JOYRIDE Magazine Mayo '13 by Joyride Magazine México

04. PAVIMENTO Y ESPUMA FEBRERO LOCO, REEDICIÓN DE DON SÁNCHEZ

DIRECTOR Aldo Sánchez Uscanga | @un_tal_aldo director@joyridemagazine.com Editor en Jefe Jorge López Mendicuti | @jlopezmendicuti Diseño editorial Iván Medina Díaz Luis Cornejo Aldo Sánchez Uscanga JOYRIDE Europa <Desde Madrid>

Fernando Hemingway | @MenudoPanorama Publicidad y ventas Anahí Rodríguez Olvera | @yurico20 Yael García Peralta | @YellGuitG publicidad@joyridemagazine.com Account Management Daniel Honorat | @danhonorat danielhg@joyridemagazine.com

08. A FONDO ¿QUIÉN CARAJOS ES NICK CAVE?

10. GIGS LARREGUI, PATÉ DE FUÁ

20. RESEÑAS FOALS, ZEMMOA, LOCAL NATIVES Y ATOMS FOR PEACE

26. PORTADA PHOENIX, LOS SINTETIZADORES DE VERSALLES

34. RESEÑA ESPECIAL LAS CATORCE MEJORS PRESENTACIONES DEL #VL13

48. LAS PLUMAS DEL ÁGUILA MODHULAR, ROMPE AMPLIFICADORES

49. HABLEMOS DE DISEÑO MIEL Y UNA NUEVA FORMA DE HACER BOLSOS

56. CADENCIA HISTÓRICA JOHN CASSAVETES

58. IS IN INGLICH EL DIRECTOR Y SUS NOTAS PARA GRINGOUS

Social Feeds Iván D. Callejas Barroso | @ivandasayev JOYRIDE FM Realización Uziel Palomino Flores | @uziel palomino

BANCO DE IMÁGENES lifeboxset.com, vivelatino.com, ocesa.com, inagrau.com, sony,com, nickcave,com, emi.com, universal.com, sicartio.tv, twitter,com/foalsfoaslfoasl

JOYRIDE MAGAZINE México, Año 1, No. 10, (25 de febrero del 2013 al 25 de marzo del 2013), es una publicación gratuita de periodicidad mensual. Editada y publicada por MAGÜEY Media (Vallejo 1307, Gustavo A. Madero, CP 07700 México DF). Editores responsables Aldo Sánchez Uscanga y Jorge A. López Mendicuti. Registro de marca en trámite. Todas las imágenes independientes a la redacción, carecen de derechos de autor. Las opiniones expresadas por los autores no necesariamente reflejan la postura del editor. Queda estrictamente prohibida la reproducción parcial o total de los contenidos e imágenes de la publicación sin previa autorización del encargado de la publucación o personas autorizadas para acreditar contenido.

HACE YA UN AÑO QUE NOS AVENTURAMOS A navegar en las nebulosas aguas del periodismo musical. Contar historias a partir de acordes, capturar cada sonido en palabras y hacer música en una revista no ha sido fácil. Pero, ¿de qué sirve estar vivo si no te atreves a pararte al filo del puente para sentir el vacío? Retos temporales, económicos y físicos (por eso de las pocas horas de sueño) han sido borrados por la pasión y diversión que encontramos en nuestro trabajo. Bienvenido al segundo número del 2013 y que es encuadrado por Phoenix. Los franceses tienen este año la gran tarea de consolidar su éxito. Encabezando Coachella, tubierpn la posibilidad de colocar su Bankrupt! en lo más alto. A nombre de toda la tripulación del barco JOYRIDE, agradecemos a todos los que han aportado algo al proyecto. Desde Yolanda, la señora que hace el aseo en la oficina, hasra nustros padres y colegas del medio. Pero principalmente a ti, apreciable lector que paseas tu vista por nuestras páginas. Aldo Sánchez Uscanga Director General

Increíble que haya pasado año y medio de concierto de Noah & The Whale en el que conocí a Yael García, colaborador de esta revista, en El Plaza Condesa. Es aún más increíble que ya haya pasado un año desde que ésta revista nació. Es inimaginable que algo que empezó como una ayuda para un compadre desconocido (Aldo Sánchez) se haya convertido en el oficio que nunca imaginé y del que encontraría amigos para toda la vida. Cumplimos 12 meses de edad, pasando por dos (sanguinarios) presidentes, artistas nuevos, conciertos inolvidables, festivales imborrables, películas ya clásicas y música que no para de ir y venir. Dicen que el primer año en una relación es difícil y el resto son imposibles. Imposible es lo que muchas personas (parientes y culeros incluidos) decían sobre el crecimiento de éste proyecto. Pues imposible es la palabra que nos motivará por los años que nos faltan aún. Gracias a toda la familia JOYRIDE a la conocida, a la desconocida, a la compadriza, la comadriza, las bandas que nos han abierto sus puertas y música, los lectores, los que mientan madres y los que esperamos lean esto en números por venir en un futuro no muy lejano. Y parafraseando a uno de los dioses creados por la cultura moderna: ¡A darle átomos! Jorge A. López Mendicuti Editor en Jefe

CONEXIÓN nuestro espacio

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Tú haces la revista GUSTAVO LAZCANO en Facebook ¿Dónde dejaron a la revista? Desde enero no han publicado nada en esa versión. Debo reconocer que me he hecho fan de ustedes y a pesar de que no han entragado publicación como tal, sus noticias en redes sociales son magníficas. Espero con ansias el siguiente número. RESPUESTA JOYRIDE Aquí nos tienes compadre, después de una larga espera JOYRIDE llega recargada. Nuevo diseño, nuevos escritores que en suma buscan entregar un producto de mejor calidad y con el firme objetivo de hacerlo de forma periódica. Una disculpa a ti y a todos los que nos han preguntado que dónde dejamos la revista.

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Tenemossismo

tweets del mes

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#YoTambiénDije “Sólo voy 1 CD y no lo cumplí “

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Chinguen su madre todos los que están en el concierto de The Cure. @MuyLari

SHOPPING

La sección predilecta de aquellos despilfarradores profesionales está de vuelta. No nos detuvimos en algo en particular, esta miscelánea tiene gustos para todos y en esta ocasión traemos moda, gadgets y hasta armas creativas.

A MANO PARA TUS PIÉS ¿Qué? Zapatos artesanales. Nos latieron porque: Los patterns son súper originales, además de que están hechos a mano. Hechos en Colombia (locos), estos cacles te harán lucir distinta, fresca y jovial, además de que apoyas a industrias pequeñas y te alejas de las grandes marcas que hacen diseños en serie. ¿Cuanto cuesta?: desde $195 dls ¿Dónde comprar?: inagrau.com

¡SÚBELE!

ACTIVISMO GEEK

¿Qué? Audífonos Sony. Nos latieron porque: ofrecen graves profundoos, voces y rangos medios de alta precisión y cuentan con un diseño envolvente que cancela el sonido. Puedes enlazarlos a tu celular vía Bluetooth y ocuparlos como manos libes ya que cuenta con controles de audio y answer button para contestarle las llamadas a la novia. ¿Cuanto cuesta?: $1099 pesos ¿Dónde comprar?: tiendas especiañlizadas en mísica y departamentales

¿Qué? SMSlingshot Nos latió porque: simplemente no hay nada parecido en el mundo. Se trata de una resortera digital que es capaz de imprimir mensajes en superficies vía laser. Fue concebida con fines activistas y su finalidad es intervenir digitalmente en los espacios para así poder resignificarlos y trasformarlos. Este juguetito es la fusión perfecta entre tecnología y la necesidad básica de cualquier humano: poder expresarse. ¿Cuanto cuesta?: prototipos ¿Dónde comprar?: vrurban.org

PAVIMENTO & ESPUMA

febrero loco unas veces 28 y otras 29 POR Don Sánchez | no usa Twitter

De acuerdo a la creencia popular, febrero es el mes más inestable del año. Además de ser el único que no siempre tiene el mismo número de días – unas veces 28 y otras 29, por eso del año bisiesto-, febrero es particularmente variable porque habitualmente en él se presentan todas las estaciones del año: lo mismo hace frío, que calor, lluvia o viento. En pocas palabras, febrero es un desgarriate, y todo puede pasar.

empresa-, finalmente sí lo hizo y su voto evitó al PRI pagar una multa de 75 millones de pesos.

Este mes cuyo nombre tiene su origen en las Frebua, extraño ritual de purificación en la Antigua Roma, pasará a la historia por haber dado cabida a sucesos tan inesperados como la mismísima variedad climatológica. Aquí, una pequeña muestra:

Aquejado por problemas de salud, pero también por una serie de traiciones, chantajes de grupos homosexuales y críticas por los casos de sacerdotes pederastas, el Papa Benedicto XVI dimitió al cargo. Por primera vez en la historia se nombrará al sucesor de Pedro, con su antecesor vivo.

Tras un estallido en un edificio anexo a la Torre Ejecutiva de Pemex, con un saldo de 37 muertos, las autoridades intentaron acallar cualquier hipótesis de atentado argumentando que todo se debió a una explosión de gas metano, sin precisar siquiera el origen de la fuga. El consejero del IFE, Sergio García Ramírez, renunció a ese órgano en medio de un escándalo, pues luego de anunciar que no participaría en la sesión programada para analizar el caso Monex, pretextando vínculos con la familia Fraga, -dueña de la

Seis turistas españolas fueron violadas en Acapulco; el acalde Luis Walton, “reaccionó” de inmediato y, sin ningún prurito, dijo que esos casos suceden en cualquier parte del mundo. Ante la condena mediática, días después se tuvo que disculpar al borde de las lágrimas.

El gobierno peñanietista acabó con el imperio de Elba Esther Gordillo y de paso allanó el camino a la Reforma Educativa. Elba Esther fue detenida y acusada de malversar más de 2 mil millones de pesos del magisterio, bajo los delitos de delincuencia organizada y lavado de dinero. Lo curioso es que la PGR acusó a la aún presidenta vitalicia del SNTE de desviar recursos de ese sindicato, pero éste no ha presentado denuncia alguna. Si bien la opinión pública validó la acción guberna-

mental contra Gordillo, la suspicacia caracteriza al imaginario colectivo: ¿Por qué hasta ahora, por qué sólo a ella? ¿Acaso Carlos Romero Deschamps; líder de los petroleros; Víctor Flores Morales, de los ferrocarrileros y Joaquín Gamboa Pascoe, de los obreros, -por citar algunos casos- no se han enriquecido igualmente a costa de sus agremiados? ¿Humberto Moreira y Andrés Granier, priistas iguales que los tres anteriores, no son también casos evidentes de corrupción? ¿Si la investigación que derivó en la captura se hizo desde Hacienda, que tanto sabía el anterior gobierno, en concreto José Antonio Meade, otrora titular del ramo y hoy secretario de Relaciones Exteriores? Y los casos peculiares de febrero no concluyen aquí: Cuando todo el mundo esperaba expectante el paso de asteroide a 27 mil kilómetros de la Tierra - la distancia más corta de la que se tenga registro-, sorpresivamente un meteorito caía horas antes en Rusia, desatando la histeria colectiva. De ídolo a presunto asesino. Oscar Pistorius, el corredor con discapacidad que alcanzó la gloria al competir con atletas convencionales en los pasados Juegos Olímpicos de Londres, fue acusado de matar a su novia a tiros, al confundirla con un ladrón. Increíblemente fue puesto en libertad bajo fianza. Un delegado capitalino (Mauricio Toledo, de Coyoacán), quien por su filiación de izquierda debiera responder invariablemente a códigos de transparencia y compromiso de los más necesitados, intentó extorsionar a una inmobiliaria con 1.6 millones de pesos para poder continuar con la construcción de un edificio de departamentos. Peor aún, cuando el delegado se sintió exhibido por el denunciante, el

reed

ición

abogado Rodolfo Reus, así lo amenazó: “Si publicas algo te mando matar cabrón. Y no quiero volver a verte, ni solo ni que llegues con tus clientes nunca jamás”. Los hombres más ricos del mundo, Carlos Slim y Bill Gates, se reunieron en el modesto municipio mexiquense de Texcoco para “derrochar recursos” al inaugurar el Centro de Investigación para el Mejoramiento del Maíz, construido con su dinero. En polémico final, los Cuervos de Baltimore ganaron a los 49ers de San Francisco el Súper Bowl. Más que por la calidad mostrada, el evento será recordado por el histórico apagón, que retrasó más de media hora el juego. Contra todos los pronósticos, tras tres derrotas consecutivas en el torneo mexicano, los diablos rojos de Toluca vencieron 2-1 al Boca Juniors en Argentina, en su debut en la Copa Libertadores 2013. En casa la historia sería otra: con goles de sus ex arietes Iván Alonso y Vicente Sánchez, caían por 3-2 ante el Nacional de Uruguay. En resumen, para muchos febrero no será recordado como el mes del amor, la amistad o las tradicionales fiestas paganas, conocidas como carnavales, sino como el mes del los nubarrones, panzones, ventarrones, agarrones... socarrones y elbarrones.

La r i s a i n m o r t a l Por Israel Bautista Cruz

E 110 años del mejor pulque

s de las pocas pulquerías que sobreviven en el DF. Mantiene una imagen antigua, pero su público la hace joven, es casi inmortal. La visitan muchos chavos, señores y ancianos que nunca la han olvidado. Es La Risa: pulcata, fiesta, diversión y cultura. Hay gente de todo tipo: afuera, un señor y su pareja disfrutan de unos pulques naturales y verdolagas en salsa verde. Al extremo de la mesa cinco chicos con rastas, no mayores de 30 años, con una cubeta de curado de kiwi. Adentro, a lado de la rocola, chavos con lentes gruesos y cabello alborotado platican de la tarea que dejó el profe de antropología mientras saborean el curado de choco-plátano. Del otro lado, dos chicas muy delgadas vestidas como para ir de fiesta hablan de la Feria del Libro con tarros de piñón en sus manos. Mientras Manu Chao se escucha a todo volumen, una viejita carga una bolsa con algunos libros adentro que compró hace unos días en el Palacio de Minería; es una cliente habitual, tiene el apodo de la abuelita, una señora que lleva visitando La Risa por más de diez años. Cuenta que después de ir a los deberes religiosos, pasar con el médico homeópata e ir por las medicinas de su hermana a la farmacia París, se di-

rigía a la esquina de la pulquería para probar los curados deliciosos y la botana complementaria. Señala la Virgen de Guadalupe que sobresale al fondo y dice que el lugar ha ido cambiando lentamente con el paso de los años, antes había varias fotografías, una de ellas en sepia le llamaba la atención: un hombre en postura de firmes con un sombrero grande, viendo fijamente a La Risa, como si a ella le debiera respeto. Igualmente platica que los visitó el cantante de Café Tacvba, muy simpático el hombre, hasta sirvió unos tragos. También el famoso cantante del TRI, Alex Lora, se tomó un pulquito natural. A diario suben el menú en su página de Facebook. Ese día hubo curados de piñón, nuez, kiwi, frambuesa, maracuyá, choco-plátano y botana de verdolagas en salsa verde. Hay tarros, litros, jarras o cubetas, qué tan alegre te quieres poner. Qué tantas risas quieres compartir. Puedes estar adentro o afuera, tú eliges. Adentro está la rocola con música de Caifanes hasta Pink Floyd; afuera puedes disfrutar la arquitectura de los edificios aledaños y el bonito callejón. Estés donde estés, con varios pulques encima en compañía de amigos, compañeros, familia, novios, novias, con quien sea, tu cara, cuerpo y alma sólo emanará una incontrolable risa.

A FONDO

NICK CAVE AND THE

BAD SEEDS Por primera vez México en más treinta años de carrera, acompañados de álbum nuevo.

Por César Cuauhtémoc Cruz Fernández cesarcruz@joyridemagazine.com

ick Cave no llegó sólo a Mé-

xico, Push the sky away fue el pretexto para que los Bad Seeds se presentaran en México, el decimo quinto álbum de estudio de la banda fue publicado el mismo día de su primera presentación en México. Alejándose del sonido de las guitarras sucias y los riffs acelerados de Grinderman, Push the sky away nos entrega un canciones más orgánicas, las armonías de las canciones son sostenidas por el piano u la ausencia de la guitarra en las composiciones. Éste definitivamente no es el mejor álbum de los Bad Seeds, pero sin duda es un disco que escapa a las convenciones actuales, un respiro entre tantos

sonidos prefabricados. Es el trabajo de una banda de más de 30 años que no teme experimentar con su música. Localidades completamente agotadas para ambas fechas, 18 y 19 de febrero fueron las fechas en la que se presentaron los Bad Seeds en el Plaza Condesa, el venue ideal para un evento tan intimo como debían de ser las primeras presentaciones de la banda en México. El 18 de febrero Nick Cave estrenó su disco de manera oficial y su dio su primer show en el país, el streaming del disco ya había sido publicado una semana antes, así que el nuevo material no fue sorpresa para el auditorio mexicano. Afuera del Plaza Condesa, ya el 19 de

febrero, la expectativa de un excelente show crecía para aquellos no habían conseguido entradas para la primera fecha, los afortunados que sí lo lograron describieron el show como mesmerizante, caótico y describieron a un Nick Cave como un personaje en una actitud solemne que su sola presencia llenaba el escenario. No se equivocaban pero las referencias se quedaron cortas, en punto de las nueve de la noche las luces del Condesa encendieron de rojo, comenzaron a desfilar los Bad Seeds, por ultimo salió Nick Cave, los gritos y la atención inmediatamente se enfocaron en el vocalista. El set comenzaba con Tupelo, para

El sonido de los la banda es tan ecléctico, no ha sido un trabajo evolutivo sino una mutación constante, un sonido tan único que no nos atreveríamos a etiquetar. En sus origines, buscando encasillarlo en algún género, algunos decían que era “algo” como gótico y post punk, ahora otros dicen que es rock and roll con rasgos de blues y de jazz, otros menos creativos lo llaman “rock alternativo”

Para la quinta canción, Jubilee Street, todos los Bad Seeds se habían lucido, Nick Cave dejó de estar en la mira del público, Warren Ellis se impuso rotundamente al ejecutar el violín como si fuera una guitarra eléctrica, las distorsiones disparadas por el instrumento ayudaban a crear el muro de sonido construido por la banda.

temente violento cantante para tocar un par de baladas en su piano de cola, las coreadas Love Letter, In to my arms cambiaron el mood radicalmente. La banda repitió God is in the house debidó a una falsa entrada del cantante, al finalizar bromeo “esta canción siempre la jodemos, es debido a que Dios está enojado conmigo, alguna vez la tocaremos bien, lo juro” aquel Cave solemne que fue en la primera fecha ya no existía, se percibía a uno más flexible e inclusive cómico.

Curiosamente los sonidos más ácidos y estridentes provenían de la mano de Ellis no de la limpia guitarra de Ed Kuepper. Agraviado por la altitud de la ciudad de México, Cave dejó de ser el elegan-

El ritmo subió de nuevo para presentar otros hits como Jack The Ripper, The Ship’s Song y Push The Sky Away, dando paso al encoré, la banda regresó para tocar Stagger Lee, en donde

para continuar mezclando canciones de su última producción Push away the sky y clásicos de sus álbumes pasados.

el baterista Barry Adamson se lució con una serie percusiones sincopadas, propias del jazz, para cerrar con Stranger my kindness y el single de su último álbum We Know Who U R. La brevedad del concierto dejó a muchos insatisfechos, hora y veinte no fue suficiente para los fans que has seguido su larga trayectoria, sin embargo Nick Cave & The Bad Seeds no dejaron mál sabor de boca y dejaron claro que son una unidad que dependen el uno del otro. Aquél Nick Cave que parecía inalcanzable, una leyenda del rock, un genio, se mostró como un ser mortal que habla de las cosas cotidianas; la lujuria, ese ser violento y apasionado que llevamos todos dentro; se mostro simplemente como él es… Nick Cave.

#JOYRIDEgigs

AURORAS BOREALES en El Plaza Condesa Por: Andrea Crúz Pazos @aaranxa

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uego de unan exitosa primera presentación el 15 de febrero, el Plaza Condesa albergó por segunda ocasión (sábado 3 de Marzo) las auroras boreales que trae consigo León Larregui y su evolución musical en individual, Solstis. Llegó la hora pactada y poco a poco fueron apareciendo los músicos encargados de acompañar a Larregui, lo que significaba su sexta presentación con la alineación actual: el ya conocido Andrés Sanchéz Dub, Rodrigo Guardiola, Capri, Pablo Valero y Alejandra Moreno, integrante de Ruido Rosa. Las notas de la canción Aurora Boreal fueron las primeras en sonar, acompañadas por los gritos y coros de los asistentes al recinto (en su mayoría mujeres), así inició para dar paso a Perdonar. El ambiente se tornó único gracias a la fórmula que lograron los músicos y que unidos con el calor del público, detonaron en palabras de Larregui: “Una canción para cuando se topan con alguien en su vida de quien se enamoran y después se convierte en un recuerdo más…” de este modo comienzó a sonar Souvenir. Le siguieron Brillas, Pérdida total y Femme fatal además del estreno de un video con imágenes rústicas de un viaje en el que aparecen León Larregui y Zoë Le Ver, protagonista del video musical de Como tú, pieza encargada de cerrar la primera parte del concierto. Después de algunos minutos en los que la gente permaneció en el lugar en espera de más, el intérprete y compañía regresaron para dar inicio al encore con el cover, Aint’n No Sunshine del gran Bill Withers, canciones del gusto de León Larregui y con las que finalizó la noche del Solstis.

#JOYRIDEgigs

Paté ende Fuá el Plaza Condesa

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Por Mauricio Bustos Romero @mautits

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“¡Estamos muy felices de estar aquí de nuevo, con nuestra gente del Distrito Federal!”. Así irrumpió Yayo González para saludar al público que asistió a la presentación oficial del nuevo disco de Paté de Fuá, Bon Apettit, el pasado 16 de febrero en el Plaza Condesa. Durante el concierto que dio comienzo poco después de las veintiún horas, la agrupación México-Argentina interpretó sus mejores y más famosos temas, los cuales forman parte del tracklist recopilatorio de su más reciente disco Bon Apettit; Muñeca, Vals, La canción del linyera, El fantasma enamorado, entre otros, fueron los temas más ovacionados y coreados. Cabe destacar que además de la presentación de su disco recopilatorio, Paté de Fuá ofreció un par de sorpresas para su público. Yayo González, líder de la agrupación, dijo que esperan lanzar un material totalmente nuevo antes de terminar el año, asimismo deleitaron a los asistentes con una probadita de lo que será su nuevo elepé con la interpretación de la canción, Te conozco mascarita.

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reseñas

FOALS y la

purificación del fuego •

Por Rapunksel Rock On @rapunkzelrockon

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reseñas

l caos ha logrado apoderarse de nosotros. Nos hemos acostumbrado a él, contagiados de su ahínco ilógico por alcanzar el poder, hambrientos de prisa, hambrientos... no sabemos de qué, sólo sabemos que algo dentro no está satisfecho y tenemos miedo de no saciar esa inquietud. Tememos que las cosas acaben. No abrimos los ojos para descubrir que el poder, irónicamente, no se encuentra en lo fastuoso, en los excesos ni la ansiedad; sino en la introspección y su capacidad para trasladarnos a lugares que despliegan los más honestos paisajes, permitiendo así que nos acerquemos a la pureza, a territorios inimaginados que permiten que las ideas fluyan y se de pie a la creación, a la más suprema, la más extraordinaria. Muy pocos alcanzan a romper las cadenas del caos: pocos que aún encuentran belleza en lo natural, aislados en los lugares más recónditos e inhóspitos del mundo, abandonando todo, menos a sí mismos. Parece increíble cuando esto queda por sentado en una imagen, en palabras, en sonidos. Se respira la libertad en todos los sentidos, aún más si cerramos los ojos y percibimos el aire que ha quedado grabado en el micrófono inmóvil, el registro de la naturaleza que ofrece bondadosa salida a las presiones de la fama, el estilo, las ventas de discos, el recuerdo de las multitu-

des frenéticas, bañadas en sudor, dejándose llevar por la música que sólo ellos pueden crear aunque se muestren tan tímidos en el escenario, o terminen trepando por las vigas de acero como hiciera Yannis Philippakis en su último show en México. Son los primeros segundos de Prelude, anunciando con cierto dejo de heroísmo que ha llegado a un sonido distinto, aunque conservando aquellos rasgos que le dan identidad, y que sólo los oídos más intuitivos pudieron adivinar desde el brillante Total Life Forever, del que cabe recordar su nominación al Mercury Prize. Es fácil suponer las reacciones que esto despertará. Ya no es la dulzura de Blue Blood, que matemática y suave nos recibía; mucho menos The French Open con su intermitencia, su idioma y esa timidez que de pronto se convertía en arrebato; ahora es una obra cuya fuerza y firmeza invitan a la conmoción, sembrando el deseo de no dejar de oírla nunca y al mismo tiempo preguntarnos qué más hay con el correr de los segundos. Su sonido ha crecido, dejando a un lado “lo emocionante” en su sentido más explosivo, para alcanzar “lo emocionante” como aquello capaz de sembrar la inquietud de la belleza, en una sobriedad auténtica, abanderada con precisión por la fotografía de Thomas Nebbia que engalana la portada del álbum.

Para ello los recursos fueron buenos: visuales, orgánicos, incluso decorativos; y así la búsqueda de la belleza seguía, utilizando huesos como baquetas, colocando plantas en el estudio de grabación para crecer en paralelo con ellas, inundando cada espacio que los rodeara de armonía. My Number es el ejemplo perfecto de lo que sucede en esta etapa de Foals, fusionando esa cadencia que les ganó una insistente clasificación en el math rock, junto con una lírica rozagante de poesía, nada ajena al caso de cualquiera de nosotros; acompañada de un dejo de disco, manteniendo vivo el ritmo que empuja a los fieles escuchas a ceder al baile, o por lo menos a contagiarnos de él. El contagio. Este tercer disco nos contagia de muchas cosas: Paisajes, sonidos, ideas nuevas; pero por encima de todo: Vocifera el dichoso anuncio de que han dejado atrás la neurosis en la que se inmiscuía el temor de no ser perfecto, a no lograr el sonido deseado, el toque ideal; gozando ahora de una mayor apertura, sin preocuparles más seguir encajando en una escena; lo suficientemente valientes para presentar Inhaler y dejarnos a todos perplejos, sorprendidos de esa capacidad y fluidez creativa

FOALS

Después de la vorágine del éxito, la decisión más sabia para seguir el camino no era abusar de él, ni ceder a los deslices de la comodidad; sino replantearse el lugar donde estaban, las nuevas metas que perseguirían y plantearse en qué se podía transformar el arte que ya habían alcanzado, siendo que la búsqueda jamás se detuvo, continuó siempre ajena a la pretensión, fluyendo en la sencillez que sólo la pasión es capaz de despertar.

que parece inagotable, sin engañarse con falsos sonidos, sabedores de lo que buscan. Asimismo, los rasgos de su particular estilo son una de las cosas que, además de distinguirlos, otorga un peculiar brillo a sus creaciones, efectivamente, predominando el picking que ha dado origen a una infinidad de posibilidades a lo largo de tres discos. Es ese tintineo definitivamente el que hipnotiza, en los agudos de las cuerdas, la fórmula perfecta para despertar una fascinación que resulta irresistible y adictiva, razón por la que piezas como Milk & Black Spiders es imposible no repetirlas, menos cuando predican enunciados como “tú eres mi brújula y mi mar” evidenciando el sobrio romanticismo de siempre.

“Moon definitivamente es el ápice del manifiesto latente en el disco.” Fácilmente la confundiríamos con una canción de amor, cuando en realidad guarda una enorme nostalgia, vagando alrededor de la idea de ese final catastrófico vaticinado para 2012, ignorando el ahínco sensacionalista con el que fue planteado para crear un escenario apocalíptico, a la vez que redentor, estremeciendo la voz de Yannis al alcanzar una de sus más profundas gravedades; una canción llena de tensiones hermosas que se prologan hasta su final. El ímpetu, que es el rasgo más valioso que los sigue acompañando, se convierte en la fuerza vital, en las últimas pistas del álbum, que transforma a Providence en un obra maestra, con un beat apresurado, riffs estridentes y cambios sorpresivos, recuperando un poco de esa ingenui

quince

dad con la que presentaban Antidotes, añadiéndole la energía que su evidente trabajo y experiencia han arrojado y que nos embiste desde sus primeros segundos. Es aquí donde el fuego es avivado, las emociones se intensifican, arde apasionado el ahínco por elevar la música hasta sus más vivos colores y queda por sentada la fuerza que Foals conserva y alimenta con los años; atropellados los ritmos, jugando con los destiempos precisos, acompañados de arreglos casi orquestales. Este es el disco que presenta ese fuego que han logrado amaestrar, capaz de encender pasiones en nosotros. El poder de dejar a la música fluir sin esclavizarla, de crear con la pureza con la que hacen los niños, la naturaleza, por el camino de la sencillez y la genialidad. Son libres, y a la vez son majestuosos. del mundo, abandonando todo, menos a sí mismos. Parece increíble cuando esto queda por sentado en una imagen, en palabras, en sonidos. Se respira la libertad en todos los sentidos, aún más si cerramos los ojos y percibimos el aire que ha quedado grabado en el micrófono inmóvil, el registro de la naturaleza que ofrece bondadosa salida a las presiones de la fama, el estilo, las ventas de discos, el recuerdo de las multitudes frenéticas, bañadas en sudor, dejándose llevar por la música que sólo ellos pueden crear aunque se muestren tan tímidos en el escenario, o terminen trepando por las vigas de acero como hiciera Yannis Philippakis en su último show en México. Son los primeros segundos de Prelude, anunciando con cierto dejo de heroísmo que ha llegado a un sonido distinto, aunque conservando aquellos rasgos que le dan identidad, y que sólo los oídos más intuitivos pudieron adivinar desde el brillante Total Life Forever, del que cabe recordar su nominación al Mercury Prize.

dieciseis

rese単as

A FONDO LO QUE EL VIVE LATINO NOS DEJÓ

XOEL LÓPEZ Atlántico 2012

Nacido en Coruña en 1977, Xoel López empezó con bandas amateurs de su tierra natal como The Riddles o Los Nuestros, pero fue con Los Covers con los que grabó su primer EP y realizó su primera gira por toda España. Cuando el grupo se disolvió, con apenas 18 años, Xoel formó Elephant Band, con la que tocó en varios festivales e incluso en el extranjero. Finalmente abandonó la banda en 2001, y el primer álbum de Deluxe –enteramente en inglés- tuvo una gran acogida y le permitió dar 120 conciertos y tocar en festivales como el FIB, Sonorama o Contempopránea. Esta aventura de Xoel en solitario seguía dando sus frutos, y Que no, -uno de los dos temas en español de su segundo disco- fue considerado por Rolling Stone como una de las 200 mejores canciones de pop-rock en España.

Por Fernando Prieto Arderius (Desde España) @menudopanorama

Xoel necesitaba un respiro y disfrutar de libertad plena como artista, por lo que en 2009 hizo las maletas y se marchó a Buenos Aires, para empezar de cero y encontrarse con su propia esencia. Pasa por Estados Unidos, Colombia, Uruguay, Chile y Venezuela. En Brasil toca ante más de un millón de personas en la noche de Fin de Año en la playa de Fortaleza, dentro de un homenaje a Legião Urbana. En 2010 y 2011 vuelve a girar por España pero ya con su propio nombre; durante este tiempo Xoel López continúa componiendo nuevas canciones y nos las presenta en 2012 con “Atlántico”, su duodécimo álbum donde el pop rock alternativo y el folk clásico quedan de lado para centrarse en la canción de autor y donde se puede ver la influencia de Latinoamérica.

CORIZONAS

LOVE OF LESVIAN

The News Today 2012

Maniobras de escapismo 2012

Contra todo pronóstico consiguieron publicar su primer disco “The News Today”,-el título que hace referencia a este mundo en crisis- un disco que pasa del rock regenerado al country o el folk más vital e innovador de bandas de renombre como White Stripes o Fleet Foxes, incluso el torrente emocional de los Jayhawks o el paisaje evocador de Calexico. 2012 ha sido un año muy ajetreado e increíble para Corizonas: llenos en salas y festivales por todo el país dan fe de su escalada hasta la primera línea musical española, además de premios como el Mejor Directo 2.011(Radio3 y otros medios) para su inicial proyecto Dos Bandas Y Un Destino o su nominación a los MTV European Music Awards. En el inicio de la actual gira han ido colgando carteles de Sold-Out y apoyados en la fuerza de sus directos con un primer disco nada desdeñable, esta feliz unión de músicos ha encandilado a público y crítica a partes iguales.

En un principio lo intentaron con el inglés y publicaron tres discos. En 2005 se pasaron al español con Maniobras de Escapismo y empezaron a ganarse un nombre, que dos discos y cuatro años más tarde ya resonaba en todos los oídos gracias a 1999, que supuso un antes y un después para la banda. Son Love of Lesbian, uno de los grupos referentes del fenómeno indie español, que vuelven con su particular pop rock y nos presentan esta vez su último disco La noche eterna. Los días no vividos, que está repitiendo el éxito de su predecesor. Su gira ha pasado por docenas de ciudades y festivales en España, y siempre han mantenido un gran directo -que lleva al público desde el desenfreno absoluto hasta el borde de las lágrimas- que ha sido el secreto para seguir abarrotando estadios, salas y escenarios y agotando boletos allí por donde pasan.

reseñas

ZEMMOA “PURO DESAMOR VOL. 1” Zemmporio / Sicario Music Por Rapunksel Rock On @rapunkzelrockon •

acer creativa es definitivamente una gran virtud. Sin embargo, nacer talentosa es aún más ventajoso y si además naces sexy y divertida entonces tienes todo para convertirte en una súper estrella como Zemmoa. Luego de un largo tiempo de espera finalmente ha llegado “Puro Desamor” que reúne, en siete canciones y tres remezclas, un electropop vibrante que fluye entre letras de, efectivamente “puro desamor”, creando una electrónica sincera y de gran calidad que prolonga el estilo tan peculiar ya conocido de tan glamourosa cantante desde sus primeros y grandiosos sencillos como La Fiesta Dentro de Mí. Puro Desamor abre con un majestuoso encanto llamado Zeuz, canción de una vibra muy retro, resultando una pieza que encuentra en su sencillez un extraordinario fulgor. La calidad de producción que respalda a Puro Desamor es evidente desde sus primeros segundos, alcanzando un ápice especial con Ay Mínimo Escribe Un Adiós, que es una maravilla, de poderosos beats y una tensión electrónica única. Es fascinante la diversidad de ritmos, como en los primeros segundos de Te enterraré el tacón que parecieran enfrentar al éxito de los setenta Ring my Bell de Anita Ward con el HNRG ochentero; o la referencia viva a Frogs in Spain de Fake para Ya No Más. Sin duda es un disco que se coloca de inmediato en nuestros favoritos, repleto de vigor, que se burla de la tristeza para convertirla en una auténtica fiesta llena de energía.

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LOCAL NATIVES “MUMMINGBIRD”

Infectious/Frenchkiss Records/2012 Por Alejandro Altamirano •

icen que los buenos discos se reconocen a la primera escucha y que las obras maestras se descubren con el tiempo; desafortunadamente, para Local Natives ninguna de las dos cosas sucederá con Mummingbird, su nuevo álbum. A veces resulta difícil comprender que las bandas se tarden atnto en editar un nuevo material sólo para que, en el momento de la verdad, el resultado sea algo insípido y sin resquicio alguno de innovación, vaya, ni siquiera de reinvención. Después de un debút bastante decente en 2009, con Gorilla Manor, cuando se posicionaron como una alternativa para aquellos que gustan de los sonidos rock-folk aderezados de una inocente psicodelia, todo parece indicar que Local Natives ha sido víctima de kla maldición del segundo disco. Y es que Hummingbird empieza mal y termina peor; el único momento que pretende nivelar la nave antes del choque frontal contra los arrecifes es ‘Breakers’, pero conforme transcurren las demás canciones, la originalidad se diluye y las expectativas son aplastadas por un sonido soso y aburrido.

EN TIERRA AJENA

Jorge Antonio López Mendicuti @jlopezmendicuti jorge.mendicuti@joyridemagazine.com

Ya llevamos varios meses dando a conocer nuevas bandas a través de nuestra sección Las Nuevas Plumas del Águila. Y a través de esos meses, hemos recibido correos de otros artistas, tanto de Latinoamérica como de países anglosajones, que nos piden que hablemos de ellas y escuchemos su material. Por eso se nos ocurrió crear una nueva sección, En Tierra Ajena, para pasar la voz sobre el talento que está explotando fuera del país y a los que vale la pena aprobar visa y atesorar junto a nuestro talento nacional.

En Tierra Ajena Como primer paso, tenemos a una banda de folk bluegrass experimental. No se preocupen, su música no es tan fumada como su género.

Roadkill Ghost Choir

Los primeros indicios de Roadkill Ghost Choir se dieron en diciembre del 2010, cuando el ahora vocalista principal de la banda, Andrew Shepard, grabó el EP, Winter Demos, como un regalo navideño para su familia. Dos de las cuatro canciones de ese álbum terminarían remezcladas dos años después. Con instrumentos de viento, piano, pedal steel, guitarras eléctricas, banjo y cualquier clase de instrumento que tienen a la mano; Andrew, Zach y Maxx Shepard, acompañados de Joey Davoli, Stephen Garza y Kiffy Myers, envuelven todo ese ruido en armonías vocales y letras de desesperación y pérdida. Algo extraño para una banda nacida en una de las zonas más alegres y fiesteras de los Estados

Unidos, como lo es Deland, Florida. Suenan a la mezcla perfecta entre Fleet Foxes e Interpol, con instrumentación cálida para dejar salir sentimientos oscuros; una mezcla que te lleva a lugares que muy pocas bandas actuales pueden soñar a alcanzar. No en vano han sido invitados a tocar a lado de Kings Of Leon, The Lumineers, Jim James, Grizzly Bear y Kanye West en festivales como The Governors Ball y Shaky Knees. Su primer EP en forma, Quiet Light, contiene cinco temas que van de la psicodelia análoga propia del bluegrass con Beggars Guild, pasando por la experimentación folk de Drifter, a la melancolía acústica de Devout, un tributo pop country casi al final del álbum que recuerda a Radiohead y The Eagles con Tarot Youth, cerrando con una versión nueva del tema que abría el Winter Demos, Bird In My Window. La oda Bird In My Window ya cuenta con un video, creado por el artista Jaime Margary durante casi un año de trabajo, que lleva el campo de la animación a la soledad del espacio y hasta al mismo sol, con una melancolía visual que empalma perfectamente con las armonías de la canción y el humor de la letra. Son todas esas caras que se muestran a los largo de un simple EP lo que perfila a Roadkill Ghost Choir como una banda a la que hay que tomar en serio. Su potencial y las

pruebas que han dejado a lo largo del corto camino que han recorrido los han convertido en una consentida de nuestros reproductores de música y deleite de nuestros oídos. El EP de Andrew Shepard, Winter Demos, está disponible como descarga gratuita. Mientras que la banda nos regala un tema de su EP Quiet Light a través de su página oficial en Bandcamp. A todas las bandas y artistas allá afuera y a todas las personas que puedan contactarse con algo que valga la pena oír y compartir, lectores y equipo tenemos los brazos y oídos abiertos para ustedes. En Tierra Ajena es tierra de todos.

f u w 23

AMOK ¿Cuál es la manera idónea de acercarte a Amok, el esperadísimo debut de Atoms for Peace?

uy fácil, escúchalo sin prejuicios: saca de tu mente la idea de que es Thom Yorke, líder de Radiohead; Flea, el extrovertido bajista de los Red Hot Chili Peppers; Nigel Godrich, miembro de Ultraísta y genio detrás de las producciones de Radiohead, y los percusionistas Mauro Refosco y Joey Waronker. ¿Por qué lo tienes que hacer? En primer lugar porque al principal público que atrapa es a los fans de Radiohead. Esos fans que aún piensan que Yorke volverá a los tiempos del Ok Computer para componer rolas fuertes como aquellas. Lo sentimos, Amok es el presente digital de Thom. En segundo lugar, Atoms For Peace nació en una gira en el 2009 para promocionar –tardíamente- The Eraser, álbum solita de Yorke. Entonces, el supergrupo ya tiene un camino y es el que el cantante forjó. Y como todos sabemos es una vía llena de percusiones, beats y muchos momentos electrónicos: baile sin control. Amok son rayas blancas en el espacio vacío. Todo es mecánico. Pero esa es la primera impresión. Before Your Very Eyes abre el álbum y comienza con rasgueos bailables que acompañan las africanas percusiones, entra un bajeo demoledor seguida de una voz tranquila y melancólica,

Por: Israel Bautista Cruz

la canción se llena de color, pero de pronto los sintetizadores llegan y terminan por dominar la armonía. Default fue uno de los regalos previos de Amok, es obscura y misteriosa, más tranquila. Posteriormente Ingenue dispara largos y densos sonidos digítales para proporcionar las percusiones incontrolables, la voz de Yorke se hace más sueva y aligera la rola. En Dropped se hace una combinación perfecta entre las capas digitales de Nigel con la batería rápida y lenta; fluye en el vacío sin una dirección. Unless vuelve a tomar la estructura depresiva: proyecta poco a poco sonidos que se van incorporando hasta formar una melodía densa. Stuck Together Pieces es una de las rolitas más digeribles, es tranquila, el bajo lleva todo el rumbo de la canción. Cuando entra Judge, Jury And Executioner, se vuelve a transforma el panorama del disco, pero no pierde el sentido. Entra un poco la reflexión en Reverse Running. Todo termina con Amok, pieza clave del disco: un lamento destrozado se escucha en el fondo, el bajeo no deja que termine el sollozo, las percusiones suben y baja, los momentos electrónicos vienen y van, pero, todo se sale de control y tres acordes en el piano dan fin a al debut de Atoms for Peace.

rese単as

PORTADA

PHOENIX LO S S I N T E T I Z A D O R E S D E V E R S A L L E S De cómo una banda, paso a paso, ha escalado peldaños en popularidad, calidad y seguidores. Después de cuatro años ausentes, Phoenix regresa con Bankrupt! entre las manos, uno de los discos más esperados del 2013, además del peso que significa para la consolidación de la agrupación. Y es que si algo supo hacer Phoenix en esa pausa, fue guardar con recelo su material: “El misterio es el secreto del arte”, dice Christian Mazzala, guitarrista y milusos del conjunto francés.

Por Aldo Sánchez Uscanga @un_tal_aldo •

Click… En la frontera entre México y Estados Unidos: -Agente de migración: ¿Qué llevan? -Juan: Nada, don. -Agente de migración: ¿Traen botellas, comida, alcohol o algo parecido? -Julio (casi susurrando): Si, una de mezcal. -Agente de migración: ¿Qué? -Juan (con ojos de ‘te voy a matar’): Nada, señor. Ya 100 metros lejos de la frontera, Juan grita mentando madres: ¡¿Por qué no les dijiste de una vez que también traíamos armas, granadas y machetes?! ¡Pendejo!” Ah, las conversaciones fraternales. Lo que comenzó como un sencillo plan para ver a una mujer y asistir al concierto de una de mis bandas favoritas desde secundaria se convirtió en un viaje por carretera con dos de los hermanos menos parecidos que he conocido. Todo empezó hace 11 años, en el 2002, cuando el álbum ( ) de Sigur

Rós inexplicablemente resaltaba en una pila de discos de la tienda Tower Records durante una visita a la Ciudad de México. Yo tenía 13 años y estaba buscando el álbum White Blood Cells de The White Stripes. Pero pasando por la letra S me encontré con un álbum sin nombre en la portada, ninguna letra o nombre de la banda. Todo el paquete era completamente blanco salvo dos agujeros que formaban el símbolo y nombre del impronunciable álbum, ( ). Por pura curiosidad decidí comprarlo. Metí el disco en sí, también blanco, dentro de mi walkman (madres, me siento viejo) y lo primero que oí fue un click. Durante 72 minutos me invadió una mezcla rara de tristeza y felicidad. No sabía si eran las hormonas de la pubertad entrando fuerte, el mareo del smog defeño, los tacos de aquél puesto en la delegación Xochimilco de la noche anterior o el hecho de que un álbum sin nombre con 8 canciones sin nombre acababa de marcar mi vida. Si, definitivamente era lo último.

Ahora estaba, más de una década después, rumbo a Texas con los hermanos Mata, Juan y Julio, para ver en vivo a Sigur Rós luego de esperar y no tener la suerte de verlos en territorio mexicano (¿Juay, OCESA? ¿¡Juay!?). Todo parecía fácil: salida de Monterrey un martes en coche, cruzar la frontera (legalmente), dormir en Edinburg y salir temprano al día siguiente para llegar al concierto en Cedar Park a tiempo cruzando Austin. Parecía fácil, pero el percance de la botella de mezcal artesanal donde Julio casi nos cuesta el concierto parecía un mal presagio. Sobrevivir un viaje en carretera en el desértico Texas no es fácil, pero es peor cuando el calor abunda, el hambre también y la comida buena no. Con la prisa olvidamos desayunar en nuestro México querido y a la distancia sólo veíamos McDonald’s y Subways por doquier. Nuestra esperanza fue una parada técnica para comer algo parecido a un sándwich estilo submarino, pero con más carne y grasa de lo que la Organización Mundial de la Salud debería permitir ingerir de

CRÓNICA musical un sentón. Ya con estómago lleno continuamos el camino. La siguiente parada fue en casa de los señores Rodolfo y Dora Ortiz, para entregarles el mezcal de agradecimiento luego de tantas guitarras (y una bicicleta) recibidas en su casa. De ahí, recogimos provisiones necesarias en La Michoacana. No, no era por sed, en La Michoacana norteamericana venden todo lo necesario para una carne asada estilo norteño (y para quitarle el hambre a medio África, el lugar es enorme). Lo que siguió fue una desvelada acompañada de una fogata imposible de prender, perros chihuahua y la mejor carne asada que he comido en meses con Roly y Alicia de anfitriones. La mañana del concierto empezó como anticipaba: cruda y levantada parte por parte de nuestro guía y conductor, Juan Mata. Así, con prisa y desesperación (además de un nada confiable celular con GPS), partimos rumbo a Cedar Park Center. Con más de 4 horas de retraso, Julio y el GPS nada confiable nos desviaron por más de una hora a través y hacia la frontera de Austin. Pero luego de una hora de retraso, boleto extra (a causa de una cena importante y una llamada no contestada) y muchas mentadas de madre, llegamos sanos, salvos, hambrientos y apestosos al concierto de Sigur Rós. El habernos perdido a la banda telonera no importaba, tampoco el hecho de que no pudimos llegar ni mucho menos ubicar el hotel: ya estábamos ahí. Con lugar lleno y una extraña manta rodeando el escenario, los islandeses Jónsi Þór Birgisson, Georg Hólm y

Orri Páll Dýrason aparecieron acompañados de lo que parecía una decena de músicos. Violines, chelos, pianos, distintos puntos con percusiones y un juego de luces comenzaron. Lo primero que se alcanzaba a ver era la sombra gigante de Jónsi, acariciando las cuerdas de su guitarra eléctrica con un arco de violín (como un fantasma psicodélico de Jimmy Page) mientras extrañas figuras empezaban a formarse alrededor de él. El concierto abría con la nueva canción Yfirborð, de su próximo álbum Kveikur.

algo drogadas) conectadas por el sonido en el aire (y chance una que otra pastilla nada legal). La ilusión final se rompió en el encore, con Glósóli y la pesada Popplagið. Después de eso, era momento de ir a dormir al hotel (si es que lo encontrábamos). Si Sigur Rós puede hacer eso en lo que varios latinos sentimos como un público frío, una visita a México (rumorada para este año) podría convertirse en uno de los conciertos más significativos, emocionalmente fuertes y visuales que el país podría ver.

Inmediatamente después vino Ný Batterí, acompañada de imágenes que parecían sacadas de una pesadilla vívida debajo del mar y a través de un microscopio. Luego vino la bomba, Vaka, aquélla canción originalmente llamada Untitled 1, la canción con la que conocí a Sigur Rós y cuyo click en vivo revivió el efecto que tuvo en mí hace 11 años: lágrimas y falta de aire inmediatos. Después siguieron de canciones que completaron un set de más de dos horas y 15 temas de una carrera que comprende casi 20 años.

Si no lo hacen, no se preocupen: el trámite de una visa, un pasaporte y muchas (e inhumanas) horas en carretera con excelentes amigos valen la pena para ver a una de las bandas más bellas (musicalmente hablando) y universales que han existido jamás. Click…

¿Los mejores momentos? La celebración a la vida que significan Hoppípolla y Olsen Olsen, la banda sonora perfecta para los cambios de estación y cambios de corazón que experimenta el mundo y cada persona, si tan solo la vida tuviera botón de reproducir y subir volumen. El encendido y apagado de la serie de focos a espaldas de la banda, que daban el efecto de una ola de luz al ritmo de la música. Los gritos y bailes de aquélla rubia en las gradas izquierdas y el calvo en la zona de pista, dos almas afines (y

VIVE

LATINO

Por Gerardo Juárez Rodríguez @gerardogayo •

catorce

VIVE LATINO Año con año el Vive Latino viene apostando por bandas de talla internacional, además de las bandas nacionales que ya conocemos y que suelen ser de cabecera (Panteon Rococo, Fobia, Nortec B+F). Igualmente, el festival se ha encargado de presentarnos actuaciones emblemáticas de agrupaciones internacionales (Reel Big Fish, The Magic Numbers, Deftones, The Chemical Brothers), sin olvidar la escena emergente que año con año trata de innovar al festival con sus propuestas.

TREINTA Y SEIS

VIVE LATINO

a reunión de diversos géneros en un mismo día suelen contrastar a los asistentes, esto ocurre a partir del acomodo de los horarios del festival, lo cual permite apreciar que a lo largo de 13 ediciones, el festival mejor consolidado en México puede mantener contento a todos sus asistentes. De rock, ya no se puede hablar en su totalidad, como venía cuestionando el taxista finalizando las actividades del día sábado: “¿Qué ese evento de chavos, no es de Rock, ¿Apoco si se presentaron Los Ángeles Azules?, ¿Los de Cómo te voy a olvidar?”. Y en efecto, la versatilidad del evento se ha ampliado al grado de agregar al cartel propuestas que pasan por encima del rock y esto ha generado controversia y tema de interés de los haters del festival y de los inconformes que año tras año no logran tener el anhelado cartel ideal. ¿Pero, qué quiere la muchachada? ¿Por qué nunca hay conformidad con el cartel? Si el festival se ha encargado, si no al 100% de dar rotación a las bandas. Eso si los comentarios entre cuates, antes, durante y después del festival siempre son los mismos. –“¿Por qué este año no esta Café Tacvba, goey?. Estaría de huevos Zoé, goey. ¡Chale! ¿Y Molotov? ¿Y Kinky? ¿Y Hello Seahorse?”. Seguramente todas estas bandas ya se cansaron de tocar en el mismo festival, bandas que afortunadamente podemos ver en cualquier recinto del D.F. los fines de semana, o que a cambio de un par de corcholatas de cerveza, les dan entradas al Tecnológico de Ecatepec, para aquel festival de la coronita. ¿Por qué seguir presenciando los mismos actos en vivo? La escena musical se encuentra en constante transformación, las tendencias no son las mismas que hace 10 años, debemos dejar atrás el “Rocanlover” del 2003 y estar abiertos a escuchar propuestas nuevas, o aquellas que no suenan tanto en nuestro país, y este año el cartel sorprendió a más de uno, y hubo bandas de donde escoger.

TREINTA Y SIETE

VIVE LATINO Y es por eso que la edición 13 del festival a muchos nos dejo satisfechos, algunos otros estarán molestos y decepcionados con la cancelación de Morrissey, y el resto habremos compartido el “meme” de la cancelación de las actividades del día jueves, el cual circulo por todas las redes sociales. Pero Morrissey no pudo cancelar tres días enteros de música, las famosas cervezas fuera y dentro del recinto, los tacos después del festival, el cansancio detrás de una jornada completa de música, los rostros conocidos que encuentras a lo largo del festival y las ganas de bailar, cantar y gritar por tu artista favorito, así sea el regreso de Juan Son a los escenarios.

Para revivir el anhelado festival que esperan año con año miles de jóvenes, daremos un compilado de las 15 mejores presentaciones que brillaron por su contenido y no por su afluencia de público, las actuaciones imperdibles, aquellas que valieron la pena, que sorprendieron a fans y a aquellos curiosos que por casualidad cayeron en el momento indicado en ese escenario.

TREINTA Y OCHO

VIVE LATINO

14. Dapuntobeat Dapuntobeat tuvo la oportunidad de reventarnos los oídos al ritmo de sus beats funkeros a aquellos que no congeniaran con la música de Tame Impala. Un show electrónico exponencialmente enérgico, ideal para sacarle brillo a la pista y que sin temor a equivocarnos, prendieron el dance-floor con su electro-rock de la Carpa Dan Up. Dapuntobeat, regresó a México con un LP muy bien consolidado (Off the record) y con su tercera grabación en puerta después de mostrar su proyecto en festivales europeos. Invitados de lujo como Javiera Mena y Elis Paprika hicieron explotar a la multitud que sólo buscaba fiesta y baile.

13. Esteman La Carpa Intolerante contaba con muchas propuestas interesantes y la mayoría de ellas no precisamente eran mexicanas, Esteman banda colombiana que con su popular ‘No te metas a mi Facebook’ llegan al festival y con un marcado uso de la ironía en sus letras, un par de coristas, coreografías que nos recuerdan la época disco de los 80’s y un sintetizador que se encargo de resaltar del resto de los instrumentos.

TREINTA Y NUEVE

VIVE LATINO

12. Gepe La nueva oleada de artistas chilenos viene fuerte y Gepe viene a confirmarlo. Después de su participación en el Nrmal Festival (Mty), este chileno puso a bailar desde un principio a todos los asistentes. Uno de sus hits mas recientes ‘En la naturaleza’, fue el primero en sonar ante un publico el cual nunca dejo de gritar y cantar y que prefirió presenciar este show a esperar por los Fabulosos Cadillacs. Gepe se pinta solo, su multifacético proyecto puede poner a bailar a cualquiera con su electro pop, o ponerte sentimental y romántico con una lirica impecable y unos buenos acordes de guitarra. Canciones como ‘Por la ventana’, y ‘Alfabeto’ hicieron de esta noche y del tour de Gepe por México un total éxito.

11.

Él mato a un policía motorizado. Lamentablemente este set se vio demasiado opacado por ir a la par que el de Los Fabulosos Cadillacs, pero ese no fue impedimento para presenciar un gran show. A un considerable número de fans de hueso colorado, no nos importo la “actuación estelar” del día domingo y nos reunimos para ver a estos argentinos referentes de la escena independiente en ese país. Con cierta timidez Santiago Motorizado bajista y vocal de la banda dio las gracias por la presencia del público, y con canciones como ‘Chica Rutera’, ‘Mas o menos bien’ y ‘Mi próximo movimiento’ hicieron corear a todos los asistentes, porque aquellos que nos encontrábamos esa noche en la Carpa Dan up, sabíamos bien a lo que íbamos y vaya que todos nos fuimos satisfechos.

CUARENTA

VIVE LATINO

10. Los Macuanos. El Ruidoson se hizo presente en el Vive Latino, esta camada tijuanense que con música no wave, techno y tintes de minimal oscuro, anda sonando mucho gracias al apoyo del internet. Los Macuanos, representantes de este movimiento, pusieron a bailar a todos con su proyecto de protesta social. Influenciados por la ola de violencia en el norte de país, este proyecto a base de sampleos en sus inicios y posteriormente la creación de su propio sonido conmociónaron con visuales de tinte político.

9. Los Punsetes Impresionante la frivolidad con la que se paraba en el escenario Ariadna vocalista del grupo. Claro, todo es comprensible una vez que haces tuyo el manejo de la lirica tan directa y muy del humor catalán, su presentación nos dejo impresionado. Sin duda son de esos grupos complejos, que por alguna razón terminan por gustarte y sin darte cuenta ya andas moviendo la cabeza al ritmo de éxitos como ‘Dinero’ y ‘Los Tecnocratas’, los cuales vieron la luz en el primer día de actividad del Vive Latino. Sin duda presenciar shows directos del viejo continente, genera curiosidad y duda sobre la manera que operan las bandas allá.

CUARENTA Y UNO

VIVE LATINO

8. Pegasvs (Svper) Esta fue la primera presentación de Svper después de su cambio de nombre (antes Pegasvs). Éxitos como “Atlantico”, “El final de la noche” y “Brillar” calentaron a los pocos asistentes con un desenfrenado sintetizador que nunca dejo de sonar, cara a cara como es costumbre Sergio y Luciana dieron una cátedra del synth pop catalán.

7. Juan Cirerol Una presentación impecable y con más de la mitad del escenario lleno, Juan Cirerol rompió esquemas y estereotipos en presentaciones y se dedico a tocar temas que no forman parte de sus dos producciones. Ideales para pistear, las canciones de Cirerol podrían ser consideradas por nobles y sinceras con sabor a caguama y ambiente de cantina de mala muerte o una insípida taquería de pueblo, canciones que pueden ponerte de buen animo o animarte a cantar por el desamor de aquella mujer que se fue. Algunos éxitos salieron de la guitarra y la armónica del ya mencionado por varios el Johnny Cash mexicano ‘Clonazepam Blues’, ‘La muchacha de las tierras lejanas’ y la mas coreada de la noche ’Eres tan cruel’.

CUARENTA Y DOS

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Los Ángeles Azules

“Quién no ha dedicado esta canción”, dijo un integrante de la agrupación originaria de Iztapalapa, y con la explosión de todo el Unión Indio dio inicio el himno de Los Angeles Azules, ’Como te voy a olvidar’ sonó en miles de voces unidas, sin duda un hecho a analizar. Y no es para más ya que con un lleno total, la agrupación de cumbia sonidera se encargo de tocar aquellos temas emblemáticos que cualquier mexicano debe identificar al instante. Seguramente ya recordaste cuando tus padres bailaban al ritmo de ’Listón de tu pelo’. Con invitados de primera talla como Centaurvs, Camilo Lara, Ximena Sariñana y Jay de la Cueva, nos regalaron una noche bastante agradable, habrá que ver que sorpresa nos tiene la siguiente edición y es que con la anexión de la carpa sonidero, poco a poco se está diversificando el festival, el cual seguramente estará a la altura de los grandes festivales.

CUARENTA Y TRES

VIVE LATINO

5. Japandroids Una banda que bien, pudo haber quedado mejor ubicada en un Corona Capital, Japandroids dio un show bastante movido, un setlist que provocaba sacudir la cabellera y empezar un buen slam, pero lamentablemente nada de esto ocurrió. El duo canadienese con una estructura y formula similar a los mexicanos Yokosuna: Guitarra y batería, contagiaron con su indie rock a todos los asistentes que no se cansaron de corear con todas sus fuerzas cada uno de los temas de su enérgico setlist.

Tame Impala En al menos 45 minutos el Vive Latino bien pudo tomar la esencia de Woodstock, Tame Impala dio una pequeña muestra de psicodelia a los asistentes que a pesar del lleno, la banda no se considerada popular entre los asistentes de este festival, y es que la mayoría pretendía asegurar su lugar para ver lo más cerca posible a Blur. A pesar de ello el olor a marihuana, los visuales y los gritos de los fans, aseguraban un éxito en la presentación de Tame Impala. Con poca interacción con el publico Tame Impala sacudió el Escenario Indio con “Elephant” uno de sus temas más famosos.

CUARENTA Y CUATRO

VIVE LATINO

3. Yeah Yeah Yeah’s

Los neoyorquinos se encargaron de calentar el escenario para el cierre del primer día. Con un antifaz y un traje que hacia alusión a su nueva producción “Mosquito” Karen O nos hizo vibrar y con un “¡Los quiero México!” nos había ganado completamente. “Cheated Hearts” fue la primera en sonar, consecutivamente un considerable número de temas de su nueva producción, dieron la luz en su participación. Podríamos considerar la actuación de los YYY’s como una presentación de gala de su nuevo disco y con uno de los cierres más impactantes del festival. El público fue bombardeado por éxitos tales como “Gold Lion”, “Pin”, “Maps” y el energico “Date with the night”, los cuales rompieron la euforia de los asistentes.

CUARENTA Y CINCO

VIVE LATINO

Underworld

Ya se vuelven una tradición los cierres electrónicos en Vive Latino, y en esta ocasión fue el turno de Underworld para volarnos la cabeza con el techno-experimental más brutal que se ha tocado en escenarios de Vive Latino.

solidados mundialmente, a lo largo de más de 30 años de carrera, temas como “Cowgirl”, “Everybody Jack” y “Dark & Long” hicieron temblar las gradas del recinto.

El frenesí juvenil exploto cuando los primeros beats de “Born Slippy” empezaron a sonar, el escenario ya estaba lleno en su totalidad y seguramente la mayoría de los asistentes pudimos reconocer esta pieza musical y relacionarla con Trainspotting, un referente cultural de la cinemetografía contemporanea ¿Quién no recuerda aquella escena donde Mark Renton es perseguido por guardias Los ingleses ofrecieron temas ya con- de seguridad? Un clásico. Estos referentes del old school inglés estaban presentes, con un ambiente de rave y con la mitad del escenario Indio lleno, la euforia y las ganas de bailar se apoderaron de aquellos que buscaban fiesta, y a pesar del cansancio de la jornada musical, no impidió que reventaran el escenario principal del Foro Sol.

CUARENTA Y SEIS

VIVE LATINO

BLUR

La larga espera terminó, el momento más esperado del Vive Latino había llegado y con “Popscene” esta celebración comenzaba.

“The Universal”. Dichosos aquellos que pudimos presenciar este show, que será difícil volver a presenciar pronto.

Damon Albarn hizo lo que pocos o ninguno de los actos internacionales realizó, la interacción que tuvo con el público fue mágica, irreemplazable y ésta le dio un toque muy especial a su presentación. Un remarcable choque de emociones se hizo presente entre canción y canción, y es que los británicos nos tienen acostumbrados a este fuerte contraste de sentimientos en cada uno de sus temas. Cómo no gritar y bailar al ritmo de “Girls and Boys”, “Parklife” o la internacionalmente conocida “Song 2”, paralelo a esto como dejar a un lado la melancolía con temas como “Trimm Trabb”, la controversial “Beetlebum” y una de las más coreadas

Una edición que nos deja muy satisfechos, la diversidad con la que año tras año ha venido manejando el festival, es para poder llamar la atención de otro público que no interesa, ni congenia con el festival, como pensar que los aferrados fans del Britpop estarían coreando las canciones de Blur, o aquellos que prefieren el electro poder hacer temblar el Foro Sol al ritmo de los beats de Underworld. ¡Enhorabuena! El festival cumplió con las expectativas propuestas y esperando grandes sorpresas para las siguientes ediciones.

CUARENTA Y SIETE

Las Nuevas Plumas del Águila

Modhular “¿Quieres que tu guitarraruja?Ésecabrónlopuedehacer.¿Quieresquechillecomopuerco? También. Échale un fonazo”. Esa fue la primera vez que escuché hablar de Alberto Arias, guitarrista de la banda que ocupa Las Nuevas Plumas del Águila en este número. Por: Jorge Antonio López Mendicuti

@jlopezmendicuti jorge.mendicuti@joyridemagazine.com

Las Nuevas Plumas del Águila El fonazo no me llevó a ningún lado, pero un mensaje en Facebook sí. De repente me encontraba en el territorio de Alberto: un cuarto lleno de madera, cables, amplificadores, partes de guitarras y herramientas, muchas herramientas. Todo en el segundo piso de una casa queretana. Ahí fue a donde llegué para reparar algunas guitarras y salí con un compadre más y una nueva banda para la biblioteca. Modhular La banda suena a haber sido transportada de principios de los 90’s a más de una década adelante en el tiempo. Con letras en español, guitarras distorsionadas pero melódicas y músicos que dominan sus instrumentos, se siente la influencia de Temple of the Dog y Alice In Chains. Pueden llegar a sonar pesados, melancólicos, con tintes de Stone Temple Pilots y un sentimiento de búsqueda y alienación que casi no se escucha en bandas de ahora (y desde hace un buen tiempo). Con la carrera que han tenido por separado sus cuatro integrantes, Modhular parece ser el proyecto bullying de cada uno para descargar todas las frustraciones obtenidas por las limitaciones que tenían en sus pasados. Pablo Guerrero es el vocalista que emula las voces noventeras propias del estilo Vedder/Cornell; Alberto Arias es laudero tanto de instrumentos como de sonidos, destruyendo y construyendo sus propios amplificadores y amplificadores, logrando un tono de guitarra distorsionado y claro con una técnica envidiable; Rafael

Villagómez sufrió como bajista de Ragazzi y proyectos pop, pero su técnica reluce desde que empieza a sonar Luz de Invierno; por su parte, Isaac Villagómez vio el nacimiento de su carrera en la banda, con remates a diestra y siniestra que suenan a técnica de baterista de sesión, como en la canción Aún. Habiéndose presentado en foros como la Plaza de Toros de Zacatecas y el Estadio 20 de Noviembre de San Luis Potosí de la mano del Exa Concierto y el Fesvival Cobach; Modhular se encuentra planeando una pequeña gira nacional y adentrándose en territorio tapatío, el Bajío y el centro del país. Denle una oída a su sonido en vivo con ésta sesión que grabaron de Luz de Invierno para Guerrilla Sónica.

Bandas como Modhular y los ya conocidos por éstas páginas, Beta, nos dan esperanzas para un resurgimiento de la escena hard rock mexicana. Si este género ya está abriéndose paso tanto en Puebla como Querétaro y el Distrito Federal, sólo es cuestión de tiempo para que más bandas salgan a la luz y (le den en la madre) nazca una verdadera escena nacional que ofrezca una mayor diversidad de nuevos artistas mexicanos. Ayúdennos, hágannos saber de algunas de esas bandas que acaban surgir y que vale la pena darles una buena oída. Después de todos, ésta sección es para ustedes.

Twitter @MODHULAR Facebook http://www.facebook.com/pages/MODHULAR/45278033446 YouTube http://www.youtube.com/user/modhular?feature=watch

ENCORE

The Cure 50

Por Mauricio Bustos Romero @mautits •

Ellos también fueron El melancólico vuelve p o p u l a r e s , d i c e n Mariposas en el estómago y nudos en la garganta: léase como las sensaciones en el interior de muchos cuando nos enteramos de que The Cure pisarían tierra azteca. La última vez que pisaron México fue en el 2007 durante la entrega de los premios MTV Latinoamérica. Y ya que los tuvimos de vuelta, es imperioso rescatar su pasado para entender su presente; olvidémonos de que si Saúl Hernández en los ochenta quiso ser como Smith, que si Santa Sabina, Soda Stereo y las hilachas: trece discos de estudio les preceden, unos cuantos más en vivo y múltiples sencillos.

A p asos gigantes El perpetuo cabecilla, Robert Smith, junto con Michael Dempsey y “Lol” Torhurst, cofundadores de la banda, dieron a luz al primogénito Three Imaginary Boys. Mucho se ha dicho sobre este disco, lo único cierto y realmente comprobable es que no tiene una temática definida. La melancolía y la oscuridad en las letras era más que evidente, el estilo vocal característico de Smith en Pornography, el cuarto disco, se coronó. Kiss me, Kiss me, Kiss me es un collage de sentimientos, una transición de la melancolía a la tristeza, de la oscuridad a lo sereno, incluso llegan a jugar con toques pop y bailables.

Es preciso apartar unas líneas para Disintegration, la joya. Sin duda, el mejor disco, el más famoso y el más vendido de la banda: lugar 12 del Billboard de Estados Unidos. Muchos dicen que es producto mercadotécnico y meramente popularidad. Sin embargo en este material, Smith, regresó para quedarse con el pleno sonido oscuro que había guiado a la banda hasta antes del Kiss me, Kiss me, Kiss me; es considerado por críticos y fans como el mejor material de The Cure. Desde Pornography no hubo disco centrado en una temática; múltiples interpretaciones se cuentan al derredor de las letras Disintegration, pero todas encerradas en la idea de la transición, del paso inclemente del tiempo que termina por deshacer todo.

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Sus últimos dos discos: The Cure y 4:13 Dream, engalanan y atormentan la espera. Ambos parecidos, pero nunca iguales. El segundo más arriesgado que el primero y al mismo tiempo más trabajado. Ambos siguen la inagotable línea, eminentemente oscura y dolosa de la vida que antecede a la banda. Fantásticos ambos.

Nos gusto ese nombre por que representa la fuerza y la gente lo retiene muy bien al momento de escucharlo.

llevan muchos detalles, ya que nosotras mismas patronamos, recortamos, cosemos, bordamos Por Anahí Rodríguez Olvera y eso hace un proceso muy no usa Twitter largo, para hacer una calidad mas ¿Porqué decidieron para el cercana como a un bolso de una • proyecto hacer bolsas y no otro tienda departamental. objeto? ¿En qué se inspiran para hacer el ¿Qué mujer podría vivir sin un Porque que un bolso es diseño de una bolsa? bolso? Todas, absolutamente el objeto más preciado de una todas nos sentimos incompletas mujer, llevas tus cosas de valor y En toda la naturaleza, ya si llegamos a salir sin él. Hoy además una bolsa aparte de ser un que es muy fina y delicada, y no conocerás una nueva faceta en accesorio representa o imprime la sólo eso es sorprendente como el bolsos: originales, de calidad y personalidad de alguien, es como proceso de algo trae tanto detalle hechos en México. una extensión de uno mismo. como por ejemplo una flor, e Además es como un baúl porque intentamos hacer un producto de Desde el primer momento tus cosas mas preciadas están calidad. nos topamos con ellos, nos dentro de él. enamoramos. Fuimos presa del amor a primera vista gracias a Además nuestros aquella magia que los hace únicos. bolsos llevan la mexicanidad Les presentamos a MIEL, marca contemporánea con el toque de bolsas 100% artesanales que femenino de un accesorio. Todo nace a partir de la iniciativa de esto gracias al control de calidad dos mujeres, Arleth y Grisel, y que tenemos en nuestros bolsos, que en muy poco tiempo han ya que cada bolso esta hecho demostrado que el gusto, la con materiales 100% mexicanos. creatividad y la calidad pueden Por ejemplo, los textiles son verse reflejados en un excelente creados por una diseñadora textil diseño, funcionalidad y calidad. muy buena a la que le decimos “La Chula”. Nuestros bolsos Platicamos con sus manufacturas totales. creadoras y esto es lo que nos dijeron: ¿Cuánto tiempo le inviertes a una bolsa? ¿Qué significado tiene MIEL? Aproximadamente como MIEL significa, fuerza, 3 horas por bolsa. Y no es tanto feminidad, delicadeza, estilo. lo que tardemos, nuestras bolsas

¿Porqué escoger a clientes como a las mujeres? Porque las chicas se identifican con las bolsas, la mayoría son mujeres muy delicadas, femeninas y románticas. Y al principio no fue un proyectado planeado y con el tiempo salió este mercado. ¿Cómo se dio a conocer la marca? Por redes sociales ¿Consideran que las redes sociales son importantes para dar a conocer un producto? Si porque es un medio que te ayuda bastante hoy en día, de igual manera que otro medio te ayudaría. ¿Consideran que el diseño mexicano es valorado por el publico mexicano? Pues no mucho, pero a la mayoría le falta un poco de conocimiento sobre las marcas mexicanas. Ya que la gran mayoría prefiere traer una marca americana que una nacional, además muchos consideran que lo hecho en México es algo mal hecho. Involucra mucho el compromiso de uno para hacer bien las cosas y dar un producto de calidad.

¿Dónde podemos encontrar las bolsas MIEL? En Fashion Lovers, que se encuentra en Álvaro Obregón, en Quintante Tienda de Diseño Arte y Moda ubicada en El Pasaje Parián en la Colonia Roma y en la boutique La Marchanta.

Vonrêver

Ar…go

fuck yourself! Lo que empieza en farsa termina en tragedia (sic)

unas semanas de que Argo ganará el Oscar como mejor película, queda tiempo para reflexionar si realmente merecía dicho reconocimiento. Ejercicio que se limita a analizar las posibilidades de ésta frente al resto de las películas nominadas por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas para dicha categoría, dejando de lado cualquier discusión frente a si la selección de la terna fue la indicada. Parafraseando a uno de sus mejores personajes, Lester Siegel (Alan Arkin), encontramos la mejor síntesis del filme: Hay seis

personas escondidas en una ciudad de 4 millones de habitantes que cantan “muerte a eu” todo el día. Y para rescatarlos, de la casa del embajador canadiense ubicado en el centro de Teherán, en plena revolución iraní en 1979, quieres preparar una película en una semana. Quieres mentirle a Hollywood, donde todos mienten como forma de vida. Para meter al 007 aquí presente (el agente Tony Méndez, Ben Affleck) a un país que quiere sangre de la cia para el desayuno. Y salir inocentemente, en propios pies, de la ciudad más vigilada del mundo. Dirigido y protagonizado por

Ben Affleck, este largometraje cumple con honores las expectativas de cualquier seguidor de los thrillers políticos hollywoodenses, donde se combina un despliegue de producción de primer nivel, con escenas de acción y efectos especiales que reflejan su éxito en el nivel de tensión que produce en el espectador; con un argumento inteligente, que si bien podría rayar en un libreto más del infumable imaginario hollywoodense, se viste del prometedor “basado en hechos reales”, con que se celebra el ingenio de un agente “extractor” de la Agencia Central de Inteli-

Por: Iván Dasayev Callejas Barroso • twitter: @ivandasayev

gencia, la siempre siniestra, cia. Sobresaliente también resulta la fotografía del mexicano Rodrigo Prieto, que adquiere una tonalidad vintage que apoya de forma notable la excelente recreación de la época. Si bien el trabajo técnico es remarcable, las actuaciones de la mayoría de los personajes son sosas y carentes de matices. Siendo Ben Affleck el más inexpresivo de todos. Sobresalientes, las participaciones de Bryan Cranston, John Goodman y Alan Arkin, representantes, éstos últimos, del extravagante mundo hollywoodense.

Las extracciones son como los abortos. Nadie quiere necesitar uno, pero si es así, no se lo hace uno mismo. Pero qué de la premiaciones, quiénes los responsables. Sin descalificar o menospreciar los méritos de Argo, cinta que resultó ganadora de reconocimientos como el Óscar, el Globo de Oro, el bafta o el otorgado por el Sindicato de Directores estadunidenses como mejor película, los aciertos que presenta no alcanzan para opacar la grandeza de una película tan completa y magnánima como Amour, del austríaco Michael Haneke, su

más acérrima competidora. Un film que con su “derrota”, nos recuerda, por si acaso algunos lo olvidamos, que Hollywood es y será siempre de los hollywoodenses. Y es que sí, Argo siempre tuvo razón, si quieres vender una mentira, la prensa debe venderla. • Argo Dir. Ben Affleck 2012

CADENCIA HISTÓRICA

John Cassavetes

Por: Daniel Cid | @dakomaniaco

Ya nos adentramos un poco al mundo del Independent Film con los inicios de Martin Scorsese, ahora es tiempo de desentrañarlo por completo desde su fundamental inicio. Para ello este mes JOYRIDE presenta a uno más de los grandes ciniastas de todos los tiempos, John Cassavetes.

ohn Nicholas Cassavetes (1929–1989) nació en Nueva York. Su madre, una estadounidense con raíces griegas y su padre un inmigrante griego decidieron criarlo hasta los 7 en Grecia.

su regreso y sin hablar nada de inglés, fue introducido a la sociedad de la que habla en la mayoría de sus filmes. Después de pertenecer a varios clubes en la preparatoria y ser un “tipo muy carismático” decide estudiar English en Colgate University para después transferirse a New York Academy of Dramatic Arts para terminar en 1950 como un “prometedor actor”. Para 1955 ya participaba en una serie televisiva y más películas, aun y cuando era conocido como un “joven problemático”. En 1957 mientras promocionaba su más reciente trabajo actoral, Edge of the City (1957), en un programa de radio, se quejó de lo decepcionado que estaba de la película y que él podría hacer una verdadera película acerca de la gente. Al final del programa incito a los radioescuchas a que mandaran dinero para poder financiarla. Al final de la semana había recaudado dos mil dólares, con lo que inicio la preproducción de su opera prima, sin saber de qué se trataría. Shadows (1959), fue filmada en 1957 sin ayuda profesional ni guion y sólo usando una cámara de 16mm y luces rentadas. Historia de tres hermanos que lidian con el amor, la identidad, la edad y la sociedad, cada año afrontándolos de manera diferente. Retrata a la perfección la vida cultural en NYC de esa época. Siendo actor,

otorga prioridad al trabajo de los actores, dando a sus cuerpos y gestualidad el engrane principal de la intriga. Filmando escenas improvisadas, genera una espontaneidad en su realismo. Muestra su juego con la cámara, usando el plano secuencia a manera de narración, exponiendo los comportamientos actorales como prueba de ello. El exquisito Jazz expuesto como soundtrack realza el espíritu “Beat” de la cinta. Filmada por partes con un estilo cinéma vérité, Faces (1968). Autofinanciada y solo compuesta de ocho secuencias, relato de que sigue las últimas fases de la desintegración de un matrimonio de mediana edad. Coprotagonizada por la esposa de Cassavetes, Gena Rowlands, asi como Seymor Cassel, Lynn Carlin y Ben Gazzara, logró improvisaciones excepcionales que le dan forma al cuadro. Exhibe las emociones de los actores de manera tan natural y espontaneo que es como uno lo viviera en carne propia, esto se obtuvo debido al acecho al que fueron expuestos los actores con la técnica cámara al hombro. Su obra maestra, A Woman Under the Influence (1974). Presenta a una mujer, esposa, madre que al comportarse de manera distinta, rara o simplemente no común con respecto a la sociedad, su esposo decide tratarla psiquiátricamente. Ostenta una mirada psicosociológica de los sujetos que cimentan la película y le da vida. Una imagen femenina perdurable, que denota la original espontaneidad de las relaciones humanas y como la sociedad deforma su esencia.

La compleja y densa Opening Night (1977), su última película independiente. Su esposa en el papel La compleja y densa Opening Night (1977), su última película independiente. Su esposa en el papel protagónico de una actriz que está envejeciendo y que la muerte de un joven fan la hace tener una retrospectiva. Retrata a la perfección la crisis de la protagonista y cómo ve ella a las personas que la rodean y viceversa. La habilidad de Cassavetes para contar la historia nos esconde la base del problema en la actriz, haciéndonos creer que es su adicción. Difícil de ver por la intensidad de su narración, pero una delicia imponderable. El final abierto hace que el espectador resuelva el enigma aunque este no nos guste.

Esperamos que puedas ver estas cuatro cintas de uno de los excelsos cineastas que menor reconocimiento tienen. Gracias a él y a sus contemporáneos, disfrutamos de una rama del cine que no muchos conocen, Independent Film, y que nos ha dado muchas de las más grandes joyas de la cinematografía mundial. Te recomendamos otros títulos como: Too Late Blues (1961), el mundo del Jazz; A Child is Waiting (1963), con una profunda carga psicológica; Husbands (1970), brillantemente realista y The Killing of a Chinese Bookie (1976), un Film Noir muy a su estilo.

Hating the OBVIOUS It all started with a little Tumblr post from DIIV’s Zachary Cole Smith: Hi Austin. Fuck SXSW. There…. I said it.” The New York frontman went on a rampage about how industry-oriented SXSW was. “Here, the music comes last. 5 minute set-up, no sound check, 15 minute set. The ‘music’ element is all a front, it’s the first thing to be compromised. Corporate money everywhere but in the hands of the artists, at what is really just a glorified corporate networking party. Drunk corporate goons and other industry vampires and cocaine. Everyone is drunk, being cool. ‘Official’ bureaucracy and all their mindless rules. Branding, branding, branding. It’s bullshit… sorry.” The rant popped off. Pitchfork reposted it. People started talking. People started tweeting. This is just what happens these days: We chew up and spit out information in a matter of seconds. Once it’s out of our systems, we barely remember what it tasted like. We live in an A.D.D. world. Bring on the Adderall (another fashionable thing to do simply because it is there and life is so, so hard sometimes).

IS IN INGLICH, EL DIRECTOR This was my band, White Lung’s, first time playing SXSW. My agents insisted. Agents are all about “buzz.” It’s their job. I get it. It’s also the job of me as the creative, the musician, to hate on all this “buzz” and just care about the art. The tug of war between publicists, managers, record labels, booking agents, and the “talent” has always existed. Things always become contentious when capital is involved. When we arrived in Austin, I took one look around at the dirty streets and drunk people running around in even drunker circles and texted my friend, “I made a mistake. I don’t want to be here.” The girl in the hotdog hat and Daisy Dukes is what sent me over. I thought I’d be playing for people who did not care. Why was I busting my butt playing three showcases a day for people like this? But soon, that feeling faded. I focused on what I had to do, which was play great rock shows and entertain crowds while letting all my anger channel through a microphone. I take my job seriously, even if it is just standing on a stage and challenging every person staring back at me. I am a performer and I like doing it. I want to be here. Music festivals are annoying. All musicians have to say we hate them. The most fashionable thing at SXSW was hating SXSW. It would be uncool if we liked being at SXSW. But this is exactly why Smith’s sentiment makes me roll my eyes. Anyone who has done their research (and by research I mean spoken to one other band who has attended SXSW) should know that this is an industry festival meant to showcase bands to potential business suitors. Of course there are no sound checks. Of course the sets are 15 minutes. You know