RIF: J-31110712-6
Construye Ideas Volumen 13 - Número 107
Revista Gratuita a Nivel Nacional
www.construarte.com.ve
Especial Arquitectura
El integracionismo de Álvaro Gómez Néstor Carrera: “me mueve la gran necesidad interior de pintar”
Edificio Seagram: rascacielos internacional J-31525318-6
En Portada
Edificio Seagram del arquitecto alemán Mies van der Rohe, construido en 1958. Está situado en el corazón de Nueva York, Estados Unidos. Esta obra de 38 pisos es considerado la máxima expresión del estilo internacional.
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ARQUITECTURA ARTE
Arquitectura
Edificio Seagram: rascacielos internacional
Arte:
El integracionismo de Álvaro Gómez
Arte:
Néstor Carrera: “me mueve la gran necesidad interior de pintar”
Institucional:
- Zerep continúa su vuelo con la obra “Mi espíritu en el paisaje” - Exposición Columnas Sugerentes finalizó con éxito
Gourmet:
Lehmeyun, “la pizza armenia”
ARTE
RIF: J-31110712-6
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Por :Alexandra Clisánchez.
Arquitectura
Edificio Seagram:
rascacielos internacional
Situado en el corazón de Nueva York, Estados Unidos, el Edificio Seagram del arquitecto alemán Mies van der Rohe y construido en 1958, materializa arquitectónicamente, la elegancia y los principios de la modernidad. Esta edificación de 38 pisos en la avenida Park, es considerada la máxima expresión del estilo internacional.
Rascacielos moderno
El primer intento de Mies en la construcción de altas torres de oficinas, estableció un estándar para el rascacielos moderno. La obra se convirtió en una continuidad monumental de bronce y cristal oscuro que tiene 515 metros hasta la cima de la torre.
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El Arquitecto diseñó el nuevo edificio a 100 pies de la orilla de la calle, construyendo una plaza abierta –hecha de granito-, lugar que atrae a las personas por sus dos grandes fuentes rodeadas de asientos al aire libre. Con esta obra, el arquitecto se distanció de la morfología urbana de Nueva York, y los aspectos económicos convencionales de la construcción de rascacielos.
Estilo y vanguardia
La plaza recrea un desfile hasta la entrada del Seagram, ocasionando a través del umbral la fusión de la ciudad con el rascacielos. El vestíbulo tiene un techo blanco que se extiende a lo largo de las puertas de entrada, erosionando aún más la definida línea entre interior y exterior. Los espacios de las oficinas por encima de la entrada, decorados por Philip Johnson, tienen plantas de pavimentos flexibles alumbrados con paneles de techo luminosos. Estos pisos también reciben luz natural al máximo a través de las ventanas de vidrio topacio gris, el cual sirve para la protección contra el sol y el calor. Es de resaltar, que 58 años después de su finalización, el Edificio Seagram, sigue siendo admirado por muchos visitantes todos los días y es un ejemplo un rascacielos de estilo internacional en medio de la ciudad de Nueva York.
Premio Mies Van der Rohe
Ludwig Mies van der Rohe fue un arquitecto alemán y diseñador industrial. Su estilo arquitectónico empleó técnicas estructurales avanzadas, y aplicó el clasicismo prusiano. En homenaje a su obra se creó el Premio Mies van der Rohe, reconocimiento de arquitectura contemporánea otorgado cada 2 años desde 1988, por la Unión Europea y la Fundación Mies van der Rohe de Barcelona. Entre sus obras más emblemáticas destaca de igual manera, la Galería Nacional en Berlín (1962 a 1968). Se trata de un edificio dedicado a exposiciones de obras de arte, formado por una gran sala cuadrada construida completamente en cristal y acero, situada sobre una extensa terraza de losas de granito. El 17 de agosto de 1969 muere en Chicago, dejando como legado unos nuevos cánones para la arquitectura bajo sus tan divulgados lemas “Less is more” (Menos es más) y “God is in the details” (Dios está en los detalles), considerándolo así como uno de los maestros más importantes de la arquitectura moderna.
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Arte
Texto: Alexandra Clisรกnchez. Fotos: Claudio Aninno
El integracionismo de
ร lvaro Gรณmez
El marabino y artista plástico Álvaro Gómez, a sus 66 años de edad, recuerda con satisfacción su primera exposición realizada hace 44 años en la galería Tolouse Lautree de Maracaibo, estado Zulia, y dirigida por Omar López -“puedo afirmar que a través de él muchos jóvenes artistas nos dimos a conocer a nivel regional y nacional”- manifestó Gómez. Hoy, más de cuatro décadas después, ha participado en más de 100 exposiciones colectivas e individuales. Para Álvaro, el malecón de Maracaibo fue su primer acercamiento al arte. Con una sonrisa nostálgica, confiesa que durante su niñez lo llevaban muy seguido. “Veía mucho color, el vestir del pueblo, los contrastes en su ropa, la manera como se pintan las piraguas y cayucos; el alboroto que se origina en ese comercio informal, los gritos, cada quien saca su clase para distinguirse, la gaita sonando, un grupo tarareando los versos de Armando Moleiro o Ricardo Aguirre cantando a la Chinita, y por allá en el lago, los pájaros buchones, lanzándose en picada, atrapando su pez. Esa idiosincrasia sana y libre es el hecho curioso y mágico que sembró el arte en mi vida”.
Técnica mixta
La obra de Gómez es altamente humanista, en cada una de sus piezas suele fusionar diversos elementos: óleos, acrílicos, plumilla, pasteles, creyones, grafitos, dando como resultado una “técnica mixta, que juega un papel muy importante para crear”, expresó el creativo. “Siempre me ha preocupado la manera como vivo y mi entorno, de tal manera que con esta aceleración de multiplicarnos como seres humanos, plasmé en mi universo de imágenes, la falta de espacio, apareciendo los paisajes, habitaciones, la ciudad y carros apretujados de gentes. Seguí observando el mundo y fui expresando la unidad, fraternidad e integración de las sociedades que hoy es el tema más preocupante para mi trabajo artístico”.
¿Qué lo inspira?
Soy un artista de tiempo completo y mi musa es el trabajo, las observaciones, la soledad, la paz, la inocencia, el hambre, los niños en las calles hambrientos sin poder disfrutar su niñez, la explotación del hombre, la explotación de los galeristas hacia los artistas, la inseguridad que nos borra la vida… allí esta mi musa llamándome, abriéndome los ojos a cada instante.
¿Mientras realiza su proceso creativo, práctica algún ritual o hábito? Sí, tengo el hábito de limpiar el lugar donde voy a trabajar a cada momento; pisos, paletas, pinceles, trapos, entre otros, ya que me incomoda llenarme las manos de colores, es decir, limpiar lo limpio, para no limpiar lo sucio jajaja…
¿Existe alguna corriente artística dentro de la cual podría calificar su trabajo? Hay tantas corrientes que se han creado, que la que más se ajusta a la manera de expresarme en el arte es el integracionismo.
¿Qué es el arte?
Es una pregunta muy compleja, porque desde la aparición de imágenes en las cavernas de Altamira y otros lugares, se ha venido aplicando diferentes conceptos del arte hasta estos tiempos. Yo me apego a los que piensan que el arte es una habilidad y virtudes que tenemos los artistas para plasmar las necesidades de la expresión de la vida, como la unidad, fraternidad e integración, dotando estos conceptos de la belleza, de lo sublime o lo grotesco.
Proyectos
Actualmente, el artista está participando en una exposición colectiva en la Galería de Artes Visuales de la Universidad José Antonio Páez de Valencia. Exposición integrada por destacados artistas, conocidos regional, nacional e internacionalmente. Además, tiene previsto la realización de una exposición en Florencia– Galería Mentana, a finales de noviembre.
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¿Por qué es necesario tratar el agua?
Por Adriana Reyes.
El agua es un elemento esencial para la vida, sin ésta el hombre no podría existir. Es por eso, que toda población o comunidad buscaba asentamiento cerca de una fuente de agua; ignorando por completo que éstos surtidores del vital líquido, estaban contaminados y fueron los causantes de muchas epidemias que perjudicaron ciudades enteras en la antigüedad. El hombre tardó mucho tiempo en darse cuenta de que el agua que estaba consumiendo era el causante de muchas de las enfermedades que estaba padeciendo. No fue hasta finales del siglo XVIII y principios del siglo XIX, que empezó a implementar procesos para tratar el agua que ingería, pues a medida que la humanidad continuó su desarrollo, las descargas de aguas residuales domésticas e industriales comenzaron a contaminar los recursos hídricos, y a deteriorar los ecosistemas. Saneamiento del agua Fue así como se hizo necesario implementar los sistemas de tratamientos de agua. Término que se refiere al conjunto de
operaciones unitarias de tipo físico, químico, físico-químico o biológico cuya finalidad es la eliminación o reducción de las características no deseables que tengan las aguas, ya sean naturales, de abastecimiento, de proceso o residuales (aguas negras). La finalidad de estas operaciones es obtener un líquido con las características adecuadas según el uso que se les vaya a dar, por lo que la combinación y naturaleza exacta de los procesos varía en función tanto de las propiedades de las aguas de partida como de su destino final. Asimismo, debido a que las mayores exigencias con respecto a la calidad del agua, se centran en su aplicación para el consumo humano y animal, los procesos se organizan con frecuencia en tratamientos de potabilización y depuración de aguas residuales para garantizar el bienestar ciudadano y ambiental.
Texto: Alexandra Clisánchez. Fotos: Cortesia del Artista
Arte
Néstor Carrera:
“me mueve la gran necesidad interior de pintar” Néstor Carrera, sanfelipeño de nacimiento y artista plástico por convicción, se adentró en el mundo de las artes cuando solo tenía 11 años. Su historia inició con los estudios en la Escuela de Artes Carmelo Fernández de San Felipe, estado Yaracuy; lugar al que considera que llegó en la “Época de Oro”, pues para el momento, los docentes eran los emblemáticos artistas Wladimir Zabaleta y Freddy Villarroel. El pintor nació en San Felipe en 1958, pero pasó su infancia en Campo Nuevo, caserío perteneciente al municipio Sucre de Yaracuy, al cuidado de su abuela Juana del Carmen, a quien tiempo después dedicaría sus estudios de arte puro en la Escuela de Artes Plásticas Carmelo Fernández y posteriormente en la Universidad Nacional de San José, en Costa Rica.
Evolución y aprendizaje
Su obra ha pasado por varias etapas, desde sus inicios en el grabado hasta la pintura, y esta a su vez fue evolucionando. “Cuando mi compañera salió en estado desarrollé un trabajo sobre el embarazo y el aborto, y eso me llevó a otros temas hasta lo que hago actualmente”, confesó el artista. También recordó una situación particular que lo motivó a mantenerse en el arte. “Una noche trabajando en el Taller de Gráfica, llegó
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el Maestro Villarroel -quien se convirtió en mi principal apoyo- con un papel francés y me dijo en tono jocoso: ‘quita tu mediocridad de la prensa que voy a hacer mi obra’, y aunque fue una broma, me dolió un mundo porque yo estaba trabajando sobre una cartulina de hilo que costaba un real, la cual quería enviar al Salón Michelena (año 77). Pasaron los días, mandé al Michelena y me aceptaron por primera vez y al Maestro también. El día de la exposición, me coloqué al lado de mi obra a esperarlo y al llegar le dije: Maestro, mire donde está mi mediocridad, al lado de la suya. Me dio un gran abrazo y así entendí que ese era el camino y desde ese día no he parado de trabajar”.
¿Cuál considera que es el sello de sus obras?
Creo que la manera de tratar el color, fraccionar el trabajo y el carácter infantil sin serlo, es una característica bien resaltante del trabajo, además del colorido.
¿Qué lo inspira?
No creo en eso de la inspiración y la musa. Lo que me mueve es la gran necesidad interior de pintar, decir, contar; y en los últimos años mantener viva la memoria de mi hija a través de mi obra, ya que me produce cierto miedo pensar que se quede en el tiempo, en el olvido, solo quiero que siga viva a través de mi obra aunque yo ya no este.
¿Práctica algún ritual o hábito durante su proceso creativo?
No tengo un ritual ni nada por el estilo, solo desarrollo el trabajo y reviso libros. Leo algún poeta o pienso en los cuentos de mi abuela Juana del Carmen, quien tiene mucho que ver con mi niñez y con lo que hoy represento en mi obra.
¿Qué quiere reflejar con su obra?
Mi obra tiene una connotación bien infantil y además de querer perpetuar la memoria de mi hija María José, trato de representar lo que viví en mi niñez, lo que escuche, lo que sentí, mis temores, los miedos, quiero que el espectador a través de los elementos representados se mueva en el tiempo, que estos lleven a un recuerdo o una idea olvidada, a un pensamiento, trasladarlo en el tiempo con un efecto parecido al de los sabores y los olores en nosotros.
¿Qué es al arte?
Creo que es una manera de comunicarte con tus semejantes de forma directa, sin miedos, sin falsedades, es llegar bien adentro del otro casi sin que lo noten y quedarte allí a través de lo hecho, que al fin es lo más importante y lo que cuenta.
Premiaciones y reconocimientos
-1er premio de grabado y 1er premio de serigrafía, 2da convención de gobernadores, región centro occidental, Coro; Edo. Falcón, Venezuela, 1980. - 2do premio, 1er salón Carmelo Fernández, San Felipe; Edo. Yaracuy, Venezuela, 1983. - Mención de honor, XII salón Caribe, Coro; Edo. Falcón, Venezuela, 2004. -1er premio, 2do Salón de artes visuales, Edgar Giménez Peraza, Museo Carmelo Fernández, San Felipe; Yaracuy, Venezuela, 2005.
Institucionales
Zerep continúa su vuelo con la obra “Mi espíritu en el paisaje”
El pasado 3 de mayo la obra “Mi espíritu en el paisaje” del fallecido pintor y escultor carabobeño Jorge Zerep, fue incorporada al programa Naguanagua Ciudad Museo, de la Alcaldía de Naguanagua. La inauguración de la obra se realizó en el Paseo La Paz del sector La Granja, donde fue instalada la pieza artística. Al inicio del acto protocolar la hija del artista, Gabriela Pérez, agradeció la oportunidad de sumar una obra de su padre a la colección del reconocido programa que ya es referencia para otros municipios carabobeños y de otras regiones del país. “Desde muy niño mi padre amó esta ciudad y soñó con convertir el hierro en alas. Zerep sigue volando entre los árboles, en la inmortalidad de un río de hierro con su obra enmarcada en el aire y a la vez hija de su tierra”, expresó emocionada. Sobre Zerep Escultor y pintor nacido en Valencia, Venezuela, en 1947 se formó en la Escuela de Bellas Artes “Arturo Michelena” de su ciudad natal, para continuar estudios en la Universidad de Vincennes, Francia. Con las influencias del arte geométrico y el constructivismo regresó a Venezuela, trabaja en varias técnicas y desarrolla sus esculturas. Se le reconoció con la Mención Honorífica del II Salón de Jóvenes Artistas del Premio Julio Morales Lara, Salón Michelena, en 1972, el Premio “Obra Experimental” del II Salón de Escultura Pequeño y Mediano Formato de la Universidad de Carabobo. Falleció el 8 de noviembre de 2012 en Valencia.
Exposición Columnas Sugerentes finalizó con éxito El pasado 19 de abril finalizó la exposición Columnas Sugerentes, en homenaje al Día Internacional de la Mujer, la cual fue inaugurada el 17 de marzo en el Hotel Hesperia WTC de Valencia. Columnas Sugerentes es la unión de 30 artistas que expresaron sus convicciones, creencias y anhelos a través de sus creaciones vanguardistas plasmadas en columnas de MDF. En la mezzanina del Hotel se respiraba la vida misma. Se podía descifrar una historia o una realidad al admirar las piezas que 29 mujeres y un hombre realizaron para participar en la
exposición organizada por la Asociación Museo de Arte de la Mujer, en donde se enalteció el rol y presencia que tiene la mujer en la sociedad. ¿Por qué columnas Sugerentes? Este nombre tan subjetivo como el propio arte, nace del poema “Señor Dios” de la escritora Lucy, en donde queda explícito que una “columna de arte”, no es más que una “columna sugerente” porque siempre evoca algo que cada quien pueda interpretar a su gusto. De la idea a la sugerencia Seis meses les llevó la realización de este
proyecto que fue visitado por cientos de personas apasionadas por el arte. El proceso creativo les permitió a los artistas adentrarse a un mundo llenos de texturas, color, monocromía, naturaleza, fe, sentimientos y sensaciones. Adile Salomón de Ruiz, presidenta de la Asociación, explicó que para esta muestra dieron rienda suelta a la imaginación de cada artista, quienes durante la investigación y ejecución de múltiples técnicas, expresaron en cada columna, lo que se refleja en sus pensamientos. Los artistas expositores son Adile Salomon Ruiz, Alicia Font, Cerminia Echenegucia, Elizabeth Marrero, Graciela Luna, Jeanethe Cordero, Ligia Gómez, Margarita Marrero, María Cristina Spisso, María Pequeño, Mirian Da Silva, Nancy Salvatierra, Nilda D´Lima, Omaira García, Raquel Niño de Nouel, Thais Bertrand. Además de los invitados especiales: Alicia Belden, Carmen García, Carvince Castro, Dorys García, Evelyn Ziliani, Leida Ojeda, Migdalia Ávila, Nayibe Bracho, Saúl Fernández, Tania Zambrano y Yarelys Mendoza.
Visión de sustentabilidad inmobiliaria, a través de la planificación estratégica de ciudades Pensar en una visión inmobiliaria sustentable no es opcional. Su definición es la clave para desarrollar acciones sostenibles inmediatas. El cambio de principios y valores para el desarrollo humano, la economía, la construcción, el transporte, entre otros; es necesario hacerlo a través de la concepción de una visión clara. Para ello, este planteamiento debe ser más que una idea entendida como el “querer ser”. Debe ser una idea amplia, detallada, comprensible, positiva, alentadora, y a su vez compartida, tanto por los líderes como por sus colaboradores, debido a que es la única manera de garantizar que todos los miembros de una organización, estén conectados en alcanzar algo importante, que los llevará a trascender. Por lo tanto, ante la situación actual del sector inmobiliario, es el momento de reflexionar sobre las siguientes interrogantes: ¿Tienen los ciudadanos una visión compartida de la ciudad? ¿Están los ciudadanos preparados para enfrentar los retos que estas exigen? El ideal sería construir un “Proyecto de Ciudad”, que cuente con las orientaciones de infraestructura y ordenamiento urbano, además de discursos portadores de la imagen de la ciudad deseada, a fin de que estos imaginarios puedan ser compartidos por todos sus ciudadanos, donde las instituciones promuevan la participación, la solidaridad y la ciudadanía responsable para que la equidad social sea el norte en la búsqueda del desarrollo.
En este sentido, los planes estratégicos de ciudades son herramientas para promover el cambio, para la formulación de un “pacto de ciudad” que sirve como referencia para que los actores públicos y privados orienten sus estrategias hacia una visión compartida del futuro. Asimismo, todo plan estratégico urbano, debe ser diseñado como un instrumento de gobernabilidad urbana, entre sociedad y gobierno, para lograr la sustentabilidad de la ciudad, donde los objetivos a lograr sean en lo social, en lo económico y en el ámbito ambiental. Es de resaltar, que la planificación estratégica de las ciudades solo puede ser aplicada a una gestión urbana moderna, que esté soportada por dos grandes pilares: legitimidad social, y una elevada calidad técnica de los equipos humanos que la conformen. Por consiguiente, si la ciudad es el resultado de las decisiones de autoridades nacionales, regionales y municipales, así como de constructores, ingenieros, arquitectos, abogados, corredores inmobiliarios, inversionistas, comerciantes, industriales, propietarios de inmuebles, entre otros, quienes han tomado decisiones acertadas o desacertadas en esta materia de “hacer ciudad”; deben buscar dar un viraje e iniciar con la construcción de ciudadanía, para alcanzar la planificación estratégica de ciudades y la tan ansiada visión de sustentabilidad inmobiliaria.
Arq. Ingrid Suárez Infante. Presidente de la Cámara Inmobiliaria de Carabobo.
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Gourmet
Lehmeyun, “la pizza armenia”
Texto: Alexandra Clisánchez.
El lehmeyun, lahmajo o lamajú, es un plato típico de Armenia, el cual resulta ideal cuando se tienen muchos invitados. Es originario del Medio Oriente y la zona del Mediterráneo. Tiene forma de discos pequeños como una pizza, pero sin queso, y en vez de salsa de tomate tiene una mezcla de carnes y verduras muy gustosa.
El lehmeyun tiene como base una masa muy fina y su relleno tiene como ingrediente principal carne picada, incluso se podría decir que se parece a una empanada abierta. Es por su simplicidad y rica combinación de sabores que compartimos la receta, porque a pesar de ser un plato informal, es apropiado para compartir con amigos y familiares.
Ingredientes: Para el Relleno: 1 kg de carne molida. 2 tomates medianos semi maduros. Perejil al gusto. 2 cebollas medianas. Ajo y sal al gusto. Para la masa: 1kg de harina de trigo. Medio litro de agua. 20 gramos de sal. 20 gramos de levadura. Preparación: 1-Para la masa, se mezclan los ingredientes y se amasan hasta lograr un volumen firme.
2-Se deja reposar por una hora o hasta que la masa duplique el tamaño. 3-Luego, se cortan en porciones individuales y se hacen discos (por cada kilo de masa sale aproximadamente 30 discos). 4-Para el relleno, se debe picar en trozos pequeños los tomates, cebollas, ajo y perejil, y se mezcla con la carne cruda, más media cucharadita de sal. 5-Cocinar a fuego medio, hasta que esté lista. 6-Para el armado, se colocan los discos, se pone el relleno ordenadamente, cubriendo toda la base y se cierra tipo empanada pero de manera triangular. 7-Calentar el horno al máximo, y en un molde sin enmantecar, colocar los discos. 8- Hornear durante 15 minutos. 9-Cuando la masa esté cocida, se sacan del horno y se conservan uno encima del otro hasta tener varios preparados. 10-Servir caliente, con rodajas de limón para condimentar.