RIF: J-31110712-6
Construye Ideas Volumen 12 - Número 102
Revista Gratuita a Nivel Nacional
www.construarte.com.ve
Decoración y Diseño
Anna Fioravanti y sus “metáforas visuales” Natalia Procopovich, libertad en retrospectiva
Juvia, diseño y arquitectura majestuosa J-31525318-6
En Portada
Restaurante Juvia, un pequeño paraíso creado en lo alto de un edificio ubicado en South Beach, Estados Unidos. La majestuosidad con la que fue creado este lugar, hizo que la Fundación James Beard premiara en 2013, al arquitecto venezolano Alejandro Barrios en la categoría de “Mejor diseño de restaurante en Estados Unidos”.
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Arquitectura Juvia, diseño y arquitectura majestuosa
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ARTE: Anna Fioravanti y sus “metáforas visuales”
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INSTITUCIONALES: Premiación de la II Bienal Salón Nacional del Dibujo y la Estampa se celebró en Valencia
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TENDENCIA: Tapizado vintage: tus muebles merecen una segunda oportunidad
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ARTE: Tapizado vintage: tus muebles merecen una segunda oportunidad
Tendencia
ARTE
La gran familia de ConstruArte les hacemos llegar nuestro más cordial saludo en estas fechas decembrinas, para agradecerles por su preferencia y confianza... Que estas festividades navideñas traigan consigo abundancia, paz, amor, bienestar y unión para cada uno de sus hogares y familias. Además les deseamos un venturoso 2016, lleno de éxito y oportunidades. ¡Feliz Navidad y Próspero Año Nuevo! RIF: J-31110712-6
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Texto: Alexandra Clisánchez.
Juvia, diseño y arquitectura majestuosa
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na bella vista de la ciudad, brisa fresca, el ambiente ideal para relajarse y degustar una buena comida… todo eso y más es Juvia, un pequeño paraíso creado en lo alto de un edificio ubicado en South Beach, Estados Unidos. La majestuosidad con la que fue creado este lugar, hizo que la Fundación James Beard premiara en 2013, al arquitecto venezolano Alejandro Barrios en la categoría de “Mejor diseño de restaurante en Estados Unidos”, convirtiéndose Barrios en el primer latinoamericano en obtener el prestigioso galardón. El restaurante Juvia forma parte del complejo multifuncional Lincoln Road ubicado en South Beach y diseñado por la famosa firma de
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arquitectos suizos Herzog & De Meuron. El espacio gastronómico se encuentra en el techo de un edificio de oficinas de los años 70, al cual se le anexó un estacionamiento escultórico, una plaza peatonal a nivel de la calle con una serie de locales comerciales. La maravillosa vista, el jardín vertical, la fuente de agua ubicada en el centro de la terraza, el mobiliario, la cocina
abierta, es una combinación de materiales y colores en una total armonía. Para que el proyecto fuera posible el diseño tuvo que crearse de acuerdo a la permisología de Miami, tomando en cuenta los huracanes, las personas con discapacidad, los permisos de bomberos, sanidad, entre otros.
Arquitecto-Diseñador de Interiores Alejandro Barrios es uno de los arquitectos venezolanos con más actividades profesionales en el exterior. Su obra se refleja en espacios comerciales en Estados Unidos, Europa y América Latina, con una propuesta que hilvana a la perfección la arquitectura con el interiorismo. Este creador caraqueño de más de 60 locales, se ha convertido en garante de diseños exitosos. Arquitecto egresado de la Universidad Central de Venezuela, no ha dejado de ser galardonado desde que se especializó en diseño de interiores en la Parson’s School of Design de Nueva York en el año 2000. “La arquitectura y el interiorismo son mi razón de ser. Soy Arquitecto-Diseñador de Interiores. Lo veo como una sola especialidad, ya que tuve la suerte de poder estudiar las dos carreras y darme cuenta de lo bueno y lo malo que tiene cada una,
expresó Barrios para el portal web Hábitat Plus Florida. Las obras de Alejandro Barrios no reflejan moda, sino la vigencia de lo atemporal. Su regla de oro es buscar “respuestas” que sean emblemáticas. No es amigo de las fórmulas mágicas para resolver los problemas de espacios interiores; y subraya la necesidad de tener un concepto claro, y que el proyecto tenga su paleta de materiales, para hacerlo lo más cálido posible.
Premios y galardones 2014 • James Beard Foundation Outstanding Restaurant Design, NY, USA. 2010 • Invitado de Honor –Cuarto Salón de Arquitectura Interior SAI, Caracas, Venezuela. 2009 • Featured Alumni- Parsons School of Design AAA Interior Design work vol. 3, New York, USA. 2 008 • Primer Salón de Arquitectura Interior SAI, Caracas, Venezuela. 2007 • Primer Salón de Arquitectura Interior SAI, Caracas, Venezuela. Premio- BTicino Special Award. 2000 • Exhibición en Parson´s School of Design Gallery, New York, USA. Primer Premio- New York Decorator’s Club Award, New York, USA.
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Texto: Alexandra Clisánchez. Fotos: Cortesía del Artista
Arte
Anna Fioravanti y sus “metáforas visuales”
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n encuentro íntimo con la naturaleza y el alma, es lo que emana la obra de la artista plástico y poetisa ítalo-venezolana Anna Fioravanti, quien en la década de los 70 se inició de forma autodidacta con la pintura, atraída por los paisajes, la figura humana y las flores.
Varios años más tarde, se guío por sus sentido autocrítico, el deseo de explorar, descubrir que quería realmente decir y la necesidad de buscar su identidad, lo que la llevó a concluir que el estudio y la investigación eran importantes si quería realmente avanzar en el mundo del arte. Fioravanti, se inscribió en el Centro Piloto
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del Ateneo de Valencia y estudió por cinco años arte puro, etapa en la que descubrió que si permanecía anclada a la pintura, sería como atarse las manos, “no explorar era como repetir una sola vocal deseando articular una palabra”, expreso la artista que desde entonces trabaja en función de lo que siente y quiere decir. No utiliza figuras temáticas ni materiales específicos a modo de identidad. “No me ato a las técnicas, no sabría cómo seguirlas
al pie de la letra, las conozco solo para desafiarme a romperlas”. La poesía inspiración
como
fuente
de
Sin embargo, la creadora asegura que la palabra es su obra, a través de los versos que hacen líneas y puntos en el espacio, contornos y siluetas, que le permiten reflejar dos mundos que se hacen un solo universo: la imagen y la palabra, su coexistencia: vida–muerte, su polaridad: encuentro-desencuentro; son la clave que Anna busca para decir y proponer arte. Arte que realiza principalmente porque le ofrece realidades en perpetua renovación, para satisfacer sus búsquedas personales en cuanto a experiencias y sensaciones, pues considera que sus trabajos nacen de una emoción, de un sentimiento, de las lecturas, de la vida, de una melodía, de cosas que la motivan. De hecho, en su más reciente muestra denominada Al Abrigo de la Casa, expuesta en octubre en la Sala expositiva de la Hermandad Gallega de Valencia. Anna proyectó poesía y metáforas a través de sus pinturas, reflejando lo que percibe de forma externa sobre el calor del hogar, espacio donde alcanza su creación. Las tórtolas, arboles, pequeñas casas, palabras, lunas y algún rostro de mujer en estas piezas; nos describen que el vuelo y el canto de la palabra prevalecen en su trabajo, motivada generalmente por los versos del poeta guatemalteco Humberto Ak´abal, y del venezolano Eugenio Montejo.
¿Cuál es su musa? Me inspira la poesía que leo y escribo. La poesía en mis trabajos es el inicio y el final de un círculo perfecto, el poema crea imágenes en mi mente que toman cuerpo físico en mis trabajos, y ellos se transmutan en metáforas visuales. ¿Para realizar su proceso creativo práctica algún hábito? No puedo iniciar a trabajar sin primero meticulosamente ordenarlo todo. Pero una vez iniciado el trabajo no me detengo, todo lo que estaba colocado de manera alineada y metódica, se vuelve un caos y se apodera del espacio y a partir de ese momento hasta una mancha en el piso debe permanecer inmutable (…) porque ese caos tan íntimo, aunado a los sonidos de la vida: el trinar de los pájaros, el silbido dulce de la brisa, el silencio que me rodea que trae sonidos lejanos, se convierte en un ambiente armónico y perfecto. Hasta que todo concluye y luego el ciclo se repite.
Por último, Fioravanti parafraseando a Sir Ernst Hans Josef Gombrich (historiador de arte británico) opina que no hay arte en realidad, sino artistas. “El arte es producto del talento personal, de la habilidad singular, de la excelencia de un ser concreto y específico. Puedo decirte que es un lenguaje universal y un modo de comunicar. Para mí el arte es poesía, y parte esencial de la vida. El arte es una emoción…una mezcla de fantasía, utopía y realidad”.
Rif.: 29827570-7
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¡Porque cuidamos tu salud y la de tu familia! Por: Dra. Bárbara Briceño
En épocas decembrinas acostumbramos a ingerir más alimentos de lo acostumbrado. Las festividades, la rica gastronomía venezolana, cada compartir y reunión familiar es una oportunidad para darle placer a nuestro paladar.Sin embargo, tanto los alimentos como su preparación son de vital importancia para nuestra salud; el agua con la que preparamos todos estos alimentos debe ser segura, para garantizar bienestar y salud a su familia en esta época del año. Desde las asociaciones y organizaciones mundiales hablamos de Agua Segura: potable, libre de virus, bacterias, metales pesados, desechos de las industrias, sulfuro de hidrógeno y trihalometanos, ya que tener estos contaminantes presentes en el agua que ingerimos y con la que preparamos los alimentos que vamos a consumir puede ser de alta peligrosidad para nuestra salud. Durante pocos días de uso, esta agua, probablemente no tendrá ningún síntoma perceptible, pero el uso prolongado de agua con esas características puede ocasionar daños severos; y los más vulnerables son los niños.
Los infantes pueden presentar un sinfín de síntomas evidentes o no para muchos padres, hasta que el daño resulta irreversible. Un ejemplo de ellos es la Cólera y la Hepatitis A, que se producen por consumir agua contaminada con heces fecales o alimentos manipulados con agua contaminada. La navidad es sinónimo de celebración, alegría, reuniones familiares, reconciliación y reflexiones, siendo esta ultima la más importante cuando de bienestar se trata. Queremos transmitirle la importancia del consumo de un agua segura, para que sus hallacas, tortas, panes y demás platos típicos de nuestra gastronomía navideña sean preparados con la mejor calidad posible, y que la única consecuencia de ingerir esos deliciosos platos sean unos kilos de más. LIPECA, les desea Paz, Amor, Salud; una Feliz Navidad y un Próspero y Exitoso Año Nuevo… que la felicidad reine en sus hogares.
Institucionales
Premiación de la II Bienal Salón Nacional del Dibujo y la Estampa se celebró en Valencia
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a Fundación Museo Gabinete del Dibujo y la Estampa de Valencia dio clausura el pasado 29 de noviembre, a la II edición de la Bienal Salón Nacional del Dibujo y la Estampa, certamen de las artes visuales, con temática libre y abierto a creadores venezolanos y extranjeros residenciados en el país, que buscan estimular la creación y confrontación en las diversas formas de expresión de estas disciplinas. El concurso inició el 15 de junio con el apoyo conjunto del Hotel Guaparo Inn, Lácteos Doña Flora y nuestra revista, aliados que aportaron ayuda humana y financiera en la realización de este importante evento para las artes plásticas del país. Un total de 290 obras de todo el país fueron evaluadas por el jurado responsable de la admisión y premiación, conformado por el artista y museógrafo Alberto Asprino, el investigador y crítico de arte, Rafael Santana, el artista plástico Eduardo Bárcenas. 57 creaciones fueron las seleccionadas, representadas por 58 artistas provenientes de Aragua, Barinas, Carabobo, Distrito Capital, Falcón, Lara, Miranda, Mérida, Nueva Esparta, Yaracuy y Zulia. Resultando los siguientes ganadores: el Premio Bienal II Salón Nacional de Dibujo y Estampa, fue otorgado a Ramsés Larzábal, por su obra: 7 trazos para un dibujo infinito; Premio de Dibujo Oswaldo Vigas, Harry Schuster, por su obra: Escenario de la memoria; Premio de Estampa Luis Guevara
Moreno, otorgado a: Carlos Eduardo Araujo, por Pareidolia; Bolsa de trabajo León Topel Capriles, otorgado a: Ismael Rodríguez, por su obra: Cocinera. Igualmente, el jurado otorgó mención honorífica a las artistas: Mariana Cano, por su obra: Memorias de un paisaje; Cecilia Hecht, por su obra: Inesperada esperada luminosidad; Gisela Romero, por su obra: Orinoco; Lihie Thalmor, por su obra: Serrefugio_2; y Luisetta Vozza Benedetti, por su obra: Fantasía. Es importante destacar que ésta segunda edición rindió homenaje a la obra y trayectoria de la maestra Luisa Palacios (1923-1990), quien incursionó en la compleja técnica del agua de azúcar combinada con aguatinta y ha sido considerada como una de las grabadoras venezolanas más representativas del siglo XX, por su constante trabajo y su invaluable aporte en la educación y promoción de esta disciplina, además de ser merecedora del Premio Nacional de Dibujo y Grabado en su edición del año 1963.
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Tendencias J-07543079-4
Tapizado vintage: tus muebles merecen una segunda oportunidad Texto: Alexandra Clisánchez. Contacto: periodista.clisanchez@gmail.com.
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l tapizado vintage de los muebles y sillas que formaron parte de nuestros espacios en otra época, pero no se encuentran en buen estado, es la nueva tendencia en decoración de interiores. A pesar de que la práctica de la reutilización de mobiliario a través del tapizado es antigua, actualmente se realiza porque las personas buscan darle a su hogar un toque diferente, incorporando elementos antiguos y combinándolos con diversos estilos, más que por razones económicas. Al momento de tapizar un mueble, se debe evaluar la calidad y estado del mismo para saber si realmente durará por más tiempo, y se debe tener certeza del estilo que se quiera proyectar. Si se trata de un gusto sofisticado, la técnica de capitoné es la indicada para aportar un toque de distinción. El tapizado capitoné, fue un símbolo de status social durante el siglo XVI, se deja ver nuevamente en nuestros días como uno de los favoritos, en cuanto a decoración se refiere.
Esta técnica tiene una compleja elaboración, que muy pocas personas en el mundo aún dominan, por lo que existe la alternativa del falso capitoné, confeccionado con trozos de diversas telas y texturas que se unen por los vértices, sobre los cuales se realizan las costuras y se aplican los botones. Los muebles con este tapizado puedes combinarlos con marcos en madera barnizados. La perfección de estos acabados le aportará un toque especial a cualquier mueble, pues no solo es apto para tapicerías de butacas, sillas y sillones, pues su uso se extiende a las cabeceras de cama e incluso paredes. Cabe destacar, que este recurso decorativo se utilice sin abusar, ya que visualmente domina sobre cualquier otro estilo y fácilmente recargaría el ambiente. Lo recomendable es ubicarlo junto a piezas de línea simple y moderna para obtener un resultado clásico. No temas usarlo osadamente con colores, intensos y saturados, el resultado será muy vanguardista
Texto: Alexandra Clisánchez. Fotos: Cortesía del Artista
Arte
“Desde tiempos remotos las flores constituyen una forma de comunicación, transmiten un mensaje”, Marcos Federico.
Natalia Procopovich, libertad en retrospectiva
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apices es el nombre de la muestra de la artista plástico Natalia Procopovich, la cual estuvo abierta al público en la Sala expositiva de la Hermandad Gallega de Valencia en octubre. La exposición está compuesta por obras que reflejan lo sublime de las calas, las flores de lis, las cuales abundaban en los espaciosos y corredores de la casa colonial de La Pastora donde la creadora vivió su infancia; y las cayenas representando el sentimiento de su madre. También se encuentra presente el árbol chaparro que habitaba en la casa de su abuelo y le fascinaba, así como el papel
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ConstruArte
tapiz de las paredes de su cuarto durante la niñez, el cual compartía con sus hermanas; convirtiendo así a Tapices (de manera inconsciente) en una retrospectiva hermosa de recuerdos de su niñez, a través de su mayor inspiración y objeto de estudio durante años: las flores. Su muestra nos hace viajar en el tiempo y admirar lo más cercano a las paredes tapizadas y jardines de antaño, desde su percepción de la calidez interna del hogar. La artista no intenta igualar la realidad, por el contrario, prefiere explorar las infinitas variaciones estéticas.
Obras llenas de recuerdo
Reconocimientos
Natalia Procopovich es artista desde que tiene uso de razón ya que pintaba y dibujaba desde niña. A través de sus obras figurativas busca reflejar libertad, nos lleva a una profunda reflexión sobre la condición humana más allá de lo perceptible y tangible. La memoria es su aliada para crear fragmentos de realidades que nacen de lo más profundo de sus raíces.
Cabe destacar, que durante la trayectoria artística de Procopovich, sus obras han sido expuestas en salones y galerías nacionales e internacionales. Entre sus reconocimientos se encuentra el Primer Premio IV Salón Anual “Alumnos de Maestros”, alumna de Pilar Taboada, Estudio Fecha (1976); Mención Pintura V Colectiva de Alumnos de Artes Visuales, José Antonio Páez (2004) y Mención Dibujo VI Colectiva de Alumnos de Artes Visuales, José Antonio Páez (2006).
Durante su proceso creativo Procopovich se organiza y se aísla, necesita estar sola, y generalmente escucha música. Las flores han sido siempre su motivación. “Les concedo vida y con ellas expreso sentimientos. En esta etapa la flor y los elementos que la componen me llevan a recuerdos los cuales vuelvo a vivir. En el momento en que trabajo mi subconsciente trae imágenes y a veces sucede que voy al pasado y formo escenarios de esas casas donde estuve y por supuesto las flores que estaban en ellas”. Para el economista Marcos Federico, la artista desde sutiles curvas muy ajustadas a la realidad, experimenta con el volumen de la flor, donde predominan elementos constructivos, donde cada flor es un bloque independiente como una masa robusta, con cuerpo y peso bien definido en ele espacio compositivo, irrumpiendo en el lienzo con fuerza propia.
“El arte es la expresión de los seres humanos a través del cual manifiestan sus ideas y sentimientos”, Natalia Procopovich.
Institucionales
Rafael Martínez en el tiempo: 42 años de arte y disciplina
Rafael Martínez, quien desde los 18 años descubrió que el arte era su “verdadera pasión”, tras un intento fallido para ser militar; por primera vez en su trayectoria inauguró el pasado 8 de noviembre en la Sala Eladio Alemán Sucre del Edificio El Carabobeño, en Valencia, su exposición titulada Rafael Martínez en el tiempo, en la que se encuentran agrupadas obras pertenecientes a 42 años de sus cinco décadas de trabajo artístico. Rafael Martínez en el tiempo, son 45 piezas creadas en su taller (1973-2015), desde la autocrítica y el análisis, llevado por sus estados de ánimo, con las cuales Martínez busca reflejar lo tangible e intangible del Universo. “Me gusta la geometría por lo exacto, lo riguroso; nuestro planeta es una esfera y por eso está presente en todas mis obras“. Esta exposición está compuesta por serigrafías, obras cinéticas y esculturas en hierro: piezas significativas para el creador apureño, con las que indaga las posibilidades de las formas en el espacio, los secretos de la luz y el color y, al mismo tiempo, se vuelca a los matices de su propia identidad. “Yo sentí que me podía expresar de una manera mucho más agradable a través de la geometría, con volúmenes puros, primarios y eso me atrapó. Yo hablo de revelar lo oculto de la geometría”.
¿Cómo describiría su exposición? “Mi obra es el fruto de trabajo, de estudios, de análisis, de autocrítica, de pensamiento, porque eso es el arte: pensamiento, imaginación, creación y disciplina”. Esta extensa mirada de la propuesta artística del ganador del Premio Arturo Michelena en 1971, se mantendrá abierta hasta el 13 de diciembre.
La exposición “Toda una Vida” fue inaugurada en el Hesperia WTC Valencia El hiperrealismo del artista plástico René Busnego, transformó los espacios de la mezzanina del Hesperia World Trade Center Valencia, en el escenario ideal para que las emociones afloren entre el espíritu naturalista y la visión particular del mundo que el pintor plasmó en sus pinturas y esculturas durante “Toda una Vida”, título idóneo para la muestra de aproximadamente 30 piezas, que fue inaugurada el pasado 29 de octubre, en compañía de la directiva del hotel, familiares, amigos y público en general, quienes disfrutaron de una noche amena, llena de mucho arte majestuoso. La exposición representa “diversos temas sin llegar a ser antagónica” según Busnego. Inspirado en Rembrandt, Michelena, Dios y la magnificencia que ofrece la vida, René ha tallado y pintado más de lo que puede recordar. A pesar de ser originario del estado Miranda, René, se siente “valenciano de corazón”, pues en la capital carabobeña formó su hogar y desarrolló las habilidades que desde niño matizaban su
personalidad imaginativa y sensible ante la belleza de su entorno. Cabe destacar, que Busnego tuvo maestros como Braulio Salazar, Wladimir Zabaleta, Armando Pérez y Marcos Castillos y se formó en la Escuela de Artes Visuales Rafael Monasterios de Maracay y la Escuela de Artes Plásticas Arturo Michelena en Valencia. “Toda una Vida” podrá ser apreciada hasta mediados de diciembre, lapso en que además los amantes del arte podrán adquirir algunas de las obras.
Horas sin Sueño, 1994, 120 x 91, Óleo sobre Tela
Colorido en la Selva, Año, Medidas, Técnica
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