Programa Mensual Marzo 2015

PROGRAMA MENSUAL MARZO 2015

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CINE IRLANDÉS

A PARTIR DEL 12 DE MARZO

ÍNDICE

Programación marzo 2015

CICLOS Clásicos en pantalla grande Cine irlandés Muestra Fredrik Gertten Muestra de Cine de Quebec FICUNAM. Competencia Internacional Retrospectiva Serguéi Loznitsa FICUNAM: Retrospectiva Carlos Mayolo

04 06 10 12 18 22 28

ESTRENOS Democracia en blanco y negro 34 El silencio de las moscas 36 Jauja 38 Memorias que me contaron 40 Pulp: una película sobre la vida, la muerte y los supermercados 42 Stella Cadente 44 Súper nada 46 Timbuktu 48 Un día en Ayotzinapa 43 50

matiné infantil Osos 52

Al aire libre KORTA presenta: Intoxicaciones artificiales La vuelta a la bici. ITDP-Bicycle Film Festival México

56 58

CONSEJO NACIONAL PARA LA CULTURA Y LAS ARTES Presidente rafael tovar y de teresa Secretario Cultural y Artístico Saúl Juárez Vega Secretario Ejecutivo francisco cornejo rodríguez CINETECA NACIONAL Director General alejandro pelayo rangel Director de Difusión y Programación Nelson Carro Directora de Acervos Dora Moreno Brizuela Subdirector de Programación ALEJANDRO GRANDE BONILLA Subdirector de Publicaciones y Medios José Luis Ortega Torres Subdirector de Acervos CARLOS eDGAR TORRES PÉREZ

En portada: Calvario (Calvary, John Michael McDonagh, Irlanda-Reino Unido, 2014) Programación sujeta a cambios. Para mayor información consulte www.cinetecanacional.net o llame al 4155 1190.

Las copias en cinta de las películas que se exhiben tienen la mejor calidad disponible. Dicha calidad puede variar debido a la diversidad de su procedencia y a su antigüedad.

El Programa mensual es una publicación gratuita para informar sobre las películas que la Cineteca Nacional exhibe, tanto en sus instalaciones como en sedes alternas, cumpliendo su misión de difundir la cultura fílmica.

Los textos firmados son responsabilidad de sus autores.

Impresión: Digital Color Proof. Fco. Olaguibel 47, col.

Obrera, México, D.F. Cineteca Nacional es miembro de la Federación Internacional de Archivos Fílmicos.

Subdirectora de Investigación Catherine Bloch Gerschel Subdirector de Documentación RAÚL MIRANDA LÓPEZ Jefe de Programación y Enlace Internacional dalia rosa peña flores

Cineteca Nacional Av. México-Coyoacán 389, col. Xoco.

Programa Mensual de la Cineteca Editor Gustavo E. Ramírez carrasco Diseño editorial FABIOLA PÉREZ SOLÍS Laura nieto rueda Investigación iconográfica Patricia Talancón Solorio Colaboradores Israel ruiz arreola edgar aldape morales karen salgado beltrán Diseño de anuncios SHalom J. PÉrez GonzÁleZ Venta de espacios con Relaciones Públicas FERNANDO TORRES BELMONT ftorres@cinetecanacional.net

Abreviaturas D: Dirección. G: Guión. F en C: Fotografía en color.

F en B/N: Fotografía en blanco y negro. M: Música.

E: Edición. CP: Compañía(s) productora(s). Prod: Producción. Dist: Distribución. PC: Procedencia de copia.

CICLOS

I clásicos en pantalla grande

CLÁSICOS EN PANTALLA GRANDE Películas clásicas son aquéllas que no han sufrido el paso del tiempo, que no han envejecido con los años y que, al contrario, no sólo conservan su atractivo original, sino que además han ganado un aura mítica que las hace aún más disfrutables. La preservación y la exhibición de estos clásicos ha sido siempre la función de las cinematecas y los cineclubes, para que nuevas generaciones de cinéfilos puedan conocer las obras importantes del pasado, de gran valor cultural pero generalmente de escaso interés para el mercado. Por eso, el acceso a esos títulos clásicos se fue haciendo cada vez más difícil: por la escasez de copias en buen estado, por el deterioro y descuido de sus materiales originales y por el alto costo de los procesos para elaborar nuevas copias.

En los últimos tiempos, esa situación ha cambiado de manera radical por las posibilidades que brindan las nuevas tecnologías digitales. Desde la aparición de video casero en los años 80, hasta el DVD y el Blu-ray actuales, son muchísimos los filmes clásicos que se han puesto al alcance de los interesados. Y en muchos casos, en condiciones incluso mejores que en el momento de su estreno. Pero el consumo casero, con todas las ventajas y posibilidades que da al cinéfilo, no brinda nunca una experiencia comparable a ver las películas en la pantalla grande de una sala cinematográfica.

Clásicos en Pantalla Grande ofrecerá semanalmente, durante todo el 2015, una selección de películas de procedencia y épocas muy variadas, todas ellas consideradas obras fundamentales de la historia del cine. Sin limitarnos a una cinematografía, a un autor o a un género, optamos por la diversidad.

Las películas a exhibirse en marzo como parte de este ciclo son Los 400 golpes (1959), obra seminal con la que François Truffaut consiguió el Premio a la Mejor Dirección en Cannes; Hiroshima, mi amor (1959), realizada por Alain Resnais a partir de un guión de Marguerite Duras; Busco mi destino (1969), que lanzó a la fama a los actores estadounidenses Peter Fonda y Jack Nicholson de la mano del entonces debutante Dennis Hopper y Ciudadano Kane (1941), de Orson Welles, por sus características formales considerada durante décadas como la mejor película de todos los tiempos.

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PROGRAMA MENSUAL

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marzo

clásicos en pantalla grande

I CICLOS

Los cuatrocientos golpes

Ciudadano Kane

Les quatre cents coups | Francia | 1959 | 94 min. | D y Prod: François Truffaut. G: François Truffaut y Marcel Moussy. F en B/N: Henri Decaë. M: Jean Constantin. E: Marie-Josephe Yoyotte. Con: Jean-Pierre Léaud (Antoine Doinel), Claire Maurier (Gilberte Doinel, la madre).CP: Les Films du Carrosse.

Citizen Kane | Estados Unidos | 1941 | 119 min. | D y Prod: Orson Welles. G: Herman J. Mankiewicz, Orson Welles. F en B/N: Gregg Toland. M: Bernard Herrmann. E: Robert Wise. Con: Orson Welles (Kane), Joseph Cotten (Jedediah Leland). CP: RKO Radio Pictures, Mercury Productions.

El adolescente Antoine se muestra rebelde en la escuela, mientras que en su casa recibe constantes maltratos por parte de su madre. Una serie de eventos desafortunados lo llevarán a la vagancia, el robo y la dureza de la prisión. Opera prima con tintes autobiográficos del más agudo crítico de Cahiers du Cinéma, quien construye un emotivo retrato de la juventud enfrentada a la adversa realidad del mundo de los adultos. Con este filme Truffaut obtuvo en Cannes el premio a la mejor dirección.

Ganadora del Óscar al mejor guión original en 1942, Ciudadano Kane se centra en la búsqueda del periodista Jerry Thompson por el significado de la palabra “Rosebud”, la última en ser pronunciada por el magnate del periodismo Charles Foster Kane al momento de su muerte. Los logros técnicos e innovaciones en los emplazamientos de cámara y estructura narrativa hicieron que la opera prima de Orson Welles sea considerada durante décadas, la mejor película de todos los tiempos.

Hiroshima, mi amor

Busco mi destino

Hiroshima mon amour | Francia-Japón | 1959 | 91 min. | D: Alain Resnais. G: Marguerite Duras. F en B/N: Sacha Vierny y Takahashi Michio. M: Giovanni Fusco y Georges Delerue. E: Jasmine Chasney, Henri Colpi, Anne Sarraute. Con: Emmanuelle Riva (ella), Eiji Okada (él), Stella Dassas (madre). CP: Argos Films, Como Films, Daiei Motion Picture Company. Prod: Anatole Dauman y Samy Halfon.

Easy Rider | Estados Unidos | 1969 | 95 min. | D: Dennis Hopper. G: Peter Fonda, Dennis Hopper y Terry Southern. F en C: László Kovács. E: Donn Cambern. Con: Peter Fonda (Wyatt), Dennis Hopper (Billy), Jack Nicholson (George Hanson), Karen Black (Karen), Antonio Mendoza (Jesús). CP: Columbia Pictures Corporation, Pando Company Inc., Raybert Productions. Prod: Peter Fonda.

El fugaz amorío entre una actriz francesa, humillada por amar a un soldado alemán durante la Segunda Guerra Mundial, y un arquitecto japonés, testigo indirecto de la tragedia de Hiroshima, invita a reflexionar sobre los desastres del mundo y las tragedias personales. Ambos se acercan y se funden con el otro, reabriendo las heridas de la memoria. Resnais debutó en el largometraje con esta obra compleja y novedosa, realizada a partir de un inquietante texto de Marguerite Duras, especialmente escrito para la película.

A finales de los años 60, Wyatt y Billy emprenden un viaje en motocicleta desde Los Ángeles hasta Nueva Orleans para independizarse, sin embargo el camino les muestra más de lo que buscan. Un himno a la libertad, presentada como una road movie, que expone un racismo arraigado con todas sus consecuencias.

Ganadora en el Festival de Cannes de 1969 como mejor opera prima, esta cinta lanzó a la fama a Peter Fonda y a Jack Nicholson, y consagró para siempre a Hopper en la historia del cine.

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CICLOS

I cine irlandés

CINE IRLANDÉS En la actualidad el cine irlandés goza de una visibilidad internacional que nunca antes había tenido.

Películas como En el nombre del padre (1993) y la coproducción británico-irlandesa Hambre (Hunger, 2008), dirigida por Steve McQueen, han sido éxitos de taquilla reconocidos por la crítica especializada de todo el mundo. El presente ciclo comprende algunos de los filmes recientes más destacados de dicha cinematografía, como el aclamado thriller sobre fe y persecución Calvario (2014), galardonado en la sección Panorama del Festival de Berlín; los innovadores documentales His & Hers (2009), sobre la complejidad y belleza del universo femenino, y Momento a momento (2014), retrato de la banda irlandesa de folk The Gloaming; además de las películas de animación El secreto de Kells (2009) y Canción del mar (2014), ambas nominadas en la categoría de Mejor Largometraje de Animación en la entrega de los Óscares del 2009 y 2014 respectivamente.

El precio del deseo

The Price of Desire | Irlanda-Bélgica | 2015 | 108 min. | D y G: Mary McGuckian. F en C: Stefan von Bjorn. M: Brian Byrne. E: Stephen O’Connell, John O’Connor, Robert O’Connor y Kant Pan. Con: Orla Brady (Eileen Gray). CP: EG Film Productions, Fábrica de Cine, Saga Film. Prod: Mary McGuckian, Jean-Jacques Neira, Hubert Toint y Matthew J. Malek.

Reconocida en el rubro del diseño de mobiliario, Eileen Gray fue una diseñadora innovadora, con creaciones que revalorizaron el papel de la arquitectura. Sin embargo, siempre se sintió marginada del movimiento moderno que surgió en la Francia de la década de 1920. La directora Mary McGuckian realiza un retrato de la artista, despojada de sus convicciones y de su trabajo por su rivalidad con Le Corbusier, y por su romance con la cantante Marisa Damia.

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PROGRAMA MENSUAL

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marzo

cine irlandés

I CICLOS

Calvario

Calvary | Irlanda-Reino Unido | 2014 | 102 min. | D y G: John Michael McDonagh. F en C: Larry Smith. M: Patrick Cassidy. E: Chris Gill. Con: Brendan Gleeson (padre James Lavelle), Chris O’Down (Jack Brennan), Kelly Reily (Fiona Lavelle).CP: Reprisal Films, Octagon Films, Lipsync Productions, Irish Film Board. Prod: Chris Clark, Flora Fernández-Marengo, James Flynn, Elizabeth Eves y Aaron Farrell.

El padre James Lavelle recibe a un devoto en el confesionario de su iglesia; sin embargo, su confesión se convertirá en una amenaza de muerte directa. El asesino puede ser cualquier habitante del lugar, un pueblo frío, cínico y agresivo, sin un lugar para la bondad. Reconocida por el gremio independiente de Reino Unido, esta cinta también recibió el Premio del Jurado Ecuménico en la sección Panorama del Festival de Cine de Berlín de 2014.

Momento a momento

His & Hers

Moment to Moment | Irlanda | 2014 | 52 min. | D y Prod: Philip King y Nuala O’Connor. M: The Gloaming. Con: Martin Hayes, Dennis Cahill, Thomas Bartlett, Iarla Ó Lionaird, Caoimhín Ó Raghallaigh. CP: South Wind Blows.

Irlanda | 2009 | 90 min. | D y E: Ken Wardrop. F en C: Kate McCullough y Michael Lavelle. M: Denis Clohessy. Con: Leah Holohan, Grace McGee, Eimear Peters, Chloe O’Connor, Emily Rose McHugh. CP: Venom Films, Irish Film Board. Prod: Andrew Freedman.

Descrita por Peter Gabriel como un «nuevo género musical», The Gloaming es una banda irlandesa cuyo sonido balancea la música tradicional de aquel país con ritmos del folk; un colectivo auténtico y genuino, cuyo espíritu creativo queda retratado en este documental. Momento a momento es una inmersión al corazón del grupo y de sus integrantes, quienes recuperan la historia sonora de Irlanda para producir arte.

Premiada en el Festival de Sundance en 2010, y ganadora del Premio de la Crítica en el Festival de Cine de Dublín del mismo año, His & Hers es una introspección al significado de la feminidad. Setenta mujeres de clase media trabajadora examinan su contexto, definido desde los roles de hijas, novias, esposas, madres y viudas. Una voz colectiva de diferentes etapas de la mujer, en un relato único de sus vidas.

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CICLOS

I cine irlandés

El secreto de Kells

The Secret of Kells | Francia-Bélgica-Irlanda | 2009 | 75 min. | D: Tomm Moore, Nora Twomey. G: Fabrice Ziolkowski. F en C: Ross Stewart. M: Bruno Coulais. E: Fabienne Alvarez-Giro. Voces: Evan McGuire (Brendan), Christen Mooney (Aisling), Brendan Gleeson (abad Cellach), Mick Lally (Aidan), Liam Hourican (hermano Tang/Leonardo), Paul Tylak (hermano Assoua). CP: Les Armateurs, Vivi Film, Cartoon Sallon, France 2 Cinéma. Prod: Didier Brunner, Paul Young, Tomm Moore, James Flynn, Ivan Rouvreure y Viviane Vanfleteren.

Brendan, un joven monje de 12 años, vive en una abadía fortificada de Kells en la Irlanda del siglo IX. Junto con el resto de hermanos, ayuda a construir una muralla para proteger la abadía de los asaltos de los vikingos. Cuando conoce al Hermano Aidan, un famoso maestro miniaturista y “guardián” de un excepcional libro de miniaturas que está, sin embargo, inacabado, el pequeño Bernard irá en busca de increíbles aventuras.

Las hermanas de la Magdalena

En el nombre del padre

The Magdalene Sisters | Irlanda-Reino Unido | 2002 | 119 min. | D y G: Peter Mullan. F en C: Nigel Willoughby. M: Craig Armstrong. E: Colin Monie. Con: Geraldine McEwan (hermana Bridget), Anne-Marie Duff (Margaret). CP: Scottish Screen, British Council Film, Bórd Scannán na h’Éireann/Irish Film Board, PFP Films. Prod: Ed Guiney, Frances Higson y Alan J. Wands.

En 1964, cuatro jóvenes son internadas en el convento de la Magdalena en Irlanda, un sitio sombrío donde las internas eran obligadas a trabajar para expiar sus pecados. Encuadrada bajo el ambiente de la liberación femenina de la década de 1960, esta cinta muestra la rebelión de estas mujeres ante un duro sistema religioso, con castigos severos en nombre de un poder supremo. La película obtuvo el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia en 2002.

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PROGRAMA MENSUAL

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In the Name of the Father | Irlanda-Reino Unido-Estados Unidos | 1993 | 133 min. | D: Jim Sheridan. G: Terry George y Jim Sheridan, basados en el libro Proved Innocent de Gerry Conlon.

F en C: Peter Biziou. M: Trevor Jones. E: Gerry Hambling. Con: Daniel Day-Lewis (Gerry Conlon), Pete Postlethwaite (Giuseppe Conlon). CP: Hell’s Kitchen Films, Universal Pictures. Prod: Jim Sheridad, Arthur Lappin, Nye Heron y Gabriel Byrne.

Ganadora del Oso de Oro en el Festival de Cine de Berlín de 1994, esta historia relata el caso de Gerry Coldon, quien junto a su padre, es condenado por un acto terrorista que no cometió. La justicia irlandesa lo encierra en prisión, y él buscará limpiar el nombre de su progenitor y exponer la verdad de uno de los acontecimientos más turbios en la historia de aquel país, en vísperas del combate contra el Ejército Revolucionario Irlandés (ERI).

cine irlandés

I CICLOS

Good Vibrations

Frank

Irlanda-Reino Unido | 2012 | 103 min. | D: Lisa Barros D’Sa y Glenn Leyburn. G: Colin Carberry y Glenn Patterson. F en C: Ivan McCullough. M: David Holmes y Keefus Green. E: Nick Emerson.

Con: Richard Dormer (Terri Hooley), Jodie Whittaker (Ruth), Liam Cunningham (Davy), Michael Colgan (Dave), Karl Johnson (George), Adrian Dunbar (Andy). CP: Canderblinks Film and Music, Revolutions Films, Treasure Entertainment, BBC Films. Prod: Andrew Eaton, David Holmes, Bruno Charlesworth y Chris Martin.

Irlanda-Reino Unido-Estados Unidos | 2014 | 95 min. | D: Lenny Abrahamson. G: Jon Ronson y Peter Straughan, basados en el artículo periodístico “Frank Sidebotton. Oh Blimey!” de Jon Ronson. F en C: James Mather. M: Sthephen Rennicks.

E: Nathan Nugent. Con: Michael Fassbender (Frank), Domhnall Gleeson (Jon Burroughs), Maggie Gyllenhaal (Clara), Scoot McNairy (Don), François Civil (Baraque), Carla Azar (Nana). CP: Element Pictures, Runaway Fridge Films, Film 4, BFI, Protagonist Pictures. Prod: Ed Guiney, David Barron y Stevie Lee.

En las turbulentas calles de Belfast de la década de 1970, Terri Hooley abrió una tienda de discos llamada Good Vibrations. Al abandonar a su esposa embarazada, este hombre se lanzó a la industria musical de la época, y abanderó el surgimiento del punk en Irlanda.

Un retrato sobre el espíritu rebelde de la juventud de aquel periodo, enraizado en crudos conflictos como el surgimiento del ERI o los problemas políticos entre católicos y protestantes.

Jon, un aspirante a músico, se une a la banda de pop y avant-garde dirigida por el misterioso y enigmático Frank, un hombre que se esconde en el interior de una cabeza elaborada con papel maché. El joven intentará construir su camino, pese a las excentricidades de sus compañeros de grupo. La historia retoma a Frank Sidebottom, un personaje de culto creado por Chris Sievey, un ícono de la comedia inglesa.

Canción del mar

Song of the Sea | Irlanda-Dinamarca-Bélgica-Luxemburgo-Francia | 2014 | 93 min. | D: Tomm Moore. G: Will Collins sobre una historia de Tomm Moore. F en C: Ross Stewart. M: Bruno Coulais. E: Darragh Byrne. Voces: David Rawle, Brendan Gleeson, Fionnuala Flanagan, Lisa Hannigan, Pat Shortt. CP: Cartoon Saloon, Melusine Productions, The Big Farm, Superprod Productions. Prod: Tomm Moore, Paul Young, Claus Toksvig Kjaer.

Basada en la leyenda irlandesa de las selkies (criaturas marinas cuyo poder las puede convertir en humanos), Canción del mar cuenta el viaje épico de Ben y Saoirse, quienes deberán salvar el mundo de la magia protegiendo a seres míticos y antiguos. En su camino, también develarán algunos secretos de su pasado. La película estuvo nominada en la categoría de Mejor Largometraje Animado en la entrega de los Óscares del 2014.

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CICLOS

I Muestra fredrik gertten

MUESTRA Fredrik Gertten Fredrik Gertten es un premiado director y periodista sueco. Big Boys Gone Bananas! (2011) y Bananas (2009), dos de sus recientes trabajos han sido exhibidos en 80 países, incluyendo proyecciones en festivales como Sundance, Berlín, Hot Docs, Toronto, IDFA, Ámsterdam, Melbourne y Sao Paolo. En Suecia, después del lanzamiento de las películas, la venta de plátanos obtenidos mediante comercio justose duplicó.

Gertten fundó la productora WG Film en 1994. Trabajó como corresponsal y columnista para radio, televisión y prensa en África, Latinoamérica, Asia y Europa. Su estilo combina realización cinematográfica con un papel como productor creativo. Reconocido por desarrollar historias locales con una perspectiva global, algunas de sus películas abordan la identidad y transformación de su ciudad natal, Malmö. Su trabajo ha contado con la participación de estrellas internacionales como el futbolista Zlatan Ibrahimović y el arquitecto Santiago Calatrava, entre otros.

El consorcio frutero Dole Food Company hizo notoriamente controversial su película Bananas al demandar a la productora y al director. La lucha por el documental y la libertad de expresión, generadas de dicha situación, lograron reconocimiento internacional. En Suecia, Fredrik Gertten ha sido acreedor a varios premios, incluyendo el prestigioso Premio Mundial de la Libertad de Prensa Anna Politkóvskaya.

Sitio oficial de WG FILM (wgfilm.com)

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PROGRAMA MENSUAL

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Muestra fredrik gertten

I CICLOS

Bananas

Big Boys Gone Bananas!

Bananas! | Suecia-Dinamarca | 2009 | 87 min. | D: Fredrik Gertten. G: Fredrik Gertten, Jesper Osmund. F en C: Joseph Aguirre, Frank Pineda. M: Nathan Larson. E: Jesper Osmund, Olivier Bugge Couté. Con: Byron Rosales Romero, Juan J. Dominguez, Duane Miller, Rick McKnight, David Delorenzo. CP: WG Film. Prod: Margarete Jangård.

Suecia-Dinamarca-Alemania-Estados Unidos-Reino Unido | 2011 | 90 min. | D y G: Fredrik Gertten. F en C: Joseph Aguirre, Kiki Allgeier, Stefan Berg, Joakim Demmer, Malin Korkeasalo, Gabriel Noguez, Frank Pineda, Sasha Snow, Jason Wawro. M: Conny Malmqvist, Dan Gisen Malmquist. E: Jesper Osmund, Benjamin Binderup. Con: Alex Rivera, Alfonso Allende, Bernt Hermele, Charlotte Lundgren. CP: WG Film. Prod: Margarete Jangård.

Bananas! se enfoca en la disputa de doce trabajadores de plantaciones nicaragüenses contra Dole Food Corporation, quien hizo uso de un pesticida mortal que provocó que varios granjeros quedaran estériles. A través de Juan Accidentes Domínguez, el abogado defensor del primer caso de un trabajador afectado, nos adentramos en la problemática, que tiene la peculiaridad de ser el primer juicio legal en donde empleados migrantes declaran contra una gran corporación estadounidense.

Después de realizar Bananas!, Fredrik Gertten fue demandado por Dole Food Corporation. Para la empresa, el documental es un fraude, basado en mentiras y engaños. Sin embargo, sus acusaciones son infundadas. Este trabajo nos muestra una red de corrupción basada en el dinero y la fuerte influencia de la compañía en el sistema económico estadounidense, en contraposición a la libertad de expresión y a la libre circulación de la información en los medios.

Bicis contra autos

Bikes vs. Cars | Suecia | 2015 | 91 min. | D y G: Fredrik Gertten. F en C: Janice D’Avila, Flora Dias, Kiki Allgeier, Joseph Aguirre, Ita Zbroniec Zajt, Iris Ng. M: Florencia Di Concilio. E: Benjamin Binderup, Morten Giese, Klaus de León Heinecke, Sascha Fülscher, Phil Jandaly. Con: Aline Cavalcante, Dan Koeppel, Raquel Rolnik, Ivan Naurholm, Nicolas Habib, Joel Ewanick. CP: WG Film. Prod: Margarete Jangård, Elin Kamlert.

El cambio climático aumenta cada año, al igual que la venta de automóviles. Se calcula que existirán dos billones para 2020. La bicicleta es una buena herramienta para apoyar al medio ambiente; sin embargo, parece ser un obstáculo para la industria automotriz. Este reciente trabajo de Fredrik Gertten muestra las dos caras de la movilidad urbana en el mundo: el impactante caos vial de los autos en yuxtaposición con la bicicleta como un medio ecológico.

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CICLOS

I muestra de cine de quebec

MUESTRA DE CINE DE QUEBEC El cine quebequense está en plena efervescencia. Desde hace más de una década, unahorda de cineastas emergentes retoma a su modo la tradición del cine independiente y socialmente comprometido, como el que prevalecía en los años 60 y 70 en Quebec, representado por los cineastas Claude Jutra, Gilles Groulx, Jean-Pierre Lefebvre, Michel Brault y Denys Arcand, entre otros.

Originada a mediados de la década pasada, la llamada “renovación del cine quebequense” fue señalada por algunos artículos de cine, particularmente en el número de octubre de 2010 de la mítica revista Cahiers du Cinéma. Esta etiqueta se debe en parte al cineasta Denis Côté y al joven prodigio quebequense Xavier Dolan, quien a la corta edad de 25 años ya ha dirigido cinco largometrajes que lo han hecho acreedor de numerosos premios internacionales en diversos festivales, entre los que destacan el Festival de Cannes y la Muestra de Venecia. Sin embargo, la renovación de la cinematografía nacional no es asunto de una o dos personas, y esto es lo que la Muestra de Cine de Quebec propone compartir con el público mexicano al presentar una selección de nueve películas de cineastas cuya edad media no pasa de los 36 años. Directores que rechazaron los modelos de producción comercial para volverse hacia medios a veces más modestos pero que les han permitido crear obras personales de una gran libertad. El resultado: un cine vivo hecho por cineastas independientes con una visión, un estilo y una mirada personal; un cine que tiene mucho por compartir.

En esta edición, haremos también un homenaje al cineasta quebequense Michel Brault, presentando su obra maestra Las órdenes (1974), que recibió en 1975 el Premio a la Mejor Dirección en Cannes. La contribución de Brault a la historia del cine cruza las fronteras de Quebec. De hecho, su obra es precursora del cine directo, nacido a finales de los años 50 en los estudios franceses de la Oficina Nacional de Cine de Canadá (Office national du film du Canada / National Film Board of Canada), en Montreal.

Nos sentimos muy orgullosos de poder presentar al público mexicano la Muestra de Cine de Quebec en colaboración con la Cineteca Nacional, para la cual, contaremos con la presencia del actor Alexandre Landry, protagonista de El amor en tiempos de la guerra civil (2014) y de Dominic Gagnon, director de Hoax-Farsa (2013).

Quebec, cuya lengua oficial es el francés, tiene mucho por compartir con México. En esta semana de la francofonía los esperamos para ver y escuchar el cine de los latinos del norte.

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PROGRAMA MENSUAL

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muestra de cine de quebec

I CICLOS

Las órdenes

Les ordres | Canadá | 1974 | 109 min. | D y G: Michel Brault. F en B/N y C: Michel Brault, François Protat. M: Philippe Gagnon.

E: Yves Dion. Con: Hélène Loiselle (Marie Boudrerau), Jean Lapointe (Clermont Boudreau), Guy Provost (Dr. Jean-Marie Beauchemin), Claude Gauthier (Richard Lavoie), Louise Forestier (Claudette Dusseault). CP: Canadian Film Development Corporation, Les Productions Prisma. Prod: Bernard Lalonde, Gui Caron.

Definida como una de las obras maestras del cine quebequense, Las órdenes retrata un periodo crudo de la historia de Canadá. En octubre de 1970 se produjeron algunos secuestros reivindicados por el Frente de Liberación de Quebec. En respuesta, el gobierno adoptó la ley marcial y envió tropas a Montreal. Como un acto de humillación, más de 400 personas fueron detenidas injustamente. Por esta cinta, Brault recibió el Premio a Mejor Director en el Festival de Cannes de 1975.

El amor en tiempos de la guerra civil

L’amour au temps de la guerre civile | Canadá | 2014 | 120 min. | D: Rodrigue Jean. G: Ron Ladd. F en C: Mathieu Laverdière, Etienne Roussy. E: Mathieu Bouchard-Malo. Con: Alexandre Landry, Jean-Simon Leduc, Simon Lefebvre. CP: Transmar Films.

Prod: Cédric Bourdeau, Rodrigue Jean.

El cineasta Rodrigue Jean realiza una mirada audaz sobre el mundo de las adicciones con este drama sobre los estafadores y drogadictos de Montreal. La película se centra en Alex, un adicto que pasa sus días consiguiendo el dinero para comprar sus drogas a través de la prostitución, haciendo encargos para los vendedores o cometiendo pequeños delitos. Él, junto con otros yonquis que lo acompañan, son los ángeles caídos que viven bajo la indiferencia y el confort de la sociedad.

El camino a seguir

La marche à suivre | Canadá | 2014 | 76 min. | D y G: Jean-Francois Caissy. F en C: Nicolas Canniccioni. E: Mathieu Bouchard-Malo. CP: Office national du film du Canada. Prod: Johanne Bergeron.

El camino a seguir explora el mundo de un grupo de jóvenes en una escuela secundaria rural. Haciendo hincapié en los contrastes entre el ambiente regulado del aula y la libertad del exterior, la película está estructurada en torno a las reuniones de los adolescentes con varias autoridades de la institución cuyo trabajo es “enderezar su rumbo”. Sin criticar al sistema educativo ni el comportamiento de los jóvenes, éste es un trabajo de observación que retrata los altibajos de los años de adolescencia.

CINETECA NACIONAL MÉXICO

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CICLOS

I muestra de cine de quebec

Félix y Meira

Sara prefiere correr

Félix et Meira | Canadá | 2014 | 105 min. | D: Maxime Giroux.

G: Maxime Giroux y Alexandre Laferrière. F en C: Sara Mishara.

M: Olivier Alary. E: Mathieu Bouchard-Malo. Con: Martin Dubreuil (Félix), Hadas Yaron (Meira), Luzer Twersky (Shulem), Anne-Élisabeth Bossé (Caroline), Benoît Girard (Théodore), Melissa Weisz (Ruth). CP: Transmar Films. Prod: Sylvain Corbeil y Nancy Grant.

Sarah préfère la course | Canadá | 2013 | 97 min. | D y G: Chloé Robichaud. F en C: Jessica Lee Gagné. E: Michel Arcand.

Con: Sophie Desmarais (Sara), Jean-Sébastien Courchesne (Antoine), Geneviève Boivin-Roussy (Zoey), Hélène Florent (Isabelle), Eve Duranceau (Fanny), Micheline Lanctôt (entrenadora McGill).

CP: La Boîte à Fanny. Prod: Fanny-Laure Malo.

Félix es un excéntrico quebequense sin dinero cuyo millonario padre está a punto de morir. Meira es una judía jasídica casada y con un hijo. No estaba previsto que se conocieran, y mucho menos que se enamoraran. Esta es la milagrosa historia de amor entre dos seres separados por sus respectivas comunidades, que tratan de amarse a pesar de lo que les separa.

Sara es una chica a quien le gusta correr. Al obtener una beca para un programa de atletismo en Montreal, decide mudarse con su amigo Antoine. Para ellos, el matrimonio es un juego; sin embargo, al casarse descubrirán lo difícil que puede ser formar una familia.

Chloé Robichaud presenta una visión de los sacrificios y consecuencias de tener una carrera deportiva, en yuxtaposición con el poder simbólico del matrimonio.

Inch’Allah

Duermes, Nicole

Canadá-Francia | 2012 | 102 min. | D y G: Anaïs BarbeauLavalette. F en C: Philippe Lavalette. M: Levon Minassian. E: Sophie Leblond. Con: Evelyne Brochu (Chloe), Sabrina Ouazani (Rand), Sivan Levy (Ava), Yousef Sweid (Faysal), Carlo Brandt (doctor Michael), Marie-Thérèse Fortin (Elaine). CP: micro_scope, ID Unlimited. Prod: Luc Déry, Kim McCraw, Isabelle Dubar.

Tu dors Nicole | Canadá | 2014 | 93 min. | D y G: Stéphane Lafleur. F en B/N: Sara Mishara. M: Rémy Nadeau-Aubin, Organ Mood. E: Sophie Leblond. Con: Julianne Côté (Nicole), Catherine St-Laurent (Véronique), Francis La Haye (JF), Simon Larouche (Pat), Godefroy Reding (Martin), Marc-André Grondin (Rémi). CP: micro_scope. Prod: Luc Déry, Kim McGraw.

Chloe es una joven obstetra que trabaja en una clínica improvisada dentro de un campo de refugiados palestinos en Cisjordania; sin embargo, ella vive en Israel.

Frente a los puestos de control diarios y el muro de separación entre estos pueblos, ella transitará entre dos visiones de la realidad, transformando sus convicciones ideológicas a partir de la guerra, y del costo que genera en los habitantes de aquellos lugares.

Nicole está a la deriva después de graduarse de la universidad. Junto con su amiga Véronique intenta pasar el tiempo. La llegada de su hermano Rémi con su banda de música parece transformar su vida, entablada en una sensación de monotonía. Filmada en un preciso blanco y negro, Duermes, Nicole es una reflexión sobre el hastío de la juventud, en relación con el desvanecimiento de la infancia para entrar a la edad adulta.

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PROGRAMA MENSUAL

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marzo

muestra de cine de quebec

I CICLOS

La cacería al Godard de Abitibi

Chase au Godard d’Abbittibbi | Canadá | 2013 | 100 min. | D y G: Éric Morin. F en C: Louis-Philippe Blain. M: Philippe B y The Breastfeeders. E: Jonathan Tremblay. Con: Sophie Desmarais (Marie), Alexandre Castonguay (Michel), Martin Dubreuil (Paul), René-Daniel Dubois (voz del narrador), Jean-Philippe Goncalves (Jean-Luc Godard), Céline Dompierre (esposa de Jean-Luc Godard). CP: Funfilms, Parce Que Films. Prod: David Pierrat, Olivier Picard, Patrick Zaloum, Félix St-Jacques.

En 1968, el arribo de Jean-Luc Godard al noroeste de Quebec despierta los ánimos revolucionarios de Michel, quien junto a su amiga Marie entra en contacto con Paul, un miembro del equipo que acompaña al renombrado cineasta.

La experimentación de Godard con el video, a la par de los conflictos personales de los personajes, siembran la duda que marcó a miles de jóvenes durante la década de los 60 en la región: ¿debemos partir o debemos quedarnos en este país?

Cuadrado rojo sobre fondo negro

Carré rouge sur fond noir | Canadá | 2013 | 110 min. | D, G y F en C: Santiago Bertolino y Hugo Samson. M: René Lussier. E: Andrea Henriquez. CP: Productions Multi-Monde. Prod: Lucie Pageau.

En enero de 2012 estalló una de las huelgas más impactantes de Quebec. Miles de estudiantes salieron a protestar por la situación de su sistema educativo.

Otras medidas gubernamentales hicieron estallar un movimiento de lucha civil. Los directores se sumergieron en el corazón de la protesta y realizaron una radiografía de la resistencia y sus principales actores; una mirada a la jornada diaria de movilización, a la realidad cotidiana de una juventud militante e inspirada.

Hoax_Farsa

Hoax_Canular | Canadá | 2013 | 95 min. | D, E y Prod: Dominic Gagnon.

Hoax_farsa es una película hecha por completo a partir de materiales encontrados en YouTube sobre adolescentes anticipando el fin del mundo. La película de Dominic Gagnon expande las fronteras del documental tradicional y brinda un nuevo significado a la difusión a través de internet.

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CICLOS

I FICUNAM COMPETENCIA INTERNACIONAL

FICUNAM COMPETENCIA INTERNACIONAL Un elemento que nos ha caracterizado a lo largo de estos cinco años, es que alrededor del 95% de los trabajos que proyectamos no cuentan (o contaban) con distribución en México, lo que nos ha posicionado como uno de los pocos festivales del país dedicado a películas que normalmente se encuentran fuera del circuito comercial, incluyendo los géneros de documental, ficción e híbridos.

Asimismo, somos un espacio abierto al estudio, a la crítica y a la exploración académica del cine al aprovechar al máximo la tradición de la UNAM como epicentro del trabajo de investigación en México. Pero sobre todo, nos gusta distinguirnos como el momento en que cinéfilos, cineastas, programadores y críticos se encuentran directamente con el público mexicano.

FICUNAM fue concebido por la Universidad Nacional Autónoma de México en 2011 como una importante ventana de exhibición en México para películas independientes del mundo. Desde nuestra primera edición nos imaginamos como un evento dedicado a programar películas de gran calidad y cuya exhibición fuera de difícil acceso en nuestro país. Pensamos tanto en el trabajo de jóvenes talentos como en el de directores consagrados con el único interés de presentar lo más destacado del ámbito cinematográfico, y completamos nuestra programación con películas avaladas por festivales internacionales de primera línea.

Quizá lo que más nos motiva es el minucioso cuidado que tienen los programadores al realizar la selección de los trabajos, pues no se respalda únicamente por su categoría, es decir, por ser documentales o cortometrajes, sino que favorece el corte autoral independiente además de la propuesta narrativa y los modelos de producción innovadores de cada pieza.

Se podría decir que nuestra sección de Competencia Internacional tiene un espíritu audaz.

Aquí encontramos a las voces cantantes de la escena cinematográfica mundial. En ella compiten desde autores consolidados hasta cineastas emergentes.

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PROGRAMA MENSUAL

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marzo

FICUNAM COMPETENCIA INTERNACIONAL

Loco amor

Amor Fou | Austria-Luxemburgo-Alemania | 2014 | 96 min. | D y G: Jessica Haussner. F en C: Martin Gschlacht. E: Karina Ressler. Con: Birte Schnoeink (Henriette), Christian Friedel (Heinrich), Sthepan Grossmann (Friedrich Louis Vogel). CP: Coop99 Filmproduktion, AMOUR FOR Luxembourg, Essential Filmproduktion. Prod: Martin Gschlacht, Antonin Svoboda, Bruno Wagner, Bady Minck, Alexander Dumreicher-Ivanceanu, Philippe Bober.

Amor Fou es la historia de los últimos días del poeta Heinrich von Kleist antes de su muerte. Encuadrada a principios del siglo XVIII en Berlín, el cuarto largometraje de Jessica Haussner presenta el encuentro entre el poeta y su devota Henriette Vogel, a partir de un siniestro y curioso pacto. Con un humor turbio, la cinta es una pieza emotiva y oscura, enraizada en valores contrapuestos como el amor y la muerte, la vitalidad y la fatalidad.

La corte

Court | India | 2014 | 116 min. | D y G: Chaitanya Tamhane. F en C: Mrinal Desai. M: Sambhaji Bhagat. E: Rikhav Desai. Con: Vira Sathidar (Narayan Kamble), Usha Bane (Sharmila Pawar), Vivek Gomber (Vinay Vora), Pradeep Joshi (juez), Geetanjali Kulkami (procurador), Shirish Pawar (Subodh). CP: Zoo Entertainment.

Prod: Vivek Gomber, B.S. Narayanaswamy.

Ganador del Premio Horizontes a la Mejor Película en el Festival de Venecia en 2014, Court, primer largometraje del debutante Chaitanya Tamhane, denuncia los procesos judiciales de India. Filmado en Bombai, emerge como un agudo comentario sobre la clase política, la educación y el acceso al poder, sustentado a partir de la historia de Narayan Kamble, un profesor y cantautor acusado de incitar el suicidio de un trabajador del gobierno.

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Blanco fuera negro dentro

Branco Sai, Preto Fica | Brasil | 2014 | 93 min. | D y G: Adirley Queirós. F en C: Leonardo Feliciano. M: Marquim do Tropa. E: Guille Martins. Con: Marquim do Tropa, Dilmar Durães, Gleide Firmino, DJ Jamaika, Shockito. CP: Cinco da Norte Serviços Audiovisuais. P: Simone Gonçalves, Adirley Queirós.

«El blanco afuera, el negro adentro» era una consigna del Brasil de la década de los 80 para reprimir a los vecinos de los suburbios de Brasilia. Un eslogan contradictorio del poder con duras consecuencias para los habitantes actuales de los barrios periféricos de la ciudad, quienes por medio de sus relatos para una emisora clandestina, asoman una cruda verdad de la opresión en esta cinta ganadora de once premios en el Festival de Cine de Brasilia.

Cuento proletario de invierno

Ein proletarisches Wintermarchen | Alemania | 2014 | 63 min. | D, G y E: Julian Radlmaier. F en C: Markus Koob. Con: Natia Bakhtadze, Sandro Koberidze, Ilia Korkashvili, Lars Rudolph, Katja Weilandt. CP: Deutsche Film-und fernsehakademie Berlin.

Prod: Kirill Krasovskiy.

Tres jóvenes de Georgia son contratados para limpiar un castillo en Berlín. Habrá una fiesta de inauguración de una exposición de un fabricante de armas alemán.

Sin embargo, les prohíben asistir por pertenecer a la clase proletaria. Encerrados en el ático, tratarán de descifrar si las diferencias de clases sociales se pueden superar, aun cuando la Historia, al parecer, no lo ha demostrado.

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CICLOS

I FICUNAM COMPETENCIA INTERNACIONAL

Ella regresa el jueves

Yo, de quien no sé nada

Ela Volta na Quinta | Brasil | 2014 | 108 min. | D y G: André Novais Oliveira. F en C y E: Gabriel Martins. Con: Maria José Novais, Norberto Oliveira, Renato Novais, André Novais Oliveira, Carla Patrícia, Élida Silpe. CP: Filmes de Plástico. Prod: André Novais Oliveira, Gabriel Martins, Maurilio Martins, Thiago Macêdo Correia.

I, Of Whom I Know Nothing | México | 2014 | 80 min. | D, F en C y Prod: Pablo Sigg. M: Franz Schubert. E: Pablo Sigg, Carlos Chávez. Con: John Calder, Billie Whitelaw, Sheila Colvin, Peter Pacey, Oengus MacNamara. CP: Siggfilm.

El matrimonio de María José y Norberto está en crisis.

Ella decide viajar para decidir si el divorcio es la mejor opción. Esto influye en la vida de sus dos hijos, quienes tienen planes a futuro con sus respectivas parejas. Con los miembros de su familia como actores, el director crea un retrato naturalista de las relaciones humanas, y de la profunda soledad de aquellas personas incapaces de lidiar con sus miedos y deseos.

John Calder, el editor británico de Samuel Beckett, se mudó a París, donde se retiró. Instalado en el sótano de un edificio, Calder parece vivir en la indigencia. Allí lo filmó Pablo Sigg, al igual que en Londres, donde el editor se encuentra con Billie Whitelaw –la musa, por así decirlo, de las obras teatrales de Beckett–, ahora alojada en un asilo de ancianos para actores. Sigg retrata a sus protagonistas como si estuvieran saltando desde las páginas del escritor irlandés.

Jauja

Ming de Harlem: Veintiún pisos en el aire

Argentina-Dinamarca-Francia-México-Estados UnidosAlemania-Brasil-Países Bajos | 2014 | 108 min. | D: Lisandro Alonso. G: Fabián Casas, Lisandro Alonso. F en C: Timo Salminen.

M: Viggo Mortensen, Buckethead. E: Gonzalo del Val, Natalia López. CP: Les Films du Worso, 4L, Perceval Pictures, Fortuna Films, Mantarraya. Prod: Ilse Hughan, Andy Kleinman, Viggo Mortensen, Sylvie Pialat, Jaime Romandía.

Argentina 1882. El capitán danés Gunnar Dinesen llega con su hija para trabajar en una campaña militar contra los indígenas de la región. Ella se enamora de un soldado y huyen de ahí. El capitán decide aventurarse al territorio enemigo para encontrarla. El quinto largometraje de Lisandro Alonso presenta un viaje hacia una tierra considerada mitológica, cuya mística provocó varias expediciones y perdidas humanas.

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I

PROGRAMA MENSUAL

I

marzo

Ming of Harlem: Twenty One Storeys in the Air | Reino UnidoEstados Unidos-Bélgica | 2014 | 71 min. | D: Phillip Warnell. F en C: David Raedeker. M: Hildur Guðnadóttir. E: Chiara Armentano, Phillip Warnell. Con: Antoine Yates. CP: Big Other Films, The Welcome Trust, Picture Palace Pictures, Michigan Films. Prod: Madeleine Molyneaux, Phillip Warnell.

En 2003, en Harlem, Nueva York, una noticia desató una gran protesta pública: Antoine Yates vivía en un apartamento con Ming y Al, un tigre y un cocodrilo, respectivamente. La película enmarca ciertos recuerdos de Yates, sustentados por un poema del filósofo Jean-Luc Nancy en donde se pone en juego las relaciones entre los humanos y los animales, explorando la paradoja del cautiverio en relación con la vida salvaje.

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I CICLOS

No todo es vigilia

Bajo nubes eléctricas

España-Colombia, 2014, 98 min. | D y G: Hermes Paralluelo.

F en C: Julián Elizalde. E: Iván Guarnizo, Hermes Paralluelo. Con: Felisa Lou, Antonio Paralluelo. CP: El Dedo en el Ojo, Janus Films, TVE. Prod: María José García, Uriel Wisnia, Diana Ramos Medina, Jacques Toulemonde, Andrés Luque.

Pod elektricheskimi oblakami | Rusia-Ucrania-Polonia | 2015 | 138 min. | D y G: Aleksei German Jr. F en C: Serguéi Mikhalchuk, Evgeniy Privin. M: Andrey Surotdinov. E: Serguéi Ivanov. Con: Lui Frank (Petr), Merab Ninidze (Nikolai), Viktoria Korotkova (Sasha), Chulpan Khamatova (Valya), Piotr Gasowski (tío Borya). CP: Metrafilms, Linked Films, Apple Film Productions, Telewizja Polska, Tor Film Studio. Prod: Dariusz Jablonski, Artem Vasiliev, Sergey Yahontov, Krzysztof Zanussi.

Felisa y Antonio llevan más de 60 años juntos; sin embargo, su frágil estado de salud les impide cuidarse mutuamente. Al ser consciente de ello, Antonio pide una solicitud para un asilo de ancianos. Así, ellos verán peligrar su identidad e independencia ante el temor de dejar su vida en manos ajenas. En este relato pueden encontrarse ciertas reminiscencias de Amour, la galardonada cinta de Michael Haneke.

En medio de paisajes fríos y nevadas, Sasha regresa a casa para encargarse de la construcción encabezada por su padre. Sin embargo, tiene que lidiar con ciertas situaciones: un guía de turistas combatiente en Moscú y trabajadores con hemorragias nasales inexplicables. Una estatua de Lenin o el esqueleto de un rascacielos funcionan como una apología simbólica de la Rusia actual, en esta historia presentada en el Festival de Cine de Berlín.

Piel de serpiente

Los dueños

Snakeskin | Singapur-Portugal | 2014 | 105 min. | D y G: Daniel Hui. CP: 13 Little Pictures, Primeira Idade. Prod: Bee Thiam Tan, Joana Gusmão, Pedro Fernandes Duarte.

The Owners | Kazajistán | 2014 | 93 min. | D y E: Adilkhan Yerzhanov. G: Adilkhan Yerzhanov, Roelof Jan Mineboo. F en C: Yerkinbek Ptyraliyev. M: Andréi Dubodelov, Mikhail Sokolov, Alexander Sukharev. Con: Yerbolat Yerzhan (Yerbol), Aidyn Sakhaman (John), Aliya Zainalova (Aliyushka). CP: Short Brothers LLC. Prod: Olga Khlasheva, Adilkhan Yerzhanov, Serik Abishev.

Singapur, 2066. El único sobreviviente de una secta misteriosa realiza un recuento de los hechos dramáticos que llevaron a la gloria y la caída de su culto.

En un ambiente definido entre el sueño y la realidad, algunos fantasmas del pasado se le aparecen para ir reconstruyendo la historia, en una analogía de la opresión del gobierno vista desde la conciencia colectiva del pueblo.

Con un estilo cercano al cine de Aki Kaurismäki, Adilkhan Yerzhanov presenta la historia de tres hermanos huérfanos, quienes entran en disputa con la policía local tras reclamar una propiedad, herencia de su madre, ocupada ilegalmente por un alcohólico, hermano de un influyente del lugar. Exhibido en Cannes y Toronto, The Owners es un retrato social que oscila entre lo cómico y lo violento, en un depurado ejemplo del actual cine kazajo.

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CICLOS

I retrospectiva serguéi loznitsa

Retrospectiva Serguéi Loznitsa Estampas contemporáneas de algún lugar de la extinta Unión Soviética en las que el tiempo se detiene y se recrea un estilo de vida o alguna rutina diaria de ejecución infraconsciente; la mayor parte de la filmografía de Seguéi Loznitsa descansa en la tradición de la vanguardia documental del cine soviético; él, quien nació el 5 de septiembre de 1964 en la ciudad de Baránavichi, hoy Bielorrusia y antaño Unión Soviética, ha logrado capturar a través de su poética cinematográfica, importantes momentos históricos, políticos y socioculturales que han tenido lugar en el mundo anverso a Occidente. Antes de avocarse al cine, Loznitsa realizó estudios de matemáticas e ingeniería, además de desempeñarse como traductor de lengua nipona. Hacia 1991 fue admitido en el Instituto Estatal Ruso de Cinematografía, y antes de cambiar su residencia a Alemania en 2001, realizó estudios en cine documental en San Petersburgo. Algunos de los documentales que comprenden su obra son los siguientes títulos: Hoy vamos a construir una casa (1996); Vida, otoño (1998); Asentamiento (2001); Retrato (2002); Paisaje (2003); Bloqueo (2005); Artel (2006); Aurora Boreal (2008) y su más reciente producción estrenada con una proyección especial en Cannes, Maidan (2014), sobre las protestas contra el gobierno de Ucrania, mismas que llevaron al derrocamiento de presidente Víktor Yunukovich. Igualmente, aunque más cercanos a la ficción, a su obra se agregan los largometrajes Mi felicidad (2010) y En la niebla (2012), ambos presentados como parte del Foro y La Muestra Internacional de la Cineteca Nacional, respectivamente.

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PROGRAMA MENSUAL

I

marzo

retrospectiva serguéi loznitsa

I CICLOS

Hoy vamos a construir una casa

Segodnya my postroim dom | Rusia | 1996 | 28 min. | D: Serguéi Loznitsa.

Esta película se desarrolla a lo largo de un día en una construcción. Para el observador casual parecería que no está pasando mucho, pero en realidad un proceso muy eficiente tiene lugar bajo la superficie. El filme es acerca del poder de un grupo de profesionales, unidos por un objetivo en común.

Vida, otoño

Zhizn, osen | Rusia-Alemania | 1998 | 34 min. | D: Serguéi Loznitsa y Marat Magambetov. F en B/N: Vladimir Bashta. E: Serguéi Loznitsa, Marat Magambetov y Margarita Smirnova. CP: Pop tutu film. Prod: Ulrich Miller.

Filmado en la zona rural rusa cerca de la ciudad de Smolensk, este documental muestra a un pequeño pueblo donde todos los jóvenes se han ido y sólo quedan los más viejos. Hay escasez en las necesidades materiales básicas, pero al mismo tiempo se conservan los simples pero más importantes valores y elementos de la vida: su aldea, los amigos, la familia, el tiempo, el sol, el invierno y el amor. Loznitsa construye un poema visual alegre y esperanzador con una emotividad pocas veces vista en su cine.

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I retrospectiva serguéi loznitsa

Asentamiento

La estación del tren

Poselenie | Rusia | 2001 | 80 min. | D: Serguéi Loznitsa. F en B/N: Pavel Kostomarov. CP: St. Petersburg Documentary Film Studios. Prod: Viacheslav Telnov.

Polustanok | Rusia | 2000 | 25 min. | D: Serguéi Loznitsa.

Los habitantes de una extraña comunidad del campo ruso están involucrados en el trabajo diario de una granja. Sin embargo, a medida que la película avanza, el espectador se dará cuenta que los trabajadores no son lo que aparentan, pues sus tareas tienen otro tipo de propósitos. Cubierta con los sonidos y ritmos de la vida rural, la película es una parábola de la sociedad post soviética y un testimonio de la importancia de la naturaleza en la vida moderna.

Ubicada en la profundidad del bosque ruso, una estación de trenes alberga en su interior a un grupo de personas que permanece sumida en un interminable sueño. Mientras ellos duermen el sonido de las locomotoras irrumpe en la fría noche. En uno de sus trabajos más inquietantes, Loznitsa presenta una metáfora del estado actual de la sociedad rusa: una sensación de permanecer fuera del tiempo.

Retrato

Paisaje

Portret | Rusia | 2002 | 28 min. | D: Serguéi Loznitsa.

Peyzazh | Rusia-Alemania | 2003 | 60 min. | D: Serguéi Loznitsa. F en C: Pavel Kostomarov. CP: Ma.Ja.De. Filmproduction.

Prod: Heino Deckert.

Colección de tomas fijas de los residentes de la zona rural rusa. Los campesinos, en su mayoría hombres y mujeres de edad avanzada, permanecen mirado fijamente a la cámara sin emitir una sola palabra.

Evocando los retratos de August Sander y Dorothe Lange, este cortometraje captura a un pueblo y a un mundo que están desapareciendo.

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PROGRAMA MENSUAL

I

marzo

Es invierno en el pequeño pueblo ruso de Okúlovka, y sus habitantes esperan el transporte en una parada de autobús. Fragmentos de sus conversaciones vienen y van: algunos comparten sus memorias del pasado y dudas sobre el futuro, empezando por si el camión llegará a tiempo o no. Película realizada con una serie de tomas panorámicas en las que la cámara se mueve constantemente sobre un eje circular. El paisaje al que alude el título no se refiere a uno geográfico sino a uno social.

retrospectiva serguéi loznitsa

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Fábrica

Bloqueo

Fabrika | Rusia | 2004 | 30 min. | D, G y E: Serguéi Loznitsa. F en C: Nikolai Evimenko, Serguéi Mikhalchuk. CP: St. Petersburg Documentary Film Studios. Prod: Viacheslav Telnov.

Blokada | Rusia | 2005 | 52 min. | D, G y E: Serguéi Loznitsa.

F en B/N: N. Blajkow, A. Bogorow, J. Blumberg, A. Bistrow, V. Valdaizew, N. Golod, B. Dementiew, N. Dolgow, S. Iwanow. CP: St. Petersburg Documentary Film Studios. Prod: Viacheslav Telnov.

Estudio minucioso de una fábrica de acero y arcilla en los Urales que reflexiona sobre la relación hombremáquina. El espectador es conducido a través del vientre de una antigua planta industrial en la que los trabajadores masculinos laboran cerca de altos hornos de fundición, mientras que las mujeres operan las líneas de ensamblado. A diferencia de sus trabajos con un enfoque en la Rusia rural, Loznitsa presenta una subversiva versión de la idealización soviética del obrero.

Leningrado padeció el más largo sitio militar durante la Segunda Guerra Mundial, extendiéndose de 1941 a 1944, cuando Hitler intentó someter a la ciudad soviética conduciéndola a la inanición. Conformado únicamente por material de archivo, Bloqueo recrea esos momentos capitales, añadiendo al metraje original una pista de audio reconstruida meticulosamente.

El resultado brinda a los espectadores la perturbadora impresión de ser no solamente observadores sino virtuales partícipes de los eventos.

Artel

Aurora Boreal

Rusia | 2006 | 30 min. | D y G: Serguéi Loznitsa. F en C: Serguéi Mikhalchuk. CP: St. Petersburg Documentary Film Studios, Russia.

Prod: Viacheslav Telnov.

Severnyy svet | Francia | 2008 | 52 min. | D y G: Serguéi Loznitsa. F en C: Serguéi Mikhalchuk. CP: ma.ja.de filmproduktion, St. Petersburger Dokumentarfilmstudio, MDR, Inspiration Films, YLE Teema. Prod: Heino Deckert, Viacheslav Telnov, Svietlana Zinovieva.

Con planos largos, e impresionantes imágenes en blanco y negro tomadas en 35 mm, Loznitsa registra a un grupo de jóvenes pescadores que intentan extraer peces de las aguas de un lago helado. Utilizando una motosierra, los hombres hacen hoyos en el hielo para arrojar sus redes. La sierra es el único elemento que nos indica que el filme, que retrata una actividad ancestral, es contemporáneo.

Antes de que el invierno cubra todo con la noche del ártico, algunas horas de luz diurna se entretienen en el otoño tardío de Sumski Posad, una aldea rusa ubicada mil kilómetros al norte de San Petersburgo, a las orillas del Mar Blanco. Conectado al resto del país apenas por una estrecha vía del tren, el poblado vive suspendido en una misteriosa dimensión. La cámara se adentra en la intimidad de los hogares, retratando las relaciones familiares con el majestuoso paisaje gélido como fondo.

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CICLOS

I retrospectiva serguéi loznitsa

Variedades

Mi felicidad

Predstavlenie | Rusia-Alemania | 2008 | 83 min. | D y G: Serguéi Loznitsa. CP: ma.ja.de filmproduktion, St. Petersburger Dokumentarfilmstudio, MDR, Inspiration Films, YLE Teema. Prod: Heino Deckert, Viacheslav Telnov, Svietlana Zinovieva.

Schaste moe | Alemania-Ucrania-Países Bajos | 2010 | 127 min. | D y G: Serguéi Loznitsa. F en C: Oleg Mutu. E: Danielius Kokanauskis. Con: Viktor Nemets (Georgy), Vladimir Golovin (anciano), Aleksey Vertkov (joven teniente), Dmitriy Gotsdiner (comandante), Olga Shuvalova (joven prostituta), María Varsami (María), Boris Kamorzin (transportista). CP: ma.ja.de. Fiction, Sota Cinema Group, Lemming Film. Prod: Heino Deckert, Oleg Kokhan.

Variedades se basa en los materiales de archivo de varios noticieros de propaganda en la URSS durante las décadas de los 60 y 70 del siglo pasado.

El filme muestra el lado prácticamente olvidado de la época soviética y la forma de pensar en aquel periodo. La película explora además la vida de las personas a lo largo de un territorio ruso tan vasto como lleno de adversidad, carencias y rituales absurdos, pero al mismo tiempo iluminado por el brillo de la ilusión comunista.

El milagro de San Antonio

En la niebla

O Milagre de Santo Antonio | Portugal | 2012 | 40 min. | D, G y F en C: Serguéi Loznitsa. E: Danielius Kokanauskis. CP: Curtas Metragens C.R.L. Prod: Jose Nuno Rodrigues.

A mediados de junio, el pueblo de Santo Antonio de Mixoes da Serra, al norte de Portugal, rinde pleitesía a su santo patrón con un festival muy especial. En este día, los granjeros locales traen a sus animales a la iglesia para ser bendecidos. Esta película es acerca de ese peculiar evento.

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PROGRAMA MENSUAL

Un transportista se desvía de su ruta y se adentra en una zona rural de la ex Unión Soviética. Su viaje lo lleva a encontrarse con distintos personajes, marcados por un insalvable desencanto que los arrastra hacia la violencia. Serguéi Loznitsa se adentra por vez primera en los terrenos de la ficción con esta reflexión sobre la miseria moral en la que se sumergieron los otrora países comunistas, cuyos habitantes sobreviven recurriendo a humillantes opciones.

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V tumane | Alemania-Rusia-Letonia-Bielorrusia-Países Bajos | 2012 | 127 min. | D: Serguéi Loznitsa. G: Serguéi Loznitsa, basado en la novela homónima de Vasil Bykaŭ. F en C: Oleg Mutu. E: Danielius Kokanauskis. Con: Vladímir Svirski (Sushenia), Vladislav Abashin (Búrov). CP: ma.ja.de. Fiction, GP Cinema Company, Rijafilms, Lemming Film. Prod: Heino Deckert.

La ocupación nazi de Bielorrusia, en la antigua Unión Soviética, tuvo una fuerte resistencia de parte de los locales. Tras el descarrilamiento intencional de un tren, Sushenia, un empleado de ferrocarriles inocente, es arrestado junto con el grupo de saboteadores. El militar alemán a cargo del asunto lo deja libre, por lo que corren rumores de que es un traidor. Con un uso innovador de la cámara al hombro, Loznitsa retrata la bondad humana en medio de la catástrofe.

retrospectiva serguéi loznitsa

I CICLOS

Reflejos

Reflections | 2013 | Francia-Bosnia-Herzegovina-Suiza-Italia-Portugal-Bulgaria | 17 min. | D: Serguéi Loznitsa.

Reflejos es parte del filme Ponts de Sarajevo, donde trece directores europeos exploran la capital de Bosnia-Herzegovina y su importancia en el panorama internacional de nuestros días.

Carta

Maidan

Pismo | Estados Unidos-Rusia | 2013 | 20 min. | D: Serguéi Loznitsa.

Ucrania-Países Bajos | 2011 | 133 min. | D y G: Serguéi Loznitsa. F en C: Serguéi Loznitsa, Sergiy Stefan Stetsenko, Mykhailo Yelchev. E: Danielius Kokanauskis, Serguéi Loznitsa.

CP: The Netherlands Film Fund, Against Gravity. Prod: Serguéi Loznitsa, Maria Baker.

En una remota aldea al noroeste de Rusia, un asilo para enfermos mentales opera dentro de una casa de madera. El lugar y sus habitantes no parecen ser tocados por la civilización.

Este documental hace una crónica del levantamiento civil en contra del régimen del presidente ucraniano Víctor Yanukovych que tuvo lugar en Kiev a finales del 2013. La película sigue el progreso de la revolución, desde las marchas pacíficas en la plaza de Maiden a las sangrientas batallas entre los inconformes y la policía. Maiden formó parte de la selección oficial del pasado Festival de Cannes.

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CICLOS

I ficunam: retrospectiva carlos mayolo

FICUNAM: RETROSPECTIVA CARLOS MAYOLO Carlos Mayolo es uno de los personajes emblemáticos y controversiales del cine colombiano, además de una referencia para las nuevas generaciones de cineastas. Sin embargo, su trabajo ha encontrado –hasta ahora– pocos canales de difusión.

Guionista, actor, y director conocido sobre todo por hacer un cine definido como “gótico tropical”, estilo que intenta reapropiarse y recrear el cine y la literatura góticas en Colombia durante los años 60 y 70. Se dice que el mismo Mayolo acuñó esta expresión cuando se dio cuenta de que el cine de misterio no se hacía en las selvas inglesas, sino en la exuberancia del trópico. Y aunque el director fuera el primero en enunciar el término con su película La mansión de Araucaíma (1986), éste proviene del autor también colombiano Álvaro Mutis quien escribió la novela homónima en la que se basó el largometraje.

Durante la década de los 60, Cali vivió una intensa actividad cultural en la que, entre otras cosas, nació una generación de intereses variados: literatura, música, cine y arte en general. De esta manera se fundó el Cine Club de Cali en 1971, espacio de encuentro entre los jóvenes que se convirtieron en protagonistas de la actividad cinematográfica de Colombia. El cineclub fue fundado y dirigido por Andrés Caicedo, una figura, como diría el crítico de cine Isaac León Frías, de «personalidad magnética» que moriría a los 25 años después de un periodo de actividad cultural agitado en el cineclub, como crítico cinematográfico y como escritor de guiones y novela.

De hecho, su única novela ¡Que viva la música! se ha traducido a otros idiomas y se considera una iniciación al descubrimiento de los afectos, de la adolescencia, del rock and roll y de la salsa en la ciudad colombiana de Cali.

A este grupo pertenecían Carlos Mayolo y Luis Ospina, amigos cinéfilos que además de ver cine, eran realizadores de un tipo de cine provocador y sumamente crítico con el establishment de la época. Durante varios años, el dúo Mayolo-Ospina realizó varios cortometrajes como Agarrando pueblo (1978), trabajo con el que crearon el manifiesto de la pornomiseria, que definía el tipo de cine documental que se aprovechaba de las imágenes de explotación y marginalidad social para llegar a los festivales de cine y a las pantallas europeas, es decir, cuando la miseria se convertía en mercancía. Después de 1978 la dupla Mayolo-Ospina dejó de serlo para trabajar cada uno en diferentes proyectos sin que dejaran de existir colaboraciones entre ellos. Así, Ospina fue actor de la película La mansión de Araucaíma, uno de los largometrajes de Mayolo pertenecientes al estilo gótico tropical del cine colombiano.

Para nuestra quinta edición, en FICUNAM preparamos un libro sobre este importante director al tiempo que programamos una retrospectiva completa de su trabajo.

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PROGRAMA MENSUAL

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ficunam: retrospectiva carlos mayolo

I CICLOS

Oiga vea

Colombia | 1971 | 27 min. | D: Carlos Mayolo y Luis Ospina. F en B/N: Carlos Mayolo. M: John Philip Souza, Procol Harum, Daniel Santos, Richie Ray y Bobby Cruz. E: Luis Ospina. CP: Ciudad Solar. Prod: Luis Ospina, Carlos Mayolo.

Documental de denuncia sobre los efectos de los VI Juegos Panamericanos que tuvieron como sede la ciudad de Cali en 1971. Mayolo y Ospina se colocaron desde el punto de vista de la gente que no pudo entrar a los estadios, un pueblo con un sinnúmero de necesidades básicas.

Monserrate

Colombia, 1971, 6 min. | D y G: Carlos Mayolo y Jorge Silva. F en B/N: Víctor Morales. CP: Corafilm.

Retrato de la basílica del Señor de Monserrate, ubicada en lo alto del más conocido de los cerros orientales de Bogotá. Este lugar de peregrinación es famoso por su atractivo natural, religioso y gastronómico.

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CICLOS

I ficunam: retrospectiva carlos mayolo

Cali de película

Asunción

Colombia | 1973 | 14 min. | D y G: Carlos Mayolo y Luis Ospina. F en C: Carlos Mayolo. E: Luis Ospina. CP: Cine al Ojo / Cinesistema.

Colombia | 1975 | 15 min. | D y G: Carlos Mayolo y Luis Ospina.

F en C: Roberto Álvarez. E: Luis Ospina. Con: Marina Restrepo, Mónica Silva, Hugo Rivera, Jorge I. Murcia, Pablo Martínez, Arturo Restrepo. CP: Producciones Caligari. Prod: Luis Ospina, Sergio Dow, Octavio Cruz.

Documental satírico sobre la Feria de Cali. Inspirados en A propósito de Niza de Jean Vigo, Carlos Mayolo y Luis Ospina logran atrapar la luz, los fetiches, la imaginería popular y la sangre. La ciudad está repleta de locos poéticos, de momentos paganos, de crucifijos y de rumba.

Asunción, una empleada doméstica, aparece como un personaje resentido a causa del trato imperioso de su patrona, quien la humilla aun frente a extraños.

Cuando la familia sale de viaje, Asunción aprovechará la oportunidad para vengarse de ellos. Mayolo y Ospina intentaron entrar en la estructura económica para mostrar un caso muy particular de rebelión espontánea y libertaria.

Rodillanegra

Agarrando pueblo

Colombia | 1976 | 15 min. | D y G: Carlos Mayolo.

Colombia | 1978 | 28 min. | D, G y Prod: Carlos Mayolo y Luis Ospina. F en C y B/N: Fernando Vélez, Enrique Forero, Oswaldo López, Eduardo Carvajal, y Jacques Marchal. E: Luis Ospina. Con: Luis Alfonso Londoño, Carlos Mayolo, Ramiro Arbeláez, Eduardo Carvajal, Javier Villa, Fabián Ramírez, Astrid Orozco, Jaime Caballos. CP: Sindicato de Artistas y Trabajadores Unidos Para la Liberación Eterna.

Cortometraje sobre un ambicioso grupo de futbolistas aficionados. Uno de sus integrantes, apodado El Pibe, sufre una lesión a causa de una patada y al no poder jugar más, se entrega al alcohol y a las drogas.

Falso documental con tintes sarcásticos que sigue a un grupo de cineastas contratados por un canal de televisión alemán para realizar una película sobre la pobreza latinoamericana. Crítica mordaz a la pornomiseria y al oportunismo de los realizadores deshonestos contemporáneos a Mayolo y Ospina que hacían documentales sociopolíticos en el Tercer Mundo con el propósito de venderlos al extranjero y ganar premios.

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ficunam: retrospectiva carlos mayolo

I CICLOS

Carne de tu carne

Aquel 19

Colombia | 1983 | 94 min. | D: Carlos Mayolo. G: Carlos Mayolo, Jorge Nieto y Elsa Vásquez. F en C: Gabriel Beristain. M: Mario Gómez Vignes. E: Karen Lamassonne, Luis Ospina. Con: Adriana Herrán (Margareth), David Guerrero (Andrés Alfonso), Santiago García (papá de Andrés). CP: Producciones visuales Ltda, FOCINE. Prod: Fernando Berón y Berta de Carvajal.

Colombia | 1985 | 25 min. | D: Carlos Mayolo. G: Umberto Valverde. F en C: Joaquín Villegas. M: Alberto Beltrán. Con: Marcela Agudelo, David Guerrero, Helios Fernández, Nelly Delgado, Orlando Prieto, Felipe Hoyos, Fernando Guevara, Héctor Polo, Adriana Villavicencio, Diana Pérez. CP: FOCINE. Prod: Berta de Carvajal, Liuba Hleap.

Una historia gótica de amor entre un adolescente y su media hermana durante la dictadura militar de los años 50 en Colombia. A través de la relación incestuosa, los amantes son poseídos por los fantasmas de sus antepasados y se convierten en criaturas caníbales y vampíricas que siembran el terror al confundirse con mitos autóctonos. Mayolo reconstruye un realismo histórico vuelto mágico al resucitar los símbolos de poder para develar la estructura política de su país.

El barrio Obrero de Cali, 1965. Dos adolescentes, Alberto y Rosa, protagonizan una contradictoria historia de amor caracterizada por encuentros furtivos para burlar la severa vigilancia del padre de la novia. Sus momentos están enmarcados por la música tropical de la época, el ritmo estrepitoso de sus pandillas y su poético final trágico. Cuando la intolerancia se vuelve irresistible, ellos no tendrán otro camino que unirse para siempre.

La mansión de Araucaíma

Colombia | 1986 | 85 min. | D: Carlos Mayolo. G: Julio Olaciregui, Philip Priestley, Carlos Mayolo y Sandro Romero Rey, basados en la novela homónima de Álvaro Mutis. F en C: Rodrigo Lalinde. M: Germán Arrieta y Carlitos Gómez. E: Karen Lamassonne y Luis Ospina.

Con: Adriana Herrán (Ángela), José Lewgoy (Don Graciliano), Vicky Hernández (La Machiche), Carlos Mayolo (Paul), Alejandro Buenaventura (el fraile), Luis Fernando Montoya (Camilo, el piloto), David Guerrero (novio de Ángela), Luis Ospina (el dueño), Antonio Pitanga (Cristóbal, el sirviente). CP: FOCINE. Prod: Berta de Carvajal.

Una vieja casona encierra a seis personajes singulares que subsisten en una rutina de hedonismo y vida sin propósito, hasta que irrumpe en ella una joven actriz que desatará todo tipo de pasiones y desencuentros. Enmarcada en el gótico tropical, esta obra de Mayolo es una reconstrucción de la jerarquía social con sus vicios y limitaciones.

La división de clases, el bipartidismo, la lucha entre la juventud rebelde y la adultez dominante son algunos de los temas retratados con dramatismo y humor.

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I Democracia en blanco y negro

Democracia en blanco y negro Democracia em Preto e Branco | Brasil | 2014 | 82 min.

D y G: Pedro Asbeg. F en C: Rodrigo Graciosa. M: Lucas Marcier, Fabiano Krieger. E: Renato Martins. Testimonios: Sócrates Brasileiro, Juninho, Luiz Inácio Lula da Silva, Walter Casagrande, Sérgio Groisman. CP: TvZERO, ESPN. Prod: Gustavo Gama Rodrigues, Rodrigo Letier.

A principios de los 80 la fotografía en blanco y negro había cedido su terreno ya al color, y el video avanzaba sobre la soberana tecnología televisiva. El mestizaje, por otro lado, llevaba larguísimo tiempo consolidado en la geografía social de Brasil. La dictadura política que sometía a ese país desde 1964, sin embargo, se mantenía en el poder, y aunque en esencia ya no ostentaba la fuerza que tuvo a finales de los 60, seguía manteniendo el control tanto de las instituciones estatales como de los principales medios de comunicación, incluida, por supuesto, la poderosa red de televisión Globo.

Pensando desde un sistema de estereotipos, en el concepto cultural de Brasil el futbol se convierte en un elemento difícilmente disociable. Sin lugar a dudas, tanto a nivel social como cultural, el llamado “deporte más popular del mundo” se ha arraigado de manera tan profunda en la cultura brasileña que la existencia cotidiana de una parte considerable de su población encuentra en el ritual del juego o la afición una práctica ordenadora del mundo.

En Democracia en blanco y negro, el documental de corte histórico y filiación de izquierda del director carioca Pedro Asbeg, alguno de los muchos periodistas y músicos que brinda su testimonio a lo largo de la película lo dice con toda claridad: «Para mi generación, durante esos años a finales de la dictadura, había tres cosas que importaban en la vida: política, rock y futbol».

Aunque en la película de Asbeg parece ser el futbol el tema central, es en realidad el cruce de estos tres elementos lo que tonifica al argumento. Sí, el futbol ha sido y es y probablemente será una especie de religión para el imaginario citadino brasileño, pero también lo es la música,

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Democracia en blanco y negro

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y la conjunción de ambos puede derivar en el surgimiento o fortaleza de una ideología política; en el caso de Sao Paulo a principios de los 80, la llamada “Democracia Corinthiana”, un particular movimiento que combinó la potencia musical del rock (y sus bandas tipo Talking Heads) con la fuerza repentina de un equipo que insólitamente subió como la espuma de la mano de un director técnico con estudios en sociología: el Corinthias.

Democracia en blanco y negro se enfoca casi principalmente en la figura del líder moral del Corinthias y su personalidad magnética: el médico, estrella de futbol y activista prodemocracia Sócrates, un tipo que junto a sus compañeros, un puñado de jugadores profesionales a mitad de camino entre el activismo político y el estilo desaliñado y liviano del rock and roll, influenciaron a una parte importante de la juventud de Sao Paulo en su rechazo al establishment conservador del gobierno militar del entonces presidente João Baptista de Oliveira Figueiredo.

Lo que Asbeg mejor logra en su retrato del equipo y sus estrellas (Vladimir, el negro explosivo cazador furtivo de goles; Walter Casagrande, el centro delantero juvenil con look y temperamento de Robert Plant; y el propio Sócrates) es la definición de un movimiento cultural que convirtió al futbol en una brazo atlético del Tropicalismo al mejor estilo de Chico Buarque.

Fragmentos de un texto de Gustavo E. Ramírez Carrasco Icónica, N° 11 Marzo de 2015

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I El silencio de las moscas

El silencio de las moscas Venezuela | 2013 | 92 min.

D y G: Eliezer Arias. F en C: Gerard Uzcátegui. M: Leo Blanco. E: Charles Martínez. CP: Nortesur Producciones, C.A. Prod: Raúl Bravo, Eliezer Arias, Charles Martínez. Dist: Artegios Distribución.

El silencio de las moscas de Eliezer Arias surgió de investigaciones sobre los suicidios en los pueblos de Mérida, en Venezuela. Visualmente, el documental se destaca por una cámara que vuela como los insectos del título, o como si se desprendiera de lo material, como un fantasma.

Cuénteme un poco de los pueblos de los Andes en los que se rodó el documental y del problema de los suicidios en esos lugares.

Son comunidades localizadas en los páramos de Mérida, específicamente dos: Mucuchíes y Pueblo Llano. En esta última se desarrollan la mayoría de las historias paralelas y es la comunidad donde mayor información hemos recolectado en los últimos años. Es importante que se sepa sobre lo que está sucediendo en los páramos de Mérida y en otras comunidades rurales en Venezuela. He encontrado en nuestras investigaciones que los datos estadísticos oficiales están subestimados y esconden una realidad muy grave. En el caso de Pueblo Llano encontramos tasas de suicidio que duplican las de países relacionados con ese fenómeno, como, por ejemplo, Japón.

Venía de trabajar la problemática indígena en [el documental] Nuestra historia está en la tierra (2008). ¿Cómo llegó a este otro tema?

Desde 2004 empecé a sistematizar información sobre casos de suicidio en Pueblo Llano, donde llevé a cabo mi tesis doctoral, y en 2005, junto con la documentalista y antropóloga Manuela Blanco, realizamos un pequeño audiovisual sobre algunas historias de suicidio. En un principio el documental estaría basado en historias de cinco países. Sin embargo, en 2009 tuve la oportunidad de ganar una

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beca de la Fundación Carolina y hacer una estancia en Madrid, en el marco del Curso Iberoamericano de Proyectos Cinematográficos. Allí tuve de tutora a Lucrecia Martel, con quien tuve discusiones muy interesantes y que me llevó a enfocar la historia sólo en el caso venezolano. ¿Cómo fue el acercamiento a personas en esa situación tan delicada? ¿Cómo trabajó con ellos en el rodaje?

Desde el comienzo del proyecto tenía claro que serían dos historias principales, las experiencias de dos madres en duelo. En 2010 conocí la historia de María José, que se volvió obsesiva para mí, debido a la cantidad de aristas que tenía y que le daban al tema del suicidio la complejidad que realmente tiene, su multicausalidad. Ya con el rodaje iniciado, y gracias a entrevistas realizadas previamente a casi 30 familiares que habían sufrido pérdidas similares, me encontré con la historia de Nancy.

La coincidencia de las historias de María José y Nancy, quienes habían muerto el mismo año y a la misma edad, me llevó a escogerlas. Todas las entrevistas que aparecen en la película se hicieron en privado, sólo la persona entrevistada, mi sonidista y yo. Por el hecho de ser un documental sobre el dolor y la ausencia, quería ensayar cómo podemos, en la representación visual, dar presencia a la ausencia, cómo filmar el dolor y la ausencia.

Fragmentos de una entrevista de Pablo Gamba a Eliezer Arias Ideas de Babel (ideasdebabel.com) Venezuela, 5 de mayo de 2014

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I jauja

Jauja Argentina-Dinamarca-Francia-México-Estados Unidos-Alemania-Brasil-Países Bajos | 2014 | 108 min.

D: Lisandro Alonso. G: Fabián Casas, Lisandro Alonso. F en C: Timo Salminen. M: Viggo Mortensen, Buckethead. E: Gonzalo del Val, Natalia López. Con: Viggo Mortensen (capitán Gunnar Dinesen), Viilbjørk Malling Agger (Ingeborg), Ghita Nørby (chica de la cueva), Adrián Fondari (Pittaluga), Esteban Bigliardi (Ángel Milkibar). CP: Les Films du Worso, 4L, Perceval Pictures, Fortuna Films, Mantarraya. Prod: Ilse Hughan, Andy Kleinman, Viggo Mortensen, Sylvie Pialat, Jaime Romandía.

Dist: ND Mantarraya.

El nuevo filme de Lisandro Alonso arranca con un cartel que habla de la leyenda de Xauxa, una suerte de paraíso terrenal, un lugar mitológico que muchos han buscado desde tiempos inmemoriales.

Y precisamente de una búsqueda trata la que es su película más ambiciosa (en todo sentido) hasta la fecha. Ambiciosa porque tiene un nivel de producción varias veces más importante que sus filmes anteriores, porque cuenta con una estrella de relieve internacional como Viggo Mortensen como protagonista (y coproductor y músico), porque incursiona –con muchas libertades, es cierto– en el cine de época (con la ayuda del coguionista Fabián Casas), y porque por primera vez apuesta por lo narrativo sin por ello despegarse por completo de lo experimental.

El director de La libertad (2001), Los muertos (2004), Fantasma (2006) y Liverpool (2008) (película esta última con la que mantiene más de un punto en común) se traslada otra vez al sur y, más precisamente, a los tiempos de la Conquista del Desierto para narrar las desventuras de un militar danés cuya hija adolescente se fuga con un soldado raso, petiso y criollo. En esa tierra inhóspita, en medio de trincheras y de la guerra contra el indio, el protagonista saldrá en busca de la joven quinceañera, mientras empieza a apreciar los estragos que ha causado en la región un legendario coronel llamado Zuluaga.

Si bien en el filme hay un poco de todo (tiroteos, secuestros, persecuciones, torturas, cadáveres, encuentros místicos y más), Alonso nunca abandona del todo el estilo minimalista y contemplativo de sus trabajos previos. Hay, sí, elementos de género más fuertes (desde el western hasta el melodrama), pero el director no cede a la tentación de recurrir a resoluciones y golpes de efecto propios de un cine más industrial.

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jauja

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Puede que algunos vean a Jauja como la película más «convencional» de Alonso, pero no es mi caso. Es igual (o más) audaz que su obra anterior (con el riesgo adicional de estar hablada en buena parte en danés) y con una apuesta hasta metafísica y espiritual por demás arriesgada (con diferentes dimensiones y viajes temporales). Estamos ante un Alonso más maduro y más consciente de sus búsquedas y de las herramientas a su alcance, un realizador que apuesta al cambio sin traicionarse, que se plantea nuevos desafíos manteniéndose fiel y honesto a sus convicciones.

En Jauja, en la que trabajó por primera vez con el notable fotógrafo finlandés Timo Salminen, habitual colaborador de Aki Kaurismäki, hay algo del cine del Miguel Gomes de Tabú (2012) y de la filmografía de Albert Serra, pero también esa capacidad para conseguir climas hipnóticos, oníricos y fascinantes. Un director que no busca la poesía de manera premeditada, presuntuosa ni artificial, pero cuya extraña sensibilidad hace que sus imágenes posean una carga lírica y una belleza infrecuentes en el cine contemporáneo.

Fragmentos de un texto de Diego Batlle Otros Cines (otroscines.com) Cannes, 24 de abril de 2014

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I memorias que me contaron

Memorias que me contaron A Memoria que me Contam | Brasil-Chile-Argentina | 2012 | 100 min.

D: Lúcia Murat. G: Lúcia Murat y Tatiana Salem Levy. F en C: Guillermo Nieto. M: Diego Fontecilla.

E: Mair Tavares. Con: Irene Ravache (Irene), Simone Spoladore (Ana), Franco Nero (Paolo). Clarisse Abujamra (Zézé), Hamilton Vaz Pereira (Henrique), Mário José Paz (Dr. Guillermo), Miguel Thiré (Duda). CP: Taiga Filmes, Ceneca Producciones, Cepa PC: Cineteca Nacional.

Aunque la Comisión de la Verdad sea una buena (pero frágil) iniciativa, es inexplicable que Brasil, casi 30 años después del fin de la dictadura, todavía no haya hecho un esfuerzo real para resolver los crímenes cometidos por los militares durante aquel periodo pavoroso de nuestra historia reciente.

Al contrario de lo que algunos oficiales cobardes insisten en decir, no se trata de “venganza” (porque la “venganza” ya fue conquistada en las urnas), sino de justicia y cicatrización para las heridas que insisten en sangrar. No es nada más porque sí que tantos jóvenes en Brasil muestran un sesgo peligrosamente reaccionario al apuntar a la lucha revolucionaria como un movimiento “terrorista” (término usado por la dictadura), pues al contrario de lo que ocurrió en países hermanos como Chile y Argentina, los militares brasileños que asesinaron fríamente jamás fueron expuestos ni castigados, lo que crea sobre ellos una atmósfera injusta de inocencia disfrazada de “daños colaterales de guerra”. Esto, sin mencionar la importancia del proceso de cicatrización emocional y psicológica de toda una generación, es lo que aborda con sensibilidad inigualable la cineasta Lúcia Murat en su bellísimo Memorias que me contaron.

Escrito por Murat al lado de Tatiana Salem Levy, el largometraje es un abierto homenaje a la exguerrillera Vera Sílvia Magalhães, que aquí tiene el nombre de Ana y mueve la narrativa al entrar en coma debido a diversos problemas de salud. Conducida a rememorar la juventud revolucionaria junto a su amiga, la propia Murat, encarnada en el personaje de Irene Ravache, comienza a tener conversaciones imaginarias con la versión joven de Ana (Simone Spoladore), mientras, en

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memorias que me contaron

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compañía de varios excompañeros de lucha, visita el hospital donde ella se encuentra internada.

Por otro lado, el hijo de la protagonista, el artista plástico Duda (Miguel Thiré) prepara una nueva instalación y se vuelve a encontrar con Chloe, una amiga de la infancia que también tuvo en Ana la figura de una tía excéntrica, problemática y al mismo tiempo divertida.

Claramente un ejercicio terapéutico para Lúcia Murat, Memorias que me contaron, representa una narrativa casi metalingüística en su abordaje a los recuerdos de la(s) cineasta(s) –la real y la imaginaria. La película no sólo es un homenaje a Vera Sílvia Magalhães, sino a todos aquellos que enfrentaron la dictadura y fueron destruidos por ella. Se trata de una pequeña opera prima que toca fibras sensibles no únicamente por sus méritos artísticos sino también por sus alcances políticos.

Fragmentos de un texto de Pablo Villaça Cinema em Cena (cinemaemcena.com.br) Brasil, 22 de octubre de 2012 Trad. Gustavo E. Ramírez Carrasco

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I pulp: una película sobre la vida, la muerte y los supermercados

Pulp:

una película sobre la vida,

la muerte y los supermercados Pulp: A Film about Life, Death & Supermarkets | Reino Unido | 2014 | 90 min. | D: Florian Habicht. G: Jarvis Cocker y Florian Habicht, Peter O’Donoghue. F en C: María Inés Manchego. M: Pulp. E: Peter O’Donoghue. Testimonios: Jarvis Cocker, Nick Banks, Candida Doyle, Richard Hawley, Steve Mackey. CP: Pistachio Pictures. Dist: Interior 13.

En Pulp: una película sobre la vida, la muerte y los supermercados se explora la atractiva esencia de la banda de britpop a la que alude el título. Un ingenioso documental que captura a las estrellas de “Common People” cuando se reúnen en diciembre de 2012, para un último concierto en su ciudad natal de Sheffield, al norte de Inglaterra. Previsiblemente dominado por la mente original y presencia física y angular del líder de la banda, Jarvis Cocker, el foco de la historia recae en la ciudad siderúrgica de Yorkshire del Sur, proporcionando –de forma acumulativa– pistas respecto a la silenciosa y extraña sensibilidad de la banda. El resultado es una seductora celebración de la humanidad que bien podría resonar más allá de la base de sus fanáticos.

Desde el principio, el director Florian Habicht (nacido en Alemania y criado en Nueva Zelanda), indica que su filme aspira a más que la familiar mezcla de grabaciones de presentaciones, atisbos tras bambalinas y videoclips de archivo. El cineasta se muestra igual de interesado en la propia ciudad de Sheffield y, en especial, en sus habitantes.

Pronto se presenta a Sheffield como una ciudad que no es fácil de impresionar. El veredicto «no tocan mal», evidentemente marca las altas expectativas para un cumplido. Esto hace que el concierto del regreso no sea una coronación fácil como uno podría esperar, y la banda (que se tomó un descanso del 2003 al 2011, después de haber vendido 10 millones de álbumes) parece realmente nerviosa por el resultado.

Una fanática de edad avanzada –una de las numerosas personas mayores locales destacadas– describe a Pulp como «más melódico» y «con mejores palabras» que sus contemporáneos

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pulp: una película sobre la vida, la muerte y los supermercados E S T R E N O S

Blur, mientras que un hombre alemán más joven después ubica su inconfundible atractivo, ya que ofrecen «momentos de la vida real y los expresan de manera maravillosa». Son descripciones que le van bastante bien, pero lo es también la curiosa energía sexual de Cocker, aparentemente contradictoria a su vestuario geek-chic y su físico larguirucho, un ingrediente clave celebrado en canciones como “Underwear” y “This is Hardcore”.

En general, el tema fuerte del filme es el proceso de envejecer. Habicht despliega coros de damas a capela con efectos conmovedores, en especial en el evento de caridad Victoria Live at Home, donde un grupo interpreta la canción “Help the Aged” de la banda mientras que están sentados en un café, leyendo chismes de celebridades y revistas de crímenes reales. Es en secuencias como esta que el subtítulo de la cinta (Una película sobre la vida, la muerte y los supermercados) reluce en un enfoque más nítido. «Las estrellas del pop no tienen enfermedades, tienen adicción a las drogas», reflexiona con pesar la tecladista, Candida Doyle, sobre su propia artritis –la cual le fue diagnosticada cuando era adolescente. Como se celebra en el cálido y humano documental de Habicht, Pulp siempre ha sido desafiantemente diferente.

Fragmentos de un texto de Charles Gant Variety (variety.com) Londres, 9 de marzo de 2014 Trad. Karen Salgado Beltrán

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I Stella cadente

Stella cadente España-Italia | 2015 | 111 min. | D, G y Prod: Luis Miñarro. F en C: Jimmy Gimferrer. E: Núria Esquerra. Con: Àlex Brendemühl (Amadeo), Lola Dueñas (la cocinera), Lorenzo Balducci (asistente del rey), Bárbara Lennie (María Victoria), Francesc Garrido (ministro Serrano), Àlex Batllori (criado), Gonzalo Cunill (ministro Zorrilla), Francesc Orella (obispo). CP: Eddie Saeta S.A., Institut Català de les Empreses Culturals (ICEC), Puglia Film Comission. Dist: ND M. Ventas Internacionales.

Dice Luis Miñarro que Stella cadente será probablemente la última película que produce después de 17 años y 30 títulos. Un filme que pone el punto final a una trayectoria como productor que le ha llevado a ganar una Palma de Oro en Cannes, con La leyenda del tío Boonmee (Loong Boonmee raluek chat, 2010) y a estar detrás de los proyectos más arriesgados y audaces del reciente cine de autor en nuestro país [España], además de sus colaboraciones con Manoel de Oliveira y Naomi Kawase.

En Stella cadente nos propone una mirada hacia la historia de España para descubrir a un rey tan breve como prácticamente olvidado, Amadeo de Saboya, quien reinó desde 1870 a 1873 en una época convulsa marcada por la inestabilidad política, el empobrecimiento del país y la lucha de los estamentos tradicionales, nobleza e iglesia, por mantener sus amplios privilegios en unos tiempos en los que corrían aires liberales por España. La impotencia de un rey ilustrado que nada puede hacer contra unos poderes fácticos que lo tratan como una marioneta y que vive enclaustrado en un castillo marcado por las tensiones sexuales es el asunto de este filme que busca adentrarse en los lastres de una nación acosada por las deudas y la ignorancia. ¿De dónde surge su interés por un monarca tan olvidado por la Historia?

Cuando era pequeño mi abuela me regaló un duro de plata con la efigie de Amadeo de Saboya que siempre ha estado en mi despacho. Quizá todo viene de allí. El hecho de ser alguien oscuro, casi un rey de alquiler sobre el que apenas hay documentación, te permite poner en marcha la imaginación. Sí sabemos que leía a los progresistas de la época, como Leopardi, que le gustaban Verdi y Wagner y creía profundamente en la separación entre Iglesia y Estado. También sabemos

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que era un voyeur que leía novela erótica y que tuvo una amante en España. A partir de aquí, fabulamos. También he aprovechado para liberar fantasmas propios.

Amadeo es un rey trágico que está aislado en palacio. ¿Quería hacer un retrato psicológico de la frustración?

Me interesaba explorar la soledad y también la idea de liberación. Vemos a un individuo aislado en un contexto aparentemente hostil, ese castillo es como un ovni, un país desconocido en el que apenas llega asesinan a su principal valedor, el general Prim. Pero no es una película rígida ni solemne.

Funciona como el mecanismo de un juego, retrata el paisaje mental del rey y en este sentido es ambigua, es contradictoria, porque los seres humanos lo somos. ¿Qué papel juega ese castillo en el que los personajes viven atrincherados?

Esta película es como un trampantojo con puertas que se abren y se cierran. El cine tiene que ganar esa capacidad para transmitir lo inconsciente. Ese erotismo tiene varias lecturas. La puesta en escena de la película, muy teatral, tiene influencias del cine portugués y de Manueal de Oliveira pero no es pesimista. Es voluptuosa, luminosa, mediterránea y muy latina. No me interesaba que los actores aprendieran el guión de carrerilla, he trabajado con ellos desde la sensualidad.

Fragmentos de una entrevista de Juan Sardá a Luis Miñarro El Cultural (elcultural.es). Madrid, 30 de mayo de 2014

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I súper nada

Súper nada Super nada | Brasil-México | 2012 | 94 min.

D: Rubes Rewald y Rossana Foglia. G: Rubens Rewald. F en C: Helcio Alemão Nagamine. M: Claudio Faria, Natalia Mallo, Danilo Penteado, Mariá Portugal, Camilo Froideval, Raul Vizzi. E: Willem Dias.

Con: Marat Descartes (Guto), Jair Rodrigues (Zeca), Clarissa Kiste (Lívia), Cristiano Karnas (Dani). CP: Confetaria de Cinema, Santa Lucía Cine. Prod: Rubens Rewald, Leonardo Mecchi. Dist: Nueva Era.

Una chica clown cuenta que, cierto día, algo olorosamente desagradable apestaba en su casa. Al final, luego de resignarse y limpiar dos veces el espacio, se percató que su zapato tenía popó. Ese acto posteriormente se convirtió en una escena cómica. La vida del clown, entendida en este contexto, son esas situaciones de las cuales formamos parte para reírnos, encabronarnos o reaccionar.

Súper nada es el segundo largometraje de Rubens Rewald, pieza codirigida con Rossana Foglia.

Es una tragicomedia que narra los obstáculos de Guto (Marat Descartes), quien busca cierta consagración profesional en la actuación, y específicamente en la comedia. Él es devoto admirador de un programa televisivo que ironiza sobre situaciones cotidianas llamado Súper nada, presentado por las ocurrencias de Zeca, un añejo actor, cantante de samba y bailarín, aquí interpretado por el músico Jair Rodrigues.

Guto es un comediante que en su vida podría definirse como un clown, sin que necesariamente él lo sepa. Se preocupa por el gran papel de su vida. Con ojos de niño y mirada ingenua, juega con fuego, con la existencia, con el tiempo. Está atrapado dentro de un cuerpo adulto; no se da cuenta de lo que pisa, de lo maloliente y fastidioso que se ha tornado su camino. Por otro lado, su admirado Zeca es un clown consciente que no halla la diferencia entre la realidad y fantasía; para él una se continúa en la otra. Aplaude la mofa larga y alborotadora del chiste melancólico de la vida con un carácter desfachatado y narcisista.

La vida de Guto, Zeca, y el resto de los personajes que conforman esta trama son posiblemente una metáfora a la supervivencia de cualquier persona en la que todos, finalmente, somos actores

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del gran teatro que se llama vida. Los espacios sobre los que transita la cautelosa fotografía a cargo de Hélcio Alemão Nagamine son el oxímoron.

En casa, todo apacible, resguardado, lleno de amarillo; en cambio, tanto afuera por las calles, como en su departamento, la atmosfera está cubierta de un neutro, tétrico y lastimero sitio con algunos acentos cromáticos como el collage-altar de su pared o la reverberación de los grafitis en donde artistas de madrugada decoran proclamas gráficas en el oasis de las bardas.

Súper nada es un eco cálido, una reminiscencia de En presencia de un payaso (Larmar och gör sig till, Ingmar Bergman, 1997) en donde se establece un paralelismo entre el cine y el teatro con una tenue línea entre lo real y la ficción de la inexorable finitud de la vida. El fantasma en la película de Bergman personifica a la muerte como un payaso desdentado y dotado de atributos sexuales femeninos. En Súper nada es Zeca quien hace su aparición encarnando el estruendo, lo exagerado, lo distorsionado e irrisorio. El pastelazo o la bofetada, la risa fastidiosa de nuestra verdad más profunda.

Fragmentos de un texto de Iranyela López F.I.L.M.E. (filmemagazine.mx) Ciudad de México, 25 de julio de 2014

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I TIMBUKTU

Timbuktu Francia-Mauritania | 2014 | 97 min. | D: Abderrahmane Sissako. G: Abderrahmane Sissako y Kessen Tall. F en C: Sofian El Fani. M: Amine Bouhafa. E: Nadia Ben Rachid. Con: Ibrahim Ahmed dit Pino (Kidane), Toulou Kiki (Satima), Abel Jafri (Abdelkrim), Fatoumata Diawara (cantante), Hichem Yacoubi (yihadista), Kettly Nöel (Zabou). CP: Les films du Worso, Dune Vision. Prod: Etienne Comar, Sylvie Pialat, Rémi Burah y Olivier Père. Dist: ND Mantarraya.

La extensión del dominio yihadista desde hace quince años pone en entredicho la idea que se tiene de la humanidad. Era largamente esperada la cinta que pondría la medida artística, y no solamente sociológica, política o espectacular, de los confines de este fenómeno.

Con Timbuktu, de Abderrahmane Sissako, encontramos esta cinta de horror yihadista en las pantallas. La película es toda una enunciación de autor. De origen mauritano, estudiante en Mali, formado en cine en la Unión Soviética e instalado en París, Sissako no tiene más que cuatro películas en una carrera inaugurada desde 1989. La desgarradora fuerza de sus trabajos, que ejerce con fragilidad, y la vencedora belleza de su cine dentro de la precariedad se presentan también en Timbuktu, que añade una excepcional calidad artística a las resonancias funestas de la actualidad.

La puesta en escena nos expone el estado de excepción a través de dos voces paralelas que terminan por cruzarse trágicamente. El dominio musulmán sobre una villa africana determina el destino de una familia tuareg y su entorno, en donde un hombre será condenado a muerte por matar accidentalmente a un pescador. El resto no es más que inteligencia y belleza. Una inteligencia de la representación de los verdugos, menos diabólicos y más hombres. Grotescos, cínicos e hipócritas. Sordos y ciegos ante el mal que cometieron.

El fanatismo se muestra como un registro terrorífico del sinsentido, pero éste aparece a su vez como una inagotable y universal fuente de humor: un ex rapero belga que silencia todos sus ensayos de video-propaganda; un hombre con un megáfono que ronda la villa; un creyente que

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TIMBUKTU

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fuma en secreto. Sin embargo, bajo el humor, el horror acecha con un nudo en la garganta cuando se azota a una joven sorprendida al cantar, cuando se asesina a un padre de familia inocente.

La apuesta estética del filme recupera su dimensión moral: los verdugos son agresivos porque no saben otra cosa más que insultar y destruir la belleza del mundo y de los hombres. Las víctimas son bellas porque son la protesta viva, encarnada contra esta sequía, sin duda desesperada, de la vida. ¿De qué lado tenemos que alinearnos? Sin grandes discursos, en Timbuktu el asunto se juega psicológicamente al nivel del cuadro. Legítimo es lo que contribuye a vivir habitablemente, armoniosamente. Ilegitimo es lo que obstruye, la fuerza que se hace violencia. Es así de simple.

Fragmentos de un texto de Jacques Mandelbaum Le Monde (lemonde.fr) París, 9 de diciembre de 2014 Trad. Edgar Aldape Morales

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ESTRENOS

I un día en ayotzinapa 43

Un día en Ayotzinapa 43 México | 2015 | 102 min. | D, G y Prod: Rafael Rangel. F en C: León Nik. E: Luis E. Flores. Con: David Hernández, Ernesto Guerrero Cano, Daniel de la Cruz López, Lucía López Santiago, Minerva Sánchez, Cinerio García, Minerva Sánchez. CP: Insurrección Films.

Una cámara que transita en línea recta sobre la Autopista del Sol conforme la tarde avanza y las tonalidades del día pasan de amarillas a azuladas; no hay música, no hay voz en off, sólo un camino recto de revela los carriles de los autos y las luces fugaces de la carretera. Ya de noche, los faros del auto que nos conduce muestran un paraje referencial: tres grandes pancartas con fotografías de jóvenes, colocados uno junto al otro y bordeando el camino anuncian la entrada a Ayotzinapa, Guerrero, desde finales del año pasado, el pueblo más tristemente célebre de México.

Son finales de octubre de 2014 y en la plaza del pueblo guerrerense, en el centro de la pequeña cancha de basquetbol (casi común a todas las comunidades rurales del centro y sur del país), iluminada y vigilada por vecinos las 24 horas del día, se observan pequeños altares con fotos de jóvenes estudiantes: algunos de los 43 que apenas un mes atrás desaparecieron del radar, presuntamente capturados por la corrupta policía de la vecina ciudad de Iguala para ser entregados a un grupo criminal y desatar, así, la crisis sociopolítica más pronunciada de los últimos años en nuestro país.

Pero Un día en Ayotzinapa 43, como se titula la más reciente película del documentalista mexicano Rafael Rangel no es un recuento de los hechos acaecidos ese 26 de septiembre, ya bastante cronicados por los medios de comunicación y comentados todos los días en los foros de análisis político y los artículos de periódicos y revistas como La Jornada y Proceso. Es, más bien, una incursión intimista a un poblado en estado de sitio, epicentro simbólico de una tensión política que ha

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PROGRAMA MENSUAL

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un día en ayotzinapa 43

I ESTRENOS

estallado para colocar al desprestigiado sistema político mexicano en la más grave de sus crisis desde finales de los años 60.

La cámara de Rangel se introduce en la escuela rural a la que pertenecían los jóvenes desaparecidos, nos muestra las aulas y el auditorio, los patios y los dormitorios, los murales del Che y Emiliano Zapata pintados sobre las paredes de la Normal que alguna vez acogió al legendario Lucio Cabañas, emblema guerrillero y santo patrono de esta escuela que muchos años después mantiene su vena contestataria pese al acoso y la guerra declarada.

Gustavo E. Ramírez Carrasco Cineteca Nacional

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M A N T I N É I N FA N T I L

I osos

osos Bears | Estados Unidos | 2014 | 78 min. | D: Alastair Fothergill y Keith Scholey. F en C: Sophie Darlington, John Shier, Warwick Sloss, Gavin Thurston, Mark Yates, Matthew Aeberhard, John Aitchison y Mark Smith M: George Fenton. E: Andy Netley. Con: John C. Reily (narrador). CP: Disneynature Productions. Prod: Daniel Hassid.

Disneynature es una marca de cine, dentro de The Walt Disney Company que incluye no sólo filmes sino también videos y galerías de fotos. En los últimos años estrenó La Tierra (Earth, 2007) y Chimpancés (Chimpanzee, 2012). Ahora presenta Osos que, con el relato en off del actor John C. Reily, sigue a una osa y sus dos cachorritos en su primer año de vida en Alaska.

Este tipo de documental tiene su fin didáctico, a la par que muestra enseñanzas de vida. La madre de las dos pequeñas crías debe realizar una extensa travesía por montañas nevadas hasta llegar a la costa, para poder alimentarse de peces, principalmente salmones. Sin embargo, el camino no resultará sencillo. Al margen de una avalancha de nieve, lluvia y demás, otros dos osos enormes están al acecho, y un lobo mira con ojos de hambre a los hermanitos.

El punto de vista es fundamental. Si el documental estuviera centrado en los salmones, que son pescados y devorados frente a la cámara por los osos, éstos aparecerían como la amenaza y los malos de la película. No es el caso de Osos. Otra duda fundamental es cómo hicieron los realizadores para retratar y reflejar lo que cuentan. Para dilucidarlo, uno debe ver los créditos finales para observar a los entrenadores en su interacción con los osos. El fin justifica los medios.

Osos es un documental entretenido, cuyos momentos de humor, aventura y peligro nos refleja enseñanzas de vida. Ese es el objetivo de este trabajo.

Fragmentos de un texto de Paolo O. Scholz Clarín (clarin.com) Buenos Aires, 17 de abril de 2004

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PROGRAMA MENSUAL

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AL AIRE LIBRE

I korta presenta: intoxicaciones artificiales

KORTA presenta: intoxicaciones artificiales Este programa está dedicado a trabajos cinematográficos abstractos producidos por pioneros de la exploración con video sintetizadores, gráficos por computadoras, colores excéntricos y sugestivas imágenes líquidas. Como todos los programas de cortometraje de KORTA, el objetivo de estas sesiones es difundir trabajos destacados en formato corto que han sido ignorados por los intereses convencionales de la historia y la crítica cinematográfica y de arte. Todo esto con la intención de darles un espacio de participación y visibilidad en el contexto contemporáneo.

Corrientes de carne Flesh Flows | 1974 | D: Adam Beckett.

Metamorfosis

Metamorphosis | 1974 | D: Lillian Schwartz.

Doce

Twelve | 1977 | D: Beth Block.

Pixillation

1970 | D: Lillian Schwartz & Ken Knowlton.

Aether

1972 | D: Daina Krumins.

Dejando el siglo XX

Leaving the 20th Century | 1982 | D: Max Almy.

Dockland D: Ferninand Metz.

Colorado colorido

Colorful Colorado | 1974 | D: Phil Morton.

Droga virtual

Virtual Drug | 1992 | D: Haruhiko Shono.

Ars Electronica 1992 | D: Phil Morton.

Acércate

Come Closer | 1952 | D: Hy Hirsch.

Triángulo de las Bermudas condensado

Condensed Bermuda Triangule | 1982 | D: Ron Hays.

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PROGRAMA MENSUAL

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marzo

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korta presenta: intoxicaciones artificiales A L A I R E L I B R E

El ojo de la mente: Una odisea animada por computadora The Mind’s Eye: A Computer Animation Odyssey | D: Jan Nickman.

Digit

1980 | D: Ron Hays.

Catálogo

Catalog | D: John Whitney, 1961.

Oleadas de video

Video Weavings | 1976 | D: Stephan Beck.

Silencio

Silence | 1968 | D: Jules Engel.

Cañón de nieve

Snow Canon | 1981 | D: Denise Gallant & Brian Samuels.

Movimientos calculados Calculated Movements | 1985 | D: Larry Cuba.

Arcoíris

Rainbow | 1981-1983 | D: Denise Gallant & Brian Samuels.

Arabesque

D: Larry Cuba & John Whitney.

Por los caminos carmesí de Cyttorak

By The Crimson Bands of Cyttorak | 1978 | D: Tom DeFanti y Barbara Sykes.

Duración Total: 90 min.

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AL AIRE LIBRE

I la vuelta a la bici. itdp-bicycle film festival méxico

La vuelta a la bici ITDP-Bicycle Film Festival México Pocos objetos han impactado tantos aspectos de la vida humana como lo ha hecho la bicicleta. Ha tenido un papel clave en el proceso de emancipación femenina, conecta comunidades y facilita el acceso a servicios básicos como la educación y el agua, además de dar autonomía a personas con discapacidad. A la vez, es objeto de entretenimiento, transporte y sustento.

La vuelta a la bici es una exposición que toma a la bicicleta como objeto de diseño y la celebra como uno de los mejores inventos en la historia de la humanidad. Esta exposición, que se presenta en el Museo Franz Mayer, amplía su escenario de exhibición a otros terrenos, entre ellos el cinematográfico. De esta manera, como una colaboración entre la Cineteca Nacional, el Instituto de Políticas Públicas para el Transporte y el Desarrollo (ITDP por sus siglas en inglés), el Museo Franz Mayer y el Bicycle Film Festival, ofrece como parte de sus actividades paralelas, un programa dedicado a la bicicleta durante los domingos de marzo. La programación, especialmente ensamblada por el Bicycle Film Festival para el Foro al Aire Libre de la Cineteca Nacional, ofrece una mirada renovada en lo que al arte de rodar se refiere.

Verónica Ortiz Cisneros Directora de Comunicación ITDP México

Hecho en Queens

Made in Queens, Estados Unidos | 2008 | 10 min. | D: Joe Stevens y Nicolas Randall.

Keirin: el líder no choca

Keirin: Leader don’t Crash | Japón | 2011 | 6 min. | D: Jonathan de Villers.

Ciclovía

Bike Lane | Estados Unidos | 2011 | 4 min. | D: Casey Neistat.

Bikelordz: escenas y estilos desde Accra, Ghana

Bikelordz: Stunts and Styles from Accra, Ghana | Ghana | 2011 | 12 min. | D: Mikey Hart.

Bella época

Belle Epoch | Italia-Estados Unidos | 2008 | 3 min | D: Robert Chynoweth.

Chico

Boy, Reino Unido, 2012, 10 min. D: Justin Chadwick.

Dos ciclos

Two Cycles, México | 2011 | 5 min. | D: Darío López Ortega y Rodrigo de la Mora.

Algunas cosas manejan una bicicleta

El primer imparable

The First Unstoppable | España | 2012 | 8 min. | D: Daniel Jariod.

Alma de acero

Some Things Ride a Bicycle | Estados Unidos | 2006 | 1 min. | D: Chris Jolly.

Anima d’acciaio | Estados Unidos-Italia | 2009 | 11 min. | D: Daniel Leeb.

Chicos de esquí

Sister Session

Ski Boys | Canadá | 2006 | 8 min. | D: Benny Zenga.

A tiempo

On Time | Estados Unidos | 1985 | 7 min. | D: Ari Taub.

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PROGRAMA MENSUAL

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Estonia | 2012 | 11 min. | D: Heolen Habakuk, Doris Taaker y Brett Astrid Vomma.

Programa Bicycle Film Festival Greatest Hits.

Duración: 96 min.

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I AL AIRE LIBRE

La bicicleta verde

Wadjda | Alemania-Arabia Saudita | 2012 | 97 min. | D y G: Haifaa al-Mansour. F en C: Lutz Reitemeier. M: Max Richter. E: Andreas Wodraschke. Con: Waad Mohammed (Wadjda), Reem Abdullah (madre), Abdullrahman Al Gohani (Abdullah), Ahd (señorita Hussa), Sultan Al Assaf (padre). CP: Razor Film Produktion. Prod: Gerhard Meixner y Roman Paul.

Wadjda es una niña que vive en los suburbios de Riad, la capital de Arabia Saudita. Aunque vive en un mundo conservador, Wadjda es divertida, emprendedora y siempre llega al límite entre lo que puede hacer y lo que está prohibido. Su sueño es tener una bicicleta, sin embargo su madre no se lo permite por temor a una sociedad que ve en ellas un peligro para la dignidad de una chica.

Ciclo, érase una vez un viaje

Bici polo en Milán: un cortometraje para una fuerte pasión

Bike Polo Milano: A Short Movie for a Strong Passion | Italia | 2013 | 10 min. | D: Marco Cremascoli.

Entrenador

Soigneur | Países Bajos | 2013 | 17 min. | D: Rih Van der Linden.

Ryokou

Australia | 2013 | 26 min. | D: Davros.

Baisikeli México | 2012 | 96 min. | D, G y E: Andrea Martínez Crowther.

F en C: Carlos Arango de Montis. M: Yann Tiersen. Con: Arturo y Gustavo Martínez McNaught. CP: Arte Mecánica Producciones.

Prod: Óscar Ramírez, Andrea Martínez Crowther y Ana Paola Villegas.

Sudáfrica | 2013 | 27 min. | D: James Walsh.

Programa Bicycle Film Festival Greatest Hits: Racing Around the World.

Duración: 80 min.

En 1943, los hermanos Arturo y Gustavo Martínez McNaught salieron de la ciudad de México con el deseo de cruzar Norteamérica en bicicleta. En 82 días llegaron a Toronto, Canadá, sin saber que la hazaña cambiaría sus vidas. Más de medio siglo después, ellos exploran esos recuerdos y reflexionan sobre el ciclo de la vida y el ineludible paso del tiempo.

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marzo Agarrando pueblo 30 Amor en tiempos de la guerra civil, El 13 Aquel 19 31 Artel 25 Asentamiento 24 Asunción 30 Aurora Boreal 25 Bajo nubes eléctricas 21 Bananas 11 Bicicleta verde, La 59 Bicis contra autos 11 Big Boys Gone Bananas!

11 Blanco fuera negro dentro 19 Bloqueo 25 Busco mi destino 05 Cacería al Godard de Abitibi, La 15 Cali de película 30 Calvario 07 Camino a seguir, El 13 Canción del mar 09 Carne de tu carne 31 Carta 27 Ciclo, érase una vez un viaje 59 Ciudadano Kane 05 Corte, La 19 Cuadrado rojo sobre fondo negro 15 Cuatrocientos golpes, Los 05 Cuento proletario de invierno 19 Democracia en blanco y negro 34 Dueños, Los 21 Duermes, Nicole 14 Ella regresa el jueves 20 En el nombre del padre 08 En la niebla 26 Estación del tren, La 24 Fábrica 25 Félix y Meira 14 Frank 09 Good Vibrations 09 Hermanas de la Magdalena, Las 08 Hiroshima, mi amor 05

I í n d i c e a l fa b é t i co

His & Hers 07 Hoax_Farsa 15 Hoy vamos a construir una casa 23 Inch’Allah 14 Jauja 20, 38 Loco amor 19 Maidan 27 Mansión de Araucaíma, La 31 Memorias que me contaron 40 Mi felicidad 26 Milagro de San Antonio, El 26 Ming de Harlem: Veintiún pisos en el aire 20 Momento a momento 07 Monserrate 29 No todo es vigilia 21 Oiga vea 29 Órdenes, Las 13 Osos 52 Paisaje 24 Piel de serpiente 21 Precio del deseo, El 06 Pulp: una película sobre la vida, la muerte y los supermercados 42 Reflejos 27 Rodillanegra 30 Retrato 24 Sara prefiere correr 14 Secreto de Kells, El 08 Silencio de las moscas, El 36 Stella Cadente 44 Súper nada 46 Timbuktu 48 Un día en Ayotzinapa 43 50 Variedades 26 Vida, otoño 23 Yo, de quien no sé nada 20

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