Edición 54 by Mexico DESIGN

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a Torre 4000 es el lugar donde sofisticación, bienestar y confort se reúnen. Situada en la exclusiva Zona Diamante, esta torre de diecinueve pisos dispone de 67 departamentos, tower residences y sky residences: un proyecto con diferenciadores únicos para residentes acostumbrados a vivir un sofisticado estilo de vida. Como cada una de las cinco torres de West Point, la Torre 4000 fue concebida bajo un concepto único, por lo que su diseño, estética y arquitectura son irrepetibles. Su privilegiada ubicación ofrece cercanía a los mejores hospitales, centros comerciales y de negocios de la ciudad, además del Parque Central: más de nueve mil metros cuadrados para goce de sus residentes, dentro de los diecisiete mil metros cuadrados de áreas verdes, lo que logra que la Torre 4000 se sumerja dentro de un microclima, donde se puede disfrutar de una agradable temperatura. Para el bienestar físico y mental, su Fitness Center, Wellness Center y amplio ciclopuerto resultan más que convenientes; para eventos sociales y convivencia, el Social Room, Catering Room, Ludoteca y su cristalina Infinity Pool son simplemente ideales. En cada uno de los espacios la seguridad está garantizada gracias a su vanguardista sistema de seguridad. Este proyecto creado por LDC Land Development Company tiene el hogar de tus sueños. Comienza a vivir ya la experiencia de una residencia de altura.

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CONCIENCIA

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Año 16 >>> Edición 54

EDITORIAL

PERFILES Bernardo Pozas Pozas Design Group Por Selene Flores

52 HOTELERÍA Zadún, a Ritz-Carlton Reserve ABAX Por Nadia Margarita

NEWS

COLUMNA Enfoque SMA Del diseño degenerativo al regenerativo: hacia una nueva relación con la naturaleza Por Jorge Gerini

42 CONTRACT Work + by Serrano Monjaraz Arquitectos Por Nadia Margarita

58 COLOR Vegetal

Por Comex y Selene Flores

HÁBITAT Jaime Bucay Studio 91

Por Yaheli Hernández

PISOS Y MUROS

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Año 16 >>> Edición 54

TROTAMUNDOS Marius Degustare Do Brasil e do Mediterrâneo

CLÁSICO Casa-Estudio Conlon Nancarrow

88 Por Aranza Sabina

Por Adriana Sandoval

FOCUS Conciencia

Por Dolores Garnica

122

PERFILES Crimson Pasquinel PASQUINEL Studio

134 Por Selene Flores

116 GALERÍA Experimentar el espacio Casablanca Fotografía Por Selene Flores

DESIGNMORPHOSIS Neri Oxman La naturaleza habitable y el futuro posible Por Yara Patiño Estévez

130 HÁBITAT Bernardo Negrete Bernardo Negrete Studio Por Mary Cruz Salazar

138 ARTE PERFIL Patrick Charpenel Curar como crear

Por Yaheli Hernández

140 HÁBITAT Jack Sulkin y Gabriel Askenazi Sulkin Askenazi Por Aranza Sabina

Año 16 >>> Edición 54

STYLE IN Diestra Interiorismo Alexa Núñez

144 Por Nadia Margarita

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COORDENADAS PANAMÁ Mallol Arquitectos Por Selene Flores

Bettis Tarazi

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Por Patricia de la Rosa

TENDENCIAS Elements: Water Design/Miami

CASAS Minimod Curucaca MAPA Arquitectos

Por Francisco Morales

148

Por México DESIGN

172

184 EXPERIMENTALES Waiting Windows

Note Design Studio

180 MEXICANISMO Juan Carlos Doce La globalización del diseño artesanal

Por Yaheli Hernández

TRANSICIONES Sustainable Thinking

Por Julieta Hernández

186 ARTE John Baldessari El maestro

Por Dolores Garnica

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DIRECCIÓN

COMERCIAL

ADMINISTRACIÓN

DIRECCIÓN GENERAL Rodrigo Noriega Sánchez

DIRECCIÓN COMERCIAL Patricia Noble San Román DIRECCIÓN ESTRATÉGICA Gonzalo Jaime Cepeda VENTAS Oscar Valdez Santos

DIRECCIÓN ADMINISTRATIVA John Campos Sánchez ADMINISTRACIÓN Carel Borjas Alejandra Sánchez Garay LOGÍSTICA Y SUSCRIPCIONES Violeta Ramos RELACIONES PÚBLICAS Marisa Benabib RECURSOS HUMANOS Yarely Sánchez DISTRIBUCIÓN NACIONAL ABIERTA Distribuidora GBN S.A. de C.V. DISTRIBUCIÓN INTERNACIONAL Distribuidora SGEL

EDITORIAL DIRECCIÓN EDITORIAL José Ruiz COORDINACIÓN EDITORIAL Patricia de la Rosa Murilo REDACCIÓN Yaheli Hernández EDITORIAL MEDIA Selene Flores REDACCIÓN MEDIA Paloma Saénz ARTE Daniel López Gallegos DISEÑO Diana Arana Jiménez CORRECCIÓN DE ESTILO Aranza Sabina

COLABORADORES Dolores Garnica | Jorge Gerini Julieta Hernández | Nadia Margarita Francisco Morales | Yara Patiño Estévez Mary Cruz Salazar | Adriana Sandoval FOTOGRAFÍA Alexis Ruz López ILUSTRACIÓN Marte Galindo Evelyn Verdín PORTADA Luis Alfonso Villalobos PRODUCCIÓN DE CONTENIDO AUDIOVISUAL Alexis Ruz López PUBLICIDAD Y COMUNICACIÓN Cerocuatro Motor Creativo

C O N TAC TO mexicodesign.com editorial@mexicodesign.com.mx

México Design publicidad@mexicodesign.com.mx

@grupomexicodesign suscripciones@mexicodesign.com.mx

México DESIGN es una marca registrada, usada bajo licencia de uso a través de su licenciatario la empresa Grupo Editorial Xalisco Creativo, S.A. de C.V., en términos del artículo 136 de la ley de la propiedad industrial. Todos los derechos reservados. Publicación trimestral (ISSN 1870-3010). Oficinas en Herrera y Cairo 2590, colonia Circunvalación Guevara, C.P. 44680, Guadalajara, Jalisco, México. Tels. 3629-3775 / 3165-2429. Registro en trámite ante la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas de la Secretaría de Gobernación. El contenido de los artículos y anuncios es responsabilidad de los autores y de las empresas. México DESIGN no se hace responsable de la información en las pautas publicitarias. Impresa en Preprensa Digital, S.A. de C.V. calle Caravaggio 30-A, colonia Nonoalco, C.P. 03910, delegación Benito Juárez, Ciudad de México.

ARQUITECTURA Y DISEÑO,

¿A CONCIENCIA? De acuerdo con la ONU, la sostenibilidad es la capacidad de utilizar los recursos naturales de la tierra sin comprometer los de futuras generaciones. Pero más allá de la palabra, pensemos en las implicaciones que tiene hoy. ¿Qué rol desempeña en la industria de la arquitectura, el diseño, el interiorismo y sus procesos?, ¿Cómo podemos crear ambientes completos que beneficien a todos los que habitamos el planeta? Para la edición 54 de México DESIGN, tomamos lo sostenible como telón de fondo para replantear una serie de procesos implicados. Las certificaciones LEED cumplen su primera década, a la par que otras políticas ambientales, económicas, sociales y culturales comienzan a tornarse más fuertes. Pensamos en cómo crear para comunidades, bajo procesos responsables y transparentes, y así, ver el desarrollo desde otra perspectiva: no hacer más y más, sino saber hacer, y desde allí reflexionar nuestro consumo. El contexto mundial hace ver las políticas verdes como una “moda”, consistente en poner la etiqueta de amigable a todo lo que se produce. En el ámbito de la arquitectura, las construcciones, al igual que el diseño, quizá deban plantearse como ecosistemas totalitarios e incluyentes, donde seres humanos, animales y plantas tengan un espacio igualitario, sin dañarse entre sí. De la biomímesis —que es más que la imitación de formas de la naturaleza—, tomamos las bases del diseño de estos entornos y su equilibrio. Así, desembocamos en sistemas circulares, devolviendo un producto a la naturaleza y que el usuario final sea quien dé término al ciclo.

México DESIGN

>Ilustración: Marte Galindo

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Taliesin de Frank Lloyd Wright, Cassina I Maestri Collection | cassina.com

LA PORTADA 54 DE

SE ELABORÓ EN EXCLUSIVA POR LUIS ALFONSO VILLALOBOS

“En la obra aparecen especies que están en peligro de desaparecer o que ya no existen; proyectarlas como sombras sobre los muebles me hace pensar que estamos en un momento crítico, donde los objetos se van a quedar pero la vida ya no va a estar”. Lo extinto se encuentra con lo eterno en la serie “Birds of America” de Luis Alfonso Villalobos. La pieza, portada de la edición 54 de México DESIGN, es una yuxtaposición de la icónica Taliesin o silla origami de Frank Lloyd Wright, y las fantasmales aves que solo el ilustrador J. Audubon avistó, de las que nunca vimos una pluma o esqueleto. “Son preguntas que me hago como artista, como humano, como usuario de objetos”, comenta el artista. Lejos del activismo, nos invita a la investigación, nos obliga a cuestionarnos por qué la vida desaparece frente a nuestros ojos y lo inerte persiste a través de los siglos.

Escanea el código y descubre la historia detrás de esta singular portada.

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El interiorismo mexicano se muestra en este anuario a través de las mujeres protagonistas y sus obras representativas.

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EL ARQUITECTO COMO

AGENTE DE CAMBIO >> Entrevista: Selene Flores >Fotos: Mike Kelley >Retrato: The Raws

Casa Pinnacle

BERNARDO POZAS

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ozas Design Group cuenta con más de quince años de experiencia, durante los cuales proyectos residenciales y corporativos han pasado de ser bocetos en papel a convertirse en espacios arquitectónicos habitables, funcionales y de gran diseño. Localizado en Monterrey, una de las ciudades más importantes de México y en constante desarrollo inmobiliario, este equipo de profesionales se ha abierto paso por su carácter propositivo e innovador. Bernardo Pozas, director y fundador de la firma, cuenta en entrevista sobre su trayectoria, a lo largo de la que el despacho ha desarrollado un espíritu de diseño atemporal, contemporáneo y sobrio: la base misma de su negocio. “Para mí lo más importante del trabajo en equipo es tener buenos líderes. Por más que tengamos gente muy capaz, es importante que la forma de liderar sea con el ejemplo. Ser un testimonio de lo que estás haciendo, de la pasión que posees por el diseño y los detalles, del respeto, y así hacer que el resto del equipo crezca contigo”, comenta. La versatilidad de la firma les permite desarrollar distintas metodologías para cada tipo de proyecto. En lo que respecta al área residencial, saber el potencial de la ubicación del terreno, sus instalaciones, comprender su tipografía y vistas, así como escuchar atentamente las necesidades del cliente, conforman el punto de partida. “Lo más importante de conocer al cliente es entender su dinámica de vida”. Así, logran resultados que abonan a las condiciones preexistentes de cada terreno en beneficio de sus próximos moradores, donde ellos mismos serán protagonistas del espacio.

Casa GR

perfiles

Para la realización de oficinas y torres corporativas son necesarios un análisis técnico con mayor profundidad y velocidad en el proceso. “Normalmente, por ser empresas o negocios, lo que están buscando es eficiencia en tiempos de desarrollo, proyecto y construcción, eso trae diferentes tipos de retos.” Añade que “en proyectos comerciales o de usos mixtos lo primero que los clientes buscan es rentabilidad y viabilidad en el proyecto, que es una gran responsabilidad. Suelen decir, ¿de qué me sirve a mí desarrollar una nueva arquitectura si no es viable económicamente, si no es rentable para el desarrollador?, entonces mi función principal es que el proyecto cumpla con estas condiciones”.

Casa AKK

Si bien existe un estilo consolidado en el trabajo de Pozas Design Group, sus proyectos poseen una personalidad única otorgada según su diseño, distribución y composición. Capturar la esencia que debe tener el lugar previamente a su construcción, hace que cada residencia, oficina y corporativo sean irrepetibles, tanto en arquitectura como diseño interior. Ya sea que se trate del sofisticado y refrescante estilo de Casa AKK con sus inigualables vistas al mar, o de las sobrias formas de Casa GR que conviven con la naturaleza colindante, cada muro y cada material ocupa un lugar definido en el propósito conjunto del proyecto. “Como arquitectos tenemos dos alternativas: analizar a la sociedad y responder en función de las problemáticas, con la medida de tus capacidades, tu entendimiento de lo que está sucediendo, o propones una nueva alternativa de cómo vivir y cómo hacer las cosas. A mí me gusta más la primera porque es más conservadora, no haces un salto de fe en el resultado y la conclusión de tus análisis y de estudio”, dice Bernardo Pozas. “Somos agentes de cambio”, declara, enseñándonos que la manera de concebir la arquitectura por parte del despacho es la columna de su labor. Pozas Design Group agradece la participación de IHO, Cartunes y Glassweltt en la creación de sus proyectos.

Bernardo Pozas Pozas Design Group

columna

Del diseño degenerativo al regenerativo:

hacia una nueva relación con la naturaleza >>Texto: Jorge Gerini1 >Ilustración: ©Sordo Madaleno Arquitectos

ENFOQUE SORDO MADALENO ARQUITECTOS Los desafíos que enfrentamos son abrumadores: al menos un millón de especies se extinguirá a corto plazo; habrá huracanes más fuertes con mayor frecuencia, incendios por el calentamiento global, pérdida de áreas de cultivo, todo esto acelerado por la urbanización mundial y el crecimiento de la población. Estas problemáticas representan una amenaza para los sistemas que nos proveen de alimentos, agua potable y un clima estable. Es fundamental ser creativos para encontrar nuevas formas de hacer funcionar la relación entre arquitectos, clientes y naturaleza. “Tenemos que cambiar el énfasis de maximizar el valor económico a maximizar el valor ambiental, y enfocarnos en una economía circular.”

stamos viviendo en el Antropoceno, era en que las actividades humanas sobrepasan los límites del planeta. Las ciudades solo ocupan el 3% de la superficie, y aun así son responsables de una gran parte de las emisiones de carbono a nivel mundial. Se estima que nuestro presupuesto de carbono se agotará para 2030, lo que nos llevará al aumento de más de 1.5ºC en la atmósfera, provocando un cambio climático catastrófico para la Tierra.

Los problemas derivados de la crisis climáticaambiental promueven la búsqueda de neutralidad de carbono en los proyectos que hacemos. Como arquitectos debemos, urgentemente, ir más allá de crear una arquitectura que minimice el daño al planeta y comenzar a diseñar edificios y espacios que ayuden a regenerarlo. Requerimos nuevas formas de diseñar y vivir las ciudades, preguntarnos cómo hacer para que las urbes puedan autoproducir sus recursos; necesitamos diseñar para regular el clima, crear hábitats confortables para las especies y entender los ciclos naturales en pro de reciclar nutrientes, así como purificar el agua y el suelo. Esto es posible. Resulta primordial ir del diseño degenerativo al diseño regenerativo, aquel que restaure los entornos locales produciendo, a la vez, capacidad de respuesta y recuperación de los ecosistemas. La biomimética es una de tantas respuestas, como ciencia inspirada en la naturaleza para que nuevas tecnologías resuelvan problemas humanos que esta ya haya solucionado en su contexto. A través del diseño, la biomimética busca desarrollar un ambiente construido con equilibrio óptimo para el beneficio mutuo de la vida de humanos y no humanos, consciente de la degradación continua de los ecosistemas que nos ha traído el diseño irreflexivo del pasado. Este enfoque integra edificios como parte de sistemas interconectados en vez de elementos aislados, de la misma manera que los organismos forman parte de un ecosistema. En conclusión, es tiempo de reflexionar. ¿Nos estamos moviendo demasiado rápido para preguntarnos lo que hacemos y por qué?, ¿cuál es el objetivo final?, ¿el crecimiento económico? Responder a las necesidades de las ciudades contemporáneas y del futuro es urgente, reaprender el arte de atender, escuchar, silenciar, detenerse, sortear los engranes del consumo y producción masiva; en suma, voltear a ver de nuevo la fuente más importante de supervivencia: nuestra relación con la naturaleza.

Director del Área de Urbanismo en Sordo Madaleno Arquitectos.

Apasionado por las ciudades y por encontrar nuevas formas de implementar estrategias sostenibles en nuestra vida diaria.

WORK +

BY SERRANO MONJARAZ ARQUITECTOS INNOVACIÓN CORPORATIVA >>Entrevista: Nadia Margarita >Fotos: cortesía

Corporativo NISSAN Mexicana. Foto: Jaime Navarro

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n los tiempos que corren, las necesidades de clientes, empleados y empresas han cambiado, así como las de los corporativos donde estos actores se desenvuelven. “Los espacios de oficina son un organismo que depende de la funcionalidad y flexibilidad para lograr una operación eficiente”, es el lema de Work +, división coordinada por la firma Serrano Monjaraz Arquitectos, desde la que brindan herramientas primordiales para la configuración de la maquinaria productiva actual. Juan Pablo Serrano, uno de los directivos principales de la firma, comenta las condiciones que los llevaron a crear Work + : “Dentro de la búsqueda por tener el mejor despacho en México, con ojos globales, necesitamos contar con diferentes especialistas en distintos campos. Work + es, desde hace cinco años, la respuesta a un mercado corporativo con estándares internacionales”. Los proyectos que esta división atiende, dice el arquitecto, poseen los mismos estándares en diseño, costos y tiempo, justo lo que las circunstancias globales requieren.

contract

“Los espacios de oficina son un organismo que depende de la funcionalidad y flexibilidad para lograr una operación eficiente.” ―Work +

Corporativo Manacar. Foto: Jaime Navarro

Para Corporativo Manacar uno de los retos fue conseguir la máxima eficiencia dentro del espacio, siguiendo el guideline de la empresa. Así, se logró tropicalizar con el concepto de México, creando espacios que fomentan la colaboración dentro de los 17.000m2 del proyecto. La sinergia entre los equipos de Cushman & Wakefield, GAYA y Work +, permitió librar los retos en el proceso de la obra. En la nueva sede del corporativo de NISSAN Mexicana —16.000 m2 en once niveles de espacio de oficinas— Work + tomó el lema “Innovation that Excites” como inspiración en su diseño, bajo los conceptos de velocidad, movimiento e innovación. “Work +, junto con el cliente y CBRE como project manager, trabajaron para tener el programa de necesidades, además del organigrama de funcionamiento entre las distintas unidades de negocio y así llevar a cabo una propuesta con el DNA de la empresa: la aerodinámica de los vehículos en las carreteras”, puntualiza Serrano. El resultado es un espacio emblemático, fresco y atemporal con grandes vistas al sur de la Ciudad de México.

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Así, los proyectos de Work + han logrado posicionarse en el panorama del contract mundial. Juan Pablo Serrano está muy seguro de ello, al decir que en México están los mejores brokers del mundo, quienes juntan al cliente y a los dueños de los edificios; project managers que controlan el proceso, el tiempo y la inversión, y Work +, junto a las mejores marcas de mobiliario de Estados Unidos, México y Europa, resuelven con base en guidelines o el DNA del cliente el mejor proyecto en el tiempo dado. La armonía de los espacios y la sostenibilidad son temas centrales en el quehacer de Work + by Serrano Monjaraz Arquitectos, como se aprecia en la Torres Bioparque: dos edificios con programas independientes, uno de ellos dedicado a la vivienda y el otro a oficinas. Este proyecto fomenta la recreación y la convivencia en un entorno natural. Juan Pablo Serrano lo confirma al decir que “casi todos los edificios en los que trabajamos cuentan con certificación LEED, y nuestros proyectos también los podemos certificar LEED o incluso WELL (certificación de calidad de vida y salud)”.

“Work + ha cambiado la calidad de la productividad, creando ambientes sustentables más sanos para las personas.” ―Juan Pablo Serrano

Torres Bioparque. Foto: Jorge Guadarrama

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Ubicadas en la Torre Reforma, las oficinas de la empresa internacional Sices México se caracterizan por la fuerza y la solidez de sus muros de concreto, con los que se evitó la utilización de columnas en interiores. La continua innovación y transparencia, base del trabajo tanto de Work + como de Sices México, se hace presente en la sustitución de paredes divisorias por cristales humo, lo que transmite accesibilidad al mismo tiempo que privacidad. En conclusión, para la firma lo más importante es crear bienestar. “Work + ha cambiado la calidad de la productividad, creando ambientes sustentables más sanos para las personas”, remata el arquitecto. Work + by Serrano Monjaraz Arquitectos agradece la participación de H+T Iluminación y USG en la creación de sus proyectos.

Sices Fotos: cortesĂa de ATXK

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“El hotel es una composición de volúmenes simples y balanceados, simetrías y delicada elegancia.”

Homenaje al desierto

ABAX

Zadún, a Ritz-Carlton Reserve >>Texto: Nadia Margarita >Fotos: Francisco Estrada, cortesía de ABAX y Marriot International

El lujo basado en la sencillez y un profundo respeto e integración con el lugar, son los ejes principales para disfrutar de un Reserve, claves en el diseño de Zadún, a Ritz-Carlton Reserve, hotel en Los Cabos proyectado por ABAX e inaugurado en noviembre de 2019. Su desarrollo no fue corto, ni fácil. “Implicó desde el principio un proceso de reflexión y constante comunicación con el equipo de RitzCarlton. Fue necesario caminar el terreno repetidas veces, a diferentes horas y temporadas, para comprender al máximo las condiciones relacionadas con la topografía, el viento, la luz y las vistas”.

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La localización donde se erige Zadún jugó un papel primordial en su arquitectura: una colina detrás de dos grandes dunas frente al Mar de Cortés, dividida por un arroyo. El equipo de ABAX aprovechó al máximo estas condiciones, solucionadas en 40 edificios de dos niveles, con el interiorismo de la firma Uribekrayer. Esta distribución otorga privacidad y un ambiente único a cada habitación. El entorno desértico circundante trató de conservarse casi en su totalidad, tomando la vegetación existente para trasladarla a un vivero cercano. En palabras de ABAX, el diseño de Zadún está basado en “una composición bien orquestada de volúmenes simples y balanceados, simetrías y delicada elegancia, en donde el uso de grandes planos y muros horizontales otorga la impresión de que los edificios emergen del desierto”. A ello, se añadieron azoteas ajardinadas con gravilla, piedra bola y vegetación desértica; iluminación con tecnología LED y equipos de calentamiento y aire acondicionado de bajo consumo energético, ya que la filosofía de ABAX se sostiene por un profundo respeto a la naturaleza. La experiencia de los huéspedes de Zadún, a RitzCarlton Reserve, es “a pies descalzos”, y de vivir el sentimiento del lugar. “Cada espacio y cada material está pensado no como el protagonista en sí mismo, sino como un vehículo para que el usuario pueda experimentar su estancia rodeado por el desierto, su vegetación y la maravillosa luz de Baja California”. ABAX agradece la participación de Macizo en la creación de sus proyectos.

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Simplicidad y lujo a pies descalzos bajo la luminosidad de Los Cabos.

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Colección “MA Fashion Womenswear Knitwear” de Matilda Norberg

N O M E N C L AT U R A C O L O R

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Geijoeng Concept Store. Ubicación: Shenzhen, China. Arquitectura e interiorismo: Studio 10. Foto: Chao Zhang

Platino 315-01 Vegetal 294-05 Media Luz 060-01

Un descanso visual entre el mundo de concretos y plásticos que habitamos. Vegetal es el Color del Año que ColorLife Trends de Comex ha propuesto para este 2020. Simboliza la añoranza de una vida rural, de verdes vivos, magueyes, agaves y cactáceas, la simpleza de lo cotidiano en simbiosis con su entorno. >Investigación: Selene Flores

El carácter puro y armonioso de Vegetal invita a replantearnos nuestra relación con la naturaleza.

REFRESCANTE

Sofá Cluedo de HOMMÉS Studio

The Other Place - Guilin Litopia. Ubicación: Guilin, China. Diseño de interiores: Studio 10. Foto: Chao Zhang

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PAC Í F I C O

Rustic Living Room. Laine Suspension y Neil Wall de DelightFULL

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JAIME BUCAY STUDIO 91 >>Entrevista: Yaheli Hernández >Fotos: Aldo C. Gracia y LGM Studio >Retrato: Tony Martínez

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ay quienes les gusta ver en la profesión una suerte de llamado. Una especie de capacidad intrínseca que te lleva a escoger algo. Para el joven arquitecto Jaime Bucay, la mente creativa detrás de Studio 91, la afinidad hacia el dibujo que manifestó siendo un niño se concretó al elegir ser pasante en un despacho de arquitectura durante su adolescencia, donde reafirmó su vocación. La arquitectura proyectada por Bucay es adaptativa, fresca, capaz de evolucionar, como él mismo, con el tiempo; no como una disciplina aislada, sino que se alimenta del diálogo con las demás. “Al momento de proyectar, lo veo como un todo. Me gusta ver más allá de la arquitectura e interiorismo, y no vender exclusivamente esto, sino una experiencia, una imagen, un momento. Diseñar desde el espacio, el logotipo, el tipo de plato donde van a comer y coordinar el arte”, sentencia.

Casa Canto

En 2015 Jaime Bucay inició Studio 91, firma que se caracteriza por replantear los conceptos tradicionales de arquitectura e interiorismo a través de una gran variedad de proyectos, desde residenciales y hoteleros hasta restaurantes, centros comerciales y culturales. Sus espacios están basados en las experiencias de quienes van a vivirlos, buscan la innovación, las tendencias, el equilibrio entre forma y función. Malaquita, una terraza ubicada en el centro histórico de la Ciudad de México, fue uno de los primeros proyectos a gran escala de Jaime, quien lo recuerda con especial nitidez por los retos que implicó su creación: incorporar tecnologías en una zona antigua sin perder de vista el contexto circundante, además de lograr que la terraza sobresaliera dentro de un área tan importante.

Casa Canto Diseño: Studio 91 (Jaime Bucay) Ubicación: Bosque Real, Estado de México Año: 2019

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Augusta

“ME GUSTA VER MÁS ALLÁ DE LA ARQUITECTURA E INTERIORISMO; VER LA EXPERIENCIA, LA IMAGEN, EL MOMENTO.”

Casa Canto, uno de sus más recientes proyectos, es una residencia que se adapta al terreno y en la que resalta el dinamismo, expresado en diferentes sentidos y patrones, así como la relación creada entre interior y exterior, que se conjugan en una totalidad. Por ello, “Casa Canto se vuelve una extensión del bosque donde cada elemento tiene un porqué y un lugar”, comenta Bucay. La capacidad innovadora de Studio 91 no pierde de vista el compromiso con el medio ambiente, requisito primordial en el futuro próximo. Dentro de sus proyectos, Jaime busca incorporar energía solar, comprar sus materiales dentro del país y hacer uso de tecnologías verdes. “Cada día aprendo más sobre este tema, y no solo de la arquitectura sino del estilo de vida. Es algo esencial que mostrar a los clientes, para que tengan una calidad de vida superior”. Jaime Bucay visualiza el futuro como un lugar inspirador. Ve su carrera, ya prometedora, cosechando más frutos. Se ve a sí mismo creciendo profesionalmente y como persona. Para él, el porvenir depende, en cierta manera, de lo que cultivemos en el presente.

Augusta Diseño: Studio 91 (Jaime Bucay) Ubicación: Bosque Real Año: 2018

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COLABORACIONES MÉXICO DESIGN PRESENTA LAS NOTICIAS, COLABORACIONES Y PIEZAS DE DISEÑO MÁS EFERVESCENTES DE LA ESCENA MUNDIAL. >Imágenes: cortesía

news La Terminal 2 del Aeropuerto Internacional Chhatrapati Shivaji gana el Premio de Arquitectura AIA 2020.

INSPIRACIÓN ANCESTRAL SOM

Diseñada por SOM para atender a los 40 millones de viajeros que la transitan cada año, casi el doble de lo que recibía el edificio que reemplazó. La Terminal 2 combina servicios de pasajeros nacionales e internacionales, optimizando sus operaciones y reduciendo las distancias de caminata de los pasajeros. Como símbolo de su ciudad, Bombay, en India, la estructura está inspirada en la cultura local, desde columnas que recuerdan a los patios tradicionales del país hasta intrincadas ventanas jali que filtran la luz en los vestíbulos. som.com

PACTO HUMANO Oris y r-Radyarn®

En un planeta donde el compromiso con la conservación de energías no renovables es casi nulo, Oris, la compañía de relojes suizos, se une dando paso al cambio al formar parte de los 17 objetivos de desarrollo sostenible de la ONU. Oris creó una correa con un material denominado r-Radyarn® hecho de un polímero reciclado postconsumo (PET). Entre sus beneficios está que al aprovechar el PET se emplea un material existente, evitando el uso de otros recursos naturales, además de que puede ser reciclado al 100% bajo ciertas condiciones y sin emisiones dañinas. oris.ch

“Para mí los patrones expresan lo máximo del significado con un mínimo de palabras.”

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ICÓNICA REINVENCIÓN

−Frida Escobedo

Fortaleza y resiliencia son las cualidades que Frida Escobedo admira en una mujer, claves en la colaboración con Salvatore Ferragamo para reinterpretar la icónica bolsa boxyz. La arquitecta mexicana retomó el patrón de bloques de hormigón desarrollados para la fachada del conjunto residencial Mar Tirreno en Ciudad de México. Boxyz explora la feminidad, las repeticiones y la interacción de patrones característicos de su trabajo. Al igual que Frida Escobedo, Luna Paiva y Milena Muzquiz también reinterpretaron la bolsa. ferragamo.com

news “Me gustaría que la gente sienta el legado de Barragán como una experiencia sensorial y encarnada.”

The Proposal sigue la realización de una obra de arte radical para explorar el legado impugnado del Pritzker mexicano, Luis Barragán. En un intento por resucitar la vida y arte del arquitecto, la artista Jill Magid convierte este acto en un objeto de arte fascinante en sí mismo: el arte como metodología a través de la que se plantean preguntas desafiantes y reflexiones para reconsiderar los obstáculos legales que impiden la participación social en el legado artístico. jillmagid.com Estados Unidos, 2018, 83 minutos © Oscilloscope Laboratories

ARTE RADICAL

Inspirada en el Victoria Memorial de Londres, esta fuente no celebra al imperio británico, sino que explora la conexión entre la historia de África, América y Europa: con el agua como elemento clave, hace referencia al negocio trasatlántico de la esclavitud, la suerte y tragedia de los habitantes de estos continentes. “Fons Americanus” permanecerá en el Turbine Hall del Tate Modern de Londres hasta el 9 de abril de 2020. tate.org.uk

Kara Walker

Fantasía, realidad y ficción se reúnen en la fuente de 13 metros de alto de la artista neoyorquina Kara Walker.

FONS AMERICANUS

Foto: Tate Photography, Matt Greenwood

Jill Magid

news

LA BAUHAUS COMO LITERATURA Anni Albers: del diseño

MICHAEL ANASTASSIADES Diseñador del año en M&O 2020

“La ilusoria simplicidad de sus diseños es una labor amorosa, no fácilmente alcanzable”. Así lo define Maison & Objet, la feria parisina que eligió a Anastassiades como el diseñador del año. “Para mí es importante mostrar siempre algo diferente, estar seguro de que el diseño explora una nueva idea, una tecnología innovadora de forma poética”, sentencia el diseñador. maison-objet.com

Historias propias, reflexiones en torno al arte, el estilo, la creatividad y los procesos de producción artesanal. “Llegué a la Bauhaus durante su ‘época de los santos’. Muchos de los que me rodeaban, recién llegada, perdida en el desconcierto, vestían, curiosamente, de blanco”. Así comienza la antología de textos de la artista del textil Annieliese Fleischmann, Anni Albers, maestra del diseño que transformó nuestra mirada hacia el tejido desde la Bauhaus, y también excelente ensayista, como se demuestra en el nuevo tomo de la editorial fundada por Damián Ortega. Alias Editorial

75 Una alternativa más privada, segura y ecológica para los usuarios de viajes compartidos.

Salone del Mobile.Milano

DE MILÁN CON AMOR

Ya te habías imaginado el carro autónomo del Quinto Elemento, hoy la nueva aventura de Layer, Joyn, diseñada por Benjamin Hubert, lo vuelve realidad. Se trata de un concepto de transporte en el futuro, ahora que el viaje compartido se ha tornado más deseable como alternativa de traslado. Sin lugar a dudas es una forma más ecológica de viajar. layerdesign.com

NUEVA AVENTURA

“Necesitamos enfocar el diseño de manera ética, para que sea capaz de respaldar la búsqueda de soluciones lo más sostenible posibles en el contexto global.” Claudio Luti, presidente del Salone del Mobile

Del 16 al 21 de junio, Milán vivirá la emoción del Salone, una carta de amor a la ciudad italiana: la búsqueda de armonía formal, de materiales perfectos, de experimentación y de un alto grado de sostenibilidad, se concretan en la Belleza, palabra recién añadida al Manifiesto de la feria, que encenderá sus reflectores para la edición 2020.

Joyn

PISOS Y MUROS >>Investigación: México DESIGN >Fotos: cortesía

Colección “Scenari” de Sartoria | sartoria.design

pisos y muros

5. 6.

> 1. Florida Bowl de Nika Zupanc para Ghidini 1961 | ghidini1961.com > 2. Berna Acero de Porcelanosa | porcelanosa.com > 3. Park II de Workstead | workstead.com > 4. Wooden case de ANOQ | anoq.fr > 5. Jade Stone Book Ends de Bethan Gray | bethangray.com > 6. Berna Gray de Porcelanosa | porcelanosa.com > 7. H de Emiliano Molina para Pirwi | pirwi.com.mx

Colección “Berna” de Porcelanosa | porcelanosa.com

Atemporal Las baldosas cerámicas, fabricadas en altas temperaturas, constituyen la alternativa más eficiente para el confort de los espacios íntimos.

pisos y muros

2. 1.

5. 6.

7. 8.

> 1. Aura Port Laurent Gray, colección “Essence of life” de Interceramic | interceramic.com > 2. Rodeno Cognac, colección “Essence of life” de Interceramic | interceramic.com > 3. Aura Marquina Black, colección “Essence of life” de Interceramic | interceramic.com > 4. Monster Chair de Moooi | moooi.com > 5. Aura Arabescato White, colección “Essence of life” de Interceramic | interceramic.com > 6. Siena Cocktail Coasters de Octaevo | octaevo.com > 7. Colección “Pins” de Marioni | marioni.it > 8. Taper vessel de SkLO | sklo.com

Rodeno Cognac, Aura Arabescato White, Aura Port Laurent Gray y Aura Marquina Black de Interceramic | interceramic.com

Esencial La resistencia y brillo del mรกrmol, la nobleza de la madera y la durabilidad de la piedra; cualidades esenciales para el equilibrio en interiores.

pisos y muros

> 1. Yarsa de Rug’Society | rugsociety.eu > 2. Geognome de Tinna Gunnarsdóttir | tinnagunnarsdottir.is > 3. Colección “Duoro” de Theia | theiatiles.com > 4. Baco de Furf Design Studio | furf.com.br > 5. Bench de Valentina Romen para Adorno | adorno.design > 6. Unique Structure de Carlo Zigrino para Fürstenberg | fuerstenberg-porzellan.com > 7. Fashion House Table de Binchy and Binchy | binchyandbinchy.com

Frame Elegance de Massimo Iosa Ghini | iosaghini.it

Icónico Un clásico contemporáneo. El resultado de replantear piezas tradicionales en funcionales, con un toque moderno y estético.

pisos y muros

5. 6.

> 1. Colección “Stripes” de Theia | theiatiles.com > 2. Colección “Color Line” de FAP Ceramiche | fapceramiche.com > 3. Giratempo de Leonardo Fortino para Formae | formaecollection.com > 4. Lola de Rug’Society | rugsociety.eu > 5. Fred Outdoor de Alpi | alpirubinetterie.com > 6. Paris Chaise Lounge I, 3019 de Daniel Arsham | friedmanbenda.com

Colección “Atelier” de Mario Ferrarini para Antonio Lupi | antoniolupi.it

Distinción Colores cálidos, neutros o fríos. Las posibilidades se multiplican si añadimos las tendencias de colorimetría, para lograr un espacio hecho a la medida.

clásico

CASA-ESTUDIO CONLON NANCARROW

Construida por Juan O’Gorman a finales de los años cuarenta, en ella se puso en práctica por primera vez el concepto de habitación orgánica que caracterizó a su autor durante su segundo momento creativo en la historia de la arquitectura mexicana: espacios horizontales, materiales locales y una relevancia notoria del jardín. >>Texto: Adriana Sandoval >Fotos: Daniel Orozco, cortesía de Espacio Nancarrow-O’Gorman

La casa-estudio Conlon Nancarrow es el resultado de la larga amistad de O’Gorman y Nancarrow. Su construcción pone de manifiesto un diálogo entre música, arquitectura y pintura, así como el compromiso social y ecológico del que ambos autores fueron sujetos. El uso del petro-mural como recubrimiento de exterior se llevó a cabo por primera vez en este proyecto. Ubicada al poniente de la Ciudad de México, es posible visitarla debido a que se encuentra bajo el resguardo de la Fundación Espacio Nancarrow-O’Gorman, organización encargada de la difusión y preservación de la obra de ambas figuras.

trotamundos

MARIUS DEGUSTARE: do Brasil e do Mediterrâneo

>>Entrevista y traducción: Aranza Sabina >Fotos: Marcello Cavalcanti

layas cuyos nombres hemos escuchado en famosas canciones, colinas de un verde fresco como paisaje, música diversa acompañando el ambiente y unas ganas de comer un manjar. Marius Degustare, ubicado en la playa de Copacabana, Rio de Janeiro, reúne estos y más elementos, es reconocido por sus diferenciales en sabor, una combinación de comida brasileña y mediterránea, así como por la constante renovación en su decoración. La historia de Mairos Fontana, su fundador, se enlaza con lo gastronómico en su juventud, durante la cual trabajó con su tío Albino Ongaratto, creador del sistema de rodízio de carnes en Brasil. La configuración actual del restaurante es resultado de una propuesta novedosa en el sistema: la inclusión inédita de peces y crustáceos al menú, que funcionó para atraer la atención del mercado. “Los alimentos utilizados en nuestras cocinas son de productores certificados y comprometidos con la cadena de sustentabilidad”, comenta Mairos al preguntarle sobre la elección de las materias primas. Un día a día en el restaurante comprende a los equipos de distintas áreas realizando sus actividades, desde la rutina de manutención hasta los profesionales de la cocina llevando a cabo el mise en place. La puerta se abre cuando está todo listo y una vez que ingresan los clientes, los platillos son elaborados. Se trata de un protocolo que es parte de la filosofía del lugar: “Nuestro desafío diario es mantener una atmósfera de fascinación, magia y dedicación, enfocándonos en las raíces de nuestra propia historia que ha sido construida con pasión”.

En esta ciudad convergen consumidores de todos os cantos do mundo que llegan buscando una “experiencia desbordante” que vaya de la mano del sabor, pero también del servicio y de la atmósfera. Por eso se observan elementos náuticos, antigüedades y materiales insólitos además de muebles confeccionados con maderas recicladas como parte de la arquitectura y decoración del espacio. Incluso quienes frecuentan el restaurante, se sorprenden ante las transformaciones que son planeadas cuidadosamente por el propio dueño.

Praias cujos nomes temos escutado em músicas famosas, morros verdejantes como paisagens, melodias diversas acompanhando o ambiente e a vontade de comer algo saboroso. Marius Degustare, localizado na praia de Copacabana no Rio de Janeiro, reúne esses e mais elementos. É conhecido por seus diferenciais no sabor, uma combinação de comida brasileira e mediterrânea assim como a renovação constante na decoração. A história de Mairos Fontana, o fundador, se liga com a gastronomia na sua juventude quando trabalhou com seu tio Albino Ongaratto, criador do sistema de rodízio de carnes no Brasil. A configuração

atual do restaurante é o resultado de uma visão inovadora no sistema: a inédita inclusão de peixes e crustáceos no cardápio, que funcionou para atrair a atenção do mercado. “Os produtos utilizados em nossas cozinhas são de produtores certificados e comprometidos com a cadeia de sustentabilidade”, menciona Mairos quando pergunto sobre a seleção da matéria-prima. Um dia comum no restaurante abrange as equipes das distintas áreas executando suas atividades, desde a rotina de manutenção até os profissionais da cozinha realizando o mise en place. A porta se abre quando tudo está pronto e só a partir da recepção dos clientes, os pratos são preparados. Trata-se de um processo que faz parte da filosofia do local: “Nosso desafio diário é o de manter essa atmosfera de encantamento, magia e dedicação, focando-nos nas raízes de nossa própria história que foi construída com paixão”. Nesta cidade convergem consumidores de todos os cantos do mundo que vêm procurando uma “experiência marcante”, além do sabor, fatores como o serviço e a atmosfera são essenciais. Por isso, observam-se elementos náuticos, antiguidades e materiais inusitados, além de móveis confeccionados a partir de madeiras recicladas como parte da arquitetura e decoração do espaço. Mesmo os que frequentam o restaurante, são surpreendidos com as transformações cuidadosamente planejadas pelo próprio proprietário.

trotamundos

No Marius Degustare convergem consumidores de todos os cantos do mundo que vêm procurando uma “experiência marcante”.

trotamundos

En Marius Degustare convergen consumidores de todos os cantos do mundo que buscan una â&#x20AC;&#x153;experiencia desbordanteâ&#x20AC;?.

trotamundos

“Nosso desafio diário é o de manter essa atmosfera de encantamento, magia e dedicação, focando-nos nas raízes de nossa própria história, que foi construída com paixão.”

Disfruta de un recorrido exclusivo por la gastronomía y arquitectura de Marius Degustare

“Nuestro desafío diario es mantener una atmósfera de fascinación, magia y dedicación, enfocándonos en las raíces de nuestra propia historia, que ha sido construida con pasión.”

CONCIENCIA >>Investigación y textos: Dolores Garnica >Fotos: cortesía >Ilustración: Evelyn Verdín

focus

>>> conciencia

DE LA BELLA GENEROSIDAD DE LO SOSTENIBLE

Durante el tiempo que me llevó escribir este ensayo se extinguieron entre 500 y 600 especies en la Tierra. 20 revistas como la que está en tus manos nos cuestan un árbol de entre 20 y 30 años. En la última década, debido a los desastres naturales producidos por el cambio climático, han perdido la vida más de 600 mil personas. El 40% de la población mundial ya no tiene acceso al agua. En los últimos 25 años el nivel del mar subió al doble, y solo en Alaska, 25 islas deberán ser evacuadas durante los próximos dos años. Perdemos más de trece millones de hectáreas de bosques por año. El 45% de la riqueza a nivel mundial está concentrada en solo 0.7% de la población. Las cifras de la ONU y de otras organizaciones son alarmantes, pero la esperanza no está perdida. “Si concebimos el mundo como un organismo del que formamos parte no como propietarios ni inquilinos, ni siquiera pasajeros, nuestra especie podría sobrevivir”, dice el centenario científico y activista James Lovelock. Urge un cambio en la conducta de creación con un fin no lineal, unidireccional y autodestructivo, para que sea cíclica, autosustentable y de reciclaje ilimitado, pues es justo en medio de estos cambios donde se encuentra el diseño, la actividad que ha resultado clave para renovar votos con el planeta y plantear otras formas de vivir. En 1987 se presentó ante la sesión 42 de la ONU el informe “Nuestro futuro común”, y a partir de entonces la definición que ha marcado un cambio radical en la manera en que creamos: el diseño sustentable (sostenible en castellano), “aquel que satisface las necesidades

de la generación presente sin comprometer la capacidad de las futuras para satisfacer sus propias necesidades”, y desde allí una nueva forma: la arquitectura y el diseño como una visión generosa con un futuro limpio y justo, con una relación armónica entre naturaleza y cultura, entre tecnología y cuidado del medio ambiente, entre justicia social y economía comunitaria. Cada día más profesionales en el área contribuyen al cambio. Hoy los creativos analizan el ciclo de vida y reducen el uso de sus materiales; utilizan más energías responsables y naturales, al mismo tiempo que contribuyen a un ciclo de reciclaje infinito. El focus de este número rinde tributo a aquellos ya comprometidos con el medio ambiente, la cultura y la justicia social, compartiendo algunos ejemplos de arquitectura y diseño que demuestran que la responsabilidad no está peleada con la belleza y la comodidad. A través de las categorías de la Certificación LEED (Leadership in Energy & Environmental Design), el sistema de evaluación y certificación estandarizado desarrollado por U.S. Green Building Council (USGBC), describimos propuestas actuales en torno al transporte, ahorro de agua, uso de energías, materiales y recursos alternativos, la calidad del espacio interior sin desgaste ambiental, al igual que el empleo de contextos climáticos y geográficos en un proyecto arquitectónico y de diseño. Espero que el árbol talado para que esta revista esté en tus manos no muera en vano y contribuya a un futuro menos humano, más terrestre.

Vertical Forest. Arquitecto: Boeri Studio. Ubicaciรณn: Milรกn, Italia. Foto: Giovanni Nardi

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focus

>>> conciencia

Horten Upper Mil 200 estudiantes y 200 empleados inauguraron esta escuela secundaria apenas en agosto de 2019, y la creación de LINK arkitektur ya es considerada el edificio educativo más verde en Noruega. Las claves son el uso de maderas locales y recicladas en interiores y exteriores, respeto y cuidado al parque donde se ubica y la utilización de energías alternativas, lo que redujo en más del 40% las emisiones de gases invernadero que emitiría un edificio similar. En sus cuatro pisos y azotea con talleres, los alumnos también aprenden a ahorrar recursos, por eso se produce más energía que la consumida por su población. Este proyecto obtuvo el Premio BREEAM. linkarkitektur.com

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Futurecraft Loop Desarrollado por Amanda Verbeck y Adidas, este nuevo diseño de tenis para corredores que fue bautizado como “producto circular” ya va en su segunda fase. A principios de 2019 se lanzaron 200 pares de tenis, repartidos entre atletas, músicos, artistas, periodistas y empleados de todo el planeta para que los devolvieran, ya usados, a mediados de año. Costó trabajo recuperarlos todos, pero se logró, de manera que con cada gramo de ellos (incluyendo agujetas y suelas) se volvieron a crear otros 200 pares, ahora de color azul, que deberán regresarse en ocho meses. adidas.mx

innovación

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focus

>>> conciencia

Bamboocycle Empresa mexicana reconocida internacionalmente, dedicada a diseñar y fabricar cuadros de bicicletas, Bamboocycles ya llegó a más de 25 países. Ya sean de ciudad, ruta o montaña, arman bicicletas utilizando bambú yucateco y fibra de carbono jalisciense, al mismo tiempo que activan la práctica comunitaria al crear e incentivar talleres para el ensamblado de las mismas. El bambú genera 30% más oxígeno que los árboles, lo que ayuda a reducir el exceso de CO2 que existe en la atmósfera. En solo tres años la planta alcanza su madurez, además de sus cualidades de resistencia y ligereza. bamboocycles.com

ubicación y transporte

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Chemin des Carrières Tres años les llevó a los despachos Reiulf Ramstad Arkitekter y Parenthèse Paysage terminar este proyecto de paisajismo que une a dos pueblos en Francia, una propuesta para la reutilización de un medio de transporte ya casi olvidado: los pies. Dar vida al placer de caminar y al paseo en bicicleta fueron los objetivos del proyecto que, aprovechando viejas vías de tren, recorre pabellones e instalaciones en Alsacia. Agua, acero reciclado, vegetación y fauna endémicas a lo largo de los once kilómetros de paseo entre Portes Bonheur y el cantón de Rosheim, además de un jardín filosófico, anfiteatro, paseo por sus canteras y un laberinto de acero corten. reiulframstadarchitects.com

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focus

>>> conciencia

Departamento verde en Madrid El centro de este proyecto diseñado por Husos Arquitectura fue sus dos habitantes: Jaime, un médico, y Albóndiga, un bulldog. En el Barrio de Acacias en Madrid estos 46 metros cuadrados se transformaron con madera contrachapada de pino. Lo primero fue la redistribución y orientación de su centro, la sala de estar, para no utilizar aire acondicionado ni calefacción, después recibir visitas sin necesidad de un sillón, tomar siestas durante el día (necesarias para un médico), ver televisión, leer y escribir, luego cocinar con ingredientes orgánicos, para eso el huerto vertical alimentado por el agua gris que se filtra. husos.info

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The Fan Chair El 79% de los desechos plásticos en todo el mundo no son reciclados y terminan en basureros o en el mar. Ante esta urgencia Atelier Tobia Zambotti creó The Fan Chair, a partir de los desechos de plástico del estadio de futbol KR-völlur en Reykjavík, Islandia. Según el creador, se intentó que su estética recordara a esa adrenalina y a los colores vibrantes de los ochenta: “¿No sería ideal si contribuyéramos a un modelo económico con bucles cerrados, donde podemos dar nueva vida a productos y materiales, especialmente los que no suelen ser reciclables?”, explicó para México DESIGN. tobiazambotti.com

sitios sustentables

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focus

>>> conciencia

Colección MOOD Las cualidades de esta tina de baño diseñada por Pierre Bélanger son muchas. Para la comodidad, un respaldo con dos posiciones y un estante de almacenamiento. Para el planeta, la seguridad de que cada material empleado en su fabricación es socialmente responsable con su comunidad, además de varias patentes de la marca como WETMAR BiO™, producto ecológico y termoaislante que renuncia a la petroquímica tradicional y permite usar menos agua caliente, o WETSTYLE’s Plug & Bathe™ que propone simplificar las tuberías al máximo. Su forma elíptica ahorra agua sin que el apacible usuario lo note. wetstyle.ca

eficiencia del agua

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Tiny Holiday Home En 55 m2 y alrededor del agua se despliega esta casa en Vinkeveen, Países Bajos, proyecto multipremiado en 2019 de i29 interior architects y Chris Collaris, un verdadero ejemplo de hogar inteligente sin sacrificar lujo, comodidad y belleza. A partir de materiales regionales como el roble, se crearon módulos anclados que fusionan interior y exterior. Esta residencia emplea el mínimo de energías no renovables gracias a su orientación, además de un sistema hidráulico que permite aprovechar el agua que la circunda sin regresar desechos al mar. Cada centímetro de este hogar fue planeado para cuidar de su entorno. i29.nl

Oficina Amsted Una labor de Firm Architects para la firma internacional de inversiones Amsted justo en medio de una zona industrial recuperada y hecha habitacional en Ámsterdam. El proyecto se concentró en contribuir a la productividad. El interiorismo reúne muebles, plantas y arte, además de un solo elevador y escaleras como centro estético para fomentar su uso. La alfombra rememora a la fábrica de hormigón que estaba allí, y el roble reciclado para el piso en forma de espiga se pegó con imanes. Las enormes ventanas permiten ahorrar energía y los techos resguardan calor, frío y ruido. Proyecto premiado en 2019. firmarchitects.com

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Pod Diseñada por Benjamin Hubert, esta bella silla funciona casi como un espacio privado gracias a sus paneles para resguardar el sonido, así que resulta perfecta para un corporativo. Su tapicería se fabrica con PET (botellas de plástico recicladas), suave, aunque fuerte, duradera y de gran rendimiento acústico. Este material es reciclado y reciclable, en su producción se usa un sistema de prensado en 3D, que permite ahorrar varios pasos de producción y transporte, minimizando las huellas de carbono. Fue premiada con un Red Dot Award a lo mejor del diseño en 2019. devorm.nl

materiales y recursos

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focus

>>> conciencia

Terra El alcohol etílico o etanol es un producto químico obtenido a partir de la fermentación de los azúcares que se encuentran en productos vegetales tales como cereales, remolacha, caña de azúcar, sorgo o biomasa. De este producto natural y barato se alimenta la chimenea de Cocoon Fires, perfecta para utilizarse en interiores y exteriores. Esta nueva generación de calentadores podría sustituir a cualquier otra caldera o chimenea de forma más saludable, ya que no emite monóxido de carbono, ni siquiera humo. Incluye un control de calor y nivel de llamas. cocoonfires.com

energía y atmósfera

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Estancia Morro Chico En el desierto de la Patagonia, entre Argentina y Chile, RDR Arquitectos planeó esta serie de construcciones rememorando a los primeros pobladores de la zona. Los objetivos: preservar el paisaje, agregar valor a la carne y lana que producen las ovejas y crear una vivienda cómoda de manera sustentable, cuidando el medio ambiente. Así, durante cuatro años, los arquitectos agregaron madera y metales prefabricados para ahorrar costos, originando un nuevo modelo de establo ovino manejado por energía solar y eólica. Para calentar la residencia se adaptó un boiler de gas y madera, además de la decoración sobria, elegante y práctica que rinde tributo a su bellísimo paisaje. richterdahlrocha.com

LocHal La remodelación y rescate de la firma Mecanoo para Tilburg, Países Bajos, es uno de los mejores proyectos comunitarios de 2019. Esta biblioteca pública se autodefine como laboratorio: las escaleras son un anfiteatro que puede crecer hasta teatro en la calle; las mesas son movibles, igual que la cocina y el bar. La biblioteca exige privacidad pero también cuenta con un área de cómputo y experimentación digital. Hay un taller de arte contemporáneo, un museo que relata la historia de la ciudad, famosa por sus textiles, así como una vieja sala de locomotoras donde ahora se reúnen todos. mecanoo.nl

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Artisan Originals Jaipur Rugs, enorme empresa multinacional, creó la colección “Artisan Originals” para descubrir el arte detrás de sus tejedores en el campo de Rajastán, al norte de India. El resultado es increíble: originales y bellísimos diseños de tejedores que antes solo seguían instrucciones. Cada modelo de esta colección lleva el nombre de su diseñador y una breve semblanza. Cabe destacar que la marca también trabaja de la mano con proyectos gubernamentales en zonas con pocas oportunidades laborales. jaipurrugs.com

calidad de ambiente interior

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focus

>>> conciencia

Balance Esta creación de Victor Castanera para la firma sueca con presencia internacional se enfoca en la armonía entre mármol, acero y vidrio soplado artesanal, pero también en un nuevo concepto de LED que ilumina uniformemente con el mínimo de energía. “Quiero que Balance sea un recordatorio de que muchas experiencias cotidianas son extraordinarias. Evocar la curiosidad de los espectadores del mundo que los rodea”, explica el diseñador español sobre esta elegante lámpara que obtuvo, entre otros, el premio al mejor diseño en Alemania. oblure.se

prioridad regional

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El pueblo verde de Yiwu La traducción al castellano de este fraccionamiento en Zangtang, China, sería algo así como “El pueblo verde de Yiwu, las flores de durazno y el lugar central de la experiencia de vida”, tan largo y bello como los versos de Tao Yuanming, poeta que inspiró al despacho 9-m design para crear esta zona residencial justo a la mitad de un parque natural. Las condiciones de edificación fueron verdaderos retos, pero las soluciones se encontraron en los poemas: una serie de cajas de vidrio unidas por pasillos con agua y cerezos, construcciones escondidas bajo tierra y la tecnología necesaria para resguardar su maravilloso paisaje de contaminación energética y desechos. 9m-design.com

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galería

Corazón de Alcachofa Andares Cliente: Grupo CANAMO

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EXPERIMENTAR EL

ESPACIO

CASABLANCA FOTOGRAFÍA >>Entrevista: Selene Flores >Fotos: cortesía

ulián Velásquez y Alejandra Sánchez conforman Casablanca Despacho de Fotografía, un proyecto especializado en retratar espacios arquitectónicos. Su sede está en Guadalajara, pero su trabajo los ha llevado a Puerto Vallarta y varios países del Medio Oriente: Kuwait, Arabia Saudita, Oman, Qatar y Abu Dhabi. Disfrutan conocer los matices de la arquitectura en nuestro país y el mundo, lo que mantiene su trabajo en constante evolución.

Para la portada de la edición 53 de México DESIGN, aceptaron la encomienda de realizar un trabajo muy distinto al habitual: crear un espacio para fotografiar una pieza de Juan Carlos Doce. Bajo el imperativo diviértete, esta lámpara única fue la protagonista de un escenario de juegos que nos evoca a la infancia de libros escolares, muñecos de plástico regados por la alfombra o tardes soleadas de trompos y baleros. Julián estudió diseño y trabajó por años en el mercado de la publicidad, donde comenzó a hacer equipo con Alejandra, quien es comunicóloga de formación. Hoy, ambos se dedican de tiempo completo a la fotografía. Comentan que la misión de este trabajo es documentar la arquitectura y el interiorismo de nuestros tiempos, brindar credibilidad a los proyectos y representar fielmente la esencia de los espacios: “Los materiales recibiendo la luz que entra por la ventana, la sombra que proyecta un pilar sobre otro, queremos sumergirnos por completo en cada ambiente”.

galería

Estación R Diseño de interiores: MESS Studio

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Casa Marina Vallarta Diseño de interiores: BTL Interiorismo

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Casa Cima Diseño de interiores: Alejandra Trejo / Almanegra Studio

“Queremos resaltar el diseño y la arquitectura para comunicar la experiencia del espacio, la intención de cada lugar.”

Gathering Sea View Kuwait Diseño de interiores: Lines Agency / Kuwait

Burgerchy Abu Dhabi Diseño de iluminación: Lines Agency / Kuwait

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Wework Midtown

galería

SOMOS DISEร O

Suscripciรณn anual: 4 ediciones regulares + 2 anuarios: $750.00 Incluye dos accesos a la revista digital

mexicodesign.com/suscripciones

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designmorphosis

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NERI OXMAN LA NATURALEZA HABITABLE Y EL FUTURO POSIBLE >>Textos: Yara Patiño Estévez >Retrato: Noah Kalina

Hay un futuro posible en las ideas que Neri Oxman materializa: imaginemos que un edificio pueda tener una piel cuyo tono cambie con el sol. Que una estructura habitable pueda ser también alimento de diversas especies. Que aprendamos de otros seres sus formas de sobrevivir que no destruyen, sino que construyen la naturaleza. Que prendas de vestir regulen nuestro microbioma y nos aporten vitaminas. Que un mueble crezca con nosotros porque comparte nuestro ADN. Que entrar en una habitación se sienta como adentrarse al infinito. Este futuro toma forma por medio de la arquitectura biológica y el diseño vivo, adaptable al medio ambiente que responde de forma ecológica. Todo esto es posible al pensar de manera radical, fuera de la norma, con curiosidad y capacidad de asombro, observando lo que antes no recibía suficiente atención. Neri Oxman hace arquitectura en un laboratorio con un equipo multidisciplinario, el Mediated Matter del MIT Media Lab, donde las ideas se transforman en búsquedas y hallazgos específicos: propiedades de sustancias, comportamiento de moléculas, habitabilidad, economía, estética y responsabilidad. “Como arquitectos, damos forma al futuro en el que queremos vivir”, sentencia, y el resultado es una selva extraña de espacios y objetos vivos que no solo usamos y consumimos, sino que también convivimos y aprendemos de ellos; nos ayudan a ser parte de la naturaleza que habitamos mientras la construimos, dejando como huella la vida.

Neri Oxman es magnética, la fuerza de atracción de sus ideas cautiva a quien la escucha. Además de ofrecernos una nueva forma de abordar la arquitectura, propone un rediseño de nosotros mismos como individuos y sociedad. Esto nos lleva a pensar en nuestras acciones y sus consecuencias, reflexionar sobre la vida y nuestro medio. Asimismo, nos acerca a la economía: “el uso excesivo de plásticos —refiere— podría solventarse si cambiamos nuestra manera de consumir”. Neri muestra cómo todos los aspectos de la vida están entrelazados a través de evidencias, experimentos, conciencia y lógica. Lo demuestra con arquitectura y diseño cuya belleza se encuentra en la naturaleza de las cosas: formas de las hojas o el fluido del agua, hormigueros, telarañas, una galaxia o la piel de una rana. Y para crear naturaleza, Neri Oxman también utiliza máquinas. No por nada es de las primeras arquitectas en incorporar algoritmos a su trabajo. Como extensión de la mente, y con la idea de combinar lo digital con lo orgánico, robots y computación también son parte de lo que ella y su equipo ponen en marcha al diseñar. Para ambos, los artefactos pueden estar a favor de la naturaleza (no en su contra), ser creados y al mismo tiempo nacer y degradarse orgánicamente. Sí, parece ciencia ficción, pero los biomateriales dejan de pertenecer al mundo imaginario para incorporarse a nuestra vida diaria. Son posibilidades, objetos artificiales y biológicos a la vez. Ya están entre nosotros. Y son bellísimos. ¡Hagámoslos crecer!

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Fotos: Yoram Reshef

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VESPERS Una colección de máscaras vivas, interfaces portables que puedes usar como una segunda piel inteligente. Un viaje a explorar el futuro, donde todo lo que uses llevará tu personalidad, ayudando a tu cuerpo y al medio. A través de la modificación genética, microorganismos que viven en estas máscaras fueron intervenidos para producir pigmentos y otras sustancias que pueden beneficiar a quienes las porten: vitaminas, minerales, anticuerpos y hasta medicamentos antimicrobianos.

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Fotos: The Mediated Matter Group. Cortesía de The Mediated Matter Group

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AGUAHOJA Su estructura está conformada por un biopolímero fabricado a base de caparazones de crustáceos y agua, de acuerdo con la concentración de esta sustancia puede cambiar su forma y color. Sus membranas fueron impresas en 3D. Cuando se degrada, aporta nutrientes a la vida marina, es soluble al contacto con el agua, enriquece microorganismos del suelo y favorece la polinización. A ello, Neri Oxman llama shelter-becomes-organism: el refugio vuelto organismo. Lo que habitamos se convierte en vida, no en ruinas.

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SILK PAVILION

Foto: Andy Ryan

Como parte de su exploración sobre la relación entre lo digital y lo biológico, Silk Pavilion, una estructura con geometría orgánica-fractal que utiliza un algoritmo para imitar la forma en que un gusano de seda fabrica su capullo. Una sola hebra se organiza de tal modo que su densidad cambia hasta llegar a su forma óptima. Para este proyecto, el equipo de Neri estudió en laboratorio el proceso llevado a cabo por los gusanos de seda para así “computar” la organización de su material. Luego, los dejaron completar el trabajo: 6,500 larvas ayudaron a terminar el pabellón.

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BERNARDO NEGRETE BERNARDO NEGRETE STUDIO >>Entrevista: Mary Cruz Salazar >Fotos: Oscar Hernández >Retrato: cortesía

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Penthouse D.G. Diseño de interiores: Bernardo Negrete Studio Ubicación: Cancún, Quintana Roo Año: 2018 Superficie construida: 260 m2

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hábitat

ernardo Negrete es un interiorista audaz que juega con cada uno de los elementos que componen su trabajo. No titubea ante los diferentes obstáculos que cualquier proyecto supone y encuentra soluciones creativas a los pormenores que se presentan con regularidad en su oficio. Las maderas finas y el mármol cobran un papel protagónico en la definición de su sello personal, mismo que le ha permitido posicionarse en el ámbito del interiorismo en Quintana Roo. Su estilo ecléctico, caracterizado por materiales clásicos y el engranaje de líneas en tendencia, logra de manera magistral atemporalidad y funcionalidad en los espacios. Bernardo juega con diversos aspectos del diseño, como las texturas y los colores, a la vez que integra arte sin limitarse por las habitaciones, ya que, en ocasiones, “la propuesta es crear un ambiente idóneo para piezas de arte muy protagonistas”, de modo que interactúen las artes plásticas y los muebles, con el objetivo de despertar la sensibilidad de quienes residen en los espacios. Estudiar la región geográfica en la que habitan sus clientes es una tarea obligada para el desarrollo de un proyecto. Conocer la flora endémica del lugar, el clima y otros elementos naturales del territorio, le permiten recrear habitaciones que convergen con los exteriores para realzar el encanto de su trabajo.

Penthouse D.G.

Kabeek Boutique Residencial

Esto último resulta evidente en su proyecto favorito: el Penthouse D.G., inspirado en el mar Caribe y sus manglares, donde se reúnen el ambiente acogedor con la marca característica del estudio, creando un lugar que “refleja buen gusto, sofisticación y mucho amor por el arte”. Su pasión por el diseño de interiores aunada a su capacidad de trabajar de acuerdo con las necesidades de sus clientes, hace posible que los espacios vacíos y sin gracia, se tornen en habitaciones cálidas que brinden reposo y tranquilidad a los residentes. Además de desenvolverse en el interiorismo, Bernardo Negrete maneja su propia línea de mobiliario. Sus proyectos a futuro contemplan la extensión de este negocio, la generación de nuevos productos y la implementación de un sistema de producción más eficiente. Quizá más adelante podamos encontrar su nombre en otros mercados y logremos visualizar sus proyectos en varias partes del país. Mientras, Bernardo continúa en la búsqueda de espacios que representen un mayor desafío, que confiamos, podrá vencer e integrar a su vasta lista de éxitos.

Kabeek Boutique Residencial Diseño de interiores: Bernardo Negrete Studio Ubicación: Puerto Cancún Año: 2018 Superficie construida: 293 m2

CREATIVIDAD

Y ESTILO >> Entrevista: Selene Flores >Fotos: Onnis Luque

CRIMSON PASQUINEL

Restaurante El Tapanco

Restaurante Brick Steak House

n 2012 el arquitecto Crimson Pasquinel fundó PASQUINEL Studio en la Ciudad de México. Pese a su corta trayectoria, el equipo ha llevado a cabo proyectos con gran variedad de propósitos y estilos, destacándose por sus excelentes diseños en el área restaurantera. Para comprender más sobre el espíritu del estudio, le pregunto al arquitecto Crimson cuál es el sello distintivo de su trabajo: “Apostamos siempre por tener proyectos que sean exitosos, no tanto para la oficina, sino para el propio cliente”, responde. La metodología que siguen es especializada, y un elemento esencial para lograr los objetivos es su carácter interdisciplinario, que hace que confluyan las exigencias de espacio, diseño y funcionalidad. “Se realizan sesiones de trabajo que nos permiten evaluar, compartir y generar distintas ideas referentes a un tema o problemática que se presente, y así llegar a una resolución en conjunto para lograr el éxito del proyecto. En la mayoría de las ocasiones, esto viene aunado con la retroalimentación que también nos da el cliente para poder llegar a un mutuo acuerdo y que el proyecto fluya”. Dentro de Brick Steak House de Guadalajara, PASQUINEL Studio apostó por un elemento único para los comensales, siguiendo la propuesta misma del restaurante. La cocina era una de las partes primordiales a tomar en cuenta, pues se deseaba que ocurriera la interacción usuario-operación. Así, lo que comenzó como un reto para el equipo, culminó en un espacio icónico donde la vista hacia el área de elaboración de alimentos hace de cada comida un momento irrepetible. Por otro lado, en el giro corporativo, uno de sus trabajos más interesantes quizá sea la Oficina PS, que brinda el espacio de trabajo al estudio. “Uno de los factores más importantes era generar un ambiente de trabajo agradable y sobre todo que no se sintiera tan formal”, comenta el arquitecto. La selección de materiales, colores, y el uso de vegetación viva en los interiores fueron cruciales para transmitir la esencia del equipo. A lo largo de estos años, PASQUINEL Studio ha desarrollado espacios de distinta índole, por ello su futuro se perfila versátil y propositivo. “Queremos seguir aportando y manteniéndonos dentro de la escena de la arquitectura y el diseño con nuestra forma particular de dar soluciones al espacio”, concluye el arquitecto Crimson.

Oficina PS

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arte

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Perfil

PATRICK

CHARPENEL >>Texto: Yaheli Hernández >Retrato: cortesía

CURAR

COMO CREAR

ara Patrick Charpenel (México, 1967) filósofo de formación, crítico, coleccionista, miembro del Consejo del Centro Pompidou-América Latina, y uno de los curadores con la trayectoria más destacada en nuestro país, el oficio de curar consiste en “interpretar y tener una visión articulada sobre un contexto, sujeto o movimiento”. Exposiciones de artistas tan renombrados como Gabriel Orozco, de quien en 2006 curara una exhibición homónima en el Palacio de Bellas Artes con una selección de piezas que no habían sido presentadas con anterioridad en México. Polémicas tan grandes como la suscitada por su salida del Museo Jumex en 2015, que coincidió con la cancelación de la muestra del artista vienés Hermann Nitsch. O más atrás, en 1995, con Acné o el nuevo contrato social ilustrado, censurada por las autoridades tapatías de entonces. A pesar de desenvolverse mayoritariamente en la Ciudad de México, y porque al tratarse de la capital, se autoerige como epicentro de la escena cultural, Charpenel, oriundo de Guadalajara, considera que la escena del arte tapatía —con iniciativas como PreMaco, que impulsan primordialmente la visibilización de artistas jóvenes— no tiene nada que envidiarle. “Desde el siglo XIX Jalisco ha tenido una gran producción de arte, literatura y arquitectura”, señala el intelectual.

El oficio de curar consiste en “interpretar y tener una visión articulada sobre un contexto, sujeto o movimiento.”

Entre sus últimas exposiciones curadas, se encuentra Saber acomodar. Arte y talleres de Jalisco 1890-2017, en la que Patrick Charpenel buscó que se resaltaran las características que comparten los talleres y artistas de Jalisco. Esta exhibición, antes de llegar al Museo Cabañas, se presentó en el Museum of Contemporary Art Denver y en el Arizona State University Art Museum. Desde 2017 Charpenel funge como director del Museo del Barrio en Nueva York, institución que busca resaltar la importancia del Caribe y Puerto Rico dentro de la demografía norteamericana, ya que a estas regiones debe su origen. En la actualidad, la visión del curador se expande a toda Latinoamérica, para mostrar la importancia de la comunidad latina en la historia, cultura e identidad de los Estados Unidos.

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Vista de la exposición Saber Acomodar, 2017-2018 Denver, Phoenix y Guadalajara Foto: cortesía de Museo Cabañas

Vista de la exposición Punto de partida, 2019 MARCO, Monterrey Foto: cortesía de MARCO

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JACK SULKIN Y GABRIEL ASKENAZI SULKIN ASKENAZI >>Entrevista: Aranza Sabina >Fotos: Ricardo de la Concha y Aldo C. Gracia

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Loft Naranjos Diseño arquitectónico: Sulkin Askenazi Ubicación: Bosque de Naranjos, Bosques de las Lomas, Ciudad de México Programa: Interiorismo residencial Año: 2020

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i de la unión nace la fuerza, aspectos como la flexibilidad también ven la luz. Sulkin Askenazi es muestra de ello, desde que Jack Sulkin y Gabriel Askenazi realizaron su primer proyecto residencial en 2016. A partir de entonces la buena adaptación entre ambos se tradujo en diseños realizados para los más diversos trabajos. “Podemos crear espacios que se adecuen al estilo de vida de nuestros clientes y que generen un cambio positivo en su rutina”, responden al preguntarles sobre lo que significa para ellos “transformar el vivir del usuario”, frase que es parte de su visión. En 2018 decidieron abrir el estudio con un vasto grupo de arquitectos apasionados, como ellos, por el diseño y la calidad espacial. Juntos estudian la forma de vida de los usuarios y sus necesidades, así como posibles deficiencias que puedan presentar los espacios actuales. “Creemos que un buen diseño puede mejorar la calidad de vida”, pensamiento que se refleja de manera excepcional en sus proyectos, sean comerciales, habitacionales o educativos. Al trabajar en interiores, toman en cuenta detalles como la iluminación natural o artificial, los materiales, texturas, colores y la distribución de los espacios. Del mismo modo, incluyen aspectos más sutiles que marcan la diferencia, desde la ergonomía y las temperaturas hasta los remates visuales y el arte.

Vista Horizonte

En su labor como creadores procuran lo atemporal integrando nuevas tendencias de diseño de mobiliario, materiales y elementos arquitectónicos. “Pensamos en componentes duraderos de bajo mantenimiento y naturales”, así es como logran repercutir de manera positiva en el medio ambiente. En NIA SCHOOL, su trabajo más desafiante hasta ahora, fue necesario salir de su zona de confort para dar un giro completo ante los retos presentados: pensar en el diseño ergonómico y en la funcionalidad general de los espacios para cada una de las distintas edades de los pequeños. El resultado fue un lugar de aprendizaje potenciado a su máximo por y para la creatividad. Actualmente Sulkin Askenazi pretende posicionarse como un despacho multidisciplinario que integre creativos de múltiples áreas: los siguientes retos que enfrenten serán una demostración de la versatilidad del equipo para continuar transformando el entorno de sus clientes.

Vista Horizonte Diseño arquitectónico: Sulkin Askenazi Ubicación: Interlomas, Ciudad de México Programa: Interiorismo residencial Año: 2019

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Diestra Interiorismo

CoMadre

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Alexa Núñez Manos que cuentan historias >>Entrevista: Nadia Margarita >Fotos: Mariana Cárdenas y Francisco Álvarez, de The Raws >Retrato: The Raws

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CoMadre

acemos cosas con las manos, de cerca. / Con las manos, para tocar lo que hacemos. Estas líneas podrían redondear perfectamente el trabajo de Alexa Núñez y su equipo, quienes juntas conforman Diestra Interiorismo. El origen de la creatividad de Alexa siempre estuvo —y continúa— en sus manos. “Toda mi vida hice cosas con las manos, pintura, escultura, bordados, experimentos con cosas recicladas… y al verme enfocada en un mismo proyecto frente a la computadora, no me sentía completa”. Su primer trabajo profesional fue arquitectónico, por lo que su carrera como interiorista despegó cuando hizo el proyecto de Loly in the Sky, donde le dieron completa libertad en el diseño. A partir de allí, los proyectos no se hicieron esperar: nueve años reflejan la confianza de sus clientes y el entusiasmo de Alexa por diseñar. La Divinata, panadería artesanal, o la heladería Lulo Gelato, son muestra de las atmósferas particulares generadas por ella, y concebidas a partir de las historias de sus clientes. “Cuando diseñamos, en ocasiones hasta nos inventamos personajes, épocas, todo lo que sea necesario para crear una escena en la historia del lugar”. Y como elemento primordial coronando el proyecto, el color. “Con el color le damos carácter a los espacios, enfatizamos la personalidad que van a tener, o el sentimiento que queremos proyectar a través de ellos”.

Estas ideas permean en CoMadre, ─uno de sus últimos proyectos,─ un co-work dirigido a madres y mujeres empoderadas. Diseñar este espacio significó mucho para Alexa, ya que se trata de un sitio soñado, un lugar para crecer profesionalmente como mujer. “Quisimos diseñarles un lugar donde se pudieran sentir frescas y libres; nos inspiramos en sus personalidades, creando diferentes patrones y texturas hechas a mano por nosotras, para representar a cada una de ellas”. Las manos juegan un papel muy importante en el trabajo de la firma. “Para nosotras es muy natural que al diseñar en la computadora estemos dibujando también a mano. No tenemos la misma metodología en todos los proyectos, cada uno va marcando su pauta y necesidades”. De la misma manera, el trabajo de Diestra se nutre del diálogo con otras disciplinas: la esencia y ADN de marcas con las que trabajan se logra a través de ello. ¿Y cuál es la clave del éxito?, se preguntará el lector. Para ella, reside en tener presente que “el tren pasa una vez, te subes o te quedas abajo viéndolo pasar”, enseñanza aprendida de su padre. Además de no dejar ir las oportunidades, Alexa Núñez valora el camino recorrido hasta ahora. “Cada parte de la historia cuenta, y tenemos que empezar a querer cada fragmento de ella”.

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La Divinata

“Con el color le damos carácter a los espacios, enfatizamos la personalidad que van a tener, o el sentimiento que queremos proyectar a través de ellos.”

Lulo Gelato

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Panamรก

MALLOL

ARQUITECTOS >>Entrevista: Selene Flores >Fotos: Fernando Alda

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Área de construcción 633.95 m²

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Proyecto MDH

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Panamá

a arquitectura es más que una marca o un sello: es un oficio, una disciplina, responde a un trabajo que se inicia con una idea”, afirma Ignacio Mallol Tamayo, presidente y fundador de Mallol Arquitectos, cuando le pregunto sobre los mayores aprendizajes de tener un despacho con 40 años de trayectoria. Más de 250 profesionales provenientes de 22 países del mundo trabajan diariamente para la firma con sede en Panamá, autora de proyectos de toda índole, desde propuestas para el desarrollo estratégico del país como lo fue la expansión del Aeropuerto Internacional de Tocumen, o complejos hospitalarios, educativos y deportivos. Ninguna de sus construcciones permanece estática una vez que

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Panamá

el trabajo concluye. “Lo interesante de nuestras obras es que son aparentemente inacabadas, porque siguen creciendo, construyéndose, habitando a sus inquilinos y cada espacio pertenece a ellos, irrepetible. Esa es la magia de la arquitectura: siempre está dispuesta a inaugurar un nuevo lugar y brindar bienestar más allá de quien nos haga el encargo. Creo, y no es una idea personal, que el arquitecto es el poeta del espacio; nuestra materia prima, y transformarlo, nuestra razón de ser”. Por las oficinas de Mallol Arquitectos han pasado más de mil proyectos —incluyendo la ampliación del canal de Panamá— aunque poco han tenido que cambiar su enfoque a lo largo del tiempo, ya que siempre buscan aplicar una metodología firme con un fuerte componente tecnológico. “La arquitectura se nos presenta como una opción de abordar el mundo, su incidencia y proyección en nuestras sociedades va más allá de los muros que

Proyecto Parlatino

se puedan levantar en una propiedad o de la belleza que refleje una volumetría particular”. El trabajo de la firma es construir un espacio que más que físico, sea una experiencia que brinde confort, seguridad e identidad. “Un estudio, en primer lugar, debe prepararse para aceptar los retos más complejos y desafiantes de su profesión. El límite se lo pone uno mismo”, sentencia Ignacio cuando menciono la versatilidad de su trayectoria. El actual escenario mundial exige de la arquitectura un enfoque multidisciplinario y de un gran trabajo en equipo, y con la diversidad de proyectos que Mallol Arquitectos abarca, tener a profesionales de todas las áreas es indispensable para resolver retos con relación al tiempo, los materiales y los procesos. “La arquitectura es más que sus funciones, es también diseño, y esta etapa tiene que ver con la imaginación, que debe hacer un puente con lo práctico”.

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Panamá

BETTIS TARAZI DAVID BETTIS Y TEÓFILO TARAZI >>Entrevista: Patricia de la Rosa >Fotos: ProPixel Panamá y Tirone García

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Año de finalización 2018

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Proyecto Target

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Panamá

l hablar de la ciudad de Panamá, siempre viene a la mente el hermoso skyline que se aprecia desde el avión: quién, si ha tenido la suerte de visitarla, no queda asombrado con sus rascacielos, que hacen notar que se está en una de las ciudades más importantes de América Central. En ella descubrimos a la firma Bettis Tarazi que, con su talento y trayectoria, se ha posicionado como una de las más relevantes en el país, reconocimiento que los ha llevado a trabajar con grandes profesionales de la arquitectura nacional e internacional.

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Panamá

David Bettis y Teófilo Tarazi comenzaron esta aventura hace más de 20 años, sus proyectos son el producto de una colaboración interdisciplinaria en la que los actores forman parte integral del resultado final: acompañan el desarrollo del proyecto de principio a fin, lo que garantiza su calidad. Para Bettis Tarazi no existen jerarquías en la mesa de diseño, pues todo el equipo opina por igual. Sus consultas son tanto dentro como fuera del despacho, ya que el proceso creativo implica una revisión exhaustiva de la visión del cliente: su misión, contexto, oportunidades de diseño sostenible, políticas, objetivos, asuntos comunitarios, etapas y costos, paisaje, espacio abierto, así como limitaciones relevantes. Todo lo anterior colocando siempre al usuario final como punto de partida. En los últimos años Panamá ha tenido un gran desarrollo inmobiliario. Al preguntarles por la situación actual de la arquitectura nacional, respondieron que, como en todos los países, el desarrollo es cíclico.

Proyecto Golf Chiari

“Panamá está pasando por un momento estable y conservador en cuanto al desarrollo inmobiliario. Hemos tenido momentos de mucho auge que esperamos regresen en un futuro”. Al ser la primera firma en certificarse con el sistema de gestión de calidad LEED en su país, se han transformado en símbolo de confianza para sus clientes. Cada proyecto trae consigo nuevas inquietudes y despierta desafíos a vencer. Es parte de la magia y las bondades de la carrera, ya que “todos los días se aprende y nunca dejan de existir retos”. Bettis Tarazi cree que la responsabilidad social es un deber de todos, porque “a través de la arquitectura se pueden cambiar vidas”. En 2019 introdujeron el programa “Diseñadores del Futuro”, en el que mediante talleres y visitas a proyectos, niños de diferentes edades observan el panorama del mundo de la arquitectura y el diseño. El programa ha sido un éxito y ha recibido reconocimiento por la sociedad tanto en Panamá como a nivel internacional.

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MINIMOD CURUCACA Esta casa en Brasil de MAPA Arquitectos es el resultado de un proceso de exploraciรณn proyectual, tecnolรณgica y experiencial. >>Texto: Francisco Morales >Fotos: Leonardo Finotti

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a reflexión está basada en la necesidad ancestral y primitiva del ser humano por procurarse un espacio de abrigo, lo que traducido a las necesidades contemporáneas le da sentido al concepto de resignificación. El ejercicio incluye el uso de tecnologías actuales para hacer los procesos más eficientes, involucrando responsabilidad ambiental. La mayor ventaja de Minimod es su adecuación a cualquier contexto natural. Su presencia objetual, la horizontalidad y austeridad de su trazo provocan que este espacio cubierto se mimetice con el paisaje. Su apariencia exterior sugiere una suerte de contenedor que por su instalación en el terreno natural provoca el aspecto de un volumen flotante. Por su proporción de vanos y macizos, los límites del objeto se diluyen, actuando en el entorno como si siempre hubieran estado ahí. Sus interiores, hechos principalmente a base de madera reforestada, otorgan calidez. A pesar de las áreas reducidas, hay aperturas que conceden al espacio un ambiente confortable y de amplitud visual.

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Arquitectura MAPA Arquitectos Ubicaciรณn Curucaca, Santa Catarina, Brasil ร rea de construcciรณn 90 m2

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Tendencias

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Design Miami

“Con cada edición de la feria, vemos que la gama y calidad de las piezas sigue creciendo”, Jennifer Roberts, CEO Design Miami.

WATER DESIGN/MIAMI L

>>Texto: Yaheli Hernández >Fotos: cortesía

AGO Projects | ago-projects.com

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Tendencias

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Design Miami

aras piezas del siglo XIX, comisiones especiales de mediados de siglo y diseño contemporáneo. Design Miami, en voz de sus organizadores, ofreció en su quinceava edición un panorama renovado, enfocado en la urgente agenda ambiental de nuestro planeta: el agua, como elemento vital, fue el eje temático para la delegación de 33 galerías y catorce presentaciones Curio —plataforma de exhibición de ambientes completos de objetos, texturas y artefactos. AGO Projects, galería de Ciudad de México y Nueva York que participó por vez primera en la feria, presentó una nutrida selección: desde la firma guatemalteca Agnes Studio, con piezas de inspiración precolombina; las monumentales cerámicas de MyungJin Kim, diseñadora surcoreana afincada en Los Ángeles, hasta una de las piezas de Pink Beasts del mexicano Fernando Laposse, reconocido por muchos como el mejor diseñador de la década.

El trabajo del francés Fabien Cappello se alimenta del ambiente que lo rodea: la vibrante y tropical Ciudad de México.

> 1. Objects For Living de Daniel Arshamn en colaboración con Friendman Benda | friedmanbenda.com > 2. Venus de Justine Mahoney | southernguild.co.za > 3. Lamp Chair de Fabien Cappello | ago-projects.com > 4. Idladla (Grain Silo) de Andile Dyalvane | southernguild.co.za > 5. Rat Trap de Dokter and Misses | southernguild.co.za

Tendencias

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Design Miami

Con Fine Tuning, una serie limitada de lรกmparas hechas de exรณticas maderas regeneradas combinadas con niobio, Claudia Moreira Salles transforma el raro metal en arte.

Sisal Sanctum

Inspirada en las altas mareas que cotidianamente afectan Venecia, Aqua Alta es un recordatorio del peligroso aumento del nivel del mar en todo el planeta.

> 1. Fine Tuning de Claudia Moreira Salles en ESPASSO | espasso.com > 2. Portrait Urn of Harry Allen para Harry Allen Design | harryallendesign.com > 3. Gallery ALL | galleryall.com > 4. Aqua Alta de Virgil Abloh en Carpenters Workshop Gallery | carpentersworkshopgallery.com

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THINKING >>Texto: Julieta Hernández >Fotos: Irene Montini y Arrigo Coppitz

Florencia se ha perfilado como una ciudad amigable con el medio ambiente al coordinar durante 2019, a través de la Università degli Studi di Firenze, el proyecto ERASMUS + SUS-TER, que hace una valorización territorial, inclusiva y sostenible del patrimonio cultural, los productos de origen y la biodiversidad. Ahora es sede de la experimentación con Sustainable Thinking, exposición dedicada a la sostenibilidad en la moda y el arte contemporáneo mediante la prueba y empleo de materiales alternativos, que tendrá lugar hasta el 8 de marzo de 2020 en el Museo Salvatore Ferragamo. Artistas y diseñadores internacionales —entre ellos Eileen Fisher, El Anatsui, Hoh Pabissi y Maria Cornejo— fueron convocados a participar en la interpretación de una relación consciente con la naturaleza a fin de dar voz y forma al compromiso con el medio ambiente. El lenguaje: moda y arte; los instrumentos, materiales orgánicos y de reuso. Mediante una explosión de colores y formas, los convocados demostraron una profunda conexión con la técnica de reciclaje creativo al elaborar productos traducibles en obras de arte que además son amigables, ecológicos y no limitan el instinto del ingenio ni la invención. Es gracias a estos ejemplos de economía circular que se logra reconectar con ciertas raíces culturales. Tanto en las instalaciones de la exposición como en las obras se emplean técnicas milenarias: el redescubrimiento de tradiciones artesanales, fundamentales para el pensamiento sostenible. Estos motivos se encuentran en el uso del color y las técnicas aplicadas a detalles que incluyen bordados, figuras y formas que remiten a una memoria colectiva posicionada en un pasado excepcional.

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Sustainable Thinking invita a revalorar y cuidar el medio ambiente dentro de la producción artística y el diseño de moda.

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Artistas y diseĂąadores internacionales demostraron una profunda conexiĂłn con la tĂŠcnica del reciclaje creativo al elaborar productos traducibles en obras de arte.

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El uso de retazos y la uniรณn amorfa de elementos construyen un concepto con identidad propia.

Páginas 172-173 > 1. Multicolour Masquerade de Studio189, 2018 Blusa Tencel; falda Alicia de algodón reciclado, algodón convencional, algodón orgánico; cinturón Piñatex, sombrero de paja haitiano biodegradable. Cortesía de Studio One Eighty Nine, Nueva York > 2. Somewhere over the Rainbow de Katie Jones, 2018 Chaqueta de retazos de tiras de cuero reciclado tejidas en ganchillo, inspirada en las sandalias Rainbow creadas por Salvatore Ferragamo en 1938. Cortesía de Katie Jones, Londres > 3. Mosaico de Progetto Quid, 2018 Corsé hecho de cierres en espiral, falda de trozos de cuero vegano, lienzo, gabardina, seda y variedad de tejidos. El vestido fue diseñado por Alberto Brandoli en colaboración con Valeria Valbusa y Anna Antonini. Cortesía de Progetto Quid, Verona > 4. Abito de Hoh Pabissi, 2018 Tela biodegradable impresa en 3D, retazos de mezclilla reciclada, carros de juguete usados y rafia. Cortesía de Hoh Pabissi, Londres > 5. No Address Needed to Join Coat de Bethany Williams, 2018 Abrigo hecho de hilos y cables 100% reciclados y residuos de libros. Cortesía de Bethany Williams, Londres > 6. Kimono Peonia Coat de Cangiari, 2017 Tejido de lana orgánica, alpaca, angora y seda. Esta prenda fue hecha completamente a mano en telares tradicionales por tejedores de Calabria que trabajan en la cooperativa GOEL. Los motivos decorativos evocan al diseño tradicional “pitteja”, que se remonta a tiempos de la Magna Grecia. Cortesía de Cangiari, Siderno (RC) > 7. Ero Jazmin Dress de Maria Cornejo, 2018 Vestido de tela de viscosa Eco Drape. Cortesía de Maria Cornejo, Nueva York > 8. Felted Kimono Coats de Eileen Fisher, 2018 Cuatro kimonos hechos de algodón orgánico, lana y casimir de prendas de fieltro recicladas. Cortesía de Eileen Fisher, Nueva York

Páginas 174-175 > 9. Mother Earth de Laura Strambi, 2018 Vestido de noche de Newlife™, seda, mezcla de algodón orgánico tratado con tintes naturales y textiles impresos, reciclados y bordados con materiales de archivo, piedras, semillas y cristales Swarovski. El vestido fue decorado por el artista Franco Gervasio. Cortesía de Laura Strambi, Milán > 10. Energy Spill de El Anatsui, 2010 Alambre de aluminio, alambre de cobre y tapas de botellas. Colección privada, Florencia > 11. Satellite interplanétaire de Sheila Hicks, 2016 Fibra de lana coloreada en panel redondo. Páginas 176-177 > 12. Love you Ocean de Andrea Verdura, 2018 Botas hechas de redes de pesca recicladas, suela de caucho reciclado y corcho aglomerado, tacón de madera de cedro. Cortesía de Andrea Verdura, Fucecchio (FI) > 13. Because there is no planet B de Ecoalf, 2017 Abrigo hecho de hilo de suprareciclaje extraído de redes de pesca y poliéster 100% reciclado. Cortesía de Ecoalf, Madrid Páginas 178 > 14. Acropora de Nathalie Ballout, 2018 Abrigo oversize hecho de Levi’s usados, bordado a mano con diversos materiales. El abrigo cuenta la historia de la lenta muerte de los arrecifes de coral, haciendo uso de puntadas en lugar de palabras en un océano infinito de mosaicos de mezclilla azul. Cortesía de Nathalie Ballout, Londres

Hotel de la Soledad

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La globalización del diseño artesanal >>Entrevista: Yaheli Hernández >Imágenes: cortesía de Juan Carlos Doce

Suena el teléfono. Juan Carlos Doce contesta con un poco de prisa, recuperando el aliento: “Justo llego a la oficina”, dice. Es la hora acordada para la entrevista. Le pregunto en qué trabaja actualmente y me enuncia una lista interminable de proyectos: desde albercas en un campo de golf hasta departamentos en San Miguel de Allende. La arquitectura de interiores es una de las facetas más prolíficas del diseñador, aunque no se trató de la primera. “El diseño lo tenía innato. Creaba páginas web desde que estaba en la preparatoria, fui de los primeros en iniciar con este negocio en Michoacán. Luego participé en Plan Luz, un proyecto del gobierno de Michoacán en colaboración con una empresa francesa, que buscaba iluminar los edificios históricos de la ciudad”.

Sus inicios en la restauración fueron por un salto de fe. Debido a que quienes lideraban un proyecto no quedaron satisfechos con el trabajo hecho previamente, lo invitaron a intervenir. Se trataba de Cantera Diez, el primer hotel boutique en Michoacán, que marcó una pauta en su carrera, dando muestra de un potencial que se reflejaría en proyectos sucesivos, como el Hotel de la Soledad, que significó para él lo que para un estudiante una maestría e inclusive un doctorado. “Era un hotel terrible”, cuenta, “tenía daños estructurales, y los propietarios no quisieron cerrarlo para hacer la renovación, así que trabajamos por partes. Nos tomó siete años”. De manera semejante a Cantera Diez, buscó piezas para el hotel con artesanos no solo de Michoacán, sino de todo el país. Así, el Hotel de la Soledad dejó de ser un hotel de paso para convertirse en uno de gran turismo. En todo el mundo, el diseño pasa por un proceso de revalorización del trabajo manual y artesanal. Le pregunto cuál es su postura respecto a la práctica del diseño actual. “Considero que debe mezclar lo global y lo artesanal, que sea capaz de satisfacer la demanda de venta. Hay que industrializar sin perder lo artesanal”. Y en esta sintonía, Juan Carlos Doce se encuentra frente a un inexplorado y prometedor panorama: la posibilidad de mostrar el diseño mexicano ante el mundo, y con esta llave piensa experimentar con mobiliario e iluminación.

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Hotel de la Soledad

Le llamamos serendipia a un descubrimiento que hacemos cuando en realidad estábamos buscando otra cosa. Juan Carlos Doce siempre diseñaba para sus proyectos, al crear piezas no pensaba en su venta individual. Esta perspectiva cambió con las lámparas inspiradas en juguetes mexicanos, que se volvieron virales en internet. “Me ha escrito gente de Francia, Shanghái, Hong Kong. Quieren representarme. Quieren comprar las lámparas”.

Bandarole

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Hotel Cantera Diez

“Para Cantera Diez, querían algo locochón y fuera de serie. Esto se refleja en los baños a cielo abierto, por ejemplo. Valoré mucho la libertad que me dieron para diseñar: creamos piezas en colaboración con artesanos.”

Tablitas mágicas

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WAITING WINDOWS Como parte de un megaproyecto en la ciudad de Nacka, en Suecia, Note Design Studio cre贸 Waiting Windows, una instalaci贸n de acero inoxidable en medio del bosque para la estaci贸n de tren Sickla. Su presencia es una pausa para la contemplaci贸n.

Foto: Erik Lefvander

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MAESTRO John Baldessari (1931-2020)

>>Texto: Dolores Garnica >Fotos: cortesía de Estate of John Baldessari y Marian Goodman Gallery, y MoMA

La obra de Baldessari representa la ruptura de reglas, supuestos y doctrinas que el arte tradicional dictaba y que derrumbó el arte conceptual.

icen que cuando John Baldessari era niño no sabía a qué dedicarse, pero sí que quería cambiar al mundo. Su hermana le sugirió dos tareas con las que logró su objetivo: artista visual y profesor. El creador californiano (1931-2020) expuso más de 300 veces de manera individual y más de mil colectivamente en los mejores museos y galerías del planeta, además dotó de espíritu rebelde e inspiración a artistas tan destacados como Mike Kelley, David Salle o Barbara Bloom. En 1971 salió a luz uno de sus primeros y más provocadores trabajos: Folding Hat, donde el artista intentaba transformar un sombrero en otra cosa, jugando con su esencia y concepto. Desde entonces es considerado fundador y destacado “artista conceptual”, adjetivos que todavía

hoy se emplean erróneamente dentro del arte contemporáneo, pero que atestiguan su influencia e importancia. Para Baldessari la búsqueda de la esencia fue una vocación creativa: ¿qué?, ¿quién o cómo se hacen los significados?, ¿cuáles son las características visuales y verbales que definen a un objeto o concepto? “¿Sientes cómo todas las partes de una buena pintura están involucradas entre sí y no solo colocadas una al lado de la otra? El arte es una creación para los ojos y solo puede insinuarse con palabras”, escribió en 1968 sobre un lienzo para definir la pintura —uno de sus soportes favoritos—, además de la fotografía, la gráfica, el video o la instalación, o una mezcla de varios como en sus famosos collages. Así, al revisar la obra de Baldessari (como lo hizo en 2017 el Museo Jumex en Ciudad de México con una de sus más completas retrospectivas) surgen reflexiones, preguntas y respuestas sobre la naturaleza, la teoría y la práctica del arte; meditaciones sobre qué es lo que vemos y cómo se conceptualiza, incluyendo la cultura popular o el arte sacro. En definitiva, la obra del maestro nos ha dejado una tarea inacabable.

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Person on Bed (Blue): With Large Shadow (Orange) and Lamp (Green), 2004 Fotografía digital con pintura acrílica montada sobre una tabla de PVC 213.4 x 190.5 x 8.9 cm Cortesía de Estate of John Baldessari y Marian Goodman Gallery

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Raised Eyebrows/ Furrowed Foreheads: (Part One): (Blue Eyebrows), 2008 Impresión con inyección de tinta y pintura acrílica sobre una tabla de PVC y plafón de poliestireno 145.4 x 243.8 x 171 cm Cortesía de Estate of John Baldessari y Marian Goodman Gallery

Al revisar la obra de Baldessari surgen reflexiones, preguntas y respuestas sobre la naturaleza, la teoría y la práctica del arte; meditaciones sobre qué es lo que vemos y cómo se conceptualiza.

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Goya Series: KIND OF, 1997 Papel de computadora y tipografía digital impresa 47.7 x 40 x 3.3 cm Cortesía de Estate of John Baldessari y Marian Goodman Gallery

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arte

Overlap Series: Jogger (With Cosmic Event), 2001 Tres fotografías digitales impresas sobre un plafón Sintra con pintura acrílica 213.4 x 111.1 cm Cortesía de Estate of John Baldessari y Marian Goodman Gallery

“¿Sientes cómo todas las partes de una buena pintura están involucradas entre sí y no solo colocadas una al lado de la otra? El arte es una creación para los ojos y solo puede insinuarse con palabras”, escribió Baldessari sobre un lienzo.

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conceptos Nay Palad Bird Nest 2019 En Segera Retreat, ecosafari resort de clase mundial en Kenia, el arquitecto Daniel Pouzet diseñó un exclusivo destino donde la aventura se une a la contemplación.

Foto: Jimmy Nelson www.atelierpouzetlopezrios.com