Coup. Vol.2. Num.2, Arte sin género by Coup Arte Contemporaneo

ARTE SIN GÉNERO 30 de Septiembre de 2021; Arte sin Género; Volumen 2, número 2

ARTE SIN GÉNERO

Marihel Dennisse Jiménez Díaz

Coup - Revista digital se terminó de editar el día 30 de Septiembre de 2021 Cd. De Puebla - Cd. De México Áreas de interés de la revista: Artes y otras disciplinas, sociología, pedagogía en arte y diseño, filosofía

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Indice 04

CARTA EDITORIAL Arte sin género Por M. Jiménez Díaz

Strategies for Facilitating Artwork During Wagework #3 Remote Relay [IRL//AFRL] DROSS (Gran Bretaña) Por M. Dennisse Jiménez Díaz

Anindya Roy (India)

Devi Dass (India)

Emily Shih (Taiwán)

Fazar Roma Agung Wibisono (Bandung, Indonesia)

Lim Jang Guin (Corea del Sur)

Mahima Gupta (Estados Unidos)

Yohanes Santo (Indonesia)

Call of papers

Publicación de obra artística y diseño

Call for artistic work

DIALOGO

GALERÍA

CONVOCATORIAS

DIRECTORIO

CARTA EDITORIAL Nervios ópticos del otro lado de la pantalla:

s un gusto volver a encontrarnos en este nuevo número de nuestra querida revista, que poco a poco se va abriendo espacio en materia de difusión del arte contemporáneo y de artistas a nivel global, cada número nos sorprenden los artistas con sus propuestas, tanto nacionales como internacionales y es muy grato para el equipo de Coup ver cómo nos volvemos una opción de divulgación para movimientos y artistas cuyo trabajo busca romper con las reglas del mercado del arte encontrando nuevas formas de resistir desde el arte mismo. En esta ocasión el tema es Arte sin género, con ello se hace una propuesta para desistir de querer nombrar todo lo que vemos en el mundo del arte y esa necesidad tan natural que tienen; tanto críticos de arte, curadores, historiadores y el público en general de querer encontrar un nombre con el cual vincularlo para identificarlo más rápido o darle un sentido. A consecuencia de ello surge esta propuesta de Arte sin género, en el cuál solo los valores estéticos sean importantes y sea el objeto de arte per se lo que nos

Autor: Título: Line for Zen Técnica: Installation Medidas: 3m x 1m Año: 2021 The wall is also open in a line shaped like a statue, in order to let the light of nature inside. It seems crazy, but the body and mind become one. I think it is like a phenomenon that appears as the three-dimensional space disappears. There is a line there, but I can’t see it. Zen monk (禪僧) Togen (道元)said in Japan. There’s no water in the big sea, so it’ll be cool in the spring, it will be with flowers in spring, Cuculus poliocephalus in summer, moon in autumn, and in winter, snow will accumulate and it will be cool.

Marihel Dennisse Jiménez Díaz

Editora

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hable y nos diga lo que es, un tema que abordamos un poco más a detalle en nuestra presentación al presente número. La portada de este número es la obra “Line for Zen” de Lim Jan Guin artista que encontrarán en la galería, es originario de Corea del Sur. En la sección de diálogo les compartimos una narración de una no-conversación con los integrantes de DROSS quienes tienen una propuesta muy interesante de sublevación partiendo de su papel como galeristas, curadores y museógrafos en Gran Bretaña y se respaldan en el anonimato para no perder su fuente de ingresos. En galería los seleccionados de este número son internacionales todos originarios del viejo mundo. Tenemos presencia de artistas de la India Anindya Roy y Devi Dass, quienes con su obra nos enseñan su cultura, que es algo muy arraigado a ellos, al igual que sus creencias espirituales y la unión con la naturaleza. Mahima Gupta también originaria de India quien actualmente reside en Estados Unidos, nos muestra como su identidad y la cultura de su país lo lleva en las venas y es parte de sus obras; las cuales, mediante sus colores, formas y en si la obra completa nos remite a las ilustraciones de los libros infantiles, transportándonos en el tiempo a nuestras infancias. Emily Shih de Taiwan nos enseña la pintura como si fuese origami llena de color, la cual transmite cierta tranquilidad y bienestar a quien la observa. En contraste Lim Jan Guin nos presenta una serie de obras que van desde lo perturbador hasta lo armónico y reflexivo de la belleza, sin hacer de lado la idea de romper con la espacialidad mostrar todos los planos de una imagen y puedan ser vistos por el espectador. De Indonesia participan Fazar Roma quien nos habla de cómo la urbanización descontrolada ocasiona daños irreparables e irreversibles en el medio ambiente como son: la pérdida de especies endémicas tanto de fauna como de flora, la erosión de la tierra, la contaminación del aire y del agua, que tarde o temprano terminan afectando al medio ambiente, sus ilustraciones tienen una manera contundente de hablarnos del tema y mover nuestras conciencias para generar un mundo más verde y causar menos daño; por último se encuentra Yohanes Santo quien al igual que su compatriota Fazar, se encuentra preocupado por el medio ambiente, remarcando lo que esta condición sanitaria a nivel mundial ha causado al medio ambiente, el problema que representa en este momento la cultura del reciclaje para la salud causada por el egoísmo, la falta de consciencia por querer hacer dinero vendiendo cubrebocas reciclados. Sin duda sus imágenes nos invitan a reflexionar sobre nuestros desechos actuales y como los desechamos, los cambios de nuestra forma de vida, pero sin duda el egoísmo de muchas personas quienes siguen preocupados solo por ellos mismo 6

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y las complicaciones que genera el consumismo y el falso reciclaje en el medio ambiente. Esperamos que este número lo encuentren como siempre interesante y les aporte un nuevo panorama del arte actual, de igual manera les toque sus fibras sensibles y los invite a parar en la necesidad tan humana que tenemos por categorización y nombrar todo; dejando al arte ser por el mismo y por lo que nos quiere expresar. Sin más deseo que se encuentren bien y que nos cuidemos entre todos para poder salir de esta situación que tanto se ha alargado.

La editora.

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ARTE SIN GÉNERO Presentación

Por: M. Jiménez Díaz

el arte siempre es; es un movimiento, una categoría, pero nunca deja de ser para existir sólo como una expresión dentro de las artes. De igual manera no se deben de olvidar sus subcategorías que pertenecen más al fenómeno estético, como son lo atroz, lo bello, lo sublime, lo feo, entre otras y ante esto surge la pregunta ¿por qué buscamos categorizar todo? Esto es algo que los teóricos, historiadores, filósofos han ocasionado al momento de hacer historia o generar estudios y conceptos, sin embargo, es una necesidad natural del humano que desde la antigüedad hemos ido repitiendo de manera constante y de manera incansable, por lo tanto, si buscamos una explicación real podemos partir desde la religión, sin olvidar la semiótica y la filosofía.

a necesidad del humano por nombrar todo y encasillar, es lo que ha llevado a que cada movimiento de arte reciba un nombre que lo defina o al menos que englobe a un grupo de artistas y obras que reúnan las características propias al que refiere la tendencia. Sin embargo, hemos visto con el paso de las décadas que dejaron de existir los ISMOS en las corrientes artísticas para dar paso a nombres como el Fluxus, Performance, Happening, Arte Acción, Objet trouvé (en francés) Found art o ready made (en inglés), el Arte de la Tierra, Land Art, Street Art, Bioarte, Arte electrónico, Arte y Tecnología, Mapping, videomapping entre otros. Incluso aparecen los “Neo”, por lo que tenemos el neo-pop. neo-surrealismo, neo-dadaísmo, neo-minimalismo o neo-geometrismo, entre otras; hasta llegar al hiperrealismo en los medios pictóricos, escultóricos o de dibujo; cada uno de estos nombres son usados solo para reconocer la escuela a la que pertenecen o persiguen las obras y los artistas, aunque sea un poco las definen o tienen cierta afinidad con ellos, debido a que para poder ser categorizadas como parte de esos perfiles, es necesario que posean ciertas características o aproximaciones para poder ser nombradas y encasilladas en esos términos.

Por lo tanto, partiendo de la religión esta exigencia de nombrar todo es explicada en el libro del GÉNESIS en el versículo 2:18-20 en el que encontramos:

Después, el Señor Dios dijo: «No es bueno que el hombre esté solo. Haré una ayuda ideal para él». Entonces el Señor Dios formó de la tierra todos los animales salvajes y todas las aves del cielo. Los puso frente al hombre para ver cómo los llamaría, y el hombre escogió un nombre para cada uno de ellos. Puso nombre a todos los animales domésticos, a todas las aves del cielo y a todos los animales salvajes…

Pertenecer a uno u otro movimiento en el arte es la constante; puesto que siempre surgen comentarios como “Es pintura hiperrealista, o naif, escultura clásica o moderna, fotografía comercial, de moda, boudoir…y la lista continúa” y es que en ese sentido

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En otras palabras y revisando el versículo bíblico; se puede decir que Dios otorgo ese poder al hombre y nosotros no hemos parado de ejercerlo a cada momento que se presenta la oportunidad de nombrar algo o a alguien, es de esta manera que categorizamos, buscamos como nombrarlo para reconocerlo después incluso hacemos asociaciones de conceptos e imágenes que se relacionen con la definición de algo, por ejemplo la palabra “mesa” que al oírla imaginamos a todo objeto que tenga una superficie plana sostenida por cuatro patas o más, de dos o una, alta, baja, redonda, cuadrada, rectangular o triangular, que sirva para colocar cosas encima suyo o sirva como un objeto en el cual podamos sentarnos a su alrededor y reunirnos para comer, sin importar si es de madera, metal, cristal, cemento o plástico, pasa a ser una mesa, debido a que está relacionada con el concepto y la imagen asociada a esta definición que todos conocemos, sin necesidad de buscar su significado en el diccionario para comprender lo que significa esa palabra o cual es la característica principal de una mesa, a esto se le llama conocimiento a priori y se asume como verdadero, debido a que todos hemos visto, usado y tenido una mesa con diferentes características pero la misma cualidad.

Ilustración 1. La mesa dibujo realizado por niña de 3 años y digitalizado por Areli Rodríguez. 2021

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Desde otro enfoque, uno más alejado de la religión encontramos la filosofía epistemológica con teorías como la de Frege y Russell; que hablan del tratamiento de los nombres propios ordinarios en el que los nombres propios son descripciones abreviadas que denotan a un único individuo sin significado aislado, para Russell en la teoría de los nombres lógicamente propios “refiere al conocimiento por familiaridad cuando existe una relación cognoscitiva e inmediata con una entidad sin inferencia o conocimiento de verdades, distinguiendo como entidades familiares o particulares, como recuerdos de nuestros datos sensoriales y de nuestros estados mentales así como de los universales” (García, 2010). En el caso del conocimiento por descripción se da cuando conocemos la entidad como la única que satisface una descripción definida e incluye a los objetos, a los humanos y animales,

por mencionar un ejemplo diremos “el pasto es verde en primavera”, de esta afirmación comprendemos por conocimiento de la entidad pasto sabemos que cualquier especie de él es verde en primavera; o cuando decimos las “minas de los lápices son de grafito” entendemos que nos referimos a todos los lápices sin importar si son de escritura regular o para artistas, si es portaminas o uno de madera, o simplemente un lápiz que en su totalidad es de grafito recubierto por un papel y de todos ellos sus puntas son de grafito, dado que contamos con el conocimiento y la familiaridad para vincular la descripción del objeto con el objeto mismo. Siendo de esta manera que podemos tener un conjunto de descripciones que nos lleva a un nombre propio ordinario o viceversa un nombre que nos conduce a un conjunto de descripciones.

Ilustración SEQ Ilustración \* ARABIC 2 Pasto imagen tomada de freepik.es

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Ilustración 4 HEAD OF A CHILD, 2011, AND MODEL CROI, Studio Ireland. Gottfried Helnwein

Ahora, bien si esto lo aplicamos al arte, cuando decimos “pintura” entendiéndolo como nombre propio comprendemos que la pintura puede ser al óleo, vinil o acuarelas, que son pigmentos que se disuelven o combinan con otras sustancias aguarrás, agua, trementina, aceite; para disolverlas y que tengan un mejor manejo, e incluso sea más fácil combinarlas, por lo tanto la pintura sin importar su corriente o si es de caballete o mural; por ejemplo la del artista Gottfried Ilustración 3 Lápiz, imagen obtenida de internet https://www. Helnwein que son pinturas muycomputer.com/2020/07/14/papel-y-lapiz-tecnologia-salud de gran formato pero no son murales, a causa de que se encuentran contenidas en un lienzo, este puede ser de madera completamente, tela o lona; la forma del bastidor puede ser redonda, cuadrada, triangular, poligonal, rectangular, entre otras comúnmente hecho de madera, una de las características principales de la pintura es el lienzo y por ello se reconoce la categoría de pintura y de diferentes medidas. Igualmente, cuando pensamos en fotografía sabemos que “es una imagen que se obtuvo mediante una cámara fotográfica profesional, semiprofesional, con celulares, o cámaras de bolsillo, a final no importa en donde se encuentre la cámara; si no su fin que es el de obtener imágenes instantáneas de un determinado momento para que perduren, las cuales se pueden imprimir en diferentes formatos y papeles, de igual manera sus usos y fines de las instantáneas serán diversos.

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En el caso del arte si queremos ser concretos en cuanto a una escuela específica entonces, diremos “El expresionismo abstracto” para poder identificarlo tendremos que ser más definidos en cuanto a sus propiedades generales que en realidad son más difíciles de recordar por una persona común al menos que seas historiador de arte y que son: la pintura en gran formato, se usaba normalmente el óleo sobre lienzo, o pintura vinílica; puede presentar la ausencia de lo figurativo aunque aparecen ciertas formas que se vinculan con lo representativo, se aprecian figuras geométricas; el all over (cobertura de la superficie) y proporciona la sensación de un

campo abierto, etcétera. Poniéndolo en otras palabras y algo más sencillo que podemos recordar con más facilidad es que las principales características de los cuadros del expresionismo abstracto son; la emotividad contemplativa, la pintura gestual vinculada al “action paining” cuyo máximo exponente es Jackson Pollock, y si decimos el nombre de Jackson Pollock se vincula automáticamente al expresionismo abstracto a la pintura en movimiento lo mismo sucede en el caso de Mark Rothko que lo vinculamos con la pintura y de manera más específica a la escuela del expresionismo abstracto.

Ilustración 5 "The She-Wolf’ – Jackson Pollock (1943)

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Pero acaso no sería más fácil decir “era artista” o “era pintor”, pero al hacer estas afirmaciones nos enfrentamos a otro problema por ejemplo en nuestro país los artistas solo son los actores, actrices, cantantes y músicos; que aparecen en películas, novelas o series de televisión y surge otra pregunta ¿en qué serie, novela o película sale? Puesto que la vinculación es hacia estas profesiones, y en la segunda afirmación entraría la pregunta ¿Qué pintaba? Entiéndase que podía ser pintor de casas, o banquetas, pasos de cebras, bancas y edificios, por lo tanto esas afirmaciones no serían tan comprensibles en México en donde no denominamos a los artistas plásticos o visuales como artistas más bien les ponemos todo un contexto pinta cuadros al óleo figurativos, o pinta en acrílico naturalezas muertas, es escultor, grabador, fotógrafo, dibujante, y así usamos varios nombres específicos para los artistas y distinguirlos de la farándula que no son llamados actrices, actores, músicos o cantantes. A consecuencia de esto no podríamos usar estas afirmaciones, y para acotar la información en estos casos tendríamos que referirnos a nombre propios en lugar de conceptos más abstractos como serían el caso de artista o pintor ya que existe la necesidad de definir con otras palabras para que se denote lo que tendríamos que saber de un modo inmediato. Entonces, nos damos cuenta de que al menos en México existe la necesidad de diferenciar las disciplinas de las artes visuales y plásticas como profesión, sin embargo, eso no nos indica porqué generar subcategorías dentro del arte, esto incluye a la música, la danza, la arquitectura, el teatro, la fotografía, la escultura, pintura, dibujo y cine e incluso la literatura. Si lo pensamos detenidamente, muy pocas veces recordamos o se hace mención de que crítico de arte, de cine, o de literatura; o quién

Tristan Tzara

fue el que bautizó un movimiento y bajo qué criterios, qué conexión lógica y filosófica lo llevó a entender que ese era el mejor nombre para la tendencia, llegamos a conocer ligeros esbozos, por ejemplo, el dadaísmo que fue un movimiento artístico y literario, “viene del francés dadaïsme que está compuesta por el sufijo isme (ismo) y la palabra dada, que en español refiere al caballo de batalla y fue escogida al azar por Trastan Tzara” (Etimologías de Chile, s.f.) y encontró una palabra de gran sonoridad sin conexión alguna con el arte, esta acción tenía una relación con el significado de sus principios como artistas que era demoler las convenciones y restricciones ideológicas, estéticas y políticas mediante el irracionalismo, el azar al mismo tiempo que Trastan en el manifiesto dadaísta menciona que el nombre no era importante, lo realmente trascendental eran los valores y principios del movimiento. Pero solo lo recordamos o somos conscientes de su origen cuando nos cuestionamos sobre ellos e investigamos; mientras no es un dato con

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el que estemos familiarizados de primera mano.

en español significa deudor; en ese caso el movimiento hubiera sido nombrado como débiteurismo a razón de que el nombre no era importante, de este modo aunque hubiera sido bautizado así, lo seguiríamos vinculando a artistas y obras dentro de esta corriente artística; en consecuencia lo que tenemos como realmente importante para reconocer a este movimiento son las características del dadaísmo como “lo que es necesariamente verdadero en todo mundo posible y que por lo tanto no podría ser de otro modo” (Velasco, 2011).

En el caso, de las categorías estéticas recurrimos a ellas para indicar si algo nos gustó o nos desagrado y dependiendo de la palabra utilizada tendremos el indicador del deleite o de la irritación, y este pertenece a un criterio de carácter sumamente personal y que poco tiene que ver con las características técnicas, la destreza plástica y habilidad del artista que se manifiestan en la obra, siendo más un criterio subjetivo en cuanto a la belleza concierne.

En el sentido mismo que le da Trastan Tzara al nombre del movimiento, es el ejemplo más claro de lo que dice Kripke en su teoría “El nombrar y la necesidad” en el cual vemos claramente que el bautismo de algo es lo menos importante porque eso no lo hace ser realmente lo que es, tampoco habla de que es lo que realmente lo define.

En consecuencia a lo anterior, podemos concluir que la necesidad de nombrar, categorizar y encasillar todo, surge en la medida de facilitarnos el recordar y generar una vinculación de un objeto específico con un término o viceversa; es decir una locución que podamos describir y su descripción sea aterrizada a un objeto, esto es “los particulares constituyen el mundo; los nombres, que refieren directamente a esos particulares, desempeñan la función de anclaje entre el lenguaje y las cosas tal como son en sí mismas” (Velasco, 2011) de ahí que se conciba categóricamente que sólo mediante el significado de un nombre se encuentra al portador.

Partiendo de otra perspectiva encontramos “El objeto puro” de la teoría de Meinong, en la cual se habla de que el sujeto puede estar constituido por ficciones e incluso por objetos imposibles (Velarde-Mayol, 2006) y es que es necesario el objeto imposible incluso en el arte para que este pueda ser per se y dejemos de clasificarlo en corrientes o escuelas y sea solo pintura, dibujo, escultura, fotografía, etcétera; a causa de que hoy en día vemos tantas manifestaciones artísticas que son contemporáneas y que nos recuerdan a escuelas de siglos pasados, las cuales ahora tendríamos que empezar a nombrarlas como parte de la sobre-modernidad o lo sobrecontemporáneo, por lo tanto tendríamos que añadir más sufijos a los nombres ya establecidos como podría ser el sobreneo-pop porque ya se habló del Neopop que surgió después del movimiento Pop, aunque son muy similares lo que distingue

Para Kripke los nombres propios son solo etiquetas y poco tienen que ver con el significado ya que el significado o lo que se considera significado sería un mero detonante para asociarlo con el nombre y este genera un mundo de posibilidades, para ello retomaremos el ejemplo del dadaísmo, este movimiento pudo ser nombrado de otra forma atendiendo a la teoría del mundo de posibilidades de Kripke y sobre todo a la dinámica que utilizó Trastan Tzara para nombrarlo, y en todo caso en lugar de llamarse dadaísmo se llamará: débiteur que 14

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al movimiento Neopop es que refiere a la diferentes objetos de arte que quedan fuera interpretación subjetiva fabricada por la de los géneros y escuelas de arte, buscando mente y presenta una mezcla de imágenes de la descategorización misma del arte. diferentes tiempos adaptadas, digámoslo de esta manera al momento actual, por lo tanto seguimos viendo este tipos de imágenes pero ya no podemos llamarlas Neopop, porque el periodo del movimiento ya está cerrado, según los historiadores del arte, por lo tanto todo lo que esté realizado bajo esa tendencia en nuestro tiempo sería contemporáneo y así como diversos teóricos hablan de que vivimos dentro de la sobre-modernidad, entonces tendríamos que adaptar el nombre bajo esos términos o bajo lo presente. Referencias

Pero, teniendo en cuenta que los artistas al momento de crear su obra y finalizarla no están pensando bajo qué movimiento ubicarlo, solo lo crean, entonces, no tendríamos que tener la necesidad ni el público ni los críticos de arte de encasillar bajo un nuevo nombre o manifestación artística, por lo tanto, este objeto creado por los artistas sería lo que Meinong menciona “que todo objeto implica un objeto puro (reiner Gegenstand). Objeto puro significa lo que es sólo objeto, que no es una cosa, ni un existente, ni siquiera ideal, pero se implica en todo, otro objeto existente o ideal” (Velarde-Mayol, 2006) y los objetos del arte son intencionados, creados a partir de una reflexión y una necesidad de expresar esa reflexión que nos llega como una obra de arte, por lo tanto, sería el objeto de arte y empezó como algo inexistente que al final existe y es tangible a nuestros sentidos, por lo tanto el objeto puro y el objeto puro del arte es ese que no existía, que existe, que podría existir y deberíamos de dejar de nombrarlo por otros nombres que no sean los que ya tienen.

Etimologías de Chile. (s.f.). Obtenido de Etimología de dadaísmo: http:// etimologias.dechile.net/?dadai. s m o # : ~ : t e x t = E t i m ol o g % C 3 % AD a % 2 0 de%20DADA%C3%8DSMO&text=La%20 palabra%20dada%20en%20 franc%C3%A9s,para%20llamar%20a%20 este%20movimiento. García, L. P. (Julio de 2010). Analisís lingüistíco del significado del nombre propio en la teoría descriptiva. TONOS Revista Electronica de estudios Filológicos(19). Recuperado el 7 de agosto de 2021, de https://www.um.es/ tonosdigital/znum19/secciones/estudios18-propio.htm Velarde-Mayol, V. (28 de Septiembre de 2006). Scielo.org. Obtenido de El objeto puro en Meinong: http://www.scielo.org. mx/scielo.php?script=sci_arttext&pid =S0185-24502007000100002 Velasco, F. S. (2011). El nombrar, la necesidad y la identidad. Kripkr y la teoría de la referencia. Escritos, 401-419.

Es de esto, de lo que se trata este número de Coup Arte sin género del cual presentamos

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STRATEGIES FOR FACILITATING ARTWORK DURING WAGEWORK #3 REMOTE RELAY [IRL//AFRL] DROSS (GRAN BRETAÑA) Por: M. Dennisse Jiménez Díaz

a comunicación con algunos de los miembros de DROSS se ha dado como es de esperarse vía e-mail, a causa de su participación en nuestras convocatorias. Realmente tener comunicación fluida no ha sido tan fácil, sin embargo, es grato saber que movimientos tan interesantes como este se fijan en nosotros y que como bien sabemos este espacio surgió para erradicar la dinámica de los compadrazgos, padrinazgos, contactos y recomendaciones que inundan los espacios del arte hoy en día, brindando un espacio homogéneo en el que solo importe el carácter artístico, de modo que es un lugar creado por artistas para la libre manifestación del arte y los artistas nacionales e internacionales, en este sentido, de alguna forma DROSS sería nuestro homólogo desde las manifestaciones artísticas y realizan una crítica a los espacios de arte, dejando de manifiesto que las dinámicas de cómo se relaciona el arte en los espacios y entre curadores, galeristas, comisarios y

he communication with some of the members of DROSS has occurred as expected via e-mail, on account of their participation in our calls. The truth is that having fluid communication has not been so easy, however, it is pleasant to know that such interesting movements take us into account and that as we well know this space emerge to eradicate the dynamics of sponsorship, contacts and recommendations that flood the art spaces today, providing a homogeneous space in which only the artistic character matters, so that it is a place created by artists for the free manifestation of art and national and international artists, in this sense, in some way DROSS it would be our counterpart from the artistic manifestations and they make a critique of art spaces, making it clear that the dynamics of how art is related in spaces and between curators, gallery owners, commissioners and artists need to be rethought and modified to a new system that is functional and leaves aside the racism and classism.

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De modo tal, que entendiendo el significado subversivo de DROSS no insistimos en saber quiénes eran nuestros informantes, ni pedimos más información de lo que nos han proporcionado, así que presentamos el testimonio del último mail. Siendo a razón de ello que la actual no conversación se despliega como una narrativa inexacta, que nos cuenta un poco del trabajo colaborativo y los miembros que no se reconocen abiertamente por nombres y apellidos como parte del grupo, y bajo este contexto pasaría más a ser una Organización de células diseminadas en Gran Bretaña, digamos que de alguna manera se puede hacer la analogía con un grupo revolucionario con reuniones secretas y acciones insurrectas para derribar al sistema de las instituciones de arte.

dross

Thus, understanding the subversive meaning of DROSS, we do not insist on knowing who our informants were, we do not ask for more information than they have provided us, so we present the testimony of the last email. This being the reason why the current nonconversation unfolds as an inaccurate narrative, which tells us a little about the collaborative work and the members who do not openly recognize themselves by names and surnames as part of the group, and under this context it would become more an Organization of cells scattered in Britain, let's say that somehow the analogy can be made with a revolutionary group with secret meetings and insurrectionary actions to overthrow the system of art institutions.

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artistas necesita ser repensado y modificado a un nuevo sistema que sea funcional y deje de lado los racismos y clasismos.

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Para empezar, hablaremos vagamente del origen del nombre de este movimiento, debido a que “ZX” (así he decidido nombrar a nuestro contacto anónimo) y los miembros que contacta de DROSS no conocen su origen como tal, o bien si lo saben no es tiempo de compartirlo, así que tenemos una vaga noción de lo que es, equis nos explica que se apunta a que el nombre emerge en virtud de que “alguien de los directivos de los museos en donde trabaja uno de los miembros, se refirió a los trabajadores culturales empleados en ese lugar como <<la escoria de nuestras escuelas de arte>>”, pero no ha sido confirmado

To begin with, we will speak vaguely of the origin of the name of this movement, because “ZX” (that is how I have decided to name our anonymous contact) and the members that it contacts from DROSS do not know its origin as such, or if they do, it is not time to share it, so we have a vague notion of what it is, ZX explains: It is been suggested that the name emerges because that “someone from upper management at one of the museums a member works at once referred to the cultural workers employed there as the <<dross of our art schools>>” but, this hasn’t been confirmed.

5.4.[IRL__AFRL]

Por otro lado, ZX es consciente de que hay otros grupos y colectivos de artistas llamados igual, los cuales se pueden encontrar en línea y una búsqueda superficial lo confirma, encontramos que según las estadísticas de Google al buscar DROSS arroja la módica cantidad de “Cerca de 11,100,000 resultados

On the other hand, ZX is aware that there are other groups and collectives of artists called the same, which can be found online and a superficial search confirms it, we find that according to Google statistics when searching for DROSS it returns the modest amount of "About 11,100,000 results (0.46

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seconds)", and for this “cannot confirm or deny that they are part of the organization”. The most important thing for ZX is that, “there exists some empowerment in being part of something bigger than what you can know, group work is exciting and enriching”.

1.1.[IRL__AFRL]

(ZX) Yo me imagino que al decidir el nombre de este movimiento se acordó elegir un seudónimo que fuera de carácter ambiguo, humorístico y en gran medida misterioso; que al mismo tiempo ayudará a preservar el anonimato de los involucrados como es común en los grupos clandestinos. Los miembros pueden decir que es lo que van a trabajar en un proyecto en particular, sin embargo, la pertenencia no es algo que sea acordado formalmente de acuerdo a mi experiencia y la de otros que conozco.

(ZX) I imagine that when deciding the name of this movement it was agreed to choose a pseudonym that was ambiguous, humorous and largely mysterious; which at the same time will help preserve the anonymity of those involved as is common in clandestine groups. Members can say what they are going to work on a particular project, however membership is not something that is formally agreed upon based on my experience and that of others I know.

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(0.46 segundos)”, y para ello Equis no puede confirmar o negar que sean parte de la organización. Lo más importante para ZX es que “hay algo de empoderamiento en ser parte de algo más grande de lo que se puede conocer, el trabajo en grupo es emocionante y enriquecedor”.

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1.2.[IRL__AFRL]

Lo que es trascendental y en su medida suficiente es colaborar con otras personas en actividades compartidas y que es completamente diferente al trabajo individual. Estoy casi seguro que el nombre DROSS de igual forma tiene la intención de ser irónico, dadas las actividades del grupo y el entusiasmo dentro de él, por el trabajo que ellos y nosotros realizamos.

What is transcendental and in its sufficient measure is; collaborate with other people in shared activities and that is completely different from solitary work. I'm pretty sure the name DROSS is likewise meant to be ironic, given the group's activities and the enthusiasm within it for the work they and we do.

DROSS es un grupo colaborativo de trabajadores culturales que nos convertimos en vigías de galerías quienes realizamos una examinación crítica y objetiva de nuestro trabajo y nuestros lugares de trabajo, que son las instituciones de arte, galerías y museos; es más parecido a un organismo en el que el conjunto de células de examinadores se desempeña dentro de estas instituciones, los cuales se mantienen velados bajo el nombre de la organización, los afiliados al movimiento por así llamarlo son colaboradores voluntarios que se suman de manera eventual para realizar el trabajo en diferentes instituciones de arte en Gran Bretaña.

DROSS is a collaborative group of cultural workers who become gallery invigilators who carry out a critical and objective examination of our work and our workplaces, which are art institutions, galleries and museums; it is more similar to an organism in which the group of examiner cells works within these institutions, which are kept veiled under the name of the organization, the members of the movement, for calling it somehow, are voluntary collaborators who eventually join to carry out work in different art institutions in Britain.

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1.3.[IRL__AFRL]

ZX trabajó por primera vez en este movimiento en su cuarta acción; “SHHHH! 2 [Objects]” durante la exposición XXXXX realizada en Londres entre marzo y junio de 2017. Al respecto nos dice: “Me presentaron las actividades del grupo al comienzo de esta exposición en la que trabajé, en un inicio pude observar a otros contribuyendo a la acción y luego decidí involucrarme, fue solo mediante la participación repetitiva en esta operación, durante el transcurso de la exposición, fue así como fui incluido posteriormente en un intercambio de correos electrónicos con otras dos personas. En este intercambio se discutieron acciones futuras, pude realizar preguntas y aportar ideas al grupo.” DROSS comenzó en 2016, lo supe cuando realizaba una actividad experimental en XXXXX nuevamente en Londres. (ZX) Hasta donde yo sé, todos los involucrados son artistas o personas creativas a su propia manera, de igual manera, todos trabajamos o hemos trabajado en instituciones de arte, galerías y museos principalmente, ser parte de este organismo nos brinda la flexibilidad de proseguir con nuestras prácticas artísticas a su vez que tenemos un empleo en el que ganamos suficiente dinero para vivir. Esta participación como células activas del organismo nos ha permitido descubrir que no necesitamos dejar de ser artistas mientras trabajamos en las instituciones de arte, al contrario, la naturaleza de nuestros empleos significa que nos encontramos en la posición idónea para examinar e intervenir críticamente mientras laboramos ahí.

1.4.[IRL__AFRL]

DROSS started in 2016, I found out when I was doing an experimental activity at XXXXX again in London. As far as I know, everyone involved is artists or creative people in their own way, in the same way, we all work or have worked in art institutions, galleries and museums mainly, being part of this body gives us the flexibility to continue with our artistic practices in turn that we have a job in which we earn enough money to live. This participation as active cells of the organism have allowed us to discover that we do not need to stop being artists while we work in art institutions, on the contrary, the nature of our jobs means that we are in the ideal position to examine and critically intervene while we work there. 21

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ZX first worked on this movement in his fourth action SHHHH! 2 [Objects] during the XXXXX exhibition in London between March and June 2017. In this regard Z tells us: “I was introduced to the group's activities at the beginning of this exhibition in which I worked, at the start I was able to observe others contributing to the action and then I decided to get involved, it was only through repetitive participation in this operation, during the course of the exhibition, that was how I was subsequently included in an email exchange with two other people. In this exchange, future actions were discussed, I was able to ask questions and contribute ideas to the group. "

DIALOGO

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ZX nos expresa que la organización se encuentra interesada en el trabajo artístico y el cuestionamiento del espectador, la subjetivación y la sublevación de la faena curatorial; “se realizan trabajos, investigaciones e intervenciones públicas encubiertas, esto es ocasionado por las actividades de los miembros de este movimiento y sobre todo para su protección del escrutinio” como medida para evitar que se les perjudique en su trabajo o en su vida diaria, razón por la cual se mantienen eludidas las acciones realizadas bajo este seudónimo en sus CV y se omiten los detalles de sus trabajos como voluntarios en la organización.

ZX tells us that the organization is interested in the artistic work and the questioning of the spectator, the subjectivation and the revolt of the curatorial task; "Covert work, investigations and public interventions are carried out, this is caused by the activities of the members of this movement and above all for their protection from scrutiny" as a measure to avoid being harmed in their work or in their daily life, reason For which the actions carried out under this pseudonym in their CVs are avoided and the details of their work as volunteers in the organization are omitted. (ZX) Members who have been recruited, go through the same process as me and are presented in the same way to the group, this occurs through a passive active mix and is the recruitment method to this day. Communication is by email in which we discuss future actions, almost everything is written communication, on rare occasions we meet two or three members of the organization, who in turn know two or three other members in the same way; this is how the cell in London works and is made up. We know each other only by our first name without surname and in the emails we write only by the initial, all the time we protect our identities, anonymity is our strength as a group, since it allows us to take more risks, be more subversive, while conserving our official jobs. All collaborators are encouraged to send ideas for jobs and actions to their respective cell and this information is subsequently shared with other circles, participation in the actions is free and of choice, in this way various actions are allowed and sometimes these are simultaneous when there are enough cells that decide to carry them out. What's interesting about this is that the results are rarely specified in advance.

(ZX) Los miembros que han sido reclutados, pasan por el mismo proceso que yo y son presentados de igual forma al grupo, esto se da mediante una mezcla activa pasiva y es el método de reclutamiento hasta este día. La comunicación es por email en el cual discutimos acciones futuras, casi todo es comunicación escrita, en contadas ocasiones nos reunimos dos o tres miembros de la organización, los cuales a su vez conocen de igual manera a otros dos o tres miembros; es así como funciona y se compone la célula en Londres. Nos conocemos solo por nuestro nombre sin apellidos y en los correos nos escribimos solo por la inicial, todo el tiempo protegemos nuestras identidades, el anonimato es nuestra fortaleza como grupo, puesto que nos permite correr más riesgos, ser más subversivos, al tiempo que conservamos nuestros trabajos oficiales. Todos los colaboradores son alentados a enviar ideas para trabajos y acciones a su respectiva célula y esta información posteriormente se comparte con otros círculos, la participación en las acciones es libre y a elección, de esta manera se permiten diversas acciones y en ocasiones estas son simultáneas cuando hay suficientes células que deciden realizarlas. Lo interesante de esto es que los resultados rara vez se especifican de antemano.

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Ahora bien, esta no conversación con DROSS es porque se encuentran interesados en llegar a una audiencia más amplia con su tercer Remote Relay, mismo en el que nuestro informador anónimo no participó, sin embargo, se ha mantenido consciente de las conversaciones sobre esta nota y la información que han decidido brindarnos aclarando un poco el panorama de lo que es la organización.

“Our actions are often an organic process of exploration, nobody leads a project, the work is entirely collaborative between members who offer their skills, time, process and materials as they wish. Some actions are promulgated under the name of DROSS, without all cells knowing all the information related with the action, research or work, or other information about the action. Sometimes you work with some collaborators from whom you never hear from them again, other times the same people are constantly found or as in our last exhibition held in Palestine, you have worked with someone totally new ...” Now, this non-conversation with DROSS is because they are interested in reaching a wider audience with their third Remote Relay, in which our anonymous informant did not participate, however, he has remained aware of the conversations about this note and the information that they have decided to provide us, clarifying a little the panorama of what the organization is.

5.1.[IRL__AFRL]

DIALOGO

Nuestras acciones a menudo son un proceso orgánico de exploración, ninguna persona lidera un proyecto, el trabajo es colaborativo entre los miembros que ofrecen sus habilidades, tiempo, procesos y materiales en la medida en que ellos lo deseen. Algunas acciones se promulgan bajo el nombre de DROSS sin que todas las células del organismo estén involucradas y tampoco es necesario que nos encontremos al tanto de toda la información relacionada con la acción, el trabajo o la investigación, u otros datos al respecto. En algunas ocasiones se trabaja con algunos colaboradores de los cuales no se vuelve a saber de ellos, otras veces se encuentran las mismas personas de manera constante o como en nuestra última exposición que se realiza en Palestina, se ha trabajado con alguien totalmente nuevo...

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En su sitio web recientemente ha sido publicado su CV y lo pueden revisar en https://drossworks. wordpress.com/dross-works/

His CV has recently been published on his website and you can review it at https:// drossworks.wordpress.com/dross-works/

Para finalizar Equis nos dice: “Así que es interesante para mi ver qué otras cosas han pasado durante el tiempo que he trabajado con DROSS y otras acciones en las que no he estado involucrado, mientras he estado realizando mi trabajo individual. Pero debería pensar que diferentes miembros del grupo contarían diferentes experiencias, motivaciones e información relacionada con DROSS para que no pueda haber una versión definitiva de los eventos”.

To end, ZX tells us: “So it is interesting for me to see what other things have happened during the times I have worked with DROSS and others when I have not been involved while I have been pursuing my solo work. But I should think that different members of the group would recount different experiences, motivations, and information related to DROSS so that there can be no definitive version of events.”

5.2.[IRL__AFRL]

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DIALOGO

5.3.[IRL__AFRL]

En conclusión, podemos decir, después de leer las palabras de Zeta que las historias que nos podrían contar cualquier otro agente del movimiento sería diferente y tal vez confusa, para que no se pueda establecer una línea clara que vincule a los integrantes con DROSS y sus acciones. Por lo tanto, en lo que refiere al nombre del movimiento se puede concluir por los datos obtenidos, es que el proceso de nombrarlo es similar al movimiento Dadaísta quienes buscaban romper con las escuelas tradicionales del arte y escogieron un nombre que no significaba nada, porque lo importante es el contenido, la idea subversiva y no como se conozca, y en este caso DROSS busca romper de alguna manera con las formas en que se da el arte en las instituciones de arte. Aunque pueden quedar muchas dudas, lo cierto es que el trabajo que realizan es interesante y lleno de crítica, que nos invita a pensar en cómo vamos a modificar todas las dinámicas que se dan en el mundo del arte.

In conclusion, we can say, after reading the words of ZX, that the stories that any other agent of the movement could tell us would be different and perhaps confusing, so that a clear line cannot be established that links the members with DROSS and their Actions. Therefore, as regards the name of the movement, it can be concluded from the data obtained, it is that the process of naming it is similar to the Dada movement who sought to break with the traditional schools of art and chose a name that did not mean anything, because the important thing is the content, the subversive idea and not how it is known, and in this case DROSS seeks to break in some way with the ways in which art occurs in art institutions. Although there may be many doubts, the truth is that the work they do is interesting and full of criticism, which invites us to think about how we are going to modify all the dynamics that occur in the art world.

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ANINDYA ROY Kolkata, India (Calcuta, India)

ace en Kolkata; India en 1967, es artista visual, freelance, curador y escritor. Desde que se graduó de la escuela de Artes hasta hoy en día; ha experimentado con técnicas mixtas, en sus inicios sus obras se presentaban saturadas con texturas las cuales han ido evolucionando y recientemente ha comenzado el uso del acrílico como elemento principal de sus obras. Sus obras son una evocación a los sentimientos profundos de la vida contemporánea y la naturaleza, provienen de un enfoque universal en el que la naturaleza es el concepto primario de la condición humana; en el cual convergen la estructura histórica, lo espiritual y político. Sus imágenes se originan de la idea que nace a partir de la conceptualización del entorno, de su tiempo, los objetos tanto vivos como inertes del entorno que son capturados en una fracción de tiempo por medio de la conciencia y la experiencia para que renazcan y se iluminen dentro de una obra de arte.

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En sus composiciones aparece la impronta del folklore de la India mostrándolas como pequeñas miniaturas cargadas de significado, formando collages en su conjunto con los empastes de pintura, los cuales muestran una narrativa de su vida, de cómo vive su espiritualidad y su cultura social en general, la relación con la naturaleza y la urbe. Es imposible no apreciar que su obra nos habla constantemente de la importancia de su cultura como un componente que lo identifica y lo define como individuo, a su vez que abre la puerta para ingresar en su psique, en sus paisajes mentales en su estado puro, en donde el exterior poco importa, no hay ismos formales, todo se encuentra envuelto por sus pensamientos más profundos y silenciosos, que van tomando forma mediante la evocación de la valentía y la emoción frente a un lienzo.

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Anindya was born in Kolkata; India in 1967, he is a visual artist, freelance, curator and writer. Since he graduated from the School of Arts to nowadays; he has experimented with mixed techniques, in his beginnings his works were saturated with textures which have been evolving and recently began the use of acrylic as the main element of his works. His works are an evocation to the deep feelings of contemporary life and nature coming from a universal approach; in which nature is the primary concept of the human condition; in which the historical, spiritual and political structure converge. The images originate from the idea that is born from the conceptualization of the environment, of their time, the living and inert objects of the environment that are captured in a fraction of time through consciousness and experience so that they renown and illuminate within a work of art. In his compositions appears the imprint of the folklore of India showing them as small miniatures full of meaning, forming collages together with the paintings, which show a narrative of his life, of how his spirituality and his social culture in general, the relationship with nature and the city. It is impossible not to appreciate that his work constantly speaks to us of the importance of his culture as a component that identifies and defines him as a person, in turn opening the door to get into his psyche, in its mental landscapes in its pure state, where the outside does not matter, there are no formal isms, everything is enveloped by his deepest and most silent thoughts, which take shape by evoking courage and emotion in front of a canvas.

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Título: Pollution in city Año: 2019 Técnica: Acrílico/ Lienzo Medidas: 38.48 x 40.64 cm

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Título: Conceptual Scape 80 Año: 2020 Técnica: Acrílico/ Lienzo Medidas: 20.32x 20.32 cm

Serie: Conceptual Scape 95 Año: 2012 Técnica: Lápiz de color / Lienzo Medidas: 40.64 x 38.48 cm

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Título: Conceptual Scape 120 Año: 2017 Técnica: Acrílico/ Lienzo Medidas: 430.48 x 25.40 cm

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Título: Conceptual Scape 127 Año: 2017 Técnica: Acrílico/ Lienzo Medidas: 30.48 x 25.40 cm

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DEVI DASS Bishnah, Jammu & Kashmir, India

ace en Bishanh Jammu &Kashmir, India en 1967. Curso la maestría en escultura en la Universidad de Artes de Nueva Delhi. Su trabajo muestra la sincronía que existe entre el ser humano y la naturaleza, de igual manera reúne rasgos de figuras tribales tanto en su escultura como en sus pinturas. Sus obras dejan ver el amor de Dios en la naturaleza, las formas diarias de la vida, Devi como artista encuentra su inspiración en el ritmo de la sociedad, los traslados dentro de ella.

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La complejidad y los cambios veloces de la humanidad mezclados con los sentimientos de romance y las emociones en las cuales encuentra complejas ecuaciones que se convierten en positivas para él, todo esto se mezcla con su experiencia del pasado y su vida actual, en donde los recuerdos del paso son el vínculo hacía el día a día y la sociedad contemporánea en la que vive. Sus esculturas hablan de los cambios realizados por la mano del hombre en la naturaleza, mostrando las variaciones que podría tener y cómo de alguna manera las personas podemos convivir de manera armónica con la naturaleza, de igual forma deja ver como su cultura y espiritualidad convergen en las obras de manera natural y casi imperceptible que adornan el paisaje de una manera libre y sin complicaciones, los materiales que usa principalmente en sus esculturas son bronce, maderas y talla en piedra y mármol.

evi was born in Bishanh Jammu & Kashmir, India in 1967. He completed a master's degree in sculpture at the New Delhi University of the Arts. His work shows the synchronization that exists between humans and nature, in the same way it shows features of tribal figures both in his sculpture and in his paintings. Her works reveal the love of God in nature and the daily forms of life, Devi as an artist finds her inspiration in the rhythm of society and the movements within it. The complexity and the fast changes of humanity are mixed with the feelings of romance and the emotions in which he finds complex equations that become positive for him; all this mixes with his experience from the past and his current life, where the past memories are the link with the day to day and the contemporary society in which he lives. His sculptures speak of the changes made by the hand of man in nature, showing the variations that this could have and how in some way people can live harmoniously with nature, in the same way it appearances how his culture and spirituality converge in the works in a natural way and almost imperceptible; that adorn the landscape in a free and uncomplicated way, the materials that he mainly uses in his sculptures are bronze, wood and stone and marble carving.

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Título: Parbasi Mazdoor Año: 2020 Técnica: Cerámica y ropa Potali Medidas: 91x 61 x 61 cm

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Título: The moon rise Año: 2020 Técnica: Marmol negro y bronce Medidas: 70x 30 x 15 cm

Título: The Mansarovar lake Año: 2020 Técnica: Bronce Medidas: 91x61x30 x 15 cm

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Año: 2020 Técnica: Madera y bronce Medida: 91x61x30 x 15 cm

Título: The journey of valley

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Título: Small valley Año: 2020 Técnica: Madera y bronce Medidas: 60x 30x 45 cm

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Título: Sunrise over the village Año: 2020 Técnica: Madera, bronce y terracota Medidas: 122x 61x 36 cm

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EMILY SHIH (Taiwan)

“Para mí, el arte es enamorarse con algo, es sobre sentimientos que se evocan dentro de ti”

“For me, art is about falling in love with something, it’s about the feelings it conjures up inside you”

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s una artista autodidacta que vive en Taiwán. Sus obras son en acrílico y acuarela. Desde temprana edad se enamoró de la creación plástica y siempre ha buscado desarrollar esa pasión. Para ella el arte es enamorarse de algo, se trata de los sentimientos que se evocan dentro de uno. Sus pinturas están inspiradas en la belleza de la naturaleza, se pueden apreciar dentro de sus obras una paleta de colores intensos y vivos, que se localizan en bloques, transformando el mundo realista en un mundo propio, brillante y espléndido, es así como ella alaba a la naturaleza mediante una forma de autoexpresión.

mily is a self-taught artist living in Taiwan. Her works are in acrylic and watercolor. From an early age she fell in love with plastic creation and she has always sought to develop that passion. For her, art is falling in love with something, it is about the feelings that are evoked within one. Her paintings are inspired by the beauty of nature, a palette of intense and vivid colors can be appreciated within her works, which are located in blocks, transforming the realistic world into a world of its own, bright and splendid, this is how she praises nature through a form of self-expression.

Sus obras, aunque más podrían ser manchas de colores, nos regalan panoramas de su cotidianidad paisajes naturales, reflejos de agua, lugares a los que ha viajado y a los que desea ir, mediante una composición con formas irregulares, en las que simplifica los detalles de los paisajes. En sus composiciones busca mostrar la extensión espacial, el ritmo y el impresionismo mediante las paletas de colores, por otra parte, busca construir nuevas imágenes que se conviertan en resonancias visuales. De igual manera podemos apreciar en su paleta de colores que evocan lo positivo, la alegría y el optimismo, siendo claro el mensaje que nos indica con su obra, e incluso podríamos deducir que ese es su estado de ánimo cuando pinta.

His works, although more could be spots of colors, give us panoramas of his daily life, natural landscapes, reflections of water, places to which he has traveled and to which he wishes to go, through a composition with irregular shapes, in which he simplifies the details of the scenery. In her compositions she seeks to show spatial extension, rhythm and impressionism through color palettes, on the other hand, she seeks to build new images that become visual resonances. In the same way, we can appreciate in her color palette that they evoke the positive, joy and optimism, the message that she indicates with her work is clear, and we could even deduce that this is her state of mind. when she paints.

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Her plastic style is to paint the contour of the figure, its high contrast simplifying the shapes, which is why the resulting images look like a construction made with colorful pieces of paper sheets. This style can remind us of the tangram; achieve a general visual harmony, because of this use of all colors are necessary to mediate the restructuring of the image and let the final image present a coordinated and colorful effect. His idea when making the works is not to copy nature, he is only interested in the correct relationship between colors, since, if the correct color and weight is placed in the right position, beauty and space can be created, this being the imprint of his paintings. For Emily art can bring peace of mind and she wants her paintings to be a cure for people's hearts, that by looking at the soft harmony, the peaceful brush strokes, the viewers who feel lonely or afflicted can find comfort in these elements of the work, in the end one of his main goals with art is to use it to color the world.

“Creo que pintar no se trata de copiar ciegamente la realidad, sino de buscar la armonía en las relaciones. El objeto del arte no es reproducir la realidad, sino crear una realidad de la misma intensidad. Creo que hay colores y ligereza en la naturaleza riquezas increíbles, que dependen de si se observa con atención y seriedad […] Quiero que la gente mire mis obras de arte y sienta lo mismo que yo: paz, felicidad, alegría y siempre creer en algo bueno.”. Shin

“I think painting is not about blindly copying reality, but about seeking harmony in relationships. The object of art is not to reproduce reality, but to create a reality of the same intensity. I think that there are colours and lightness in nature, incredible riches, which depends on whether it is observed carefully and seriously […] I want for people to look at my works of art and feel the same thing that I do: peaceful, happiness, joy and always believe in something good” Shin

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Su estilo plástico es pintar el contorno de la figura, su alto contraste simplificando las formas, es por esto que las imágenes resultantes parecen una construcción realizada con coloridos pedazos de hojas de papel. Este estilo que nos puede recordar el tangram logra una armonía visual general, a causa de ello el uso de todos los colores son necesarios para mediar la reestructuración de la imagen y dejar que la imagen final presente un efecto coordinado y colorido. Su idea al realizar las obras no es copiar la naturaleza, solo le interesa la relación correcta entre los colores, ya que, si se coloca el color y peso correcto en la posición adecuada, se puede crear la belleza y el espacio, siendo esta la impronta de sus pinturas. Para Emily el arte puede traer paz mental y quiere que sus pinturas sean una cura para los corazones de las personas, que, al mirar la armonía suave, las pacíficas pinceladas, los espectadores que se sienten solos o afligidos puedan encontrar consuelo en estos elementos de la obra, al final uno de sus principales objetivos con el arte es usarlo para colorear al mundo.

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Título: Awakening Año: 2020 Técnica: Acrylic on Canvas Medidas: 50 x 60.5 cm

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Serie: Reflection at Dusk Año: 2019 Técnica: Acrylic on Canvas Medidas: 72.5 x 91cm

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““对我来说，艺术是关于爱上某事，是关于它在你内心唤起的感觉”

我的創作以自然為本，喜愛大自然豐富萬千的色彩變化及四季幻化的不同風貌。大自然對我來說不僅是一個創作的主題，更是一個表達自我情感的媒介。我希望將大自然的美透過繪畫的表現方式傳遞給觀眾，希望觀者能從中感受到美感，觸動其心靈並產生共鳴。我認為美感的產生有兩個條件，一個是發自內心的追求，另一個是環境中美的綻放。我運用鮮明飽和的色彩，藉由不規則形狀及不同彩度的色塊相互交錯配置，以平塗的表現方式，將客觀景物的細節予以簡化。強調色彩與形體之間的協調性，呈現出色彩的空間性及律動感、寫意感，並在視覺上產生新的意象和共鳴。我選擇運用色塊構圖的方式是因為我覺得運用此繪圖方式，可以讓圖像呈現出很棒的立體感，而且平面色塊的構圖比傳統寫實畫法更具有張力。這樣的色塊就像一大片粗剪的色紙一樣，層層堆疊出景深及立體感，這種剪影風格可以給予人更多的遐想與趣味，且無陰影的平塗一樣可以帶來立體效果及體積感。我的畫作主題豐富多元，在構圖佈局上細膩縝密，色彩奔放絢麗奇幻，線條似有若無、似無若有，飽滿的色塊堆疊出層層的景深，散發高度的張力，用最單純、簡潔的色塊，給予最直接卻又深刻細膩的描繪。

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我希望透過我的畫作呈現出柔美及寧靜的和諧，為觀者帶來療癒心情的正面能量。因為我相信藝術是最佳的心靈寫照，創作的過程是反應心性和美感，除了情感宣洩也是一種療癒，我希望透過畫筆的溫度來慰藉人們內心深處的孤寂，或是充實心靈的滿足，彩繪出大千世界的種種美好。

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Serie: Fishermen Año: 2020 Técnica: Acrylic on Canvas Medidas: 72.5 x 91 cm

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Título: River of Dreams Año: 2020 Técnica: Acrylic on Canvas Medidas: 72.5 x 91 cm

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Serie: Sunset Reflection Año: 2021 Técnica: Acrylic on Canvas Medidas: 24 x 32 cm

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“A NEW BEAT FROM A DEAD HEART ” Fazar Roma Agung Wibisono (Bandung, Indonesia)

rtista plástico de Indonesia, su experimentación plástica abarca los materiales tradicionales como el óleo, la acuarela, el acrílico en soportes como el papel y el lienzo; así como materiales reciclados algunos de ellos son las tablas de patineta, cartones de leche, entre otros; de igual forma ha trabajado pintura mural en Bandung. Sus pinturas generalmente son series que abordan temas específicos, de esta forma le facilita enfocarse y encontrar una línea que permita el diálogo entre las obras, lo que origina que cada idea tenga más de una obra que la aborde. Su estilo es variado, debido a que en ocasiones usa técnicas encaminadas al surrealismo, caricaturas, lo vulgar y simbólico, así como cierta aproximación al realismo.

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La serie “A new Beat from a Dead Heart” expresa la idea de cómo sería la reforestación en las zonas urbanas, debido a que estas han dejado atrás lo natural, incluso olvidándose de conservar las áreas verdes y recreativas. En las ciudades y las zonas conurbadas se puede apreciar una clara destrucción de los paisajes y ecosistemas mediante la deforestación, la contaminación de los ríos y reservas naturales; para dar paso a los edificios residenciales. Al mismo tiempo exhibe la idea de lo difícil que llegaría a ser la reforestación de los paisajes naturales por los cambios radicales que sufre la superficie de la tierra, de igual manera expresa como la vida en las grandes ciudades mina la salud de las personas. En las obras de esta serie se puede ver como la naturaleza trata poco a poco de crecer en aquellos lugares remotos en los que encuentra el espacio y las condiciones de hacerlo, para ir recuperando territorio, es decir que la vegetación se encuentra ante la constante lucha de supervivencia en las urbes. Algunas personas que comienzan a plantar árboles y plantas de todo tipo en sus propiedades o zonas verdes, emprenden la gran labor de ayudar a la naturaleza en su lucha por regenerarse, al hacer esto se logra mejorar la calidad de aire que se respira y se genera un pequeño cambio en la experiencia de la dispersión humana, sin embargo, el clima y la calidad del aire siempre se encontrará cambiando por causa de la mano del hombre y los grandes monopolios. La obra de Fazar sin duda alguna nos invita a repensar cómo nos relacionamos con los espacios naturales, la función de los activistas que trabajan en pro de la conservación y defensa de los espacios protegidos que la corrupción en todo el mundo permite que sean deforestados, los animales cazados o asesinados hasta su extinción, y nos expresan que la naturaleza se mantiene luchando para poder existir en un mundo que ya no le pertenece.

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azar is a plastic artist from Indonesia, his plastic experimentation includes traditional materials such as oil, watercolor, acrylic on supports such as paper and canvas; as well as recycled materials, some of them are skateboard decks, milk cartons, among others; likewise, he has worked on mural painting in Bandung. His paintings are generally series that address specific topics, in this way it makes it easier for him to focus and find a line that allows dialogue between the works, which means that each idea has more than one work that addresses it. His style is varied, due to the fact that he sometimes uses techniques aimed at surrealism, caricatures, the vulgar and symbolic, as well as a certain approach to realism. The series "A New Beat from a Dead Heart" expresses the idea of how reforestation would be in urban areas, because they have left nature behind, even forgetting to conserve green and recreational areas. In cities and metropolitan areas, a clear destruction of landscapes and ecosystems can be seen through deforestation, pollution of rivers and natural reserves; to make way for residential buildings. At the same time, it exhibits the idea of how difficult the reforestation of natural landscapes would become due to the radical changes that the earth's surface undergoes, in the same way it expresses how life in big cities undermines people's health. In the works in this series you can see how nature tries little by little to grow in those remote places where it finds the space and the conditions to do so, in order to recover territory, that is to say that the vegetation is faced with the constant struggle of survival in the cities. Some people who begin to plant trees and plants of all kinds in their properties or green areas, undertake the great work of helping nature in its fight to regenerate, by doing this it is possible to improve the quality of air that is breathed and generated a small change in the experience of human dispersal, however, the climate and air quality will always be changing because of the hand of man and the big monopolies.

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Fazar's work undoubtedly invites us to rethink how we relate to natural spaces, the role of activists who work for the conservation and defense of protected areas that corruption throughout the world allows to be deforested, animals hunted or killed until their extinction, and they tell us that nature keeps fighting to exist in a world that no longer belongs to it.

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Serie: Anew beat from a dead heart # 5 Año: 2019 Técnica: Acuarela sobre papel Medidas: 21.8x 14.5cm

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Título: A new beat from a dead heart # 2 Año: 2019 Técnica: Acuarela sobre papel Medidas: 21.8x 14.5cm

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Título: Anew beat from a dead heart # 6 Año: 2019 Técnica: Acuarela sobre papel Medidas: 21.8x 14.5cm

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Serie: Anew beat from a dead heart # 7 Año: 2019 Técnica: Acuarela sobre papel Medidas: 21.8x 14.5cm

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Título: Anew beat from a dead heart # 9 Año: 2019 Técnica: Acuarela sobre papel Medidas: 21.8x 14.5cm

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LIM JANG GUIN (Corea del Sur)

Título: Pope Innocent X. Año: 2021 Medidas: 40 x 70cm

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Greenberg said that you should use points, lines, and planes to maintain flatness. It is about the nature of the painting, not the object. I’m just drawing on the plane about the representation of the object. Because it doesn’t matter whether it is conception or abstraction.

entro del trabajo de Lim Jang existen dos ramificaciones en lo que refiere a las motivaciones personales para su labor artística. El primer eje se refiere a una documentación de los problemas sociales y el segundo se enfoca a los sentimientos de la naturaleza humana sobre la base de su esencia. La primera motivación es la que más influye en el cubismo de su obra, que transforma lo tridimensional en bidimensional. El método del cubismo permite ver al mismo tiempo varias perspectivas de los objetos tridimensionales, estos objetos al ser desplegados solo poseen una perspectiva. Es decir, al abrir el armazón de la escultura que se moverá en la dirección de 360 50

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grados nos permitirá apreciar la escultura y de esta forma no tenemos que movernos para ver el lado y el frente. Al perseguir el cubismo no se requiere la necesidad del tiempo y espacio. No hay pasado, no hay futuro, solo existe el presente; y de igual forma se encuentra la declaración de un físico de que el tiempo no fluye. En segundo lugar, todo lo que existe en este mundo está ahí y es expresado de diversas formas. Lim Jang utiliza su trabajo como una especie de piel y la piel misma para expresar esa sensación de toque corto. Con ello elimina todas las limitaciones para que sea visible el significado de su trabajo, en el que expresa mensajes sobre el racismo, la violencia, la religión y el poder. Algunos de ellos son palpables a simple vista y en otras obras hay que prestar un poco más de atención para poder percibir el mensaje que se expresa, sin embargo, cada una de sus obras tienen la posibilidad de proporcionar el suceso estético en quien las mira, y de alguna u otra manera se puede recibir el mensaje de manera sensorial, sin necesidad de recurrir tanto al intelecto tratando de descifrar qué es lo que nos quiere decir. Su obra se enfoca más en el sentir al verla, que en el pensarla.

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Título: Undo Año: 2021 Técnica: Instalación Medidas: 180 x 550cm

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ithin Lim Jang's work there are two ramifications in terms of personal motivations for his artistic work. The first axis refers to a 임장균 작가의 작품에 대하여 documentation of social problems and the 그의 작업에는 두 가지 의미가 있습니다. second focuses on the feelings of human 그 첫 번째는 3D를 2D로 변환하는 방법중 nature on the basis of its essence. 에 큐비즘에 가장 큰 영향을 받은것입니다 The first motivation is the one that most 그런데 큐비즘의 방식이 3D 객체의 다양핚 influences the cubism of her work, which 시점을 핚번에 보여주는 것이라면, 펼쳐짂 transforms the three-dimensional into two- 3D 객체는 다양핚 시점을 갖고 있지 않습니 dimensional. The method of cubism allows 다. 실은, 360도로 움직일 3D 조형물의 껍 to see at the same time several perspectives 질을 펼치면 우리는 조각품의 뒷면과 측면 of three-dimensional objects, these objects 을 볼려고 움직일 필요가 없습니다. when displayed only have one perspective. That is, when opening the frame of the 이것이 큐비즘을 지향하는 작가들과의 차 sculpture that will move in the direction 이 입니다 of 360 degrees will allow us to appreciate 여기에 시갂과 공갂이 필요하지 않습니다. the sculpture and in this way we do not have to move to see the side and the front. 과거도 없고 미래도 없고 현재만 있을 뿐입 In pursuing cubism, the need for time and 니다 space is not required. There is no past, 시갂은 흐르지 않는다 라는 말입니다 there is no future, there is only the present; and in the same way is the statement of a 그리고 그린버그는 점,선,면을 이용하여 평 physicist that time does not flow. 면성을 유지해야핚다고 말했습니다. 그것 은 회화의 본질에 관핚것이지 대상에 관핚 Second, everything that exists in this world 것이 아닙니다. is there and is expressed in various ways. Lim Jang uses his work as a kind of skin 그는 대상의 재현에 관핚것을 평면에 그릴 and skin itself to express that short touch 려는 것입니다. feeling. With this he removes all limitations 모든 오브젝트는 껍질을 가지고 있고 특히 so that the meaning of his work is visible, in 인갂의 껍질은 존재를 나타내는 하나의 상 which he expresses messages about racism, 징입니다 물리학자 리차드 파인만은 말핚 violence, religion and power. Some of them 다, 본질은 벽돌을 자르면 자를수록 외관과 are palpable with the naked eye and in 똑같다고 other works you have to pay a little more attention to be able to perceive the message 두번째로, 그의 작업은 인물의 공갂이 없어 that is expressed, however, each of her 짂 즉 껍질을 이용하여 사회적인 문제, 인종 works has the possibility of providing the 차별, 부조리, 정싞적인 폭력, 종교 등을 내 aesthetic event in those who look at them, 포하고 있습니다. and in one way or another the message can be received in a sensory way, without 감사합니다 having to resort so much to the intellect trying to decipher what it wants to tell us. Her work focuses more on feeling when seeing it, than on thinking about it.

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Título: Unfolded stone Año: 2021 Técnica: Instalación Medidas: 2m x 2m

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Título: Echoes series1. Año: 2021 Técnica: Oleo/ lienzo Medidas: 22in x 28in

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The wind hits the skin, so Human weak shaken by the wind

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Título: Non-violence movement to the shell Año: 2020 Técnica: Oleo/ lienzo Medidas: 66cm x 52cm

Tungsin-bul means the mummy of a real living monk who makes a Buddha statue. In Rodin’s work, the citizens of Calais seem more human than the religious people who transcend their lives. To give up one’s life for someone other than a religious meaning...

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Título: Echoes series2 Año: 2021 Técnica: Oleo/ lienzo Medidas: 22in x 28in

The wind hits the skin

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MAHIMA GUPTA (Estados Unidos) “Arte que explora la alegría de estar juntos”

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as obras de Mahima muestran una expresión alegre, vibrante, que transmiten de alguna forma la belleza que provoca la interacción pacífica y amorosa entre las diversas formas de vida, sean estos animales, vegetales o humanos. Las formas naturales contenidas en su obra nos evocan la "felicidad agradable cuando hay compañía para hablar y jugar", que se hace realmente evidente en su serie multicolor en la que aparecen ciervos, pájaros y peces voladores. Mahima mediante la observación de la naturaleza, se percató de que la interacción social y la intimidad parecían sacar lo mejor de cada tipo de forma de vida, incluso de las plantas con quienes se habla para que crezcan más hermosas. Mahima con su arte busca proporcionar al espectador la cálida y feliz sensación de estar en armonía con ellos mismos y con el medio ambiente. En su serie de arte humano, la artista tiene como objetivo representar la alegría que experimentan las diferentes comunidades y grupos residentes, así como la vida colorida que celebran. Lo expresa mediante colores vibrantes que considera son tan necesarios en el mundo actual, en donde las personas se encuentran tan enfocados en lo negativo y lúgubre, su objetivo es representar tanto la naturaleza como a los seres humanos quienes buscan la excelencia armónica en todo lo que hacen.

ahima's works show a joyful, vibrant expression, which somehow transmit the beauty caused by the peaceful and loving interaction between the various forms of life, be they animals, plants or humans. The natural forms contained in her work evoke "pleasant happiness when there is company to talk and play", which is really evident in her multicolored series in which deer, birds and flying fish appear. Through observing nature, Mahima realized that social interaction and intimacy seemed to bring out the best in every kind of life, even the plants that you talk to make them more beautiful. Mahima with her art seeks to provide the viewer with the warm and happy feeling of being in harmony with themselves and with the environment. In her human art series, the artist aims to represent the joy experienced by different communities and resident groups, as well as the colorful life they celebrate. She expresses it through vibrant colors that she considers are so necessary in today's world, where people are so focused on the negative and gloomy, her goal is to represent both nature and human beings who seek harmonious excellence in everything. what they do.

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Uno de los principios subyacentes del enfoque del arte de Mahima es que la autoexpresión es un derecho fundamental y debe estar disponible para todos, jóvenes y mayores. No puede ser prerrogativa exclusiva de artistas conocidos. ¡Poner nuestras ideas en líneas, formas y colores es una La técnica que emplea es mixta. Para ella lo bueno del arte es que, mediante él, es fácil poder expresar lo que uno quiera; usa su lenguaje plástico para difundir el significado de la esperanza, el amor, la hermandad, la paz, la esperanza de un nuevo comienzo, una nueva vida con colores vibrantes que simbolizan los tiempos venideros que serán más brillantes.

One of the underlying principles of Mahima's approach to art is that selfexpression is a fundamental right and must be available to everyone, young and old. It cannot be the exclusive prerogative of well-known artists. Putting our ideas in lines, shapes and colors is a The technique that she uses is mixed. For her the good thing about art is that, through it, it is easy to be able to express what one wants; she uses her plastic language to spread the meaning of hope, love, brotherhood, peace, the hope of a new beginning, a new life with vibrant colors that symbolize the times to come that will be brighter.

Serie: Being Together Año: 2021

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Título: Connection Año: 2020

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Título: Craving Conversations Año: 2020

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Título: Finding Myself Año: 2021

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Título: Mysterious Mates Año: 2021

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Serie: Reaching up to the flowers Año: 2021

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YOHANES SANTO (Bali, Indonesia)

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sta emergencia sanitaria ha ocasionado que los desechos de cubrebocas sean una fuente de contaminación predominante en todo el mundo, de igual manera la falta de conciencia al tirarlo a basura ha generado su reusó para generar dinero convirtiéndolo en un negocio rentable, dando paso a la venta honesta de estos productos y la deshonesta, para generar recursos económicos a expensas de la salud de otros; a consecuencia de ello es un caso preocupante de la cultura del reciclaje y del consumismo. De igual manera, nos plantea como nuestra vida cotidiana y los medios de comunicación se han centrado en ello; la limitación que han sufrido las personas en sus antiguas cotidianidades y normalidades teniendo que modificar sus estilos de vida y ritmos. Por otro lado, aunque sea difícil pensarlo y verlo, esta situación nos ha conducido a tener un estilo de vida “más saludable” así como aprender a valorar aquello que dábamos por hecho que teníamos y de pronto se convierte en algo tan frágil que puede incluso nunca volver a ser como lo conocíamos o desaparecer. Ciertamente los aspectos negativos son varios ya que afecta la economía, lo laboral, la salud, la cultura, la educación y otros aspectos socioculturales. La obra de Yohanes nos invita a mirar la situación desde otra perspectiva, a pensar en cómo nuestros desechos dañan el medio

ohanes is an artist from Bali, Indonesia. His style is focused more on graphics, the proposal that we present here; It is related to how this pandemic has produced changes in our lives, both positive and negative, the impact that the waste produced in this condition has caused to the environment, the unconsciousness of the human being and his selfishness that sometimes little or nothing cares about the another, nature, the damage it causes to the planet while it manages to stay alive or make money. This health emergency has been a predominant source of contamination throughout the world, in the same way the lack of awareness when throwing it away has generated its reuse to generate money, turning it into a profitable business, giving way to the honest sale of these products and the dishonest, to generate economic resources at the expense of the health of others; As a result, it is a worrying case of the culture of recycling and consumerism. In the same way, he shows us how our daily life and the media have focused on it; the limitation that people have suffered in their old daily lives and normalities, having to modify their lifestyles and rhythms. On the other hand, although it is difficult to think about it and see it, this situation has led us to have a "healthier" lifestyle as well as to learn

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ambiente y que tarde o temprano nos termina afectando a nosotros de igual forma; como ya lo hemos visto desde el año pasado hasta hoy en día, de maneras sin precedentes que afectan en forma dominó a todos los seres vivos que habitamos en este planeta. Sus imágenes guardan cierta comicidad, al mismo tiempo que sirven de registro social de cómo él ha percibido la pandemia en su país, compartiéndonos lo que él ha reflexionado en torno a ella. Desde otro punto de vista, sus imágenes muestran gran destreza en el dibujo y su facilidad para expresar una idea mediante una imagen.

to value what we took for granted that we had and suddenly it becomes something so fragile that it can even never go back to how we knew him or disappear. Certainly the negative aspects are several since they affect the economy, labor, health, culture, education and other sociocultural aspects. Yohanes's work invites us to look at the situation from another perspective, to think about how our waste damages the environment and that sooner or later it will end up affecting us in the same way; as we have seen from last year to today, in unprecedented ways that in the form of dominate all living beings that inhabit this planet. The images of him keep a certain humor, at the same time that they serve as a social record of how he has perceived the pandemic in his country, sharing with us what he has reflected on it. From another point of view, his images show great skill in drawing and his ease in expressing an idea through an image.

Serie: Virus Chatter Sale Año: 2020 Técnica: Pens On the Cardboard Medidas: 43 x 28 cm (2 panels)

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Serie: Selfish Health Año: 2020 Técnica: Pens on Paper Medidas: 30 x 21 cm

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Título: Switch Function Año: 2020 Técnica: Pens On Paper Medidas: 30 x 30 cm Título: Gospel Summary Año: 2020 Técnica: Nicks On Palm Leaves Medidas: 140 x 35 cm

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Serie: Ego Hegemony Año: 2020 Técnica: Pens on paper Medidas: 42 x 30 cm

Tít

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Té

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tulo: Tomorrow’s Fuel Año: 2020 écnica: Pens on Paper Medidas: 30 x 21 cm

Serie: Negotiable crow Año: 2020 Técnica: Acrylic Pens and Paints On Paper Medidas: 42 x 30cm

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CONVOCATORIAS

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CALL OF PAPERS La revista digital arbitrada Coup de arte contemporáneo convoca a artistas e investigadores que se encuentren interesados en la publicación de artículos e investigaciones que tengan envergadura en arte y sus entrecruces con otras disciplinas, del mismo modo participan artículos filosóficos y; arte y pedagogía a participar en su “Call of papers” abierta permanentemente. Los artículos, reseñas y ensayos deben respetar las siguientes características: •Deberán estar en formato Word •Tipografía Times New Roman a 11pt, con interlineado de 1,5 •Incluir título al inicio del documento. •Resumen de 300 palabras en español e ingles •Incorporar algunas palabras clave. Se sugiere entre 5 y 7 palabras clave •El sistema de citas debe respetar la norma internacional APA (American Psychological Association). Por ello, las notas al pie de página deben ser utilizadas sólo para comentarios y consideraciones complementarias al cuerpo central del texto. Para mayores referencias sobre el sistema de citación solicitado, se sugiere visitar el sitio web http://normasapa.com •En caso de que el documento contenga imágenes, están deben de respetar los derechos de autor, las imágenes, de haberlas, deben estar debidamente citadas y estar incorporadas al cuerpo del texto, de igual manera deben de ser enviadas en formato .jpg a tamaño carta en máxima resolución. •La extensión mínima será de 4 cuartillas y máximo de 12, más la bibliografía correspondiente. •El archivo deberá ser nombrado: Ensayo/ Reseña/ Artículo (dependiendo del caso) y titulo •El envío no ha sido publicado previamente y tampoco se ha enviado previamente a otra revista (o se ha proporcionado una explicación en Comentarios al editor). Al participar aceptan cualquier cambio que se sugiera por los árbitros. Al mismo tiempo aceptan los cambios realizados para su publicación por el equipo editorial de la revista Coup de arte contemporáneo. Los autores/as deberán cerciorarse de que su envío cumpla con las características anteriores. Se devolverán a los autores/as aquellos envíos que no cumplan estas directrices. NOTA: En un solo documento aparte deberán enviar una breve semblanza y reseña académica con lo más relevante de la trayectoria del autor y datos de contacto, del mismo modo debe de especificar si se publica bajo un seudónimo y contener el nombre completo del autor. Enviar una fotografía Retrato del autor, tamaño A4 a 200 pixeles por pulgada para el directorio de la revista. Los archivos deberán ser enviados como datos adjuntos, al siguiente correo: coup.arte@gmail. com En el asunto del correo favor de colocar: “call of papers” y el nombre del autor.

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La revista digital Coup de arte contemporáneo invita a artistas visuales, plásticos, fotógrafos y diseñadores que quieran publicar su obra; a enviar una selección mínimo 5 fotografía máximo 10 con las siguientes características:

•Categorías que incluyen: Pintura, dibujo, ilustración. fotografía, escultura, instalación, performance y new media, collage, Street art, arte digital, arte textil, ilustración, diseño y novela gráfica, en caso de ser video, enviar fotografías y el link para ver el video. •El formato de las imágenes debe de ser tamaño carta, formato retrato o paisaje, dependiendo de las necesidades de la obra •La resolución de las imágenes debe de ser de alta calidad (150 dpi o más) •Las imágenes deberán ser guardadas por el nombre de la pieza o numeradas. •Deberán estar en una carpeta dentro de un único archivo “Zip” •Subido a una plataforma: Mega, DropBox o Google drive o por correo electrónico

Enviar link del archivo en un correo junto con un archivo Word donde contenga la siguiente información:

•Ficha técnica de la pieza(s): autor (nombre completo y seudónimo), técnica, medidas, año (estas deberán estar numeradas) •Breve semblanza curricular que contenga lo más relevante de su trayectoria artística, no mayor a una cuartilla. •En caso de ser necesario una breve descripción de la pieza o las piezas. •Una fotografía del autor formato A4 a una resolución mínima de 200 pixeles por pulgada para el directorio de la revista

Al participar en la convocatoria aceptan los términos y condiciones expuestos aquí. Si las imágenes no cumplen los requisitos serán descartadas inmediatamente. Nuestras convocatorias no tienen cuota de participación. Los archivos y el link deberán ser enviados al correo coup.arte@gmail.com

CONVOCATORIAS

PUBLICACIÓN DE OBRA ARTISTICA Y DISEÑO

CONVOCATORIAS

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CALL FOR ARTISTIC WORK

Coup visual magazine online invites artists worldwide to participate in the Coup magazine of contemporary art and the publication of this artistic or design work, in the next issues of the Coup magazine. The categories include: •Painting •Photography •Sculpture and installation art •Performance and new Media •Collage •Street art •Textile art •Digital art •Illustration Features:

•5 or 10 Photography of each work in high resolution, in A4 format. •The name of each photo is the title of the work. •All photos may be in a unique zip file without password.

A Word document that contains the next information: •Statement of artist •Semblance of the artist •Contact information •Work certificate: author, title of the work, technique, size, year •A photograph of the author in A4 format at in high resolution, for the magazine directory By participating in the call, you accept the terms and conditions set out here. If the images do not meet the requirements, they will be discarded immediately Our call is free The files should be sent to the following email: coup.arte@gmail.com

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DIÁLOGO DROSS (Gran Bretaña 2016)

Es un grupo fundado en 2016 en el cual cada uno de sus colaboradores que participan en las células de acción a lo largo de Gran Bretaña se mantienen en el anonimato, debido a que son un grupo subversivo dentro de las instituciones de arte. DROSS tiene la intención de ser irónico, dadas las actividades del grupo y el entusiasmo dentro de él y por el trabajo que sus miembros realizan.

CONTACTO

E-mail:dross.collaboration@gmail. com Ig:https://www.instagram.com/ dross_collab Fb:https://www.facebook.com/ dross.works Web:http://drossworks.wordpress. com

DROSS is a group founded in 2016 in which each of its collaborators who participate in action cells throughout Great Britain remain anonymous, because they are a subversive group within art institutions. DROSS is meant to be ironic, given the group’s activities and enthusiasm within it and for the work its members do.

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Anindya Roy (India, 1967)

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Estudió Economía en la universidad de Kolkata, de 1989 a 19991 estudió artes en la Academia de Artes Sketches Club Kolkata; de 2004 a 2005 perteneció al estudio Join & DuttaRoy’s studio. Se desempeña como maestro de artes. A lo largo de su trayectoria artística cuenta con exposiciones individuales desde 1995, algunas de ellas son “Solo show” en Anusuya Blds-kolkata (2000), One Man show en Solo Art Gallery, Mumbai (2002), Tribeni Kala Sangam en Nueva Delhi (2005); Silent journey of 25 years en la Academía de Bellas artes de Kolkata & Chitrakoot, Kolkata. (2018). En el 2015 fue acreedor de la residencia en Aurodhan Gallery Pondicherry. De igual manera ha participado en 28 exposiciones colectivas en su natal India. Anindya studied Economics at the University of Kolkata, from 1989 to 19991 he studied arts at the Sketches Club Kolkata Academy of Arts; from 2004 to 2005 he belonged to the study Join & DuttaRoy’s studio. He serves as an arts teacher. Throughout his artistic career he has had individual exhibitions since 1995, some of them are “solo show” in Anusuya BLDS-kolkata (2000), One Man show CONTACTO in Solo Art Gallery, Mumbai (2002), Tribeni Kala Sangam in New Delhi (2005); E-mail: anindyanbp@gmail.com Silent Journey of 25 Years at the Kolkata & Chitrakoot Academy of Fine Arts, Telefono: +91-933270804 Kolkata. (2018). In 2015 he was awarded a residency at Aurodhan Gallery Pondicherry. Similarly, he has participated in 28 group exhibitions in his native India.

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Devi Dass (India, 1967)

CONTACTO

DIRECTORIO

E-mail: devidsculptor@gmail.com Telefono: + 91-9811342097

Estudió la maestría en escultura en la Universidad de Artes de Nueva Delhi, la licenciatura en escultura en Visva Bharti Kala Bhavana Santiniketan. W.B, de igual manera obtuvo el certificado en Pintura por el I.T.I. Jammu. Trabaja como artista freelance en Lalit Kala Academi Artist Studio en Garhi New Delhi. En su trayectoria artística cuenta con más de 20 exposiciones colectivas, algunas de ellas son JKCCA Host 7th International Art Exhibition in Memory of late Smt. Govind Kaur organizado por UDAAN en 2020: Exhibición de pintura Darshan Gandhi Evam, Samiti Samriti (2018). Tihaar Jail escultura y pintura, organizado por Lalit kala Akkademi (2017) y en 2015 en la exposición Pintura y Gráfica en Da Strokes Gallery, LKA; Nueva Delhi. Como parte de sus exposiciones individuales se encuentran: Exposición Individual de Escultura en KCP Art Gallery en Banglore (2014); Dibujo y Escultura en Jehangir Art Gallery, Mumbai (2013); Pintura y Dibujo en la Casa Internacional de la Fundación Stavenger en Noruega (2009); entre otras. De igual manera ha participado en numerosas exposiciones internacionales y ha sido acreedor de diversos premios y apoyos económicos para producción artística. Devi studied Master of Sculpture at New Delhi University of Arts, Bachelor of Sculpture at Visva Bharti Kala Bhavana Santiniketan. W.B, in the same way obtained the certificate in Painting by the I.T.I. Jammu. He works as a freelance artist at Lalit Kala Academi Artist Studio in Garhi New Delhi. In his artistic career, he has more than 20 group exhibitions, some of which are the JKCCA venue of the VII International Art Exhibition in Memory of the late Smt. Govind Kaur organized by UDAAN in 2020; Darshan Gandhi Evam, Samiti Samriti Painting Exhibition (2018). Tihaar Jail sculpture and painting, organized by Lalit Kala Akkademi (2017) and in 2015 in the exhibition Painting and Graphics at Da Strokes Gallery, LKA; New Delhi. As part of her solo exhibitions are: Solo Sculpture Exhibition at KCP Art Gallery in Banglore (2014); Drawing and Sculpture at Jehangir Art Gallery, Mumbai (2013); Painting and Drawing at the International House of the Stavenger Foundation in Norway (2009); among others. He has also participated in numerous international exhibitions and has been the recipient of various awards and financial support for artistic production.

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Emily Shih Artista autodidacta; reside en Taiwán. Sus obras de arte se han expuesto en Taiwán, Nueva York, Corea del Sur, América del Sur, Europa y Oriente Medio. Emily Shih is a self-taught artist residing in Taiwan. Her artwork has been exhibited in Taiwan, New York, South Korea, South America, Europe, and the Middle East.

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E-mail: cat2791@gmail.com Ig: http://www.instagram.com/ cat2791 Fb: https://www.facebook.com/emily.shih.92

Lim Jang Guin (Corea del Sur) Estudió la licenciatura en Bellas Artes en la Universidad ChungAng, en Corea del Sur. Su trabajo ha sido publicado en revistas como MVIBE Magazine – 2021, Artconnect Magazine, My Video Art (TUNGSIN-BUL BECOME DUSTY)-Germany -6.16.2020; su trabajo ha sido registrado en fineArtAmerica en 2020, La Nuova Maniera, 2020; y the_ofarrillworld_initiative también en 2020. Sus exposiciones individuales en Corea son “Skin” Corea del sur, 2020; y “Hybride painting” Corea del Sur, 2019, de igual manera cuenta con exposiciones internacionales en Estados Unidos y la Unión Europea.

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Lim Jang Guin studied for a Bachelor of Fine Arts at Chung-Ang University in South Korea. His work has been published in magazines such as MVIBE Magazine - 2021, Artconnect Magazine, My CONTACTO Video Art (TUNGSIN-BUL BECOME DUSTY) -Germany -6.16.2020; Her work has been registered in fineArtAmerica in 2020, La NuE-mail: im0908@gmail.com Ig:https://www.instagram.com/ ova Maniera, 2020; and the_ofarrillworld_initiative also in 2020. Her solo exhibitions in Korea are “Skin” South Korea, 2020; and limjangguin/?hl=ko FB: https://www.facebook.com/lim. “Hybride painting” South Korea, 2019, likewise has international exhibitions in the United States and the European Union. guin

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Fazar Roma Agung Wibisono (Indonesia, 1981)

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Fazar Roma resides in Bandung, Indonesia, he studied fine arts at the preparatory school of Fine Arts and Design and studied the Bachelor of Fine Arts and Design, upon graduation he worked in an art gallery as a painter for 7 years; in Yogyakarta, Indonesia. He has participated in different exhibitions both in Indonesia and International, some of them are; “HOPE” international online art exhibition, Karkhana Art Space, INDIA, 2021; “ASSEMBLAGE Exhibition” international online exhibition, Artist’s Circle Gallery, “AMK Studio & Services”, Greenville, TEXAS, USA; “MEET # COOLTZINE4 CREATORS, “FUTURE NOW”, Cooltsalon Events, Belgrade, London; “SPRING COLORS SHOW”, 2nd Virtual Art Exhibition, ART 4ALL, Romania; all of them in 2021 among others.

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E-mail: fazarromaagungwibisono@ gmail.com Ig: @fazar.r.a.wibisono FB: otuscrestfallen@yahoo.com Web: https://fazarwibisono.simdif. com https://fazarromaagungwibisono. simdif.com

Reside en Bandung, Indonesia, estudió bellas artes en la escuela preparatoria de Bellas Artes y Diseño y estudió la licenciatura en Bellas Artes y Diseño, al graduarse trabajó en una galería de arte como pintor durante 7 años; en Yogyakarta, Indonesia. Ha participado en diferentes exposiciones tanto en Indonesia como Internacionales, algunas de ellas de ellas son; “HOPE” exposición internacional de arte online, Karkhana Art Space, INDIA, 2021; “ASSEMBLAGE Exhibition” exposición internacional online, Artist’s Circle Gallery, “AMK Studio & Services”, Greenville, TEXAS, USA; “MEET #COOLTZINE4 CREATORS, “FUTURE NOW”, Cooltsalon Events, Belgrado, Londres; “SPRING COLOURS SHOW”, 2nd Virtual Art Exhibition, ART 4ALL, Rumania; todas ellas en 2021 entre otras.

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Mahima Gupta (Florida, Estados Unidos) Es doctora en Dibujo y Pintura por la Universidad de Rajasthan Japur, India; originaria de India y actualmente reside en Florida Estados Unidos. Fue ganadora de la prestigiosa Beca Universitaria de la Comisión de Subvenciones de la India (UGC) para estudios de doctorado (20002005), de igual manera fue acreedora de la Beca Estudiantil Rajasthan Lalit Kala Akademi (1998-1999), fue galardonada en el “10° kala Mela” organizado por la Rajasthan Lalit Kala Akademi, Jaipur, India (2002); de igual manera, fue premiada en la Exposición de Artes de Toda la India, por la Academia India de Bellas Artes, Amritsar, India (2001) y en 1998 ganó el premio de Bhoor Singh Shekhawat Memorial Padamshree Kripal Singh Shekhawat. Público en 2013 el articulo “Mapeo del ocio a través de las fronteras a través del arte en la pintura” como parte del libro “Mapeo del ocio a través de las fronteras”, por Cambridge Scholars Publishing, Reino Unido. Sus pinturas han sido impresas en las portadas de varios libros y revistas nacionales e internacionales, entre los que destacan L’Archive des Origins (2008), Francia y el catálogo de libros nuevos, Transaction Publishers (1962-2003), Rutgers University, NJ, EE. UU. “Valores humanos y cambio social” (2000) Publicaciones Rawat Jaipur, India. En el 2021 Mahima fue galardonada por la Writers Capital Foundation como una de las mujeres más influyentes

E-mail: mahimagupta.art@gmail. com Ig: https://www.instagram.com/mahimamodigupta/ Fb: https://www.facebook.com/ mahima.m.gupta Telefono: +1 (904) 631 4334

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Mahima Gupta has a PhD in Drawing and Painting from the University of Rajasthan Japur, India; She is originally from India and currently resides in Florida, United States. She was the winner of the prestigious University Scholarship of the Indian Grants Commission (UGC) for doctoral studies (2000-2005), in the same way she was the recipient of the Rajasthan Lalit Kala Akademi Student Scholarship (1998-1999), she was awarded in the “10th kala Mela’’ organized by the Rajasthan Lalit Kala Akademi, Jaipur, India (2002); Similarly, she was awarded at the All India Art Exhibition by the Indian Academy of Fine Arts, Amritsar, India (2001) and in 1998 she won the Bhoor Singh Shekhawat Memorial Padamshree Kripal Singh Shekhawat Award. She published in 2013 the article “Mapping leisure across borders through art in painting” as part of the book “Mapping leisure across borders’ ‘, by Cambridge Scholars Publishing, UK. His paintings have been printed on the covers of several national and international books and magazines, including L’Archive des Origins (2008), France and the new book catalog, Transaction Publishers (1962-2003), Rutgers University, NJ, USA “Human values and social change” (2000) Rawat Publications Jaipur, India. In 2021 Mahima was awarded by the Writers Capital Foundation as one of the most influential women

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Yohanes Santo (Indonesia, 1998)

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E-mail: yohanessanto95@gmail. com Ig: https://www.instagram.com/ soubirius/ Telefono: +6288219084439

Estudió artes en Ganesha University Of Education, en la Facultad de Lengua y Arte, Departamento en Bellas Artes, desde el 2015 a la fecha ha expuesto en diversos lugares, en su natal Balí en Indonesia, así como en la India, Sur de Sulawesi, Londres, Estados Unidos, Australia, Inglaterra, Turquí, África, Singapur, Francia, España, Alemania y Canadá. Algunas de ellas son Exposición de pintura de UAS en el patio de SMA Negeri 1 Sukasada, Buleleng, Bali - Exposición emocionante de gatos “Mozaik”, en la galería del campus inferior de Undiksha, Buleleng, Bali Exposición conjunta de Gamasera Undiksha “Qilin”, en el Museo de Arte Neka, Gianyar, Bali (2016); Exposición Internacional de Dibujo “Place”, en el Museo Soenda Ketjil, Ex Buleleng Harbour, Buleleng, Bali (2017); Exposición de Guyub Rupa “Rong”, en la Galería de Arte de la Universidad Estatal de Semarang, Semarang, Java Central (2019); Exposición conjunta Sketch Your Dream “Art Challenge”, en la galería Sketch Your Dream, India (2020); Exposición de collage con Collageendestroyy “Makassar Can Tonji” en la galería Collage Destroy, Makassar, South Sulawesi; Pantheon Projects Exposición conjunta “Intermissions” en la Camilleintson Gallery, Londres, Inglaterra; Exposición conjunta de Cam Galería “La Iniciativa Ofarrillworld” en Cam Galería, España todas ellas en (2020); entre otras. Yohanes Santo He studied arts at Ganesha University of Education, at the Faculty of Language and Art, Department of Fine Arts, since 2015 to date he has exhibited in various places, in his native Bali in Indonesia, as well as in India, South Sulawesi, London, United States, Australia, England, Turkey, Africa, Singapore, France, Spain, Germany and Canada. Some of them are UAS Painting Exhibition in SMA Negeri 1 Sukasada Courtyard, Buleleng, Bali - Exciting “Mozaik” Cat Exhibition, Undiksha Lower Campus Gallery, Buleleng, Bali - Gamasera Undiksha Joint Exhibition “Qilin “, at the Neka Art Museum, Gianyar, Bali (2016); International Drawing Exhibition “Place”, at the Soenda Ketjil Museum, Ex Buleleng Harbor, Buleleng, Bali (2017); Guyub Rupa “Rong’’ Exhibition, Semarang State University Art Gallery, Semarang, Central Java (2019); Joint exhibition Sketch Your Dream “Art Challenge”, in the Sketch Your Dream gallery, India (2020); Collageendestroyy collage exhibition “Makassar Can Tonji” at Collageendestroyy Gallery, Makassar, South Sulawesi; Pantheon Projects Joint exhibition “Intermissions” at the Camilleintson Gallery, London, England; Joint exhibition of Cam Galería “The Ofarrillworld Initiative” in Cam Galería, Spain all of them in (2020); among other.

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