Trabajo realización de un libro de artista con tipologia secuencial polisémica y técnicas múltiples by Diego Marín

GIMNASIO LA COLINA

Realización de un libro de artista con tipología secuencial polisémica y técnicas múltiples

Laura Patricia Bolívar Trujillo

Resumen En este trabajo se habla de los libros de artista, se remite a sus fundadores e influencias y se profundiza sobre sus características principales. Teniendo como base los aspectos propios y característicos del libro-arte se realizó el libro “X-Y-Z” con tipología secuencial polisémica y técnicas múltiples. Para ello se realizó una bitácora de trabajo, diseño y construcción como instrumento metodológico que sirvió de borrador para el libro auténtico. This work talks about artists’ books, refers to its founders and influences and discusses on its key features. Having into account the main aspects and characteristics of the artist’s book, an artists book was made with polysemous sequential typology and multiple techniques. For the realization of the artists’ book a journal of work, design and construction was made out as a methodological tool that served as draft for the authentic artists’ book.

Palabras clave Libro de artista; libro-arte; libro-objeto; Artist’s book; book art; book object

REALIZACIÓN DE UN LIBRO DE ARTISTA CON TIPOLOGÍA SECUENCIAL POLISÉMICA Y TÉCNICAS MÚLTIPLES

Laura Patricia Bolívar Trujillo

Trabajo de grado para optar al título de Bachiller

Asesor: Danny Loaiza Lic. en Literatura

GIMNASIO LA COLINA DEPARTAMENTO DE LENGUAJE, LITERATURA E INVESTIGACIÓN METODOLOGÍA DE LA INVESTIGACIÓN CALI, COLOMBIA 2013-2014

CONTENIDO Pág INTRODUCCIÓN

1. PROBLEMA

1.1 PREGUNTA PROBLEMA

1.2 PREGUNTAS SECUNDARIAS

2. HIPÓTESIS

3. OBJETIVOS

3.1. OBJETIVO GENERAL

3.2. OBJETIVOS ESPECÍFICOS

4. JUSTIFICACIÓN

5. MARCO TEÓRICO

5.1 RELACIÓN IMAGEN-TEXTO EN EL LIBRO DESDE FINALES DEL IV 8 MILENIO A.C HASTA EL SIGLO XIX 5.2 LIBRO DE ARTISTA

5.2.1 Historia del libro de artista

5.2.2 Características del libro de artista

6. CAPÍTULO PROPOSITIVO

6.1 METODOLOGÍA

6.1.1 BITÁCORA DE DISEÑO Y CONSTRUCCIÓN DE UN LIBRO DE ARTISTA

6.2 LIBRO DE ARTISTA

7. CONCLUSIONES

109

FUENTES DE CONSULTA

114

ANEXOS

121

INTRODUCCIÓN La mejor forma de introducir el libro de artista y su gran encanto radica en la explicación de su naturaleza, mezcla de técnicas y elementos artísticos para explorar campos infinitos de libertad creativa e imaginación que llega a los artistas así como a los espectadores de manera apasionante e intrigante. Presentarlo como ese objeto artístico innovador pero que aún no ha sido muy estudiado ni es muy conocido.

El libro de artista es un objeto artístico que tiene forma de libro, en donde los elementos plásticos y el texto se complementan aunque ellos prevalezcan sobre él. Este objeto de arte nace en el siglo XX influenciado por diferentes vanguardias, principalmente por el conceptualismo y el minimalismo con el fin de darle más importancia al valor visual y espacial de la página. Desde el principio adquirió características diferentes a los demás géneros artísticos convirtiéndolo en uno independiente, caracterizado por las múltiples posibilidades de combinación de técnicas, materiales, tipologías estructurales, secuenciales y narrativas, permitiendo que el mensaje transmitido sea atractivo y único.

Es así como el objetivo de este trabajo es realizar un libro de artista. Se identificarán las principales características del libro-arte, teniendo en cuenta cada una de las cualidades que le son propias. El instrumento metodológico para la realización del este será una bitácora de diseño y construcción, en donde se registrarán la elección de las técnicas, la estructura, los bocetos y el tema del producto final, el libro de artista.

1. PROBLEMA

1.1 Pregunta problema



¿Cómo hacer un libro de artista con tipología secuencial polisémica y técnicas múltiples?

1.2 Preguntas secundarias



¿Qué es un libro de artista?



¿Cuáles son las principales características de un libro de artista?



¿Cuáles son las posibilidades de expresión de las técnicas múltiples y la tipología secuencial polisémica para la realización de un libro de artista?



¿Cómo sistematizar el proceso de diseño y construcción de un libro de artista?

2. HIPÓTESIS

Teniendo en cuenta que los libros de artista no se pueden limitar a unas cuantas características porque son obras de arte, y que como género independiente de las Artes Plásticas tienen sus propias características como las tipologías secuenciales, narrativas y estructurales que permiten clasificarlos como tal. Se espera entonces que la elaboración de un libro de artista de ejemplar único con tipología secuencial polisémica y técnicas múltiples sea posible mediante el conocimiento del libro-arte y sus características más el instrumento metodológico, que es una bitácora de diseño y construcción, en la que se plasmará el proceso de creación.

3. OBJETIVOS

3.1 Objetivo general



Realizar un libro de artista con técnicas múltiples y tipología secuencial polisémica.

3.2 Objetivos específicos



Definir el concepto de libro de artista.



Identificar las principales características de un libro de artista.



Identificar las posibilidades de expresión que ofrecen las técnicas múltiples y la secuencia polisémica en la realización de un libro de artista.



Sistematizar el proceso de diseño y construcción de un libro de artista mediante una bitácora de creación.

4. JUSTIFICACIÓN

Durante toda mi vida mi pasión han sido las Artes Plásticas, encontrando fascinante la unión de la habilidad y la imaginación para la creación de objetos que generan sensaciones, experiencias y placer. Para mí el arte es una forma de expresión sensible y cautivante que reúne varios elementos para una composición armónica. Para este trabajo decidí optar por esta forma de expresión como una herramienta para explorar las infinitas posibilidades de combinación de todas las Artes Plásticas que me ofrece. Entonces decidí hacer para mi trabajo de grado un libro de artista.

Por otro lado, entre mis planes está el estudiar una carrera universitaria acerca las Artes Plásticas. Por esto, este trabajo significa para mí una introducción a mi futuro, pues representa una fusión de las Artes Plásticas comunes como un proceso artístico y creativo que pondrá a prueba mis habilidades imponiéndome un reto que originará una fase de profundización y aprendizaje de las diferentes técnicas y conceptos en el área artística.

Para el Gimnasio la Colina, este trabajo es pertinente porque no se ha hecho antes un proyecto relacionado con libros de artista. En otras palabras, este trabajo investigativo serviría como guía para próximas generaciones que quieran realizar un trabajo de grado relacionado con el libro-arte y/o el arte, al igual que para quien quiera explotar los diferentes campos del arte plástico en un solo objeto, o tal vez para quien se quiera deleitar con el tema.

5. MARCO TEÓRICO

5.1 Relación imagen-texto en el libro desde finales del IV milenio a.C. hasta el siglo XIX

En este capítulo se sintetiza la relación entre los elementos artísticos y el texto que ha tenido el libro desde Mesopotamia hasta el siglo XIX y que son influencia histórica de las páginas del libro de artista. Esto con el fin de contextualizar cómo se desarrolló la relación imagen-texto en el libro hasta llegar a la creación del libro de artista en el siglo XX. Para ello se consultará el segundo título del texto “El libro como obra de arte y como documento especial”, que habla sobre lo artístico en el libro desde

las tablillas de Mesopotamia hasta el siglo XIX, de la profesora de historia del arte en la Universidad de Barcelona, Magda Polo Pujadas (2010).

Para empezar, Pujadas (2010) reconoce la escritura cuneiforme como de las más antiguas formas que se conoce y la que le otorgó vida al libro como idea y forma. A finales del milenio IV, en el medio Oriente, al sur de la antigua Mesopotamia, los sumerios empezaron a escribir su idioma mediante pictogramas e ideogramas, que eran signos representativos de palabras y objetos reales. Para su realización, se utilizaba una tabla de arcilla húmeda que se marcaba con un tallo vegetal con terminación en un ángulo muy agudo formado por dos semiplanos que se cortaban, o en forma de cuña (después se utilizaron el metal y la piedra). La tablilla de Kish (ver imagen No. 1) es una muestra de esta escritura, en donde aparecen cabezas, pies, manos, números y rastrillos, lo que demuestra la unión de la escritura y lo plástico con la función de comunicar. Este tipo de escritura inspiró la creación de nuevos alfabetos y fue adoptada por otras lenguas.

Imagen No. 1 Tablilla de Kish (3500 adC) Irak (http://commons.wikimedia.org)

Según Velázquez (s.f.) en el siglo V a.C, se cambió la arcilla, la cerámica y la piedra por la madera a la que se le aplicaba una capa de barniz blanco y se pintaba sobre

ella con tinta negra y cálamo la escritura, con esto la técnica de incisión quedó en el pasado.

En su texto, Pujadas (2010) sostiene que en la antigua China, en el siglo XXI a.C., aparecieron los rollos como manuscritos, en donde los textos eran plasmados en una larga lámina de papiro, pergamino, bambú, tablillas de madera, seda, tela de lino, cueros, pieles, hojas de palma o corteza de abedul enrollados sobre sí mismos. Por su longitud, de más de 20 metros, el rollo trabajó la idea de objeto único porque bajo estas dimensiones aprovechó las posibilidades espaciales de la página.

Según Ariagno (2012), a finales del siglo I d.C., T’sai Lun, de la dinastía Han oriental fabricó un nuevo soporte para la escritura, una hoja apta para escribir con tinta y pincel, elaborada con la corteza interna de la Morera del papel (Broussonetia Papyrifera), las fibras de caña de bambú y otras plantas, originando el papel actual. Sin embargo, los chinos guardaron la técnica de la elaboración de papel por más de 500 años. Fueron los árabes quienes difundieron el papel.

Además, Polo (2010) sustenta que los libros de formato gigante en forma códice nacieron en el Medioevo y que estos contenían las sagradas escrituras a las que los clérigos dedicaban infinitas horas por la realización manual que requerían tales libros. Tal característica permite establecer que son también obras de arte por su trabajo a mano y que son ejemplares únicos. Los códices contenían detalles tan finos como la combinación de letras capitulares o de gran tamaño para empezar la escritura en compañía de la miniatura del resto de las letras o algunas ilustraciones que acompañaban el texto, como se puede ver en la imagen No. 2.

Imagen No.2. Muestras del Códice Gigas del siglo. (http://misteriosbiblia.com)

Pujadas (2010) menciona que al llegar el Renacimiento se incorporó de manera significativa lo artístico al libro, cuando en el siglo XIV, el Humanismo dio pie a una nueva forma de presentación del libro. El humanista Aldo Manuzio (1449-1515) logró otorgarle al libro el equilibrio entre el contenido y los elementos artísticos que lo complementaban. Manuzio inventó la letra aldina o cursiva, además de proporcionarle a la imagen y al texto la misma importancia en la página del libro, lo que hizo que la ilustración alcanzara un nivel más artístico en el libro.

Imagen No.3. Hypnerotomachia Poliphili (El sueño de Polifilo) 1499 de Aldo Manuzio (http://1.bp.blogspot.com)

Según Pujadas (2010), durante el siglo XIV, época del Renacimiento, se incorporó de manera significativa lo artístico en el libro cuando los humanistas Geoffrey

Tory Champfleury (1480-1533), Firmin Didot (1764-1836), Gianbattista Bodoni (17401813) y William Morris (1834-1896) manejaron la tipografía junto al diseño gráfico para otorgarle al libro un equilibrio entre el contenido y lo artístico que lo complementaba (ver imagen No.4). Además de este avance tipográfico, los humanistas decoraron las páginas con el fin de proporcionarle valor espacial a la página, como se puede ver en la obra de John Ruskin (1819-1900) “The nature of Gothic”, quien trabaja unos diseños decorativos artesanales alrededor del texto en la página (ver imagen No.5).

Imagen No.4 Champ Fleury  (Flowery Fields) de Tory, Geofroy  (http://www.insmkt.com)

Imagen No.5 The nature of Gothic de John Ruskin (http://eprints.rclis.org)

Concluyendo su escrito sobre lo artístico en el libro desde Mesopotamia hasta el siglo XIX, Pujadas (2010) explica que entrado el siglo XIX fue Stéphane Mallarmé (1842-1898), poeta simbolista francés, el que rompió de forma definitiva con la lectura cotidiana de la página en los libros al combinar la poesía con el diseño gráfico, solidificando la relación arte y Literatura que se había estado formando a través del tiempo. Con su obra “Un coup de dés jamais níabolira le Hasard”, Mallarmé desafíó tanto los límites espaciales de la página como los límites de lo artístico, se atrevió a desorientar la semántica al pasarle lo significativo a lo artístico en la página, creando un nuevo lenguaje, una nueva lectura y un nuevo arte en el libro. Mallarmé unificó su poesía con lo plástico, lo que le confirió a la relación literaria y artística en evolución un significado múltiple, absurdo y metafórico.

La obra de Mallarmé “Un coup de dès jamais níabolira le Hasard”, inspira a las primeras vanguardias del siglo XX, dejándoles una recopilación de la nueva página del

libro que contiene relación artística-literaria. Así algunas características del vínculo fueron: “la identificación entre poema y página, diferentes tipografías, la inclusión de imágenes, la ubicación de los elementos artísticos y literarios generando planos distintos y el quiebre del equilibrio entre la forma y el contenido por la nueva percepción artística” (Pujadas, 2010, p. 6), haciendo entonces del libro una obra de arte.

Imagen No.6 Un coup de dés jamais n'abolira le hasard de Stéphane Mallarmé. 1897. (http://webscene23.blogspot.com)

5.2 Libro de artista

De acuerdo con José Emilio Antón (2004), artista visual experto en los libros de artista, estos surgen como una forma de expresión del arte plástico y aunque, por ser un libro podría pensarse que un escritor de Literatura hace parte de su creación, el libroarte es desarrollado casi en su totalidad por un artista plástico. Antón (2004), manifiesta que este nuevo elemento de las Artes Plásticas surge en la segunda mitad del siglo XX como parte de las vanguardias artísticas con el propósito de romper con los parámetros del texto y la página tradicional de los libros, para así darle un mayor valor visual y espacial de la página, sin convertirse en un libro sobre arte o un libro común con imágenes. El libro de artista transmite información haciendo uso de su propio lenguaje,

siendo este un punto medio entre un libro y las Artes Plásticas (la Escultura, la Pintura, el Dibujo, la Fotografía y la Ilustración). Este nuevo sistema-lenguaje se puede presentar de diferentes formas, puesto que se caracteriza por la combinación de muchas funciones artísticas en donde el artista transmite un mensaje al lector extendiéndose en las diferentes texturas, imágenes, movimiento y demás ideas que la imaginación del artista proponga.

Al igual que José Emilio Antón (2004), Bibiana Crespo Martín (2011) es una experta en los libros de artista, y en su texto manifiesta que el libro de artista es un objeto artístico en sí mismo y que posee características propias que lo diferencia por completo de otras formas de expresión artísticas que se podrían considerar semejantes a éste como lo son la Pintura, la Escultura y la Literatura. Es así como todo esto hace que el libro de artista se convierta en un nuevo género artístico contemporáneo, innovador, interdisciplinario e independiente con su propio lenguaje, así como el cine o el videoarte.

5.2.1 Historia del libro de artista

El libro de artista nace en la segunda mitad del siglo XX, en el año de 1963 cuando Edward Ruscha lanza la primera edición de Twenty-six Gasoline Stations. Su obra se diferenció del resto de los libros de la época por ser una obra de arte, una innovación tanto para los libros como para las disciplinas artísticas, un nuevo medio de expresión y con esto un nuevo género de las Artes Plásticas denominado libro de artista. Esto se puede evidenciar en la imagen No.7, en ella se pueden distinguir algunas de las características artísticas que fueron las principales rupturas de lo tradicional en el libro, como la secuencia, el contenido y el valor visual de la página.

Imagen No.7 Twenty-six Gasoline Stations de Edward Ruscha. 1963 (http://isabellarivers.files.wordpress.com)

Entre los fundadores de este género estarían también Stèphane Mallarmé (18421898), Guillaume Apollinaire (1880-1918), los futuristas italianos, los dadaístas y los constructivistas rusos, así como Marcel Duchamp (1887-1968) con sus innovadoras ideas de op-art, happening, instalaciones, cajas contenedoras, arte conceptual, fluxus, también los poetas concretos y visuales fueron precursores del libro de artista. Todos ellos le otorgaron al libro una entidad artística propia al separarse del texto y de la página habitual con mayor interés por el valor visual y espacial de la página.

La imagen No. 8 hace referencia al ready-made Boîte-en-valise que realizó Marcel Duchamp, y es considerado el antecedente más cercano del libro de artista, reconocido como el primer libro-objeto del siglo XX.

Imagen No. 8 Boîte-en-valise de Marcel Duchamp (1936) (http://stephan.barron.free.fr)

Según José Emilio Antón (2004) el libro de artista, como parte de las vanguardias artísticas del siglo XX, sugiere a los artistas comenzar a experimentar con materiales y formatos diferentes a los tradicionales usados en la expresión de arte plástico. Al explorar la idea del uso del soporte del libro para explotarlo de una manera visual y artística, Edward Ruscha (1937-) y Dieter Roth (1930-1998), inician el nuevo género artístico y con ellos, el Minimalismo y el Arte Conceptual.

Del conceptualismo, el libro de artista adquiere la intención de que el arte resida en la idea y no en el objeto de arte. Esto significa que predomina el sentido de la obra sobre su forma plástica. Por otro lado, del minimalismo, los libros de artista se apropian del acabado y las técnicas de producción así como de su aspecto serial y la tendencia de reducir a lo esencial. Los poetas Mallarmé y Apollinaire rompieron con la idea del texto lineal al cambiar la estructura del poema con sus ideogramas, en los que dibujaban objetos con

el mismo texto del poema. A este acto se le llamó después poesía visual, la misma que incitó una nueva forma de lectura en las páginas.

De igual manera Antón y Montero (2012) aclaran que otras vanguardias hacen parte de los antecedentes del libro-arte por su característica de romper con las tradiciones artísticas, estas fueron:



El cubismo, al alejarse de la visión unifocal (vista única) para pasar a la representación de visión multifocal (más de una vista), incorporó el collage y la tipografía, para reducir todo elemento a esquemas geométricos basándose sólo en la realidad bidimensional del lienzo eliminando toda perspectiva e ilusión de profundidad del objeto.



El futurismo, su revolución poética e innovación visual en las páginas con la ruptura en la composición de ésta por medio de una transformación tipográfica que incluía una nueva ortografía y las onomatopeyas integradas en el texto, le otorga una forma más pictórica a la página y se rompe el modelo tradicional y así transforma el libro a un objeto más plástico-poético. Durante este movimiento se desarrollan la poesía concreta, visual y cinética, poesías que se presentan en el libro-arte.



El surrealismo le aportó al libro de artista el objeto surreal bajo el concepto de que todo aquello que cambie su naturaleza u objetivo es considerado un hecho artístico surrealista, entonces el libro-objeto adquiriría esta característica, ya que pierde una parte de su naturaleza y objetivo de libro y se transforma en obra de

arte en sí mismo. Además de ello, el surrealismo le aportó al libro de artista el concepto interdisciplinar de las artes.

Con la llegada de los libros de artista, las características físicas del libro común pasaron de ser limitadas a ser indeterminadas, es decir que los libros de artista incorporaron un carácter multidisciplinar en la elaboración del libro, aspecto que provocó que la lectura dejara de ser sólo lineal e involucrara los sentidos del lector, esto convirtió a los libros de artista en una experiencia única. Influenciados por vanguardias artísticas, estos libros dejaron a un lado las ideas tradicionalistas, lo que los denominó innovadores de la lectura y el arte.

La mezcla de todos los antecedentes históricos del libro de artista así como los materiales que van desde barro o fluidos humanos hasta apoyos digitales; todo tipo de formas desde tablas o vidrio hasta libros editados en computador; todo tipo de técnicas artísticas y otro tipo de géneros como el videoarte, el cómic y el performance; todas ellas se unen para realizar el libro-arte como medio de expresión artística de gran libertad creativa.

5.2.2 Características del Libro de artista

Como se dijo en anteriores capítulos, la libertad creativa que este libro-objeto le da al artista es ilimitada, esto es lo que hace casi imposible clasificar y organizar el amplio y variado repertorio de libros de artista que existen y que existirán. Aunque no todos los libros de artista tengan las mismas características, este capítulo buscará abarcar la mayoría de las características principales que unen a todos los libros de artista en un solo género. 19

El libro-arte no se lee, sino que propone al lector experiencias de manera dinámica, pues muchas veces necesita que lo manipulen para completarse, es decir, se necesita la participación del lector en la obra para convertirlo en sujeto activo, entonces el espectador es necesario para el libro-objeto. Es cierto que todo libro necesita alguna manipulación del lector para completar su objetivo, sin embargo refiriéndose a la manipulación de un libro de artista, esto va más allá de la corta acción de pasar sus páginas ya que el lector llega a complementar el libro.

Antón y Montero (2012) aclaran esto en su texto sobre los libros de artista participativos que, desde las primeras vanguardias artísticas, la participación del espectador en la obra se convierte en una necesidad para que el objeto artístico sea. Es así como los libros de artista adoptan esta característica y requieren que el lector se convierta en el elemento clave al intervenir de una manera activa. Por ejemplo, con la buena intervención del espectador un libro de artista se convierte en una obra tridimensional cuando el lector lo manipula para hacer y deshacer dentro de sus páginas. Otro ejemplo de la demandante participación del espectador es cuando, a partir de los elementos presentes en el libro se pueden construir obras independientes, de esta manera en los libros de artista se requiere la intervención del lector para su buen desarrollo como objeto artístico.

Como los libros de artista se relacionan con el medio artístico, es normal que se encuentren en exposiciones, galerías y museos, como si se tratara de una Escultura o una Pintura. Así que también es común encontrarse tanto con un solo ejemplar en el

mundo, como encontrarse libros de artista que hagan parte de una edición seriada. Claro está que de ambas maneras los libros de artista llevan siempre la firma del autor.

De esta manera, Antón y Montero (2012) en su escrito sobre los tipos de libros de artista determinan que un libro de artista de ejemplar único puede clasificarse en las siguientes subcategorías:



Un libro de artista original, en el que se mantiene una estructura semejante a los libros tradicionales pero en el que el artista realiza además una obra plástica por cualquier procedimiento.



Un libro-objeto, en donde la obra se realiza en tres dimensiones y se contempla como la totalidad de su forma.



Un libro-montaje, que se refiere a las obras que se sitúan e interactúan con un espacio y donde sus dimensiones sobrepasan el formato tradicional de un libro.



Un libro reciclado, el cual parte de una obra original o un libro normal que, al ser manipulado por el artista, se convierte en una obra original.

Por otro lado, Antón y Montero (2012) señalan que el libro de artista seriado, tiene desde cinco a mil ejemplares, está desarrollado por un artista plástico que utiliza diferentes técnicas para la repetición del mismo libro como la serigrafía, la litografía, la linografía, el aguafuerte, la xilografía, el offset, la electrografía y las impresoras, que siempre son controladas por el mismo artista. Además, resaltan que existen editoriales 21

especializadas en libros de artista que son encargadas de poner los medios para hacer réplicas exactas del libro, bajo la supervisión del propio artista.

Además de estas características existen muchas otras clasificaciones para los libros de artista teniendo en cuenta su contenido, el movimiento al que pertenecen, el objetivo que persiguen, los materiales empleados, entre otros. De esta manera serían: libros de viaje, conceptuales, minimalistas, móviles, combinatorios, xilográficos y constructivistas.

El libro-arte es entonces una forma de expresión que cautiva al espectador en todos los sentidos. Puede ser una Escultura-libro-objeto, una Pintura en movimiento, un conjunto minimal, una propuesta conceptual o un libro de cuentos visuales, en otras palabras, puede ser lo que el artista quiera proponer.

Las siguientes clasificaciones son las características generales de los libros de artista, empero, se debe dejar claro que no siempre estos objetos artísticos deben estar obligados a cumplir estas, puesto que el libro de artista es un género tan extenso e ilimitado que es imposible clasificarlos a todos con algunas características.

5.2.2.1 Tipologías estructurales (forma). La encuadernación y la estructura de un libro no son lo mismo, para identificar la diferencia se debe tener en cuenta la forma y no la mecánica, sin embargo, el papel, la cubierta y la encuadernación de un libro pueden actuar en contra o a favor de él, esto sería la mecánica. Para entender la importancia que tiene la forma o estructura en un libro de artista se podría hacer referencia al autor Renne Rises Hubert (1999), quien dice que por la imposición de elementos visuales y táctiles, los libros de artista pueden controlar la forma física de sostenerlos y leerlos, pues al 22

escoger diferentes materiales, tamaños, texturas y colores se pueden manipular sus lectores. Con base a esto, se puede decir que no hay ninguna fórmula para coordinar las partes del libro y que hay artistas que dan prioridad a la estructura para darle organización física y formal al libro, claro que no quiere decir que el contenido tenga menor importancia. Otros artistas unen la forma con el contenido y puede verse como que ella depende de él.

A continuación se detallarán algunas tipologías estructurales teniendo como guía a Bibiana Crespo Martín (2011), (quien trata las tipologías estructurales que pueden adquirir los libros de artista) y a Antón (2012) en su capítulo sobre la forma en los libros de artista en el que habla las múltiples formas en las que se pueden encontrar los libros de artista:

La forma códex, es en la que las páginas de un libro se unen por el extremo longitudinal izquierdo formando una columna vertebral para el libro. Se usa la palabra códex para distinguir la estructura de las demás que se verán a continuación y de los libros modernos que usan la forma códice (códex en latín) para la encuadernación. Cabe mencionar que existen estructuras que son variaciones de la forma códex. En la imagen No. 9 se puede observar la unión de las páginas de la forma códex y cómo se constituye como un soporte vertical para el libro.

Imagen No. 9 Codex Calixtinus (s.a.s.f. http://www.codexcalixtinusfacsimil.com) Tipología estructural: códex.

La forma tipo rollo es una tira de papel que se enrolla sobre sí misma, no es usada casi por los artistas pero existen excepciones. Lo interesante de esta estructura es la forma en la que se da su lenta lectura que sumerge al lector en la página. El rollo puede ser de diversos materiales flexibles, escritos o pintados. Esta estructura ha sido usada en diversas culturas. En los libros de artista puede presentarse de dos maneras: Anopistógrafo, que significa que el texto o la obra plástica está realizada sólo en una de las caras, u opistógrafo, que significa que el texto o la obra plástica está realizada en ambas caras del rollo. A manera de ejemplo en la imagen No. 10 se puede ver la tira de papel completa a la derecha y esta misma pero enrollada sobre sí misma a la izquierda.

Imagen No.10 La Prose du Transiberien de Sonia (http://www.connaissancedesarts.com) Tipología estructural: rollo

Delaunay

Blaise

Cendrars.

Según Antón (2012), las tablillas son otro tipo de estructura que puede adoptar un libro de artista, este formato es uno de los más antiguos usados para la elaboración de libros. Las tablillas son placas que se utilizan como base y son realizadas con materiales como el bambú, la madera, el hueso, la concha, la arcilla y el metal. Para que sea posible escribir sobre estas, se cubren de cera, barniz o yeso, igualmente se pueden utilizar métodos como penetrar el material con un objeto punzante en el caso de que no sean cubiertas con otro material. Como ejemplo, en la imagen No.11 se puede notar este tipo de estructura y como proporciona medios visuales y físicos en el libro.

Imagen No.11. Apuntes herméticos de Ángel Saenz Montero, 2011. (http://issuu.com) Tipología estructural: tablillas.

Crespo (2011) señala que la forma de punto fijo, otra de las tipologías estructurales, se basa en unir las hojas sueltas por un mismo punto lo que le da movimiento a la lectura del libro en general. Por su simplicidad, permite que las hojas que componen el libro-arte puedan ser de diferentes materiales, texturas y demás. Así mismo, las obras con punto fijo se caracterizan por su elasticidad, tanto así que la obra parece desplegarse como una baraja de cartas, de tal forma que el lector puede mostrar o esconder algunas imágenes abordando la lectura de diferentes maneras. Esta forma también recibe el nombre de abanico por la unión de sus páginas, a manera de ejemplo se podría pensar en las muestras de Pinturas o telas que, de una esquina, de un punto fijo están unidas de tal manera que parecen un abanico. La forma de organización de las páginas permite al espectador revelar u ocultar una amplia o estrecha cantidad de páginas a su antojo. Como se puede ver en la imagen No.12 esta estructura puede explotarse de manera visual por la elasticidad que presenta y es ejemplo de cómo la estructura punto fijo produce un efecto cautivador en su adaptación a libros-objeto.

Imagen No.12 Chicago skyline de Conrad Gleber,1977. (http://exhibits.library.ualberta.ca) Tipología estructural: punto fijo.

Crespo (2011) se refiere a la forma veneciana, como la estructura más usada en las culturas del Pacífico (Asia, Australia y América). Esta forma consta de dos hilos que atraviesan las hojas de forma longitudinal, al estirar los extremos de esos hilos el libro queda plegado y cerrado. Aunque se separen las páginas estas tienen una relación de continuidad porque cada una funciona como parte de una imagen total, lo que da continuidad visual y da un efecto de lectura lineal. Mientras que en la forma códex hay unos saltos página a página en la estructura veneciana, como se puede ver en la imagen No. 13, se pueden unir las imágenes para formar una sola.

Imagen No.13 Memory loss de Scott McCarney, 1988. (http://www.vampandtramp.com) Tipología estructural: Veneciana.

A diferencia de Crespo, Antón (2012) sustenta que el pop-up es un tipo de estructura y que se encuentra en los libros en los que la arquitectura interior de sus páginas permite un juego de movimientos y construcciones tridimensionales. El pop-up suele realizarse mediante técnicas de dobleces, recortes y pegados en las figuras que aparecen cuando se cambia la página, dando sensación de movimiento. Entre las estructuras tridimensionales que un libro-objeto puede adquirir está también el tipo escultórico, que consiste en una obra tridimensional que no tiene lectura interna sino que se basa en una lectura de su aspecto externo cuyo contenido suele ser corto. En la imagen No 14 se puede observar el dinamismo que ofrece esta estructura.

Imagen No.14 Book de Lucas Samaras, 1968. (http://debellefeuille.com) Tipología estructural: pop-up

Tanto Crespo (2011) como Antón (2012) consideran que la forma de acordeón consiste en el pliegue de la hoja sobre sí misma de forma alternativa para crear las páginas. Crespo Martín sustenta que esta estructura es muy famosa en los libros de artista por la facilidad en la que se puede dar una continuidad o una ruptura, según lo que quiera el espectador. Ambos expertos están de acuerdo en que la forma acordeón presenta una característica particular y es que se puede leer de izquierda a derecha o al revés, es decir que su estructura no está hecha para una lectura lineal. Además, los elementos gráficos permiten una continuidad a través de las páginas, lo que la mayoría

de las veces determina la lectura del libro. Se encuentran a veces acordeones dentro de estructuras códex, en donde cada página puede ser un acordeón. Igualmente se ven acordeones unidos en un punto fijo. Se pueden crear infinitas posibilidades gracias a la creatividad de los artistas y estas se podrían denominar como formas compuestas. La imagen No 15 es un ejemplo de la forma acordeón, en ella se puede evidenciar que la lectura no es lineal si no dinámica.

Imagen No.15 ABC de Hyde Kyle (s.f. http://www.udc.es) Tipología estructural: acordeón.

Crespo (2011) profundiza sobre as formas compuestas, según ella, estas son las diferentes combinaciones que se pueden crear al usar dos o más tipos de encuadernaciones de las que ya se expusieron. Al ser combinaciones presentan variaciones en el ritmo de la lectura por sus mutaciones, que invitan al artista y al lector a intentar todas las opciones posibles de la forma del libro. Sin embargo, las formas compuestas se pueden clasificar en tres: la forma gemela o dos-a-dos, la forma french doors y la forma concertina. Es importante tener en cuenta que estas clasificaciones son otras estructuras pero no son nuevas encuadernaciones como las anteriores sino que son sólo producto de la mezcla de las originales.

La forma gemela o dos-a-dos está constituida por dos códex, como dos textos cosidos de forma separada pero que comparten la contraportada, estos no se pueden leer a la vez, pues mientras se lee uno la portada del otro sirve como contraportada del primero. En los libros de artista no es muy común pero existen obras con esta estructura. La siguiente forma compuesta es french doors , que al igual que la forma gemela está compuesta por dos códex en donde ambos textos están encuadernados por separado pero comparten una misma contraportada, en este caso esta es tan grande como el ancho de los dos códices dejándolos entonces en el mismo plano de lectura. Uno de los códices estará en el extremo izquierdo y el otro en el extremo derecho, lo que permitirá las diferentes formas de lectura; como por ejemplo que el del lado izquierdo tenga continuidad en el derecho o que algunos dobleces en las hojas de cada códice creen nuevas páginas en el interior.

La imagen No. 16 es un buen ejemplo de la forma compuesta french doors, en ella se pueden observar como las páginas del lado izquierdo en conjunto con las del derecho constituyen una nueva imagen otorgándole al libro dinamismo en la lectura.

Imagen No.16 Family album/Álbum familiar de Ann Chamberlain, 1991. (http://www.udc.es) tipología estructural: French doors.

La concertina es la forma compuesta más usada por los artistas, según Crespo (2011). En esta las diferentes secciones están cosidas en una encuadernación cuyo lomo es un pliego con forma acordeón, cada una de las secciones es un texto de forma códex que está cosido a los pliegos de una forma acordeón, esto permite que las páginas unidas de forma códex se extiendan por la movilidad que les facilita la forma acordeón. La forma compuesta concertina brinda muchas posibilidades de combinación en las tapas y en el lomo. Como se ve en la imagen No. 17 la estructura concertina le otorga al poema de Kit Robison y Lyn Benjinian la articulación del diálogo que se da por la separación de espacios.

Imagen No.17 Individuals de Charles Alexander, Kit Robison y Lyn Benjinian, 1988. (http://mimeomimeo.blogspot.com) Tipología estructural: Concertina.

Además de todos los anteriores tipos de estructuras que puede adoptar un libro de artista, existe una que va más allá de la encuadernación y es la forma de caja u otra clase de poliedro. Algunos son contenedores de imágenes y/u objetos lo que le da al espectador una sensación de lectura sobre cosas secretas, pero otros sólo adoptan la

estructura de una caja. El uso de la caja como contenedor suele ser útil para mantener elementos bi o tridimensionales que estando juntos no pueden ser leídos. La imagen No. 18 hace alusión a un libro de artista con estructura caja-contenedor, como se puede observar es contenedora de imágenes y es posible su lectura solo después de descubrir lo que lleva dentro.

Imagen No.18 Maison Manquante de Christian Boltanski 1990. (http://www.jnfeditions.com) Tipología estructural: Caja-contenedor.

Como complemento a las estructuras compuestas, Antón (2012) agrega en su texto sobre las formas de los libros de artista que existe otra estructura que va más allá de las anteriores y se denomina silueteada, que refiere al tipo silueteado en el que el libro adopta una forma diferente a la rectangular que es tradicional y se adapta a lo que el artista busca moldear en la estructura de su libro-arte. El término silueteada se refiere a que la silueta del libro se ve alterada. Como se puede ver en la imagen No. 19 el libro de artista Pocus tiene una estructura diferente a la tradicional rectangular del libro y emplea un manejo del espacio con un fin artístico.

Imagen No.19 Pocus de José Emilio Antón, 2012. (http://issuu.com) Tipología estructural: Silueteado.

5.2.2.2 Técnicas. Según la DRAE (2001), las técnicas son el procedimiento o conjunto de reglas y normas que tienen como objetivo obtener un resultado determinado. En pro de alcanzar el objetivo se deben tener unas destrezas manuales e intelectuales, las herramientas y los conocimientos específicos del oficio a realizar. De acuerdo con Antón y Montero (2012), para el libro de artista se pueden identificar nueve técnicas principales que permiten abarcar desde diferentes perspectivas el contenido del libroarte.

Para empezar, está la técnica de incisión que se realiza con instrumentos afilados mediante hendiduras o cortes que generan los dibujos, formas o signos que se quieren. El manuscrito, es otra técnica, que se basa en la escritura manual, la cual es realizada mediante grafismos o superposición de varios tipos de escritura. El manuscrito puede experimentarse mediante la caligrafía o la poesía concreta. La siguiente es el dibujo, que es un arte visual manual, es decir que se utiliza la mano para realizarlo. Para representar una figura o realizar una imagen en dos dimensiones se usan diferentes medios, los materiales más comunes son los lápices, el grafito, los carbones, los crayones y la pluma 33

estilográfica. Existen cinco tipos de dibujo: artístico, técnico, geométrico, mecánico y arquitectónico.

La Pintura es otra de las técnicas que se utiliza en el libro-arte realizada a partir de métodos pictóricos que conforman su contenido. Algunas de las técnicas de Pintura son las siguientes: acuarela, gouache 1 , aerografía 2 , acrílico, pastel, fresco 3 , tinta, tempera, vinilo y encáustica4. Aunque en general el dibujo es incluido entre las técnicas pictóricas en el libro de artista es tratado aparte.

La fotografía, así como la incisión, el dibujo y la Pintura, es una técnica utilizada en el libro de artista, y es de las más importantes porque ha acompañado al libro-arte desde sus inicios. Para incluir fotografía en el libro-arte se utilizan las técnicas fotográficas. Las técnicas de la fotografía pueden variar dependiendo del objeto o la situación al fotografiar, aunque existen aficionados que emplean técnicas indistintamente, desde el punto profesional se siguen unas normas que dependen del contexto y el fin que se desea. Los principales contextos son: el deporte, los bodegones, la fotografía arquitectónica, los retratos, la fotografía nocturna, la fotografía de paisajes y la fotografía submarina. Para cada uno de estos contextos se debe tener en cuenta varios factores, ya sea la perspectiva, la velocidad de la cámara para captar la imagen, la iluminación la composición, el enfoque, el encuadre, el flash, los lentes o tele-

Según la página en internet www.profesorenlinea.cl , el gouache es una técnica de Pintura parecida a la acuarela pero más opaca porque carece de luminosidad, su textura es similar al óleo. 2 Según la enciclopedia libre es.wikipedia.org, la aerografía es una técnica en la que se usa el aerógrafo para la aplicación de Pintura por aspersión sobre una superficie o un objeto. 3 Según la enciclopedia libre es.wikipedia.org, el fresco es una Pintura realizada sobre una superficie cubierta con cemento sobre la que se aplican los pigmentos cuando la segunda capa aún está fresca. 4 Según la enciclopedia libre es.wikipedia.org, la encáustica es una técnica que se caracteriza por el uso de la cera para diluir los pigmentos, esta mezcla es densa por lo que tiene buena cobertura, además es aplicada con un pincel o una espátula caliente.

objetivos utilizados, la temperatura de color, el diafragma, la resolución, los filtros o el ángulo de visión.

Entre las técnicas utilizadas en el libro de artista se encuentran el collage y su opuesto el décollage. El collage es una técnica artística que consiste en pegar elementos diversos en un todo unido. Viene del francés coller que significa pegar. Por el contrario, en vez de construir una imagen con otras o parte de ellas, el décollage se crea cortando, rasgando o eliminando partes de la imagen original.

También son utilizadas en el libro de artista la técnica del bordado, en la que los hilos forman las imágenes sobre el soporte del libro-arte, y la técnica de objetoencontrado, en la que el objeto que fue encontrado sorprende al lector.

5.2.2.3 Temática. Antón (2012) en el capitulo sobre la temática en los libros de artista en su libro sobre los libros de artista resalta que se debe tener en cuenta que no se pueden clasificar debido a las infinitas elecciones que tiene al artista para trabajar en él pero entonces en su capítulo trabaja la clasificación referente al contenido del libro-arte mencionando sólo las temáticas más utilizadas:

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El texto: según el diccionario en línea http://definición.de (2008), el texto es la representación a través de un sistema de signos, que posee cierta finalidad comunicativa. El texto en el libro de artista es sólo un elemento más que componen la obra, no obstante, en el caso de ser temática de un libro de artista se convierte en el elemento principal según Crespo (2011), lo anterior se profundizará más adelante en el capítulo sobre las tipologías narrativas.



Los apuntes y/o bocetos: Se caracterizan por no ser la obra completa, se usan para referirse a ella porque son parte del proceso que tiene el autor durante la realización de su obra. En general, son las ideas y planes en las que se basa la obra. En el libro de artista cumplen un papel muy importante ya que es común de muchos artistas transformar sus antiguos cuadernos de bocetos y/o apuntes a libros de artista.

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Las memorias y viajes: Son temas comunes en el libro de artista, según José Emilio Antón (2012), elaborados por medio de la recopilación de elementos referidos a memorias de acontecimientos puntuales o diarios que funcionan como testimonio. También puede ser realizado por medio de la recopilación del material esencial de artistas o investigadores.

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Los movimientos artísticos: Son parte de los libros de artista representados por medio de técnicas pictóricas u otras, esto significa que un libro de artista puede hacer alusión a un movimiento artístico si en la mayoría de su contenido existen elementos que tengan relación con el movimiento.

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Herbario y bestiario: Son utilizados para hacer referencia, el primero a la descripción de plantas y estudios botánicos; y el segundo, muy popular en la edad media, hace referencia a un manual de bestias en la que se ilustran animales reales o fantásticas acompañadas de una lección moral, por tanto, el bestiario es también una referencia al lenguaje simbólico de los animales en la Literatura y el arte.



Iconográfico: Según el diccionario en línea http://definicion.de (2008), la iconografía estudia el origen y la elaboración de las imágenes y sus relaciones simbólicas y/o alegóricas. En el libro de artista se manifiesta como una motivación para la recopilación de la variedad de símbolos, claro que puede no ser la única manera de usar esta temática en los libros de artista.



Poesía

visual:

Según

pagina

internet

http://www.poesiavisual.com.ar/¿que-es/ (2012), la poesía visual es un experimento visual en donde el elemento plástico predomina sobre el texto. Esta poesía usa la página en pro del diseño visual y espacial, que es un poco de lo que se busca en el libro de artista, lo que hace que sea una temática acorde a los principios del libro-arte, la poesía visual más adelante se profundizará en el capítulo sobre las tipologías narrativas.

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Imposible lectura: Es opuesta a la temática texto, porque no comunica nada a través de la escritura. Es una temática unida al libro de artista por su abstracta comunicación. La imposible lectura se profundizará en el capítulo sobre las tipologías narrativas.

5.2.2.4 Tipologías secuenciales. La apariencia física es fundamental para el significado de cualquier libro. Sin embargo los libros de artista van más allá de las páginas, estos se pueden explorar, leer y percibir de diferentes maneras. Además permiten al lector explorar más que la lógica del lenguaje o la racionalidad de la página en dos o más dimensiones. Así como lo dice Crespo (2012) en su trabajo “El libro-arte/libro de artista: tipologías secuenciales, narrativas y estructuras”: “Podemos definir la secuencia como

la temporización que se ha establecido en el libro, determinando el ritmo de “lectura” de una obra”(Crespo, 2012, p. 3), la secuencia, como temporización de la lectura entonces puede ser ininterrumpida, polisémica ó externa, dotando a cada libro con individualidad.

En su trabajo, Crespo (2012) sostiene que la secuencia ininterrumpida es dinámica y hace la “lectura” ágil. Los filoscopios también llamados flipbooks son un buen ejemplo de ese dinamismo. Sin embargo, no es necesario que el libro tenga este mecanismo para que la secuencia sea ágil, muchas veces la repetición de una misma imagen puede dar un efecto novedoso en la secuencia, porque incentiva al lector a revisar la imagen de nuevo en busca de un cambio, lo que le da fluidez. Esto quiere decir que el artista no debe aferrarse a un mecanismo para obtener una secuencia que fluya de forma ágil, puesto que haciendo uso de diferentes técnicas y mezclando mecanismos se podría obtener el mismo fin de diferentes maneras. Algunos ejemplos de libros-arte de secuencia ininterrumpida son Raising Family de Conrad Gleber (1976) y But I Wasn’t There de Ida Applebroog (1979).

Imagen No. 20. “Raising Family” de Conrad Gleber. (1979). (http://www.flipbook.info)

Imagen No 21. Flipbook. (s.a. s.f. http://cinestesiame.wordpress.com)

De acuerdo con Crespo (2012) la secuencia poli-semiótica o polisémica es una secuencia de múltiples significados, es decir que es lo opuesto a un camino lineal. Las posibilidades de interpretación entre la relación de una imagen-texto son infinitas y complejas en los libros de artista, además todos los elementos en el libro-arte producen el efecto poli-semiótico. La complejidad de un libro-arte puede variar dependiendo del nivel de relación entre la imagen o el valor artístico-espacial de la página y el texto dentro de la estructura del libro, entonces aquí la secuencia deja de ser un simple camino y se convierte en la recopilación del complejo imagen-texto. Por lo tanto, las posibilidades de mezclar estos elementos para comunicar son infinitas. En lo visual se podrían dar ejemplos como los collages (una imagen fragmentada en múltiples partes) y las páginas desplegables o en movimiento, estas son formas en las que se da una secuencia poli-semiótica y en la que hay múltiples formas de lectura. Un ejemplo de este efecto poli-semiótico se puede ver en la imagen No. 22 en la que se muestran páginas del libro Of Celebration Of Morning de Dick Higgins, en él se presenta una organización de las imágenes y demás elementos en las páginas que dan fruto a la multiplicidad de formas en las que se puede leer el libro-arte.

Imagen No.22. Of Celebration Of Morning de Dick Higgins (1980). (http://artype.de)

Crespo (2012) en su capítulo sobre las tipologías secuenciales dice que la secuencia externa es la más usada en los libros de artista. Esta secuencia se convierte en el centro conceptual de la obra, es decir que los artistas basan sus obras en determinantes externos. Un ejemplo es Every building on the sunset strip de Edward Ruscha (ver imagen No.23), en donde la totalidad de edificios que hay en la calle de Hollywood es la que limita los parámetros del libro-objeto, es decir que el artista no se limitó a ubicar los edificios en páginas tradicionales, si no que utilizó la secuencia externa para hacer alusión a la extensión de la calle de Hollywood.

Imagen No. 23 Every building on the sunset strip de Edward Ruscha (s.f. https://encryptedtbn3.gstatic.com)

Los artistas manejan el libro bajo la idea de un todo, entonces muchas veces son entes externos los que determinan la obra, es decir que la base de las obras proviene de estructuras externas . Un ejemplo es el libro de artista Ready Made de Oscar Esguerra (ver imagen No.24) el cual se ve limitado por la forma del computador utilizado para su construcción.

Imagen No 24. Ready Made de Oscar Esguerra. (s.f. http://librodeartista.ning.com)

Asimismo, según Crespo (2012), existen más secuencias externas que están vinculadas de forma directa con el cambio en las imágenes, por ejemplo con la fotografía se pueden representar cambios de luz, del paso del tiempo o el transcurso de una acción, etc. Esto se puede ver en una obra de autobiografía fotográfica, en donde se evidencie el cambio de edad, de estilo y demás en una persona desde la infancia. También se podría evidenciar en el registro de información de forma fotográfica, la vida de una planta o el cambio de luz sobre un mismo muro durante un día como lo hizo Sol LeWitt en su obra Brick Wall (ver imagen No.25). Estas últimas secuencias externas, a diferencia de las anteriores, se ven influenciadas de un cambio externo más que por un

espacio externo, pero de igual forma todas ellas utilizan la secuencia externa sin relacionarla con el texto o la paginación.

Imagen No. 25. Brick Wall de Sol LeWitt. (s.f. http://www.flickr.com/)

5.2.2.5 Tipologías narrativas (texto). En este capítulo se habla de las formas en las que se presenta el texto en los libros de artista teniendo como base principal el trabajo de Bibiana Crespo Martín (2012) sobre las tipologías narrativas en los libros de artista. Crespo (2012) hace una distinción válida en el uso del texto en los libros de artista, un libro-arte puede usar el texto de una manera convencional, o puede usarse para apreciar sus cualidades materiales y lingüísticas.

Así que en el diario vivir el texto en el libro es algo normal, pero en el libro de artista es tan solo parte de un todo como el color, la textura, el tamaño y los demás aspectos visuales que componen el libro de artista. En los libros de artista el texto se puede manejar como los demás elementos que lo componen. De acuerdo con Crespo (2012) existen muchas formas para incluir texto en la página, pero se pueden clasificar según la relación entre el libro y el texto, así que las clasificaciones serían las siguientes: textos inventados, poesía concreta, poesía trouvé, poesía visual y libros preexistentes.

Es importante mencionar que en el libro-arte el texto o la escritura es utilizado y explotado ante todo como un medio gráfico.

Crespo (2012) explica que los textos inventados son mensajes constituidos por signos creados que pueden significar muchas cosas y que por esto son atractivos para los artistas y para los lectores. Aunque sería interesante que cada símbolo, idioma, lenguaje o texto inventado significara algo diferente con un valor o motivo oculto, estos se utilizan en forma de parodia, humor y misterio. Crespo (2012) propone como ejemplo de esto a los Letristas, un movimiento artístico parisino de los años cincuenta que se dedicaba a inventar nuevas formas y nuevas letras para formar nuevos lenguajes. Como esta es una escritura inventada o anormal, las posibilidades de su lectura podrían ser realizables de arriba abajo y de abajo hacia arriba, de derecha a izquierda y viceversa. Además el simplísimo signo gráfico le aporta al libro de artista la parte literaria-narrativa que junto con las imágenes forman un híbrido significante. La imagen No. 26 muestra un ejemplo de textos inventados en la obra de Max Ernst e Iliazd en 65 Maximiliana, ou l’exercice illégal (1964).

Imagen No. 26. 65 Maximiliana, ou l’exercice illégal de Max Ernst e Iliazd en (1964). (http://www.artvalue.com)

Según Crespo (2012) otra forma de utilización del texto en el libro-arte es la poesía concreta. Esta poesía fue parte de las pruebas vanguardistas de la segunda mitad del siglo XX. Aquellos que trabajaron con la poesía concreta, extraían la parte visual del lenguaje como principio. Durante la segunda mitad del siglo XX los futuristas y Dadaístas hacían uso de varias tipografías y formatos para separar al lenguaje del sentido lineal en el que las convenciones literarias encerraban el lenguaje, de esta forma, los poetas concretos utilizaban este tipo de poesía intentaron crear un enlace entre los aspectos visuales y verbales de las obras.

Las obras que manejan la poesía concreta se caracterizan por acentuar la fragmentación y eliminación del orden convencional del lenguaje, construyendo un lenguaje a través de significados visuales como se puede ver en Visual Language (1970) de Richard Kostelanetz (ver imagen No. 27).

Imagen No.27. Visual Language. (1970) de Richard Kostelanetz. (http://www.specificobject.com)

Por otra parte, Crespo (2012) distingue la existencia de obras que se interesan por establecer una relación entre las palabras o letras y la forma de manipulación del libro, a través de un requerimiento del autor hacia el lector, como lo es pasar página tras página para revelar las infinitas construcciones y reconstrucciones del texto, formando así diferentes escritos secundarios con sus separaciones y uniones, tal como se ve en Sweethearts de Emmett Williams (ver imagen No 28).

Imagen No.28 Sweethearts de Emmett Williams (1968) (http://blog.linedandunlined.com)

Conforme al trabajo de Crespo (2012), otras obras usan la forma del libro como medio para la explotación del lenguaje. Estas interrumpen la narrativa tradicional del libro para facilitar unas instrucciones de cómo leer el texto, haciendo uso de toda manipulación posible de las letras interpuestas en la página a través de la línea, saturando la página de letras, poniendo una sola frase en la mitad del papel, etc. Un

ejemplo para comprender lo anterior dicho es la obra de Madeline Gins Word Rain (ver imagen No. 29) en la que sólo son legibles pocas líneas de la página.

Imagen No.29. Word Rain (1969) Madeline Gins. (http://college.holycross.edu)

Acorde con lo sustentado por Crespo (2012), la poesía trouvé es de las favoritas para los artistas del libro-arte, porque esta busca resaltar la riqueza, ironía y la singularidad del lenguaje. “Trouvé” significa encontrar, se le da este nombre porque que la técnica se basa en cortar y pegar fragmentos del lenguaje que se encuentran lo que produce un impacto visual y semántico.

Según Crespo (2012), La poesía visual en los libros de artista se obtiene cuando algunos elementos verbales toman parte de las características de la imagen visual y resulta una mezcla homogénea en donde se ve la imagen y el texto como una sola. Hacer 46

uso de la página como estructura para distribuir elementos verbales que vayan con convenciones pictóricas, es una característica de la poesía visual. En esta se aprovechan ambas estructuras, la verbal y la visual para doblar el potencial de la página convirtiendo el contenido en una imagen y un poema al mismo tiempo como algo más gráfico. Algunos poetas concretos, hacia la segunda mitad del siglo XX, intentaron mezclar ambos tipos de poesía, sin embargo, resultó algo muy cercano a los caligramas. A pesar de esto, hubo resultados en los que aunque se distinguieron los elementos estructurales de la página no se obtuvo la visión pictórica en la organización.

No obstante, el mayor representante de la poesía visual es el italiano futurista Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944), ya que con su práctica de las “palabras en libertad” estableció una relación entre el lenguaje y los poetas vanguardistas. En la imagen No 30 se puede observar una de sus obras Les Mots en Liberté Futuristes.

Imagen No.30 Les Mots en Liberté Futuristes de Filippo Tommaso Marinetti. (s.f. http://www.flickriver.com)

En su trabajo sobre el texto en los libros de artista, Crespo (2012) se refiere al obtenido por medio de libros preexistentes, que consiste en transformar un libro o partes de él para hacer una nueva obra, este mecanismo no se considera como plagio sino como innovación e invención, puesto que a veces la obra puede ser tan fragmentada o transformada que la obra original no se reconoce. Por ejemplo, la transformación de la obra del simbolista francés Stéphane Mallarmé Un Coup de Dés Jamais N’Abolira Le Hasard (1914) por Marcel Broodthaers quien propuso un análisis conceptual del poema del simbolista francés, pues tomó la estructura de dicho poema y lo volvió una obra esquemática, es decir, que redujo el poema a la simple forma. Broodthaers sustituyó cada verso del poema de Mallarmé por una línea negra, que marcó sobre un papel traslúcido para permitir la suspensión espacial de las frases en las páginas, con esto llevó la obra a ser más valiosa por el hecho de haber sido intervenida hasta llegar a ser solo su forma (ver imagen No.31).

Imagen No.31 Un Coup de dés jamais n´alboira le hassard de Marcel Broodthaers (1969). (http://search.it.online.fr)

6. CAPÍTULO PROPOSITIVO

Se realizó una bitácora de diseño y construcción para el libro de artista, el libro de artista y un video sobre la forma de manejar el objeto.

6.1 Metodología

Se hizo una bitácora de trabajo del diseño y construcción de un libro de artista en donde se registraron la elección de las técnicas, la estructura, los bocetos y demás decisiones que fueron tomadas con respecto al producto final: el libro de artista. Después, se pasó en limpio el libro de artista y al final se realizó un video de cómo se usa el libro-arte.

El elemento metodológico fue la bitácora de trabajo, según el diccionario en línea http://definicion.de (2008), una bitácora de trabajo se caracteriza por ser un registro de diversas acciones, con organización cronológica en donde se explica el proceso, se comparten experiencias, se reportan avances y resultados, cuenta con observaciones, ideas, datos y obstáculos, no se le arrancan las páginas a la bitácora ni se borra nada, si no que se aclara el error. Las bitácoras de trabajo son utilizadas por diseñadores y artistas plásticos para llevar registro del desarrollo de sus ideas, bocetos y cualquier información que pueda resultar útil para su trabajo.

Lo más adecuado para la realización de la bitácora de este libro de artista fue desarrollarla a mano para que el registro de expresión se diera con más libertad de creatividad ya que registrar la bitácora sólo a manera de texto impedía el proceso

creativo. Para que quedara un testimonio de la bitácora se optó por escanear y tomar fotografías de cada una de sus páginas y luego anexarlas al resto del trabajo.

6.1.1 Bitácora de trabajo para diseño y construcción de un libro de artista

Septiembre- Octubre de 2013

Durante dos meses realicé algunos bocetos de ilustraciones mientras definía las características principales del libro de artista como tipología secuencial, narrativa, estructural, el tema, las técnicas y demás. Durante todo este tiempo busqué inspiración, y poco a poco descubrí diferentes artistas y estilos que llamaron mi atención.

En estos primeros momentos de indecisión me sentía con muchas dudas y muy perdida con respecto a cómo sería el producto final, ya que poco sabía en realidad sobre los libros de artista, pero a medida que completaba mi marco teórico entendía de qué trataba y aclaraba hacía dónde quería llegar.

Se me pidió varias veces que le pusiera un título al trabajo, lo que me produjo mucho estrés pues varias veces lo cambié y por ende cambiaba mi pregunta y mi objetivo, a pesar de esto siempre el trabajo ha girado en torno al libro de artista. El titulo varió por los diferentes temas o rumbos que le iba a dar al libro de artista, entre ellos: El corto de Tim Burton Vincent, en el que pensé basarme para realizar algo así como una adaptación de este corto, que también es la adaptación de un poema. Entre los temas iniciales estaba “un poema de Edgar Allan Poe”, entre comillas porque ni siquiera elegí un poema si no que en mi mente estaba la simple idea de basarme en alguna de sus

obras. Entonces, iban pasando los días y a medida de que hablaba con mi asesor y otras tantas personas a las que les hablaba de mi trabajo me empecé a introducir más en el estilo en el que me atraía, de esta forma conocí a Edward Gorey y su estilo gótico contemporáneo. Ya a finales de septiembre tenía claro que quería basarme en su estilo y empecé a buscar inspiración e información, tanto así que tenía una gran parte de mi marco teórico sobre este estilo y este artista.

De pronto encontré por diferentes medios el estilo de surrealismo pop de Mark Ryden y de muchos otros artistas que me llevaron a querer basar mi libro-arte en este estilo surreal pop así como la obra de Hiraki Shimoda que me hizo asegurarme que quería mi libro con un toque surreal pop. Así que tenía ya dos estilos apuntando a unirse en un libro de artista, a pesar de que para mí eran muy opuestos por su forma, sus trazos, tonos, colores y demás, sentía que así era como lo quería.

De repente me vi descartando uno por uno de los estilos, artistas y temas que había escogido. Puedo decir que volví a la realidad porque estaba fantaseando mucho, las ideas que tenía eran vagas y pobres, me vi en el apuro de que no me sentía capaz de realizar algo como lo que me había propuesto, en pocas palabras porque me parecían difícil de crear. Volví a caer en la incertidumbre de qué iba a hacer con el libro-arte, pero como al tiempo estaba haciendo el marco teórico empecé a entender más sobre el objeto artístico al que me había comprometido, cada vez me gustaba más porque me permitía visualizar tantas cosas y entonces mi cabeza se llenó de nuevas ideas.

Octubre- Noviembre-Diciembre de 2013

A partir de todo lo que me había ocurrido decidí hacer una reunión de carácter urgente con mi asesor el día 25 de Octubre de 2013 en una librería en el barrio granada de la ciudad de Cali, llamada “Lugar a dudas” en donde una tarde decidimos aclarar dudas, ideas y preferencias para el libro de artista. De esta reunión resultó un documento en pdf en el que quedaron registradas las ideas para el libro-arte que yo visualizaba en ese entonces. Las imágenes de la 32 a la 38 son las páginas de dicho documento.

Imagen No.32. Primera pagina del documento

Imagen No.33. Segunda pagina del documento.

Imagen No.34. Tercera pagina del documento.

Imagen No.35. Cuarta pagina del documento.

Imagen No.36. Quinta pagina del documento.

Imagen No.37. Sexta pagina del documento.

Imagen No.38. Séptima y última pagina del documento.

En la reunión se aclararon varios puntos: -

Establecimos cuales eran los temas generales para plasmar en el libro de artista e incluimos mis gustos e intereses.

Se definió que lo realizaría de manera plástica, con mis manos.

Teniendo como base el marco teórico, decidí que habría variedad de materiales pero que estos debían ser duraderos.

Teniendo como base el marco teórico, decidí que la estructura secuencial sería polisémica.

Teniendo como base el marco teórico, decidí que la estructura sería punto fijo, para que me facilitara el uso de varios materiales como base. Además que facilitaría una libre lectura por parte del espectador. Sin embargo, establecimos que debían confirmarse unas dimensiones para que funcionara correctamente.

Se habló de firmar cada una de las obras que conformarían el libro-arte.

Además de exigir un título para el libro de artista.

Sobre técnicas no profundizamos, quedamos en “veremos”.

Después de esta reunión y haber finalizado el marco teórico, todo el mes de noviembre y parte de diciembre decidí hacer algunos bocetos y reunir algunos otros que ya tenía de los meses anteriores. Las imágenes de la 39 a la 44 corresponden a estos bocetos, en ellas se pueden ver adhesivos que contienen alguna descripción del diseño y las fechas aproximadas de cuando realicé la ilustración.

Imagen No. 39. Basado en Hiraki Shimoda. Septiembre 2013 ¡surrealismo pop!. El estilo surrealismo pop ¡me encanta! Encontré algunos artistas que me llevaron a querer basar mi libro de artista en este estilo, el más importante y el que más me gustó fue Mark Ryden. Sin embargo este dibujo me impactó y me estremeció en realidad todo el trabajo de este artista (Hiraki Shimoda).

Imagen No. 40. Sin título. Octubre 2013. El surrealismo pop y el estilo gótico (contemporáneo) me llaman la atención y me inspiran a hacer bocetos como este. Son pocos los bocetos que he hecho, pues me preocupa más definir las características generales del libro de artista como secuencia y estructura…La idea es que sea punto fijo porque me permite ver varias páginas al tiempo pero no me gusta tener un solo tema.

Imagen No 41. Sin Título. Estos bocetos son esenciales para mi libro de artista, los diseños con hojas me dan la presencia de naturaleza con un poco de oscuridad y simplicidad que quiero en la mayoría de mis dibujos. Noviembre 2013.

Imagen No. 42. Sin Título. Noviembre 2013. Este dibujo lo hice después de muchos intentos de crear una figura con triángulos. El centro no me gusta pero en sí este boceto resalta las figuras geométricas.

Imagen No. 43. Sin Título. Diciembre 2013. Esto me gusta, ver un dibujo mío así me agrada, pues no me gusta la forma del cráneo pero la manera en la que está hecho el dibujo es increíble, en definitiva este dibujo irá en mi trabajo. Tiene un trazo que me gusta, garabatear y rayar es mi base.

Imagen No. 44. Práctica. Diciembre 2013, solo quiero tener inspiración de otros artistas como estilo libre para el libro-arte. Tengo en mente cambiar todo lo que había acordado con mi asesor porque ya no me gusta la estructura punto fijo, quiero hacer un libro intervenido.

Enero de 2014

Ahora sí, mi enfoque empieza a ser de lleno el capítulo propositivo porque el marco teórico solo hay que corregirlo.

Enero 11 de 2014: Restablecí todo lo que había decidido hasta el momento y reorganicé, añadí y cambié ideas sobre cada aspecto del libro de artista, fue así como organicé la siguiente lista. Titulo del libro de artista: ¿? Ideas para el libro de artista 1. Comprar dos libros viejos en el centro de la ciudad, medianos, medio gruesos, estables, preferiblemente sin imágenes. 2. Llenar sus hojas con arte:

Tachar y/o cortar palabras para que tenga algo escrito.

Pegar fotografías.

Hacer dibujos sobre las hojas en diferentes técnicas.

Cortar páginas para crear diferentes figuras.

Intento de Pop-up.

Manchar, rayar, rasgar, salpicar las páginas.

Pueden ser imágenes sin sentido dos en una pagina volteadas.

En todas las páginas al menos una hoja o algo de la naturaleza.

Debe tener un “mini libro” con estructura punto fijo.

3. Con las cubiertas traseras ingeniar una forma de pegarlos pero no con pegante cubierta-cubierta, si no una especie de acordeón con dobleces para que sea también parte de características de “libro de artista”. -

Una idea para el contenido de esta parte del “libro-arte” podría ser un mándala.

4. Las portadas visibles estarían forradas con alguna imagen o un diseño simple.

Febrero- Marzo de 2014

En este punto del trabajo de grado debía estar segura de qué iba a hacer en el libro de artista ya no habría vuelta atrás. Por esta razón, mi asesor me facilitó dos libros que ya no tenían uso por que estaban desactualizados, para realizar todo tipo de borrador que necesitara para el libro original. Debía practicar cortes, dobleces, pliegues, ilustraciones, colores, estructura, secuencia, espacios e ideas, mejor dicho todo lo que tuviera que ver con el libro. Las imágenes de la 45 a la 77 corresponden al progreso del borrador del libro de artista.

Imagen No. 45. Prรกctica de pliegues.

Imagen No. 46. Prรกctica de pliegues.

Imagen No. 47. Práctica de técnica pop-up.

Imagen No. 48. Práctica de técnica pop-up.

Imagen No. 49. Práctica de técnica pop-up.

Imagen No. 50. Experimentos con texturas.

Imagen No. 51. Experimentos con texturas.

Imagen No. 52. Experimentos con texturas.

Imagen No. 53. Experimentos con texturas.

Imagen No. 54. Experimentos con texturas.

Imagen No. 55. Experimentos con texturas.

Imagen No. 56. Experimentos con texturas.

Imagen No. 57. Experimentos con texturas.

Imagen No. 58. Prรกctica con hilos.

Imagen No. 59. Prรกctica con hilos.

Imagen No. 60. Prรกctica con hilos.

Imagen No. 61. Prรกctica con hilos.

Imagen No. 62. Prรกctica con hilos.

Imagen No. 63. Práctica de técnica incisión.

Imagen No. 64. Práctica de técnica pop-up.

Imagen No. 65. Práctica de técnica pop-up.

Imagen No. 66. Ensayo de ilustración.

Imagen No. 67. Práctica de técnica acordeón.

Imagen No. 68. Práctica de pliegues.

Imagen No. 69. Prรกctica de pliegues.

Imagen No. 70. Ensayo de collages.

Imagen No. 71. Ensayo de collages.

Imagen No. 72. Ensayo de collages.

Imagen No. 73. Ensayo de collages.

Imagen No 74. Ensayo de collages.

Imagen No. 75. Ensayo de collages.

Imagen No. 76. Ensayo de collages.

Imagen No. 77. Práctica de técnica incisión.

Estas imágenes (de la 39 a la 77) pertenecen a las páginas de la bitácora del libro de artista, cuya realización fue clave para descubrir errores, dificultades, gustos y disgustos en los materiales, técnicas y demás.

Para empezar debo decir que modifiqué casi por completo la idea del libro-arte, pasé de pensar en estructura punto fijo a estructura códex en el que el libro se ve intervenido de muchas maneras. La idea fue hacer un libro de artista con libros de artista dentro, lo que quiere decir que buscaba realizar un libro de artista único que integrara más libros de artista, todo esto haciendo uso de tipologías estructurales y secuenciales 76

diferentes y mezcladas, además de jugar con la secuencia de colores, temáticas y técnicas que me dieron la posibilidad de hacer un buen borrador del libro de artista.

El uso de la mayor cantidad de técnicas, tipologías estructurales, materiales y temáticas fueron mi inspiración. Entre las técnicas practicadas se pueden apreciar la incisión, el pop-up, la ilustración y la Pintura. Las técnicas son varias entre ellas: texturas, hilos, collages, origami y demás. La idea es demostrar la mayor cantidad de posibilidades que puede adquirir un libro de artista porque sus características le proporcionan esta facilidad de combinar tantas cosas.

El borrador del libro-arte me dejó muchas experiencias, algunas son:



El uso de las acuarelas para pintar sobre el papel del libro intervenido con el fin de que no se pierda el contenido del libro intervenido y que la intervención sea lo importante.



El uso de un papel más grueso que el común, algo como una cartulina para que fuera más fuerte a la hora de ser doblado y pintado.



El origami en el papel del libro intervenido fue una técnica muy útil y práctica para la intervención de varias páginas a la vez que constituyen un solo aspecto, al realizarlo observé que debo ser muy cautelosa con la cantidad de papel usado para dejar páginas y poder intervenirlas de una manera distinta, además comprobé que el papel es muy fácil de manejar y se pueden intentar muchas cosas con él.

La bitácora de trabajo, diseño y construcción me guió, pues es el modelo en el que me baso para pasar limpio el libro de artista. Con lo anterior no quiero decir que dejaré el libro-arte idéntico al borrador, sino que me basaré casi en la totalidad en el borrador para realizarlo, ya que pueden variar algunas cosas pero en su esencia será igual al borrador. Decidí al fin el nombre del libro de artista: “X-Y-Z” (equis-ye-zeta) porque son las variables universales y las coordenadas de las tres dimensiones, esto lo que quiero demostrar con mi libro de artista, la variedad que ofrecen los libros de artista y cómo son capaces de manejar las tres dimensiones. Lo más difícil del capítulo propositivo ya pasó, que fue esta bitácora de diseño y construcción, ahora solo queda plasmarla en limpio para que sea el producto final y la última parte, el video de cómo se maneja el objeto, este último añadido es para que no haya un manejo incorrecto o que sea de confusión para el espectador el ver semejante objeto y temer dañarlo o no saber utilizarlo para disfrutarlo.

6.2 Libro de artista “X-Y-Z”

Las imágenes de la 78 a la 139 corresponden a cada una de las páginas del libro de artista “X-Y-Z”.

Imagen No. 78. Pliegues.

Imagen No. 79. Pliegues.

Imagen No. 80. Pliegues.

Imagen No. 81. Pop-up.

Imagen No. 82. Pop-up.

Imagen No. 83. Pop-up.

Imagen No. 84. Pop-up.

Imagen No. 85. Pop-up.

Imagen No. 86. Pop-up.

Imagen No. 87. Pop-up.

Imagen No. 88. Pop-up.

Imagen No. 89. Pop-up.

Imagen No. 90. Pop-up.

Imagen No. 91. Pliegues.

Imagen No. 92. Textura.

Imagen No. 93. Detalle de la textura.

Imagen No. 94. Textura.

Imagen No. 95. Detalle de la textura.

Imagen No. 96. Textura.

Imagen No. 97. Detalle de la textura.

Imagen No. 98. Páginas de aprecio a las ilustraciones del libro original “Parásitos”.

Imagen No. 99. Texto del libro original “París”.

Imagen No. 100. Páginas de aprecio a las ilustraciones del libro original “París”.

Imagen No. 101. Textura.

Imagen No. 102. Detalle de la textura.

Imagen No. 103. Textura.

Imagen No. 104. Detalle de la textura.

Imagen No. 105. Textura.

Imagen No 106 Detalle de la textura

Imagen No. 107. Textura.

Imagen No. 108. Detalle de la textura.

Imagen No. 109. Textura.

Imagen No. 110. Detalle de la textura.

Imagen No. 111. F贸sforos.

Imagen No. 112. Red.

Imagen No. 113. TĂŠcnica con lana.

Imagen No. 114. Detalles en la tĂŠcnica con lana.

Imagen No. 115. TĂŠcnica con lana.

Imagen No. 116. Detalles en la tĂŠcnica con lana.

Imagen No. 117. TĂŠcnica con lana.

Imagen No. 118. Detalles en la tĂŠcnica con lana.

Imagen No. 119. TĂŠcnica con lana.

Imagen No. 120. Detalles en la tĂŠcnica con lana.

Imagen No. 121. TĂŠcnica con lana.

Imagen No. 122. Detallen en la tĂŠcnica con lana.

100

Imagen No. 123. TĂŠcnica con lana.

Imagen No. 124. Detalles en la tĂŠcnica con lana.

101

Imagen No. 125. TĂŠcnica con lana.

Imagen No. 126. Detalles en la tĂŠcnica con lana.

102

Imagen No. 127. TĂŠcnica con lana.

Imagen No. 128. Detalles en la tĂŠcnica con lana.

103

Imagen No. 129. TĂŠcnica con lana.

Imagen No. 130. Detalles en la tĂŠcnica con lana.

104

Imagen No. 131. TĂŠcnica con lana.

Imagen No. 132. Detalles en la tĂŠcnica con lana.

105

Imagen No. 133. Incisi贸n m谩s Picasso.

Imagen No. 134. Escultura.

106

Imagen No. 135. Detalles de la estructura.

Imagen No. 136. Intervenci贸n con hilos.

107

Imagen No. 137. Detalles en la intervención con hilos.

Imagen No. 138. Páginas de aprecio a las imágenes del libro original “plástico” más la intervención en ellas “tapas”.

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Imagen No. 139. Última página del libro X-Y-Z.

6.3 Video del libro de artista “X-Y-Z”

El video que tiene como objeto mostrar a los espectadores el buen manejo del libro de artista “X-Y-Z” se puede encontrar en el anexo 1, CD “X-Y-Z”.

7. CONCLUSIONES Alrededor del nuevo género artístico: el libro de artista, existen muchas discusiones sobre sus características y límites que lo contienen, sin embargo, el libro de artista se caracteriza por sus infinitas posibilidades de combinación de artes en un solo objeto artístico. Por esto, las características del libro de artista velan por conservar esta infinitud de mezclas, siendo así tan amplias como les sea posible. Para hacer alusión a

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la diversidad que caracteriza a este género, a lo largo de la investigación se trabajaron cuatro aspectos puntuales que en conjunto posibilitaron el desarrollo del objetivo principal basado en la siguiente pregunta problema: ¿Cómo hacer un libro de artista con técnicas múltiples y tipología secuencial polisémica?

Para empezar, se definió el libro de artista como un objeto artístico en forma de libro que le otorga mayor valor espacial y visual a la página en la que la imagen y el texto se complementan pero ella prevalece sobre él. Este objeto artístico es desarrollado principalmente por un artista plástico y desde sus inicios es considerado como innovación tanto para los libros como para los medios de expresión artística. Influenciado por movimientos artísticos del siglo XX y por los artistas de la época, el libro de artista desarrolló una relación con los sentidos del espectador que llevó la lectura común fuera de lo lineal. Se clasifican como obras de arte porque proporcionan una experiencia estética al espectador, además de que le propone al lector una experiencia activa y dinámica en conjunto con el libro. A partir de lo anterior, y además de la mezcla de influencias históricas y de otros géneros de arte que el libro de artista trae consigo es lo que conforma la universalidad y multiplicidad de este. Teniendo en cuenta las opiniones de expertos en el tema como José Emilio Antón (2012) o Bibiana Crespo Martín (2012), el libro de artista se debe considerar como tal y no como un híbrido entre otras disciplinas artísticas porque cuenta con características propias.

Estas características del libro de artista son muy amplias ya que la libertad creativa que se le otorga se lo permite porque está sólo limitada a la imaginación del artista. A lo largo del trabajo se identificaron múltiples características del libro de artista, por ejemplo: si el libro de artista es un solo ejemplar o si hace parte de una edición

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seriada, la temática, las técnicas, los materiales empleados, el movimiento al que pertenecen, el objetivo que persiguen y demás. Sin embargo, las principales características residen en las tipologías secuencial, narrativa y estructural.

En primera instancia las tipologías estructurales hacen alusión a la forma que adopta el libro, tal y como lo dice el autor de The cutting edge of Reading: artist’s books, Renne Rises Hubert: “Al imponernos reacciones especificas táctiles y visuales, los Libros-Arte pueden controlar, espacial e incluso físicamente, cómo sostenerlos y leerlos. Al escoger hojas hechas a mano de diferentes tamaños, colores y texturas, Ania Staritsky descubrió́ nuevas formas de manipular e instruir a sus lectores.” (Hubert, 1999, p. 53)

Lo que significa que algunas veces los artistas unen la forma con el contenido y puede verse como que ella depende de él y otras veces los artistas dan prioridad a la estructura para darle organización física y formal al libro.

Por otro lado según Crespo (2012), para tratar las tipologías secuenciales en el libro-arte se debe tener en cuenta que la secuencia es la temporización que se ha establecido en el libro, determinando el ritmo de la “lectura” de una obra y esta puede ser ininterrumpida, polisémica o externa, dotando a cada libro con individualidad.

Por otra parte están las tipologías narrativas que refieren al uso del texto en el libro de artista, teniendo en cuenta que este es sólo un elemento que hace parte de un todo, ya que en el libro-arte el texto o la escritura es utilizado y explotado como un

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medio gráfico. De esta forma, hay varias formas de incluir texto en un libro de artista, por ejemplo: textos inventados, poesía concreta, poesía trouvé, poesía visual y libros preexistentes.

Durante la investigación se respondió a la pregunta sobre las posibilidades de expresión de las técnicas múltiples y la tipología secuencial polisémica. La secuencia polisémica es una secuencia de múltiples significados, lo que significa que es lo opuesto a un camino lineal, dicha característica permite que las posibilidades de la relación de una imagen-texto sean infinitas y complejas en un libro de artista. En cuanto a la cantidad de técnicas posibles en el libro de artista, se debe decir que es muy extensa, lo que le da el acceso a la utilización de tantas técnicas como el artista desee, de esta manera las posibilidades de expresión que residen sobre el uso de técnicas múltiples es tan amplio como la imaginación del autor. Entre las técnicas se encuentran; la incisión, el dibujo, la Pintura, fotografía, bordados, objetos encontrados, el collage, el decollage, pop-up, pliegues, y muchas más.

En la investigación se encontró que la bitácora de trabajo es habitual en cualquier procedimiento artístico, ya que es común que los artistas lleven un registro del desarrollo de sus ideas, bocetos y cualquier información que pueda resultar útil para su trabajo, a este registro se le llama bitácora de trabajo. De esta manera, para la realización del libro de artista con tipología secuencial polisémica y técnicas múltiples se desarrolló una bitácora de trabajo, diseño y construcción en la que se plasmó toda la información acerca de este proceso artístico.

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A pesar de haber realizado un proceso metodológico para alcanzar el objetivo, se presentaron algunos obstáculos a través del trabajo de grado, por ejemplo: el manejo del tiempo, ya que se subestimó el que requería la realización de un libro de artista tan amplio, claro que sin intervenir en las entregas estipuladas, el desarrollo del libro-arte tomó más tiempo de lo esperado. Otra de las dificultades que se experimentó durante el trabajo, y que va ligada con la anterior, fue el deseo de la artista por abarcar tantas y tan diferentes técnicas en el libro de artista. Es importante mencionar que aunque las anteriores fueron dificultades mayores, estas no impidieron el buen desarrollo del trabajo de grado.

Como respuesta a la pregunta problema se planteó una hipótesis en la que se mencionaba que junto al conocimiento de las características del libro de artista y de un instrumento metodológico, o sea una bitácora de diseño y construcción, en la que se plasmaría el proceso que abarca la realización de un libro de artista, y que al tiempo sería prueba de las elecciones de las técnicas, la secuencia y la estructura para el libroarte, se podría entonces elaborar un libro de artista de ejemplar único. Finalmente, se puede decir que la hipótesis es válida, dado que la realización del libro de artista con tipología secuencial polisémica y técnicas múltiples fue posible mediante el conocimiento adquirido durante la investigación sobre los libros de artista más el elemento metodológico que constaba de una bitácora de diseño y construcción en la que se realizaron los borradores o ensayos de lo que conformaría el libro de artista.

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ANEXOS ANEXO 1 CD “X-Y-Z”

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