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Por David Moreu
ace un año tuve la oportunidad de entrevistar a Willie Mitchell, el legendario presidente y productor de Hi Records. Con su acento sureño y esbozando una sonrisa cómplice, me confesó que "Hi y Stax queríamos aplastar a Motown, pero no sabíamos cómo hacerlo". Una curiosa declaración de intenciones que nunca llegó a materializarse, pero que nos permite remontarnos a la década de los 60, cuando los Estados Unidos vivían la explosión de la música soul y el país entero estaba a punto de cambiar gracias al ritmo contagioso de la música negra. En una época marcada por las tensiones raciales, la utopía hippie y el
auge de la contracultura, Motown se convirtió en la mayor fábrica de hits del mundo y demostró que la raza no importaba a la hora de crear canciones que hicieran bailar a blancos y a negros por igual. Durante los últimos meses se ha hablado mucho sobre el 50 aniversario de esta discográfica de Detroit y su legado incomparable, pero en Soul Nation queremos desmarcarnos del resto de publicaciones y os proponemos un recorrido único por su historia, a través de sus diez temas más emblemáticos. Aunque en este viaje no estaremos solos, sino que tendremos como compañeros de excepción a dos de sus grandes protagonistas, ni más ni menos que Smokey Robinson (líder de The Miracles y vicepresidente del sello en su época dorada) y Otis Williams (miembro fundador de The Temptations).
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Lo mejor será desempolvar los viejos álbumes de la Motown, subir el volumen del tocadiscos, cerrar los ojos y dejarnos llevar por una música que cambió tantas cosas en el pasado, pero que hoy suena mil veces mejor.
acordarse de los cuatro de Liverpool. "Eso nos encantó y siempre les apreciaré por ello, porque creo que fue una declaración maravillosa, especialmente en tiempos como aquellos".
"Money (That's What I Want)" de Barrett Strong (1959) Esta canción con ecos de doo wop no fue el primer single de Motown, pero tiene el honor de ser su primer gran éxito en la lista de R&B norteamericana. Tan sólo ocho meses antes de editar este tema, Berry Gordy había montado un estudio de grabación en un sótano de Detroit (que más tarde se conocería como Hitsville USA) y poco podía imaginar que aquel sueño que justo estaba empezando, se convertiría en un negocio millonario. "Cuando conocí a Berry, no sabía de su ambición por crear una discográfica. Entonces ya producía discos y los editaba con otras compañías, pero la gente no le pagaba", comenta Smokey Robinson al recordar los inicios empresariales de su mejor amigo. "Así fue como decidió fundar su propio sello, donde pudiese tener el control de todo y donde la gente cobrara por lo que trabajara. De ahí surgió la idea de crear Motown". En aquellos días, las sesiones de grabación se sucedían a un ritmo frenético para poder editar todos los singles que el mercado y la radio demandaban. Además, los músicos y los artistas trabajaban juntos en el estudio, pues las antiguas grabadoras tenían un número de pistas limitado. "Era muy divertido porque todo se grababa en directo y nos hacíamos bromas los unos a los otros", recuerda con una sonrisa Otis Williams. "Cuando un músico se equivocaba, le abucheábamos, y si éramos los cantantes quienes cometíamos un error, entonces ellos se metían con nosotros". Visto en perspectiva, nadie duda de que el título de aquel primer hit fue una clara premonición de lo que sería el devenir de la discográfica hasta la década de los 70, aunque la fama y el dinero nunca corrompieron los ideales de su fundador. "En aquellos tiempos había muchos codiciosos en la industria musical, gente que te sonreía de frente, mientras intentaba echarte mano a la cartera por detrás", puntualiza Smokey Robinson. "Pero Berry no era así, tenía una gran aura, un gran espíritu y conectamos enseguida". Fuera como fuera, la suerte estaba echada y la música de Motown empezaba a sonar con fuerza. "Please Mr. Postman" de The Marvelettes (1961) A principios de 1961, The Marvelettes llegaron a Detroit para una audición en la sede de Motown e interpretaron un tema original de aires bluseros. Berry Gordy quedó impresionado con lo que escuchó y, después de varias reescrituras, les permitió que grabaran la canción. "Please Mr. Postman" escaló hasta lo más alto del Billboard americano y se convirtió en el primer número uno de la historia de Motown. Un éxito que rompió barreras sociales y cogió a todo el mundo de improviso, puesto que "en aquella época, la música americana estaba muy segregada y los artistas negros podían hacer una canción que fuera importante para la comunidad afroamericana, pero siempre se la consideraba rhythm and blues", recuerda Smokey Robinson en referencia a los primeros lanzamientos de Motown. "Eso sí, un artista blanco podía hacer una versión del tema, con los mismos arreglos, y de repente se convertía en un single de música pop, todas las emisoras de radio lo programaban y vendía cinco millones de copias". Puede que el caso más famoso de esta apropiación musical fuera el de los Beatles, que incluyeron "Please Mr. Postman" en el repertorio habitual de sus conciertos en The Cavern y lo grabaron para su segundo álbum, modificando ligeramente la letra para hacer referencia a una chica y no a un chico como en la versión original. "Me encantaban los Beatles porque fueron los primeros artistas blancos en reconocer la enorme influencia de Motown y de la música negra en sus composiciones", afirma un sonriente Smokey Robinson al
Marvelettes
"Dancing In The Street" de Martha and The Vandellas (1964) Los responsables de Motown concibieron este tema como un single que pudiera arrasar en las pistas de baile. El concepto estaba muy claro, podías pasarlo bien en cualquier lugar, incluso bailando en la calle como los protagonistas de la película West Side Story. Lo que nunca imaginaron sus compositores es que la canción se convertiría en uno de los himnos del movimiento por los derechos civiles, cuando los jóvenes afroamericanos empezaron a cantarla en sus protestas callejeras a lo largo y ancho del país. Sorprendentemente, muchas emisoras de radio dejaron de programar la canción por miedo a que se las relacionara con las revueltas, pero esto no impidió que "Dancing In The Street" alcanzara el segundo puesto en el Billboard y que también fuera un gran éxito en Inglaterra. A mediados de la década de los 60, los Estados Unidos vivían una época crucial y la música dejó de ser, definitivamente, un entretenimiento inocente. "Era imposible no estar concienciados con lo que sucedía en aquellos días", comenta un emocionado Otis Williams al recordar las miserias de la segregación racial. "Nunca olvidaré cuando fuimos a tocar a Carolina del Sur en el Motown Revue Tour y nos dimos cuenta de que el auditorio estaba dividido, literalmente, entre blancos y negros. Pero cuando volvimos al año siguiente, todo había cambiado, la gente bailaba junta y se lo pasaban genial. Casi lloramos de la emoción. Por eso creo que la música que hacíamos contribuyó a derribar todas aquellas barreras sociales".
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The Supremes
"Where Did Our Love Go" de The Supremes (1964) ¿Qué habría sucedido si The Supremes no hubieran grabado "Where Did Our Love Go"? Seguramente habrían seguido siendo un grupo de segunda fila en Motown y nunca habrían encadenado cinco números uno seguidos en las listas de éxitos. Actualmente, ésta es una de sus canciones más famosas, pero estuvo a punto de ser grabada por otro grupo del sello, porque "Holland-Dozier-Holland la compusieron y se la presentaron a The Marvelettes, pero ellas dijeron que no querían cantarla porque no les gustaba", recuerda con ironía Smokey Robinson. "Yo había traído a The Supremes a Motown y había grabado un par de discos con ellas, pero no habíamos conseguido ningún éxito, así que los autores les dijeron que querían que ellas cantaran la canción porque The Marvelettes la habían rechazado. ¡Evidentemente, la grabaron!". Cuando un tema se convierte en un gran éxito, parece que todo estuviera predestinado y que nadie más hubiera podido grabarlo de aquella manera, pero en Motown sucedía todo lo contrario. Los singles que salían al mercado eran el resultado de un proceso muy meticuloso y nada se dejaba al azahar. "Cada viernes había una reunión de control de calidad en la que se evaluaba todo el material grabado durante la semana y se decidía qué singles se editaban o qué cosas tenían que mejorarse", comenta Otis Williams, quien acabó acostumbrándose a la rutina de producción del sello. "Aquella era la fórmula de Berry, él quería que los compositores y los productores que conseguían éxitos repitieran con los mismos artistas e incluso podían grabarse varias versiones de la misma canción con distintos artistas". El destino quiso que The Supremes pasaran a ser el grupo femenino más popular de Motown y que convirtieran en oro todo lo que grababan, hasta que el ego de Diana Ross y los líos de faldas precipitaron los acontecimientos en la década de los 70. "My Girl" de The Temptations (1964) Hay muy pocos temas que resulten reconocibles desde sus primeros acordes y que, además, cualquier persona pueda corear al instante de una manera aceptable. Sin duda, "My Girl" es uno de ellos y, con el paso de los años, se ha ganado un lugar privilegiado en el olimpo de las mejores canciones de todos los tiempos. Además, este tema fue el primer número uno en los Estados Unidos para The Temptations, que se convirtieron en el grupo insignia de Motown a mediados de los años 60. "Smokey nos enseñó por primera vez la canción en el descanso de un concierto en New York y entonces nos pareció igual de buena que el resto de sus composiciones", recuerda con humildad Otis Williams. "Pero
cuando volvimos a Detroit y grabamos las voces, sucedió algo mágico y la canción cobró vida". Aquel tema romántico se convirtió en un verdadero himno para el público en todos los rincones del mundo y, desde entonces, muchos aficionados a la música se han preguntado por qué Smokey Robinson no prefirió reservarlo para su banda. "Si no hubiera sido por The Temptations, nunca hubiera escrito "My Girl", porque la compuse pensando en la voz de David Ruffin", comenta con seriedad Smokey Robinson, quien incluso se enfrentó a Berry Gordy para conseguir que Ruffin fuera el vocalista principal en este tema. "Así que no puedo decir "Oh, como me habría gustado quedarme esta canción para mí, porque ellos fueron mi inspiración y estoy muy orgulloso de que resultara un gran éxito". Además de su estribillo contagioso, uno de los aspectos más destacados de "My Girl" es su característico riff de guitarra, que se ha convertido en uno de los más famosos de la historia de la música pop, junto al de "Satisfaction" de los Rolling Stones o el de "Smells Like A Teen Spirit" de Nirvana. Pero ¿quién tocaba realmente la guitarra y el resto de la música en los temas de Motown? En aquellos días, éste era el secreto mejor guardado de la discográfica y no saldría a la luz hasta 1971, con la edición de otro álbum histórico.
The Miracles
"The Tracks Of My Tears" de The Miracles (1965) Para muchos aficionados a la música soul, este éxito de The Miracles es una de las cumbres creativas del género. Puede que Stax Records sacara el lado más pasional de artistas como Otis Redding o Wilson Pickett, mientras en la Motown se sentían más atraídos por los ritmos contagiosos y los temas bailables, pero es innegable que Smokey Robinson y su banda supieron llegar hasta lo más profundo del alma con este tema de amor roto. Seguramente fue esta capacidad de transmitir los sentimientos lo que llevó a los editores de la revista Rolling Stone a poner este título en el puesto número 50 de las 500 mejores canciones de todos los tiempos, aunque su génesis no fuera tan sencilla como su éxito posterior. "La primera vez que llevé "The Tracks Of My Tears" a una reunión creativa, fue rechazada y tuve que presentarla a tres reuniones más hasta llegar a lo que es hoy", recuerda con una sonrisa Smokey Robinson, que ya sabía cómo funcionaba la trastienda de Motown. "La primera versión del tema no terminaba con el estribillo… "So take a good look at my face, you'll see my smile looks out of place", sino que lo hacía con "I need you, I need you" y el riff de guitarra por debajo. Esa fue una de las críticas que nos hicieron: "El estribillo de la canción es muy bueno, ¿por qué no termináis con él?" Así que tuvimos que grabarla de nuevo". Pero aquel nivel de exigencia era uno de los pilares de la discográfica y el tiempo ha demostrado que las canciones que fueron aceptadas como singles, se han convertido en clásicos absolutos. Incluso puede que Bob Dylan tuviera en mente esta canción cuando dijo que Smokey Robinson era "el mejor poeta vivo de América".
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"Reach Out (I'll Be There)" de The Four Tops (1966) The Four Tops fueron una de las bandas más populares de la primera época de Motown y contribuyeron a definir el sonido tan característico de la discográfica durante la década de los 60, con su estilo elegante, sus coreografías y su repertorio. Trabajando estrechamente con Holland-Dozier-Holland, el equipo de compositores y productores que les asignó el sello, la banda tuvo su primer número uno en el Billboard en 1965 con "I Can't Help Myself (Sugar Pie, Honey Bunch)" y repitió posición un año más tarde con "Reach Out (I'll Be There)", que se convirtió en su canción estrella. Entonces, los temas blandos ya no estaban de moda y el nuevo tono en la interpretación vocal de Levi Stubbs (en la frontera que separa el cantar del gritar) era lo que la gente quería escuchar en las pistas de baile. A pesar del éxito cosechado, The Four Tops son, a día de hoy, una de las bandas menos reivindicadas del sello, aunque Smokey Robinson les tiene un cariño muy especial. "Tenemos una fantástica relación de familia con todos los artistas de Motown que están vivos. Ayer estuve en Detroit y no había visto a Duke Fakir de los Four Tops en dos años. Cuando le veo es como si hubiéramos estado juntos todo ese tiempo. No necesitamos retomar la relación, sólo nos abrazamos durante cinco minutos y nos queremos, porque es mi hermano, es lo que sentimos el uno por el otro". Escuchando estas palabras tan emotivas, queda claro que todo lo que se vivió en Hitsville USA durante la era dorada de Motown marcó para siempre a sus protagonistas y estos nunca podrán olvidar lo que allí sucedió. "The Four Tops es un grupo maravilloso y siempre tuvimos una relación de rivalidad amistosa", comenta Otis Williams, al recordar los días en que las dos bandas encadenaban singles en las listas de éxitos. "Y sigue habiéndola, porque de vez en cuando aún salimos juntos de gira".
les de 1967. Gracias a este hit imprevisto, Berry Gordy decidió dar una segunda oportunidad a la versión de Marvin Gaye, que se editó a finales de 1968 y se convirtió en el mayor éxito de la Motown hasta la fecha. "Berry es un hombre musicalmente muy crítico, siempre quiere las cosas perfectas", recuerda Smokey Robinson, a quien ya no le sorprende la fama de perfeccionista de su amigo. "Odiábamos cuando entraba al estudio porque hacía 235 mezclas del material ¡y acababa escogiendo la mezcla número dos! Pero no sólo era así con nosotros, también era así consigo mismo, por eso supe que nuestro estándar sería muy alto y siempre estuve convencido de que tendríamos éxito". Pocos podían imaginarlo entonces, pero los tiempos estaban cambiando y aquella versión de Marvin Gaye marcaría el inicio de una nueva corriente dentro de la música soul. Se acercaban los días de la psicodelia y del compromiso social.
THE COMPLETE MOTOWN #1 BOX (MOTOWN, UNIVERSAL, 2008) Puestos a celebrar el 50 aniversario de Motown ¿por qué no hacerlo con estilo? Eso debieron pensar los ejecutivos de Universal cuando idearon esta caja de coleccionista que contiene todos los números uno de la discográfica en 10 cd's y los presenta en un formato único, que recrea el legendario estudio de Hitsville USA, donde se grabaron todos aquellos clásicos. Un regalo que hará las delicias de los mitómanos, además de ser una magnífica introducción al universo Motown para los recién llegados.
STANDING IN THE SHADOWS OF MOTOWN (LIONS GATE, 2002) Motown tuvo las mayores estrellas del soul, pero ¿quién interpretaba la música en todos aquellos éxitos? Se trataba de un grupo de músicos de sesión que durante el día grababa los singles del sello y por las noches protagonizaba las jam sessions más salvajes de Detroit. Al final de su carrera, aquellos músicos desconocidos habían tocado en más números uno que los Beach Boys, los Rolling Stones, Elvis y los Beatles juntos. Pero no fue hasta el estreno de este documental que se descubrió su historia y se popularizó su nombre: The Funk Brothers.
Gladys Knight & The Pips
"I Heard It Through The Grapevine" de Gladys Knight & The Pips (1967) Motown cosechó nada más y nada menos que 110 top ten hits entre 1961 y 1971, pero si hay una canción que se adelantó a su tiempo, generó controversia y, además, logró representar la esencia del sonido de la discográfica, ésta fue "I Heard It Through The Grapevine". La historia de este single es un auténtico rompecabezas, pues la primera versión la grabaron The Miracles en 1966, pero Berry Gordy la rechazó en una de las reuniones creativas y decidió que no se editaba. Los rumores dicen que The Isley Brothers grabaron una segunda versión, pero no existe ninguna evidencia de esta sesión y se cree que fue cancelada a última hora. La tercera versión corrió a cargo de Marvin Gaye, la gran estrella del sello, que estaba convencido de que tenía un éxito entre manos, pero Gordy volvió a interponerse y, una vez más, decidió no editarlo. Así fue como unos recién llegados, Gladys Knight & The Pips, grabaron la cuarta versión y consiguieron que saliera como single, eso sí, sin demasiado apoyo por parte de la discográfica. A pesar de todo, el tema alcanzó el número uno del Billboard y permaneció en lo más alto durante seis semanas consecutivas a fina-
MOTOWN 50 (MOTOWN, UNIVERSAL, 2009) Puestos a recomendar homenajes curiosos con lo mejor de la discográfica de Detroit, no podemos pasar por alto este triple recopilatorio que contiene los temas más votados en la red por los fans de la Motown en España. Una colección que mezcla con descaro temas muy conocidos con otros poco habituales del sello y que darán nuevos aires a las fiestas más soul.
MOTOWN EN VINILO (MOTOWN, UNIVERAL, 2009) La celebración del 50 aniversario de Motown no sería lo mismo sin poder disfrutar de su música en el formato original en el que fue editada. Por este motivo, ahora se presenta una edición en vinilo de 180 gramos de diez de sus álbumes más emblemáticos como el ABC de The Jackson 5, Reach Out de The Four Tops o Songs In The Key Of Life de Stevie Wonder, entre muchas otras joyas. Sin duda, la manera más auténtica de adentrarse en el legado de Motown. Perfecto para coleccionistas.
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"I Want You Back" de The Jackson 5 (1969) Un dicho popular afirma que siempre hay un momento de calma antes de la gran tormenta y aquí es donde encaja a la perfección este tema de The Jackson 5. Corría el año 1969, los jóvenes de todo el mundo se oponían a la guerra de Vietnam, los Beatles daban su último concierto en la azotea de los estudios Apple, se celebraba el mítico festival de Woodstock y la utopía de la década de los 60 llegaba a su fin con la tragedia de Altamont, pero en las listas de éxitos aún había espacio para una brisa de aire fresco e inocencia juvenil. "I Want You Back" había sido rechazada por Gladys Knight & The Pips y los responsables del sello también la ofrecieron a Diana Ross con el título de "I Wanna Be Free", pero al final se convirtió en el primer número uno de The Jackson 5 para Motown, con la particularidad de que no se grabó en Detroit, sino en Los Ángeles, donde habían abierto una sede tres años antes. Curiosamente, este single habla de un chico que cree haberse precipitado al abandonar a su amada y lo cantaba un crío de apenas 11 años, llamado Michael Jackson. Pero su voz angelical y la melodía adictiva de la canción arrasaron entre el público masivo. "Todos los artistas que han formado parte de Motown siempre se asocian a la discográfica. Por ejemplo, coges a un chico como Michael Jackson, que ha tenido una de las carreras musicales más espectaculares después de dejar Motown, y sigue siendo considerado un artista del sello", afirma Smokey Robinson en referencia al éxito del cantante de The Jackson 5. "Cuando la gente piensa en Michael Jackson, piensa en Motown ¿entiendes? Motown pone una marca en sus artistas, como un bonito tatuaje, por el impacto que su música ha tenido en el mundo entero".
"War" de Edwin Starr (1970) Corría el año 1969 cuando Norman Whitfield y Barret Strong compusieron este himno de protesta contra la guerra de Vietnam. Como era habitual en Motown, la génesis de esta canción no fue nada fácil, pero al final se convirtió en uno de los éxitos más reconocidos del sello. La primera versión del tema la grabaron The Temptations, que entonces ya mostraban cierto interés por los sonidos psicodélicos, pero la cúpula de Motown decidió no sacarlo como single para no comprometer su imagen de chicos buenos. A pesar de todo, miles de jóvenes de todo el país empezaron a mandar cartas pidiendo que se editara, puesto que se sentían identificados con su mensaje pacifista y con su letra explícita: "War, what is it good for? Absolutely nothin!". Después de muchas discusiones creativas, Berry Gordy decidió que otro artista grabara el tema y el elegido fue un recién llegado, Edwin Starr. "Nuestra versión se incluyó en el álbum Psychedelic Shack", comenta Otis Williams. "Eso sí, cuando Norman la grabó de nuevo con Edwin, ya tenían muy claro que sería un single, pero no nos enfadamos, puesto que nosotros teníamos más hits en el repertorio". Aquella segunda versión de "War" se grabó en 1970 y resultó ser mucho más intensa y experimental que la original, escalando rápidamente hasta lo más alto del Billboard y convirtiéndose en un fenómeno. "Siento que aquellas canciones representaban a América y lo que el país debía ser en lo que respecta a las personas, por su música sin color, sin preferencias espirituales y, sobretodo, sin barreras", reflexiona Smokey Robinson sobre los temas que grabaron en aquella época tan convulsa. "Motown tuvo un gran alcance y todo el mundo se unió al mismo tipo de música". Era evidente que la juventud americana quería un cambio y encontraron en esas canciones comprometidas la mejor manera de manifestarse. Incluso los soldados destinados al Delta del Mekong se aislaban de los horrores de la guerra con aquellos álbumes psicodélicos como banda sonora. Nunca la música había significado tanto y había traspasado tantas barreras.
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"What's Going On" de Marvin Gaye (1971) Llegamos al final de este viaje de la mano de Marvin Gaye, el artista más genial y controvertido que salió de Motown. En palabras de Otis Williams, "se trataba de una persona muy especial y creativa, a quien le encantaba divertirse, pero al mismo tiempo disfrutaba siendo un espíritu libre". En la década de los 60, Marvin Gaye se convirtió en uno de los cantantes más populares entre el público femenino, gracias a sus temas románticos y a su voz sensual, pero a principios de los años 70 su vida personal y profesional estaban desmoronándose. Tammi Terrell, su compañera de duetos en decenas de hits, había fallecido y su hermano le mandaba cartas desde Vietnam, contándole las miserias de la guerra. Marvin Gaye descendió a los infiernos, tocó fondo y resurgió con una idea clara: hacer una música soul más comprometida con los tiempos que corrían. En junio de 1970, el artista grabó un tema titulado "What's Going On" y lo presentó a Berry Gordy, quien no lo aceptó por su contenido político. Pero, lejos de darse por vencido, siguió presionando a los directivos del sello, hasta que consiguió que lo editaran como single y éste permaneció cinco semanas en lo más alto de las listas de éxitos. "Sorprendentemente, "What's Going On" estuvo aparcada en una lata durante muchos meses antes de que Berry decidiera sacar-
la al mercado", recuerda Otis Williams, que desconocía lo que Marvin Gaye estaba grabando en aquellos días. "La primera vez que la escuché fue en la radio, mientras conducía por la autopista, y tuve que parar en la cuneta porque me quedé asombrado. Era una canción realmente única". Berry Gordy enseguida vio el potencial de aquella música más refinada y pidió a Marvin Gaye que grabara un álbum entero. Así fue como el artista compuso y produjo una obra conceptual, donde las canciones se encadenaban en un bucle que empezaba y terminaba con la eterna pregunta de su tema central. Curiosamente, este álbum fue el primero en acreditar a The Funk Brothers (los músicos de sesión del sello), después de muchos años grabando éxitos en la sombra. "What's Going On" cambió para siempre la historia de la música y hoy no es extraño que encabece las listas de los mejores álbumes y singles de todos los tiempos. A pesar de todo, Motown atravesaba un momento de cambio y se trasladó definitivamente a Los Ángeles, donde estaba la industria del espectáculo. Nadie podía imaginarlo entonces, pero aquella jugada sería el inicio del fin. "No creo que ninguna compañía de discos pueda ser jamás lo que Motown fue", afirma con rotundidad Smokey Robinson. "Motown fue un acontecimiento musical que se da una sola vez, nunca sucedió antes y nunca volverá a suceder así".