ELEMENT 17 | DISEÑO by Revista ELEMENT

c u l t u r a C R E A T I V A

Vol. 17 | Diseño

Karim Rashid

Deseo ver a las personas liberarse de la nostalgia.

Obsolescencia tecnológica Retratos de objetos extintos o a punto de desaparecer.

Ignacio Mallol

El diseño como dominio público.

3.50 US$

Expo Modii

9 772312 7 452103 948417 990031 990048 881162 00017 6

O cómo impulsar la arquitectura.

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Vol. 17 D i se ñ o

c u l t u r a

Director Alfredo Smith alfredo@revistaelement.com Junta Directiva Alfredo Smith Esther Pang Maria Elena Kosmas S.

C R E A T I V A

Fundadores Ehrior Sanabria Verónica Arosemena Editores Ehrior Sanabria Esther Pang Diseño Camilo Baquero David Martínez Maria Elena Kosmas S. Ventas y mercadeo ADN Concierge, S.A. @adnconcierge Coordinación Comercial Mari Carmen Pereira maricarmen@revistaelement.com Tráfico y Producción Ingrid Pintado

Agradecimientos Annie Pereda Mallol Arquitectos Elizabeth Peralta Hotel W | Moró Fundación Ciudad del Saber Marianela Salazar Expo Modii María Velasco BoConcept Maricel Méndez Plataforma Marketing Oriana Lozada Kate Spade Rocío Vázquez Canal Zone ELEMENT® no se responsabiliza de las opiniones de sus colaboradores. ELEMENT® Marca registrada, derechos reservados por Element Media Corp. Punta Pacífica Torre de Las Américas Torre A, Piso 12 Oficina Workings

Distribución Ingrid Pintado Luis Reinier Guerra Fotógrafos Lupe de la Vallina Raphael Salazar Retoque Fotográfico | Pre-prensa Miguel Ángel Canchari Caballero Contabilidad Elvira Angulo

Colaboradores Luis Guillermo Martínez Francia Herrera George Foster “Mr. G” Iván Cruz Peguero Juan Camilo Sánchez Michael Prince Bent Osvaldo Lezcano

Prohibida su total o parcial reproducción sin la autorización de Element Media Corp. CÓDIGO ISSN: 2312-9484

La gente ignora al diseño que ignora a la gente. - FRANK CHIMERO.

F ac e b o ok/ EL EMENT PANAMA | @element_pma conta cto@revista element.com

PORTADA | KNOW HOW Entrevistado Karim Rashid Fotografía Lupe de la Vallina

ELEMENT

c u l t u r a

C R E A T I V A

SOMOS UNA VITRINA PARA EL TALENTO EMERGENTE, UN ESPACIO INSPIRADOR EN EL QUE LA CREATIVIDAD ENCUENTRA SU EXPRESIÓN A TRAVÉS DE LAS LETRAS Y EL DISEÑO

Sección de la revista

Diseño cotidiano, para no perder la cordura.

por EHRIOR SANABRIA.

Editor

El cordón del zapato que se rompe cuando tienes prisa, decía Bukowski, es lo que te conduce al manicomio. Son esos pequeños detalles; el cargador del Iphone que deja de funcionar, la carta extremadamente larga de un restaurante, el hielo transgénico que se deshace demasiado rápido o incluso esa cremallera que no responde al movimiento de tu mano. Estas nimiedades son acciones mundanas, y amargas, que cuando suceden, suelen responder a una equívoca decisión de diseño. Nuestro volumen 17 trata de diseño, del útil, del que es o ha sido recordado, al menos durante algún momento. Trata de cómo esta disciplina impacta en nuestro humor y entorno, nuestra vida, nuestra cotidianidad. En gran medida, esta es una de las grandes preocupaciones de Karim Rashid, el iconoclasta diseñador con alma de rock star. Rashid ha diseñado prácticamente todo lo que podamos concebir: infinidad de piezas de mobiliario, sillas, sofás, camas, objetos utilitarios, dispositivos electrónicos, diseños de moda y joyas, interiores y exteriores de edificios; nombrarlos todos resultaría extenuante. Él disfruta con cada uno de sus procesos, sin

embargo, se declara un fiel entusiasta del diseño cotidiano, de hacer del diseño algo popular y no elitista. Parece que se trata de transformar la realidad física, de convertir los espacios que nos rodean en lugares sanos para que nuestras relaciones sociales puedan ser más plácidas y por qué no, más honesta. Para que dar un paseo con tu mascota, moverte por la ciudad o ir al mercado no se convierta en una tortura detestable. En nuestra editorial fotográfica, Obsolescencia Tecnológica, hemos querido rescatar objetos extintos o a punto de extinguirse, objetos defenestrados que quizás fueron empujados por nosotros mismos. Algunos son hitos tecnológicos como el rollo Kodak, la máquina de escribir o los eternos vinilos. Objetos de culto, adorados por personas con mucho tiempo libre, cuya emotividad se impone a su uso. Precisamente, son objetos que lograron cambiar la historia y nos permitieron contarla gracias a su funcionalidad. Al fin y al cabo, en este volumen hablamos de diseño cotidiano, para no perder la cordura.

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Sumario 8

CA R TA ED ITORIAL

C OL ABORAD ORES

O PI N I ÓN | ES T H ER PAN G

O PI N I ÓN | G E ORGE FOS TER

S HOR TC UT S | C IN E

S HOR TC UT S | LIBROS

S HOR TC UT S | M ÚS ICA

S HOR TC UT S | ARTE

LU K AS Z M IC H ALAK

SUMARIO

SEIS COLORES PARA LUCHAR CONTRA L A DISCRIMINACIÓN

L A INDUSTRIA DE L A MÚSICA

UNIVERSO VITRA EN 959 PAL ABRAS

E XPO MODII, EL DISEÑO COMO DOMINIO PÚBLICO

NEGOCIOS CON ESTILO | IGNACIO MALLOL

ARQUITECTURA | L A ARQUITECTURA DE UN CUENTO DE HADAS

KNOWHOW | K ARIM RASHID

O B S O LE S C E NCIA T E C NO LÓGI CA

KAT E S PA DE , U N I M P E R I O DE COLOR PA R A VE NCER EL A B U RR I M I E NTO

OB JE TO DE DESEO

DE LI CAT E S SEN | R E S TAU R A N T E MORÓ, E L SA B OR DEL W HOT EL

DE S T I NO | VE R DE Q U E T E Q U I E RO VE R DE

T R ÓP I C O | E L A NT I GU O GR A ND H OTEL DEL CA S C O VI E JO

FRANCIA HERRERA. Periodista de formación, y con estudios en Cinematografía, posee una extensa trayectoria audiovisual, tanto en televisión como en decenas de proyectos: documentales, ficción, campañas, entre muchos otros. Codirige la agencia de Medios de Comunicación FICUS, Comunicación Sin Límites, es docente de Teoría Fotográfica en la Universidad del Arte Ganexa, y colidera el proyecto musical Radio Palenque.

COLABORADORES

MICHAEL PRINCE BENT. Licenciado en marketing, relaciones publicas y relaciones internacionales. Realizó un master en retail & luxury management en el Instituto Marangoni. Este creativo de negocios ha tenido la oportunidad de trabajo en diversas áreas del mundo de la moda, desde modelo de pasarela, fotografías, escritor, blogger, estilista de moda, productor de moda, editor y hoy por hoy es el CEO y Director Creativo de Michael Bent INC una JUAN CAMILO SÁNCHEZ. Amante de las plantas y de la his- agencia boutique de mercadeo, relaciones públicas y estrategias toria en general. Luego de estudiar para negocios emergentes en la GEORGE FOSTER. "MR. G". arquitectura, incursionó en el diseño ciudad de Miami. Además de crear y ejecutar vide interiores, lo cual le ha llevado siones de diseño, destaca por su a realizar proyectos residenciales impecable atención al detalle y la en Londres, Miami, Nueva York y capacidad de crear espacios atracPanamá. En el mundo del retail, tivos marcados con la elegancia actualmente tiene como hobby y de la firma GEORGE FOSTER, negocio Little Monstera, plataforThe Atelier. Panameño, nacido ma desde la que realiza potes de en la provincia de Colón, Mr. G cemento y vive su pasión por las se muda a California a la edad de 18 años y luego se traslada a plantas. @little.monstera Dubái. Recientemente, Mr. G ha retomado el puesto como embajador de ETHAN ALLEN y asesor IVÁN CRUZ PEGUERO. del equipo de diseñadores de la Apasionado y “nerd” autodeno- marca en Emiratos Árabes Unidos minado del diseño de interiores. de Dubái. Egresado de Casa de Chavón, afiliada a Parsons The New School for Design de Nueva York. La riqueza de texturas, la atención al detalle, la comunicación clara de una historia estética, la solución de problemas funcionales y la creación de ambientes armoniosos OSVALDO LEZCANO. y balanceados con un impacto poOsvaldo es el autor detrás de sitivo, son los principios y razones Panamá Vieja Escuela, proyecto que le impulsan a la evolución de carácter histórico dedicado a profesional y creativa. rescatar la memoria panameña por medio de fotos, artículos y contenido multimedia tanto en su sitio web como en redes sociales.

LUIS GUILLERMO MARTÍNEZ. Él quiere ser recordado como aquel que te pasó la película o el disco que vas a seguir disfrutando y compartiendo por el resto de tus días con esa curiosidad by-default ha podido trabajar en una variedad de ramas de la comunicación social (desde producción radial, hasta proyectos institucionales para ONG's). Suma siete años de expatriado y espera tener 17 más, cual canción de Drexler, moviendo su frontera como las banderas.

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Colaboradores

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Retos. por ESTHER PANG.

A principios de año y casi sin quererlo, empecé un reto. Luego de leer un artículo sobre una mujer quien por un año había dejado de comprar y acumular objetos innecesarios, pensé que era una buena oportunidad para intentar algo similar. Lo que no me esperaba era que arrancar el año así sería el inicio de una serie de desafíos consecutivos.

Con cómplices o sola, casi cada mes, además de alejarme de las tiendas, como inicialmente me propuse, poco a poco se fueron incorporando otros desafíos: ver un video de YouTube al día, olvidarme de vestir informal, agradecer tres cosas diariamente… cada 30 días fui aprendiendo nuevas lecciones o refrescando otras ya olvidadas.

nos gusta o no. Además, es estimulante. Nos mantenemos alerta, observando, enfocados en nuestras pequeñas victorias diarias. También he aprendido el valor del balance. Por ejemplo, me propuse tener un año sin compras, pero luego de varios meses, sucumbí -solo un poco- pero sucumbí. Y a pesar de que no logré el reto al pie de la letra, tengo que darme algo de mérito y reconocer que hoy día pienso y respiro profundo antes de comprarme algo. Es decir, aprecio lo que he hecho bien, no me martirizo por aquellas cosas que no salieron como planeaba, y trato de retomar el camino trazado. Algo más que he disfrutado de estos micro desafíos es cuando otros me han acompañado; estas han sido oportunidades para conocerles mejor y formas lazos que no existían antes. Quienes nos rodean y cómo nos apoyan pueden hacer una gran diferencia en nuestras decisiones, por muy descabelladas que parezcan.

COLUMNA

Y luego de varios retos autoimpuestos, se me presentó uno propuesto por alguien más. Mi doctora recientemente me replanteó mi estilo de vida. Ahí estaba yo, en su consultorio, mirándola con cara de: “eso es imposible”. Pero su entusiasmo me convenció, decidí intentar lo Creo que lo más gratificante de retarse a que con tanta convicción me sugería. Acepté este reto inesperado y hasta ahora parezco ir uno mismo es que, a través de esta dinámica, nos recordamos el valor que merecemos. por buen camino. A menudo nos enfocamos tanto en quedar Alguna vez he escuchado que solo se ne- bien con los demás, que perdemos de vista cesitan 21 días para crear un hábito, y gracias nuestro propio bienestar. Proponernos un reto a estos desafíos, creo haberlo constatado. y cumplirlo es mantener nuestra palabra de Desde controlar los impulsos, hasta ser más honor hacia nosotros mismos. agradecida, este año ha habido aspectos de Saber que uno hace algo por y para uno; mi personalidad que se han ido atenuando, mientras que he ido desarrollando nuevas y que si no cumples lo que te propones, solo características, con la agradable sorpresa que te quedas mal a ti mismo, nos empodera a ser disciplinado puede también ser divertido. través de la responsabilidad y el compromiso propio. Afinamos nuestra capacidad de ver la De estas experiencias, rescato la satisfacción oportunidad en aquello que nos asusta, de lo de intentar aquello que nos saca de la zona de que no nos creemos capaces. Vencemos nuestro confort. Este es un primer gran paso. Demuestra miedo para intentar algo nuevo, mientras nos nuestra apertura a descubrir y vivir cosas nuevas. atrevemos a descubrir todo lo que podemos Solo así podemos decir con propiedad si algo conquistar.

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La fuerza de una mente creativa. por GEORGE FOSTER.

14 Si vives lo suficiente te darás cuenta que la vida Confiar en la intuición. Algunos lo interse reduce a un número de opciones. Para las pretan como conjeturas esporádicas, ellos, en personas creativas, la elección es incómoda cambio, una fuerza que guía cada decisión. y consiste en la búsqueda del trabajo de sus Confían en sus instintos. sueños, quizás, la opción más impopular. Cometer errores. No es ningún secreto que la vida del creativo está plagada de erroLos creativos no lo niegan. Han elegido ir res. Pueden cometer cientos en un día, pero contra la corriente, muchas veces desaprobados cuando una cosa falla, algo más nace. Los por la sociedad e incluso forzados a la miseria creativos han aprendido a convertir sus errores y soledad. Y a diferencia de sus coetáneos, sus en oportunidades. elecciones les han permitido cierta libertad, por supuesto, contenida.

COLUMNA

Cuestionar las reglas. ¿Por qué aceptar las cosas al pie de la letra cuando todo tiene Repasamos algunas de sus virtudes, a veces más de una cara? Ellos se atreven a mirar más confundidas como debilidades. allá, y, a reflexionar sobre la naturaleza de cada una de las cosas que el resto de personas Aburrirse fácilmente. No es que los creativos suele aceptar. no puedan mantener un trabajo, pero prefieren experimentar el miedo y la anticipación de Trabajo y vida. Evidentemente necesitan un 100 nuevos proyectos que el dolor de una trabajo para vivir pero ningún creativo aceptaría carrera sin desafíos. un trabajo por el que no sienta pasión. Para ellos, trabajo y vida no pueden estar separados. Mentes ocupadas. Al explorar distintos campos es menos probable que se queden Dicho todo esto, son los creativos los que se atrapados en uno solo. Lo que otros ven como atreven a cuestionar los preceptos establecidos una incapacidad para enfocarse, los creativos y concebir nuevos planteamientos, los que se lo ven como una habilidad para entretenerse atreven a generar nuevas ideas y llevarlas a en múltiples intereses, dispuestos a explorar cabo, son ellos los que contribuyen, de una nuevas ideas y culturas. manera u otra, a impulsar la innovación.

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TAG HEVER

COLUMNA

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s h o r t

C U T S

cine

OHAYO. Un pequeño acto de rebeldía revela todo un tejido de historias y equívocos en una comunidad rural japonesa. Minaru e Isamu son dos hermanos que pactan guardar silencio a cambio de que su padre les compre un televisor para seguir el campeonato de sumo.

Tampoco creen que se pierdan de mucho cuando sospechan que el mundo de los adultos se sostiene de actos vacíos, donde solo intercambian falsas cortesías y en donde las personas son incapaces de decir lo que sienten. Ozu en techicolor nos envuelve en un mundo finito y rico de sentidos. De una nostalgia que siempre, no importa el enganche del espectador, te invita a volver.

S H O RT C U T S | CINE

por FRANCIA HERRERA.

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libros Fornasetti. Designer of Dreams. (1998) PATRICK MAURIÉS

Piero Fornasetti, un genio del diseño cuyo estilo propio basado en la ilusión, la arquitectura y los recuerdos de su vida dieron como resultado un rango amplio y variado de objetos. Hoy día, parecen más contemporáneos que nunca.

Iris Apfel: Accidental Icon (2018) IRIS APFEL

Un libro que es inspiración y creatividad pura. Iris nos cuenta a través de sus anécdotas y observaciones su vida y estilo personal. Escrito con autenticidad e irreverencia, narra cómo una mujer a sus noventa y seis años es, hoy en día, un ícono de la moda.

RIZZOLI

Muji.(2010) La marca sin marca, como lo dice su nombre japonés “mujirushi”, nos provee en su 30º aniversario una monografía que nos invita a conocer en detalle una de las compañías más influyentes en el mundo del diseño sostenible de productos.

Eero Saarinen. Furniture for everyman. (2012) BRIAN LUTZ

Famoso por sus audaces esculturas y obras arquitectónicas, Saarinen es uno de los más prolíficos arquitectos y diseñadores del siglo XX. Este libro es una comprensiva y amplia guía del diseño de mobiliario y el legado de uno de los maestros de la modernidad.

CATHERINE INCE

L I B RO S

por JUAN CAMILO SÁNCHEZ.

Este libro traza la historia de una de las parejas más importantes del mundo del diseño del siglo XX. Nos adentramos en el universo inspirador y prolífico de los Eames. Un vistazo no solo del mundo profesional sino también de su vida personal.

S H O RT C U T S

The World of Charles and Ray Eames. (2016)

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música

ROSALÍA. Barcelona. 25 años y un par de siglos de vida. El enfrentarse al cante flamenco debe ser algo parecido a abrirte el alma en canal. Esa es la sensación que se te queda después de escuchar a Rosalía y su personal manera de honrar a este brillante género. En Los Ángeles (2017), su único disco hasta la fecha, demuestra una madurez maternal, un legado bien aprendido y ganas de reivindicar nuevas maneras en un viaje a lo largo de las formas más tradicionales del flamenco.

Recién nominada a los Latin Grammys en la categoría de Mejor Nuevo Artista, su disco esconde canciones enormes como De Plata, Te Venero, Que Se Muere Que Se Muere y Por Mi Puerto No La Pasen, además de sorprender con un tema en inglés, un cover de la famosísima "I See A Darkness" de Bonnie "Prince" Billy. En definitiva, pureza y raza para todos los públicos con la imagen perfecta para comerse el mundo.

S H O RT C U T S | MÚSICA

por PABLO SCANDELLA.

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arte

TITUS KAPHAR. 19

Titus Kaphar (1976 Michigan, Estados Unidos) es un artista fascinado por la historia. Específicamente, por aquella que ha sido registrada, escrita, distorsionada, y aceptada. Sin embargo, su aproximación nace del escepticismo y persigue la premisa de volver a escribirla. En sus obras, Kaphar reconstruye esta historia borrando el canon con el que fue concebida. Esculpe, pinta, borra, corta o dibuja encima de reproducciones de cuadros clásicos o de esculturas, apropiándose de esas imágenes que conocíamos y dotándolas de una nueva interpretación. Y en este proceso, también experimenta con nuevos soportes.

Fotografía cortesía MOMA.

S H O RT C U T S

Por tanto, en sus piezas Kaphar consigue desligarse de las viejas y ancladas verdades que suelen habitar nuestro subconsciente imaginario y, ofrecernos nuevas versiones sobre estas verdades históricas. En cierta medida, su trabajo tiene un aire de revancha o revisión histórica, y en estos momentos, especialmente en Estados Unidos, supone una lucha iconográfica por la memoria afroamericana.

| A RT E

por EHRIOR SANABRIA.

A RT E

Lukasz Michalak. Floating in John's Universe.

Durante cuatro años y de manera intermitente, el fotógrafo Lukasz Michalak (Varsovia, 1978), trabajó como asistente personal de John Evans, pionero en la lucha por los derechos de las personas con discapacidad en Reino Unido. por EHRIOR SANABRIA.

El resultado de esa relación laboral y de amistad es Floating in John's Universe, un trabajo que estuvo expuesto en el centro de arte de Madrid, CentroCentro, como parte de un ciclo destinado a autores noveles. Según afirma Michalak, “este proyecto es un intento de escritura, siempre fallida, siempre subjetiva, sobre un universo que constantemente se me escapa”.

A RT E

Fotografías de la serie Floating in John's Universe, cortesía de Centro Centro.

encontramos un relato sobre la emigración y los trabajadores, y en definitiva, sobre los derechos humanos y la libertad. En un plano compositivo, este trabajo ha supuesto el desafío de encontrar en ese mundo interior y habitado la mirada oportuna para descifrarlo, “en aquella casa de Grange Road donde vive John, los movimientos de sus asistentes son medidos por los ángulos de visión que ponen en relación cuerpos y espacio para alcanzar una simbiosis parecida a un baile, comunicar necesidades sin palabras”.

La aproximación de Michalak a través de la fotografía consiste en una tentativa de retratar el universo de aquellas personas que cuidan o asisten a personas con distintas discapacidades. Relaciones basadas en el Tras vivir en Varsovia y Nueva York Michalak más intenso sentido de intimidad, y en las que subyacen conceptos como el cuerpo llegó a España donde estudió Humanidades, humano, la enfermedad, el envejecimiento, la y más tarde fue becado por distintas escuelas dependencia o el miedo. En estas fotografías de fotografía, como EFTI y Blank Paper.

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moda

S H O RT C U T S

MODA & ESTILO

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estilo & Gabbana, Alice+Olivia, Moschino, Balmain, Chanel, Mary Katrantzou, Missoni, Sonia Rykiel, Valentino entre muchas otras. Entre los ejemplos más destacados de este abanico de colores lo encontramos este mismo año en la gala anual del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (MET). En ella, la actriz, escritora, productora y activista de la comunidad LGTBQ, Lena Waithe, y en colaboración con el nuevo director creativo de Carolina Herrera, vistió un look que incluyó los colores: un esmoquin negro acompañado de una capa gigante con la icónica bandera del arcoíris.

SEIS COLORES PARA LUCHAR CONTRA LA DISCRIMINACIÓN.

Aunque algunos afirman que esta tendencia del arcoíris nos conecta con nuestra infancia, la mayoría ha visto en ella un manifiesto a favor de la comunidad LGBT, con especial atención a aquellas perso-

nas que a lo largo de su vida han sufrido distintos ataques por su condición sexual. Una de las primeras marcas que levantó su voz con esta propuesta de colores fue la reconocida casa británica Burberry a través de su director creativo, Christopher Bailey, quien usó el emblemático estampado del arcoíris como motivo principal para su colección final que presentó en la Semana de la London Fashion Week. “Mi última colección en esta firma está dirigida a apoyar a la juventud del mundo. Nunca ha habido un momento más importante para decir que en nuestra diversidad reina nuestra fuerza y nuestra creatividad”, fueron las palabras de Bailey difundidas en un comunicado.

“NUNCA HA HABIDO UN MOMENTO MÁS IMPORTANTE PARA DECIR QUE EN NUESTRA DIVERSIDAD REINA NUESTRA FUERZA Y NUESTRA CREATIVIDAD.”

| MODA & ESTILO

por MICHAEL PRINCE BENT.

Fotografías cortesía de Michael Prince Bent.

S H O RT C U T S

Las rayas y los acentos del arcoíris se vieron de pies a cabeza en su colección. Desde la mítica bufanda hasta abrigos, zapatillas de deporte y todas las piezas que podamos imaginar. Pero Burberry no es la única, y a esta tendencia se han sumado otras firmas. Una de ellas fue Carolina Herrera con su colección primavera-verano 2018 confirmando así que los seis colores tienen todavía mucho recorrido. Han sido muchas las firmas que han continuado con esta tendencia, como es el caso de Dolce

Las grandes casas de moda han abrazo el arcoíris como un símbolo para protestar contra la discriminación.

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MÚSICA

Industria de la música. En Panamá comienzan a darse las condiciones para una mejor articulación como mercado del sector de las industrias creativas, lo que permitirá al país evolucionarhaciaunnuevonivel. por ESTHER PANG.

Fuente y fotografías cortesía de Fundación Ciudad del Saber.

MÚSICA |

La industria musical es un sector que ofrece productos y servicios consumidos masivamente por nuestra población, genera empleos, oportunidades, cambio social, y es fuente de orgullo y prestigio internacional para el país. Sin embargo, para poder desarrollar su potencial en la economía, la industria musical requiere de un marco estratégico y una institución responsable en el gobierno.

TRAMA

Un reto para la consolidación de un verdadero mercado para la música en Panamá es la poca integración del sector a lo interno y de una visión global como industria. El sector cuenta con varias asociaciones de artistas y tres importantes entidades de gestión colectiva de derechos de autor y conexos. Sin embargo, es clave que todos los actores del sector musical participen de sus asociaciones y creen otras, de forma que sean capaces de generar mayor integración, estrategias con objetivos comunes, cabildeo y movilización de recursos.

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Otro reto de la industria musical es el escaso nivel de conocimiento de cómo funcionan los mercados por parte de la mayor parte de los músicos, promotores y gestores, así como dificultades para su profesionalización, ya que, al no contar con fuentes de ingreso aceptables dentro del sector musical, dependen a menudo de trabajos en otros sectores, y cuentan con pocas oportunidades de capacitación y actualización de conocimientos sobre su propia industria. Todas esas razones llevaron a la Fundación Ciudad del Saber a organizar TRAMA, un encuentro para los amantes de la música -a nivel profesional y personal, e incluyendo al público general- con el objetivo de generar nuevas alianzas creativas, profesionales, gremiales y de negocios.

“lo importante es que las industrias naranja avancen en crear agendas y redes de colaboración…”

La ocasión fue propicia para demostrar el talento existente en el país. Por eso, TRAMA: Industria de la Música presentó en el Ateneo de Ciudad del Saber una selección de 12 artistas y grupos musicales, de diversos géneros, seleccionados mediante una convocatoria pública a la que se recibieron 85 propuestas.

Posteriormente, Danilo Pérez y Patricia Vlieg dieron inicio oficial al tan esperado encuentro de la industria de la música, una jornada de tres días y cuatro noches que fue cuidadosamente planeada para abarcar una diversidad de temas relacionados a este sector, por medio de talleres, conversatorios y clases magistrales.

A través de sus presentaciones, o showcases, TRAMA favoreció la visibilidad y la promoción de las bandas y artistas elegidos: Joshue Ashby & C3 Project, Iván Barrios, Afrodisíaco, Carlos Méndez, Pepe Bahía,The Beachers, Séptima Raíz y Luci & The Soul Brokers, Entre Nos, Kenny y Kiara, MecániK InformaL y Señor Loop.

El preámbulo al evento fue un conversatorio con Rubén Blades, celebrado en el Ateneo de Ciudad del Saber, en el que el artista habló sobre sus procesos de creación y de producción discográfica a lo largo de su carrera musical, entrevistado por los músicos panameños Billy Herron (The Beachers) y Tatiana Ríos (Afrodisíaco).

MÚSICA | TRAMA

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MÚSICA

TRAMA

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En palabras de Walo Araújo, Vicepresidente de Comunicaciones de la Fundación Ciudad del Saber “lo importante es que las industrias naranja avancen en crear agendas y redes de colaboración, y encontrar un lenguaje común en el que podamos entendernos empresarios, creadores, gestores culturales, el sector no lucrativo y los servidores públicos. De ahí la relevancia del papel que juega Ciudad del Saber como punto de encuentro de los diferentes sectores, pero también del Banco Interamericano de Desarrollo (BID), que es para nosotros el principal aliado estratégico en el impulso a las industrias creativas. Cuando nos propusimos organizar este evento, buscamos dentro de la escena musical a quiénes podrían ser nuestros aliados y asesores para guiarnos en una iniciativa como esta".

| TRAMA

Araújo se refiere a Yigo Sugasti de Fundación Tocando Madera; Billy Herron de Folk Lab Studio y Fundación Danilo Pérez; Tatiana Ríos de Fundación Afrodisíaco; Ricky Ramírez de Estudio Contraxeñas y Sociedad Panameña de Productores Fonográficos; y Alex Quezada de la plataforma de eventos Show Our Show, quienes con el apoyo del Banco Interamericano de Desarrollo (BID) y la colaboración de la Fundación Danilo Pérez, el Festival Internacional de Cine de Panamá (IFF) y el Centro Cultural del España, lograron marcar con TRAMA un hito en la historia de la industria musical en Panamá.

MÚSICA

Por suerte encontramos a cuatro músicos y a un emprendedor, todos gestores y activistas, con un perfil que les permitió aportar su conocimiento de la industria y sus redes de contactos para poder movilizar a tanta gente de Panamá y de los ocho países que nos acompañaron durante TRAMA.

"Trama se gestó con el objetivo de generar nuevas alianzas creativas, profesionales, gremiales y de negocios para la industria musical".

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DISEÑO

El universo Vitra en 959 palabras. El fabricante suizo de diseño de mobiliario hace tiempo que transcendió su naturaleza de productor de muebles para convertirse en un ente que nos invitaareplantearnoslafunción y los límites del diseño y la arquitectura. por EHRIOR SANABRIA. Fotografías cortesía de Vitra.

Todo empezó con un paseo en taxi por las calles de Nueva York. En 1957 Willi y Erika Fehlbaum, fundadores de Vitra, conocieron a Charles y Ray Eames (mítico matrimonio de diseñadores estadounidense), y la historia del diseño cambió para siempre. Un encuentro fortuito condicionó el futuro de Vitra al despertar en Willi la fascinación por la obra de los Eames.

Con el matrimonio Eames comienza una era creativa e innovadora. Willi adquiere los derechos de producción para Europa de las piezas diseñadas por este matrimonio (en posesión de Herman Miller en Estados Unido), lo que posteriormente significó la llegada de otros grandes nombres del diseño como George Nelson, Isamu Nouguchi, Alexander Girard y muchos otros.

Hasta ese instante, todo parecía indicar que Vitra sería una pequeña tienda familiar de mobiliario, localizada en la ciudad alemana de Weil am Rhein, justo en la frontera entre Francia, Alemania y Suiza. Una localidad pequeña, tranquila y pastoral, bañada por el rio Rin, y que se convertiría en uno de los mayores epicentros de diseño del mundo.

Pero la relación que establecieron con los Eames fue muy estrecha en el plano creativo y técnico. Hay que recordar que Charles and Ray dominaron muchos materiales y procesos, como el plywood (madera contrachapada), fibra de vidrio, o aluminio, entre otros, por lo que tienen obras importantes en cada época con características diferentes y al mismo tiempo, semejantes.

Aquel paseo en taxi hizo que Fehlbaum, de casualidad, viera en un escaparate la silla Plywood de Eames. A partir de ahí su joven empresa de mobiliario trazaría una de las alianzas más fructíferas que la historia del diseño ha vivido.

DISEÑO | UNIVERSO VITRA

Charles & Ray Eames.

Eames Plastic Armchair.

Colección delante del Museo de Diseño Vitra.

La filosofía de Vitra se ha mantenido desde entonces, más de 50 años, inalterable, irreductible y fiel a sí misma. Una filosofía que podríamos reducir de la siguiente manera: muebles funcionales y sencillos con un cuidado diseño y una gran durabilidad En aquella época, la Segunda Guerra gracias al uso de materiales sostenibles de Mundial había quedado atrás, sin embargo primera calidad. Europa todavía estaba castigada y desnutriUna de las particularidades de Vitra es su da, y necesitaba reestructurar sus empresas, volver a cultivar las economías de consumo. método de trabajo pues no contrata a diseLa posguerra fue la época en la que nació ñadores permanentemente, sino que los inel mueble desmontable, que además de vita a crear y desarrollar piezas de mobiliario. práctico y fácil de almacenar, resultaba más La mayoría son piezas distribuidas alrededor barato. Bajo este contexto, nació Vitra, una del mundo y muchas de ellas, iconos absoluempresa que originalmente se dedicaba a tos del diseño reconocidos a nivel mundial. la fabricación de escaparates y vitrinas de Dentro de sus colaboradores, encontramos tiendas, de ahí su nombre, y que antes de nombres tan influyentes como Jean Prouvé, toparse con el diseño de los Eames ya expe- Verner Panton, Frank Gehry, Istmo Noguchi entre muchos otros. rimentaba un proceso de búsqueda.

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DISEÃ&#x2018;O

UNIVERSO VITRA

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30 EL CAMPUS, UNA ODA AL DISEÑO Y LA ARQUITECTURA. La dimensión del fabricante suizo de muebles industriales va más allá, al desafiar los límites de la producción y exhibición de mobiliario con un parque arquitectónico ubicado en su Campus, pues alberga una singular y heterogénea colección de edificios ideados por los más prestigiosos arquitectos de cada época. DISEÑO | UNIVERSO VITRA

En 1981 un devastador incendio, en el Campus de Vitra, destruyó gran parte de los edificios construidos en los años 50 destinados a la producción de muebles. Sin embargo, este fuego tuvo un efecto catalizador y logró que la reconstrucción del mismo fuera incluso más ambiciosa. En 1989 Rolph Fehlbaum (hijo de los fundadores) encargó a Frank Gery la construcción de un edificio, el primero que el arquitecto estadounidense construyó en Europa, comenzando de esta manera el parque arquitectónico.

A lo largo del Campus, el particular instinto de Rolph queda patente en cada detalle. Durante la época en que Vitra asumió su papel creativo, Rolph viajó con su padre facilitándole la comunicación como traductor. Por esta razón, aquel joven, hoy presidente de Vitra, no solo logró conocer de primera mano el universo del diseño y la arquitectura, y por tanto continuar con el legado de sus padres sino que además ha cultivado una virtud como coleccionista muy personal. La visión de Rolph sobre el diseño y arquitectura es sumamente particular, pareciera que goza de una intuición casi científica pues cabe destacar que seleccionó grandes nombres de la arquitectura, cuando todavía eran desconocidos, para construir sus primeras obras en este Campus, como es el caso de Zaha Hadid. La arquitecta iraquí logró concebir y materializar su primera obra en este lugar en 1993, una estación de bomberos. Hasta la fecha, en el Campus de Vitra hay obras de cinco estudios que albergan el prestigioso premios Priztker.

En el recorrido por las instalaciones podemos ver una estación de servicio de Prouvé, un módulo de fabricación de Álvaro Siza con un techo que sube o baja en función de la lluvia, un edificio de manufacturación con un un enorme redondel de 20.000 metros cuadrados del estudio de arquitectura japonés SANAA, así como obras de Herzog & de Meuron, Tadao Ando, entre otros obras de grandes arquitectos. Este parque arquitectónico subraya el rol que Vitra ha adquirido, pues hace tiempo que transcendió la naturaleza de gigante productor de mobiliario para convertirse en un ente donde converge y se crea diseño y arquitectura, y también, se enseña, reflexiona y difunde sobre estas industrias creativas.

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El diseño como dominio público. Al diseño industrial de Panamá le hacía falta algo más que una vitrinacuidadosamenteiluminada. Expo Modii busca convertirse en esa ágora comercial en donde marcas y consumidores discutan sobre relevancia, sostenibilidad y ¿buenos precios?.

por LUIS GUILLERMO MARTÍNEZ.

En muchos lados el reto de los diseñadores pareciera que fuera diseñar lugares de trabajo en los que provoca quedarse a vivir y construir casas o apartamentos en los que provoca trabajar. Sería muy fácil decir que se trata de un síntoma progre-hipster-millenial, o que el relevo que nos sucede está conformado por personas lastimeras e incomprendidas. Pero la realidad está en que se trata de una práctica asumida en los últimos años por diseñadores, arquitectos, ingenieros y afines, luego de heredar metrópolis diseñadas a lo largo del tiempo con todos los ingredientes predilectos para el desmadre. DISEÑO | EXPO MODII

Como este, los escenarios y contextos en los que se encuentra el Diseño (industrial, arquitectónico, urbanístico) están repletos de diatribas que van desde la irrupción neo-estilística, hasta el desarrollo sostenido, aunque incipiente. Y en medio de todos los retos del gremio estilizado de la construcción en Panamá, aparece en el escenario Marianela Salazar y su equipo de producción, quienes están empujando EXPO MODII, la

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primera Feria comercial y de exhibición de Diseño en el país en la que integran mobiliario, objetos, iluminación, innovación, de la mano de proveedores nacionales e internacionales que más nombre hacen en el país. Todo a la par de una serie de conferencias dictadas por grandes de la cátedra, a lo largo de áreas de exhibición y pabellones “con ofertas estimulantes” y la presencia de marcas y talentos, ruedas de negocios y networking, lanzamientos de productos relacionados a la industria del diseño, food hall y un warehouse para, posiblemente, regatear bonituras.

y Duplo, quienes son uno de los principales fuertes que tiene Expo Modii y que agregan, en palabras de Marianela Salazar, una propuesta de valor como eje principal dentro de la exposición.

| EXPO MODII

Y como él otra pléyade de maestros que formaron parte de los “MODII Workshops”, provenientes de países como Italia y España, quienes conversaron sobre temas como el ahorro de energía eléctrica, innovación, y la arquitectura entre el arte y la naturaleza,

DISEÑO

Loas y alabanzas a la trayectoria de todos los expositores, pero los focos de los más especializados apuntaron al egipcio Karim Rashid, cuya trayectoria valió la atención de la Revista Times, quien lo bautizó como el “Rey del Plástico” y “El diseñador industrial más famoso de todas Las Américas”, en distintas ocasiones. Oriundo del Cairo, Egipto, y residenciado en Canadá, el célebre diseñador llega a Panamá con la intención de establecer una dinámica con los aficionados de la vertiente industrial y los estudiantes de Panamá, quienes participaron de un taller y momentos de intercambio más personal.

más productivos, que nuestras vidas tengan mayor dignidad y calidad. Realmente queremos apostar a que EXPO MODII sea una plataforma de diálogo para profundizar mucho más sobre el diseño, donde podamos irlo integrando en nuestras vidas. De la misma forma que también tengamos un consumidor mucho más informado, y empecemos a exigir mejores entregas de proyectos y ha“Hemos querido profundizar el tema de gamos compras inteligentes”. la responsabilidad social que este proyecto Pero, ¿cómo sostener un proyecto que persigue de sentar las bases para que jóvenes promesas de nuestro país encuentren se mantenga en el tiempo y trascienda las la inspiración y estímulo que necesitan en fronteras?. Pese a que no estuvo en las maesta feria, con el fin de ir especializándose nos de Marianela Salazar o del Grupo MOen sus carreras. Además de ser una platafor- DII, los precedentes que se quedaron sin ma comercial, representa una base de em- proyección temporal están en la memoria poderamiento para estudiantes de carreras reciente de quienes anhelaban un sistema de diseño industrial, arquitectura y afines”, sostenible de discusión, de exposición, o tan solo de reunión. “Nuestra visión no soagrega Marianela. lamente está en convertirnos en esa plataLa democratización del diseño es otro forma de referencia local, sino poder ir cretema presente, de manera tanto explícita ciendo para llegar a ser una ventana para la como tácita, dentro de esta plataforma cele- región. Así como los representantes de las brada en Atlapa, que busca hacer del diseño marcas que están en Panamá, que viajan año mismo un tema de dominio público. Desde tras año a las ferias y bienales en Europa, en su presentación al público, los organizado- Estados Unidos, lo que buscamos es poder reres la promueven con la frase “Te ahorramos presentar esa misma propuesta desde nuestro tiempo y dinero”, pero Marielena Salazar es- país y servir de base de oportunidades para cudriña por teléfono un poco más al respec- las marcas locales que aún no han logrado to y asegura que buscan romper con “ese conquistar el mercado regional. Sabemos que mito de que el diseño es lujo”: “Lo hay en esta base va a ayudar a empujar y promover a todas las clases, niveles y categorías. El dise- que la industria pueda activarse y permear de ño es algo que coexiste en nuestras vidas, una manera muy impactante en el criterio del ya que su idea elemental es que podamos diseño en Panamá”. tener más eficiencia, que nos permita ser

“Cuando empezamos entre amigos a pensar y compartir ideas”, relata Marianela, egresada del mundo de las finanzas y especializada en gerencia de proyectos, “veíamos que había una oferta de ferias muy pobre. Tal vez unas dos o tres relevantes al año, pero sin duda no estaban dedicadas al tema de acabado y equipamiento de espacios. Los antecedentes, que fueron logrados con gran esfuerzo y de manera impecable, lastimosamente no pudieron continuar”, recuerda la directora de este proyecto, al otro entre otros. También destaca el retorno a casa del panameño George Foster, diseñalado del teléfono. dor de interiores internacional, radicado en En medio de la sana lucha por la relevan- Dubai y con proyectos expuestos en Nuecia que brindó este cónclave de expertos, va York y Los Ángeles. También conocido aficionados, consumidores y estudiantes del como Mr. G, quien aportó su conocimiento diseño, se encuentran la trinidad de firmas de la cultura del diseño como una tendencia de arquitectura de Panamá: Mallol, Ventura global, como parte de las conferencias.

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NEGOCIOS CON ESTILO

Ignacio Mallol, o cómo impulsar la arquitectura.

El rostro posmoderno que ha ido adoptando Panamá con los años podría decirse que viene diseñado con un mismo nombre y un mismo apellido. Pero para conocerlahistoriadelarquitecto que le sigue poniendo el traje de relevancia a estas calles y provincias toca subir tres peldaños generacionales. por LUIS GUILLERMO MARTÍNEZ.

Fotografías cortesía de Mallol Arquitectos y Fernando Alda.

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Ignacio Mallol.

Conferencia Episcopal, 2011.

Mallol Design House, (MDH), 2017.

Casa Barria, 1990.

Le Cube, 1979.

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La expansión del imperio Mallol pudo haberse visto truncada por la desafortunada visita al río que Ignasi Mallol i Casanovas hizo para tomar agua. Todos los esfuerzos de este artista tarraconense para escapar, en 1939, de la Cataluña azotada por el férreo brazo del franquismo español, quedaron a merced de otra fortuna oscura que acabó con su vida en Latinoamérica. Don Ignasi, junto a su hijo Ignacio Mallol Pibernat, apenas tenía seis meses de haber abandonado sin remedio una carrera de lauros y sustos en Cataluña cuando, anclado en Bogotá, una ameba alojada en su cuerpo se encargó del destino de este pintor impresionista. Mallol Pibernat quedó sin padre a los 17 pero aun así pudo educarse en la capital colombiana. Su trabajo en las imprentas rotativas le permitieron venir a Panamá a instalar algunas máquinas para el diario La Estrella de Panamá y, con esto, continuar con su vida y extenso legado en el istmo. El arte todavía se mantenía como el gen residente en este apellido, y su prole, Ignacio Malllol Tamayo, el primer panameño de esta casta, sería el encargado de cambiar por completo los cimientos de la arquitectura en Panamá.

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Esta historia se mantuvo a punta de hitos del diseño y arquitectura, hasta que el cuarto miembro de esta estirpe de éxitos, y nombres y apellidos repetidos, entró en el juego para inyectar de mayor relevancia a la historia urbanística de Panamá. Ignacio Mallol Azcárraga llegó a la firma de su padre en 2004 cuando tenía 21 años de edad, a uno solo de graduarse en la Escuela de Arquitectura y Diseño Isthmus de Panamá, en un momento de ebullición urbanística y arquitectónica con la ingente entrada de capital canalero y la llegada de venezolanos, colombianos y tantos otros expatriados, ansiosos de nuevos horizontes y ganas de dinamizar el juego por completo.

A finales de 1970 Mallol Tamayo montó en Panamá su propio taller de arquitectos en compañía de Erik Wolfschoon, para así emprender un camino repleto de manifiestos vanguardistas en una capital que tradicionalmente se urbanizó entre dos conceptos: el status quo y el caos. Ellos se mantuvieron con el fundamento de crear una firma “que se dedicara a diseñar, como objetivo único”, tal como destacan las palabras de Mallol Tamayo en una publicación de 1986; y así crearon decenas de obras influyentes como el Banco General de Paitilla (1983), Casa Llopis (1983) y la Casa Barría, en La Alameda (1986).

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Desde entonces, la combustión de Mallol Azcárraga no ha parado, poniendo su rúbrica en decenas y decenas de proyectos de impacto en Panamá y Latinoamérica, al punto de encender alarmas en Milán en 2013, cuando la revista CASABELLA decidió incluirlo en la edición 85 aniversario de “Arquitectos con menos de 30 años”. Gracias al diseño que hizo para la sede de la Conferencia Episcopal de Panamá (2011), la publicación lo sumó en el grupo selecto de arquitectos “que ofrecían un entendimiento de cómo la práctica de la arquitectura estaba evolucionando en nuestros tiempos”.

Ahora co-dirige Mallol Arquitectos, firma edificada por su propio apellido y de la que asume cada vez más las riendas, desplegando un mapa de expansión con muchos Nortes, tanto lejanos como internos a estas fronteras. Su agenda parece no conceder descansos. Su oficina está en el cuarto piso de un edificio que él mismo diseñó y que otrora fue un hotel boutique en plena calle Uruguay. Desde la entrada te recibe un amable servicio cuasi-hotelero a un lado de un pulido auto Excálibur, negro, de los años treintas, con motor (funcional) Mercedes Benz estacionado dentro del lobby impoluto. En los pisos subsiguientes trabajan unas 250 personas, posiblemente de al menos cinco continentes, encargados de los cientos de proyectos que empuja esta firma en la América dividida y España. Acceso a piscina, sala de ping-pong, áreas verdes internas, biblioteca especializada, lounge de esparcimiento; computadoras, planos y maquetas a granel. Y aún así, el cerebro detrás de estos cambios, no escapa de que a intramuros prefieran llamarle Nacho.

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Al fondo de su despacho Nacho Mallol Azcárraga está rodeado de un puñado de colegas. La conversación es inaudible, posiblemente sea de un proyecto que busque impactar los próximos 200 años de la vida de millones de personas. Igual lo hablan con la misma relajación, complicidad y estilo con la que se habla del golf. Ya a un lado de su comitiva, se sienta en el comedor del despacho, abre un espacio en su agenda para un café y reflexiona del camino que le ha precedido, la expansión intercontinental de su firma, la ciudad caótica que espera que mejore con más gente (y menos carros), la disrupción de la tecnología en el urbanismo y sus modos de vida; y la gentrificación de esta ciudad que todavía no la ha sufrido del todo.

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¿Cómo imaginas a la Panamá del futuro?

Panamá debería convertirse en una de las tres ciudades metropolitanas más importantes de Latinoamérica. Siempre la he visto como un melting pot. Una ciudad construida por inmigrantes a lo largo de su historia, que permite generar un alto nivel de oportunidades. Debemos potenciar que eso se siga dando de manera sostenible. Hemos medido los países con indicadores de crecimiento económico. Pero las sociedades enfocadas en el crecimiento netamente económico se olvidan de lo importante: el crecimiento emocional. Vemos las grandes ciudades metropolitanas y ellas son ricas en cultura, arte, diseño. Tenemos factores envidiables que hay que potenciar como nuestra posición geográfica, la moneda, una estabilidad política con respecto a la región; para invertir con esto en educación, cultura, nuestra gente y nuestra capacidad de ser entes de transformación para ser un verdadero punto donde convergen las oportunidades.

Los temas urbanísticos son temas altamente complejos. Panamá es muy poco densa: el 95% de las construcciones de la ciudad son de 1 o 2 pisos. La ciudad no ha parado de crecer hacia el este y el oeste brutalmente. El problema es que se desplazan. Mientras más lejos vives, más necesitas el auto. No es la gente, sino el auto. Por otro lado, la profesión de la arquitectura y los edificios no han cambiado en los últimos 100 años. Lo único que ha cambiado es la manera en la que usamos los edificios. Ahora hay plataformas para que alguien que viva en este edificio le rente un espacio a otro desconocido; otra que permite que muchas personas trabajen en el mismo lugar para cosas totalmente distintas. La tecnología ha permitido que se den innovaciones, pero las ciudades no han cambiado. Hasta ahora es que estamos repensando en hacer las ciudades como eran antes del carro. Y es que los autos son muy buenos cuando no hay tantos. Hemos saturado las vías, alejado a las

Panamá tiene otra realidad que todavía no ha resuelto, que son los edificios ocupados a medias. ¿Cómo sería esa dinámica?

Y ojalá se llenaran. Mientras más gente, más oportunidades para todos: a los restaurantes les va mejor, a los negocios, y así. Nos va a costar mucho si no pensamos en la competitividad del país; me refiero a que mientras más gente venga, tenemos que ofrecer una experiencia diferente: riqueza cultural, exuberancia, turismo. Debemos ser ricos en la experiencia de ciudad. Pero para que existan grandes cambios en las ciudades se requiere más que nunca a personas en el gobierno con un nivel de visión a futuro importante. ¿Qué necesita Panamá? No es tan sofisticado: queremos aceras, árboles. Pero tienes que cambiar leyes, buscar comercios en las plantas bajas, proyectos para usar más la ciudad. Mira la Cinta Costera a las 7:00 p.m. Es el área más usada por los panameños y lo más importante es que ese un melting pot. Tú quieres que el ámbito público te genere integración. Y ese es el rol de ellos.

“Las sociedades enfocadas en el crecimiento netamente económico se olvidan de lo importante: el crecimiento emocional”. ES LM

Qué hay de la identidad visual, poco a poco reemplazada, y el de la gentrificación, ¿quiénes serán desplazados?

Mira esta anécdota: en Nueva York se hizo un proyecto hace unos 10 años llamado The Highline. Un parque público sobre las vías de un tren elevado que cruzaba una buena parte de la ciudad. No se usaba el tren y pensaron en tumbar los tracks, donde dormían indigentes para que se hicieran proyectos de vivienda.

Ahora mira el Casco Antiguo: está en una situación extremadamente delicada, en la línea del borde en la que o te mantienes como un lugar con gran identidad y crecimiento sostenido, progresando en el tiempo, o que se convierta en un lugar de turismo y más nada. ¿Cuántos cascos antiguos no existen a los que la gente va cegada como a una trampa de turistas? Eso (es lo que) pasa: cuando existe demasiado turismo, el local no quiere vivir, los precios suben y los vecinos no pueden pagarlos. Tienen que existir mecanismos que generen el balance dentro de cada uno de estos desarrollos para que los locales puedan seguir viviendo junto a vecinos nuevos y turistas. Las políticas públicas deben buscar un balance cada vez que inviertes. Todavía no hemos tenido lo que muchas grandes ciudades, el debate en Barcelona es que el centro no soporta más turismo. Creo que si hay algo bueno es que en el Casco Antiguo se están restaurando los edificios, manteniendo el perfil urbano que tenía, que forma parte de nuestra memoria colectiva y de lo que somos. Valoro lo que ha construido nuestra generación. Las cosas son así: es muy difícil ver a una generación viendo con buenos ojos lo que está haciendo el relevo. Las ciudades y sociedades van madurando poco a poco. Y nosotros somos un país y una ciudad joven desde ese punto de vista. Pero no se trata de copiar lo que existe, sino de hacer algo hoy que represente la contemporaneidad del momento, respetando lo pasado. Creo que vamos encaminados como sociedad a entender el valor del Casco Antiguo y cómo podemos hacer que eso suceda en otras áreas.

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Mencionaste melting pot y pensé en lo que muchos sienten: acá no cabe un rascacielos más u otro auto en el tranque. ¿Cómo construyes edificios y sociedades en base a los sentimientos de las personas, sus escalas y las nuevas interacciones?

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La comunidad se negó y logró que no se tumbara. El acuerdo fue hacer un parque lineal y caminar con otra experiencia de la ciudad. El proyecto es increíble: buscaba la remembranza de ese entendimiento de todo lo que creció de manera salvaje. El proyecto tenía a todos felices porque protegía a los vecinos y se convirtió en el más exitoso de Nueva York y del mundo en la última década. Todo concebido para evitar la gentrificación y las viviendas de las personas que ahí trabajaban. Pero fue tan exitoso, que generó la mayor gentrificación del área. Tuvo tanto impacto que ahora se venden las viviendas más costosas de NY.

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gentes de los centros de ciudades, con esa idea de que en los suburbios hay mejor calidad de vida. Pero creo que vamos a regresar a los centros de las ciudades. Mientras más cerca vive la gente, menos caos tiene.

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La arquitectura de un cuento de hadas.

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A RQ U I T ECT U RA

El tupido bosque sudafricano nos descubre una obra de ingenio arquitectónico donde la inocencia, el diseño y la construcción se funden en un sueño materializado. por IVÁN CRUZ PEGUERO.

Fotografías por MALAN VORSTER.

Hay un cierto encanto en los finales felices, sobre todo cuando preceden del inicio de una obra con “Érase una vez”. La vida adulta nos pretende alejar de la magia pero, ¿qué tal si en esta ocasión nos dejamos llevar por la curiosidad y el sentido de maravilla que acompañaba nuestra niñez? ¿Qué tal si encontramos la felicidad que anhelamos antes de llegar a un Fin?

Comencemos entonces desde el final.

A RQ U I T ECT U RA

El problema que nos atañe es que en comparación, los cuentos de hadas nos llevan a anhelar ese clímax como una conclusión pero, al visualizar una obra arquitectónica completa, ignoramos los detalles de su historia, sólo disfrutamos con asombro un producto final.

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LO S CA R P I N T E RO S

La aparente fragilidad y escasa privacidad es un fuerte indicador del deseo de integración del mundo exterior al interno. Su geometría está compuesta por una serie de volúmenes tipo torreones: una interpretación moderna de las residencias de estilo holandés que abundan en la Ciudad del Cabo. No obstante, al estudiar su distribución reluce que, al igual que tantas ideas brillantes, el principio que guía el diseño es extremadamente básico.

La moderna cabaña de cedro parece literalmente flotar entre los árboles. El efecto anterior se consigue gracias a pilares de acero que se alzan desde la tierra cual muletas y aspiran reproducir, desde su interpretación industrial, los árboles que abrazan la residencia. Una rampa angulada permite su acceso, potenciando aún más la sensación de estar caminando hacia un espacio etéreo. Entre los cuatro torreones cabe destacar el de mayor altura, única estructura completamente cerrada que contiene la escalera por la cual nos abrimos paso a tres niveles de madera, acero y vidrio con vistas panorámicas que culminan en un rooftop descubierto a la naturaleza. La planta baja reúne las estancias sociales y la cocina. La ausencia de lámparas decorativas favorece una iluminación discreta en base a rieles y spotlights de color negro. Estos últimos se confunden con las vigas de acero que se expanden bajo suelo y sobre techo simulando ramas: brazos artificiales de ingeniería metalúrgica que sirven de apoyo de carga y elemento decorativo expuesto.

"Este movimiento curvilíneo, acentuado por largos parales de cedro rojo, pretende emular el balanceo orgánico y la verticalidad del bosque circundante".

Érase una vez un joven que amaba los números. Había dedicado su vida, junto a su madre cocinera a levantar desde abajo la empresa de su familia. Su nombre era Graham Paarman y se afanaba hasta el cansancio por prestar sus habilidades y talentos a beneficio de la mente creativa y emprendedora de su madre Ina.

Los responsables de la galardonada obra residencial, la firma de Arquitectura e Interiores Malan Vorster, partieron de un simple cuadrado, mimetizando unos espejos de agua existentes que repiten la misma silueta y se encuentran en proximidad al proyecto. A partir de cada arista se dibujan arcos que La carencia de excesos responde al dealojan las áreas típicas de una vivienda tradicional, así como aportan suavidad y fluidez a seo de maximizar la importancia de un paisaje la severa estructura cúbica que le da origen. abundante en luz natural que se cuela entre ordenadas hileras de madera. Tomando esto Este movimiento curvilíneo, acentuado como referencia, el mobiliario se vuelve sobrio, por largos parales de cedro rojo pretende escaso en número pero abundante en neutraliemular el balanceo orgánico y verticalidad dad tonal. Todo esta amalgama de decisiones del bosque circundante. Adicional al uso de estéticas, incluyendo el piso de madera de haya madera, el equipo de diseño recurrió al acero europea Lithe de Hakwood, e incluso la cocina Corten, un material cuya composición produ- Sine Tempore de Valcucine, generan un estado ce una delgada lámina férrea de tonos cobri- de balance y provocan el deseo de estar aún zos que envejece y evoluciona con el tiempo. más pendiente de lo que sucede en el exterior.

El segundo nivel de la residencia contiene las áreas de descanso y aseo personal. Manteniendo la misma armonía visual, Versfeld Custom Furniture diseñó una cama a la medida en madera de haya sólida. Su respaldar revestido en cuero sirve de fondo para la delicada figura de la lámpara Lektor de Rubn para la casa Stilo Milano, cuya fabricación en acero negro y campana en bronce, repite de manera rítmica los componentes vistos de la estructura de la edificación.

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Hay edificios cuya intención se interpreta de inmediato, aún cuando su arquitectura nos eluda a primera instancia o para ser más francos, necesitemos revisarla desde todos los ángulos para comprender la maravilla de su ingeniería. La Casa del Árbol es uno de estos casos.

La familia tenía una inmensa propiedad rodeada de árboles, montañas, valles y viñedos en Ciudad del Cabo, Sudáfrica. Allí entre tanta naturaleza, experimentaban con nuevas recetas, con ideas para el futuro, con planes de llevar a los hogares del mundo el sabor de una comida hecha en casa. Lo hacían con amor.

Graham jamás imaginó que la realidad superaría sus sueños, y que su niño interno se encontraría disfrutando la Casa del Árbol más hermosa jamás construida.

A RQ U I T ECT U RA

Durante uno de sus paseos, Graham se encontró inspirado por cuatro estanques de agua que adornaban el espacio que anteriormente había sido ocupado por un campo de lavanda. Allí, prácticamente hipnotizado por la magia del reflejo líquido del cielo y el bosque imaginó por primera vez un pequeño refugio, una especie de capullo o burbuja personal entre el claro que descubrían las copas de los árboles.

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KARI 42 por ELEMENT.

FotografÃas por: Lupe de la Vallina. KNOWHOW | KARIM RASHID

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â&#x20AC;&#x153;Deseo ver a las personas liberarse de la nostalgia".

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44 Ataviado de un impoluto blanco prístino y con unas gafas difíciles de describir, Karim Rashid es una leyenda viva del diseño de producto. Durante los últimos 20 años, Rashid, de origen egipcio y criado en Inglaterra y Canadá, ha tratado de hacer del diseño un sujeto público, y parece que lo ha logrado.

KNOWHOW

Controvertido en más de una ocasión, su éxito no es cuestionable y se refleja en los más de 3000 proyectos ejecutados y más de 300 reconocimientos que ha recibido a nivel mundial. Recientemente, Rashid ha obtenido el premio Good Design gracias a su trabajo por el sofá Ottawa para la firma BoConcept, el premio global más antiguo y prestigioso para la innovación en el diseño.

| KARIM RASHID

En esta conversación Rashid comparte su filosofía, su manera de ver y entender el diseño encontrando en cada una de sus palabras una muestra de afecto y compromiso por esta disciplina.

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KNOWHOW

KARIM RASHID

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¿Qué deseas comunicar a través de tus diseños?

El diseño se trata de progreso, de avanzar, de desafiar y elevar el espíritu humano. Mi verdadero deseo es ver a las personas vivir en este tiempo, participar en este mundo contemporáneo y liberarse de la nostalgia, las tradiciones anticuadas, los viejos rituales y los paradigmas kitsch sin sentido. Deberíamos ser conscientes y estar en sintonía sensorial con este mundo en este momento. Todos nuestros objetos deberían hablar de eso. El diseño se trata de vivir en el presente, el estilo se trata de vivir en el pasado. El diseño da forma a nuestro futuro, por eso no me interesa el pasado ni en las personas interesadas en él. ¿Cómo interpretas tu rol de diseñador?

Me veo a mí mismo transformando las experiencias humanas e impulsando el avance de nuestro paisaje físico. El diseño consiste en trabajar con criterios contemporáneos para dar forma a nuestras futuras experiencias humanas. Por lo tanto, se trata de trabajar con la industria para crear calidad, mejorar y evolucionar.

KNOWHOW | KARIM RASHID

¿Qué haces para mantener o alimentar tu creatividad?

Me encanta nadar, cocinar y trabajar en mi salud mental y espiritual, voy a muchos museos y galerías, llenándome de creatividad en todos los niveles. Me encanta dibujar, pintar, escuchar música, acostarme junto a la piscina, dormir, soñar y pensar sobre el mundo, sobre el amor, sobre las personas, sobre la paz, sobre la belleza y sobre un lugar romántico, inspirador, seductor y energético al que llamamos Tierra.

¿Y en relación a un método más analítico?

Siempre estoy teniendo más ideas que las empresas podrían producir. Observo y analizo constantemente todo lo que me rodea en nuestros ambientes construidos. La mayoría de lo que está en el mercado está mal diseñado, es poco inspirador, anticuado, innecesario, obsoleto o simplemente no es relevante para este momento en el que vivimos, por eso realizo un constante análisis sobre las cosas que me rodean, para poder mejorarlas y lograr más diseño en lo cotidiano.

¿Cómo es tu proceso de trabajo?

Cada proyecto es diferente y, generalmente, el proceso de diseño también es diferente. Es mi diversidad la que me permite la polinización cruzada de ideas, materiales, comportamientos, estética y lenguaje de una tipología a la otra. Lleno los cuadernos con mis conceptos y luego vuelvo a traer mis diseños al estudio. Es imperativo comenzar con el concepto y luego desarrollar una forma a su alrededor. Uno puede pensar escultórica y conceptualmente sobre la idea. Mi equipo crea renderizados en 3D de mis ideas, así como materiales de investigación, procesos de producción y nunca olvido que el resultado final debe ser una mejora del arquetipo.

¿Tienes alguna norma férrea que siempre te obligues a cumplir?

Siempre tengo en cuenta la escala humana. Siempre diseño dentro del ámbito de mi filosofía del minimalismo sensual (suave, cómodo, humano, con carácter simple).

¿Con qué materiales te interesa trabajar?

Todo mi trabajo durante los últimos 30 años se basó en la adopción de nuevos materiales, nuevos métodos de producción y nuevas tecnologías. Creo que la tecnología y la innovación son inseparables del diseño. Dicho esto, me encanta trabajar con plásticos, especialmente bioplásticos. Estoy obsesionado con trabajar con plásticos responsables que sean biodegradables, reciclados o incluso derivados de otras fuentes como el maíz, el azúcar, la corteza y acai en lugar de aceite. Estos polímeros no usan petróleo por lo que son mucho más sostenibles para la tierra. Hay muchos materiales biodegradables que estoy usando ahora que son sorprendentes. Puedo crear un mundo sintético, un mundo escultural más cómodo y con materiales ecológicos más inteligentes.

“Creo que la tecnología y la innovación son inseparables del diseño”.

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¿Qué es lo que más estimulante de un nuevo proyecto?

El mejor proyecto es cuando tienes un gran cliente que es profesional, que está interesado en la innovación y que supera los límites, por lo tanto, no tengo preferencias, pero últimamente he disfrutado de la experiencia inmersiva que puedo crear con interiores y edificios.

Siempre me vi a mí mismo como un pluralista, incluso cuando era estudiante, no me gusta la idea de la especialización y admiro a los creativos que tocan muchos aspectos visuales.

| KARIM RASHID

Me gusta la idea de la fábrica de Andy Warhol donde puedes moverte en todas las disciplinas de las principales artes aplicadas. Así que me prometí a mí mismo, que si alguna vez tendría mi propia empresa, esta sería amplia y tocaría todos los aspectos de nuestro paisaje físico. Tengo alrededor de 40 proyectos al mismo tiempo y cada proyecto inspira perpetuamente el siguiente. Es mi diversidad la que me permite la polinización cruzada de ideas, materiales, comportamientos, estética y lenguaje de una tipología a la otra.

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"Mi verdadero deseo es ver a las personas vivir en este tiempo y liberarse de la nostalgia, las tradiciones anticuadas, los viejos rituales y los paradigmas kitsch sin sentido".

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Respecto a tu nivel de exigencia, ¿cómo logras mantenerlo?

Soy muy creativo cuando me encuentro y hablo con un cliente que está decidido a hacer algo nuevo, original o inspirador. Estoy contribuyendo tanto como puedo mientras estoy en este planeta. Cualquier trabajo que hago debe tener al menos algún matiz de originalidad en él. Así que me esfuerzo en eso. Para mí es importante que el resultado de mi trabajo y mi colaboración con un cliente se manifieste en algo que se conecte con el usuario y mantenga las relaciones con el consumidor. Al ser mi propio consumidor, puedo permanecer conectado con esa esencia.

¿Sientes algún tipo de presión sobre tu trabajo o te permites experimentar?

Siempre se debe experimentar para encontrar nuevos lenguajes, nueva semántica, nueva estética, experimentar con material nuevo y enfoques conductuales.

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¿A tu colección Ottawa, creada para BoConcept, qué innovaciones le has integrado? ¿Cuáles son sus principales características?

La colección de Ottawa fue diseñada en torno a mi filosofía del minimalismo sensual (suave, cómodo, humano, con carácter pero reductivo). Creé la colección de sofás Ottawa para mis propias necesidades, pues yo también soy el consumidor y viajo constantemente. Siempre mantengo reuniones en espacios públicos, vestíbulos de hoteles, cafés o salas de exhibición de clientes. Es asombroso experimentar la falta de pensamiento que hay en tanto trabajo destinado a uso público. Los asientos en los hoteles siempre están tan lejos unos de otros, y con enormes mesas de café en el medio. No puedo comunicarme con alguien a cuatro pies de distancia sobre una mesa de losa modernista, debe existir una sensación de intimidad. Necesitaba que la colección fuera totalmente reconfigurable y escalable para todas las necesidades.

¿Cómo describirías el tipo de persona que elegiría el sofá Ottawa como una pieza fundamental en su espacio y qué consejos de diseño les darías para complementarlo?

¡El diseño es para todos! Yo solo compro objetos con los que me conecto emocionalmente y espero que la gente se conecte con el sofá de Ottawa. Los espacios y muebles suaves son más humanos. Hemos evolucionado hasta la era del Casualismo. Nuestras vidas se centran en la comodidad, la facilidad, la fluidez y la tecnología. Los planos de planta abiertos han iluminado y abierto nuestras vidas. Las oficinas y los espacios públicos deben estar bellamente amueblados, ya no son solo un espacio de trabajo. Este Casualismo ha dado forma a nuestros espacios para el desenfoque virtual y físico, donde el lujo es fácil, donde prevalecen las nuevas comodidades. Esta colección ha sido galardonada con importante premios internacionales, el más reciente el Good Design Award (considerado el premio global más antiguo y prestigioso para la innovación en el diseño). Es un honor haber recibir este premio pero el verdadero galardón es ver mis objetos en las casas de la gente promedio o ver un espacio realizado, disfrutado y experimentado por las personas. El diseño es para personas, no para museos. Lo más destacado ahora es ver que más de un millón de personas en Facebook me quieren porque siempre he visto el diseño como un acto popular, no como un acto elitista.

KARIM RASHID

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KNOWHOW

KARIM RASHID

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50 OBSOLESCENCIA TECNOLÓGICA

De las piedras del Paleolítico, utilizadas para cazar, a la eterna comodidad de nuestro IPhone han pasado unos cuantos millones de años y decenas de profecías que nunca llegaron a suceder. En esta editorial no retrocedemos tanto, sin embargo hemos recolectado una serie de aparatos que nos

permiten revisar nuestra evolución como especie. Algunos ya no existen, otros están a punto de desparecer, y otros, parece que no se han ido. La tecnología, de alguna manera, refleja nuestra capacidad de progreso así como nuestra inconformidad para ser felices.

Concepto: EHRIOR SANABRIA. Producción: INGRID PINTADO. Fotografías: RAPHAEL SALAZAR. Asistente de fotografía: RICARDO BREMER. Retoque fotográfico: MIGUEL ÁNGEL CANCHARI. Artículos cortesía: CANAL ZONE.

1954

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RADIOTRANSISTOR

51 OBSOLESCENCIA TECNOLÓGICA

Creada a finales del siglo XIX, la radio siempre ha estado presente en sucesos históricos como fue la II Guerra Mundial o el último discurso de Salvador Allende, entre otros. Tras la invención del transistor en 1947, este modelo se convirtió en el más popular durante las siguientes décadas.

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CAFETERA MOKA

1933

52 OBSOLESCENCIA TECNOLÓGICA

Han pasado más de 80 años desde que Alfonso Bialetti, en 1933, creará la cafetera Moka. Hoy, todavía sigue vigente pese a las decenas de cafeteras eléctricas y de cápsulas que inundan el mercado.

1971 1933

NOKIA 3310

1939

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DISQUETE CAFETERA MOKA

Más de 80 años de La cafetera italiana clásica, diseñada por Alfonso Bialetti en 1933, todavía sigue vigente pese a las decenas de cafeteras eléctricas y de capsulas que inundaron el mercado en los últimos años.

Este mítico formato de almacenamiento de datos, creado en 1971 por la compañía IBM, tenía una capacidad de memoria de 80KB (una foto en baja resolución no cabría en él), aunque lograron aumentar la capacidad hasta 1,44MB. Gozó de una gran popularidad hasta su ocaso, a finales de los 90.

1937

KODAK 35 MM

TELÉFONO

El primer Nokia apareció en 1984, pesaba cinco kilos. Nokia, que en sus inicios fabricó papel, fue de las pioneras en introducir cámara en el celular. El tono de llamada y el juego snake son recuerdos inolvidables. Con fama de indestructibles, vendió miles de millones de unidades, siendo el Nokia 1100 el más popular.

1934

DE DISCO MODELO 302

The Eastman Kodak Company se fundó en 1888. Dominó el mercado de la fotografía hasta la aparición de la era digital. La mítica compañía diseñó el rollo de 35 milímetros en 1934, convirtiéndose en un formato estándar internacional.

OBSOLESCENCIA TECNOLÓGICA

En estos modelos, si te confundías, tenías que volver a empezar desde el primer número. Aunque fu inventado por Antonio Meucci, fue Alexander Graham Bell quien lo patentó en 1876. Jack Lemmon, en The Apartment, se pasa gran parte de la película pegado a un teléfono muy parecido.

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CASETE

1962

54 OBSOLESCENCIA TECNOLÓGICA

Fue creado por la empresa holandesa Phillips en 1962. Tuvo su auge desde los 70 hasta finales de los 90, cuando comenzó a extenderse el uso del CD. La magia tediosa de rebobinar una cinta con el bolígrafo es algo que no se repetirá.

1939

POLAROID 636 Close-Up

Smith Corona ha producido desde armas, hasta etiquetas térmicas. Esta legendaria máquina de escribir fue creada desde 1939 hasta 1948. Su posterior modelo eléctrico fue utilizado por Gabriel García Márquez para terminar Cien años de soledad.

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MÁQUINA DE ESCRIBIR

1996

OBSOLESCENCIA TECNOLÓGICA

Del primer modelo se fabricaron 60 unidas debido al escepticismo de su inventor, Edwin Herbert. Sin embargo, el éxito fue absoluto y permitió la evolución de la cámara hasta la aparición digital. Fotógrafos como Walker Evans o Helmut Newton, entre otros, hicieron de la polaroid un arte.

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KODAK 35POLAROID. MM CÁMARA NINTENDO

1933 ??? 1983

Conocida por el acrónimo NES (Nintendo Entertainment System), fue

The Eastman Company se fundó en 1888. Dominó el mercado de la más fotografía la creadaKodak en 1983 y hasta 2016 se estima que vendió de hasta 60 millones de aparición del digital. La mítica compañía diseño el rollo de 35 milímetros en 1934, convirtiéndose unidades. Zelda, y especialmente Super Mario Bros, son dos videojuegos en un formato estándar internacional.

míticos que superaron su dimensión para instalarse en la cultura popular.

LIBRO

1440

OBSOLESCENCIA TECNOLÓGICA

Aunque hay indicios de que los romanos y chinos imprimían, se ha establecido la fecha de 1440 como la invención de la imprenta de tipos móviles de Johannes Gutenberg, pues hasta ese entonces, los libros se difundían mediante copias manuscritas.

1948

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DISCO DE VINILO

57 OBSOLESCENCIA TECNOLÓGICA

La grabación del sonido nos conduciría a mitad del siglo XIX, e incluso antes. Este formato, de 30,5 cm de diámetro es uno de los más populares, desarrollado por Columbia Records en 1948. La historia de la música no sería la misma sin este invento, como el scratching, la cultura del Hip Hop y de clubs que se fue creando en Nueva York .

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K AT E S PA D E

KATE SPADE, un imperio de color para vencer el aburrimiento. Los colores vivos, las tonalidades fluorescentes y el brillo de los bolsos despertaron gran atracción desde el inicio encumbrando a Kate Spade como una firma de culto.

por ELEMENT.

Fotografías cortesía de Kate Spade.

K AT E S PA D E

No obstante, antes de atreverse a Los excitantes estampados, alegres colores y cortes diferentes lograron que creaciones diseñar patrones, la fundadora de su firma como carteras y billeteras, entre otras, despertarán homónima, Kate Spade, mantenía una gran atracción desde el inicio de la firma relación con la industria de la moda basada convirtiéndose en objetos de deseo. en la cómoda virtud del voyeur. Pues su La magia tan instantánea que la firma trabajo como periodista para la revista estadounidense logró irradiar al público Mademoiselle le permitió adquirir y educar la sembró desde sus inicios gracias a un un privilegiado sentido sobre al arte de la marcado carácter transgresor, sin caer en costura que años más tarde trasladaría a sus la provocación baldía, que le permitió no propias creaciones. En aquella época, y tras anclarse en la moderación a la hora de crear esa dinámica intensa de analizar y comparar y dar rienda suelta a estampados brillantes llegó a una conclusión: la absoluta pereza y diseños arriesgados. Prueba de ello fue que sentía por los bolsos clásicos y su firme la primera cartera, Sam, concebida para ser tan versátil que pudiera encajar para ir convicción de cambiarlos. al supermercado o para salir a cenar a un Con esta premisa la firma estadounidense bonito restaurante, y de hecho, 25 años después de su creación, es uno de los se fundó en 1993 teniendo los estándares emblemas de esta firma. contestatarios y el atrevimiento como bandera

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K AT E S PA D E

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pero siempre, bajo un mantra de realidad para convertirse en una alternativa real y relativamente accesible: una marca premium pero sin aspiraciones de autoproclamarse de lujo. Tras el éxito de sus primeros bolsos –negros y fabricados en nylon- la firma fue ampliando la oferta para ofrecer otras alternativas más allá de los accesorios: ropa, perfumes u objetos de decoración, entre otros, pero encontrando un sano equilibrio en esa diversificación y manteniendo el control en cada uno de ellos.

Pero sin duda, la clave de Kate Spade fue, y es, la combinación de estampados que nunca antes se habían visto y que parecían condenados a no encontrarse. Estilismos divertidos que mutan en cada colección experimentando diversos estampados, e incluso antagónicos, de diferentes motivos y que incluía todo tipo de colores, lunares, rayas y otros con dibujos de animales que daban vida a cada una de sus creaciones. La convivencia de estampados es una de las partes más difíciles para crear estilismos. Sin embargo la firma estadounidense encontró en este desafió una diversión y con cada colección, una oportunidad para experimentar con distintos motivos y gamas de colores, sin límites, inundando de color cada una de sus piezas.

K AT E S PA D E

En su evolución queda patente cómo las combinaciones fueron asumiendo nuevos riesgos uniendo distintos tipos de grabados que nunca antes habían convivido juntos así como nuevos desafíos conceptuales. Un ejemplo es una de sus últimas colecciones en la cual podemos ver la clara inspiración del cine y el teatro, haciendo algunas piezas más evidentes con la presencia recreada de tickets de entradas o carteleras de películas. No obstante, Kate Spade también cuenta con modelos de carteras que se repiten temporada tras temporada, ideales para llevarlas al trabajo. Uno de ellos es la famosa "Cameron Street Small Hayden", disponible en distintos colores y con una estampa floreada.

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Sam, la clásica bolsa creada en 1993, cumplió este año su 25 aniversario y se mantiene como una pieza clave para entender el legado de la firma homónima de la diseñadora estadounidense. Rectangular, cómoda, sencilla, y de nylon, la bolsa Sam encajó perfectamente en la vida de las mujeres como el complemento ideal para el trabajo o la escuela. Con motivo de su 25 aniversario, el bolso ha sido objeto de distintas reinterpretaciones: estampados, así como distintos motivos y materiales han dado forma a Sam, el legendario bolso que cambió la vida de Kate Spade y también la de miles de mujeres. K AT E S PA D E

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OBJETO DE DESEO

SILLAS CLÁSICAS O MODERNAS, ESTILOS Y FORMAS VIGENTES.

62 Thonet #18 Gebrüder Thonet Año: 1876

Thonet #14 Michael Thonet Año: 1859

OBJETO DE DESEO

concebida como una pieza única, y también, es objeto constante de reinterpretaciones. Han sido muchos los grandes nombres del diseño como Verner Panton, Phillipe Starck, August Thonet, Mart Stam, Marcel Breue o Xavier Pauchard, entre muchos otros, quienes Aunque en la actualidad muchas sillas se crearon piezas que ayudaron a plantear los producen en serie, cada una en sus inicios es límites de este mueble. El arquitecto y diseñador estadounidense Mies van der Rohe dijo en una ocasión que “una silla es un objeto muy difícil, un rascacielos es casi más fácil”. Lo cierto es que es utilizada a diario y bajo su aparente sencillez, encierra grandes desafíos.

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Tolix (1934) Xavier Pauchard

Serie 7 (1955) Arne Jacobsen

Vegetal (2009) Ronan y Erwan Bouroullec, Vitra

Eames Plastic Side Chair (1950) Charles y Ray Eames, Vitra

Pantom Chair (1967) Verner Pantom, Vitra

S 32 o Cesca (1929-30) Marcel Breuer, Thonet

Costes (1984) Philippe Starck

Cantilever (1926) Marth Stam, Thonet

OBJETO DE DESEO

Medea (1955) Vittorio Nobili, Tagliabue

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MISSONI PARFUM POUR HOMME.

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tico, amaderada, inspirado en los sabores y la atmósfera de las costas italianas bañadas por el mar Mediterráneo. Su olor es una mezcla cítrica y frutal enriquecida por una lavanda aromática. El corazón del perfume es floral, frutal con una composición inusual de manzana de java y Syzygium samarangense) con unos toques de jenjibres que aparecen intensamente 'Missoni Parfum Pour Homme' ha sido amizclada para que su esencia sea más presentada como un perfume aromá- duradera y fresca.

La casa italiana de Missoni presenta su nuevo perfume masculino. Se trata de la primera fragancia de hombre que la marca lanza desde hace 20 años. Dibujado a partir de una nueva paleta de colores, tiene el potencial de ser a la vez una confrontación y un diálogo con el hombre moderno Missoni.

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YSL Mon Paris

BVLGARI Splendida Magnolia Sensuel

SALVATORE FERRAGAMO Amo Ferragamo

HERMÃ&#x2C6;S Eau de Citron Noir

LOEWE Solo Origami

OBJETO DE DESEO

VERSACE Dylan Blue Pour Femme

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por ALFREDO SMITH.

LOUIS VUITTON NEW WAVE.

66 OBJETO DE DESEO

Esta colección encuentra sus raíces en el arte de viajar que selló la reputación de la Maison tan pronto como fue fundada en 1854. De manera específica, un baúl fue decorado como un adorno gráfico y multicolor que ondulaba como una ola. De este detalle histórico viene el sutil diseño acolchado de la línea “Louis Vuitton New Wave”.

sical del mismo nombre, reviviendo el estilo alegre y colorido de los años 80.

Versátil y fácil de llevar, estas siluetas se adaptan a cualquier escenario, gracias a cadenas multiusos, que permiten ya sea el estilo de la bolsa de hombre en tamaño pequeño o grande, ya sea cruzado o corto. Mientras que el formato tote combina el espíritu rockero Esta colección proclama una nueva acti- con la elegancia más clásica y el bolso clutch se tud, tomando la inspiración del género mu- mueve del día a la noche como un camaleón.

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CHANEL Colección Métiers d'Art

DOLCE GABBANA Doodle Leather

TORY BURCH Ruffle

OBJETO DE DESEO

GUCCI Falacer Rainbow

ELEMENT adidas P.O.D. System

BALLY Colecciรณn Retro "The Galaxy"

SPERRY 7 Seas Slip On Boat

OBJETO DE DESEO

BALLY Colecciรณn Retro "The Competion"

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Secciรณn de la revista

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M O R Ó D E L I C AT E S S E N

Restaurante Moró, el sabor del W Hotel. El primer W Hotel de Centroamérica se encuentra en el corazón de Panamá y su restaurante, Moró, combina sabores locales con técnicas de cocina contemporánea. S e c c iD ó nE LdIeC lAaT rEeSvSi sEtN a

por ELEMENT.

Fotografías cortesía HOTEL W | MORÓ.

Los platos, además de contar con la calidad propia de productos locales, evidencian la clara predisposición por el diseño ofreciendo una presentación equilibrada entre colores, sabores y aromas. Una muestra de ello es la hamburguesa de cordero, el carpacho de pulpo, el pato confitado con puré de camote, los rollos de langosta, el tiradito de atún, la ensalada de peras o la ensalada de kale entre muchas otros platos. Un buen balance, con una carta de vinos amplia y sugerentes postres que confeccionan una de las propuestas gastronómicas más atractivas de Panamá.

El interior del hotel ha sido diseñado por Studio Gaia, una firma de diseño de interiores establecida en Nueva York y Seúl, y que ya se ha creado otros dos hoteles W, como el de Bogotá, y el Ciudad de México. Bajo la visión de este estudio se ha creado un lugar vibrante donde la fusión de texturas, colores y espacios de distintas naturalezas crea un ambiente destinado a la exploración. En el W Hotel los elementos nuevos y contemporáneos conviven integrados con piezas identitarias que poseen el sello de Panamá, como son las distintos piezas rescatadas: sombreros típicos, diablos rojos, objetos artesanales, lámparas que utilizan técnicas locales, entre más detalles que a primera vista, no somos capaces de percibir. Todo ello con la máxima comodidad garantizada para que cada una de las personas que visita o habita el hotel, tenga una experiencia plácida y reconfortante.

Lo cierto es que desde la propia recepción del hotel, la cual ha incorporado en su decoración elementos típicos de la cultura folclórica panameña, cada uno de los detalles del interior del edificio juega un papel fundamental para lograr que tu experiencia sea honesta y única. En cada paso que das, vas descubriendo los rincones de este hotel que manifiestan su carácter ecléctico.

“Desde la propia recepción del hotel cada uno de los detalles del interior del edificio juega un papel fundamental para lograr que tu experiencia sea honesta y única”.

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En lo alto del flamante hotel W Panamá, ubicado en el corazón del distrito financiero de la capital, además de sorpresas, podrás encontrar el restaurante Moró que te ofrecerá una apasionante experiencia de diseño y gastronomía. Dirigido por el chef Bruno Bellocchio, Moró concentra seductoras alternativas para disfrutar a través de todos tus sentidos.

S e c c iD ó nE LdIeC lAaT rEeSvSi sEtN a

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72 El restaurante Moró ubicado en la plata 15 del hotel, es sin lugar a dudas, un pilar fundamental en la propuesta de diseño del W Panamá. Moró es un espacio de grandes dimensiones en el cual, a su vez, se diferencian otros espacios que nos brindan distintos ambientes para relacionarnos y disfrutar de su propuesta gastronómica. Hay mesas rectangulares, redondas; mesas para dos, cuatro, seis y muchas más personas. Rincones para cenas románticas, tertulias de negocios, o importantes celebraciones. De hecho en un nivel contiguo a la sala principal hay un contenedor habilitado y convertido en un reservado ideal para reuniones privadas.

“Los platos, además de contar con la calidad propia de productos locales, evidencian la clara predisposición por el diseño ofreciendo una presentación equilibrada entre colores, sabores y aromas”.

Sección de la revista

En Moró, una pared de vidrio de grandes dimensiones permite que se cuele la luz natural, y especialmente, nos permite contemplar cómo se extienden los límites de la ciudad a través de la asombrosa panorámica dibujada en el horizonte.

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Secciรณn de la revista

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DESTINO

Verde, que te quiero verde. Los Parques Nacionales de Panamá son verdes y trémulos, y además sirven como excusa para recordar algunos versos de Federico García Lorca.

Más allá de la tragedias narradas por el poeta granadino, estos espacios ofrecen auténtica naturaleza, y también, la oportunidad de reconciliarnos con nosotros mismos. por ELEMENT.

Fotografías cortesía de MiAmbiente Ecotur AP.

DESTINO

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DESTINO

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Es entonces cuando la presencia de un sendero de 1.3 kilómetros nos brinda nuevas alternativas que nos permitirán explorar el valle y atravesar distintos terrenos y bosques tropicales en los que nos encontraremos con rocas, cruces de ríos, vegetaciones extremadamente densas y distintos animales. Caminarlo nos sumergirá en el corazón de Campana. Además, cabe señalar la herencia volcánica del Valle de Antón, pues a pesar de la antigüedad de su última erupción todavía se pueden apreciar campos de lava y rocas ígneas sembradas en el Parque. HOGAR DE AVES Se calcula que en Altos de Campana viven en torno a 267 especies de aves que migran o viven en el parque durante todo el año. Entre esas especies hallamos algunas aves que están en peligro de extinción en otras regiones de Centroamérica como es el caso del colibrí pico de hoz, el colibrí patirrojo o el colibrí pechiverde, entre cientos de aves.

Su fauna también concentra 39 especies de mamíferos como los monos tamarinos de Geoffroy, coatíes, perezosos de tres y dos dedos, y muchos más. Además, el Parque es el hogar de más de 62 especies de anfibios y 86 tipos de reptil.

El Parque Nacional Altos de Campana es DESDE LA CIMA. el más antiguo del país. Fundado en 1966, constituye un entorno de suaves montañas, Altos de Campana cubre grandes laderas las cuales, se convierten en el escenario de que se elevan por encima de la costa del diversas actividades ecoturísticas. Pacífico. Desde Cerro Campana, el punto más alto del parque con 850 metros de Uno de los grandes atractivos del Parque altitud por encima del nivel del mar, podees su cercanía con Ciudad de Panamá, pues mos contemplar una impresionante vista se encuentra a unos 50 kilómetros al oeste de los manglares en la desembocadura de la ciudad, en la provincia de Panamá, lo de Punta Chame, e incluso en días con el que supone una vía de escape oportuna, e cielo despejado, divisar la isla Taboga en imagino que en muchas ocasiones, necesaria. el océano Pacífico.

DESTINO

Lo cierto es que más allá de la belleza y el poder energético que este lugar puede causar en nuestro interior, la cuenca hidrográfica del Parque es de suma importancia porque forma parte del sistema de abastecimiento del Canal de Panamá: valedora de toda una industria que genera miles de millones de dólares.

En el interior de este Parque Nacional encontramos un valle divido parcialmente por un estuario que serpentea entre sus diversas estribaciones, y que lo convierte en una atracción pintoresca y encantadora.

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T RÓ P I C O

El antiguo Gran Hotel del Casco Viejo.

78 por OSVALDO LEZCANO.

El edificio que actualmente alberga el Museo del Canal Interoceánico de Panamá posee una gran historia a sus espaldas. Sus inicios se remontan a 1874, cuando empezó su construcción gracias al francés George Loew, conocido empresario hotelero.

nico de Panamá. Sin embargo, en 1904, los estadounidenses tomaron las riendas de la construcción del canal y el edificio de Lesseps pasó a ser la sede de la Comisión del Canal Ístmico hasta que en 1915. Fue entonces cuando el Presidente Belisario Porras compró el edificio e instaló varias oficinas ministeriales.

T RÓ P I C O

Con una capacidad de hasta 150 huéspedes, En la década de 1990, la edificación se este antiguo Grand Hotel tenía las paredes pintadas de frescos y contaba con novedosos hallaba prácticamente abandonada y fue gracias a la creación del Patronato del Museo sistemas tecnológicos para la época. del Canal Interoceánico, en 1996, cómo se En 1881, el edificio fue adquirido por logró restaurar el edificio. En 1997, se inauguró Ferdinand de Lesseps para transformarlo en el susodicho museo, el cual ha seguido allí la Compañía Universal del Canal Interoceá- desde entonces.