ELEMENT VOL.19 | #ARTE 2019 by Revista ELEMENT

c u l t u r a C R E A T I V A

Vol. 19 | Arte

Gustavo Araújo

El artista valiente.

Residencia Hermès Desde la romántica "Ciudad de la Luz" a la "Ciudad Eterna".

Molas, Capas de Sabiduría y Dulemar Un momento único para el arte guna.

PAUTA BALLY

Vol. 19 Arte

c u l t u r a

ALFREDO SMITH Director y Editor alfredo@revistaelement.com

Osvaldo Lezcano Raúl Altamar Arias Sandra Castillo

REINIER GUERRA Director asociado y Relaciones Públicas reinier@revistaelement.com

FOTOGRAFÍA Gustavo Araújo Mariani Michki Leo Torri Randy Navarro Tito Herrera

C R E A T I V A

MICHAEL PRINCE BENT Brand Ambassador (Miami) michael@revistaelement.com CAMILO BAQUERO Director de arte y Diseño INGRID PINTADO Producción Ejecutiva ingrid@revistaelement.com DOHANY SÁNCHEZ Coordinación Comercial y Ventas dohany@revistaelement.com MARI CARMEN PEREIRA Representante de Ventas maricarmen@revistaelement.com MIGUEL ÁNGEL CANCHARI Pre-prensa ELVIRA ANGULO Contabilidad ADN CONCIERGE, S.A. Mercadeo y Ventas asmith@adnconcierge.com

AGRADECIMIENTOS Ana Larisa Cabrera M Andrés Corella Catalina Aguayo Agudelo Daniel Arzola Eduardo (Walo) Araújo Franklin Panamá José Alberto Batista Maylin Pérez Parrado Museo de Arte Contemporáneo Luis Guillermo Martínez Luz Bonadies Raúl Altamar Arias Sandra Castillo ___________________________ IMPRIME Impresora del Pacífico, S.A. ELEMENT® no se responsabiliza de las opiniones de sus colaboradores.

COLUMNISTAS Michael Prince Bent Luz Bonadies Walo Araújo

COLABORADORES Andrés Corella Catalina Aguayo Iván Cruz Peguero Luis Guillermo Martínez Maylin Pérez Parrado

Prohibida su total o parcial reproducción sin la autorización de ELEMENT Media Corp.

___________________________

“Un lienzo en blanco tiene posibilidades ilimitadas.” STEPHANIE PERKINS

I n stag ram: @ element_pma | Fa cebook/ ELEMENT PANAMA conta cto@revista element.com

PORTADA GUSTAVO ARAÚJO, Autorretrato Nº2, 2007, óleo sobre tela.

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Secciรณn de la revista

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Sumario 09

PA R A GUS TOS LOS COLORES | A L FRED O S M ITH

C OL ABORAD ORES

EL O JO D E UN ARTIS TA Y EL A RTE D E VIVIR | M I CH AEL PRIN C E BEN T

LA C U LTURA D E LA R E S I LIEN C IA . LA R E S ILIEN C IA D E LA C U LTURA | LU Z BON AD IES LA C Á M ARA S E P ON E C REATIVA | WA LO ARAÚJO

E L A RT E C OM O A LM A DE LA FI E S TA

FESTIVAL INTERNACIONAL DE ARTES ESCÉNICAS 2019

MODA & ESTILO | FUSIÓN CRE ATIVA

ARQUITECTURA | BOUTIQUE HERMÈS EN VÍA BOCCA DI LEONE

SUMARIO

S HOR TC UT S | C IN E

A R T E | ARTIVIS M O Y EX P RES ION IS M O. “ QU E E R” O G AY

NEGOCIOS CON ESTILO | LEONARDO DAMONTE

ARTE | EL CON TEN ED OR M AC

S HOR TC UT S | LA C IUDAD QU E HABITO. X III BIEN AL D E LA H ABAN A

KNOWHOW | GUSTAVO ARAÚJO, EL ARTISTA VALIENTE

ELEMENT CON TITO HERRERA

O B JE TO DE DESEO

R E P O RT | E L C I NE : E L SAST RE DE NU E S T R AS VIDAS

R E P O RT | LA FA S C I NACÓN DE L E R ROR

R E P O RT | E R A DI GI TAL: ROM P I E NDO B A R R E R A S PARA LOS A R T I S TAS

DE S T I NO | U N M OM E NTO Ú NI C O PA R A E L A RT E GUNA

T R ÓP I C O | E S TA M P I L LA S PA NA M E ÑA S DE L AY E R

Para gustos los colores

por ALFREDO SMITH.

Director de ELEMENT. @alfredosmithjr

Luego de debatir conmigo mismo sobre qué enfoque darle a esta carta editorial, decidiendo entre hablar sobre el arte como herramienta de transformación y al mismo tiempo navegando en la necesidad de hacer un llamado a los que he denomino miembros del “Círculo Cero”, artistas, críticos, curadores y amantes apasionados del arte, sobre el hecho de que, con o sin una intención, muchos actúan como embajadores de la exclusividad, siendo exclusivo un sinónimo de excluyente. Decidí hablar de los gustos. El ser humano está destinado a asociarse, lo vemos a diario en cualquier nivel social, en las escuelas, empresas, entornos o actividades. Siendo un factor predominante la asociación por gustos, pero, es importante no olvidar que la asociación no debe ser selectiva ni discriminatoria, respetando la naturaleza de la belleza que propone cualquier expresión artística, donde debemos incluir a todos sin importar su nivel de conocimiento sobre técnica, literatura, historia o experiencia en el negocio del arte. Es un error sólo valorar la apreciación de otros miembros del “Círculo Cero”, perdiendo el norte y el placer de conectar con una audiencia amplia y más importante ser embajadores de la cultura creativa, que permita que más allá de disminuir el valor rescatado estos últimos años de la profesión del artista y del arte como estilo de vida, se eleve el nivel de interés y conocimiento sobre arte en toda la comunidad. Sin duda a diario escuchamos o usamos la expresión: “para gustos los colores”, que

en su interpretación más sencilla nos indica que existen infinitos gustos como colores. Le consulté su opinión a un querido amigo, #google, que siempre tiene una o muchas respuestas (aunque no siempre todas acertadas) y me topé con data interesante sobre la etimología de esta frase. Se dice que la expresión no es más que una traducción más animada de la máxima latina “De gustibus non est disputandum”, que se puede traducir a “no hay que pelear por los gustos”. Me declaro cualquier cosa lejos de ser un experto en arte, no soy más que un publicista y comunicador enamorado de las ideas y el detalle, con ciertos talentos dados que me permiten ser parte de la industria y del mismo modo se convierte en un reto personal que me obliga a buscar siempre inspiración, nuevos conocimientos y finalmente ser puente para que estos mensajes enriquecidos lleguen a otros. En esta edición donde honramos el arte, he querido darle espacio a la memoria de artistas que dejaron un gran legado como Gustavo Araújo, “el artista valiente”, que en cada expresión artística, música, pintura y fotografía, se destacó con pasión. Buscamos glorificar la variedad, donde la pintura, la escultura, la danza, poesía, música y fotografía sean el contenido principal; presentando a dos talentosos artistas como lo son Tito Herrera, reconocido por su trabajo en la fotografía periodística, documental, artística y su pasión por la formación de nuevos talentos. A Leonardo Damonte, creador que irrumpe y desafía, por medio del color, materiales e iluminación, al mundo de la escultura contemporánea.

Tengo que destacar que sí hay los líderes de la comunidad creativa, que con fuerza y constancia realizan un trabajo admirable, al crear proyectos que elevan y sirven de plataforma para la industria, logrando llevar el mensaje a más personas e incluir a la escena artistas olvidados o talentos emergentes. En este especial de arte, tenemos el honor de contar con la colaboración de dos de estos líderes: Luz Bonadies, directora ejecutiva del Museo de Arte Contemporáneo y Walo Araújo, vicepresidente de comunicaciones de Ciudad del Saber, quienes desde las instituciones que representan y a título personal, han marcado un cambio en nuestras agendas, con propuestas de contenido como: El Contenedor MAC, MAC GALA, Trama, Dulemar, sólo por mencionar algunos. Estos proyectos son importantes en el proceso de eliminar el pensamiento errado y mal utilizada frase: “El panameño no tiene cultura”. La suma de todos nuestros esfuerzos, proyectos, propuestas de contenido, talentos y plataformas, ayudan a fortalecer la imagen de Panamá y nos permite aceptar el título de “Capital Iberoamericana de las Culturas”. Cierro, para permitirles disfrutar y compartir el contenido de este especial de arte, con la frase de la escritora afroamericana y feminista, que recibió el Premio Pulitzer a la obra de ficción en 1983 por la novela El color púrpura. “Si el arte no nos hace mejores, entonces ¿para qué sirve?” Alice Walker.

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Colaboradores

IVÁN CRUZ PEGUERO. @ivancruzpeguero Diseñador de Interiores. Apasionado y “nerd” autodenominado del diseño de interiores. Egresado de la Casa de Chavón afiliada a Parsons The New School for Design de Nueva York. La riqueza de texturas, la atención al detalle, la comunicación clara de una historia estética, la solución de problemas funcionales, son algunos de los principios y razones que le impulsan a la evolución profesional y creativa. Trabajó durante cinco años como administrador de proyectos hasta que decidió volar solo bajo su propio nombre a partir del 2014. En el período 2018 - 2019, en búsqueda del siguiente paso en interiorismo, concluyó el grado de Máster en Diseño de Espacios Comerciales: Retail Design de la universidad ESDesign Barcelona.

CATALINA AGUAYO. @catalinaaguayo Manager de Jazzonia Gallery por N'Namdi Contemporary en Miami. Realizó sus estudios de administración del arte en el School of the Art Institute of Chicago. Por unos años, Catalina ejerció como artista, haciendo instalaciones y en ese proceso descubrió que su pasión era curar exhibiciones y organizar eventos donde las piezas de arte fueran el centro de atención. Su misión es crear un espacio colaborativo con artistas para compartir con el público instalaciones que sumerjan al espectador en otra realidad.

COLABORADORES

EDUARDO (WALO) ARAÚJO. @walo_araujo Durante los últimos 10 años ha sido el responsable de la estrategia en asuntos culturales de Ciudad del Saber, desempeñándose desde 2014 también como VP de Comunicaciones. Es el impulsor del Cluster de Industrias Creativas en CdS y de la creación de la Comisión de Industrias Creativas de la Cámara de Comercio. Organizador de los encuentros TRAMA de industrias creativas (2015) y de la industria de la música (2018). Codirector de la Bienal de Arte de Panamá (2005-2008).

LUZ BONADIES. @luzbonadies Amante del cine de culto, la literatura sarcástica y el rock n’ roll. Ha sido directora y editora de algunas de las revistas de moda y cultura más relevantes de Panamá. Estudió Periodismo en Santiago de Chile y Comunicación Social en Panamá, ha sido gestora cultural y entusiasta de las artes desde muy joven. Actualmente es Directora Ejecutiva del Museo de Arte Contemporáneo de Panamá, desde donde alienta el diálogo sobre la cultura panameña, el acceso democrático al arte y el crecimiento de la economía creativa y las industrias culturales.

MAYLIN PÉREZ PARRADO. @art_curatorship Curadora, crítica e historiadora del arte independiente con sede en Holanda, Cuba y Panamá. Organiza proyectos y exhibiciones para artistas, museos, galerías y coleccionistas. Licenciada en Historia del Arte, por la Universidad de Oriente, en Santiago de Cuba. Desde el 2012 hasta el 2014 fue curadora de la Fototeca de Cuba y de la Fábrica de Arte Cubano (FAC). Actualmente es directora de la Fototeca de Panamá y asesora de la colección Carlos Endara Andrade perteneciente a Ana Sánchez Urrutia y Ricardo López Arias. Colabora como curadora de la galería Arteconsult, en la Ciudad de Panamá y forma parte del grupo internacional Art Consulting Network, con base en Italia. Su labor profesional se desenvuelve dentro de la curaduría, el mercado de arte, la enseñanza, la investigación, la promoción cultural y los medios de comunicación para el ecosistema artístico actual.

ELEMENT COLABORADORES

OSVALDO LEZCANO. @panamaviejaescuela Panameño dedicado a restaurar todo tipo de fotografías, especialmente imágenes antiguas. Osvaldo es el autor detrás de Panamá Vieja Escuela, portal que nace de la necesidad de educar al lector panameño, sobre todo a las nuevas generaciones, con material antiguo sobre el Panamá de antes. Panamá Vieja Escuela es un proyecto de carácter histórico dedicado a rescatar la memoria panameña por medio de fotos, artículos y contenido multimedia, tanto en su sitio web (panamaviejaescuela.com) como en sus redes sociales.

ANDRÉS CORELLA. @theblacklabelblog Admirador de la moda. Desde muy joven vio sus inicios en este ámbito gracias a su blog The Black Label, el cual le abrió las puertas a colaborar con diversas marcas destacadas locales e internacionales; eventualmente logró desarrollarse de manera profesional en la industria de la moda, desempeñando funciones como asistente creativo del diseñador John Bejarano desde hace 7 años, asistiendo en la renovación estética de la marca y formando parte del equipo fijo en la creación de las colecciones "prêt-à-porter". Su pasión por la redacción de moda le ha llevado a escribir para destacados medios locales desde el año 2013, enfocando sus más recientes trabajos en elevar y resaltar la moda panameña.

SANDRA CASTILLO. @sandracastillodesign Licenciada en mercadeo y publicidad, su creatividad la llevó a estudiar diseño gráfico, y actualmente continúa ampliando sus conocimientos estudiando Brand Management. Directora Creativa en Sandra Castillo Design, marca activa desde 2016, que ofrece servicios de diseño gráfico con estrategia mercadológica de imagen a emprendedores creativos; su estética de diseño MICHAEL PRINCE BENT. es limpia y moderna, buscando @michaelbentofficial crear conceptos que resaltan Licenciado en marketing, relaciones los atributos que hacen a cada públicas y relaciones internaciona- marca diferente. les. Realizó un master en retail & luxury management en el Istituto Marangoni. Ha trabajado en diversas áreas de la industria de la moda, desde modelo de pasarela, fotografía, escritor, blogger, estilista y productor de moda, editor. Actualmente es Brand Ambassador de Revista ELEMENT, para el mercado norteamericano, CEO y Director Creativo de Michael Bent INC, agencia boutique de mercadeo, relaciones públicas y estrategias para negocios emerLUIS GUILLERMO MARTÍNEZ. gentes en la ciudad de Miami. @tambienluigi Él quiere ser recordado como aquel que te pasó la película o el disco que vas a seguir disfrutando y compartiendo por el resto de tus días. Con esa curiosidad “by-default”, ha podido trabajar en una variedad de ramas de la comunicación social (desde producción radial, hasta proyectos institucionales para ONG's). Suma más de siete años de expatriado y espera tener 17 más, cual canción de Drexler, moviendo su frontera como las banderas.

RAÚL ALTAMAR ARIAS. @altamarescribe Comunicador, periodista, escritor y músico. Es licenciado en comunicación social y se ha especializado en la edición de revistas. Ha brindado sus servicios a diferentes empresas nacionales e internacionales, como asesor editorial, creador de contenidos, estratega de comunicación, relacionista público o traductor. Ha publicado tres libros y lanzado dos discos con su banda, Uva. En su blog www.altamarescribe.com/blog encontramos escritos varios y sus últimas notas, publicaciones sobre su arte y cultura.

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Secciรณn de la revista

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El Ojo de un artista y el arte de vivir

por MICHAEL PRINCE BENT.

La percepción determina y condiciona tu pensamiento. Es decir, el cerebro determina lo que ve, lo que capta y sobre todo lo que guarda o acepta.

recibir. Pero para que esto empiece hace falta libertad. Y para tener libertad, no libertad de expresión, lo que hay que tener es libertad de pensamiento, porque si usted no tiene libertad de pensamiento, da igual que hable o diga lo que quiera. La belleza no se entiende; se percibe o no se percibe. ¿Por qué me gusta lo que me gusta? ¡No lo sé! Y rara vez tendré que justificarlo con argumentos... al fin y al cabo, se trata de mis gustos. El verdadero reto está en explicar esta belleza a otras personas. Como artista y empresario en la industria de la moda y amante del arte, en cierto sentido me gano la vida revelando la belleza, pero el resto de personas que tiene la oportunidad de trabajar junto a mí admite por principio que el negocio y el arte son bellos, de modo que no tengo que convencer a nadie de nada. Llegan convencidos. El público infantil, por el contrario, es feroz y exige pruebas fehacientes.

Hay alguna anécdota al respecto. Primera enseñanza: la moral artística se opone a la moral social y por ello las verdaderas obras de arte suelen tener un perfil subversivo. Segunda enseñanza: el valor alegórico de la desnudez en el arte antiguo permite asociar la belleza del cuerpo a otras virtudes imperecederas como la bondad, la pureza, la honestidad; es decir, lo que dice no es lo que quiere decir el autor. El artista estaba pensando en el triunfalismo de una Florencia, que se había sobrepuesto a la corrupción y al abuso, pero solo se le ocurrió representarlo a través de la excelencia anatómica de este musculoso joven desnudo.

COLUMNA

¿Y por qué se le quedan viendo?”, me acorrala el niño. “Pues... porque es bella”, respondo desesperado. Es bella porque es imperfecta, como la torre inclinada de Pisa, que si no se hubiese enchuecado durante su construcción probablemente nadie la visitara. Muchas de las obras que Recuerdo la expresión de un niño entre hoy son ejemplos indudables de belleza los ocho y diez años, en una de las expo- es en parte por esa imperfección que se siciones en el Milwaukee Art Museum... vuelve, paradójicamente, modélica. naturalmente ríe ante la escena y le pregunto: ¿Qué es lo chistoso?, a lo que me El poder se asegura de que no tengaresponde: “Que está desnudo y todos lo mos libertad de pensamiento, para eso están viendo”. “Alea iacta est” (la suerte nos educan desde la infancia, para que está echada)... no hay marcha atrás, es pensemos lo que quieren que pensemos. hora de hablar sobre la aceptación social Cuando lo consiguen, nos limitan la libertad del desnudo artístico y de su censura en de pensamiento, que es realmente la clave la vida real; por más que la Galería esté para encontrar el verdadero sentido de la repleta de esculturas de hombres y muje- vida, que no se resume en ganar dinero Vivimos para realizarnos, para dar de cada res sin ropa, si nosotros nos quitamos la para gastos y diversión, no es eso. Es uno de nosotros todo lo que podamos dar, camisas de inmediato vendría un guardia ganar en satisfacción personal, ser fieles porque así tendremos todo lo que podamos para indicarnos y reprimirnos por la falta. y reales con lo que somos. Hoy, en gran parte, el hombre de una ciudad civilizada y urbanizada es un servidor del sistema y de las máquinas, porque constantemente tiene que ocuparse del auto, del celular, de la computadora, de esto, lo otro y de lo de más allá. Se pasa el día alimentando cosas y sosteniendo cosas, cuando sencillamente podría vivir mejor y esto se debe a que no se conoce el objetivo de la vida. ¿Cuáles son los fines de la vida? ¿Para qué vivimos? El arte de vivir, no el arte de hacer cosas. Se puede vivir sin hacer muchas cosas, y se puede hacer muchas cosas sin saber vivir. La mayoría de las personas en la calle saben hacer muchas cosas, se mueven todo el día y eso no significa que saben cómo vivir.

¿Es cierto que existe el ojo del artista? ¿Mira un creador de otra manera? Todos diríamos que vemos por nuestros ojos, pero correcto es decir que el cerebro es él que ve. La mayor parte del proceso de visión se produce en él, los ojos son únicamente receptores luminosos y forman parte de la primera fase del proceso de percepción visual. La información pasa después al corte de asociación y se difunde en otras partes del cerebro. En muchos casos llegará al sistema límbico que lo llenara de carga emocional.

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La cultura de la resiliencia. La resiliencia de la cultura por LUZ BONADIES.

Las ciencias sociales constantemente utilizan términos de las ciencias naturales para hablar de fenómenos y dinámicas sociales, entre ellos la palabra ecosistema, que según la Real Academia Española es un “sistema biológico constituido por una comunidad de seres vivos y el medio natural en que viven”.

14 COLUMNA

de las personas a través del consenso y la unión de todos los sectores. Los gestores culturales y profesionales de las ahora llamadas “industrias creativas” buscan plataformas de alianza interinstitucional, nuevos recursos en la comunidad global, así como espacios para tender puentes de diálogo para fortalecer un ecosistema del que ahora existe conciencia, y En el contexto del quehacer cultural y que está más vivo que nunca, respirando nuevos artístico de una nación parece encajar mejor aires que miran hacia un futuro prometedor. el término ecosistema más que mercado, escena o circuito, ya que son conjuntos en En este sentido el Museo de Arte Contemconstante evolución: vivos. Hay en su interior poráneo (MAC Panamá) en los últimos años representados muchos sectores que -a veces de abrió sus puertas más anchas que nunca para manera voluntaria y otras involuntaria- coexisten este intercambio de conocimiento y experieny no necesariamente rigen su interacción por cias artísticas, haciendo su programa público la lógica transaccionalista del mercado, sino de actividades gratuitas interdisciplinario y que también está basada en el aprendizaje, sumándose a iniciativas como las de Ciudad el intercambio, el disfrute y la colaboración. del Saber, la Red de Museos y Centros de Visitantes de Panamá, la Comisión de IndusHablar de ecosistema cultural o tejido trias Creativas de la Cámara de Comercio y cultural en Panamá hace diez años era más buscando nuevas formas de colaboración complicado por la atomización de los actores. público-privada con el Estado para desarrollar Existían buenas y pujantes iniciativas desde programas como “MÉTODO: Del dicho al diferentes disciplinas que, muchas veces hecho”, que procura espacios para formacon recursos propios y “con las uñas”, por ción de público general, docentes, artistas falta de apoyo privado y estatal, intentaban y curadores de arte a través de experiencias despertar a la ciudadanía adormecida por el de éxito de Panamá y Latinoamérica que consumismo del mall y la televisión. En ese mezclan distintas visiones y actores culturales. periodo se gestaron importantes proyectos como las Bienales de Panamá y de Arte Como todo ente vivo, el ecosistema cultural Centroamericano, el Festival de cortometrajes y artístico de Panamá se ha reinventado en Hayah, el Festival Verde y el Festival Abierto, múltiples ocasiones, demostrando su resilienque por falta de presupuesto y constante- cia, creatividad y capacidad de expandirse. mente “ir contra la corriente” no pudieron Panamá es tierra fértil para seguir cosechando continuar. A la vez que se sentaron las bases y depende de cada uno de nosotros continuar para nuevas producciones culturales como arando porque es un tema de interés nacional El Festival Internacional de Cine de Panamá, que incide directamente en la calidad de MACRO Fest, el Festival de Artes Escénicas o vida de los ciudadanos y en el futuro de la el Festival PRISMA de Danza Contemporánea. nación. Es nuestro deber informarnos, cooperar con las iniciativas sostenibles locales, Una década más tarde, con nuevas he- utilizar las plataformas disponibles y escoger rramientas digitales y modelos de mejores gobernantes que comprendan la pluralidad prácticas a nivel global a un click, otra genera- de voces dentro de la cultura panameña, ción con el mismo brío que sus predecesores reconociendo los retos de cada sector sin apuesta por un entendimiento amplio de la perder de vista el entramado completo del palabra cultura y su importancia en la vida que todos formamos parte.

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La Cámara se pone creativa

por WALO ARAÚJO.

Una buena noticia para las industrias culturales y creativas: desde la Cámara de Comercio, Industrias y Agricultura de Panamá (CCIAP) hemos creado una comisión para establecer estrategias e iniciativas para la promoción y el desarrollo del sector en nuestro país. Desde la Fundación Ciudad del Saber estamos liderando este esfuerzo, con el apoyo del Banco Interamericano de Desarrollo. Ello es reflejo de que en Panamá comienzan a darse las condiciones para una mejor articulación como mercado de los actores clave de las industrias creativas, lo que permitirá al sector evolucionar hacia un nuevo nivel.

mercados de las industrias creativas y sobre las políticas y estrategias que desarrollan con éxito otras ciudades y países. De igual forma, con el apoyo del BID, durante 2019 los miembros de la comisión participarán en la realización de diagnósticos sectoriales de las industrias creativas, organizando las empresas y entidades en grupos de trabajo: cine y audiovisual, música, artes escénicas, visuales, periodismo, literatura, moda, publicidad, arquitectura, museos y patrimonio. De igual forma, la Cámara trabajará en la elaboración de propuestas para mejorar las políticas públicas y los marcos regulatorios y estratégicos de las industrias creativas, así como impulsar la creación de una institucionalidad gubernamental adecuada para atender las necesidades del sector. A mediano plazo se espera que la recién creada Comisión de Industrias Creativas de la CCIAP contribuya de forma significativa, mediante alianzas público - privadas, al desarrollo y la evolución de este sector tan importante de la economía.

COLUMNA

Dada la importancia de la colaboración con los festivales, las ONGs y el sector non-profit , la CCIAP está favoreciendo la membresía de entidades sin fines de lucro, lo cual es una novedad y un reflejo de la necesidad de colaboración entre sectores para generar innovaciones e incidencia en asuntos de interés público. Entidades como el Museo de Arte Contemporáneo, la Fundación PRISMA Danza, la Fundación A partir del lanzamiento del proyecto Gramo Danse y el Festival Internacional de Cine de Panamá ya han entrado a ser TRAMA en 2015, Ciudad del Saber ha miembros de la CCIAP para participar en sido un actor principal para el impulso y posicionamiento de las industrias creativas los trabajos de la nueva comisión. en Panamá, como sector clave en el desaEn total, unas 80 entidades y empresas rrollo de una economía más innovadora, se han participado en las actividades inicia- generadora de empleo y oportunidades, así les, de las cuales cerca de 30 son nuevos como de cambio social y de prestigio para miembros de la Cámara atraídos por esta el país. Tras cuatro años de trabajo, se ha iniciativa, lo que demuestra el alto grado logrado crear un importante entramado de de interés y motivación que ha generado relaciones de colaboración entre personas y entidades interesadas en generar, aplicar esta iniciativa. y divulgar nuevos conocimientos sobre el Las empresas y entidades participantes papel de la cultura, la creatividad y la inhan acordado organizar actividades dirigidas novación como motores de una economía a fortalecer sus conocimientos sobre los más dinámica e incluyente.

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s h o r t

C U T S

cine WITHOUT GORKY (Netflix) :

18 THE 100 YEARS SHOW (Netflix):

S H O RT C U T S

Cortometraje documental que sigue a la pintora abstracta y minimalista cubano-estadounidense Carmen Herrera mientras celebra su centenario. Carmen Herrera es una de las artistas más antiguas de la actualidad. Fue una pintora abstracta pionera en los años 40 y 50, pero solo recientemente encontró el reconocimiento que la eludió durante la mayor parte de su carrera.

Without Gorky es un viaje personal hacia una poderosa tragedia familiar. En el centro de la película están las conversaciones entre la directora, Cosima y su abuela, Mougouch. Toda la familia ha sido formada por el legado dejado por el abuelo de Cosima: el pintor expresionista abstracto Arshile Gorky. Su suicidio en 1948 todavía hace eco y perturba las relaciones familiares. Mientras Mougouch, recuerda su tiempo con Gorky, sus hijas, Maro y Natasha, revisan los recuerdos dolorosos de la infancia. Gorky fue un personaje esquivo que escapó del genocidio armenio y se reinventó a sí mismo como un artista romántico en Nueva York en los años 30. Luchó como pintor hasta que encontró en Mougouch el apoyo emocional que necesitaba para prosperar. Para empezar, su relación era apasionada e inspiradora, pero la presión de dos niños pequeños y nada de dinero pronto les causó una gran presión. En 1947 fue golpeado por una serie de tragedias que llevaron al suicidio.

BELTRACCHI: The Art of Forgery (Youtube): Un fascinante, estimulante pero sorprendentemente divertido documental sobre la vida y los tiempos de Wolfgang Beltracchi, que engañó al mundo del arte internacional durante casi 40 años al forjar y vender pinturas de maestros de principios del siglo XX. Una personalidad más grande que la vida, responsable del escándalo de falsificación de arte más grande de la era de la posguerra.

CARTAS DE VAN GOGH (Netflix): Es una película biográfica animada experimental, nominada en los Premios Oscar del 2018 a Mejor Largometraje de Animación, que habla sobre la vida del pintor neerlandésVincent van Gogh, enfocada particularmente en las circunstancias de su muerte en 1890. Es la primera película animada completamente usando pinturas.

| CINE

por ELEMENT.

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Secciรณn de la revista

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A RT E

Artivismo y Expresionismo. “Queer” o Gay por MICHAEL PRINCE BENT.

Si le preguntamos a Google el significado de expresionismo encontraremos muchas definiciones y ejemplos muy acertados, pero de todas esta sería la que mejor se ajusta al tema: “El expresionismo es un movimiento artístico que representa las emociones del propio pintor enfrentado a una sociedad llena de miserias, angustias, soledad y guerras”. Dicho esto, es importante también darle paso a la definición de Artivismo, que no es más que un acrónimo formado de las palabras arte + activismo, representando el uso de la creatividad para protestar, emitir críticas o denunciar algún hecho; tiene sus raíces en las vanguardias artísticas del comienzo del siglo XX, como medio o lenguaje de transformación social, que sirve para dar una nueva vía a las necesidades de expresión y se le suele denominar “movimiento por la democracia cultural”, Un movimiento de vanguardia que busca expresar lo humano frente a la sociedad mediante sentimientos de angustia, dolor, desespero, deseo y todos nosotros como espectadores debemos adquirir conciencia de lo sagrado que tiene este tipo de arte. Este movimiento se reinicio con el asesinato de varias personas homosexuales en la década de los 90, sucesos que fueron tomadas con indiferencia por la sociedad.

A RT E

Artista: Daniel José Cabrera Castro. Obra: L’Inconnu.

Artista: Jonathan Kent Adams. OBRA: Love in Public.

3. 5.

Artista: Daniel Arzola. Obra: Campaña “No soy tu chiste".

Artista: Jonathan Kent Adams. Obra: “A Rose for Marina”.

Una de las menciones válidas de Artivismo es la campaña “No soy tu chiste”, creada por el escritor, ilustrador y activista venezolano Daniel Arzola. Una campaña contra la 2.

Esta campaña se creó en respuesta a la trágica historia del joven Ángelo Prado, quien terminó quemado en un ataque homofóbico. Arzola en unas de las muchas entrevistas cuenta sobre qué lo inspiró para crear la campaña: “Después que me robaron y rompieron todos mis dibujos me “bloqueé”. “Volví a dibujar cuando me enteré que hay gente que corre con menos suerte. Yo logré escaparme, no tengo marcas en el cuerpo ni nada. Pero un chico de mi ciudad fue a un liceo a pedir cupo y le dijeron que no aceptaban homosexuales, unos compañeros de clase lo bañaron en gasolina y le prendieron fuego, quedó vivo con el 70% de su cuerpo quemado. Este hecho no fue cubierto por ningún medio. Si esto hubiese pasado en otra parte del mundo, ya tendríamos un musical y una película sobre Ángelo Prado. Pero como pasó en Venezuela y en Maracay, nadie sabe quién es, ni que en pleno siglo XXI te queman por ser homosexual”. Esa misma semana, Daniel fue al cine a ver “Cloud Atlas”, una película de Lana y Andy Wachowski. Tiene una pareja homosexual como protagonista, una historia muy hermosa que termina en tragedia. Yo estaba en el cine y toda la gente se estaba riendo porque eran maricas. No importaba el dolor. Se reían por ser maricas. Y me pregunté ¿Cuál es el chiste? Llegué a casa e hice un dibujo con todas esas emociones. Nadie tiene derecho a lastimarte por ser diferente. Ahí empecé con la filosofía de la campaña: "Soy diferente y tengo derecho a ser tratado igual".

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homofobia y toda forma de discriminación y violencia hacia lo “diferente”, que presenta mensajes claros como: La homosexualidad no se aprende, La homofobia si. No es obligatorio ser heterosexual. No soy tu chiste…

Son muchos otros los artistas y obras del pasado que podemos resaltar como: “El Maricón de la tía Gila” por Francisco Goya, “San Sebastián” por Guido Reni, “Hermafrodito” por Matteo Bonucelli. Y entre las voces más contemporáneas se encuentran: Jonathan Kent Adams, Daniel José Cabrera Castro, Jordi Molla, David Parise, Harriet Horton, Alexander Glass, Laurence Philomene, Manuel Solar, por mencionar algunos.

A RT E

En lo personal, el Artivismo y Expresionismo son el mismo movimiento, llevados con diferentes nombres por medio de cada uno de los artistas del pasado y el presente. Conocer cómo puede influir el arte de forma positiva en la vida de las personas y la sociedad es una gran ventaja, sirve de motivación y estrategia para entender la visión del artista y el mensaje que busca transmitir.

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arte

EL CONTENEDOR MAC

El museo sale de sus paredes”. Esta frase define en su sencillez, una de las tres acciones que integran el programa de promoción artística y formación cultural “Acercando el arte a sus actores”, que incluyen: “El contenedor MAC”, “Método del dicho al hecho, sesiones sobre arte contemporáneo”, “La revisión de la colección permanente del MAC”. Un programa que pretende fortalecer el ecosistema artístico, y que nace como resultado de una innovadora alianza público-privada entre el Museo de Arte Contemporáneo de Panamá (MAC) y el Instituto Nacional de Cultura (INAC). Demostrando que cuando los actores de la sociedad, enfocamos nuestros esfuerzos en un objetivo común, en pro del bienestar general y unimos talentos, recursos e ideas, se logran grandes proyectos con invaluables resultados de importancia cultural. El MAC y el INAC, con esta alianza crean espacios democráticos de acceso al arte contemporáneo para los principales actores de la industria del arte y creatividad: los usuarios (público), los productores (artistas) y los promotores (instituciones culturales).

S H O RT C U T S

Uno de los grandes retos al que se enfrentan los museos de arte y cualquier plataforma de comunicación creativa, es el de llegar a su público. Puntualmente, en el caso de las instituciones de promoción cultural, el mayor reto es lograr una audiencia constante, que visite sus instalaciones en busca de los contenidos que se exhiben de forma temporal o permanente. De seguro la última vez que muchos visitaron un museo, fue en su época escolar, gracias a las excursiones anuales

| A RT E

fotografías cortesía del MAC PANAMÁ.

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arte organizadas por aquellos maestros comprometidos con su labor de formación cultural. Otro reto que tienen las instituciones, es la percepción errada y mensaje heredado por generaciones, de que el arte es elitista y que sólo está destinado a ciertas personas de niveles socioeconómicos altos. Siendo un limitante del deseo y por ende del sentimiento de derecho y pertenencia cultural, que debemos tener todos sin distinciones...

S H O RT C U T S

Un mini museo que lleva la colección del MAC Panamá por primera vez al interior del país. Con un sólo norte, acercar de manera gratuita el arte contemporáneo a zonas donde normalmente no hay museos de arte y tampoco se exhiben muestras de este tipo, brindando un espacio seguro y abierto a toda la familia para disfrutar de obras en formatos no convencionales pertenecientes a la colección del Museo de Arte Contemporáneo.

El proyecto “El Contenedor MAC”, es una exposición móvil, abierta al público de las provincias de Chiriquí, Veraguas, Azuero y Panamá Oeste, por un período máximo de dos semanas en cada ciudad. Consta de dos contenedores de 20 pies cada uno, embellecidos en su exterior con un estampado de figuras geométricas multicolores realizadas por el artista Cisco Merel y otros colaboradores, adecuados para albergar obras de arte bajo los estándares del museo. Uno de los contenedores funciona como la sala principal, con un área expositiva donde las obras seleccionadas tienen su protagonismo. El segundo contenedor, está destinado a la educación, y en este tanto niños como adultos acceden a talleres, cursos y actividades culturales de complemento, ligados a la exposición.

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por ALFREDO SMITH.

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La Ciudad que Habito. XIII Bienal de La Habana “El espacio arquitectónico sólo cobra vida en correspondencia con la presencia humana que lo percibe.” — Tadao Ando

24 por MAYLIN PÉREZ PARRADO.

CURADORA.

Las prácticas artísticas contemporáneas se orientan cada vez más hacia el uso de la observación sociocultural, etnográfica, política y económica. Desde el ecosistema artístico actual coexiste una aproximación crítica hacia el medio, en este caso, “lo urbano”, signado también por sus poblaciones, las arquitecturas y la memoria. De esa relación se destaca la siguiente pregunta: ¿Cómo interpretar y exponer la ciudad a través del arte siendo ésta escenario del urbanismo, de la memoria individual / colectiva, de la historia y de los desafíos del ser humano?.

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La XIII Bienal de La Habana 2019 es el evento ideal para que los artistas analicen y muestren su visión sobre la arquitectura, el urbanismo y sus huellas; convirtiéndose así en un “laboratorio artístico” que explora el concepto de la ciudad que habitamos, un concepto tan cotidiano como interesante. En el proyecto participan los artistas cubanos

Artista: Nelda Castillo. Obra: Performance PIB.

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Imagen cortesía del Teatro El Ciervo Encantado.

Artista: Ricardo López Arias. Obra: Casa Dibujada.

Artista: Inti Hernández. Obra: Sendero de Vida VI.

Artista: Lissette Solórzano. Obra: Autorretrato.

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Inti Hernández y Lissette Solórzano por su interesante propuesta dentro de la creación artística cubana contemporánea; obras que transgreden por su poética paisajística, práctica del pensamiento e innovación. Por su parte la destacada directora de teatro Nelda Castillo propone el performance en escena de PIB 2018, una alarma implacable del hundimiento de la sociedad, del desecho material y espiritual que ha invadido los espacios culturales y cambiado de golpe valores en decadencia. El performance tiene en escena todo el tiempo a la actriz Yindra Regueiferos Ramos. Toda la representación se la pasa tirada en el suelo entre sacudidas, espasmos sin erguirse, tejiendo una coreografía con manos, piernas, torso, rostro, lengua, saliva, enfurruñamientos y torceduras musculares. Se escucha que silabea, pero está balbuceando o tartamudeando, arrastra palabras, articula y estropajea frases ininteligibles y soeces. Y entonces se produce un entramado de diversas combinaciones y variaciones entre los actos del habla y los actos gestuales.

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Por otra parte, la participación en el proyecto del fotógrafo panameño Ricardo López Arias, cuya serie Amador representa un (re)descubrimiento de la Ciudad de Panamá a través del objeto, el ambiente y la sobrevivencia mediante la mutación física en un entorno natural que invade la superficie respetando los límites de la memoria. Amador, antigua zona controlada por los estadounidenses que trabajaban en el Canal de Panamá, ahora constituye un área revertida con vista al Puente de las Américas y congelada en el tiempo, con muchas historias que contar. También participa el colectivo de creación audiovisual Cine Animal, con base en Panamá, con la proyección de videos musicales de la serie Panamá en el corazón. Cabanga. Esta serie nace de la colaboración entre la destacada cantante panameña Patricia Vlieg y Cine Animal. En la misma, se le canta a la Ciudad de Panamá a través de su historia, el paisaje urbano, lo cotidiano, su arquitectura y sus habitantes. Los videos presentan un gran cuidado de la fotografía, la cual funciona como testimonio visual de la memoria, la representación del presente y la nostalgia del pasado. La propuesta, redefine y expone el tema de la ciudad, la memoria y las relaciones humanas mediante obras multidisciplinarias (fotografía, instalación, diseño, performance y audiovisual); motivados por dos ciudades que, aunque han tenido procesos de desarrollo disímiles, algunos elementos se relacionan y dialogan entre sí: La Habana y Ciudad de Panamá.

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El arte como alma de la fiesta

Con el objetivo de recaudar fondos para sus exposiciones y programas públicos, el Museo de Arte Contemporáneo (MAC Panamá) realiza anualmente una cena de gala, la cual desde hace algunos años ha redefinido la manera de hacer eventos de fundraising por su contenido, fusionando diferentes disciplinas artísticas en una sola noche. Pero, sobre todas las cosas, ha refrescado la relación de sus más de 500 invitados con el arte contemporáneo y sus protagonistas.

por LUZ BONADIES. fotografías cortesía del

MAC PANAMÁ.

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Paralelo a la alfombra roja, los vestidos de cola y la champaña, hay una dimensión de la MAC GALA que revolucionó la dinámica de esta gran fiesta: el arte contemporáneo. A diferencia de las ediciones anteriores, las dos últimas se han caracterizado por poner a los artistas y sus obras en el centro, permitiendo que galerías de arte, tiendas de diseño, "art dealers" y artistas de diversas

ESPACIOS PARA EXPERIMENTAR

1. 2. 3.

Esculturas de Jiménez Dereida.

Under The Rug de Donna Conlon y Jonathan Harker

A ciegas por la ciudad, experiencia táctil MAC Gala. (2019)

Huele a Panamá, experiencia olfativa MAC Gala. (2019)

Paraíso Fiscal, experiencia visual MAC Gala. (2019)

Al visitar un museo o galería el espectador normalmente espera ver arte, no escucharlo, y mucho menos tocarlo, olerlo o degustarlo. Motivados por ofrecerles a los asistentes un espacio para pensar y apreciar el arte contemporáneo desde una nueva perspectiva, el equipo creativo del museo diseñó instalaciones basadas en los cinco sentidos, estimulando diferentes interpretaciones del Panamá de hoy a través de experiencias artísticas. A partir de experiencias pasadas, procesos cognitivos, físicos y químicos individuales, cada invitado experimenta sus propias reacciones, emociones y sentimientos.

En dos de los espacios se invitó a artistas panameños a exhibir piezas que reflexionan sobre la identidad nacional a partir del humor, los simbolismos y las construcciones colectivas de lo patriótico. Donna Conlon y Jonathan Harker con su pieza de video “Under The Rug” (2015) y Abner Benaim con la video instalación “Un momento íntimo” (2006), en la cual el público podía bailar salsa con el autor.

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disciplinas sean los protagonistas. Se trata de una extensión de la actual misión del museo: ser una plataforma para el diálogo y la creatividad basada en la cultura panameña, y el intercambio de experiencias artísticas; esto se mantiene consistentemente presente durante toda la velada, desde la gastronomía de autor, música, subasta silenciosa, hasta las performance audiovisuales y teatrales.

INVITADOS ESPECIALES INTERNACIONALES La ambición del MAC es posicionarse en el ámbito latinoamericano, compartiendo relatos urgentes para la región y creando vínculos con otros museos o instituciones de arte. Por esta razón, la noche de la MAC Gala reúne a importantes nombres de la industria creativa local con invitados internacionales, entre los cuales destacan mandatarios de países vecinos, directores de otros museos, curadores, galeristas y coleccionistas. En la versión 2018 los invitados de honor fueron “Los Carpinteros”, colectivo cubano radicado en Europa, que han dedicado los últimos años a promover el arte latinoamericano dentro y fuera de Cuba.

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En el 2019 fue el escultor costarricense Jorge Jiménez Deredia, primer artista plástico latinoamericano en colocar una obra en la Basílica de San Pedro y primer artista contemporáneo en exponer sus obras en el Foro Romano en la capital italiana.

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E L E M E N T con FAE 2019

Con gran éxito se realizó el Festival internacional de artes escénicas

Este año el Festival Internacional de Artes Escénicas (FAE 19) celebró su novena edición, coincidiendo con la designación de Panamá como Capital Cultural de Iberoamérica y con la celebración de los 500 años de fundación de esta ciudad, con el anuncio de que a partir de ahora será un acontecimiento anual, con el objetivo de promover y exaltar el trabajo escénico a través de esta fiesta del teatro y la danza contemporánea de Panamá y del mundo. por ELEMENT.

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—ROBERTO ENRIQUE KING.

Con éxito y una alta concurrencia de público de todas las edades se llevó a cabo este importante evento, concentrando este año sus actividades en 12 escenarios y espacios de la ciudad: los teatros Balboa, Anita Villalaz, La Plaza, en Circulo, Gladys e Inida, y los espacios alternativos Edificio Dekel de Plaza Bolívar, Estudio Multiuso GECU y plaza Catedral, lo mismo que el Centro Cultural de España, y la Academia Steps, locaciones que abrieron sus puertas a público, artistas y estudiantes y donde asistieron miles de personas durante una semana plena de arte y cultura. 20 presentaciones de espectáculos en sala, al aire libre y en escuelas, 4 clases maestras de danza, 3 talleres de teatro y danza, 6 conversatorios teatrales, la presentación de la revista teatral Conjunto, un conversatorio sobre dramaturgia centroamericana y 5 conversatorios críticos sobre las obras teatrales presentadas fueron ofrecidas por artistas y especialistas de 10 países invitados: Argentina, Brasil, Colombia, Costa Rica, Cuba, España, Francia, Estados Unidos, Uruguay y Panamá.

El equipo de producción del Festival Internacional de Artes Escénicas se manifestó complacido por los resultados alcanzados, por el respaldo del público y los excelentes comentarios recibidos durante esta semana, en la que se ofreció una selección de lo mejor de las artes escénicas contemporáneas locales y extranjeras, se aportó a la imagen y desarrollo cultural de la ciudad y se impactó en el movimiento económico del país. El Festival Internacional de Artes Escénicas es una producción de la Fundación pro-Artes Escénicas y Audiovisuales (Fundación FAE), miembro de la Red Eurolatinoamericana de Artes Escénicas (REDELAE), que contó en esta edición con el patrocinio principal de la Alcaldía de Panamá, y tendrá su próxima edición en marzo de 2020. ¡Larga vida al Festival!

“Para nosotros es un privilegio contribuir a hacer que la ciudad de Panamá se convierta en un escenario relevante y válido para encuentros culturales de calidad” Roberto Enrique King (Productor General FAE)

de los chicos del programa Enlaces de Santa Ana y El Chorrillo, el show de Trukyman de Cuba y terminó la tarde con teatro para toda la familia con el grupo Ex Anima de Costa Rica.

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“Para nosotros es un privilegio contribuir a hacer que la ciudad de Panamá se convierta en un escenario relevante y válido para encuentros culturales de calidad”.

Adicional a los espectáculos de agrupaciones internacionales de alto perfil y los espectáculos más alternativos donde se ubicaron los mejores grupos nacionales, el FAE desarrolló un programa social que incluyó teatro infantil y magia especialmente dedicado a los niños de las escuelas públicas de los barrios de Catedral, Santa Ana y Calidonia, alineado a la convicción de que el arte es un instrumento importante de educación integral para la niñez y la juventud, con alumnos de las escuelas como la Pedro J. Sosa, Justo Arosemena, República de México, José Manuel Hurtado, Estados Unidos y Hogar de la Infancia, quienes fueron llevados a los teatros Anita Villalaz y Gladys Vidal a disfrutar.

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También se realizó una tarde familiar, la cual arrancó en el parque de Santa Ana con un animado desfile o pasacalle junto a los amigos de la Tribu Performance, el grupo de Capoeira Cordao de Ouro, las zanqueras de Mega Producciones y otros artistas invitados, quienes animaron el recorrido hasta Plaza Catedral donde chicos y grandes esperaban con muchas ganas para disfrutar de la magia del Mago Marko, la presentación de danza

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moda 1. 3. 5.

Diane Von Fustemberg (DVF)

Modelo: Judy Attie en MacroFest. (2017) Fotografía: NGO Photography.

Modelo: María Alejandra Jaramillo. Pañoleta: Alfredo Sinclair por Franklin Panamá.

FUSIÓN CREATIVA.

S H O RT C U T S | MODA & ESTILO

Si alguna vez existió una unión entre disciplinas que reuniera dos mundos diferentes y diera como resultado creaciones de ensueño, sin duda serían la moda y el arte. En la moda existe un proceso de técnicas, algunas muy antiguas, que contienen un alto valor artístico tales como el origami textil, moulage o el bordado, que en conjunto con la aplicación visionaria de varios tipos de arte la transforman en un objeto funcional con alto valor estético:

Artes Aplicadas. Aquí es precisamente donde una figura, el diseñador, juega un papel fundamental en la simbiosis entre ambas pues utiliza la moda como una plataforma para ilustrar piezas de arte o movimientos artísticos como el "art nouveau", el cine, el graffiti, la escultura, entre otros. Que ambos medios encuentren un punto en común no es nada raro ya que son personas creativas las que en ellos habitan y en muchas ocasiones existe una admiración, personal o mutua, que inevitablemente cruza sus caminos y es algo que sucede a lo largo del mundo. El diseñador Yves Saint Laurent demostró el increíble poder que tiene la unión de ambos mundos con una serie de trajes inspirados en las obras abstractas de Piet Mondrian presentados en su colección otoño/invierno de 1965, los colores y el dinamismo geométrico característico de las obras del artista ayudaron a crear prendas que han sobrevivido el paso del tiempo y que aún inspiran a diseñadores a lo largo del globo. En épocas modernas encontramos marcas como Diane Von Furstenberg que, en ese momento, bajo la dirección creativa de Jonathan Anderson basó los colores y estampados de su colección otoño/invierno 2017 en las fotografías del libro “Idols” de 1973 realizadas por el fotográfo Gilles Larrain

que mostraban los coloridos y extravagantes visuales de la comunidad travesti, en si un trabajo revolucionario para su tiempo. Esta unión entre moda y arte también está presente en el trabajo de diseñadores en Panamá como John Bejarano quien para la temporada primavera/verano 2018 presentó una colección inspirada en las obras del artista Omar Rayo cuyo trabajo es reconocido por su tématica geométrica e ilusiones ópticas; por otro lado la diseñadora Greta Bayo entró en un mundo de fantasía e inspiración por la naturaleza con la estética "art nouveau", que predominó entre los años 1890 y 1910, creando una colección con tintes románticos para la temporada primavera/verano 2018. Las colaboraciones con artistas también son notables ya que abren un diálogo que muestra lo mejor de dos mundos, tal es el caso de la marca Franklin Panamá, admirada por sus pañoletas con estampados basados en molas, con el reconocido pintor y pionero del expresionismo abstracto panameño Alfredo Sinclair en el 2018 que no solo demostro el compromiso de la marca con el arte sino la capacidad de un artista de ver su trabajo como algo con caracter funcional. Otra colaboración notable fue la del diseñador Kim Jones, director creativo de 2.

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MODA & ESTILO

por ANDRÃ&#x2030;S CORELLA.

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estilo 3.

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moda

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MODA & ESTILO

S H O RT C U T S | MODA & ESTILO

Aunque la mayoría del público suele recibir versiones diluidas de este trabajo el negocio de la moda no es eminentemente superficial ya que en su centro existe el trabajo de expertos artesanos y creativos soñadores que no solo construyen prendas sino que dan vida a fragmentos de su imaginación, con profundidad y en muchos sentidos personal. Las técnicas de la alta costura, asi como las artesanales, componen un universo de prácticas que están destinadas a crear piezas con un alto valor artístico que ilustran desde explosiones de creatividad hasta identidades culturales. Puede que la moda no sea reconocida como un arte en su propio derecho pero quienes la crean desde su corazón respiran ese mundo y lo manifiestan en propuestas que generan emociones y esa es sin duda una cualidad de elementos iluminados por el arte.

Dior Men, con el artista Raymond Pettibon para la colección otoño/invierno 2019 en la cual se crearon piezas extraordinariamente bordadas inspiradas en los dibujos contemporáneos y expresivos del artista, llegando a inspirarse también en los motivos zoológicos que tienen presencia en sus obras. En su máxima expresión la moda es la ventana donde los diseñadores vierten su imaginación creando piezas tan fantasiosas como técnicamente magistrales, esta muestra de maestría en confección ha brindado al mundo algunas de las colecciones más profundas y conceptualmente hermosas que solo pueden nacer de la mente de artistas que definen una generación. “Plato's Atlantis” de Alexander McQueen, presentada para la temporada primavera-verano 2010, fue una historia que advirtió sobre el futuro del ser humano al derretirse las capas polares y de la posible necesidad de volver al mar adaptándonos evolutivamente como híbridos, creando piezas que simulaban la piel de reptiles y mamíferos hermosamente adaptadas a la silueta femenina. Mientras que la diseñadora Iris Van Herpen quiso trasladar su visión del paisaje terrestre natural y artificial visto desde las alturas para su colección de Alta Costura primavera 2018 interpretando la fusión de lo orgánico e inorgánico en diseños que son logros de la tecnología aplicada a la confección elevada de indumentaria.

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arte

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A RQ U I T ECT U RA

El día que el mundo del caballo se mudó a la boca del león Boutique Hermès en Via Bocca Di Leone.

por IVÁN CRUZ. fotografías cortesía de

HERMÈS. Fotógrafo

LEO TORRI.

Quizás no sea sorpresa para los versados en historia de la moda o incluso para los que poseen mejor conocimiento de cultura y mística fashion, pero para un iletrado en estos temas como quien redacta estas palabras, aprender que la casa francesa Hermès inició confeccionando arreos y sillas ecuestres, me dejó perplejo. Casi tan sorprendido como el día que descubrí que Peugeot comenzó fabricando (y aún fabrica) molinos de sal, pimienta y café. Debe ser un testimonio de la resiliencia francesa y tendencia a adaptarse al mercado en nuevas industrias: kudos a Francia. Continuando con la ambientación histórica y regresando a Hermès (en caso de que el estimado lector, en el espíritu de mayor respeto, solidaridad y franqueza resulte ser tan ignorante como quien escribe), inicia su trayectoria en París en 1837 del esfuerzo e ingenio de Thierry Hermès, un franco-alemán residente en suelo materno. Desde sus inicios atendió a una clientela exigente y privilegiada, primordialmente de la nobleza que disfrutaba de sus exquisitos diseños y confecciones. A pesar del cambio de mando a través de generaciones y, haciendo un time jump a la actualidad, la emblemática casa francesa se ha distinguido por la sobriedad y buen gusto atemporal de sus creaciones, el uso exclusivo de materia prima natural y una indiscutible calidad de confección. No es sorpresa que, en un creciente mercado de accesorios femeninos en subastas de lujo, los bolsos Hermès vintage dominen el listado de “objetos de deseo” con cifras que acarician los cientos de miles de dólares.

630 metros cuadrados de lujo en una calle histórica donde encuentran residencia las boutiques más exclusivas. Entra en escena el verdadero objeto de nuestro estudio, Palazzo Arconati-Negroni-Caffarelli en Via Bocca di Leone. ¿El motivo de la inauguración en la capital romana de la única tienda Hermès en suelo europeo en 2016? La celebración de cincuenta años de presencia de la marca en Italia. El nombre de la vía, se refiere a la presencia del detalle arquitectónico conocido como “boca de león”, el cual es muy común en edificaciones de la época. Estos agujeros eran destinados a un fin de carácter público: el ciudadano insertaba una nota de denuncia la cual se remitía posteriormente al departamento gubernamental correspondiente; básicamente un buzón de quejas anónimas con nombre mucho más épico y estilo renacentista. Hoy día, el curioso mecanismo ha cedido paso al correo electrónico pero mantiene su presencia como eco del pasado. La ornamentada mansión del Duque Caffarelli, hoy contentiva del universo de la marca, fue intervenida por el estudio de arquitectura francés RDAI, presidido por su director creativo Denis Montel. La firma, reconocida mundialmente por su elegante creatividad, ha sido comisionada tradicionalmente por Hermès en la creación y desarrollo de "flagship stores" desde Ginza a Beverly Hills. El palacete exuda refinamiento y exalta la marca francesa en dos niveles de mármol, cuero vidrio y cielos abovedados en una serie de habitaciones interconectadas que datan de la construcción original. Hoy día, estos ambientes sirven de escenario de despliegue a la familia de productos Hermès: “prêt-àporter”, bolsos, calzado, accesorios de seda, mobiliario de pequeñas dimensiones, artículos de cristal y porcelana y por supuesto, sillas ecuestres. El acceso a la tienda, precedido por una galería arqueada que sirve de portal, permite al cliente dirigirse al espacio destinado a caballeros a la derecha o damas hacia el sentido contrario.

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Lo último no se debe solamente a que los bolsos tengan un “je ne sais quoi” atractivo que genere en el cliente un impulso desmesurado y urgente de compra. En lo absoluto. El valor innegable de un bolso Hermès viene pagado en una calidad y lujo que supera los años y el abuso a que pueda ser sometido. Incluso cuando haya cedido al envejecimiento, lo hace con una gracia y carácter tales que solamente contribuyen a incrementar el valor de la pieza. No es un gasto, es una inversión. Kelly, Constance, El departamento de prendas masculinas Birkin... no son sólo nombres sino sinónimos del santo grial de las carteras y el líder intoca- exhibe mobiliario en cerezo y detalles de ble en simbología de estatus, valor y estilo. boiserie en madera oscura empanelando paredes, reminiscentes de los salotto roma¿Cuál sería el mejor hogar en Roma nos: un espacio de conversación imbuido para tanta nobleza de diseño? No se diga en intimidad y decorado con balones de más, un palacete italiano de siglo XVI con fútbol en cuero. Estos últimos en tonalidades

A la izquierda, bajo las bóvedas que se destacan en el techo, muros de ladrillo restaurados denotan la antigüedad y estilo de construcción romana del edificio. Los pisos se revisten en el clásico patrón Hermès Faubourg en sienna y blanco, con incrustaciones en vidrio moldeado y una “alfombra” de mármol Calacatta con la típica insignia Ex Libris, parte del comunicado de "branding" de la marca plasmado en acero inoxidable.

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de color de los equipos atléticos locales Lazio y Roma.

Otros detalles del espacio incluyen revestimientos de paredes confeccionados a mano en base a una técnica mixta de textil y minerales así como poltronas en cuero dorado pertenecientes a la línea Shanghai, diseñados por la firma RDAI. Mención especial se merece la escalera, siempre punto focal icónico en las tiendas Hermès, construida igualmente en base a grandes planchas de Calacatta con pasamanos en cuero y bañada de luz natural que invita a los clientes a expandir su recorrido.

Desde la romántica “Ciudad de la luz” a la “Ciudad Eterna”, la nostalgia que comanda la excelencia y tradición francesa encontró su hogar en la capital que evoca el poder del antiguo Imperio Romano. Los aficionados de la moda encontraron a su vez un nuevo lugar donde perseguir su elusiva Birkin... y quizás encontrarla.

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NEGOCIOS CON ESTILO

Leonardo Damonte

(LD)

Un creador que irrumpe y desafía, por medio del color, materiales e iluminación, al mundo de la escultura contemporánea. Son muchos los eventos alrededor del mundo que celebran a la cultura creativa global. Leonardo Damonte es un artista que cuenta con el ingenio de un niño, la composición de alguien que le gusta retar al ojo humano, su interpretación sobre lo que es arte y la opinión de la belleza de la sociedad. por MICHAEL PRINCE BENT.

Leo es un artista argentino que lleva una carrera corta pero trascendental en su país y que está buscando conquistar al mundo con su visión y la parte interpretativa, no sólo del conocido mundo del arte, también de una sociedad que cree que tiene la capacidad de criticar sin poder ver más allá lo que una persona puede ver en su mente, lo que analiza en su subconsciente y lo que crea en momentos de visualización. Desarrolla su trabajo por medio de la investigación y esta investigación puede llevarle meses hasta años, inclusive el desarrollo de un proyecto. En cada una de sus obras vemos los permisos, los riesgos y las reglas que sigue a la hora de crear. Su punto de vista, es el de un artista egoísta que no piensa en el público a la hora de crear para poder así no sentir la presión cuando lleva a cabo sus muestras y entiende que las redes sociales son su mejor galería de exposición, ya que mantiene sus obras de una manera latente y actual sin importar dónde se encuentren físicamente ubicadas. Para poder transmitir esos sentimientos gratificantes de pudor y adrenalina.

(MP)

La mejor forma de conocer quién es Leonardo Damonte, es desde sus propias palabras. Esto es lo que nos cuenta el artista sobre su obra, inspiración y desafíos:

fotografías cortesía del artista.

Me interesa, en particular, contar mi historia a partir del giro que ha dado mi obra en los últimos años, es decir, ahondar en cómo, a partir de una formación tradicional en escultura, mis producciones han devenido, hoy en día, en “construcciones”. Uso diversas técnicas, entre ellas la escultura, el dibujo, los objetos y las instalaciones.

NEGOCIOS CON ESTILO

Tal como lo han señalado algunos especialistas mi crecimiento artístico estuvo guiado por una necesidad de experimentación con el espacio, una suerte de ruptura que me permitió establecer un diálogo con el arte contemporáneo. Al pasar de lo que era la noción de escultura tradicional a la incorporación de dos procedimientos fundamentales: por un lado el ensamblado de elementos

(ready made) y por el otro, la escultura como disposición de elementos en el espacio, con la consecuente ocupación del mismo. En líneas generales, puedo decir que concibo mis obras a partir de los vínculos o relaciones posibles entre los materiales y elementos que la conforman, e intento establecer un nuevo orden entre los mismos. Para lograrlo, despojo a los objetos de su referencialidad objetiva de tal modo que adquieran una función invertida, diferente de su uso habitual. Los dispongo, entonces, en el espacio, mediante diversos procedimientos que me permiten conformar una serie de relatos en el que los elementos dialogan entre sí y con la totalidad. MP

De dónde proviene la inspiración para cada una de tus creaciones?

En las grandes construcciones que realizo parto del afán por tomar conciencia del espacio en el que trabajo y de adherirme a él por medio de los materiales que utilizo. No hay una búsqueda del material, voy a su encuentro. El objeto va a ser el disparador del que me apropio y designifico, los rescato del mundo de los objetos, me dejo llevar por la seducción que me producen. Me seduce el color, la textura, el ruido. Una cosa que hago mucho es observar, no soy un artista romántico con su estudio donde desarrolla su obra, por el contrario tengo espacios de pensamiento, puede ser mi casa, un café, un viaje, el hecho de mirar para mi es fundamental para el desarrollo de mi trabajo. Mediante la utilización de todo tipo de materiales de diferentes tonos y reunidos en excéntricos conjuntos de formas, intento adoptar una postura visual más cercana a lo pictórico. De esta forma el ojo va recomponiendo la escena. Los objetos están dispuestos de tal manera que el color de uno lleve directamente al color del siguiente, creando toda una secuencia cromática con la que se configura y completa la experiencia visual. La obra tiene en el color su máximo referente, en una constante búsqueda de vibraciones cromáticas. Al color de

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las formas, añado otros objetos de colores encendidos pero también luz con la que integro los diferentes elementos que componen la pieza. Mediante su investigación, profundizo en aspectos tales como la consistencia y la visibilidad de los objetos. Mi proyecto de trabajo contempla, por lo tanto, el estudio de las distintas instancias de intervención, resistencia o transformación que puede llegar a ejercer el discurso estético respecto de una realidad objetiva dada, y a la vez busca distintas posibilidades a partir de formas y materiales muy diversos como plásticos, gomas, vidrios, maderas y restos de objetos cotidianos, atendiendo especialmente a la relación entre dichos materiales y su organización compositiva e intencionalidad comunicativa.

Leonardo Damonte por Mariano Michki.

S/T 6, 2017 De la serie Home Trainer, Colección Abel Guaglianone y Joaquín Rodríguez. Buenos Aires.

Mi trabajo está ligado en mayor o menor medida a los formatos objetuales, creo necesario establecer analogías con artistas que plantean cuestiones similares a mi proyecto y siguiendo esta línea podríamos vincular mi trabajo con varios creadores desde los históricos como Dan Flavin, a mis contemporáneos como Jessica Stockholder, Tony Cragg, Pedro Cabrita Reis, entre otros por citar algunos. Aunque Stockholder tiene un estilo claramente distinto del mío, existe una proximidad en el uso de materiales y el protagonismo del color. En ambos casos el color conforma claramente el elemento que conecta a los objetos entre sí, e instaura una tensión que postula una unidad que nada tiene que ver con la referencialidad de los objetos en sí mismos. Asimismo, notamos puntos de contacto con mí propuesta en la obra de Cragg, en el modo en que genera la forma, en la manera en que elabora las piezas, que es un proceso de crecimiento. La escultura crece en el lugar y la construcción es un proceso de registro. Aunque sus obras se han concentrado en la investigación de materiales bien diferentes de los que planteo, sus obras se caracterizan por una búsqueda de posibilidades escultóricas respecto de formas y materiales. Ahora bien, otro de los autores que siguen esta misma línea de experimentación con los objetos es el portugués Cabrita Reis. Podemos encontrar puntos de contacto

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¿Podríamos vincular tu estilo al de otros artistas?

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con mi obra en lo que respecta a la pureza de los materiales: vidrio, tejido, luz, tubos 3. fluorescentes. El artista dispone los objetos y los despoja de su referencialidad al organizarlos de un modo pseudo-arquitectónico, bastante próxima a mi manera de generar una pieza. En mi obra no hay indicios de que el elemento haya sido usado como en su obra, por el contrario, en mi proyecto los elementos pierden su referencialidad objetiva y adquieren una función diferente 4. o invertida: la escalera no sirve para subir; la carretilla no acarrea. La negación del uso. No hay historia: los objetos no fueron utilizados, la unidad no está dada por el uso sino por la falta del mismo, es decir, por 5. la pérdida de identidad. La carretilla, por ejemplo, pierde su referencialidad como instrumento en este contexto, sin dejar de ser un material: plástico. Es el elemento en su potencialidad que se desprende de la forma. Es decir: la forma es el nexo que lo introduce en un orden que remite a otra instancia: la de lo que aún no es.

El proyecto desafía categorizaciones inmediatas e incita al espectador hacia la ambigüedad, ni acertadamente escultura, ni instalación, ni apenas objeto, delante de tantas dudas, la obra no explicita respuestas, permanece abierta como narrativa y provocación, donde los objetos violentados, des-significados y desprovistos de su verdadera identidad, funcionan como disparadores de nuevas y extrañas significaciones. MP

S/T. (2017) De la serie Home trainer. Tabla de planchar de mesa, cono deportivo, omederos, tubos fluorescentes, lámparas EAC. Montevideo. OBRADOR, (2015) Materiales diversos Miranda Bosch Gallery. Buenos Aires. SUEÑO DE FIEBRE, (2016) Carretillas PVC, artefactos lumínicos Centro Cultural Kirchner. Buenos Aires.

3. 4.

¿Cuál es el desafío al que te enfrentas como artista? A lo largo de su evolución, el lenguaje artístico ha generado múltiples discursos tendientes a captar y reflejar diversas experiencias. Hoy en día los medios de comunicación constituyen el principal canal de circulación. Por ende, la fidelidad hacia lo real se desvirtúa y la manipulación de la información adquiere formas extremas. Como contrapartida, el arte intenta dar cuenta de esa realidad muchas veces silenciada.

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El desafío que tengo como artista radica, entonces, en articular discursos que permitan mostrar lo que no está, lo que no se ve, darle voz a la desaparición, al olvido y al silencio. Y son muchos los artistas que han asumido y asumen este compromiso. Cada uno a su manera, con diferentes recursos e inmersos en distintos contextos políticos, sociales y culturales.

KNOWHOW

10 AÑOS SIN GUSTAVO ARAÚJO ~ EL ARTISTA VALIENTE Ya fuera con una partitura, con una cámara 35 mm, un lienzo o lo que seguía a un estrechón de manos, Gustavo trascendía en mucho más de lo que él mismo se proponía. Deja un legado de obras y amistades que hoy cosechan lo que él les dejó adentro con su firma y honradez.

por LUIS GUILLERMO MARTÍNEZ.

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“Mirando hacia atrás me doy cuenta del privilegio de crecer al lado de una persona tan especial. Que de alguna manera contribuyó a la definición de quién tú eres, una que has ido construyendo sobre ti mismo. Porque crecimos, Gustavo y yo, con muy poca diferencia de edad. Él era mayor año y medio. Y crecimos como si tuviéramos esa relación que tienen los hermanos mellizos”. Eduardo Araújo, para todos Walo, inicia este camino a las luces y sombras de la memoria con un café y un pequeño puñado de pastillas. Está en la sala de su casa, donde vive con Alí y Tica (sus dos Schnauzers) la mañana del sábado en la que se cumplen 10 años, cinco meses y 18 días de cuando su hermano murió atropellado. Las paredes de su casa en Áreas Revertidas son blancas. En ellas no hay fotos de papá, que ya murió, de mamá o cualquiera de sus cuatro hermanos. Tampoco hay réplicas colgadas de pintores reconocidos que busquen la reacción homogeneizada de un eterno legado. Hay arte en múltiples tipos de expresiones, discretamente ubicado en los dos niveles, todo con la firma de Gustavo Araújo.

“Participar en las conversaciones y reflexiones que están en muchas de sus obras; y de hecho participar en las discusiones sobre la vida entre dos hermanos, es una cosa que tiene un nivel de conexión que nunca lo he tenido con otra persona. Y no creo que sea posible con otra por la manera en que crecimos”. La grabadora tiene su luz roja, y recoge uno de los varios testimonios que dura horas para convencer a cualquiera de que Gustavo Araújo Sarria, con su vida en tres países y su éxito como artista, fotógrafo y músico, en uno de los seres más humanos y entrañables que Panamá no logra recuperar.

un lugar en donde podíamos estar solos, no como en la ciudad donde tenías que pedir permiso para salir. Es en la playa de los años 70’s en la que nosotros crecimos. Donde nuestros papás podrían dejarnos al garete todo el fin de semana y no nos pasaba nada. Podíamos bajar a la playa, explorar, subirnos a un palo e’ mango solos y caernos. Esa sensación de libertad era para nosotros, de alguna manera, ya de jóvenes adultos, como nuestra memoria de qué cosa era ser libres y qué era explorar el mundo”, destaca Walo, menor que su hermano por 17 meses. Con los años Gustavo devino en ese “enfant terrible” cuando se graduó, con 21 años de edad, de bachiller en ciencias del Instituto Justo Arosemena, luego de repetir algunos años en el Colegio La Salle. Tocar la guitarra tenía lustros siendo parte de su modus vivendi. Le sacaba la mugre a su guitarra con riffs frenéticos y se hacía melómano con la ayuda de Pink Floyd, AC/DC “y toda esa vaina”, recuerda Walo de los años en los que The Wall y los porros hicieron que mutaran ambos de ser los hermanos peleones de siempre a los mejores amigos de cada uno.

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De eso formó la mítica banda de rock Los 33 y abarrotaba los pocos espacios que había para batir la melena y pegar brincos. “Habían un par de bares emblemáticos en Panamá (capital): El Sahara, El Graucho pub. Una vaina bien histórica. En Panamá había que si un bar de rock, si acaso dos”, recuerda Lilo Sánchez, voz y guitarra de Señor Loop, una banda con casi 20 años de discografía y al menos 10 encabezando festivales locales. “Como todo estaba tan sectorizado y tan pequeño”, retoma su también amigo, “habían estas figuras y él estaba adentro. El man tocaba sin suéter y vaina. Era intocable, por lo menos para La historia de la vida de Gustavo se mí, cuando era muy joven. En los ochentas cuenta y construye con muchas voces. Todas y noventas era el grupo que más sonaba”. ayudan a descifrar cómo un tipo tranquilo al que no le gustaba que le tildasen de Gustavo empezó los primeros semestres artista, rompió paradigmas en cada esce- de la carrera de Informática en la Univerna en la que entraba sin pedir permiso, y sidad Santa María La Antigua, cuando en se apoderaba, deleitaba y escapaba. Y la paralelo ya tenía rodando canciones con presencia del mar en sus vidas es esencial todo el sucio del grunge y el metal gritado para entenderlos a los hermanos, y para en español. En el disco Malas Compañías, encontrar los rumbos y temas por los que el tema Múdate o Muérete, comienza con Gustavo surcó cuando su sensibilidad so- una dedicatoria: “Para nuestro fiel amigo: brepasaba los límites y se convertía en arte. Noriega… de Los 33”. Una de las estrofas, versa: ahora dicen / soy una rata / pues “Compartimos ese tiempo de la in- yo no quiero / salir de aquí / quiero vivir / fancia juntos en la playa con la familia. solo muy solo / revoluciones en Panamá / Explorando el mundo solos. Porque era ¡múdate o muérete!

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Secciรณn de la revista

Autorretrato con gola, (2007) pintura sobre madera.

Detalle de una foto de G. Araújo que J. Harker utilizó en su serie Postales de Panamá (2001).

Abou Saad Shrine (detalle), en Mogo #02.

Sin título (Autorretrato con Walo), (1993).

Manzana isla, (2008), acrílico sobre manzana de plástico encontrada en la playa.

Banda, amigos, compañeros, familia y Walo: todos despidieron a Gustavo, quien partió a Caracas con la piquiña del rock en sus zapatillas y sus primeros semestres de informática guardados posiblemente en un floppy disk. Llegó a la casa de Nora y Marcelo Saravia, ambos amigos de Dagmar, hermana mayor que Gustavo por 15 años, y lo recibieron como a uno más en casa, junto con sus 4 hijos y un sobrino, en el municipio de Baruta: un barrio del sureste de Caracas, a veces Bella Vista, a ratos El Cangrejo, y en otros Bethania.

De regreso a mediados de los noventas, Gustavo se instala para vivir en el Casco Viejo, una zona lejos de la que ahora encontramos cosmetizada. “Era una época en la que algunos amigos no nos querían ni ir a visitar por la guilla de la inseguridad… ese tipo de preocupaciones pequeñoburguesas (risas),” retoma Walo, “pero estábamos en Casco Viejo porque estábamos tripiando Panamá de otra manera, con una visión diferente a la de hoy en día: un lugar “cool”, patrimonio, hermoso, valorado por todo el mundo. Pero en ese momento era un lugar pobre, sucio. Sucede que cuando vives en ciudades grandes, como nos pasaba a Gustavo y a mí, te das cuenta cuando vuelves a tu país, de que eres un actor de cambio mucho más influyente de lo que pensabas y tienes esa responsabilidad de actuar”. “SUDABAN MELODÍAS / FUMABAN BAJO EL AGUA”

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Gustavo no tardó en forjar las relaciones más determinantes del resto de su vida y las que más influyeron, de ida y de vuelta, la forma en la que Panamá proyectó el arte contemporáneo. Llegó a trabajar en Publitrés (hoy P4 Ogilvy), una de las principales agencias de publicidad del país. Su vocación fotográfica la profesionalizó en estos años. Marie Claire Fontaine, quien dirigía la agencia de modelos Physical, recién incorporaba en sus filas a Jonathan Harker, un tipo que “era joven y necesitaba dinero” (como él mismo admite ahora al “Durante su tiempo en Caracas, Gustavo entrevistarlo). Harker, volvía del exterior se contagió del ambiente de más libertad, de hacer estudios y necesitaba el trabajo. que encontró allá. Nació su visión de sí mismo como un artista. Aunque tal vez ni La dupla dinámica entre Gustavo y Josiquiera se diera cuenta de eso, ni usara esa nathan Harker vino por defecto, cuando el palabra para referirse a su persona”, destaca primero frecuentaba la agencia de modelaje ahora Walo, quien paralelo a Gustavo, se por motivos profesionales. “Empecé a verlo encontraba estudiando derecho en la Uni- casi todos los días”, narra Jonathan,

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Sus padres putativos lo pusieron a trabajar en Unifot, una tienda especializada en el revelado de fotografía y la importación de los equipos más avanzados que habían en el mercado. Mónica Kupfer, curadora de arte, que trabajaría muchos años después con Gustavo en Panamá, estudió a fondo esta etapa caraqueña y, en una investigación que aún no publica, destaca los comentarios de Nora quien veía en Gustavo a un joven fascinado por una ciudad pujante, de muchos edificios y muchísima gente. Un joven que también empieza a experimentar con cuanta máquina llegaba a la tienda. Es así como Nora convence a Gustavo, quien ya tomaba fotografías en blanco y negro, a matricularse en la Escuela Técnica de Artes Visuales Cristóbal Rojas, ubicada en el cónclave de los museos y las artes de Caracas, al poco tiempo de haberle ayudado a comprar su primera cámara: una Pentax K 1000.

versidad Complutense de Madrid. Carola Saravia, entrevistada por Kupfer, destaca que Gustavo encontró “esa maravillosa posibilidad que brindan las migraciones: la capacidad de reinventarse. Vino siendo un informático con sensibilidad artística y social y encontró a un grupo creativo y las posibilidades para explotar su veta artística”. Luego Kupfer describe así las técnicas en las que empieza a divertirse como un pequeño rebelde, ahora con causa: desplazamientos del tiempo y el espacio, manipulación del obturador, la luz y las sombras; retrato, autorretrato, y cuerpos desnudos, siempre buscando desarrollar una mirada propia y personal.

“Gustavo encontró esa maravillosa posibilidad que brindan las migraciones: la capacidad de reinventarse.”

Era marzo del 88 y un reportaje de la BBC nos recuerda que en el país las tropas y batallones de Manuel Antonio Noriega antecedían las santamarías de los comercios fijadas por el piso. La gente pasaba hambre y los dólares escasos empeoraban la situación. El manodura había declarado un estado de emergencia, mientras que los civilistas llamaban a huelga nacional. Analistas cuestionaban la falta de estructura democrática para un futuro seguro y el pánico era un síntoma común. Un mes después, los dos más pequeños de la familia Araújo Sarria decidieron mudarse. Walo a Madrid y Gustavo a Caracas.

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HYHITS Nº2, (2007), óleo sobre tela.

EXIT, (2001), caja de luz de metal.

Con el switch del milenio Gustavo mutaba hacia su siguiente etapa. Dejaba a un lado, cada vez más, las agencias de publicidad y modelaje para entonces dedicarse a la revista y a su primera participación en la V Bienal de Arte de Panamá, con obras fotográficas montadas en grandes cajas de luz. De esto no pasaba mucho tiempo de haberse ido un año a estudiar en

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Por estas calles caminaban entonces una banda de amigos que comulgaban en muchas cuestiones. Todo un escuadrón de perros de reserva que rayaban lienzos, abrían sus micrófonos, enfocaban sus lentes, pisaban el botón de rec, y se empapaban de una cotidianidad para darle una narrativa con alma antropológica y formato de

Banca colgante instalada por G. Araújo en Puerto Francés, Portobelo, en 2006.

Algunos del clan no conocían a Walo todavía, porque estaba en la Universidad de Barcelona estudiando Cooperación Internacional y Desarrollo. El furor del Y2K estaba apunto de conver-tirse en el primer gran bulo de los próximos mil años. Gustavo, quien ya tenía su fotografía en el punto más editorial de su vida (entre tanto hizo, la portada del disco La Rosa de Los Vientos de Rubén Blades), subió a un avión con sus inquietudes, y se fue a drenarlas con su hermano en la Plaza de Catalunya en la fiesta masiva en la que el año cambiaba sus cuatro dígitos. Los ojos de decenas de miles estaban puestos en el Hombre del Milenio, una enorme figura de hierro de 15 metros de alto que cobraba vida cuando varios escaladores y artistas rellenaban su estructura. “Era La Fura del Baus”, retoma Walo, “llovía la champaña, y habían italianos, franceses, gente de todas partes. Fue cuando me pidió que volviera a Panamá porque quería que hiciéramos una revista juntos”.

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En la casa de Walo, el sonido de una decena de distintas aves se ahoga por el paso del tren de contenedores. Para él es como el sonido de la lavadora. Su voz estoica no cambia el tono mientras sigue él con su propia ruta: “Ahí fue donde comenzamos a explorar la ciudad de Panamá juntos y nos seduce la idea de construir relatos nuevos, desde la fotografía y los textos. Digamos que nuestra generación vivía con la sensación de haber nacido en el país equivocado. Nosotros teníamos una actitud diferente, de estar presentes, de sentir que donde estábamos era donde estaban pasando las cosas. No nos acomplejaba ser panameños, al contrario pensábamos ‘qué priti que somos’ y ‘qué cosas tan cool que tiene nuestra ciudad’”.

“A finales de los 90’s, inicios de los dosmiles, si tú tenías 20 años y querías ir a fumar a algún lado y estar tranquilo sin que nadie te joda…. Ibas para la Zona del Canal”, detalla Jonathan. “Todo era verde. Una arquitectura integrada a la jungla. Paisajes naturales que jamás habías visto. Esa sensación de ¡qué increíble todo esto! Yo siempre iba filmando con mi cámara mini DV. Salíamos a registrar porque nos fascinaba. Gustavo tenía esa curiosidad y sentido lúdico. Él no separaba aquello que era arte y vida. Miraba todo maravillado. Veía poesía en todo. Cuando lo captaba y lo trataba de expresar, lo hacía con mucho lirismo, con mucho tino”.

“It was the sixties!”, interrumpe Lilo emocionado al referirse a esos años en los que la administración del Canal de Panamá volvía a la mano de los panameños. Y Jonathan, quien ahora está trabajando mano a mano junto a Lilo en un documental sobre la vida de Señor Loop, retoma el hilo: “¡Sí! Había como una efervescencia. Mucha gente con muchas inquietudes por hacer cosas que sentían que nunca se habían hecho acá”. “Había mucha playa”, retoma Lilo, “fue un tiempo importante de ocio donde hacíamos y compartíamos proyectos en conjunto”.

vanguardia. Una tribu citadina conformada por el sonidista Ingmar Herrera, el publicista Miky Fábrega, la modelo (y al poco tiempo Miss Universo) Justine Pasek, las artistas visuales Donna Conlón, Rachelle Mozman y Pilar Moreno; los cineastas Abner Benaim y Ana Endara, y muchos músicos como Alfredo Hidrovo, Lilo Sánchez, Chale Icaza, e Iñaki Iriberri, por nombrar algunos.

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“él estaba interesado en desarrollar su lado artístico y estaba con esa inquietud de hacer cosas que no fueran moda y publicidad. Yo acababa de regresar de la Universidad de Florida y hablaba de cine experimental, de arte contemporáneo, literatura y filosofía. Empezamos a vernos a diario en su casa, la mía, en Physical, a “parkiar” juntos. Yo trabajaba en el guión de El Plomero, un cortometraje experimental”: un producto que se gestó de la convivencia de muchos artistas dentro de una misma casa, que bautizaron La Casa Tomada, y que atrajo a otros tantos hijos de la creatividad, como el disco Madretambor, el segundo de Señor Loop, y como las postales iconoclastas de Panamá en las que Jonathan se empolleraba y que muchos todavía no logran superar, entre tantos trabajos y anécdotas sublimes.

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el International Center of Photography (ICP) en Nueva York, en donde desarrolló sus habilidades por la fotografía citadina, junto a una visión intimista de la persona humana. Sandra Eleta, la fotógrafa más lírica que sigue teniendo Panamá, y quien era una figura materna para Gustavo, había estudiado en esa misma academia neoyorquina.

Gustavo ganó la V Bienal de Arte, para sorpresa unánime y disgusto de los más ortodoxos. El jurado compuesto por Gerardo Mosquera, Maria Elena Ramos y Alma Ruiz, le dio a su caja de luz, titulada Bocas el primer premio jamás entregado a un trabajo fotográfico. “Mi intención en estas obras es la de crear narrativas a partir de secuencias fotográficas como lo haría una cámara de cine”, se lee de Gustavo en el libro que recuerda esa Bienal. “Las piezas ofrecen la posibilidad de navegarlas en desorden, explorando cuadro a cuadro, o la de percibir una sola composición. En este momento, exploro las relaciones que se dan a partir de jugar con elementos de mi intimidad (memoria, domesticidad, relaciones a distancia) y un medio que tradicionalmente se ha usado para la comunicación masiva. La mayor parte de mi carrera la he dedicado al mundo de la publicidad de donde tomo ahora el medio, específicamente las vallas, un medio que me resulta familiar”, agrega.

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Ese era el marco en el que Gustavo le da forma en sus tiempos libres a Mogo, una revista hecha con estos amigos suyos, con quienes exploró los vericuetos más auténticos de la vida normal de una ciudad que tomaba sus primeros pasos rumbo a la pubertad. La primera edición llegó dos meses después de ese último espaldarazo en el rumbo artístico de Gustavo. Hicieron de Mogo una publicación trimestral, de hojas gruesas e historias casi inverosímiles, en un instantáneo objeto de culto. Destacaron historias como el de la señora de Paritilla, que musealizaba cada objeto que encontraba y lo disponía a la exhibición en su ranchito; como la del George Bush panameño, amo y señor de lugares tan míticos como La Casa Redonda de El Dorado y La Cascada de la avenida Balboa; o como la historia del mafá, que es una boquita de originalidad exclusiva en este istmo. Pero el proyecto apenas aguantó cinco ediciones. “Porque la hacíamos en nuestro tiempo libre. Porque no fue concebida para un negocio. Porque nos gustaba regalarla.

Cuando se dejó, era porque representaba una carga”, enumera Jonathan Harker, co-director artístico de la revista. “Hicimos esa revista como pudimos”, alega Walo, editor y escritor de cada número, “sin plata, porque nunca hubo un financiamiento; salió con nuestros recursos personales, vendiendo publicidad para pagarla. Nadie quería encargarse de eso. Obviamente, era la parte más débil de la revista. Justo cuando íbamos a perder plata nuestra dejamos de hacerla”. YO SOY EL FARSANTE A Gustavo lo llamaban de todas partes para ir y mostrar sus instalaciones. Esas cajas de luz en donde mostraba con sus fotografías secuencias frescas que exaltaban la interpretación indivi-dual, eran ese objeto del deseo para los museos y salas de arte contemporáneo de muchos países. Tras el triunfo en la Bienal de Panamá, el éxito se replicó numerosas veces: obtuvo el Primer premio en la II Bienal del Istmo Centroamericano Bienarte en San José, Costa Rica; Mención de Honor en la VII Bienal Internacional de Cuenca, Ecuador; y el premio especial del jurado en la VI Bienal de Arte de Panamá. Tuvo varias exhibiciones individuales y colectivas en Washington, Panamá, San José y Bogotá.

“Sus pinturas eran como vallas publicitarias que decían TODO ESTÁ EN VENTA AHORA.”

Estos reconocimientos a su fotografía manifestaban una evolución del arte a nivel regional, donde estas instituciones empezaban a mirar con mejores lentes lo que este panameño resolvía con su conocimiento, sus inquietudes, su experiencia. “Un día él volvió de la Bienal de Cuenca y contó que le dio un ataque de pánico en la ducha”, recuerda Jonathan, quien había ganado la VI Bienal de Panamá (emulando a Gustavo por ganar con un video y alterar los criterios preestablecidos); “también tuvo otro en Sao Paulo”. Lilo retoma el episodio: “Me parece que eso se siente muy difícil. No es fácil manejar ese caballo cuando estás montado. Si (ese éxito) es repentino para una persona con más de 40 años, entonces ese monstruo te necesita, porque en Panamá hay muy poco contenido. Sucede algo y todo el mundo se agarra de esa vaina. Y todo el mundo va a querer pasar de ti”. “Cuando le comenzó a ir bien, lo invitaron a participar en muchas exhibiciones en Panamá y otros países. Como suele pasar con artistas emergentes”, retoma su

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Portada de la revista Mogo #02 (2001).

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Portada de la revista Mogo #00 (2000).

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Isla Coiba, (2007), pintura sobre tela.

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Olas, (2002), caja de luz.

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Red Frog, (2001), animación digital.

hermano Walo, “el interés que despertó el trabajo de Gustavo, puso mucha presión y expectativas sobre él. Todo eso le dio mucha ansiedad y vértigo. Se sentía como un farsante. Después de unos cuatro años participando en bienales y otras exhibiciones, Gustavo dejó de estar interesado en el trabajo que había venido haciendo y abandonó su práctica artística por un par de años”. No era la primera vez que pisaba el botón de reset en el sistema. Atrás quedaron Los 33, las agencias de publicidad y modelaje, la revista Mogo y ahora la fotografía y sus instalaciones. “Gustavo cuando se sentía cómodo haciendo una vaina enseguida cambiaba por otra, para volver a sentir la inseguridad de la creación desde cero. Porque él no quería hacer fórmulas exitosas”, respalda su hermano.

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SILENCIO

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Hay un mensaje anónimo fluye por internet que reza: “La vida y la muerte han estado desde siempre enamoradas por más tiempo del que las palabras pueden describir. La vida le envía incontables regalos a la muerte. Y ella los guarda por siempre”. Adrienne Samos, curadora de arte y Pero incluso, a la misma muerte, siempre cercana en los procesos creativos de Gustavo se le nota cabizbaja, insatisfecha. Cada valida su genialidad creativa así: “Sus obras vez que va a llevar adelante su misión... se son como precipitaciones de su estado de siente ahogada por la indescifrable fusión ánimo y la explo-ración sobre sí mismo, de resignación y recompensa. intentando colocar en sentido (...) todas La noche pasaba de sábado para dolas piezas de su rompecabezas existencial: la familia, los recuerdos, el disfrute de lo mingo, 5 de octubre de 2008. Gustavo puramente estético, sus observaciones y se había ido con unos amigos a darse un reflexiones sobre los mecanismos de la curetaje de olas. Entre ellos estaba Marcos publicidad y la comunicación en la so- Paniagua, de 30 años, que participaba de ciedad contemporánea, su sentido del un festival organizado de surf en Playa hedonismo, del placer, su obsesión con Marqueta. Salían de la discoteca “Music”, el mar como símbolo y como elemento, que estaba en la vía Panamericana, en la ciudad de David. Todo esto detallado con al contacto físico”. la acostumbrada carente sutileza de un Pero cuando se puso a pintar, el mar artículo del diario Crítica del día después. comenzó a representar también otra cosa Eran la 1:50 de la mañana y la música no para Gustavo, asegura su hermano: “Su sonó más. temor ante las nuevas políticas del país Walo, mientras termina su desayuno que permitían la privatización y venta de las islas y las costas. Sus pinturas eran como panameño, ya en el ocaso de esta entrevallas publicitarias que decían TODO ESTÁ vista recuerda: “Es muy fuerte cuando una EN VENTA AHORA, incluida esta vaina persona desaparece de un segundo al tan bella, pura y sagrada como lo son un otro. No te da tiempo a acos-tumbrarte. bosque primario del Caribe o del Pacífico”. Cuando Gustavo se fue a surfear esa última vez, cruzó a mi casa para despedirse. Se Pintaba sin pensar en plata y sin galerista, iba todas las semanas a surfear y nunca se aseguran. Desde retratos propios, hasta despedía. Me despedí de él con un abrazo”. evocaciones nostálgicas casi palpables. “A mi se me quedaron las llaves en su

Cuenta Walo que es en las visitas a los museos de arte donde encuentra esa inspiración que veremos al poco tiempo retratados en sus cuadros. Esos años, entre 2004 y 2005 dieron pie al Gustavo más conforme con la vida que estaría llevando: ante lienzos en blanco y junto a su tabla de surf, su eterno sensei.

“Él se la pasaba todo el día ahí, en su casa, dedicándose a pintar de lleno”, recuerda Harker, a lo que Lilo interrumpe: “Siempre estaba ese tono chistoso dizque ‘ey, tú qué ‘tas haciendo… (y él respondía) toy haciendo art’... ¡El man ‘taba volando!”. Tenía su casa-estudio de Bella Vista llena de cuadros propios. De todo tipo, enfoque y tamaño. “A menudo, componía sus pinturas a manera de estructuras modulares de múltiples lienzos pequeños, mostrando un claro vínculo formal con sus anteriores secuencias fotográficas”, respalda Mónica Kupfer, en una conmemoración hecha a Gustavo en el Museo de Arte Contemporáneo de Panamá (MAC), en el primer lustro de su repentina partida. “Yo creo que ya había conseguido como que una tranquilidad. Había resuelto y domado muchos demonios internos. Como que había una paz en él. Que le había tomado tiempo”, reflexiona Harker.

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estudio”, recuerda Harker. “Y entonces lo llamé. Se había llevado las llaves para su casa y las fui a buscar porque me iba para Francia. El man estaba cariñoso. Él no era muy así, pero así estaba. Se acababa de rapar el pelo”.

La ausencia de Gustavo ha movido los tributos más diversos. El MAC le ha dedicado exposiciones sobre su heterogénea plástica, el cineasta Mauro Colombo hizo un documental sobre la influencia de su arte. El músico Alfredo Hidrovo le ha escrito dos canciones a su hermano del alma. Y sus amigos no reparan en recordarle anécdotas en su muro de Facebook, donde Gus-tavo dejó de portada un retrato suyo sobre un lienzo inconcluso… Anécdotas como aquella en la que el destino le atravesó a su tocayo Cerati en una calle del Casco Antiguo, para que terminaran junto a su amiga Justine Pasek bailando junto al astro en ¿Cuánto tiempo te tomó entender el videoclip de Paseo Inmoral. eso?, pregunté. Razones habrán muchas, pero todavía “Unos años. Primero pasas por una quedan personas que vinculan de alguna etapa en la que el vacío que deja la persona forma que desde que Gustavo nos dejó, es lo que más sientes, para más adelante no se haya hecho una nueva Bienal de comenzar a sentir también su presencia. Arte en Panamá. Te vuelves a conectar, sin necesidad ni Y entre tanto, Walo trabaja en un libro siquiera de prender una vela, ni de rituales. Cada vez que vuelvo al MAC siento sobre la obra de su hermano. Cuando lo súper fuerte la presencia de mi hermano. publique quiere hacer realidad un proyecto Porque pasamos muchas horas trabajando que Gustavo imaginó, pero que no realizó: ahí. Igual pasa con mi papá. Están ahí. instalar en una gran valla publicitaria en Ya no los echo tanto de menos porque la Vía España una fotografía que se tomó mientras dormía. en realidad están más cerca”.

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Walo lo piensa poco: “Surfeando, seguro. Se habría aburrido de pintar”; Harker se expande: “lo conocías y sentías que el mundo estaba lleno de posibilidades. Si él siguiera aquí, Panamá sería

Con la calma del dolor y ante la resignación a las preguntas más difíciles, una de ellas permite a quienes lo conocieron expandir la leyenda más personal que tienen sobre Gustavo Araújo Sarria: ¿Ahora qué estaría haciendo?

Hay una leyenda del folclor mexicano que narra las tres muertes por las que pasan las personas. La primera la sufrimos cuando nos enteramos que existe la muerte. La segunda, tan distante o tan cercana en el tiempo con la primera, llega cuando dejamos este mundo en el que todos nos acompañamos. Pero la tercera y definitiva, injusta como cualquier otra, llega en el instante siguiente en el que la última persona menciona por última vez nuestro nombre. Que sirvan los libros, las galerías, documentales, videoclips y todos los honores para darle a Gustavo Araújo la vida más larga y grata.

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FLUIR SIN UN FIN

Han pasado más de diez años y la vida le ha puesto los retos más grandes a Walo Araújo y a toda la banda de buenos muchachos que le rodeaban. “A tu cerebro le cuesta tiempo enfren-tarse a la idea de que es verdad. Me pasó varias veces que despertaba de un sueño y le quería contar a Gustavo algo que había soñado, pero luego caía en cuenta de que...”, las lágrimas se atascan en su garganta y tras la comida nos sirven el café. “En ese momento sí te das cuenta. Porque al principio del luto estás en negación. Puedes hacerlo neuróticamente o puedes pasar a través de esa vaina y aprender todo lo que tengas que aprender. Creo que el duelo de la persona puede destrozarla o salvarla. Precisamente porque tuviste una pérdida tan grande. Y es una buena oportunidad para replantear todo: ¿dónde están las prioridades, qué es lo importante?”.

distinto. Al menos en el ámbito en el que nos movemos. Tal vez estaría pintando, o estaría haciendo otra vaina, pero, ¿quién sabe?. Carlos Méndez, cantautor fotografiado por Gustavo para la portada de su primer EP, sospecha que el camaleonismo lo habría llevado a hacer una película. Y Adrienne Samos fluye: “Gustavo era un verdadero pensador. De aquellos que piensa sobre todo a través de la acción, del hacer. Imposible predecir qué habría hecho de no haber muerto, pero sin duda habría sido transformador”;

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“Gustavo tenía esa curiosidad y sentido lúdico. Él no separaba aquello que era arte y vida. Miraba todo maravillado. Veía poesía en todo.”

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CON TITO HERRERA

Tito Herrera por ELEMENT.

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E L E M E N T con TITO HERRERA

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fotografías cortesía del artista.

55 A finales del 2018, Tito fue seleccionado como ganador del primer lugar

CON TITO HERRERA

Desde hace dos décadas Tito se ha especializado en retratos editoriales y fotografía documental de viajes, con frecuentes asignaciones internacionales. Trabaja durante todo el año en sujetos y proyectos tan diferentes como cada lugar que visita. Su trabajo ha sido solicitado y publicado por importantes empresas a nivel mundial como: Revista TIME, The New York Times, Discovery Networks y National Geographic entre otras.

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a nivel mundial en la categoría “Editorial”, por el prestigioso concurso internacional “WORLD IN FOCUS”, organizado por la revista de fotografía Photo District News (PDN). Igualmente fue honrado por la oficina del Alto Comisionado de las Naciones Unidas para los Refugiados (ACNUR) por su trabajo reciente, los últimos 6 años, documentando los problemas de violencia, el desplazamiento interno y la migración ilegal en Centroamérica.

¿Cómo iniciaste en la fotografía?

Inicie “formalmente” en el año 1999. Estudiaba derecho, trabajando de pasante de abogado de día, tocando y haciendo música de noche. Mi “plan” era ese: ser abogado de día y músico de noche hasta que la música despegara y si no despegaba pues tenía el Derecho pa’ ganar plata jajajaj. En Segundo año de la carrera, una amiga que sabía que yo escribía canciones y “vainas” , me dijo de una revista juvenil de la época, Zipper, que buscaba artículos y gente que le gustara escribir y empecé a mandar algunos que publicaron. Yo fui colaborador de Zipper mi primer año quizás, solo como escritor de nota y los fotógrafos eran otros: Fernando Bocanegra, Miguel Lombardo, Carlos Lemos… Yo solo escribía. Fue Joel Díaz, editor y co dueño de la revista (y ahora fundador y creador de “El Gallinazo”), quien me dio el ultimátum: “Si quieres seguir publicando, tienes que traerme notas con fotos o no podemos publicarte más porque no tenemos fotógrafos pa’ mandarte”. Así fue como, por primera vez agarre la cámara. En el año 2000 publiqué mis primeras fotos. Nunca tuve la oportunidad de ser aficionado. Agarre la cámara desde el inicio para publicar y en menos de un año ya mis fotos estaban en la calle. Aprendí frente al ojo de todos. Eso fue bueno y malo. Me habría encantado haber sido asistente de alguien o ir a una clase o escuela formal, pero no se me dio. Me hice autodidacta y en eso me ayudó mucho la escuela de leyes. Me gustaba y me gusta mucho leer y me devoraba libros sobre fotografía. Aprendí rápido para poder seguir publicando.

Además de su trabajo en la fotografía y el video, dedica mucho de su tiempo a enseñar. Dicta conferencias y talleres durante todo el año. Es también uno de los miembros fundadores del colectivo artístico “LOS DEL PATÍBULO” cuya misión principal es la de promover y exponer la fotografía como una forma de arte. Junto a los del patíbulo ha participado de diferentes eventos, incluyendo una primera gran exposición colectiva a principios del 2018 en la que sus obras fueron expuestas y vendidas a coleccionistas de arte fotográfico.

Trabaja en varios proyectos de libros incluyendo “HABANA”: un recuento de sus múltiples viajes a la ciudad caribeña durante los últimos 5 años; y “Es Personal”: un recuento de sus fotos favoritas de sus primeros 20 años de carrera. Tito está representado internacionalmente por la agencia STUDIO at Getty Images (New York City, USA) pero maneja todo desde sus oficinas / estudio en la ciudad de Panamá y desde donde siempre está disponible para asignaciones y proyectos, locales como internacionales.

CON TITO HERRERA

“... el fotoperiodista está contando una historia así como el artista también está tratando de enviar un mensaje, su mensaje”

¿Cuándo pasó de ser un pasatiempo a ser un negocio rentable?

A los dos años de haber iniciado, como por el 2001 decidí que esto seria mi vida. Nunca supe si sería un negocio rentable, nunca lo calculé. Simplemente me enamore de la fotografía y decide que mi vida sería esa: documentar, contar historias, viajar y explorar. Nunca me detuve a pensar si ganaría dinero o si sería rentable o no. (quizás eso fue lo mejor). Nunca he tenido ambiciones económicas en lo que hago. Entiendo perfectamente

la necesidad de “sobrevivir”, he sido afortunado de poder no solo vivir de lo que amo, también poder mantener a una familia, comprar y mantener mi casa y que a mis hijos no le falte nada…. pero mi “definición de éxito” siempre fue: Vivir de lo que amo. Bajo mi definición, desde la primera vez que recibí mi primer cheque como fotógrafo tiempo completo, en La Prensa, y entendí que podía pagar mi apartamento, mis gastos y los de mi novia, y realmente vivir solo de la cámara me sentí que lo había logrado. Desde entonces, todo lo demás ha sido solo como adornar la cosa pero la meta se cumplió hace años: vivir de lo que amo. AS

¿Consideras la fotografía un arte?

Sí, la fotografía es muchas cosas. Definitivamente la fotografía es una forma de arte, es también un lenguaje. Yo me considero más un “comunicador” o contador de historias que artista. No me entiendo mucho de arte pero creo que entiendo un poco a las personas y me encanta contar sus historias. Hay gente que hace fotografía buscando hacer arte o verlas en una galería, yo hago fotos pensando en contar historias y que alguien entienda algo de ese lugar o persona que mira. Me gusta estudiar a la gente y sus vidas. Tratar de entenderlas. Pienso más como antropólogo que como artista. Jajaja.

Basado en tu experiencia, ¿Qué opinión tienes sobre la fotografía periodística versus la comercial y la artística?

Curiosamente no son tan diferentes: Muchos de los que hoy son considerados “artistas” son o fueron documentalistas, periodistas y/o fotógrafos comerciales. Hay una percepción errónea de la gente de querer separar a la gente y los géneros. Muchos “puristas” que usualmente no hacen arte pero solo lo critican, piensan que un fotoperiodista no es un artista o que un fotógrafo de arte no puede hacer comercial. Pero el fotoperiodista está contando una historia así como el artista también está tratando de enviar un mensaje, su mensaje. El fotógrafo comercial hace fotos cuyo fin es generar ingresos tanto para él como para su cliente. ¿No se venden las obras de arte también

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y no ganan tanto los galeristas como los artistas? Creo que los fotógrafos maduros y serios, y he conocido muchos en muchos lugares del mundo, entienden el respeto entre los géneros y que nuestra condición y metas son las mismas al final del día: Comunicar por medio de cuadros y poder vivir de lo que amamos. Usualmente son algunos con egos inflados, otros “conocedores” de artes fotográficas, coleccionistas, curadores, “Expertos en general” los que les gusta crear y promover esta clase de diferencias. Yo creo que tenemos, debemos tener la libertad de poder crear. A veces para un cliente, a veces para contar una historia y a veces para plasmar una idea conceptual. AS

¿La tecnología, un aporte o facilita demasiado el proceso?

Ahora estoy usando Sony como equipo principal. Sí, es cierto, volví a cambiar mi equipo principal al 100%. Las

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La primera cámara profesional que use fue Zenit, por el año 1999, después pasé a Vivitar. Después compre una Canon usada en una casa de empeño en la Avenida Central y luego en el 2003 me cambie a digital y mi equipo principal fue Nikon. Eventualmente cambie a Canon digital y excelente. En el el medio he usado y tengo Mamiya, Pentax, Holga, Leica, Yashica, Kodak, Fuji y Minolta.

Creo que ha facilitado muchas cosas y la proliferación de cámaras y opciones ha hecho también que mucha más gente intente hacer esto y darse cuenta que no es tan sencillo. Hay mercados de la fotografía que se han visto afectados pero en general sigo creyendo y experimentando por mi propio trabajo, que los cliente que saben de fotografía buscan a gente que sepa y entienden que la magia no la da la tecnología si no la experiencia de quien la utiliza. Darle una cocina de lujo a una persona que no sepa cocinar no es garantía de una buena comida. Lo que hace a un fotógrafo vigente es casualmente lo que tiene en su cabeza y no la dependencia de un sistema. Las cámaras son solo herramientas, la tecnología es tan buena como las manos que la sostengan.

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razones por las que uno cambia de sistemas son muchas y no es una decisión sencilla ni barata, se hace bien pensada, luego de asesorarme, leer mucho, investigar, etc, etc… Esto no hace te mejor o peor en nada, ni desestima en lo absoluto a nadie ni a nada. Si te muestro 10 fotos mías, cada una hecha con una cámara diferente, no podrías decirme cuál fue hecha con que cámara. Honestamente si no fuera por las fechas y la metadata del archivo quizás ni yo podría. Las fotos las hago siempre yo, no la cámara y yo sigo siendo el mismo, bueno un poco más viejo, quizás solo eso (cierra con una sonrisa). AS

¿Artista o un disparador de fotos? Ni una ni la otra. Pero si las opciones son esas me voy por la segunda. Yo de arte se muy poco, pero sí puedo confirmar que se “disparar fotos”. Jajajaja.

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“Igualmente fue honrado por su trabajo reciente, los últimos 6 años, documentando los problemas de violencia, el desplazamiento interno y la migración ilegal en Centroamérica.”

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OBJETO DE DESEO

Sevan Bıçakçı Una pasión por la arquitectura y la naturaleza de Estambul como su mayor inspiración. por MICHAEL PRINCE BENT.

Las memorias que produce Estambul pueden llegar a ser mágicas para cualquier persona que tenga la oportunidad de viajar a esta tierra, que te permite llegar a un punto de ver dos continentes como Europa y Asia en el horizonte de un mismo lugar. El arte es una manera de comunicación, el amor es una expresión de muchos sentimientos bellos de nuestro corazón, la vida son las lecciones que nos permite madurar y la belleza del entorno creado por el hombre en conjunto con la creación divina de Dios, estos son los mayores momentos de inspiración para esta reconocida firma de joyas.

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Sevan produce joyas y relojes que cuenLas tiendas de la firma, son como galerías tan la historia de Estambul y el eterno amor que este le profesa a su tierra, su gente, sus donde cada una de las joyas están expuescostumbres y sobre todo su capacidad de tas como el punto focal de cada columna, el tejado con las tradicionales formas de dar a los demás. los reconocidos domos de Estambul y la La compañía trabaja cada una de sus iluminación con el trabajo del papel tapiz piezas de una manera artesanal, trabajando te conectan con la naturaleza que rodea el diseño en un aspecto tridimensional por la ciudad. medio de las grabaciones en las más exquiLos relojes cumplen con los requisitos sitas gemas y piedras semi preciosas con las que trabaja día con día. Una pieza de Sevan principales de la comisión JAR (Jewelry Art Bicakci puede tomar meses hasta años para Responsability), sus precios pueden iniciar poder llegar al punto de consideración de entre $10,000 dólares por anillos y collares sencillos; los mismos aumentan según la estar lista para el punto de venta. pieza y el trabajo que conlleve la obra. Esta reconocida firma trabaja con un Cada pieza está confeccionada a mano margen de error que estadísticamente puede generar pérdidas millonarias para la com- con oro, plata, diamantes, piedras preciosas pañía, ya que se trabaja en las grabaciones de gran valor. Un rasgo distintivo en sus tridimensionales dentro de las gemas para creaciones son las formas tridimensionales poder demostrar por medio de las flores, en oro que son recubiertas por piedras aves, calaveras, las reconocidas formas arqui- transparentes. tectónicas de la famosa ciudad de Estambul, En su taller de cinco pisos cerca del la tierra de Fatmagül. gran bazar y luego a unos pasos de todos Cuando tienes la oportunidad de ver los edificios más importantes de la capital una pieza de su joyería y poder tener la turca, el orfebre con sus colaboradores, experiencia de utilizarla sabes que lo que diez personas, producen un máximo de 500 tienes enfrente es una pieza de arte única, unidades al año, porque la obra de grabado exclusiva, con una historia de amor y una toma mucho tiempo. Pero no sólo que la interpretación artística de alguien que busca muesca en el fondo de la pierna es una por medio de todo lo que ve y lo que lo técnica delicada, el riesgo de grietas en la inspira poder compartir su perspectiva de gema es alto y si al final del día el resultado arte y esa visión personal que busca compartir no es excelente se desecha todo. su amor por el arte de la joyería. Los diseños de Sevan parecen sacados de Dentro de las personalidades que han un cuento de hadas o de las mil y una noche. tenido la oportunidad de utilizar las piezas Son joyas de guerreros o príncipes. Evocan la de Sevan están: Julia Roberts, Whoopi Gold- esencia y reconoce el arte en la arquitectura berg, Tory Burch, Celine Dion, Adrianna como emociones nostálgicas de los rincones Lima, Lady Gaga, Elton John y la reina Isabel. místicos de su natal Turquía.

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Papel Tapiz Hermès, "Animaux camouflés”, variante: tropical Creado por: Studio Hermès. Diseñado por: Jan Bajtlik.

Afiche Villemot, “Perrier Le Voillier - Hokusai”, (1981) Autor: Bernard Villemot.

Camiseta Polo Lacoste. Diseño por: Keith Haring.

Afiche Villemot, “Le Couple Dansant”, (1980) Autor: Bernard Villemot.

Mochila Herschel Supply. Diseño por: Keith Haring.

Zapatillas Vans, “Van Gogh Starry NIght”.

Hermès, “Un Jardin Sur La Lagune”.

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Bolso Purificación García, "Shopping Origami".

Zapatillas Vans x Van Gogh Museum, "Vincent Van Gogh Skull True”

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Pañuelo de seda Van Gogh, “Lirios”.

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Zapatillas Vans x Van Gogh Museum, "Vincent Sun Flowers True”.

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Camiseta Van Gogh Puik®, Los girasoles cristalizado.

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Escultura Kirisus , Elefante de papel, Autor: Jesús Avendaño.

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Loewe, Solo Origami.

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El cine: el sastre de nuestras vidas

IFF 2019

por LUIS GUILLERMO MARTÍNEZ.

la conversación entre los antes nombrados y Lila Avilés, directora mexicana, y Enriqueta Zafra, traductora y lingüista canadiense. “Creo que de alguna manera esa necesidad es humana”, comienza Jayro Bustamante, quien regresa este año al IFF con Temblores, la historia de una padre de familia evangélica que sale del clóset y encuentra una sociedad a la resistencia. “Digamos que nosotros desde países que han sido silenciados durante mucho tiempo en su historia general y reciente, el cine se plantea como un lenguaje que es mucho más amigable en el que puedes permitir que el otro continúe su búsqueda, porque le estás dando cierta información con el tema que estás tocando pero que lo haces de una manera en la que despiertas ciertos sentimientos en esas personas”.

Lila Áviles, quien presentó en el IFF su debut en el séptimo arte con la historia de una camarista de hotel, habla en el panel sobre el poder de verse a uno mismo reflejado en la pantalla del cuarto oscuro, al ver la historia de otras personas. “Todos tenemos etiquetas que nos identifican. Pero hay una universalidad que nos conecta y nos hace pensar que el arte, la naturaleza, el contacto humano, el intercambio de discursos y la linguística son todos importantes. A partir de que tengamos más en cuenta ese intercambio, mejor. A veces las fronteras son más cercanas: tal vez la persona que tienes al lado y no hay ningún tipo de conexión con ella”. Y Ron Haviv aporta: “Siempre ha habido esta necesidad de decir historias y demistificar quién es el otro”.

Estos directores no solo consiguieron darle a sus sociedades un espejo en donde verse sus lunares, arrugas y cicatrices. Lograron que con estos incómodos reflejos sus leyes cambiaran en sus países. Dos años después del estreno de Ixcanul en Guatemala se aumentó la edad para contraer matrimonio de 14 a 18 años. Shababi señala que tras el éxito de Cold Sweat, una legisladora iraní trajo el tema a debate y logró relajar la ley y permitir salir del país a mujeres deportistas, profesoras o con cargos especiales, sin el permiso de su cónyugue. La charla entre los panelistas terminó, entendiendo la responsabilidad intrínseca que conlleva hacer películas, y la de las audiencias de educarse a través del cine. El IFF condensó 73 largometrajes dentro de seis días de proyecciones. Al otro lado de la pantalla, quedó una audiencia, que a la espera del próximo festival en 2020, regresó a su casa con una lección aprendida, una inquietud adquirida, una sensación aún por digerir o una nueva ley por demandar.

IFF 2019

Los tres han hecho películas nacidas de sus inquietudes. Aparte, los une el hecho que estén sentados frente al público, dentro de una sala de cine, en la ciudad de Panamá, y al lado de otros valientes colegas, conversando sobre la trascendencia del cine en la vida misma. Una valentía que se resalta por el simple hecho de que “nadie necesita tu película”, como así lo Katayoon Shahabi, que para ella hacer afirma la cineasta iraní, cuando habla de hacer cine es sinónimo de saltar obstáculos férreos, cine por convicción. conversa sobre el poder de la imagen en su país: “El cine es muy poderoso, porque es Bustamante (luego de encontrar que los muy popular en Irán, que somos un país muy peores insultos eran hueco, inidio y comunista) joven y debido a que no importamos películas puso a Guatemala en los principales festivales de Hollywood (excepto en el mercado negro) del mundo en 2015 con Ixcanul cuando narró no hay competencia. Es importante tener esta la historia de María, una indígena adolescente imagen de nosotros mismos, porque permiten cuya familia busca arreglar su nuevo embarazo, cambiar las percepciones de las personas y las casándola con el padre que evade su respon- leyes. Nunca olvido cuando en 2003 la invasión sabilidad. Shahabi produjo Cold Sweat, junto a de EEUU en Irak habían rumores de que ellos una joven directora iraní, que cuenta el problema fueran a venir luego por Irán y un cineasta me de una heroína nacional que llevó a la selección dijo que no podríamos ser atacados porque nacional de fútbol sala a una final continental, y tenemos un cine y una imagen muy fuerte de que no pudo asistir por los complejos internos nosotros mismos. Al menos cada persona ha de su marido. Haviv diseccionó en un docu- visto una película iraní. Mientras que eso no mental la marca que ha dejado, en la historia sucede con Irak. Entendí que cuando no te de Panamá y de Bosnia, dos fotografías que conocen no les importas. Pero si te conocen él tomó y que ayudaron a cambiar el curso de no te atacan”. los acontecimientos de ambas naciones (una extinta) para siempre. Katty Zafra aborda el tema y destaca que: “para mi los cineastas tienen mucho mérito Durante la Gran Guerra, el cineasta Marcel poque los veo a ellos como los soñadores L’Herbier no tuvo que ir al frente de batalla. Sin prácticos. Hay que ser muy testarudo porque embargo, recibía el material filmado allí para les dicen que no y ellos ¡que sí! Y tienes la que él lo ensamblara para el Servicio Cinema- posibilidad de impactar a millones gracias tográfico de la Armada francesa. “Todo lo que al lenguaje internacional del cine porque se filmaba en el frente pasaba por nuestras puedes ver una película en 40 mil lenguajes manos. Cortábamos, empalmábamos y esco- diferentes pero sales de la peli que te tocó gíamos lo que sería mostrado. Vi imágenes del o no te tocó. Yo pienso en Charles Chaplin y horror: soldados que habían sido eviscerados, Tiempos Modernos. Esa peli me impactó por cortados en dos, decapitados. Esa impresión él ser un cómico y cambiar el mundo. Cuando me reveló que yo debía ser un realizador de salió en los 30’s Madrid estaba en guerra civil películas”. Con esa cita, Pituka Ortega, directora luchando, y me imagino la gente saliendo de del Festival Internacional de Panamá (IFF), hiló la sala tras ver esa película”.

En esa testarudez por relatar sociedades ancladas en preceptos represivos, Bustamante y Shahabi encontraron resistencia entre ellos mismos. Al guatemalteco le tocó ver comentarios de sus paisanos en redes sociales que decían “yo no voy a pagar para ver indios si veo tantos en la calle”, en el albor de su película consagrada en Berlín. A la iraní le tocó lidiar con la clausura de exhibición de su largometraje en cientos de salas y a último momento por traer una película que buscaba sentar precedentes en una sociedad legalmente paternalista.

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Jayro Bustamante era mucho más joven cuando una vez se preguntó cuáles serían los tres peores insultos que más se dicen en su Guatemala natal. Katayoon Shahabi, era una de las miles de indignadas en Irán que no soportaban que una mujer tuviera que pedir permiso a su cónyugue para cruzar sola una frontera. Ron Haviv en vez de correr por su vida, empuñó su cámara y disparó el obturador cuando un batallonero se volcaba encima del desarmado vicepresidente de Panamá en una tarde violenta en la peatonal.

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La fascinaciรณn del error

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por CATALINA AGUAYO AGUDELO.

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Lo único perfecto que tiene el ser humano es la capacidad de equivocarse. Siempre trato de buscar el error en el arte. Esa marca que me susurra que la obra no fue fabricada por un ente perfecto sin margen al error.

Al salir de la oficina, me llevaron a recorrer la bodega donde tenían millones de impresiones de obras de arte, una encima de la otra. Había un taller donde las hacían ver más reales, un taller para enmarcarlas y por lo menos, 5 talleres más para ayudar a que una pieza se viera perfecta: como un original.

Un ejemplo de ello es la obra de Antonio Carreño, pintor abstraccionista contemporáneo, que me recuerda al paralelo que existe entre la fotografía y la pintura. Su trabajo se caracteriza por pinturas llenas de color que emiten energía, por medio de marcas hechas con espátula y texturas que traen consigo movimiento, creando una composición impecable y llevando a los ojos del espectador a viajar por toda la obra, mientras se hacen conexiones subconscientes con paisajes. Como en la fotografía, Carreño captura un momento en el tiempo y lo interpreta con oleos y acrílicos, dejando sobre el lienzo marcas que permiten ver las bellas imperfecciones causadas por los trazos perfectos de su mano.

Hace unos meses tuve la oportunidad de visitar una fábrica que exporta impresiones de obras de arte a galerías móviles alrededor del mundo. No sabía qué esperar. El sitio era grande, e incluso me perdí cuando llegué. Después de una breve introducción a lo que entendí que era un negocio basado en ventas de obras de arte al por mayor, mi curiosidad aumentó exponencialmente.

En las dos, podemos disfrutar la perspectiva de cada artista sobre su sujeto de estudio. Una fotografía nos da la oportunidad de explorar detalles que el ojo humano es incapaz de registrar, mientras que una pintura nos muestra una perspectiva diferente planteada sobre un lienzo.

La marca hecha por el hombre es la que nos conecta con el arte. Es el común denominador entre obra y espectador. Es lo que nos hace sentir más humanos y nos vuelve vulnerables. Cuando comprendemos que otro igual es responsable por la creación de una obra que despierta algo en nosotros, nuestras almas se abren e iniciamos un viaje al entendimiento de nuestro ser. La reproducción de una obra original le quita Tanto en la pintura como en la fotografía, la magia al gesto del artista, reduce el error dos disciplinas del arte que aprendieron la evidente de la obra y asimismo todo lo que una de la otra, el error humano es evidente. la hacía interesante. Lo que más me llamó la atención, es que en ese espacio que cuenta con más de 500 empleados, solo había una mesa pequeña destinada para alguien con el título de artista. Esto me hizo llegar a la conclusión de que llamarle arte a diez mil impresiones de una pintura firmada por cualquier artista reconocido, hace que la obra carezca de sus valores originales.

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Era digital: Rompiendo barreras para los artistas

R E P O RT

por SANDRA CASTILLO.

Para el mundo del arte, tan complejo y amplio como es, esto se traduce en un medio de conexión que ha permitido descubrir y compartir el arte de una manera nunca antes vista. Donde compradores, coleccionistas, galeristas y aficionados ahora tienen acceso a mayor información y comunicación directa con una vasta cantidad de artistas y sus trabajos. A la vez, los creadores tienen mayores posibilidades de promover sus obras y conectarse con potenciales compradores, ahora pueden construir e interactuar con una audiencia, y desarrollar un negocio rentable para su trabajo artístico. La conectividad e inmediatez también permite a nuevos entusiastas y enamorados del arte conocer y estudiar sobre los más sobresalientes y reconocidos pintores de cada época, sus obras y legado, permitiendo un enriquecimiento cultural importante.

Otra acción clave es ser activo en redes sociales, lo importante es definir cómo utilizar las redes como una herramienta a su favor. Estas plataformas han roto barreras de comunicación, y les brindan la posibilidad de exponer frente a los ojos de cualquier persona en el mundo su trabajo. También pueden crear una conexión con una audiencia e interactuar con ella, mostrar el proceso creativo de sus obras, colaborar con otros artistas, formar comunidades y hacer networking con otras personas cercanas en su área. Instagram es una red social de naturaleza visual, y el énfasis en su uso está en que existen varias historias de éxito a través de esta plataforma, que ha ayudado a usuarios a impulsar su carrera artística y encontrar oportunidades valiosas. Actualmente, hay galerías que usan redes como instagram para descubrir y conectarse con nuevos talentos. Nunca se sabe cuando alguien importante puede estar observando el trabajo de un artista y que esto se convierta en algo muy positivo para su carrera. Exponer en galerías online de arte, éstas suponen un buen espacio de promoción para conseguir la atención de más coleccionistas y profesionales del arte, ya que tienen una comunidad de seguidores más numerosa. Muchas de estas galerías ya tenían un espacio físico y han incursionado en el área virtual.

Entre mis artistas favoritas, que ha logrado éxito utilizando estrategias digitales está Heather Day, una artista de pintura abstracta, su trabajo se caracteriza por que utiliza colores vibrantes y contrastantes que transmiten energía y movimiento, combinado con texturas y formas. Lo que más me encanta de sus pinturas es la fluidez con la que utiliza el color, Heather ha desarrollado trabajos por comisión para empresas como Dropbox y Facebook; recientemente pintó un mural para el Urban Institute for Contemporary Arts en Michigan. Esta artista es activa en facebook e instagram, y utilizar herramientas digitales le ha permitido compartir sus pinturas y conectarse con coleccionistas interesados en su trabajo, además de comunicarse con artistas de otras regiones de su país; sumado a esto, el crecimiento que ha tenido en instagram le ha abierto las puertas de varias colaboraciones con instituciones importantes. Su newsletter y blog también forman parte crucial de su estrategia, porque le permiten una conexión más directa e íntima con su audiencia. Otra de mis artistas favoritas es la ilustradora de moda Megan Hess, sus ilustraciones son hermosas, tienen mucha personalidad, un estilo elegante y sofisticado. Entre sus clientes hay prestigiosas marcas como Dior, Vanity Fair, Chanel, Prada, entre otros. Incluso tiene su propia colección de libros, donde ilustra las principales capitales de la moda. En su instagram cuenta con un gran número de seguidores enamorados de su trabajo; obtener una de sus pinturas sería el detalle perfecto para la decoración impecable y sofisticada de cualquier habitación, es posible comprarlas en su tienda en shopify. En conclusión, el mundo del arte ha sido impactado de manera positiva por la era digital, donde nadie puede negar que es el mejor momento para los artistas, sobre todo aquellos que han sabido hacer uso de las herramientas disponibles, para incrementar sus oportunidades de conexión y rentabilidad.

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Los artistas pueden ponerse en contacto con revistas, blogs y websites sobre arte y enviarles su trabajo, lograr un espacio en estas El primer paso para promover su trabajo publicaciones significa alcanzar una nueva efectivamente es decidir qué quieren lograr. audiencia y más posibilidades de negocio. En el aspecto de negocio, para los artistas no solo es suficiente crear su arte, sino también Otras oportunidades de generar ingresos establecer metas concretas si lo que busca es que pueden considerarse son: "art licensing", tener rentabilidad y generar ingresos vendiendo trabajar por comisión y participar en colaborasus obras. Pueden desarrollar una estrategia que ciones con marcas, muchas de estas descubren debe incluir un balance entre opciones tradicio- talentos en redes sociales , y atraídos por su nales como la representación y promoción de estilo particular los contratan para formar parte una galería, lo que tiene incontables beneficios; de campañas publicitarias o nuevos productos. y también opciones digitales, para lograr aún más conexiones de valor y mayor exposición Ahora, algunas acciones más tradicionales ante una audiencia interesada en su trabajo. serían, buscar la representación y promoción

de una galería, participar en organizaciones y eventos de arte locales, inscribirse en competencias de arte, todo esto les ayudará a ganar más experiencia, exposición y contactos. Hay que encontrar un balance y tener lo mejor de ambos mundos, tanto personal como digital, para los artistas, la finalidad es mostrar su trabajo frente a galeristas, curadores, coleccionistas, compradores y otros artistas, ya que todo representa oportunidades.

Algunos de los artistas más influyentes en la historia, como Vincent Van Gogh y Claude Monet, no lograron durante su vida el éxito comercial y reconocimiento esperado por sus obras, no recibieron atención durante su época sino hasta mucho tiempo después, sin embargo, su trabajo hoy es admirado y muy respetado dentro del mundo del arte. La oportunidad de exposición directa ante una audiencia, que hoy permite la tecnología, difiere del panorama que se presentó para los creadores durante varias décadas; en palabras de varios artistas, ésta es la mejor época para su arte, es cierto que no existe una fórmula mágica o “shortcut”, pero sí más herramientas de exposición al alcance.

Entre ideas para considerar en la estrategia están la creación de un portafolio digital. Hay muchas opciones para crear sitios web funcionales y elegantes, que les permitan contar su historia, su inspiración y cautivar visualmente con su obra y estilo.

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La revolución digital, internet, "smartphones", redes sociales han tenido un impacto a nivel global en diferentes industrias, en los negocios, la comunicación y en cómo nos relacionamos, básicamente la forma como hacemos todo.

DESTINO

Un momento Ăşnico para el arte guna Dos exhibiciones en dos de los principales museos de la ciudad expresaron la profundidad y riqueza de este pueblo originario.

por RAĂ&#x161;L ALTAMAR ARIAS. www.altamarescribe.com/blog

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En un hecho sin precedentes, y de una manera totalmente fortuita, dos de los museos más prominentes de la ciudad de Panamá, el Museo del Canal Interoceánico y el Museo de Arte Contemporáneo, montaron dos respectivas exhibiciones que se adentran en la rica y poco divulgada cosmovisión y cultura guna. En ellas, el público pudo aprender sobre sus creencias, mitos e idiosincrasia, conceptos que fueron presentados con un talento creativo muy propio y depurado.

Diferentes en su concepto, formato y montaje, ambos proyectos representan una genuina bonanza para el público de la escena artística tanto como para los panameños en general, quienes a pesar de reconocer y exaltar conscientemente todo lo que es “nuestro”, aún desconocemos mucho de lo que “eso” es. En este caso, debido al currículum escolar limitado y sesgado del sistema educativo panameño, en conjunto con una población que se jacta de ser cosmopolita pero que en realidad es conservadora y moderadamente racista, desconocemos mucho acerca de nuestras pueblos originarios, además de que existe poca información en libros y otras manifestaciones culturales –ampliamente disponibles– que nos eduquen acerca de ellos. Los guna son reconocidos por su fuerte espíritu independiente y poco miedo a integrarse a las costumbres del hombre blanco. En Panamá tenemos educadores, servidores públicos de alto mando, artistas y emprendedores guna, aunque su actitud en general siempre es una de modestia y estoicismo en vez de alarde. Y en la era actual, en la que la diversidad y la tolerancia reinan, este grupo es un referente especial por su entendimiento y aceptación de minorías como las de sus homosexuales y albinos, quienes son tratados con un respeto mientras que en otras culturas igualmente antiguas serían rechazados.

DESTINO

Una cosmovisión, como el término bien lo dice, implica una perspectiva de su propia creación, una relación con la tierra y el universo, y una serie de costumbres que crean una comunidad entre paisanos. Los guna son mucho más que molas y chaquiras: tienen mitos de creación, tradiciones que marcan las etapas de la vida, cánticos, música y bailes, junto con otro montón de detalles chicos y grandes que no hay que ser un antropólogo para encontrar interesantes. La realización de estas dos exhibiciones, a simple vista y durante un año electoral,

MOLAS – CAPAS DE SABIDURÍA MUSEO DEL CANAL INTEROCEÁNICO 24 DE FEBRERO – 30 DE JUNIO La galería del ático de este museo ubicado en la Plaza Catedral en Casco Antiguo se ha convertido en un espacio para muestras de arte de primer nivel, habiendo tenido anteriormente una exhibición itinerante sobre la marca francesa Chanel. Ahora se transformó para albergar Molas – Capas de sabiduría, en la cual se exploró la forma y el fondo de esta técnica textil tan icónica y representativa, tanto de los guna como de Panamá como país.

Esta exposición, de hecho, se llevó a cabo primero en el Museo del Oro, en Bogotá, y posteriormente fue traída al istmo, en el marco de la celebración de los 500 años de la ciudad de Panamá y en “un momento propicio para reflexionar sobre la gran riqueza de nuestro diverso ADN cultural”, según el brochure impreso localmente. Fueron más de 200 molas, pertenecientes a diferentes coleccionistas privados, en las que se entiende la razón, el poder y el estilo de este colorido tejido.

DULEMAR MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO 3 DE ABRIL – 9 JUNIO

Amigos, (2013), pastel sobre papel, Lucio Kansuet.

Still de Burba, (2019), videoinstalación, Ana Elena Tejera y Fernando Fernández.

Gunayala sumergida, técnica mixta sobre tela, (2009), Oswaldo de León Kantule.

Still de Burba, (2019), videoinstalación.

Cocinando historias, (2014), técnica mixta sobre tela, Lucio Kansuet.

El gentilicio para referirse a los guna es gunadule, lo cual significa persona (dule) [que vive] sobre la superficie de la tierra (guna); la manera correcta de referirse a ellos es como el Pueblo Dule; “Dulemar” (plural de dule), expresión que dio título a esta exhibición de arte contemporáneo, es otra manera de referirse a ellos, destacados en la comunicación oficial como “Herederos de tradiciones ancestrales… sobresalen hoy como uno de los pueblos indígenas más autónomos del mundo por su larga historia de firme resistencia a la colonización y a la asimilación. Se destacan también como una de las sociedades más creativas: poseedora de una producción visual y un patrimonio material e inmaterial poco conocido por el público más allá de sus populares molas”. Pues, para empezar, no hubo ni una sola mola en el MAC. ¡Y esto es algo bueno! Ya la muestra anterior se encargó de este elemento de la cultura guna, así que el equipo de curadores de Dulemar, conformados por Walo Araújo y Gladys Turner, se concentraron en buscar conceptos más personales y soportes (formatos)

DESTINO

Hablando en términos pictóricos, las molas pueden ser tanto figurativas (reconoces una imagen de algo) como abstractas (solo ves formas y líneas). Sin embargo, cada mola tiene un propósito, una conexión personal con quien la hace, y hasta un poder místico. Los diseños les vienen a sus creadoras en los sueños, un tipo de inspiración cósmica, y muchos de los diseños abstractos que se ven lindos por sus colores y formas son

La muestra tuvo información general sobre esta cultura y la confección de las molas. Hay unas alucinantes por sus colores y formas que representan visiones cósmicas o leyendas ancestrales, mientras que hay otras más coloquiales y chistosas que reflejan la cultura popular, con sus políticos y súper héroes. Visitándola de verdad se comprendió que este tejido es más profundo y culturalmente rico de lo que anteriormente le dábamos crédito.

Lo primero que destaca de esta muestra es que viene de Colombia. Para muchos, yo incluido, resultó sorpresa el saber que la presencia guna va mucho más allá de la comarca Gunayala en el archipiélago de San Blas, en el Caribe panameño, y que se extiende hasta varias partes del territorio vecino. Existen otras comarcas en el territorio nacional y en el resto de las provincias, pero resultó curioso el saber que había gunas en Antioquía, Chocó y en otros departamentos colombianos.

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en realidad pictogramas poseedores de hechizos o mensajes protectores, ya sea contra el peligro de la naturaleza, de un enemigo espiritual o humano o para marcar una etapa de vida, como el paso de niña a mujer. El símbolo más representativo de los Guna, parecido a la suástica, es en realidad una representación de los cuatro puntos cardinales, y usualmente es presentado en movimiento y no de una manera estática. Las molas las producen exclusivamente las mujeres, y son parte de su vida diaria, aprendiendo las técnicas desde los cuatro años; de hecho, las tijeras juegan un papel importante en su confección, tanto a nivel técnico como conceptual.

podrían verse como si los sailas (líderes tribales guna) se hubieran puesto de acuerdo para recordarle al electorado acerca de su presencia. Todo lo contrario. Quizás los planetas se alinearon en su favor en este caso, y lo que estos proyectos resaltan es su creatividad, su talento y su mística personal, la cual es digna de reconocer y compartir.

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más ad hoc a este museo, o sea video, fotografía y pintura. Las obras pertenecen a una docena de artistas, entre los cuales hay gunas, otros panameños y extranjeros; nombres de maestros reconocidos como Ologwadi, Kansuet y Kantule están presentes, junto a otros talentos como Ana Elena Tejera, James Howe y Mónica Martínez. Si en Molas – Capas de sabiduría conocimos acerca de una de sus expresiones artísticas, aquí nos adentramos propiamente en la mentalidad de su gente, su historia y sus tradiciones pocas veces vistas fuera de las comarcas.

En las obras de la muestra el público pudo conocer sobre costumbres culinarias (cómo preparar una crema de zapallo), tradiciones comunitarias (la fiesta y preparación de una chicha ceremonial), los ritos de pasaje (limpia y bendición de una niña), la inspiración para las molas, la belleza física de sus hombres y mujeres, además de una visión contemporánea sobre la tecnología en la vida cotidiana. Aquí se les escuchó hablando y cantando, se les vió comiendo y fumando, se apreciaron fotos antiguas de cómo se vestían antes las mujeres con más adornos y prendas, y la estética propia de las molas fue reconfigurada en obras pictóricas con un mensaje más personal.

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La iniciativa para levarla a cabo surgió de Araújo, quien durante más de una década trabajó para la Agencia de Cooperación Española en Panamá desarrollando un programa de apoyo para el Congreso General de Gunayala; durante esa época él pudo aprender más sobre el Pueblo Dule, y años después, ahora como voluntario del nuevo Consejo de Exhibiciones del MAC, decidió proponer una exhibición que destacara la cultura guna. Comenta el curador: “Han sido muy interesantes las discusiones que hemos tenido sobre el tipo de exposiciones que debemos presentar, alineadas con la misión del museo: que hablen de temas relevantes para Panamá, en su contexto regional y global, que construyan sentido y que propongan visiones más inclusivas. Por eso propuse que para la celebración de los 500 años de la ciudad de Panamá que presentáramos una exhibición como Dulemar. Me inspiró mucho el trabajo que está haciendo la cineasta Ana Elena Tejera, con quien tuve las primeras conversaciones sobre una posible exhibición en el MAC, a partir del diálogo sobre su obra Lucíamor / La mola de Lucía y su documental ¿Dónde está la estatua de Panquiaco? Ana Elena

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me puso en contacto con el poeta Inawinapi (Cebaldo de León) y comencé con él también una conservación muy fructífera sobre el proyecto, en la que se fueron incorporando la curadora Gladys Turner y los demás artistas, así como expertos y expertas de los Congresos Generales de Gunayala”.

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Exhibición Molas, Capas de Sabiduría en el Museo del Canal. Fotógrafo: Randy Navarro. Agradecimiento a: José Alberto Batista. Dirección de Cultura y Educación Ciudadana Alcaldía de Panamá.

DESTINO

Así que por un momento único el ambiente cultural de la ciudad tuvo dos muestras profesionales y bien conceptualizadas que permitieron al público aprender sobre los guna. Para los panameños, fueron una opción para saciar esa curiosidad cultural sobre una comunidad con la cual compartimos el territorio, y la cual es tan digna y elevada como cualquier otra vecina (inca, mapuche, azteca, navajo, guaraní); mientras que para los extranjeros, estas exhibiciones son otra muestra de la riqueza cultural panameña, que incluye mucho más que el folklore de la región de Azuero o que los aportes afrodescendientes del lado Atlántico. Ojalá que en años siguientes podamos ver iniciativas similares sobre los Ngäbe, los Naso o los Emberá.

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T RÓ P I C O

Estampillas panameñas del ayer

82 por OSVALDO LEZCANO.

En todo el mundo, aunque parezca mentira, existen personas (se estima que un promedio de 50 millones) que todavía dedican gran parte de su tiempo a recolectar sellos postales, también llamados timbres, estampillas o estampas, y no es para menos.

plasman parte de la historia (tanto local como extranjera) a través de imágenes de monumentos, flora, próceres de la patria, sucesos, fauna, deportistas, edificaciones, etc.

En cuanto a Panamá, existe un abundante Esa afición, que tiene como nombre historial de sellos postales que datan de filatelia, consiste en coleccionar todo tipo mediados del siglo XIX, cuando el territorio de estampillas y más si son aquellas que panameño aún era parte de Colombia.

T RÓ P I C O

Sรกbado 29 de junio 2pm a 12am - Plaza V Centenario

ELEMENT VOL.19 | #ARTE 2019

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10 años sin Gustavo Araújo. "El artista valiente".