MuzeMuse Magazine II

MAGAZINE GRENSOVERSCHRIJDEND NETWERK VOOR KLASSIEKE EN HEDENDAAGS KLASSIEKE MUZIEK N°2 Juni 2011 www.muzemuse.eu MAGAZINE DU RÉSEAU TRANSFRONTALIER POUR LA PROMOTION DE LA MUSIQUE CLASSIQUE ET CONTEMPORAINE N°2 Juin 2011 www.muzemuse.eu

Mafestival 2011 Testament momentum II Utopia :: 47 Agenda

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EDITO

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INHOUD SOMMAIRE

NL MuzeMuse:

NL Edito p.03 MUZEMUSE IS... p.04 TERUGBLIK momentum I opéra de lille p.05 Momentum II : UTOPIA :: 47 p.07 › Inleiding p.07 › Oude muziek leeft! p.08 › Muziek van afscheid en dood p.10 › Muziektheaterproductie tijdens MAfestival Brugge p.14 › Biografieën van Schütz, Sleichim, d’Haeseleer p.15 › Interview d’Haeseleer, Sleichim p.18 aanbod in de regio p.22 › Concertgebouw Brugge p.22 › Théâtre d’Arras p.24 › Opéra de Lille p.26 › Festival van Vlaanderen Kortrijk p.28 info & Agenda p.30

Omslagfoto: Cristina Zavalloni © Maki Galimberti Druk: Roularta Vormgeving: www.gutzandglory.be Redactie: Tomas Bisschop, Klaas Coulembier, Erik Heijerman, Ine Lobelle, Elise Simoens Coördinatie: Tomas Bisschop, Joost Fonteyne, Jean-Michel Lejeune, Matthieu Rietzler, Jeroen Vanacker, Katrien Van Eeckhoutte Vertaling: Michel Perquy, bvba KALAMOS Communications www.muzemuse.eu

FR édito p.03 MUZEMUSE c’est ... p.04 rétrospective momentum I opéra de lille p.06 Momentum II : UTOPIA :: 47 p.07 › Introduction p.07 › La musique ancienne est bien vivante ! p.09 › Musique d’adieu et de mort p.12 › Théâtre musical présenté lors du MAfestival Brugge p.14 › Biographies de Schütz, Sleichim, d’Haeseleer p.15 › Interview d’Haeseleer, Sleichim p.20 L’actualité du réseau p.22 › Concertgebouw Brugge p.22 › Théâtre d’Arras p.24 › Opéra de Lille p.26 › Festival van Vlaanderen Kortrijk p.28 info & Agenda p.30

Photo de couverture: Cristina Zavalloni © Maki Galimberti Impression : Roularta Graphisme : www.gutzandglory.be Rédaction : Tomas Bisschop, Klaas Coulembier, Erik Heijerman, Ine Lobelle, Elise Simoens Coordination : Tomas Bisschop, Joost Fonteyne, Jean-Michel Lejeune, Matthieu Rietzler, Jeroen Vanacker, Katrien Van Eeckhoutte Traduction : Michel Perquy, sarl KALAMOS Communications www.muzemuse.eu

grensoverschrijdend netwerk voor klassieke en hedendaags klassieke muziek De vijf partners uit de grensoverschrijdende regio West-Vlaanderen – Nord-Pas de Calais hebben u ongetwijfeld een boeiend cultureel voorjaar bezorgd. We kijken met grote fierheid terug op de wereldcreatie van La Métamorphose van Michaël Lévinas in de Opéra de Lille, meteen ook het eerste Momentum in het MuzeMuse netwerk. Deze opera werd door een ruim en internationaal publiek zeer enthousiast onthaald.

Ook de zomer kondigt zich veelbelovend aan. MAfestival Brugge (5 – 13 augustus 2011) heeft als centraal thema Testament – Lofzang op het leven en de dood. MAfestival stelt als Momentum II het project Utopia :: 47 voor, een muziektheaterproject dat oude en nieuwe muziek met elkaar verzoent. U leest er alles over in dit magazine.

Het grensoverschrijdend netwerk MuzeMuse wil u via diverse kanalen beter informeren over het culturele leven in de regio. Naast dit magazine kunt u ook de laatste nieuwtjes ontdekken op de website en via de nieuwsbrief. MuzeMuse komt ook naar u toe, met een MuzeMuse Mobiel die van stad naar stad trekt.

We hopen alvast dat u als cultuurliefhebber met volle teugen kunt genieten van het interessante culturele aanbod dat onze regio rijk is.

FR MuzeMuse :

réseau transfrontalier pour la promotion de la musique classique et contemporaine Les cinq partenaires de la région transfrontalière Flandre occidentale - Nord-Pas de Calais vous ont sans aucun doute fait vivre un printemps culturel passionnant. Nous ne sommes pas peu fiers du retentissement de la création mondiale de La Métamorphose de Michaël Lévinas à l’Opéra de Lille, premier ‘Momentum’ du réseau MuzeMuse. Cet opéra a été accueilli avec grand enthousiasme par un large public international.

L’été à venir s’annonce tout aussi prometteur. Ainsi le MAfestival Brugge du 5 au 13 août 2011 a-t-il choisi pour thème le Testament - Hymne à la vie et à la mort, tout en glissant dans son programme la production Utopia :: 47 comme ‘Momentum’. Dans les pages de ce magazine, vous découvrirez la génèse de ce spectacle embrassant les musiques ancienne et nouvelle.

Le projet transfrontalier MuzeMuse se propose de mieux vous informer sur la vie culturelle de la région, par le biais de divers canaux. Vous êtes donc cordialement invités à suivre l’actualité sur le site www.muzemuse.eu ou à vous inscrire à la Newsletter. MuzeMuse se dirige aussi vers vous avec sa MuzeMuse Mobile qui se rend de ville en ville pour faire connaître les différents partenaires de notre réseau.

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terugblik Momentum I opéra de lille

FR MUZEMUSE C’EST ...

5 MOMENTUMS

NL MUZEMUSE IS...

5 MOMENTUMS Elke partner staat telkens een tijd lang in de MuzeMusespotlights. Het eerste Momentum vond plaats in de Opéra de Lille (zie p.5). Monumentum II plaatst Utopia :: 47 centraal, een werk dat door BL!NDMAN gecreëerd werd in opdracht van MAfestival Brugge (zie vanaf p.7)

MUZEMUSE MAGAZINE

Chacun des partenaires est tour à tour placé sous les feux de la rampe par MuzeMuse. Le premier Momentum a pris place dans la programmation de l’Opéra de Lille (voir p.5). Utopia :: 47 est le Momentum suivant.

Cette production de BL!NDMAN sera présentée durant le MAfestival Brugge (voir à partir de la p.7)

MUZEMUSE MAGAZINE Le lancement de MuzeMuse, s’accompagne de la parution d’un nouveau magazine. Inscrivez-vous sur info@muzemuse.eu pour vous abonner.

De lancering van MuzeMuse brengt ook een nieuw magazine met zich mee. Schrijf u in op het magazine op info@muzemuse.eu.

MUZEMUSE WEBSITE en E-ZINE

MUZEMUSE MOBILE

Het MuzeMuse E-zine vormt samen met de website en het magazine de perfecte aanvulling om van de meest recente ontwikkelingen en projecten op de hoogte te blijven. Surf naar www.muzemuse.eu en teken in op de nieuwsbrief.

La MuzeMuse Mobile parcourt toute la Flandre Occidentale et le Nord de la France. Dans une ambiance ludique et animée, vous recevrez les dernières informations sur les activités du réseau MuzeMuse.

De MuzeMuse Mobiel trekt door heel West-Vlaanderen en Noord-Frankrijk. Informeer u in een sfeervolle setting over de laatste activiteiten in het MuzeMuse netwerk.

Momentum I: een terugblik

MUZEMUSE PAGE WEB et E-ZINE Offre un complément d’information qui vous permet de vous tenir au courant des derniers développements des différents projets en cours. Surfez sur www.muzemuse.eu et abonnez-vous à la newsletter.

MUZEMUSE MOBIEL

©Frédéric Iovino

NL

“Natuurlijk is het even wennen aan de specifieke taal waarin de verfijning van de vertolkers – zowel zangers als instrumentisten – samengevoegd wordt met het geraffineerde elektro-akoestische aspect (...), maar er is wel degelijk emotie aanwezig. Die gaat zelfs domineren.”

La Libre Belgique “Er was wel lef nodig (…) En wat de partituur ons voorschotelt, is boeiend.” Le Figaro

'La Métamorphose', opera van Michaël Levinas - Wereldpremière

Tussen 7 en 15 maart jl., zorgde de wereldpremière van La Métamorphose van Michaël Levinas op tekst van Franz Kafka voor hét hoogtepunt van het seizoen 2010-2011 in de Opéra de Lille. Los van iedere bestaande school of beperking, plaatst Levinas de verhouding tekst-muziek centraal in zijn werk. Samen met zijn collega’s van het IRCAM en het Ensemble Ictus, de dramaturg Valère Novarina, de regisseur Stanislas Nordey en het hele artistieke team van deze productie heeft hij zich verdiept in Kafka’s novelle om er de lyrische en vocale rijkdom van te onthullen. Met vijf uitverkochte zalen (samen goed voor meer dan 5000 toeschouwers) mocht deze nieuwe creatie zowel bij publiek als critici op veel bijval rekenen.

“Een heel geslaagd werk (...), zowel scenisch als muzikaal.”

La Voix du Nord “Intelligent en trouw aan de geest van de tekst (…) een fascinerende klankbel.” 20 Minutes “De compositie bevat polyfone passages van een oprecht dramatische schoonheid.” Liberté Hebdo “Een heel sterk werk, coherent en voldragen, dat evenzeer pakt als het vragen oproept.” Forumopera.com “Het Brusselse ensemble Ictus is opmerkelijk, zoals het bijgestaan door een indrukwekkend arsenaal aan informaticamiddelen - ruist, gromt en ademt als een volwaardig personage.” Anaclase.com

07 Momentum II

MAFESTIVAL BRUGGE UTOPIA :: 47

©Frédéric Iovino

Momentum I: vue rétrospective FR

« Il y a bien sûr une grammaire sonore à apprivoiser, où le raffinement des interprètes – chanteurs et musiciens – s’articule à la sophistication de l’électro-acoustique (…), mais l’émotion circule et s’impose. » La Libre Belgique « Il fallait oser (…) Et ce que nous donne à entendre la partition est assez passionnant. » Le Figaro

'La Métamorphose', opéra de Michaël Levinas - Création mondiale

Présentée du 7 au 15 mars, la création mondiale de La Métamorphose, opéra de Michaël Levinas d’après Kafka, a constitué le point culminant de la saison 2010-2011 de l’Opéra de Lille. Libre de toute école ou de tout mot d’ordre, Michaël Levinas place au cœur de sa composition la problématique texte-musique. Avec ses complices de l’Ircam et de l’ensemble Ictus, le dramaturge Valère Novarina, le metteur en scène Stanislas Nordey et toute l’équipe artistique de cette production, il s’est emparé de la nouvelle de Kafka pour en révéler toute la vocalité lyrique. Donnée 5 fois à guichets fermés (plus de 5 000 spectateurs), cette création a connu un très grand succès public et critique.

« Une belle réussite (…), grande force scénique autant que musicale. » La Voix du Nord « Intelligent et fidèle à l’esprit du texte (…) une bulle sonore fascinante.» 20 Minutes « La composition musicale révèle des passages polyphoniques d’une réelle beauté dramatique. » Liberté Hebdo

2011 © Kurt d’Haeseleer

« Une œuvre forte, cohérente, et très aboutie, qui étreint autant qu’elle interroge. » Forumopera.com

NL

« L’ensemble bruxellois, Ictus, est remarquable, bruissant, grondant, respirant comme un personnage à part entière, tel un mille-pattes, enrichi d’un impressionnant matériau informatique.» Anaclase.com

Van p.8 tot p.21 zoomen we in op Utopia :: 47, een gloednieuwe muzikale passie die oude (Heinrich Schütz) en nieuwe muziek (Eric Sleichim) met elkaar verzoent.

Kurt d’Haeseleer zorgt voor de visuele invulling.

FR De la p.8 à 21, nous faisons un zoom sur Utopia :: 47, une passion musicale qui embrasse les musiques ancienne (Heinrich Schütz) et contemporaine (Eric Sleichim).

Kurt d’Haeseleer se penche sur la partie visuelle.

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Momentum II MAfestival Brugge © Wim Valcke

Oude muziek leeft!

La musique ancienne est bien vivante !

NL

FR

Hoe kan ‘oude muziek’ vandaag de dag actueel zijn?

Een beschouwing van Tomas Bisschop, directeur MAfestival Brugge.

MAfestival Brugge stond zowat een halve eeuw geleden mee aan de wieg van de ontwikkeling en verspreiding van de zogenaamde historische uitvoeringspraktijk; het uitvoeren van repertoire uit de zeventiende en achttiende eeuw op historische instrumenten, gecombineerd met het streven naar een adequate speelwijze, gebaseerd op correcte historische bronnen. Intussen is deze kritische, stijlbewuste uitvoering van muziek uit het verleden doorgedrongen tot de dagelijkse concertpraktijk.

Maar heeft deze benadering van muziek anno 2011 nog een meerwaarde? En is er binnen deze context nog voldoende ruimte voor creativiteit?

Zo brengt Compagnie Bischoff op 6 augustus 2011 een voorstelling met de Mattheuspassie van Heinrich Schütz als uitgangspunt. Geluidskunstenaar Wouter Snoei geeft een modern commentaar op een klassieker. Op 8 augustus 2011 creëren videaste Anouk De Clercq en geluidskunstenaar Anton Aeki een hedendaags decor bij de uitvoering op pianoforte van Die Sieben Letzten Worte van Joseph Haydn. Ook de nieuwe productie van BL!NDMAN, Utopia :: 47 past perfect binnen deze filosofie.

Tijdens MAfestival Brugge kan u alvast meer ontdekken dan een selectie hoogstaande concerten binnen een bepaalde thematiek. MAfestival Brugge wil immers ook zelf nieuwe elementen toevoegen aan het rijke debat van oude muziek. Daarbij is aandacht voor de hedendaagse context essentieel. Musici en kunstenaars worden uitgedaagd om te experimenteren met oude en/of actuele muziek, om te zoeken naar zinvolle verbanden tussen vroeger en nu, met de historische uitvoeringspraktijk als inzet. Dit is inspirerend voor de kunstenaar of musicus, maar ook voor de luisteraar. De toehoorder krijgt enerzijds de kans om zijn blik te verruimen en iets nieuws te ontdekken, anderzijds zorgen deze nieuwe elementen misschien ook wel voor nieuwe inzichten over het verleden.

MAfestival Brugge © Wim Valcke

Comment la ‘musique ancienne’ peut-elle être actuelle aujourd’hui?

Une réflexion de Tomas Bisschop, directeur du MAfestival Brugge.

Il y a un demi-siècle que le MAfestival Brugge participait aux prémices du développement et de la diffusion de la pratique musicale historique, c’est-à-dire l’exécution d’œuvres des XVIIe et XVIIIe siècles sur des instruments historiques, combinée avec des recherches sur une façon de jouer adéquate, basée sur des sources fiables. Depuis, cette approche critique et soucieuse du style de la musique du passé s’est imposée dans la pratique musicale quotidienne.

Mais cette démarche garde-t-elle tout son sens en 2011 ?

Ce contexte offre-t-il encore suffisamment de créativité ?

de nouveaux éléments au débat déjà très riche sur la musique ancienne, notamment en insistant sur le contexte contemporain. Musiciens et autres artistes se voient invités à poursuivre leurs expériences avec de la musique ancienne ou actuelle, et à rechercher les liens entre passé et présent avec comme enjeu l'exécution historique, susceptible d’inspirer autant l’artiste ou le musicien que l’auditeur. Alors qu’il y a pour le public des opportunités d'élargir son horizon et de découvrir du neuf, ces éléments suscitent peut-être aussi de nouvelles façons de comprendre le passé.

Le MAfestival Brugge permet de découvrir davantage qu’une sélection de concerts haut de gamme autour d’un thème choisi. Le MAfestival se propose d’apporter

La Compagnie Bischoff propose le 6 août 2011 une représentation la Passion selon Saint-Matthieu de Heinrich Schütz comme entrée en matière. L’artiste sonore Wouter Snoei donne un commentaire moderne sur un classique. Le 8 août 2011, la vidéaste Anouk De Clercq et l’artiste sonore Anton Aeki créent un décor contemporain pour l’interprétation sur pianoforte des Sept dernières paroles de Joseph Haydn. De même, la nouvelle production de BL!NDMAN, Utopia :: 47 s’adapte parfaitement à cette philosophie.

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Momentum II

Christophe Rousset © Éric Larrayadieu

Muziek van afscheid en dood NL

Muziekfilosoof Erik Heijerman gaat dieper in op de festivalthematiek van MAfestival 2011.

Muziek heeft van oudsher een belangrijke rol gespeeld in de emotionele vormgeving van de existentiële thema’s van het leven. Muziek boort in ons een diepere emotionele laag aan, diepe gevoelens die niet meer met woorden uit te drukken zijn maar die zich wel weerspiegeld weten in muziek. Dat geldt ook voor de thema’s afscheid en dood, die tijdens MAfestival 2011 centraal staan.

Requiem aeternam Het requiem, de mis voor de overledene, ontstond in de rooms-katholieke kerk binnen de gregoriaanse traditie. De vroegst overgeleverde meerstemmige zetting van deze dodenmis is van de hand van Johannes Ockeghem (laatste helft vijftiende eeuw). In het Concilie van Trente (15451563) werd de tekst vastgelegd die we nu nog altijd gebruiken en het aantal requiems dat sindsdien geschreven werd, overtreft de 2000. MAfestival Brugge en Concertgebouw Brugge presenteren doorheen het seizoen 2011-2012 een bloemlezing van dit intrigerende genre.

Tombeau Ook in de instrumentale muziek zijn er talloze verwijzingen naar afscheid en dood.

De tombeau is een interessant muzikaal genre dat zijn hoogtepunt kende in het zeventiende-eeuwse Frankrijk.

Van deze ‘muzikale grafstenen’ zijn er meer dan zestig overgeleverd, voor luit, viola da gamba en klavecimbel.

Opmerkelijk zijn de soms letterlijke verwijzingen naar de dood: herhaalde noten verwijzen naar het kloppen van de dood op de deur, en dalende of stijgende melodische lijnen representeren het afdalen in het dodenrijk of het opstijgen ten hemel, zoals schitterend weergegeven in Frobergers Tombeau, fait à Paris sur la mort de Monsieur Blancrocher, respectievelijk zijn Lamento op de dood van koning Ferdinand IV, waar de laatste stijgende toonladder in de autograaf veelzeggend eindigt in een tekening van wolken, lichtstralen uit de hemel en engelenkopjes.

Minder concreet, maar daarom niet minder veelzeggend, zijn de cellosuites van J.S. Bach. De suite, een opeenvol-

Gunar Letzbor © Melcak

ging van dansen, evolueert bij Bach naar een uitgepuurd, abstract genre, waarbij de musicus én de luisteraar unieke emoties van melancholie en troost ervaren.

Niet alleen binnen de religieuze tradities, maar ook binnen een profane context ontdekken we een schitterend repertoire geïnspireerd op leven en dood. Voorbeelden hiervan zijn wereldse liederen als Ye sacred Muses van William Byrd bij de dood van Thomas Tallis (‘Tallis is dead, and Music dies’), de aangrijpende Funeral Sentences van Purcell voor de begrafenis van Queen Mary en de hartverscheurende aria van Farnace over zijn gestorven zoon uit de gelijknamige opera van Vivaldi.

Veel droevige muziek dus, tijdens dit festival. Dat brengt ons bij een interessante filosofische vraag: waarom beluisteren we muziek die ons droevig maakt? Die vraag speelde al voor Aristoteles, die het zich afvroeg met betrekking tot het bekijken van tragedies. Zijn antwoord was dat we door het ondergaan van emoties als angst,

verdriet, medelijden en melancholie een emotionele zuivering ondergaan, de catharsis. Geldt dat ook niet voor de muziek?

Muziek helpt ons vorm te geven aan ons verdriet om de dood, zij kan ons troosten. Daarbij komt ook nog eens dat droevige muziek vaak de mooiste muziek is. Ook wie niet droevig is kan daarom genieten. Dan word je niet tot, maar door droefheid geroerd. En dat behoort tot de mooiste ervaringen in het leven.

Inleiding op het festival door Erik Heijerman, 7/8.

Integrale cellosuites – J.S. Bach, Roel Dieltiens, 10/8.

For Queen Mary – Treurmuziek van Purcell, Canto LX, 10/8.

Tombeau – De beste klaviermuziek uit de zeventiende eeuw, Christophe Rousset, 11/8.

Requiem – Dodenverering in Salzburg omstreeks 1700, Ars Antiqua Austria, 13/8.

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Momentum II

Roel Dieltiens © Merlijn Doomernik

Musique d’adieu et de mort FR

Canto Lx © Isabella Finzi

Erik Heijerman, philosophe de la musique, se penche sur la thématique du MAfestival 2011.

Depuis toujours, la musique joue un rôle essentiel dans la mise en forme émotive des grands thèmes existentiels de la vie. La musique atteint en effet en nous des sentiments si profonds qu’il n’existe plus vraiment de mots pour les exprimer. Seule la musique les reflètent. Cela vaut particulièrement pour les thèmes d’adieu et de mort, placés au cœur du MAfestival 2011.

Requiem aeternam Le requiem - messe des morts - fait son apparition dans le rite catholique dans la tradition grégorienne. La plus ancienne mise en polyphonie de la messe des morts, parvenue jusqu’à nous, est celle de Johannes Ockeghem (deuxième moitié du XVe siècle). Le Concile de Trente (1545-1563) fixa le texte que nous utilisons encore aujourd’hui et depuis, plus de 2000 requiems ont été écrits.

Le MAfestival Brugge et le Concertgebouw Brugge, présenteront lors de la saison 2011 – 2012, un florilège de ce genre très particulier.

Tombeau Dans la musique instrumentale, nous trouvons également de nombreuses références à la mort ou au thème de l’adieu. Le tombeau est un genre musical fascinant qui a connu son point culminant dans la France du XVIIe siècle.

Plus de soixante de ces ‘pierres tombales musicales’ sont arrivées jusqu’à nous, pour luth, théorbe, guitare baroque, viole de gambe et clavecin. Les allusions littérales à la mort apparaissent parfois de façon tout à fait remarquable : les notes répétées, représentation de la mort qui vient frapper à la porte du mourant, ou des lignes mélodiques ascendantes ou descendantes, représentant la descente au royaume des morts ou au contraire l’ascension au ciel. On en trouve de merveilleux exemples dans le Tombeau fait à Paris sur la mort de Monsieur Blancrocher avec son Lamento sopra la dolorosa perdita della Real Mstà de Ferdinando IV, Rè de Romani où la dernière gamme ascendante dans l’autographe débouche de façon significative en un dessin de nuages, de rayons lumineux dans le ciel et de têtes d’angelots. Les suites pour

violoncelle seul de J.S. Bach offrent un exemple de prime abord moins évident, mais d’une puissance d’évocation d’autant plus forte. La suite, succession de danses, évolue chez Bach vers un raffinement du genre, une abstraction qui induit tant chez le musicien que chez l’auditeur, une mélancolie et une compassion inégalées.

Non seulement dans les traditions religieuses, mais aussi dans le contexte de la musique profane, nous découvrons un répertoire remarquable, inspiré des thèmes de la vie et de la mort. L’exemple qu’offre Ye sacred Muses, chanson profane de William Byrd à la mort de Thomas Tallis 'Tallis is dead, and Music dies', les saisissantes Funeral Sentences de Purcell pour l’enterrement de Queen Mary, l’air à fendre l’âme que chante Farnace sur son fils mort dans l’opéra de Vivaldi du même nom sont significatifs.

Ce festival déborde donc de musique triste. Ceci soulève la question philosophique de savoir pourquoi on écoute de la musique triste si le seul effet en est de devenir triste soi-même. Déjà, Aristote s’intéressait à la question mais

plus précisément concernant la tragédie. Sa réponse a été qu’en vivant des émotions telles que la peur, le chagrin, la compassion et la mélancolie, nous subissons une purification émotive, une catharsis. Cela vaudrait-il aussi pour la musique ?

La musique nous aide à formaliser notre chagrin provoqué par la mort, elle est en mesure de nous consoler. La musique triste est de plus souvent la plus belle, ce qui fait qu’on peut en jouir sans être triste soi-même. Elle nous touche alors par sa tristesse sans nous plonger dans la tristesse. Et cela fait sans doute partie des plus belles expériences de la vie.

Intégrale des suites pour violoncelle - J.S. Bach, Roel Dieltiens, 10/8.

For Queen Mary - Musique funèbre de Purcell, Canto LX, 10/8.

Tombeau - La meilleure musique pour clavier du XVIIe siècle, Christophe Rousset, 11/8.

Requiem - Le culte des morts à Salzbourg vers 1700, Ars Antiqua Austria, 13/8.

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NL Heinrich Schütz

was een van de spilfiguren van het zeventiende-eeuwse Duitse muziekleven. Zijn oeuvre biedt ons een overzicht van zowat alle toenmalige vocale genres. Al schreef hij ook enkele wereldlijke werken, toch was het vooral met zijn religieuze muziek dat hij een internationale reputatie verwierf. De Cantiones sacrae (1625), de Kleine geistliche Konzerte (1636, 1639) en de Psalmen Davids (1619) behoren tot zijn absolute topwerken.

Momentum II © Mich Leemans

MOMENTUM II UTOPIA :: 47 NL

Muziektheaterproductie tijdens MAfestival Brugge

FR

(1585-1672)

Tot Schütz’ grootste verdiensten behoort dat hij samen met zijn tijdgenoten Samuel Scheidt en Johann Schein - de nieuwe Italiaan-

se stijl in Duitsland introduceerde. Schütz had dan ook bij Giovianni Gabrieli in Venetië gestudeerd alvorens aan de slag te gaan als kapelmeester in Dresden.

Qua stijl is het oeuvre van Schütz een toonbeeld van diversiteit. Uit zijn Il primo libro de madrigali (1611) blijkt hoe goed hij wel geluisterd had naar de muziek van Monteverdi. De verregaande dramatiek van deze muziek gaat gepaard met een wel erg gewaagde harmonische schrijfwijze. In zijn Cantiones Sacrae toont Schütz dan weer dat hij ook de oude contrapuntische technieken goed onder de knie had. Op dat vlak breit Schütz een vervolg aan de traditie die nog voortkwam van Orlandus Lassus.

Théâtre musical présenté lors du MAfestival Brugge

Utopia :: 47 omspant vele eeuwen. Van 1647, het laatste jaar van de Dertigjarige Oorlog die grote delen van Europa meesleepte in een bloedig religieus conflict, tot 2047, het laatste jaar van een toekomstig dertigjarig wereldconflict dat de menselijke beschaving aan de rand van de afgrond brengt. Utopia :: 47 is een muzikale passie in twee delen. Het uitgangspunt van het eerste deel is de geestelijke muziek die Heinrich Schütz (1585-1672) tijdens de Dertigjarige Oorlog componeerde. Het tweede deel, nieuw gecreëerd door Eric Sleichim, stelt niet enkel de wereld van vandaag, maar ook de functie van de ’oude muziek’ in vraag.

Utopia :: 47 se déroule sur plusieurs siècles : de 1647, la dernière année de la Guerre de Trente ans qui a entraîné une grande partie de l’Europe dans un conflit religieux particulièrement sanglant, à 2047, la dernière année d’un futur conflit mondial de trente ans qui aura conduit la civilisation humaine au bord de l’abîme. Le point de départ de la première partie est la musique sacrée composée par Heinrich Schütz (1585-1672) pendant la Guerre de Trente ans. La seconde partie, nouvellement créée par Eric Sleichim, s’interroge non seulement sur le monde d’aujourd’hui mais également sur le rôle de la ‘musique ancienne’.

BL!NDMAN [sax & vox] Eric Sleichim (regie, muziek en scenografie), Kurt d’Haeseleer (video), Max Bruckert (electronica), Erwin Jans, Jan Vandenhouwe (dramaturgie), Cristina Zavalloni (mezzo-sopraan) Utopia :: 47 is een productie van Muziektheater Transparant & BL!NDMAN, in opdracht van MAfestival en KlaraFestival, in coproductie met deSingel, m.m.v. Concertgebouw Brugge, Kaaitheater, Grame/Lyon.

BL!NDMAN [sax & vox], Eric Sleichim (mise en scène, musique et scénographie), Kurt d’Haeseleer (vidéo), Max Bruckert (électronique), Erwin Jans, Jan Vandenhouwe (dramaturgie), Cristina Zavalloni (mezzo-soprano) Utopia :: 47 est une production de Muziektheater Transparant & BL!NDMAN à la demande du MAfestival et du KlaraFestival en coproduction avec de Singel et avec la collaboration du Concertgebouw Brugge, Kaaitheater et Grame/Lyon.

Utopia :: 47 – Tijdens MAfestival Brugge, op 11 en 12 augustus in het Concertgebouw.

Utopia :: 47 – Au MAfestival Brugge, les 11 et 12 août au Concertgebouw.

FR Heinrich Schütz

(1585-1672)

Schütz © Christoph Spetner

a été une des figures clés de la vie musicale allemande au XVIIe siècle. Son œuvre présente en effet un aperçu de tous les genres vocaux de l’époque. Et même s’il a aussi composé quelques œuvres profanes, c’est sa musique religieuse qui lui a valu une célébrité internationale. Parmi ses plus grands chefs-d’œuvre, citons les Cantiones sacrae (1625), Kleine geistliche Konzerte (1636, 1639) et Psalmen Davids (1619).

Un des grands mérites de Schütz a été d’introduire – avec ses contemporains Samuel Scheidt et Johann Schein – le nouveau style italien en Allemagne. Il est vrai qu’avant de devenir maître de chapelle à Dresde, Schütz avait étudié auprès de Giovanni Gabrieli à Venise.

L’œuvre de Schütz est un modèle de diversité. De son Il primo libro de madrigali (1611), par exemple, il apparaît qu’il a très bien étudié la musique de Monteverdi, mais chez lui, le dramatique très poussé de cette musique va de pair avec une écriture harmonique très hardie. Dans ses Cantiones sacrae Schütz illustre bien sa maîtrise des anciennes techniques contrapunctiques. De ce point de vue, il s’inscrit dans une tradition qui remonte jusqu’à Roland de Lassus.

d’Haeseleer © Bérengère Bodin

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FR Eric Sleichim Momentum II

NL Eric Sleichim

(1958)

vestigde zijn reputatie toen hij in de jaren 1980 samen met Thierry De Mey, Peter Vermeersch en Walter Hus de groep ‘Maximalist!’ oprichtte. In 1988 riep Sleichim BL!NDMAN in het leven, een saxofoonkwartet dat nieuwe speeltechnieken ontwikkelt en het repertoire voor het instrument gevoelig aanvult. In 2008 werd BL!NDMAN uitgebreid met de jonge kwartetten BL!NDMAN [drums], BL!NDMAN [vox] en BL!NDMAN [strings].

Als componist-saxofonist verwierf Sleichim internationale faam door de zeer eigenzinnige manier waarop hij de saxofoon benadert; hij maakt zowel gebruik van snerpende veertjes, klanken van kleppen, plof- en smakgeluiden als van de tonale kwaliteiten van het instrument. Sleichim slaat in zijn werk graag bruggen naar andere disciplines. Zo werkte hij behalve met choreografen ook geregeld samen met theatermakers. Voor Jan Fabre maakte hij dan weer de elektro-akoestische score bij de video-installatie/performance The Angel of Death (2003) en hij schreef de muziek voor L’histoire des Larmes, de opener van het Festival d’Avignon 2005.

In zijn speurtocht naar onontgonnen mogelijkheden voor de saxofoon doorkruiste Eric Sleichim alle tijdperken, en concentreerde zich rond de overgang naar de eenentwintigste eeuw op de oude muziek. BL!NDMAN plays Bach (1999) werd een ware succesproductie. Die interesse voor oude muziek neemt niet weg dat ook elektronica altijd een prominente plaats inneemt in Sleichims muziek.

Sleichim © Guy Kokken

(1958)

s’est fait une réputation en fondant dans les années 1980 avec Thierry De Mey, Peter Vermeersch et Walter Hus le groupe ‘Maximalist!’. En 1988, Sleichim a créé le quatuor de saxophones BL!NDMAN en vue de développer de nouvelles techniques de jeu et d’élargir ainsi sensiblement le répertoire pour cet instrument. Vingt ans plus tard, les jeunes quatuors BL!NDMAN [drums], BL!NDMAN [vox] et BL!NDMAN [strings] ont rejoint le projet.

La renommée internationale d’Eric Sleichim en tant que compositeur et saxophoniste lui vient de sa manière très personnelle d’aborder son instrument : outre des qualités tonales de l’instrument, il fait également usage de ressorts grinçants, du bruit des clés et de sons occlusifs et gutturaux. Par ailleurs, Sleichim favorise volontiers le contact avec d’autres disciplines artistiques. C’est ainsi qu’à côté des chorégraphes, il aime travailler avec des créateurs de théâtre. Ainsi a-t-il réalisé entre autres pour Jan Fabre la partition électroacoustique pour l’installation-vidéo/performance Angel of Death et écrit la musique pour L’histoire des Larmes, le spectacle d’ouverture du Festival d’Avignon 2005.

Dans sa quête des possibilités inexplorées du saxophone, Eric Sleichim traverse toutes les époques tout en se concentrant au tournant du XXIe siècle sur la musique ancienne. Son BL!NDMAN plays Bach (1999) notamment a remporté un très large succès, mais cet intérêt pour la musique ancienne n’empêche nullement que l’électronique aussi occupe le devant de la scène dans la musique de Sleichim.

FR Kurt d’Haeseleer (1974) NL Kurt d’Haeseleer (1974) is sinds 2010 de artistieke leider van de Werktank, een Vlaams-Brabants productiehuis voor mediakunst. d’Haeseleer is zelf ook videokunstenaar en produceert video’s en (interactieve) installaties. Het werk van d’Haeseleer draait om de visualisatie en symbolisering van de dynamiek van informatie- en dataverkeer in tijden van glasvezelkabels, computers en modems. Hij onderzoekt de lichamelijke en urbanistieke impact van snelheid en vertaalt de alomvattende aanwezigheid van media naar metabeelden. ‘Special effects’ spelen een belangrijke rol in zijn werk, dat misschien best als een ‘pixeldrama’ of ‘pixelsoap’ omschreven kan worden en zich vaak op het snijvlak van schilderkunst, videoclip, cinema en performance bevindt. d’Haeseleer gaat ook regelmatig aan de slag als videodesigner in theater, dans of opera en maakt ook zijn eigen voorstellingen. Hij ontwierp het videodesign voor de Ringcyclus van Guy Cassiers in de Scala en heeft onder meer samengewerkt met Ictus, Georges Aperghis, Transparant, Kollectif Barakha, Isabella Soupart, Joji Inc, TUK, en Köhn. Met BL!NDMAN werkte hij al eerder samen toen hij S*CKMYP (Brussel 2000 Europese culturele hoofdstad) verfilmde.

Met dank aan Kurt d’Haeseleer en BL!NDMAN.

est depuis 2010 directeur artistique de Werktank, une maison de production pour les arts médiatiques dans le Brabant flamand. Mais d’Haeseleer est d’abord lui-même vidéaste et producteur de vidéos et d’installations (interactives). L’œuvre de d’Haeseleer s’oriente sur la visualisation et la symbolisation de la dynamique du trafic d’informations et de données à l’époque des câbles à fibre optique, des ordinateurs et autres modems. Il enquête sur l’impact physique et urbanistique de la vitesse et transpose la toute-présence des médias en méta-images. Les ‘effets spéciaux’ jouent un rôle important dans cette œuvre qui, se situant souvent aux croisements de la peinture, du clip vidéo, du cinéma et de la performance, se qualifie peut-être le mieux comme ‘drame ou soap pixel’. d’Haeseleer se produit aussi régulièrement comme styliste vidéo pour le théâtre, la danse ou l’opéra tout en créant en plus ses propres représentations. Il a créé le design vidéo pour le cycle du Ring de Guy Cassiers à la Scala de Milan et a collaboré entre autres avec Ictus, Georges Aperghis, Transparant, Kollectif Barakha, Isabella Soupart, Joji Inc, TUK, et Köhn. Il a également déjà travaillé avec BL!NDMAN en filmant S*CKMYP (Bruxelles 2000 capitale culturelle européenne).

Remerciements à Kurt d’Haeseleer et BL!NDMAN.

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Momentum II

BL!NDMAN [vox] © Edwin Theys

Muzikale passie over verleden, heden en de toekomst NL

MAfestival Brugge brengt de Belgische première van de nieuwe productie van BL!NDMAN en Muziektheater Transparant. Eric Sleichim (regie, muziek en scenografie) en Kurt d’Haeseleer (video) spreken vol enthousiasme over hun eerste samenwerking.

Cristina Zavalloni © Maki Galimberti

Opgetekend door Klaas Coulembier

Utopia :: 47 is aangekondigd als een opera/performance.

Waaraan mogen we ons precies verwachten?

Eric Sleichim: Ik heb heel bewust voor die omschrijving gekozen omdat deze productie in vraag stelt wat opera of muziektheater vandaag juist is. Wagner was er al mee bezig hoe verschillende kunsttakken samen konden komen in een totaalervaring voor het publiek, het 'Gesamt-kunstwerk'. Voor BL!NDMAN is het opzoeken van mengvormen van meet af aan belangrijk geweest. Concreet vind ik het niet alleen interessant om te zien wat andere kunstenaars maken binnen hun domein, maar ook – en vooral – vanuit welke reflectie ze tot bepaalde keuzes komen. Utopia :: 47 stelt voortdurend dergelijke vragen: hoe wordt een inhoudelijk gegeven in muziek gegoten? Hoe komen verschillende kunstvormen bij elkaar?

Deze productie is een opera omdat er gezongen personages en karakters zijn, vertolkt door BL!NDMAN [vox] en Cristina Zavalloni. Tegelijk is het ook veel meer dan een opera. Het eerste deel van de voorstelling is een concert met muziek van Schütz op bijbelse passieteksten. De personages in deze muziek zijn - zeker in onze eenentwintigste-eeuwse waarneming - als het ware gedepersonaliseerd. Het tweede deel bestaat uit nieuw gecomponeerde muziek voor de zangeres, begeleid door elektrische gitaren en ‘turntables’. Hier treedt de operazangeres echt op als een personage dat haar gevoelens uit.

Het aspect performance bestaat erin dat de vorm van het werk in vraag wordt gesteld tijdens de uitvoering.

Waar het publiek zich tijdens het eerste deel in een concertsituatie bevindt, wordt het tijdens het tweede deel ondergedompeld in een soort installatie. De overgang tussen die delen is heel belangrijk, het is een soort metamoment, waarbij de reflectie over het werk er tegelijk deel van uitmaakt.

Jullie zijn beiden door de wol geverfde kunstenaars binnen jullie domein, maar hebben jullie ook ervaring met de combinatie van muziek en beeld? Dit is jullie eerste samenwerking. Hoe inspireren jullie elkaar?

Kurt d’Haeseleer: Bij elke samenwerking met andere artiesten ben ik in de eerste plaats heel erg benieuwd. De artistieke taal van anderen leren kennen is bijzonder verruimend en helpt me ook mijn eigen positie in vraag te stellen. Het doel van kunst is onder meer tot dingen te komen die je nog niet kent. Natuurlijk kan je niet altijd alles van nul uitvinden, maar nieuwe benaderingen en uitdagingen zijn erg belangrijk voor mij. Zo vind ik het interessant als ik niet meteen kan plaatsen wat iemand anders me uitlegt.

E.S.: Dat kan ik meteen bevestigen en terugkoppelen naar deze productie. Als ik in de eerste stadia van het concept iets trachtte uit te leggen aan Kurt, en hij begreep niet

meteen waar ik naartoe wilde, was dat voor mij het signaal om er zelf terug over na te denken. Op dat vlak zal Utopia :: 47 het resultaat zijn van een lang groeiproces.

Wat me fascineert, is hoe Kurt in combinatie met muziek niet alleen een eigen ritme creëert in zijn beelden, maar ook een eigen visie toont. Video moet immers meer zijn dan representatie of illustratie. De beelden moeten ‘werken’ in het geheel, ze moeten het publiek doen nadenken door middel van intelligente associaties. Er is een zekere openheid die je niet zou hebben als beeld en muziek in een één op één relatie zouden staan.

K.d.: Tot op vandaag is een en ander nog niet volledig uitgewerkt. Er wordt gezocht naar passende beelden die functioneren binnen het totaalproject. Ik vertrek sowieso van een teveel aan beelden, waaruit zich op dit moment de meer definitieve keuzes ontwikkelen. Het gaat ook niet zozeer om de inhoud van die beelden, maar wel om wat het beeld doet; om welke associaties het oproept in combinatie met de muziek. De videocomponent in deze productie is meer levend dan een film.

De ontmoeting tussen verleden en toekomst staat centraal in het project. Hoe koppel je de historisch beladen muziek van Schütz aan nieuw werk?

E.S.: In zekere zin is Utopia :: 47 een metafoor voor de tegenstelling tussen tonale en atonale muziek. De mu-

ziek van Schütz spreekt ons aan omdat ze ‘mooi’ klinkt.

Deze consonantie doet zelfs vaak vergeten welke gruwelijke taferelen er in de tekst vervat zitten. Het tweede deel van de voorstelling gaat letterlijk in op de tekst en is een soort omgekeerde passie. Hier offert de operazangeres zich niet op voor de gemeenschap, maar offert de gemeenschap zich op om haar te bevrijden. De bezetting is radicaal anders in beide delen; de gesproken rollen maken het conflict concreet. Zo worden er onder andere teksten van Theodor Adorno gelezen, naast musicologische informatie over het belang van Schütz en fragmenten uit het werk van Jonathan Gray.

In welke mate zien we al deze inspiratiebronnen ook terug in de beelden?

K.d.: Ik werk meestal met materiaal dat ik zelf film, maar voor dit project zal dat gecombineerd worden met texturen uit massamedia. Vanuit bevreemdende elementen wordt een futuristisch beeld gecreëerd van hoe de wereld zou kunnen zijn. Ik hou er ook van om beelden te maken in toeristische omgevingen. Heel veel spirituele plaatsen zijn vandaag toeristische trekpleisters geworden, zoals de Mont Saint-Michel.

De sfeer op dit type plaatsen zit in het spanningsveld tussen contemplatie en hedendaags consumptiegedrag. Er is misschien ook een link naar het passieverhaal en de idee van verlossing. Waar dergelijke plaatsen vroeger verlossing moesten brengen, dienen ze vandaag ter ontspanning.

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Passé, présent et avenir dans une passion musicale FR

MAfestival Brugge présente la création belge de la nouvelle production de BL!NDMAN et de Muziektheater Transparant Eric Sleichim (mise en scène, musique et scénographie) et Kurt d’Haeseleer (vidéo) évoquent avec enthousiasme leur première collaboration.

Momentum II

BL!NDMAN [sax] © Guy Kokken

Propos recueillis par Klaas Coulembier

Utopia :: 47 est annoncé comme un opéra/performance. À quoi précisément le public peut-il s’attendre ?

Eric Sleichim : J’ai très consciemment choisi ces termes parce que cette production s’interroge sur ce que représente aujourd’hui l’opéra ou le spectacle musical. Déjà, par le 'Gesamtkunstwerk', Wagner s’était préoccupé de savoir comment réunir les différentes disciplines artistiques pour faire vivre au public une expérience d’ensemble. De son côté, BL!NDMAN a accordé dès le début beaucoup d’importance à la recherche de formes mixtes.

Concrètement, je ne trouve pas seulement intéressant de voir ce que d’autres artistes font dans leur domaine, mais aussi – et surtout – à partir de quelles réflexions ils opèrent certains choix. Utopia :: 47 ne cesse de se poser ce genre de questions : comment adapter un contenu en musique ? Comment rapprocher différentes formes artistiques ?

Cette production est un opéra parce qu’elle met en scène des personnages et des caractères chantés, interprétés par BL!NDMAN [vox] et Cristina Zavalloni. En même temps, elle est beaucoup plus qu’un opéra. La première partie de la représentation est un concert avec au programme de la musique de Schütz sur les textes bibliques de la Passion. Dans cette musique – et certainement pour notre perception du XXIe siècle – les personnages sont pour ainsi dire dépersonnalisés. La seconde partie est constituée de musique nouvellement composée pour la cantatrice, accompagnée de guitares électriques et de tourne-disques. Et ici, la cantatrice se profile vraiment comme un personnage qui exprime ses sentiments.

L’aspect performance se situe dans le fait que la forme de l’œuvre se trouve remise en question au cours de l’exécution. Là où, dans la première partie, le public se trouve dans une situation de concert, il se trouve plongé dans la seconde dans une sorte d’installation. La transition entre les deux est extrêmement importante, c’est une sorte de ‘métamoment’, où une réflexion sur l’œuvre fait en même temps partie de l’œuvre.

Vous êtes tous deux des artistes chevronnés dans vos disciplines respectives, mais avez-vous une quelconque expérience dans la combinaison de la musique avec l’image ? Ceci est votre première collaboration. De quelle façon l’inspiration passe-t-elle de l’un à l’autre ?

Kurt d’Haeseleer : Dans toute collaboration avec un autre artiste, je suis tout d’abord terriblement curieux.

Apprendre à connaître le langage artistique d’autrui est toujours enrichissant et m’aide aussi à remettre en question ma propre position. Le but d’une activité artistique est, entre autres, d’arriver à des choses que l’on ne connaissait pas avant. Il va de soi que l’on ne peut pas toujours tout inventer à partir du point zéro, mais il m’importe terriblement d’affronter de nouvelles approches et de nouveaux défis. Ainsi, je trouve en fait intéressant de ne pas arriver à saisir du premier coup ce que quelqu’un d’autre essaie de m’expliquer...

E.S. : ... ce que je m’empresse de confirmer en me référant à cette production. Quand j’essayais d’expliquer quelque chose à Kurt dans la première phase du concept et qu’il

ne comprenait pas où je voulais en venir, c’était pour moi le signal de me remettre à réfléchir moi-même. Sur ce point, Utopia :: 47 sera l’aboutissement d’un long processus de croissance. Je trouve fascinant de voir comment dans ses images, Kurt ne crée pas seulement un propre rythme en combinaison avec la musique, mais aussi qu’il expose une vision propre. La vidéo doit en effet être davantage que simple représentation ou illustration. Il faut que les images ‘opèrent’ dans l’ensemble, qu’elles fassent réfléchir le public par le biais d’associations intelligentes. Il y a une certaine ouverture qui n’existerait pas si l’image et la musique se trouvaient dans une relation de un à un.

pour l’opposition entre la musique tonale et atonale. La musique de Schütz nous parle par la ‘beauté’ des sons.

Cette harmonie fait même souvent oublier la cruauté des tableaux évoqués par le texte. La seconde partie de cette représentation insiste sur la littéralité du texte pour devenir une sorte de passion à l’envers. Ici, la cantatrice ne se sacrifie pas pour la communauté, mais c’est la communauté qui se sacrifie pour la libérer. La distribution des deux parties est radicalement différente ; les rôles parlés rendent le conflit plus concret. On entend ainsi des textes de Theodor Adorno, des commentaires musicologiques sur l’importance de Schütz et des extraits de l’œuvre de Jonathan Gray.

K.d.: Jusqu’à ce jour, l’une et l’autre chose ne sont pas entièrement achevées, on cherche des images adéquates qui fonctionnent au sein d’un projet d’ensemble.

Mon point de départ est de toute façon un trop d’images d’où se développent en ce moment des choix plus définitifs. Il ne s’agit pas non plus tellement du contenu de ces images, mais bien de ce que fait l’image, des associations qu’elle suscite en combinaison avec la musique.

Dans cette production, le composant vidéo est plus vivant que dans un film.

Dans quelle mesure retrouvons-nous ces sources d’inspiration dans les images ?

Au cœur de ce projet se trouve la rencontre entre le passé et l’avenir. Quel peut être le lien entre une musique historiquement aussi chargée que celle de Schütz et une œuvre nouvelle ?

E.S. : En un certain sens, Utopia :: 47 est une métaphore

K.d.: La plupart du temps, je travaille avec des images que j’ai filmées moi-même. Mais dans ce projet, elles seront combinées avec des textures des mass-média. À partir d’éléments étranges se crée une image futuriste de ce que le monde pourrait être. J’aime aussi faire des images dans les environnements touristiques. De nombreux lieux spirituels comme le Mont Saint-Michel sont devenus aujourd’hui des attractions touristiques. L’ambiance dans ce type de lieux est marquée par une zone de tension entre la contemplation et le comportement de consommation contemporain. Qui sait s’il n’y a pas un lien aussi entre la passion et l’idée de rédemption. Là où de tels lieux devaient apporter jadis la rédemption, ils servent aujourd’hui à la détente.

22 aanbod in de regio Actualité du réseau

Patricia Kopatchinska ja © Berliner Requiem 01.03.2012

Concertgebouw Brugge NL

Requiem, Een reeks vol tragiek en broze schoonheid tijdens seizoen 2011-2012.

Maar weinig muziek heeft een even intense impact op de toehoorder als de muziek voor een dodenmis. Bij het laatste vaarwel wordt de tragiek van dood en afscheid immers recht in het gezicht gekeken. Pas dan, wanneer elke vluchtweg naar valse troost versperd is, blijkt dat in deze tragiek ook een broze schoonheid schuilt. De talloze requiemmissen, van de gregoriaanse tot de hedendaagse, leiden telkens weer nieuwe generaties luisteraars binnen in deze tragische pracht. De aangrijpende dodenmis van Jean Richafort bouwt verder op het gregoriaanse substraat, waar de liturgische tekst heer en meester is. Vanaf de zeventiende eeuw lonken steeds meer operacomponisten naar het requiem. Zij zagen de

gregoriaanse humuslaag echter niet langer als de best denkbare voedingsbodem voor een dodenmis en lazen de liturgische teksten als een libretto vol emoties die om uitvergroting schreeuwen. In de twintigste eeuw grijpen componisten echter wel weer terug naar de fragiele muzikale schoonheid en puurheid van weleer. In een pakkende clash tussen oud en nieuw laten Britten en Rihm de eeuwenoude liturgische teksten opnieuw aan het woord.

Anderen boren nieuwe betekenislagen aan door tradities op hun kop te zetten: een requiem voor de goden, of een requiem voor de requiemmis zelf, als een voorschot op de hemelse feestmuziek. Eén ding is zeker: de dodenmis blijft een van de meest levensvatbare genres.

The Sixteen © Mark Harrison / Ein deutsches Requiem 25.11.2011

FR

Requiem, Une série plein de tragique et de beauté fragile au cours de la saison 2011-2012.

Peu de musique a un impact aussi intense sur l’auditeur que celle d’une messe des morts. Lors de ce dernier adieu, tout le tragique de la mort et de la séparation se regarde en effet en face. Et ce n’est qu’alors, quand toute échappatoire vers de fausses consolations se voit obstruée, que ce tragique semble cacher aussi une fragile beauté. Les innombrables messes de requiem, des grégoriennes jusqu’aux contemporaines, ne cessent d’introduire de nouvelles générations d’auditeurs dans cette splendeur tragique. Le poignant office des morts de Jean de Richafort se développe sur le substrat grégorien où le texte liturgique règne en maître. À partir du XVIIe siècle cependant, de plus en plus de compositeurs d’opéras lorgnent en direction du requiem. Pour eux, le ter-

reau grégorien n’était plus le meilleur bouillon de culture imaginable pour la messe des morts et ils se mirent à considérer les textes liturgiques comme un livret d’opéra débordant d’émotions qui ne demandaient qu’à se voir amplifiées. Au XXe siècle, on retrouve des compositeurs qui retournent à la beauté fragile et à la pureté musicale d’antan. Dans une confrontation saisissante entre l’ancien et le moderne, Britten et Rihm rendent la parole aux textes liturgiques séculaires. D’autres sondent de nouvelles couches signifiantes en bouleversant les traditions : un requiem pour les dieux ou un requiem pour la messe de requiem même en guise d’acompte sur la musique de fête divine. Une chose est sûre : la messe des morts demeure un des genres musicaux les plus viables.

25 aanbod in de regio Actualité du réseau

FR Emmanuel Krivine © Philippe Hurlin

Théâtre d’Arras NL

In zijn bekommernis om een voldoende mix in het aanbod en om de continuïteit te garanderen in de programmering, stelt Théâtre d’Arras grote ensembles centraal.

Om het seizoen 2010-2011 af te sluiten ontvangt het theater een van de meest prestigieuze Franse orkesten: La Chambre Philharmonique onder leiding Emmanuel Krivine die het orkest in 2004 oprichtte, samen met de alom bekende solist Jean-Guihen Queyras. La Chambre Philharmonique behoort tot een nieuw type orkesten: met musici uit de beste Europese ensembles wordt er zowel aan uitwisseling als aan onderzoek gedaan. Daarbij worden zowel historische instrumenten als technieken voor de verschillende repertoires gehanteerd. Jean-Guihen Queyras was lange tijd solist bij het Ensemble Contemporain. De verregaande invloed die Pierre Boulez op hem uitoefende, zorgt voor zijn frisse kijk op het oudere repertoire waarover hij zich buigt.

Omdat het ook trouw is aan zijn kunstenaars, ontvangt Théâtre d’Arras voor de eerstvolgende seizoensopening

Le Concert Spirituel en de dirigent Hervé Niquet die ook in de twee voorbije seizoenen al te gast waren. Gedreven door een typische ‘groepsgeest’, is het ensemble van Niquet een ware referentie geworden voor de vertolking van zowel religieuze en lyrische muziek als barok repertoire. Het ensemble werkt op dat vlak nauw samen met het Centre de Musique Baroque de Versailles en houdt eraan zowel de grote Franse, Duitse als Italiaanse componisten aan het publiek voor te stellen.

Na vier weken residentie in het Théâtre, brengt La Clef des Chants dit jaar de wereldpremière van The Turn of the Screw, een bewerking door Benjamin Britten van Henry James’ fantastische novelle. La Clé des Chants bespeelt een brede waaier aan lyrische genres en vormen, gaande van operette, musical en straatopera tot hedendaagse opera.

Privilégiant la mixité des propositions et inscrivant sa programmation dans une certaine continuité, le Théâtre d’Arras propose un axe autour des grandes formations :

La saison 2010-2011 s’achève avec la venue de l’un des orchestres français les plus prestigieux : La Chambre Philharmonique dirigée par Emmanuel Krivine qui l’a fondée en 2004, et du soliste international Jean-Guihen Queyras. Orchestre d’un genre nouveau, réunissant des musiciens issus des meilleures formations européennes, La Chambre Philharmonique est aussi un lieu d’échange et de recherche, retrouvant les instruments et les techniques historiques appropriés aux divers répertoires.

Jean-Guihen Queyras, longtemps soliste de l’Ensemble Intercontemporain, profondément influencé par son travail avec Pierre Boulez, porte un regard renouvelé sur les répertoires plus anciens qu’il interprète.

Fidèle aux artistes, le Théâtre d’Arras reçoit pour l’Ouverture de la Saison prochaine le Concert Spirituel que dirige Hervé Niquet, accueilli lors des deux saisons précédentes. Mû par un indéniable 'esprit de troupe', l’ensemble d’Hervé Niquet s’est imposé comme une référence dans l’interprétation des musiques sacrée, lyrique et baroque. Il collabore étroitement avec le Centre de Musique Baroque de Versailles et s’attache à faire entendre les grands compositeurs du patrimoine français, italien, anglais…

Après une résidence de quatre semaines au Théâtre, La Clef des Chants crée cette année The Turn of the Screw, adaptation d’un roman fantastique d’Henry James par Benjamin Britten. Allant de l’opérette à l’opéra contemporain, en passant par la comédie musicale et l’opéra de rue, la Clef des Chants déploie un large éventail de genres et de formes lyriques.

Jean-Guihen Queyras © Yoshinori Mido

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aanbod in de regio Actualité du réseau

FR

© DR

Opéra de Lille NL

Als seizoensopener 2011-2012 brengt Opéra de Lille 'The Rake’s Progress', een nieuwe productie waarin de onverbrekelijke band tussen de muzikale tijdperken opnieuw blootgelegd wordt.

Als componist is Stravinsky altijd een vurig voorstander geweest van de moderniteit, maar voor The Rake’s Progress dat hij halfweg de twintigste eeuw componeerde, heeft hij verregaande inspiratie gehaald uit de achttiendeeeuwse klassieke muziek. Op het hoogtepunt van een indrukwekkende carrière, verkneukelde Stravinsky zich hier aan het vervagen van de stilistische grenzen door de draad weer op te pikken van de traditie die van Händel over Mozart tot Rossini reikt. Zoals in Così fan tutte of Don Giovanni, is de intrige vaak cynisch, respecteert de partituur de onderverdeling in duidelijk onderscheiden taferelen en worden de recitatieven op klavecimbel begeleid. Als Stravinsky in zijn grote opera voortdurend “op de wijze van...” componeert, doet hij dat om het operamodel opnieuw uit te vinden en om het een nieuwe jeugd te geven.

Wat telt voor Stravinsky is dat hij vrijuit muziek kan componeren die door haar ironie en levendigheid contrasteert met het sombere verhaal dat gebaseerd is op een reeks van acht gravures van de Britse schilder William Hogarth (1697-1764): A Rake’s Progress. Daarnaast

wordt er uitdrukkelijk verwezen naar de Faustmythe. Die is voortdurend aanwezig in de schaduw van Tom Rakewell, de zielige hoofdfiguur die een onverhoopte erfenis verbrast in kansspelen en bordelen. Hij trouwt met een gebaarde vrouw, Baba de Turk, en zijn verval mondt ten slotte uit in een opname in een krankzinnigengesticht.

In deze nieuwe productie waakt een heilige drievuldigheid over Rakewells afdaling naar de hel: toegewijde Mozartsolisten, een orkest dat perfect in staat is het indringende en vlijmscherpe karakter van de partituur weer te geven (Het Orchestre de Picardie met zijn kersverse dirigent Arie van Beek) en de regisseur David Lescot die in zijn theaterwerk van een intens muzikaal temperament getuigt.

Za 8, di 11, do 13 en wo 19 oktober om 20u, zo 16 oktober om 16u.

The Rake’s Progress, opera van Igor Stravinsky Muzikale leiding Arie van Beek, regie David Lescot, met het Orchestre de Picardie en de Chœur de l’Opéra de Lille.

© DR

L’Opéra de Lille propose comme événement d’ouverture de saison 2011-2012 une nouvelle production de 'The Rake’s Progress', œuvre qui recrée le lien indissociable entre les époques musicales.

Créé au beau milieu du XXe siècle et composé par Stravinsky, compositeur qui s’est toujours attaché à défendre la modernité, The Rake’s Progress s’inspire profondément de l’héritage musical classique du XVIIIè siècle.

Au faîte d’une carrière prodigieuse, Stravinsky s’amuse, au travers de cet opéra, à brouiller les pistes stylistiques en renouant les fils défaits d’une tradition qui va de Haendel à Rossini en passant par Mozart.

Comme dans Così fan tutte ou Don Giovanni, l’intrigue est cynique à souhait, la partition respecte un découpage en plusieurs scènes bien distinctes et le clavecin accompagne les récitatifs.

Si le grand opéra de Stravinsky multiplie les tournures 'à la manière de', c’est pour mieux réinventer le modèle lyrique, lui donner une nouvelle jeunesse. Ce qui compte pour le compositeur, c’est la liberté de ton au service d’une musique qui s’inscrit par sa vivacité en ironique contrepoint d’une sombre histoire inspirée d’une série de huit gravures du peintre britannique William Hogarth (1697-1764) : A Rake’s Progress. Autre référence très présente, le mythe faustien est tapi dans l’ombre de Tom Rakewell, piètre héros qui dilapide un héritage inattendu dans le jeu et les maisons closes. On le voit convoler avec une femme à barbe, Baba la Turque, et terminer sa déchéance dans un asile de fous.

Avec cette nouvelle production, la descente aux enfers de Rakewell bénéficie d’une sainte trinité : des solistes mozartiens dans l’âme, une formation orchestrale capable d’aiguiser le tranchant incisif de la partition (l’Orchestre de Picardie avec son nouveau chef, Arie van Beek) et un metteur en scène, David Lescot, dont le travail théâtral fait preuve d’un intense tempérament musical.

Sa 8, Ma 11, Je 13, Me 19 octobre à 20h, Di 16 octobre à 16h The Rake’s Progress, Opéra de Igor Stravinsky Direction Musicale Arie Van Beek - Mise en scène David Lescot - Avec l’Orchestre de Picardie et le Choeur de l’Opéra de Lille.

Seelenvoll © Gregoir Nieuwenhuyse

© photojoost.com

Tae-Hyung Kim © Gregoir Nieuwenhuyse

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aanbod in de regio Actualité du réseau

Festival van Vlaanderen Kortrijk

Maia Urstad: Meanwhile in Shangai © photojoost.com

NL Het Festival van Vlaanderen Kortrijk opende op 5 mei 2011 met The Hilliard Ensemble. Tot 22 mei kon het publiek genieten van tal van concerten, de muzikale stadshappening Stadsmuziek, de geluidskunsttentoonstelling Klinkende Stad: Resonance, workshops en lezingen. Ruim 2.500 bezoekers waren te gast op het festival.

Seelenvoll © Gregoir Nieuwenhuyse

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Een verslag door de fotografen Gregoir Nieuwenhuyse en Joost Demuynck.

L’ouverture du Festival van Vlaanderen Kortrijk, le 5 mai 2011, a été assurée par The Hilliard Ensemble. Jusqu’au 22 mai, un public fervent a applaudi les nombreux concerts, le happening musical Stadsmuziek, l’exposition de l’art sonore Ville Sonore: Resonance, les workshops et lectures. Sur toute la durée du festival, plus de 2.500 auditeurs et spectateurs sont venu rejoindre la ville de Courtrai.

The Hilliard Ensemble © Gregoir Nieuwenhuyse

Un reportage en images par les photographes Gregoir Nieuwenhuyse et Joost Demuynck.

Capilla Flamenca in het/au Broelmuseum © Gregoir Nieuwenhuyse Octurn © Gregoir Nieuwenhuyse

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info & agenda

Concertgebouw Brugge ‘t Zand 34, 8000 Brugge Info +32 (0)50 47 69 99 (Lu-Ve/Ma-Vr: 10:00-18:00) Tickets +32 (0)70 22 33 02 (Lu-Ve/Ma-Vr 16:00-18:30) Ouvert/Open Lu-Di / Ma-Zo 10:00-18:00. www.concertgebouw.be

NL Concertgebouw Brugge is een internationaal muziek- en podiumkunstencentrum dat zich richt op de ontwikkeling en presentatie van kunst op een internationaal niveau. Het Concertgebouw kiest voluit voor muziek, muziektheater en hedendaagse dans en speelt een belangrijke rol als expertise- en kunstencentrum.

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Le Concertgebouw est un centre international de musique et des arts scéniques qui s’est donné pour mission le développement et la présentation de performances artistiques de niveau international. Le Concertgebouw s’engage résolument dans les domaines de la musique, du spectacle musical et de la danse contemporaine tout en assumant un rôle important en tant que centre d’expertise et d’art.

10/9/2011 : Bamberger Symphoniker o.l.v. / s.l.d. de Jonathan Nott, Pierre-Laurent Aimard (piano) : Ravel, Messiaen, Dvorák 16/9/2011 : Venice Baroque Orchestra : Vivaldi : Stabat Mater, Gloria 25/10/2011 : Grigory Sokolov (piano) : Bach : Clavier-Übung II 4-6/11/2011 : Domaine/Domein Kaija Saariaho : À la lumière de Claude Debussy / In het licht van Claude Debussy 1-12/12/2011 : December Dance 11 curated by Akram Khan 15-18/12/2011 : Domaine/Domein Paul Van Nevel, Huelgas Ensemble

MAfestival Brugge ‘t Zand 34, 8000 Brugge Admin +32 (0)50 33 22 83 Tickets +32 (0)70 22 33 02 (Lu-Ve/Ma-Vr 16:00-18:30) Ouvert/Open Lu-Ve/Ma-Vr 09:30-17:00 www.MAfestival.be - info@mafestival.be

NL MAfestival (Festival van Vlaanderen) Brugge is een sturend, kritisch en eigentijds festival gespecialiseerd in oude muziek. Voor de uitgebreide reeks concerten – ieder jaar rond een centraal thema – trekt het festival internationale solisten, ensembles en orkesten aan van hoge kwaliteit.

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MAfestival Brugge (Festival de Flandre Bruges) est un festival initiateur, critique et contemporain, spécialisé dans la musique ancienne. L’impressionnante série de concerts programmée chaque année autour d’un thème central, fait intervenir des solistes, des ensembles et des orchestres de tout premier plan.

Concertgebouw Brugge © Jan Termont

5/8/2011 : Academia Montis Regalis o.l.v. / s.l.d. d’Alessandro de Marchi, Roberta Invernizzi (sopraan/soprano), Robin Johannsen (sopraan/ soprano) e.a. : Händel : Dixit Dominus 6/8/2011 : Stile Antico : Song of Songs: Sensuele polyfonie uit de Renaissance / Stile Antico : Song of Songs: Polyphonie sensuelle de la Renaissance 7/8/2011 : Pygmalion o.l.v. / s.l.d. Raphaël Pichon : Jesu Meine Freude / Motetkunst uit de zeventiende en achttiende eeuw / L'art d'écrire des motets aux XVIIe et XVIIIe siècles 12/8/2011 : Collegium 1704 o.l.v. / s.l.d. de Vaclav Luks, Raffaella Milanesi (sopraan/soprano) e.a. : Zelenka : De Tsjechische Bach / Zelenka : le Bach tchèque.

13/8/2011 : Ars Antiqua Austria o.l.v. / s.l.d. de Gunar Letzbor, Markus Forster (alt/alto) e.a. : von Biber, Hochreither : Requiem

Théâtre d’ Arras

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Opéra de Lille © Frédéric Iovino

info & agenda

Théâtre d’Arras 7 Place du Théâtre, Arras Admin +33 (0)3 21 71 76 30 Tickets +33 (0)3 21 71 66 16 Ouvert/Open Ma-Ve/Di-Vr 12:30-14:00/17:00-19:30 Sam/Za 11:00-13:00/14:00-18:00 www.theatredarras.com - contact@theatredarras.com

Opéra de Lille Admin 2 rue des Bons-Enfants, Lille +33 (0)3 28 38 40 50 Tickets rue Léon Trulin, Lille +33 (0)820 48 9000 Ouvert/Open Ma-Sam/Di-Za 12:00-19:00 www.opera-lille.fr - info@opera-lille.fr

NL Opéra de Lille stelt een gevarieerd operaprogramma voor: barokwerken en opera’s uit het grote repertoire, maar ook nieuw werk van hedendaagse componisten.

Ook hedendaagse dans speelt een eersterangsrol in dit eclectisch en ambitieus artistiek project dat zich tot een breed publiek richt.

FR

L’Opéra de Lille propose une programmation lyrique variée : ouvrages baroques, opéras du grand répertoire et créations d’œuvres de compositeurs d’aujourd’hui. La danse contemporaine joue également un rôle de premier plan dans ce projet artistique éclectique, ambitieux et ouvert à un très large public.

NL Théâtre d’Arras buigt zich sinds 2009 over muziek en theater. Zonder enige vrees voor artistieke risico’s, wil het de ontplooiing van de verbeelding bevorderen en haar initiatieven met een zo breed mogelijk publiek delen. À partir du/vanaf 8/10/2011 : Orchestre de Picardie, Chœur de l’Opéra de Lille o.l.v. / s.l.d. d’Arie Van Beek, David Lescot (mise en scène/regie) : Stravinsky : The Rake’s Progress À partir du/vanaf 5/11/2011 : Le Concert d’Astrée o.l.v. / s.l.d. d’Emmanuelle Haïm, Jean-Yves Ruf (mise en scène / regie) : Haendel : Agrippina 18-19/11/2011 : Ictus, Jérôme Combier et/en Pierre Nouvel (mise en scène/regie) : Jérôme Combier : Austerlitz 24, 25, 26/11/2011 : Rosas (Anne Teresa De Keersmaeker), Graindelavoix (Björn Schmelzer) : Wereldpremière 2011/ Création 2011 7-8/12/2011 : Chœur et orchestre du Concert d’Astrée o.l.v. / s.l.d. d’Emmanuelle Haïm : Haydn : Die Schöpfung

FR Scène conventionnée Musique et Théâtre depuis 2009, le Théâtre d’Arras est une infrastructure culturelle à vocation pluridisciplinaire. Son souhait est toujours d’accompagner le risque artistique, d’élargir le territoire de l’imaginaire et de proposer le bénéfice de toutes ces dimensions aux publics les plus divers.

9/6/2011 : La Chambre philharmonique o.l.v. / s.l.d. d’Emmanuel Krivine, Jean-Guihen Queyras (violoncelle/ cello) 23/9/2011 : Le Concert spirituel o.l.v. / s.l.d. d’Hervé Niquet: Vivaldi 29-30/9/2011 : La Clef des Chants : The Turn of the Screw (nieuwe productie/nouvelle production) 15/11/2011 : Michel Portal 11/12/2011 : Thierry Rosbach

Thierry Rosbach

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info & agenda

Festival van Vlaanderen Kortrijk

Geassocieerde partners Partenaires associés

Admin Conservatoriumplein 1, 8500 Kortrijk +32 (0)56 22 64 50 Tickets Uit in Kortrijk, Schouwburgplein 14, 8500 Kortrijk +32(0)56 23 98 55 Ouvert/Open Lu-Me-Ve /Ma-Wo-Vr 10.00-12.30 & 13.30-18.00 Ma/Di & Je/Do 13.30-18.00 www.festivalkortrijk.be - info@festivalkortrijk.be

NL Al meer dan vijf decennia maakt het Festival van Vlaanderen jong en oud warm voor klassieke en hedendaagse muziek. Een muziekfestival dat over de vakjes van genres heen programmeert: van klassiek tot hedendaags, van muziek uit de wereld tot geluidskunst.

Volgende editie van 26 april tot 13 mei 2012

CULTUURCENTRUM KORTRIJK

ORCHESTRE NATIONAL DE LILLE

UiT in Kortrijk, Schouwburgplein 14, 8500 Kortrijk Admin +32 (0)56 23 98 50 Tickets +32 (0)56 23 98 55 open Lu-Me-Ve/Ma-Wo-Vr 10:00-12:30/13:30-18:00 Ma-Je/Di-Do 13:30-18:00 www.cultuurcentrumkortrijk.be - cultuurwinkel@kortrijk.be

Admin 30 place Mendès France, Lille Tickets 3 place Mendès France, Lille +33 (0)3 20 12 82 40 open Lu-Ve/Ma-Vr 9.00-18:00 www.onlille.com - info@onlille.com

© photojoost.com

beneluxstore harmonia mundi

FR

Depuis plus de cinquante ans, le Festival van Vlaanderen (Festival de Flandre) intéresse jeunes et moins jeunes à la musique classique et contemporaine grâce à une programmation qui transcende les genres : du classique au contemporain, de la musique du monde à l’art sonore.

Prochaine édition du 26 avril au 13 mai 2012

benelux

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© photojoost.com

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© Dennis Adams, Patriot, 2001 (detail). Courtesy Gabrielle Maubrie Gallery

NL

2012 & 2013 KOMENDE MOMENTUMS LES MOMENTUMS À VENIR

FR

MOMENTUM 3

MOMENTUM 3

Concertgebouw Brugge (februari 2012) Multidisciplinair festival Come On! Let's Party!, in het kader van 10 jaar Concertgebouw.

Concertgebouw Brugge (février 2012) Festival multidisciplinaire Come On! Let's Party!, dans le cadre du dixième anniversaire du Concertgebouw.

MOMENTUM 4

MOMENTUM 4

Théâtre d’Arras (mei 2012) Festival rond de Franse componist Philippe Leroux.

Théâtre d’Arras (mai 2012) Festival autour du compositeur français Philippe Leroux.

MOMENTUM 5

MOMENTUM 5

Festival van Vlaanderen Kortrijk Cultuurcentrum Kortrijk (april 2013) Festivaleditie met een tentoonstelling rond geluidskunst.

Festival de Flandre Courtrai Cultuurcentrum Kortrijk (avril 2013) Édition du festival + exposition sur l’art sonore.

www.muzemuse.eu