Il senso della band (anteprima) by Edizioni Curci

Progetto grafico: Samuele Pellizzari Editing: Giovanni Podera Foto di copertina: Viola Tofani Proprietà per tutti i Paesi: Edizioni Curci S.r.l. – Galleria del Corso, 4 – 20122 Milano © 2013 by Edizioni Curci S.r.l. – Milano Tutti i diritti sono riservati EC 11810 / ISBN 9788863951431 www.edizionicurci.it www.edizionicurci.it/ilsensodellaband Stampato in Italia nel 2013 da INGRAF Industria Grafica S.r.l., Via Monte San Genesio, 7 – Milano

INDICE

INTRO – NOI Da fan a star �� 9 La band �� 12 Il power trio �� 12 La batteria �� 13 Il basso �� 15 La chitarra �� 16 La voce �� 18 PRIMA PARTE – PERCEPIAMO 1. Oltre la tecnica �� Gli elementi �� Dinamica �� Stile �� Timing �� Groove �� Linguaggio �� Comunicazione e interplay �� Tutti gli elementi �� 2. I generi musicali �� Rock �� Funk �� Blues �� Pop �� Reggae �� Considerazioni e consigli �� I colori �� Le emozioni e lo stile ��

27 28 30 32 35 41 46 50 55 57 58 70 76 80 85 90 90 94

SECONDA PARTE – SUONIAMO Ascolto quindi suono �� 3. Rock �� Nirvana, Smells Like Teen Spirit �� AC/DC, Highway to Hell �� 4. Funk �� Stevie Wonder, Superstition �� Red Hot Chili Peppers, Give It Away �� 5. Pop �� Michael Jackson, Billie Jean �� Green Day, Boulevard of Broken Dreams �� 6. Blues �� Mississippi Fred McDowell, You Gotta Move �� Stevie Ray Vaughan, Pride and Joy �� 7. Reggae �� Bob Marley and the Wailers, One Love �� Alpha Blondy, Jerusalem ��

101 103 103 113 117 117 121 127 127 130 135 135 138 145 145 149

OUTRO – LA MUSICA Creatività �� Il computer �� Il palco �� Aspetto tecnico �� Disposizione �� Adrenalina �� Artista o musicista? �� Suonare con una band o per una band �� La nostra musica �� Il libro ��

157 159 161 161 162 164 166 168 170 173

FINALE – IL MONDO I sacrifici �� 179 Grazie �� 182 A scuola di “band” di Paola Bertassi �� 185

IL SENSO DELLA BAND INTRO LA BAND OLTRE LA TECNICA

PRIMA PARTE: PERCEPIAMO 1.DINAMICA 2.STILE 3.TIMING

”SENTIRE” IL TIMING INFRANGIAMO LE REGOLE

4.GROOVE

SUONARE SU UN “GROOVE” L’IMPORTANZA DEL CORPO LO STILE

5.LINGUAGGIO 6.COMUNICAZIONE E INTERPLAY COMUNICAZIONE CON LA BAND COMUNICAZIONE CON IL PUBBLICO

SECONDA PARTE: SUONIAMO ROCK

VUOTI E PIENI IL RIFF

FUNK BLUES POP REGGAE

LO SKANK

CREATIVITA’ IL COMPUTER LA NOSTRA MUSICA I SACRIFICI IL FINALE

SE NON SEI PRONTO, LASCIA QUESTO LIBRO DOVE LO HAI TROVATO...

In questo percorso puoi creare una connessione tra la tua musica e la tua vita Suoni quello che vivi Vivi quello che suoni Ogni nota è intrisa di tutta la tua esperienza Tu sei ciò che suoni

SEI PRONTO PER QUESTO?

INTRO

NOI

ÂŤSe non ti fidi della persona che suona insieme a te, hai giĂ perso.Âť Paola Bertassi

Da fan a star Pronto per diventare una star? O meglio… pronti per diventare delle star? Eh sì, perché non siamo soli quando affrontiamo il lungo e ricco percorso che ci porta da fan, a diventare star. Stiamo parlando di un lavoro di gruppo, un lavoro di band! La band è formata da diverse persone con differenti personalità, qualità, pregi e difetti. Tutte le caratteristiche dei componenti della band contribuiscono al risultato finale. Ecco il primo vero insegnamento che troviamo in questo volume: non siamo soli. Affronteremo insieme tutte le dinamiche che si possono creare all’interno di una band in diversi generi musicali, capendo come le note che arrivano all’ascoltatore siano sempre la conseguenza dell’alchimia che si crea tra i diversi musicisti. Indipendentemente dalla nostra preparazione musicale, abbiamo sempre la tendenza naturale a concentrarci su noi stessi; la nostra parte, il nostro suono, la nostra presenza e la nostra bravura. Non dobbiamo sbagliare. Dobbiamo mostrare come siamo bravi a fare quello che abbiamo imparato a lezione, oppure come riusciamo a riprodurre perfettamente il solo del nostro chitarrista preferito, o la rullata super complicata del batterista idolo. L’importante è spaccare! Non importa se magari gli altri componenti della band sono così così: io comunque spacco! La gente se ne accorge di sicuro. Ci avete mai pensato? Io sì… mi è capitato, lo ammetto. Poi, però, ho realizzato una cosa: la gente si accorgeva che ero bravo, questo è vero; ma la musica che suonavamo non arrivava dritta nel suo petto! Non scatenava quelle emozioni e sensazioni che accomunano le persone, non entrava nel profondo, non era sentita.

10 | Intro – Noi

In questo modo mi sono reso conto che non era possibile creare una connessione con il pubblico; stavo suonando da solo: zero comunicazione. Come posso pretendere di arrivare alla gente in questo modo? È impossibile sognare di diventare una star senza comunicazione. Pensate a tutte le band che sono rimaste nei nostri cuori e nei cuori dei nostri genitori: quelle sì che trasmettevano emozioni, quelle sì che ci hanno stretto lo stomaco. Ci hanno fatto piangere, gridare, sorridere, correre, riflettere… Ehi, forse questo vuol dire spaccare! Le band di cui stiamo parlando suonavano insieme: ecco il primo segreto. Ogni elemento ha il suo importantissimo ruolo nel progetto. Togliamo il suono di The Edge dagli U2: sarebbero la stessa cosa? Togliamo il groove di Flea dai Red Hot Chili Peppers: sarebbero uguali? E senza Zack de la Rocha nei Rage Against the Machine? E senza Dave Grohl nei Nirvana? Ogni musicista è importante. Ogni musicista ha la sua personalità. Ogni musicista deve saper suonare insieme agli altri della band. Torniamo a quello che dicevamo prima riguardo al mio errore di suonare “da solo”. “L’errore” è di suonare senza ascoltare i miei compagni. Non devo pensare solo alla mia prestazione perché comunque, anche se sono bravo, il risultato non sarà per niente buono, come ormai abbiamo capito. Devo pensare ai miei amici di palco. Può essere che qualcuno magari non sia propriamente un fenomeno, ma può anche essere che abbia un modo di suonare davvero affascinante e pieno di personalità ed emozione; deve solo trovare il modo per tirarlo fuori ed esprimerlo al meglio. Se sul palco mi faccio totalmente i fatti miei, non lo sto per niente aiutando. Se invece provo a capire come i “nostri modi di suonare” possano incastrarsi e completarsi, allora sì che riuscirò a ottenere grandi risultati! La seconda cosa, quindi, è capirsi e ascoltarsi!

Intro – Noi

Non devo suonare “sopra” gli altri, ma insieme agli altri. Non è una gara tra chi fa più rumore, chi è più protagonista o chi suona meglio… Stiamo collaborando allo STESSO suono! Il mio, più il tuo, più il suo, più il suo… Risultato: il NOSTRO SUONO! Questo è quello che sentirà il pubblico.

C’è un’altra cosa importante da capire riguardo il suono della band. Il suono di ogni singolo strumento è completato ed enfatizzato da quello degli altri strumenti: non solo dobbiamo renderci conto che non stiamo suonando da soli e che dobbiamo imparare a capire e ascoltare, ma è importante anche sapere che abbiamo bisogno degli altri per esprimerci al meglio. Avete mai provato a suonare da soli nella vostra camera o in sala prove? In queste situazioni vi sarete abituati a sentire un certo tipo di suono: quello che proviene dal vostro strumento, dalle vostre mani, da ciò che avete imparato e dalla vostra personalità. Suonando esattamente la stessa parte insieme a qualcun altro non avete mai avuto la sensazione che qualcosa cambiasse? Immagino di sì. Eppure lo strumento, le mani e la nostra esperienza sono sempre quelle. Abbiamo aggiunto un nuovo elemento: un’altra persona con uno strumento diverso, mani diverse, esperienza diversa. Questa “nuova persona” riempirà il vuoto che c’era prima e il nostro suono cambierà … In meglio, o in peggio? Questo dipende da come gestiremo la nostra relazione con il nuovo arrivato. Una volta compresi questi primi e importantissimi concetti, siamo in grado di iniziare insieme il percorso che ci porterà a capire tutte le dinamiche che possono crearsi nella nostra band! Pronti?

PRIMA PARTE

PERCEPIAMO

Nella musica câ&#x20AC;&#x2122;Ă¨ magia e mistero. Le pagine che seguono ti porteranno in un mondo nuovo attraverso il quale vedrai tutto da un altro punto di vista. Ognuno vivrĂ le parole che seguono in modi diversi. Troverai le tue risposte, ma dovrai fare le domande giuste. Devi essere pronto a farti travolgere da tutte le tue emozioni piĂš nascoste altrimenti non ne coglierai il vero significato e ti perderai... Vai avanti solo se puoi farlo. Solo se puoi lasciarti andare a nuove sensazioni senza farti divorare dal senso critico e dagli schemi rigidi nei quali inseriamo tutto. Non essere freddo. Non essere chiuso. Se puoi farlo. Se i tuoi sensi sono pronti. Vai avanti. E scopri i segreti della tua musica. Del tuo mondo.

Capitolo 1

OLTRE LA TECNICA       

Dinamica Stile Timing Groove Linguaggio Comunicazione e interplay Tutti gli elementi

Alchimia, linguaggio, comunicazione, stile… Abbiamo ripetuto spesso queste parole… Ma la tecnica!? Ora sembra tutto una favoletta, tutto astratto, concetti interessanti ma poco concreti. Parole, parole, parole… Ma gli esercizi? Quando studiamo un po’ di tecnica? Eh no! Non qui, non ancora. Tutti possiamo fare esercizi. Tutti possiamo studiare. Spesso però non abbiamo l’opportunità di affrontare anche altri concetti che fanno parte della musica e che non si trovano sui manuali didattici, che non impariamo a lezione o su Internet. Questi concetti non si vedono, non si studiano, non si scrivono, MA costituiscono una parte fondamentale del mondo musicale. La musica non può esistere senza di essi. Le band che sono entrate nella storia non lo avrebbero fatto senza questi concetti. Se non li posso studiare, dove li trovo? E che cosa sono? Di che cosa stiamo parlando? Stiamo sempre parlando di qualcosa che non si vede, ma che esiste dentro di noi, tra di noi, tra le persone, i musicisti, il palco, gli strumenti; nelle emozioni, nelle situazioni, nell’esperienza, nella vita; nella gioia, nel dolore, nella dedizione, nei sacrifici…

Prima parte – Percepiamo

Tutto quello che facciamo è musica. Tutto quello che sentiamo è musica. Come lo esprimiamo è musica. Quindi per un momento dimentichiamoci di dover suonare solo ciò che è scritto su un foglio. Dimentichiamoci di dover suonare fermi e rigidi nella nostra impostazione. Dimentichiamoci di dover suonare solo come ci hanno insegnato a farlo. Anche se solo per un momento, proviamo a dimenticarlo. Attenzione! Non stiamo dicendo di suonare male, di non studiare e di buttare nel cestino la tecnica. La tecnica è e rimane una componente essenziale. Se vogliamo suonare, dobbiamo prima di tutto imparare a suonare!

Gli elementi

Prima di infrangere le regole dobbiamo conoscerle. Se volete lasciarvi andare e suonare senza essere concentrati solo sulla tecnica, dovete prima conoscerla. Prima dovete sapere in che mondo vi state buttando. Studiamo. Impariamo. Poi possiamo utilizzare la tecnica come mezzo per esprimere la nostra arte. Non è in questo manuale, però, che parleremo di tecnica. Ognuno di voi starà seguendo il proprio percorso con insegnanti, libri o amici. Continuate a farlo. Qui, ora, cerchiamo di andare oltre la tecnica.

Proviamo a dare un nome a questi “concetti” o “elementi”. Ne abbiamo sicuramente sentito parlare diverse volte, ma senza renderci conto del loro vero significato, dell’importanza e dell’efficacia all’interno di una band. Certamente, però, abbiamo realizzato come, tranne alcuni casi, la maggior parte delle band che seguiamo nel rock, funk e blues hanno molti elementi che variano all’interno di ogni canzone.

Capitolo 1 – Oltre la tecnica | 29

Non mi riferisco solo alle parti. Ci sono per esempio canzoni che hanno più o meno lo stesso ritmo dall’inizio alla fine, che hanno lo stesso giro di accordi o che non presentano delle parti necessariamente difficili. Eppure queste canzoni non risultano noiose o monotone. C’è quel qualcosa in più che le rende varie al loro interno. C’è qualcosa che fluttua. Un su e giù o un avanti e indietro di vibrazioni ed emozioni. C’è qualcosa che non rende tutto piatto. Qualcosa che non riduce la canzone a una semplice esecuzione. Qualcosa attraverso cui sentiamo che i musicisti in questione non stanno facendo il loro “compitino”; che non stanno mettendo in pratica gli esercizi studiati. Questi musicisti stanno SUONANDO! Diamo un nome a questi elementi: 1. dinamiche; 2. stile; 3. timing; 4. groove; 5. linguaggio; 6. comunicazione o interplay. Dai! Queste parole le conosciamo bene, le abbiamo sentite e risentite più volte. Probabilmente però non ne comprendiamo il vero significato. Sapete perché? Perché non ci sono regole ben precise. Probabilmente non è nemmeno possibile dare una descrizione perfetta e oggettiva di tutti questi elementi. Probabilmente questi elementi sono anche tutti collegati fra loro. Difficile vederli in modo isolato. Se per qualcuno di essi, come la dinamica, è possibile trovare una descrizione da enciclopedia, è anche vero che esiste una descrizione più soggettiva, meno “scientifica”, più emotiva.

Prima parte – Percepiamo

Funk

Stile

È ora il momento di immaginare la gente muoversi, ballare e divertirsi! Il termine funk, infatti, inizia a essere utilizzato negli anni Sessanta per indicare un modo di suonare più ballabile e più sincopato. Le caratteristiche della musica funk sono decisamente diverse dal rock, anche se a partire dagli anni Ottanta molte band rock iniziano a introdurre elementi funky nel loro stile dando vita al funk rock. Anche nel funk sono importanti i riff, ma questa volta spostiamo l’attenzione sul basso. Eh sì; il ruolo del basso elettrico diventa fondamentale con dei riff potenti, ritmati e sincopati. Possiamo ritrovare quanto detto in tutto il funk: da James Brown (Papa’s Got a Brand New Bag) alla disco music degli anni Settanta (Kool & the Gang, Chick); dai Parliament – Funkadelic (Give Up the Funk) ai gruppi funk rock più recenti (Red Hot Chili Peppers). Prendiamoci anche qui un po’ di tempo per ascoltare della buona musica; ecco alcuni suggerimenti: James Brown:

Tower of Power: The Meters:

Got a Brand New Bag I Feel Good Sex Machine Don’t Change Horses in the Middle of the Stream What is Up? Cissy Strut Sophisticated Cissy Give Up the Funk

George Clinton (Parliament Funkadelic): Kool & the Gang: Celebration The Commodores: Easy Donna Summer: Hot Stuﬀ

Capitolo 2 – I generi musicali

Chic: Rose Royce: Extreme: Red Hot Chili Peppers: Primus: Faith No More: Incubus: Rage Against the Machine:

Le Freak Car Wash Get the Funk Out Blood Sugar Sex Magic Jerry Was a Race Car Driver Midlife Crisis Redefine Bombtrack

Tecnica per strumenti a corda che consiste nello “schiffeggiare” (to slap) e tirare le corde creando un’alternanza di suoni bassi e alti. Solitamente le corde si colpiscono con il pollice e si tirano con l’indice o il medio.

Stile

Avete fatto caso a quanto sono determinanti i riﬀ di basso? Importante è anche l’utilizzo dello “slap”3, il quale, mischiato alle note basse, crea dei pattern che attribuiscono allo strumento una forte componente ritmica. L’alternanza di questi suoni alti e bassi, infatti, potrebbe in qualche modo ricordare l’utilizzo di rullante e cassa della batteria. La batteria, insieme al basso, deve creare un groove intenso. I pattern sono semplici, ma presentano una serie di accenti e sincopi complessi che si incastrano perfettamente con il basso. La sezione ritmica del funk ha quindi un ruolo decisamente essenziale! Anche la chitarra assume un ruolo ritmico fondamentale. Non sentiamo più accordi aperti e riff incisivi, ma ritmiche sincopate e con molti accenti. Una particolarità del funk, quindi, non è la complessità armonica e melodica, ma quella ritmica. Spesso la band rimane ferma su uno stesso giro, ma la ritmica è sempre ricca, viva e fluttuante: tutto ci porta a ballare! 3

Dinamiche

Proviamo a concentrarci sulle dinamiche. Non sembra esserci tanto sali e scendi; abbiamo detto che una caratteristica fondamentale del funk è il groove intenso che ci porta a ballare. Per questo difficilmente si suona piano; le ritmiche sono intense e il volume non è certo basso. La sensazione però non è la stessa del rock. Se guardiamo le versioni live dei gruppi funk non ci sembra che i musicisti stiano pestando come nel rock; però, anche loro suonano forte! L’energia non viene dispersa ma concentrata tutta in ogni singola nota. Mi piace dire che ogni colpo è suonato con molto “attacco”. L’“attack” è come viene “colpita” la nota, e nel funk mi sembra che venga colpita sempre con decisione, intensità ed energia. I musicisti suonano per davvero le loro corde e le loro pelli; non ne sono impauriti, le aggrediscono. Le aggrediscono e si divertono. Tutto però è più controllato rispetto al rock. Che cosa lo rende così “pulito” rispetto al rock? È vero che le note vengono suonate forte e con attacco anche nel funk; però, come abbiamo detto in precedenza, tutti i pattern presentano una complessità ritmica dovuta all’alternanza di accenti. All’interno dei pattern funky ci sono accenti e note deboli o mute. È l’alternanza di queste note con diverse intensità sonore che crea un senso ritmico complesso e ballabile. A differenza del rock, quindi, la ritmica non è suonata tutta allo stesso volume, ma all’interno di essa si alternano accenti e note deboli, accenti e pause. Questo vale per tutti gli strumenti e per tutta la band, tight. Il controllo tra le dinamiche all’interno dello stesso pattern ritmico risulta alle nostre orecchie più pulito e ordinato rispetto al rock, pur essendo suonato con forza e decisione.

Timing

72 | Prima parte – Percepiamo

A questo punto è semplice intuire che occorra un timing serrato perché il funk possa essere ballabile. Ascoltiamo Easy dei Commodores. Anche in una ballata possiamo sentire come tutti suonano sempre con decisione sul timing senza lasciar andare indietro il brano.

Capitolo 2 – I generi musicali | 73

Perdere questo attacco significherebbe perdere il groove funk. Ascoltate come la sezione ritmica è sempre presente con un accento sulla prima pulsazione di ogni battuta. Eh sì, fateci caso. Le ritmiche possono essere molto complesse e presentare una serie di accenti, sincopi e pause; ma nella maggior parte dei casi l’accento principale è sempre sulla prima pulsazione.

Ecco un altro elemento che possiamo inserire tra le caratteristiche che determinano lo stile funk. In precedenza gli accenti principali erano sempre sul 2 e sul 4, insieme al rullante della batteria. Da James Brown è nato il funk come genere musicale ed è cambiato il modo di utilizzare gli accenti. Ascoltiamo per esempio Papa’s Got a Brand New Bag. Il batterista suona comunque il rullante sul 2 e sul 4; anche la chitarra è presente sul 2 e sul 4; ma l’accento principale è chiaramente sull’1. Sentite il riff incisivo del basso supportato dagli accenti dei fiati.

Stile

Timing quindi deciso e serrato che segue gli accenti e le pause di ogni pulsazione. Ma non basta, non è così semplice. C’è qualcosa nel funk che non si può mettere per iscritto: è troppo personale. Si tratta del modo in cui riusciamo a interpretare tutti questi accenti, queste sincopi e queste pause. Si tratta di come ascoltiamo e seguiamo la ritmica che pulsa dentro di noi. I nostri sospiri. Il nostro groove. Il groove nel funk è incredibilmente legato a tutto quanto abbiamo detto in precedenza. Ora che sappiamo quali sono le dinamiche e il timing da seguire, dobbiamo veramente cercare di viverlo. Ogni colpo e ogni nota

Groove

74 | Prima parte – Percepiamo

Comunicazione

deve essere intrisa del giusto groove perché possa essere funk. Signori, questo non si studia. Dovete solo ascoltare e suonare! Ascoltare e suonare! Ascoltare e suonare! E, con il tempo, cercare di sentire. Sentire! Sentire quello che state suonando. Tra le sincopi dovete sospirare e sentir arrivare la nota successiva nel modo giusto. Le pause sono importanti. Suoniamo anche nei silenzi. Un accento ha un valore diverso quando arriva dal silenzio. La nota debole ha un valore incredibile quando arriva subito dopo l’accento perfetto.

Tutto questo è enfatizzato dai movimenti del corpo. La nostra comunicazione è fondamentale anche in questo caso. I nostri movimenti personali che occupano lo spazio tra una nota e l’altra ne determinano il suono. Cambiamo l’ampiezza dei movimenti tra gli accenti e le note deboli. Muoviamo il nostro corpo anche nei silenzi per cercare la nota successiva. Muoviamo TUTTO il nostro corpo, non solo le mani e le braccia. Le pulsazioni sono in TUTTO il nostro corpo. Quando balliamo, balliamo con TUTTO il corpo. Sentiamo il groove anche nelle gambe, nel petto e cerchiamo di comunicarlo!

Linguaggio

Ancora una volta l’importanza di quello che sentiamo dentro di noi. Quello che abbiamo dentro in qualche modo lo trasmettiamo. E la gente lo sente.

Possiamo dire per l’ennesima volta che tutto è collegato. Dinamiche, timing, groove e comunicazione. Anche il linguaggio rientra in quanto detto e segue lo stile del funk.

Capitolo 2 – I generi musicali

Il linguaggio è quindi ritmico, con accenti, note deboli, pause, sincopi. Tutti questi elementi servono anche ad arricchire le ritmiche e a sviluppare dei passaggi e dei fill coerenti. Abbiamo visto come spesso nel funk si rimanga fermi su uno stesso giro; la complessità è per lo più ritmica. In questi momenti gli arricchimenti e le finezze sono dei colori bellissimi per la musica in questione. Anche questi passaggi non sono più come nel rock con una dinamica costante, ma presentano accenti, pause e colori. Il linguaggio è il modo di parlare e dialogare con la band mentre suoniamo. Ora stiamo “parlando” funk. Stile

Dinamiche

Groove Timing

Linguaggio Comunicazione

Importanza dei riff di basso. Pattern con una serie di accenti e sincopi. Ruolo ritmico di ogni strumento, utilizzo dello slap con il basso. Importanza della sezione ritmica. Accento principale sulla prima pulsazione. Tutto suonato con attacco e decisione ma con il controllo delle dinamiche all’interno dello stesso pattern: alternanza di accenti e note deboli o mute. Gli accenti e le dinamiche è come se seguissero delle onde: su e giù, su e giù. Il modo in cui riusciamo a interpretare queste onde. Sospiri. Importanza silenzi. Groove intenso e ballabile. Serrato. Non si perde mai l’accento principale sulla prima pulsazione. Non si perde mai l’attacco, determinante per mantenere il groove intenso e ballabile. Tutti sono sempre “tight” seguendo l’onda. Ritmico, con accenti, pause e sincopi. Suonare con tutto il corpo seguendo accenti e note deboli. L’ampiezza dei movimenti cambia a seconda della dinamica

Capitolo 3

ROCK

 Nirvana, Smells Like Teen Spirit  AC/DC, Highway to Hell

Nirvana, Smells Like Teen Spirit Tutti conoscerete questa canzone dei Nirvana, e sono sicuro che molti di voi l’hanno anche già suonata con la propria band. Il repertorio dei Nirvana è molto semplice per tutti gli strumentisti; ecco uno dei motivi per cui molti musicisti e molte band hanno iniziato il loro percorso suonando queste canzoni. Ormai, però, dovremmo avere un’altra concezione del semplice e del difficile. Anche per i Nirvana comporre canzoni non era un “compitino”, ma una ragione di vita. Ecco perché sono riusciti a entrare nel cuore, e nello stomaco, di così tanta gente: hanno vissuto ogni nota con tutta la loro esperienza e le loro emozioni. Questo rende difficile riprodurre esattamente i loro brani; potremmo essere strumentalmente perfetti, ma se la nostra esecuzione non è intrisa di emozioni, sarà solo un’esecuzione giusta, ma fredda. Ovviamente non siamo i Nirvana, siamo un’altra band; quindi è anche inutile cercare di vivere le loro stesse emozioni. Le emozioni sono troppo soggettive.

104 | Seconda parte – Suoniamo

Lo stesso evento può essere interpretato in modo diverso da differenti persone; la stessa canzone può avere un effetto diverso in differenti persone. Troviamo quelli che ci appartengono. Che cosa ci trasmette questo brano? Per i Nirvana era forse un urlo liberatorio, uno sfogo; significava esplicitare la sofferenza dei teenager di quel tempo. E per noi? Che cosa sentiamo quando la ascoltiamo? Focalizziamo il nostro pensiero, diamo un nome alle nostre sensazioni e facciamole diventare un obiettivo per la NOSTRA realizzazione del brano. Entriamo nell’ottica che, anche se vogliamo eseguire la canzone nella versione originale, non sarà mai identica per tutti i motivi già elencati. Non siamo i componenti dei Nirvana. Cerchiamo allora di mantenere il nostro stile anche nell’eseguire una cover. Una volta trovato il nostro “obiettivo emotivo” analizziamo il brano. Prima di buttarci sullo strumento e suonare, occorre aprire bene le orecchie e ascoltare attentamente. Definiamo una struttura. Cerchiamo di capire i cambi, i passaggi e l’intenzione. Ascoltiamo tutti gli strumenti, non solo il nostro. Come i Nirvana mantengono la loro intenzione in ogni parte della canzone? Poniamoci tante domande per entrare al meglio nel brano. Da questo momento in poi tutto è soggettivo.

Ascolto A parte la struttura del brano che è composta da un numero ben preciso di battute, di parti e di cambi, tutto il resto è semplicemente una mia interpretazione. La vostra potrebbe essere differente ed è anche questo che ci permette di suonare la stessa canzone in modi diversi. Anche tra gli elementi del vostro gruppo possono esserci interpretazioni diverse;

Capitolo 3 – Rock | 105

la versione che ne uscirà sarà il compromesso tra i vostri modi di sentire il brano. Vi propongo una possibile versione…

Intenzione

L’intenzione del brano mi sembra rock fin dall’inizio! Energica, aggressiva e decisamente spinta. L’intro, i ritornelli e le uscite dai ritornelli mi trasmettono una carica pazzesca, non sento compromessi nel gestire le dinamiche e le energie. Nelle strofe, invece, ho una sensazione diversa, di rilascio. Non sento aggressività, ma tristezza, riflessione, pensiero… Non sento tensione. Quest’ultima subentra nella parte prima del ritornello, ossessiva: «Hello, hello, hello…». Qui la sento crescere, il momento di riflessione è finito e sento la voglia di scoppiare. Questa voglia cresce sempre più fino a sfociare nel ritornello senza compromessi. L’apice è alla fine del ritornello, quando la band investe le sue ultime energie nel riff che riporta di colpo alla strofa. Tutto si ripete. Poi arriva il solo dove sento mischiarsi l’aggressività e la tristezza… Queste sono all’incirca le intenzioni che sento nel brano e sono divise in parti ben precise e strutturate. Diamo un nome e un numero a queste parti prima di analizzarle nel dettaglio.

Quante volte vi è capitato di utilizzare queste frasi senza capirvi? Prima di definire una struttura occorre fare una precisazione. Il brano che stiamo analizzando è in un semplice 4/4, ma potreste

Struttura

«Ripartiamo dalla fine del giro» «Rifacciamo ancora un giro e poi cambiamo» «Riprendiamo dal secondo giro» «Fammi sentire le ultime due battute»

106 | Seconda parte – Suoniamo

ritrovarvi ad avere interpretazioni differenti rispetto ai vostri compagni definendo il giro. Per qualcuno il giro potrebbe essere di 2 battute da 4/4, per qualcun altro di 4 battute. Per la chitarra e il basso si sviluppa in 2 battute con 4 accordi. Il batterista, non avendo a che fare con gli accordi, potrebbe considerare il giro di 4 battute (che quindi diventano 2 giri per gli altri). È anche vero, però, che tutto si ripete a cicli di 4 battute: intro di 4 battute, 4 battute di strofa senza voce, 4 battute con la voce; potremmo quindi considerarlo di 4 battute come il batterista? Ci possono essere interpretazioni diverse, ma, suonando insieme, occorre trovare una matematica comune per comunicare al meglio anche in fase di studio o di composizione. Attenzione anche a come contare le pulsazioni. Qui sto dando per scontato che i 4 accordi si sviluppano in 2 battute da 4/4, ma forse non dovrei. Qualche tempo fa un violinista mi ha detto che contava la stessa parte con un tempo dimezzato, dove i miei quarti per lui erano ottavi: in questo modo diventa un giro di una battuta con 4 accordi. Con questa nuova interpretazione diventa tutto dimezzato: intro di 2 battute, strofa senza voce di 2 battute, strofa cantata di 2 battute… Però così non torna: come facciamo a suonare insieme se contiamo tutti in modo diverso? Occorre trovare un linguaggio comune anche in questo caso, non siamo soli con il nostro spartito, ma stiamo suonando insieme ad altri strumenti. Nei generi musicali affrontati in questo volume solitamente la batteria è il punto di riferimento per come interpretare il tempo. Sappiamo che la cassa scandisce la prima e la terza pulsazione e il rullante la seconda e la quarta. 1. Cassa – 2. Rullante – 3. Cassa – 4. Rullante.

Capitolo 3 – Rock | 107

Se seguissimo l’interpretazione del violinista, ci ritroveremmo ad avere la cassa sul 2 e ci perderemmo nel conteggio. 1. Cassa – e. Rullante – 2. Cassa – e. Rullante – 3. Cassa – e. Rullante – 4. Cassa – e. Rullante. Definiamo quindi un linguaggio comune per questa canzone: un tempo in 4/4 dove il giro armonico è costituito da 2 battute. Queste 2 battute vengono sempre ripetute due volte, quindi, per comodità, considererò il giro di 4 battute. Intro

Solo chitarra (4 battute) L’ingresso di tutti gli strumenti viene lanciaTutti gli strumenti (4 battute) to da un fill di batteria. Strofa 1 1 giro senza il cantato (4 battute) 2 giri con il cantato (8 battute) Pre-ritornello 1 8 battute Ritornello 1 3 giri (12 battute: 4+4+4) Nel terzo giro sentiamo una maggiore energia rispetto ai primi due. Uscita ritornello 1 Riff di 2 battute ripetuto due volte (4 battute) Strofa 2 1 giro senza il cantato Uguale alla prima. (4 battute) 2 giri con il cantato (8 battute) Pre-ritornello 2 8 battute Uguale al primo. Ritornello 2 3 giri (12 battute: 4+4+4) Uguale al primo. Uscita ritornello 2 Riff di 2 battute ripetuto due Uguale al primo. volte (4 battute) Solo 8 battute + 8 battute La sezione ritmica rimane energica con il giro del ritornello e il solo della chitarra richiama la struttura della strofa e del pre-ritornello. La struttura del solo quindi sarà composta dalla struttura della strofa (dal cantato, escludendo perciò il primo giro senza voce) più la struttura del pre-ritornello.

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