Programa mensual marzo 2009 by Cineteca Nacional de México

ÍNDICE

Programación marzo 2009 ESTRENOS Milk La soledad La desconocida Río helado Déjame entrar

CICLOS Ciclo Jacques Tati Centenario Roberto Gavaldón Ciclo de Cine Noruego Joaquín Gutiérrez Heras, Medalla Salvador Toscano 2008 Ciclo Philippe Grandrieux

6 8 10 12 14

16 22 28 38 42

Matiné infantil Despereaux, un pequeño gran héroe

PROGRAMAS DOBLES De tienda ultrabarata a boutique de Hollywood Días de alcohol Los mundos fantásticos de Karel Zeman La España franquista según Ferreri y Azcona

46 47 48 49

Intersecciones Azul, Viento del Norte

Historia del cine mudo El Golem Rieles Siete años de mala suerte Las tres luces

53 53 54 54

CONSEJO NACIONAL PARA LA CULTURA Y LAS ARTES Sergio Vela Presidente

CINETECA NACIONAL Leonardo García Tsao Director General Susana López Aranda Directora de Difusión y Programación Ángeles Sánchez Gutiérrez Directora de Acervos Nelson Carro Subdirector de Programación Ricardo Cázares Subdirector de Acervos Catherine Bloch Gerschel Subdirectora de Investigación Abel Muñoz Hénonin Subdirector de Documentación Ernesto Favela Escalante Subdirector de Salas y Apoyo Técnico

Programa Mensual de la Cineteca Roberto Garza Iturbide Subdirector de Publicaciones y Medios Agustín Gendron Zárate Jefe de Redacción Mauricio Matamoros Durán Jefe de Información Jorge Martínez Micher Jefe de Publicaciones Érika Magaña Euroza Diseño editorial

Programación sujeta a cambios. Para mayor información, consulte la página Internet www.cinetecanacional.net o llame al teléfono 4155 1190. Los días y horarios de exhibición de cada película se publican también en la cartelera diaria de los periódicos La Jornada y El Universal, y el día viernes en Diario Monitor, Reforma, Milenio y La Crónica de Hoy. Las copias de las películas que se exhiben son las de mejor calidad disponibles. Dicha calidad puede variar debido a la diversidad de su procedencia y a su antigüedad. El Programa Mensual es una publicación de la Cineteca Nacional para informar sobre las películas que se exhiben en sus instalaciones. Los textos firmados son responsabilidad de su autores. Registro en trámite. Impresión: Gráfica, Creatividad y Diseño, S.A. de C.V Av. Plutarco Elías Calles # 1321 Col. Miravalle Portada: Retrato de Roberto Gavaldón.

Haydeé Pichardo Monroy Diseño de anuncios Mariana Ruvalcaba Rougerio Diseño de encarte Miriam Jiménez Hernández Jorge Magaña Molina Jose Luis Ortega Torres Orianna Paz Esmoris José Antonio Valdés Peña Investigación Patricia Talancón Solorio Investigación iconográfica Javier Rodríguez Almaraz Exposiciones y montajes

Abreviaturas D: Dirección P: País, año G: Guión F en C: Fotografía en color F en B/N: Fotografía en blanco y negro M: Música E: Edición Prod: Producción Dur: Duración Dist: Distribución PC: Procedencia de copia

l programa del mes de marzo trae a las pantallas de la Cineteca una gran variedad de propuestas cinematográficas. Incluye cinco ciclos relevantes, de los cuales dos son homenajes a personalidades de nuestro cine: El dedicado al Centenario de Roberto Gavaldón, uno de los directores fundamentales del cine mexicano, con una serie de películas representativas de su filmografía, y el ciclo dedicado al destacado compositor e investigador Joaquín Gutiérrez Heras, Medalla Salvador Toscano al Mérito Cinematográfico 2008. Asimismo, se exhibirán el Ciclo de Cine Noruego, una muy completa selección de las mejores realizaciones recientes producidas en dicho país; el Ciclo Jacques Tati, con cinco cintas de este maestro europeo de la comedia, y la muestra de filmes dirigidos por el realizador francés Philippe Grandrieux. En cuanto a los estrenos, este mes se proyectarán La soledad, propositiva película del director español Jaime Rosales, misma que nos muestra las posibilidades de la Polivisión; La desconocida, el más reciente filme de un realizador muy estimado en México: el italiano Giusseppe Tornatore; Río helado, ópera prima de la directora estadounidense Courtney Hunt, y Déjame entrar, inclasificable cinta de vampiros dirigida por el sueco Tomas Alfredson. Por su parte, Historia del Cine Mudo presenta El Golem (Paul Wegener y Carl Boese, 1920), Rieles (Lupu Pick, 1921), Siete años de mala

Ciclo de Cine Noruego

suerte (Max Linder, 1921), y Las tres luces (Fritz Lang, 1921); el programa Intersecciones exhibirá Azul, viento del Norte, documental de Gilda Cruz Revueltas sobre la obra del cinefotógrafo Janusz Polom; la matiné infantil presenta Desperaux, un pequeño gran héroe, y finalmente, los Programas Dobles están dedicados al director checo Karel Zeman, un par de pesadillas alcohólicas, La Tiendita de los Horrores y a la dupla Marco Ferreri-Rafael Azcona.

Milk Entrevista con Gus Van Sant Milk, un hombre, una revolución es una biografía de HarMilk D: Gus Van Sant. P: Estados Unidos, 2008. G: Dustin vey Milk, el primer político abiertamente homosexual que Lance Black. F en C: Harris Savides. M: Danny Elfman. ocupó un cargo de elección popular en Estados Unidos, E: Elliot Graham. Con: Sean Penn (Harvey Milk), Emile Hirsch (Cleve Jones), Josh Brolin (Dan White), Diego Luna y quien fue asesinado en noviembre de 1978 cuando era (Jack Lira), James Franco (Scott Smith), Alison Pill (Anne concejal de la ciudad de San Francisco, California. Kronenberg), Victor Garber (George Moscone). Prod: Focus Features, Axon Films, Groundswell Productions, Héroe, mártir y referente inevitable del movimiento Bruce Cohen, Dan Jinks, Michael London. Dur: 128 gay, Harvey Milk inició su carrera política en 1972, a los mins. Dist: Universal Pictures. ,0 años, tras mudarse de Nueva York a San Francisco. Milk se instaló con su novio en la calle Castro, donde abrió una tienda de cámaras, misma que con el tiempo se convirtió en el cuartel general de un gran movimiento social en favor de los derechos de los homosexuales. “Desde hace mucho quería hacer una película sobre Harvey Milk”, comenta Van Sant cuando le pregunto sobre la génesis del proyecto. “En algún momento pensé hacer un relato ficticio, con un personaje que no se llamara Harvey Milk y ubicado en Portland, porque hacer un biopic sobre una persona real me aterraba,” recuerda el cineasta. “Luego, hace unos años –prosigue–, recibí una llamada de Cleve Jones (un viejo amigo de Harvey Milk) y me dijo que Lance Black había escrito un guión sobre Harvey que debía leer. Y así fue como llegó el guión a mis manos.” “¿Y qué le pareció ese primer tratamiento?”, le pregunto. “En realidad era una versión muy parecida a la que finalmente utilizamos. La historia se centraba en la vida política de Harvey, y los asuntos de su vida privada se filtraban a través de la política; eso llamó mi atención. Todo giraba en torno a la política, pero también había algo profundamente humano que trascendía al discurso político… Ahí empezó todo.” En una decisión acertada, Van Sant le ofreció a Sean Penn el papel de Harvey Milk. “Desde el principio pensamos en él”, recuerda. “Sean, además de ser un actor extraordinario, tiene

una gran habilidad para hablar en público, es un gran orador, igual que Harvey. Le hablamos por teléfono y nos dijo que estaba interesado. El siguiente paso fue enviarle el guión.” Según explica Van Sant, el guión que recibió Sean Penn fue la versión de casting, en la que suprimieron una escena sexual bastante fuerte. “Sean leyó el guión y cuando tuvimos nuestro primer encuentro con él lo primero que dijo fue: ´Hey, necesitamos una gran escena sexual´. ´La tenemos Sean, la tenemos´, le dije.” “¿Cómo fue trabajar con Sean Penn?” Van Sant responde: “¡Grandioso!… Sean es un actor muy dedicado, que toma muy en serio su trabajo, que investiga y estudia muy bien a sus personajes. Así que le agradezco que haya aportado tanto al personaje de Harvey.” Un tema importante es que Milk, más que un biopic, es una película política. Gus Van Sant ha declarado su oposición a la Proposición 8, una enmienda constitucional que prohíbe los matrimonios entre personas del mismo sexo en California. “¿Milk es parte de este movimiento a favor de los derechos de los homosexuales y en contra de la Proposición 8?, le pregunto. “Por extensión somos parte de este movimiento. No soy un activista político, aunque me gusta la idea, me parece romántica de hecho, pero no es lo mío. En tal caso soy un artista activista.” “¿Y qué les dice a los gays que se han visto afectados por la Proposición 8?”. Van Sant se inclina un poco hacia delante y añade: “Que sigan luchando por sus derechos. Esta película muestra el caso de un movimiento que inició pequeño, en una calle, y creció muchísimo. El cambio político es posible.”

Roberto Garza Iturbide Extracto de entrevista publicada en la revista Cinemanía Febrero de 2009 A partir del viernes 6

La soledad

D: Jaime Rosales. P: España, 2007. G: Jaime Rosales y Jaime Rosales, el realizador catalán que en 2003 ofreció Enric Rufas. F en C: Óscar Durán. M: Varios. E: Nino un perturbador retrato de un asesino serial en Las horas Martínez. Con: Sonia Almarcha (Adela), Petra Martínez (Antonia), Miriam Correa (Inés), Nuria Mencia (Nieves), del día, propone en su segundo largometraje, La soledad, María Bazán (Helena), Jesús Cracio (Manolo), Luis Vila historia íntima de dos mujeres, Adela, una joven madre llanueva (Carlos). Prod: Fresdeval Films, Wanda Visión S.A., Ricard Figueras, José María Morales, Jaime Rosales. que abandona a su marido y la provincia asfixiante para Dur: 133 mins. Dist: Cineteca Nacional. probar suerte y una mejor definición de su vida profesional en Madrid, y la anciana Antonia, madre de tres mujeres jóvenes continuamente en disputa por el interés de la hermana mayor en vender, para beneficio propio, el departamento familiar. El procedimiento narrativo es interesante: dividir la pantalla en partes iguales, durante una buena parte de la cinta, para describir una misma actividad con ángulos diferentes. El cambio de perspectivas visuales, y en ocasiones el registro de dos tomas distintas de un personaje (de perfil o de frente) dentro de un mismo cuadro, o de dislocaciones aparentes del espacio doméstico, no sólo favorece la dinámica de la acción, sino también sirve para subrayar el desamparo anímico de algunos personajes, su soledad en la vida de pareja o en la pretendida comunión familiar. El título de la cinta no permite interpretar de otro modo el deseo de situar y confrontar a los personajes en un terreno de incomunicación continua. La descripción de la vida doméstica adquiere así una fuerza dramática pocas veces vista en el cine español reciente. Procedimientos visuales novedosos aparte, la referencia más cercana a esta disección del mundo doméstico se encuentra en el cine del fallecido director francés Maurice Pialat, particularmente en A nuestros amores (1983), con sus eficaces planteamientos de una vida familiar al límite del colapso. Los personajes de dos ámbitos distintos —el hogar donde la anciana vive con dos de sus hijas, y el departamento que Inés, la hija menor, comparte con su novio y con Adela como inquilina reciente—, apenas entran en contacto, pero el espectador pronto aprende a transitar de un lugar a otro con ayuda del procedimiento de la pantalla dividida. Una de las hijas vive una experiencia dramática (se le ha diagnosticado cáncer de colon, y su madre es el único apoyo a su alcance); la mayor se desentiende de toda convivencia familiar y busca su confort personal

pagándose un departamento lejos de Madrid al lado de su esposo. Adela, el personaje en apariencia externo a esta trama, vive un atentado en el que pierde la vida su ser más querido. Los mayores aciertos del filme se centran en capturar la desolación de Antonia, la anciana que asiste perpleja a la desintegración familiar, y el naufragio moral de Adela, quien a su vez asiste al derrumbamiento de toda su vida afectiva. Cuando las protagonistas toman la decisión de nuevamente empezar de cero sus existencias (afirmación profesional, independencia), las circunstancias se revelan adversas y sobreviene la incapacidad de comunicar, el aislamiento moral y una soledad penosamente compartida. Jaime Rosales elabora en este filme, con ritmo muy propio y un sólido punto de vista, la inteligente disección de estos sentimientos. Carlos Bonfil Diario La Jornada, México Noviembre 12 de 2008 A partir del viernes 20

La desconocida

La sconosciuta

D y G: Giuseppe Tornatore. P: Italia-Francia, 2006. F Giuseppe Tornatore, director de Cinema Paradiso, nos naen C: Fabio Zamarion. M: Ennio Morricone. E: Masrra esta vez una historia de misterio y amor. Irena es una simo Quaglia. Con: Xenia Rappoport (Irena), Michele Placido (Muffa), Claudia Gerini (Valeria Adacher), Alesmujer que esconde un secreto. Es rica pero se hace pasar sandro Haber (portero), Ángela Molina (Lucrezia), Piera por una pobre empleada para acercarse a una joven y Degli Esposti (Gina), Margherita Buy (abogado). Prod: Medusa Film, Marigolda Film. Dur: 118 mins. Dist: millonaria pareja italiana y a su pequeña hija Thea. Como Quality Films. en un complicado rompecabezas, Irena nos revela poco a poco el enigma de su pasado. La desconocida fue galardonada con cinco David di Donatello de la Academia italiana de cine y el premio al mejor director en el Festival de Moscú. De Irena no sabemos mucho, sólo que llegó a Italia proveniente de Ucrania. O quizás regresó después de unos años fuera para saldar una cuenta. Con la ayuda de un amable portero encuentra trabajo con la familia Adacher, una pareja de joyeros que tienen una hija que sufre de una enfermedad que provoca que sea incapaz de defenderse. Irena atiende a la pequeña, la conquista y le enseña a reaccionar. Aparentemente comienza a estar en paz con si misma, pero en ese preciso momento vuelve a aparecer el mal que definió su pasado bajo la apariencia del tratante de blancas Muffa. La desconocida, de Giuseppe Tornatore, nos llega casi seis años después que Malena (2000). El director, oriundo de Bagheria, rodeó la filmación de misterio, al asegurarse de que nadie hablase ni supiese nada acerca de la película que estaba preparando. Ahora descubrimos que el misterio sigue y lo que es más, se revela sólo un poco a la vez, en esta historia en la que se entrecruzan varios planos temporales, al igual que en uno de sus anteriores y mejores trabajos, Una pura formalidad, con la cual también comparte un final sorpresivo. Menos enigmática y más chabroliana, al convertir a la protagonista en el detonador explosivo en el seno de una familia burguesa, el filme tiene el gran mérito de ser más seco y desnudo que sus otras películas, despojado de todo énfasis expresivo y no constructivo. Un grupo de actores notables se reúne sin protagonismos alrededor de la “desconocida” Xenia

Rappoport, actriz rusa proveniente del teatro, corazón y cuerpo de la película, cuya figura indiscutiblemente logra su cometido sin titubeos. No se trata aquí de denunciar la esclavitud sexual de las chicas que llegan a Italia provenientes de la frontera oriental, sino hacer de eso el trasfondo de un emocionante thriller psicológico lleno de horror que nos engancha hasta los últimos minutos, cuando surgen unas tomas demasiado largas, llenas de sentimentalismo que, al final, no logran tener gran impacto. Cierto que el imaginario creado por Tornatore alrededor de la compra-venta sexual, la escalera de caracol y el dinero sucio, no es ajeno al influjo del imaginario de otros maestros, y sin embargo el filme encuentra su identidad, precisa e incisiva, dentro de una atmósfera que le debe mucho a la luminosidad centro europea de Trieste. La emoción nace de la centralidad de Xenia/Irena, de la fuerza de un personaje femenino que busca reconquistar un pedazo de su vida y su feminidad, que le han sido robadas mediante el chantaje y la violencia. En los encuadres de ella, en el seguirla, en el calibrar el ritmo mismo de su respiración contenida por el miedo, Tornatore busca esconder, por una vez, el virtuosismo de la cámara, haciéndola desaparecer dentro de la historia narrada, en beneficio del placer del espectador. Marianna Cappi www.mymovies.it Traducción: Catherine Bloch A partir del viernes 13

Río helado En Río helado, impresionante debut cinematográfico de Frozen River D y G: Courtney Hunt. P: Estados Unidos, 2008. F en la cineasta Courtney Hunt, dos mujeres de Nueva York C: Reed Morano. M: Peter Golub y Shahzad Ismaily. se involucran en una serie de correrías a bordo de un E: Kate Williams. Con: Melissa Leo (Ray Eddy), Misty Upham (Lila), Charlie McDermott (T.J.), Mark Boone desvencijado Dodge Spirit, siguiendo la línea del río Saint Junior (Jacques Bruno), Michael O’Keefe (policía de la Lawrence hasta Québec. Estas aventuras involucran el trámontada), Jay Klaitz. Prod: Heather Rae. Dur: 97 mins. Dist: Buena Vista-Columbia TriStar. fico ilegal de seres humanos. Las temperaturas bajo cero supuestamente han convertido las aguas en hielo sólido, pero mientras se adentran en la penumbra de la noche, existe el peligro latente de que ambas pierdan la vida, congeladas en el río helado. La situación está cargada de suspenso, y la directora consigue explotar el asunto al máximo. Pero también es una apropiada metáfora de la penosa vida de quien conduce, Ray Eddy (Melissa Leo), cuyo marido le ha abandonado con dos hijos y múltiples deudas. Viviendo en un trailer y trabajando como cajera, Ray se encuentra a solamente unos pasos del desempleo. Personajes como ella no a menudo encuentran cabida en el cine comercial. Cuando la clase trabajadora en eterna crisis económica llega a la pantalla grande, generalmente se le retrata como seres esforzados en ganar la santidad a través del sacrificio, como personas carentes de buen gusto, o bien, como criminales despreciables. Tratarlos como individuos implicaría retratar su vida diaria, y nadie, sea rico o pobre, está dispuesto a pagar por ver esto en un cine. Cuando un cineasta se atreve a romper la barrera, debe estar dispuesto a recibir no pocas críticas negativas. Nadie que viva en la pobreza puede contar su historia en una película, por lo que atacar a la directora por su visión “clasemediera” del asunto cierra la discusión. Río helado podrá ser un filme sombrío, pero también es un retrato honesto sobre un personaje inmerso en la penuria económica. Parafraseando a Hemingway, Ray no es diferente de mi o usted; simplemente, tiene menos dinero.

La crítica ha alabado la labor de Melissa Leo, actriz de carácter que ha esperado dos décadas para interpretar un personaje de este calibre. Como la histérica esposa de Benicio Del Toro en 21 gramos y como la amante de Tommy Lee Jones en Los tres entierros de Melquíades Estrada, Leo parece la actriz idónea para interpretar personajes de clase trabajadora, y alcanza la perfección en Río helado. El filme se afianza en los aspectos más dolorosos de la vida en la miseria. El vivir en una constante carencia, siempre al día, mueve al espectador a ponerse del lado de la protagonista cuando decide romper la ley en busca del dinero que necesita. Pero no es una simple víctima: Hunt es honesta en mostrar cómo los pobres también derrochan sus pocos medios en lujos (sean productos de belleza o televisores de pantalla plana). La directora evade la noción de la pobreza noble: Ray no es una rosa que nace en el concreto, como las heroínas que interpretaba Lillian Gish. Pero si Río helado es aguda en su mirada al modo de vida de la “otra mitad”, la verdad más desagradable que describe es aquella en la cual esa mitad se divide nuevamente, donde los pobres explotan a los aún más pobres. La protagonista, desesperada por dinero, se niega a enfrentar el hecho de que para conseguirlo incurre en el tráfico de personas. Si usted no está de humor para esta mirada a la miseria, le recomiendo evitar Río helado. Sin embargo, el suspenso que recorre la historia mereció alabanzas nada menos que de Quentin Tarantino, quien le otorgó al filme el Gran Premio del Jurado en el Festival de Sundance. Un honor que, sin embargo, parece haber sido el beso mortal para muchas cintas cuya independencia radical las orilló a estrenos deslucidos y escasos resultados financieros. Quizás Río helado pueda romper esta maldición, un triunfo si consideramos el bajísimo presupuesto con el cual la cinta fue realizada. Pero el buen oficio de Hunt hace que el espectador sienta cada centavo bien aprovechado. El dilema moral de la protagonista se vuelve cada vez más alarmante, mientras nosotros podemos ver cómo el hielo, poco a poco, se va quebrando bajo sus pies. J.R. Jones Diario The Chicago Reader, Estados Unidos Agosto 14 de 2008 Traducción: José Antonio Valdés Peña A partir del viernes 6

Déjame entrar

Låt den rätte komma in D: Tomas Alfredson. P: Suecia, 2008. G: John Ajvide Lindqvist, basada en su novela. F en C: Hoyte Van

Oskar, de 12 años, es un niño solitario y maltratado en su Hoytema. M: Johan Söderqvist. E: Tomas Alfredson. Con: Kåre Hedebrant (Oskar), Lina Leandersson (Eli), escuela. La llegada de la niña Eli a la casa vecina parece Per Ragmar (Håkan), Henrik Dahl (Erik), Karin Bergquist ofrecerle finalmente una amistad. El problema es que co(Yvonne), Peter Carlberg (Lacke), Ika Nord (Virginia). Prod: EFTI, Carl Molinder, John Nordling. Dur: 114 mienzan a suceder una serie de muertes y ataques. Oskar mins. Dist: Gussi-Artecinema. parece entender que su amiga es un vampiro, pero su necesidad de amistad es mayor al temor que siente. Con este filme, Tomas Alfredson vuelve a resucitar, aunque con distintos matices, la figura del vampiro. El realizador afirma que el cine de terror no le ha interesado jamás y que el éxito de Déjame entrar se debe principalmente a la emoción que provoca esta pequeña historia de amor, tierna, romántica y terrorífica. ¿Por qué has ambientado la película en los años 80? El libro en que se basa la película está ambientado en 1982, cuando su autor tenía 12 años, igual que el joven protagonista. El libro es autobiográfico, eliminando, claro está, la presencia de vampiros. Lindqvist, que también ha participado en la escritura del guión, añadió al final del libro: “Todo lo narrado ha ocurrido realmente, aunque no de ésta manera”. En cualquier caso, creo que es más fácil narrar una historia como ésta en el pasado. Además, Suecia era en aquellos años un país muy silencioso. Hoy día las cosas son distintas. Has mencionado el carácter sueco, que proporciona a la película grandes posibilidades de éxito internacional. Curiosamente, mientras una cosa es más específica es al mismo tiempo más universal. Es algo que funciona en todas las formas artísticas. Los suecos están especializados en la comunicación a través del silencio. No responder a una pregunta puede ser asimismo una respuesta. Creo que esto es algo que fascina al público. En Suecia, el invierno nos obliga a vivir en una oscuridad perenne y que nos fortalece.

¿La película puede ser considerada una reflexión sobre la sociedad sueca? La historia está abierta a distintas interpretaciones y las acepto todas. Para algunos, Déjame entrar es una película sobre los coches de época; para otros, sobre el acoso escolar. No soy quién para decir cómo interpretar la película, pero me resulta interesante escuchar todas las opiniones. La familia del protagonista tiene poca presencia en la película. El estilo del guión era espartano, con pocos diálogos y apoyado en su capacidad poética. Estábamos convencidos que la película debía sustentarse en las imágenes. El anciano que acompaña a Eli era en el libro un pedófilo declarado, pero me parece que ese tema se ha convertido en un recurso para dotar de emotividad a una historia, y no se le analiza rigurosamente. No quería que algo tan inquietante pudiera desviar la atención de la historia de amor de los protagonistas. ¿Qué problemas de estilo has encontrado para alejarte de las anteriores películas de vampiros? Admito que antes de hacer esta película no tenía ni idea del mito del vampiro. Había visto sólo un par de películas sobre ello y no me habían impactado especialmente. Por tanto, me he encontrado con un tema totalmente novedoso y Lindqvist me ha ayudado mucho en el estudio de esta mitología. Hemos jugado con algunos estereotipos, pero hemos recuperado la idea ya perdida de que el vampiro sólo puede entrar en una casa si le invitan. Háblanos de la banda sonora… Johan Soderqvist recuperó un instrumento peculiar: el waterphone, con un sonido frío e invernal que evoca a la perfección la idea del hielo. La música es rigurosamente analógica, interpretada por la orquesta sinfónica de Bratislava sin técnicas digitales. Camillo de Marco www.cineuropa.org Diciembre 16 de 2008 A partir del martes 3

Ciclo

Jacques Tati Creo sinceramente que el cine cómico no está pasado de moda. Si fuera así yo ya no trabajaría en él. El público todavía tiene capacidad de reír y quiere hacerlo. Por tanto, mientras el mundo mecanizado no nos devore la hilaridad, tales películas seguirán produciéndose. Jacques Tati

Jacques Tati es uno de los grandes cómicos del séptimo arte. Heredero de los maestros de la comedia silente norteamericana, —Charles Chaplin, Buster Keaton, los hermanos Marx— el joven Jacques Tatischeff, nacido en 1908 en Le Peq, Francia, abandonó su carrera como jugador profesional de rugby para dedicarse al music hall. Al poco tiempo, su talento para la pantomima emigró de los escenarios teatrales al celuloide con Gai Dimanche (1935) y Soigne ton Gauche (1936), cortometrajes en los que ya demostraba su fascinación por los sonidos naturales y mecánicos. El estallido de la Segunda Guerra Mundial ocasionó una pausa forzada en la incipiente carrera cinematográfica de Tati, quien debió enrolarse en las filas del ejército francés. No obstante, en 1947 volvió a las pantallas con L’école des facteurs (1947), cortometraje en el que creó y dio vida al cartero François, personaje que retomaría en su primer largometraje, Día de fiesta, y que de alguna manera sembraría la semilla de la cual germinaría el célebre señor Hulot, figura protagónica de sus mejores filmes.

En Día de fiesta, ópera prima con la que obtuvo el reconocimiento al mejor guión en el Festival de Venecia, desarrolló un humor cimentado en la pureza del gag visual, así como en el uso de un amplio repertorio de sonidos, estilo que consolidaría en el resto de su filmografía, conformada por sólo cinco películas. De ellas, fue con Las vacaciones del Sr. Hulot (1953) que Tati obtuvo el reconocimiento internacional, gracias a la irrupción en pantalla de dicho personaje bonachón, siempre calmado y sin prisa aun en medio del neurótico caos de la vida moderna: una especie en peligro de extinción en un mundo vertiginoso. Hulot, el alter ego de Tati, observa callado y atónito —pero eso sí, siempre ataviado con gabardina, paraguas y una pipa humeante—, cómo la tecnología, la banalidad y el feroz individualismo van apoderándose de todo. El personaje participaría en sus tres siguientes filmes: Mi tío (1958), Playtime (1967) y Trafic (1971), en los que el artista galo analiza la compleja relación del ser humano y la tecnología, dentro de una sociedad autómata y en ocasiones hasta esclava del progreso. Con Mi tío, Tati obtuvo

el aplauso tanto del público como de la crítica, gracias al retrato hilarante y crítico de una ciudad en donde la tradición y la modernidad luchan por obtener la supremacía. Playtime y Trafic no tuvieron tanta fortuna; la producción de la primera fue una de las más costosas de su tiempo, y su fracaso comercial dejó a Tati prácticamente en la bancarrota, mientras que la segunda, aunque también fue aclamada por la crítica, no tuvo la respuesta de público esperada. Al parecer, el señor Hulot dejaba de serle atractivo a una nueva generación de espectadores, poco acostumbrados a las sutilezas del humor de Tati. Paradójicamente, el tiempo, ese eterno adversario del imperturbable señor Hulot en sus

aventuras cinematográficas, lo ha reivindicado: Hoy en día reconocemos en el director francés, quien falleció en 1982, a un artista original, capaz de reinventar la narrativa tradicional de la comedia, alejándose de los diálogos para privilegiar los gags sonoros, los efectos visuales y por supuesto la mímica, elevando así el valor de la imagen fílmica. Este ciclo brinda una oportunidad única de acercarse a un verdadero hombre orquesta: director, actor, escritor, productor, mimo y crítico de su entorno, que reinventó la comedia slapstick (estilo que exagera la violencia física), para convertirla en una composición acústica y visual donde la risa siempre se acompaña de la reflexión. Orianna Paz Cineteca Nacional

Las vacaciones del señor Hulot Les vacances de M. Hulot D: Jacques Tati. P: Francia, 1953. G: Jacques Tati y Henri Marquet, con la colaboración de Pierre Aubert y Jacques Lagrange. F en B/N: Jacques Mecanton y Jean Mousselle. M: Alain Romans. E: Jacques Grassi, Ginou Bretoneiche y Suzanne Baron. Con: Jacques Tati (Sr. Hulot), Nathalie Pascaud (Martine), Louis Perrault (Fred), Michelle Rolla (tía), Raymond Carl (mesero), Lucien Frégis (propietario). Prod: Cady Films, Discina, Eclair-Journal, Fred Orain. Dur: 83 mins. Dist: Film Distribution.

Día de fiesta Jour de fête D: Jacques Tati. P: Francia, 1949. G: Jacques Tati y Henri Marquet. F en B/N: Jacques Mercanton y Jacques Sauvageot. M: Jean Yatove. E: Marcel Morreau y Sophie Tatischeff. Con: Guy Decomble (Roger), Jacques Tati (François, el cartero), Paul Frankeur (Marcel), Santa Relli (esposa de Roger), Maine Vallée (Jeanette), Roger Rafal (peluquero). Prod: Cady Films, Panoramic Films, Fred Orain, André Paulvé. Dur: 70 mins. Dist: Film Distribution.

Ópera prima de Jacques Tati, quien interpreta al cartero François, antecesor del señor Hulot —más tosco, pero casi igual de simpático—, que había sido ya protagónico de su cortometraje L’école des facteurs (1947). Tati construye a partir de la jornada diaria de François un cómico retrato de la vida de un pequeño poblado francés. El cineasta y actor sorprendió no sólo con las pinceladas de color que iluminan ciertos encuadres en blanco y negro, sino también con su aguda crítica al progreso y la americanización. Martes 3 y viernes 6

Detrás de cada comedia de Jacques Tati, de cada gag, se esconde un poco de drama y crítica social, mientras que el enfrentamiento del individuo con la modernidad es una de las temáticas recurrentes de su filmografía. Su segundo largometraje, sátira de la pequeñoburguesía, atestiguó el nacimiento de un peculiar personaje: el señor Hulot, que aspiraba a retratar la neurosis del hombre moderno. Su inconfundible sombrero, sospechosa gabardina, paraguas y pipa conquistaron al público y a la crítica, que reconoció al filme con el premio Fipresci en el Festival de Cannes en 1953. Miércoles 4 y sábado 7

Playtime Playtime D: Jacques Tati. P: Francia-Italia, 1967. G: Jacques Tati, Jacques Lagrange y Art Buchwald. F en C: Jean Badal y Andréas Winding. M: Francis Lemarque. E: Gérard Pollicand. Con: Jacques Tati (Sr. Hulot), Barbara Dennek (joven turista), Rita Maiden (acompañante del Sr. Schultz), France Rumilly (vendedora), France Delahalle (cliente), Valérie Camille (secretaria del Sr. Lac), Erika Dentzler (Sra. Giffard). Prod: Jolly Film, Specta Films, Bernard Maurice. Dur: 155 mins. Dist: Tamasa Distribution.

Mi tío Mon Oncle D: Jacques Tati. P: Francia, 1958.G: Jacques Tati, con la colaboración de Jacques Lagrange. F en C: Jean Bourgoin. M: Frank Barcellini y Alain Romans. Con: Jacques Tati (Sr. Hulot), Jean-Pierre Zola (Charles Arpel), Adrienne Servantie (Sra. Arpel), Alain Bècourt (Gerard Arpel), Lucien Fregis (Sr. Richard), Dominique Maria (vecina). Prod: SpectaFilms, Gray-Films, Alter-films, Film del Centauro, Louis Dolivet. Dur: 110 mins. Dist: Film Distribution.

Cinco años después de filmar Las vacaciones del señor Hulot, Jacques Tati realizó Mi tío, en la que interviene nuevamente el personaje de la gabardina, quien ahora vive en una ciudad mezcla de tradición y modernidad. Hulot aprovecha para sembrar el caos donde va, al tiempo que intenta salvar a su sobrino de las garras del progreso. En este filme, ganador del premio especial del jurado en Cannes y de un Oscar a la mejor película extranjera, Tati realiza una dura crítica a la impersonal civilización urbana moderna, que le resulta funcionalista y autómata.

Si en Mi tío Tati confrontaba a la ciudad tradicional con la modernidad de una urbe cosmopolita, en Playtime aquella ciudad apacible ha firmado su acta de defunción para dar paso al universo del metal, de superficies brillantes y de espacios vacíos e irregulares. Atrapado en este mundo mecanizado, Hulot intentará abrirse paso a través de los laberintos de oficinas. Al igual que en todos los filmes de Tati, Playtime destaca por sus gags visuales y sonoros, pero a pesar de ser un éxito de crítica, fracasó comercialmente y llevó al realizador a la bancarrota. Jueves 5 y domingo 8

Miércoles 4 y sábado 7

Hulot al volante Trafic D: Jacques Tati. P: Italia-Francia, 1971. G: Jacques Tati, Jacques Lagrange y Bert Haanstra. F en C: Eduard Van der Enden y Marcel Weiss. M: Charles Dumont. E: Maurice Laumain, Sophie Tatischeff y Jacques Tati. Con: Jacques Tati (Sr. Hulot), Marcel Fraval (chofer), Honoré Bostel (Director de Altra), François Maisongrosse (François), Tony Knepper (mecánico). Prod: Les Films Corona, Les Films Gibé, Selenia Cinematografica, Robert Dorfmann. Dur: 96 mins. Dist: Film Distribution.

Tras el adverso estado financiero en el que cayó con Playtime, Jacques Tati solicitó de nueva cuenta la ayuda del señor Hulot, quien protagonizaría su acto final en Trafic, último largometraje del director y cineasta galo. Mediante gags que recuerdan a sus filmes previos, Tati reflexiona esta vez sobre la relación dependiente del ser humano con el automóvil. El Sr. Hulot, diseñador de autos, debe trasladar su más reciente creación a una feria del motor y sobrevivir a los incidentes más inverosímiles en el camino. Viernes 6 y domingo 8

La Cineteca Nacional y el Festival Internacional de Cine Contemporáneo de la Ciudad de México agradecen a la Embajada de Francia en México y al Sr. Nouredine Essadi su invaluable colaboración en la elaboración del Ciclo Jacques Tati.

Centenario

Roberto Gavaldón Cien años del natalicio de Roberto Gavaldón, uno de los cineastas más importantes del cine mexicano clásico, se conmemoran en el 2009. La presente retrospectiva reúne una docena de sus mejores filmes realizados entre 1944 y 1964, en los cuales pueden apreciarse las constantes estéticas y los temas recurrentes que caracterizaron su obra. Roberto Gavaldón Leyva nació en Ciudad Jiménez, Chihuahua, el 7 de junio de 1909. El estallido de la Revolución Mexicana, un año después, movilizó a su familia en un éxodo que terminó en la Ciudad de México. Tuvo la oportunidad de estudiar mecánica dental en los Estados Unidos. Era 1926 y para sostener sus gastos, obtenía ingresos como extra de cine en algunos estudios de Los Ángeles. Conoció a lo más destacado del Hollywood de la época, al mismo tiempo que a varios compatriotas que también ejercían diversos oficios en la industria del cine, como Chano Urueta y Emilio El Indio Fernández. En 1932 regresó a México para participar como extra en algunos de los primeros filmes sonoros nacionales. Pronto descubrió que lo suyo no era la actuación y se interesó en la realización cinematográfica. Entre 1934 y 1935, Gavaldón participa como utilero, anotador, asistente de dirección y co-director en más de 50 películas, colaborando con directores como Arcady Boytler, José Bohr, Raphael J. Sevilla, Joaquín Pardavé y Gabriel Soria, a quien consideraba su mentor y amigo. Su recio carácter y don de mando, lo ha-

cían un asistente tan eficaz como temido; así comenzó la leyenda de El Ogro Gavaldón, sobrenombre con el cual será conocido por todos los trabajadores del cine mexicano. En 1944, debutó como realizador con La barraca, basada en un original literario de Vicente Blasco Ibáñez, demostrando un sólido manejo de la técnica cinematográfica y mano firme en la dirección de sus actores, con una notable sobriedad narrativa. Dos años más tarde, en la primera entrega del premio Ariel, Gavaldón se convirtió en el primer director mexicano galardonado con la estatuilla. La barraca fue el comienzo de una de las carreras fílmicas más sólidas en el inestable panorama del cine nacional. Entre sus casi cincuenta películas se cuentan clásicos como La diosa arrodillada (1947), En la palma de tu mano (1950) o Macario (1959, primer filme mexicano nominado al Oscar como mejor película extranjera), así como algunos otros largometrajes que en su momento fueron mal apreciados, como Rosauro Castro (1950) o La noche avanza (1951). Dirigió a las mayores estrellas del cine mexicano, abarcando casi tres generaciones de actores y actrices, como Dolores del Río, María Félix, Arturo de Córdova, Pedro Armendáriz, Antonio Aguilar, Ignacio López Tarso, Pina Pellicer, Isela Vega, Ofelia Medina y Alma Muriel. Su gusto por la literatura y por autores como Vicente Blasco Ibáñez, Juan Rulfo, B. Traven o Hugo Argüelles queda al descubierto gracias a la gran cantidad de filmes suyos

que son resultado de una adaptación cinematográfica. Interesado en la solidez de sus argumentos, casi siempre Gavaldón escribió los guiones que filmaba en colaboración con talentosos escritores o dramaturgos, entre los que se encuentran José Revueltas, Emilio Carballido, Carlos Fuentes o Gabriel García Márquez, entre otros. Su sobria puesta en escena se volvió marco idóneo para su visión del mundo. Lúcido pesimista, sus filmes unifican una idea trágica del destino, que envuelve a sus personajes, hombres y mujeres seducidos por la maldad o la ambición. La imposibilidad amorosa, la búsqueda de redención, o bien, la intención de cambiar el orden de las cosas, tienen por

lo general nefastos resultados. Agudo observador de las pasiones del hombre, en su universo el amor trasciende el melodrama para alcanzar extremos criminales. Roberto Gavaldón, quien también filmó en Argentina, España y los Estados Unidos, participó activamente tanto en la vida política nacional como en el Sindicato de Trabajadores de la Producción Cinematográfica, promoviendo reformas siempre en beneficio de los trabajadores del cine en México. Roberto Gavaldón se hace más presente que nunca con esta retrospectiva, que invita al cinéfilo de corazón a conocer, o a redescubrir, en pantalla grande, la obra y el estilo de un director fundamental de nuestro cine.

José Antonio Valdés Peña Cineteca Naciona

Rayando el sol Rayando el sol D: Roberto Gavaldón. P: México, 1945. G: Roberto Gavaldón y Tito Davison, basados en un argumento de Pascual García Peña. F en B/N: Ignacio Torres. M: Chucho Monge. E: Charles L. Kimball. Con: Pedro Armendáriz (Pedro Carral), Domingo Soler (cura Sebastián), David Silva (Carlos), María Luisa Zea (Lupe García Peña), Enrique Zambrano (Rodolfo del Río), Carlos Villarías (don Ricardo), Narciso Busquets (Pedro, adolescente). Prod: Films de América, Luis Manrique. Dur: 91 mins. PC: Cineteca Nacional.

La barraca La barraca D: Roberto Gavaldón. P: México, 1944. G: Libertad Blasco Ibáñez y Paulino Masip, basados en la novela homónima de Vicente Blasco Ibáñez. F en B/N: Víctor Herrera. M: Félix Baltazar Samper. E: Carlos Savage. Con: Domingo Soler (Batiste Borrull), Anita Blanch (Teresa), Amparo Morillo (Roseta), José Baviera (Pimento), Luana Alcañiz (Pepeta), Manolo Fábregas (Tonet), Narciso Busquets (Batistet). Prod: Interamericana Films, S.A., Alfonso Sánchez Tello. Dur: 110 mins. PC: Cineteca Nacional.

Una familia errante se instala en una barraca valenciana abandonada, ganándose la hostilidad de sus vecinos. Después de una década como asistente de dirección, Gavaldón debutó como cineasta con este sobrio drama rural, inspirado en una novela de Vicente Blasco Ibáñez. Contando con un reparto conformado por intérpretes hispanos o de ascendencia española, Gavaldón recreó con detalle el ambiente y las costumbres de Valencia en el siglo XIX, apoyándose también en el trabajo escenográfico de Vicente Petit. Martes 10

La amistad que dos hombres mantienen desde su infancia se quebranta por una mujer. Melodrama ambientado en la provincia mexicana del siglo XIX, en el cual Gavaldón contrasta la belleza del paisaje (la cinta se realizó casi en su totalidad en locaciones del estado de Morelos) con el trágico destino de sus protagonistas. También destaca el interés costumbrista del filme, lleno de bailables y canciones compuestas por autores populares como Alfonso Esparza Oteo, Chucho Monge y Tata Nacho. Miércoles 11

La diosa arrodillada La diosa arrodillada D: Roberto Gavaldón. P: México, 1947. G: José Revueltas y Roberto Gavaldón, con la colaboración de Edmundo Baez y Alfredo B. Crevenna, basados en un relato de Ladislao Fodor. F en B/N: Alex Phillips. M: Rodolfo Halffter. E: Charles L. Kimball. Con: María Félix (Raquel Serrano), Arturo de Córdova (Antonio Ituarte), Rosario Granados (Elena), Fortunio Bonanova (Nacho Gutiérrez), Rafael Alcayde (Demetrio), Carlos Martínez Baena (Esteban), Eduardo Casado (licenciado Jiménez). Prod: Panamerican Films, Rodolfo Lowenthal. Dur: 104 mins. PC: Cineteca Nacional.

La otra La otra D: Roberto Gavaldón. P: México, 1946. G: José Revueltas y Roberto Gavaldón, basados en un relato de Rian James. F en B/N: Alex Phillips. M: Raúl Lavista. E: Charles L. Kimball. Con: Dolores del Río (Magdalena / María Méndez), Agustín Irusta (Roberto González), Víctor Junco (Fernando), José Baviera (licenciado De la Fuente), Manuel Dondé (agente Vilar), Conchita Carracedo (Carmela), Carlos Villarías (licenciado Félix Mendoza). Prod: Producciones Mercurio, Mauricio de la Serna. Dur: 98 mins.

La ambición provoca que una mujer asesine a su hermana gemela, para después suplantarla y así heredar una fortuna, sin imaginar las insólitas consecuencias de su acción. Gavaldón dirige por vez primera a Dolores del Río en este drama criminal, en el cual también el director inició una mancuerna creativa con el escritor José Revueltas. La labor fotográfica de Alex Phillips, abundante en claroscuros, y la barroca escenografía de Gunther Gerszo resultan indispensables para acrecentar la tensión dramática del filme.

Dos de las más importantes estrellas del cine mexicano clásico protagonizan este melodrama, en el cual una pareja de amantes malditos provoca con su pasión la muerte de una inocente. José Revueltas y Gavaldón reflexionan sobre la obsesión amorosa y la pasión llevada a límites criminales, consiguiendo inquietantes momentos de tensión dramática, particularmente entre el atormentado personaje de Arturo de Córdova y la estatua de una mujer desnuda que enciende su deseo. Viernes 13

Jueves 12

En la palma de tu mano En la palma de tu mano D: Roberto Gavaldón. P: México, 1950. G: José Revueltas y Roberto Gavaldón, basados en un argumento de Luis Spota. F en B/N: Alex Phillips. M: Raúl Lavista. E: Charles L. Kimball. Con: Arturo de Córdova (profesor Jaime Karín), Leticia Palma (Ada Cisneros de Romano), Carmen Montejo (Clara Stein), Ramón Gay (León Romano), Consuelo Guerrero de Luna (señorita Arnold), Pascual García Peña (merolico), Manuel Arvide (inspector). Prod: Producciones Mier y Brooks, Felipe Mier, Óscar Brooks. Dur: 100 mins. PC: Cineteca Nacional.

Rosauro Castro Rosauro Castro D: Roberto Gavaldón. P: México, 1950. G: José Revueltas y Roberto Gavaldón, basados en un argumento de Roberto Quigley. F en B/N: Raúl Martínez Solares. M: Antonio Díaz Conde. E: Jorge Crone. Con: Pedro Armendáriz (Rosauro Castro), Carlos López Moctezuma (don Antonio), María Douglas (Marta), Carlos Navarro (Chabelo Campos), Mimí Derba (doña Margarita), Arturo Martínez (licenciado García Mata), Ángel del Puerto (Ángel). Prod: Cinematográfica Azteca, Pedro Armendáriz, Roberto Gavaldón. Dur: 90 mins.

Un candidato a la presidencia municipal de un pueblo es asesinado. Las sospechas recaen en Rosauro Castro, el cacique de la región, quien antes de que el nuevo día comience enfrentará su trágico destino. Una mirada a los rasgos más brutales del cacicazgo, en la cual Pedro Armendáriz interpretó a un personaje incapaz de frenar su violento carácter para castigar a quienes considera sus enemigos. Mal recibido en su momento, el filme es uno de los mejores ejemplos de la sobriedad narrativa de su autor. Sábado 14

La ambición, la pasión criminal y la fatalidad del destino son las fuerzas motoras de este ejercicio de estilo en el cual Roberto Gavaldón, inspirado en un argumento de Luis Spota, incursiona en las luces y sombras del Film Noir dentro de un contexto mexicano. Gracias a la sólida dirección del cineasta, Arturo de Córdova consigue una de sus mejores interpretaciones, encarnando a un charlatán mentalista acostumbrado a estafar a mujeres adineradas y enredado trágicamente en la telaraña de una mujer fatal. Domingo 15

El rebozo de Soledad El rebozo de Soledad D: Roberto Gavaldón. P: México, 1952. G: José Revueltas y Roberto Gavaldón, sobre un argumento de Javier López Ferrer. F en B/N: Gabriel Figueroa. M: Francisco Domínguez y Evaristo Tafoya. E: Charles L. Kimball. Con: Arturo de Córdova (doctor Alberto Robles), Pedro Armendáriz (Roque Suazo), Stella Inda (Soledad), Domingo Soler (padre Juan), Carlos López Moctezuma (David Acosta), Rosaura Revueltas (madre del niño operado), José María Linares Rivas (médico rico). Prod: Sindicato de Trabajadores de la Producción Cinematográfica (S.T.P.C.), Cinematográfica Tele-Voz, Miguel Alemán Velasco, Rodolfo Landa, Eduardo Fernández, Antonio Guerrero Tello. Dur: 114 mins.

La noche avanza La noche avanza D: Roberto Gavaldón. P: México, 1951. G: José Revueltas, Roberto Gavaldón y Jesús Cárdenas, basados en un argumento de Luis Spota. F en B/N: Jack Draper. M: Raúl Lavista. E: Charles L. Kimball. Con: Pedro Armendáriz (Marcos Arizmendi), Anita Blanch (Sara), Rebeca Iturbide (Rebeca), Eva Martino (Lucrecia), José María Linares Rivas (Marcial Gómez), Julio Villarreal (Villarreal), Carlos Múzquiz (Armando). Prod: Producciones Mier y Brooks, Felipe Mier, Óscar Brooks. Dur: 85 mins.

Un mujeriego y fanfarrón jugador de JaiAlai acepta perder un juego a causa de un chantaje, convirtiéndose en blanco de la mafia de las apuestas. Otra aproximación de Gavaldón al tono dramático y visual del Film Noir urbano, con la Ciudad de México en plena modernización como telón de fondo. Pedro Armendáriz, sin su característico bigote, interpreta al villanesco anti-héroe de este filme, en el cual el cabaret, el Frontón México y la vida nocturna de la ciudad adquieren un importante protagonismo.

Roberto Gavaldón se adentra en un contexto cinematográfico más cercano al cine indigenista de Emilio El Indio Fernández, en este filme que narra las desventuras de un médico rural en un poblado mexicano sojuzgado por un cacique, donde se enamora trágicamente de la india Soledad. El cineasta conserva su obsesión por la fatalidad la fatalidad del destino de sus personajes, encarnados por importantes estrellas del cine mexicano y enmarcados por las imágenes conseguidas por el cinefotógrafo Gabriel Figueroa. Martes 17

Miércoles 18

Rosa Blanca Rosa Blanca D: Roberto Gavaldón. P: México, 1961. G: Roberto Gavaldón, Emilio Carballido y Phil Stevenson, inspirados en un relato de B. Traven. F en B/N: Gabriel Figueroa. M: Raúl Lavista. E: Gloria Schoemann. Con: Ignacio López Tarso (Jacinto Yáñez), Christiane Martell (Georgette), Renhold Olszewski (Roberto G. Kollenz), Rita Macedo (Carmen López de Yáñez), Begoña Palacios (Lupe), Carlos Fernández (Domingo), Luis Berístain (licenciado Pérez). Prod: CLASA Films Mundiales, Felipe Subervielle. Dur: 104 mins.

Macario Macario D: Roberto Gavaldón. P: México, 1959. G: Roberto Gavaldón y Emilio Carballido, sobre un relato de B. Traven. F en B/N: Gabriel Figueroa. M: Raúl Lavista. E: Gloria Schoemann. Con: Ignacio López Tarso (Macario), Pina Pellicer (mujer de Macario), Enrique Lucero (la Muerte), Mario Alberto Rodríguez (don Ramiro), Enrique García Álvarez (inquisidor), Eduardo Fajardo (Virrey), José Gálvez (el Diablo). Prod: CLASA Films Mundiales, Armando Orive Alba, José Luis Celis. Dur: 90 mins.

Por compartir con la Muerte un trozo de guajolote, un leñador recibe dones curativos. Gavaldón lleva a la pantalla un relato de B. Traven, en el cual su protagonista intenta alterar el destino de los hombres, con inesperadas consecuencias. Destacan la recreación del Virreinato en locaciones de Taxco, Guerrero, la interpretación de Ignacio López Tarso en su primera colaboración con el cineasta, y la fotografía de Gabriel Figueroa. Fue la primera película mexicana nominada al Oscar de Hollywood, en 1961. Jueves 19

Segunda adaptación cinematográfica de un original literario de B. Traven a manos de Roberto Gavaldón, en la cual se narran las vicisitudes de un campesino veracruzano asediado por varias compañías petroleras norteamericanas, las que desean los terrenos de su rancho a como dé lugar. En su momento, el argumento de esta historia, ubicada en los años previos a la Expropiación Petrolera de 1938, fue considerado demasiado agresivo para los Estados Unidos, postergando su estreno hasta 1972. Viernes 20

El gallo de oro El gallo de oro D: Roberto Gavaldón. P: México, 1964. G: Carlos Fuentes, Gabriel García Márquez y Roberto Gavaldón, basados en un argumento original de Juan Rulfo. F en C: Gabriel Figueroa. M: Jesús Zarzosa y Rubén Fuentes. E: Gloria Schoemann. Con: Ignacio López Tarso (Dionisio Pinzón), Lucha Villa (Bernarda Cutiño La Caponera), Narciso Busquets (Lorenzo Benavides), Carlos Jordán (don Esculapio Virgen), Agustín Isunza (Secundino Colmenero), Enrique Lucero (chinaco), Diana Ochoa (hermana de Esculapio). Prod: CLASA Films Mundiales, Manuel Barbachano Ponce. Dur: 103 mins.

Días de otoño Días de otoño D: Roberto Gavaldón. P: México, 1962. G: Emilio Carballido y Julio Alejandro, basado en el relato “La frustración” de B. Traven. M: Raúl Lavista. E: Gloria Schoemann. Con: Pina Pellicer (Luisa), Ignacio López Tarso (don Albino), Evangelina Elizondo (Rita), Adriana Roel (Alicia), Luis Lomelí (Carlos), Hortensia Santoveña (doctora), Guillermo

En este acercamiento de Gavaldón al universo literario de Juan Rulfo, un gritón de feria, deslumbrado por el colorido de los palenques y la imponente sensualidad de La Caponera, una cantante vernácula, se adentra en un mundo cruel y fascinante, donde la fortuna y el poder cambian según dicta el destino.

Orea (fotógrafo). Prod: CLASA Films Mundiales, Felipe Subervielle. Dur: 95 mins.

Domingo 22

Ante el abandono del que es víctima en el día de su boda, una tímida joven finge ante los demás que su matrimonio se realizó, llevando su mentira hasta las últimas consecuencias. Tercer filme de Gavaldón inspirado en una obra de B. Traven, con el cual el cineasta reflexiona sobre la imposibilidad amorosa y los vicios de una sociedad en la cual las apariencias terminan por suplir a la realidad. Destaca la interpretación que de la atormentada protagonista hace Pina Pellicer. Sábado 21

La Cineteca Nacional agradece al Festival Internacional de Cine Contemporáneo de la Ciudad de México, la Filmoteca de la UNAM, Televisa y la Universidad de California en Los Ángeles su colaboración en la elaboración del presente ciclo. 29

Ciclo de

Cine Noruego

Elling

Probablemente algunos de los cinéfilos asiduos a la Cineteca Nacional piensen, al oir las palabras “cine noruego”, en filmes fríos y severos. Sin embargo, lo que se produce actualmente en dicho país muestra mucho más que eso. Gracias a una renovada riqueza de temas, personajes y argumentos, los jóvenes directores noruegos abordan las nuevas realidades de un mundo convulsionado ante la inmigración, el desempleo y la violencia, abandonando la tradicional sobriedad nórdica en favor de un dinamismo realista. Así, varias de las producciones que conforman el presente ciclo, organizado conjuntamente con la Embajada de Noruega en México y el Norwegian Film Institute, oscilan entre un crudo despliegue de violencia y una sutil contención. Cineteca Nacional

Cool & Crazy Heftig og begeistret D: Knut Erik Jensen. P: Noruega-Suecia, 2000. F en C: Aslaug Holm y Svein Krøvel. E: Aslaug Holm. Testimonios: Odd Marino Frantzen, Einar F.L. Strand, Arne Wensel, Kare Wensel, Arne Blomso, Leif Roger Ananiassen, Eirik Daldorff. Prod: Barentsfilm AS, Giraff Film AB, Norsk Film, Jan-Erik Gammleng, Tom Remlov. Dur: 105 mins.

Elling Elling D: Petter Næss. P: Noruega, 2001. G: Axel Helstenius, basado en la novela Hermanos de sangre de Ingvar Ambjørnsen. F en C: Svein Krøvel. M: Lars Lillo-Stenberg. E: Inge-Lise Langfeldt. Con: Per Christian Ellefsen (Elling Bjarne), Sven Nordin (Kjell Bjarne), Marit Pia Jacobsen (Reidun Nordsletten), Jørgen Langhelle (Frank Åsli), Per Christensen (Alfons Jørgensen), Hilde Olausson (Gunn). Prod: Maipo Film og TV Produksjon, TNT Film Productions, Dag Alveberg. Dur: 90 mins.

Filme ganador del premio Amanda al mejor documental, que constituye un retrato del exótico coro masculino de Berlevåg, pueblo pesquero ubicado al extremo norte de Noruega, frente al mar de Barents. Los 30 hombres que integran el grupo reflexionan ante la cámara de Knut Erik Jensen acerca de sus sueños, sus amores y su vida en el extremo más septentrional de Escandinavia, mientras que sus ocasionales presentaciones en público les sirven como refugio ante el mundo real y forman en ellos un sentido de unidad.

Tras dos años en la clínica psiquiátrica de Brøynes, los cuarentones Elling y Kjell Bjarne retornan a la cotidianidad. Bajo la tutela de un asistente social, el Estado noruego les alquila un departamento en Oslo y, mientras avanzan por caminos desconocidos, los dos jóvenes se ven obligados a dar lo mejor de sí para volver a la vida normal. Petter Næss alcanzó un enorme éxito con la versión escénica de la obra homónima de Ingvar Ambjørnsen, éxito que repitió con esta adaptación a la pantalla grande.

Jueves 19

Sábado 21

Música para bodas y funerales Musikk for bryllup og begravelser D y G: Unni Straume. P: Noruega-Suecia, 2002. F en C: Harald Gunnar Paalgard. M: Goran Bregovic. E: Trygve Hagen. Con: Lena Endre (Sara), Bjøn Floberg (Peter), Rebecka Hemse (Kaja), Petronella Barker (Helen), Goran Bregovic (Boddan), Wenche Foss (Lisa). Prod: Christiania Film Norsk Film, SF Studio AB, Svensk Filmindustri (SF), Edward A. Dreyer, Tom Remlov. Dur: 95 mins.

Historias de la cocina Salmer fra kjøkkenet D: Bent Hamer. P: Noruega-Suecia, 2003. G: Bent Hamer y Jörgen Bergmark. F en C: Philip Øgaard. M: Hans Mathisen. E: Pål Gengenbach. Con: Joachim Calmeyer (Isaak Bjørvik), Tomas Norström (Folke Nilsson), Bjørn Floberg (Grant), Reine Brynolfsson (Malmberg), Sverre Anker Ousdal (Dr. Benjaminsen), Leif Andrée (Dr. Ljungberg). Prod: BOB Film Sweden AB, Bulbul Films, Svenska Filminstitutet (SFI), Bent Hamer, Jörgen Bergmark. Dur: 95 mins.

Tras su divorcio y la muerte de su único hijo, la escritora Sara, cuya novela más reciente ha sido todo un éxito, decide refugiarse en la casa modernista de su ex marido arquitecto, con la intención de encontrar al fin un equilibrio que traiga paz interior a su existencia. El filme, ganador del Premio Amanda en Noruega y del Premio del Público en el Festival de Cine Nórdico de 2003, está inspirado en una experiencia personal de Unni Straume, quien en su momento también buscaba un balance en su propia vida.

Ganadora del premio Amanda a la mejor película de ficción, esta obra se ubica en la posguerra de los años cincuenta, cuando un grupo de expertos en economía doméstica descubre que la reorganización de la cocina beneficia a la economía del hogar. Tras analizar el comportamiento del ama de casa sueca, los expertos envían a 18 observadores al pueblo noruego de Landstad, en donde abundaban los hombres solteros. Todo esto bajo una estricta regla: nunca dirigirle la palabra a los investigados.

Jueves 26

Miércoles 18

Hawai, Oslo Hawaii, Oslo D: Erik Poppe. P: Dinamarca-Suecia-Noruega, 2004. G: Harald Ronseløw-Eeg y Erik Poppe. F en C: Ulf Brantås. M: John Erik Kaada y Bugge Wesseltoft. E: Einar Egeland. Con: Trond Espen Seim (Vidar), Juan Gunnar Røise (Leon), Evy Kaseth Røsten (Åsa), Stig Henrik Hoff (Frode), Silje Torp Færavaag (Milla), Petronella Barker (Bobbie). Prod: Paradox Spillefilm A/S, Finn Gjerdrum. Dur: 125 mins.

Uno Uno D y G: Aksel Hennie. P: Noruega, 2004. F en C: John Andreas Andersen. M: Tom McRae y Ulver. E: Vidar Flataukan. Con: Aksel Hennie (David), Nicolai Cleve Broch (Morten), Bjørn Floberg (Jarle), Espen Juul Kristiansen (Kjetil), Ahmed Zeyan (Khuram), Martin Skaug (Lars). Prod: Tordenfilm AS, Jørgen Stom Rosenberg. Dur: 103 mins.

Segunda parte de la trilogía sobre Oslo de Erik Poppe, que inicia con Schpaa (1998) y concluye con DeUsynlige (2008). El destino de varios personajes se entrecruza en uno de los días más calurosos en Oslo: una pareja con un hijo deshauciado; una cantante que intenta suicidarse; un cleptómano que busca una mujer con la que prometió casarse hace diez años, su hermano oportunista y su amigo que sufre de alucinaciones. El filme obtuvo el Premio Ecuménico y el Premio de los Críticos Noruegos en el festival internacional de cine de Noruega en 2004.

A sus 25 años, David aún no piensa en su futuro; al contrario, pasa el día holgazaneando en compañía de criminales menores. Sin embargo, su vida cambia cuando su padre muere y se ve obligado a encargarse de su hermano discapacitado. Ahora, David tiene la posibilidad de empezar desde cero, pero sus antiguos secuaces no están dispuestos a hacerle el camino fácil. Uno, que obtuvo el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cine Nórdico de Ruán en 2005, marca el debut como director y guionista del actor noruego Aksel Hennie.

Domingo 22

Martes 24

Beso de invierno Vinterkyss D: Sara Johnsen. P: Noruega, 2005. G: Sara Johnsen y Ståle Stein Berg. F en C: Odd Reinhardt Nicolaisen. M: Ståle Caspersen. E: Zaklina Stojevska. Con: Annika Hallin (Victoria), Kristoffer Joner (Kai), Fritjof Såheim (Stein), Göran Ragnerstam (Filip), Linn Skåber (Wibeke), Jade Francis Haj (Darjosh). Prod: Friland S.A., Christian Fredrik Martin, Asle Vatn. Dur: 84 mins.

La otra puerta Naboer D y G: Pål Sletaune. P: Dinamarca-Suecia-Noruega, 2005. F en C: John Andreas Andersen. M: Simon Boswell. E: John Andreas Andersen y Darek Hodor. Con: Kristoffer Joner (John), Cecilie A. Mosli (Anne), Julia Schacht (Kim), Anna Bache-Wiig (Ingrid), Michael Nyqvist (Åke), Øystein Martinsen (Peter). Prod: Columbia TriStar Nordisk Film Distributors A/S, Produksjon 4 1/2, Spillefilmfompaniet 4 1/2, Pål Sletaune. Dur: 75 mins.

Tercer largometraje de ficción de Pål Sletaune después de Junk Mail (1997) —premiado en Cannes, São Paulo y Tokio—, y You Really Got Me (2001). En este trabajo, la vida de John da un giro cuando conoce a sus jóvenes y bellas vecinas, Anne y Kim. El par de féminas arrastrará a John a un espiral de manipulación, engaños, seducción y descontrol. Con este thriller sobre la pérdida de la voluntad, los límites y la mente, Sletaune obtuvo el Premio del Jurado Joven Europeo en el Festival de Cine Nórdico de Ruán en 2006. Viernes 20

En un apartado poblado, una doctora sobrelleva su reciente y traumático divorcio. Mientras tanto, el operador de un quitanieve padece el abandono de su esposa, al mismo tiempo que una pareja inmigrante, proveniente de Irán, experimenta la pérdida de su hijo. Los destinos de estos personajes se cruzan en este filme que, bajo la apariencia de un thriller policiaco, retrata sutilmente el vacío emocional de sus protagonistas, aislados del mundo y de sí mismos en medio de los helados paisajes noruegos. Viernes 27

El hombre inoportuno Der brysomme mannen D: Jens Lien. P: Noruega-Islandia, 2006. G: Per Schreiner, basado en su propia obra para la radio. F en C: John Christian Rosenlund. M: Ginge Anvik. E: Vidar Flataukan. Con: Trond Fausa Aurvaag (Andreas), Petronella Barker (Anne Britt), Per Schaaning (Hugo), Birgitte Larsen (Ingeborg), Johannes Joner (Håvard), Ellen Horn (Trulsen), Anders T. Andersen (Harald). Prod: Tordenfilm, Sandrew Metronome Norge A/S, The Icelandic Filmcompany, Jørgen Storm Rosenberg, Carina Brattvik. Dur: 90 mins.

Hijos Sønner D: Eric Richter Strand. P: Noruega, 2006. G: Thomas Seeberg Torjussen y Eric Richter Strand. F en C: Johan-Fredrik Bødtker. M: Marius Christiansen y Magnet. E: Simen Gengenbach. Con: Nils Jørgen Kaalstad (Lars), Mikkel Bratt Silset (Tim), Henrik Mestad (Hans), Ingrid Bolsø Berdal (Norunn), Marika Enstad (Anja). Prod: Tordenfilm A.S., Eric Vogel. Dur: 103 mins.

La ópera prima de Richter Strand aborda el tema de la pedofilia con intuición y sensibilidad. Con el apoyo de un premiado guión y excelentes actuaciones, Strand cuenta la historia de Lars, un joven salvavidas que descubre la presencia de un pedófilo en su lugar de trabajo. Lleno de rabia, Lars inicia una cruzada para impedir que éste acose a más jóvenes. Varias vidas, incluyendo la suya, se verán afectadas por su obsesión por vigilar a ese hombre.

Un hombre se percata de que vive una vida falsa en una ciudad que desconoce por completo. En la grieta de una pared, a través de la cual se escuchan hermosas notas musicales, el protagonista podría encontrar la forma de escapar. Filme ganador de tres premios Amanda del Festival Noruego de Internacional de Cine 2006 (mejor dirección, actor y guión), realizado por Jens Lien, multipremiado músico y cineasta interesado en las posibilidades narrativas y estéticas del absurdo cinematográfico. Domingo 29

Sábado 28

Ole Bull, el conquistador del cielo Ole Bull – himmelstormeren

Marte y Venus Mars og Venus

D: Aslak Aarhuz. P: Noruega, 2006. G: Siv K. Lemilka y Aslak

D: Eva Dahr. P: Noruega, 2007. G: Eva Dahr y Andreas Markusson.

Aarkus. F en C: Torstein Nodland, Philip Øgaard, Tore Vollan y Pål

F en C: Tore Vollan. M: Ginge Anvik. E: Per-Erik Eriksen. Con:

Nissen. Testimonios: Henning Kraggerud, Bjørn Wilberg Ander-

Anders Baasmo Christiansen (Erik), Thorbjørn Harr (Mathias), Helena

sen, Andrea Bræin Hovig, Sven Nordin. Prod: Visions AS, Ole Bernt

Sandeberg (Kate), Henriette Steenstrup (Agnete), Nikis Theophilakis

Frøshauf. Dur: 90 mins.

(agente de ventas del bote), Pia Tjelta (Ida). Prod: Cinenord Spillefilm, Tanya Badendyck, Silje Hopland. Dur: 92 mins.

Documental acerca de la frenética vida de Ole Bull, la primera superestrella de Noruega. Virtuoso del violín, Bull seducía al mundo, al tiempo que descuidaba a su familia. Ídolo de multitudes y apasionado nacionalista, se convirtió en un icono de lucha del movimiento independentista noruego. Producido por Visions AS, cuya filmografía comprende 20 documentales y ganador del premio a la obra más innovadora en el Festival de Documentales de Milán en 2007, el filme construye un retrato de un hombre que eligió la fama por encima de sus seres queridos.

Marte y Venus comienza donde acaban otras comedias románticas: Ida y Mathias ya están juntos, las campanas de la iglesia se han silenciado y el vestido de bodas ha sido subastado en e-Bay. Sin embargo, ella, ambiciosa arquitecta y madre cariñosa; y él, divertido, guapo y un gran padre, viven ahora en universos separados. La directora Eva Dahr construye una reflexión acerca de cómo mantener vivo el amor, en la que el sexo sin compromiso y los veleros en venta parecen ser, en la frenética vida cotidiana, sinónimos de felicidad.

Miércoles 25

Viernes 20

CORTOMETRAJES La puerta que no se cerró

Partido en casa

Døren som ikke smakk

Hjemmekamp

D: Jens Lien. P: Noruega, 2000. G: Per Schreiner. F en C: Erling Thur-

D y G: Martin Lund. P: Noruega, 2004. F en C: Magnus Iversen. E: Andr-

mann-Andersen. E: Kirsti Marie Hougen. Prod: Kaliber Produksjon, Line

zej Kiwala. Con: Henrik Thodesen (Stian), Geir-Alte Johnsen (Rune), Kenneth

Sandsmark. Dur: 10 mins.

Fredheim (Thomas). Prod: Stian Fongaard. Dur: 8 mins.

Una madre da a su hijo unas sencillas reglas a seguir en la vida, pero todo es complicado.

Stian está en lucha contra el sueño. Ganador de los festivales de Hamburgo y Berlín en 2005.

Domingo 29

Viernes 20

Los mejores mueren jóvenes

Medium Raw

De beste går først

Medium Raw

D: Hans Peter Moland. P: Noruega, 2002. G: Erlend Loe. F en C: Gaute

D: Morten Hovland. P: Noruega, 2005. Con: Henriette Steenstrup, Bar-

Gunnari. M: John Erik Kaada. E: Sophie Hesselberg. Prod: Motlys, Ørjan

tek Kaminski, Stig Henrik Hof, Sølje Bergman. Prod: Fabelaktiven, Kristian

Karlsen, Yngve Sæther. Dur: 9 mins.

Kamp, Arild Halvorsen. Dur: 8 mins.

Ocho ancianos analizan a los partidos políticos. Ganador en el Festival de Chicago 2003.

Un hombre entra a un restaurante y se ve atrapado en los celos entre el jefe y la camarera.

Sábado 21

Miércoles 25

LoveGame

Sniffer

LoveGame

Sniffer

D y E: Gaute Hesthagen P: Noruega, 2003. G: Ragnhild Marie Pedersen

D y G: Bobbie Peers. P: Noruega, 2006. F en C: Jakob Ingimundarson. M:

y Birgitte Rustad Wegener. F en C: Tor Eigil Scheide. M: Morten Stendahl.

Evan Gardner. E: Pål Gengenbach. Con: Danny Schlesinger, Kristin Sissner.

Prod: Kilowatt Film Company, Klapplmedia, Rune Sandnes. Dur: 6 mins.

Prod: Dream Factory, Maria Ekerhovd, Glenn Gardner. Dur: 9 mins.

Una chica. Un chico. Tres oportunidades…

Un hombre se gana la vida oliendo axilas. Ganador de la Palma de Oro en Cannes 2006.

Jueves 19

Fear Less Fear Less

Viernes 27

Homenaje a Leo el león

D: Therese Jacobsen. P: Noruega, 2003. F en C: Johan-Fredrik Bødtker. M:

Hommage to Leo the lion

Erik Vang. Con: Oda Marie Brekken y Miriam Sogn. Prod: Apecosmonau-

D: Marianne Heske. P: Noruega, 2007. Prod: 4½. Dur: 1 min.

tene, Therese Jacobsen. Dur: 5 mins.

La infancia no es tan feliz como creemos. Viernes 20

Al fin y al cabo Alt i alt D: Torbjørn Skårild. P: Noruega, 2003. F en C: Frode Merkersvik. E y Prod: Torbjørn Skårild. Con: Knut Reinertsen (buzo). Dur: 4 mins.

Al fin y al cabo, las conclusiones no importan. Jueves 26

Dedicado al símbolo de la MGM. Sábado 28

Fable of the Leaf Fable of the Leaf D y E: Paulo Chavarría. P: Noruega, 2007. G: Paulo Chavarría y José Fonseca. Narrador: Rodolfo Araya. Prod: Amehn Production, Arild MehnAndersen. Dur: 3 mins.

Poético retrato animado sobre una hoja que experimenta el paso de las estaciones. Martes 24

La Cineteca Nacional agradece a la Embajada de Noruega en México y al Norwegian Film Institute su colaboración en la elaboración de este ciclo. 37

Joaquín Gutiérrez Heras Medalla Salvador Toscano 2008

Nacido en Tehuacán, Puebla, el 28 de septiembre de 1927, Joaquín Gutiérrez Heras realizó estudios de Arquitectura en la Universidad Nacional Autónoma de México, mismos que abandonó para dedicarse a la música. En esta disciplina, su primera formación fue autodidacta, y posteriormente ingresó al Conservatorio Nacional de Música hacia 1950, donde tuvo entre sus maestros a Rodolfo Halffter y Blas Galindo. Gracias a una beca del gobierno francés, en 1952 viajó al Conservatorio de París, donde, entre otros, tuvo entre sus maestros a Olivier Messiaen. El ganar la beca Rockefeller le permitió continuar su formación en la Escuela Juilliard de Nueva York. Perteneció al grupo Nueva Música de México, y además de su extensa labor como compositor, ha sido profesor en varias instituciones, dictado conferencias y publicado diversos artículos. Fue director de Radio UNAM de 1966 a 1970, maestro de Análisis en el Conservatorio Nacional de 1969 a 1970, y de Composición en el taller del INBA de 1974 a 1977.

También ha escrito música para teatro, y en cuanto a su labor como compositor para el cine, destaca su trabajo con el director Jaime Humberto Hermosillo, mismo que le ha significado varios premios Ariel y Diosa de Plata por su labor en las películas El cumpleaños del perro (1974), Naufragio (1977) y El corazón de la noche (1983). Su música también puede escucharse en filmes como Los indolentes (José Estrada, 1976, premiada también con un Ariel en 1977), Pedro Páramo (Carlos Velo, 1966), La pasión según Berenice (Jaime Humberto Hermosillo, 1975) y Novia que te vea (Guita Schyfter, 1992), por mencionar sólo algunos. Otros importantes reconocimientos a su trabajo incluyen el Doctorado Honoris Causa de la Universidad Nacional Autónoma de México en 1996, su ingreso como Académico de Número en la Academia de las Artes de México, y el Premio Nacional de Ciencias y Artes, en la categoría de Bellas Artes, otorgado por la Presidencia de la República en el año 2006.

El rincón de las vírgenes El rincón de las vírgenes D: Alberto Isaac. P: México, 1972. G: Alberto Isaac, basado en los cuentos “Anacleto Morones” y “El día del derrumbe” de Juan Rulfo. F en C: Raúl Martínez Solares y Daniel López. M: Joaquín Gutiérrez Heras. E: Carlos Savage. Con: Alfonso Arau (Lucas Lucatero), Emilio Fernández (Anacleto Morones), Rosalba Brambila (Leona), Carmen Salinas (Pancha Fregoso), Lilia Prado (Nieves García), Pancho Córdova (Melesio Terrones), Héctor Ortega (gobernador). Prod: Estudios Churubusco Azteca, Angélica Ortiz. Dur: 93 mins. PC: Cineteca Nacional.

La pasión según Berenice La pasión según Berenice D y G: Jaime Humberto Hermosillo. P: México, 1976. F en C: Rosalío Solano. M: Joaquín Gutiérrez Heras. E: Rafael Ceballos. Con: Pedro Armendáriz Jr. (José), Martha Navarro (Berenice), Emma Roldán (Josefina), Blanca Torres (Merceditas), Manuel Ojeda (José), Alejandro Rodríguez (adolescente). Prod: Conacine, DASA Films, Maximiliano Vega Tato, Roberto Lozoya. Dur: 101 mins. PC: Cineteca Nacional.

Joaquín Gutiérrez Heras musicaliza, con gran eficacia y sin excesos, este filme basado en dos narraciones de Juan Rulfo. La película obtuvo dos premios Ariel. Emilio El Indio Fernández y Alfonso Arau interpretan a Anacleto y Lucas, dos curanderos errantes que “curan” a varias mujeres de sus dolencias haciéndoles el amor. Años después de la muerte de Anacleto, una procesión de mujeres llega al pueblo donde ahora vive Lucas con el fin de persuadirlo a rendir testimonio y así lograr la canonización de Anacleto.

Berenice, quien no esconde la cicatriz que marca su cara, vive con su madrina, la anciana prestamista Josefina. Todo aparenta tranquilidad, hasta que un día llega a su vida el hijo del médico de la anciana, llevándola a un juego pasional donde el que se enamora pierde. Berenice vive ajena a lo que los demás murmuren de ella y su conducta. Sólo el fuego purificador podrá darle su ansiada libertad, ante el mundo y ante ella misma. El filme obtuvo cuatro premios Ariel, incluyendo el otorgado a la mejor película.

Martes 24

Lunes 23 y miércoles 25

La casta divina La casta divina D: Julián Pastor. P: México, 1976. G: Eduardo Luján. F en C: José Ortíz Ramos. M: Joaquín Gutiérrez Heras. E: José W. Bustos. Con: Ignacio López Tarso (don Wilfrido), Ana Luisa Peluffo (Tulita), Pedro Armendáriz Jr. (coronel Abel Ortíz Argumedo), Tina Romero (Elidé), Jorge Martínez de Hoyos (coronel Salvador Alvarado), Sergio Calderón (padre Chano), Blanca Torres (doña Amira). Prod: Conacine, DASA Films, Luis Bekris. Dur: 112 mins. PC: Cineteca Nacional.

Maten al león Maten al león D: José Estrada. P: México, 1976. G: José Estrada, basado en la novela homónima de Jorge Ibargüengoitia. F en C: Gabriel Figueroa. M: Joaquín Gutiérrez Heras. E: Juan José Marino. Con: David Reynoso (Manuel Belaunzarán), Jorge Rivero (Pepe Cussirat), Lucy Gallardo (Ángela de Berriozábal), Ernesto Gómez Cruz (Salvador Pereira), Guillermo Orea (Carlitos Berriozábal), Julián Pastor (Paco Ridruejo), Enrique Lucero (Agustín Cardona), Manuel Medel (Gustavo Anzures), Ana Ofelia Murgía (Esperanza). Prod: CONACINE, DASA, Maximiliano Vega Tato, Héctor López. Dur: 129 mins. PC: Cineteca Nacional.

Gutiérrez Heras fue nominado al Ariel por su musicalización de La casta divina, crónica de la guerra que tuvo lugar en Yucatán entre los hacendados o “casta divina”, el pueblo maya y el general Salvador Alvarado. En 1915, a raíz de un movimiento separatista, Wilfrido, un maduro terrateniente cuya hija se opone a sus métodos autoritarios, envía a su hijo mayor a unirse a las fuerzas separatistas del general Abel. El padre impondrá por encima de su familia e hijos sus convicciones políticas. Viernes 27

Al llegar a su cuarto período como gobernante de la pequeña república caribeña de Arepa, el militar Manuel Belaunzarán se prepara para reelegirse. Por su parte, la oposición propone a un bon vivant, Pepe Cussirat, residente en el extranjero, como su candidato. Éste viajará a la isla, pero no para aceptar la candidatura que se le ofrece, sino para asesinar al tirano Belaunzarán. Sin embargo, muchos intentos fallidos por acabar con el dictador demostrarán que no será nada fácil deshacerse de él. Jueves 26

Novia que te vea Novia que te vea D: Guita Schyfter. P: México, 1992. G: Hugo Hiriart y Guita Schyfter, basados en la novela de Rosa Nissán. F en C y B/N: Toni Kuhn. M: Joaquín Gutiérrez Heras. E: Carlos Bolado. Con: Angélica Aragón (Sarica), Claudette Maillé (Oshinica Mataraso), Maya Mishalska (Rifke Groman), Ernesto Laguardia (Saavedra), Verónica Langer (mamá Rifke), Mercedes Pascual (abuela Sol), Pedro Armendáriz (papá Saavedra). Prod: Producciones Arte Nuevo, IMCINE, Fondo de Fomento a la Calidad Cinematográfica, Tita Lombardo. Dur: 114 mins. PC: Cineteca Nacional.

Naufragio Naufragio D: Jaime Humberto Hermosillo. P: México, 1977. G: Jaime Humberto Hermosillo y José de la Colina. F en C: Rosalío Solano. M: Joaquín Gutiérrez Heras. E: Rafael Ceballos. Con: José Alonso (Miguel), María Rojo (Leticia), Ana Ofelia Murguía (doña Amparo), Carlos Castañón (Gustavo), Guillermo Gil (Hernández Pimentel), Manuel Ojeda (médico). Prod: Conacite UNO, DASA Films, Héctor López. Dur: 95 mins. PC: Cineteca Nacional.

Séptimo largometraje de Hermosillo, ganador de cinco premios Ariel, incluyendo mejor película y mejor música, para Joaquín Gutiérrez Heras. Filmada en Tlaltelolco y en las oficinas del Ayuntamiento del Distrito Federal, narra la historia de dos mujeres, compañeras de trabajo, que comparten un departamento en una unidad habitacional. La mayor de ellas tiene un hijo que se enroló en la marina años atrás y vive obsesionada con su regreso. La otra mujer, una atractiva pero tímida joven, convierte ese retorno en una ilusión personal.

Filme basado en la novela de Rosa Nissán sobre la amistad de dos jóvenes judías: una sefardita de origen turco y la otra askenazi, de padres centroeuropeos. Ambas buscan encontrar una identidad que concilie sus orígenes judíos con su nacionalidad. Gutiérrez Heras fue nominado al Ariel por su música de fondo en esta película ganadora de cinco premios de la Academia mexicana. Novia que te vea tuvo éxito de público y de crítica, y aborda las vivencias de una minoría cultural, tema poco explorado por el cine nacional. Domingo 29

Sábado 28

Ciclo

Philippe Grandrieux

A lo largo de tres décadas, Philippe Grandrieux ha desarrollado una copiosa obra artística, misma que abarca diversas disciplinas: cine experimental, filme-ensayo, documental, video-instalación, televisión experimental y fotografía. Su particular visión del arte lo ha

empujado a traspasar los formatos y géneros tradicionales de las obras audiovisuales mediante un cine radical e inventivo. Involucra al espectador con un arte que apunta a los mecanismos de la psique, en especial hacia los rincones oscuros donde anidan el deseo y la transformación. Las películas de Grandrieux expresan un mundo de energías alimentadas de sensaciones y efectos al margen de narrativas lineales; expresan un imaginario audiovisual que reposa en los arquetipos e imágenes de los cuentos de hadas. La filmografía de Grandrieux ofrece la posibilidad de ver con detenimiento emociones, color y oscuridad: Imágenes puras en un mundo catastrófico. Construye un mundo de quietud, paisajes amenazadores, opresivos y oscuros, pero que aun así ejercen una seducción irresistible.

Sombra Sombre D: Philippe Grandrieux. P: Francia, 1998. G: Sophie Fillières, Philippe Grandrieux y Pierre Hodgson. F en C: Sabine Lancelin. M: Alan Vega. E: François Tourmen. Con: Marc Barbé (Jean), Elina Löwensohn (Claire), Géraldine Voillat (Christine), Coralie (la primera mujer). Prod: Arte, Canal+, CNC, Monteurs’Studio, Procirep, Zeie Productions, Catherine Jacques. Dur: 112 mins. Dist: Interior 13.

Jean vaga por las carreteras buscando presas: es un asesino serial. Claire está atascada en medio de la lluvia: ella será su siguiente víctima. Pero, ¿Cómo matar a esta virgen, que se presenta ante él como rara avis en un mundo de locura y hastío? Quizá juntos encuentren un paliativo al dolor de vivir... Ópera prima de arriesgada búsqueda estética y minimalismo argumental, premiada en el festival de Locarno. Miércoles 25, jueves 26 y sábado 28

La nueva vida La vie nouvelle D: Philippe Grandrieux. P: Francia, 2002. G: Philippe Grandrieux y Eric Vuillard. F en C: Stéphane Fontaine. M: Étant Donnés y Josh Pearson. E: Françoise Tourmen. Con: Zachary Knighton (Seymour), Anna Mouglalis (Melania), Marc Barbé (Roscoe), Zsolt Nagy (Boyan), Raoul Dantec (el francés), Georgi Kaduron (el hombre triste). Prod: Blue Light, Canal+, Centre National de la Cinématographie, Pierre Benque, Catherine Jacques, Emmanuel Schlumberger. Dur: 102 mins. Dist: Interior 13.

Un lago Un lac D, G y F en C: Philippe Grandrieux. P: Francia, 2008. E: Françoise Tourmen. Con: Dmitry Kubasov (Alexi), Natalie Rehorova (Hege), Alexei Solonchev (Jurgen), Simona Huelsemann (Liv), Vitaly Kishchenko (Christian), Artur Semay (Johannes). Prod: Madrake Films, Catherine Jacques. Dur: 90 mins. Dist: Interior 13.

Phillip Grandrieux desafía la narración cinematográfica convencional, al construir un retrato sórdido, casi mitológico, en donde la desnudez se convierte en vehículo de la obsesión, el deseo, la violencia y los bajos instintos. A través de claroscuros, imágenes desafocadas y, en ocasiones hasta distorsionadas por la cámara en mano, Grandrieux, heredero del cine de horror experimental, busca desentrañar el lado oscuro de la psique humana en este filme, que participó en el Festival Internacional de Cine de Toronto 2002.

Tercer largometraje de este cineasta experimental, quien obtuvo la atención del público europeo con sus dos anteriores filmes: Sombra y La nueva vida. Grandrieux demuestra su capacidad para captar la esencia de las imágenes por medio de una fotografía que nos transporta al desolado mundo de un joven epiléptico que vive en secreto un romance con su hermana. Merecedor de una Mención Especial en el Festival de Venecia 2008, Un lago recurre a los susurros y silencios para crear una historia. Miércoles 25, viernes 27,

miércoles 25, viernes 27 y domingo 29

sábado 28 y domingo 29

matiné infantil

Despereaux,

un pequeño gran héroe

The Tale of Despereaux

Animación basada en el libro Tale of Despereaux: Being the Story of a Mouse, a Princess, Some Soup and a Kate DiCamillo. M: William Ross. E: Mark Salomon. Con las Spool of Thread (2003) de Kate DiCamillo, que cuenta voces de: Benny Ibarra (Desperaux), Belinda (Princesa Pea), Arturo Mercado Chacón (Roscuro), Humberto Solórzano la historia de un ratón que tiene la particularidad de no (André). Prod: Robin Bissell, William Sargent. Dur: 93 mins. temer a lo que usualmente asusta a los de su especie: Dist: Universal Pictures. gatos, cuchillos, ratoneras y, especialmente, humanos. En sus aventuras encuentra a la princesa Pea, con quien entabla una amistad y quien le enseña a leer libros en lugar de roerlos; es así que descubre dragones, caballeros y princesas. Por acciones como ésta, las cuales rompen las costumbres y leyes del Mundo Ratón, es desterrado y encerrado en el Mundo de las Ratas. Pero Despereaux es diferente al resto de los ratones, tiene orejas y ojos más grandes de lo común, los cuales le permiten escuchar y ver cosas que otros no pueden. Así, este pequeño gran héroe nos demuestra la importancia de valores como la valentía y la amistad y, al mismo tiempo, nos recuerda que el aspecto exterior no necesariamente refleja las capacidades de cada persona. D: Sam Hell y Robert Stavenhagen. P: Estados Unidos-

Inglaterra, 2008. G: Will MaRobb, basado en el libro de

Jorge Magaña Cineteca Nacional Sábados y domingos de marzo

Programa doble I: de tienda ultrabarata a boutique de Hollywood

La tiendita de los horrores The Little Shop of Horrors D: Roger Corman. P: Estados Unidos, 1960. G: Charles B. Griffith. F en B/N: Archie Dalzell. M: Fred Katz. E: Marshall Neilan, Jr. Con: Jonathan Haze (Seymour Krelboin), Jackie Joseph (Audrey Fulquard), Mel Welles (Gravis Mushnik), Dick Miller (Burson Fouch), Myrtle Vail (Winifred Krelboin), Jack Nicholson (Wilbur Force), Wally Campo (detective Joe Fink). Prod: Santa Clara Productions, Roger Corman. Dur: 70 mins.

La tiendita del horror Little Shop of Horrors D: Frank Oz. P: Estados Unidos, 1986. G: Howard Ashman, basado en el argumento original de Charles B. Griffith. F en C: Robert Paynter. M: Miles Goodman y Alan Menken; canciones de Alan Menken y Howard Ashman. E: John Jympson. Con: Rick Moranis (Seymour Krelboin), Ellen Greene (Audrey), Vincent Gardenia (señor Mushnik), Steve Martin (Orin Scrivello, dentista), Bill Murray (Arthur Denton, masoquista), James Belushi (Patrick Martin), Levi Stubbs (voz de Audrey II). Prod: The Geffen Company, Warner Bros. Pictures, David Geffen. Dur: 94 mins.

En una florería de barrio bajo, Seymour Krelboin, un torpe empleado, consigue crear una nueva especie de planta, a la que bautiza con el nombre de la mujer que ama en secreto. Sin embargo, el vegetal, además de voz propia, tiene un voraz apetito de carne humana. Con este argumento de Charles Griffith, el productor y cineasta Roger Corman brindó al cine norteamericano de culto uno de sus títulos esenciales. Disparatada comedia de horror, filmada en solamente dos días y con un presupuesto ínfimo, La tiendita de los horrores inspiró a los compositores Alan Menken y Howard Ashman para la creación de un musical, entre el rock y el Rhythm & Blues, basado en el filme de Corman. En 1986, Frank Oz, conocido por su trabajo con Los Muppets de Jim Henson, dirigió una adaptación de esta obra musical, que si bien conserva el humor negro y el sadismo del filme original, aporta notables cambios, entre ellos, que la planta sea una invasora del espacio exterior, hambrienta por conquistar nuevos mundos. José Antonio Valdés Peña Cineteca Nacional Martes 17, miércoles 18 y sábado 21

Programa doble II: Días de alcohol

Permanencia voluntaria

Días sin huella The Lost Weekend D: Billy Wilder. P: Estados Unidos, 1945. G: Charles Brackett y Billy Wilder, basados en la novela de Charles R. Jackson. F en B/N: John F. Seitz. M: Miklós Rozsá; obertura y arias de La Traviata de Giuseppe Verdi, dirigida por Victor Young. E: Doane Harrison. Con: Ray Milland (Don Birnam), Jane Wyman (Helen St. James), Howard Da Silva (Nat), Philip Terry (Wick Birnam), Doris Dowling (Gloria). Prod: Charles Brackett. Dur: 101 mins.

Días de vino y rosas Days of Wine and Roses D: Blake Edwards. P: Estados Unidos, 1962. G: J.P. Miller. F en B/N: Philip H. Lathrop. M: Henry Mancini. E: Patrick McCormack. Con: Jack Lemmon (Joe Clay), Lee Remick (Kirsten Arnesen Clay), Charles Bickford (Ellis Arnesen), Jack Klugman (Jim Hungerford), Alan Hewitt (Leland), Tom Palmer (Ballefoy). Prod: Martin Manulis. Dur: 117 mins.

Los cineastas Billy Wilder y Blake Edwards abordan en Días sin huella y Días de vino y rosas, respectivamente, un tema que, como punto referencial de un cierto estilo de vida, se ha perpetuado en la cinematografía casi de manera inconsciente: el alcoholismo. En Días sin huella destaca el trabajo interpretativo del actor Ray Milland, quien encarna a un perturbado escritor que durante un largo fin de semana en Nueva York intenta desprenderse de su adicción al alcohol. El filme, realizado bajo la influencia del neorrealismo italiano, obtuvo cuatro premios Oscar —mejor actor, mejor director, mejor fotografía, mejor guión— de siete candidaturas. Días de vino y rosas, por otra parte, es una de las pocas incursiones al melodrama de Blake Edwards, realizador conocido fundamentalmente por sus dotes para la comedia (Desayuno en Tiffany, La carrera del siglo, 10: la mujer perfecta). Aquí Edwards, de una manera sutil e inteligente, plantea la disolución de un matrimonio a causa del alcoholismo, lo que da como resultado un filme de innegable emotividad. Miriam Jiménez Cineteca Nacional Martes 10, miércoles 11 y sábado 14

Programa doble III: Los mundos fantásticos de Karel Zeman

Una invención diabólica Vynález zkázy D: Karel Zeman. P: Checoslovaquia, 1958. G: Karel Zeman, Frantisek Hrubín y Milan Vácha, basados en la novela Ante la bandera de Julio Verne. F en B/N: Antonín Horák, Bohuslav Pikhart y Jirí Tarantík. M: Zdenek Liska. E: Zdenek Stehlík. Con: Lubor Tokos (Simon Hart), Arnost Navrátil (profesor Roch), Miroslav Holub (Artigas), Frantisek Slégr (capitán de los piratas), Václav Kyzlink (ingeniero Zerke), Jana Zatloukalová (Jana), Frantisek Cerný (capitán Spade). Prod: Ceskoslovenský Státní Film, Filmové Studio Gottwaldov, Zdenek Novák. Dur: 83 mins.

El barón Münchausen Baron Prásil D: Karel Zeman. P: Checoslovaquia, 1961. G: Karel Zeman, Jirí Brdecka y Josef Kainar, basados en los relatos de Rudolph Erich Raspe, recopilados por Gottfried August Bürger. F en B/N y C: Jirí Tarantík. M: Zdenek Liska. E: Vera Kutilova. Con: Milos Kopecký (barón Münchausen), Rudolf Jelínek (Tonik), Jana Brejchová (princesa Bianca), Karel Höger (Cyrano), Nadesda Blazickova (bailarina de la corte), Josef Hlinomaz (general español), Zdenek Hodr (Nicole). Prod: Ceskoslovenský Státní Film, Filmové Studio Gottwaldov, Zdenek Novák. Dur: 83 mins.

El checo Karel Zeman (1910-1989), fanático del universo literario de Julio Verne, las marionetas y el dibujo, con antecedentes como publicista, alcanzó renombre con una serie de cortos protagonizados por el títere Mr. Prokouk y producidos por el Studio Gottwaldov de Checoslovaquia. El éxito de su primer largometraje, Viaje a tiempos prehistóricos (1954), en el cual mezcló, mediante complejos trucos de cámara, actores con figuras animadas cuadro por cuadro y escenarios inspirados en los grabados de Gustave Doré, lo motivó a realizar los dos largometrajes que componen este programa doble: Una invención diabólica (1958) y El barón Münchausen (1961). Mientras el primero es una aventura de ciencia-ficción en la cual un villano se vale de un invento, muy similar al Cinematógrafo Lumiére, para lograr sus planes, el segundo recrea las fantásticas aventuras del aristócrata titular, historia que también inspiraría un filme de Terry Gilliam, Las aventuras del barón Münchausen, en 1989. José Antonio Valdés Peña Cineteca Nacional Martes 3, miércoles 4 y sábado 7

Programa doble IV: la España franquista por Ferreri y Azcona

Permanencia voluntaria

El pisito El pisito D: Marco Ferreri. P: España, 1958. G: Rafael Azcona y Marco Ferreri, basados en la novela homónima del primero. F en B/N: Francisco Sempere. M: Federico Contreras. E: José Antonio Rojo. Con: Mary Carrillo (Petrita), José Luis López Vázquez (Rodolfo), Concha López Silva (doña Martina), Ángel Álvarez (Sáenz), Andrea Moro (Mari Cruz), Gregorio Saugar (Don Manuel). Prod: Documento Films. Dur: 87 mins.

El cochecito D: Marco Ferreri. P: España, 1960. G: Rafael Azcona y Marco Ferreri, basados en la novela homónima del primero. F en B/N: Juan Julio Baena. M: Miguel Asins Arbó. E: Pedro del Rey. Con: José Isbert (Don Anselmo Proharán), Pedro Porcel (Carlos Proharán), José Luis López Vázquez (Alvarito), María Luisa Ponte (Matilde), Antonio Gavilán (Don Hilario), Lepe (Don Lucas). Prod: Films 59, Portabella Film, Pedro Portabella. Dur: 85 mins.

En un viaje a Barcelona en los años cincuenta, Marco Ferreri (1928-1997) director de La gran comilona (1973), conoció al periodista y novelista Rafael Azcona (1926-2008) con quien colaboraría durante muchos años. Ferreri dirigiría más de diez guiones escritos conjuntamente con Azcona. Las primeras dos películas fueron filmadas en España: El pisito en 1959 y al año siguiente, El cochecito. La primera se ubica en el Madrid de la España franquista y narra la lucha por sobrevivir de una familia de los años cincuenta, tan pobre que tiene que vivir en una sola recámara de un departamento. El dueto Ferreri-Azcona se inspiró en el esperpento español para dar vida a los habitantes de una caótica jungla urbana. En El cochecito, película ganadora del premio Fipresci en el Festival de Venecia (1960), la dupla dio vida a la rebelión de un anciano, limitado tanto por su condición social como por su edad, que busca a toda costa una liberación en pleno franquismo. Catherine Bloch Cineteca Nacional Martes 24, miércoles 25 y sábado 28

Azul, Viento del Norte Azul, viento del norte D, G y Animación: Gilda Cruz Revueltas. P: MéxicoPolonia, 2007. F en C: Omar Ibargüen, Gilda Cruz Revueltas, Arturo Elizondo, Everardo González, Arlene Celeste Muller, Michal Stajniah, Rafal Ulatowski y Janusz Ulatowski. M: Archivo sonoro de Canal 22, grupo INNÚA, Adahí Carasusan e Iván Constantino. E: Gilda Cruz Revueltas y Manuel Herrera. Narración: José Luis Palomera de la Re. Prod: Gilda Cruz Revueltas, Omar Ibargüen. Dur: 77 mins.

A través de la vida y trayectoria del cinefotógrafo polaco-canadiense Janusz Polom en México y Polonia, este documental traza la historia del Warstat Forme Filmovej, un movimiento de vanguardia en el cine experimental cuya influencia revolucionó tanto al cine como la televisión. Además de testimonios, este documental ofrece una recopilación de imágenes inéditas, indispensables para la comprensión y análisis del cine experimental de nuestra época.

Gilda Cruz Revueltas Estudió Antropología Social en la ENAH y Artes Visuales en la ENAP de la UNAM. Ha realizado 29 exposiciones individuales en México y otras partes del mundo. En cine fue coguionista y diseñadora de proyectos para el cortometraje El mensaje encontrado en la botella, así como coguionista y actriz del largometraje de docuficción Mala Hierba, ambos dirigidos por Janusz Polom. En 2001 inició el trabajo en su opera prima, Azul, Viento del Norte, mismo que pudo terminar en 2007 gracias al apoyo del Canal 22. Esta película fue seleccionada en el Festival Internacional de Documental de Ámsterdam (IDFA) en 2007, durante el cual la realizadora formó parte de una Master Class impartida por Wim Wenders. Este trabajo también fue seleccionado para participar en el Festival du Reél realizado por el Centro Pompidou de Paris en 2008. Jueves 19, viernes 20, sábado 21 y domingo 22

Programa 45

El Golem

Der Golem, wie er in die welt kam D: Paul Wegener y Carl Boese. P: Alemania, 1920. G: Paul Wegener y Henrik Galeen, inspirados en una leyenda tradicional judía. F en B/N: Karl Freund y Guido Seeber. Con: Albert Steinruck (rabino Loew), Paul Wegener (El Golem), Lyda Salmanova (Miriam), Lothar Muthel (caballero Florian), Ernst Deutsch (Famulus), Otto Gebuhr (Emperador), Loni Nest (niña). Prod: Projections AG- Union (PAGU), Paul Davidson. Dur: 85 mins.

Praga, siglo XVI: Para proteger a su gente, amenazada con ser expulsada de la ciudad, un rabino da vida a una poderosa criatura de forma humana creada con arcilla. Sin embargo, al salirse de control, deberá ser destruida. El actor y director Paul Wegener ya había realizado una versión de esta historia en 1914, pero gracias al éxito de filmes como El gabinete del doctor Caligari, accedió a mayores medios de producción que hacen de esta leyenda hecha película un clásico del cine expresionista alemán. Jueves 5

Programa 46

Rieles Scherben

D: Lupu Pick. P: Alemania, 1921. G: Carl Mayer y Lupu Pick. F en B/N: Friedrich Weinmann. Con: Werner Krauss (Bahnwärter), Edith Posca (su hija), Hermine StraßmannWitt (su esposa), Paul Otto (ingeniero), Lupu Pick (Reisender). Prod: Rex-Film, Lupu Pick. Dur: 61 mins.

En una comunidad de trabajadores ferroviarios ocurre una tragedia familiar, cuando la hija de un humilde guardavía es seducida y abandonada por un abusivo ingeniero. Melodrama de vocación realista, sin intertítulo alguno, realizado según los conceptos naturalistas del Kammerspielfilm, corriente cinematográfica alemana que trató de apartarse del esteticismo expresionista, potenciando el drama interno del hombre común y su circunstancia social, realizado por el actor y director Lupu Pick. Jueves 12

Programa 47

Siete años de mala suerte Seven Years of Bad Luck D y G: Max Linder. P: Estados Unidos, 1921. F en B/N: Charles J. Van Enger. M: Robert Israel. Con: Max Linder (Max), Alta Allen (Betty, su prometida), Ralph McCullough (John, su mayordomo), Betty Peterson (Mary, la doncella), F.B. Crayne (falso amigo de Max), Chance Ward (conductor del ferrocarril), Hugh Saxon (guardavías). Prod: Max Linder Productions, Max Linder. Dur: 62 mins.

Después de romper un espejo de su casa, un supersticioso millonario trata de evitar situaciones que le traigan mala fortuna, consiguiendo lo contrario. Filme realizado en los Estados Unidos por el exitoso comediante francés Max Linder, pionero en la creación de un personaje cómico identificable en el cine. Su influencia es tal que su alter ego Max sería de gran influencia para la creación del célebre vagabundo encarnado por Charles Chaplin. Jueves 19

Programa 48

Las tres luces Der müde Tod D y E: Fritz Lang. P: Alemania, 1921. G: Thea von Harbou y Fritz Lang. F en B/N: Fritz Arno Wagner, Bruno Mondi, Herrmann Saalfrank, Bruno Timm y Erich Nitzchmann. M: Karl-Ernst Sasse, Peter Schirmann y Giuseppe Becce. Con: Lil Dagover (Mujer/Tiao Tsien/ Zobeida/Doncella), Walter Janssen (Joven/Franke/Francesco/Liang), Bernhard Goetzke (La Muerte/El Mot/ Bogner/Archer), Hans Sternberg (alcalde), Carl Rückert (sacerdote), Max Adalbert (notario/canciller), Erich Pabst (doctor). Prod: Decla-Bioscop AG, Erich Pommer. Dur: 114 mins.

Al perder a su amante, una mujer recurre a la Muerte con la intención de recuperarlo. Para lograrlo, debe salvar su vida en tres distintas épocas de la humanidad, desde la antigua Persia hasta la China imperial, pasando por el Renacimiento en Italia. Uno de los primeros largometrajes de Fritz Lang, lleno de deslumbrantes imágenes, en el cual la fatalidad del destino, la muerte y las aventuras exóticas son las fuerzas motoras de un fantástico relato de fuertes reminiscencias sobrenaturales. Jueves 26

La Cineteca Nacional agradece el valioso apoyo de

Recuerda que martes y miĂŠrcoles todos somos estudiantes Entrada general $ 25 pesos.

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alfabético marzo 2009

Al fin y el cabo Azul, Viento del Norte Barón Munchausen, El Barraca, La Beso de invierno Casta divina, La Cochecito, El Cool & Crazy Déjame entrar Desconocida, la Despereaux, un pequeño gran héroe Día de fiesta Días de otoño Días de vino y rosas Días sin huella Diosa arrodillada, La Elling En la palma de tu mano Fable of the Leaf Fear Less Gallo de oro, El Golem, El Hawaii, Oslo Hijos Historias de la cocina Hombre inoportuno, El Homenaje a Leo el león Hulot al volante LoveGame Macario Marte y Venus Maten al león Medium Raw

37 50 48 24 34 40 49 31 14 10 45 18 29 47 47 25 31 26 37 37 29 53 33 35 32 35 37 20 37 28 36 40 37

Mejores mueren jóvenes, Los Mi tío Milk Música para bodas y funerales Naufragio Noche avanza, La Novia que te vea Nueva vida, La Ole Bull: el conquistador del cielo Otra, La Otra puerta, La Partido en casa Pasión según Berenice, La Pisito, El Playtime Puerta que no se cerró, La Rayando el sol Rebozo de Soledad, El Rincón de las vírgenes, El Rieles Río helado Rosa Blanca Rosauro Castro Siete años de mala suerte Soledad, La Sombra Sniffer Tiendita de los horrores, la Tiendita del horror, La Tres luces, Las Un lago Una invención diabólica Uno Vacaciones del señor Hulot, Las

37 19 6 32 41 27 41 43 36 25 34 37 39 49 19 37 24 27 39 53 12 28 26 54 8 42 37 46 46 54 43 48 33 18