Apuntes historia del arte reducidos

Análisis OBRAS

Renacimiento

Comentario : Triada de Micerinos

Ficha técnica

Anónimo

Imperio Antiguo 2532-2504 a.C.

Altorrelieve casi exento. 92,5 cm altura

Museo Egipcio – El Cairo -

Artista y época

El autor es anónimo, al igual que la mayoría de los artistas del Imperio Antiguo Micerinos cuyo reinado se ubica a mediados del tercer milenio a.C , fue el último gran faraón de la IV Dinastía que marcó tanto la consolidación del Imperio Antiguo egipcio como el aumento del poder real en el país.

Las imponentes pirámides de Giza, contemporáneas de esta época, son una clara evidencia de ello, mostrando a los monarcas egipcios como seres divinos con acceso a majestuosas tumbas diseñadas para disfrutar de la eternidad

Análisis

Esta escultura exenta, tallada en pizarra, es de pequeño tamaño, no alcanzando un metro de altura Representa a tres figuras (el faraón flanqueado por dos diosas), motivo por el cual se la denomina "tríada" Las figuras están adosadas a una pilastra amplia que les sirve de soporte y sugiere que la pieza fue concebida para ser vista frontalmente.

Micerinos, el faraón, se muestra en una pose de energía contenida, con los brazos a los costados y los puños firmemente cerrados, una postura común en el arte egipcio Esta tensión corporal contrasta con la expresión relajada de su rostro, reflejando la fortaleza juvenil del rey, quien porta la mitra o Corona Blanca (Señor del Alto Egipto), la barba postiza y un faldellín plisado.

El faraón ocupa el centro de la composición y está adelantado hacia el espectador, un efecto resaltado por su pie izquierdo, ligeramente avanzado Este tratamiento técnico enfatiza su posición por delante de las figuras femeninas, subrayando su papel como figura principal, mientras que las diosas quedan en segundo y tercer plano. Esto refleja el uso de la perspectiva jerárquica, donde la figura central aparece de mayor tamaño

A la derecha del faraón, avanzando tímidamente el pie izquierdo, está Hathor, la diosa del cielo, símbolo de luz, calor y vida Madre divina y esposa del soberano, Hathor lleva su tradicional corona con el disco solar entre cuernos de vaca. Su vestido ajustado y transparente revela una figura curvilínea que se extiende hasta los tobillos.

La tercera figura de la tríada es una diosa local que lleva en su cabeza el emblema del nomo de Kynópolis Aunque tiene las mismas dimensiones que Hathor, se representa con los pies juntos, lo que indica su posición más alejada en la composición, sin romper el equilibrio del diseño Ella también lleva un vestido ceñido y transparente que muestra su anatomía.

En resumen, la composición es un ejemplo destacado de la escultura egipcia, reflejando sus ideales estéticos: hieratismo o quietud, frontalidad, simetría el canon de dieciocho puños (2+10+6), simbolismo e idealismo en la representación de los faraones

Comentario

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En Egipto, no existía el concepto de "arte por el arte"; las obras escultóricas y pictóricas tenían un propósito religioso, funerario o cotidiano El artista era visto como un artesano al servicio del poder (el faraón), quien establecía las normas de representación, manteniendo una homogeneidad en el arte, salvo durante el reinado de Amenofis IV en Tell-el Amarna.

Este período, caracterizado por una revolución religiosa que introdujo la adoración exclusiva de Atón, permitió una mayor libertad artística, con un estilo más humano, naturalista y elegante

Las representaciones seguían un arquetipo idealizado. Así, la imagen del faraón respondía a un ideal de belleza, distante de la realidad y del común de los hombres, casi eterno, mientras que las demás figuras podían mostrar rasgos más naturales

Un aspecto central de esta idealización era el canon utilizado para representar a las personas, conocido como el "canon de los 18 puños" . Este canon se distribuía de la siguiente manera: 2 puños para el rostro, 10 desde los hombros hasta las rodillas, y 6 para las piernas y los pies Para los egipcios, una persona era considerada bella si medía 18 veces su propio puño, independientemente de otras características Este canon se observa claramente en la obra analizada

Finalmente, cabe mencionar que existe otra Tríada en el Museum Fine Arts de Boston, donde la diosa Hathor ocupa la posición central

Comentario : Panteón de Agripa

Ficha técnica

Apolodoro de Damasco. Época Adriano

120 d.C.

Arquitectura religiosa | Templo | Estilo romano imperial

Roma

Artista y época

El Panteón es uno de los edificios más importantes en la Historia del Arte Esto se debe a dos razones principales: primero, porque representó un gran avance técnico en comparación con lo que se había construido antes, y segundo, por su gran influencia en épocas posteriores.

No se sabe con certeza quién fue su arquitecto, aunque algunas fuentes mencionan a Apolodoro de Damasco En esa época, los edificios se asociaban más con la figura que los encargaba, en este caso el emperador Adriano, quien trajo paz al imperio y realizó muchas reformas para mejorar su funcionamiento

Función y significado

Una de las acepciones de "panteón" es "templo para todos los dioses", y parece que esa fue la función original del edificio Su origen se remonta al siglo I a C y se atribuye a Agripa, un destacado general de la época de Augusto (hay una inscripción en el frontón que lo confirma) Lo que Agripa construyó estaría en el mismo lugar donde hoy se encuentra el templo que da acceso a la gran rotonda.

El edificio fue restaurado varias veces y, por razones desconocidas, se decidió reconstruirlo completamente en el siglo II d C , resultando en la estructura que conocemos hoy Adriano quiso construir un templo para reunir a todos los dioses greco-romanos, con un propósito religioso

Siglos después, el cristianismo se convirtió en la religión oficial bajo el emperador Teodosio, el Panteón se transformó en una iglesia cristiana y se dedicó a Santa María de los Mártires Con el tiempo, se convirtió en lugar de descanso para figuras ilustres, como algunos reyes y el pintor renacentista Rafael Sanzio

Análisis formal

El edificio tiene dos partes principales: un pórtico (pronaos) y una cella o naos La planta del edificio cuenta con un pórtico con ocho columnas (octástilo) y una sección de transición dividida en tres partes. Las dos secciones laterales tienen techos planos, mientras que la parte central tiene una bóveda de cañón Al final de esta transición, se encuentra una cella circular

El pórtico está elevado 1,32 m sobre el nivel de la plaza y se accede por 5 escalones Tiene ocho columnas de estilo corintio hechas de granito egipcio y mármol blanco en las bases En el interior el pórtico está dividido por dos filas de cuatro columnas en tres pasillos, siendo los dos laterales más estrechos que el central, que lleva a la entrada principal hacia la cella

Sobre las columnas de la fachada, hay un entablamento y un frontón El tímpano del frontón, decorado en bronce, fue robado El edificio tiene arcos de medio punto y una bóveda de cañón El techo es a dos aguas, cubierto con tejas de bronce dorado que reflejaban la luz y también fueron robadas El arquitrabe es el del Panteón del año 27 a C , donde se puede leer en latín abreviado, en parte con letras de bronce: MAGRIPPALFCOSTERTITVMFECIT“Marco Agripa, hijo de Lucio, cónsu por tercera vez, lo hizo”

Interior

Dentro hay una serie de columnas y pilastras alternadas con nichos (exedras) que probablemente contenían estatuas de dioses Estos elementos sostienen la cúpula, una semiesfera con casetones que se hacen más pequeños hacia el centro, lo que mejora la perspectiva En el centro de la cúpula hay una abertura de nueve metros de diámetro, el único punto de entrada de luz natural al edificio

El interior de la cella es de planta circular, coronada por una cúpula de 43,20 metros de altura, que marcó un hito en la historia de la arquitectura

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Análisis formal

La cúpula descansa sobre un cilindro con un radio de 21,60 metros, que está sostenido por un anillo de hormigón con ladrillo Este anillo tiene ventanas que, aunque están tapadas ahora antes estaban abiertas para permitir la entrada de luz desde el exterior En el centro de la cúpula hay un óculo de 9 metros de diámetro por donde entra la luz, que antes se reflejaba en el bronce de los casetones La cúpula está construida con hormigón y piedra pómez

En la parte inferior del cilindro, el muro se alterna con vanos situados entre los pilares. Hay 8 exedras o nichos semicirculares y rectangulares (donde se albergaban, posiblemente, esculturas de los dioses) que también ayudan a soportar la estructura Entre estas exedras hay altares con frontones triangulares y semicirculares

Materiales

Los materiales son típicos de la arquitectura romana: hileras de ladrillos en los arcos de descarga (opus laetericium) y hormigón para los gruesos muros (mezcla de cal, arena, roca volcánica, guijarro, puzolana) Emplearon el granito para construir las columnas del pórtico Debido al aspecto pobre de estos materiales, se utilizó estuco y mármol para los capiteles y mármol de diferentes colores en la decoración, junto con el bronce

Decoración

La decoración es geométrica y se compone de elementos arquitectónicos sin función constructiva como frontones, entablamentos y columnas, que estaban adornados con mármol de colores que hoy en día se ha perdido

La cúpula interior está decorada con cinco filas de casetones que disminuyen de tamaño hacia el centro Los casetones estaban cubiertos de bronce, pero este se perdió porque fue reutilizado, por ejemplo, en el Baldaquino del Vaticano diseñado por Bernini. Es probable que el exterior del edificio estuviera recubierto con planchas de bronce posiblemente decoradas con relieves

Comentario

El Panteón es un gran ejemplo del interés de los romanos por la solidez en sus construcciones Es sorprendente que un edificio tan audaz siga en pie casi dos mil años después Esto se debe a un ingenioso sistema de soportes, no solo en lo visible, sino también dentro de los muros, donde arcos de ladrillo ayudan a distribuir el peso de la cúpula

Sin embargo, la originalidad del Panteón no radica en su forma, sino en su tamaño Ya los griegos habían construido templos circulares llamados tholos, y los propios romanos usaban esa forma desde antes, como en el templo de Vesta en Roma

Muchos de los materiales decorativos del Panteón han desaparecido Ya no están los estucos en las paredes ni las placas de bronce que cubrían los casetones, las cuales fueron retiradas por Bernini en el siglo XVII para usarlas en el baldaquino de San Pedro del Vaticano Lo que sí se conserva es el suelo de mármol de la época de Adriano.

Tímpano: ahora es liso, pero el pasado estuvo decorado.

Arquitrabe: en él se encuentra la inscripción

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Cúpula

Escalinata: 5 escalones

Capitel orden corintio

Cornisa

Comentario : Coliseo o Anfiteatro Flavio ArteRomano

Ficha técnica

Arquitecto desconocido: Encargado por Flavio Vespasiano

72-80 a.C.

Arquitectura civil | estilo alto Imperio

Roma

Artista y época

El Coliseo es una impresionante obra de la ingeniería romana Su innovación radica en que combina dos teatros en uno, algo que los griegos no hicieron, ya que solo construyeron teatros En el siglo I d C Roma estaba en su máximo esplendor, gobernando un vasto territorio que incluía todo el Mediterráneo, la Galia, Asia Menor, las Islas Británicas, y más

Los romanos, muy prácticos, desarrollaron una arquitectura enfocada en edificios públicos y servicios como teatros, anfiteatros, circos, templos, carreteras, acueductos y sistemas de saneamiento.

Inaugurado en el año 82, el Coliseo se convirtió en el anfiteatro más grande del mundo y sirvió como modelo para futuras construcciones Vespasiano lo mandó construir como un regalo al pueblo, reforzando la imagen generosa del poder (acto de propaganda) y la idea de ganar el favor de los ciudadanos con "pan y circo"

Con el tiempo, fue abandonado y los terremotos lo dejaron en ruinas Su mármol se reutilizó en otras construcciones El nombre "Coliseo" proviene de una enorme estatua de Nerón que estaba junto a él Su verdadera denominación es la de Anfiteatro Flavio, debido a la dinastía de emperadores reinantes

Función y significado

Función

El edificio de ocio servía para entretener a la gente, siguiendo la tradición del "pan y circo" de los emperadores romanos, que ofrecían alimento y espectáculo para mantener distraído al pueblo de los asuntos políticos Más tarde, la Iglesia católica lo adoptó como símbolo de los mártires que murieron en su arena.

Significado

Aunque el edificio está deteriorado porque durante mucho tiempo se usó como cantera, todavía es un ejemplo duradero del carácter funcional y pragmático de la arquitectura romana Podía albergar a 50,000 espectadores y es una muestra de la monumentalidad y grandiosidad al servicio de la funcionalidad y también de la propaganda del emperador

Análisis formal

El nombre "anfiteatro" significa "dos teatros" y es una construcción típica de la arquitectura romana, demostrando su enfoque práctico Estos edificios estaban diseñados para el entretenimiento del público Los anfiteatros tienen una forma ovalada o elíptica, con dimensiones impresionantes que muestran la habilidad de los romanos para realizar grandes obras En el caso del Coliseo, sus medidas son: 187x155 metros

Materiales

Los materiales usados son variados: hormigón para cimientos, gradas y bóvedas de cañón; travertino para los pilares; toba volcánica, ladrillo con hormigón, mármol y estuco para el revestimiento.

Exterior

La estructura del anfiteatro tiene cuatro niveles Los tres primeros están formados por arcos de medio punto La fachada, apoyada sobre una base elevada, es conocida por la superposición de órdenes arquitectónicos: toscano en el primer piso, jónico en el segundo y corintio en el tercero Cada piso tiene arcos sostenidos por columnas correspondientes a estos órdenes Encima de las columnas hay un entablamento o dintel El espacio triangular entre el arco y el dintel se llama enjuta

El cuarto nivel añadido durante el mandato de Domiciano para aumentar la capacidad, es el atrio con pilastras corintias que rodean ventanas cuadradas Se conservan algunas ménsulas que sujetaban los mástiles para un gran toldo que protegía el edificio del sol y la lluvia

Originalmente, toda la fachada estaba cubierta de estuco para mejorar su apariencia El acceso y la salida se realizaban a través de los 80 arcos del piso inferior.

Interior

El Coliseo combina la arquitectura griega con el uso de arcos de medio punto, que servían tanto de soporte como de decoración, junto con bóvedas de cañón y de crucería. La red de galerías permitía un acceso rápido y evacuación a través de los vomitorios que probablemente estaban decoradas con pinturas o mosaicos

Análisis formal

El interior se divide en los siguientes espacios:

– Subterráneo: una red compleja de galerías estancias abovedadas, escaleras, ascensores de poleas para subir fieras y tramoyas para acceder a la arena

– Arena: el espacio donde se llevaban a cabo luchas de gladiadores, batallas mitológicas o históricas, e incluso naumaquias, que eran representaciones de batallas navales (aunque se realizaban raramente debido a su complejidad y alto costo Existe poca información al respecto) La arena tenía una forma ovalada de 74x46 metros, y debajo había pasillos, escaleras y habitaciones para organizar los espectáculos Graderío o cavea: compuesto por anillos concéntricos escalonados El graderío se accedía desde los arcos del primer piso y no aprovechaba el desnivel del terreno, sino que se apoyaba en una serie de bóvedas superpuestas y pilastras

El edificio podía albergar a 50 000 espectadores y tenía una organización jerárquica Estaba dividido en cinco niveles: el más bajo tenía palcos para senadores y tribunos.

Hasta el tercer nivel, los asientos eran de mármol mientras que a partir de ahí eran de madera para las clases inferiores, que veían los espectáculos de pie El uso de madera ayudaba a reducir la presión sobre las paredes, bóvedas y pilares interiores

Comentario

Aunque tiene 2000 años de antigüedad, lo más interesante del Coliseo es su diseño como obra de ingeniería Es impresionante cómo decenas de miles de personas podían entrar, salir rápidamente y disfrutar del espectáculo bajo techo Aunque el uso de los tres órdenes arquitectónicos superpuestos no era nuevo, ya que se había empleado en la época helenística y en el Teatro Marcello (13 d C ), este diseño fue muy imitado durante el Renacimiento y el Barroco

Gradas para esclavos, extranjeros y plebe: los espectadores estaban de pie.

Gradas porticadas (portici): gradas para las mujeres y clases inferiores.

Podium: gradas para los emperadores y espectadores ilustres.

Graderío (maenianum): gradas para los tribunos y ciudadanos.

Galerías inferiores (ambulacrum): pasillos de acceso a las gradas.

Arena: Círculo central donde tenían lugar los espectáculos

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Accesos (vomitoria): puertas de acceso y salida de los visitantes.

Gradas para los caballeros (equites)

Puertas: numeradas del 1 (I) al 80 (LXXX) permitían una entrada y salida rápida y ordenada.

Ima cavea: nobleza y oficiales

Media cavea: Ciudadanos romanos y clase media

Summa cavea: Esclavos y pobres

Summum Maenianumin Ligneis Mujeres

Comentario : Pórtico de la Gloria ArteRománico

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Ficha técnica

Maestro Mateo y sus discípulos

Finales siglo XII

Relieve: originalmente policromado

Catedral de Santiago de Compostela (Galicia- España)

Artista y época

Estamos ante de una de las mejores obras de escultura medieval Sabemos que es obra del Maestro Mateo porque encontramos una inscripción en el mismo pórtico que dice: “En el año 1188, el Maestro Mateo ha dirigido la obra desde el principio” Mateo, con un grupo de ayudantes, recibió el encargo en 1168 y una pensión vitalicia del rey Fernando II de León mostrando la importancia del proyecto El trabajo no solo consistía en hacer una portada, sino en terminar la catedral adaptando el desnivel entre la nave y la plaza También construyeron una cripta bajo el pórtico En el siglo XI, la Catedral de Santiago se había convertido en un destino muy importante para los peregrinos que venían a Compostela

El Pórtico de la Gloria se enmarca en un periodo de recuperación en Europa a partir del siglo XI, con el éxito de rutas de peregrinación como el Camino de Santiago En la Península, este siglo coincide con la crisis del califato y los reinos de taifas, lo que facilitó la conquista de los reinos cristianos y la llegada de recursos Alfonso VI promovió el Camino de Santiago, protegiendo a los monjes cluniacenses El Camino impulsó el comercio y el intercambio cultural, contribuyendo al desarrollo económico y a la mezcla de culturas España se integró en Europa, adoptando el culto romano en lugar del mozárabe

Función

La construcción de la Catedral de Santiago está ligada a la afluencia de peregrinos y a la promoción del obispo Gelmírez El Pórtico tenía una función didáctica, enseñando los dogmas y mensajes del mundo teocrático controlado por la Iglesia, y promoviendo la piedad y las vías de salvación. Además, para los peregrinos, el Pórtico ofrecía esperanza tras su largo viaje, presentándoles a Cristo como Rey de Reyes y a Santiago como anfitrión en la Jerusalén celestial

Esta obra se sitúa en la última etapa del románico, que comenzó en el siglo XI con ejemplos como el Crismón de Jaca y el claustro de Santo Domingo, y continuó en el siglo XII con el Pórtico de las Platerías y el gran arco de entrada de Ripoll.

Análisis

El Pórtico de la Gloria muestra elementos típicos del románico, como el horror vacui (miedo al vacío) y la adaptación al marco, especialmente en el tímpano y las arquivoltas Sin embargo, también tiene características estilísticas que anticipan el gótico: las figuras empiezan a ganar independencia del marco arquitectónico, con un mayor volumen (como el apóstol Santiago); la anatomía se representa de manera más realista y natural, con pliegues en las vestiduras más dinámicos y elegantes Los rostros son más expresivos y humanos, mostrando sonrisas y diálogos, lo que les otorga personalidad y singularidad

Descripción iconográfica

El Pórtico está compuesto por tres arcos Los dos arcos laterales no tienen tímpano: el de la izquierda muestra escenas del Antiguo Testamento, el central representa el Apocalipsis y el de la derecha el Juicio Final La lectura es cronológica de izquierda a derecha.

El arco central está dividido por un parteluz, en el que de abajo hacia arriba se ve: en la basa, un hombre barbudo que puede ser Adán, Sansón, Moisés o Abraham, abriendo la boca a leones que funcionan como respiraderos de la cripta En el fuste se encuentra el árbol de Jesé (genealogía de Jesús), un capitel con la Trinidad (paloma como Espíritu Santo, el Padre sosteniendo al Hijo con el libro de la Revelación), la figura del apóstol Santiago en actitud acogedora, y un capitel con las tentaciones de Cristo. En la parte posterior del parteluz, se encuentra una figura penitente, posiblemente el maestro Mateo

Descripción iconográfica

En el tímpano, Cristo aparece como juez mostrando sus llagas, rodeado de los evangelistas: San Marcos (león), San Mateo (caja de impuestos, simbolizando su trabajo como publicano), San Lucas (toro) y San Juan (águila) A la izquierda, se representa al pueblo de Israel, y a la derecha, al pueblo elegido. En la parte inferior, ángeles muestran los símbolos de la pasión (columna, cruz, corona de espinas, jarra de Pilato, esponja, clavos, lanza, azote y martillo)

En la arquivolta, los veinticuatro ancianos del Apocalipsis están dispuestos en círculo, con instrumentos musicales, conversando en parejas

En el lado izquierdo del arco se representan las herejías y en las jambas profetas como Isaías, Daniel, Jeremías, que parecen sonreír y dialogar En el lado derecho, en la parte superior, se muestran los pecados capitales y un ángel, mientras que en las jambas están los apóstoles Pedro (con las llaves), Pablo (con un libro), Santiago y Juan, este último joven y sonriente Así, las jambas unen el Antiguo Testamento (profetas) y el Nuevo Testamento (apóstoles).

Comentario

El Pórtico de la Gloria es una obra maestra del arte románico y también un adelanto del arte gótico. De estilo románico tiene la majestad y seriedad en los personajes, mientras que de estilo gótico muestra un tratamiento más naturalista en los rostros y posturas El Maestro Mateo se inspiró en la portada de la Iglesia de la Magdalene en Vézelay, imitando su estructura y disposición de figuras

Este pórtico influyó en muchas otras portadas, especialmente en Galicia, como el Pórtico del Paraíso en la Catedral de Orense. Originalmente, era la entrada principal para los peregrinos que llegaban a Compostela desde toda Europa

Comentario : Pórtico de la Gloria ArteRománico

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Ángeles con los primeros salvados y con los no nacidos.

Cristo resucitado - tímpano-

Evangelistas – tímpano -

Ángeles de la Pasión (ambos lados) –tímpano

LIMBO

Arquitectura superior: el pueblo oprimido. Arquitectura inferior: Cristo en el centro, Adán y Eva, y los Patriarcas.

Profetas menores -jambas-

Profetas mayores -jambas-

Santiago -fuste-

Trinidad -capitel-

ANTIGUO TESTAMENTO

NUEVO TESTAMENTO

Árbol de Jessé -fuste-

Sacrificio de Isaac -fuste-

Mateo Parte posterior

Fauces infernales y monstruos.

Redención por la Gracia -fuste-

Los 40 salvados, los Bienaventurados (ambos lados): tímpano

24 ancianos músicos: arquivolta Ángeles con los salvados

Fauces infernales -basa-

Pedro Pablo Santiago Juan

JUICIO FINAL

Claves: Cristo y San Miguel Izquierda: justos llevados a la Gloria Derecha: condenados llevados infierno

– vicios-

Apóstoles -jambas-

Monstruos y fauces infernales

Lucas

Juan Mateo

Marcos

Pecados

Adán y Eva

Moisés

Isaías

Daniel

Jeremías

Maestro

Parteluz

Andrés

Bartolomé

Tomás

Comentario : Catedral Notre Dame París ArteGótico

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técnica

Varios escultores y arquitectos

1163-1250

Catedral de estilo gótico – Religioso-

Ille de la Cité, París

Contexto y autores

En esta época, Francia estaba gobernada por los Capetos. Las ciudades crecían rápidamente gracias al comercio, y la burguesía se volvía importante La catedral también reflejaba una religiosidad más humana y la devoción a la Virgen

Es un tiempo de rápido crecimiento urbano debido al comercio, lo que también hace crecer a la burguesía Por eso, el dinero se vuelve tan importante como la posesión de tierras Para atraer a los ciudadanos, surge una religiosidad más cercana y humana: Dios es luz, y ahí llegan las nuevas órdenes como los franciscanos y mendicantes No es raro que la catedral esté dedicada a la Virgen, representada de una manera más humana

La catedral, construida en granito, se encuentra en una isla del río Sena en París, Francia La primera piedra fue colocada por el obispo Maurice de Sully en 1163, y la construcción se completó en 1258 Los arquitectos Pierre de Montreuil y Jean de Chilles fueron responsables de las fachadas norte y sur

Análisis de la Catedral

La construcción comenzó en 1163 bajo el obispo Maurice de Sully. La fachada occidental, que es del tipo H, se completó en el siglo XIII Antes de Notre-Dame, ya había otros templos en el mismo lugar Por tanto, las obras son el trabajo de varios arquitectos y escultores Notre-Dame ha sufrido el paso del tiempo y la Revolución Francesa, por lo que fue restaurada en el siglo XIX por Viollet-le-Duc Esta restauración incluyó la reconstrucción de contrafuertes, arbotantes, gárgolas y la restauración del transepto a su aspecto original de cuatro niveles

La catedral no solo tiene una función religiosa, sino también didáctica (en portadas y vidrieras) y de prestigio para la ciudad, ya que sus torres son visibles desde lejos, lo que motivó a los gremios a contribuir en su construcción. El 15 de abril de 2019, un gran incendio causó graves daños, destruyendo parte de las bóvedas de Notre-Dame

Planta y estructura

La catedral tiene cinco naves con un sistema de bóvedas y un doble deambulatorio, que rodea el coro, y está dividido en tramos triangulares rodeados de capillas cuadradas, creando un gran presbiterio En la entrada occidental hay un nártex con un doble pórtico cubierto por bóvedas sexpartitas, flanqueado por torres La nave central es más ancha y tiene bóvedas sexpartitas y utiliza columnas como elemento estructural, lo cual es característico del primer gótico; mientras que las naves laterales tienen bóvedas cuatripartitas.

Encima de las naves laterales se encuentra la tribuna, sobre la cual hay ventanales organizados en tres niveles Todos los ventanales y rosetones están decorados con vidrieras, lo que crea un ambiente místico en el interior

Análisis de la catedral

El transepto, que no sobresale al exterior, tiene una sola nave con tramos de bóvedas sexpartitas y cuatripartitas. Las cubiertas de crucería sexpartitas están divididas en seis plementos, y las cuatripartitas en cuatro Los nervios de las bóvedas continúan por medio de columnillas adosadas al muro hasta las columnas El espacio se divide en tramos por arcos fajones que delimitan el espacio y evitan la monotonía

El espacio de la catedral es longitudinal, dirigido hacia el altar, pero también se proyecta hacia lo alto, hacia las vidrieras que permiten el paso de una luz colorida La luz representa a Dios, y las vidrieras contienen un programa iconográfico El recorrido de la luz va desde el poniente (oscuridad y pecado) hacia el oriente (nacimiento de la luz), simbolizando que Dios es luz y salvación.

Alzado interior – Primer nivel: arquerías apuntadas sobre gruesas columnas

– Segundo nivel: tribuna que recuerda al estilo románico, con arcos triples que se convierten en geminados en la zona del coro y transepto La tribuna no solo aumenta la capacidad del templo, sino que también distribuye el peso lateral de la bóveda central hacia las naves laterales y de estas hacia los arbotantes y contrafuertes

– Tercer nivel: claristorio con vidrieras, rehecho en el siglo XIII. Originalmente, la catedral, al igual que la de Laón, tenía cuatro niveles: arquería, tribuna, pequeño triforio y pequeño claristorio

Originalmente, como la catedral de Laón, tenía cuatro niveles: arquería, tribuna, triforio y claristorio

Características góticas

El diseño gótico busca la verticalidad y luminosidad, utilizando el arco apuntado u ojival, las bóvedas de crucería y un sistema de contrarresto con arbotantes que trasladan el peso a los contrafuertes, permitiendo liberar los muros y abrir ventanas con vidrieras. Para conseguir la verticalidad y luminosidad, el sistema constructivo cambia: arcos apuntados, bóvedas de crucería y un sistema de contrarresto con arbotantes y contrafuertes que permiten abrir ventanas con vidrieras de colores

Exterior

Los arbotantes exteriores dan un aspecto de "tela de araña" Notre-Dame muestra la evolución del gótico: conserva elementos arcaicos del siglo XII, como las bóvedas sexpartitas y la tribuna (como la catedral de Laón), pero ya incorpora elementos clásicos del siglo XIII, como los arbotantes, la fachada occidental con su triple portada y las capillas radiales de la girola.

Ficha

Comentario : Cúpula Sta. María de las Flores ArteRenacimiento

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Ficha técnica

Filipo Brunelleschi

1418-1436

Cúpula renacimiento

Florencia, Italia

Contexto y autores

Filippo Brunelleschi empieza su carrera como escultor. En 1401, participa en un concurso para realizar las puertas del baptisterio de Florencia, pero pierde frente a Ghiberti Sin embargo, en 1418 gana el concurso para construir la cúpula de la catedral de Santa María de las Flores, también conocida como el Duomo, un proyecto que se convierte en un punto de inflexión en la historia de la arquitectura Brunelleschi se vale de sus amplios conocimientos matemáticos y de las excavaciones arqueológicas que estaban revelando construcciones de la antigua Roma para diseñar su innovadora cúpula

En el siglo XIII Arnolfo di Cambio había construido el cuerpo principal de la catedral de Florencia pero la cúpula que se tiene planeada no se llega a realizar. Después de un retraso debido a la peste negra, en el siglo XV se organiza un concurso para su construcción en el que participan artistas como Ghiberti y Brunelleschi Finalmente, Brunelleschi resulta ser el ganador

El proyecto de Brunelleschi preveía una cúpula con un diámetro de 42 metros, que se elevaría hasta los 87 metros de altura En marzo de 1436 la cúpula de la catedral de Florencia es inaugurada por el papa Eugenio IV

Análisis

El proyecto de Brunelleschi para la cúpula propone un diámetro de 42 metros y una altura de 87 metros El principal desafío era que, con las técnicas tradicionales de la época, no era posible construir una estructura de tal tamaño. Las cúpulas se solían levantar con andamios de madera que sostenían la construcción hasta que se completaba, pero en este caso, no había forma de que la madera aguantara el peso y la dimensión de la obra

Brunelleschi propone una solución innovadora: su cúpula sería autosustentante, es decir, se construiría por partes que se sostendrían por sí solas a medida que avanzaba la obra De este modo, se reduciría el uso de andamios, que podrían reubicarse según las necesidades del proyecto Esto marca el inicio de la arquitectura moderna

La clave de su construcción es el uso de dos casquetes: uno interior de forma semiesférica y otro exterior con forma apuntada, dejando un espacio hueco entre ambos Estos dos casquetes están conectados por listones de madera y ladrillos

Ambos casquetes se asientan sobre un tambor octogonal, con un óculo en cada panel y placas de mármol de colores verde, blanco y rosado Desde las esquinas del tambor surgen ocho espigones o nervios grandes de mármol

Análisis

Entre cada par de estos espigones, se levantan dos nervios verticales más pequeños, y entre ellos se colocan filas horizontales de ladrillos Así, la cúpula se construye por secciones, utilizando andamios y levantando las capas de ladrillos horizontales que soportan las capas verticales Brunelleschi usa ladrillos que son más ligeros que la piedra, para construir los nervios

Otros elementos clave en la construcción son una malla de cadenas para repartir el peso, la disposición de los ladrillos en forma de "espina de pez", que asegura su estabilidad, y el perfil ligeramente apuntado de la cúpula, que la hace más resistente al no ser completamente semiesférica.

Otra de las grandes aportaciones de Brunelleschi es el uso de la perspectiva La cúpula se levanta sobre un tambor octogonal con ventanas circulares (óculos) en cada uno de sus lados y decorado con la policromía de mármol ya mencionada Los paneles de la cúpula, hechos de tejas rojas, están divididos por ocho nervios blancos que se curvan y se encuentran en la linterna La linterna actúa como un nudo que une los nervios mediante los aletones, creando un efecto de ascensión y sirviendo como un punto de fuga visual

El perfil apuntado de la cúpula, los nervios blancos la policromía, y el diseño de molduras rectangulares en el tambor junto con los óculos redondeados, le dan un aspecto ligero y elegante

Comentario

Esta cúpula es considerada la primera obra de la arquitectura moderna porque introduce nuevos elementos de sustentación. Por ello, se reconoce a Brunelleschi como el primer arquitecto moderno, debido también a su uso innovador de la perspectiva La cúpula, que se puede ver desde lejos, simboliza la unión entre la tierra y el cielo

Otro elemento moderno es que el arquitecto no solo diseñó la estructura, sino que también ideó máquinas complejas para izar los materiales durante la construcción Esta obra influye en Miguel Ángel y la cúpula que más tarde construye para la Basílica de San Pedro en el Vaticano

Por otro lado, por primera vez en la historia de la arquitectura, se separa claramente el diseño de la ejecución material de la obra. Esto eleva la figura del arquitecto a la categoría de intelectual, un camino que se mantiene hasta nuestros días

La inauguración de la cúpula se celebra con una gran ceremonia que incluye el estreno de una obra musical compuesta especialmente para la ocasión: el motete Nuper rosarum flores de Guillaume Dufay

Comentario : La Escuela de Atenas ArteRenacimiento

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Ficha técnica

Rafael Sanzio

1508-1513

Pintura al fresco | Cinquecento

Palacios Vaticanos

Artista y época

Rafael nace en Urbino, un importante centro artístico impulsado por Federico de Montefeltro. Desde joven, su talento llama la atención Su padre, que también es pintor, lo envía al taller de Pietro Perugino, uno de los grandes maestros de la época Sin embargo, Rafael pronto se independiza y empieza a recibir encargos importantes

La fama lo lleva a Roma en 1508, donde se convierte en el pintor preferido de los papas Julio II y León X. Rafael recibe este encargo a los 25 años por parte del papa Julio II, quien le encomienda decorar varias estancias del Vaticano

A pesar de morir a los 37 años, su legado es inmenso y es visto como uno de los más grandes pintores de la historia En muchos países surgen escuelas que lo consideran un modelo a seguir

Contexto y significados

El contexto histórico es el del Cinquecento, donde Roma se convierte en el centro artístico bajo el patrocinio de los Papas Es la época de los grandes genios como Bramante, Leonardo, Miguel Ángel y Rafael Este fresco forma parte de una serie que representa cuatro grandes áreas del conocimiento: la poesía (El Parnaso), la filosofía la fe o teología, y el derecho.

En cuanto a los significados, el fresco de La escuela de Atenas simboliza la verdad alcanzada a través de la razón humana Por otro lado, el fresco titulado La disputa del Santísimo Sacramento, que también decora la Sala de la Signatura, representa la verdad revelada por Cristo De esta forma, la estancia une la razón y la fe, mostrando que el pensamiento racional y la tradición cristiana no están en conflicto.

Otra interpretación posible es que, al representar a filósofos y científicos con los rostros de artistas contemporáneos, Rafael eleva a los artistas a la categoría de intelectuales, alejándolos de la percepción de simples artesanos

Finalmente, el fresco es un ejemplo claro de clasicismo, con su orden, simetría, perspectiva geométrica y colores armónicos.

Análisis

Las "Stanza" son las habitaciones privadas del papa Julio II Este pontífice tiene la ambición de emular a los emperadores romanos, y para ello financia una gran cantidad de proyectos artísticos Las estancias decoradas por Rafael y sus discípulos son cuatro:

1. La Stanza della Segnatura, donde además de "La Escuela de Atenas" se encuentran "La Disputa del Sacramento" (que glorifica la Teología), "El Parnaso" (donde Apolo es una representación del Papa) y "Las Virtudes"

2. La Sala del Incendio.

3. La Sala de Heliodoro.

4. La Sala de Constantino

La escuela de Atenas se inscribe en el estilo del Cinquecento y está realizada con la técnica del fresco, una pintura mural La obra se encuentra en la Sala de la Signatura, en el Vaticano

El fresco representa el esfuerzo del ser humano por encontrar la verdad racional, utilizando la antigüedad clásica como modelo La escena se desarrolla en un templo inspirado en la arquitectura romana, que también recuerda las bóvedas de casetones de Bramante En el fondo aparecen dos dioses representados en esculturas: Apolo, el dios de la razón, y Atenea, la diosa de la sabiduría El encuadre es bajo, una decisión tomada por la ubicación del fresco en la Sala de la Signatura.

Análisis

En "La Escuela de Atenas", Rafael ensalza la Filosofía, incluyendo en la escena a pintores, escultores y arquitectos Esto es parte de su esfuerzo por mostrar que las artes liberales no se limitan solo a la Teología, Filosofía y Poesía Muchos personajes tienen el rostro de artistas contemporáneos: Platón tiene los rasgos de Leonardo da Vinci, Heráclito los de Miguel Ángel y Euclides recuerda mucho a Bramante El propio Rafael se retrata a sí mismo a la derecha de la obra

La arquitectura del fresco ayuda a enmarcar el centro de la perspectiva en las dos figuras principales, Platón y Aristóteles. La composición se organiza en grupos de personajes que conversan bajo una arquitectura grandiosa que representa el ideal de perspectiva de la época, similar al proyecto que Bramante había diseñado para la Basílica de San Pedro Las estatuas clásicas en hornacinas simuladas y los casetones en las bóvedas añaden profundidad, al igual que el espacio abovedado que se aleja y las baldosas del suelo que guían la vista

La composición es cerrada, con un gran arco semicircular que la encierra, y simétrica, ya que Platón y Aristóteles ocupan el centro, mientras que el resto de los personajes se distribuyen alrededor de ellos a ambos lados

En el centro de la obra, Platón y Aristóteles Platón sostiene su libro Timeo y señala hacia el cielo, representando el mundo de las ideas. Aristóteles lleva su Ética y señala hacia la tierra, simbolizando el realismo. Entre ellos, caminan en un diálogo filosófico rodeados por otros personajes. Cerca de ellos está Sócrates, en su círculo de discípulos, usando sus dedos para enumerar hipótesis mientras debate

Diógenes, con un atuendo de asceta, se recuesta en la escalinata Un anciano, a quien se le muestra una tabla con acordes armónicos, podría ser Pitágoras, que comparte sus conocimientos con un grupo que incluye a Averroes fácilmente reconocible por su turbante.

También aparecen los astrónomos Ptolomeo sosteniendo un globo terráqueo y Zoroastro con una esfera terrestre, que simboliza su teoría geocéntrica, están al fondo El geómetra Euclides que utiliza un compás para medir una figura geométrica (con el rostro de Bramante) mientras Sócrates, al lado de Platón, conversa con Alejandro Magno.

Pintura : Escuela de Atenas

Comentario : El Juicio Final ArteRenacimiento

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Ficha técnica

Miguel Ángel

1537-1541

Pintura al fresco | Cinquecento

Palacios Vaticanos, Capilla Sixtina

Contexto y significados

Nos situamos en el Cinquecento, época en la que los grandes papas como Julio II, desean embellecer el centro de la cristiandad, y para ello cuentan con los más destacados artistas del momento, como Bramante, Rafael y Miguel Ángel

Miguel Ángel es llamado a Roma por el papa Julio II, impresionado por su éxito con la estatua del "David", para encargarle su sepulcro. Sin embargo, el sepulcro nunca llega a completarse, quedando solo algunas piezas como los esclavos y el "Moisés" Esto se debe en parte a que la atención del papa se centra en la construcción de la nueva Basílica de San Pedro. El fracaso de este proyecto parece atormentar a Miguel Ángel, quien lo compensa parcialmente con el encargo de la bóveda de la Capilla Sixtina

Años más tarde, se le encarga el "Juicio Final" Esta obra está profundamente condicionada por la crisis personal y religiosa que atraviesa Miguel Ángel en ese momento El saqueo de Roma y la decadencia de la visión optimista del humanismo renacentista lo llevan a un profundo pesimismo.

Miguel Ángel es uno de los grandes genios del Renacimiento Destaca como arquitecto, pintor y, sobre todo, como escultor algo que se refleja en los cuerpos musculosos y de gran anatomía que aparecen en sus obras Su huella está presente en la cúpula del Vaticano, en la Capilla Sixtina y en esculturas como las diferentes "Pietas", el "David" o el "Moisés" Su estilo evoluciona hacia lo que se conoce como la "línea serpentinata", un retorcimiento característico que se observa en sus figuras, acompañado de fuertes contrastes de color

Descripción

Miguel Ángel recibe el encargo de pintar el mural sobre el altar en 1536 unos veinticinco años después de terminar la bóveda Tiene 61 años cuando comienza la obra, que realiza con la técnica del fresco La escena está formada por una multitud de cuerpos desnudos, de grandes anatomías, que ascienden o descienden en un espacio dominado por un intenso color azul

1 En la parte superior, ángeles sin alas sostienen los instrumentos de la Pasión: la cruz, la columna y la corona de espinas

2 En la parte central, Cristo aparece como un joven imberbe, de poderosa anatomía, que gira su cuerpo hacia la izquierda, donde se encuentran los condenados, con un gesto terrible y justiciero. Su figura recuerda a la de Zeus lanzando rayos A su lado está la Virgen en una composición en zig-zag, que con timidez y casi espantada desvía su mirada hacia los bienaventurados Detrás de ellos se observa un foco de luz, símbolo de la luz divina

3 Cerca de María y Cristo se sitúan varios santos, que portan los instrumentos de su martirio: San Bartolomé sostiene el cuchillo con el que fue despellejado vivo y su piel en la otra mano (se cree que el rostro en esa piel es un autorretrato de Miguel Ángel); San Lorenzo sostiene la parrilla A ambos santos estaba dedicada la Capilla Sixtina También se encuentran San Pedro con las llaves, San Pablo con un gesto de ceño fruncido San Andrés con su cruz en aspa, San Sebastián con las flechas de su martirio, y Santa Catalina con la rueda de púas con la que fue martirizada

Descripción

4 Debajo de Cristo, en el eje central, los siete ángeles del Apocalipsis tocan sus trompetas para anunciar el inicio del Juicio, mientras un arcángel lee el libro donde están los nombres de los elegidos, que comienzan a salir de sus tumbas

5. En el lado de los bienaventurados, se inicia un movimiento giratorio, donde los benditos ascienden en un tumulto Algunos parecen buscar y encontrar a sus familiares mostrando lágrimas de felicidad Unos se ayudan a otros, mientras algunos demonios intentan evitar que asciendan

6 En la parte opuesta los condenados descienden, caen en posturas complicadas y escorzos, como si se negaran a aceptar su castigo, con rostros llenos de expresividad

7 En la parte inferior, Miguel Ángel introduce figuras mitológicas Caronte, en su barca, echa a los condenados al agua En una esquina aparece Minos rodeado de una serpiente que le muerde el pene Minos, representado con orejas de burro y cuernos, tiene una poderosa anatomía y está rodeado de figuras demoníacas.

Análisis formal

La obra es un estudio magistral del cuerpo humano, con la mayoría de las figuras desnudas y en diversas posturas Esta característica provoca una gran indignación en la época Los cuerpos son de gran anatomía, casi escultóricos, lo que refleja la experiencia de Miguel Ángel como escultor

No existe ninguna referencia espacial en la obra: no hay arquitecturas ni paisajes solo un cielo de un azul intenso que no transmite serenidad La composición se basa en una estructura complicada, con abundantes escorzos y figuras retorcidas, que crean una sensación de movimiento y agitación constante

Los colores son vivos y contrastan fuertemente, alejándose de la armonía que caracteriza a Rafael. Por ejemplo, en la Virgen se observa una combinación intensa de azul y rosa

Miguel Ángel introduce su propio estilo conocido como manierismo, en el que las figuras se enroscan sobre sí mismas, los músculos se tensan y el espacio no está claramente definido El manierismo también introduce por primera vez el tema de lo feo o deformado en la historia del arte.

Comentario : El Juicio Final

Grupo de los ángeles portando símbolo de la Pasión: cruz y corona de espinas.

El cielo Cristo, la Virgen, Bienaventurados, santos y mártires.

Grupo ascendente: salvados. Los juzgados que ascienden al cielo.

Ángeles trompeteros Libros de la vida y la muerte.

Resurrección de los muertos. Mundo Terrenal. Muertos llamados por los ángeles trompeteros.

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Grupo de ángeles portando símbolo de la Pasión: La columna

Grupo descendente: Los condenados

El infierno Condenados son conducidos en la barca de Caronte.

Boca del infierno

Comentario : El entierro del conde de Orgaz -El Greco-

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Ficha técnica

El Greco

1586-1588

Óleo sobre lienzo

Iglesia de Santo Tomé, Toledo

Autor y época

La obra de El Greco se enmarca fundamentalmente en el manierismo por su uso de contrastes violentos de color y luces irreales Al mismo tiempo, también responde a los ideales de la Contrarreforma, ya que su iconografía defiende los valores de la Iglesia Católica, con una visión mística que se refleja en los ojos hundidos y las miradas perdidas de sus personajes, características típicas de la meditación. Las características de su obra están fuertemente influenciadas por su trayectoria:

Nacimiento y formación en Creta:

Su origen cretense y su formación en el arte bizantino marcan su obra especialmente en el uso de figuras antinaturales y un simbolismo en el que lo importante es la transmisión de ideas y la espiritualidad De este periodo, también deriva el hecho de que firme sus cuadros en griego

Presencia en Italia:

En Venecia, El Greco se influye por Tiziano en el uso del color y la luz y por Tintoretto, de quien toma los contrastes fuertes, las luces irreales y una preferencia por las gamas frías En Roma el contacto con las obras de Miguel Ángel y otros manieristas influye en su tratamiento de la anatomía, el uso de figuras serpentinatas y el alargamiento de los cuerpos

Estancia en España:

Su llegada a España influye en el misticismo religioso de su obra, así como en el dramatismo expresionista, tan característico del arte español Rechazado por Felipe II, El Greco es olvidado durante siglos, pero es redescubierto y admirado por los pintores del siglo XIX y principios del XX

Análisis

La obra representa un milagro ocurrido en el siglo XIV cuando, durante el entierro del señor de Orgaz, se aparecen San Esteban y San Agustín para asistir a su sepultura La composición del cuadro se divide en dos niveles claramente diferenciados: el nivel terrenal y el nivel celestial

Nivel terrenal

Este nivel presenta una composición cerrada, delimitada por las figuras de un monje franciscano y el párroco de Santo Tomé, quienes actúan como paréntesis que enmarcan la escena En este espacio se puede apreciar un friso de retratos de personas vinculadas a Toledo representadas de forma hierática y estática aunque algunas miradas se dirigen hacia lo alto Delante de estos personajes aparece un niño probablemente el hijo del pintor que señala el milagro.

En el centro de este nivel se forma un óvalo o rombo que corresponde con la estructura del mundo celestial En este espacio aparecen San Esteban, San Agustín y el señor de Orgaz, representado en escorzo Como nexo entre los dos mundos, un ángel transporta el alma del conde

En cuanto a los colores se utilizan tonos cálidos y se aprecia un gran detallismo en los mantos y las casullas de los santos La figura de San Esteban está representada con los detalles de su martirio por lapidación, y la armadura del señor de Orgaz destaca por su brillo y realismo El cadáver está tratado con un verismo impactante

Análisis

Las expresiones de los rostros son severas y rígidas características habituales en las obras del Greco, lo que refuerza el misticismo de la escena No existe un foco de luz concreto; ni siquiera las antorchas proyectan una iluminación directa En lugar de ello, el Greco utiliza un efecto lumínico irreal para resaltar la escena del primer plano.

Nivel celestial

En el nivel superior, las figuras se disponen en un óvalo o mandorla Aquí se encuentran Cristo, María, San Juan y un ángel en escorzo

– Cristo aparece resucitado, con el cuerpo de color blanco, señalando con su brazo a San Pedro, quien porta las llaves del Cielo.

– María, vestida de rojo (símbolo de la pasión) y azul (símbolo de la esperanza), actúa como intercesora ante Cristo, función que los protestantes rechazaban

– San Juan casi traslúcido también actúa como intercesor

– El ángel en escorzo lleva el alma del señor de Orgaz

A la izquierda del espectador, se distinguen figuras clave como San Pedro con las llaves, Moisés con las tablas de la ley, Noé con un arco, y David con un arpa A la derecha se observa un gran número de figuras, representando un horror vacui (miedo al vacío), entre las que se encuentran San Pablo, Marta María, Santo Tomás (patrón de la iglesia) y, curiosamente, Felipe II

En este nivel se manifiestan claramente los rasgos manieristas. Las figuras dentro del óvalo o mandorla como la de San Juan, son casi transparentes, como si carecieran de materia Además, la composición en zigzag y la curvatura de la espalda de María también responden a características manieristas La luz de origen irreal, parece emanar del cuerpo de Cristo

Color

En el cuadro destacan los colores rojo y azul del vestido de la Virgen, pero a ambos lados se observan mezclas de colores ácidos como amarillos, verdes, morados y azules, que se combinan de manera poco habitual La pincelada del Greco es diluida y está al servicio de la espiritualidad, contribuyendo a una atmósfera etérea y mística

Significado

El cuadro tiene una lectura teológica Al morir, el alma se desprende del cuerpo y sube al cielo, donde se realiza el Juicio Final María y los santos juegan un papel primordial como intercesores, función que los protestantes no admiten La composición del cuadro refuerza esta visión católica de la salvación y la intervención divina.

Comentario : San Carlo alle quatro fontane

Autor y contexto

Estamos en el siglo XVII, una época marcada por diversas crisis, entre ellas la crisis religiosa, que surge del enfrentamiento entre protestantes y católicos En este conflicto, la Iglesia católica, a través de la Contrarreforma, intenta recuperar a sus fieles con un enfoque distinto. Su mensaje se centra en lo visual y lo emocional, buscando sorprender y emocionar mediante el uso del movimiento, dejando de lado lo puramente racional Esta estrategia se refleja claramente en el arte barroco, y un ejemplo de ello es la obra de Borromini, que encarna el estilo característico del barroco

Francesco Borromini es uno de los arquitectos más originales del Barroco italiano. Nace en una familia de canteros, y desde joven se dedica a este oficio. A los veinte años, se traslada a Roma, donde comienza a trabajar en arquitectura, con la ayuda de Stefano Maderno, un pariente lejano Durante su carrera, coincide con Gian Lorenzo Bernini en las obras del Palacio Barberini, lo que genera una rivalidad entre ambos

A lo largo de su vida, Borromini se destaca por su personalidad fuerte y su visión particular de la arquitectura, que concibe de manera orgánica. Tiene un carácter difícil y atraviesa diversas crisis personales, la última de las cuales lo lleva al suicidio

Análisis

En 1634, la orden de los trinitarios encarga a Borromini la construcción de un convento y una iglesia en un espacio limitado, situado en la intersección de la Via del Quirinal y la Via delle Quattro Fontane, llamada así por las cuatro fuentes que decoran las esquinas con representaciones de divinidades

El tamaño reducido del terreno obliga al arquitecto a desarrollar una solución creativa. La última parte en construirse es la fachada, que no se termina hasta después de la muerte de Borromini

Análisis

Francesco Borromini

1634-1669 Barroco italiano

Obra arquitectónica.

Via delle Quattro Fontane, Roma

El claustro del convento muestra el gusto del arquitecto por los contrastes y la inestabilidad: tiene forma rectangular, pero con esquinas curvadas en la parte inferior y líneas rectas en la parte superior. La balaustrada del claustro alterna balaustres colocados al derecho y al revés, y en el centro se ubica un pozo que repite la forma de un óvalo inscrito en un octógono

La iglesia tiene una planta ovalada que también puede interpretarse como un rombo que parece haber sido curvado por una gran presión Los muros de la iglesia tienen un tratamiento escultórico, y las columnas presentan un orden inusual, con volutas de capiteles jónicos que se enrollan en sentido contrario.

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La decoración interior es de estuco blanco sin el uso de colores, lo que otorga una gran sencillez y luminosidad al espacio El entablamento recorre el interior sin interrupciones, sosteniendo cuatro bóvedas de cuarto de esfera La cúpula ovalada con casetones octogonales se eleva sobre la iglesia y culmina en una linterna con ventanas que dejan pasar una luz suave y difusa.

La fachada, construida años después destaca por sus formas onduladas Aunque esta ondulación ya no era novedosa en el momento de su construcción, parece que Borromini la había planificado desde el inicio Es una fachada elaborada y compleja que logra transmitir una sensación monumental a pesar del pequeño tamaño del edificio.

Comentario

Borromini es un gran admirador de la arquitectura clásica, lo cual se refleja en su extensa colección de estampas sobre el tema Su obra está influida por construcciones antiguas, como la Villa Adriana en Tívoli o el Templo de Venus en Baalbek Debido a su reducido tamaño, los romanos llaman a esta iglesia "San Carlino" La obra de Borromini es representativa de un estilo arquitectónico lleno de tensiones y dinámicas, que se diferencia del barroco más cortesano de Bernini.

Ficha técnica

Comentario : Las Meninas ArteBarroco

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Ficha técnica

Diego Velazquez

1656 – Barroco Español

Óleo sobre lienzo 3,18 x 2,76 m.

Museo del Prado, Madrid

Artista y época

Descripción en “Las Hilanderas”

Identificación y descripción

"Las Meninas", aunque su primer título fue "La familia de Felipe IV", es una obra del pintor Diego Velázquez, realizada en 1656 La técnica utilizada es óleo sobre lienzo y tiene unas dimensiones de 3,18 x 2,76 metros, lo que la convierte en una obra de gran formato Se clasifica como un retrato colectivo y cortesano y actualmente se localiza en el Museo del Prado.

En cuanto a la iconografía, la escena tiene lugar en una estancia del Alcázar de Madrid, en cuyo fondo se pueden ver dos cuadros de temática mitológica: "Atenea y Aracne" y "Apolo y Marsias" Velázquez se autorretrata en la obra, y se le observa realizando el retrato de los reyes Felipe IV y María Luisa, quienes aparecen reflejados en un espejo, creando así un "cuadro dentro del cuadro" . En este momento, los reyes estarían posando donde se encuentran los espectadores, lo que hace que estos se conviertan en protagonistas de la escena

El pintor y otros personajes parecen mirarnos, convirtiéndonos en cómplices de lo que sucede En un instante del trabajo de Velázquez, el aposentador Don José Nieto abre la puerta y su brazo parece señalar el espejo.

Entran en la escena la infanta Margarita hija de los reyes; la dama de honor o camarera de la princesa, doña Marcela de Ulloa, cuya condición de viuda se manifiesta en su atuendo; y el sacerdote Don Diego Ruiz Azcona, que está en penumbra y habla con la dama de honor

También están presentes los bufones Mari Bárbola, que padece enanismo hidrocéfalo y lleva una bolsa de monedas, y Nicolás Pertusato, de aspecto aniñado, que pisotea y molesta a un mastín que acompaña a los reyes

Ante la presencia de la infanta acuden rápidamente las Meninas: María Agustina Sarmiento quien le ofrece en una bandeja de plata un búcaro con agua e Isabel de Velasco, que inicia una reverencia

Análisis formal

En la composición de "Las Meninas" se pueden observar varios aspectos Primero el centro de atención es la infanta Margarita Otra figura de gran interés es el aposentador, que aparece a contraluz y con su brazo señalando el cuadro donde se reflejan los reyes. La mitad inferior del lienzo está llena de personajes en un dinamismo contenido, mientras que la mitad superior está llena de atmósfera y aire

En el cuadro se aprecian líneas verticales como el lienzo, las pilastras y horizontales en el techo así como formas rectangulares en los cuadros colgados de las paredes, el espejo y la puerta abierta del fondo

Sin embargo, estas estructuras se equilibran con dos esquemas curvos que forman las cabezas de los personajes: uno va desde el pintor hasta una de las Meninas y otro del guardadamas hasta Nicolás Pertusato

Análisis formal

La composición se centra en la luz y el espacio Hay tres focos de luz, además del reflejo del espejo El más importante proviene de una ventana lateral, que no se ve, y que ilumina a las figuras del primer plano, especialmente a la infanta Margarita, convirtiéndola en el principal foco de atención

Esta luz intensa hace que el modelado de Nicolás Pertusato se vea difuso, especialmente su cara, debido a la contraluz La penumbra en la que se encuentran el guardadamas y la dama de honor queda interrumpida por el segundo foco de luz

El segundo foco procede de una segunda ventana, cuya luz incide en la parte de atrás de la estancia, especialmente en el techo. El tercer foco de luz se sitúa en la puerta, donde se observa a contraluz al aposentador Don José Nieto Esta luminosidad se proyecta de forma perpendicular desde el fondo del cuadro hacia el espectador

El entrecruzamiento de esta luz, que va de dentro hacia fuera, y las luces que vienen de las ventanas crean distintos juegos luminosos, generando una ilusión de planos superpuestos en profundidad

La luz ayuda a modelar, como en el caso de las Meninas, y a difuminar los contornos, ya sea por exceso de luz, como en Mari Bárbola o por estar a contraluz, como en Nicolás Pertusato, o por tener escasa iluminación como en el espejo del fondo

El espacio también juega un papel importante en la obra Se observa una perspectiva lineal, formada por la diagonal de la pared lateral y el techo que desciende, siendo el punto de fuga la puerta donde se encuentra el aposentador Sin embargo, el juego de luz y sombra crea una sensación de espacio y atmósfera Este inmenso espacio, lleno de atmósfera, se difumina hasta el techo, y entre el primer plano y la puerta se genera un pasillo que parece invitarnos a recorrerlo hasta el aposentador

En la obra se aprecia una gama de colores fríos con una paleta sobria y no extensa Dominan los ocres en el techo y el suelo, junto con los colores de las sedas plateadas, blancas y grises Los blancos de plomo aparecen en diversos puntos del cuadro, como en las camisas y los puños de Mari Bárbola y Agustina Sarmiento, mientras que los ligeros toques de color rojo se ven en los adornos florales y los pasadores del pelo

La pincelada en "Las Meninas" es muy variada A veces es cuidadosa y detallada, como en el búcaro, el pelo del perro y las maderas Otras veces, la técnica que usa es "alla prima", lo que significa que pinta casi sin hacer un dibujo previo utilizando pinceladas sueltas que, al ser influenciadas por la luz, pierden definición en los fondos

En algunas partes, aplica toques de color sobre estas pinceladas sueltas, que se mezclan en nuestra vista y crean formas, anticipando lo que más tarde será el impresionismo, como en el adorno de la figura de la infanta Margarita. Por eso, es mejor mirar el cuadro primero desde lejos y luego acercarse para ver los detalles

Comentario : Las Meninas ArteBarroco

Comentario

La obra "Las Meninas" muestra la España del siglo XVII, un país gobernado por Felipe IV y su principal consejero, el conde-duque de Olivares En esta época, España pierde su poder en Europa, se enfrenta a la pérdida de Portugal y lucha por mantener el control de Cataluña. Además, el pueblo sufre hambrunas y enfermedades.

Después de regresar a Madrid, Velázquez pinta "Las Meninas" y "Las Hilanderas" Su técnica mejora y se caracteriza por pintar "alla prima", es decir, casi sin dibujar primero, y por usar diferentes fuentes de luz, lo que le permite crear una sensación de espacio y aire en sus obras

Esta obra maestra del arte universal ha sido objeto de numerosas interpretaciones. Algunos la ven como un retrato de la princesa Margarita, otros como un retrato de la familia real, o incluso como una reivindicación del papel social del artista, ya que Velázquez no se representa pintando, sino en una actitud reflexiva También se considera un homenaje a la propia pintura

Además, Velázquez juega con la ilusión en la pintura y la confusión entre realidad y ficción. Al mirar el cuadro, los espectadores se convierten en parte de la escena, ya que, a través del espejo en el fondo, parecen ser los reyes que el pintor retrata. Este recurso también lo usó antes Jan Van Eyck en "El matrimonio Arnolfini"

Por último, la obra también refleja el deseo típico de la sociedad española de ser noble y caballero Al autorretratarse en su oficio, Velázquez defiende la pintura como un arte noble, no como un trabajo manual. Para él, el trabajo físico era considerado deshonroso, y busca mejorar su estatus social y conseguir un título nobiliario. Finalmente, Velázquez logra este reconocimiento como caballero de la Orden de Santiago, cuyo emblema se ve en su pecho, aunque fue añadido después de su muerte

La influencia de esta obra es notable en muchos artistas Picasso la interpreta en más de 140 ocasiones Goya toma este cuadro como modelo para "La familia de Carlos IV". Por su parte, Dalí, al ser preguntado sobre qué se llevaría del Museo del Prado, responde que "el aire de Las meninas".

Personajes

1 Margarita María Teresa de Austria 8 Marcela de Ulloa

2 María Agustina Sarmiento 9 Diego Ruiz Azcona

3 Isabel de Velasco 10 Felipe IV

4 Diego Velázquez 11 Mariana de Austria

5 José Nieto Velázquez 12 Mastín

6 Mari Bárbola 13 Carlos Luis

7 Nicolasito Pertusato 14 Infanta María Luisa

Comentario : Iglesia de la Madeleine

Pierre Alexandre Vignon

1806-1842 –Neoclásico- (interior Barroco)

Obra arquitectónica Principiosentido conmemorativo A partirde 1845 se consagra como iglesia

Plaza de la Madeleine,París.

Artista y época

El Neoclasicismo nace como un arte vinculado a los ideales de la Ilustración basados en la racionalidad y el progreso Este movimiento artístico contribuye a la crisis del Antiguo Régimen tanto a través del Despotismo Ilustrado como de la Revolución Francesa y, más tarde, el Imperio napoleónico

Pierre Alexandre Vignon (1763-1828) es un arquitecto francés conocido por su trabajo en estilo neoclásico, especialmente en la construcción de La Madeleine en París Estudia en la Académie royale d'architecture y trabaja principalmente en París La Madeleine, su obra más célebre, es originalmente un proyecto de Napoleón para honrar las glorias del ejército francés. Sin embargo, tras la caída del imperio napoleónico, el edificio es consagrado como iglesia en 1845 Vignon vive durante una época marcada por grandes cambios políticos y sociales

La Revolución Francesa (1789) pone fin al Antiguo Régimen y el Imperio Napoleónico (1804-1815) busca restaurar la gloria de Francia mediante grandes reformas urbanas y monumentos propagandísticos Tras la derrota de Napoleón el estilo neoclásico sigue siendo influyente, representando los valores de orden y grandeza que caracterizan esta era

Identificación

El arquitecto Pierre Alexandre Vignon, nacido en París en 1763 es el responsable de diseñar La Madeleine, aunque la obra es continuada tras su muerte por Jacques Huvé en 1829 La construcción comienza en 1806 y se termina en 1842 Se trata de un edificio de estilo Neoclásico en su exterior y barroco en el interior Sus dimensiones son impresionantes: mide 108 metros de largo y 43 metros de ancho y se encuentra en la Plaza de la Madeleine en París

La Madeleine es un monumento conmemorativo que Napoleón manda construir con un claro sentido propagandístico ya que su intención original es que fuera un templo dedicado a exaltar las glorias del ejército francés Sin embargo, esa idea es abandonada después de que se construye el Arco del Triunfo Finalmente, en 1845, el edificio es consagrado como una iglesia.

Función

La función de La Madeleine es claramente propagandística y conmemorativa La monumentalidad del edificio refleja la ambición de Napoleón de glorificar a su ejército y simbolizar su poder. La inspiración en los templos romanos subraya esta conexión con el pasado imperial de Roma, proyectando la imagen de Napoleón como un nuevo emperador que busca engrandecer París tal como lo hiciera Augusto con Roma

Análisis

El diseño de La Madeleine está inspirado en el templo romano de la Maison Carrée de Nîmes, aunque presenta algunas variaciones Al igual que los templos romanos, se levanta sobre un podium de 7 metros de altura y se accede por unas grandes escalinatas que conducen a la fachada principal Las puertas de entrada están hechas de bronce y decoradas con relieves inspirados en los Diez Mandamientos

La fachada principal es octástila, es decir, está formada por ocho columnas en el frente, y el edificio es períptero, lo que significa que está rodeado de columnas algo que lo diferencia del modelo romano que era pseudoperíptero El perímetro del templo está rodeado por un peristilo, un estrecho pasillo exterior entre las columnas y las paredes del edificio.

Las 52 columnas de estilo corintio que rodean el templo tienen unos impresionantes 20 metros de altura Cada una de estas columnas tiene una base (basa), un fuste estriado y está coronada por un capitel corintio decorado con hojas de acanto, talladas con gran detalle mediante una técnica conocida como trépano

Sobre las columnas se extiende un entablamento que contiene un friso decorado con relieves y está cubierto por un tejado a dos aguas

En el centro de la fachada se encuentra un frontón triangular en cuyo tímpano se representa el Juicio Final, con María Magdalena arrodillada rogando a Cristo

El exterior del edificio se caracteriza por la predominancia del muro sobre los vanos (aberturas), ya que La Madeleine no tiene ventanas Para romper la monotonía de las paredes lisas, se incorporan 34 hornacinas distribuidas alrededor del edificio La luz natural entra principalmente por los vanos situados en las cúpulas

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Análisis

A pesar de la estructura clásica y racional de la construcción, la monumentalidad de La Madeleine responde más a una intención de grandeza que a la medida del ser humano, reflejando la ambición de Napoleón de emular la majestuosidad de los emperadores romanos

La luz juega un papel importante, especialmente cuando incide sobre los capiteles tallados y los intercolumnios, creando efectos de claroscuro que acentúan la monumentalidad del edificio En la fachada, hay un equilibrio entre la verticalidad de las columnas y la horizontalidad del entablamento. Sin embargo, al observar el edificio desde un lado predomina la horizontalidad, lo que transmite una sensación de pesadez

Interior Barroco

El interior de La Madeleine es barroco, con planta rectangular y una nave única dividida en tres tramos, cada uno cubierto por una cúpula sostenida por columnas corintias A los lados de la nave, columnas jónicas y toscano-dóricas compartimentan el espacio, generando dinamismo y movimiento característicos del barroco El altar con una escultura de la exaltación de María Magdalena dirige la atención hacia el ábside semicircular rodeado de columnas jónicas y una bóveda decorada con frescos que representan a Cristo y María Magdalena, destacando la mezcla de lo religioso y lo político La decoración incluye mármoles, frescos y esculturas

Comentario

En el siglo XVIII, el neoclasicismo se inspira en la Antigüedad griega pero bajo Napoleón, se inclina más hacia los modelos romanos más acordes con su intención de exaltar el poder imperial Esta influencia romana está presente en la arquitectura neoclásica de la época de Napoleón que es conocida como estilo Imperio. La monumentalidad de los edificios, como La Madeleine refleja esta tendencia a la grandeza, conservando al mismo tiempo elementos clásicos como columnas órdenes, entablamentos y frontones.

Napoleón, como Augusto, se propone mejorar y engrandecer la capital del imperio, en este caso París, con una serie de reformas urbanísticas que incluyen la construcción de grandes monumentos. Estas obras no solo buscan embellecer la ciudad, sino también proporcionar empleo y mantener el bienestar social Entre los edificios más importantes del estilo Imperio se encuentran el Arco del Triunfo la columna Vendôme la Asamblea Nacional y, por supuesto, La Madeleine También se construyen otros edificios significativos como la Bolsa de París y numerosos puentes como el de Austerlitz

En el ámbito de la escultura y la pintura, el arte también tiene un fuerte componente propagandístico, con obras que celebran las victorias militares y el poder de Napoleón

Comentario : Eros y Psique –Canova-

técnica

Antonio Canova

1787-1763 – Neoclasicismo

Temamitológico,mármol -1,55 metros de alto por 1,68 metros de ancho

Museo del Louvre, París

Artista y época

Nacido en una familia humilde, Canova se forma gracias al apoyo de su abuelo, quien vende sus tierras para que su nieto pudiera estudiar A lo largo de su carrera, Canova recibe encargos de figuras tan importantes como el Papa Clemente XIV, Napoleón Bonaparte o Catalina la Grande Su taller se convierte en un referente de la escultura neoclásica, donde realiza obras que combinan técnica y elegancia

Identificación

El título de esta obra es "Eros y Psique", realizada por el escultor italiano Antonio Canova entre los años 1787 y 1793 Se trata de una escultura en mármol de tema mitológico, perteneciente al estilo Neoclásico, que se conserva en el Museo del Louvre Representa un grupo escultórico

El tema está inspirado en el mito narrado por Apuleyo en su obra "El asno de oro" Canova elige el momento final de la historia entre Eros, dios del amor, y Psique, hija de un rey de Asia, conocida por su belleza y su carácter caprichoso. Eros se enamora de Psique y, para seducirla le construye un palacio donde la observa sin que ella sepa quién es En un momento de curiosidad, Psique enciende una vela y derrama cera sobre el rostro de Eros, revelando su identidad Esto provoca la ira de Eros, que abandona a Psique

Desesperada, Psique busca la ayuda de la diosa Venus, quien le impone una serie de pruebas para recuperar el amor de Eros. En la última tarea Psique debe recoger un jarrón de la diosa Proserpina que contiene el secreto de la belleza Pero su curiosidad la lleva a abrir el jarrón y, como castigo, cae en un sueño profundo del que solo Eros podrá despertarla

Canova captura el momento en el que Eros se inclina hacia Psique, a punto de besarla, para devolverla a la vida Psique está recostada sobre su cadera derecha, mientras gira la cabeza hacia Eros Él, con una mano en su pecho y la otra rodeando su cuerpo se acerca para besarla. Este gesto simboliza la unión entre lo divino y lo humano y también el amor en su forma más pura

Esta obra es encargada inicialmente por Lord Cawdor para su residencia, pero después de pasar por manos de Joachim Murat, llega a Napoleón Bonaparte, quien se convierte en mecenas de Canova

Función

La función de esta escultura es alegórica Según el propio Canova, "Eros y Psique" representa el momento en que el amor (Eros) despierta al alma (Psique) del sueño profundo en el que ha caído Este despertar simboliza la unión entre el amor físico y el espiritual, una idea muy presente en la mitología clásica

Significado

El significado profundo de la obra radica en la relación entre los personajes: Eros, como dios del amor carnal representa el deseo físico, mientras que Psique, que en griego significa "alma", representa el espíritu humano Así, la escultura simboliza la perfección del amor cuando el amor físico y el amor espiritual se unen en armonía

Análisis

La escultura está realizada en mármol blanco mediante la técnica de la talla directa. Canova emplea un pulido cuidadoso para lograr una superficie extremadamente suave y brillante Para conseguir este acabado, el mármol es afinado con piedra volcánica y, finalmente, tratado con una mezcla de cal y ácido. Este proceso permite que los pliegues de las ropas y el cabello de los personajes reflejen la influencia del arte clásico, evocando una textura casi epidérmica, como si fuera la piel de un niño

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Análisis

La luz es un elemento esencial en esta obra. Al incidir sobre el mármol pulido, genera sutiles reflejos y sombras que parecen difuminar los contornos, acentuando la sensación de suavidad

Canova opta por no policromar la obra, una decisión propia del Renacimiento y del Neoclasicismo, bajo la creencia de que las esculturas clásicas carecían de color

El tratamiento anatómico es realista pero idealizado Los cuerpos de Eros y Psique son proporcionados y armoniosos transmitiendo belleza y perfección Canova se asegura de que los cuerpos sean físicamente perfectos, al estilo de las representaciones de la Antigua Grecia

Elementos compositivos

En cuanto a la composición, Canova juega con dos estructuras principales Por un lado se distingue una composición abierta en forma de X que se forma a través de las alas de Eros y las piernas de ambos personajes Este eje abierto dirige nuestra mirada hacia el punto central que es la cercanía de sus rostros Por otro lado, en contraste con la X, existe una composición cerrada en forma de círculo Este círculo lo crean los brazos de Psique que enmarcan las cabezas de ambos, reforzando la idea de unidad entre los dos y atrayendo la atención hacia el beso que está a punto de producirse

Movimiento y Ritmo

El ritmo de la obra es pausado y sereno, lo que invita al espectador a rodear la escultura y observarla desde todos sus ángulos Las líneas compositivas están diseñadas de manera que guían la vista a través de la obra realzando la perfección de sus formas y permitiendo disfrutar de la suavidad de los detalles

La expresión de los rostros es calmada y serena lo que contrasta con la sensualidad implícita en sus gestos No muestran pasión en sus rostros, pero la pasión carnal se percibe en la postura de sus cuerpos Eros sostiene la cabeza de Psique con una mano y apoya la otra en su pecho, mientras que Psique lo rodea con sus brazos Este contacto físico y la textura suave del mármol refuerzan la sensualidad de la escena, sin necesidad de recurrir a expresiones faciales exageradas

Comentario

"Eros y Psique" es creada en un momento convulso, durante el apogeo del Imperio Napoleónico y en pleno desarrollo del neoclasicismo Este estilo mira hacia la antigüedad clásica, recuperando los ideales de belleza, perfección y serenidad de las culturas griega y romana. Antonio Canova es uno de los artistas más representativos de este movimiento Canova como buen neoclásico, busca en su arte la perfección de las formas siguiendo los cánones de la escultura griega. Valora el desnudo y la pureza de las líneas, que se reflejan en la delicadeza del mármol Su trabajo se caracteriza por la idealización de los personajes, una composición equilibrada y el uso de materiales nobles, como el mármol de Carrara

En "Eros y Psique", Canova alcanza una de sus cumbres creativas, transmitiendo la delicadeza de los cuerpos humanos y el sentido profundo del amor a través de una obra cargada de simbolismo, pero sin perder el rigor formal y técnico que lo caracteriza

Comentario : Lluvia, vapor y velocidad – Turner-

Ficha técnica

J M W Turner 1775-1851

1844- Romanticismo

Óleo sobre lienzo –Género: paisaje-

National Gallery, Londres

Artista y época

La obra se sitúa en plena Revolución Industrial, bajo el reinado de la Reina Victoria en Inglaterra Es un momento de cambios profundos, donde el maquinismo y la burguesía industrial transforman el país

Joseph Mallord William Turner, hijo de un humilde fabricante de pelucas, se convierte en uno de los pintores más importantes de su tiempo. Aunque triunfa en su carrera artística, Turner es un hombre solitario que prefiere la naturaleza y se aísla en su casa, a pesar de sus numerosos éxitos Sus viajes por Europa, especialmente a Francia, le permiten conocer a grandes maestros como Claudio Lorena y Canaletto, cuyas técnicas influyen en su obra

Identificación y clasificación

El título original de esta obra es "Lluvia, vapor y velocidad", también conocida como "Gran tren del oeste" Su autor es J.M.W. Turner (1775-1851), y fue pintada hacia 1844 Se trata de un óleo sobre lienzo de 91 x 121 8 cm. La escena pertenece al género del paisaje y actualmente está ubicada en la National Gallery de Londres

Turner representa el paso del tren más moderno de la época en su camino hacia Londres Sin embargo, el protagonista del cuadro no es tanto el ferrocarril como la atmósfera creada por la mezcla de lluvia y vapor, que difumina las formas y convierte los objetos en algo casi intangible. El tren, el puente y una barca que navega por el río parecen perder su nitidez bajo estos elementos

Descripción y análisis formal

La composición de la obra es abierta, lo que significa que los elementos parecen continuar más allá del lienzo Las vías del tren se alargan hacia fuera de la escena, y los ojos del puente están incompletos, lo que sugiere movimiento y expansión.

El cuadro puede dividirse horizontalmente en dos mitades La parte superior está dominada por una textura esponjosa de tonos amarillos y algunas zonas blanquecinas, sombreadas con grises azulados En la parte inferior, las formas se vuelven casi indescifrables, aunque Turner ofrece algunas pistas al añadir elementos más concretos, como una pequeña barca y un gran puente, que ayudan a reconstruir el paisaje.

Hacia el lado derecho e inferior del cuadro, los colores forman una diagonal negra, representando la locomotora que parece acercarse al espectador Turner usa un cuchillo de paleta para aplicar toques de pintura blanca y roja en la locomotora, lo que indica el proceso de combustión que impulsa el tren La lluvia, arrastrada por el viento, se representa con finos trazos de color que atraviesan el tren como una cortina de agua.

El gran protagonista de la obra es la atmósfera creada por la mezcla de lluvia y vapor Turner consigue que la luz se filtre débilmente a través de estos elementos, desdibujando los contornos de las figuras

En este cuadro predomina el color sobre el dibujo. Las líneas están casi ausentes, y los colores principales son los ocres, marrones y amarillos de la tierra, mezclados con violetas y azules en el cielo y el río Las pinceladas son muy variadas, desde trazos diluidos hasta capas de pintura espesa, especialmente en la locomotora

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Descripción y análisis formal

El ritmo del cuadro refleja el movimiento El tren parece avanzar hacia nosotros con rapidez, en contraste con la barca, casi imperceptible, que se mueve lentamente También hay una liebre difícilmente reconocible que corre delante del tren intensificando esta sensación de velocidad.

Comentario

Turner se enmarca dentro del Romanticismo, un movimiento artístico que resalta la fuerza y el poder de la naturaleza sobre el ser humano. Al igual que John Constable, Turner se interesa profundamente por los efectos atmosféricos, algo que consigue mediante la observación directa del paisaje y bocetos al natural, que luego desarrolla en su estudio En sus obras, utiliza incluso sus dedos para lograr ciertos efectos lumínicos

El ferrocarril simboliza esta modernidad, pero en la obra de Turner se contrapone con la grandiosidad de la naturaleza, que parece empequeñecer cualquier avance humano.

Turner es muy apreciado por la crítica en su tiempo Su obra, reproducida en grabados, llega rápidamente a Francia, donde influye en el desarrollo de movimientos posteriores como el Impresionismo Claude Monet y otros pintores impresionistas admiran la forma en que Turner representa la luz y la atmósfera, y lo consideran uno de los precursores de su estilo.

Comentario : El carro de heno –Constable- ArteRomanticismo

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Ficha técnica

John Constable

1821 – Romanticismo

Óleo sobre lienzo – Género: paisaje

National Gallery, Londres

Artista y época

Contextualizando la obra, Constable vive en una época marcada por las guerras napoleónicas, que dejan al Reino Unido fortalecido en el escenario europeo, dominado por el conservadurismo político. Al mismo tiempo, la revolución industrial empieza a transformar la sociedad con la aparición de nuevas tecnologías como el ferrocarril y una creciente clase obrera los proletarios, que luchan contra las máquinas y forman los primeros sindicatos

A pesar de estos cambios, Constable parece apartarse de la modernidad centrando su atención en la naturaleza virgen y el paisaje tradicional inglés

Constable, nacido en 1776, siempre persiguió un único objetivo: capturar la atmósfera cambiante de la campiña inglesa Su obsesión por las nubes y el clima lo convirtió en un experto en el tema Esta obsesión, sin embargo, no fue compartida por todos; su rival Turner criticó la forma en que Constable retrataba paisajes que parecían siempre húmedos y amenazantes, aunque con un fuerte sentido de realismo

Identificación y descripción

Nos encontramos en 1821 John Constable un pintor inglés, presenta una de sus obras más famosas: “El carro de heno” Este óleo sobre lienzo, de 130,5 x 185,5 cm, se enmarca en el Romanticismo y actualmente se expone en la National Gallery de Londres Sin embargo, cuando Constable expone su cuadro en Londres, la crítica británica no lo acepta con entusiasmo. Paradójicamente, en París, la obra genera un gran éxito, fascinando a pintores como Théodore Géricault, quien valora enormemente el trabajo del artista

Análisis formal

El carro de heno está inspirado en los paisajes de la infancia de Constable La composición del cuadro invita al espectador a sumergirse en una escena rural, en la que un carro desvencijado cruza un río, con sus caballos y ejes completamente mojados Justo en el centro del cuadro, un perro capta la atención y guía la mirada hacia la carreta.

A la izquierda, se aprecia un frondoso bosque de robles, junto a una casa-molino que parece habitada, ya que sale humo de su chimenea a pesar de ser verano. También se ve a una mujer lavando ropa, lo que refuerza la sensación de vida cotidiana En el lado derecho el río continúa su curso entre vegetación, donde hay una barca y un pescador. En el horizonte se distinguen a campesinos segando heno y una carreta casi llena, que parece estar esperando a ser reemplazada por la que cruza el río

El cielo domina la escena, cubierto de nubes, lo que no sorprende, ya que Constable es conocido como "el pintor de las nubes" Algunas nubes oscuras proyectan sombras sobre el prado, sugiriendo la posibilidad de lluvia mientras otras, más claras, permiten entrever el cielo azul y la luz del sol que ilumina el paisaje Los árboles imponentes destacan sobre los pequeños hombres, resaltando la grandiosidad de la naturaleza

En cuanto al análisis técnico, “El carro de heno” destaca principalmente por los efectos atmosféricos Constable juega con las nubes, que se elevan desde el horizonte, creando profundidad y contrastes entre zonas iluminadas y áreas en sombra El agua del río refleja el cielo, con matices plateados, azules y oscuros Estos efectos dinámicos aportan vida y movimiento al cuadro

La gama cromática es rica y variada: ocres en el primer plano, una amplia gama de verdes, desde el heno hasta los árboles, y toques de rojo en la ropa de la mujer que lava y el pescador, que funcionan como contrapunto al predominante verde

La pincelada de Constable es notable: aplica pequeñas manchas y trazos superpuestos, llegando incluso a utilizar la espátula, lo que da textura y volumen, especialmente en las nubes y los árboles Esta técnica innovadora aunque en ciertos aspectos similar a la que utilizaba Goya, hace que el cuadro resulte dinámico y vivo.

Comentario

El paisaje que Constable nos presenta, aunque idealizado transmite una sensación de paz y armonía entre la naturaleza y el ser humano No se aprecian las tensiones y el duro trabajo que implicaba la vida campesina de la época, ni los efectos de la revolución industrial, lo que refuerza esa visión bucólica y casi idílica de la campiña inglesa.

Finalmente, en cuanto a la influencia de “El carro de heno”, es notable que su éxito en París motivara a Constable a viajar a la ciudad francesa Su obra impactó profundamente a artistas como Eugène Delacroix quien llegó a cambiar el fondo de su pintura “La matanza de Quíos” tras ver la obra de Constable Además, su estilo influyó en la Escuela de Barbizón y dejó huella en los impresionistas, que apreciaron su enfoque innovador en la representación del paisaje

En resumen, “El carro de heno” es una obra maestra que refleja la profunda conexión de Constable con la naturaleza y su deseo de capturar la atmósfera y la luz de la campiña inglesa dejando una marca indeleble en la historia del arte y en el desarrollo del paisajismo

Comentario : Un entierro en Ornans – Courbert-

Ficha técnica

Gustave Courbet 1819-1877

1849-50 - Realismo

Óleo sobre lienzo – género costumbrista, retrato colectivoMuseo d’Orsay, París

Artista y época

Courbet vive en una época de grandes cambios políticos y sociales Es testigo de la Revolución de 1848, que culmina con la instauración de la II República, y también de la posterior restauración monárquica con Napoleón III En 1871, se involucra con la Comuna de París, lo que le lleva al exilio tras su caída Estos eventos históricos influyen profundamente en su obra, al igual que su cercanía con las ideas socialistas y su amistad con pensadores como Proudhon.

Identificación y descripción

Estamos en 1850, cuando el pintor Gustave Courbet (1819-1877) termina su obra monumental “Un entierro en Ornans”, que había comenzado en 1849 Este cuadro, mide 314 x 663 cm, es un óleo sobre lienzo y actualmente se encuentra en el Museo D’Orsay en París El género de la obra es costumbrista, o lo que se podría llamar un retrato colectivo, y su estilo pertenece al Realismo, un movimiento del que Courbet es pionero

El tema que Courbet elige es novedoso: no es un evento heroico ni mitológico, sino algo cotidiano y cercano, el entierro de un vecino en su pueblo natal de Ornans En lugar de centrarse en personajes históricos o idealizados, Courbet pone en el centro de su obra a gente común. Este enfoque es radical en su tiempo, y convierte a las figuras ordinarias en protagonistas de la escena, lo que también lo conecta con la tradición de la pintura holandesa del siglo XVII, donde los retratos colectivos de gremios o grupos sociales eran comunes

Al entierro asisten diversos personajes del pueblo: desde representantes del ayuntamiento hasta mujeres dolientes, lo que refuerza su carácter de retrato colectivo. Pero lo que escandaliza en su época es precisamente lo que hoy lo hace fascinante: la representación de personas sencillas, del pueblo, sin idealización El cuadro es un manifiesto del Realismo, un movimiento que busca mostrar la verdad de la vida cotidiana, sin embellecimientos ni filtros

Aunque parece una escena espontánea fue realizada con mucho cuidado en el taller del pintor. Courbet no solo capturó un momento cotidiano, sino que lo convirtió en algo monumental La obra, presentada en el Salón de 1850, fue rechazada y generó polémica precisamente por la elección de estos personajes "vulgares" como protagonistas En el contexto de la II República, este cuadro desafiaba las convenciones sociales y artísticas de su tiempo

Análisis formal

Este cuadro de gran formato se organiza de manera horizontal, casi como un friso clásico, con las figuras alineadas a lo largo de la escena, todas a la misma altura Sin embargo, su distribución sigue las normas sociales de la época: a la izquierda están los eclesiásticos, en el centro los hombres y a la derecha las mujeres que lloran al difunto

En el primer plano, la fosa casi invade el espacio del espectador, creando una sensación de proximidad y participación en la escena La composición está dominada por líneas verticales, como las de las figuras y la cruz, que se equilibran con las líneas horizontales del paisaje y las diagonales que aparecen en el fondo

La gama de colores es sobria y limitada, predominando los tonos oscuros, especialmente el negro del luto Para contrastar Courbet introduce algunos blancos como los pañuelos de las mujeres, las mangas del monaguillo o incluso un perro que aparece en primer plano. También utiliza tonos rojizos y azulados presentes en las togas y birretes, y ocres para los acantilados y la tierra de la fosa

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Análisis formal

La técnica de Courbet es muy empastada, con mucha pintura aplicada con pincel, espátula y a veces incluso con la mano, lo que otorga al cuadro una textura rica y palpable

La atmósfera es fría y triste, reforzada por los colores y el claroscuro que Courbet maneja con maestría. Aunque la luz es frontal y da volumen a las figuras, no hay casi profundidad en la escena El paisaje del fondo apenas insinúa un acantilado y el resplandor de un amanecer, lo que sugiere una leve apertura hacia el espacio

Las figuras están tratadas con un realismo absoluto: no se idealizan ni se embellecen. El ritmo del cuadro es estático, las personas presentes parecen estar atrapadas en un momento congelado Las expresiones faciales de la mayoría son de indiferencia, con pocas excepciones, como el perro, que parece mostrar más emoción por la pérdida que los propios asistentes Este detalle añade un toque casi irónico, como si Courbet estuviera señalando que, para muchos de los presentes, este entierro es más un acto social que un evento cargado de emociones.

Comentario

Courbet, al pintar este entierro, eleva a las clases populares, a la gente del pueblo, al estatus de protagonistas en el arte, algo que tradicionalmente estaba reservado para los burgueses o mecenas De esta manera, su obra tiene una dimensión crítica y satírica muestra una sociedad que acude a actos como el entierro, no por verdadero sentimiento, sino más bien por cumplir con las normas sociales

Courbet es, sin duda, el "padre del realismo", y con este cuadro marca un antes y un después en la pintura de su tiempo En la Exposición Universal de París de 1855, algunos de sus cuadros son aceptados, pero tanto "Un entierro en Ornans" como "El taller del pintor" son rechazados Courbet, en respuesta organiza su propia muestra independiente el Pabellón del Realismo, desafiando directamente a las instituciones artísticas de la época.

Las características principales del Realismo son claras en su obra: una representación objetiva y fiel de la realidad, basada en la observación de lo cotidiano A pesar de su realismo crudo, Courbet también valora la línea y el dibujo, aunque sin olvidar la importancia del color

Su gama temática es amplia, desde escenas íntimas y familiares, hasta paisajes rurales y urbanos, y personajes de todas las clases sociales. Estas características influirán enormemente en el desarrollo posterior del Impresionismo

Comentario : Impresión, sol naciente – Monet- Impresionismo

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Ficha técnica

Claude Monet

1872 - Impresionismo

Óleo sobre lienzo –Género: paisaje-

Museo Marmottan, París

Contexto

La obra surge en un momento en que los avances científicos del siglo XIX, como la fotografía y las teorías sobre el color, están transformando la manera en que se percibe el mundo. La Revolución Industrial también influye en el impresionismo, ya que ofrece una nueva realidad social y paisajes urbanos que los artistas plasman en sus lienzos El desarrollo de la fotografía, en particular, desafía a los pintores a explorar nuevas formas de capturar la realidad, ya no mediante el detalle, sino a través de la sensación de la luz y el color

Claude Monet es el máximo representante del impresionismo, un pintor francés que busca capturar las sensaciones visuales de manera directa, pintando al aire libre Le interesa especialmente cómo la luz cambia la apariencia de los paisajes, ya sean marinos, fluviales o urbanos Sus series más conocidas, como "La catedral de Rouen", "Estación de San Lázaro", "Acantilados", "Vista del Támesis" y "Nenúfares", son un estudio de las variaciones cromáticas que producen los diferentes momentos del día o las condiciones atmosféricas

Monet, junto a otros pintores como Renoir, Pissarro y Sisley apuesta por la innovación en la pintura, alejándose de las técnicas académicas tradicionales y buscando una representación más directa y auténtica de la naturaleza y los efectos de la luz

Sobre el autor

El autor de “Impresión, sol naciente" es Claude Monet, quien seguramente es el pintor más importante y representativo del Impresionismo. Monet nace en 1840 en París, en una familia dedicada al comercio Desde sus primeros pasos en el arte, enfrenta grandes dificultades, especialmente en el ámbito económico, ya que durante mucho tiempo no logra vender ni un solo cuadro

Estos problemas financieros lo acompañan a lo largo de gran parte de su vida, sumados a complicaciones familiares, lo que en 1868 lo lleva a intentar suicidarse. A pesar de estas dificultades, Monet se convierte en el gran maestro de las flores y el agua, y su principal preocupación artística es captar la luz en diferentes momentos del día, algo que queda claro en su famosa serie de la catedral de Rouen

Cuando estalla la guerra franco-prusiana en 1870 Monet, buscando evitar el combate, se marcha a Londres con otro pintor impresionista, Camille Pissarro. En Londres, queda impresionado por la obra del romántico Turner y establece contacto con el marchante de arte Durand-Ruel, quien luego sería clave en la difusión de sus obras Durante su carrera, también viaja a Italia (particularmente a Venecia) y a Holanda

En los últimos años de su vida su fama crece considerablemente, y con ello también el valor de sus cuadros. Participa en cada vez más exposiciones internacionales, tanto individuales como colectivas A pesar de que al final de su vida Monet queda casi ciego, sigue trabajando con pasión hasta su muerte a los 86 años A lo largo de su carrera, Monet crea cerca de tres mil cuadros, entre los que destacan sus marinas, paisajes, retratos y sobre todo sus flores, especialmente sus famosos nenúfares además de las vistas de la ciudad de París

Identificación y clasificación

"Impresión, sol naciente" es un óleo sobre lienzo pintado en 1872 por Claude Monet y actualmente se encuentra en el Museo MarmottanMonet en París La obra se exhibe en la primera exposición independiente de los impresionistas en 1874, y es a partir de este cuadro que el movimiento impresionista recibe su nombre El crítico de arte Louis Leroy acuña el término de manera despectiva en un artículo en el que se burla del estilo de la obra y de la exposición en general

La temática que se presenta es paisajística, enfocándose en una marina Monet, un apasionado del mar, nos ofrece una visión del viejo puerto francés de Le Havre un lugar significativo para él, ya que pasó parte de su infancia allí Al parecer, pinta esta obra durante una estancia con su esposa e hijo en la ciudad.

La escena es sencilla: tres botes de remos avanzan sobre el agua, mientras al fondo, entre la niebla matutina y el humo de las fábricas, aparece el sol Monet elige este tema cotidiano como una excusa para explorar los efectos de la luz

La función o finalidad de este lienzo es simplemente el “arte por el arte”, pintando una escena experimental sobre la incidencia de la luz en el agua durante un hermoso amanecer

Análisis

La verdadera protagonista de la obra es la luz y sus efectos sobre el entorno La atmósfera nebulosa del amanecer hace que los contornos se difuminen y que los objetos, como los botes o las grúas, se reduzcan a simples manchas de color En lugar de un dibujo preciso, Monet utiliza el color para construir la escena

Siguiendo la teoría del color de Chevreul , Monet emplea los contrastes de colores complementarios para dar más fuerza a los tonos, mezclando colores cálidos y fríos en el cuadro Incluso las sombras tienen color, alejándose de la idea tradicional de que las sombras son siempre oscuras o grises. La obra se caracteriza por un colorido vibrante, donde predominan relajantes azules, anaranjados y verdes

La técnica utilizada son pinceladas rápidas, empastadas y gruesas que se notan a simple vista, algo característico del impresionismo Esta forma de pintar se debe a la urgencia de capturar la impresión visual que produce el amanecer, así como los efectos cambiantes de la luz sobre el agua y el horizonte. Aquí, el dibujo pierde protagonismo, dejando espacio a manchas y colores Con esto, Monet avanza hacia la abstracción

La composición por su parte, parece improvisada como si fuera una fotografía que recorta la escena sin una perspectiva geométrica definida También se observan profundas diagonales, probablemente influenciadas por las estampas japonesas que tanto impactaron a los impresionistas

Comentario

En "Impresión, sol naciente", el tema en sí no es lo importante; lo que importa es cómo se presenta esa realidad en constante cambio, afectada por la luz y la atmósfera Quiere transmitir la sensación que la realidad produce en el espectador Para los impresionistas, el papel del espectador es fundamental: la obra busca provocar una respuesta emocional o sensorial

La principal fuente de inspiración de Monet es la naturaleza, más que otros artistas Desde un punto de vista técnico, “Impresión, sol naciente” revela la influencia notable de las marinas del pintor romántico y preimpresionista inglés Turner Al igual que Turner, no hay en su obra connotaciones heroicas, históricas, mitológicas o religiosas. “Impresión, sol naciente” es una imagen capturada directamente de la naturaleza –en plein air– en el puerto francés de Le Havre

Es importante relacionar “Impresión, sol naciente” con otras pinturas de Monet, especialmente sus paisajes y marinas realizadas en Francia, así como en sus viajes a Londres y Venecia También presenta conexiones con las obras de sus contemporáneos impresionistas, como Manet, Renoir o Sisley. Monet dejará una huella indeleble en el arte contemporáneo, no solo en la pintura postimpresionista, sino también en la abstracción y el expresionismo abstracto En conclusión, esta obra maestra de Monet se considera verdaderamente revolucionaria para su época, ya que anticipa una nueva forma de captar la realidad: el Impresionismo

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Ficha técnica

Auguste Reonoir

1876 - Impresionismo

Óleo sobre lienzo

Museo d’Orsay, París

Artista y época

La vida artística de Renoir, al igual que la de otros impresionistas y postimpresionistas, transcurre en el último tercio del siglo XIX y los primeros años del XX Este periodo se caracteriza por la consolidación de la III República y la segunda revolución industrial, que trae consigo avances como el tranvía, el metro y la electricidad, elementos que también se reflejan en el cuadro

Además, es una época marcada por la expansión colonial y el conocimiento de culturas exóticas, influencias visibles en la estética de la obra, como la estampa japonesa Al mismo tiempo, París vive la bohemia y la Belle Époque, con espectáculos masivos como cabarets y carreras de caballos, que contribuyen al ambiente festivo retratado en esta pintura

Entre 1874 y 1883, Renoir es uno de los líderes del Impresionismo junto con Monet, siguiendo fielmente los principios del movimiento La pintura de Renoir refleja esta nueva realidad, presentando la vida moderna de la ciudad con un enfoque optimista y vibrante, centrado en la belleza y el disfrute del momento.

Identificación y clasificación

"Baile en el Moulin de la Galette" es un óleo sobre lienzo pintado por Auguste Renoir en 1876 y se encuentra en el Museo de Orsay en París. La obra es presentada en la III Exposición Impresionista en 1877 Renoir, para poder pintarla alquila una mansión rodeada de jardín en Montmartre, lo que agrava su difícil situación económica, ya que el artista proviene de un origen humilde y desde pequeño trabaja como decorador de porcelanas y pintor de abanicos

Estas experiencias en sus primeros años influyen en los temas de sus pinturas, que suelen ser escenas alegres y optimistas, centradas en la diversión y la juventud Renoir es especialmente conocido por su preocupación por la figura femenina en sus obras, donde representa a mujeres en diferentes ambientes: desnudas en la intimidad, al aire libre o en interiores Las figuras femeninas en sus cuadros son de formas voluminosas, con rostros rosáceos y labios carnosos, y transmiten una sensación de vitalidad y optimismo aunque su vida personal está marcada por constantes penurias económicas.

Descripción

El tema de "Baile en el Moulin de la Galette" representa un momento de la vida alegre en París El cuadro capta un momento que parece espontáneo pero en realidad, fue meticulosamente planeado y compuesto en el taller de Renoir El cuadro, en su conjunto, expresa la "joie de vivre" o alegría de vivir, a través de las actitudes relajadas de los personajes y los colores vivos que emplea Renoir

La Galette un viejo molino del barrio bohemio de Montmartre se convierte en un café popular donde los domingos se celebran animados bailes Durante el fin de semana, este lugar se convierte en el epicentro de diversión para una mezcla de personas: trabajadores, ciudadanos, artistas, prostitutas y visitantes de provincias que llegan a París en busca de entretenimiento Este interés por representar escenas de la vida moderna y de la realidad cotidiana es una característica típica de los impresionistas

La obra muestra a personas sencillas disfrutando del evento, y muchos de los personajes son amigos o conocidos de Renoir En las mesas, se sientan conocidos pintores de Renoir, acompañados por las hermanas Estelle y Jeanne En el centro de la escena, el pintor cubano Pedro Vidal baila con su amiga Margot, mientras que al fondo se observan otros pintores también disfrutando del baile A la izquierda una mujer recortada en un encuadre que recuerda a una fotografía, se dirige a una niña de cabello rubio.

Análisis formal

La composición se organiza mediante una diagonal que atraviesa los rostros de dos jóvenes, separando dos grupos de personajes: uno cerrado en el primer plano, y otro más abierto alrededor de una pareja de bailarines

En el centro de la composición destacan las dos hermanas Si trazamos una diagonal imaginaria, esta separa a los personajes que charlan de aquellos que bailan organizando ambos grupos en círculos:

Análisis formal

A un lado de la diagonal, en un círculo, se encuentran la mujer de espaldas las dos hermanas y dos jóvenes sentados a la mesa Junto al árbol, un hombre con un sombrero amarillo y reflejos de luz y sombra parece coquetear con una mujer Una niña, situada entre los dos, mira hacia el primer plano En el ángulo derecho un grupo de hombres y mujeres con sombreros, uno de ellos con chistera, entabla una conversación animada

Al otro lado de la diagonal, están los personajes que bailan En el centro de esta actividad, la pareja formada por Margot y el pintor cubano Pedro Vidal, amigos de Renoir. A su alrededor, otros bailarines se sumergen en la atmósfera vibrante creada por las lámparas de gas Las pinceladas ligeras del pintor capturan el juego de luces y sombras que resalta el vestido rosa de Margot, así como a su pareja y el suelo. Tonos de rosa pálido, rosa perla y azul malva crean una sensación etérea, como si la pareja se moviera sobre una nube

Cada grupo presenta una perspectiva diferente: los bailarines se ven de frente, mientras que las figuras del primer plano se observan desde arriba una característica típica del gusto impresionista, también presente en la obra de Degas Este recurso crea una sensación de multitud y dinamismo en la composición. El ritmo de la pintura resulta dinámico, gracias a la diversidad de miradas y las actitudes en las conversaciones

El color juega un papel fundamental en la construcción de los efectos de luz y sombra. Renoir utiliza colores puros y brillantes en la obra, sin emplear el negro, siguiendo la teoría del color de Chevreul

Con pinceladas sueltas, ligeras y suaves, Renoir representa los efectos de la luz que se filtra a través de los árboles creando sombras amarillentas rosáceas y violáceas, además de matices azul malva en el suelo Los toques de luz marrón y amarillenta en la chaqueta del hombre del primer plano y en los sombreros añaden profundidad a la escena Este juego de luces y sombras crea un efecto de aire que envuelve a las figuras difuminándolas Este enfoque, criticado en su tiempo, contribuye a la atmósfera vibrante y ligera de la escena

Comentario

El objetivo de Renoir y de los impresionistas es capturar la impresión del momento, el efecto de la luz sobre los objetos y la inmediatez de la vida moderna En "Baile en el Moulin de la Galette", Renoir logra estos efectos mediante el uso de colores vibrantes, pinceladas sueltas y una composición que busca reflejar la atmósfera de un evento cotidiano y festivo en la vida parisina de finales del siglo XIX

El cuadro es una obra maestra del Impresionismo porque encarna los principios del movimiento: el interés por la luz, la captura del instante y la representación de la vida moderna Además, la obra refleja la influencia de los avances científicos del siglo XIX, como la fotografía y las teorías del color, así como los cambios sociales provocados por la Segunda Revolución Industrial, que hacen que las clases medias se conviertan en un tema recurrente en la pintura.

Fichas de obras

Apuntes completos historia del arte

2º de Bachillerato – Oposiciones- Por placer

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Arquitectura : fichas obras ArteGriego

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título: Partenón

título: Erecteion

Cronología

Etapa Clásica. Siglo V a.c.

Estilo Griego Autor Ictino y Calícrates

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– Situado en la Acrópolis

– Orden dórico de columnas

– Ideal de belleza clásico por la distribución del nº de columnas

– Arquitectura adintelada antropocentrista

– Templo de base rectangular períptero y octástilo.

Análisis completo de la obra

cronología

Etapa Clásica. Siglo V a.c.

Estilo Griego autor Mnesicles

Justifica tu respuesta

– Arquitectura adintelada.

– Templo períptero.

– Orden jónico de columnas.

– Arquitectura antropocentrista

– Tiene cariátides (columnas con forma de mujer)

título: Atenea Niké

título: Teatro de Epidauro

cronología

Etapa Clásica. Siglo V a.c.

Estilo Griego autor Calicrates

Justifica tu respuesta

– Arquitectura adintelada.

– Templo anfipróstilo.

– Orden jónico de columnas.

– Arquitectura antropocentrista.

– Ideal de belleza clásico.

cronología

Etapa Clásica. Siglo IV a.c.

Estilo Griego autor Polícleto el joven

Justifica tu respuesta

– Prototipo de teatro griego en el que se representaban tragedias griegas.

– Estructura semicircular sobre una colina en la que se apoya

– Orchestra circular,cávea(graderío) semicircular aprovechando ña orografía y escenario (skene).

Escultura: fichas obras ArteRománico

título: Catedral de Santiago de Compostela

Cronología Siglo XII

Estilo

Románico

Autor

Bernardo el Viejo / Maestro Esteban

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– Planta de cruz latina.

– Tribuna/triforio que permitía alojar a los peregrinos.

– Nave central con los típicos arcos de medio punto fajones como elementos sustentantes de la cubierta abovedada.

– Sistema constructivo abovedado con bóvedas de cañón en la nave central.

Análisis completo de la obra

título: San Martín de Frómista

Cronología

Segunda Mitad siglo XI

Estilo

Románico Autor

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– Sistema constructivo abovedado que utiliza en su interior la bóveda de cañón.

– Observamos 3 naves de escasa altura, con cimborrio octogonal y 2 torres cilíndricas en la fachada.

– Predominio del muro sobre el vano con escasos ventanales.

– En el exterior arcos de medio punto y contrafuertes

título: Monasterio de Leyre

cronología Siglo XI

Estilo Románico autor

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– En el interior observamos la cabecera románica con 3 naves, bóvedas de cañón, gruesos muros y arcos de medio punto fajones.

– En el exterior vemos el triple ábside con un claro predominio del muro sobre el vano al disponer de ventanas escasas y abocinadas

– Sistema de Soporte del edificio, compuesto por los gruesos muros del edificio, pilares cruciformes y arcos de medio punto fajones…

título: Monaterio Sta. María de Eunate

cronología Siglo XII

Estilo

Románico autor

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– Arquitectura románica es muy poco decorativa a excepción del ajedrezado jaqués y los arquillos ciegos

– Predominio del muro sobre el vano al disponer de ventanas pequeñas, escasas y abocinadas.

– Planta octogonal típica de la orden de los Templarios.

– Las iglesias románicas no eran muy elevadas por el enorme peso de las bóvedas de piedra y los gruesos muros.

Arquitectura: fichas obras

título: Palacio de Olite

Cronología

Siglo XIII-XIV

Estilo

Gótico Autor

Promovido por Carlos III el Noble

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1. Prototipo de edificación civil de carácter cortesano y militar con una doble función de palacio y castillo.

2. Prioriza el carácter cortesano de palacio, sede de la corte del reino de Navarra, sobre el aspecto militar de defensa.

3. Conjunto formado por estancias, fosos y jardines, rodeados por altas murallas y rematados por altas torres que le confieren un aspecto majestuoso.

título: Iglesia de la Colegiata de Roncesvalles

cronología

Siglo XIII

Estilo

Gótico autor

Promovida por Sancho VII “el Fuerte”.

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1. Observamos las típicas bóvedas de crucería.

2. Arcos ojivales góticos y las columnas que llevan el peso hacia el suelo.

3. En el ábside la colegiata observamos las típicas vidrieras góticas.

4. También es apreciable el entramado de soporte del edificio compuesto por los arcos ojivales.

5. Capiteles sin apenas decoración.

título: Puerta Preciosa

cronología

Siglo XIV

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Claustro Catedral de Pamplona

Estilo

Gótico autor

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1. Belleza clasicista en sus figuras que manifiestan un carácter narrativo en el conjunto de la escena.

2. Naturalismo y sentimientos de los personajes que se relacionan entre sí y abandonan la rigidez y el hieratismo de la etapa románica.

3. Temática religiosa relacionada con la vida de la Virgen que aparece narrada en un tímpano dividido en franjas horizontales.

4. Esculturas con doseletes

título: sepulcro de Carlos III y Leonor de Castilla

cronología

Siglo XV

Catedral de Pamplona

Estilo

Gótico autor Johan de Lome

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1. Las figuras van adquiriendo una mayor independencia del marco arquitectónico.

2. Se acentúa el naturalismo y abandonan el hieratismo escultura románica.

3. Incorporación de un nuevo género, los sepulcros funerarios, que representan a personalidades importantes de la realeza, en este caso los reyes.

4. Destreza del autor en el tratamiento individualizado de expresiones y actitudes, en el estudio de calidades, en la exquisita labra del alabastro y también en el realismo de los retratos

Arquitectura: fichas obras ArteRenacimiento

título: Cúpula catedral de Florencia

Cronología

S XV Quattrocento

Estilo

Renacimiento Quattrocento

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Autor Brunelleschi

– Cúpula inspirada en el Panteón romano con un tambor octogonal

– Cromatismo decorativo al conjugar el mármol con el ladrillo.

– Doble cúpula para aligerar el peso y evitar humedades.

Análisis completo de la obra

título: Fachada del palacio Rucellai

cronología

S XV Quattrocento

Estilo

Renacimiento

Quattrocento

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autor

Alberti

– Almohadillo típico renacentista.

– Configurado en 3 plantas con predominio de la horizontalidad.

– Superposición de 3 órdenes de pilastras siguiendo el modelo del Coliseo romano.

– Ruptura de la monotonía de la fachada al incorporar ventanas geminadas y escudos heráldicos

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título: Templete de San Pietro in Montorio

cronología Siglo XVI

Estilo

Renacimiento Cinquecento autor Bramante

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– Austeridad decorativa

– Elementos clásicos: columnas toscanas, triglifos y metopas

– Pequeño templo períptero de planta circular que manifiesta la influencia clásica grecorromana.

– Uso del prototipo de planta central cubierta con cúpula

– Combinación sistema adintelado y abovedado.

título: Villa Capra (La Rotonda)

cronología Siglo XVI

Estilo Manierismo autor Palladio

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– Clara influencia del Panteón de agripa

– Prototipo de villa que intenta integrar la arquitectura con la naturaleza (situada en una colina.

– Planta centralizada con cúpula central. El cuerpo del edificio es un cuadrado del que salen 4 fachadas a modo de pronaos.

– Girada 45º respecto a los puntos cardinales para tener una iluminación uniforme.

– Consecución de la simetría en las cuatro fachadas

– Combinación sistema adintelado y abovedado.

Pintura: fichas obras ArteRenacimiento

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título: La Creación de Adán (Bóveda C. Sixtina)

Cronología

Siglo XVI

Estilo

Renacimiento

Escuela Romana

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Autor Miguel Ángel

– Recuperación del dibujo de contornos muy nítidos

– Típica corporeidad monumental antropocentrista centrada en el desnudo humano.

– Utilización de la técnica al fresco con colores brillantes y cuya temática está relacionada con el Génesis.

título: El Juicio Final (Capilla Sixtina)

Cronología

Siglo XVI

Estilo

Renacimiento

Escuela Romana

Justifica tu respuesta

Autor Miguel Ángel

– Utilización de la técnica al fresco

– Antropocentrismo en donde el ser humano es el protagonista absoluto, centrada en el desnudo humano.

– Temática relacionada con el Apocalipsis.

– Plasmación de una visión dantesca y dramática del final de la humanidad.

– Se observa el pesimismo que invade al artista por el oscurecimiento de la paleta cromática.

– Típica corporeidad escultórica que se da en la pintura de Miguel Ángel.

– Gran catálogo de posturas corporales torsionadas que repercutirán en el nacimiento del Manierismo.

título: Venus de Urbino

Cronología Siglo XVI

Estilo

Renacimiento

Escuela Veneciana

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Autor Tiziano

– Prototipo de desnudo femenino de formas redondas y blandas.

– Incorporación de la temática mitológica.

– Gran protagonismo del color con los típicos tonos cálidos rojos venecianos.

– Gran protagonismo de la luz y del detallismo en la obra.

título: Autorretrato en el Estudio

cronología

Finales siglo XVI 1579

Estilo

Renacimiento

tardío. Manierismo

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autor

Lavinia Fontana

– Vivía de su pintura y su marido le asistía como ayudante.

– Óleo sobre metal.

– No se aprecia bien, pero está rodeada de esculturas dispuestas en estanterías.

– Se representa como una mujer letrada y culta

– Composición equilibrada

título: El matrimonio Arnolfini

Cronología

Siglo XV

Estilo

Gótico

Escuela gótica flamenca

Justifica tu respuesta

Autor

Jan van Eyck

1. Minuciosidad. Se recrean en la representación de los detalles más nimios.

2. Obras serán de pequeño tamaño, muy apropiadas para decorar sus estancias hogareñas.

3. Gran realismo, inclina a los pintores a la representación veraz de la realidad.

4. Técnica al óleo sobre tabla con un gran colorido y brillo.

5. Consecución de la perspectiva e importancia de los aspectos lumínico

Análisis completo de la obra

título: Virgen del canciller Rolin

cronología

Siglo XV

Estilo

Gótico

Escuela gótica flamenca

Justifica tu respuesta

autor

Jan van Eyck

1. Minuciosidad. Se recrean en la representación de los detalles más nimios.

2. Obras serán de pequeño tamaño, muy apropiadas para decorar sus estancias hogareñas.

3. Gran realismo, inclina a los pintores a la representación veraz de la realidad.

4. Técnica al óleo sobre tabla con un gran colorido y brillo.

5. Consecución de la perspectiva e importancia de los aspectos lumínico

6. El donante aparece retratado en la obra.

7. La arquitectura es la del propio palacio del donante

Líneas del tiempo

Apuntes completos historia del arte

2º de Bachillerato – Oposiciones- Por placer

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Línea del tiempo Historia del Arte

Prehistoria

Arte rupestre Arte mobiliar Pinturas levantinas

Megalitismo Cultura talayótica Estatuillas esteatopígicas

Paleolítico Mesolítico Neolítico

Arquitectura: Mastabas, pirámides, hipogeos, Speos, templos. Esculturas: relieve y bulto redondo. Pinturas

Templos: Artemisa, Partenón, altar Zeus, Teatro Epidauro

Mirón, Policleto, Fidias, Praxiteles, Scopas, Lisipo, Alejandro Antioquía.

Al- Ándalus

Mezquita Córdoba, Aljafería, Torre del Oro, Giralda, Torre de Comanes, Sala de las dos hermanas, patio de los Leones, Generalife, Sala de los mocárabes.

Iglesias peregrinación. Templos Francia (Santa Fe Conques), templos España (Santiago, San Clemente Tahüll Sto. Domingo Silos.

Románico 1000-1200

Portadas: pórtico de la Gloria (Santiago), portada Platerías (Sto. Domingo), Cordero en el sacrificio de Isaac.

Edad Media

Pantocrator San Clemente Tahüll Bóveda cripta San Isidoro de León, pintura ermita Vera Cruz, Santa María de Tahüll

Catedrales: Notre Dame París, Reims, Barcelona, Mallorca, Sevilla, Segovia, Salamanca. Fachada catedral de León.

Basílicas, termas, teatros, anfiteatro (Coliseo), circos, acuaductos puentes, arcos, columnas.

Retratos,

Gótico 1200-1600

Portadas: Anunciación y Visitación (Reims), Tímpano Puerta de la Virgen (Notre Dame París), tímpano Samental Burgos.

Claus Sluter Nicola Pisano, Giovani Pisano, Gil de Siloé.

Trecento italiano: Cenni dei Cimabue, Giotto. Simeono Martini (escuela Siena)

relieves (Ara Pacis Arco Tito, Columna Trajana), sarcófagos.

Línea del tiempo Historia del Arte

Edad Moderna

Gótico 1200-1600

Renacimiento Italiano

Quattrocento 1400-1500

Brunelleschi, Alberti, Bartolomeo Ghiberti, Donatello, Luca della Robbia, Jacopo della Quercia., Fra Angélico, Pisanello, Panicale Masaccio Piero della Francesca, Botticelli, Mantegna, Messina.

Escuela de Umbría: Perugino Luca Signorelli

Renacimiento en Flandes y Alemania 1400-1600

Robert Campin

Jan Van Eyck

Dirk Bouts

Hyeronimus Bosch “El Bosco” Rogier Van der Weyden

Pintura primitivos flamencos

Quentin Massys 1466-1530 Joachim Patinir 1480-1526

Mabuse 1478-1532 Pieter Brueghel el Viejo 1525-1569

Pintura Renacimiento en Flandes

Cinquecento 1500-1600

Hans Holbein el Viejo Hans Holbein el Joven Lucas Cranach

Alberto Durero Albrecht Altdorfer

Pintura Renacimiento en Alemania

Manierismo 1550-1610

Miguel Ángel: Cúpula San Pedro Vignola: Il Gesú | G. della Porta.

Renacimiento en España 1500-1600

Plateresco

Enrique Egas (Uni. Salamanca, Casa de las Conchas), Diego de Siloé (Escalera Dorada)

Purismo

Diego Siloé (catedral de Granada), Pedro Machuca (Palacio Carlos V), Gil de Hontañón.

Herreriano

Juan de Herrera (El Escorial)

Diego de Siloé, Damián Formet, Felipe Vigarny, Alonso Berruguete, Juan de Juni

Bramante, Miguel Ángel, Palladio Miguel Ángel

Da Vinci, Miguel Ángel, Rafael, Giorgione,

Arquitectura

Cellini Giambologna

Escuela veneciana: Tintoretto, Veronese, Tiziano Lavinia Fontana, Sofonisba Anguissola, Marietta Robusti

Pedro Berruguete, Juan de Juanes, Luis de Morales, El Greco.

Línea del tiempo Historia del Arte

Barroco 1600-1750

Italia

C.Maderno, G.L. Bernini, F. Borromini, B.Longhena, G. Guarini, P. da Cartona

Francia

Louis Le Vau, Jules Hardouin-Mansart, André Le Nôtre

España

Gómez de Mora, Andrade, A. Cano

J.Churriguera , Ribera Casas y Novoa, N. Tomé Figueroa, A.Churriguera

Italia Bernini

Francia F. Girardon, P. Puget, A.Coysevox

España

G. Fernández, J.Martínez Montañés, J. de Mesa, Luisa Roldán A.Cano, P. de Mena , F. Salzillo

Italia Naturalismo

Caravaggio

Pozzo

A. Gentileschi

S. Rosa, Da Cortona

M. Preti

Strozzi

Giordano, Fede Galizia

Il Guercino

Italia

Clasicismo

G. Reni

E. Sirani

Annibale Carraci

L. Carraci

Agostino Carraci

Escuela flamenca

Rubens

Clara Peeters

Rombouts

Van Dyck

Jordaens

Teniers

Escuela holandesa

Rembrandt

Vermeer

F. Hals

Ruysdael

Judith Leyster

Dujardin

Brugghen

Heem

Hooch

Claesz

Maes

Fabritius

Escuela española

Velázquez, Ribera

Cano

Valdés Leal

Murillo

Zurbarán

Ribalta

Francia

George de la Tour

Hermanos Le Nain

Rigaud

Poussin

Charles le Brun

De Lorena

Simon Vouet

Claude Vignon

Rococó 1720-1780

F. Juvara

Jacques Gabriel

B. Neuman

G.W. von Knobelsdorff

F. Cuvilliés

G. Boffrand

A. Corradini

F. Queirolo

I.Spinazzi

Étienne-Maurice Falconet

C. de Acosta

Italia

G. Baptista, Tiepolo Canaletto

Francia

Jean-Antoine Watteau

J. Siméon Chardin

L.J.F. Lagrenée

E. Vigée LeBrun

Gran Bretaña

F. Boucher

Jean-Honoré Fragonard

Louis Michel Van Loo

J. Ducreux

Adélaïde Labille-Guiard

William Hogarth Joshua Reynolds, Thomas Gainsborough arquitectura escultura pintura

Edad Moderna