Impresionismo

Partiendo de la siguiente información y buscando las imágenes en Internet, vamos a realizar un trabajo para subirlo a Internet y leerlo como un libro “on line”, para ello: 1.- Abrimos una carpeta para guardar en ella las imágenes y este archivo.

2.- Abrimos el programa PowerPoint y elaboraremos las siguientes diapositivas: • Portada con el título y el nombre de los autores, bien diseñada (título en grande, nombre de autores en pequeño en la parte inferior derecha), sin número de diapositiva.

• Página en blanco sin número de diapositiva.

• Índice • Las diapositivas necesarias para completar la información sobre el tema teniendo en cuenta que el resultado final va a ser un formato de libro. Insertaremos el número de diapositiva.

• Bibliografía. De paso que vamos copiando las imágenes o la información, vamos copiando las direcciones de las webs y añadiendo entre paréntesis la fecha de consulta. Conviene que se sitúe en una página impar, por ello es conveniente insertar una página en blanco antes, según convenga.

• Contraportada con un buen diseño, podemos incluir el nombre del Centro, la asignatura, el curso y el grupo (sin número de diapositiva) PINTURA IMPRESIONISTA, POSTIMPRESIONISTA Y SIMBOLISTA 1.- Concepto y contexto histórico y consideración social del artista 2.- Antecedentes 3.- Elementos técnicos y temas: color, luz, pincelada, tiempo, pintura al aire libre (plein air).

4.- Principales pintores: Manet, Monet, Degas y Seurat (puntillismo).

5.- Postimpresionismo y simbolismo.

5.a.- Características (recuperación de la línea y expresividad interna de los objetos o los seres humanos).

5.b.- Principales pintores: Toulouse-Lautrec, Cezanne, Gauguin y Van Gogh. ..............................................................................................................

I.- Concepto y contexto histórico: La tendencia impresionista surge en muchos pintores a lo largo de la Historia del Arte. Esta tendencia tuvo como objetivo la captación de la luz, y muchos artistas lo lograron a base de pequeñas manchas de color, por ejemplo Goya:

RETRATO DE JOVELLANOS, óleo sobre lienzo, realizado por Goya en 1798, Museo del Prado, Madrid.

Localiza este fragmento en la obra y fíjate en cómo pinta Goya este detalle.

Por otro lado, el Movimiento Impresionista, es un estilo artístico revolucionario, que se manifestó sobre todo en pintura, y surgió en París entre los años 1874-80.

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¿Por qué en París?

Con la revolución industrial su población había crecido, los planes urbanísticos la habían transformado con la apertura de grandes bulevares, la rica burguesía va a interesarse por comprar obras de arte, artistas de toda Europa van a París y viven una vida bohemia.

Los artistas se reúnen en cafés, los impresionistas en el Café Guerbois, así oponaba Manet sobre las tertulias: "Nada pudo haber sido más estimulante que los debates regulares que acostumbrábanos tener allí, con sus constantes divergencias de opinión. Mantenían aguzado nuestro ingenio, y nos proporcionaban una reserva de entusiasmo que nos duraba semanas y nos sostenía hasta que se concretaba en la realización de una idea. De esas discusiones emergíamos con una decisión fortalecida y con nuestros pensamientos más claros y mejor definidos".

Se desarrollan los “salones”, grandes Galerías de Arte, que dan validez a las obras que exponen. Aparecen los críticos y los marchantes de arte se encargan de asesorar y vender las obras a la burguesía. ¿Por qué en 1874?

Porque en ese año se celebró la primera exposición colectiva del grupo, entre los cuadros uno de Monet titulado "Impression, soleil levant" (“Impresión al amanecer”), el crítico de arte Louis Leroi llamó a estos pintores "impresionistas" de forma despectiva. ¿Qué inventos, investigaciones y características de la época contribuyen al desarrollo de este estilo?

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La fotografía: aporta el concepto de instantánea, la tarea del pintor ya no será la copia de la realidad, sino la de investigar la luz, el color, en fin abrir nuevos caminos de expresión. Óleo en tarro: al no tener que preparar los colores, puede salir a pintar al aire libre.

Los estudios de Física sobre la descomposición de la luz y los colores.

La vida rápida y el tiempo: el pintor que ve los cambios que provoca el paso de las horas en los paisajes, lo que le obliga a pintar con pinceladas rápidas y hábiles.

El imperialismo que aporta muestras de arte oriental y africano.

¿Cuáles son los antecedentes del impresionismo?

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Autores como Velázquez o Goya preocupados por los efectos luminosos y el color.

Los paisajistas ingleses del S.XIX, especialmente Turner y Constable, por sus paisajes realizados con técnica suelta, en los que se captan los efectos atmosféricos.

Algunos pintores románticos, como Delacroix, por la importancia del color vivo y vibrante.

Pintores franceses realistas como Millet y Corot.

La escuela de Barbizón, con su pintura al aire libre en la que se reflejan los cambios de luz.

¿Cuáles son los elementos técnicos?

El impresionismo expresa una concepción de la realidad como algo que es esencialmente dinámico y cambiante, y la expresa valiéndose de los siguientes aspectos técnicos: a) El color: se parte de la Física, los colores son radiaciones de diferente longitud de onda, los impresionistas tomaron las siguientes observaciones: 1) Existen tres colores primarios: amarillo, rojo y azul; y tres binarios o compuestos formados mezclando dos primarios: verde (azul más amarillo), naranja (rojo más amarillo) y violeta (rojo más azul).

2) Un color binario se exalta (tiene más vivacidad) si se coloca al lado de un color primario que no entra en su composición, a ese primer color se le llama complementario. Así el color complementario del amarillo es el violeta.

Color complementario del rojo es el...................................

Color complementario del azul es el...................................

3) El ojo humano mezcla los colores en la retina, ya que en la naturaleza sólo se dan los colores primarios. b) La luz: siguiendo los escritos de Constable afirman que los objetos sólo se ven en la medida en 2

que la luz incide sobre ellos. El pintor dispone en su paleta de pigmentos que corresponden a los colores, o sea a divisiones de luz. A la inversa que el físico, que descompone la luz en colores, el pintor recompone los colores en sensación lumínica. Es decir el pintor crea la luz mediante toques de colores (a esto se denomina técnica divisionista).

Las sombras se reducen a espacios coloreados con los tonos complementarios que correspondan, por ejemplo: Zona de luz con amarillo ------ sombra con violeta Zona de luz con naranja ------- sombra con.............

La luz, es pues, el verdadero tema del cuadro, ya que los impresionistas consideran que la naturaleza no nos presenta nada con el color y la forma fija, sino que el color y la forma varían según la luz y ésta con la hora del día, cielo despejado o cubierto, etc. c) La pincelada: los colores se aplican con pinceladas cortas y yuxtapuestas, como comas (colocadas unas sobre otras, para formar colores binarios o una al lado de otra, caso de los colores complementarios, para formar la sombra). No suelen mezclar los colores primarios en la paleta sino que los aplican al lienzo y el ojo humano se encarga de fundirlos en la retina. También se usan las manchas de color más grandes, dadas con espátula, y los toques largos y ondulantes, aplicados con el mango del pincel e incluso con los dedos. d) El tiempo: el impresionismo quiere captar, la realidad visual en constante cambio. Por ello el tema es lo de menos, y se hacen cuadros con el mismo tema representados repetidas veces sin más cambio que matices de iluminación cromática, de intensidad solar o de espesor de la neblina; el cuadro es simplemente un efecto de luz (Monet pinta una serie de cinco cuadros de la catedral de Rouen con distintos efectos lumínicos). e) Pintura al aire libre ("plein air"). Los pintores huyen de los talleres al campo donde pintan paisajes del natural, de forma muy rápida, intentando captar la impresión fugaz y cambiante. f) Los temas: el impresionismo rinde un verdadero culto a lo físico, lo real, lo que se ve. Sus temas favoritos son: paisajes especialmente urbanos, retratos, temas de género que reflejan el mundo que rodea al pintor.

IV.- Principales pintores: - Manet (1832-1883) Pintor realista en torno al cual se formó el grupo.

Clasificación del tema: ¿Qué vemos en el cuadro?

Elementos destacados: ¿Por qué fue un cuadro innovador y rechazado en su época?: El almuerzo sobre la hierba, 1863, óleo sobre lienzo, Museo de Orsay, París

Clasificación del tema: ¿Qué vemos en el cuadro?

Elementos destacados: ¿En qué obra se inspira Manet?

Ejecución del emperador Maximiliano de Habsburgo en Méjico, 1868

Clasificación del tema: ¿Qué vemos en el cuadro?

3 El Bar del Folies Bergère, 1882

Elementos destacados:

- Monet (1840-1926) Su objetivo fue captar los centelleos luminosos en la superficie del agua y entre la bruma. como ocurre en Impresión, sol naciente y otras muchas como Las regatas de Argenteuil, Las Ninfeas...

Aplica pinceladas cortas, curvas, y a veces entrelazadas, las "virgules" (comas), aunque al final de su vida, en los nenúfares, estas pinceladas se hacen más largas y serpenteantes.

Repite cuadros de series del mismo tema, captados a diferentes horas del día, con colorido cambiante, según el momento, mostrando su interés por el incesante cambiar de la luz en las diversas horas del día que interpreta con técnica divisionista y anima con sobras vivamente coloreadas, por ejemplo La catedral de Rouen, La estación de San Lázaro, Los nenúfares. Monet considera importante captar un instante determinado pues la luz incide con distinta intensidad a cada momento. Al pintar estas series introduce la dimensión “tiempo” en sus cuadros.

Esta frase suya nos ayuda a comprender su pintura: "Cuanto más viejo me hago más cuenta me doy de que hay que trabajar mucho para reproducir lo que busco: lo instantáneo. La influencia de la atmósfera sobre las cosas y la luz esparcida por todas partes" Clasificación del tema: ¿Qué vemos en el cuadro?

Elementos destacados:

Impresión, sol naciente, 1882

Clasificación del tema: ¿Qué vemos en el cuadro?

Elementos destacados:

Series sobre la catedral de Rouen, 1891-1894

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Clasificación del tema: ¿Qué vemos en el cuadro?

Elementos destacados:

Ninfeas y Ninfeas, armonía en verde

Degas (1834-1917) Utiliza diversas técnicas destacando el óleo sobre lienzo y el pastel sobre cartón y sobre papel (el pastel le permitirá pintar y dibujar a la vez).

Temas: retratos, mitológicos e históricos al principio, escenas de la vida cotidiana principalmente bailarinas y carreras de caballos tratados con realismo. Gusta del desnudo, pero un desnudo tratado sin poses, en escenas cotidianas como lavarse o peinarse, las figuras aparecen como si se vieran a través de una cerradura.

Composiciones: no conserva el ángulo visual corriente, prefiere contemplar a los personajes desde un punto de vista insospechado: desde cierta altura (como desde un palco), de lado o desde abajo, en una perspectiva sesgada. Sus figuras aparecen yuxtapuestas, a veces cortadas y la principal en segundo plano.

En los temas de hípica y de bailarinas gusta de amplios espacios vacíos separando los grupos de figuras mostrando la influencia de la estampa japonesa.

Movimiento: capta las escenas en un momento rápido, fugaz, como si se tratara de una fotografía. Esta instantaneidad lo liga al impresionismo.

Gusta de la luz artificial, le concede gran importancia en el modelado y la composición.

Los colores son áridos y sus combinaciones antiacadémicas.

Clase de baile, 1875, Museo de Orsay (París) y Bailarina basculando, 1877–1879, Museo Thyssen-Bornemisza (Madrid).

Clasificación del tema: ¿Qué vemos en el cuadro?

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Elementos destacados:

Renoir (1841-1917) En sus obras muestra la alegría de vivir, personajes que se divierten, en una naturaleza agradable. Gusta representar la figura humana en retratos, en desnudos.

Clasificación del tema: ¿Qué vemos en el cuadro?

Elementos destacados: Le Moulin de la Galette, 1876, Museo de Orsay (París)

Seurat (1856-1891) Crea una técnica muy peculiar denominada puntillismo o divisionismo caracterizada por los pequeños puntos de color puro que a modo de mosaico componen la obra.

Gusta de los temas de género, festivos, al aire libre y en pleno verano.

Clasificación del tema: ¿Qué vemos en el cuadro?

Un domingo de verano en la "Grande Jatte", 1886, Art Institute, Chicago

Elementos destacados:

POSTIMPRESIONISMO Y SIMBOLISMO A partir de 1886 surgen dos movimientos que reaccionan contra el Impresionismo, aunque respetando en gran parte su técnica: el Postimpresionsmo y el Simbolismo. Si el impresionismo busca captar lo fugaz, la impresión momentánea de la naturaleza en el pintor (lo accidental) y sólo utilizaba temas físicos, la realidad visual, el Postimpresionismo busca captar lo permanente, lo esencial de la naturaleza y el hombre; y el Simbolismo busca los temas poéticos, fantásticos, hasta llegar al mundo de la subconsciente, de las pasiones y emociones del alma.

EL POSTIMPRESIONISMO: Los pintores postimpresionistas siguieron caminos diferentes que suponen el punto de partida de movimientos pictóricos del S.XX: -De Cezanne partiría el Cubismo y a través de él la abstracción.

-Gauguin sentaría las bases del Simbolismo y del Fauvismo 6

-Van Gogh es el precedente del Expresionismo.

Toulouse-Lautrec (1864-1901): De origen noble (los condes de Toulouse-Lautrec eran una de las familias de más prestigio en Francia en el s.XIX, castigada por la endogamia) una enfermedad combinada con accidentes leves le produjeron una total atrofia en el crecimiento de las piernas lo que deformó su cuerpo. Disponiendo siempre de dinero suficiente se instala en París y los burdeles y cabarets serán para él como su hogar.

Desde el punto de vista formal destaca por la importancia del dibujo, las formas se crean mediante una línea sinuosa, enmarañada, rápida, con aspecto improvisado de boceto, las línea dotan de movimiento a las formas. El color irá íntimamente ligado a la línea determinando el volumen y creando espacios amplios de tintas planas entre las enredadas líneas.

Toulouse-Lautrec representa en sus obras la sociedad en la que vive, no se detiene en la realidad visual va más allá realizando un retrato psicológico de la sociedad sin afanes moralizantes, simplemente siendo un testigo de su entorno, siendo su arte un arte-comunicación.

Una importante faceta de su producción son los carteles en los que sintetiza las necesidades publicitarias con calidad artística, en ellos sustituye el modelado y otros elementos por una atrevida simplificación inspirada en la estampa japonesa. Culmina en ellos su visión del arte como comunicación. * Baile en el Moulin Rouge. Muestra su interés por el movimiento y por reflejar la sociedad en la que vive, incluso incluyendo personajes reconocibles como el llamado “sin huesos”. Representa, como en muchas escenas de café, a las figuras en momentos divertidos pero detrás de la comedia aparecen elementos de melancolía, desilusión e incluso desesperación. La perspectiva alargada refuerza la tensión psicológica y contribuye a integrar al espectador.

Paul Cezanne (1839-1906): Expuso sus cuadros junto a los impresionistas. De familia acomodada, se recluyó en el sur de Francia, dedicándose plenamente a la pintura, aunque no obtuvo el reconocimiento de sus contemporáneos.

Su pincelada carece de la fluidez de Monet o Sisley, no siente interés por lo fugaz, busca plasmar la estructura profunda del ser, la esencia de la Naturaleza vista en sus tres formas esenciales: el cilindro, el cono y la esfera. Cuando Cezanne pinta una naranja con forma esférica o una pera con forma cónica quiere decir que además de ser una pera o una naranja expresan una parte de la totalidad del espacio. Por ello Cezanne dio importancia a la forma y al volumen.

Para captar mejor la forma y el volumen (dar sensación de resalte o de profundidad) ideó una técnica que él mismo denominó "modulación", consistente en usar distintos tonos del mismo color en grandes manchas que estructuran el espacio (no en gradaciones progresivas como en la pintura de Leonardo, por ejemplo).

Trató de combinar la luz y el color impresionistas con una composición estructurada, geométrica.

PRINCIPALES OBRAS: *Los jugadores de cartas: Tema ya habitual en la pintura del S.XVII. El pintor toma como modelo a campesinos del lugar y los pinta en su atmósfera cotidiana. Las figuras ponen en el juego el mismo empeño que en el trabajo, destaca la concentración.

La composición es muy estructurada, no existen elementos superfluos; la simetría se aprecia en los gestos y en la postura, pero no en el tratamiento de la luz ni en la distribución de masas.

Cuando dos juegan es lógico pensar que uno piensa que carta va a jugar y el otro espera, Cezanne no muestra la diferencia en los rostros, la captación psicológica la hace a través de las masas de color y de los volúmenes: .La fijeza del que espera esta definida por la forma cilíndrica del sombrero, de la manga, por la recta del respaldo de la silla, por las manchas de blanco de la pipa y del cuello de la camisa, por el mantel que cae a plomo por su parte. .La atención, la movilidad psicológica del otro se manifiesta por los colores claros y sensibles de la luz de la chaqueta, sombrero y rostro; la forma menos rígida y más ondulada de los trazos *Bodegones *Paisajes: "La montaña de Sainte-Victorie", una serie que ocupa a Cézanne al término de su vida es la de las vistas de Sainte -Victorie, montaña que domina la ciudad de Aix, y a la que el pintor tratará de tomar en todas sus formas, aspectos y puntos de vista diferentes, aparece este tema en 44 óleos y 43 acuarelas. Estas obras reflejan a la perfección cómo fue evolucionando su estilo pictórico, 7

partiendo de una dependencia formal de los postulados del impresionismo, vemos aparecer de manera progresiva la tendencia a la geometrización de los volúmenes, junto a un empleo del color como creador de formas sin estar supeditado a éstas. Podemos observar aquí, en definitiva, el más claro precedente del cubismo, elaborado a base de un estilo pictórico basado en la pincelada vigorosa que demuestra el amor del pintor a ese paisaje de su tierra natal.

El objetivo principal, a través de todas estas variantes es de unir y sugerir en un mismo plano el espacio, la tierra, la montaña y el cielo. Las pinceladas anchas y transparentes crean un paisaje global en mosaico: los azules y grises del cielo invaden el monte y la llanura, así como el verde de los árboles colorea las nubes. Cézanne en estos paisajes llega a romper con la perspectiva creada por el Renacimiento que utiliza el punto de fuga.

Van Gogh (1853-1890). http://www.vangoghgallery.com/painting/main_se.htm (autorretratos) Nacido en Holanda. Su vocación inicial le inclina a la religión pero, hacia 1880, después de una misión fracasada entre los mineros del Borinage (Bélgica) decide hacerse pintor animado por su hermano Theo. Sus primeras obras se basan en los maestros holandeses.

Va a París donde aprende la técnica impresionista. Su pasión por los impresionistas le lleva en 1888 a Arlès, donde espera encontrar esa luz deslumbrante que tanto le entusiasma. Pero su salud mental no es buena, como es bien patente cuando Gauguin va a trabajar a su lado, durante una temporada. Los cuadros que pinta reflejan ese estado de ánimo depresivo que acabará llevándole al suicidio: pinceladas sinuosas (aplicadas con la espátula o con los dedos), cipreses que se retuercen como llamas, violencia en la aplicación del color... a veces su dinamismo es tal que deforma los objetos al compás de sus sentimientos, de ahí que es un claro precedente del expresionismo Su última obra muestra a unos cuervos misteriosos que vuelan sobre un campo de trigo maduro. Van Gogh se expresa y se libera a través de la pintura; el tema es él mismo, su propio drama interior. En una de sus múltiples cartas a su hermano escribió "el color es para el cuadro lo que el entusiasmo para la vida".

PRINCIPALES OBRAS: *La noche estrellada(1889): pintada durante su estancia en el sanatorio de Saint-Remy, los momentos que vive, angustiado por la enfermedad, se traslucen en esta obra. Refleja el interés del pintor por plasmar el efecto rutilante de las estrellas en el cielo; es una visión cósmica, angustiosa y abrumadora en la que el hombre no hace más que percibir su impotencia ante la naturaleza, cuyos elementos fuera de control giran y se contorsionan.

La pincelada de Van Gogh se curva, como nunca lo había hecho hasta ahora, siguiendo los ritmos ondulados de las formas; una espléndida muestra del efecto de movimiento e inestabilidad que transmiten las curvas; el movimiento en espiral de izquierda a derecha es compensado con el llameante y ascendente de los cipreses que para algunos tiene el significado de vía de comunicación con el supremo Hacedor de la Naturaleza y de su propia vida (una de las pocas veces que el sentimiento religioso aparece en la obra de Van Gogh).

El color muestra el predominio de una gama fría, contrarrestada por el amarillo de los astros, entre los que destaca ese símbolo solar compendio del sol y la luna que domina la escena.

La viveza de los colores y su independencia de la forma, los frenéticos ritmos ondulados, la creación de un paisaje puramente subjetivo muestran la importancia de Van Gogh como anticipo del expresionismo. *La habitación de Arlés: Luminosidad, las sombras han sido suprimidas recayendo toda la expresividad en los toscos muebles de madera y en el violento empleo del color.

Una línea negra separa los colores: violetas para las paredes; amarillo limón en sábanas y almohadón; rojo escarlata para la colcha.

Refiriéndose a esta obra escribió a su hermano "...el color debe hacerlo todo aquí, dando por su simplificación un estilo más grande a las cosas y ser sugeridor del reposo absoluto o del sueño en general", pero para su naturaleza hipersensible, aún la imagen más tranquila tiene algo de tensa e inestable. *La iglesia de Auvers: Pintada un mes antes de su muerte, es un claro exponente de sus últimas obras. Muestra una realidad totalmente subjetiva, su visión está modificada por su excitación mental.

La iglesia modifica sus perfiles con el dominio de la curva, los colores se independizan de la forma.

Una sensación de inestabilidad domina la escena, mientras que la figura femenina, de espaldas, acentúa la soledad reinante.

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*Los girasoles *Numerosos autorretratos: fruto del deseo de conocerse a sí mismo.

Paul Gauguin (1848-1903) Empezó a pintar tarde, al dimitir de un ventajoso puesto en la Bolsa, cuando ya tenía treinta y cinco años. En poco tiempo dominó el impresionismo de la mano de Pissarro, pero enseguida se sintió insatisfecho con un estilo que sólo representaba la realidad visual, Gauguin deseaba representar la vida interior de los seres humanos, los sentimientos, las emociones. Encabeza el grupo denominado "Les Nabis", en hebreo, los profetas.

En la pintura de Quattrocento -Fra Angélico, Botticelli-, en las estampas japonesa y especialmente en el arte de los pueblos "primitivos", encontró una estética en la que la expresión de las ideas, los sentimientos, las emociones superaba en importancia a la representación de las formas de la naturaleza apreciables por los sentidos. El dominio de la expresión, del símbolo en la obra de Gauguin se traduce en las siguientes características formales: Importancia de la línea, recuperando la forma casi perdida por los impresionistas. El dibujo contornea figuras y objetos rellenados por tintas planas produciendo un efecto parecido a las vidrieras o al esmalte, de ahí que a su estilo se le denomine cloisonnisme1.

El color se simplifica y se aplica, como queda dicho, uniformemente en grandes superficies, creando intensos efectos cromáticos de gran belleza.

Las composiciones son muy estructuradas y reposadas.

Obras: La visión tras el sermón, (1888), Galería nacional de Escocia, Edimburgo. ¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos?, 1897, Museo de Bellas Artes (Boston), Boston, USA.

"La visión después del sermón": acabada en octubre de 1888, es la primera pintura totalmente simbolista de Gauguen. De tema religioso recoge el sentimiento devoto y el recuerdo que los fieles tienen del sermón que acaban de oir; el sermón se refería a un pasaje bíblico, el que recoge la lucha entre Jacob y el Ángel 2, una lucha que se interpreta como un rito de iniciación- Jacob debía luchar con el ángel para entrar en la tierra de CanaánLa composición muy estructurada divide al cuadro en dos partes mediante un árbol que lo atraviesa en diagonal, esas dos partes se corresponden con una parte real y otra imaginada y además del por el árbol la división se manifiesta en la diferencia de escalas, de perspectiva y de color.

En un primer plano y a la derecha las mujeres con cofias muestran su devoción -las cofias, las manos unidas en oración, la actitud de recogimiento y las figuras arrodilladas-. A la izquierda la aparición bíblica , las figuras que luchan, sacadas de un dibujo japonés de Hokusai.

El dibujo contornea las formas como es característico del estilo de Gauguin, cloisonnisme, y el color no es del todo naturalista, es decir no se corresponde con el color natural de los objetos representados -especialmente el rojo del suelo-, es plano y puro creando contrastes cromáticos.

11.-El esmalte alveolado o tabicado, llamado cloisonné, se realiza colocando unas laminillas o una filigrana de metal siguiendo las líneas del dibujo, en los espacios intermedios se coloca la pasta vítrea.

22.-(Gén.32, 25-33) " Quedose Jacob solo, y hasta rayar la aurora estuvo luchando con él un hombre, el cual, viendo que no le podía, le dio un golpe en la articulación del muslo, y se relajó el tendón del muslo de Jacob luchando con él. El hombre dijo a Jacob: "déjame que me vaya que sale la aurora". Pero Jacob respondió: "No te dejaré ir si no me bendices". Él le preguntó: ")Cuál es tu nombre?" "Jacob" contestó éste. Y él le dijo: "No te llamarás ya en adelante Jacob, sino Israel, pues has luchado con Dios y con hombres y has vencido". Rogóle Jacob: "Dame, por favor, a conocer tu nombre"; pero él le contestó: ")Para qué me preguntas mi nombre?"; y le bendijo allí. Jacob llamó a aquel lugar Panuel, pues dijo: "He visto a Dios cara a cara y ha quedado a salvo mi vida". Salía el sol cuando pasó de Panuel e iba cojeando del muslo. Por eso los hijos de Israel no comen, todavía hoy, el tendón femoral de la articulación del muslo, por haber sido herido en él Jacob"

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La influencia de la estampa japonesa se manifiesta en las formas aplanadas con contornos oscuros, en las zonas de color puro, en la ausencia de sombras y en las figuras que luchan. En el tema de las cofias se reconoce la influencia de su amigo Bernard.

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Paul Gauguin (1848-1903): Se inicia en el Impresionismo con Pissarro; deja una vida confortable y a su mujer e hijos y se instala pobremente en París y Bretaña; durante algún tiempo convive con Van Gogh en Arlés; finalmente se traslada en 1891 a Tahití, donde pinta sus series de mujeres tahitianas; es una biografía de renuncias para consagrarse de manera plena a su vocación artística.

Sus temas están extraídos de Tahití y la Dominica; para él la pureza primitiva ya no está en Europa.

Hay en ellos una protesta tácita contra el colonialismo y el etnocentrismo.

La luz pierde en Gauguin su cetro absoluto en aras de una exaltación del color, principio en que se basa años después el fauvismo. Destacan en sus cuadros las zonas anchas de colores, como si realizara vidrieras, y en sus figuras grandes contorneadas de manera nítida.

Simplificación de la composición, ausencia de perspectiva y del volumen por lo que su pintura es prácticamente plana.

Considera al arte como una abstracción que se realiza soñando ante la naturaleza.

Toulouse- Lautrec (1864-1901) Como Degás no muestra interés por el paisaje ni el aire libre. Utiliza el pastel para resaltar escenas de circo y cabaret; son rápidos apuntes en los que la forma se disuelve en una maraña de líneas que reflejan la sordidez de una vida artificial.

Su principal aportación son los carteles.

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EL SIMBOLISMO Considera al arte como un medio para mostrar la realidad profunda del hombre. Su principal representante es Odilon Redon.

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