90, La tarea se sitúa en un espacio cerrado al interior de una sola habitación, donde se desarrolla toda la acción.
De noche vienes, Esmeralda
México · 1997 · 103 min. · Color D: Jaime Humberto Hermosillo.
Adaptación de un relato de Elena Poniatowska que cuenta la historia de Esmeralda, una encantadora enfermera que es arrestada cuando su pareja actual la acusa de adulterio. Interrogada por el licenciado Solorio, la mujer confiesa sonrientemente no sólo uno, sino cinco matrimonios. Las cándidas revelaciones de la acusada indignan primero al oficial, quien no puede creer tanto cinismo. Sin embargo, los esposos de Esmeralda terminan convenciéndolo de que la polígama es una verdadera alma de Dios.
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ESTRENOS
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Los miserables¡ 2019
cineteca nacional mĂŠxico
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1917
D: Sam Mendes. 2020 · 119 min. · Color Reino UnidoEstados Unidos Dist: Universal Pictures.
Extractos de un texto de Carlos Boyero El País ene. 12, 2020 Madrid
De la guerra en las trincheras durante la Primera Guerra Mundial es inolvidable la imagen de Kirk Douglas utilizando su silbato para ordenar el ataque o el repliegue. Esto ocurría en La patrulla infernal [1957]. Sam Mendes, ese director tan inteligente que se mueve con soltura y brillantez en géneros variados (llevan su firma Belleza americana [1999] y 007: Operación Skyfall [2002]), retorna en 1917 a la trágica época y las angustiosas trincheras que retrató Kubrick. Pero si éste se sirvió de aquella guerra para describir la ignominia de los jefes militares del ejército francés ejecutando a varios de sus inocentes soldados a los que acusan de cobardía y traición, Sam Mendes narra el heroico calvario de dos tipos muy jóvenes del ejército inglés con una misión que puede ser suicida, la de abandonar las trincheras y salir a campo abierto para avisar a los suyos que los alemanes han fingido una retirada, han montado una trampa para masacrarles. Es una misión con escasas posibilidades de supervivencia para dos hombres responsables y asustados, pero con un motivo inapelable para uno de ellos, ya que su hermano se encuentra entre los que han sufrido el engaño. Sam Mendes, para transmitir esta historia de miedo, de incertidumbre, de monstruos que acechan en la luz o en la sombra a los dos involuntarios aventureros, de barro y mugre, de desfallecimiento y supervivencia, ha inventado un impresionante lenguaje con la cámara. Hay una sensación de que las dos horas de metraje se desarrollan en un solo plano. No se perciben los cortes. Y este ejercicio estilístico nunca es gratuito. No pretende el exhibicionismo. Es la forma de hacernos cómplices de todos los sentimientos que asaltan a los protagonistas en paisajes que a veces parecen surreales, con el tono de las pesadillas.
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Judy
D: Rupert Goold. 2019 · 118 min. · Color Reino Unido Dist: Cinépolis Distribución.
Extractos de un texto de Luis Martínez El Mundo sept. 9, 2019 Toronto
De tanto en tanto un actor se confunde con su personaje hasta convertir la pantalla en algo así como un ejercicio de expiación. O un simple espejo. Renée Zellweger da vida a Judy Garland y, por un momento, cuesta distinguir dónde acaba la actriz y dónde empieza el personaje. Todo es uno o, mejor, una. La gracia no es tanto la imitación de cada gesto como la apropiación de todos ellos. Judy, sobre el texto teatral firmado por Tom Edge, cuenta el último año en la vida de la que fuera niña prodigio esclavizada por la Metro. Estamos en 1969, completamente arruinada, Garland acepta la invitación de cantar en Londres. El viaje supone la separación de sus hijos y la aceptación de una forma de vida con el fracaso como algo más que una mera posibilidad. De por medio, alcohol, drogas y soledad. Es decir, la paleta perfecta para crear abismos. Sin renunciar al trazo miserabilista, la película es la historia de una mujer maltratada desde prácticamente el nacimiento por la obligación del éxito. Hablamos de una industria y una sociedad como mínimo hostil. Eso, o simplemente machista. Y luego está la propia Zellweger. Su trabajo consiste en inventarse una Garland sin imitar más de la cuenta. Lo que emerge de la pantalla se acerca bastante a un manifiesto feminista en la era que viene después del #MeToo. La pelea tanto de una actriz, en el presente, como de la otra, en el pasado, tiene por objetivo reivindicarse al margen de las normas de un Hollywood pensado por hombres y contra una sociedad en permanente linchamiento. Y ahí, la nueva Renée hace suyas cada una de las heridas de Garland. Casi al final, Zellweger canta “Over the Rainbow”. La canción en la piel y la garganta de una nueva intérprete adquiere un nuevo tacto, casi revolucionario. Y ahí gana la película: antes venganza que expiación.
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Mujercitas
D: Greta Gerwig. Little Women 2019 · 135 min. · Color Estados Unidos Dist: Sony Pictures.
Extractos de un texto de Elsa Fernández-Santos El País dic. 27, 2019 Madrid
Greta Gerwig le ha escrito una carta de amor a Louisa May Alcott y a su célebre novela de iniciación Mujercitas, pero en realidad se la ha escrito a sí misma. La actriz y cineasta vuelve a recurrir a su álter ego en la pantalla, la actriz Saoirse Ronan, para interpretar a Jo March, a su vez álter ego de la escritora estadounidense y arquetipo de mujer inconformista y libre. El resultado es una película encantadora y feliz, en la que destaca una luminosa Ronan. Existen al menos tres adaptaciones anteriores en cine de la famosa obra que Alcott publicó en 1868. Gerwig se desmarca de sus predecesoras empezando su historia donde las demás acaban, es decir, por la definitiva conversión de Jo March en novelista. A partir de ahí, la película se construye dando paso intermitente a su memoria: la nostalgia familiar de una mujer que descubre que lo doméstico también es un poderoso material literario. Pese a su melaza y anacronismos, Mujercitas sigue siendo una novela de enorme relevancia. Gerwig actualiza, sin embargo, su mensaje feminista echando mano de la biografía de la propia Louisa May Alcott. Incómoda con la fijación de los personajes femeninos con el matrimonio, se las ingenia para introducir sus reservas a una convención social tan rancia que Alcott (criada en un entorno de filósofos y pedagogos del siglo XIX que alimentaron su personalidad rebelde) la rechazó sin reparos en vida. Además, refresca a un personaje que siempre fue retratado como némesis de Jo, su hermana Amy. Interpretado ahora por Florence Pugh, el personaje reivindica su perfil contemporáneo: la coquetería, la feminidad y la cursilería no son ofensivas. No sólo no hace falta comportarse como un hombre para parecer lista e insumisa, sino que copiar sus patrones resulta más trasnochado que nunca.
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la cueva
D: Feras Fayyad. The Cave 2019 · 107 min. · Color Siria-Dinamarca-AlemaniaCatar-Estados Unidos Dist: Alameda Films.
Extractos de un texto de Ben Kenigsberg The New York Times oct. 17, 2019 Nueva York Traducción Edgar Aldape Morales
Estrenándose en los cines en el momento oportuno, La cueva es una inmersión aterradora en la vida bajo asedio en Siria, y pese a lo difícil que es ver la película, no puede acercarse a replicar lo terrible que debe haber sido filmar. El escenario del documental del realizador nacido en Siria, Feras Fayyad (conocido por Los últimos hombres en Alepo [2017]), es un hospital subterráneo a las afueras de Damasco, conectado con el mundo exterior por túneles y sótanos que funcionan como refugio. Con el sitio difícil de alcanzar, Fayyad dirigió remotamente gran parte del documental, confiando en tres cinefotógrafos. El hospital es manejado por la doctora Amani Ballour, una pediatra que, en una cultura ferozmente patriarcal, debe lidiar con el escepticismo de los hombres cuando no está atendiendo las lesiones de los niños. Mientras tanto, el doctor Salim Namour, uno de sus colegas, prepara su iPhone con música clásica antes de operar –un detalle sombrío–; y Samaher, una enfermera que también cocina, opina que incluso hacer arroz se ha vuelto peligroso: «Cada vez que hay una bomba, corro hacia el otro lado. Eso es parte de la cocina», dice. La comida es escasa y la desnutrición es rampante, aunque hay palomitas de maíz para el cumpleaños de la doctora Ballour. La cueva es un documental, pero los estruendos de los aviones de combate y las bombas podrían hacer que se asemeje a una superproducción. A medida que la medicina se acaba, sin embargo, o el hospital se apresura con las víctimas de un ataque químico (los médicos deben usar máscaras y desechar la ropa de los pacientes), el espacio se siente cada vez más claustrofóbico. No hay final de juego aquí; los médicos sólo pueden hacer lo mejor que puedan mientras la situación empeora.
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La tercera esposa
D: Ashleigh Mayfair. The Third Wife 2018 · 96 min. · Color Vietnam Dist: Alfhaville Cinema.
Extractos de un texto de Javier Ocaña El País ene. 11, 2019
estreno
Pocas cosas con más fortaleza que el sexo, inabarcable e inexplicable, incluso por encima de los convencionalismos y de las normas, cuando la atracción mutua es insuperable. Pocas cosas más repugnantes que el sexo, cuando viene dado por la violencia, por la obligatoriedad, por una especie de contrato social donde una de las partes domina. En el Vietnam de finales del siglo XIX un rico terrateniente se agencia su tercera esposa, una cría de 14 años. Y, en su primera película como directora, Ashleigh Mayfair lo narra con rotundidad y con delicadeza, belleza y crueldad. Por la semejanza en la trama y en el exotismo, nos retrotrae hasta La linterna roja (1991), soberbia película de Zhang Yimou. Aquella, sobre una cuarta esposa, en China, y unos años después, en la década de los años 20. Sin embargo, en su estilo, Mayfair parece más influida por su compatriota Tran Anh Hung y otra producción de la misma época de la de Yimou: El olor de la papaya verde (1993). Como en ésta, hay en La tercera esposa una quebradiza fisicidad, un gusto por el detalle de los cuerpos y de las pieles, de los elementos de la naturaleza. Mayfair entra con silenciador, pero con contundencia en los oscuros meandros de la familia. En los ritos medievales con los sirvientes. En las rencillas entre las mujeres, que suceden a la camaradería inicial. En una endogamia que los hace relacionarse de una manera especial, enfermiza desde fuera, naturalísima desde dentro, lo que nos hace pensar en otras películas de semejante atrevimiento, aunque con distinto tono: El castillo de la pureza (Arturo Ripstein, 1972) y Canino (Yorgos Lanthimos, 2009). Lo esencial es que la película es dulce y dolorosa, hermosa y salvaje. Y con un retrato de la soledad en la maternidad. O, al menos, de cierta maternidad.
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Diego Maradona
D: Asif Kapadia. 2019 · 130 min. Color y B/N Reino Unido Dist: Kino Bureau.
Extractos de un texto de Javier Ocaña El País jul. 12, 2019 Madrid
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Ya sea como director o productor, el británico Asif Kapadia se ha ido especializando en una suerte de documental marcado por unas señas de identidad constantes: personajes polémicos de fuerte calado popular, de los que existe una amplia documentación; energía sonora y visual, ritmo vertiginoso en la narrativa y el montaje; y ausencia de voz en off explicativa y de bustos parlantes que, en retrospectiva, analicen cada una de las figuras desde el presente de la propia película. Senna (2010) se centró en el piloto de fórmula 1 Ayrton Senna; Amy (2015), sobre la cantante Amy Winehouse; ahora Diego Maradona gira en torno al mítico futbolista argentino, poco menos que un dios en su país y en Nápoles, justo la época en la que Kapadia ha decidido centrarse tras pasar superficialmente en los minutos iniciales por su etapa en Argentinos y Boca Juniors, además del Barcelona. ¿Es su periodo más interesante? Sin duda, tanto en lo futbolístico como en lo social y lo personal. Con Maradona ocurre algo peligroso: de él ya lo hemos visto todo, en el cielo y el infierno, en lo sublime y en lo lamentable, al menos los futboleros. Diego Maradona es una especie de grandes éxitos, de reunión de genialidades y oscuridades. A los no muy futboleros les impresionarán las ambigüedades del personaje, y los más adictos al balón lo acabarán disfrutando en buena medida, aún con las dudas que pueda generar su confección formularia. Maradona es una figura trágica de libro, interesante hasta en sus aspectos más patéticos. La mitomanía alrededor de él siempre genera contradicciones apasionantes, su relación con la camorra napolitana hace que trascienda lo social, y su fútbol perdurará para siempre, aun con los prostíbulos, la degradación, la magia de su pierna izquierda, el triunfo y el ocaso.
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APARICIÓN FALLIDA
D: Antoine Bourges. Fail to Appear 2017 · 70 min. · Color Canadá Dist: Zycra Films.
Extractos de un texto de Norman Wilner NOW jun. 6, 2018 Toronto Traducción Israel Ruiz Arreola, Wachito
estreno
Aparición fallida es el debut de Antoine Bourges, quien irrumpió en la escena del nuevo cine canadiense en 2012 con su mediometraje East Hastings Pharmacy. El corto era formalmente riguroso y, dada su temática clínica, sorprendentemente conmovedor; su largometraje está construido en la misma línea. A lo largo de poco más de una hora, Aparición fallida es un drama sobre dos personas en Toronto, moviéndose en diferentes direcciones a través de un sistema que parece notablemente indiferente a cualquiera de ellos. Isolde (Deragh Campbell) es una joven trabajadora social que, por razones que nunca entendemos del todo, no tiene exacto control de su trabajo. Su mente divaga, olvida cosas. Pero ella lo está intentando, y eso se supone que es suficiente, ¿verdad? Su último cliente es Eric (Nathan Roder), un hombre problemático de unos 30 años que fue arrestado después de un intento de robo en una tienda de electrónica. No es violento, esto es algo que a Isolde se le recuerda que debe enfatizar, pero algo está mal y él tiene problemas para pasar por los tribunales. Bourges construye un simple pero efectivo paralelismo entre sus personajes: aunque ambos afirman tener el control, ninguno de ellos parece especialmente adecuado para manejar sus respectivas situaciones. Al igual que en East Hastings Pharmacy, está interesado en las formas en que las burocracias reducen a los individuos complejos a simples cuerpos físicos, requeridos para realizar tareas específicas exactamente como se prescriben, y lo que sucede cuando las personas no pueden o no quieren acatarlas. El resultado es una película muy precisa y muy simple que crea un poder sorprendente en su acumulación de detalles, y los intérpretes están perfectamente sincronizados entre sí.
estreno
Manta Ray, los espíritus ausentes
D: Phuttiphong Aroonpheng. Kraben rāhu 2018 · 105 min. · Color Tailandia-Francia-China Dist: Alfhaville Cinema.
Astrid García Oseguera Cineteca Nacional jun. 3, 2019 Ciudad de México
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Primero hay un bosque profundo, los sonidos de este hábitat envuelven el ambiente y lo convierten en un trance momentáneo, pero acentuado de ensoñación. Entre la arboleda, se asoman pequeñas luces azules y moradas que titilan. Con esto comienza la fantasía de Manta Ray, los espíritus ausentes, que transita por analogías y simbolismos en un relato de sencilla factura que permite que la cinta mantenga en cada segundo la óptica de un sueño que no es una pesadilla, pero tampoco un trance dulce. El relato lo conducen dos individuos peculiares que al conocerse forman una dupla misteriosa. El primero de ellos es un pescador que por las noches visita ese bosque de ensueño para curiosear en la fosa común que alberga el lugar –un guiño a los rohinyás, grupo étnico que al emigrar a Tailandia fueron duramente discriminados y abusados–; él conocerá al segundo personaje mientras éste yace en el suelo desangrándose. El vínculo de estos hombres nacerá cuando el pescador rescate al moribundo y le dé refugio en su solitario hogar. Esta pequeña alianza se fortalece debido a las debilidades de ambos: el pescador vive solo desde que su mujer lo abandonó, y el hombre rescatado, que es mudo, no tiene con quién sanar sus heridas. Su entrañable unión es capturada en íntimas escenas donde, aunque no puedan compartir palabras, crece una fraternidad mientras pescan lo que será su alimento del día, convirtiendo un sencillo momento en una hipnotizante secuencia que se dibuja con colores y complicidad. Manta Ray es un relato que se cuenta a través de un lenguaje onírico: nunca se manifiesta de manera explícita cuándo, dónde y por qué sucede lo que sucede, como en un sueño del cual no puedes despertar y decides entregarte a lo aleatorio.
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El día que perdí mi sombra
D: Soudade Kaadan. Yom Adaatou Zouli 2018 · 94 min. · Color Siria-Líbano-Francia-Catar Dist: 7mocine.
Israel Ruiz Arreola, Wachito Cineteca Nacional ag. 13, 2019 Ciudad de México
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Desde hace ocho años, la guerra civil en Siria ha dejado una estela de muerte y miseria por todo el país. De acuerdo con datos publicados por el Observatorio Sirio de Derechos Humanos, han muerto más de 371 000 personas desde el comienzo de las revueltas en 2011. Parece impensable que en medio de este caos pueda existir la normalidad y, sin embargo, ese es el deseo de Sana, la protagonista de El día que perdí mi sombra. La búsqueda de un tanque de gas para darle de comer a su hijo es el detonante de una forzada odisea por las afueras de Damasco, durante la cual conocerá los estragos del conflicto armado, pero también uno que otro destello de humanidad. La realizadora Soudade Kaadan ya tenía experiencia al abordar los efectos de la guerra en la población siria con su trabajo documental. Ahora, en su primer largo de ficción, continúa por la misma línea temática con un viaje dramático que lleva al espectador por un territorio atravesado por la muerte. La vena documental de la realizadora es perceptible en el registro de las imágenes y las interacciones del reparto al construirlas sobre un realismo crudo provocado no tanto por lo explícito de la violencia, sino por sus implicaciones. Por ejemplo: cavar una tumba para un futuro muerto resulta más espeluznante que cargar un cadáver. Kaadan también recurre a las metáforas visuales para acentuar el desasosiego del pueblo sirio: las sombras abandonan los cuerpos de aquellos marcados por la guerra. Podríamos interpretarlo como una especie de sentencia de muerte, de pérdida de alma… este gesto de realismo mágico también puede hacer el efecto emocional más efectivo, sobre todo tomando en cuenta que todo ocurre en un país en ruinas donde la guerra no distingue entre rebeldes, fuerzas gubernamentales o civiles. ¿Por qué habría de apiadarse de una madre?
estreno
Los miserables
D: Ladj Ly. Les misérables 2019 · 102 min. · Color Francia Dist: Diamond Films.
Extractos de un texto de Alberto Sáez Villarino El antepenúltimo mohicano may. 16, 2019 Cannes
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Todo el mundo que la haya visto recuerda el memorable comienzo de El odio [La Haine, 1995], donde el narrador cuenta un chiste sobre un hombre que cae de un edificio alto y en su descenso repite «por ahora, todo bien». Con un estilo único en su tiempo, el filme avanza a un ritmo endiablado para mostrar las revueltas de la clase proletaria contra el abuso de poder. Diez años después de su estreno, París se enfrentaría a una de las mayores revueltas sociales de la modernidad, y El odio pasó a convertirse en un filme proactivo que analizaba el lado de la juventud oprimida. Ladj Ly plantea la versión reactiva del mismo conflicto y lo sitúa desde la perspectiva del presunto opresor, una brigada antidisturbios que trata de mantener a raya a uno de los barrios más conflictivos de la capital francesa. Haciendo un uso libre y más referencial que textual, Ly se inspira simbólicamente en la novela seminal de Victor Hugo, y la convierte en un drama social posmoderno en el que los marginados sienten cómo el peso de la ley los deja desamparados a su suerte y desgracia, y así tendrán que conformar una sociedad organizada según aspectos de poder territorial y extorsión. Es evidente que su forma de agrupación en guetos y capas jerárquicas funciona hasta el punto de respetar una aparente tregua entre bandas; sin embargo, cada día se vive en un hervidero de violencia y territorialidad que, cuando estalle, quedarán dos opciones: que todo el mundo se vea implicado en una masiva batalla campal o que la multitud oprimida se coordine para gestar un terrible golpe de poder. Y ese será el acontecimiento y los preámbulos descritos por el realizador, haciendo un magnifico uso de la tensión hasta llegar al explosivo desenlace en el que no habrá contenciones de ningún tipo. El posmodernismo queda aquí vulnerado por la explicitud moderna de unas escenas finales espectaculares.
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febrerO · 2020
La balsa
D: Marcus Lindeen. The Raft 2018 · 97 min. · Color Suecia-DinamarcaAlemania-Estados Unidos Dist: Cine Tonalá Distribución.
Extractos de un texto de Gustavo E. Ramírez Cineteca Nacional jun. 3, 2019 Puebla
estreno
Parecía un experimento descabellado y de hecho lo era. Partir hacia el mar abierto con un grupo multiétnico de personas completamente desconocidas entre sí y provenientes de todo el mundo, a bordo de un pequeño barco y con el fin exclusivo de observarlos y medir su comportamiento durante varios meses. Era una proeza que sólo podía ser posible a principios de los años 70, cuando la antropología se encontraba en un periodo especialmente ávido de experimentación; y también una empresa sólo posible gracias a la obstinación –casi alucinatoria– de un tipo: el legendario antropólogo y escritor hispano-mexicano Santiago Genovés, quien a lo largo de su muy sui géneris carrera como científico social vio a la antropología como una disciplina tan particularmente poética como necesariamente brutal. En su segundo largometraje, el documentalista y artista sueco Marcus Lindeen redescubre el célebre experimento del “Acali”, como se bautizó a la embarcación que navegara 101 días cruzando el océano Atlántico de mayo a agosto de 1973, para contar el increíble relato de una de las expediciones con pretensiones científicas más peculiares de la historia moderna. Para ello, el joven director no sólo revisitó el anecdotario de dicho viaje utilizando una gran cantidad de materiales audiovisuales recabados por la propia tripulación en la década de los 70, sino que reunió por primera vez desde entonces a varios de los miembros sobrevivientes hasta hoy, quienes incluso interactúan aquí en el escenario de una réplica del pequeño barco. Con recursos escénicos que podrían recordar a otros documentales como el devastador El acto de matar (Joshua Oppenheimer, 2012), por su utilización de los medios “teatrales” como estimulantes nemotécnicos, La balsa es también un homenaje con ánimo de controversia a la figura de Santiago Genovés, un intelectual universal cuya lucidez y carisma rivalizaron con su extravagancia.
estreno
rencor tatuado
D: Julián Hernández. 2018 · 150 min. · B/N y Color México Dist: Corazón Films.
Extractos de un texto de Armond White National Review sept. 20, 2019 Nueva York Traducción Israel Ruiz Arreola, Wachito
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Al final del melodrama justiciero de Julián Hernández, Rencor tatuado, un rompecorazones masculino y una mujer andrógina se unen en un apasionado beso. La fusión simbólica de búsquedas románticas masculinas y femeninas (continuación de las películas premiadas de Hernández) no es un simple final feliz. Su extravagancia representa un triunfo personalizado sobre el crimen, el engaño, la violencia y la decadencia que se vive hoy en México. Rencor tatuado es un thriller erótico que desafía a los espectadores con un subtexto moral y político. Hernández explora nuestra pesadilla contemporánea creando su propia mitología personal: el estudiante de cine Vicente está fascinado por una serie de ataques de venganza firmados por la misteriosa La Vengadora, que tatúa un gran escorpión en los torsos de los hombres acusados de violación y luego publica las imágenes en los medios de comunicación. Las fotos de la Vengadora le recuerdan a Vicente el arte vanguardista de la feminista radical Aída Cisneros, quien presumiblemente se suicidó después de ser violentada. En esta narrativa vertiginosa, Hernández emula y aumenta la intensidad obsesiva del cine negro. La investigación de Vicente se desarrolla junto a las misiones secretas de Aída. Las imágenes procesales en blanco y negro (vistas en viejos marcos de proyección) se alternan con escenas de culpa y deseo imaginados en tonos acentuados emocionalmente, más flashbacks a todo color. La muestra caleidoscópica de Rencor tatuado de tipos bohemios, del inframundo y de los medios es una fiesta tan sensual que evoca los temperamentos problemáticos del desorden social actual. [La capacidad de Hernández] para conectar la imagen con el significado, la emoción con la política y el comportamiento con la moral es altamente sofisticada.
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febrerO · 2020
estreno
la montaña
D: Rick Alverson. The Mountain 2018 · 106 min. · Color Estados Unidos Dist: Interior XIII.
Extractos de un texto de Manu Yáñez Fotogramas ag. 30, 2018 Madrid
En The Comedy, la tercera película de Rick Alverson, un grupo de treintañeros neoyorquinos se dedicaba a pasear su indolencia por las calles de la gran urbe. Pese a la simplicidad de sus vidas, estos jóvenes arrastraban un estado de confusión moral que los llevaba a un estado de parálisis interior. En La montaña, la nueva y fascinante película de Alverson, ese malestar parece haberse extendido al conjunto de la población. Y lo interesante del caso es que la propagación de este virus de soledad y aflicción ha tenido un efecto retroactivo. La montaña se sitúa en los años 50 del siglo pasado y su historia se construye en torno a la figura (real) del polémico médico Walter Freeman, conocido por su defensa de la psicocirugía y en particular de la lobotomía. Freeman está interpretado por el siempre magnético Jeff Goldblum, que insufla al personaje un aire excéntrico y pintoresco. Sin embargo, Freeman no es el principal protagonista de La montaña. Dicha distinción le corresponde a un joven llamado Andy, al que encarna un pasmado y compungido Tye Sheridan. Tras la muerte de su padre, Andy decide acompañar al médico lobotomista con la esperanza de dar con su madre, ingresada en un sanatorio mental. Esta elemental premisa convierte La montaña en un filme itinerante y elíptico que en realidad podría definirse como una road movie estancada. Tomando la parálisis como leitmotiv temático y estético, Alverson construye toda la película con planos que tienden a la estasis. Nada se mueve en el mundo de La montaña: sanatorio tras sanatorio, lobotomía tras lobotomía, todo rasgo de voluntad, deseo, anhelo o amor es cercenado por la terrorífica técnica quirúrgica de Freeman, perfecta metáfora de un mundo que coarta el pensamiento, la sexualidad libre y todo aquello que se desmarca de la supuesta “normalidad”.
estreno
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Las olas
D: Trey Edward Shults. Waves 2019 · 130 min. · Color Estados Unidos Dist: Cine Caníbal.
Extractos de un texto de Daniel Martínez Mantilla Fotogramas sept. 12, 2019 Toronto
Tras juguetear con el cine de género en Viene de noche [2017], el cineasta Trey Edward Shults salta a las grandes ligas con un melodrama que habla de la familia, el dolor, la masculinidad y el amor. Los intensos 130 minutos de Las olas se dividen tangencialmente en dos relatos protagonizados por los hijos adolescentes de una acaudalada familia afroamericana que tiene enormes expectativas para sus descendientes. En ambos casos, una apasionada historia de amor abrirá las puertas a los fantasmas del pasado con drásticas (y potencialmente irreversibles) consecuencias emocionales para todos los involucrados. Desde la primera escena del filme, Shults sorprende con una apabullante puesta en escena cargada de drama, movimientos de cámara imposibles y color. Es una apuesta radical donde emerge el característico estilo del director: un estilo que vive en los extremos tanto formales (los característicos paneos de 360°) como narrativos: la primera hora de película toma unos derroteros tremendistas que se quedan a las puertas de cruzar las líneas rojas del espectador. Por fortuna, la segunda historia del filme explora las consecuencias del drama del relato anterior. En esencia, Las olas funciona como una historia familiar y de adolescencia que sube y baja por una montaña rusa emocional llena de dolor, rencores y pasiones que amenazan por tirar a tierra la vida de sus protagonistas. Gracias a la precisa mirada del director, los excesos del relato no se transforman en recursos lacrimógenos y efectistas, sino en impactos sensoriales que juguetean con las derivas familiares como si fuera un thriller más que un melodrama al uso. Además, la película vuela alto por su extraordinario reparto coral. Como queda claro en Las olas, enamorarse es un proceso tan doloroso como potencialmente maravilloso.
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