Revista CODA no.6 by CODA Comunidad Creativa

[En portada] Un refrigerio nocturno Autora: Pattho Villagrán Técnica: fotografía digital

Colaboradores Max Santoyo Anuar Atala Fernanda Robert Alex Amor Amor Pattho Villagrán Alina Ramírez C

Mauro Agundiz

Alejandro Lanzagorta Powerpuf

Mónica Badillo

Juan Manuel García Belmonte Milton Navarro Edgar Knapp Pékora Tormart Carlos Facio Benjamín Hurtado César Román

editorial.

Nos indican que vestir que comer, que pensar, que escuchar, que creer, como vivir, que querer, que desear, que amar, que odiar, que soñar, que añorar, que reír, que llorar.

Somos ejecutantes enajenados atrapados en la rutina del simulacro diario, autómatas de días repetitivos, entes que estimulan eventualmente y de forma programada con algún acicate como el premio por puntualidad o la final del fut-bol; habitantes de sociedades grises donde la literalidad y la convergencia es lo que se promueve en todos los ámbitos, “colorea el corazón de rojo, no te salgas del renglón”, nos enseñan que lo diferente es monstruoso y aberrante. Aquí el que discrepa o disiente recibe un castigo ejemplar y es crucificado, lapidado, fusilado, enviado a la hoguera o escarmentado con el aislamiento, el desprecio, la mofa. Somos el perro de Pávlov condicionado a salivar ante el cantante de moda, la película del momento, la prenda de temporada o el nuevo dispositivo electrónico portátil; dóciles, sumisos y obedientes esperamos ansiosos la aprobación y consentimiento del amo para respirar. Nuestra esperanza en gran medida la encarnan los artistas, los rebeldes, los creativos, aquellos inconformes con la uniformidad, para quienes la copia, la repetición, la calca, el imitar a otro no es una alternativa; ellos hacen de la divergencia su mejor arma para imaginar lo no imaginado, usan todas sus capacidades para concebir e inventar lo antes no inventado, ejercen su facultad de crear para amplia nuestro mundo con todo lo que antes no existía. Son ellos, sobre un escenario improvisado en la banqueta o trazando líneas en una humilde hoja de papel, quienes han hecho méritos para ostentar orgullosos el epíteto que muchos ya no merecemos, la denominación: humano.

- Benjamín Hurtado

He soĂąado tu piel de fuego y se ha despertado el infierno entre mis piernas surgen palabras demonio sangre hirviendo P

que escribe tu nombre

que engrosa mi sexo

E S I

sangre alcohol

besos

versos

A N

sangre tinta

U A R

sangre fuego

A T

fuego infernal donde se queman

las horas en que tu piel no es mĂa

L A

I L U S T R A C I O N E S

F E R N A N D A

R O B E R T

Sábado por la noche dos cubos de hielo agonizan en un vaso de Jack y mis esperanzas de sentir tus labios se disuelven junto con ellos una palomilla rebota contra la única luz encendida la observo por unos segundos y pienso en todas las veces que me he visto haciendo lo mismo los minutos pasan te siento lejos la angustia crece sé que no te veré más hielo más burbon

Tu recuerdo atropella las palabras que nunca dije ecos de ausencia silencio ensordecedor comienzo a extra単ar tu sonrisa y las tardes que nunca pasamos juntos

Edgar Knapp Desde los inicios del hombre en el planeta, desde sus orígenes, se nos habla que la mujer es “creada” al margen del varón. Lo menciona el libro de Génesis, capítulo 2, versos, 22-23: “De la costilla que Yahveh Dios había tomado del hombre formó una mujer y la llevó ante el hombre”. 23 Entonces éste exclamó:

«Esta vez sí que es hueso de m Esta será llamada mujer, porqu

mis huesos y carne de mi carne. ue del var贸n ha sido tomada .禄

[Edgar Knapp]

Siglos después se mantenía un criterio similar, no de creación sino de norma de vida en el nuevo testamento, del libro de Efesios 5,24 que dice: “Así como la Iglesia está sumisa a Cristo, así también las mujeres deben estarlo a sus maridos en todo”. Un bombardeo constante, casi universal, encaja el criterio que desde tiempos inmemoriales suena en la mente del ser humano. Dicha consigna marca una directriz en el pensamiento del hombre y la mujer. Por un lado el hombre con el “derecho” sobre la mujer y por otro lado la mujer que se auto asigna ese status quo de manera casi autómata. En un escenario de vulnerabilidad, discriminación e incertidumbre, sin cuestionamiento alguno en su generalidad. Una influencia de los principios morales, éticos, culturales, sociales desde la raíz familiar. Una tradición mamada desde generaciones pasadas que van facturando el camino, (a veces incuestionable) de actuar bajo esas reglas. El autor pretende mostrar, a través de la exposición, un camino recto, largo, que se bifurca. Al llegar a dicho punto se pueden asumir dos discursos (caminos) que dependerán del espectador (a) para ser “leídos”. Dos posturas que se conjuntan en una serie de imágenes perfectamente cuidadas, tanto en su color, como en su semiótica, tanto en su composición como en su luz. Componentes de los que más adelante hablaremos. El uso del elemento agua y la mujer como cuerpo central del discurso aparecerán en toda la serie. El autor usa un lenguaje secundario que él considera poderoso en torno al tema principal. Encontraremos de manera delicada que el mensaje no solamente esta contenido en el elemento principal sino en el entorno. Esperando que el público descubra su propia provocación considerando el universo completo del que se compone la obra. Como decía Joseph Conrad en su libro “Corazón de tinieblas”: “La importancia de un

relato no esta dentro de la nuez sino afuera, envolviendo la anécdota de la misma manera que el resplandor circunda la luz, a semejanza de uno de esos halos neblinosos que a veces se hacen visibles por la iluminación espectral de la claridad de la luna”. Dentro de cada fotografía habrá un lectura entrelineada, símbolos como raíces, puertas, ventanas, caminos, muros, alas, vacíos, oscuridades, llanos de agua y tierra; tiñen un lienzo poético para los de mirada profunda. El espectador se encontrará con una colección en la que podrá contemplar cómo, de manera diferente, se puede mantener el discurso. Persistente en su diálogo, el autor pondrá al observador ante una dinámica de confrontación. Será interesante saber que camino elige. Una propuesta interesante en la que hay un cuestionamiento tajante ante la actitud que adoptamos los seres humanos contra o a favor de la violencia femenina. Pensamos que no golpear a la mujer no es violencia y pasamos por alto el maltrato verbal, por ejemplo. Un tema, no de modernidad, pero si en boga de las diferentes expresiones del arte que sensibilizan el alma y que abre una nueva puerta al cambio en contra de este mal social que cada vez es más frecuente y cada vez es más revelado. El manejo de los símbolos circunscritos en torno al tema central fortalecen de manera indirecta pero sólida y quizá subconsciente, el formar un ambiente adecuado para revelar con crudeza el sentimiento de violencia, de humillación, baja estima, limitación, 12

[Edgar Knapp]

discriminación, abajamiento. Mujeres maniatadas, acalladas, sometidas, amenazadas, unida siempre a la célula familiar, sin dejar el capullo, el nido para afrontar su rol en la vida, como individuos capaces. Con sus creencias infusas por la tradición de generación en generación que las enraízan profundamente al grado de no vislumbrar una pequeña esperanza al cambio de mujeres que puede ser el agente de cambio en medio de un mundo perverso. El uso excesivo de la violencia se expresa de muchas formas y atraviesa fronteras: lleno de maltratos verbales y físicos, exclusión, robo, extorsión, asaltos, tortura, tráfico y trata de personas, secuestros, violaciones, violaciones tumultuarias y homicidios, entre otros. El autor está comprometido con la mujer. La considera el elemento fundamental para un cambio mundial. La mujer en su naturaleza es paz, es amor, es cuidado, es inteligencia, fuerza, poder. Este compromiso con ellas y en la creencia de sus ideales por un cambio. Desde su trinchera, nos proporciona un lenguaje al alma, sin palabras gastadas que ya nadie escucha sino con imágenes. Visualizar la situación a la que se enfrentan las mujeres y dimensionar el contexto de violencia que enfrentan no tiene como único propósito la denuncia, sino también la ejecución de acciones que busquen su protección y de ahí su propuesta artística. Esperemos que sea bienvenida y que tanto hombres como mujeres hagan un alto y reflexionen en que punto del camino se encuentran y al final de este sumarse al cambio de hacer de la mujer el ser más hermoso del planeta. Podremos ver ambigüedad en la imagen. Habrá quien vea una mujer inmersa, en la oscuridad, sin rostro ni expresión. Mitad reflejo mitad realidad deformada, pero habrá quien vea una mujer surgida, que se refleja aún y con la esperanza de emerger. Un entorno natural que revela la verdadera naturaleza sabia que en la mujer, que por natura esta contenida. O bien, nos encontraremos con una imagen de los pies de una mujer que cae de un árbol, como un ahorcamiento o quizá nos

sea revelado que no cuelga sino que sube. Un camino ascendente, que va para arriba, pero sin lugar a dudas el autor hace un juego muy interesante. Presenta algunas fotografías en las que no aparece una mujer. De inicio, parece un descanso visual en el recorrido de las imágenes. Un descanso de la mente, de los ojos pero singularmente pone al espectador dentro de la imagen, como si la persona fuera parte de la fotografía. Sitúa al observador en la imagen haciéndolo adoptar la escena. Una puerta en medio del agua, con las raíces emergiendo como trampas. De este lado de la puerta, agua, hierbas, fría, del otro lado una puerta a algo más allá, quizá la esperanza de ir a un lugar pero al atravesarlo es lo mismo. Más agua, más hierba, etc.. El espectador debe de elegir en dónde quedarse. Un manejo simbólico que hay que saber ver, detenerse el tiempo suficiente y entender el universo del autor. Edgar Knapp Uranga, no sólo piensa la obra individualmente sino que gestiona una colección en la que involucra, tanto al espectador, como al curador o museógrafo para que con la experiencia de este participen en llevar al visitante a una experiencia interactiva. Un ejemplo claro es la mujer al pie de la escalera. Una escalera que va al cielo pero en la sombra sobre la arena la escalera indica que tiene un fin. La liquidez del agua en sus pies (en su caminar), la superficialidad de la vida ante un posible nuevo camino. ¿Deberá la mujer quedarse a los pies de la escalera? (esperanza), o ¿deberá subir, pese a que la escalera tiene fin?. Descubrirá que el camino termina pero que la visión, allá arriba, es otra. Una nueva visión, un nuevo panorama que la haga descubrirse “verdadera”, capaz, emprendedora, deseosa de surgir, de volar, (alas) de emerger (agua), de ir a la luz (sol). Cada imagen presentada tendrá un mensaje escondido que habrá que descubrir. Una exposición con un lenguaje sin palabras. Palabras gastadas, repetidas que ya no se escuchan. Una oportunidad de escuchar un punto de vista de manera diferente de un artista que entiende a la mujer, que la sabe necesaria en el mundo actual.

Edgar Knapp Uranga, no s贸lo piensa la obra individualmente sino que gestiona una colecci贸n en la que involucra, tanto al espectador, como al curador o muse贸grafo para que con la experiencia de este participen en llevar al visitante a una experiencia interactiva.

En la comisaría de Cholul norte de Mérida, la capita apenas quiere dar tregua e septiembre pese a que ya son Cholul en idioma maya significa madera en el agua y justo aquí, en unos minutos se escenificará una versión libérrima de Bacantes. Para terminar con el juicio de Dios, de las tragedias más representadas de Eurípides. Para los casi 8 mil habitantes del pueblo, esta obra que inaugura el Cuarto Festival de Teatro de La Rendija, ha despertado curiosidad porque han puesto vallas en su Plaza principal para delimitar el espacio escénico. Unas doscientas personas, entre invitados, compañías, funcionarios y público, están en gradas metálicas a la espera de la tercera llamada. Por las bocinas, el animador llama a la gente para que presencie “una tragedia griega en Cholul”. La tercera llamada llega y con ella el montaje de Raquel Araujo, fundadora de la agrupación que también celebra 25 años de trabajo, aprovecha las características del foro alternativo donde se cincela

una de las propuestas más sólidas de la agrupación. Es día de fiesta para La Rendija y sus miembros aunque al día siguiente, los desnudos que hay en el montaje molestaron a algunos. “Bochornoso espectáculo presenciaron esta semana los habitantes de la comisaría de Cholul durante escenas de la obra ‘Las Bacantes’ producida por Raquel Araujo que es directora de la compañía teatral ‘La Rendija’ al pasar por alto el reglamento municipal y de sus comisarías sobre la prohibición de desnudos en la vía pública. “En donde la comunidad exige una disculpa pública y cuidado del director de cultura al imponer obras escénicas sin previo análisis de los públicos a los que va dirigido”. Esto se publicó en el portal electrónico Midnigthlife, sin que el reclamo llegara a más. El hecho recuerda uno de los muchos ejercicios de crítica y resistencia que han marcado a la

l, a unos 11 kilómetros al al de Yucatán, el calor ese penúltimo domingo de n las ocho de la noche. agrupación desde su inicios. Mientras conversamos en el hotel sede, Raquel Araujo echa atrás la memoria de los primeros años del grupo. “La Rendija nace justamente para la reflexión de estas formas escénicas no convencionales; imagínate, a finales de los 80, el performance todavía no impactaba. Nosotros comenzamos a desarrollar estas prácticas escénicas. Muy tempranamente administramos el teatro Santo Domingo que fue una época muy bonita. “Estuvo un Claudio Valdés Kuri muy joven como actor de Susana Wein, Jaime Chabaud que estrenó Tempranito y en ayunas y tuvo sus primeras cien representaciones. Cristina Michaus en la Plaza, un montón de gente maravillosa. “La Delegación Cuauhtémoc en algún momento dice, sin decirnos agua va, nos clausuran el teatro. Lo recuerdo bien cuando llegan unos muchachos

con un refrigerador para una obra”. Sin refrigerador pero con un montón de platos rotos, el segundo día de festival se escenifica Perro de casa, trabajo unipersonal de Tomás Gómez que linda con el performance y la instalación visual con asomos por la disposición de los platos en todo el espacio, a algunas reconstrucciones de Damián Ortega. En un cuarto cerrado en la nueva casa sede de La Rendija que justo se inauguraría al término de la segunda función, estamos 26 personas acomodadas en el piso, en un rectángulo de 3 por 5 metros. Los 30 minutos del montaje que se desarrolla la mayor parte en la penumbra, son intensos por el sudor de todos y la fuerza del intérprete que articula y desarticula su instalación efímera. Al salir es hora de celebrar en el patio de la nueva casa de La Rendija. En el centro hay una instalación, Cúmulo.

Circulan las cervezas, las aguas frescas y se mezcla la música de los “Swinga tu madre”, grupo que coquetea con el Swing y las fusiones; de ahí el nombre. A todos se nos entrega una bolsa de papel estraza con instrucciones claras: “Cúmulo es una instalación interactiva. En esta bolsa encontrarás lo necesario para participar. La etiqueta te sirve para escribirle un mensajito a La Rendija y colgarla en las ramas del cúmulo. “Las semillas son un bonito deseo para que siembres en tu casa y coseches el fruto de tus cuidados como lo hace La Rendija desde hace 25 años”. Muchos cuelgan su etiqueta, observan la planta que les tocó. Yo tengo semillas de lechuga, otros de epazote, algunos de jitomate. Hay gozo, alegría y baile, mucho baile

Intervenir el barrio Desde 2009, La Rendija tiene una sede permanente donde hacen laboratorio, apoyan el trabajo creativo de sus miembros, además de contar con un repertorio que apuesta por la intervención de espacios alternativos. Primero estuvieron en la calle 35 y desde 2012, cambiaron a la calle 50 esquina con 51, en un barrio emblemático de la ciudad que pertenece al Centro Histórico, La Mejorada, en lo que fue la estación de ferrocarriles. “Nosotros proponíamos el rescate de la zona de La Mejorada, donde mayoritariamente hay bodegas y hoteles de paso, la rehabilitación es algo paulatino. “Y ahora ya hay varios pequeños lugares; la galería de unos chicos, la Escuela de Artes; entonces nos pareció importante ser parte de la rehabilitación. Es una zona compleja porque tiene muchos negocios. “La labor de convocatoria a la comunidad la hemos estado haciendo sobre todo para el teatro infantil”, dice Araujo. Patricia Pérez, egresada de la carrera de Teatro, es una de las chicas que asiste con regularidad a casi

todas las presentaciones de La Rendija. En tiempo de festival como el de ahora no falta a ninguna función, aunque tenga que formarse desde una hora antes o más para alcanzar lugar. “El trabajo que ha hecho la maestra Araujo en Mérida me parece de los más importantes. Ayudó a crear más espacios, a confiar en que se puede ser independiente y a darle un impulso importante a toda la escena de Yucatán”, platica. La casa sede del grupo tiene ya un público que Araujo y su equipo se han ganado a pulso, con trabajo hormiga, además de una labor titánica de gestión donde se involucran todos para sostener redes de colaboración, patrocinios, acuerdos con instituciones y un repertorio cuyas obras signifiquen a su público.

La Rendija Mientras ocurre una de las mesas de trabajo del Festival, Mauricio Rodríguez, de los cofundadores del grupo, habla de la palabra, el gesto y Artaud; afirma que La Rendija nació del enojo contra lo establecido teatralmente. Del nombre, recuerda que salió al azar, cuando se abrió una página de Rayuela de Cortázar, saltó esa palabra y se quedó. Araujo inició el proyecto en 1988 y desde entonces, esta yucateca de Tikul, que abrevó de las enseñanzas de la teoría de la representación que impartía en la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM, Gabriel Báez Carrington (hijo de Leonora Carrington), no ha parado. “Éramos como doce personas y todos teníamos la idea de ser directores. Todavía no sabíamos que estábamos bordeando la posmodernidad escénica porque no habíamos leído a Lyotard, no habíamos leído nada. Lo único que sabíamos era que estábamos hartos de estos formatos convencionales de la escena. “Justo esa desinformación provocó que hiciéramos algo muy propio. Teníamos básicamente la teoría y sobre eso nos fuimos. El grupo original muy pronto se desarticularía y terminamos quedando cuatro personas”.

La directora tiene como signo de su trabajo una atracción por los espacios alternativos, la vinculación con la arquitectura y el entorno natural, además de la vuelta constante por el teatro autobiográfico, que ha consolidado su estética y formatos de producción. Elemento vital de La Rendija ha sido también el cineasta y artista visual Óscar Urrutia, que se metió al barco desde los primeros años y aún no se baja de él. En su página web, la filosofía de la agrupación se sintetiza así: “La Rendija está formada por un destacado grupo de creadores centrados en el desarrollo de pequeñas comunidades de espectadores a través de proyectos escénicos que recuperan el contacto humano como una forma de resistencia ante el avasallante panorama consumista que rodea al espectador contemporáneo. “Su misión es la construcción de una comunidad de creadores y participantes de experiencias artísticas con la finalidad de desarrollar prácticas escénicas como una forma de conocimiento”. Otra de las particularidades del equipo La Rendija es que su repertorio y quienes forman el laboratorio tiene movimiento constante, ya sea en temporadas dentro o fuera de Yucatán, con clínicas de proyectos para apoyar el trabajo de creadores jóvenes, residencias de artistas internacionales, sesiones de work in progress, entre más actividades.

El Festival Un día más de festival y afuera del Teatro Peón Contreras, Tomás Gómez con Kí, hace un recorrido sentado y casi en trance por toda la explanada del lugar, que medirá unos 30 metros. Se trata de un performance donde el mecanismo de repetición e intervención del henequén que aprieta y rueda con sus manos el intérprete, es la constante. Hay entonces un interrupción del espacio público con este arte acción. Los transeúntes miran extrañados y unos turistas rusos preguntan con azoro y en inglés “si el hombre se encuentra bien”. La toma del público, hacerlo reflexionar y volverlo partícipe, es la característica de varias de las propuestas en cada festival de Teatro de La Rendija, que por tercer año consecutivo tiene el

apoyo del Fondo Iberescena. Más afortunados unos trabajos que otros, todas las funciones tienen público a reventar, con entradas agotadas y una avidez por observar. “El cuerpo no miente, la cabeza sí, el cuerpo cuenta”, diría temprano en una mesa de discusión el español Gustavo del Río, autor y director de la compañía Sudhum Teatro que trajo la obra “Silenciados”, donde abarrotó el Teatro Armando Manzanero pero con una apuesta tan pobre y llena de lugares comunes sobre los asesinatos por discriminación sexual de personas en diversas épocas, que su afirmación de que el trabajo de su grupo es cercano a los postulados de Brecht y Augusto Boal, queda en buenas intenciones.Aún así, además de Bacantes. Para terminar con el juicio de Dios, los montajes de Ina, unipersonal de la chilena Verónica Moraga, a cargo de Domo Teatro y A-éreos, son de lo más destacable del encuentro. En el festival trabajan de base siete personas y varias más que ayudan con múltiples tareas y desde su cuarta edición, ya es uno de los encuentros de referencia en México para los investigadores y creadores interdisciplinarios. “Nuestro festival es de pequeño formato que quiere mantenerse así, que no es estático. Es un proyecto dinámico que se va transformando de entrada porque cambia de perfil”, comenta Raquel Araujo. La curaduría de la cuarta edición se centró en las propuestas autobiográficas, aunque también se decantó por la revisión de los mitos clásicos. El festival pretende también descentralizarse y no sólo tener funciones en diversos foros de la capital yucateca, sino como ya se hizo en la inauguración, viajar a otros sitios como Cholul y Valladolid, donde se programó en el Cenote Zací la puesta Momentos sagrados mayas con el Laboratorio de Teatro Campesino de X’océn, que se llevó las palmas de todos en la clausura. Pepe Oligor, uno de los integrantes de la compañía de Los Hermanos Oligor, que vinieron de gira por México con su apuesta por el Teatro de Objetos, se enamoró literalmente de la ciudad y se quedó a trabajar aquí. “Llegamos a dar función por acá. Raquel y Óscar vieron mi trabajo y me ofrecieron trabajar para el

festival, entonces me quedé. No sé cuándo me vaya a volver a España”, recuerda entre risas mientras la música suena en La Mezcalería, lugar donde han venido a mover el cuerpo varios de los invitados al encuentro.

Revitalizar la escena Araujo volvió en 2001 a Yucatán, su tierra, para crear una Dirección de Artes Escénicas en la hoy Secretaría de Cultura y dirigir la carrera de Teatro en la Escuela Superior de Artes de Yucatán (ESAY). Ambos cargos la ocuparon hasta el 2004 y después, cuando sintió que ya había afianzado la semilla y logró

mover más la escena alternativa en la entidad, se lanzó a organizar un Encuentro Internacional de Performance en Yucatán, que tuvo cinco emisiones. Todo comenzó a permear y tener sentido del hacer y creer en el teatro y las formas de producción independiente de los creadores regionales. Antes del Festival de Teatro La Rendija, hay otros dos proyectos que se le deben a Raquel Araujo y Óscar Urrutia: Escena 40 grados y Escena Sur, donde también se involucraron José Ramón Enríquez y la dramaturga Conchi León. “Un parteaguas es Escena 40 grados. Éramos muchos los que hacíamos cosas. Entonces yo veía este problema enorme de tener teatros gigantescos a la

italiana, que piden un formato escénico o necesitan de un cierto aparato. “Por lo general los trabajos locales iban a la deriva o no llegaban a buen puerto y por eso nosotros decidimos organizar también un colectivo de artistas y de grupos escénicos que se llamó Escena Sur. Ese proyecto tenía una apertura internacional que tuvimos que cerrar porque la demanda local fue muy grande”, explica la creadora escénica. De aquí en adelante, vendría la concepción del festival que ocupa la mayor parte del año a todo el equipo de La Rendija, donde se involucra el talento primordialmente de gente muy joven que rema de un lado a otro para conseguir todo lo necesario y

mantener a flote este barco. Los espacios independientes, así como los montajes y discursos estéticos se han multiplicado por toda la ciudad de una forma apabullante en los últimos 10 años, cada uno con su público que acude a cuanta función se anuncie en la cartelera. La semilla y persistencia de Araujo con su Rendija, esa palabra salida de un artefacto literario como Rayuela, sigue, al igual que la novela del argentino, dando frutos extraños con múltiples lecturas en una zona que antes se pensaba tierra árida.

A L I S O N

Inspirado en una canción de Slowdive, en julio de 1999 abrió sus puertas Moreno y Francisco I. Madero, a solo media cuadra del Teatro Manuel Dobaldo,

pueden decir muchas cosas, entre ellas, que es un espacio único, que no se ha ca cosmopolita, que funciona como una galeria de arte y literalmente toda la obra

movida de artistas locales y nacionales, asi como a promover la obra de artista

Belgica, Japón, Finlandia, España y Sudáfrica, por sólo mencionar algunos, fo

C A F É

Alison Café, en una casona de la calle Hermanos Aldama entre las calles Pedro en pleno Centro Histórico de la Ciudad de León; de este extraordinario lugar se

ansado de re-inventarse y re-diseñarse, con una lógica muy práctica, hedonista y expuesta en sus paredes está la venta, lo que ha contribuido a generar una nueva

as plásticos de países tan diversos como Alemania, Estados Unidos, Australia,

ortaleciendo el concepto de la cultura de venta de arte en espacios alternativos.

[Alison Café]

Surgido de la mente de un incansable viajero, Alison Café es más que un Bar/Galería, es un estilo de vida, es una visión diferente del entretenimiento, nutrida por la creatividad de los poetas, escritores, politicos, periodistas, arquitectos, artistas y músicos que ha visto pasar a lo largo de una década; y es la música quizá uno de sus mejores aciertos, este lugar ofrece lo más vanguardista de la Música Alternativa y Electrónica del planeta, la idea es hacerte sentir en Nueva York, en Barcelona, Amsterdam ó Londres, que el cliente escuche la mejor selección musical que de otro modo no encontraría junta en un solo lugar, por su largo pasillo se han presentado músicos de la talla de Babasonicos, Zoé, Zurdok, Human Drama, Pastilla, Neon Walrus, Infected Mushroom, Nick Warren, Steve Porter y Dj Imperial Yankee, por solo mencionar algunos sin entrar en detalle de la gran cantidad de Artistas de todas las disciplinas que han dejado huella y parte de su esencia en Alison Café. En Alison Café se puede disfrutar desde un capuccino ó un americano, hasta el mejor cognac, pasando por el ron, la ginebra, el vodka, el whiskey y tequila, aunque el verdadero toque cosmopolita es agregado con la interesante carta de los tragos diseñados por la casa, entre los que destacan “Traumática”, “Cape Town”, “Maquiavelica”, “Azul Profundo”, “Free Flow” y el famosísimo “Fuck”, que pueden disfrutarse en las salas de esta casona convertida en uno de los museos de arte moderno/bar más bizarro y original del país. Desde el 2004 abrieron la terraza y ya fue sede de fiestas memorables con “Les Printemps Electroniques”, “Darka” (su fiesta los Sábados de música house durante el verano), además de haber albergado eventos de

talla internacional como el Festival Internacional Cervantino (FIC), Festival de Cine Ambulante de Diego Luna y Gael Garcia y el Festival de Arte Contemporáneo de la Ciudad (FIAC), así como pasarelas de diseñadores de moda nacionales y sesiones fotográficas para músicos y diseñadores de diferentes partes del orbe.

[ Para entrar a Alison Café hay que tocar el timbre.] El Código de Vestimenta es: Sé tu mismo. El Código de Conducta es muy simple: un lugar con actitud para gente que lo puede pagar y se sabe comportar. ¡Bienvenido al secreto mejor guardado de la Ciudad de León Guanajuato! Alison Café practica una política anti-drogas de cero tolerancia y no se permite la entrada menores de edad. No hay cover y Se acepta Visa y Master Card, hay 3 estacionamientos en la misma cuadra y 3 más en las calles aledañas, se puede estacionar en las calles Madero y Gante despues de las 11 p.m., abren a las 5 pm TODOS los días del año excepto el 15 de Septiembre, el 24 y 31 de Diciembre, cierran pasada la media noche, lo cual puede ser cualquier hora entre las 12.30 y las 3 a.m. Como extras Alison Café ofrece internet inalámbrico gratuito a sus clientes y en planta baja tienen el mejor lugar para hacerse un tatuaje en la ciudad: +Underworld Tattoo+ que funciona con previa cita de Marzo a Septiembre.

P O W E R P U F

pregunta s a

Milto n

Navar ro

¿Cómo fue que iniciaste en el arte? Desde niño me gustó dibujar y ensamblar cosas. Les vendía a mis compañeros de primaria aviones y patinetas que hacía o dibujos de la caricatura de moda para que ellos los rellenaran. Ya en la secundaria empecé a graffitear y me metí a un par de talleres en la casa de la cultura. Un amigo de la prepa (Oliver Esquivel) nos convenció a otro compañero y a mí de estudiar la Licenciatura en Artes Visuales, en realidad no sabíamos ni siquiera que existía. Me entusiasmó más el hecho de que tuviéramos que salir a estudiar fuera, que en sí la carrera.

¿Cuáles son tus 5 artistas favoritos? Lucy and Bart, Pose, Daniel Ruanova, NUG y Enrique Botello Pekok,

¿Qué es para ti el arte? ¿Y qué significa para ti el ser artista? El arte para mi es libertad, me gusta pensar que no hay otra profesión que haga tanto uso de ella y respondiéndote la otra pregunta ser artista es ser alguien libre, sin hablar claro de las estructuras e instituciones que lo contienen. Y para mi la libertad es necesaria para ser feliz, por eso creo que el arte si tiene un fin y es la felicidad. Creo que el arte como muchísimas cosas más busca el bien. De una o mil maneras el arte cubre aspectos que a mi forma de ver, son naturalmente esenciales para los seres humanos. No concibo ver el arte como algo negativo. La maquinaria que existe dentro del mundo del arte desvirtualiza su rol y su esencia. El arte existe más allá de que se pueda comercializar, controlar, abusar o vivir de él.

¿Cómo definirías la creatividad? Es un impulso inherente, que articula o desarticula materiales, ideas y conceptos para engendrar uno nuevo. Este impulso cargado de todo tu background , va rebotando en las paredes contextuales activando susceptibilidades infinitas , creando vínculos insospechados no necesariamente de empatía .

¿Qué disciplinas o técnicas son las que empleas? ¿Por qué? Me gustan muchísimo manipular materiales y estos se me han ido presentando con el pasar de los años, actualmente en mis cuadros utilizo material de uso industrial: lona plástica, aerosol, resina cristal, esmalte acrílico, barniz alquidálico, espumas de poliuretano, pigmentos, chapopote, lijas y objetos varios que incrusto. Siempre he estado experimentando con nuevos materiales y poco a poco fui incluyéndolos en mis piezas, dejó de importarme si era permitido o no dentro de la pintura aunque eso me haya costado exclusiones de la mayoría de los concursos, sigo produciendo lo que me viene en gana ya habrá alguien que le guste. También me gusta mucho trabajar con el sonido, espero este año volver a reactivarme en ese campo.

¿En cuáles temas o ejes se desarrolla tu obra? Comencé hablando del signo, de como paso de ser un dibujito de una vaca a una letra y esta a su vez a toda una lengua. Me enfoque en lo azaroso y caprichoso de sus formas y como llego a ser toda una institución. La idea era manipular conscientemente sus formas, sus contornos: romperlo, alargarlo, coartarlo, colorearlo, rasgarlo, chorrearlo, etc. y no dejarle toda esa transformación inconsciente al tiempo, a la historia. Ya después con el uso de materiales industriales tomó un camino paradójicamente orgánico, ya los signos o signaturas tenían que ver con los que la naturaleza nos provee en una especie de código muchas veces en señal de alerta, de peligro, de veneno. Y ahí automáticamente se linkeo a toda esta sociedad postindustrial (en la que estamos inmersos) llena de sustitutos.

ÂżQuĂŠ caracteriza y distingue a tu obra? Lo saturado e inquietante creo.

¿A dónde te gustaría llegar? ¿Cuáles son sus metas dentro del arte? Profesionalmente dejé de ponerme ese tipo de metas, me enfoque más en hacer lo que me gusta, seguir produciendo y ser feliz.

¿Por qué le recomendarías a la gente comprar arte? Primero porque ayudarían a gente como yo a sobrevivir, hahaha , segundo porque no hay nada como llegar a un espacio y sentirlo tuyo, ambientado, personalizado, con piezas hechas con el corazón y no con objetos maquilados para las masas.

P É K O R A T O R M A R T Originaria de la ciudad de Aguascalientes, Mariana Torres, es una talentosa joven que desde pequeña ha desarrollado sus habilidades por las artes plásticas. Conocida en el ambiente artístico como Pékora Tormart, seudónimo adquirido desde sus años escolares, así como la combinación de sus dos apellidos. Desde pequeña se viene a radicar a la ciudad de León con su familia. Titulada en la licenciatura de Comunicación en 2006. Una vez concluidos sus estudios profesionales, decide adentrarse con un mayor enfoque al mundo del arte, cursando varios talleres de creación y técnica plástica, de los cuales destacan, pintura con texturas e hiperrealismo, con el maestro Oliver Esquivel. Su trayectoria artística inicia oficialmente en el 2010, con una exposición colectiva en la Casa de la Cultura Diego Rivera. En sus inicios, comienza a experimentar con texturas y objetos, y posteriormente se enfoca en los retratos, ya que considera que el plasmar rostros es un reto constante al tratar de capturar esa esencia de la persona que se pinta,

generando la emoción en solo una mirada. En 2013 ingresa a Espacio Popoca, en donde aprende nuevas técnicas, las cuales emplea en su propuesta pictórica. Junto con el Artista Lamberto Popoca colabora en la creación de nuevos proyectos, destacando entre ellos: Obras en gran formato con hoja de oro, murales de vidrios templados, diseño de interiores y acabados, entre otros. La serie: “Los Irremplazables” marca el inicio de Pékora en su nueva etapa como artista, con una propuesta de retratos contemporáneos de personajes del siglo XX y XXI que para ella han marcado y modificado el rumbo de la historia. Doce personajes de diferentes ámbitos del arte, la política, la ciencia y el deporte, como cierre de esta serie el personaje número trece es la misma pintora, que como cualquiera de nosotros somos imprescindibles para nuestra historia.

E L H

A S T A

L A C H E F

A R T

S O P A M Ó N I C A

B A D I L L O

[El Arte Hasta La Sopa]

Siempre me ha fascinado ver la creativ idad del ser humano , e n t o d o s l o s s e n t i d o s . Ya s e a p a r a s a l i r d e a l g ú n p r o b l e m a o sit uación de peligro, para llegar más lejos y avanzar más que los demás , incluso para hacer su vida más fácil . En este sentido, les compartiré mi visita a la exposición llamada TAPAS en el Forum Cultural de nuestra hermosa ciudad de León, Guanajuato con mi visión personal como chef. La idea de ésta muestra museográfica del organismo público Acción Cultural Española (AC/E) dedicada a promocionar e impulsar la cultura hispánica dentro y fuera de su país, es básicamente expresar la relación que hay entre el diseño/arte y la gastronomía. Quizás podría no tener sentido que se diga que al hacer algo de comer o entrar a la cocina se está haciendo arte, ya hablé algo de esto en aportaciones anteriores en ésta prestigiada revista así que no ahondaré en el tema. Pero si aún no se te ocurre nada en lo que éstas dos disciplinas creativas, dinámicas y pujantes puedan tener una interacción, espera a que te platique lo que hay en esta interesante sala. En la primer sección se montaron una serie de artefactos, ollas, sartenes, bandejas, platos, bowls pensados para el acto mismo de cocinar, pero con estilo. Se exhiben juegos de cuchillos para el chef moderno, con diferentes propósitos y bastante estéticos. Todo esto realizado en conjunto con diseñadores gráficos e industriales y los cocineros mismos, para lograr así una belleza útil y práctica en las cocinas. ¿Ahora ves que no están peleados el arte y el diseño con la cocina? Hasta hay una “tabla de picar” exclusiva para partir pan, que tiene orificios para recolectar las migajas, conectada por un tubo a una bandejita para que los pájaros puedan comerlas. Son ideas interesantes e inusuales. En la segunda sección podemos deleitarnos al ver un sinfín de objetos para la degustación de

los alimentos, vajillas de distintos materiales como aluminio, cerámica de colores, un “plato” que asemeja una masa leudando; diversos colores, formas, tamaños. Cubertería y cristalería fuera de lo común, hasta mesas, sillas, lámparas y otros objetos hechos de pan, osea, ¡comestibles! Y todo bien logrado ya que han sido creados por expertos en el tema del diseño. Posteriormente, en la tercera y última sección, podemos apreciar el diseño propio de la comida, el pensamiento creativo detrás de cada platillo. Galletas de formas y texturas pensadas especialmente para degustar apropiadamente las diferentes composiciones químicas de las bebidas espirituosas como vino, wisky, ron, entre otras. Ha sido una experiencia muy enriquecedora pues me queda claro que ya no se puede caminar solo en este mundo tan cambiante y moderno, al contrario, al unir conocimientos y múltiples áreas de “expertise”, nos expandimos hacia nuevos horizontes. Esta vez, podemos ver solamente artículos fabricados en España en los últimos 20 o 25 años. Me pregunto ¿Qué se está haciendo en esta materia en México? Estoy segura que aquí tenemos mucho talento, hay ingenio y tenemos la capacidad para solucionar problemas existentes y para poder realizar una obra de ésta magnitud. Si ya has hecho algún “invento”, tienes alguna idea o has hecho alguna adecuación de aparatos o artículos preexistentes, compártelo conmigo, escribiendo al correo monica.badillo.hurtado@gmail.com ¡así podremos hacer una sinergia creativa y deliciosa!

I L U S T R A C Ó N

A L E X

A M O R

D R Á C U L A D E B R A M S T O K E R A L E J A N D R O

L A N Z A G O R T A

Drácula no tiene la culpa de Twiligth. De lo que sí es responsable es de la concepción moderna sobre el mito del vampiro. Un best seller de la Inglaterra victoriana, cuando la industria editorial empieza a tener grandes niveles de venta: Conan Doyle, Dickens, H.G. Wells. En ese contexto, Drácula puede ser considerado una metáfora sobre la forma en que Inglaterra, la potencia del momento, se veía a sí misma. Drácula es la muerte de la monarquía absolutista en contraste con la monarquía constitucional inglesa. Drácula representa al imperio ruso y turco siendo derrotados por el mundo moderno representado por Inglaterra; imperios obsoletos con pueblos ignorantes. El viaje de Harker a través de Europa del este es el viaje de un ciudadano moderno a un mundo antiguo, con la visión curiosa y condescendiente de la persona educada ante las costumbres y supersticiones de los eslavos y con cierto, si no racismo, algo de estereotipos. Drácula representa ese mundo. Una reliquia viva de tiempos pasados que trata de insertarse en el Hoy y lo busca en la sociedad más desarrollada del momento. Si se trataba de tener muchos humanos para alimentarse, ¿por qué no irse a la India o a China? El Conde quería la experiencia del mundo moderno, eso se demuestra con todos los

libros y mapas que tenía sobre Inglaterra. En Transilvania, Drácula era la monarquía que tomaba a las mujeres más hermosas y dominaba a los animales más ruines, sus soldados, a quienes mandaba a eliminar a los que se sublevaban. La monarquía es todopoderosa en la oscuridad de la noche (la ignorancia) Eso se lo explica a Harker cuando hablan de las llamas azules, en la noche de Walpurgis, que marcan tesoros. Aunque las señales sean muy claras, los campesinos no saldrán esa noche. El Conde necesita del pueblo bajo, gitanos y eslovacos, para desplazarse, pero en el mundo moderno requiere abogados y contadores. Drácula representa la monarquía absolutista siendo destruida por el conocimiento (Van Helsing) y la burguesía (Harker, Seward), incluso el nuevo hombre, el americano. (Quincey). Por eso ellos dan el golpe final. Lo viejo da paso a lo nuevo pero se requiere un sacrificio: Uno de ellos muere. Siete años después, los viejos fantasmas se mantienen pero ya no existen más sombras. Se pueden esperar tiempos más brillantes. El nuevo siglo promete ser esperanzador. Europa creía que ya no habría más guerras, que el desarrollo económico y social daría paso a una época de esplendor. Menos de veinte años después, la Gran Guerra demostraría lo equivocado que estaba.

Tengo sed de un vino Que la tierra no se sabe beber. Jose MartĂ- PoĂŠtica.

I L U S T R A C I O N

C A R L O S

F A C I O

Cuando los extranjeros y los peregrinos regresan al origen. Y las mariposas adultas, en contradicción a su tiempo, construyen nuevas crisálidas, Cuando la fuerza de lo concreto desfallece y se pierde el tiempo del espanto y la quijada tensa. Cuando los signos hablan sin el lacre del dogma, entonces llego el tiempo justo:

P O

La palabra ardiente mil veces invocada se pronuncia con voz de barro, golpea el estomago en un galopar de versos.

E S I A M

La hora perdida entre la vigilia y el alba suena. y en todos los relojes es hora de clara frescura; La hora de estrechar tu nombre.

A X S A N T O Y O

La vía láctea del interior rasga el nadir, Brota el hilo de Ariadna Donde la noche sembró La feminidad. En la herida celeste del corazón una estampida de presagios te corona. El alma del alquimista que te habita torna veta de madera al merodeador y su miedo, la historia de sus heridas tiene ahora de dolor lo que tus parpados de mar violento. En esta hora, la voz del profeta es crónica de cierta estructura hoy en olvido. Al hombre nuevo Le nacen arrugas en la risa Y cobra su real sentido La palabra que viene en renuevos.

F O T O G R A F Í A

P A T T H O

V I L L A G R Á N