SuperCONTINENT2

Supercontinent2

ITA

Abbiamo abitato per un anno intero il Supercontinent.

L’abbiamo abitato senza stare mai fermi, in modo che nessun confine passasse dall’immaginazione alla realtà, ma si creasse e si sciogliesse a seconda dell’incedere. Sostando nei rifugi, nel sentire, nell’immaginare un altrove, la terra sotto di noi si è mossa cambiando scenario ancora una volta. Nel Supercontinent puoi montare una tenda per la notte nel deserto e uscendo al mattino ritrovarti sulla cima della montagna.

Abbiamo attraversato, scoperto, nutrito, mutato, abbandonato ogni luogo di questa nuova Pangea. Abbiamo parlato lingue sconosciute che magicamente capivamo, intessuto relazioni con ogni cosa dalla più piccola alla più grande, siamo diventati animali, piante e poi arcipelaghi.

Ci siamo trovati a comunicare con qualsiasi mezzo cavalcando le diverse velocità. Siamo stati soli e nella folla contemporaneamente, eremiti e tasselli attivatori di nuove comunità. Ci siamo avventurati oltre le montagne, al di là dei mari, delle buche e delle pietre. E poi ci siamo persi percorrendo le stesse strade. Ci siamo incontrati per caso, ci siamo cercati come fosse l’unica via possibile, siamo stati autoctoni e nello stesso tempo stranieri nel Supercontinent. Quando ci siamo accorti che facevamo parte del paesaggio, nel saltare i recinti ci siamo ritrovati a percorrere una mappa come linea continua tra il fuori e il dentro, abbiamo assegnato toponimi come in una carte de tendre* a definire passioni, paure, desideri segreti, nature.

Da cosa è composto un paesaggio? Come si crea uno spazio dal nulla? Come si abita un’idea?

Una serialità inaspettata presente nel titolo (SUPERCONTINENT nel 2017) così come nella tematica alla quale non è certo bastata un’edizione per sviscerare e raccontare al pubblico: la nascita di una nuova Pangea data dai movimenti geologici e dalle tratte migratorie così come dall’intrecciarsi delle discipline e delle arti. Una terra in espansione, in movimento perpetuo che non cessa di generare domande, ipotesi, spostamenti, incontri inaspettati.

Come si organizza lo spazio attorno a un centro propulsore di immaginari e pensieri liminali e laterali? Dove finiscono le narrazioni minori? I confini sono linee immaginarie, possono le nuove pratiche artistiche spostarli, ridefinirli, annullarli?

Si torna a ragionare sulla “forma festival”, un modo per inglobare nell’istituzione stessa una forma di rischio d’impresa solitamente lasciata all’esclusiva produzione artistica. In questo modo è Centrale Fies a diventare un progetto artistico, una struttura porosa sia per l’influenza degli artisti sia per l’influenza del contesto culturale e viceversa.

Quest’anno, il festival sarà SUPERCONTINENT DUE. Anzi, al quadrato.

ENG

We have inhabited Supercontinent for a year. We have lived here without ever stopping, so that no boundaries could go from imagination to reality, but they could be created and melt according to their movement. After we took a break in the shelters, in the perception and imagination of a place elsewhere, the land underneath us has crumbled, changing the scene once again.

In the Supercontinent you can pitch your tent for the night in the desert and then in the morning find yourself on the top of the mountain.

We have explored, discovered, nourished, changed, abandoned every place of this new Pangaea. We have spoken strange languages which we could magically understand, we have built relationships with everything, from the smallest to the biggest, we have become animals, plants and then archipelagos.

We have found ourselves communicating by any means, running at different speeds. We have been alone and in the crowd at the same time, eremites and activators of new communities. We have ventured beyond the mountains, beyond the seas, the holes and the stones. And then, we have lost our way while walking along the same streets. We have met by chance, looking for ourselves as if it were the only possible way, we have been natives and foreigners at the same time in the Supercontinent.

When we realised that we were part of the landscape and when suddenly, while jumping the fence, we found ourselves going through a map as a continuous line between the outside and the inside, we gave a name to places, as in a carte de tendre* in order to define passions, fears, secret desires, natures.

What is a landscape made of? How can a space be created out of nothing?

How can an idea be inhabited? An unexpected seriality is to be found in the title (SUPERCONTINENT in 2017) and in the theme, which was not examined enough and related to the audience during only one edition: the birth of a new Pangaea, made possible by the geological movements and the migration routes and on the other hand, by intertwining disciplines and arts. An expanding land, that keeps moving perpetually and never stops generating questions, hypothesis, changes of position, unexpected encounters.

How can the space be organised around a propulsive centre of symbolic dimensions and liminal and lateral thoughts? What is the destiny of the minor narrations? The boundaries are imaginary lines, can the new artistic practices move, redefine, undo them?

The “festival format” is taken into consideration again, a way thus, to include in the institution itself a form of risk, which is usually managed exclusively by the art production. In this way, Centrale Fies becomes an art project: the institution becomes a permeable structure influenced both by artists and by the cultural context and vice versa.

This year, the festival will be SUPERCONTINENT TWO. Or better, squared.

*carte de tendre La Carte de Tendre, la mappa degli affetti e delle passioni inserita all’interno del romanzo Clélie, histoire romaine, scritto nel 1654 da Madame de Scudéry, come rappresentazione ideale dell’animo della donna francese erudita. Un paesaggio allegorico, una mappa di delicati sentimenti d’amore, in cui ogni sensazione ha un nome e una posizione geografica. / The Carte de Tendre is the map of the affection and the passions appeared in the novel Clélie, histoire romaine, written in 1654 by Madame de Scudéry, as ideal representation of the educated French woman’s soul. An allegorical landscape, a map of fine love feelings, in which every sensation has a name and a geographical position.

MARTEDÌ 12 GIUGNO / TUESDAY 12 JUNE

SABATO 07 LUGLIO / SATURDAY 07 JULY

20 – 23 LUGLIO / JULY 25 – 28 LUGLIO / JULY

h. 21.00 – Turbina 1 OHT + Orchestra Haydn Orchester (IT) Curon/Graun

Dalle/from h. 19.00 Galleria Trasformatori Giovanni Morbin (IT) Giovanni Morbin_ anthological exhibit opening mostra/exhibit

Dalle/from h. 19.00 alle/to h. 24.00 Galleria Trasformatori Giovanni Morbin (IT) Giovanni Morbin_ anthological exhibit mostra/exhibit

VENERDÌ 29 GIUGNO / FRIDAY 29 JUNE h. 11.00 / 14.30 – Le Terme Giovanni Morbin (IT) Il giro del Mondo con partenza da fermo (Movimento con passo falso), 1985 – 2018 lecture performance

h. 21.00 – Turbina 1 Giovanni Morbin (IT) Concerto a Perdifiato performance

VENERDÌ 20 LUGLIO / FRIDAY 20 JULY

SABATO 21 LUGLIO / SATURDAY 21 JULY

DOMENICA 22 LUGLIO / SUNDAY 22 JULY

LIVE WORKS performance act award VOL.6

LIVE WORKS performance act award VOL.6

LIVE WORKS performance act award VOL.6

Dalle/from h. 19.00 alle/to h. 24.00

Dalle/from h. 14.00 – Dro Giovanni Morbin Ibridazione 1 - Bodybuilding guest performer

Dalle/from h. 19.00 alle/to h. 24.00

Slavs and Tatars 79.89.09 guest performer artisti selezionati / selected artists: Christian Botale Molebo (RDC/FR) Rodrigo Batista de Oliveira (BR/NL) Reza Mirabi (IN/DE) Ursula Mayer (AT/UK)

Dalle/from h. 19.00 alle/to h. 24.00 Maria Hassabi (CY) STAGING: solo (2017) guest performer artisti selezionati / selected artists: Ely Daou (LB) Michele Rizzo (IT/NL) Beto Shwafaty (BR) Phumulani Ntuli (ZA)

Mario Mieli – Franco Buffoni (IT) Ebbene sì guest performer installazione / installation Lina Lapelytė (LT) Candy Shop – the Circus guest performer

prima nazionale / national première

artisti selezionati / selected artists: Anne-Lise Le Gac (FR) Judith Raum (DE) Nyakallo Maleke (ZA/CH) Cinthia de Levie (AR)

MERCOLEDÌ 25 LUGLIO / WEDNESDAY 25 JULY

GIOVEDÌ 26 LUGLIO / THURSDAY 26 JULY

h. 17.30 – Le Terme Luca Ruali + Nicola Di Croce + Mata Trifilò (IT) Una comunicazione magnetica con la natura talkin’ about

h. 17.30 – Le Terme Ugo Morelli (IT) talkin’ about

h. 19.00 – Marocche Building Conversation Conversation without words Dalle/from h. 20.00 alle/to h. 24.00 - Le Terme Kristina Norman (EE) Give me back my fire Gods film session h. 20.00 – Turbina 1 Amicale de Production / Halory Georger + Antoine Defoort (BE/FR) Germinal

prima nazionale / national première

h. 22.00 – Sala comando Marco D’Agostin (IT) Avalanche h. 23.00 – Mezzelune Jacopo Jenna (IT) If, If, If, Then

prima nazionale / national première

Dalle/from h. 23.00 alle/to h. 1.00 - Forgia COSMESI (IT) COSMESI FA UN DISCO / COSMESI FA UN LIVE club session

h. 19.00 – Marocche Building Conversation Conversation without words h. 19.00 – Mezzelune Jacopo Jenna (AT) If, If, If, Then

prima nazionale / national première

Dalle/from h. 20.00 alle/to h. 24.00 - Le Terme Werner Herzog (DE) Lektionen in Finsternis film session h. 20.00 – Sala comando Tiago Rodrigues / Teatro Nacional do Maria II (PT)

By Heart h. 22.00 – Turbina 1 Amicale de Production / Halory Georger + Antoine Defoort (BE/FR) Germinal

prima nazionale / national première

h. 23.30 – Forgia Gerald Kurdian (DE) Trk_x club session

prima nazionale / national première

VENERDÌ 27 LUGLIO / FRIDAY 27 JULY

SABATO 28 LUGLIO / SATURDAY 28 JULY

h. 17.30 – Le Terme Emanuele Coccia (IT) talkin’ about

h. 17.30 – Le Terme Filippo Minelli (IT) talkin’ about

h. 19.00 – Marocche Building Conversation Conversation without words

h. 19.00 – Marocche Building Conversation Conversation without words

h. 19.00 - Mezzelune Urok Shirhan (IQ/NL) Empty Orchestra

Dalle/from h. 19.00 alle/to h. 23.00 - Parco Giovanni Morbin (IT) Conversazione con GO – ibridazione 7

Dalle/from h. 20.00 alle/to h. 24.00 - Le Terme Jordi Colomer (ES) ¡Únete! Join Us! film session h. 20.00 – Turbina 2 Sotterraneo (IT) Overload h. 21.30 – Sala comando Tiago Rodrigues / Teatro Nacional do Maria II (PT)

By Heart h. 23.30 – Forgia John The Houseband (SE/BE/GE) Meet John, John Giovani and Let’s Celebrate The World with mixed emotions and Dance.

10 YEAR ANNIVERSARY CONCERT!” club session

h. 24.00 – Forgia Thea Hjelmeland (NO) Thea Hjelmeland performance club session h. 1.30 – Parco WOWAWIWA/ Alma Sodeberg + Hendrik Willekens dj performance

h. 19.00 – Mezzelune Philipp Gehmacher (AT) My shapes, your words, their grey

prima nazionale / national première

Dalle/from h. 20.00 alle/to h. 24.00 - Le Terme Dries Verhoeven (NL) Homo Desperatus film session h. 20.15 – Turbina 1 Sarah Vanhee / CAMPO (BE) Unforetold

prima nazionale / national première

h. 21.45 – Sala comando Dewey Dell (IT) I am Within h. 22.30 – Turbina 2 Sotterraneo (IT) Overload

Tutte le sere alla fine degli spettacoli dj set nel Parco / Every evening at the end of the shows dj set in the Park ATTENZIONE: Il programma potrebbe essere soggetto a modifiche ed aggiornamenti WARNING: The program might be subject to changes and updates

the sea of forgotten things / the path of research/ the waterfall of temporal absence / the training camp /the woods of new go ver of thoughts and actions / the lake of doubling / the garden of conversations / the observation tower / the cave of the initia e sea of forgotten things / the path of research/ the waterfall of temporal absence / the training camp /the woods of new god thoughts and actions / the lake of doubling / the garden of conversations / the observation tower / the cave of the initiations forgotten things / the path of research/ the waterfall of temporal absence / the training camp /the woods of new gods / little oughts and actions / the lake of doubling / the garden of conversations / the observation tower / the cave of the initiations / rgotten things / the path of research/ the waterfall of temporal absence / the training camp /the woods of new gods / little At oughts and actions / the lake of doubling / the garden of conversations / the observation tower / the cave 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OHT | Office for a Human Theatre CURON / GRAUN PREVIEW

BIO ITA

Sperando che Google non possa rispondere a tutto, OHT esplora la realtà e la sua rappresentazione senza limiti di forma, genere e sentimenti.

BIO ENG

Taking on from the wish that Google doesn’t answer to everything, OHT explores reality and its representation without limits of shape, genre and feelings.

CREDITS

spettacolo di / performance by OHT | Office for a Human Theatre Orchestra Haydn di Bolzano e Trento | Haydn Orchester von Bozen und Trient vincitore OPER.A 20.21 FRINGE musica di / music by Arvo Pärt | “Fratres” per quartetto d’archi / for string quartet | “Fratres” per archi e percussione / for strings and percussion “Fratres” per violino, archi e percussione / for violin, strings and percussion “Cantus in memoriam Benjamin Britten” | direzione musicale / music conductor Stefano Ferrario | idea Filippo Andreatta e Paola Villani | regia / directing Filippo Andreatta | set-design Paola Villani | light-design William Trentini | riprese e montaggio video / video Armin Ferrari | assistenza allestimento / assistant set-up Massimiliano Rassu | produzione / production Laura Marinelli | collaborazione grafica / graphic collaboration Letizia Tempesta Filisetti | decorazione / decore Nadia Simeonkova, Silvano Brugnara | produzione / production Orchestra Haydn di Bolzano e Trento | Haydn Orchester von Bozen und Trient | co-produzione / co-production OHT, Centrale Fies | con il supporto di / supported by Fondazione Caritro | editore / editor Universal Edition AG | rappresentante per l’Italia / Italian representative Casa Ricordi, Milano

12.06

Turbina 1

h. 21.00 - 50’

SINOSSI

OHT si confronta per la prima volta con il teatro musicale ispirandosi alla musica di Arvo Pärt e un ambiguo rapporto col paesaggio. In scena è ritratto un paese affogato, dove il suono della campana -tipico dello stile tintinnabuli di Pärt fa emergere con veemenza le forze invisibili del paesaggio alpino. Lo spettacolo parte dai rintocchi fantasmi del campanile del lago di Resia per congiungere lo spettatore a una rinnovata struttura narrativa del teatro musicale. Una narrazione rallentata, i cui parametri non sono familiari e rientrano nel dominio del sacro caratteristici del compositore estone e che invitano il pubblico ad adottare nuovi criteri rispetto a quelli generalmente accettati e conosciuti. Così l’evacuazione coatta del piccolo paese di “Curon” diventa l’espediente narrativo per riavvicinare il teatro alla sua radice più profonda, quella di comunicare attraverso l’immobilità e il silenzio.

SYNOPSIS

OHT ventures into Music Theatre for the first time inspired by Arvo Pärt’s compositions and an ambiguous relationship with landscape. On stage, it’s depicted a drowned village where the sound of the bell –a characteristic feature of Pärt’s tintinnabuli style– makes vehemently emerging the invisible forces of Alpine landscape.

Taking from the legend of the ghost rings from the campanile of the church, the show connects the audience with a renewed narration of Music Theatre.

It’s a still narration; whose parameters aren’t familiar and belong to the domain of the holy and of the spiritual, typical of the Estonian composer. Hence, it’s an invitation to adopt new criteria than those usually accepted and known for Theatre. The forced evacuation of the tiny village of “Curon” becomes the narrative reason to reconcile theatre with its deepest root, that one of communicating by means of stillness and silence.

12.06

Turbina 1

h. 21.00 - 50’

Giovanni Morbin

BIO ITA

La ricerca di Giovanni Morbin è legata ai comportamenti umani e la performance è il mezzo ideale per esprimere le sue idee.

Dal 1995 le sue performance (Ibridazioni) sono caratterizzate di volta in volta dalla compagnia animale, vegetale, minerale, artificiale. Nel corso degli ultimi anni ha condotto una ricerca sulla natura di forma e immagine concretizzata da atomizzazioni di oggetti comuni come ideale riordino artistico del mondo.

BIO ENG

Giovanni Morbin’s research is linked with human behaviour and the performance is the ideal means to express his ideas.

Since 1995, his performances (Ibridazioni) have been characterised from time to time by the animal, vegetal, mineral, artificial company. In recent years he has conducted research on the nature of form and image actualised by atomisation of common objects as ideal artistic reorganisation of the world.

07-28.07

Galleria Trasformatori

Giovanni Morbin _anthological exhibit EXHIBIT / OPENING

CREDITS

a cura di / curated by Denis Isaia

SINOSSI

Nell’ambito del percorso di valorizzazione e storicizzazione della performance, Centrale Fies dedica un approfondimento a Giovanni Morbin (Valdagno, 1956).

Per la prima volta una vista d’insieme racconta uno dei più evoluti interpreti della scena comportamentista italiana. Scandito dalla riproposizione di alcune fra le azioni più note, il progetto espositivo prende spunto da un nucleo di opere pressoché inedito degli anni ’70 e ’80 fino a giungere alle prove più recenti e raccontare una complessa vicenda di mutuazione fra i diversi linguaggi delle arti che ha al centro il corpo e il comportamento. La mostra è accompagnata da un apparato divulgativo frutto di un lavoro d’archivio che, unitamente alla documentazione del progetto presso Centrale Fies, forniscono i contenuti per la più completa monografia sull’artista di prossima edizione. Morbin è inoltre presente alla XXXVIII edizione del festival Drodesera come guest performer di Live Works.

SYNOPSIS

As part of the process of promoting and historicizing performance, Centrale Fies examines the work of Giovanni Morbin (Valdagno, 1956). For the first time, the life of one of the most advanced interpreters in the Italian field of Behaviourism is depicted from an overall point of view. Marked by the re-presentation of some of his most famous performative actions, the exhibit project presents a whole spectrum of his works, from those remained almost unknown during the ‘70s and the ‘80s, to the most recent ones and the complex narration of mutation between the various languages of arts, focused on body and behaviour. The exhibit is accompanied by informative materials created by working on archives, which, together with the project documentation at Centrale Fies, provide contents for the next edition of the most complete monograph on the artist. Morbin is also present at the XXXVIII edition of Drodesera festival as a guest performer of Live Works.

07.07 opening dalle / from h. 19.00 08-19.07 su prenotazione / by appointment 20-23.07 dalle / from h. 20 alle / to h. 24 25-28.07 dalle / from h. 20 alle / to h. 24

07-28.07

Galleria Trasformatori

Il Giro del Mondo con partenza da fermo (Movimento con passo falso) 1985-2018

EXHIBIT COLLATERAL EVENT

SINOSSI

SYNOPSIS

29.06

Conferenza stampa/Press conference Presa la decisione di non dipingere più, nel 1985 Giovanni Morbin decide di liberarsi delle braccia. Spedisce a due indirizzi a caso, uno a est e uno a ovest di Vicenza rispettivamente una copia fotografica uno ad uno del suo braccio sinistro e una copia del destro con l’invito, per l’ignaro destinatario, a proseguire il tragitto fino a completare idealmente un abbraccio planetario.

In occasione della mostra presso Centrale Fies l’impresa riparte da Dro con una conferenza stampa e la prima spedizione, in attesa che all’artista siano restituite le braccia.

Taken the decision not to paint any longer, in 1985, Giovanni Morbin decided to get rid of his arm. He sent to two random addressees, one to the east and the other to the west of Vicenza, a photocopy of his link and right arm, respectively. The photocopy included an invitation to the unknowing addressees to go ahead and complete ideally a planetary embrace. The feat restarts in Dro with the press conference of the first expedition, waiting for the artist to receive his arms back.

Le terme

h. 11.00

SINOSSI

SYNOPSIS

29.06

Lecture performance Giovanni Morbin è un artista e un fine conoscitore della storia dell’arte. La mostra a lui dedicata è preceduta da un seminario riservato a un limitato numero di partecipanti in cui lo stesso Morbin racconta la sua opera nel contesto artistico e sociale che dal primo ‘900 si affaccia ai giorni nostri. Il genio di Duchamp, il corpo del fascismo, l’anomalia della rappresentazione fotografica sono alcuni degli attori chiamati a raccolta in una narrazione che molto assomiglia al canto del pensiero.

Giovanni Morbin is an artist and expert on art history. The exhibit dedicated to him will be preceded by a seminar reserved for a limited number of participants, in which Morbin itself will discuss his work in the artistic and social context, from the early 1900s to the present day. The genius of Duchamp, the body of fascism, the anomaly in the photographic representation are some of the actors mobilized in a narration that is very similar to the chant of the thought.

Le terme

h. 14.30

Concerto a Perdifiato EXHIBIT COLLATERAL EVENT

CREDITS

con partecipanti locali / with local participants

SINOSSI

“Ho costruito un attrezzo per poter ufficializzare un’azione altrimenti letta come bizzarra: parlare a sé stessi.” Così Giovanni Morbin descrive lo Strumento a Perdifiato un oggetto che congiungendo bocca e orecchio permette di ascoltarsi. In occasione del “Concerto a perdifiato” una ventina di concertisti volontari dopo essersi incontrati e aver deciso ognuno delle parole chiave eseguono come un’orchestra una partitura che li vede, per l’appunto, protagonisti.

SYNOPSIS

“I have produced an instrument in order to make an action official, otherwise regarded as bizarre: talking to yourself.” Giovanni Morbin describes the Strumento a Perdifiato as an object which allows you to listen to yourself, by connecting mouth and ear. Having met and decided some key words each, twenty voluntary performers play a musical score as an orchestra on the occasion of “Concerto a perdifiato”.

07.07

Turbina 1

h. 21.00 - 35’

Conversazione con GO_ Ibridazione 7 EXHIBIT COLLATERAL EVENT

SINOSSI

L’azione compie un dialogo ideale con Germano Olivotto, artista scomparso prematuramente, che fra il 1968 e il 1973 organizza una serie di eventi effimeri nell’ambiente naturale. Giovanni Morbin sale su un albero e ci rimane per tre ore. Come lui stesso dichiara: “Oggi è molto strano vedere una persona su un albero, specie se non fa nulla di particolare. Ho riproposto l’azione nei viali cittadini, in campagna e in collina, spesso in assenza di pubblico o per qualche passante occasionale...”

SYNOPSIS

The action regards an ideal dialogue with Germano Olivotto, an artist passed away prematurely, who organised a series of ephemeral events in the natural environment between 1968 and 1973. Giovanni Morbin climbs up a tree and stays there for three hours. As he has said: “It is very strange today that someone is on a tree, especially doing nothing special. I proposed the action again in town streets, in the countryside and in the hills, often in the absence of the audience or for a few occasional passers-by...”

28.07

Parco

dalle / from h. 19.00 alle / to h. 23.00 - 4 h

LIVE WORKS VOL.6 Un progetto di Centrale Fies

ITA

Live Works Performance Act Award / The Free School of Performance Curatorial Board: Barbara Boninsegna (direttore artistico, Centrale Fies, Dro), Simone Frangi (ricercatore e curatore, Milano), Daniel Blanga Gubbay (ALEPPO, Bruxelles).

Centrale Fies esplora le evoluzioni della performance attraverso LIVE WORKS, una piattaforma dedicata alle pratiche contemporanee live che contribuiscono all’approfondimento e all’ampliamento della nozione di performance, seguendo l’attuale spostamento del performativo e delle sue cifre.

LIVE WORKS_ Performance Act Awards VOL. 6 Un bando aperto ad azioni performative emergenti di diversa natura, comprese: performance, sound and new media art, text-based performance, lecture performance, multimedia storytelling, pratiche coreografiche, pratiche relazionali e progetti workshop-based, e altri progetti che mettono in discussione l’idea di performance al di là del corpo. La produzione dei progetti performativi in residenza avviene intrecciando diverse tipologie di curatela, dallo sviluppo tecnico all’accompagnamento teorico, attraverso una Free School of Performance composta di studio visit, critical session e reading group, con l’obiettivo di accompagnare la produzione di 12 performance.

Per questo progetto Centrale Fies ha svolto una selezione di 12 artisti su oltre 400 partecipanti provenienti da tutto il mondo.

Questi i nomi dei 12 partecipanti dell’edizione in corso: Anne-Lise Le Gac (FR) Christian Botale Molebo (RDC/FR) Judith Raum (DE) Rodrigo Batista de Oliveira (BR/NL) Nyakallo Maleke (ZA/CH) Ely Daou (LB) Reza Mirabi (IN/DE) Ursula Mayer (AT/UK) Michele Rizzo (IT/NL) Beto Shwafaty (BR) Cinthia de Levie (AR) Phumulani Ntuli (ZA) Gli artisti selezionati dai curatori di LIVE WORKS, in residenza a Centrale Fies dal 7 al 17 luglio 2018, dispongono di un budget per produrre la performance, l’opportunità di partecipare a The Free School of Performance e potranno inoltre beneficiare di un ulteriore periodo di residenza di 10 giorni presso Centrale Fies.

Dopo questa importante esperienza le performance prodotte vengono presentate durante la 38a edizione del festival di performing art Drodesera (20 – 28 Luglio 2018). E’ in questa occasione che i 12 progetti vengono visionati e discussi da un board di professionisti internazionali, che valuta la qualità dei lavori presentati ed è coinvolto attivamente in incontri pubblici e privati con gli artisti per approfondire alcuni passaggi fondamentali elaborati dalle performance proposte al pubblico.

In quest’edizione, il board di Live Works conta la presenza di alcune delle voci più autorevoli del panorama dell’arte contemporanea: Alessio Antoniolli (Direttore di Gasworks, Londra, e direttore di Triangle Network), Anne Breure (Direttrice artistica di Veem – House for Performance, Amsterdam), Juan Canela (Curatore e critico, co-fondatore di BAR project, Barcellona, e membro del Comitato di Programmazione di HANGAR, Barcellona), Gundega Laivina (Direttrice di New Theatre Institute of Latvia e direttrice di Homo Novus, Riga), Vittoria Matarrese (Responsabile della programmazione culturale e progetti speciali, Curatrice Performance Art, Palais de Tokyo, Parigi), Alexander Roberts (Co-Direttore di Reykjavik Dance Festival, Direttore del programma del Master in Performing Arts presso Iceland Academy of the Arts, e Co-Fondatore di A! International Performance Festival di Akureyri).

Nel corso delle tre serate di Live Works (20-22 luglio 2018) saranno presentati al pubblico anche i lavori dei guest performer Maria Hassabi, Lina Lapelytė, Slavs&Tatars, Mario Mieli e Franco Buffoni, Giovanni Morbin.

The Free School of Performance La Free School of Performance è articolata in un programma giornaliero di sessioni critiche collettive, discussioni su temi specifici relativi alla ridefinizione del concetto di performance. Sessioni di film e incontri informali che accompagnano il lavoro di produzione dei 12 artisti in residenza. Dieci giorni di sezioni di lavoro intensive alternate a momenti di relax in un ambiente naturale sulle rive del Sarca, circondato dalla frana delle Marocche.

LIVE WORKS VOL.6 A project by Centrale Fies

ENG

Live Works Performance Act Award / The Free School of Performance Curatorial Board: Barbara Boninsegna (artistic director of Centrale Fies, Dro), Simone Frangi (researcher and curator, Milan), Daniel Blanga Gubbay (ALEPPO, Bruxelles).

Centrale Fies investigates performative forms through LIVE WORKS, a platform dedicated to live contemporary practices that contribute to deepening and broadening the idea of performance, following the current evolution of performance and its styles.

LIVE WORKS_Performance Act Awards VOL.6 A call open to a wide range of emerging performative actions, including: performances, sound and new media arts, text-based performances, lecture performances, multimedia storytelling, choreographic practices, relational and workshop-based projects, and other projects questioning the idea of performativity beyond the body. The creation of the performances during the residency is supported by different types of curatorship, from the theoretical to the technical one, all conceived by the Free School of Performance through studio visits, critical sessions and reading groups with a common objective: the production of 12 performance.

Centrale Fies made a selection of 12 artists from over 400 participants coming from all over the world.

These are the names of the twelve participants: Anne-Lise Le Gac (FR) Christian Botale Molebo (RDC/FR) Judith Raum (DE) Rodrigo Batista de Oliveira (BR/NL) Nyakallo Maleke (ZA/CH) Ely Daou (LB) Reza Mirabi (IN/DE) Ursula Mayer (AT/UK) Michele Rizzo (IT/NL) Beto Shwafaty (BR) Cinthia de Levie (AR) Phumulani Ntuli (ZA) The artists, selected by LIVE WORKS curators, have been invited to participate in a production residency at Centrale Fies from 7 to 17 of July 2018, with a budget to produce a performance, the opportunity to participate in The Free School of Performance, and they can benefit of a further 10-day residency at Centrale Fies.

After this experience, the performances produced are presented during the 38th edition of the Drodesera festival of performing arts (20 – 28 July 2018).

On this occasion, the selected projects are seen and discussed by a board of international professionals, actively involved in public and private meetings with the twelve artists.

In this edition, the guest board of Live Works counts the presence of some of the most influential voices of the contemporary art scene: Alessio Antoniolli (Director of Gasworks, London, and Director of Triangle Network), Anne Breure (Artistic Director of Veem – House for Performance, Amsterdam), Juan Canela (Independent curator and writer. Co-founder of BAR project, Barcelona, and member of the Programs Committee at HANGAR, Barcelona), Gundega Laivina (Director of New Theatre Institute of Latvia and Director of Homo Novus, Riga), Vittoria Matarrese (Head of cultural program and special projects, Curator of Performance Art, Palais de Tokyo, Paris), Alexander Roberts (co-Director of Reykjavik Dance Festival, Programme Director for the masters in Performing Arts at the Iceland Academy of the Arts and co-Founder of A! International Performance Festival in Akureyri).

During each evening of Live Works (20-22 July 2018) a program of established guest performers will be presented alongside the projects of the selected artists: Maria Hassabi, Lina Lapelytė, Slavs&Tatars, Mario Mieli and Fanco Buffoni, Giovanni Morbin.

The Free School of Performance The Free School of Performance is articulated in a daily program of collective critical sessions, discussing specific themes related to the redefinition of the concept of performance. Film sessions and informal meets will accompany the work of the 12 artists in residence.The work during the ten days is rhytmed by moments of relax in a natural environment on the banks of the river Sarca, surrounded by the Marocche mountains.

Slavs and Tatars 79.89.09

GUEST PERFORMER LIVE WORKS

BIO ITA

Slavs and Tatars è un collettivo artistico noto a livello internazionale. Con il loro lavoro si dedicano a una zona che si estende a est dell’ex Muro di Berlino e a ovest della Grande Muraglia cinese conosciuta come Eurasia.

La loro opera è stata oggetto di mostre personali al Museo di Arte Moderna, NY; Salt, Istanbul; Secession, Vienna; Kunsthalle, Zurigo e Ujazdowski Centro di Arte Contemporanea, Varsavia. La pratica artistica del collettivo si basa su tre attività: esposizioni, pubblicazioni e lecture-performance.

BIO ENG

Slavs and Tatars is an internationally-renowned art collective devoted to an area east of the former Berlin Wall and west of the Great Wall of China known as Eurasia. Their work has been the subject of solo exhibitions at the Museum of Modern Art, NY; Salt, Istanbul; Vienna Secession, Wien; Kunsthalle Zurich and Ujazdowski Centre for Contemporary Art, Warsaw. The collective’s practice is based on three activities: exhibitions, publications and lecture-performances.

CREDITS

La lecture di Slavs and Tatars è parte del tour organizzato da ar/ge kunst e Libera Università di Bolzano, Dipartimento di Design e Arte (Bolzano, 18.05.18), OGR (Torino, 22.05.18), Live Works / Centrale Fies (Dro, 20.07.18) in concomitanza con la loro prima mostra personale in Italia presso ar/ge kunst (18.05.18 – 28.08.18) / Slavs and Tatars’ lecture is part of the tour organized by ar/ge kunst and Free University of Bozen, Art and Design department (Bozen, 18.05.18), OGR (Turin, 22.05.18), Live Works / Centrale Fies (Dro, 20.07.18), in concomitance with their first solo Italian exhibit at ar/ge kunst (18.05.18 - 28.08.18)

20.07

50’

SINOSSI

“79.89.09” guarda a due momenti chiave della storia moderna – la Rivoluzione Iraniana del 1979 e il movimento Solidarnosc fondato in Polonia negli anni 80 – come eventi cardine delle due narrazioni geopolitiche più complesse del XX e XXI secolo, rispettivamente il Comunismo e l’Islam politico. Nato originariamente come contributo alla Biennale di Berlino 032c, “79.89.09” si confronta con le questioni più disparate come il monosopracciglio, la modernità e i Beach Boys con l’obbiettivo di comprendere l’importanza di questi due momenti oggi per il grande Medio Oriente. La lecture fa da apertura al secondo ciclo di opere di Slavs and Tatars, Friendship of Nations: Polish Shi’ite Showbiz, un’indagine sugli improbabili punti di convergenza nelle storie economiche, culturali e politiche rispettivamente di Polonia e Iran. Dal Sarmatismo del XVII secolo al movimento di riforma in Iran del XXI secolo, dall’avvento delle notizie 24 su 24 fino al ruolo delle attività artigianali come diplomazia cittadina, “79.89.09” presenta uno sguardo laterale ai due paesi nella loro ricerca di autodeterminazione.

SYNOPSIS

“79.89.09” looks at two key modern moments – the Iranian Revolution of 1979 and Poland’s Solidarnosc movement in the 1980s – as bookends to the two major geopolitical narratives of the 20th and 21st century, respectively – Communism and political Islam. Originally a contribution to Berlin-based biannual 032c, “79.89.09” looks at issues as disparate as the monobrow, modernity, and the Beach Boys in understanding the importance of these two moments for the greater Middle East today. The lecture acted as the opening salvo to Slavs and Tatars’ second cycle of work, Friendship of Nations: Polish Shi’ite Showbiz, an investigation of the unlikely points of convergence in the economic, cultural, and political histories of Poland and Iran, respectively.

From the 17th century´s Sarmatism to the 21st century reform movement in Iran, the advent of the 24 hour news cycle to the role of crafts as citizen diplomacy, “79.89.09” presents a lateral look at the two countries in their quest for self determination.

20.07

50’

Maria Hassabi STAGING: solo (2017)

GUEST PERFORMER LIVE WORKS

BIO ITA

Maria Hassabi (nata a Cipro) è un’artista e coreografa residente a New York; le sue performance e installazioni sono state presentate nei teatri, festival, musei, gallerie e spazi pubblici di tutto il mondo, inclusi documeta14 (Kassel); Museum of Modern Art (New York); La Biennale di Venezia. Si è laureata alla California Institute of the Arts con un BFA.

BIO ENG

Maria Hassabi (b. Cyprus) is a New York based artist and choreographer. Her performances and installations are presented worldwide in theaters, festivals, museums, galleries, and public spaces including documeta14 (Kassel); Museum of Modern Art (New York); Venice Biennale. She holds a BFA from California Institute of the Arts.

CREDITS

performer / performers Mickey Mahar, Oisín Monaghan, Maria Hassabi | compositrice / composer Marina Rosenfeld | sound designer / sound designer Stavros Gasparatos | costumi / outfits Victoria Bartlett | organizzazione / management Natasha Katerinopoulos | coproduzione / coproduced by Aarhus 2017; documenta14, Kassel; Evergreen/Don River Valley Park, Toronto; Keir Foundation, Sydney, con il sostegno di / with support from Dancehouse, Melbourne; Walker Art Center, Minneapolis; William and Nadine McGuire Commissioning Fund; Andrew W. Mellon Foundation; and National Endowment for the Arts. Sviluppato parzialmente durante la residenza al / Developed partially in residency at Baryshnikov Arts Center, New York.

21.07

120’ durational performance

SINOSSI

“STAGING: solo (2017)” è un estratto dell’installazione live STAGING (2017) di Maria Hassabi, presentata al Walker Art Center, Minneapolis, MN e a documenta 14, Kassel. “STAGING: solo (2017)” presenta una successione di incontri, installati nelle molteplici stanze di un palazzo. Concepito in più parti, l’accumularsi di corpi, colori, suoni, luci e architettura funge da promemoria di un evento frammentato in continua evoluzione –in continuo divenire, che trova la sua conclusione solo quando è messo in scena nella sua forma teatrale. In questa versione per Centrale Fies “STAGING: solo (2017)”, vede tre performer muoversi a un ritmo moderato, trasformando i loro corpi a velocità lentissime, talvolta impercettibili, presentando un ciclo coreografico di due ore. I solisti, rimossi dalla versione più estesa del lavoro, occupano un tempo ininterrotto mentre negoziano in maniera impercettibile una partitura coreografica dettagliata.

SYNOPSIS

“STAGING: solo (2017)”, is an excerpt from Maria Hassabi’s live installation STAGING (2017), previously exhibited at the Walker Art Center, Minneapolis, MN and Documenta 14, Kassel, GE. “STAGING: solo (2017)” unfolds as a progression of encounters, installed in multiple sites throughout a building.

Apprehended in parts, the accumulation of bodies, colors, sounds, lights and architecture, serves as reminders of a fractured event that is continually in progress - always staging, and which only reaches a conclusion in its STAGED theatrical form. In “STAGING: solo (2017)”, the iteration presented at Centrale Fies, a single performer, moves at a measured pace, morphing the body at slow, sometimes imperceptible velocities, enacting a two-hour choreographic cycle. The sole figure, depicted away from the larger scale work, occupies a seemingly unbroken time while subtly negotiating a detailed choreographic script.

21.07

120’ durational performance

Giovanni Morbin Ibridazione 1 - Bodybuilding GUEST PERFORMER LIVE WORKS

BIO ITA

Giovanni Morbin (Vicenza, 1956) studia pittura all’Accademia di Belle Arti di Venezia. Nel 1978 inizia a lavorare con la performance e, contemporaneamente, si interessa alla costruzione di oggetti funzionali all’azione quotidiana, conferendo loro il valore di strumenti (Strumento a perdifiato, Scultura sociale, DNA, L’angolo del saluto, Prêt-a-porter, Fioriera, ecc.). Nel 1995 fonda SUPERFICIE TOTALE, contenitore del suo agire.

BIO ENG

Giovanni Morbin (Vicenza, 1956) studied Painting at the Academy of Fine Arts of Venice. In 1978, he started working on performance and, at the same time, he became interested in building objects oriented to everyday action, by according them the status of instruments (Strumento a perdifiato, Scultura sociale, DNA, L’angolo del saluto, Prêt-a-porter, Fioriera, etc.).

In 1995, he founded SUPERFICIE TOTALE, container of its actions.

21.07

8 h durational performance

SINOSSI

“Ibridazione 1 - Bodybulding” è fra le azioni più note e iconiche di Giovanni Morbin. La performance prevede che l’artista cementi parte del proprio braccio in un muro a cui starà attaccato per otto ore. L’evento palesa quel tentativo di ibridazione con architetture, attrezzi e prati attraverso le quali Morbin forza lo statuto dei corpi e degli oggetti ponendoli sullo stesso piano d’azione, sia essa politica o poetica. Nel caso di “Ibridazione 1 - Bodybuilding” il corpo subisce l’immobilità di un edificio che a sua volta si dota di un’appendice umana.

SYNOPSIS

“Ibridazione 1 - Bodybuilding” is one of the most known and iconic actions of Giovanni Morbin. During the performance, the artist will cement part of his arm into a wall, to which he will be attached for eight hours. The event reveals the attempt at hybridisation with architecture, tools and lawns, through which Morbin strains the statute of bodies and objects and links them with the same action plan, whether it is political or poetic. In the case of “Ibridazione 1 Bodybuilding”, the body experiences the immobility of a building that provides itself, in turn, with an human appendix.

21.07

8 h durational performance

Lina Lapelytė Candy Shop - the Circus GUEST PERFORMER LIVE WORKS

BIO ITA

La sua pratica performativa è radicata nella musica e spesso gioca con la cultura pop, gli stereotipi di genere, l’invecchiamento e la nostalgia. Durante la sua carriera artistica, Lapelytė ha esplorato varie forme di performatività, incrociando limiti di genere mentre intreccia rituali folkloristici con la musica popolare e il format operistico.

BIO ENG

Her performance-based practice is rooted in music and flirts with pop culture, gender stereotypes, aging and nostalgia. Throughout her artistic career, Lapelytė has explored various forms of performativity, crossing genre boundaries while entwining folk rituals with popular music and opera formats.

CREDITS

ideazione, regia, composizione / concept, direction, composer Lina Lapelytė | performance music by: voce, elettronica / voice, electronics Angharad Davies | voce, elettronica / voice, electronics Anat Ben David | voce, cetra / voice, zither Sharon Gal | voce / voice Nouria Bah | voce / voice Heidi Heidelberg | voce, elettronica / voice, electronics Rebecca La Horrox | voce, elettronica / voice, accordion, electronics Lina Lapelyte | camera and video editing: Federico Vladimir Strate Pezdirc | producer: AC projects & Borealis festival | con / with Anat BenDavid (artist, musician, performer), Angharad Davies (violinist, composer and performer), Nouria Bah (musician, ukulelist), Heidi Heidelberg (singer and guitar and flute player), Rebecca La Horrox (visual artist, composer and performer), Sharon Gal (cross-disciplinary artist, performer and musician), Federico Vladimir Strate Pezdirc (documentary artist and filmmaker) | debutto / premier dates: March 2015 - Borealis festival | Lyrics: Akala ‘This is London’, MC magic ‘Sexy Lady’, Run DMC ‘Its like That’, Snoop Dog ‘Lodi Dodi’, Wiz Kalifa ‘Black and Yellow’ feat. Juicy J, Bingo Player ‘Got Up’, Public Enemy ‘So Your Going to Get Yours’, Faboulas ‘Gone for the Winter’, Chief Kief ‘Nobody’, Akala ‘Electro Livin’’, 50 Cent ‘Candy Shop’

22.07

50’

Prima Nazionale National Première

SINOSSI

“Candy Shop - the Circus” prende il titolo da una famosa hit rap di 50 Cent, un rapper, imprenditore e produttore statunitense. La performance rievoca i giochi di potere tipici delle canzoni rap, nella forma di ninnenanne, narrando storie di glamour, gender e mondanità. “Candy Shop - the Circus” è un opera per sette performer donne, coristi, batteriste, una banda di paese mischiata a testi hip-hop, elettronica e video che invitano ad una meditazione collettiva sulle gerarchie di potere.

SYNOPSIS

Candy Shop is best known as a dirty rap hit by 50 Cent.

“Candy Shop - the Circus” is a performance reworking the games of power that are embedded in the rap songs into lullabies, narrating the story about beauty, gender and the mundane. “Candy Shop - the Circus” is an opera for seven female performers, men choir, female drummer, a marching band, a combination of hip-hop texts, electronics and video that invites for a collective meditation on power hierarchies.

22.07

50’

Mario Mieli – Franco Buffoni EBBENE SI’ !

GUEST PERFORMER LIVE WORKS

BIO ITA

Mario Mieli nasce nel 1952 a Milano. Nel 1971 in Italia è fra i fondatori del Fuori, dal quale esce nel 1974 quando l’associazione si federa al partito radicale.

Nel 1976 crea i Collettivi Autonomi Milanesi e fonda il giornale Il vespasiano degli omosessuali. Nello stesso anno mette in scena La traviata Norma. Ovvero: Vaffanculo... ebbene sì!. Nel 1977 Einaudi pubblica la sua tesi di laurea in filosofia morale Elementi di critica omosessuale. Muore suicida nel 1983 a Milano.

Pochi mesi dopo i fondatori del Circolo di Cultura Omosessuale Mario Mieli, decidono di intitolare l’associazione all’amico.

Franco Buffoni, amico di Mario Mieli, ha condiviso con lui l’esordio in poesia nello stesso collettivo milanese, nonché la nascita a Londra del Gay Liberation Front. L’ “Oscar Poesie 1975-2012” (Mondadori 2012) raccoglie la sua opera poetica. Dal 1989 dirige il semestrale “Testo a fronte”. Tra i suoi saggi “L’ipotesi di Malin. Studio su Auden” (Marcos y Marcos 2007). È autore dei romanzi, “Zamel” (Marcos y Marcos 2009), “Il servo di Byron” (Fazi 2012), Il racconto dello sguardo acceso (Marcos y Marcos 2016).

BIO ENG

Mario Mieli was born in Milano in 1952. In 1971, he was one of the founders of Fuori, which he left in 1974, when the association federated to the radical party. In 1976, he created the Collettivi Autonomi Milanesi and founded the journal Il Vespasiano degli omosessuali. In the same year, he staged La traviata Norma.

Ovvero: Vaffanculo…ebbeni sì! In 1977, Einaudi published his dissertation in moral philosophy Homosexuality and liberation: elements of a gay critique. He died by suicide in 1983. Few months after his death, the founders of Circolo di Cultura Omosessuale Mario Mieli, decided to give to the association the name of the friend.

Franco Buffoni, a friend of Mario Mieli,, started together with him writing poems in the same Milanese collective and saw the birth of the Gay Liberation Front in London. The “Oscar Poesie” 1975-2012 (Mondadori 2012) collects his poem.

Later, he published “Jucci” (Mondadori 2014, Premio Viareggio). Since 1989, he has directed the biyearly publication “Testo a fronte”. He is the authors of the novels Più luce, padre (Sossella, 2006, La casa di via Palestro (Marcos y Marcos 2014). In 2017, he wrote the play Personae published by Manni.

In 2018, he wrote the interview-book Come un politico si apre, written with Marco Corsi for Marcos y Marcos.

22.07

installation

Prima Nazionale National Première

CREDITS

progetto realizzato da / project by Franco Buffoni con / with Francesco Paolo Del Re, Sabino De Nichilo e Andrea Maccarrone

SINOSSI

L’idea nasce dal ritrovamento fortuito di una performance fotografica inedita in 72 pose, realizzata da Mario Mieli probabilmente a Roma alla fine degli anni Settanta. Un’installazione multimediale con le immagini proiettate vedono Mario Mieli guest artist in una delle serate di LIVE WORKS Vol.6. Il servizio mette in luce il temperamento queer ante litteram di Mario Mieli che a modo suo segnava molte differenze da quanto avveniva nei primi anni Settanta.

Nella parte antistante all’installazione gli scritti autografi di Mieli e materiale epistolare inviato a Franco Buffoni risalente agli anni 1970-1981.

SYNOPSIS

The idea came when a photographic performance of 72 poses was accidentally discovered, produced by Mario Mieli probably in Rome at the end of the ‘70s. Mario Mieli will appear as guest artist during one of the nights of LIVE WORKS Vol.6 with a multimedia installation with projected images.

This work points out the ante litteram queer attitude of Mario Mieli that has highlighted in his own way several differences in comparison to what it used to happen in the early ‘70s. In the part in front of the installation, there are autograph writings of Mieli and some letters sent to Franco Buffon dating back to the years 1970-1981.

22.07

installation

Marco D’Agostin Avalanche

BIO ITA

Marco D’Agostin è un artista attivo nel campo della danza e della performance. I suoi lavori interrogano con insistenza i temi della memoria, dell’estinzione e dell’intrattenimento. Circuitano dal 2010 ad oggi in tutta Europa ed hanno ricevuto numerosi riconoscimenti in Italia (Premio Gd’A Veneto, Premio Prospettiva Danza, Menzione Speciale Premio Scenario) e all’estero (BEFestival, (Re)connaissance, MasDanza, Aerowaves).

BIO ENG

Marco D’Agostin is an artist active in the field of dance and performance. His works question with insistency the themes of memory, extinction, entertaining. They tour in Europe since 2010 and have been acknowledged nationally (Premio Gd’A, Premio Prospettiva Danza, Premio Scenario) and internationally (BEFestival, (Re)connaissance, MasDanza, Aerowaves).

CREDITS

di / concept, choreography Marco D’Agostin | con / performed by Marco D’Agostin, Teresa Silva | suono / sound Pablo Esbert Lilienfeld | luci / lights Abigail Fowler | vocal coach Melanie Pappenheim | movement coach Marta Ciappina | consulenza / advice Chiara Bersani, Tabea Martin | costumi / costumes Eva di Franco | direzione tecnica / technical direction Paolo Tizianel | cura e promozione / care, promotion Marco Villari | coprodotto da / coproduced by Rencontres Choréographiques de Seine-Saint-Denis, VAN, Marche Teatro, CCN de Nantes | con il supporto di / supported by O Espaco do Tempo, Centrale Fies, PACT Zollverein, Tanzhaus Zurich, Sala Hiroshima, ResiDance XL.

25.07

Sala Comando

h. 22.00 - 50’

SINOSSI

In “Avalanche” i due esseri umani protagonisti vengono osservati da occhi ciclopici come antiche polveri conservate in un blocco di ghiaccio. Camminano all’alba di un nuovo pianeta, sotto il peso della loro millenaria tristezza. Tutto quello che non è sopravvissuto agisce, invisibile, su tutto ciò che invece è rimasto e che viene rievocato come regola, collezione, elenco di possibilità. La danza si pone in una costante tensione verso l’infinito dell’enumerazione, alla ricerca accanita di un esito. Gli occhi socchiusi, come a proteggere lo sguardo dalla luce accecante di un colore mai visto, afferrano l’abbaglio di un’estrema possibilità: una terra di sabbia e semi sulla quale qualcuno imparerà nuovamente a muoversi, dopo che anche l’ultimo archivio sarà andato distrutto.

SYNOPSIS

In “Avalanche” the two protagonist human beings are being observed by the eye of a Cyclops, as ancient dusts preserved in a block of ice. They walk at the dawn of a new planet, under the weight of their millennial melancholy. What hasn’t survived acts like an invisible force over what did remain and it is now being recalled as a rule, a collection, a list of possibilities. The dance lives in a constant tension towards the infinite of enumeration, desperately looking for an outcome. Half-closed eyes, as to protect the gaze from the blinding light of a never-seen colour, grab the blaze of one last possibility: a land of sand and seeds on which someone else will learn how to move, after the last archive will be destroyed.

25.07

Sala Comando

h. 22.00 - 50’

L’Amicale de Production / Halory Georger + Antoine Defoort Germinal BIO ITA

Halory Goerger. Il teatro è diventato per lui una pratica importante a seguito di lavori quali &&&&& & &&&, Corps Diplomatique e Il est trop tôt pour un titre. Dal 2010 al 2016 è stato il cofondatore e coregista di Amicale de Production. Attualmente gestisce una nuova struttura: Bravo Zoulou.

Antoine Defoort. Cerca di mantenere un’atmosfera positiva e un alto livello di porosità tra i suoi capricci stagionali, la sua vita, nel senso di vita reale, e l’arte contemporanea.

BIO ENG

Halory Goerger . Theater has become a major habit with works such as &&&&& & &&&, Corps Diplomatique or Il est trop tôt pour un titre. He co-founded and co-directed Amicale de Production from 2010 to 2016. Now he runs a new structure : Bravo Zoulou.

Antoine Defoort. He tries to maintain a good atmosphere and a high level of porosity between his seasonal whims, life, as in real life, and contemporary art.

CREDITS

25-26.07

ideazione e regia / conception & direction Halory Goerger & Antoine Defoort con / with Arnaud Boulogne / Jean/Baptiste Delannoy, Ondine Cloez / Beatriz Setién, Antoine Defoort / Denis Robert, Halory Goerger / Sébastien Vial and the voice of Mathilde Maillard | ideazione tecnica / technical conception Maël Teillant | direzione tecnica / technical direction Frédérick Borrutzu / Colin Plancher | direttore di scena / technical managers & stage Frédérick Borrotzu / Colin Plancher | luci / lighting: Sébastien Bausseron / Alice Dussart suono / sound: Robin Mignot / Régis Estreich | consulente luci / light consultant Annie Leuridan | allestimento scene / set construction: Christian Allamano, Cédric Ravier and Danny Vandeput (Kunstenfestivaldesarts) capo di produzione, occhio esterno / production manager, outside eyes: Julien Fournet | assistente di produzione / production assistant: Mathilde Maillard amministrazione / administration Kevin Deffrennes | logistica / logistics: Margot Vouters et Camille Bono | coproduzione / coproduction: La Biennale de la Danse de Lyon (France), Kunstenfestivaldesarts (Brussels, Belgium), le Phénix- Scène nationale de Valenciennes (France), Buda Kunstencentrum (Kortrijk), Kunstencentrum Vooruit (Gent, Belgium), le Vivat-Scène conventionnée d’Armentières (France), le Manège.mons/CECN/technocITé (Belgium), alkantara festival (Lisbon, Portugal), le TnBA-Théâtre National de Bordeaux en Aquitaine (France), Théâtre de la Manufacture - Centre Dramatique National Nancy Lorraine (France), NXTSTP (European Union Cultural Program), Festival

Turbina 1

25.07 h. 20.00 - 75’ 26.07 h. 22.00 - 75’

Prima Nazionale National Première

Baltoscandal (Rakvere, Estonia), Noorderzon Performing Arts Festival Groningen (Netherlands), Rotterdamse Schouwburg (Rotterdam), le CENTQUATRE (Paris), FTA (Montréal), Carrefour International du Théâtre (Québec) sostegno / support: questo progetto è supportato dal Conseil Régional NordPas- de-Calais and the Ministère de la Culture et de la Communication (DRAC Nord-Pas-de-Calais) / this project is supported by the Conseil Régional NordPas- de-Calais and the Ministère de la Culture et de la Communication (DRAC Nord-Pas-de-Calais).

SINOSSI

Un gruppo di performer vive il palcoscenico come uno spazio vuoto e fecondo dove tutto è possibile e in divenire. È in questo spazio che tenteranno di creare un ecosistema, un mondo, decidendo di costruire e decostruire la storia delle scienze, delle tecnologie e delle strutture sociali in modi sperimentali. La loro missione è rifare tutto daccapo ma con la massima cura e buon senso, senza intenzioni moralistiche.

In “Germinal” si arriva a reinventare anche la ruota, mettendo quasi tutto in discussione: dalle leggi della fisica alle fondamenta dell’interazione sociale, in un viaggio coinvolgente alla velocità della luce che appassiona, diverte, e fa riflettere sulla complessità di un (nuovo) mondo all’ interno del contesto ristretto del palco vuoto capace di contenere ogni cosa.

SYNOPSIS

“Germinal” features individuals who see the stage as an empty and fruitful space where everything is in the making. Within this space, efforts will be made to create a system or, in more candid terms, one might say: a world.

As we watch it unfold, the actors take it as an opportunity to construct and deconstruct the history of sciences, technologies and societal structures in an experimental way, but always with the greatest care and good grace. Remaking everything, but without any moralistic intention.

In “Germinal”, we are indeed reinventing the wheel, but in doing so, we are questioning almost everything and putting it on trial, from the laws of physics to the foundations of social interaction. And this is done within the relatively narrow context of an empty performance stage.

Presentation realized in the framework of Urban Heat - City Art Programme, co-funded by the Creative Europe Programme of the European Union.

25-26.07

Turbina 1

25.07 h. 20.00 - 75’ 26.07 h. 22.00 - 75’

Jacopo Jenna If, If, If, Then

BIO ITA

Jacopo Jenna è un coreografo, performer e filmaker. La sua ricerca indaga la percezione della danza e la coreografia come una pratica estesa, generando vari contesti performativi in cui ricollocare il corpo in relazione al movimento.

Laureato in Sociologia si forma presso Codarts (Rotterdam Dance Academy).

Ha collaborato in Europa con compagnie stabili, progetti di ricerca coreografica, artisti visivi e musicisti.

BIO ENG

Jacopo Jenna is a choreographer, performer and filmmaker. The works are oriented towards research concerning the perception of dance or choreography as an extended practice generating a variety of performative context to reframe the body in relationship with movements. As a graduate in Sociology, he also studied dance at Codarts (Rotterdam Dance Academy). In Europe he has worked with dance companies, various choreographic research projects, visual artists and musicians.

CREDITS

concept, regia e coreografia / concept, direction and choreography Jacopo Jenna musica / music Caterina Barbieri | danza e collaborazione / dance and collaboration Nawel Nabù Bounar, Sly, Andrea Dionisi | direzione tecnica e luci technical direction and light design Giulia Broggi | print designer Alessandra Tempesti | organizzazione / organization Luisa Zuffo | produzione / production KLM / Kinkaleri, Le Supplici, MK | co-produzione / co-production Centrale Fies con il supporto di / with the support of Short Theatre / Bolzano Danza

25-26.07

Mezzelune

25.07 h. 23.00 - 40’ 26.07 h. 19.00 - 40’

SINOSSI

“If, If, If, Then” è una serie probabilistica, un algoritmo sull’evoluzione. Uno dei principi del Darwinismo universale è che ogni informazione che subisca variazioni e sia selezionata produrrà progetto. La coreografia tende a ricollocare culturalmente grammatiche diverse di movimento, definendo una forma astratta di costruzione ed osservazione della danza. Il corpo vuole essere presentato come la realizzazione di un potenziale virtuale di innumerevoli stati materiali, che solo in parte si concretizzano nel tempo attraverso un processo continuamente ridefinibile. I danzatori sono contenitori postmoderni, un insieme articolato di riferimenti ibridi legati alle varie forme di street-dance e alle pratiche della danza contemporanea, con le quali possono spostarsi in un secondo da questo a quel codice, senza tuttavia mai trovare un terreno stabile su cui sostare.

SYNOPSIS

“If, If, If, Then” is a probabilistic series, an algorithm on evolution. One of the principle of Universal Darwinism is that any information that is varied and selected will produce design. The choreography aims at culturally re-contextualizing the different grammars of movements, thus producing an abstract form of observation and definition of contemporary dance. The body yearns to be presented in a form of the virtual potentiality of innumerable material states, of which only a few come into being or take shape over time through an endlessly re-definable process. The dancers are the heralds of post-modernity and contain a bundled baggage of references, they have an hybrid background from street dance, hiphop techniques and contemporary dance practices, making it easy for them to take on and move between different approaches and genres, making it impossible to find a stable common ground and breathing space.

25-26.07

Mezzelune

25.07 h. 23.00 - 40’ 26.07 h. 19.00 - 40’

Building Conversation Conversation without words

BIO ITA

Building Conversation è un’iniziativa di Lotte van den Berg e Daan ‘t Sas, sviluppata ed eseguita da un collettivo di artisti, filosofi, attivisti e familiari.

Building Conversation è una produzione di Third Space. All’interno dell’ambiente artistico, Third Space crea spazi pubblici temporanei, spazi tra e fra le persone, nei quali la nostra (in)capacità sociale e processo interpersonale si amplificano.

BIO ENG

Building Conversation is an initiative of Lotte van den Berg and Daan ‘t Sas and is developed and executed by a collective of artists, philosophers, activists and relatives. Building Conversation is a production of Third Space. Within the framework of art, Third Space creates temporary public spaces, spaces between and among people, in which our social (in)ability and interpersonal process elevate.

CREDITS

Building Conversation è sviluppato ed eseguito da – Building Conversation is developed and executed by Peter Aers, Andreas Bachmair, Lotte van den Berg, Ewout Bomert, Katja Dreyer, Angelika Fink, Adelijn Huis, Floor van Leeuwen, Sodja Lotker, Dennis Molendijk, Jonathan Offereins, Zdravko Popovic, Bart van Rosmalen, Myriam Sahraoui, Daan ’t Sas, Ligia Soares, Iwona Soczewka, Marija Sujica, Justina Wielgus, Agata Wittchen-Barełkowska e.o.

25-28.07

Marocche

h. 19.00

la durata può variare / the duration may vary durata massima / max duration - 4 h

SINOSSI

La società fortemente polarizzata in cui viviamo sembra chiedere disperatamente una rinnovata attenzione per la conversazione e per il dialogo tra le persone. Ma come si possono ricreare circostanze speciali in grado di stimolare nuove conversazioni? “Conversation without words” vuole tentare di scatenare questa dinamica di dialogo e di porre l’attenzione al modo in cui comunichiamo, creando uno spazio dove poter far pratiche di conversazione, al di fuori della realtà quotidiana, al di là delle tensioni, degli effetti e di ciò che accade tutt’attorno in quel preciso istante. Ogni anno i capitribù Inuit si siedono tutti assieme, a volte per delle ore, guardandosi senza dire una parola. Marina Abramovich in “The artist is present”, fa sedere di fronte a se un visitatore chiedendo di tenere per interi minuti gli occhi negli occhi. L’intensità che scaturisce quando ci si guarda l’un l’altro senza dire niente è immensa.

A Centrale Fies, con questa performance collettiva che coinvolge il pubblico, praticheremo una conversazione silenziosa che permetterà di indagare il contatto umano e i legami diretti che si possono creare all’interno dell’intensità di un momento condiviso in silenzio.

SYNOPSIS

Society seems to be shouting for renewed attention for the conversation between people, but how do we create the right circumstances in which we dare to engage in the now highly charged ‘dialogue’? Building Conversation gives attention to the way we speak. Just outside daily reality, apart from existing tensions, effect and efficiency, we create a space in which we can practice ourselves in conversation. “Conversation without words” let us see and experience what human contact is based on and brings groups together in a very direct way. The intensity that arises when you look at each other without saying anything is enormous.

Inspired by conversation techniques from all over the world, Building Conversation executes and performs different conversations together with participants all over Europe.

Project realized within the framework of apap – Performing Europe 2020.

Supported by the Creative Europe Programme of the European Union, it is implemented throughout a fouryears period (1st of June 2016 – 31st of May 2020).

25-28.07

Marocche

h. 19.00

la durata può variare / the duration may vary durata massima / max duration - 4 h

Tiago Rodrigues / Teatro Nacional D. Maria II By heart

BIO ITA

Tiago Rodrigues è direttore artistico del Teatro Nacional D. Maria II (Lisbona).

E’ attore, drammaturgo e direttore di quel teatro sovversivo e poetico che lo ha reso uno dei principali artisti portoghesi. Il suo lavoro è stato presentato in alcuni tra i più importanti teatri e festival in Europa e nel mondo.

BIO ENG

Tiago Rodrigues is the artistic director of the Teatro Nacional D. Maria II (Lisbon). He is an actor, playwright and director whose subversive and poetic theatre has made him one of Portugal’s leading artists. His work has been presented in some of the most important theaters and festivals in Europe and other continents.

CREDITS

scritto ed eseguito da / written and performed by Tiago Rodrigues | testo con frammenti e citazioni di / text with fragments and quotes by William Shakespeare, Ray Bradbury, George Steiner, Joseph Brodsky, oltre ad altri / among others scenografia, oggetti di scena e costumi / set, props and costume Magda Bizarro traduzione inglese / english translation Tiago Rodrigues, revisionata da / revised

by Joana Frazão | produzione esecutiva della creazione originale / executive production on the original creation Magda Bizarro, Rita Mendes | produzione / a production Teatro Nacional D. Maria II, dopo una prima creazione della compagnia / after an original creation by the company Mundo Perfeito co-produzione / co-producers O Espaço do Tempo, Maria Matos Teatro Municipal | con il supporto di / with the financial support of Governo de Portugal | DGArtes

26-27.07

Comando

26.07 h. 20.00 - 120’ 27.07 h. 21.30 - 120’

SINOSSI

“By heart” è una performance sull’importanza della trasmissione, del “contrabbando invisibile di parole e idee” che avviene nel momento in cui ricordiamo un testo, una poesia o delle parole a memoria.

L’opera si rifà a un teatro che riconosce se stesso come quel luogo di trasmissione di ciò che non si può misurare in metri, euro o byte. Riguarda il nascondiglio sicuro che i testi proibiti hanno sempre trovato nei nostri cervelli e nei nostri cuori, come garanzia di civiltà anche nei periodi più barbari e desolati.

George Steiner, in un intervista al programma televisivo Beauty and Consolation disse: “Quando 10 persone conoscono una poesia a memoria non c’è nulla che KGB, CIA o Gestapo possano fare a riguardo. Sopravviverà.” “By heart” è un programma di allenamento alla resistenza che finisce solo quando “10 nuovi soldati” imparano a memoria una poesia. Facendola sopravvivere al tempo, qualsiasi cosa accada.

SYNOPSIS

“By heart” is a piece about the importance of transmission, of the invisible smuggling of words and ideas that only keeping a text in your memory can provide. It’s about a theatre that recognises itself as that place of transmission of what you can’t measure in meters, euros or bytes. It‘s about the safe hiding-place that forbidden texts have always found in our brains and our hearts, as a guarantee of civilization even in the most barbaric and desolate times. As George Steiner himself would put it in an interview to the TV program Beauty and Consolation: “Once 10 people know a poem by heart, there’s nothing the KGB, the CIA or the Gestapo can do about it. It will survive”. But, bottom line, “By heart” is a training program for the resistance that only comes to an end when the 10 new soldiers know a poem by heart.

26-27.07

Comando

26.07 h. 20.00 - 120’ 27.07 h. 21.30 - 120’

Urok Shirhan Empty Orchestra

BIO ITA

Urok Shirhan, (1984, NL/IQ) è un’artista visiva. La sua ricerca esplora l’aspetto politico di suono e immagine in relazione all’identità (nazionale). Ha conseguito il suo Master alla Goldsmiths University di Londra ed è stata ricercatrice al Jan van Eyck Academy in Maastricht e al Ashkal Alwan di Beirut. Recentemente ha esposto al Arnhem Museum, 5th Moscow Biennial for Young Art e al Frascati Theatre, Amsterdam.

BIO ENG

Urok Shirhan (b. 1984, NL/IQ) is a visual artist. Her work explores the politics of image and sound in relation to (national) identity. She holds an MA (Hons.) from Goldsmiths University in London and was a researcher at the Jan van Eyck Academy in Maastricht and Ashkal Alwan in Beirut. Recent presentations include Arnhem Museum, 5th Moscow Biennial for Young Art and Frascati Theatre, Amsterdam.

CREDITS

scritto, diretto ed interpretato da / written, directed and performed by Urok Shirhan | prodotto da CENTRALE FIES all’interno del programma di LIVE WORKS PERFORMANCE ACT AWARD VOL.5 / produced by CENTRALE FIES within the program of LIVE WORKS PERFORMANCE ACT AWARD VOL. 5 | canzoni all’interno della performance / list of music covered in the performance: NOTE: The music video footage is shown on screen but no original music is reproduced.

The songs are ‘covered’ only by using her own voice singing live the songs in this list. NOTA: Sono presentati estratti di video musicali, ma non viene riprodotta la traccia audio originale. Le canzoni di questa lista sono doppiate dal vivo da Urok Shirhan: “Watani” by Fairuz | Lyrics and composition: Rahbani Brothers (1967) | “Laat Me” by Ramses Shaffy Lyrics: Herman Pieter de Boer Composition: Alice Donna (1978) | “Fi Ahweh ‘Al Mafraq” by Fairuz | Lyrics and composition: Rahbani Brothers (1974) | “Mawtini” (Iraqi / Palestinian National Anthem) by Faia Younan Lyrics: Ibrahim Touqan | Composition: Muhammad Fuleifil (1934) | “The Star-Spangled Banner” (United States National Anthem) by Beyoncé Lyrics: Francis Scott Key (1814) | Composition: John Stafford Smith (1889) | (2004) | “Without You” by Mariah Carey Lyrics: Pete Ham & Tom Evans (1970) Composition: Geoff Emerick (1994)

27.07

Mezzelune

h. 19.00 - 30’

SINOSSI

“Empty Orchestrat” riprende l’etimologia della parola composta giapponese karaoke: kara che significa ‘vuoto’ e kesutora che significa ‘orchestra’.

In questo progetto, tra i vincitori di LIVE WORKS dello scorso anno, Urok Shirhan mette in scena una performance che sviscera le tematiche di nazionalità e appartenenza attraverso il canto e la sua voce potente, chiara, ipnotica.

Questa performance fa parte del corpus di ricerca di Shirhan più recente dove il tema della voce viene messo in discussione: il modo in cui viene usata nella performance, registrata, e resa udibile. Anche la lingua araba è protagonista, posta in relazione alle lingue parlate, alla fonetica, accenti e ai dialetti. Alla base del lavoro vi sono le nozioni di rimozione e assimilazione, entrambe comprese sia nel senso di forma estetica, che come migrazione geografica.

SYNOPSIS

“Empty Orchestrat” refers to the origins of the Japanese compound word karaoke: kara meaning “empty” and ōkesutora for “orchestra”. In this work, Urok Shirhan stages a public performance piece that concerns questions of nationality, synchronisation and belonging.

This performance is part of Shirhan’s recent body of research that considers questions of the ‘voice’: the ways it is performed, recorded and made audible, as well as a wider understanding of the ‘tongue’ as relating to language, phonetics, accents and dialects. Underlying the work are notions of displacement and assimilation, understood both in the sense of aesthetic form as well as geographic migration.

27.07

Mezzelune

h. 19.00 - 30’

Sotterraneo Overload

BIO ITA

Sotterraneo è un collettivo di ricerca teatrale, nato a Firenze nel 2005. Le produzioni del gruppo replicano in diversi dei più importanti festival e teatri nazionali e internazionali, ricevendo negli anni numerosi riconoscimenti tra cui Premio Lo Straniero, Premio Speciale Ubu, BeFestival First Prize. Sotterraneo fa parte del progetto Fies Factory curato da Centrale Fies e ha residenza artistica presso l’Associazione Teatrale Pistoiese.

BIO ENG

Sotterraneo is a theatre collective set up in Florence in 2005. Over the years, they have produced several shows staged in major national and international theatres and have been awarded many awards, such as Premio Lo Straniero, Premio Speciale Ubu, BeFestival First Prize. Sotterraneo is part of the Fies Factory project promoted by Centrale Fies and it is resident company at Associazione Teatrale Pistoiese in Pistoia concept e regia / concept and direction Sotterraneo | in scena / on stage Sara Bonaventura, Claudio Cirri, Lorenza Guerrini, Daniele Pennati, Giulio Santolini scrittura / dramaturgy Daniele Villa | luci / light design Marco Santambrogio | costumi / costumes Laura Dondoli | sound design Mattia Tuliozi | attrezzistica / props Francesco Silei | grafiche / graphic design Isabella Ahmadzadeh | distribuzione estera / International promotion Giulia Messia | produzione / production Sotterraneo | coproduzione / coproduction Teatro Nacional D. Maria II nell’ambito di APAP - Performing Europe 2020, Programma Europa Creativa dell’Unione Europea | contributo / contribution Centrale Fies_art work space, CSS Teatro stabile di innovazione del FVG | sostegno / with the support of Comune di Firenze, Regione Toscana, Mibact, Funder 35, Sillumina / copia privata per i giovani, per la cultura | residenze artistiche / artistic residencies Associazione Teatrale Pistoiese, Tram – Attodue, Teatro Metastasio di Prato, Centrale Fies_art work space, Dialoghi – Residenze delle arti performative a Villa Manin, La Corte Ospitale – progetto residenziale 2017, Teatro Studio/ Teatro della Toscana, Teatro Cantiere Florida/Multiresidenza FLOW | Overload (studio) ha vinto il premio Best of BE Festival tour 2016 (Birmingham, UK) Overload (studio) has won the Best of BE Festival tour 2016 award (Birmingham, UK) | Sotterraneo fa parte del progetto Fies Factory. E’ residente presso l’Associazione Teatrale Pistoiese – Sotterraneo is part of Fies Factory project.

The company is resident at Associazione Teatrale Pistoiese

27-28.07

Turbina 2

27.07 h. 20.00 - 70’ 28.07 h. 22.30 - 70’

SINOSSI

SYNOPSIS

Project realized within the framework of apap – Performing Europe 2020.

Supported by the Creative Europe Programme of the European Union, it is implemented throughout a fouryears period (1st of June 2016 – 31st of May 2020).

27-28.07

1 paragrafo. 199 parole. 1282 caratteri. Tempo previsto 1’10’ Riesci a leggere questo testo senza interruzioni? L’attenzione è una forma d’alienazione: il punto è saper scegliere in cosa alienarsi. Per questo sembriamo sempre tutti persi a cercare qualcosa, anche quando compiamo solo pochi gesti impercettibili attaccati a piccole bolle luminose e non si capisce chi ascolta e chi parla, chi lavora e chi si diverte, chi trova davvero qualcosa e chi è solo confuso. Sei arrivato fin qui senza spostare lo sguardo? Davvero? E non è insopportabile questo sforzo di fare una cosa soltanto alla volta? Guardati attorno: quante altre cose attirano la tua attenzione? Ora guardati dall’alto: riesci a vederti? Le superfici dei territori più densamente abitati della Terra sono coperte da una fitta nebbia di messaggi, immagini e suoni in cui le persone si muovono, interagiscono, dormono. A volte si alzano rumori più intensi, che la nebbia riassorbe subito mentre lampeggia e risuona. Visto da qui il pianeta sembra semplicemente troppo rumoroso e distratto per riuscire a sopravvivere -persino i ghiacciai si sciolgono troppo lentamente perché qualcuno presti attenzione alla cosa. Torniamo al suolo e guardiamoci da vicino: stiamo tutti mutando...in qualcosa di molto, molto veloce.

1 paragraph. 199 words. 1282 characters. Estimated time 1’ 10’’. Can you read this text without stopping? Attention is a form of alienation – the point is to know what alienates you. That’s why we always look lost in looking for something – even when we only make a few imperceptible gestures, glued to small bright bubbles. You do not understand who is listening and who is talking, who works and who is having fun, who really finds something and who is just confused. Have you come here without moving your gaze? Really? Isn’t this effort to do one thing at a time truly unbearable? Look around you – how many other things attract your attention? Now look at yourself from above – can you see yourself? The surfaces of the most densely populated regions on Earth are covered by a dense fog of messages, images and sounds. That’s where people move, interact, sleep. Sometimes more intense noises are heard, quickly absorbed by this fog as it flashes and resounds. Seen from here the planet seems just too loud and distracted to survive – even the glaciers melt too slowly for someone to pay attention to them.

Let’s go back to the ground and look closely – we’re all mutating … into something that’s very, very fast.

Turbina 2

27.07 h. 20.00 - 70’ 28.07 h. 22.30 - 70’

Philipp Gehmacher My shapes, your words, their grey

BIO ITA

Philipp Gehmacher vive a Vienna e lavora a livello internazionale.

Coreografo, ballerino e studente presso l’Università delle Arti Applicate di Vienna, programma “Scultura e Spazio”; le sue opere sul gesto, lo spazio e il contatto sono state presentate in numerosi festival e luoghi in tutto il mondo.

Gehmacher ha iniziato la serie di lecture performance walk + talk e sta attualmente concentrandosi sullo studio di oggetti e scultura.

BIO ENG

Philipp Gehmacher lives in Vienna and works inter-nationally. He is a choreographer, dancer and student at the University of Applied Arts Vienna in the “Sculpture and Space” program; his works on gesture, space and touch have featured in numerous festivals and venues around the world. Gehmacher initiated the lecture performance series walk+talk and is currently focusing on objects and sculpture.

CREDITS

idea, performance, spazio, oggetti / concept, performance, space, objects Philipp Gehmacher | assistente spazio e oggetti / assistance space & objects Susanne Griem, Stephanie Rauch | suono / sound Gérald Kurdian organizzazione / production Stephanie Leonhardt | produzione / production Mumbling Fish | coproduzione / coproduction Tanzquartier Wien

28.07

Mezzelune

h. 19.00 - 50’

Prima Nazionale National Première

SINOSSI

Sin dalla sua prima messa in scena nel 2013, l’opera –una performance e una mostra- è stata presentata in scatole nere teatrali, studi d’artista, cubi bianchi dei musei di arte moderna e contemporanea così come gallerie civiche.

Ogni iterazione nei diversi spazi fa sì che l’opera incorpori scoperte e sviluppi producendo nuovi oggetti e pensieri che alimentano il lavoro di volta in volta.

La performance di Gehmacher da un lato tratta le questioni di leggibilità e intangibilità delle opere d’arte mentre dall’altro mette in discussione il contesto istituzionale della loro presentazione così come la loro realtà materiale. Una realtà che potrebbe essere descritta come viva, performativa e oggettuale per il corpo di Ghemacher, nonché performativa anche per gli oggetti e le opere presenti nell’exhibit. Il concetto di grey room, parallelo al black box e alla white cube, appare come un spazio indefinito: grey life e grey moviment come idee di spazi e identità “in transazione”, non riducibili alla consolidata dicotomia di “bianco / nero”. Dopo essere stato a Supercontinent (2017), il coreografo austriaco torna a Central Fies con una nuova iterazione della performance “My shapes, your words, their grey”.

SYNOPSIS

Since its initial presentation as a performance and exhibition in 2013, “My shapes, your words”, their grey has been shown on black box stages, in studio spaces, the white cubes of Modern Art museums, as well as the regional art association. Each iteration incorporates recent findings and developments, and produces new objects and thoughts for the work. my shapes, your words, their grey is on the one hand a work that speaks about questions of readability and intangibility of any work of art, and on the other hand questions the institutional context of its presentation as much as its material actuality. An actuality that could be described as live and performative for Gehmacher’s body – and object-like yet also performative for the objects and pieces in the exhibition. The concept of the grey room parallels to the black box and the white cube surfaces as do ideas of grey life and grey movement. A new iterations will be shown this summer at Centrale Fies, Dro, Italy.

28.07

Mezzelune

h. 19.00 - 50’

Sarah Vanhee / CAMPO Unforetold

BIO ITA

La pratica artistica di Sarah Vanhee è legata alla performance, alle arti visive e alla letteratura, e si sviluppa in diversi ambienti. «Creo spazi temporanei in cui analizzo le realtà esistenti e le paragono ad altre assurde, utopiche o poetiche ». I lavori recenti includono The Making of Justice (film), I Screamed and I Screamed and I Screamed (video-installazione & performance), Untitled (serie di incontri).

Vive e lavora a Bruxelles.

BIO ENG

Sarah Vanhee’s artistic practice stretches from performance to visual arts, literature, and unfolds in various environments. « I create temporary, porous yet clearly defined spaces in which I analyze existing realities and confront them with an absurd, utopic or poetic proposal «. Recent works include The Making of Justice (film), Oblivion (performance), Untitled (series of meetings). She lives and works in Brussels.

CREDITS

concept e regia / concept & direction Sarah Vanhee performance Luka Arlauskas, Warre Beyens, Finne Duym, Monica Keys, Sudenaz Kolukisa, Lily Van Camp & Timon Vanden Berghe | suono / sound: Alma Söderberg & Hendrik Willekens | costumi e scenografia / costumes & scenography An Breugelmans | children’s coach Inez Verhille | luci / light: Lucas Van Haesbroek | scenotecnica /technique Piet Depoortere & Maarten Van Trigt produzione / production CAMPO | coproduzione / coproduction Kunstenfestivaldesarts 2018 (Brussels); Théâtre Nanterre-Amandiers (Paris); HAU Hebbel Am Ufer (Berlin); BIT-Teatergarasjen (Bergen); SZENE Salzburg & le phénix, scène nationale Valenciennes, european creative hub ringraziamenti speciali / special thanks to Manyone, Jakob Ampe, Britt Hatzius, Katja Dreyer, Christine De Smedt, Daniel Blanga-Gubbay, Judith Wielander, Tine Vanhee, Johny Vanhee, Marleen Deseure, Xiri Tara Noir, Anna Rispoli, Mylène Lauzon, Mette Edvardsen, Sarah Vanagt, & Marika Ingels voce narrante / spoken language Lutie Chaaka

28.07

Turbina 1

h. 20.15 - 60’

Prima Nazionale National Première

SINOSSI

La giovane regista Sarah Vanhee porta in scena un’opera sulla “costruzione del buio” che ruota attorno a una domanda: di cosa è fatta l’oscurità? La pièce creata in collaborazione con il centro d’arte CAMPO innovativo e importante centro di produzione Belga, vede sette bambini, sette piccoli esseri silenziosi, “sensibili a ciò che non è stato predetto”.

Creature brave e capaci nel fare domande così come a evocare altre realtà, pur ricevendo risposte in lingue sconosciute.

Si mimetizzano alla vista in un luogo scintillante e luminoso così come farsi trovare nell’oscurità, dove sono nascosti e al sicuro. Sarah Vanhee, artista APAP, la rete Europea di arti performative di cui Centrale Fies fa parte dal 2014, crea assieme a sette bambini un luogo, un mondo, un ecosistema senza tempo, in una atmosfera fatta di domande, viene creata una nuova logica con l’aiuto di conversazioni verbali e non, non ancora completamente disconnessa dal magico, una logica non organizzata, non strategica, ma straordinaria, complicata e imminente.

SYNOPSIS

Seven small beings. They are silent beings, sensitive to what has not been foretold. They are very good at asking questions and thereby evoke other realities.

They receive answers in unknown languages. They can hide in full view. These beings are to be found in darkness, in a glittering, sparkling, resonating place where they are concealed and safe. Like a world without time.

In an atmosphere composed of questions, a new logic is created with the aid of verbal and non-verbal conversations, one that has not yet been entirely disconnected from the magical. Not planned, not strategic, but extraordinary, involved and urgent.

In a world currently driven by statements, statistics and votes, Sarah Vanhee creates a place that advocates a new politics on the basis of fiction.

Presentation realized within the framework of apap – Performing Europe 2020.

Supported by the Creative Europe Programme of the European Union, it is implemented throughout a fouryears period (1st of June 2016 – 31st of May 2020).

28.07

Turbina 1

h. 20.15 - 60’

Dewey Dell I am within

BIO ITA

Dewey Dell è una compagnia di danza formatasi nel 2007 a Cesena dall’unione di quattro ragazzi: Agata, Demetrio, Teodora Castellucci ed Eugenio Resta.

Dal 2007 la compagnia ha creato numerosi spettacoli e diverse forme di live concert e musica elettronica. Nel 2017 la ricerca di Dewey Dell si sposta verso studi antropologici, iniziando da Sleep Technique, in collaborazione con Massimo Pupillo del gruppo musicale Zu, nominato presso il Der Faust Deutscher Theaterpreis. Nel 2018 crea e presenta I am within.

BIO ENG

Dewey Dell is an Italian company born in 2007 and now based in Cesena/Italy, Berlin and Vilnius. The four members are Teodora, Demetrio, Agata Castellucci and Eugenio Resta. Since 2007 Dewey Dell has created different works and various forms of live concerts. In 2017 Dewey Dell’s research moves towards anthropological topics, starting with Sleep Technique, in collaboration with Massimo Pupillo from the band Zu, nominated at Deutscher Theaterpreis Der Faust. In 2018 they present their new performance I am within.

CREDITS

di / by Dewey Dell | con / with Gioia Pascucci | coreografia / choreography Teodora Castellucci | musiche originali / original music Demetrio Castellucci scene e luci / set and lights Eugenio Resta | costume / costumes Guoda Jaruševiciute | curatrice / curator Agata Castellucci | ringraziamenti speciali / special thanks Lisa Pazzaglia | produzione / production Societas 2018 Con il sostegno del MiBACT e di SIAE, nell’ambito dell’iniziativa “Sillumina – Copia privata per i giovani, per la cultura”

28.07

Sala Comando

h. 21.45 - 30’

SINOSSI

Ogni tanto, nella quotidianità della vita, può succedere di imbattersi in qualcosa che avvertiamo come ‘troppo’, che facciamo fatica a sostenere con lo sguardo o con l’udito. Soprattutto in questi momenti, quando proviamo a cercare le parole per descrivere cosa proviamo, il linguaggio ci risulta talmente povero da gonfiare un’ombra tra noi e quello che accade: ci sentiamo soli anche se circondati da altre persone. Qualcosa rimane incastrato dentro, dietro di noi, non riusciamo a condividerlo pienamente con nessuno eppure è qualcosa che fonda la persona che siamo. In questa solitudine - ombra irrisolvibile - si attiva una reazione potente: la capacità di diventare la difesa e il conforto di cui si ha bisogno. La bambina in scena è immersa nella potenza della propria protezione, trasformandosi continuamente in bestie terribili e, ogni tanto, in immagini celestiali.

SYNOPSIS

There are times in our everyday lives when we can encounter something immensely overwhelming, something that we cannot bear to see or to listen to.

It is in these moments, when we try to find the words to express how we feel, the language can appear so insufficient that it expands a shadow between us and the outside world: we feel alone despite being surrounded by others. A part of this experience remains within, behind us, and although it is something that forms the person who we are, we cannot fully share it with anyone.

In this loneliness - unsolvable shadow - a powerful reaction begins: the ability to become the defense and the consolation that we need.

The girl on stage is immersed in the power of her own protection, continuously transforming herself in terrible beasts and, sometimes, in celestial images.

Con il sostegno del MiBACT e di SIAE, nell’ambito dell’iniziativa “Sillumina – Copia privata per i giovani, per la cultura”

28.07

Sala Comando

h. 21.45 - 30’

WOWAWIWA / Alma Söderberg + Hendrik Willekens WOWAWIWA

BIO ITA

Alma Söderberg è una coreografa e danzatrice. Hendrik Willekens è un sound editor e performer. WOWAWIWA è la realizzazione del loro desiderio di continuare a fare musica insieme, a seguito delle loro prime collaborazioni con John The Houseband (dal 2008 ) e Idioter (Performance del 2014).

BIO ENG

Alma Söderberg is a choreographer and a dancer. Hendrik Willekens is a sound editor and performer. WOWAWIWA is the realization of their desire to keep on making music together, after earlier collaborations in John The Houseband (2008 - now) and Idioter (performance from 2014).

28.07

Parco

h. 1.30 - 60’

SINOSSI

“WOWAWIWA” è un progetto musicale nato in un bar dell’aeroporto di Zagabria che col suo titolo cerca di trasmettere l’amore e l’entusiasmo per il ritmo e le sonorità e l’attrazione per le battute musicali e per creare sempre nuovi ritmi. “La nostra musica emerge dall’interazione tra vari ingredienti sonori. La voce alimenta il microfono che attiva lo spring reverb il quale, a sua volta, si incanala nel sampler che trasforma la voce in battiti, linee di basso e altri suoni. Drum sequenzer si distribuiscono nel synthesizer sparato da modulatori CV che modellano la melodia.” L’orecchio ascolta il sintetizzatore e comanda alla voce di imitarlo, l’imitazione è catturata a sua volta dal microfono creando intensi giochi attraverso un linguaggio libero e musicale.

SYNOPSIS

“WOWAWIWA” is a music project uniting Alma Söderberg and Hendrik Willekens. It was born in a bar in the airport of Zagreb. The name testifies to our love for sound. Although you might also read in it a fascination for the four beat bar with a heavy WO and a snappy WI. We like to produce rhythms.

Our music emerges through the interaction between different sound ingredients. Voice feeds into mic that activates the filtered spring reverb which feeds into sampler that transforms the voice into beats, basslines and other sounds.

Drum sequencer feeds into synthesizer firing of CV controls that shape the melody. Synthesizer gets heard by ear that commands voice to imitate. Imitation is captured by microphone and so on.

Our concerts involve deep play with free language singing, heavy knob wiggling, and a lot of listening.

Presentation realized within the framework of apap – Performing Europe 2020.

Supported by the Creative Europe Programme of the European Union, it is implemented throughout a fouryears period (1st of June 2016 – 31st of May 2020).

28.07

Parco

h. 1.30 - 60’

il fiume del pensiero e dell’azione / il lago dello sdoppiamento / il giardino delle conversazioni / la torretta d’osservazione / la caverna delle iniziazioni / il passo degli errori presunti / il burrone delle interpretazioni / la landa delle biodiversità / il nascondiglio della perseveranza / il mare delle cose dimenticate / la strada della ricerca / la cascata dell’assenza temporale / il campo d’allenamento / il bosco dei nuovi dei / la piccola atlantide / il paese nero / il territorio delle lingue sconosciute / la strada inevitabile / la palude della certezza / il fiume del pensiero e dell’azione / il lago dello sdoppiamento / il giardino delle conversazioni / la torretta d’osservazione / la caverna delle iniziazioni / il passo degli errori presunti / il burrone delle interpretazioni / la landa delle biodiversità / il nascondiglio della perseveranza / il mare delle cose dimenticate / la strada della ricerca / la cascata dell’assenza temporale / il campo d’allenamento / il bosco dei nuovi dei / la piccola atlantide / il paese nero / il territorio delle lingue sconosciute / la strada inevitabile / la palude della certezza / il fiume del pensiero e dell’azione / il lago dello sdoppiamento / il giardino delle conversazioni / la torretta d’osservazione / la caverna delle iniziazioni / il passo degli errori presunti / il burrone delle interpretazioni / la landa delle biodiversità / il nascondiglio della perseveranza / il mare delle cose dimenticate / la strada della ricerca / la cascata dell’assenza temporale / il campo d’allenamento / il bosco dei nuovi dei / la piccola atlantide / il paese nero / il territorio delle lingue sconosciute / la strada inevitabile / la palude della certezza / il fiume del pensiero e dell’azione / il lago dello sdoppiamento / il giardino delle conversazioni / la torretta d’osservazione / la caverna delle iniziazioni / il passo degli errori presunti / il burrone delle interpretazioni / la landa delle biodiversità / il nascondiglio della perseveranza / il mare delle cose dimenticate / la strada della ricerca / la cascata dell’assenza temporale / il campo d’allenamento / il bosco dei nuovi dei / la piccola atlantide / il paese nero / il territorio delle lingue sconosciute / la strada inevitabile / la palude della certezza / il fiume del pensiero e dell’azione / il lago dello sdoppiamento / il giardino delle conversazioni / la torretta d’osservazione / la caverna delle iniziazioni / il passo degli errori presunti / il burrone delle interpretazioni / la landa delle biodiversità / il nascondiglio della perseveranza / il mare delle cose dimenticate / la strada della ricerca / la cascata dell’assenza temporale / il campo d’allenamento / il bosco dei nuovi dei / la piccola atlantide / il paese nero / il territorio delle lingue sconosciute / la strada inevitabile / la palude della certezza / il fiume del pensiero e dell’azione / il lago dello sdoppiamento / il giardino delle conversazioni / la torretta d’osservazione / la caverna delle iniziazioni / il passo degli errori presunti / il burrone delle interpretazioni / la landa delle biodiversità / il nascondiglio della perseveranza / il mare delle cose dimenticate / la strada della ricerca / la cascata dell’assenza temporale / il campo d’allenamento / il bosco dei nuovi dei / la piccola atlantide / il paese nero / il territorio delle lingue sconosciute / la strada inevitabile / la palude della certezza / il fiume del pensiero e dell’azione / il lago dello sdoppiamento / il giardino delle conversazioni / la torretta d’osservazione / la caverna delle iniziazioni / il passo degli errori presunti / il burrone delle interpretazioni / la landa delle biodiversità / il nascondiglio della perseveranza / il mare delle cose dimenticate / la strada della ricerca / la cascata dell’assenza temporale / il campo d’allenamento / il bosco dei nuovi dei / la piccola atlantide / il paese

COSMESI COSMESI FA UN DISCO / COSMESI FA UN LIVE CLUB SESSION

BIO ITA

Cosmesi nasce 15 anni fa; è un gruppo fondato da Eva Geatti e Nicola Toffolini che da sempre collabora con differenti artisti per sviluppare progetti ibridi nel contesto del teatro, dell’installazione e della performance. Il primo lavoro del 2003 aveva un titolo molto lungo, mentre l’ultima produzione (che ha debuttato al festival Motherload - Drodesera nel 2015) si intitola Di Natura Violenta.

BIO ENG

Cosmesi was founded 15 years ago by Eva Geatti and Nicola Toffolini. The group has always collaborated with various artists to develop hybrid projects within the context of theatre, installation and performance. The first work (2003) had a very long title, while the latest production ( which premiered at Motherload – Drodesera Festival, 2015) is called Di Natura Violenta.

CREDITS

di / by Eva Geatti e Nicola Toffolini | con / with Marcello Batelli musica e testi / music and lyrics Eva Geatti e Nicola Toffolini | registrazioni e audio / recording and audio Marcello Batelli | grafiche / graphics Alberto Merlin | luci / lights Sarah Chiarcos | Organizzazione / organization Debora Ercoli Produzione / produced by: Cosmesi | in collaborazione con / in collaboration with Centrale Fies | con il supporto di / supported by Festival di Santarcangelo

25.07

Forgia

dalle / from h. 23.00 alle / to h. 1.00

SINOSSI

Tentiamo un nuovo salto dentro il linguaggio in maniera mimetica: questa volta sul pianeta musica. Siamo frequentatori assidui di concerti, ascoltatori bulimici di mp3, amici di rockers; siamo due artisti che non hanno mai suonato uno strumento. Ci comportiamo come abbiamo visto fare dai musicisti, ricerchiamo le sonorità delle canzoni che ci piacciono, ma rimaniamo due analfabeti che per pochi mesi, prendendoci sul serio a tempi alterni, hanno provato a comporre musica, seguiti dall’amico producer. Finisce che, come scimmie ammaestrate, raggiungiamo il massimo artificio - incidendo un vero e proprio album - e arriviamo al palco del club - dove eseguiremo dal vivo i brani originali creati da noi che non sapremo mai suonare.

SYNOPSIS

We are trying a new dive incognito in the world of language: this time on the planet music. We are assiduous concerts goers, bulimic mp3 listeners, friends of rockers; we are two artists that have never played an instrument.

We act the same way musicians do, researching the sounds from songs we like, but we remain two illiterates that have tried to compose music for few months, taking ourselves seriously only at times, supported by our producer friend. Ultimately, like trained monkeys, we reach the maximum artifice by recording a real album, and we land on the club’s stage, where we will play live the original tracks created by us, the ones who will never be able to play.

25.07

Forgia

dalle / from h. 23.00 alle / to h. 1.00

Gérald Kurdian Trk_x CLUB SESSION

BIO ITA

Gérald Kurdian è un musicista, performer e radio-artist, ha studiato arti visive alla École Nationale d’Arts de Paris-Cergy prima di entrare nel programma di danza contemporanea Ex.e.r.ce 07 – CCNMLR sotto la direzione artistica di Mathilde Monnier e Xavier Le Roy. I suoi concerti obliqui sono delle opportunità gioiose per creare delle sinergie tra pratiche di musica elettronica Live, performance art e documentari.

BIO ENG

Gérald Kurdian is a musician, performer and radio-artist, studied visual arts at the École Nationale d’Arts de Paris-Cergy before entering the contemporary dance program Ex.e.r.ce 07 - CCNMLR under the direction of Mathilde Monnier and Xavier Le Roy. His oblique concerts are joyful opportunities to invent synergies between LIVE electronic music practices, performance art and documentary.

26.07

Forgia

h. 23.30 - 60’

Prima Nazionale National Première

SINOSSI

“Trk_x” (pronunciato Tarek_ex) fluisce liberamente tra i generi experimental pop, lo-fi techno e soundscapes dark ambient. Feticista e arguto, dà voce a corpi minorizzati, usando grancasse, bassi e desiderio a volontà.

Tarek lascia tracce. Tarek danza come fauni e fate.!

Tarek ha le corna. Tarek ha delle sorelle. Tarek emerge dall’oscurità.!

Tarek canta alle piante, alle pietre e all’acqua. Tarek è, come tutti noi, una creatura complessa.! Tarek ama il fallimento. Tarek ama quando c’è della perversione!

La magia di Tarek è il suo obiettivo di muovere energie. Tarek è inclusivo.

Tarek è contro la normativa.!

Tarek suda. Tarek è fluida. Il cuore di Tarek batte forte e pesante.!

Tarek canta con i fantasmi. Tarek trasforma la bruttezza in bellezza.!

SYNOPSIS

“Trk_x” (pronounced Tarek X) flows freely through experimental pop, lo-fi techno and dark ambient soundscapes. Fetishist and witty, it gives voice to minorized bodies, goes for kicks and basses and desire galore.

Tarek leaves traces. Tarek dances like fauns and fairies. !

Tarek has horns. Tarek has sisters. Tarek comes out of obscurity.!

Tarek sings for plants and stones and water. Tarek is, like all of us, a creature complexity.!

Tarek loves failure. Tarek loves when it’s kinky.!

Tarek’s magic is Tarek’s aim to move forces. Tarek includes. Tarek stands against normativity.!

Tarek sweats. Tarek is fluid. Tarek’s heart beats fast and heavy.!

Tarek sings with ghosts. Tarek turns ugliness into beauty.!

Project realized within the framework of apap – Performing Europe 2020.

Supported by the Creative Europe Programme of the European Union, it is implemented throughout a fouryears period (1st of June 2016 – 31st of May 2020).

26.07

Forgia

h. 23.30 - 60’

John the Houseband Meet John, John Giovani and Let’s Celebrate The World with mixed emotions and Dance. 10 YEAR ANNIVERSARY CONCERT!” CLUB SESSION BIO ITA

John The Houseband è un gruppo di sei performer e coreografi dal Belgio, Germania, Islanda, Spagna e Svezia che si sono conosciuti nel 2008 alla Amsterdams Hogeschool voor de Kunsten. Nello spettacolo dei John The Houseband i confini tra concerto e performance, tra professionismo e pratica amatoriale, tra capacità e dedizione si assottigliano. Le loro canzoni sono influenzate da una diversità di generi musicali.

BIO ENG

John The Houseband is a group of six performers and choreographers from Belgium, Germany, Iceland, Spain and Sweden that first met at the Amsterdams Hogeschool voor de Kunsten in 2008. A John The Houseband- Show blurs the boundaries between concert and performance, professionalism and amateurism, between skills and dedication. Their songs are influenced by a diversity of musical genres.

CREDITS

di e con / by and with Hendrik Willekens, Roger Sala Reyner, Melkorka Sigridur Magnusdottir, Anja Muller, Dennis Deter, Alma Söderberg

27.07

Forgia

h. 23.30 - 75’

SINOSSI

Noi siamo John: un gruppo di artisti e amici. Ci siamo conosciuti alla Theatre school di Amestardam 10 anni fa con il desiderio comune di fare musica insieme. Da allora abbiamo attraversato l’Europa suonando canzoni di Bank Flamenco (canzoni di flamenco che parlano delle banche) cover di canzoni famose, canzoni con l’ukulele, flauti, synthesizers e shakers. Suoniamo canzoni tristi e canzoni allegre, canzoni rap, medley, canzoni pop, canzoni su donne incapaci di sedurre, canzoni che parlano di pecore, volpi e che celebrano il mondo per come c@$$0 è. Per sette ore abbiamo suonato ad un concerto finché le candele non hanno finito di bruciare. Ci siamo incontrati a sud ed abbiamo viaggiato verso nord. Siamo stati in tutti i nostri rispettivi paesi natii, portando la nostra musica.

SYNOPSIS

We are John. A group of artists and friends. We met through our study in the Theaterschool of Amsterdam ten years ago and had a common wish to play music together. Since then we have travelled through Europe together playing bank flamencos, cover songs, songs with ukuleles, flutes, synthesizers and shakers. We play sad songs and happy songs, rap songs, medleys, pop songs, songs about dickshakers, about sheep, foxes and the celebration of the world as it motherf%$&ing is. We have done a seven hours concert until the candles stopped burning. We have met in the south and travelled to the north. Been to all of our home countries, introduced our parents, our families, our lovers.

And now we are coming YOUR way to dance chords and sing choreographies and make you move all night long.

Presentation realized within the framework of apap – Performing Europe 2020.

Supported by the Creative Europe Programme of the European Union, it is implemented throughout a fouryears period (1st of June 2016 – 31st of May 2020).

27.07

Forgia

h. 23.30 - 75’

Thea Hjelmeland Thea Hjelmeland performance CLUB SESSION

BIO ITA

Thea Hjelmeland è una compositrice, musicista e artista di 31 anni originaria dei fiordi norvegesi. Fonde musica pop con diversi generi quali blues, world music, elettronica e folk. Thea ha pubblicato due album, composto musica per il teatro e il cinema e ha vinto il Norwegian Grammy Award. Per Centrale Fies presenterà la versione work-in-progress di un nuovo live-concept a seguito del suo prossimo album.

BIO ENG

Thea Hjelmeland is a 31yrs old composer, musician and artist from the fjords of Norway. She mixes pop music with different genres such as blues, world-music, electronic and folklore. Thea has released two albums, composed music for theatre and movies, and won the Norwegian Grammy award. In Centrale Fies she will present a work-in-progress version of a new live-concept following her upcoming album.

CREDITS

performance Thea Hjelmeland | coproduzione della versione work-in-progress / co-producer of work-in-progress version BIT Teatergarasjen, Bergen (NO) musicisti / musicians: voce e chitarra / vocal, guitars Thea Hjelmeland | basso, synth e voce / bass, synth, vocal Chris Holm | chitarra, synth e voce / guitars, synth, vocal Matias Tellez | batteria / drums Jakob Hjelmeland | light design Kyrre Heldal Karlsen

28.07

Forgia

h. 24.00 - 60’

SINOSSI

Thea è cresciuta in una famiglia di artisti e scrive canzoni da quando ha cominciato a parlare!

Dopo essere stata una teenager musicista e con alle spalle un decennio di tour, Thea comincia a sperimentare nuovi format di concerto, con esplorazioni e incursioni nella performance senza però perdere le qualità caratteristiche di una buona esibizione live. In questa performance work-in-progress presenta canzoni dal primo e dall’ultimo album. Durante il concerto Thea, interagisce col pubblico mettendo in gioco sé stessa, i musicisti e gli spettatori. Dotata di una voce particolare dalla gamma vocale molto estesa, presenterà una concert-performance dinamica e intima. Senza dimenticarsi che nella sua band ci sono tra i migliori musicisti norvegesi…

SYNOPSIS

Thea grew up in an artist family. She started making songs the moment she could talk.

From being a musicians since teenager years and touring with her concerts for over a decade, Thea now wants to challenge the concert format and herself. But without losing the qualities of a good live concert. Therefore she is now exploring the performing arts in search for a new concept. In this workin-progress performance she presents songs from earlier albums and new musical material. During the concert she will work on interaction with the audience, improvisation and challenge both herself, the musicians and the audience. With her special voice and huge vocal range she will present an intimate at dynamic concert-performance. And not to forget; in her band she brings some of Norways finest musicians.

28.07

Forgia

h. 24.00 - 60’

Kristina Norman Bring back my fire Gods FILM SESSION

BIO ITA

Kristina Norman (nata nel 1979) è un’artista residente a Tallinn, Estonia, che lavora con video, scultura, interventi urbani, piuttosto che documentari e performance. Col suo lavoro si dedica all’esplorazione del potenziale politico che l’arte contemporanea offre nel trattare le tematiche dei diritti umani e della politica della memoria. Il suo lavoro è stato presentato a livello internazionale, come la biennale di Venezia, la biennale Manifesta e la triennale di Aichi, Giappone.

BIO ENG

Kristina Norman (b. 1979) is a Tallinn-based artist who works with video, sculpture, urban interventions, as well as documentary films and performances. She is devoted to the exploration of the political potential that contemporary art offers in dealing with the issues of human rights and politics of memory. Her work has been shown internationally, including Venice and Manifesta biennials, Aichi triennale.

CREDITS

regia e ideazione / director and concept Kristina Norman musiche originali / original musical composition Märt-Matis Lill, ispirato dalla canzone folk russa e estone / based on a Russian and Estonian folk song “Transvaal, Transvaal” | poesia / poetry Maarja Kangroo | performance Sofia Jernberg | direttore della fotografia / director of photography Erik Norkroos B-camera Epp Kubu

25.07

Le terme

dalle / from h. 20.00 alle / to h. 24.00 13’ (loop)

SINOSSI

Il video “Bring Back My Fire Gods” di Kristina Norman si basa su un intervento performativo che ha avuto luogo al “Song Festival Grounds” di Tallinn. Un luogo sacro per l’Estonia, associato alla Rivoluzione Cantata e all’indipendenza della nazione baltica dall’URSS avvenuta nel 1991. Quasi un terzo della popolazione estone parla russo come prima lingua. La pièce di Kristina Norman è una riflessione artistica sulla recente discussione riguardo l’impossibilità di includere una canzone russa nel repertorio del festival che celebra l’unità nazionale e la continuità. Con un testo che narra della sofferenza di un popolo in un paese lontano.

SYNOPSIS

Kristina Norman’s video “Bring Back My Fire Gods” is based on a performative intervention at the “Song Festival Grounds” in Tallinn. A holy site for the Estonian nation, the place is associated with the Singing Revolution and the gaining of independence from the USSR in 1991. Nearly one third of Estonian population speaks Russian as their first language, and Norman’s piece is an artistic comment to the recent discussion on the impossibility of including a song in Russian into the repertoire of the festival which celebrates national unity and continuity. Norman messes around with the main symbols of the festival – the grounds is occupied by a solo singer, the festival fire is brought down from the tower, and the singing is happening in Russian and Estonian at once, the lyrics referring to the distress of a people in a distant country.

Project realized in the framework of Urban Heat - City Art Programme, co-funded by the Creative Europe Programme of the European Union.

25.07

Le terme

dalle / from h. 20.00 alle / to h. 24.00 13’ (loop)

Werner Herzog Lektionen in Finsternis FILM SESSION

BIO ITA

Werner Herzog è cresciuto in un isolato paese della Baviera, ha studiato Storia e Letteratura tedesca a Monaco e Pittsburgh. Ha lavorato al suo primo film nel 1961 all’età di 19 anni. Da allora ha prodotto, scritto e diretto più di sessanta film e documentari. Ha pubblicato più di una dozzina di libri di prosa, e ha diretto numerose opere. Werner Herzog vive tra Monaco e Los Angeles.

BIO ENG

Werner Herzog grew up in a remote mountain village in Bavaria and studied History and German Literature in Munich and Pittsburgh. He made his first film in 1961 at the age of 19. Since then he has produced, written, and directed more than sixty feature- and documentary films. He has published more than a dozen books of prose, and directed as many operas. Werner Herzog lives in Munich and Los Angeles.

CREDITS

diretto da / directed by Werner Herzog | scritto da / written by Werner Herzog anno / year 1992 | prodotto da / produced by Paul Berriff, Werner Herzog, Lucki Stipetic | distribuito in Italia da / distributed in Italy by Ripley’s Film

26.07

Le terme

dalle / from h. 20.00 alle / to h. 24.00 52’ (loop)

SINOSSI

In bilico tra documentario e finzione scientifica, “Apocalisse nel Deserto” di Werner Herzog è un poema epico ambientato nei campi petroliferi dati alle fiamme nel corso della Guerra del Golfo in Kuwait (1990-1991). Herzog prese il suo piccolo equipaggio in elicottero e, fluttuando sopra i campi, girò filmati mozzafiato del paesaggio infuocato e annerito. Alternativamente orribile e maestoso, il film è un fantasmagorico, seppur distanziato, catalogo di orrori.

Straripano laghi bollenti di petrolio greggio, frammenti di metallo fuso e minacciosi flutti di fumo e fuoco. Dalla terra, le immagini sembrano ultraterrene.

Herzog ha filmato scene di vigili del fuoco nelle loro uniformi che lavorano, forse futilmente, per contenere le fiamme. Ci sono anche alcune interviste a donne kuwaitiane, che parlano in modo straziante delle brutalità che hanno sofferto per mano dei soldati iracheni. Nella sua voce narrante, Herzog assume l’identità di uno spettatore proveniente da un altro pianeta, facendo commenti confusi sulla catastrofe senza alcun tentativo di informare l’osservatore delle circostanze che, di fatto, stanno dietro ad essa.

SYNOPSIS

Straddling a line between documentary and science fiction, the film is an epic visual poem set in the burning oil fields of Kuwait following the 1990-1991 Persian Gulf War. Herzog, as much a daredevil as a documentarian, took his small crew in a helicopter and, floating above the fields, photographed jaw-dropping footage of the blazing, blackened landscape. Alternately horrific and majestic, the movie is a phantasmagoric, if distanced, catalogue of horrors. Boiling lakes of crude oil, twisted scraps of melted metal, and ominous billows of smoke and fire abound. On the ground, the images are just as otherworldly. Herzog filmed scenes of firemen in full-body suits, working / futilely it seems / to contain the blaze. There are also a couple of interviews with Kuwaiti women, who talk heartbreakingly of the brutalities they suffered at the hands of Iraqi soldiers.

In his voice-over narration, Herzog assumes the identity of a spectator from another planet, making bemused comments about the catastrophe with no attempt to inform the viewer of the factual circumstances behind it. His highflown rhetoric, dense with mythical portent and allusiveness, underscores this visionary movie’s detached view of the destruction of the Kuwaiti oil fields.

26.07

Le terme

dalle / from h. 20.00 alle / to h. 24.00 52’ (loop)

Jordi Colomer ¡Únete! Join Us! FILM SESSION

BIO ITA

Jordi Colomer, nato a Barcellona nel 1962, al momento risiede e lavora a Barcellona e Parigi. Beneficiando di un senso innato e marcato della scultura, i suoi lavori variano nei mezzi di realizzazione, concentrandosi sulla fotografia, video e la presentazione di entrambi negli spazi espositivi. Spesso la creazione di situazioni – appropriati per un tipo di “teatro espanso” – permette agli spettatori di esaminare la loro relazione con le produzioni artistiche e il loro ruolo prima e dentro a esse.

BIO ENG

Jordi Colomer was born in Barcelona in 1962. He presently lives and works between Barcelona and Paris. Enjoying a gifted and marked sculptural sense, his work spans many mediums, centring on photography, video and the staging of both in exhibition areas. Often the creation of situations -befitting a kind of “expanded theatre”- allows the spectator to assess his/her relationship with the productions and his/her role in and before these.

CREDITS

un’installazione di / an installation by Jordi Colomer | curator / curator Manuel Segade | produzione artistica / artistic production Carolina Olivares | assistente all’artista / artist assistants Albert García Alzorriz Víctor Ruiz Colomer | assistente curatore / assistant curator Violeta Janeiro | direttore della fotografia / director of photography Julien Perrin, Marcell Erdélyi | suono / sound Adrià Martí Comas costumi / costume Rosa Tharrats | Scenografie / set construction Paula Miranda

27.07

Le terme

dalle / from h. 20.00 alle / to h. 24.00 42’ (loop)

SINOSSI

“Il film è una rivendicazione del nomadismo come intervento collettivo. Transumanza, vagabondare, viaggiare, smarrirsi, trambusto: sono queste le chiavi per un padiglione il cui punto di riferimento va ricercato nelle utopie urbane che hanno esplorato il movimento come un radicale ripensamento dell’immaginario sociale. (…) La premessa romanzata dei video è un gruppo di persone che si muovono in luoghi diversi, delineando la semantica del trasferimento.” Così scrive Manuel Segade, nel board curatoriale di LIVE WORKS dello scorso anno, a proposito dell’opera di Jordi Colomer architetto, scenografo, artista e storico dell’arte. Segade porta “¡Únete! Join Us!” al padiglione Spagna della Biennale Arte di Venezia 2017, opera che ridisegna “un congegno mobile che collega gli spazi dell’itinerario di un viaggio evocando una Babele kafkiana in cui il movimento nomade è anche confusione linguistica, sfasamento di linguaggio che altera e traduce l’attività di una comunità defraudata del suo territorio”.

SYNOPSIS

“The film is a claim to nomadism as collective agency. Transhumance, wanderings, journeyings, strayings, displacement: these themes are key to the exhibition, whose reference point is rooted in urban utopias that use movement as part of a radical rethinking of social imagination. (…) The fictional premise in the video pieces is a group of people moving across different sites, unfolding semantics of displacement.” These words were written by Manuel Segade, one of the curators of the latest edition of LIVE WORKS, referring to the work of Jordi Colomer architect, set designer, artist and art historian. Segade presented “¡Únete! Join Us!” at the Spanish pavilion of Venice Biennale of Art 2017, a work that redesigns “a mobile device that links the spaces of travel itineraries, evoking a Kafkaesque Babel, in which the nomad movement is also a language confusion. A linguistic disorientation that alters and translates the activity of a community, which had its territory stolen.

27.07

Le terme

dalle / from h. 20.00 alle / to h. 24.00 42’ (loop)

Dries Verhoeven Homo Desperatus FILM SESSION

BIO ITA

Dries Verhoeven (nato nei Paesi Bassi, a Oosterhout) è un theatre maker e artista visivo. Crea installazioni, performance e happening in musei e spazi pubblici delle città. Rispetto al confine tra performance e istallazione artistica, l’artista valuta in maniera critica la relazione tra pubblico, performer, quotidianità e arte. Alla base dei suoi progetti a cui si è dedicato negli ultimi anni, vi sono la mentalità della crisi odierna e l’influenza dei media digitali sulle relazioni interpersonali.

BIO ENG

Dries Verhoeven (1976 Oosterhout, the Netherlands) is a theatre maker and visual artist. He creates installations, performances and happenings in museums, on location and in the public spaces of cities. On the boundary between performance and installation art, he critically evaluates the relationships between the spectators, performers, everyday reality and art. In recent years, the current crisis mind-set and the influence of digital media on interpersonal relationships in particular have formed the basis for his projects.

CREDITS

idea / concept Dries Verhoeven | assistente artistico / artistic assistent Cindy Moorman | produzione / production Studio Dries Verhoeven, Saskia Schoenmaker | direzione tecnica / technicians Roel Evenhuis and Sylvain Vriens soundtrack Wouter Messchendorp | fotografia / photography Willem Popelier video Thorsten Alofs | scultori dei modellini / model makers Arthur van der Laaken, Carl Wesselius, Edwin de Koning, Erik van de Wijdeven, Ernesto Yelamos, Felipe Gonzalez Cabezas, Felix Dorst, Fleur Verhoeff, Kiki van der Hart, Leon Steuernthal, Lidia Vadja, Lynn Ewalts, Nadja Turlings, Persi Ioannidou, Roel Huisman (leiding) Stefanie Bonte, Theodora Chatzi Rodopoulou, Yukina Uitenboogaart and Wendy Wassink Homo Desperatus è commissionato da Stedelijk Museum’s Hertogenbosch e dal Theatrefestival Boulevard – Homo Desperatus is co-commissioned by Stedelijk Museum ’s Hertogenbosch and Theaterfestival Boulevard.

28.07

Le terme

dalle / from h. 20.00 alle / to h. 24.00 22’ (loop)

SINOSSI

Questo filmato presenta un’installazione di 44 zone disastrate e crisi umanitarie contemporanee ricostruite su scala 1.250. Ogni modellino è popolato da una colonia di formiche, per un totale di circa 70.000 formiche che abitano i luoghi delle nostre catastrofi. Le formiche, come nessun altro animale, sanno come far fronte ai disastri. Quando un nido crolla, loro sanno come fuggire dalla catastrofe in una frazione di secondo. Ogni formica si sacrifica per il benessere della popolazione. Si trascina a costruire un ponte per il gruppo e, quando è malata, i suo fratelli la portano in un cimitero per evitare la contaminazione. Con “Homo Desperatus” -presentato per la prima volta nell’estate del 2014 al Stedelijk Museum’s Hertogenbosch- Dries Verhoeven ci chiede di guardare alla specie umana: come percepiamo i disastri -naturali o scatenati dall’uomo - e come la sofferenza dell’individuo si relaziona al continuo dell’esistenza della popolazione.

L’artista permette al visitatore di proiettarsi fuori e dentro l’installazione, tra una distanza analitica - come in un laboratorio - e un interesse emotivo.

SYNOPSIS

This registration shows an installation of 44 contemporary disaster zones and humanitarian crises that are reconstructed to scale 1:250. Each scale model is populated by an ant colony, about 70.000 ants in total. They populate the places of our catastrophes.

Ants, like no other animal, know how to cope with disasters. When a nest collapses, they know how to escape from disaster within a fraction of a second.

The individual ant sacrifices itself for the well being of the population.

Dries Verhoeven asks us to look at the human species. How do we perceive disasters – natural or of our own doing – and how does the suffering of the individual relate to the continuing existence of the population. He allows the visitor zoom in and out between analytical distance – such as in a laboratory – and emotional concern.

28.07

Le terme

dalle / from h. 20.00 alle / to h. 24.00 22’ (loop)

WALKING ON THE MOON

by Ambiente Trentino

COLLATERAL EVENT

ITA

Walking on the moon è un’esperienza “musicambolica” introspettiva e spirituale che prevede un percorso notturno da eseguire in gruppo all’ascolto di una stessa musica. Un ascolto sincronizzato individuale, con cuffie e dispositivi personali, ma vissuto collettivamente. La luna piena sopra di noi e un’altra, immaginaria, sotto i nostri piedi: cammineremo nel Biotopo Marocche di Dro, in uno scenario unico, quasi irreale. Attraverseremo il buio affidandoci alla guida, che ci condurrà per circa un’ora dentro alla musica “sito-specifica” e dentro l’ambientazione naturale notturna, dove il buio diventerà un “punto di non-vista”, dove l’abbandono alla musica e la fiducia completa verso chi ci precede suppliranno alla mancanza del pieno conforto visivo.

ENG

Walking on the moon is an introspective and spiritual “musical” experience that consists of a route to be followed in groups at night, while listening to the same piece of music. A synchronised individual listening, with headphones and personal devices, but lived collectively. The full moon above us and another one, imaginary, underneath our feet: we will walk in the Biotope Marocche of Dro, in a unique location, nearly unreal. We will go through the darkness by relying on the guide that will bring us for about an hour into the site-specific music and into the natural night setting, where the darkness will become a “point of no-view”, where it is possible to make up for the absence of direct visual contact, by letting ourselves go thanks to music and trusting totally in who is in front of us. prenotazioni / booking: www.ambientetrentino.it | il costo dell’esperienza è di 18€ per gli adulti, 15€ per i ragazzi under 14 / the cost is € 18 for adults, € 15 for children under 14 years

ITA

Ambiente Trentino è un tour operator che organizza esperienze di scoperta del territorio trentino in forma di viaggi e soggiorni, attività di giornata ed eventi personalizzati per promuovere un turismo della conoscenza in campo ambientale, scientifico e culturale. Le esperienze proposte mirano alla valorizzazione dell’ambiente e della biodiversità e puntano allo sviluppo dei territori, delle comunità e delle economie locali, nel rispetto delle vocazioni e delle specificità.

ENG

Ambiente Trentino is a tour operator that organizes experiences in form of short trips, one day activities and personalized events, promoting an informed tourism and embracing a deeper environmental, scientific and cultural knowledge.. Our aim is to design and promote authentic and original experiences emphasizing the value of our environment and biodiversity, without undermining their integrity. Our initiatives foster the development of local economies respecting their vocation and their peculiarities.

25.07

Luca Ruali + Nicola di Corce + Mata Trifilò Una comunicazione magnetica con la natura

BIO ITA

TALKIN’ ABOUT

Luca Ruali Roma, 1970. Vive a Milano. Architetto. Produce progetti, disegni, animazioni per soggetti coinvolti nella ricerca culturale; una ricerca per il padiglione italiano alla 13esima Biennale di Architettura di Venezia, pubblicazioni e ricerche sul territorio italiano.

Nicola di Croce Potenza, 1986. Vive a Venezia. Architetto, musicista, progettista e artista sonoro, dottore di ricerca in Pianificazione Territoriale e Politiche Pubbliche del Territorio. Produce ricerche concentrate sul rapporto tra ambiente sonoro e pianificazione territoriale e basate su registrazioni sul campo, pratiche partecipative e le possibili sequenze di sviluppo locale attivabili attraverso lo sviluppo di un ascolto consapevole.

Mata Trifilò Messina, 1981. Vive a Milano. Architetto. Per “Una Comunicazione Magnetica con la Natura” ha campionato un archivio di testi, documentari, film dedicati o sensibili allo spostamento sul territorio italiano.

BIO ENG

Luca Ruali Rome, 1970. He lives in Milan. Architect. He produces projects, drawings, animation, for people involved in cultural research; research for the Italian pavilion at the 13th Venice Biennale of Architecture, publications and research on Italian territory.

Nicola di Croce Potenza, 1986. He lives in Venice. Architect, musician, sound designer and artist, PhD in Regional planning and Territorial Management Policies. He conducts research on the relationship between soundscape and regional planning based on recordings on field, participatory practices and possible sequences of local development through aware listening.

Mata Trifilò Messina, 1981. She lives in Milan. Architect. For “Una Comunicazione Magnetica con la Natuta”, she has sampled an archive of texts, documentaries, films dedicated or sensitive to the movement on Italian territory.

25.07

Le terme

h. 17.30 - 50’

SINOSSI

Registrazioni sul campo, editoria alternativa, quadreria e letteratura medievale, serie televisive paranormali italiane degli anni ’70, casi di ragazze scomparse, interviste itineranti e documentari antropologici, un archivio di viaggi in Italia viene post-prodotto dal vivo ragionando sulla natura dell’abbandono delle aree interne italiane. Un live set audio/video di Luca Ruali e Nicola Di Croce. Prodotto da Il “Paese Nero”, piattaforma di produzione e archivio di ricerche indipendenti dedicate all’abbandono delle aree interne. Il set elabora campionature audio/video, grafiche ed editoriali.

SYNOPSIS

Recordings on field, alternative publishing industry, collection of paintings and medieval literature, Italian paranormal TV series of the ‘70s, missing girls cases, itinerant interviews and anthropologic documentaries, an archive of travels in Italy is post-produced live by reflecting on nature and on the abandonment of the Italian inland areas. A live audio/video set by Luca Ruali and Nicola Di Croce. Produced by “Il Paese Nero” (The Black Country), platform of production and archive of independent research dedicated to the abandonment of the inland. The set elaborates audio/video, graphic and editorial samples.

25.07

Le terme

h. 17.30 - 50’

Ugo Morelli TALKIN’ ABOUT moderato da / moderated by Francesca Serrazanetti

BIO ITA

Ugo Morelli, insegna Clinical Psychology of Work and Institutions all’Università di Bergamo; insegna, inoltre, Scienze cognitive applicate al paesaggio e alla vivibilità all’Università Federico II di Napoli; è Direttore scientifico e docente di Psicologia della creatività e dell’innovazione nel World Natural Heritage Management Unesco, Trento. E’ autore di oltre centoventi pubblicazioni. Tra i suoi ultimi libri: Mente e Bellezza. Arte, creatività e innovazione, Allemandi, Torino 2010; Mente e paesaggio. Una teoria della vivibilità, Bollati Boringhieri, Torino 2011; Il conflitto generativo, Città Nuova, Roma 2013; Noi, infanti planetari, Meltemi, Milano-Udine 2017; Eppur si crea, Città Nuova, Rom 2018.

Collabora assiduamente con Doppio Zero.

BIO ENG

Ugo Morelli, teaches Clinical Psychology of Work and Institutions at Univeristy of Bergamo. Moreover, he teaches Cognitive Science applied to landscape and liveability at University Federico II of Napoli; he is Scientific Director and teacher of Psychology of creativity and innovation at World Natural Heritage Management Unesco, Trento. He is author of more than one hundred twenty publications. Some of his latest books: Mente e Bellezza. Arte, creatività e innovazione, Allemandi, Torino 2010; Mente e paesaggio. Una teoria della vivibilità, Bollati Boringhieri, Torino 2011; Il conflitto generativo, Città Nuova, Roma 2013; Noi, infanti planetari, Meltemi, Milano-Udine 2017; Eppur si crea, Città Nuova, Rom 2018. He collaborates regularly with Doppio Zero.

26.07

Le terme

h. 17.30 - 60’

SINOSSI

I paesaggi della nostra vita emergono al punto di connessione tra mondo interno e mondo esterno, con la mediazione dell’immaginazione. Sono l’esito del nostro movimento e del nostro sistema senso motorio, e insieme della nostra illusione, cioè del gioco che mettiamo in scena nel nostro rapporto con il mondo e gli altri. Sulla soglia della sostenibilità oggi sperimentiamo la ferita narcisistica di renderci conto che non siamo sopra le parti, ma parte del tutto come specie umana: ogni avvenire possibile si definirà come esito della nostra capacità di creare l’inedito nei paesaggi interiori e intorno a noi.

SYNOPSIS

The landscapes of our life arise from the connection point between the inside world and the outside world, through mediation of imagination. They are the outcomes of our movement and our somatic and automatic nervous system, and together of our illusion, i.e. the play we perform in our relationship with the world and the others. On the edge of sustainability, we experience today narcissistic suffering while realising that we are not impartial, but we are part of everything as human species: every possible event will be defined as the outcome of our ability to create something new in the inner landscapes and around us.

26.07

Le terme

h. 17.30 - 60’

Emanuele Coccia TALKIN’ ABOUT moderato da / moderated by Francesca Serrazanetti

BIO ITA

Emanuele Coccia è professore associato all’École des Hautes Études en Sciences Sociales (EHESS) di Parigi. Tra le sue pubblicazioni La vita delle piante (2018), Il bene nelle cose La pubblicità come discorso morale (2014), La vita sensibile (2011) e La trasparenza delle immagini. Averroè e l’averroismo (2005).

BIO ENG

Emanuele Coccia is associate professor at École des Hautes Études en Sciences Sociales (EHESS) of Paris. His publications include La vita delle piante (2018), Il bene nelle cose La pubblicità come discorso morale (2014), La vita sensibile (2011) e La trasparenza delle immagini. Averroè e l’averroismo (2005).

27.07

Le terme

h. 17.30 - 60’

SINOSSI

Il supercontinente e la tettonica delle specie viventi. La scoperta della tettonica della placche ha trasformato il modo di pensare la relazione tra i viventi e lo spazio. Tutti i continenti sono in deriva, nessuno puo fare a meno di esser ‘pianeta’, corpo in movimento erratico. Tutti i continenti sono la stessa Terra, assieme unita e in frizione permanente per trovare una forma combinatoria tra il sommerso e l’emerso. La relazione tra le specie viventi andrebbero ripensate attraverso questo modello. Tutte le forme di vita sono alla deriva, ognuna delle loro identità è la frizione tra le specie scomparse e sommerse del passato e quelle che emergerà in un futuro che il sesso e la mutazione rendono imprevedibile. Cani, gatti, uomini, virus, batteri, pini, cipressi e fiordileoni non sono identità stabili ma postazioni o configurazioni incerte attraverso cui la vita assieme si relaziona e si scontra con se stessa e continua a reincarnarsi nei suoi stessi limiti. Tutte le specie sono la stessa vita supercontinentale assieme divisa e riunita nel sesso e nell’alimentazione.

SYNOPSIS

Supercontinent and tectonics of living species. The discovery of plate tectonics has transformed the way of considering the relationship between living beings and space. All the continents drifting, none cannot do without being “planet”, body characterised by erratic movement. All the continents are on the same Earth, both united and in permanent friction in order to find a form combining what is submerged and emerged. The relationship between living species should be rethought up through this model. All the living things are drifting, each of their identities is the friction between disappeared and submerged species of the past and those that will emerge in a future, which will be made unpredictable by sex and mutation. Cats, dogs, virus, batters, pines, cypresses, dandelions are not stable identities, but uncertain positions and configurations, through which life both establish a relation and clash with itself and keeps reincarnating in its same limits. All the species are the same supercontinental life divided and reunited in sex and nutrition.

27.07

Le terme

h. 17.30 - 60’

Filippo Minelli TALKIN’ ABOUT moderato da / moderated by Francesca Serrazanetti

BIO ITA

Filippo Minelli (Brescia, 1983) è un artista contemporaneo con base a Barcellona, interessato al paesaggio e alla sua rappresentazione. Indirizzato a questionare il ruolo dell’identità e le sue narrative, nel mondo naturale come in quello digitale, il lavoro di Minelli si concentra sui confini più che sulle nazioni. Negli anni ha esposto regolarmente all’estero in gallerie private e istituzioni pubbliche.

BIO ENG

Filippo Minelli (Brescia, 1983) is a contemporary artist based in Barcellona, interested in landscape and its representation. Aimed at questioning the role of identity and its narrations, in the natural world as well as in the digital one, Minelli’s work focuses on boundaries rather than on nations. For years, he has exhibited regularly his works abroad, in private galleries and public institutions.

28.07

Le terme

h. 17.30 - 60’

SINOSSI

La mia ricerca si concentra su l’estetica trans-nazionale che ha plasmato la mia generazione, cresciuta fra la periferia, anche come stato esistenziale, e gli aspetti esotici della comunicazione globale dopo l’arrivo di internet. Un’estetica non ancora storicizzata ma tangibile nel paesaggio, frutto dell’ideologia liberista esplosa dalla caduta del muro di Berlino e per decenni di globalizzazione, libera circolazione delle merci e delle informazioni.

SYNOPSIS

My research focuses on the trans-national aesthetic, which has shaped my generation, grown up in suburbs, also as existential status, and the exotic aspects of the global communication after the advent of Internet. An aesthetic that has not been historicized yet, but is tangible in the landscape, the result of the liberal ideology spread since the fall of the Berlin wall and for decades of globalisation, free circulation of goods and information.

28.07

Le terme

h. 17.30 - 60’

URBAN HEAT

ITA

Urban Heat è un progetto sviluppato dalla rete Festivals in Transition (FIT) costituito da 12 festival internazionali in 11 paesi e sostenuto da Creative Europe. Nasce per permettere ad un gruppo di artisti selezionati di interagire con le comunità invisibili che nascono all’interno delle città. Il progetto quadriennale sostiene 22 tra artisti e collettivi nello sviluppo e produzione di lavori audaci, in grado di collegare la ricerca artistica con il mondo esterno all’arte, affrontando urgenti questioni politiche e sociali e coinvolgendo il pubblico e le comunità su queste tematiche. Attraverso una serie di Academies e City Labs che riuniscono artisti, accademici, leader religiosi, scienziati, politici e tecnici, Urban Heat permette agli artisti di approfondire la loro analisi dei problemi e delle sfide che le città si trovano ad affrontare, oltre che di sviluppare competenze su come affrontarle, sviluppando nuove forme partecipative e nuove pratiche in risposta ad esse.

ENG

Urban Heat is a project developed by the Festivals in Transition (FIT) network of 12 international festival partners, in 11 countries supported by Creative Europe, which enables selected artists to engage with the invisible communities within cities. The four year project supports 22 artists and collectives to develop and produce daring works that connect researches with the world outside the arts, by addressing urgent political and social issues, and by working with audiences and communities affected by those issues. Through a series of Academies and Labs, which bring together artists, academics, faith leaders, politicians, scientists and technologists, Urban Heat enables artists to develop their understanding of fundamental issues and challenges facing cities and their knowledge and skills in how to tackle them engaging in new forms of participatory arts practice and projects in response.

Partners: LIFT Festival (Gran Bretagna); Alkantara Festival (Portogallo); Baltic Circle International Theatre Festival (Finlandia); Downtown Contemporary Arts Festival (Egitto); Festival Drodesera (Italia); Drugajanje (Slovenia); International Festival of Contemporary Theatre Homo Novus (Lettonia); LÓKAL – International Theatre Festival (Islanda); Reykjavík Dance Festival (Islanda); SAAL Biennaal (Estonia); Spielart (Germania); Spring Performing Arts Festival Utrecht (Paesi Bassi).

Artists: Aet Ader, Andra Aaloe , Flo Kasearu | Ahilan Ratnamohan | Anoek Nuyens | Edit Kaldor | Flora Detraz | Francesca Marconi | Isaac Chong Wai | Jorge Lopez Ramos | Kathrin Hamilton | Krista Burāne | Kristina Norman | Liz Rech | Maria Gil | Marko Bulc | Maryan Abdulkarim | Rima Najdi | Rosie Freeman | Sanja Mitrovič | Sonya Lindfors | The inner ear | Thomas Bellinck | Wael Kadour

APAP- Performing Europe 2020

ITA

Dal 2011 Centrale Fies fa parte di APAP – Advancing Performing Arts Project, un network europeo fondato nel 2000 per supportare e sviluppare le performing arts contemporanee. APAP Performing Europe 2020 è il progetto del quinquennio 2016-2020 che si compone di 11 partners e dove il teatro diventa un luogo di incontro e scambio introducendo nuovi progetti artistici e modelli di presentazione.

Il network concepisce il teatro come uno spazio aperto dove professionisti, artisti e membri del pubblico s’incontrano, parlano e creano, dando vita a nuovi formati e pratiche della ricerca artistica. APAP sostiene artisti emergenti e mid-career così come artisti di chiaro rilievo internazionale provenienti da aree di lavoro e contesti culturali differenti. Inoltre sviluppa competenze curatoriali congiunte, quali la mediazione culturale fra i partner, e lo scambio di know-how sia a livello artistico che esecutivo.

ENG

From 2011 Centrale Fies is part of APAP – Advancing Performing Arts Project, an European network established in 2000 to support and develop contemporary performing arts. APAP Performing Europe 2020 is the project for 2016-2020 created by 11 partners, and where theatre becomes a place of encounter and exchange by introducing new artistic projects and presentation models. The network understands theatre as an open space where professionals, artists and audience members meet, talk and create together, where artistic work can be discovered in new practices and presented in new formats. The APAP program endorses emerging, mid-career and artists internationally renowned coming from different work fields and cultural backgrounds. Moreover it aims to develop common curatorial competences, like cultural mediation among the partners, and their artistic and executive know-how among all the workers in the performing art sector.

Partners: Szene Salzburg (AT); Maison de la Culture d’Amiens (FR); BIT Teatergarasjen (NR); Kunstencentrum BUDA (BE); Centrale Fies (IT); Fundacja Cialo/Umysl (PO); Reykjavik Dance Festival / Lókal (IS); Théâtre Nanterre–Amandiers (FR); Teatro Nacional D. Maria II (PT); Tanzfabrik Berlin (DE); Student center Zagreb (CR).

Associated Partner: Bipod festival (LB) Artists: Lotte van den Berg; Alessandro Sciarroni; Christina Ciupke; Claudia Dias; Erna Omarsdottir; Felix Ott; Francesca Pennini | CollettivO CineticO; Francois Chaignaud & Cécilia Bengolea; Gerald Kurdian; Fieldworks - Heine Avdal & Yukiko Shinozaki; Ingri Fiksdal; Ivana Müller; Karol Tyminski; Manyone – Mette Edvardsen, Juan Dominguez, Sarah Vanhee, Alma Söderberg; Maria Jerez; Marta Gornicka; Marta Navaridas & Alexander Deutinger; Michikazu Matsune; Rui Catalão; Superamas; Theo Mercier; Tom Plischke & Katrin Deufert; Wojtek Blecharz; Finlay/Sandsmark; Ramona Nagabczynska; Julia Schwarzbach; Sotterraneo; Julian Weber; Lisa Vereertbrugghen; Asrun Magnusdottir; Raquel André; Saša Božić

Info

BIGLIETTERIA / TICKETS biglietto / ticket 12,00 € biglietto ridotto / reduced ticket 10,00€ • possessori biglietto ingresso MART/ entry tickets of MART • studenti con libretto universi tario/ students with University card • tesserati scuole di teatro e danza / theatre and dance students • over 65 / age over 65 • soci Cassa Rurale Alto Garda biglietto / ticket Club Session 10,00 €

Durante le serate Live Works ingresso gratuito per chi ha applicato al bando Live Works vol. 6 / During the Live Works evenings free entry for those who applied to the call Live Works vol. 6

PREVENDITA ONLINE / ONLINE PRESALE Dal 13 giugno al 19 luglio / from 13th June to 19th July www.vivaticket.it Call center 89.22.34 (servizio a pagamento / paid call)

Fies card 30,00 € dà diritto alla riduzione del 50% solo sul biglietto da 12,00 € Fies card offers 50% off only on 12,00 € tickets non vale per le serate Live Works (20-22/07/18) / not valid for Live Works (20-22/07/18)

PRENOTAZIONI / BOOKING tel + 39 0464 504700 prenotazioni@centralefies.it

I residenti nei comuni di Dro e Drena hanno diritto ad avere la Fies card a titolo gratuito, ingresso gratuito/ free entry la card può essere ritirata • Giovanni Morbin Giovanni presso la biblioteca comunale Morbin_anthological exhibit di Dro o all’ufficio prenotazioni • Giovanni Morbin Ibridazione 1 a Centrale Fies, presentando la Bodybuilding, Conversazione carta d’identità con GO – Ibridazione 7 • Talkin’ About abbonamento 5 ingressi • Film Session 5 tickets pass € 50,00 Le riduzioni sul prezzo dei bibiglietto unico per le serate glietti non valgono per le serate Live Works/ all-in-one ticket for Live Works (20-22/07/18) / Live Works evenings 15,00€ The reducions applied to the tiDurante le serate Live Works è ckets price are not valid for Live possibile acquistare separaWorks evenings (20-22/07/18) tamente i biglietti dei singoli spettacoli al prezzo di 4€ / During Live Works evenings, tickets for individual shows can be purchased separately at the price of €4

L’ufficio prenotazioni è aperto: • dal 20/06 al 01/07 dal lunedì al venerdì dalle 10.00 alle 13.00 e dalle 15.00 alle 17.00 • dal 02/07 al 28/07 tutti i giorni dalle 10.00 alle 13.00 e dalle 15.00 alle 17.00 / The booking office is open: • from 20/06 to 01/07 from Monday to Friday from 10 am to 1 pm and from 3 pm to 5 pm.

• from 02/07 to 28/07 everyday from 10 am to 1 pm and from 3 pm to 5 pm Il servizio prenotazioni è gratuito / The booking service is free of charge I biglietti devono essere ritirati entro 30 minuti dall’inizio dello spettacolo presso le biglietterie di Centrale Fies. Dopo questo orario i biglietti non ritirati saranno messi in vendita / Tickets must be collected at the latest 30 minutes before the start of a performance at the box office in Centrale Fies.

Uncollected tickets will be sold

Per evitare code è possibile acquistare e ritirare i biglietti direttamente all’ufficio prenotazioni / To avoid queues, tickets can be purchased and picked up directly at the booking office Il pagamento alle biglietterie di Centrale Fies può essere effettuato esclusivamente in contanti / The box office in Centrale Fies only accepts cash La prenotazione è consigliata per tutti gli spettacoli / Booking is kindly recommended for all performances Non sarà possibile entrare in sala a spettacolo iniziato / Entrance is not allowed after the beginning of a performance

BUS NAVETTA / SHUTTLE Nel rispetto dell’ambiente, non è permesso raggiungere Centrale Fies con mezzi privati / In respect of the environment using private means to access Centrale Fies is not allowed L’organizzazione mette a disposizione del pubblico un servizio di bus navetta gratuito.

Il servizio, con partenza da Piazza Repubblica Dro, è attivo durante: • le serate Live Works (20 22/07/18) dalle 18.00 alle 03.00 (pausa 22.15 -23.00) • le serate dal 25/07 al 28/07 dalle 18.00 alle 03.00 senza pausa The audience can benefit of a free shuttle service. The service is active, departing from Piazza Repubblica in Dro, during:

• Live Works evenings (20-22/07/18) from 18.00 to 03.00 (stop 22.15-23.00) • evenings from 25/07 to 28/07 from 18.00 to 03.00 non stop Considerando che i biglietti vanno ritirati 30 minuti prima dello spettacolo e il viaggio in bus navetta richiede 15 minuti, vi preghiamo di fare attenzione ai tempi / Please remember that you need to be at Centrale Fies at least 30 min prior the performance to collect your ticket and the journey by bus takes approximately 15 minutes. Make sure to be on time for your chosen performance Parcheggio gratuito presso Dro / Free parking at Dro

THEATERMUTTER Servizio gratuito dalle 20.30 alle 22.30 per bambini dai 3 anni in su / Free service from 8.30 pm to 10.30 pm for children aged 3 and up

LOUNGE ZONE Tutte le sere nel parco di Centrale Fies food e dj set / Every evening in the park of Centrale Fies food and dj sets

Eventuali variazioni saranno tempestivamente comunicate sul sito / Any changes will be promptly posted on our website www.centralefies.it UFFICI DEL FESTIVAL / MAIN OFFICE Centrale Fies Località Fies 1 38074 Dro, TN tel. +39 0464 504700 www.centralefies.it info@centralefies.it

presidente / president Dino Sommadossi direzione artistica / art director Barbara Boninsegna co-curatore / co-curator Filippo Andreatta board curatoriale LIVE WORKS / LIVE WORKS’ curatorial board Daniel Blanga Gubbay, Barbara Boninsegna, Simone Frangi curatore / curator Giovanni Morbin_anthological exhibit Denis Isaia copy, responsabile comunicazione, identità visiva e relazioni esterne / copy, head of external and media relations and image Virginia Sommadossi con / with Elisa Di Liberato, Rooy Charlie Lana ufficio stampa / press office UNPRESS - unlearn comunication in a friendly enviroment Chiara Ciucci Giuliani con / with Valeria Marchi, Elena Gasparri

amministrazione / administration Ioana Bucurean, Laura Rizzo produzione e coordinamento / production and coordination Stefania Santoni con / with Maria Chemello, Giulia Morucchio, Filippo Raschi

assistenza agli spazi / locations’ assistance Luca Gadler con / with Yan Wen biglietteria / box office Alina Anfora, Valentina Giuliani, Cristian Santoni

ospitalità / hospitality Francesca Lo Carmine con / with Valentina Cavion

lounge zone Nadia Parisi, Giuseppe Michelotti con / with Marilena Betta, Andrea Bortolameotti, Licia Cavedon, Katia Giuliani, Idemudia Emwindaru Nosakhare

relazioni con il pubblico / relations with the public Letizia Volta con / with Raffeliana Di Girolamo, Giacomo Rigatti

B-FIES video e foto / videomakers and photos Lino Greco, Alessandro Sala, Roberta Segata con / with Eleonora Tinti

operatori / booking professionals Annalisa Grisi

webmaster crushsite.it

direzione tecnica / technical manager Paola Villani

BOOKLET & GRAPHIC concept Virginia Sommadossi

illuminotecnica / lighting Fabio Sajiz

grafica / graphic Letizia Tempesta Filisetti con / with Francesco Cardascia

organizzazione / organization Anna Chiara Boninsegna

UNPRESS è ideato e coordinato da / UNPRESS is created and coordinated by Luca Melchionna e Virginia Sommadossi

allestimenti / set design Viviana Rella

talk modarati da / moderated by Francesca Serrazanetti

video Matteo Ciardi

audio Andrea Melega

traduzione / translation Laura Bombardelli, Maria Chemello, Filippo Raschi ringraziamenti / thanks to Biblioteca Comunale di Dro, Pergine Spettacolo Aperto, Hotel Liberty Riva del Garda

Il festival è organizzato dalla cooperativa Il Gaviale in collaborazione con l’Associazione Fies Project e Fies Core Hub Cultura grazie al sostegno di:

f

Provincia Autonoma di Trento

Regione Autonoma TrentinoAlto Adige/Südtirol

Comune di Dro

Co-funded by the Creative Europe Programme of the European Union

THANKS TO:

servizio per il sostegno occupazionale e la valorizzazione ambientale della Provincia Autonoma di Trento

MEDIA PARTNER:

Comune di Drena