Programa Mensual Octrubre 2014

Programa mensual octubre de 2014

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la mujer en el cine de A PARTIR DEL kenji mizoguchi JUEVES 2

ÍNDICE

Programación octubre 2014 ESTRENOS Inori 04 Rosario 06 Walesa: La esperanza de un pueblo 08 Borgman 10 El cuarto desnudo 12 El futuro 14 Hay un grupo que dice 16 Marina Abramović 18 Bohemia 20 A segunda vista 22 Las búsquedas 24 La última película 26 Party Girl 28

CONTINÚAN EN CARTELERA 5 cámaras rotas 32 El círculo roto 32 Cumbres 33 Filosofía natural del amor 33 Generación Spielberg 34 El gigante egoísta 34 Ninfomanía: La versión del director 35 Purgatorio: Viaje al corazón de la frontera 35 Sueños de libertad 36 Tom en el granero 36 El último amor del señor Morgan 37 Vic y Flo vieron un oso 37

Matiné infantil Habanastation 38

CICLOS La mujer en el cine de Kenji Mizoguchi 40 Retrospectiva Rithy Panh 46 Mística popular 50 Día de la Academia 54 ARTES.DOCS 56 Pantalla de Cristal 58 DHFEST 60 ECOFILM 62 FICM 64 Muestra Internacional del Mujeres en el Cine 66

Función especial Roque Dalton Rojo amanecer Día mundial del patrimonio audiovisual

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CONSEJO NACIONAL PARA LA CULTURA Y LAS ARTES Presidente rafael tovar y de teresa Secretario Cultural y Artístico Saúl Juárez Vega Secretario Ejecutivo francisco cornejo rodríguez CINETECA NACIONAL Director General alejandro pelayo rangel Director de Difusión y Programación Nelson Carro Directora de Acervos Dora Moreno Brizuela Subdirector de Programación ALEJANDRO GRANDE BONILLA Subdirector de Publicaciones José Luis Ortega Torres Subdirector de Acervos CARLOS ÉDGAR TORRES PÉREZ

En portada: Los músicos de Gion (Gion bayashi, Kenji Mizoguchi, Japón, 1953) Programación sujeta a cambios. Para mayor información consulte www.cinetecanacional.net o llame al 4155 1190.

Las copias en cinta de las películas que se exhiben tienen la mejor calidad disponible. Dicha calidad puede variar debido a la diversidad de su procedencia y a su antigüedad.

El Programa mensual es una publicación gratuita para informar sobre las películas que la Cineteca Nacional exhibe, tanto en sus instalaciones como en sedes alternas, cumpliendo su misión de difundir la cultura fílmica.

Los textos firmados son responsabilidad de sus autores.

Impresión: Digital Color Proof. Fco. Olaguibel 47, col.

Obrera, México, D.F. Parte de la programación de la Cineteca Nacional recibe el apoyo de la Unión Europea y de Europa Cinemas.

Subdirectora de Investigación Catherine Bloch Gerschel Subdirector de Documentación RAÚL MIRANDA LÓPEZ Jefe de Programación y Enlace Internacional dalia rosa peña flores

EUROPA CINEMAS / MEDIA Mundus

Cineteca Nacional Av. México-Coyoacán 389, col. Xoco.

Programa Mensual de la Cineteca Editor Gustavo E. Ramírez carrasco Jefe de información José Antonio Valdés Peña Diseño editorial FABIOLA PÉREZ SOLÍS Laura nieto rueda Investigación iconográfica Patricia Talancón Solorio Colaboradores Daniela López Amézquita Israel ruiz arreola Diseño de anuncios SHalom J. PÉrez GonzÁleZ Venta de espacios con Relaciones Públicas FERNANDO TORRES BELMONT ftorres@cinetecanacional.net

Abreviaturas D: Dirección. G: Guión. F en C: Fotografía en color.

F en B/N: Fotografía en blanco y negro. M: Música.

E: Edición. CP: Compañía(s) productora(s). Prod: Producción. Dist: Distribución. PC: Procedencia de copia.

ESTRENOS I Inori

Inori Japón, 2012, 72 min.

D, G y F en C y E: Pedro González Rubio. CP: NARAtive, Festival Internacional de Cine de Nara. Prod: Naomi Kawase. Dist: Piano.

Alamar (2009), la anterior película de Pedro González Rubio, era la historia del encuentro de un padre con su hijo en un entorno cautivador, los corales de Banco Chinchorro en México. La puesta en escena dibujaba una relación perfecta y sin fisuras, de reencuentro y aprendizaje en una naturaleza amable, nada indómita. Por momentos, parecía un video promocional del lugar, cincelado con esas imágenes edulcoradas que duraban lo mínimo para evitar el aburrimiento del espectador. A Alamar le hacían falta una pausa y un rigor de observación que, por contra, sí existen en Inori, su nueva película.

Rodada en un pueblo montañoso de Japón de la prefectura de Nara, González Rubio propone una película más sosegada y con una estructura mejor definida. La cámara viaja a esta región y se dispone a observar, en un montaje rítmico que nos sumerge en las peculiaridades de este valle aislado, oculto entre la bruma. Sin buscar con estos planos, más largos y contemplativos, la evolución de la imagen a través del tiempo, sí que parece buscar una cierta reconfiguración de la mirada del espectador en función de la duración.

El tema principal de Inori es de sobra conocido: un relato en torno a un pequeño pueblo que, con el paso del tiempo, tiende a la desaparición y parece vivir sus últimos años de vida. Sonará poco atractivo por ser un leitmotiv filmado hasta el hartazgo en el cine documental más reciente, pero no por ello la apuesta estilística del director deja de ser la más acertada. Sin abandonar el lógico tono elegíaco, el acercamiento hasta estos últimos habitantes de la zona es respetuoso,

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Inori I ESTRENOS

con la necesaria distancia para observar su vida diaria y recoger sucintamente ciertas reflexiones: los hijos que viven en Tokio y que ya no volverán, los signos de vida que desaparecen. González Rubio se hace con un montaje en off de estas reflexiones para que funcione como otra capa más en este registro soterradamente nostálgico de la vida mínima en esta zona. Como testigo directo de la vida humana que se apaga, la naturaleza abre y cierra Inori y también verdea los planos del metraje, engarzados en el argumento y dirigiéndose hacia una poética paisajística mejor entendida que en Alamar. Los espacios en Inori son silentes, enigmáticos, con escasa vida, parajes perturbados por la maleza o por tumbas que se integran en la naturaleza.

Con imágenes más acertadas que otras en esta diseminación del paisaje, Inori es sutil y acierta en la selección de los breves fragmentos de entrevistas, que aquí funcionan como crisol de un estado de ánimo, no definitivamente alicaído pero sí anclado en la pesadumbre de los habitantes.

Inori está más cercana al cine de Lisandro Alonso y Jia Zhangke, sin olvidar a Naomi Kawase, productora de la película.

Fragmentos de un texto de Aurelio Medina blogs&docs (blogsandocs.com) Barcelona, 28 de abril de 2013

Como complemento se exhibirá el cortometraje Huellita (Ana Mary Ramos, México, 2012, 10 min.)

Cineteca: a partir del jueves 2

CINETECA NACIONAL I México

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ESTRENOS I Rosario

Rosario México, 2013, 86 min.

D: Shula Erenberg. G: Shula Erenberg y Natalia Bruschtein. F en C: Carlos Rossini, Ernesto Pardo, Shula Erenberg, Marc Bellver Vera y Luis Damian. M: Lisette Martell. E: Natalia Bruschtein. Con: Rosario Ibarra de Piedra y Claudia Piedra Ibarra. Prod: Nerio Barberis. PC: Cineteca Nacional.

Rosario es un documental que adentra al espectador en una historia desconocida, escondida por los medios de comunicación tradicionales.

A través de este filme, la historia explora las desapariciones forzadas en México durante los 70 y la “guerra sucia” de los 80, destacando la violación a los derechos humanos en estos sucesos.

Sobre esto, la directora Shula Erenberg dice: «No podemos evadir el hecho de la desaparición forzada, Rosario [Ibarra de Piedra] comenzó a informarse sobre asuntos de la arena política y la desaparición forzada después de la desaparición de su hijo. Estas dos situaciones van de la mano, no se puede contar su historia sin contar aquella otra historia de su lugar en la política».

Este documental cuenta la historia de la activista, una madre en busca de su hijo. Erenberg la conoce desde hace tiempo, pero la idea de llevar a cabo esta película se origina en el 2006, un día antes del 16 de septiembre, durante las protestas en el Zócalo de la ciudad de México en contra de Felipe Calderón: «En 2006, justo antes del grito, Rosario subió al escenario y la gente empezó a ovacionarla. Y pensé que sería buena idea hacer un documental que la honrara desde un punto de vista íntimo».

El documental proviene de ahí, más allá del discurso que Rosario se impuso a sí misma. Eremberg trata de enfocar aspectos de su vida indagando lo que ella es y lo que piensa. «Ella tenía un discurso muy firme con el que se guiaba en la búsqueda de su hijo, un discurso muy arraigado. Sin embargo yo quería adentrarme en su corazón, ver lo que estaba sucediendo ahí. Lo importante

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Rosario I ESTRENOS

de este documental es que podemos ver otra cara de Rosario, no aquella que habla en plazas públicas, sino la mujer que se cuestiona sobre el paradero de su hijo y nos muestra el sufrimiento y la transformación por la que ha pasado durante estos años».

La relación entre Erenberg y Rosario Ibarra de Piedra comenzó en los 80, cuando la directora tenía pocos años viviendo en México tras su exilio y se dio cuenta de que en nuestro país también había desapariciones forzadas. «Fuimos muy bien recibidos, pero nos dimos cuenta de lo que ocurría en el país cuando comenzamos a relacionarnos con otros mexicanos. Rosario tenía muy buena relación con mi madrastra, que era una madre de la Plaza de Mayo, y trabajaban mucho juntas».

Rosario es un filme que aborda con profundidad la lucha por los derechos humanos y el valor de la vida.

Sitio oficial del Festival Internacional de Cine de Monterrey México, 28 de agosto de 2013 Traducción: Georgina Jezabel Castillo Morales

Como complemento se exhibirá el cortometraje Papalotes rosas (Rebeca Bonola Jiménez, México, 2013, 13 min.)

Cineteca: a partir del jueves 2

CINETECA NACIONAL I México

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ESTRENOS I Walesa: La esperanza de un pueblo

Walesa: la esperanza de un pueblo Walesa. Czlowiek z nadziei, Polonia, 2013, 127 min.

D: Andrzej Wajda. G: Janusz Glowacki. F en C: Pawel Edelman. E: Grazyna Gradon y Milenia Fiedler. Con: Robert Wieckiewicz (Lech Walesa), Agnieszka Grochowska (Danuta Walesa). CP: Akson Studio, National Center for Culture. Prod: Michal Kwiecinski.

Dist: Circo 2.12.

Andrzej Wajda fue parte del movimiento de los astilleros de Gdansk, realizado en 1970 y liderado por el sindicalista polaco Lech Walesa, germen del movimiento libertario y sindical de Polonia que terminaría en la conformación hacia 1980 del popular movimiento Solidaridad. Aquel levantamiento, se suponía, traería como respuesta otra llegada de los soviéticos a territorio polaco. Sin embargo, Walesa fue el primero en advertir que la URSS no intervendría. «Yo fui el primero que le pregunté qué pasaría si llegaban los tanques soviéticos», cuenta Wajda. «Él tuvo una gran seguridad, sin tener ninguna información, al decir claramente que no vendrían». De aquella manera, Walesa «provocó la caída del muro de Berlín».

El filme, donde el político es interpretado por Robert Wieckiewicz, se concentra en el momento en que la policía arremetió contra los obreros en huelga –que reclamaban por sus condiciones de trabajo y sus bajos salarios– y narra los hechos que llevaron a la constitución del movimiento Solidaridad que se extendería por todo el país, desde el astillero de Gdansk, captando la adhesión de unas 10 millones de personas y llevando a Walesa –Premio Nobel de la Paz en 1983– hasta la Presidencia de Polonia, donde permanecería de 1990 a 1995.

El gran desafío de Wajda fue unir todas las piezas: el contexto social de Polonia y Europa, la carrera sindical y política de Walesa, su vida personal y la importancia de su esposa Danuta en toda su

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Walesa: La esperanza de un pueblo I ESTRENOS

lucha. Para ello, el director mezcló tramos de narración ficcional con imágenes reales, apoyadas en muchas ocasiones en la célebre entrevista que la periodista Oriana Fallaci le realizó a Walesa en 1980, donde expuso su pensamiento, el momento en que su mujer recibió en su nombre el Premio Nobel de la Paz o el discurso que pronunció ante el Congreso de Estados Unidos en 1989, poco antes del fin del comunismo en Polonia y un año antes de convertirse en el primer presidente electo del país.

«Independientemente del personaje de Walesa, lo difícil era encontrar la forma de hablar de un periodo tan importante, cómo empezar y acabar el relato». Las entradas y salidas de Walesa de la cárcel, su actitud irreverente frente a los policías, su relación complicada con sus compañeros de Solidaridad, pero sobre todo la relación con su mujer, a la que interpreta Agnieszka Grochowska, son las principales referencias de la reciente película de Wajda.

«Para hacer una película hay que tener suerte y yo he tenido mucha suerte en la vida», reconoció el cineasta en la rueda de prensa sobre esta película con la que vuelve a tratar asuntos como la lucha por la justicia, la verdad y la libertad, tópicos presentes en varios de sus filmes, especialmente en El hombre de mármol (Czlowiek z marmuru, 1976) y El hombre de hierro (Czlowiek z zelaza, 1981).

Fragmentos de un texto de Gonzalo Palermo El País (elpais.com.uy) Montevideo, 23 de octubre de 2014

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ESTRENOS I Borgman

Borgman Países Bajos-Bélgica-Dinamarca, 2013, 113 min.

D y G: Alex van Warmerdam. F en C: Tom Erisman. M: Vincent van Warmerdam. E: Job ter Burg. Con: Jan Bijvoet (Camiel Borgman), Hadewych Minis (Marina), Jeroen Perceval (Richard), Sara Hjort Ditlevsen (Stine), Eva van de Wijdeven (Ilonka). CP: Graniet Film, NTR, Epidemic, Angel Films A/S. Prod: Marc van Warmerdam. Dist: ZatMeni Distribución.

Alex van Warmerdam estudió diseño gráfico y pintura en la Academia Gerrit Rietveld de Ámsterdam, antes de ser el cofundador de la compañía de teatro Hauser Orkater, en 1972. En 1980 fundó la compañía teatral De Mexicaanse Hond (El Perro Mexicano), junto con su hermano Marc. Debutó en 1986 con Abel, película que ganó el Premio de la Crítica en la Muestra de Venecia, mismo certamen donde obtuvo el premio FIPRESCI por su tercer largometraje, De jurk (1996). En 1998 su cinta Kleine Teun fue seleccionada por la sección Una cierta mirada del festival de Cannes, al que regresó en 2013, ahora en la Selección Oficial con Borgman, con la que aspiró a la Palma de Oro. Lo que sigue es un fragmento de una entrevista realizada en el marco de dicho festival. ¿Cuál fue el punto de partida de la idea de la película?

En un momento determinado de mi vida, leí análisis y críticas de la obra del marqués de Sade.

Tenemos muchas cosas escondidas en el cerebro y, de vez en cuando, hurgamos dentro y encontramos ideas. Así fue como nació la película. En general, no empiezo por una sinopsis, sino con la primera escena, y lo que se ve en la película es exactamente lo que había escrito. Después, Camiel llama a la puerta de la primera casa y, a esas alturas, ya no sabía cómo iba a continuar. Luego experimenté el placer de inventármelo todo. El guión surgió de esta manera: una cosa llevaba a otra.

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Borgman I ESTRENOS

¿Cuál es el mensaje del filme? ¿Se trata de un análisis social de la vida de los ricos?

Siempre trato de no dar un significado específico a mi cine para que el público sea libre de interpretar lo que quiera. En una escena, el personaje de Marina se siente perturbada y dice: «nosotros tenemos mucha suerte y la gente afortunada debe pagar tarde o temprano». Tal vez es una especie de crítica de nuestra sociedad occidental, con gente como Camiel, que viene a castigar nuestra felicidad, pero no era esa mi intención. El diálogo sonaba bien; es pura sugerencia, no va más allá. ¿Es Borgman una especie de celebración de las fuerzas del mal?

Quería mostrar el mal pero no a través de gente extraña, sino con personas normales con las que podríamos cruzarnos en el supermercado. Los personajes son, quizá, mitad ángeles, mitad demonios. Hay indicios de ello en la película, pero es mejor que aquellos espectadores que los capten los olviden inmediatamente. ¿Ha innovado con esta película?

Es la primera cinta en la que muevo la cámara. Generalmente, me gusta que la cámara se mueva cuando algo se mueve en la imagen: la cámara lo sigue. Hay muchos directores que lo encuentran estúpido y dicen que uno puede mover la cámara sin necesidad de que algo se mueva en el escenario, pero yo no puedo hacer eso, va contra mis creencias más íntimas.

Fragmento de una entrevista de Fabien Lemercier a Alex Warmerdam cineuropa.org 20 de mayo de 2013

Cineteca: sujeto a cambios de programación

CINETECA NACIONAL I México

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ESTRENOS I El cuarto desnudo

El cuarto desnudo México, 2013, 67 min.

D y G: Nuria Ibañez. F en C: Ernesto Pardo. E: Lucrecia Gutiérrez Maupomé. CP: Miss Paraguay Producciones. Prod: Cristina Velasco Lozano y Nuria Ibáñez. Dist: Interior 13.

Una alineación de tres en un equipo de filmación –directora, fotógrafo, sonidista–, en un cuarto de dimensiones modestas, en el interior de un hospital psiquiátrico infantil de la ciudad de México.

A un lado, un médico, y frente a éste un padre afligido; en el centro, un(a) menor de edad que es objeto, durante más o menos una hora de sesión psiquiátrica, de toda la tensión de este mundo.

Todos ellos invisibles, todos menos los jóvenes, quienes balbucean (o callan) frente a su psiquiatra asignado, y que son captados casi exclusivamente en primeros planos por la cámara del fotógrafo Ernesto Pardo en El cuarto desnudo, segundo largometraje de la documentalista madrileña radicada en México Nuria Ibáñez.

Nuria Ibáñez estudió guión en el Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC), pero, según refiere ella misma, en el cine documental (hasta ahora, el “género” en el que se ha desarrollado) prefiere trabajar desprovista de todo argumento, «plantándose sobre el terreno para encontrarse la película en el camino». Y lo que halló camino a El cuarto desnudo, plantada en el centro de los pequeños consultorios de ese hospital, rodeada de médicos y ruidos de máquinas de escribir, fue una profunda cartografía de las frustraciones, la insatisfacción y la intensa soledad de un sector poblacional medio (en estrato socioeconómico y estadística) a través de sus representantes más jóvenes, receptores accidentales de sus descontentos y vacíos.

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El cuarto desnudo I ESTRENOS

La incursión de la directora y su equipo en este entorno clínico es estrictamente observacional, nunca más próxima a la noción del fly on the wall (mosca en la pared) con la que los realizadores de cine documental de los años 60 matizaban la utopía de la no intervención de los medios de registro al filmar la realidad. Pero En el cuarto desnudo esta neutralidad no es un propósito, y la cámara y el micrófono no están ocultos ni disimulados, tampoco funcionan como catalizadores de los testimonios. Como el legendario documentalista francés Raymond Depardon en su película de 1988 Urgences (emparentada temáticamente con El cuarto desnudo), filmada en un hospital psiquiátrico de París, el equipo atestigua el dolor y la confusión in situ, y en este elemento, la cámara y los artefactos del registro parecen perder su estereotipado efecto opresivo. De hecho, en el documental, ninguno de los jóvenes a cuadro mira a la cámara ni parece incomodarse por su proximidad.

Sin barroquismos embellecedores ni figuras literarias trasladadas a la imagen, El cuarto desnudo es más una crónica extracinematográfica sobre la disfuncionalidad, las anomias y el desencuentro generacional de un sector social que un despliegue autoral o una declaración de principios. Respetuosa y efectiva en un terreno reflexivo del periodismo cultural, y justa en su duración (apenas poco más de una hora) y punto de vista.

Gustavo E. Ramírez Icónica (iconica.cinetecanacional.net) Ciudad de México, 30 de enero de 2014

Como complemento se exhibirá el cortometraje Estatuas (Roberto Fiesco, México, 2013, 17 min.)

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ESTRENOS I El futuro

El futuro España, 2013, 67 min.

D: Luis López Carrasco. G: Brays Efe, Luis López Carrasco y Luis E. Parés. F en C: Ion de Sosa. E: Sergio Jiménez. Con: Lucía Alonso, Queta Herrero, Rafael Ayuso, Sergio Jiménez, Marta Bassols, Alberto López. CP: Alamedia, Encanta Films. Prod: Ion de Sosa, Roberto Butragueño, Manuel Calvo. Dist: Cine Tonalá.

​ ara desgracia de la canción de Herminio Molero que en 1980 se convirtió de la mano de Radio P Futura en himno generacional, el futuro, definitivamente, ya no está aquí. Luis López Carrasco, miembro del colectivo cinematográfico Los Hijos (uno de los más interesantes surgidos en España en los últimos años), estrenó en la sección Signos de vida del Festival de Locarno su primer largometraje individual, El futuro, una película tan triste que cuesta creer que transcurra en una fiesta. «Una fiesta tan interminable que cuando se hace de día han pasado 30 años».

El futuro arranca con un fundido en negro y una retransmisión de radio: es la noche electoral de 1982 y [el presidente electo] Felipe González anuncia, ya con todo el poder en sus manos, sus propósitos: habla de consolidar definitivamente la democracia, superar la crisis económica y concluir la construcción del Estado de las autonomías. También de modernización, progreso, solidaridad y de todos los españoles. La voz de González se corta, empieza el silencio, y la fiesta, «ese pacto inmemorial entre la desesperación y el conformismo», como denunciaba en 1984 Rafael Sánchez Ferlosio.

La sintonía va y viene mientras entramos en una ciudad, en un piso, en una noche de jóvenes de los 80. Diálogos inaudibles y grupos musicales anteriores a 1983, casi ninguno famoso. Hay sombras que acechan, agujeros negros, ¿pero a quién le preocupan?

El futuro nació como nacen hoy tantas cosas: por pura desesperación. En 2011 a Luis López Carrasco, de 32 años, se le cerraron todas las puertas que le permitían vivir. «Por primera vez en

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El futuro I ESTRENOS

toda mi existencia no podía hacer absolutamente nada por mi futuro. Perdí mi trabajo en la Filmoteca, cortaron las becas y todas las líneas de financiación para jóvenes emprendedores. Me quedé en un punto muerto que era la nada pura. Empecé a rozar la depresión… Fue la idea de no tener futuro la que me hizo pensar en una sociedad española en la que sí lo había» cuenta el director.

Rodada en 16 milímetros y con parámetros low cost a su pesar («no hay nada más excluyente que el cine de guerrilla»), El futuro juega con un estilo documental, «como si fueran bobinas de aquellos años encontradas». Un detalle de Arrebato (1979), de Iván Zulueta, le dio la clave. «Quizá es muy manido hablar de Arrebato, pero a mí me impactó mucho. En ella se ve una fiesta en súper 8 que parece un cumpleaños, en la que aparecen Alaska, Almodóvar, el propio Zulueta. Aquel pequeño material doméstico me parece más elocuente que todo lo que he leído sobre aquellos años. Destila verdadera alegría».

La fiesta, explica López Carrasco, es una manera de delimitar la película y no una forma de decir que toda la sociedad española se lanzó a bailar. En El futuro, nadie anuncia la desgracia, nadie es más listo que el de al lado; ninguna de las canciones se convierte en himno de nada, pese a que sus rimas infantiles parecen códigos cifrados que anuncian la peor de las resacas. Como esa, incluida en la críptica banda sonora, que cantaba a las «desiertas ruinas con bellas piscinas».

Fragmentos de un texto de Elsa Fernández Santos El País (elpais.com) Madrid, 15 de agosto de 2013

Cineteca: a partir del jueves 9

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ESTRENOS I Hay un grupo que dice...

Hay un grupo que dice…

Cuba, 2013, 79 min.

D y G: Lourdes Prieto. F en C: Raúl Rodríguez Carrera. M: Silvio Rodríguez, Pablo Milanés, Noel Nicola, Sara González. E: Vionicel Peña. Testimonios: Leo Brower, Silvio Rodríguez, Sara González, Noel Nicola, Pablo Milanés. PC: ICAIC. Prod: Yus Escobar.

Dis: Macondo Cine.

Los 70 en Cuba. La música de una generación. Los inicios, desventuras y ascensos de nombres desconocidos entonces, universales hoy. Las palabras del joven Pablo Milanés hace cuatro décadas y las de un emocionado Silvio Rodríguez en la actualidad, así como, una de las últimas entrevistas a la cantante Sara González son algunos de los ingredientes de una idea largamente acariciada por la realizadora Lourdes Prieto, que encontró asiento en el documental Hay un grupo que dice...

El material, testimonio colectivo de rescate y justiprecio a la memoria del Grupo de Experimentación Sonora del ICAIC (Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográfica), a 45 años de su surgimiento, cuenta cómo desde sus espacios se abrieron puertas a la creación.

Desde los testimonios de músicos como Silvio Rodríguez, Pablo Menéndez, Sara González, Sergio Vitier, Eduardo Ramos, Noel Nicola, Leo Brouwer y Pablo Milanés o cineastas como Juan Padrón, Manuel Pérez, Rogelio París, y Alfredo Guevara, se evoca el surgimiento y desarrollo de esta agrupación que unió en su seno a jóvenes creadores, desconocidos e irreverentes, que en muy poco tiempo se convirtieron en protagonistas del panorama cultural latinoamericano o el movimiento mundial de la Nueva Trova.

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Hay un grupo que dice... I ESTRENOS

«Este material llega para dialogar con su momento histórico, y para que las nuevas generaciones puedan acceder a uno de los fenómenos musicales más importantes de la segunda mitad del pasado siglo», explicó Víctor Casaus, testimoniante del documental y director del Centro Cultural Pablo de la Torriente Brau, institución que produjo el material, junto al propio ICAIC. El Grupo de Experimentación Sonora, dijo, es considerado la banda sonora de la Revolución y al mismo tiempo que hacía música para el cine, también funcionaba como una intensa escuela de creación artística.

Por su parte, la directora del documental, Lourdes Prieto, explica que la cinta aborda mucho más que las figuras que participaron en este movimiento o el conjunto en sí, sino que habla de todo el contexto de los años 70 en Cuba y lo que significó ideológicamente para los jóvenes de entonces.

Hay un grupo que dice... no sólo recoge una parte importante de la historia de la agrupación mediante las entrevistas realizadas a sus protagonistas, sino que evoca su trabajo mediante imágenes, sonidos y testimonios inmortalizados por varias ediciones del Noticiero ICAIC Latinoamericano, largometrajes de ficción y documentales de los años 70, recogidos por el equipo de realización a través de un exhaustivo trabajo con la memoria documental, sin duda, uno de los principales valores del material.

Fragmentos de un texto de Roberto Miguel Torres Barbán Granma (granma.cu) La Habana, 15 de enero de 2014

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ESTRENOS I Marina Abramovi : la artista está presente

Marina Abramovi : La artista está presente Marina Abramovi : The Artist is Present, Estados Unidos-Países Bajos, 2012, 106 min.

D y G: Matthew Akers y Jeff Dupre. F en C: Matthew Akers. E: E. Donna Shepherd, Jim Hession. Testimonios: Marina Abramović, Ulay. CP: HBO, Dakota Group Ltd, AVRO Television. Dist: Ambulante Presenta.

La artista está presente porque lo estuvo. Estuvo presente en la pieza central de su retrospectiva (2010) en el Museo de Arte Moderno (MoMa) de Nueva York –la que dio nombre al evento– y está presente mientras corre la película donde se registró y enmarcó su participación. Un registro más en el vasto acervo de cintas de 16 mm. y video donde se ha dejado constancia de su aportación efímera al arte. Pero, en este caso, estamos ante un registro dramático, coincidente en tono con la obra de Marina Abramović tras la ruptura con Ulay. Para un trabajo basto con el cuerpo, formatos sencillos, directos; para un trabajo montado y con una estética entre teatral y publicitaria un documental de personalidad conmovedor. Un documental que narra la biografía de la artista en tono vocativo desde su infancia en la triste y rígida Yugoslavia, pasando por su pobreza comprometida y radical a lo largo de Europa (al lado de Ulay), hasta su triunfo glamoroso en la que parece ser la única ciudad del mundo para el arte.

La artista está presente puede entenderse mejor desde el mundo del rock que desde el mundo del arte porque se ocupa del estatus de celebridad y porque reproduce el esquema principio-esfuerzo

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Marina Abramovi : la artista está presente I ESTRENOS

triunfo típico de series documentales de MTV. En la historia que cuentan Matthew Akers y Jeff Dupre el álbum parteaguas es la retrospectiva del MoMa y el sencillo The Artist Is Present, donde Abramović se sentaba horas a mirar de frente a personas que se sentaban por turnos frente a ella.

Entre el 14 de marzo y el 31 de mayo de 2010 cientos o miles de personas se sentaron frente a la artista, convertida en un fenómeno pop gracias al museo más famoso del mundo. La artista está presente registra a los fans durmiendo afuera del museo como si pasaran toda la noche haciendo fila para comprar los boletos de un concierto.

En el documental hay un vaivén de énfasis que va de la celebridad a los fans, que se magnifica alrededor de The Artist Is Present, una obra de resistencia ególatra. La artista está ahí para ser vista y adorada. Y los fans la adoran, compiten entre ellos por estar ante su presencia, lloran por verla y hablan de cómo la experiencia los transformó. Algo parecido a estar con un rockstar en una cena.

Pero lo más interesante es cómo La artista está presente muestra las grietas de la celebridad.

Por ejemplo, cuando alguien intenta romper las reglas de la pasividad del espectador (una mujer que intenta desnudarse, un tipo pretencioso con un disfraz...) un sistema de control (la vigilancia del museo) lo saca del juego. Sólo la Artista tiene derecho a destacar.

La figura de la celebridad hace aún más agua en el bellísimo momento en que Ulay, ese otro radical que compartió doce años de su vida con Abramović, se sienta y la mira. Ella abre los ojos en la pausa entre una persona y otra. Sonríe sorprendida y luego se quiebra, llora. Por una vez, se ve desarmada y se parece a toda la gente que se sentó frente a ella.

Fragmentos de un texto de Abel Muñoz Hénonin Icónica (N° 6). Ciudad de México, octubre de 2013

Cineteca: a partir del jueves 9

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ESTRENOS I Bohemia

Bohemia Argentina, 2014, 102 min.

D: Leo Damario. G: Leo Damario basado en el disco Bohemio, de Andrés Calamaro. F en B/N: Jorge Dumitre. M: Andrés Calamaro.

E: Ezequiel Yoffe. Con: Carla Quevedo, Micaela Breque, Cachorro López, Andrés Calamaro. Prod: Andrés Calamaro.

Bohemia es la ópera rock del vanguardista Leo Damario (Olympia, 2011; Palmera, 2012) que acompaña la reedición del disco Bohemio de Andrés Calamaro. En Bohemia se narra el derrotero de una estrella de rock (Carla Quevedo en el rol de Andrés Calamaro) que, tras la muerte de Luis Alberto Spinetta, se interna en lo más profundo de la noche para crear su gran obra. El realizador habla sobre la experiencia de trabajar en una película tan radical. ¿Por qué la decisión de que el personaje de Andrés Calamaro sea interpretado por una mujer?

Entre 1550 y 1620, dentro de lo que se conoce como el teatro isabelino, estaba penado por la ley que los roles femeninos fueran interpretados por verdaderas mujeres. En su defecto, eran jóvenes quienes interpretaban a las heroínas de William Shakespeare. Es el machismo imperante de la dramaturgia desde antaño. Hoy en día sigue, para mí, cierto idilio con las figuras masculinas del cine nacional por sobre las actrices. Me gusta como respuesta al mainstream que un rol que podría haber interpretado Leonardo Sbaraglia lo interprete una mujer.

Carla Quevedo interpreta a un alterego de la estrella de rock hermafrodita. Una bohemia, una libertina romántica. Por momentos es hombre, pero es una suerte de cómic, de cartoon, de dibujo en blanco y negro sin terminar. Fue un rol difícil que Carla tomó con hidalguía, siempre fue más a fondo, totalmente comprometida y emocionada con la obra. Sin ella no hay Bohemia.

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Bohemia I ESTRENOS

¿Cómo trabajaste la narración del filme teniendo en cuenta que está inspirada en el disco?

El guión se trabajó durante un año completo, con muchas reescrituras, versiones y tiempos. Con Andrés fuimos delineando el periplo, mientras yo me encargaba de armar un guión de cine. Fue muy complejo en sus tres etapas, pre, rodaje y post. Se trató de una exploración, una búsqueda de un universo estético. Formar el cast (tuvo su proceso muy intenso también: no fue fácil encontrar a la Bohemia adecuada.

De Bohemia hicimos tres versiones, una de 60 minutos, otra de 200 minutos y ésta, la oficial, que es la que condensa y equilibra a la obra en su totalidad. Estructuralmente, aquí me lanzo a la narración más clásica, a la historia de amor; desde ese punto de vista quizás sea mi película más clásica. Cada canción representa una suerte de tomo, de capítulo de un cómic.

Muchas veces este tipo de películas terminan siendo una suerte de videoclip de larga duración. ¿Qué metas te fijaste para no caer en ese lugar?

Creo que es resultado de la banda de sonido de Bohemia, la más cinematográfica y menos pop de toda mi filmografía. También creo que contribuye mi obsesión por hacer una película del estilo de american pop. Y mi fascinación por El séptimo sello (Det sjunde inseglet, 1957) de Ingmar Bergman o la admiración por Leonardo Favio y su pelicula Aniceto (1966), que desde que la vi en cine siempre me embriagó. El azar hizo que una de las cabezas del equipo de fotografía de Aniceto sea el director de fotografía de Bohemia.

Fragmentos de una entrevista de Juan Pablo Russo a Leo Damario escribiendocine (escribiendocine.com) Buenos Aires, 18 de junio de 2014

Cineteca: a partir del sábado 11

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ESTRENOS I A segunda vista

A segunda vista Double Take, Bélgica-Alemania-Países Bajos, 2008, 80 min.

D: Johan Grimonprez. G: Johan Grimonprez y Tom McCarthy. F en C: Alejandro Cantú. E: Dieter Diependaele. M: Christian Halten.

Con: Ron Burrage (Alfred Hitchcock). CP: Zap-o-matik, Nikovantastic Film, Volya Films. Prod: Emmy Oost. Dist: Ambulante Presenta.

En 1962, mientras filmaba Los pájaros (The Birds, 1963), Alfred Hitchcock tuvo un encuentro en el set de los estudios Universal con una versión más vieja de sí mismo, llegado misteriosamente de 1980 con algunas noticias sobre la vida, la muerte y el cine. Esta reunión (inspirada por una pequeña pieza de prosa llamada 25 de agosto de 1983, escrita por Jorge Luis Borges) es uno de los conceptos que habitan A segunda vista, la intrigante nueva película de Johan Grimonprez. Mark Perry, interpretando asombrosamente la voz de Hitchcock, hace el recuento ficticio del peculiar acontecimiento, mientras dos hombres parecidos al director inglés, incluyendo a Ron Burrage, un conocido doble de Hitchcock, lo llevan a escena.

Aunque está compuesto principalmente por materiales de archivo y toca muchos temas de la actualidad, A segunda vista no es del todo un documental. Es, más bien, una meditación sobre algunos temas trazados en conjunto, aunque tenuemente, por la sensibilidad que Hitchcock llevó primero a Hollywood y luego a la televisión estadounidense. La mayor parte del tiempo, Grimonprez nos presenta al Hitchcock real interpretando la versión de sí mismo del programa de televisión Alfred Hitchcock Presents (1955-1962): el siniestro inglés rollizo haciendo la introducción a cuentos de crimen y misterio en la pantalla chica.

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A segunda vista I ESTRENOS

Al mismo tiempo, la yuxtaposición de fragmentos de Los pájaros e Intriga internacional (North

by Northwest, 1959), con imágenes de los noticieros y la televisión de la época enriquecen las evocaciones. El objetivo parece claro: rememorar la atmósfera de la guerra fría, con la paranoia contenida en los años que separaron al lanzamiento del Sputnik y la crisis de los misiles en Cuba.

A pesar de la inconexión de algunos temas, el director, quien se graduó del Programa de Estudios del Museo de Arte de Whitney en Nueva York y enseña en la Escuela de Artes Visuales de dicha ciudad, está a salvo del cliché gracias a la feliz colisión de su ingenio formal con el de su sujeto. Hitchcock era un maestro de la travesura, y ninguna película tan completamente influenciada por su espíritu puede ser sosa o predecible.

Grimonprez, claramente un visitante frecuente tanto del mundo hitchcockiano como de la época de la guerra fría y su estridencia mediática, ha enviado al pasado una postal en movimiento escrita con sus propios mensajes. Algunos enigmáticos, otros con añoranza. Por lo tanto, si al ver A segunda vista podemos imaginarnos inmersos en el mundo de De entre los muertos (Vertigo, 1958) y Pacto siniestro (Strangers on a Train, 1951), su trabajo no habrá sido en vano.

Fragmentos de un texto de A.O Scott New York Times (nytimes.com) Nueva York, 1° de junio de 2010 Traducción: Gustavo E. Ramírez

Cineteca: a partir del jueves 23

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ESTRENOS I Las búsquedas

Las búsquedas México, 2013, 77 min.

D, G y Prod: José Luis Valle. F en B/N: César Gutiérrez Miranda. E: Ulises Vallejo. Con: Gustavo Sánchez Parra, Arcelia Ramírez, Gabino Rodríguez, Martín Acosta, David Calderón. CP: Caverna Cine. Dist: Circo 2.12.

Al realizador José Luis Valle, salvadoreño naturalizado mexicano, le fueron suficientes 1,500 dólares, el empeño de amigos y la voluntad de excelentes actores, como Arcelia Ramírez y Gustavo Sánchez Parra, para realizar en un formato de blanco y negro su segundo largometraje de ficción.

«Pensé esta cinta desde la producción. No desde el guión. Queríamos hacer algo que fuera independiente, guerrillero, de amigos, y llevarlo hasta sus últimas consecuencias», asegura en entrevista el egresado del Centro Universitario de Estudios Cinematográficos, quien también ha realizado el documental El milagro del Papa (2009) y la ficción Workers (2013), que se exhibió en festivales como el de Guadalajara y el de Berlín.

Valle comenta sobre Las búsquedas: «Desde la elección del blanco y negro y el tiempo (que es pesado, dilatado) era lo que necesitaba contar: dos historias que le habían sucedido a gente muy cercana a mí, en ese momento. La ausencia de música, las tomas largas, la composición, el contraste y los espacios urbanos, como los paraderos de Pantitlán, fueron pensados para trasmitir, dialogar. Tres años viví en Ciudad Neza y los paraderos eran el punto de llegada: un infierno, un caos, pero también

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Las búsquedas I ESTRENOS

un muy interesante crisol de historias. De todos modos muy peligroso, porque es un mar de gente.

No obstante es fotogénico y tiene grandes posibilidades de expresar una estética urbana feroz».

Valle sabe que su cinta será de complicada distribución, cuello de botellas para las películas mexicanas.

«Estudié cine en una escuela en la que hay una error de formación estructural: no te enseñan el tema de la distribución. Te enseñan a hacer películas», asegura. No obstante, «si encuentra canal de exhibición formal, qué bien, y si no, siempre hay maneras. Si lo que quieres es compartir y dialogar sobre un producto, tienes que llevarlo hasta sus últimas consecuencias. Debes saber que su plataforma de exhibición tendrá que ser acorde con lo que fue el rodaje».

Desde su punto de vista lo que importa es que la gente vea cine mexicano, y la solución es de carácter estructural. «No tiene que ver con tener más dinero para producir, tiene que ver con voluntad política, con un marco legal y con la formación de públicos. En Francia y Brasil se da desde la primaria la materia de apreciación cinematográfica, y eso es fundamental, porque estás creando en la gente un gusto por la realidad cinematográfica. No es un proceso de la noche a la mañana. Es una inversión social. Si hubiera un ley que protegiera una cuota nacional en pantalla, habría garantía por ley y la gente retacaría las salas».

Fragmentos de un texto y entrevista de Juan José Olivares con José Luis Valle La Jornada (jornada.unam.mx) ciudad de México, 28 de abril de 2013

Como complemento se exhibirá el cortometraje Inframundo (Ana Mary Ramos, México, 2013, 10 min.)

Cineteca: a partir del jueves 23

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ESTRENOS I La última película

La última película Canadá-Dinamarca-Alemania-México-Filipinas, 88 min.

D y G: Raya Martin y Mark Peranson. F en C: Gym Lumbera. E: Lawrence Ang y Mark Peranson. Con: Alex Ross Perry (Alex), Gabino Rodríguez (Gabino), Iauzua Larios (Iauzua). CP: Cinema Scope. Prod: Mark Peranson, Pablo Cruz, Raya Martin, Michel Lipkes. Dist: Interior 13.

Con el director, actor y guionista Alex Ross Perry como conductor de esta nave de los locos milenarista, insólita y paródica, La última película es una suerte de manifiesto descreído, anticultural, divertido y ácido sobre el cine como actividad que se desinstala y se desintegra, y en cualquier caso sale de cauce de los marcos tradicionales.

La película avanza sin armarse nunca, disolviendo sentidos en cada intento por buscar alguno; una de las cuestiones que plantea es para qué filmar, qué filmar y cómo filmar. El cine como destrucción, o más bien, como autodestrucción. Así, el personaje plantea una película que cerrará la serie de las miles ya realizadas por la industria cultural, pero desde otra lógica. La última película no es la superación hegeliana del cine, y éste es un punto interesante: llegamos al final del cine no por superación de una idea, sino porque se termina el soporte. Se termina el material que permite el registro, se agota su posibilidad física.

La cuestión industrial del cine analógico seriado se disuelve, es el último celuloide que nos queda antes del fin del mundo. Ahora sí, queda el digital, la obra de arte en la era de la reproductividad técnica a pleno. ¿Qué vamos a filmar? Y en ese qué transcurre la película. Postproducción en la retórica los objetos: una película hecha de desperdicios, basura, ruinas, capas, simulacros…

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La última película I ESTRENOS

«La basura dura para siempre, pero la memoria es muy frágil», dicen los protagonistas. La ruina reverenciada sin contexto histórico. La filmación de las hordas new age post jodoroskianas reverenciando la pirámide maya en los solisticios. La crítica anclada históricamente («me da vergüenza ser de Estados Unidos», dice el protagonista director al escéptico e interesante otro personaje, el mexican boy guía turístico).

La postproducción como nodo constructivo también trae el tema de la pervivencia, de la duración de la obra de arte y por supuesto, de la historiografía. La última película está produciendo, ni más ni menos, la última de las piezas del museo posible de un futuro cerrado desde la perspectiva del presente.

Descentrada de los orígenes de su propia práctica, esta película puede ser vista como una interrupción necesaria de todas las coordenadas culturales y de todas las linealidades, y lo fascinante son los territorios que desafía. Vemos fluir imágenes hechas en México y su mexicanidad, junto a las pirámides de la rivera maya y tan cerca del core físico y metafísico de la industria, en una película filmada por un filipino y un canadiense, que con toda la fuerza del gesto paródico proponen una lectura cultural fascinante.

Fragmentos de un texto de Kekena Corvalán Leedor (leedor.com) Buenos Aires, 6 de abril de 2014

Cineteca: a partir del jueves 23

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ESTRENOS I Party Girl

Party Girl Francia, 2014, 96 min.

D y G: Marie Amachoukeli, Claire Burger, Samuel Theis. F en C: Julien Poupard. M: Alexandre Lier, Sylvain Ohrel, Nicolas Weil. E: Frédéric Baillehaiche. Con: Angélique Litzenburger (Angélique), Joseph Bour (Michel), Mario Theis (Mario), Samuel Theis (Samuel), Séverine Litzenburger (Séverine). CP: Elzévir Films, Centre National de la Cinématographie et de l’Image Animée, Canal+. Prod: Denis Carot, Marie Masmonteil. Dist: ND Mantarraya.

«Hay personas que luego de transitar por mucho tiempo en medio de la noche se sienten extraviadas con la luminosidad del día». El prólogo de Party Girl abre la pantalla con una gradiente musical que armoniza al ritmo de I’ll be Your Woman, de Chinawoman, integrando poco a poco la tonalidad del filme. ‘ll be your woman with unwavering eyes Aflame with the spirits and the mysteries of life (…)

Not your princess, not your stallion an ambiguous complex creature …

Opera prima codirigida y escrita por la tripleta Marie Amachoukeli, Claire Burger y Samuel Theis, fue meritoria de la Cámara de Oro y el premio al Mejor Reparto en el festival de Cannes 2014, y recientemente condecorada como la Mejor Opera Prima Internacional en el Festival Internacional de Cine Guanajuato.

Party Girl retrata de manera casi autobiográfica (de no ser por la estructura de un guión fílmico), la sexagenaria vida de Angélique (Angélique Litzenburger) madre ficcional y real de cuatro hijos: Mario (Theis), Samuel (Theis), Séverine (Litzenburger) y Cynthia (Litzenburger). Angélique, quien sólo

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Party Girl I ESTRENOS

aprendió a desenvolverse con el ritmo despreocupado de los destellos tintineantes de las luces de neón, de pronto tiene que afrontar el frío deterioro del tiempo, los cambios del cuerpo y la escasez de amantes-clientes –aún por parte del más asiduo de ellos, Michel (Joseph Bour)–, aunque en su interior siga latiendo la ardiente cadencia de la vida con maquillaje sexual y juerguista.

Mediante encuadres cerrados que acentúan las expresiones del rostro y luces incendiadas en la profundidad de campo –que bien podríamos relacionar con la franqueza retratada en el trabajo de la fotógrafa Nan Goldin– en Party Girl, cinefotografiada por Julien Poupard, la persona amada se percibe en la composición de cada escena. Las imágenes son un discurso que pareciera narrado a través de los ojos de Angélique. Esto permite observar la violencia y el sexo, pero también las caricias y los besos. El baile, los movimientos corporales –románticos o no– están, a través de las consecuencias de la vida, expuestos en los heterogéneos tipos de amor.

A diferencia de otras películas que enmarcan la prostitución como núcleo argumental, con excéntricas historias cargadas de sexualidad y gozo explícito o una perversión insaciable de los sentidos, Party Girl modula otras tonalidades de un modo transparente y susurrante: la estética de una vida dentro y fuera de la esfera del trabajo, revelando las enredos éticos, mentales o simplemente humanos de la amistad, la familia y los clientes. Todo aquello capaz de perturbar las emociones de una cortesana amante de las sombras, quien ahora debe afrontar al tiempo a través de una posible redención, la cual puede verse de muchas formas, por ejemplo en la conjunción matrimonial, una mudanza o cualquier alteración que se aproxime a un retiro laboral.

Sin más, el epílogo de la película desencadena con la melancólica, doliente y áspera canción de Party Girl, también de Chinawoman: What’s your name What’s your art Nobody knows About my broken heart.

Iranyela López F.I.L.M.E. (filmemagazine.mx) Ciudad de México, 8 de agosto de 2014

Cineteca: a partir del jueves 30

CINETECA NACIONAL I México

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ESTRENOS I Cortometrajes del IMCINE

Papalotes Rosas México, 2013, 13 min. D: Rebeca Bonola Jiménez.

Dos niñas pequeñas, en un mundo rosa, observan un poco más de realidad.

Mientras, su figura paterna se desploma.

Cineteca: a partir del jueves 2 antes de las funciones de Rosario.

Huellita México, 2012, 10 min. D: Ehécatl García.

Érica está obsesionada por dibujar con las palmas de sus manos: pintura, papel y dedos son su universo; sin embargo, éste podría diluirse en cualquier momento, ante el mundo de adultos inconformes, temerosos y enojados.

Cineteca: a partir del jueves 2 antes de las funciones de Inori.

Estatuas México, 2013, 17 min. D: Roberto Fiesco.

La ceremonia de inauguración de una estatua, donde Carlitos pronunciará el discurso conmemorativo, se convierte en el espacio donde se manifestaran el descontento y las peticiones de una ciudad que se levanta agreste en los límites con el campo.

Cineteca: a partir del jueves 9, antes de las funciones de El cuarto desnudo.

Inframundo México, 2013, 10 min. D: Ana Mary Ramos.

La quietud de un paisaje acompaña la travesía de un hombre que ha convertido la impiedad y la muerte en un medio de vida.

Cineteca: a partir del jueves 23, antes de las funciones de Las búsquedas

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CONTINÚAN EN CARTELERA

5 cámaras rotas 5 Broken Cameras, Francia-Israel-Palestina, 2011, 90 min.

D y G: Emad Burnat y Guy Davidi. F en C: Emad Burnat. M: Le Trio Joubren. E: Verónique Lagoarde-Ségot, Guy Davidi. E: Guy Davidi y Véronique Lagoarde-Ségot. Testimonios: Emad Burnat. Prod: Christine Camdessus, Serge Gordey, Emad Burnat, Guy Davidi. Dist: Ambulante Presenta.

5 cámaras rotas es un recordatorio sombrío de la amarga obstinación del conflicto palestino-israelí. Al nacer su cuarto hijo, Emad, un agricultor palestino, compra su primera cámara de video. Poco a poco y en paralelo al crecimiento de su hijo, registra los actos de resistencia pacífica de los habitantes de su pueblo, Bil’in, frente al avance de los colonos israelíes y la construcción de un muro de separación. Este documental es una crónica de la resistencia.

Cineteca: a partir del miércoles 1°

El círculo roto The Broken Circle Breakdown, Bélgica-Países Bajos, 2012, 111 min.

D: Felix van Groeningen. G: Carl Jools y Felix van Groeningen basados en la obra de teatro de Johan Heldenbergh. F en C: Ruben Impens. M: TBCB Band. E: Nico Leunen. Con: Johan Heldenbergh (Didier/Monroe), Veerle Baetens (Elise/Alabama), Nell Cattrysse (Marybelle). Prod: Dirk Impens y Arnold Heslenfeld. Dist: Alameda Films.

Elise y Didier llevan juntos siete apasionados años. Recuerdan su amor a primera vista, su pasión, la música que les acercó, el embarazo inesperado y la alegría de tener a la preciosa Maybelle. Un círculo completo de felicidad para una pareja muy poco convencional. Luchan juntos por la vida de su hija, y esperan que el amor no les abandone cuando más lo necesitan. El amor puede con el destino… a veces.

Cineteca: a partir del miércoles 1°

34 I Programa mensual octubre

CONTINÚAN EN CARTELERA

Cumbres México, 2013, 84 min.

D y G: Gabriel Nuncio. F en B/N: Israel Cárdenas. M: Rodrigo Guardiola, Mauricio Terracina. E: Yibran Asuad. Con: Aglae Lingow (Miwi), Ivanna Michel (Juliana), Abdul Marcos (Danisaurio). Prod: Israel Cárdenas, Laura Amelia Guzmán. Dist: Circo 2.12.

Miwi despierta en medio de la noche al enterarse de que Juliana, su hermana mayor, ha sufrido un accidente.

Ningún otro detalle, sólo el vertiginoso impulso para tomar algo de comida y dinero, un celular y ponerse en marcha en el auto para acompañar a su hermana en un viaje en el que irá descubriendo algunas pistas. Entramos en la historia desde su punto de vista, y nos iremos enterando de los sucesos al compartir con ella el dolor y el desconcierto.

Como complemento se exhibirá el cortometraje Las tardes de Tintico (Alejandro García Caballero, México, 2012, 9 min.)

Cineteca: a partir del miércoles 1°

Filosofía natural del amor México-Costa Rica, 2013, 77 min.

D: Sebastián Hiriart. G: Sebastián Hiriart, María Gonzáles de León y Manuel Castro Rosas. F en C: Sebastián Hiriart. M: Andrés Duahu y Rogelio Sosa. E: Sebastián Hiriart, Adriana Villanueva, Pedro G. García y Yabrán Acude. Con: Gabino Rodríguez (Vicente Aviña), Jorge Zárate (Porfirio), Sae Bluff (Sae), Manuel Castro Rosas (Manuel), Jacca Jordan (Jacca). Prod: Ximena Hiriart. Dist: Galopando Cine.

Ensayo cinematográfico que nos deja penetrar la intimidad de diversas parejas. Manuel, de 36 años, comienza una relación con Alma, de apenas quince. Porfirio tiene deseos sexuales ocultos. Sae y Jacca se pierden en terrenos pantanosos. Filosofía natural del amor es una reflexión sobre la reproducción, la fidelidad y el amor.

Como complemento se exhibirá el cortometraje El regreso del vampíro (Christian Alain Vázquez, México, 2013, 6 min.)

Cineteca: a partir del miércoles 1°

CINETECA NACIONAL I México

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CONTINÚAN EN CARTELERA

Generación Spielberg México, 2014, 110 min.

D, G, F en B/N, E, Prod: Gibrán Bazán. M: Genaro Ochoa, Sabina Maytorena. Con: Bruno Bichir (Tito), Silvia Carusillo (Aurora), Sophie Gómez (Luisa), Alejandro Durán (Pancho), Luisa Sáenz (Susana), Sonia Franco (Mónica), Miguel Conde (Leonardo), Ricardo Zárraga (Bogdan). CP: Marsash Producciones. Dist: Alfhaville Cinema.

Cinco historias entrelazadas. Dos amantes bajo las sábanas. Una chica atrapada en un elevador. Un grupo de escritores que se emborracha recordando épocas pasadas. Una psicoanalista que se encierra en el baño para suicidarse, mientras una ejecutiva, su amante, se esconde con una botella de vino para curar su corazón roto.

Como complemento se exhibirá el cortometraje Dentro de uno (Salvador Aguirre, México, 2013, 8 min.)

Cineteca: a partir del miércoles 1°

El gigante egoísta The Selfish Giant, Reino Unido, 2013, 91 min.

D: Clio Barnard. G: Clio Barnard basada en el cuento El gigante egoísta, de Oscar Wilde. F en C: Mike Eley. M: Harry Escott. E: Nick Fenton. Con: Conner Chapman (Arbor), Shaun Thomas (Swifty), Ralph Ineson (Johnny Jones), Sean Gilder (Kitten), Ian Burfield (Mick Brazil). CP: BFI Film Fund, Film4, Moonspun Films. Prod: Katherine Butler, Lizzie Francke y Tracy O’Riordan. Dist: Caníbal.

Basada en el clásico de la literatura infantil El gigante egoísta, de Oscar Wilde, esta adaptación homónima cuenta la historia de la amistad entre un par de adolescentes desarraigados, habitantes de un entorno marginal. El día que Arbor y su mejor amigo Swifty, dos chicos de 14 años excluidos del colegio y aislados de su comunidad, conocen a Kitten, un chatarrero, empiezan a robar chatarra para él. Pero cuando Arbor comienza a emular a Kitten las cosas toman un rumbo distinto.

Cineteca: a partir del miércoles 1°

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CONTINÚAN EN CARTELERA

Ninfomanía: La versión del director Nymphomaniac: The Director’s Cut, Dinamarca, 2013, 325 min.

D y G: Lars von Trier. F en C: Manuel Alberto Claro. E: Molly Malene Stensgaard. Con: Charlotte Gainsbourg (Joe, adulta), Stacy Martin (Joe, joven), Stellan Skarsgård (Seligman), Shia LaBeouf (Jerôme), Jamie Bell (K), Willem Dafoe (L), Sophie Kennedy Park (B), Jean-Marc Barr (deudor). CP: Zentropa Entertainments. Prod: Louise Vesth. Dist: Zima Entertainment.

Estrenada en el marco del Festival de Cine de Berlín, la versión íntegra y sin censura de Ninfomanía narra de una forma más intensa aún que en su versión dividida en dos capítulos la biografía erótica de Joe, una mujer que a lo largo de su vida entera ha buscado el placer sexual para dar sentido a su existencia.

Cineteca: a partir del miércoles 1°

Purgatorio: Viaje al corazón de la frontera México, 2012, 70 min.

D y G: Rodrigo Reyes. F en C: Justin Chin. M: Rodrigo Cordera. E: Manuel Tsingaris. Prod: Rodrigo Reyes e Inti Cordera.

Un retrato profundamente humano de la realidad caótica de la frontera México-Estados Unidos. Llena de imágenes impresionantes y elaborado como una clásica sinfonía de la ciudad, en la que la suma de las partes forman una visión integral, Purgatorio: Viaje al corazón de la frontera reúne un universo entero de historias pequeñas para crear una experiencia intensa y visceral.

Como complemento se exhibirá el cortometraje Lluvia en los ojos (Rita Basulto, México, 2012, 8 min.)

Cineteca: a partir del miércoles 1°

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CONTINÚAN EN CARTELERA

Sueños de libertad The Immigrant, Estados Unidos, 2013, 100 min.

D: James Gray. G: James Gray y Richard Menello. F en C: Darius Khondji. M: Chris Spelman. E: Kayla Emter y John Axelrad. Con: Marion Cotillard (Ewa Cybulska), Joaquín Phoenix (Bruno Weiss), Jeremy Renner (Orlando el mago), Dagmara Dominczyk (Belva), Jicky Schnee (Clara), Yelena Solovey (Rosie). CP: Worldview Entertainment, Keep Your Head, Kingsgate Films. Prod: James Gray, Anthony Katagas, Greg Shapiro y Christopher Woodrow. Dist: Zima Entertainment.

En los años 20, unas hermanas polacas arriban a Nueva York con la esperanza de una vida mejor. Sin embargo, la tuberculosis de una de ellas obliga a la otra a sumergirse en los infiernos de la prostitución, de los cuales saldrá con la ayuda de un ilusionista. Un efectivo melodrama sobre el “sueño americano”, en el cual destaca la sensible interpretación de Marion Cotillard.

Cineteca: a partir del miércoles 1°

Tom en el granero Tom à la ferme, Canadá-Francia, 2013, 102 min.

D y E: Xavier Dolan. G: Xavier Dolan basado en la pieza teatral homónima de Michel Marc Bouchard. F en C: André Turpin. M: Gabriel Yared. Con: Xavier Dolan (Tom), Pierre-Yves Cardinal (Francis), Lise Roy (Agathe), Evelyne Brochu (Sara). CP: Sons of Manual, MK2 Productions. Prod: Xavier Dolan, Charles Gillibert y Nathanaël Karmitz. Dist: Caníbal.

Sumido en una profunda angustia tras la pérdida de su novio en un accidente, Tom viaja de Montreal hasta la casa de campo de la familia del fallecido, donde se entera que ni la madre ni el hermano de éste sabían de su homosexualidad. Mientras que la atormentada mujer recibe la visita con perplejidad, el hermano ve una amenaza y decide asegurarse de que ella jamás se entere de la “otra vida” de su hijo.

Cineteca: a partir del miércoles 1°

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CONTINÚAN EN CARTELERA

El último amor del señor Morgan Mr. Morgan’s Last Love, Estados Unidos-Francia-Alemania-Bélgica, 2013, 115 min.

D: Sandra Nettelbeck. G: Sandra Nettelbeck inspirada en una novela de Françoise Dorner. F en C: Michael Bertl. M: Hans Zimmer.

E: Christoph Strothjohann. Con: Michael Caine (Matthew Morgan), Clémence Poésy (Pauline Laubie), Michelle Goddet (señora Dune), Jane Alexander (Joan Morgan), Justin Kirk (Miles Morgan), Richard Hope (filatelista). CP: Bavaria Pictures, Scope Pictures, Kaminski Stiehm Film GmbH, Senator Films. Prod: Frank Kaminski, Ulrich Stiehm, Philipp Kreuzer. Dist: Cinemas Nueva Era.

Matthew Morgan, un viejo profesor estadounidense de filosofía, retirado en París tras la muerte de su esposa, conoce a una joven instructora de baile por casualidad. Desde su primer encuentro, algo parece fluir entre ellos.

La naciente relación pondrá punto final al aislamiento de Matthew, enmarcando una súbita vuelta a la vida entre las calles majestuosas de París.

Cineteca: a partir del miércoles 1°

Vic y Flo vieron un oso Vic+Flo ont vu un ours, Canadá, 2013, 95 min.

D y G: Denis Côté. F en C: Ian Lagarde. E: Nicolas Roy. Con: Pierrette Robitaille (Victoria Champagne), Romane Bohringer (Florence Richemont), Marc-André Grondin (Guillaume Perreira-Leduc), Inka Malovic (oficial de policía). Prod: Stéphanie Morissette y Sylvain Corbeil. Dist: Interior 13.

Vic acaba de salir de la cárcel. Decide retirarse a una vieja propiedad familiar cerca de un bosque tranquilo. A los pocos días, Flo, su antigua amante, llega a visitarla. Vic teme que algún día Flo la deje para siempre. A esa prisión al aire libre no llegan visitantes, excepto Guillaume, el oficial que debe corroborar los “progresos” de Vic, y una mujer que pronto resulta ser una sombra del pasado. Su vida en pareja se ve en peligro, e incluso el bosque parece esconder trampas traicioneras.

Cineteca: a partir del miércoles 1°

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MATINÉE INFANTIL I Habanastation

HABANASTATION Cuba, 2011, 90 min.

D: Ian Padrón. G: Felipe Espinet e Ian Padrón. F en C: Alejandro Pérez. M: René Baños, Nacional Electrónica. E: José Lemuel. Con: Andy Fornaris (Carlos), Ernesto Escalona (Mayito), Luis Alberto García (Pepe), Blanca Rosa Blanco (Moraima), Claudia Alvariño (maestra), Miriam Socarrás (Concha), Omar Franco (Jesús). CP: ICAIC, Instituto Cubano de Radio y Televisión. Prod: Lídice Marrero, Noel Álvarez.

Dist: Macondo Cine.

Una divertida e ingeniosa mirada a la ciudad de La Habana a través de los ojos de dos niños.

La Tinta es un barrio marginal próximo a la Plaza de la Revolución. Este es el escenario principal donde Mayito descubrirá la Cuba en la que vive Carlos, alejada de su lujosa casa en Miramar. Tras perderse en un multitudinario desfile, el niño llega por accidente a la periférica comunidad donde vive su colega, quien hasta entonces le había resultado totalmente ajeno.

Cineteca: a partir del domingo 5

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CICLOS I La mujer en el cine de Kenji Mizoguchi

LA MUJER EN EL CINE DE

KENJI MIZOGUCHI Los tres pilares fundacionales del cine japonés clásico compartieron tiempo y espacio, pero tuvieron obsesiones diferentes. Si el cine de Yasujirō Ozu se centró en el retrato de la clase media urbana japonesa y los cambios que fue sufriendo a lo largo del siglo XX, y Akira Kurosawa oscilaba entre la épica histórica, el drama social y sus muy personales entrecruzamientos culturales entre su país y Occidente, la obra fílmica de Kenji Mizoguchi abordó las mujeres japonesas y las complejas situaciones sociales por las cuales atraviesan.

Mizoguchi, quien recordaba haber realizado cerca de 75 largometrajes (aunque sus biógrafos apuntan que en realidad alcanzó los 100 títulos, en una filmografía que abarca desde 1923 hasta su muerte en 1956), encontró en su propia biografía la razón de ser de sus protagonistas femeninas. Un negocio fallido de su padre durante la fugaz guerra ruso-japonesa arrastró a su familia a una miseria tal que su hermana hubo de ser vendida para convertirse en geisha. La frustración paterna no tardó en convertirse en violencia y abusos. Víctima de artritis reumatoide desde su adolescencia, impedido para hacer labores físicas arduas, Mizoguchi encontró, gracias al apoyo incondicional de su hermana, años después, su camino como artista. Primero en los textiles, después en la plástica y el diseño gráfico, para aterrizar finalmente en la actuación y su ascenso a la realización cinematográfica.

Las mujeres del cine de Kenji Mizoguchi tienen un carácter fuerte que, en apariencia, podría abrirles el camino hacia su independencia, hacia la felicidad. Del retrato desgarrador de una prostituta en La vida de Oharu (1952), Mizoguchi avanzó hasta Los músicos de Gion (1953), en la cual un par de geishas, hartas del maltrato que sufren por parte de algunos de sus clientes, deciden rebelarse y confrontar a la sociedad machista que las rodea. Sin embargo, las convenciones sociales de la sociedad japonesa presentes a través de los siglos terminan casi siempre por derrotarlas.

Encarnadas por actrices como Machiko Kyō, quien alcanzó fama internacional por su intervención en Rashomon (1950) de Akira Kurosawa y quien fuese parte de la película más célebre de Mizoguchi en Occidente, Cuentos de la luna vaga después de la lluvia (1953), las mujeres de Mizoguchi son víctimas de la violencia en términos generales, pero en particular de aquella relacionada a la inequidad de género o la socialmente tolerada, como lo ejemplifican las muchas prostitutas o geishas que habitan su filmografía. Pero también las hay actrices, empresarias, herederas de tradiciones milenarias, o bien, plebeyas que se atreven a conquistar el corazón de un emperador. Lo que termina por unirlas es su sino trágico, la imposibilidad de ser felices en una sociedad que ameritaba un cambio urgente. Una urgencia de resonancias universales que convierten a las mujeres de Mizoguchi en ciudadanas del mundo entero, ansiosas de felicidad, independencia, amor y equidad.

José Antonio Valdés Peña Cineteca Nacional

42 I Programa mensual octubre

La mujer en el cine de Kenji Mizoguchi I CICLOS

el amor de Sumako, la actriz Joyû Sumako no koi, Japón, 1947, 96 min.

D: Kenji Mizoguchi. G: Yoshikata Yoda, inspirado en una novela de Eijirô Hisaita. F en B/N: Kohei Sugiyama. M: Hisato Osawa.

E: Tatsuko Sakane. Con: Kinuyo Tanaka (Fusako Owada), Sanae Takasugi (Natsuko Kimijima), Tomie Tsunoda (Kumiko Owada), Mitsuo Nagata (Kenzo Kuriyama). CP: Shochiku Eiga. Prod: Hisao Itoya.

Shimimura, un dramaturgo que busca separarse de la tradición Kabuki e incursionar en Ibsen y otros clásicos europeos, y Sumako, una actriz que da vida a Nora en la obra Casa de muñecas, lucharán por su amor y su proyecto teatral aún en contra de su familia y de las convenciones sociales. Un intenso drama que destaca por la interpretación de Kinuyo Tanaka, la estética fotográfica de Miki y la batuta precisa de Mizoguchi, quien enfoca la tensión romántica en el amor intelectual.

Cineteca: jueves 2 y domingo 12

Mujeres de la noche Yoru no onnatachi, Japón, 1948, 75 min.

D: Kenji Mizoguchi. G: Yoshikata Yoda, inspirado en una novela de Eijirô Hisaita. F en B/N: Kohei Sugiyama. M: Hisato Osawa. E: Tatsuko Sakane. Con: Kinuyo Tanaka (Fusako Owada), Sanae Takasugi (Natsuko Kimijima), Tomie Tsunoda (Kumiko Owada), Mitsuo Nagata (Kenzo Kuriyama). CP: Shochiku Eiga. Prod: Hisao Itoya.

Dos hermanas, una de ellas viuda, la otra encerrada en una destructiva relación amorosa con un narcotraficante, descienden en una espiral que las lleva hacia la prostitución, en el marco del caos moral y la devastación del Japón de la posguerra. Inspirado por las experiencias del neorrealismo italiano, Kenji Mizoguchi consiguió uno de los filmes más desgarradores de su carrera, filmado en locaciones auténticas de Osaka y con una vocación realista exacerbada.

Cineteca: viernes 3 y domingo 12

CINETECA NACIONAL I México

43

CICLOS I La mujer en el cine de Kenji Mizoguchi

Amor en llamas Waga koi wa moenu, Japón, 1949, 96 min.

D: Kenji Mizoguchi. G: Kaneto Shindô, Yoshikata Yoda, basados en la novela de Kôgo Noda. F en B/N: Tomotarô Nashiki, Kôhei Sugiyama. M: Senji Itô. E: Tatsuko Sakane.

Con: Kinuyo Tanaka (Eiko Hirayama), Mitsuko Mito (Chiyo), Kuniko Miyake (Toshiko Kishida), Ichirô Sugai (Kentaro Omoi), Shinobu Araki (padre de Eiko). CP: Shôchiku Eiga.

Prod: Hisao Itoya, Kiyoshi Shimazu.

Ambientada en la Era Meiji y producida durante la posguerra inmediata, este melodrama resalta la crueldad, el dolor y la fe. Eiko (interpretada por Kinuyo Tanaka, también protagonista de El amor de Sumako, la actriz), una mujer que busca la igualdad de géneros, viaja a Tokio para unirse al Partido de Liberación de la Mujer, donde conoce y se enamora del líder del organismo. Tras un incendio por el que son encarcelados injustamente, Eiko conocerá la verdadera cara de los luchadores del feminismo.

Cineteca: viernes 3 y martes 14

El retrato de la señora Yuki Yuki fujin ezu, Japón, 1950, 88 min.

D: Kenji Mizoguchi. G: Kazuro Funabashi, Yoshikata Yoda, basados en la novela de Seiichi Funabashi. F en B/N: Jôji Ohara. M: Fumio Hayasaka. E: Toshio Gotô. Con: Michiyo Kogure (Yuki Shinano), Yoshiko Kuga (Hamako Abe), Ken Uehara (Masaya Kikunaka), Eijirô Yanagi (Naoyuki Shinano), Haruya Katô (Seitaro). CP: Shintoho Film Distribution Committee, Takimura Productions. Prod.: Kazuo Takimura.

Marcada por el estilo sobrio y contemplativo que caracterizaba a Mizoguchi, y con el cual dotaba de fuerza al melodrama mediante escenas largas y fluidas, esta cinta narra la historia de Yuki, una mujer casada con un hombre despreciable que la humilla y despilfarra su fortuna familiar. Cansada, decide abandonarlo alentada por el hombre a quien ama. Sin embargo, su decisión desatará grandes desventuras. Adelantado a su tiempo, este filme resulta una postura a favor de la liberación femenina.

Cineteca: sábado 4 y miércoles 15

La señorita Oyû Oyû-sama, Japón, 1951, 94 min.

D: Kenji Mizoguchi. G: Yoshikata Yoda, basado en una novela de Jun’ichirō Tanizaki. F en B/N: Kazuo Miyagawa. M: Fumio Hayasaka. E: Mitsuzô Miyata. Con: Kinuyo Tanaka (Oyû Kayukawa), Nobuko Otowa (Shizu), Yûji Hori (Shinnosuke Seribashi), Kiyoko Hirai (Osumi), Reiko Kondo (Otsugi Kayukawa). CP: Daiei Studios. Prod: Masaichi Nagata.

Oyû, una madre viuda que tiene el deber de sacar a su hijo adelante dejando de lado cualquier interés por rehacer su vida, pronto se encontrará en un dilema, cuando el joven Shinnosuke acepta casarse con su hermana Shizu para poder estar cerca de ella. Un retrato fiel del alma humana y el sufrimiento de la mujer a cargo de Mizoguchi, quien con maestría consigue hacer brotar las emociones más dolorosas.

Cineteca: sábado 4 y jueves 16

44 I Programa mensual octubre

La mujer en el cine de Kenji Mizoguchi I CICLOS

La dama de Musashino Mushashino fujin, Japón, 1951, 88 min.

D: Kenji Mizoguchi. G: Yoshikata Yoda, inspirado en una novela de Shōhei Ōoka.

F en B/N: Masao Tamai. M: Fumio Hayasaka. E: Yoshiharu Bandô. Con: Kinuyo Tanaka (Michiko Akiyama); Yukiko Todoroki (Tomiko Ono), Masayuki Mori (Tadao Akiyama), Akihiko Katayama (Tsutomu Miyaji), Sô Yamamura (Eiji Ono). CP: Toho Company. Prod: Hideo Koi.

En este, uno de los filmes menos conocidos de Kenji Mizoguchi, protagonizado por Kinuyo Tanaka, su actriz fetiche, se narra la triste historia de una mujer perteneciente a un milenario linaje de samuráis. Ambientada en los años posteriores a la derrota de Japón en la Segunda Guerra Mundial, la protagonista se enfrenta a un doloroso dilema cuando queda expuesta a una pasión prohibida que pone en riesgo la honorabilidad de su clan, para el cual la modernidad parece no existir.

Cineteca: domingo 5 y viernes 17

La vida de Oharu, mujer galante Aikaku ichidai onna, Japón, 1952, 148 min.

D: Kenji Mizoguchi. G: Yoshikata Yoda y Kenji Mizoguchi, basados en la novela de Saikaku Ihara. F en B/N: Yoshimi Hirano. M: Ichirō Saitō. E: Toshio Goto. Con: Kinuyo Tanaka (Oharu), Tsukie Matsuura (Tomo), Ichirô Sugai (Shinzaemon), Toshirô Mifune (Katsunosuke). CP: Koi Productions. Prod: Hideo Koi.

Avejentada y sobreviviendo lastimeramente como prostituta callejera, Oharu ingresa a un templo religioso donde recuerda su pasado amoroso y laboral determinado por la adversidad y la tragedia. Con un soberbio manejo de exteriores y una narración que eslabona firmemente los elementos melodramáticos, Mizoguchi logra una de sus mejores cintas sobre la temática de geishas, observando la condición de la mujer en un contexto pretérito de severidad militar y aspereza moral.

Cineteca: domingo 5 y viernes 17

Cuentos de la luna vaga después de la lluvia Ugetsu monogatari, Japón, 1953, 94 min.

D: Kenji Mizoguchi. G: Yoshikata Yoda y Matsutarô Kawaguchi, inspirados en una idea de Kyûchi Tsuji y relatos de Akinari Ueda. F en B/N: Kazuo Miyagawa. M: Fumio Hayasaka, Tamekichi Mochizuki e Ichirō Saitō. E: Mitsuzô Miyata. Con: Masayuki Mori (Genjurô), Machiko Kyô (dama Wakasa), Kinuyo Tanaka (Miyagi), Saka Ozawa (Tôbei), Ikio Sawamura (Genichi). CP: Daiei Studios. Prod: Masaichi Nagata.

Interesado en la actitud del hombre enfrentado al horror de la guerra, Kenji Mizoguchi reúne dos relatos sobrenaturales ubicados en el siglo XVI, durante una cruenta guerra civil. Elegantes planos secuencia y una fantasmal atmósfera son el marco de esta historia, en la cual un alfarero es seducido por una dama espectral. Por este filme de singular belleza, considerado entre los mejores de la historia del cine, Mizoguchi obtuvo el León de Plata a la mejor dirección en el Festival de Venecia de 1953.

Cineteca: martes 7 y sábado 18

CINETECA NACIONAL I México

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CICLOS I La mujer en el cine de Kenji Mizoguchi

Los músicos de Gion

Gion bayashi, Japón, 1953, 88 min.

D: Kenji Mizoguchi. G: Yoshikata Yoda y Matsutaro Kawaguchi, inspirados en una novela de éste último. F en B/N: Kazuo Miyagawa. M: Ichirō Saitō. E: Mitsuzo Miyata. Con: Michiyo Kogure (Miyoharu), Ayako Wakao (Eiko), Seizaburo Kawazu (Kusuda), Saburo Date (Imanishi), Kyoko Hisamatsu (joven), Sumao Ishihara (Kokichi), Kanae Kobayashi (peinadora). CP: Daiei Studios. Prod: Hisakazu Tsuji.

Una adolescente se convierte en aprendiz de una experimentada geisha de Tokio. Cansadas del maltrato que sufren por parte de algunos de sus clientes, ambas mujeres se rebelarán contra la rigidez social que las somete. Este melodrama que plantea un urgente cambio social, ambientado en el Japón de los años 50, es también uno de los filmes menos conocidos de Mizoguchi, realizado en su periodo de mayor apogeo como cineasta.

Cineteca: miércoles 8 y sábado 18

Los amantes crucificados Chikamatsu monogatari, Japón, 1954, 102 min.

D: Kenji Mizoguchi. G: Yoshikata Yoda y Matsutarô Kawaguchi, inspirados en una pieza teatral de Monzaemon Chikamatsu. F en B/N: Kazuo Miyagawa. M: Fumio Hayasaka y Tamezô Mochizuki. E: Kanji Suganuma. Con: Kazuo Hasegawa (Mohei), Kyôko Kagawa (Osan), Eitarô Shindô (Ishun), Saka Ozawa (Sukeemon), Yôko Minamida (Otama), Haruo Tanaka (Gifuya Dôki). CP: Daiei Studios. Prod: Masaichi Nagata.

En Japón, durante el siglo XVII, se acostumbraba castigar el adulterio crucificando a los amantes públicamente. Los protagonistas de esta cinta inician una relación clandestina impulsada por la codicia del marido de ella y patrón de él. Una vez descubierto su amorío, ambos huyen sin rumbo, tratando de escapar del rechazo social. Filmada en la madurez de Mizoguchi, destaca el manejo del plano secuencia para crear intensidad dramática.

Cineteca: jueves 9 y domingo 19

Una mujer de rumores Uwasa no onna, Japón, 1954, 83 min.

D: Kenji Mizoguchi. G: Masashige Narusawa y Yoshikata Yoda. F en B/N: Kazuo Miyagawa. M: Toshiro Mayuzumi. E: Kanji Suganuma. Con: Kinuyo Tanaka (Hatsuko Mabuchi), Tomoemon Otani (doctor Kenji Matoba), Yoshiko Kuga (Yukiko), Eitarô Shindô (Yasuichi Harada), Bontarô Miake (Kobayashi), Chieko Naniwa (Osaki). CP: Daiei Studios.

Prod: Masatsugu Hashimoto.

Una viuda, empresaria en el distrito de las geishas de Tokio, se dispone a vivir con el hombre que ama, un médico. Sin embargo, el regreso de su hija, quien desprecia su forma de vida, complica sus planes. Kenji Mizoguchi y la actriz Kinuyo Tanaka orquestaron una dolorosa cinta sobre lo implacable del paso del tiempo, centrándose en la forma como éste afecta en particular la vida de las mujeres, tanto en el plano íntimo como en el social.

Cineteca: viernes 10 y domingo 19

46 I Programa mensual octubre

La mujer en el cine de Kenji Mizoguchi I CICLOS

La emperatriz Yang Kwei-fei Yôhiki, Japón, 1955, 98 min.

D: Kenji Mizoguchi. G: Yoshikata Yoda, Masashige Narusawa, Matsutarô Kawaguchi y Ching Doe. F en C: Kôhei Sugiyama. M: Fumio Hayasaka. E: Kanji Suganuma.

Con: Machiko Kyô (princesa Yang Kwei-fei), Masayuki Mori (emperador Xuan Zong), Sô Yamamura (An Lushan), Eitarô Shindô (Kao Li-hsi), Eitarô Ozawa (Yang Kuo-chung), Haruko Sugimura (princesa Yen-chun), Yôko Minamida (Hung-tao). CP: Daiei Studios.

Prod: Masaichi Nagata y Run Run Shaw.

Un emperador chino, incapaz de superar la muerte de su esposa, se enamora de una plebeya. Las intrigas palaciegas y la envidia que provoca su felicidad tornan trágico el romance. Considerada su última gran obra, este filme de Kenji Mizoguchi explota al máximo su deslumbrante fotografía en color y una exquisita escenografía que remite a la China imperial.

Cineteca: viernes 10 y martes 21

La calle de la vergüenza Akasen chitai, Japón, 1956, 87 min.

D: Kenji Mizoguchi. G: Masashige Narusawa, inspirado en una novela de Yoshiko Shibaki. F en B/N: Kazuo Miyagawa. M: Toshiro Mayuzumi. E: Kanji Sugawara. Con: Machiko Kyo (Mickey), Ayako Wakao (Yasumi), Michiyo Kogure (Hanae), Aiko Mimasu (Yumeko), Kenji Sugawara (Eiko), Yasuko Kawakami (Shizuko), Eitaro Shindo (Kurazo Taya). CP: Daiei Studios. Prod: Masaichi Nagata.

Los sueños de las prostitutas de un burdel ubicado en la zona roja de Tokio se ven continuamente destrozados por la sordidez de la realidad que les rodea. El último filme de Kenji Mizoguchi es una lección de sabiduría cinematográfica en la cual la vocación realista del director no es un obstáculo para la emotividad. La cinta tuvo su estreno poco después de la promulgación de una ley antiprostitución, lo que provocó un inmenso éxito de público.

Cineteca: sábado 11 y miércoles 22

Kenji Mizoguchi: la vida de un director de cine Aru eiga-kantoku no shogai, Japón, 1975, 150 min.

D y G: Kaneto Shindô. Testimonios: Kinuyo Tanaka, Isuzu Yamada, Yoshikata Yoda, Daisuke Itô, Machiko Kyô, Yasuzo Masumura, Eitarô Shindô. CP: Kindai Eiga Kyokai.

Kaneto Shindô, director de clásicos del cine japonés como Onibaba (1964) y Kuroneko (1968), es el cineasta detrás de este documental sobre la obra, la vida y los tiempos de Kenji Mizoguchi, evocados a través de los testimonios de algunos de sus colaboradores más cercanos, como su guionista Yoshikata Yoda o su actriz predilecta, Kinuyo Tanaka.

Cineteca: sábado 11 y jueves 23

CINETECA NACIONAL I México

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CICLOS I Retrospectiva Rithy Panh

Retrospectiva

Rithy Panh

Todas las películas de Rithy Panh tienen como tema central el genocidio en Camboya, perpetuado por el régimen del Khmer Rojo, que asesinó entre 1975 y 1979 a cerca de dos millones de personas de una población de siete millones. Entre los muertos están los padres, hermanos y otros familiares del director, quien logró huir a un campo de refugiados en Tailandia. Site 2, el nombre de ese campo, es también el título de su primer largometraje, realizado en 1989.

En su filme más aclamado por la crítica S-21: La máquina de la muerte del Khmer Rojo (2002), Panh pone en acción un dispositivo fílmico que confronta los testimonios de los sobrevivientes del S-21, centro de detención donde murieran cerca de 17,000 personas, con las declaraciones de los antiguos funcionarios del campo de concentración. Los verdugos, prácticamente adolescentes en la época del exterminio recuerdan, con la prisión hoy clausurada como escenario, las brutales acciones que llevaban a cabo durante el régimen. Con esta película como prueba irrefutable, las Naciones Unidas y el Estado camboyano se vieron obligados a reconocer el genocidio del Khmer Rojo.

Por su más reciente trabajo, La imagen ausente (2013), Rithy Panh recibió el premio Una Cierta Mirada del Festival de Cannes. Para dicha película, utilizó dos recursos inéditos en su obra para representar escenas del pasado: el uso de miniaturas hechas de arcilla, y la narración en primera persona. Sus declaraciones sobre el filme resumen bien el conjunto de su obra, reconocida en muchos países: «Hay tantas imágenes en el mundo que creemos haberlo visto todo. Hace muchos años que busco una imagen que falta. Una fotografía tomada entre 1975 y 1979 por los jemeres rojos, mientras gobernaban Camboya. Claro, por si sola, una imagen no prueba un crimen masivo, pero hace pensar y meditar sobre ello; ayuda a construir la historia. Busqué en vano en los archivos y las aldeas de mi país, y ahora sé que esa imagen podría no existir más. Lo que yo ofrezco ahora no es una imagen, o la búsqueda de una imagen única, sino la imagen de una búsqueda: aquella que permite el cine».

Fragmentos de un texto publicado en Revista de cinema (revistadecinema.uol.com.br) São Paulo, octubre de 2014 Traducción: Gustavo E. Ramírez

48 I Programa mensual octubre

Retrospectiva Rithy Panh I CICLOS

La tierra de las almas errantes La Terre des âmes errantes, Francia, 2000, 100 min.

D y G Rithy Panh. F en C: Prum Mesa. M: Marc Marder. E: Marie-Christine Rougerie e Isabelle Roudy. CP: La Sept-Arte, Alcatel, Centre National de la Cinématographie (CNC), Institut National de l’Audiovisuel (INA). Prod: Cati Couteau..

En 1999 fue instalada una cerca de fibra de vidrio que cubría desde Tailandia a Vietnam cruzando Camboya.

Rithy Panh nos muestra el trabajo que se realizó en Camboya para conectar a la población del Khmer Rojo con el mundo moderno. Granjeros, soldados y niños trabajan para sobrevivir mientras encuentran los huesos de humanos, restos del régimen del dictador Pol Pot. Cineteca: miércoles 1°

S-21: La máquina de la muerte del Khmer Rojo S-21, la machine de mort Khmère Rouge, Camboya-Francia, 2002, 101 min.

D y G Rithy Panh. F en C: Prum Mesa y Rithy Panh. M: Marc Marder. E: Marie-Christine Rougerie e Isabelle Roudy. Testimonios: Khie Poev Ches (guardia), Yeay Cheu (madre de Houy Him), Nhiem Ein (fotógrafo), Houy Him (adjunto de seguridad), Ta Him (padre de Houy Him), Nhieb Ho (guardia). CP: Institut National de l’Audiovisuel (INA), arte France Cinéma. Prod: Cati Couteau y Dana Hastier.

En este documental, Rithy Panh enfrenta a victimarios y víctimas del centro de detención y tortura S-21, confinados en ese lugar entre 1975 y 1979, para relatar ante la cámara lo sucedido. Este trabajo ha sido, en palabras del propio director, un intento por exorcizar su pasado: con poco más de diez años de edad fue enviado a esos campos de concentración, de los cuales logró escapar siendo un adolescente.

Cineteca: viernes 3

CINETECA NACIONAL I México

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CICLOS I Retrospectiva Rithy Panh

El papel no puede envolver las brasas Le papier ne peut pas envelopper la braise, Francia, 2006, 90 min.

D y G Rithy Panh. F en C: Prum Mesa. M: Marc Marder y Agnès Sénémaud. E: Marie-Christine Rougerie. CP: Catherine Dussart Productions, Institut National de l’audiovisuel, France 3, France 5, Bophana Production. Prod: Catherine Dussart.

Rithy Panh sigue explorando las heridas de un pueblo mutilado por el genocidio perpetrado por los jemeres rojos. En esta ocasión, el filme se sitúa en un edificio de Nom Pen, habitado por trece prostitutas menores de 20 años, y cuyas conversaciones muestran el desamparo en el que viven y su condición como verdaderas parias de la sociedad actual. Ganador del premio al mejor documental de la Academia de Cine Europea 2007.

Cineteca: sábado 4

La imagen ausente L’image manquante, Francia-Camboya, 2013, 86 min.

D Rithy Panh. G: Rithy Panh en colaboración con Christophe Bataille. F en C: Prum Mesa. M: Marc Marder. E: Rithy Panh y MarieChristine Rougerie. Narradores: Randal Douc, Jean-Baptiste Phou. CP: Catherine Dussart Productions, Arte France, Bophana Production. Prod: Catherine Dussart. Dist: Ambulante Presenta.

Durante el régimen totalitario de Pol Pot en Camboya, miles de personas fueron despojadas de sus tierras y forzadas a trabajar en los campos agrícolas. Para contar la historia de esta época, Rithy Panh buscó imágenes de este periodo atroz, pero no encontró nada. Esto se convirtió en una oportunidad para que el director creara “imágenes ausentes” usando figuras de plastilina y dioramas. Esta película retrata la pesadilla histórica, el trauma y la memoria de una sociedad.

Cineteca: domingo 5

50 I Programa mensual octubre

CICLOS I Mística popular

Mística popular La población mexicana posee una mística y religiosidad popular sincrética, es decir, que recupera elementos de diversas matrices religiosas; y numinosa, que integra aspectos sacros y profanos.

Esta condición, vinculada a la precarización y vulnerabilidad social, ha generado una amplia y conspicua presencia de diversos santos populares que convocan la fe de millones de devotos, al mismo tiempo que participan como vicarios cuya intercesión milagrosa es invocada para resolver asuntos económicos, de salud y otros aspectos que definen el riesgo en los sectores populares.

La serie de documentales del proyecto Mística Popular Transfronteriza. Tradiciones, mitos y santos populares en la frontera México-Estados Unidos, es una compilación de películas sobre el culto y la santificación popular. Más allá de tratarse de personajes reales o imaginarios, los seguidores de Malverde, el santo de los narcotraficantes; del Niño Fidencio, Juan Soldado o la Santísima Muerte, evocan distintas formas de representación y de prácticas religiosas frente a condiciones de vulnerabilidad.

Desde diversos contextos de México, los documentales exhibidos en este ciclo, recuperan las voces de los devotos y el fervor colectivo que da lugar a la mística popular.

52 I Programa mensual octubre

Mística popular I CICLOS

Cuchuma: La montaña sagrada de Tecate México, 2012, 54 min.

D y E: Pável Valenzuela Arámburo. Prod: José Manuel Valenzuela Arce.

Documental que registra la percepción sobre la condición espiritual, mística y ceremonial asociada a la montaña Cuchumá, a través de las voces de nativas y nativos k’miai, personajes emblemáticos del yoga y la difusión de la filosofía hindú, neomexicanistas que realizan ceremonias en la montaña, y pintores y escultores quienes, desde una perspectiva secular, la utilizan como referente de su producción artística.

Cineteca: miércoles 8

Santísima Muerte: Niña Blanca, Niña Bonita México, 2012, 63 min.

D: Pável Valenzuela Arámburo. Prod: José Manuel Valenzuela Arce.

Este documental aborda las prácticas de misticismo popular en la frontera México-Estados Unidos a partir del culto a la Santa Muerte, que por el fervor de sus devotos ha adquirido conspicua presencia en ambos lados de la zona fronteriza.

Cineteca: miércoles 8

CINETECA NACIONAL I México

53

CICLOS I Mística popular

Niño Fidencio México, 2012, 42 min.

D: Pável Valenzuela Arámburo. Prod: José Manuel Valenzuela Arce.

La mística popular se encuentra contenida dentro de estructuras culturales que participan como marcos simbólicos de ordenación del sentido social. Este documental muestra el culto popular que se construye alrededor de la figura taumatúrgica de José de Jesús Fidencio Constantino Síntora, El niño Fidencio, personaje recreado a través de las voces de sus devotos.

Cineteca: jueves 9

Malverde: El mito santificado México, 2012, 39 min.

D: Pável Valenzuela Arámburo. Prod: José Manuel Valenzuela Arce.

Más allá del personaje real o imaginario, Jesús Malverde expresa una dimensión colectiva que acrisola miedos, necesidades, frustraciones, odios y hartazgo. Representa un proceso de mímesis social que cobra forma en expresiones gregarias que asumen orgullosas su identificación con el santo popular, el mismo a quien desde hace algunas décadas se considera como el santo de los narcotraficantes.

Cineteca: jueves 9

54 I Programa mensual octubre

Mística popular I CICLOS

Juan Soldado: El santo de los migrantes México, 2012, 28 min.

D: Sergio Saldaña Romero y Oswald Tiznado Valenzuela. Prod: José Manuel Valenzuela Arce.

Documental que muestra la apropiación y el uso social del mito que se formó alrededor de la historia de Juan Castillo Morales, un soldado acusado de la violación y el asesinato de una niña, por cuyos crímenes fue ejecutado por militares que le aplicaron la ley fuga. Sin embargo, fue redimido a través de la mitificación popular erigiéndolo como el santo milagroso llamado Juan Soldado, a quien se le identifica como el santo de los migrantes.

Cineteca: jueves 9

Niño Fidencio, el taumaturgo de espinazo México, 1980, 80 min.

D y F en C: Nicolás Echevarría. G: Nicolás Echevarría y Guillermo Sheridan. M: Mario Lavista. E: Joaquín Osorio. Prod: Aarón Hernandez, Enrique Aracil.

Una de las películas más importantes del documentalista Nicolás Echevarría. Este documental aborda el culto que se rinde a Jesús Fidencio Constantino Síntora, el niño Fidencio, célebre curandero de Espinazo, Coahuila, quien atendió a enfermos durante los años 20 del siglo pasado y hasta su muerte sucedida en 1938. Muchos años después, la fe por su figura sigue vigente en el norte del país.

Cineteca: viernes 10

CINETECA NACIONAL I México

55

CICLOS I Día de la Academia

Día de la academia La recuperación de Pedro Páramo: el hombre de La Media Luna

Con sólo dos películas en su filmografía, La soldadera (1967) y Arde baby arde (1975), José Bolaños emprendió en 1976 el proyecto más ambicioso de su carrera como director: la adaptación y filmación de Pedro Páramo: el hombre de La Media Luna, segunda versión cinematográfica de la novela de Juan Rulfo. Durante catorce semanas se llevó a cabo la filmación de la película en Real de Catorce, San Luis Potosí, y los Estudios Churubusco. Se construyeron enormes decorados tanto en el backlot como en los foros de los estudios a partir de diseños del escritor Pedro Miret y el escenógrafo Xavier Rodríguez, y se contrató al compositor italiano Ennio Morricone para que se hiciera cargo de la música.

La película formaba parte del ambicioso programa de producción que Rodolfo Echeverría había emprendido como director del Banco Nacional Cinematográfico, y que tuvo continuidad en los primeros años del sexenio de José López Portillo. Pero al nombrar éste a su hermana Margarita López Portillo como Directora de Radio, Televisión y Cinematografía, la producción fílmica padeció un severo cambio y muchos de los proyectos que su administración heredó fueron abruptamente cancelados, censurados, mutilados o se exhibieron en las peores condiciones posibles.

Tal fue el caso de la película de José Bolaños, que tenía una duración de casi tres horas y fue reducida a una versión de cien minutos, y así mutilada, se exhibió en agosto de 1978 en el Cine Latino.

José Bolaños pasó los siguientes años tratando de recuperar los negativos para rehacer la versión original pero su tarea fue infructuosa, pues el apoyo institucional fue nulo. Hubo que esperar otro cambio sexenal para que, finalmente, durante la administración de Alberto Isaac al frente del recién creado Instituto Mexicano de Cinematografía, el director pudiera iniciar el proceso de recuperación de algunos negativos. Inclusive volvió a filmar varias secuencias que se habían perdido.

La versión íntegra de la película fue concluida, pero sólo para toparse con un nuevo cambio en la burocracia fílmica y con él la imposibilidad de exhibir públicamente la obra que tanto tiempo y esfuerzo le había costado realizar.

José Bolaños falleció el 11 de junio de 1994, y es hasta ahora que gracias a que la versión completa de la película fue encontrada en las bóvedas del IMCINE, Pedro Páramo: el hombre de La Media Luna se puede mostrar al público por primera vez 38 años después de haber sido filmada.

Juan Antonio de la Riva Octubre de 2014

56 I Programa mensual octubre

Día de la Academia I CICLOS

Pedro Páramo: el hombre de La Media Luna México, 1976, 178 min.

D: José Bolaños. G: José Bolaños, basado en la novela homónima de Juan Rulfo. F en C: Jorge Stahl Jr. M: Ennio Morricone. E: Carlos Savage. Con: Manuel Ojeda (Pedro Páramo), Venetia Vianello (Susana San Juan), Bruno Rey (padre Rentería), Narciso Busquets (Fulgor Sedano), Blanca Guerra (Dolores Preciado), Abelardo San Miguel (Juan Preciado), Patricia Reyes Spíndola (Eduviges Dyada). CP: CONACINE.

Dueño de la hacienda La Media Luna, del pueblo de Comala y toda la tierra que abarca la mirada, amo de vidas y voluntades, el cacique Pedro Páramo está acostumbrado a tomar lo que desea, sin importar los medios. Lo amen o lo odien, todas las mujeres son suyas; sin embargo, su imperio no le sirve para lograr el amor de Susana San Juan, cuya imagen lo persigue desde la infancia. Pedro Páramo, la inmortal novela de Juan Rulfo, es una historia intemporal de pasión e imposibilidad amorosa.

Cineteca: miércoles 22

CINETECA NACIONAL I México

57

CICLOS I Artes.Docs. Tercer encuentro internacional de documentales de artes

ARTES. DOCS

Tercer Encuentro Internacional De Documentales De Artes

ARTES.DOCS es el único espacio en Iberoamérica dedicado a los documentales sobre arte. Es, más que un festival, un foro de análisis y reflexión sobre el arte y la sociedad, y un punto de encuentro entre cineastas y artistas tanto mexicanos como extranjeros de otras disciplinas.

En esta cuarta edición anual de ARTES.DOCS, que se realiza gracias a los auspicios del Centro Nacional de las Artes, el IMCINE, la Secretaría de Turismo del Gobierno del Distrito Federal y la Cineteca Nacional, con el apoyo de otras instituciones como el Instituto Goethe y el IFAL, nos hemos propuesto otorgar un espacio al mayor número posible de creadores, nacionales y extranjeros, con un interés particular en los más jóvenes. También hemos procurado que la selección de documentales, y la variedad de sus temáticas y contenidos reflejen la diversidad de las disciplinas artísticas, las visiones estéticas y los problemas, sueños y retos que enfrentan los creadores en un mundo en el que el neoliberalismo y las reglas del mercado determinan un insuficiente apoyo al desarrollo cultural.

El arte, en sus diversas disciplinas y expresiones y, sobre todo en la imaginación y rebeldía que lo sustentan, está aquí, patente, en el cine documental de creación de países como México, Alemania, Argentina, Bélgica, Chile, España, Estados Unidos, Francia, Reino Unido, Países Bajos, Polonia, Portugal y Venezuela.

En la Cineteca Nacional tendremos una muestra retrospectiva del cineasta François LévyKuentz, cuyos títulos serán, en su mayoría, estrenos en México. También queremos destacar la participación de tres artistas polacos: Malgorzata Szyszka, dramaturga, directora de cine y teatro, Maciej Rychly, músico, y Artur Sochan, fotógrafo; además de la cineasta chilena y costarricense Ishtar Yasin Gutiérrez.

En México siempre hemos tenido un número importante de cineastas de excelencia que realizan documentales sobre los procesos creativos. En esta edición presentaremos trabajos recientes de Jaime Kuri, Tufic Makhlouf Akl, Julián Pastor, Carolina Kerlow, Marcos Límenes, David Pablos, Adrián Ortiz, Jesús Eiki Fukushima Martínez, Edson Caballero, Alberto Becerril, Marie-Christine Camus, Javier Bañuelos y el colectivo Los Ingrávidos. También algunos de otras épocas, ya clásicos, como los realizados por Fernando Gamboa, artista, museógrafo y gestor cultural.

ARTES.DOCS agradece a todos los realizadores, productores y distribuidores de las películas que integran el programa su colaboración y su amistad.

Juan Francisco Urrusti Director General ARTES.DOCS

58 I Programa mensual octubre

CICLOS I Pantalla de Cristal

PANTALLA DE CRISTAL El Festival Pantalla de Cristal nació en 1999 y se ha realizado de forma ininterrumpida año con año hasta la fecha. Su espíritu es crear un punto de encuentro en el que se reconozcan las producciones mexicanas, se anime a los creadores y se formalice, de manera seria y honesta, un registro histórico de sus tendencias y calidad. En su XVI edición, el festival luce tan joven como lo es siempre el alma de los artistas que se atreven a tomar una cámara para expresar las historias que traen dentro de sí y compartirlas apasionadamente con el público.

Somos el único festival en México que premia siete categorías en competencia: ficciones, documentales, cortometrajes de ficción, videoclips, anuncios de televisión e internet, reportajes noticiososn y videos corporativos.

Se premia a la mejor pieza por categoría y también lo mejor de cada categoría por especialidad: dirección, fotografía, valores de producción en pantalla, guión, edición, postproducción, diseño de audio, dirección de arte, efectos visuales, animación, banda sonora y música, investigación, color, pintado, retoque, casting, mejor actor, actriz y revelaciones. También se otorgan menciones especiales y nominaciones a finalistas.

Realizadores jóvenes, productores independientes, casas productoras y estaciones de televisión de todo el país se dan cita cada año para competir con sus piezas.

Cada premio es una felicitación para quienes con sus conocimientos, experiencia, inteligencia, preocupaciones y talento logran poner en pantalla producciones comprometidas que conmueven, emocionan y hacen vibrar al público, presentando formas narrativas estéticas e inspiradoras que cambian el rumbo de la pantalla, en forma y fondo, y también tocan la vida de los espectadores.

José Antonio Fernández Director General de Pantalla de Cristal

60 I Programa mensual octubre

CICLOS I DHFEST

FESTIVAL DHFEST Este año el dhfest (Festival Internacional de Cine y Foro de Derechos Humanos de México), dedicará su séptima edición al tema de las culturas urbanas y al derecho que tienen los jóvenes a ser diferentes y singulares en una sociedad que tiende hacia la uniformidad y la masificación.

Paralelamente, el festival ofrecerá una programación internacional con la presencia de invitados de la talla de Zenani Mandela (hija de Nelson Mandela), el galardonado cineasta camboyano Rithy Panh; y Chaz Bono, activista en la defensa de los derechos de gays y transexuales, entre otros grandes invitados.

Este año, los eventos especiales del dhfest serán: Genocidio y literatura: Mediante una master class que se llevará a cabo con el cineasta camboyano Rithy Panh en la Cineteca Nacional el 2 de octubre.

Exposición El legado de Mandela: 20 años de democracia en Sudáfrica en el Museo Memoria y Tolerancia: Zenani Mandela, hija de Nelson Mandela, inaugurará esta muestra el 3 de octubre, hablándonos de los terribles años que trajo consigo el régimen del Apartheid, así como de la lucha de un pueblo por lograr su libertad.

Encuentro Internacional de Culturas Urbanas: En un circuito que visitará diversas universidades de la ciudad de México se darán cita personalidades que se han destacado alrededor del mundo por defender su derecho a ser diferentes.

Derecho a la diversidad: Como parte del panorama LGBTTTI, el festival tendrá como invitado a Chaz Bono, activista en la defensa de los derechos de gays, lesbianas y transexuales, quien presentará en México su documental Becoming Chaz (2011).

www.dhfest.org Facebook/dhfestmexico @dhfestmexico

62 I Programa mensual octubre

CICLOS I EcoFilm

ECOFILM La materia no se crea ni se destruye, se transforma.

La 4° edición del ECOFILM FESTIVAL llega con el empuje y talento de personalidades del ámbito cinematográfico y ambientalista. El jurado está conformado por incansables personajes como Candida Brady, directora del documental Trashed (2012), que reúne la sensibilidad del actor Jeremy Irons y la música de Vangelis; Blanca Guerra, Presidenta de la Academia Mexicana de Ciencias y Artes Cinematográficas; Pedro Torres, referente en la producción audiovisual mexicana; y Bruno Bichir, actor mexicano. Además, contaremos con el análisis de la Secretaria de Medioambiente y Recursos Naturales de México.

La selección oficial y la muestra internacional están integradas por cortometrajes en concurso en las categorías de Ficción, Documental, Animación y Campaña sobre el tema de residuos sólidos.

La presente edición comparte las experiencias de Colombia (Festival de Cine Verde de Barichara), Países Bajos (The Green Filmmaking Project), España (Festival Internacional de Cine de Medio ambiente, FICMA) y Canadá (Vancouver Film School).

64 I Programa mensual octubre

CICLOS I El 12º FICM en la Cineteca Nacional

El 12º FICM en la Cineteca Nacional La decimosegunda edición del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM) se llevará a cabo del 17 al 26 de octubre de 2014.

El FICM fue fundado en 2003 como un punto de encuentro único en México. Su misión es promover a los nuevos talentos del cine mexicano, incrementar la oferta cinematográfica y contribuir al fomento de las actividades culturales y turísticas del estado de Michoacán.

El festival cuenta con cuatro secciones oficiales en competencia: Sección Michoacana, Cortometraje Mexicano, Documental Mexicano y Largometraje Mexicano.

Al término de las actividades en Morelia inicia Lo Mejor del FICM en la Ciudad de México, un ciclo en donde se exhiben las películas ganadoras del festival, así como una cuidadosa selección de su programación.

Lo Mejor del FICM en la Cineteca Nacional se exhibirá el 1 y 2 de noviembre con los trabajos ganadores de la 12ª edición del festival: • • • • •

Cortometrajes ganadores Mejor Largometraje Documental Premio del Público Mejor Primer o Segundo Largometraje Mexicano Mejor Largometraje Mexicano

Para más información visita: www.moreliafilmfest.com Facebook/moreliafilmfest Twitter: @FICM

66 I Programa mensual octubre

CICLOS I Muestra de mujeres en el cine y la televisión

XI Muestra Internacional de Mujeres en el Cine y la TV La Cineteca Nacional y la Asociación de Mujeres en el Cine y la Televisión cumplimos 11 años de colaboración. Desde que iniciamos la Muestra, hemos visto crecer la producción del cine realizado por mujeres tanto en México como en otros países, lo que refleja el compromiso, la creatividad y el potencial de las mujeres.

Gracias a estas Muestras, hemos exhibido una diversidad de propuestas narrativas, procedentes de culturas y países muy distintos al nuestro, y lo más interesante ha sido la reflexión y la riqueza en la colección de los cortometrajes y largometrajes que se han presentado.

En documental, existe una gran producción nacional e internacional, y en esta edición, como parte de la sección Cineastas libanesas en México, destaca la presencia de Eliane Raheb, directora de Sleepless Nights (Layali Bala Noom, 2012), obra premiada en el Reino Unido, Egipto, España y Argentina. Por su parte, la representante de las cineastas de ficción será la mexicana Catalina Aguilar, reconocida en el Festival Internacional de Cine de Guadalajara, con Las horas contigo (2014).

Desde que visitamos hace 10 años la Cinemateca de Montreal, tuvimos la oportunidad de ver cómo ellos apoyaban también al Festival de Cine de Mujeres, en condiciones de producción similares a las nuestras. En ese entonces yo iba como realizador y Guadalupe Ferrer era la Directora de la Cineteca. Sabemos que en Quebec, al igual que en América Latina, la cinematografía femenina sigue requiriendo un apoyo adicional para su difusión. ¡Qué mejor espacio para hacerlo que la Cineteca Nacional!

Justamente en 1994, ya se vislumbraba lo que vemos ahora, pues se presentó en México una muestra de documental de todo lo que habían realizado las cineastas mexicanas en ese momento. Hoy, en 2014, el número de documentalistas mujeres se ha incrementado, convirtiendo al documental en una herramienta de expresión. Hemos podido observar que el público de la Cineteca ve y busca cada vez más este género cinematográfico.

Como cada año, damos la bienvenida a la Muestra Internacional de Mujeres en el Cine y la TV, y abrimos los espacios de la Cineteca Nacional.

Alejandro Pelayo Rangel Director General de la Cineteca Nacional Xoco, Octubre, 2014

68 I Programa mensual octubre

CINETECA NACIONAL I México

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FUNCIÓN ESPECIAL I Roque Dalton, ¡fusilemos la noche!v

Roque Dalton, ¡fusilemos la noche!

Roque Dalton, Let’s Shoot the Night!, Austria-El Salvador-Cuba, 2013, 86 min.

D: Tina Leish. G: Tina Leisch y Enrich Hackl. F en C: Gerald Kerkletz. E: Karina Ressler. Prod: Ursula Wolschlager. CP: Witcraft Szenario, KINOKI.

Roque Dalton, ¡fusilemos la noche! Es una biopic que narra la trayectoria vital del conocido intelectual y revolucionario salvadoreño Roque Dalton, asesinado en 1975 a manos de la misma guerrilla a la que pertenecía en extrañas circunstancias. El documental recupera un tipo de cine, el político, caído en desuso desde hace décadas, y pone el acento en los movimientos libertarios que sacudieron Latinoamérica en los años 60 y 70, cuando las dictaduras se apoderaron de muchos países del continente. Lo destacado de este caso, es que quien se empeña en recuperar esa memoria histórica es una cineasta europea.

Formalmente, la película de Leisch, rehúye cualquier tipo de romanticismo libertario (en el que sería muy fácil caer) y traza una biografía seria y rigurosa reconstruyendo la vida del poeta con un collage de entrevistas hechas a familiares, amigos, intelectuales afines, compañeros de armas e incluso, sus verdugos.

Capítulo aparte se merece la propia poesía de Dalton, que a lo largo de los 85 minutos de la cinta, ya sea recitada por braceros o profesores de universidad, o cantada por raperos o músicos folklóricos, demuestra su poder y vigencia.

70 I Programa mensual octubre

Roque Dalton, ¡fusilemos la noche! I FUNCIÓN ESPECIAL

¿Cómo nació la idea del proyecto?

Yo viví en El Salvador en los años 80, trabajando con el Movimiento Popular, ahí conocí la obra de Roque Dalton. Sus Poemas clandestinos se utilizaban mucho en las manifestaciones del movimiento Popular. Allí nació mi interés, pero he de decir que en los años 80 no se hablaba mucho de la muerte de Dalton, y ese hecho me llamó la atención. Así que leí todo lo que pude de su obra y me puse a investigar sobre su vida con la intención de hacer propaganda de sus textos, ya que creo que su literatura todavía no tiene el reconocimiento que se merece.

Desde los 80 hasta el 2014 ha pasado mucho tiempo, ¿por qué esperar tanto en llevar a cabo la película?

En 2009 me enteré de que el FMLN (Frente Farabundo Martí para la Liberación Nacional) ganó las elecciones por primera vez en El Salvador desde los acuerdos de paz del 93. Entonces decidí que quería volver al país, después de 20 años, y hacer una película sobre Roque Dalton. Con el tiempo me he dado cuenta que no fue ninguna casualidad. Hubiese sido más difícil hacer una película sin el FMLN en el gobierno. Hay que pensar, además, que la figura de Dalton tiene una particularidad, y es que fue muerto por los mismos miembros de la izquierda. No hay ninguna duda de que si hubiese sido asesinado por la derecha se hubiera convertido en el gran héroe de la revolución. Para la izquierda, hablar de su muerte es reconocer un cerramiento ideológico del propio movimiento y por eso siempre se ha silenciado.

Fragmentos de un texto y entrevista de Josep Pérez a Tina Leish Culturalatina (culturalatina.at) 12 de septiembre de 2014

Cineteca: sábado 4

CINETECA NACIONAL I México

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FUNCIÓN ESPECIAL I Rojo amanecer

Rojo amanecer México, 1989, 100 min.

D: Jorge Fons. G: Xavier Robles y Guadalupe Ortega. F en C: Miguel Garzón. M: Karen Roel y Eduardo Roel. E: Sigfrido García Jr. Con: Héctor Bonilla (Humberto), María Rojo (Alicia), Bruno Bichir (Sergio), Demián Bichir (Jorge), Ademar Arau (Carlitos), Jorge Fegan (abuelo), Eduardo Palomo (estudiante herido). CP: Cinematográfica Sol, S.A. Prod: Valentín Trujillo y Héctor Bonilla.

La presente función conmemora los primeros 25 años de una película excepcional en la historia del cine mexicano contemporáneo, Rojo amanecer.

Dirigida por Jorge Fons, quien se había mantenido lejos de la realización cinematográfica desde 1976, cuando filmó el documental Así es Vietnam, la cinta se unió a una minúscula filmografía mexicana dedicada a rememorar los violentos sucesos acaecidos en nuestro país en 1968, relacionados con el movimiento estudiantil-popular que se gestó a partir del mes de junio de ese año y que concluyó fatídicamente el 2 de octubre en Tlatelolco. Hasta 1989, solamente dos largometrajes, uno de ellos de producción universitaria (El grito, de Leobardo López Aretche, realizado en 1970) y otro más producido por el Estado (Canoa, de Felipe Cazals, de 1975), se habían ocupado de un tema alrededor del cual nuestro cine había guardado un silencio incómodo.

Centrándose en un microcosmos familiar afectado directamente por el movimiento estudiantil y en el cual los puntos de vista generacionales confrontados conforman el drama, el argumento y la realización de Rojo amanecer apostaron de forma inteligente por el horror experimentado desde la claustrofobia de un departamento tlatelolca, en el que después de la masacre las horas pasan bajo la sombra de la violencia y la muerte. Es en la familia protagonista donde el México de ayer, hoy y siempre se ve reflejado, tanto en sus ganas inmensas de lucha, como en la aceptación de vivir bajo la pesadilla colectiva.

José Antonio Valdés Peña Cineteca Nacional

72 I Programa mensual octubre

Cineteca: lunes 13

Día Mundial del Patrimonio Audiovisual I FUNCIÓN ESPECIAL

DÍA MUNDIAL DEL PATRIMONIO AUDIOVISUAL Archivos en riesgo. Mucho más por hacer

El Día del Patrimonio Audiovisual conmemora la adopción por la UNESCO en 1980 de la Recomendación para la Salvaguardia y Preservación de las Imágenes en Movimiento. El 27 de octubre 2007 se celebró por primera vez de forma oficial este día. Esta celebración ofrece la posibilidad de promover la conciencia mundial sobre los peligros que acechan a los documentos audiovisuales. Por eso el lema del 2014: «Archivos en riesgo. Mucho más por hacer».

El programa Memoria del Mundo de la UNESCO tiene en sus registros más de 300 documentos, de los cuales, en 2013, 57 eran audiovisuales: 14 filmes o videos, 23 grabaciones sonoras o musicales, 9 colecciones fotográficas y 11 impresos que contienen significativos componentes audiovisuales.

Hoy en día hay consenso mundial por parte de los expertos en el tema de que todo el patrimonio audiovisual se encuentra en peligro. Es por ello que cada año los archivos del mundo se unen el 27 de octubre para celebrar los archivos audiovisuales e informar al público en general sobre la vulnerabilidad de esta herencia para las generaciones futuras, amenazada por factores técnicos, sociales, políticos y financieros.

La Cineteca Nacional, al igual que en años anteriores, conmemora este día con un programa especial coordinado por Paolo Tosini, en el cual se podrán ver materiales rescatados, digitalizados y/o restaurados por el Laboratorio de Restauración Digital de la Cineteca, todos ellos documentos de gran valor histórico y social.

Algunos de los materiales a exhibirse incluyen películas de las colecciones Guerra Zacarías (material de nitrato coloreado, 1912-1914), de la Revolución Mexicana (material de nitrato entintado, 1909-1924), y del Documental Etnográfico (Semana Santa en Tolimán, de Alfonso Muñoz y Gastón Martínez Matiella, 1967).

Cineteca: 27 de octubre

CINETECA NACIONAL I México

73

Octubre 2014 I ÍNDICE ALFABÉTICO Amantes crucificados, Los

44

Niño Fidencio, el taumaturgo de Espinazo

53

Amor de Sumako, la actriz, El

41

Papel no puede envolver las brasas. El

48

Amor en llamas

42

Party Girl

28

A segunda vista

22

Pedro Páramo: el hombre de la Media Luna

55

Bohemia 20

Purgatorio: Viaje al corazón de la frontera

35

Borgman 10

Retrato de la señora Yuki, El

42

Búsquedas, Las

24

Rojo amanecer

70

Calle de la vergüenza, La

45

Roque Dalton

68

5 cámaras rotas

32

Rosario 06

Círculo roto, El

32

S-21: La máquina de la muerte del Khmer Rojo

47

Cuarto desnudo, El

12

Santísima Muerte: Niña blanca, Niña Bonita

51

Cuentos de la luna vaga después de la lluvia

43

Señorita Oyû, La

42

Cumbres

33

Sueños de libertad

36

Cuchumá: La montaña sagrada de Tecate

51

Tierra de las almas errantes,

47

Dama de Musashino, La

43

Tom en el granero

36

Emperatriz Yang Kwei-fei, La

45

Último amor del señor Morgan, El

37

Filosofía natural del amor

33

Una mujer de rumores

44

Futuro, El

14

Vic y Flo vieron un oso

37

Generación Spielberg

34

Última película, La

26

Gigante egoísta, El

34

Vida de Oharu, mujer galante, La

43

Walesa: La esperanza de un pueblo

08

Habanastation 38 Hay un grupo que dice

16

Imagen ausente, La

48

Inori 04 Juan Soldado: El santo de los migrantes

53

Kenji Mizoguchi: la vida de un director de cine

45

Malverde: El mito santificado

52

Marina Abramović

18

Mujeres de la noche

41

Músicos de Gion, Los

44

Ninfomanía: La versión del director

35

Niño Fidencio

52

CINETECA NACIONAL I México

75