Libro diseñador Milton Glaser

ILTON LASER

G

un maestro en el diseño gráfico Maria Alejandra Angel Camila Garcia

Milton Glaser un maestro en el diseĂąo grĂĄfico

Milton Glaser un maestro en el diseño gráfico.

Maria Alejandra Ángel Camila García.

Reservados todos los derechos. No se permite la reproducción total o parcial de esta obra, ni su incorporación a un sistema informático, ni su transmisión en cualquier forma o por cualquier medio (electrónico, mecánico, fotocopia, grabación u otros) sin autorización previa y por escrito de los titulares del copyright. La infracción de dichos derechos puede constituir un delito contra la propiedad intelectual.

ISBN: 9788425223265 ©2020, Unitec corporation ©2020, Maleja Angel ©2020, Camila García Editorial corporación universitaria Unitec, 2020.

dedicatoria Dedicamos este libro primeramente a Dios, por darnos un dĂ­a mas de vida y permitirnos estar con buena salud actualmente. A nuestros seres amados, por la fuerza y el amor que nos brindaron durante los momentos dificiles que se presentaron en la elaboracion de este libro. A nuestro tutor Julio Vanoy que con tanto esfuerzo nos enseĂąo lo primordial y nos incentivo a salirnos de lo cotidiano. Y a todo el que lea este libro, porque su mente y perspectiva del diseĂąo cambiara al culminar este libro.

“El diseño es el pensamiento hecho visual”.

(Saul Bass)

INTRODUCCIóN

Durante muchos años, las personas se han preguntado quien es el creador del famoso logo de I Love New York, o el famoso cartel de Bob Dylan, incluso el cartel de Voten donde aparece el Ex presidente Barack Obama.

En este libro hondaremos sobre la vida de famoso Milton Glaser que a sus 90 años ha generado la mayor cantidad de trabajos en la décadas de los 20 y que hoy se considera como unos de los mas grandes diseñadores gráficos que ha existido., tambien visualizaremos gran parte de su trabajo a nivel de cartelismo y editorial, asi como el emprendimiento que tuvo en varios negocios; y es por ello que se encuentra entre los diseñadores gráficos más famosos de los Estados Unidos. Ha tenido la distinción de exposiciones individuales en el Museo de Arte Moderno y el Centro Georges Pompidou.

Fue seleccionado para el premio al logro de por vida del Museo Nacional de Diseño Cooper Hewitt (2004) y la Asociación Fulbright (2011), y en 2009 fue el primer diseñador gráfico en recibir el premio Medalla Nacional de las Artes. Como erudito Fulbright, Glaser estudió con el pintor, Giorgio Morandi en Bolonia, y es un portavoz articulado de la práctica ética del diseño.

Abrió Milton Glaser, Inc. en 1974, y continúa produciendo una cantidad prolífica de trabajo en muchos campos de diseño hasta el día de hoy.

índice

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Dedicatoria Introducción Historia de Milton Glaser Negocios y Entrevistas Editorial de Milton Glaser

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Cartelismo de Milton Glaser

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Diseño de Logos y tipografía Apéndice Anexo Glosario Bibliografía

HISTORIA DE MILTON GLASER

Capitulo

I

historia de milton glaser

““Ser imaginativo es primordial. Hay que descubrir cosas, observar” Milton glaser

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ilton Glaser nacio el 26 de junio de 1929 en el Bronx de Nueva York. se encuentra entre los diseñadores gráficos más famosos de los Estados Unidos. Ha tenido la distinción de exposiciones individuales en el Museo de Arte Moderno y el Centro Georges Pompidou.

Primeros pasos Glaser se educó en la High School of Music & Art de Manhattan (ahora Fiorello H. La Guardia High School of Music & Art and Performing Arts ), se graduó de la Cooper Union en 1951 y más tarde, a través de una beca Fulbright , la Academy of Fine Arts en Bolonia bajo Giorgio Morandi.

ward Sorel, fundaron Push Pin Studios . Durante veinte años, Glaser, junto con Seymour Chwast, dirigió la organización, que ejerció una poderosa influencia en la dirección del diseño gráfico mundial, que culminó en una exposición memoEn 1954, Milton Glaser, rable en el Museo de Artes junto con Reyonld Ruffins, Decorativas de Louvres en Seymour Chwast y Ed- París .

Milton glaser en 1951

Unos meses después de su matrimonio, los Glaser se fueron a vivir un año a Italia.

Años más tarde, en 1968 fundó con Clay Felker Felker New York Magazine, revista dedicada a los estilos de vida, cultura, política… y competidora de The New Yorker, donde Glaser fue presidente y diseñador hasta 1977.

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MILTON GLASER

desi desi de si desi Escuela de Artes y Visuales

Glaser ha estado enseñando en SVA durante más de medio siglo. Él piensa que le ayuda a concentrarse y prevenir la senilidad.

Unos meses después de su matrimonio, los Glaser se fueron a vivir un año a Italia. Aquí, Shirley está animando a Milton a probar su zuppa di fagioli. Parece que lo está disfrutando.

Glaser estudió en la conocida Cooper Union entre 1948 y 1951 Y a través de una beca Fulbright, también estudió en la Academia de Bellas Artes de Bolonia, en Italia, donde estuvo con el pintor Giorgio Morandi. Fundó con Seymour Chwast el Push Pin Studio para, en 1974, crear su propia compañía.

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HISTORIA DE MILTON GLASER

Resvista New york

En 1968, Glaser y Clay Felker fundaron la revista New York Magazine , donde Glaser fue presidente y director de diseño hasta 1977. La publicación se convirtió en el modelo para las revistas de la ciudad y estimuló una gran cantidad de imitaciones.

Milton Glaser y Clay Felker, revista New York

Durante la segunda mitad del siglo XX. Todavía en activo, su presencia e impacto en la profesión a nivel internacional es incuestionable. Su carrera, inmensamente creativa y elocuente, muestra a un hombre moderno del renacimiento –una especie rara de diseñador/ilustrador/intelectual–, que nos acerca una profundidad de comprensión y pensamiento conceptual, combinado todo ello con una gran riqueza del lenguaje visual. Un trabajo altamente inventivo y atemporal.

Gourmet subterráneo

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MILTON GLASER

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Amo Nueva York

El boceto original del taxi, en el archivo del Museo de Arte Moderno , para el logotipo que destruye Chinatown.

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HISTORIA DE MILTON GLASER

Durante seis o siete años, Jerome Snyder y Glaser escribieron The Underground Gourmet , una guía de restaurantes baratos en la ciudad. Fue una de las columnas más populares de la revista New York porque todos en la ciudad siempre buscan buenos y baratos alimentos. Todavía es una columna normal, pero Glaser ya no la escribe.

Milton Glaser, Inc. se estableció en 1974 en Manhattan y todavía está produciendo trabajos en una amplia gama de disciplinas de diseño, que incluyen: identidades corporativas (logotipos, papelería, folletos, señalización, diseño de sitios web e informes anuales), diseño ambiental e interior.

Exposiciones, interiores y exteriores de restaurantes, centros comerciales, supermercados, hoteles y otros entornos minoristas, empaques (empaques de alimentos y bebidas) y diseño de productos. Algunos de los clientes actuales de la firma incluyen The Brooklyn Brewery , Jet Blue , Target , Coach, Trump, Eleven Madison Park , Alessi , Juilliard , The Rubin Museum of Art , Theatre For A New Audience, The School of Visual Arts , Bread Alone y Philip Roth , entre otros.

El primer libro infantil en el que Glaser y su esposa Shirley trabajaron.

York Daily News y National Post (Canadá).

Los clientes de la revista en los Estados Unidos incluyen: Time , US News & World Report , Adweek , Brill’s Content, Crain’s Chicago Business , Family Circle , Golf Digest , The Nation , Autoweek , Biography, USA Weekend , PC Magazine y Wine Spectator . WBMG ha creado diseños de prototipos originales para Manhattan, Inc., Windows, The Journal of Art y ESPN, la reEn 1983, Glaser se asoció con Walter Ber- vista . nard para formar WBMG , una firma de diseño de publicaciones ubicada en la ciu- En Europa, WBMG ha desarrollado y creadad de Nueva York. Desde su inicio, han do el formato original para Alma(una revisdiseñado más de 50 revistas, periódicos y ta de servicios para mujeres) y Zeus (un publicaciones periódicas en todo el mun- periódico cultural). La firma ha rediseñado L’Express , Lire (una revista literaria frando. cesa), Jardin des Modes (moda femenina), WBMG ha sido responsable del rediseño L’Espresso en Roma y Business Tokyo en completo de tres periódicos importantes: Japón.

The Washington Post en los Estados Unidos, La Vanguardia en Barcelona y O Glo- WBMG también ha diseñado el Informe bo en Río de Janeiro. Ha consultado sobre Anual de American Express durante tres proyectos de diseño para The Los Angeles años, así como varios libros, incluidos CaTimes , The Boston Globe , The Dallas Ti- dillac y Muhammad Ali de Steve Salmieri: mes Herald , The East Hampton Star , New Memorias para Rizzoli y SportsCentury de

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ESPN para Hyperion. Walter y Milton son cocreadores de “Our Times”, una historia ilustrada del siglo XX, publicada en 1995.

Glaser en pisa en museo municipal

Se programó una muestra del trabajo de Glaser en Pisa , en el Museo Municipal. El día que llegaron Glaser y sus amigos, el primer piso del museo estaba bajo dos pulgadas de agua con cableado eléctrico vivo que funcionaba al azar en el espacio. El trabajador aseguró a todos que el problema se solucionaría en un par de horas. Nadie le creyó y todos salieron a cenar a un restaurante pisano de primera clase. El espectáculo nunca abrió pero la cena fue genial.

Glaser y el artista francés Jean Michel Folon fueron grandes amigos durante un largo período de tiempo. Decidieron celebrar esa amistad creando un libro donde uno comenzaría un dibujo y el otro lo terminaría. Es un pliegue acordeón que celebra una relación afectuosa.

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<< Milton estára siempre agradecido de ir a una de las mejores escuelas del mundo para estudiar diseño.>> El estilo de Glaser se caracteriza por el eclecticismo y está influido por numerosas fuentes si bien siempre ha dado a la ilustración una importancia grande.

Ha diseñado algunos tipos de letra, la mayoría de carácter decorativo y escasamente legibles, como reflejo de esta orientación suya muy alejada de la ortodoxia metodológica. Su concepción creativa se acerca más a la de un artista tradicional que expresa en su obra una particular visión del mundo.

A la izquierda, Giorgio Soavi, el novelista y bon vivant italiano, que también dirigió las Comunicaciones Corporativas de Olivetti .

Su obra ha sido presentada en exposiciones en todo el mundo, incluyendo exposiciones individuales, tanto en el Centro Georges Pompidou de París y el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Las obras de arte de Milton Glaser se han presentado en exhibiciones en todo el mundo, 1incluidas exposiciones individuales en el Centro Georges Pompidou en París (1977) y el Museo de Arte Moderno de Nueva York (1975)

Museo de Arte Moderno de Nueva York (1975)

1 centro de George Pompidou

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“Estas personas y organizaciones nos muestran de cuántas maneras funciona el arte todos los días. Representan la amplitud y profundidad de la arquitectura, el diseño, el cine, la música, la actuación, el teatro y las artes visuales estadounidenses”, dijo el presidente de NEA, Rocco Landesman. “Este honor de por vida reconoce sus contribuciones excepcionales, y me uno al presidente y al país para saludarlos”.

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l presidente Barack Obama presentó la Medalla Nacional de las Artes a diez destinatarios por sus logros sobresalientes y su apoyo a las artes. Las medallas fueron presentadas por el presidente y la Sra. Michele Obama en una ceremonia de la Sala Este en la Casa Blanca. La Medalla Nacional de las Artes es una iniciativa de la Casa Blanca administrada por el National Endowment for the Arts . Cada año, la NEA organiza y supervisa el proceso de nominación de la Medalla Nacional de las Artes y notifica a los artistas de su selección para recibir una medalla, el más alto honor de la nación por su excelencia artística.

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HISTORIA DE MILTON GLASER

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NEGOCIOS Y ENTREVISTAS

Capitulo

II

NEGOCIOS Y ENTREVISTAS

“Todos los problemas del diseño nacen con la audiencia porque no tienes ni idea de lo que quieren.” milton glaser

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ilton Glaser se ha destacado por su multifacético desarrollo en el campo del diseño, no solo se dedicó a hacer diseño sino también a involucrarse en varios negocios dentro del hacer, es por ello que en este capítulo recopilamos varios de los proyectos o negocios que el famoso diseñador estuvo involucrado a fondo.; adicional de varias entrevistas que concedió sobre su carrera y negocios.

Push Pin Studios fue fundada en 1954 por Seymour Chwast, Milton Glaser y Edward Sorel (Reynold Ruffins se unió al grupo poco después). Una fuerza revolucionaria en el campo del diseño gráfico, la famosa asociación comenzó cuando los cuatro se reunieron como estudiantes en la Cooper Union en la ciudad de Nueva York. Lo que siguió fueron veinte años de expresión gráfica colaborativa, ya que Push Pin redefinió y amplió la impronta del diseñador, ilustrador y cultura visual en general.

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Foto de prensa de Push Pin Studios, con miembros actuales y anteriores, alrededor de 1970.

Basándose en Design Plus, su primer esfuerzo combinado (aunque de corta duración), después de la graduación, Chwast, Sorel y Ruffins desarrollaron el Push Pin Almanack . El anuncio publicitario mensual promocional fue diseñado para impulsar 1negocios independientes, y su éxito permitió que el nuevo estudio creciera rápidamente. Glaser se reincor 1 Milton Glaser negocios en push pin

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poró después de regresar de Italia con una beca Fulbright, y en 1957, el Push Pin Monthly Graphic hizo su debut. Inaugurado como una publicación de forma libre enviada a amigos y clientes (al igual que su predecesor), el gráfico Push Pin proporcionó una salida continua para la membresía en expansión del estudio, incluidos los diseñadores Paul Davis, Jim

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McMullan y John Alcorn, entre muchos otros. Su trabajo, que rechazó la tradición en favor de las interpretaciones revitalizadas de los estilos históricos (victoriano, art nouveau, art deco), proporcionó un nuevo contrapunto tanto a la rigidez adormecedora del modernismo como al realismo sentimental de memoria de la ilustración comercial.

Francia. Una muestra de la influencia del diseño estadounidense en el extranjero, el espectáculo histórico marcó la primera vez que se exhibió el diseño gráfico dentro del famoso museo.

La prensa europea elogió el trabajo innovador, por lo que los críticos llamaron la intrépida innovación de Push Pin. La exposición luego viajó por Europa y Japón, exA medida que crecían los lectores, el Push tendiendo aún más la influencia del grupo.

Pin Graphic y los Push Pin Studios atraían Chwast y Glaser dirigieron Push Pin dua anunciantes, clientes y aclamaciones. rante dos décadas, hasta que Glaser se “Como una fuerza creativa en los fue para perseguir sus propios intereses asuntos gráficos, ha producido tantos en 1975 (Sorel y Ruffins ya se habían ido años antes).

cambios en el ambiente visual popular como es probable para cualquier cuer- Chwast retuvo el estudio, luego agregó po de diseñadores y artistas”. servicios de representación para ilustra-

dores, un brazo audiovisual y una línea En 1970, se abrió una retrospectiva de la de productos. La Push Pin Press, formaproducción del estudio en el Museo de da con JC Suares, y Pushpin Editions, en Artes Decorativas del Louvre en París, colaboración con Steven Heller, produjo

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libros sobre arte y diseño.

A principios de la década de 1980, Chwast se unió brevemente con Alan Peckolick para formar Pushpin Lubalin Peckolick, aunque la asociación solo duró unos pocos años. Más tarde, la empresa pasó a llamarse The Pushpin Group, del cual Chwast es el único director.

El Push Pin Graphic dejó de publicarse en 1980, debido al aumento de los costos de producción, poniendo fin a su exitosa serie de 23 años y 86 números. The Nose , una publicación más modesta dedicada a temas sociales relevantes y a veces triviales, lanzada en 1997. Diseñada e ilustrada por Chwast, y editada por Steven Heller, la revista bianual continúa la tradición de publicación y promoción de Pushpin. El último número, el número 20, se centró en el tema del crimen.

Una asociación única y, en última instancia, un movimiento, el impacto de Pushpin en el diseño gráfico contemporáneo y la ilustración todavía se siente. Los proyectos editoriales y las exposiciones continúan minando la rica historia del grupo, mientras que Chwast continúa trabajando y diseñando bajo los auspicios de Pushpin. Los dos son, de hecho, inseparables, ya que Chwast introduce silenciosamente el estudio, ahora en su sexagésimo primer año, para una mayor distinción.

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Entrevista de arte comercial Aunque no se tenga fecha exacta de cuando se realizo eeste entrevista si muestra los puntos claves que son importantes y que le dejo estar en Push Pin Studios.

Periodista: ¿Cuál es el papel comercial / artístico / social del cartel?

MIlton: Si entendemos por ‘rol’ una función intrínseca preexistente, el rol del afiche es transmitir información de una fuente a una audiencia, para mover esa audiencia a una amplificación o cambio de percepción que produzca una conciencia o un acción. Cuando un cartel tiene una intención comercial, obviamente tiene la intención de convencer a una audiencia para que compre bienes y servicios.

El papel artístico de cualquier cartel es más difícil de determinar. Dependiendo de su definición, Los carteles no tienen que ser “artísticos” para ser efectivos. (es decir, tener éxito en sus ‘roles’). Es mucho más importante que los carteles sean efectivos que artísticos.

La parte estética de la creación de carteles tiene más que ver con los objetivos de su creador que con los requisitos de la forma.

Debido a la relación histórica del cartel con el mundo de la pintura, y en virtud de su tamaño físico, el cartel parece ofrecer más oportunidades para que el diseñador realice trabajos artísticos o imaginativos que muchas de las otras áreas en las que puede estar trabajando.

Además de la importante función de informar y motivar a un público, la cuestión del papel social del cartel es más sutil. ¿Se beneficia la sociedad de experimentar obras que tienen mérito ‘artístico’ y que están bien hechas? Sin comenzar a definir esos términos evasivos, tendría que decir que sí, aunque sería difícil probar un caso. Para agregar a la ambigüedad, debe tenerse en cuenta que un objeto bien hecho no tiene que estar bien hecho.

Periodista: ¿Qué opina del antiguo término “arte comercial” (frente a “diseño gráfico”)?

Milton: El diseño parece ocupar un lugar entre el arte y la artesanía, entre la estética y el co-

mercio, la belleza y la persuasión, la novedad y la familiaridad, etc. O bviamente, el énfasis entre las polaridades cambia en respuesta al problema específico, y la intención y el talento del diseñador. El término “arte comercial” es una simplificación y parece eliminar el conflicto inherente. Por esta razón, prefiero la frase más ambigua “diseño gráfico”.

Periodista: ¿Es el dinero una influencia corruptora en el diseño de carteles?

Milton: Quizás en un sentido: cuando los riesgos financieros son mayores, los clientes tienden a ser más conservadores. El miedo a perder una cantidad significativa de dinero puede tener un efecto escalofriante en el sentido de aventura e imaginación.

Periodista: ¿Cuál es su opinión sobre el póster y su relación con el “arte elevado”?

Milton : ¿Cuándo se une el “arte alto” con el “arte bajo”? En este encuentro, ¿todo lo que está por encima de la línea es ‘arte’ y todo lo que está debajo de ‘no arte’? ¿Cómo llamaremos al material debajo de la línea artesanía, arte aplicado, arte comercial, decoración? ¿Quién inventó esta pregunta? ¿A quién sirve la distinción? ¿Importa? La búsqueda del “arte elevado” es un tema teológico, como la búsqueda de la verdadera cruz. Los sacerdotes de la cultura intentan proteger al mundo de la religión o la fe falsas, una tarea interminable.

Tengo una modesta propuesta; ¿Por qué no descartamos la palabra ‘arte’ y la reemplazamos con la palabra ‘trabajo’? Esos objetos hechos con cuidado y un talento extraordinario que podemos llamar ‘gran trabajo’, aquellos que merecen una atención especial, pero no impresionantes, los llamamos ‘buen trabajo’.

Objetos honestos, hechos apropiadamente y sin distinción especial que llamamos ‘trabajo’ solo. Y lo que queda merece el título de

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MILTON GLASER ‘mal trabajo’. Un simple hecho me anima en esta propuesta; Valoramos una buena alfombra, un hermoso libro o un buen póster sobre cualquier pintura mala.

Periodista: ¿La reproducción en masa disminuye el valor de los carteles (es decir, el valor en materia visual depende de la singularidad de las obras maestras)?

Milton : Parece que me estoy volviendo terriblemente talmúdico, pero depende de la definición de valor de uno; El valor más significativo de cualquier trabajo o diseño está en su efecto en el mundo.

La reproducción en masa es una forma de ver y experimentar estas palabras. Por supuesto, esto no tiene nada que ver con el precio de venta de los objetos escasos.

New york magazine

O

Nueva York fue fechado el 8 de abril de 1968.

tro negocio en el que estuvo involucrado Milton Glaser fue la creación de Entre las líneas generales había muchos una de los primeras revitas que se vieron nombres familiares de la encarnación anterior de la revista, incluyendo Breslin, Wolfe es nueva york. (quien escribió “Tú y tu boca grande: cómo El New York Magazine comenzó su vida los bocinazos y los bocinazos” Revelar la en 1963 como suplemento de la revista verdad fonética sobre el estado “en el núdominical del periódico New York Herald mero inaugural [12] ), y George Goodman Tribune . Editada primero por Sheldon Za- , un escritor financiero que escribió como” laznick y luego por Clay Felker , la revista Adam Smith “. mostró el trabajo de varios contribuyentes talentosos de Tribune, incluidos Tom Wolfe Dentro de un año, Felker había reunido un , Barbara Goldsmith y Jimmy Breslin . [10] equipo de colaboradores que vendrían a Poco después de que el Tribune cerrara en definir la voz de la revista. Breslin se con1966-1967, Felker y su socio, Milton Gla- virtió en un habitual, al igual que Gloria ser, compró los derechos con dinero pres- Steinem , quien escribió la columna de política de la ciudad, y Gail Sheehy . (Sheehy tado por C. finalmente se casaría con Felker, en 1984.)

Gerald Goldsmith (el esposo de Barbara Harold Clurman fue contratado como crítiGoldsmith en ese momento) y reencarnó la co de teatro. revista como una revista brillante independiente. Junto a ellos estaba el editor ge- Judith Crist escribió críticas de películas. rente Jack Nessel, el número dos de Felker Alan Rich cubrió la escena de la música en el Herald Tribune. El primer número de clásica. Barbara Goldsmith fue editora fun-

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NEGOCIOS Y ENTREVISTAS

dadora de la revista New York y autora de la serie ampliamente imitada “The Creative Environment”, en la que entrevistó a temas como Marcel Breuer , IM Pei ,George Balanchine y Pablo Picasso sobre su proceso creativo.

los Black Panthers , celebrada en el departamento de Leonard Bernstein , en una colisión de alta cultura y baja que era paralela al espíritu de la revista New York .

En 1972, Nueva York , después de que Gloria Steinem la convenciera mucho, también lanzó la revista Ms. , que comenzó como un número especial. New West , una revista hermana sobre el modelo de Nueva York que cubrió Californialife, también fue publicado durante unos años en la década de 1970.

Gael Greene , escribiendo bajo la rúbrica “La crítica insaciable”, revisó los restaurantes , cultivando un estilo de escritura barroco que se apoyaba fuertemente en la metáfora sexual . Woody Allen contribuyó con algunas historias para la revista en sus primeros años. El enfoque regional de la revista y las ilustraciones innovadoras ins- A medida que avanzaba la década de piraron a numerosos imitadores en todo el 1970, Felker continuó ampliando la visión editorial de la revista más allá de Manhatpaís. tan, cubriendo de cerca a Richard Nixon y La oficina de la revista estaba en el último el escándalo de Watergate . piso de la antigua casa club de Tammany Hall en 207 East 32nd Street, propiedad de En 1976, el periodista Nik Cohn contribuyó con una historia llamada “ Ritos tribales Glaser. del nuevo sábado por la noche “, sobre un Wolfe, colaborador habitual de la revista, joven en un barrio de clase trabajadora de escribió una historia en 1970 que captu- Brooklyn que, una vez por semana, iba a ró el espíritu de la revista (si no la edad): una discoteca local llamada Odyssey 2001; “ Radical Chic : That Party at Lenny’s”. El La historia fue una sensación y sirvió de artículo describía una fiesta benéfica para base para la película Saturday Night Fever.

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MILTON GLASER

Veinte años después, Cohn admitió que no había hecho más que conducir hasta la puerta de Odyssey, y que había hecho el resto. Era un problema recurrente de lo que Wolfe, en 1972, había etiquetado como “El nuevo periodismo “.

En 1976, el barón de los medios de comunicación de Australia, Rupert Murdoch, compró la revista en una adquisición hostil , lo que obligó a Felker y Glaser a retirarse. Siguió una sucesión de editores, incluidos Joe Armstrong y John Berendt.

Entrevista sobre el diseño Periodista: “Di la verdad” es uno de sus famosos consejos. ¿Usted siempre lo ha hecho?

Milton: No. Pero siempre he sido consciente cuando no decía la verdad, y eso no es fácil, porque uno tiende a mentirse más a sí mismo que a los demás. Es más difícil detectar esas mentiras. Cuando le mientes a alguien, normalmente sabes que lo estás haciendo.

Periodista: ¿Entonces no se ha mentido nunca?

Milton: Bueno, uno siempre quiere sentirse más importante de lo que es, pensar que tiene más éxito del que tiene, que es más inteligente, que es más cualquier cosa de lo que realmente es. Uno tiene que justificar su vida e inventa razones con las que hacerlo.

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Periodista: ¿Qué es un diseño verdadero?

Milton: Si le pregunto cuál es el diseño de su vida, me dirá: “Quiero vivir junto al mar, quiero tener tres hijos, quiero…”. Si quiere tener un hijo y no casarse es otro diseño. Representan la intención, lo que quiere conseguir.

Eso es diseño, pero también lo es lo que termina por conseguir, por eso uno debe preguntarse por la diferencia entre las intenciones y la realidad.

Periodista: Al pensar en un diseño inolvidable ¿nos fijamos más en el resultado que en la intención ?

Milton: Sí, pero la relación entre ambos es la que cuenta. Uno puede esbozar un buen par de zapatos y no venderlo. Si consideras que un buen diseño debe tener éxito comercial, entonces los zapatos quizá no lo sean. Sin embargo, desde un punto de vista artístico o

NEGOCIOS Y ENTREVISTAS cultural, pueden ser un hallazgo. El diseño y el arte son dos asuntos distantes. El arte tiene que ver con transformar al que mira, con hacerle ver el mundo de otra manera. El diseño acomoda a un público con un cliente.

Periodista: “Lo bueno es enemigo de lo mejor” es otra de sus frases. ¿Es I Love NY su mejor trabajo?

Milton: Es uno de los más simples. Lo simple funciona. Es mi trabajo más famoso, el que han visto más personas del mundo. Pero, en ese caso, lo mejor no sé lo que es. He hecho trabajos más ambiciosos y complejos.

Periodista: ¿Qué convirtió a I Love NY en un símbolo?

Milton: Es un misterio lo que la gente retiene en su cabeza, lo que quieren ver una y otra vez. Ese eslogan es en realidad un jeroglífico porque uno tiene que hacer rápidamente cierto tipo de interpretaciones, leer palabras, símbolos e iniciales como parte del mismo mensaje.

Cada una de ellas representa un punto de vista distinto, y eso lleva a forzar la mirada para entender. Forzar la mirada es un recurso para que las cosas queden impresas en el cerebro.

Desde el punto de vista visual, la geometría rectilínea de las letras y la sensualidad del corazón contrastan. No es lógica. No sabemos por qué ciertas formas crean memoria.

Pero el argumento definitivo es que es verdad, no fue un eslogan inventado para una campaña publicitaria. Era una verdad. Representa lo que la gente sentía y no había expresado porque no tenía el mecanismo para hacerlo. He pasado parte de mi vida tratando de entender el éxito de ese mensaje y esto es lo que he conseguido ordenar.

Periodista: ¿Cómo se le ocurrió?

Milton: A finales de los setenta, la ciudad atravesaba un momento difícil. Siempre dábamos un paseo después de cenar y recuerdo que mi mujer comenzó a sentir miedo de salir al anochecer. Había muchos robos, delincuencia, y pensé que teníamos que hacer algo.

Periodista: El croquis que dibujó en un taxi está ahora en el MOMA. Milton: Sí, siempre trabajo así. No me siento a trabajar. Dejo las cosas en la cabeza y vivo con ellas hasta que afloran.

Periodista: ¿Es cierto que nunca ha cobrado ese trabajo que genera millones de dólares impreso en camisetas y tazas?

Milton: Me dieron 2.000 dólares para las pruebas mecánicas. Pero no, no cobré un centavo. Me hace muy feliz haberlo hecho porque, como les sucede a veces a los periodistas y a los artistas, he podido ver que mi trabajo tenía sentido, que afectaba a la vida de algunas personas y de mis amigos, y que está hecho por el bien general.

No insta a nadie a comprar algo que no es bueno para él. No me gusta la persuasión, me gusta la información. Sienta muy bien poder expresar una idea poderosa con medios muy simples.

Periodista: No mucha gente sabe que usted estudió y trabajó con el pintor Giorgio Morandi en Bolonia.

Milton: Sí, me dieron una beca Fulbright para estudiar en Milán y en Florencia, y terminé en Bolonia. Y allí Morandi daba clase en la universidad a mujeres sin educación artística. Yo

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MILTON GLASER era el único chico y el único con formación.

Periodista: ¿Qué aprendió del italiano?

Milton: Aprendí más por lo que era como persona que por su grandeza artística. Era un hombre muy decente que no se dejaba guiar por la fama o el dinero. Era incorruptible. Y se convirtió en un modelo para mi vida.

era la vida en Italia comparada con Nueva York?

Milton: Nueva York encarna las aspiraciones de mucha gente, pero a mí Italia me transformó. La primera vez me quedé un año y trabajé con Morandi. Luego regresé cuatro años después con mi mujer, recién casados, y vivimos dos años en Roma.

Periodista: ¿Qué buscaban?

Periodista: ¿Qué hacía de él un ser tan ejemplar?

Periodista: ¿Hay que ser buena persona para ser buen artista?

Milton: Quería compartir lo que había vivido con ella. Si a uno le interesa la comida o el arte, tiene que ir a Italia. Cuando llegué no sabía nada de arte, ni de arquitectura, ni de comida, pero estaba convencido de que lo sabía todo de casi todo. Viene en el paquete de ser estadounidense. Por eso vivir allí me puso en mi sitio. Tuve que aprender todo de nuevo, y cuando digo todo quiero decir todo.

Italia cambió mi escala de valores.

Milton: Yo me siento mejor cuando soy generoso que cuando soy tacaño.

Periodista: “Como vives cambia tu cerebro” es otra de sus reflexiones más conocidas

Periodista: ¿Le tentó alguna vez convertirse en pintor como Morandi?

Milton: Lo mejor de envejecer es que te das cuenta de hasta qué punto tu vida ha sido falsa y de cuán desilusionante puede ser no ser consciente de la existencia que estás viviendo. Cuanto más viejo me hago, más sospecho de lo que pienso.

Milton: Llamaba la atención su generosidad.

El mundo no conoce esa parte, pero fue la que yo vi. Era generoso con su tiempo, con su dinero, con su atención, con su talento…

No era un hombre egoísta.

Milton: No. Nunca he entendido la idea de hacer arte por dinero. Convertir el arte en una mercancía, ponerle un precio de venta, transforma su papel esencial en la sociedad.

Periodista: ¿Cuál es ese papel?

Milton: La idea fundamental del arte es unificar la especie humana. A ti te gusta Mozart, a mí me gusta Mozart y ya tenemos algo en común. Por eso, que por una pintura ridícula de Keith Haring se paguen 500.000 dólares es un insulto. No es que no quisiera ser pintor, es que no quería ganarme la vida formando parte de esa transformación del arte en cultura de consumo.

Periodista: Morandi era un clásico, y usted, más bien un ecléctico.

Milton: Yo no veo el mundo así. No distingo entre artistas y no artistas. Además, uno decide que quiere ser artista y se autodenomina artista. ¿Eso lo convierte en artista? En cien años lo sabremos. Nunca he querido tener cierto estatus, solo hacer el trabajo para el que estaba preparado.

Periodista: A finales de los cincuenta, ¿cómo

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Pero supongo que necesitas esa especie de certeza cuando eres joven para conseguir lo que quieres. Luego descubres que hay otras maneras de hacer las cosas. Para mí el gran cambio vital se da cuando uno está dispuesto a ver las cosas sin el velo de los prejuicios.

Periodista: Se ha convertido en un descreído.

Milton: No creo lo que dicen los periódicos, a veces dudo hasta de lo que veo. Pero uno ha de buscar una manera de ir por el mundo.

Periodista: ¿Qué le ha servido de ayuda?

Milton: Lo que más, un mensaje de Picasso: cuando haces algo bien es el momento de dejarlo. He tenido cuidado de no continuar haciendo lo que ya sabía hacer, por eso mi trabajo ha ido cambiando.

Eso me liberaba de la responsabilidad de seguir realizándolo y me permitía probar algo más. Esa es una gran lección porque te mantiene vivo. El mundo quiere que seamos

NEGOCIOS Y ENTREVISTAS especialistas, pero el sentido del descubrimiento es lo que nos caracteriza como humanos. Y lo que, como tal, saca lo mejor de nosotros.

Periodista: Ha hablado de ética y de verdad.

Usted ha firmado el diseño de varios periódicos –en España, La Vanguardia, y en Brasil, O Globo– y múltiples revistas. ¿Cómo aplicar sus ideas a un campo tan peliagudo como el de la información?

Milton: La gente confunde estilo y diseño.

Creen que ambos definen el aspecto de las cosas, pero cuando uno empieza a diseñar siempre se pone en el lugar del público. ¿Quiénes son? ¿Qué quieren? ¿Qué podemos mejorar? ¿Cómo atrapar su atención?

Uno no empieza pensando en la belleza de un diseño, sino en qué se necesita. Quieres comunicar algo nuevo sin perder a los viejos lectores. Los cambios solo tienen sentido si mejoran las cosas.

Periodista: Otra de sus célebres frases recomienda no trabajar para alguien que no le guste. ¿Se lo ha podido permitir? ¿No se puede ver como un reto intentar hacerlo?

Milton: Es un reto que no me interesa. Puedo hacer un trabajo profesional porque sé lo que hago, pero no un trabajo extraordinario si no estoy en el mismo barco que quien me lo encarga. De lo contrario, hay demasiada tensión, discusión y, al final, decepción.

Periodista: ¿Un diseñador tiene que ser un intelectual?

Milton: No necesariamente. Muchos artistas no son elocuentes porque su medio de expresión no es la palabra. No es que les falte inteligencia, les faltan las palabras.

Periodista: ¿Le ayudó poner su ideario por escrito?

Milton: Empecé a escribir hace 20 años. Antes prefería apoyarme en la información visual. Normalmente alguien que dibuja bien no se pone a escribir, se pone a dibujar.

Periodista: ¿Es más importante la intención o la capacidad para representar?

Milton: Es difícil contestar fuera de contexto.

Los diseñadores gráficos no necesitan expre1 sarse. Necesitan saber vender una idea clara al cliente.

Periodista: Sus frases se han hecho célebres.

Inundan la Red y pueden entenderse como mantras. Una de ellas habla de las respuestas que puede ofrecer el diseño: sí, no y ¡guau! ¿No es la sorpresa un arma peligrosa?

Milton: A veces. Transformar la opinión de la gente siempre lo es. El ¡guau! para mí se produce cuando alguien advierte algo en lo que antes no había reparado, cuando la conciencia se amplía o el placer aumenta. Una de las cosas más difíciles de la vida es ver las cosas cuando las tienes delante. Nos cegamos con los prejuicios que permean todo lo que observamos. Generamos constantemente expectativas a partir de prejuicios que, en la mayoría de los casos, son falsos.

Periodista: ¿Despertar admiración o sorpresa es importante en un diseño?

Milton: En general, sí. Es la manera de penetrar en la inmunidad de la gente, que ve y oye tanto que no reacciona con casi nada. Lo que diferencia el arte de otros campos creativos es que uno nunca se cansa de un buen cuadro. Tiene la capacidad de afectar no a nuestra parte lógica, sino al sistema límbico del cerebro, el que controla las emociones. Uno podría mirar cada mañana la misma pintura y sentirse cada día conmovido. Eso no se puede decir de muchas cosas.

1 Entrevista de la revista El Pais a Milton Glaser

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también hace alusión a tres relojes de pared para Kikkerland Design.

Kikkerland Design

-Hablemos de los relojes.

-Yo empecé haciendo relojes como un ejercicio. No había clientes. No había pedidos. Eso equivalía a decir, “Imagina algo, y se concretará.

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-¿Es usted todavía hoy un diseñador de productos?

-Yo me inicié haciendo platos y diseño de vajilla para Windows on the World en los años setenta. Pero nunca fui conocido como diseñador de productos. No quiero decir “soy un diseñador de productos”. Toda mi vida he tratado de no ser clasificado, aprender algo y después olvidarlo”.

-Pero estos son productos. Entonces ¿cómo empezó usted? El “cork presenter”, por ejemplo?

-Lo diseñé para Eleven Madison Park.

Alessi quería hacer con ellos una colección. Lo único que sobrevivió fue el presentador de corchos.

cork presenter MIlton Glaser

“He sido director de arte, diseñador de libros, diseñador de solapas de libros, y diseñador de interiores”, dice Glaser, instalado en su oficina del Kips Bay de Nueva York. “He sido imprentero y diseñador de objetos. He creado 500 pósters”.

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MILTON GLASER Milton Glaser inc.

Milton Glaser, Inc. se estableció en 1974. El trabajo producido en este estudio de Manhattan abarca una amplia gama de disciplinas de diseño. En el área de gráficos impresos, el estudio produce programas de identidad para fines de marke e institucional, incluidos logotipos, papelería, folletos, señalización e informes anuales. En el campo del diseño ambiental y de interiores, la firma ha conceptualizado y supervisado el sitio de la fabricación de numerosos productos, exposiciones, interiores y exteriores de restaurantes, centros comerciales, supermercados, hoteles y otros entornos minoristas y comerciales

Milton Glaser, Inc. se estableció en 1974

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Push Pin Studios ilustraciones

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Push Pin Studios Push Pin Studios Push Pin Studios 37

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Una entrevista con Milton Glaser Por Martin Pederson, en la revista Metropolis

Milton Glaser ha pasado la mayor parte de su larga e ilustre carrera de diseño enseñando. Comenzó hace 42 años y ha visto que las actitudes, estilos y herramientas de los estudiantes cambian significativamente desde entonces.

Sin embargo, a pesar de todo, los estándares morales y éticos de Glaser se han mantenido sin cambios. Él continúa enseñando en la Escuela de Artes Visuales, en Nueva York, donde sus agudos conocimientos culturales continúan inspirando a las nuevas generaciones de diseñadores.

Entrevistador: Sobre los estudiantes de hoy: Milton: Las generaciones anteriores estaban más preocupadas por la belleza y la estética, por lograr cosas extraordinarias.

Hace unos veinte años se produjo un cambio cuando la preocupación cambió a una línea vocacional. Todos estaban pensando en cómo ganar más dinero.

Ahora, ante una lucha economía, ha habido un retorno a la belleza y la excelencia. Pero la vida profesional no les parece suficiente.

La perspectiva de construir un negocio, ganarse la vida y tener su trabajo en la exhibición del director de arte todavía les deja un sentido de vacante. Quieren sentir que lo que están haciendo tiene un propósito mayor.

Todos tenemos que ganarnos la vida, todos queremos ser estimados por nuestros colegas.

Pero en cierto punto, quieres que se sume a algo más grande. la gente ahora está buscando algo .

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Entrevistador: Sobre artistas y educadores.

entrevistador: Sobre “ismos” y doctrinas

Milton: Hay un libro maravilloso llamado The Gift, en el que un antropólogo habla sobre una costumbre en una sociedad en la que se intercambian regalos, pero no se pueden conservar.

Hay que transmitirlos.

Milton: En términos de belleza, nunca entendí por qué los diseñadores sentían que tenían que creer en algo. Porque una lección de la historia es que incluso los movimientos más contradictorios resultan hermosos. No puedes confiar en el estilo.

La idea detrás de esto es que todos los involucrados en ese proceso ...1 recibir el regalo o pasárselo, se compromete en una relación. Si le das algo a alguien, tienen una relación contigo. Se lo pasan a otra persona, y esa persona también tiene una relación contigo. Para mí, artistas y educadores realizan esta función en la sociedad, creando lo que yo llamaría receptividad a la comunidad.

Entrevistador: Sobre el arte perdido del dibujo: Milton: Parece estar volviendo. ¿Por qué? Desde un punto de vista visual, dibujar es la forma más fundamental de entender el mundo que tienes delante. No hay nada más directo.

Es la forma en que entiendes lo que estás viendo Siempre les digo a los estudiantes que cuando miro a alguien y pienso: 2 “Tengo que dibujar a esa persona”, los veo por primera vez.

El acto fisiológico del dibujo te hace consciente del mundo visual. Y en términos pragmáticos. , cuando quieres mostrar algo; ¿Qué tal esta idea?; si no puedes dibujar, entonces siempre estás usando material preexistente. Este es un tipo de dificultad incorporada. Siempre estás buscando cosas que ya existe hacer. Claramente, esa no es la mejor manera de comenzar nada 1 Entrevista en clarín.

2 Milton Glaser pin studios.

Es solo un dispositivo para codificar material en cierta forma, entonces ¿por qué desarrollar un sentido de lealtad? Es una especie de fundamentalismo de diseño. 3Quiero decir, el viejo eslogan ‘Menos es más’ era una mierda. ¿Qué significa eso? A veces menos es más; a veces menos es menos. Una alfombra persa no es menos bella que una alfombra de color liso.

Entrevistador: Si pudieras cambiar una cosa fundamental sobre la forma en que se enseña el diseño, ¿cuál sería?

Milton: Cambiaría la percepción del propósito del diseño que está profundamente arraigada en la educación del diseño. 4Debido a que está vinculado al arte, el diseño a menudo se enseña como un medio para expresarse.

Entonces, con los estudiantes, especialmente los jóvenes, salen sin tener idea de que hay una audiencia. 5Lo primero que trato de enseñarles en clase es que comiences con el público. Si no sabes con quién estás hablando, no puedes hablar con nadie.

3 Entrevista Milton Glaser en clarín el significado de la frase menos es mas .

4 Milton Glaser vinculado al arte y el diseñando demostrando que cada día se aprende algo nuevo.

5 Enseñanza en push pin studios

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Libro de Milton Glaser. conversaciones con Peter Mayer

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se obtiene a partir de una obra de un problema a resolver, Glaser se hace la pregunta de ¿cómo empezar a resolver un problema de diseño? 1Hay dos posibilidades: una se corresponde con la respuesta profesional a un problema determinado que proviene de reconocer soluciones previas y válidas a problemas similares. En gran medida, emplear fórmulas exitosas con resultados relativamente predecibles es profesional, pero, por definición, muy poco creativo. Otra forma de proceder más significativa es la que se enfrenta a problemas cuya resolución no puede reducirse a replicar fórmulas ya existentes o a una intelectualización del contenido. El proceso creativo es, un proceso ciego que no puedes preestructurar y en el que tienes que permitir que la información 2brote de una manera espontánea, sin voluntad de control.

Para Glaser la relación entre arte y vida se puede observar en la experiencia que proporciona el diseño3. Hay algo en el propio acto compositivo, en la misma acción de mover las cosas de un lado a otro hasta que uno encuentra una forma expresiva y poderosa de relacionarlas, que también puede aplicarse a la propia experiencia vital, en un sentido temporal. Por medio de la observación surgen los mejores trabajos que existen con independencia unos de otros. Lo que el diseñador intuye es una conexión4, singular o plural; percibe una vía para unir entidades separadas y crear una gestalt, una experiencia perceptiva en la que esta nueva unidad proporciona una nueva imagen a través de conexiones que permiten asociar fenómenos que nunca se habían vinculado de modo que formen una especie de unidad.

De eso va el diseño y de eso va el arte, y no importa mucho con qué medios o soportes se consiga, concluye Glaser.

1 Un problema determinado que proviene de reconocer soluciones prevista y validas a problemas similares.

2 Diseñar, Enseñar y deleitar Milton Glaser.

3 Arte y Vida que se puede observar.

4 Al hacer observaciones que aplicas en los trabajos, se realiza una propia experiencia vital.

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Milton Glaser. Conversaciones con Peter Meyer // Gustavo Gili

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Pero, ¿qué es realmente el diseño para una figura como Milton Glaser?

Milton Glaser. Conversaciones con Peter Meyer // Gustavo Gili

una es la intervención en el flujo de acontecimientos con el fin de provocar un efecto deseado; otra es la que identifica el diseño con la introducción de un componente intencional en los asuntos humanos, y finalmente, el diseño es aquello que transforma las condiciones de existencia que las cosas tienen de partida y las convierte en otras diferentes más acordes con nuestras preferencias. Lo que importa no es la categoría o el medio, sino el efecto que produce en nosotros.

Glaser nos da también otras pautas para enfrentarnos al problema y resolverlo a través del diseño, mediante la formulación de cuatro preguntas esenciales: ¿Para quién es? ¿Qué les digo y qué quiero que hagan? Eso vincula el mensaje y la respuesta del público, y ¿cómo puedo expresar ese mensaje de la manera más convincente y apropiada? En este punto es donde pasan a primer plano la estética, la organización y la apariencia. Los diseñadores usan ideas que, habitualmente no generan ellos mis-

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mos pero que, de alguna manera, comunican a toda la sociedad. El diseñador tiene una responsabilidad muy importante en la creación de formas que esencialmente son para una cultura. Unas formas que pueden ejecutarse a través del dibujo.

Herramienta fundamental para Glaser ya que lo define como el camino a la observación y a la atención. No hay nada más poderoso en materia de aprendizaje que la interacción del ojo, la mano y el cerebro, por lo que no hay instrumentos más directos que un lápiz y un trozo de papel para la expresión de ideas. Todo lo demás que interfiera en la relación entre el ojo, la mente, el brazo y la mano redunda en una pérdida de fidelidad.

Estas conversaciones son unas magníficas palabras que arrojan luz sobre una profesión como la del diseño tan subjetiva e interpretable y que ayudarán al diseñador experimentado -y no tanto- a seguir creyendo en un oficio tan antiguo y bonito como este. Que si es respetado, tanto por profesionales como por sus clientes, se pueden llegar a realizar grandes cosas que llegan a cambiar incluso sociedades y su cultura y me atrevería a decir que podría elevarse esa pieza a la categoría de arte mayor. todo diseñador y amante del buen arte, el diseño y la comunicación, como dijo el admirado por Milton Glaser, Horacio a propósito del arte para “enseñar y deleitar”

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“ Es inspiracional tener la oficina al lado de un escuela, nos recuerda que la diversión está siempre a nuestro alrededor.” milton glaser

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n 1968, Glaser se adentra en el mundo editorial creando la revista sobre tendencias y cultura New York Magazine, empresa en la que también estuvo al mando hasta 1977, de ahí Glaser se dedico a la creación de su empresa, donde en ella decidió publicar varios libros de su interés y de temas que creía interesantes y pertinentes en publicar.

En el mundo editorial y de la prensa, Glaser ha trabajo para publicaciones como Paris Macht, L´Express, Esquire, L’Europeo, The Washington Post Magazine o Village Voice.

En España, fue el encargado de rediseñar el diario La Vanguardia (1987-1989) cuando la publicación dio su paso al color.

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Si las manzanas tuvieran dientes (196o) Fue el primer escrito por Millton Glaser y su esposa, escribieron si las manzanas tuvieran dientes, libro para niños mayores de 4 años con ilustraciones.

La sipnosis empieza cuando la imaginación se activa cuando nos hacemos preguntas imposibles: ¿Qué pasaría si los melones tuvieran plumas o si un caracol fuera el cartero? Los juegos de palabras y las disparatadas situaciones de este libro se enredan con el pensamiento para provocar una sonrisa.

Un libro hilarante, enraizado en el género literario del nonsense («sinsentido»), que rescata una de las pocas obras dirigidas al público infantil, creadas por el legendario Milton Glaser.

1. libro si las manzanas tuvieran dientes, editorial Libros del Zorro Rojo

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The Underground Gourmet (1968) Escrito por Millton Glaser y Jerome Snyder, escribieron The Underground Gourmet , una guía de restaurantes baratos en la ciudad. Era una de las columnas más populares de la revista New York porque todos en la ciudad siempre buscan buenos y baratos alimentos.

Es una guía de restaurantes baratos en la Gran Manzana. Esta fue una de las columnas más populares de la revista New York porque todo el mundo en la ciudad siempre estaba buscando barato, buenos restaurantes.

George A. Hirsh, el editor de la revista New York Magazine habla con Milton Glaser y Jerome Synder sobre su nuevo libro sobre comer de forma aventurera y barata en la ciudad de Nueva York. Los dos también escriben una característica regular para la revista llamada The Underground Gourmet.

Discuten la comida china, la comida española y los knishes de Yonah Shimmel entre otras delicias de Nueva York en 1969.

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Milton Glaser American graphic design (1973) el trabajo clásico de Milton Glaser se publica para coincidir con la publicación de su nuevo libro Art is Work (Thames & Hudson).

El trabajo de Glaser abarca desde el póster psicodélico Bob Dylan hasta portadas de libros y discos; desde el diseño de tiendas y restaurantes hasta creaciones de juguetes; y formatos de revistas que incluyen Nueva Yorkrevista y logotipos, todos los cuales definen el aspecto de nuestro tiempo. Aquí Glaser se compromete no solo con una representación notablemente am-

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plia de su obra de los primeros años increíblemente fértiles, sino que, en una nueva introducción, habla de las influencias en su trabajo, las responsabilidades del artista, las jerarquías del mundo del arte tradicional, y el papel del diseño gráfico en el área de su crecimiento creativo. Publicado por primera vez en 1973, Milton Glaser: Graphic Design es un logro extraordinario e indiscutiblemente un clásico en el campo. incluye sus pensamientos personales sobre las responsabilidades de los artistas, las influencias en su trabajo , y las jerarquías del mundo del arte tradicional.

97 ilustraciones a todo color. 242 ilustraciones en blanco y negro.

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The Milton Glaser poster book (1977) Glaser, como otros diseñadores y creadores, reúne esa mezcla urbana, en su caso, un linaje judío-húngaro, que como el mismo diseñador confesará, le alimentó, y acabaría enriqueciéndole, de diferentes culturas.

Este libro que recorre desde la década de los sesenta su producción cartelística. Entre otros se pueden ver su famoso poster

dedicado al cantante Bob Dylan, hoy convertido en una de las piezas más emblemáticas de la década de los sesenta. Bajo formas estéticas Art Nouveau, el estilo que infunde muchas de las obras de los creadores gráficos de los años sesenta, Glaser reúne en su cartel esa mezcla de complejidad y al mismo tiempo de sencillez a partir de una silueta negra con el rostro del artista pero de un gran poder expresivo.

Como la propia personalidad del cantante.

El poster incluido en uno de los discos del cantante alcanzará la cifra de más de seis millones ejemplares.

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Work, Life, Tools: The Things We Use to Do the Things We Do Work, Life, Tools examina ingeniosamente las herramientas que las personas usan en su vida cotidiana. Desarrollado por Steelcase Design Partnership y diseñado por Milton Glaser, este retrato original del trabajo y la cultura estadounidense de finales del siglo XX sirve como una cápsula del tiempo para las generaciones venideras.

Se pidió a cincuenta personas de diversos orígenes y profesiones que identificaran la herramienta más esencial utilizada en su vida diaria. Capturado en una amplia variedad de entornos de trabajo en fotografías a color a gran escala, cada persona es fotografiada con su codiciada herramienta. Los escritos analíticos y anecdóticos sobre la importancia del elemento elegido, presentados junto con entrevistas convincentes, explican la relación de la herramienta con los logros profesionales y personales de cada persona.

Aquí se ven Michael Korda de Simon & Schuster y su pluma estilográfica OXXXX, Thomas Krens de Guggenheim y su clip de carpeta, Jenette Kahn de DC Comics y su cama, Duane Michals y su cámara, el crítico de arte Arthur Danto y su computadora Compaq Aero, la arquitecta Laurinda Spear y su conjunto de escalas, y Francis Ford Coppola y su computadora IBM ThinkPad 560, así como otros ingenieros, arquitectos, diseñadores, escritores, editores, cineastas, músicos, actores, curadores, artistas y empresarios.

El ensayo introductorio de Stanley Abercrombie explora la importancia de las herramientas y su diseño, la relación entre el trabajo y el ocio, el diseño y el lugar de trabajo, las herramientas como agentes de cambio en el trabajo y nuestra constante necesidad de adaptarnos y cambiar.

1. Work, Life, Tools: The Things We Use to Do the Things We Do , editorial Monacelli Press

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ART IS WORK (2000) Una retrospectiva generosamente ilustrada y de gran tamaño de una de las figuras más influyentes de la historia en el diseño internacional evalúa el papel del arte en los negocios de hoy, presentando las teorías del autor sobre las influencias trivializadoras de la tecnología y el comercio mientras documenta los procesos creativos de varias de sus obras.

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The Alphazeds (2003) En este libro encantador y bellamente diseñado para niños de todas las edades, Milton y Shirley Glaser se unen para reintroducir a los lectores en el alfabeto. El Alphazeds comienza con una habitación vacía, que comienza a llenarse con algunas letras de aspecto extraordinario. Cuando cada letra aparece en escena, anuncia audazmente su personalidad: A está enojado todo el tiempo; B no podría ser más tímido; y K entra pateando a todos los demás fuera del camino. ¿Podrán las letras revoltosas alguna vez coexistir el tiempo suficiente para trabajar juntas? Encantador y completamente original, The Alphazeds enseña hábilmente el alfabeto y las nuevas palabras a los niños, a la vez que les presenta el arte de la tipografía de una manera fresca y agradable.

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The Big Race (2005) Harry Hare y Tommy Tortoise acuerdan tener una carrera, sin darse cuenta de que los llevará a todo el mundo. En el camino ven muchas cosas increíbles, incluidos volcanes, personas que pescan sobre pilotes, las pirámides, sin mencionar a 6 osos que se duchan. En este ingenioso recuento de la querida fábula, Milton y Shirley Glaser han inventado un libro mágico de rotación que permite que la historia continúe y pase más allá de cualquier hora de acostarse. Hermosas ilustraciones en color!

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Diseño de protesta (2006) La protesta es parte esencial de una sociedad democrática sana y, como ciudadanos, la habilidad para expresar nuestra opinión no solamente es nuestro privilegio, sino también nuestra responsabilidad.

En los últimos años, hemos ido adquiriendo un mayor conocimiento de los problemas y conflictos internacionales que, directa o indirectamente, afectan nuestra vida cotidiana.

A lo largo de la historia, los diseñadores han utilizado sus recursos para mostrar su protesta y, desde la aparición de Internet, han incrementado las posibilidades de difusión de sus carteles y otros materiales gráficos. Una imagen vale más que mil palabras y los diseñadores han aplicado este lema para la creación de diseños simples y contundentes que transmiten, de forma inmediata, conmovedores mensajes.Este libro muestra aquellos trabajos gráficos que se centran en las diversas problemáticas políticas y sociales en todo el mundo.

Libro de Milton Glaser-Diseño de protesta

1. Diseño de protesta, Editorial Gustavo Gil

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Drawing Is Thinking (2008) Una colecciรณn profundamente personal de ilustraciones y otras piezas creativas de un notable creador de logotipos presenta obras que representan una variedad de temas abordados en varios puntos de su carrera y ofrece una visiรณn de sus perspectivas sobre cรณmo el arte permite una mayor comprensiรณn del mundo. 17.500 primera impresiรณn.

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Libro de Milton Glaser-In search of the Miraculous

In Search of the Miraculous: Or, One Thing Leads to Another (2012) Cuando era joven, leyó una frase que permaneció con él durante toda su vida: “En busca de lo milagroso”. Se podría decir que toda experiencia humana es un milagro: memoria, color, sabor, Vermeer, estrellas, sandía, etc. Para aquellos como Glaser, el acto de hacer cosas que mueven la mente es quizás la aspiración más profunda a lo milagroso. En este volumen, ha elegido el trabajo, creado en gran parte por él en los últimos cinco años, para demostrar cómo un concepto conduce a otro. A través de fascinantes yuxtaposiciones, los lectores obtendrán información sobre la obra de Glaser, viajando con él mientras descubre que los diseños aparentemente nuevos a menudo surgen de ideas provocativas tomadas del pasado distante.

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Davy Crockett S Own Story (2013) Esta es una reproducciรณn de un libro publicado antes de 1923. Este libro puede tener imperfecciones ocasionales, como pรกginas faltantes o borrosas, imรกgenes deficientes, marcas errantes, etc. que fueron parte del artefacto original o fueron introducidas por el proceso de escaneo. Creemos que este trabajo es culturalmente importante y, a pesar de las imperfecciones, hemos decidido volver a imprimirlo como parte de nuestro compromiso continuo con la preservaciรณn de las obras impresas en todo el mundo.

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Davy Crockett S Own Story (2015) Este trabajo ha sido seleccionado por académicos como culturalmente importante y es parte de la base de conocimiento de la civilización tal como la conocemos. Este trabajo se reprodujo a partir del artefacto original y sigue siendo tan fiel al trabajo original como sea posible. Por lo tanto, verá las referencias de derechos de autor originales, los sellos de la biblioteca (ya que la mayoría de estos trabajos se encuentran en nuestras bibliotecas más importantes del mundo) y otras anotaciones en el trabajo.

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100 Years: Wisdom from Famous Writers on Every Year of Your Life (2016) Un extraordinario viaje literario, 100 años traza los pasos de la vida desde la edad de uno a cien a través de citas de los mejores escritores del mundo. Moviéndose año tras año, con sorprendentes y esclarecedoras yuxtaposiciones de citas de figuras tan diversas como Platón y Woolf, Tolstoi y Barth, este retrato sabio, bello y conmovedor de la experiencia humana hará las delicias de los lectores de todos los orígenes. Otros autores incluyen a Edith Wharton, Herman Melville, Maya Angelou, Gunter Grass, Gertrude Stein, Norman Mailer, Anne Frank, Fyodor Dostoevsky, Agatha Christie, F. Scott Fitzgerald y docenas de otros. Milton Glaser, el reconocido diseñador gráfico y creador del icónico logotipo “I? NY”, ha creado un diseño que utiliza el color y la tipografía para mejorar la experiencia y la narrativa del proyecto.

1. 100 years, Editorial Norton & Company 2. The Design of Dissent, Expanded Edition, Rockport Publishers

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The Design of Dissent, Expanded Edition: Greed, Nationalism, Alternative Facts, and the Resistance (2017) La disidencia es una parte esencial para mantener saludables las sociedades democráticas, y nuestra capacidad como ciudadanos para expresar nuestras opiniones no es solo nuestro privilegio, es nuestra responsabilidad. Lo más importante es que es un derecho humano, uno por el que se debe luchar fervientemente, protegerlo y defenderlo.

Muchos de los problemas y conflictos visitados en la primera edición de este libro permanecen vivamente presentes hoy en día, ya que los recordatorios latentes, a veces palpitantes, de cómo el trabajo de la democracia y el ritmo del cambio social a menudo son incrementales, lo que requiere paciencia, diligencia, esperanza y la continuación voces valientes de diseñadores cuyas imágenes hábiles envalentonan, vigorizan y nos atormentan frente a la lucha.

Las más de 160 nuevas obras en esta edición documentan la Primavera Árabe, la presidencia de Obama, Occupy Wall Street, Black Lives Matter, la elección de Donald Trump, la influencia continua de Putin, la Marcha de las Mujeres, las crisis de refugiados en curso, la inmigración, el medio ambiente y los problemas humanitarios , y mucho más. Esta poderosa colección, con un total de más de 550 imágenes, se destaca no solo como un testimonio del poder del diseño, sino como un llamado urgente a la acción.

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Milton Glaser. Conversaciones con Peter Mayer (2017) Este libro recoge tres conversaciones entre el diseñador Milton Glaser y el editor Peter Mayer que fueron publicadas originalmente en inglés en tres libros distintos dedicados a la obra del diseñador. Tres momentos puntuales (1973, 2000 y 2008) a lo largo de un lapso de tiempo dilatado, en los que Glaser y Mayer reflexionan sobre toda una serie de cuestiones que tienen que ver con el diseño y el arte, como trabajo y como parte de la vida. Se habla de temas generales como el papel del diseño en su contexto social, el código deontológico (no escrito) del diseñador, de lo que constituye su dignidad, y de la relación entre creatividad y trabajo; se habla de la relación y la distancia entre diseño y arte y de la relación entre arte y vida, de la importancia o no de tener un estilo, de las relaciones con los clientes Y se habla, por supuesto, de la obra de Glaser, de los trabajos más icónicos del diseñador, y de la centralidad del dibujo en su práctica y el profundo peso en sus referentes de pintores clásicos como Piero della Francesca. Un diálogo que enfrentará a cualquier diseñador, artista o creador con las mismas preguntas e inquietudes que le habrán asaltado una y otra vez a lo largo de su carrera y que ofrece las respuestas, siempre lúcidas, y la rica perspectiva de uno de los grandes maestros.

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Milton Glaser Posters: 427 Examples from 1965 to 2017 Los carteles de Milton Glaser, más de 450 desde 1965, combinan rigor conceptual y originalidad con un dominio del lenguaje visual y un alto nivel de expresión artística.

Algunos, como su póster de 1967 de Bob Dylan para Columbia Records, son íconos; otros, como su serie celebrando “Amo Nueva York”, evocan su trabajo más conocido.

Milton Glaser Posters los incluye a todos, con el comentario de Glaser que describe su proceso de pensamiento e inspiración. El libro es una delicia para el amante del arte, una educación en expresión visual y un entretenido viaje a través de la vida cultural de medio siglo, todo en un solo volumen compacto e intenso.

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Illustration: Milton Glaser. Courtesy of ABRAM

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Sketch and Finish: The Journey from Here to There (2019) La leyenda del diseño Milton Glaser desmitifica su proceso creativo en esta atenta colección de ilustraciones que muestran su viaje desde el boceto hasta el final. Glaser es un diseñador verdaderamente multidisciplinario que trabaja en exposiciones, interiores y diseños de productos. Sketch and Finish presenta una variedad de proyectos, desde poco conocidos hasta icónicos, incluido el logotipo. Glaser escribe: “La tentativa en el acto de dibujar es crucial. La duda es esencial. Si ya conoces la respuesta antes de comenzar, ¿por qué molestarte? La convicción es el asesino de la imaginación”. Ilumina el quid de cada obra con gracia y un dominio intemporal de la artesanía.

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Mag Men: Fifty Years of Making Magazines (2019) Durante más de cincuenta años, Walter Bernard y Milton Glaser han revolucionado el aspecto del periodismo de revistas. En Mag Men, Bernard y Glaser cuentan sus carreras históricas, ofreciendo una perspectiva interna sobre algunos de los trabajos de diseño más emblemáticos del siglo XX. Los autores analizan y analizan algunos de sus proyectos más importantes y convincentes, desde la creación de la revista New York hasta el rediseño de publicaciones como Time, Fortune, Paris Match y The Nation, explicando cómo sus diseños complementaron una historia y dieron forma a la historia.

Identidad visual de una revista.

Ricamente ilustrado con las portadas y los interiores que definieron sus carreras, Mag Men está repleto de ejemplos vívidos del trabajo de Bernard y Glaser, diseñados para encapsular su enfoque distintivo de la narración visual y capturar los principales eventos y tendencias del último medio siglo. Al destacar la importancia de la colaboración en el periodismo de revistas, Bernard y Glaser detallan sus relaciones con una variedad de escritores, editores y artistas, incluidos Nora Ephron, Tom Wolfe, Gail Sheehy, David Levine, Seymour Chwast, Katherine Graham, Clay Felker y Katrina. Vanden Heuvel. El libro presenta un prólogo de Gloria Steinem, quien reflexiona sobre su trabajo en revistas y sus colaboraciones con Bernard y Glaser. En un momento en que la incertidumbre continúa nublando el futuro del periodismo impreso, Mag Men ofrece no solo una historia personal de dos de sus figuras más innovadoras, sino también un recordatorio y celebración del impacto visual y el sentido del estilo que solo las revistas pueden ofrecer.

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“ Todo está inevitablemente conectado y la tarea del artista es encontrar las conexiones.” milton glaser

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alería de imágenes de Milton Glaser (Bronx, Nueva York, Estados Unidos, 1929). Colección gráfica de uno de los más famosos diseñadores de todos los tiempos, responsable del diseño e ilustración de más de 400 carteles, alcanzó el reconocimiento mundial con el icónico logotipo I Love New York’ y el cartel de tintes psicodélicos con el que representó a Bob Dylan. Repasamos parte de su enorme legado: diseño de carteles, posters, afiches, portadas de revistas…

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Cartel “El amor une “ de Milton Glaser, 2008

La portada de The Nation de Open, 2001

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Homenaje a Milton Glaser del cartel Bob Dylan de 1967.

Cartel de Bernie Sanders Isaac LeFever

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Revista LIFE : “El retorno del hombre rojo”, diciembre de 1967

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JR sigue a Keith Haring, Milton Glaser y Bowie en el diseño del póster del Festival de Jazz de Montreux

JR se une a un prestigioso ex alumno de diseñadores de carteles para la 54a edición anual del Festival de Jazz de Montreux en Suiza, siguiendo los pasos de Tomi Ungerer, Milton Glaser, David Bowie y Malika Favre y Keith Haring. El diseño del artista francés presenta su técnica de renombre mundial para usar retratos en blanco y negro de una manera ilusoria, esta vez jugando con escala y mise en abyme, mientras el póster muestra a su sujeto rasgando un enorme póster tipográfico. pasando por la imagen de los años 70 de Glaser que muestra una nube de humo formada en clave de sol, el rango es amplio, cada uno individual para el artista y emblemático de su época.

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MILTON GLASER “BIRDS” SILKSCREEN, 1965

Esta serigrafía, que ha sido autenticada por el Sr. Glaser, se creó a fines de la década de 1960 1y luego se la regaló a nuestro cliente. Es un raro ejemplo de una serigrafía sobre lienzo que casi nunca está disponible en el mercado secundario.

1 Milton Glaser, “Birds” Diseñaor influyente

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Capitulo

V

diseño de logOS y tipografía “ El arte no tiene otro objetivo que transformar la experiencia humana.” milton glaser

E

studiar con el pintor Giorgio Morandi en Italia transformó las opiniones de Milton Glaser sobre el diseño. Aprendió a respetar el pasado y a inspirarse en las ideas y movimientos que realmente llegaron antes de la Bauhaus . Glaser no tenía nada contra el modernismo; solo sentía que había seguido su curso de innovación y expresión. En cambio, abrazó estilos históricos, adornos y complejidad.

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Milton Glaser,” en la Galleria Comunale d’Arte Moderna de Bolonia. En 1991, fue comisionado por el gobierno italiano para crear una exposición en homenaje al artista italiano, Piero della Francesca, por parte de las celebraciones con motivo de su 500 aniversario. Este espectáculo se estrenó en Arezzo, Italia y un año después (con el auspicio de Campari) se trasladó a Milán. En 1994, The Cooper Union, alma mater del Sr. Glaser, presentó el espectáculo en Nueva York.

En 1992, una exposición de dibujos titulada “La vida imaginaria de Claude Monet” abierta en la Galería Nuages, Italia, y en 1995, una versión adaptada de esta muestra se exhibió en la creación de Japón Galería. 1995 también trajo una exposición Glaser para el Instituto de Arte de Boston.

En 1997, el Museo Suntory, Japón, organizó una gran retrospectiva de los Estudios Chincheta, con obras del pasado y el presente de Milton Glaser y otros artistas Chincheta. Una gran retrospectiva de su obra se inauguró en febrero de 2000, en la Fondazione Bevilacqua La Masa de Venecia.

1. Homenaje al artista italiano, Piero della Francesca

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Grand Union Company Milton Glaser, participó en el rediseño de una cadena de supermercados estadounidense principales, El Grand Union Company, un proyecto que incluyó a todos la compañìa de arquitectura, interiores, y el embalaje. Fue el responsable del diseño de interiores y el concepto para el Triennale di Milano Exposición Internacional de Milán, en 19871988, Italia, sobre el tema de “las ciudades del mundo y el futuro de la metrópoli”.

En 1987, el Sr. Glaser fue

responsable del programa de gráficos de los complejos Rainbow Room del Rockefeller Center Management Corporation, símbolos y carteles. De 19861989, fue responsable del diseño gráfico, la tematización, y la señalización de Franklin Mills, un centro comercial al por menor en Filadelfia, Pennsylvania, y en 1988, completó el exterior, interior, y todos los elementos gráficos de la Trattoria dell’Arte, uno de los varios restaurantes de Nueva York que ha diseñado. En 1990, Milton Glaser, Inc. fue res-

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ponsable de la conceptualización general y el diseño de interiores de Nueva York Unearthed, un museo situado en el sur de Puerto de la calle de Manhattan. En 1993, diseñó el logotipo de Pulitzer Tony Kushner, ganador del Premio de juegos, Angels in America. La lista sigue y sigue. En la actualidad, Milton actúa como consultor de diseño para las empresas que aparecen en la sección de estudios de casos, entre otros, como Target Corp

Color Fuses Glaser diseñó Color Fuses, un mural que envuelve el edificio y explora la interacción de la luz y el color. Su amor por la comida lo llevó a proyectos de diseño gráfico e interior para varios restaurantes, incluido Windows on the World en el World Trade Center. También ha diseñado entornos de empaque y tienda para supermercados, como Grand Union, para aclarar la información del producto y ayudar a las personas a navegar mejor por la tienda.

Su enseñanza y escritura han contribuido en gran medida al campo. Todavía trabaja hoy y atribuye su longevidad a su amor por el diseño y al hecho de que todavía puede estar asombrado.

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Logo de DC DC Comics (originalmente llamado Publicaciones periódicas nacionales ) es un editor de cómics . Con sede en la ciudad de Nueva York, DC es el editor de muchos héroes de cómics conocidos, incluidos Superman, Batman y Wonder Woman.

DC también había publicado varias series de cómics basadas en Star Trek: The Original Series y Star Trek: The Next Generation entre 1982 y 1996 .

DC adquirió otra compañía, WildStorm Comics , que anteriormente era un segmento de Image Comics independiente.

Entre 2000 y 2001, se publicaron una serie de números de Star Trek “one-shot” y colecciones de “mini series” .

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logo de angels in american Cartel y logo de angels in american para el estreno de Broadway en 1993 de Tony Kushner’s Tony Award, Drama Desk Award y el trabajo ganador del Premio Pulitzer. Esta misma imagen apareció en las portadas de las primeras ediciones de las obras cuando fueron publicadas en 1993 y 1994.

Este cartel rara vez aparece en una subasta.

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Emily Gosling, escritora de AIGA y Eye on Design, recientemente le pidió al legendario diseñador gráfico Milton Glaser que calificara cada diseño de logotipo olímpico en la historia del 1 al 100. Él clasificó a los 50 de ellos.

El trabajo seminal de Glaser es el icónico logotipo I (Heart) NY, y él es el hombre detrás de los logotipos de Brooklyn Brewery, New York Magazine y DC Comics. Entonces se podría decir que sabe una o dos cosas sobre el buen diseño de logotipo.

Glaser definitivamente no es tímido cuando ve un mal diseño de logotipo.

Redondeamos sus 15 logotipos olímpicos favoritos, dejando atrás los que llamó “desenfocados”, “demasiado listos para su propio bien” y “un desastre visual”. Glaser elogió muchos diseños, describiendo sus favoritos como “activo”, “inesperado” y “bien ejecutado”. Básicamente es como la Béla Karolyi del diseño gráfico. Duro, pero justo.

Entonces, si ya te pierdes los Juegos Olímpicos, pero estás ronco por animar a la mejor gimnasta del mundo y no puedes ver otro gif de ese levantador de pesas rompiéndole el brazo o lo perderás, acomódate con un cóctel de temática olímpica y estudia los mejores diseños de logotipos olímpicos de todos los tiempos.

Juegos Olímpicos de verano de Tokio de 1964 | Diseñado por Yu-

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saku Kamekura, este es el diseño de logotipo olímpico favorito de Milton Glaser. Le otorgó 92 de 100 puntos

Glaser diciendo simplemente: “Las piezas encajan”

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El símbolo y cartel internacional sobre el SIDA El símbolo y cartel internacional sobre el SIDA de la organización mundial de la salud (1987 ) El símbolo del SIDA, creado en 1987 , Es un ejemplo de múltiples tropos retóricos.

Antítesis: la yuxtaposición (y combinación) de los corazones y el cráneo intensifica la relación negativa entre el sexo y el SIDA, y muestra que a veces el amor puede conducir a la muerte y, por lo tanto, hace que el amor sea un sentimiento aterrador, pero aún más precioso.

Personificación: la muerte toma la apariencia de un cráneo humano. Eso es más o menos eso.

Synechdoche: el cráneo también representa a los humanos afectados por el SIDA.

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Elektra Records

Más tarde profundizaron en la discografía el sello discográfico jugó un papel impor- del mayor descubriendo bandas como The tante en el desarrollo del folk rock y el rock Stooges y MC5, que a su vez tuvieron una gran influencia en los afiliados de Disco psicodélico durante los años 60 y 70.

Halal, así como los sonidos que inspirarían Fundada en 1950 por Jac Holzman y Paul su propio camino musical.

Rickolt en su dormitorio de la universidad, el sello exploró sonidos como folk, rock, Intentamos concentrarnos en el lado psijazz y blues y, durante esos años evolu- codélico y proto-punk de la etiqueta; el sotivos, trazó lanzamientos de personajes nido en el que siempre nos hemos inspiracomo Queen, Count Five, The Doors, MC5 do. No se trata de rarezas, solo de algunas canciones que amamos. y Tim Buckley.

Los jóvenes de Elektra Records grabaron Aquí rinden homenaje al lado proto-punk y la banda sonora del dúo con sede en Mos- psicodélico de la etiqueta con una mezcla cú Simple Symmetry , particularmente los de algunos de sus firmes favorito. sonidos de The Doors a través de la colección de discos de su padre.

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Stony Brook El proyecto de la Universidad Stony Brook ha durado 8 años. Trabajando directamente con la notable Dra. Shirley Strum Kenny, hemos estado involucrados en todos los aspectos de la vida del campus: comunicación, interiores, señalización, publicidad, productos y publicaciones.

Este es el logotipo que Milton Glaser creó para Stony Brook. Me gusta cómo el diseño es simple, pero también te lleva a ver todo a través de los círculos de colores y cómo los rayos los atraviesan.

Minneapolis Institute of Arts Now Hiring - Curator of Contemporary Art Departamento de Arte Contemporáneo El Instituto de Artes de Minneapolis busca un curador dinámico y experimentado con experiencia en el arte de los siglos XX y XXI, particularmente el arte realizado después de 1970. Debido a que el Departamento de Arte Contemporáneo del museo fue fundado recientemente (2008), el puesto es formativo. uno, que ofrece la oportunidad de tener un gran impacto en el museo y la comunidad

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Windows en el mundo Windows on the World, uno de los inventos extraordinarios de Joe Baum, literalmente pasó por alto todo el paisaje de Nueva York hasta el 11 de septiembre de 2001. Era uno de los objetivos de destino de cada visitante de Nueva York. Después del ataque, se convirtió en un recuerdo profundo y conmovedor. El estudio diseñó todo, desde vajillas, alfombras, accesorios de iluminación, menús y toda la comunicación.

Cervecería de Brooklyn Steve Hindy y Tom Potter, los creadores de Brooklyn Beer, vinieron en busca de una identidad hace más de 30 años. Ellos querían el nombre de Brooklyn Eagle, al que respondió Milton, “ ¿Por qué vender un pájaro cuando se ‘ has conseguido la totalidad ciudad ?” . Brooklyn se convirtió en el nombre y la identidad y la compañía ha tenido un historial de ventas extraordinario desde entonces. También ha alentado al distrito de Brooklyn a convertirse en la zona productora de cerveza artesanal más activa de todo el país. El estudio ha realizado toda la publicidad, material promocional y empaque hasta principios de 2017.

Museo de arte de Rubin El proyecto del Museo Rubin consistió en identidad, detalles interiores, letreros e imágenes para la fachada, así como la pared de cobre con culpa detrás del mostrador de entrada. El estudio también diseñó una serie de estampados, patrones y anuncios.

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Bloomberg El diseñador Milton Glaser creó una marca para la Fuerza Espacial de Donald Trump, a pedido de Bloomberg Businessweek, junto a otros 7 diseñadores, sólo que no llegaron ni cerca del ya conocido nivel de maestría y genialidad de Glaser.

No me entiende mal, algunos de los otros trabajos son muy buenos, tanto que incluso hago cuestión de incluirlos, pero la felicidad que el tradicional el diseñador alcanzó con esta marca es algo realmente impresionante, ya que traduce no sólo la confusión mental del personaje en cuestión, sino también la del propio proyecto en sí. La descripción de Bloomberg de la marca propuesta por Glaser:

Esta imagen representa la intrusión constante de nuestro presidente en cada aspecto de nuestras vidas y del futuro. La imagen puede ser leída como su próxima conquista, o simplemente que tiene muy poco dentro de su cráneo.

La otra marca que me gustó mucho fue esta en el estilo de SpaceBalls, hecha por Other Means, pues además de haber quedado excelente, también fue muy precisa en su representación del proyecto apadrinado por el 45la Presidente.

Lo interesante es que todas las marcas fueron presentadas como parches para los uniformes de los astronautas soldados de la Fuerza Espacial de Trump.

Además del parche de Glaser y el de Other Means, también han gustado especialmente el parche de David Reinfurt.

Muestra una especie de vórtex aspirando las palabras, y el de MGMT Design, que muestra un ET con blancos que posiblemente sería impedido de invadir nuestro planeta azul por los soldados de Donald.

En el caso de los diseñadores en sus parches en el sitio de Bloomberg, que está de enhorabuena por la idea súper creativa.

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TIPOGRAFÍA Glaser Stencil, creada en 1967 por Milton Glaser.

Ha diseñado algunos tipos de letra, la mayoría de carácter decorativo y escasamente legibles, como reflejo de esta orientación suya muy alejada de la ortodoxia metodológica.

Su concepción creativa se acerca más a la de un artista tradicional que expresa en su obra una particular visión del mundo.

En 1973 se publicó Milton Glaser: Graphic Design, una obra recopilatoria de su trabajo que ha tenido numerosas ediciones. a fuente Glaser Stencil debutó en 1967 en un póster para el Carnegie Hall y se convirtió en un clásico del diseño estadounidense.

MyFonts.com describe el tipo de letra mayúscula como “una suma perfecta tanto de la proporción modernista como de la solidez y la seguridad en sí mismas al estilo de Nueva York”.

Mientras que la fuente original de Glaser Stencil se digitalizó hace un tiempo, cuatro fuentes adicionales de esa familia no lo fueron. Sin embargo, trabajando con el diseñador británico Rick Banks, fundador de la casa de diseño Face37, la familia completa de Glaser Stencil está disponible.

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“Es sorprendente ver un tipo de letra que diseñé en la década de 1960, tan cuidadosamente revivido con atención a los detalles de Face37 e HypeForType”, dice el diseñador en su sitio web MiltonGlaser.com . “Es como ver renacer a un niño”. gustado una variedad de rostros san serif modernistas, pero nunca pude contrary una versión de plantilla que parece interesante. Durante los viejos tiempos en Push Pin , cada vez que teníamos tiempo entre trabajos, diseñándo un tipo de letra.

Permanece a la vanguardia del diseño tipográfico y recientemente compartió su opinión sobre el nuevo logotipo de campaña de Hillary Clinton por Michael Bierut de Pentagram, y le dijo a AIGA : “Tenemos una ‘H’ para Hillary y una flecha para el movimiento. Si también contiene las torres gemelas o la sugerencia de que la flecha se enfrenta a la derecha parece irrelevante.

La marca no parece ser un gran avance en la historia del diseño de marcas comerciales, pero es profesional y competente en comparación con las identidades previamente reveladas de Ted Cruz y Rand Paul.

Sería el último en negar que Glaser es un modelo de la industria del diseño, pero algunas de sus obras más extravagantes, como este póster, me dejan menos emocionado que otros. Sin embargo, F37 Glaser Stencil es un maravilloso revivalismo histórico. Se ve fresco y vibrante y totalmente relevante; Espero que se ponga de moda y que veamos mucho pronto.

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El diseñador británico Rick Banks, fundador de Face37 , basó su nueva plantillatipográfica F37 Glaser Stencil en este póster diseñado por Milton Glaser en 1967.

Primero utilizó la fuente para un cartel de Bill Carnegie Hall. Las formas de las letras hacían referencia a técnicas de estampado tradicionales de los años 1940 y 1950 y se convirtieron en sinónimo del diseño gráfico estadounidense de ese período. Glaser luego desarrolló el famoso logotipo ‘I Heart New York’ que todavía se usa ampliamente en la actualidad.

A medida que el diseño gráfico se volvió digital, el audaz peso de Glaser Stencil se adaptó a la era de las computadoras. Sin embargo, sus pesos más ligeros no se modificaron para uso digital y desaparecieron más o menos.

Trabajando con Milton Glaser directamente, hemos restaurado todos los pesos olvidados de Glaser Stencil y los hemos hecho accesibles a la generación digital por primera vez. Una fuente de mayúsculas, F37 Glaser Stencil viene en cuatro pesos: Extra Light, Light, Medium y Demi (aunque recomendamos que Extra Light solo se use para grandes pantallas). F37 Glaser Stencil también admite varios idiomas, incluido el cirílico.

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F37 Glaser Stencil family fonts - Milton Glaser

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Apéndice En la obra de Milton Glaser, se habla del interrogante que ha estado presente durante mucho tiempo, es la interpretación del ”que hacer” de un diseñador gráfico, que aporta a una sociedad, y que puesto ocupa en un grupo o comunidad para ser complemento de un progreso en conjunto, qué relación hay en el arte y el diseño y todos los aspectos por los que un diseñador ha tenido como pregunta sin fondo a través de su proceso de aprendizaje, entendemos que tenemos una gran influencia de lo que ocurre en el mundo para nuestro proceso creativo, ya sea un tema, un contexto, una historia y muchas veces la reinterpretación de una cultura, el punto está en la comunicación, es el saber recrear un conocimiento para una nueva comprensión por parte del receptor.

La realidad es ambigua, y la comunicación puede ser efectiva siempre en cuando se modifique esta realidad, es un juego de manipulación, cambiar el mensaje apelar a sus deseos y así lograremos llegar a sus intereses. Mentir no es mal visto en los medios de comunicaciones, publicidad y artes visuales, las personas dejan de ser ”ciudadanos” y pasan a ser consumidores, es tan efectivo que la palabra mentira pasó a convertirse en persuadir al consumidor.

Mi opinión personal es, esta obra es bastante interesante, resalta lo que he llegado a comprender sobre diseño gráfico, como un medio entre lo que se desarrolla en un ”detrás de cámaras” al comportamiento por parte de la sociedad y lo increíblemente importante que es la investigación reinterpretación y trabajo de campo, comprensión de lo que se realiza en cualquier proceso creativo y el acercamiento de una buena comunicación con el consumidor.

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anexo 1. Sólo puedes trabajar para gente que te paradoja resistente a la razón. Sin embargo, no funciona cuando pensamos en la historia visual del agrada.

Es una regla curiosa que me llevó mucho tiempo aprender porque, de hecho, al comenzar a trabajar sentía justo lo contrario. Ser profesional requería que no te gustara la gente para la cual trabajabas, o al menos que mantuvieras una relación distante.

2. Si puedes elegir, no tengas un empleo.

Una noche estaba sentado en mi coche fuera de la Universidad de Columbia, donde mi esposa Shirley estudiaba Antropología. Mientras esperaba escuchaba la radio y oí a un periodista preguntar: «Ahora que ha llegado a los setenta y cinco, ¿tiene algún consejo para nuestra audiencia sobre cómo prepararse para la vejez?». Una voz irritada dijo: «¿Por qué últimamente todos me preguntan sobre la vejez?».

3. Alguna gente es tóxica, mejor evitarla.

proponía que en todas las relaciones la gente puede ser tanto tóxica como enriquecedora entre sí.

No es necesariamente cierto que la misma persona será tóxica o enriquecedora en todas sus relaciones, pero la combinación de dos personas puede producir consecuencias tóxicas o enriquecedoras.

4. El profesionalismo no es suficiente, o lo bueno es enemigo de lo genial.

Cuando comencé mi carrera quería ser profesional.

Esa era mi aspiración porque los profesionales parecían saber todo y además les pagan por eso. Más tarde, después de trabajar un tiempo, descubrí que el profesionalismo en si mismo era una limitación.

Después de todo, lo que profesionalismo significa en la mayoría de los casos es «reducción de riesgos».

5. Menos no necesariamente es más.

Al ser hijo del modernismo escuché este mantra toda mi vida: «menos es más». Una mañana, antes de levantarme, me di cuenta de que era un sinsentido total, un asunto absurdo y bastante vacío. Pero suena importante porque contiene dentro de sí una

mundo.

Si observas una alfombra persa, no puedes decir que menos es más porque te das cuenta de que cada parte de esa alfombra, cada cambio de color, cada cambio de forma es absolutamente esencial para su calidad estética

6. El estilo no es confiable. s absurdo ser leal a un estilo. No merece tu lealtad.

Debo decir que para los viejos profesionales del diseño es un problema, porque el campo está manejado más que nunca por intereses económicos.

El cambio de estilo suele estar ligado a factores económicos, como todos los que leyeron a Marx saben. También se produce cansancio cuando la gente ve demasiado de lo mismo todo el tiempo.

Entonces, cada diez años más o menos se produce un cambio estilístico y las cosas se vuelven diferentes. Las tipografías van y vienen y el sistema visual cambia un poco.

7.En la medida en que vives, tu cerebro cambia.

Tengo un amigo llamado Gerard Edelman que es un gran erudito en estudios del cerebro, que dice que la analogía del cerebro con un ordenador es lamentable. El cerebro es más como un jardín silvestre que constantemente está creciendo y esparciendo semillas, regenerándose, etc. Y él cree que el cerebro es sensible a toda experiencia y a todo encuentro que tengamos en nuestra vida.

8. La duda es mejor que la certeza.

Todo el mundo habla siempre de tener confianza, de creer en lo que haces pero las creencias profundamente arraigadas de cualquier tipo evitan que te abras a experimentar, y es por eso que encuentro cuestionable toda posición ideológica sostenida con firmeza. Me pone nervioso cuando alguien cree demasiado en algo. Ser escéptico y cuestionar toda convicción arraigada es esencial.

glosario Eclecticismo:

Esbazar:

se caracteriza por no sujetarse a paradigmas ni axiomas determinados. Los eclécticos escogen los puntos de vista, ideas y valoraciones filosóficas.

Sistema Limbico:

Sva: Escuela de artes visuales.

Ortodoxia: Conformidad con los principios de una doctrina o con las normas o prácticas tradicionales, aceptadas por la mayoría como las más adecuadas en un determinado ámbito.

definir los contornos de una cosa, dibujo o puntada.

Conjunto de reglas, principios o medidas que tienen relación entre sí.

Ismos: Tendencia de orientación innovadora, principalmente en las artes, que se opone a lo ya existente.

Fervientemente:

Bianual:

Que muestra entusiasmo o admiración: es su más ferviente admirador.

Que ocurre, se hace o se repite dos veces al año.

Evalentonan:

Auspieras: Que es sencillo y sin alardes ni adornos superfluos. (cosa) Que es estricto en el cumplimiento de las normas morales (persona).

Intríseca:

Dar valentía o valor a una persona.

Vigorizan: Dar ánimos o valor a una persona.

Quid: Aspecto en que reside la importancia de algo o en que consiste su dificultad.

Que es propio o característico de la cosa que se expresa por sí misma y no depende de las circunstancias.

Vortex:

Tribune:

Revivalismo:

El Chicago Tribune es uno de los principales diarios de la ciudad de Chicago.

vótice un flujo que rota en sentido de espiral.

determina la realidad. Los sustantivos nombran todas las cosas: personas, objetos, sensaciones, sentimientos, etc.

CIbergrafĂ­a Biografia e Historia de Milton Glaser

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ESTA OBRA SE ACABO DE PUBLICAR EN EL ESTUDIO DE MARIA FERNANDA TORRES EN EL MES DE MAYO DE 2020

Diseñador e ilustrador productivo y versátil. Lleva cuatro décadas diseñando trabajos que son íconos de la cultura visual del siglo XX (el póster de Bob Dylan, el logotipo I love NY, etc.). Cofundador del Push Pin Studios. Glaser, sinónimo de la palabra “diseño” según los colegas, es alagado constantemente por sus imitadores. Ha sido el creador de incontables ilustraciones, afiches, logotipos y portadas de libros, también trabajó en el campo de la tipografía y la docencia. Sus diseños se exponen en museos de todo el mundo.

Nació en 1929 en la ciudad Nueva Cork y se educó en la misma ciudad. Estudió en el High School of Music and Art y la Cooper Union Art School (donde posteriormente fue director). Recibió una beca para la Academia de las Bellas Artes en Bolonia, Italia.

En la década del 60 realizó gráficas que lo identifican hasta el día de hoy, como por ejemplo: la fundación de la revista New York Magazine (junto a Clay Felker), y el famoso póster de Bob Dylan.