elRespirador Nº1 Enero 2015 by elRespirador

Número 1 ENERO 2015 Revista de arte contemporáneo

Yovani Boza Moreno | Santiago Navarro | Valérie Mréjen | Margarita de Aizpuru & Yolanda Peralta | Alejandra Laviada

¿Quiénes Somos? El proyecto elRespirador nace como plataforma artística de divulgación y participación continua. Somos un colectivo de estudiantes, artistas, poetas, músicos y teóricos que trabajamos de una forma totalmente altruista, comprometidos con el arte como forma de entender todo lo que nos rodea y preocupados por la distancia que existe entre el arte contemporáneo y el gran público que ante el desconocimiento prefiere prejuzgarlo.

PORTADA: Antonio Sánchez, Jeffrey, 2014, fotografía, 21x29,7 cm.

Dicho proyecto –que comprende tanto revista digital como plataforma web- tiene como objetivo convertirse en un medio de información sobre lo que acontece en el mundo del arte contemporáneo, desde exposiciones en las galerías más conocidas hasta actividades culturales (arte, poesía, música, conferencias, etc..) que se desarrollan en toda España. Además, se organizarán convocatorias regularmente destinadas a artistas emergentes que quieran dar a conocer su obra. Esta propuesta espera ampliarse con un apartado a modo de ‘galería virtual’ así como la posibilidad de hacer exposiciones físicas con dichas obras. La revista se compone de distintas secciones que serán llevadas a cabo tanto por un grupo de colaboradores habituales como por algunas firmas invitadas, siendo estos últimos artistas, comisarios, profesores o teóricos del arte.

CONTRAPORTADA: Guillermo Ramírez Torres, 224, Homenaje a John Baldessari, 2014, bolígrafo negro y papel, 21x29,7 cm.

Algunas de las secciones que podrás encontrar son artículos de investigación, entrevistas, artículos de opinión, críticas, poesía y literatura, música, cine o un listado de las mejores convocatorias nacionales e internacionales. Te invitamos a disfrutar del arte contemporáneo, bienvenidos.

WELCOME

Firmas invitadas en este número Yovani Boza Moreno

Oliva de la Frontera, Badajoz. 1.6. 1987 Licenciado en Bellas Artes (Especialidad Pintura) por la Facultad de Bellas Artes Santa Isabel de Hungría de Sevilla (2005/2010). En 2010/2011 realiza el Máster Universitario en Arte: Idea y Producción de Universidad de Sevilla. Pertenece al Grupo de Investigación HUM 555, Pintura y Nuevas Tecnologías. En 2013 se le concede un Contrato de Personal Investigador en Formación dentro del V Plan Propio de Investigación en la Universidad de Sevilla. Realiza sus estudios de doctorado dentro del programa Investigación Artística en el Departamento de Pintura. Ha sido becario adscrito a los siguientes proyectos: “Coordinación entre las nuevas materias de Segundo Curso”, (26/09/2011-09/11/2011) y “Diseño de nuevos Sistemas de Evaluación en base a la coordinación entre asignaturas, Proyecto de innovación y mejora docente. Líneas 9” (01/07/2011-16/09/2011), aprobados en convocatoria del I Plan Propio de Docencia y asociados al Proyecto de la Fundación de Investigación de la Universidad de Sevilla (FIUS) Ha asistido a una decena de cursos, talleres y jornadas relacionadas con la práctica artística y el Arte Contemporáneo. Cabe reseñar la participación con la comunicación: “Tradición- Innovación en la Facultad de Bellas Artes de Sevilla” en el Foro Pedagógico de la 2ª Muestra Internacional de Arte Universitario IKAS-ART 2010, celebrada en el Bilbao Exhibition Centre (BEC), Barakaldo (Vizacaya). Escribe varios artículos vinculados al arte y la cultura publicados en la Revista Teodosio 5, editada por el Ilustre Colegio de Doctores y Licenciados en Bellas Artes de Andalucía. Algunas de sus obras se recogen en distintos catálogos, entre los que se destacan los del VII y VIII Premio de Poesía Experimental Diputación de Badajoz editados por el Departamento de Publicaciones de la Diputación de Badajoz y el de los Finalistas de XXV Premio Internacional de Pintura Eugenio Hermoso 2007. Realiza obra por encargo y también desde 2003 hasta 2014 ha participado en cuarenta exposiciones colectivas nacionales cabiendo destacar las realizadas en: la Galería Antiquarium (2014) /Sala Centro Cultural CajaSol de Sevilla (2012)/Excmo. Ateneo de Sevilla (2010)/ Museo Modernista Can Prunera de Sóller, Mallorca. (2010)/ Sala “Vaquero Poblador. Diputación Provincial de Badajoz (2010)/ Centro Cultural las Claras de Plasencia. (2007)/ Centro Cultural de Sta. Marina de Zafra. (2007)/ IFEBA, Badajoz. (2009)/ Sala Sótano 2. Facultad de Bellas Artes, Sevilla. (2009)/ Centro de Exposiciones San Jorge, Cáceres. (2009)/ Sala Julián Cuadra del Museo Arqueológico de Jerez de la Frontera. (2009). También participa en las Exposiciónes internacionales Perspectives-Art, Inflammation and Me en Strandzuid (RAI area) Ámsterdam (Holanda) y en la Galerie Wagram. París (Francia). Artista premiado en los I Premios Arte y Enfermedades de carácter Internacional organizado por la Cátedra Arte y Enfermedades de la Universitat Politècnica de València. (2014). También ha sido premiado con una Mención de Honor (Modalidad Pintura) en el XXVI Certamen de Artes Plásticas “Miguel González Sandoval” de Lora del Rio (Sevilla), Primer Premio Modalidad Pintura en el XXIV Certamen Calamonte Joven 2014 ((Badajoz), Primer Premio en el IX Certamen de Pintura “Mi Tierra” de Almendralejo (Badajoz),Tercer premio de pintura en el IV Certamen de Arte: “la Universidad y el Deporte” 08/09, Mención de Honor en el II Premio de Escultura Figurativa Ciudad de Badajoz (2008), Primer premio en el VIII Certamen de Pintura “Feria Internacional Ganadera de Zafra” (2007).

Santiago Navarro

San Fernando, Cádiz. 23.11.1970 Desde 1997, es profesor Contratado Doctor del departamento de escultura de la Facultad de Bellas Artes de Sevilla. Pertenece al Grupo de investigación TEBRO. Ha participado en numerosos proyectos de investigación nacionales: Proyecto de excelencia “Colada automática de procedimiento eutéctico en la fundición artística”, e internacionales en colaboración con la Hogeschool Antwerpn (Bélgica), De Montfort University (UK) o la Muthesius Kunsthoschule de Kiel (Alemania), entre otras. Desde 2002 coordina varios programas de movilidad internacional. Ha desarrollado algunos de sus proyectos de creación en estancias en la UFMG de Brasil, Accademia di Belle Arti di Firenze y Carrara, la Kunsthoschule Berlin o la Hogeschool Sint Lukas de Bruselas. Cabe reseñar su colaboración en las revistas Journal of education trough art, ed. IJEA-Rachel Mason, con el artículo “Alzheimer’s. Researching the disease trough sculpture”, Rev. Bellas Artes. Revista de Artes Plásticas, estética, diseño e imagen con el “Estudio, análisis y representación plástico-escultórica de la enfermedad de Alzheimer” de la Universidad de La Laguna o en la Revista Fin. E-vista experimental. Ed. ADR con el artículo “El ornamento del hueso”. De su participación en congresos internacionales y nacionales se recogen publicaciones tales como: “Luz y sombra. Elementos mátericos en la organización espacial” (congreso nacional Nuevos procedimientos escultóricos. Universidad Politécnica. Valencia. 2002); “La luz y el sonido. Nuevos planteamientos plásticos en la instalación multimedia” (congreso NMTA. Universidad complutense, Madrid. 2005); “Fabric and colour in the contemporary art world” (10th congress of the International Colour Association. (vol. II) Universidad de Granada, 2005).; o las conferencias: Box of Crickect: 4 installation projects en el Ciclo de conferencias en De Montfort University-Fine Arts. Leicester. UK. Marzo, 2007; Death and identity: 7 installation projects between 1999-2005, en la Artesis Hogeschool Antwerpen. Bélgica. Mayo, 2008; SIETE: Lugares de Creación. Progettare nuovi luoghi per la creazione e l’insegnamento, en la Accademia di Belle Arti di Brera. Milano, Italia. Su obra queda además reseñada en publicaciones tales como “Corpus Solus” de Juan Antonio Ramírez, “La renovación plástica de Andalucía” de Bernardo Palomo, “A través de los animales” de Ignacio Tovar, “ AAron Lloyd vs Santiago Navarro 1987-2012” de Sema D’Acosta, “Errantes presencias” de Iván de la Torre Amerighi, “la sombra y el espejo” de Jesús Reina o “El poder” de Javier Rubio Nomblot, entre otras. I Premio Internacional de Instalación Art Salamanca 2009 “El mundo es un escenario Teatralidad y Narración en el arte contemporáneo, III Bienal de Artes Plásticas Rafael Botí, Córdoba (2001) o el II Premio Internacional de Instalación Fundación Ángel Orensanz. Nueva York (1998). Entre las becas obtenidas cabe resaltar la Beca Frontera Sur 2001, Beca Iniciarte 2007 y 2010, la Beca FPI 1999, Beca AECI-UFMG 1999 o la Beca Erasmus-Lingua Acción 1993-94. Tiene obra en colecciones privadas y públicas entre las que cabe reseñar: DA2 Salamanca, CAC Málaga, Fundación Rafael Botí, Fundación Provincial de Cádiz, Diputación de Cádiz, Caja San Fernando, entre otras.

EQUIPO EDITORIAL

Juanma Domínguez

Flâneur manitas que no sabe si jugar a ser artista o poeta, mientras tanto estudio Bellas Artes y vomito palabras.

Músico, melomano patológico y aficionado al arte en general y sin remedio. Reserva del 91. Filósofo aficionado, entre el Torete y Siddharta Gautama. Hay que saber de ‘tó’.

Pintura de José Álvarez Unquiles

María Álvarez Romero

Dibujo de Marta Pérez Martínez

Sé que vine al mundo en A Coruña y de repente me encuentro estudiando Bellas Artes en Sevilla. También sé que dicen que soy mística.

Marta Pérez Martínez Dibujo de Laura Fernández Zapata

Laura Fernández Zapata

Antonio Sánchez Amante de la transgresión y la poesía. De pequeño le dijeron que debía hacer algo de provecho con su vida, por lo que se metió a estudiar Bellas Artes. Indeciso, o eso cree.

Dibujo de Sylvia Segura Turner

Guillermo Ramírez Torres S/T “I would prefer not to”

Gallega de nacimiento y Sevillana de acogida, vago entre ambas ciudades sin rumbo fijo, bebiendo de sus enseñanzas y nutriéndome de las piedras que haya en mi camino.

Ana Santos Blancat Nada

A Mar GarcĂa Ranedo, precursora de este proyecto.

VALÉRIE MRÉJEN PÁGINA 16

YOVANI BOZA A PROPÓSITO DE “EL RESPIRADOR” PÁGINA 27

MARGARITA AIZPURU Y YOLANDA PERALTA PÁGINA 46

ALEJANDRA LAVIADA PÁGINA 66

SANTIAGO NAVARRO DIBUJAR EN EL AGUA. REFLEXIONES SOBRE EL ART PARA LA VIDA PÚBLICA PÁGINA 64

O . TE ÚTIL A.

Contenidos Contenidos EDITORIAL

RESPIRAR, ¿ES UTIL? 10 10

OPINIÓN

UN ARTE DE IDEAS 13 13

ENTREVISTA A VALÉRIE MRÉJEN

16 16

INVESTIGACIÓN FIRMAS INVITADAS: YOVANI BOZA ALUIS PROPÓSITO CAMNITZER, DE “EL EL CÍNICO RESPIRADOR” SUBVERSIVO

ENTREVISTA A MARGARITA AIZPURU INVESTIGACIÓN Y YOLANDA LUIS CAMNITZER, EL CÍNICO PERALTA SUBVERSIVO

27 27

42 31

ENTREVISTA A ALEJANDRA MARGARITA LAVIADA AIZPURU 60 Y YOLANDA PERALTA LITERATURA Y POESÍA 46 CANGREJO ERMITAÑO FIRMAS INVITADAS: SANTIAGO NAVARRO DIBUJAR EN EL AGUA. REFLEXIONES SOBRE EL ARTE ÚTIL PARA LA VIDA PÚBLICA65 SOBRE LA ALT LIT 64 66 ENTREVISTA A ALEJANDRA LAVIADA SOBRE DOS AUTORES HISPANOS 66 68

LITERATURA Y POESÍA CONVOCATORIA ELRESPIRADOR CANGREJO ERMITAÑO

MÚSICA SOBRE LA ALT LIT

VENÍAMOS DE TARIFA SOBRE DOS AUTORES HISPANOS

CRÍTICAS CONVOCATORIA ELRESPIRADOR RECOMENDACIONES MÚSICA CONVOCATORIAS VENÍAMOS DE TARIFA CRÍTICAS RECOMENDACIONES CONVOCATORIAS

79 82 86

71 72 74 76

88 85 88 92 94

Respirar, ¿es útil? por Antonio Sánchez Es algo ya inherente al ámbito del estudio humanístico -más proclive, incluso, en las artes- ese escepticismo de carácter pragmático que conforma su periferia. ¿A qué estudiante de antropología, filología, bellas artes, historia, música o filosofía no le han preguntado alguna vez aquello de: ‘oye, ¿eso qué salidas tiene?’. Este tipo de cuestiones derivan hacia la típica (por no decir ampulosa, a la par que reiterativa) discusión en torno al impacto socioeconómico de las ciencias y humanidades. En este sentido, cuando empleamos la acepción típica nos referimos a ese juego de oposición o rivalidad absurda que siguen los componentes de ambos bandos, basado en la misma tendencia al descrédito que impera entre dos aficionados de equipos de fútbol antagonistas: enemistad per se, sin atender a cuestiones deductivas, y por tanto razonables. De un modo dispar a este denigrante criterio del que gozan todos los participantes de este tipo de discusiones banales (más parecido a una disputa de bar que a una verdadera permuta de ideas), debemos destacar la prolija relevancia de la que goza esta confrontación de maneras de entender el mundo en la actualidad desde una tendencia de reflexión y propósito a un nivel más global, atendiendo al contexto de crisis global en el que vivimos hoy día. Todo ello se acrecienta además con la conducta autodestructiva de la que gozan las universidades españolas, empeñadas no sólo en hacer hincapié en la diferencia que existe entre los estudios de ciencias y las humanidades (o incluso plantearse el eliminar estudios como filosofía y arte de forma tajante), sino que las propias humanidades se encargan de fragmentarse por sí mismas, obviando la vinculación tan rica que existe entre ellas. Por poner esta idea de manifiesto: mientras que un estudiante de Bellas Artes en Sevilla rara vez estudiará algo ajeno a las artes plásticas, en los países anglosajones se encargan de cultivar los estudios de la imagen donde conectan historia, sociología, antropología, filosofía y arte. Pero de esta cuestión nos encargaremos en otra ocasión. De momento considero que cobra una soberana significación el reflexionar acerca de un concepto concreto del cual parte toda esta controversia: la UTILIDAD. A propósito rescatamos un fragmento del prólogo que pertenece al manifiesto La utilidad de lo inútil de Nuccio Ordine: “Existen saberes que son fines en sí mismos y que (por su naturaleza gratuita y desinteresada, alejada de todo vínculo práctico y comercial) ejercen un papel fundamental en el cultivo del espíritu y en el desarrollo civil y cultural de la humanidad”1 . Queda explícito el mensaje: El saber -ajeno a lo pragmático/comercial- como herramienta para la labor de progreso espiritual y cultural, así como arma contra el delirio de supremacía del utilitarismo, es decir, el instrumentalismo del saber y del aprender, de igual forma que la hegemonía dictatorial del beneficio 1

ORDINE, N., La utilidad de lo inútil, Acantilado, Barcelona, 2013, p. 9.

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y la posesión. Las artes, al igual que la filosofía o el estudio de la historia (ejercicios a priori exentos de plusvalía capitalista), resultan el antídoto perfecto que garantiza la inmunidad ante el carácter virulento de la ganancia y el provecho. Un antídoto –en palabras de Ordine- contra la “barbarie de lo útil que ha llegado a corromper nuestras relaciones sociales y nuestros afectos más íntimos” . Ya Aristóteles aclaraba en su Metafísica que el verdadero objetivo del conocimiento y la sabiduría no es otro que ‘huir de la ignorancia’, más allá de la búsqueda de una utilidad -productiva- concreta. Pero lo peor no es la ignorancia en sí, sino el hecho de aceptarla aun habiendo percibido su presencia sobre nosotros. Esta actitud de desidia es llevada a cabo por aquellos conocidos como “nuevos bárbaros de nuestro siglo”, los cuales no tienen nada que ver con esos extranjeros de culturas ajenas a las nuestras sino que forman parte de nuestra estirpe; son autóctonos miserables e insensibles ante los valores que conforman las artes liberales que han consolidado nuestra democracia. Consideramos que esta predilección por el producto tangible, medible y ante todo, rentable, ha derivado en una tendencia calamitosa que afecta directamente al órgano que se supone debe ser el principal productor de conocimiento: la universidad. Hoy día se podrían definir a las universidades como meras empresas fundadas en base a una especie de ‘clientelismo’ a las que el alumnado acude en busca de un documento oficial que acredite ya no su aprendizaje, sino el mero hecho de haber pasado por allí (si bien, en teoría, haber adquirido los conocimientos adecuados) para poder acceder al mundo mercantil. Al mismo tiempo, el profesorado se ha convertido en el personal burocrático al servicio de dichas empresas,doblegando el papel de pensador/educador a un segundo plano, llegando a condenar dicho papel al ostracismo casi absoluto. Este ambiente, característico de todo aquello corroído por la carcoma se debe, precisamente, a la imposición autoritaria del utilitarismo en todos los campos posibles. Prevalece así la búsqueda exhaustiva de un resultado que se pueda pesar y medir, de modo que ese producto final justifique, en cuanto a nivel de utilidad, la gran inversión que ha habido detrás. Henry Newman ya nos invitaría a hacernos la pregunta clave: ¿Con qué se justifican los gastos de una universidad? ¿Cuál es el valor en el mercado del artículo llamado ‘educación liberal’? Evidentemente, para todo aquel

que realiza estudios artísticos y/o filosóficos, estas cuestiones gozan de una amplia cantidad de análisis y cavilaciones sobre el tema. Pero esta es una revista dedicada principalmente a las artes, por tanto centrémonos en ello. ¿Cuál es el papel de las artes en todo esto? Para ello debemos situarnos en el contexto a raíz del cual surge el título de esta revista: Un periodista le pidió una vez a Marcel Duchamp que resumiese su existencia -en cuanto artista- en algunas palabras breves, a lo que él respondió que se había servido del arte para establecer un cierto modo de vida, buscando hacer de su ‘manera de respirar’, una especie de tableau vivant: “Me gusta más vivir y respirar que trabajar (…) mi arte consistiría en vivir; cada segundo, cada respiración es una obra que no está inscrita en ninguna parte, que no es ni visual ni cerebral, y sin embargo existe” . Duchamp se definía por tanto, no como artista, sino como un RESPIRADOR. Más tarde, a la pregunta acerca de la obra artística de la cual estaba más satisfecho respondió: “El empleo de mi tiempo”. Este respirador, pensador precoz en asumir las cuestiones lógicas y éticas de la modernidad, entendió el arte como la única actividad por la cual el hombre como tal se manifiesta como un verdadero individuo, y se sirvió de él como un terreno de experiencias, es decir, se convirtió él mismo en su obra principal. Por ello, afirmamos fervientemente que el arte y el pensamiento, si es que aún se decide entablar una diferenciación entre ambos términos, construyen y designan nuestro lugar espiritual y cultural, es decir, nuestro ser en cuanto individuo así como en cuanto sociedad, y estas sí son auténticas riquezas por las que merece la pena formarse –incluso- en la inutilidad. Tengamos en cuenta que la respiración no se mide, no se pesa, no da lugar a un producto tangible ni útil en cuanto a materialización del trabajo. Sin embargo sería imposible vivir sin ella. Se os propone que obviéis la inhalación, la exhalación y la hematosis y os dediquéis simplemente a respirar, de forma que, como bien diría Federico, veáis “la ciencia con la óptica del artista, y el arte, con la de la vida”. Así que la próxima ocasión que se os pregunte acerca de la utilidad de lo que hacéis o estudiáis, si bien seguramente no os entiendan, podéis contestar con orgullo y gran dignidad:‘Ante todo, soy un Respirador. No tanto útil, como imprescindible’. ■

ORDINE, N., Op. Cit., p. 28. ROMÁN, R., La terapia de lo inútil, Cántico, Córdoba, 2014, p. 9. 4 Cfr., NEWMAN, J.H., Discursos sobre el fin y la naturaleza de la educación universitaria, Eunsa, Navarra, 2011. 5 CABANNE, P., Conversaciones con Marcel Duchamp, Anagrama, Barcelona, 1984, p. 64. 6 NIETZSCHE, F., El nacimiento de la tragedia, Alianza, Madrid, 1990, p. 28. 2

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ARTE Un de IDEAS por Guillermo Ramírez Torres

En la actualidad existe el riesgo de pensar aún que el arte es algo puramente matérico, sin nada más que la presunción de un genio innato que permite al artista tener unas cualidades manuales excepcionales. Esta idea probablemente sea una de las más inconsistentes que se vinculan con el arte y más aún casi un siglo después de la famosa Fuente de Richard Mutt (seudónimo de Marcel Duchamp) o tras cincuenta años de las Brillo Box de Andy Warhol. Con estas obras quedaba patente que puede ser arte un objeto sin haber sido realizado por el propio artista. Esto nos conduce hacia una pregunta: si el arte no puede entenderse exclusivamente como un proceso técnico, ¿cómo se puede entender el arte? Para esta pregunta puede haber muchas respuestas pero hay una que es común a todas. El arte es un producto intelectual. Entonces, ¿qué relación ha existido entre arte y pensamiento? Esta respuesta nos podría llevar a un largo, tedioso y tremendamente aburrido ir y venir de fechas, nombres y autores. Por el contrario, hagámoslo más fácil, juguemos a hacer arte, parafraseando al genial Allan Kaprow. Juguemos a imaginarnos que somos artistas prehistóricos. Sí, esos a los que miramos desde la distancia y que nos producen una mezcla entre rechazo y admiración a partes iguales. Imaginemos que necesitamos representar algo con imágenes y que no importa cómo esté elaborado. Este arte no está tan lejano del arte contemporáneo como podríamos creer, de hecho comparten grandes similitudes. Estos artistas (no debemos quitarle su mérito por no representar con una técnica extraordinaria sus temas cinegéticos) parecen haber hablado en la distancia con el gran chamán, Joseph Beuys, probablemente el artista Fluxus más importante. No distan tanto los bisontes de Altamira con la performance I like America and America likes me del año 1974, en la que el artista alemán se encerró con un coyote durante varios días en una galería de Nueva York. En ese período de convivencia Beuys, apelando a la vinculación entre este animal totémico y el territorio norteamericano, realizó una serie de rituales chamánicos con los que quería interactuar con el animal el cual finalmente se acostumbró a la presencia de Beuys estableciendo lazos de simpatía con él.

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Esta pista demuestra que estas formas de arte son En este sentido, nos resultaría esclarecedor volver producto de algo más que una habilidad técnica, son a imaginar: Imaginemos que somos Alicia y nos producto del juicio crítico. encontramos en un mundo sin un sentido aparente. De repente encontramos a un enorme huevo subido No hace falta hacer una arqueología del arte para ver en un muro en el cual no deja de balancearse. Es que el ejercicio artístico es una forma diferente de ver Humpty Dumpty y así nos habla en Alicia, a través del el mundo, de plantearlo, de cuestionarlo, de sentirlo, espejo y lo que encontró tras él de Lewis Carroll: de vivirlo. Mirarlo con ojos críticos y creativos es fundamental, es la llave al conocimiento cultural propio «- Cuando yo uso una palabra -insistió Humpty del pensamiento humanista: Baldessari, Cattelan, Serra, Dumpty- quiere decir lo que yo quiero que diga... ni Camnitzer,Warhol, Meireles o Kosuth lo entendieron más ni menos... así. Por supuesto, no han sido los únicos, antes que - La cuestión -insistió Alicia- es si se puede hacer ellos muchos artistas reflejaron visualmente ideas y que las palabras signifiquen tantas cosas diferentes. conceptos de su época, plasmaron otras formas de pensar y produjeron maravillosos e inéditos templos - La cuestión -zanjó Humpty Dumpty- es saber de conocimiento que originaron nuevas formas de quién manda... eso es todo». arte. Esta cita -que tanto han estudiado grandes pensadores Tiziano, por ejemplo, en uno de sus famosos como Horkheimer o Adorno y nos determina la autorretratos, aparece con los materiales de su importancia del deseo y el nuevo rol del autor profesión: una paleta con los colores dispuestos sobre contemporáneo- parece remitirnos directamente al ella y unos pinceles. Este alegato, lejos de defender texto anterior de Louise Norton.Ahora será el artista su labor artesanal, grita a pleno pulmón que el arte quien decida qué es arte, y como el famoso huevo de es una actividad intelectiva comparable a cualquier Alicia estipule las reglas del juego decidiendo incluso otro saber. El descrédito que suponía en su época quebrarlas desde sus cimientos. “La cuestión es saber autorretratarse con unas herramientas de trabajo quién manda…” y ahora quien manda es el artista. manual hizo que muchos, como Durero, prefirieran ocultar con guantes incluso sus manos ya que era Hete aquí el arte en sí, despojado de artificios y considerado socialmente bajo, frente a otros sectores retinas que seducir. Un arte de ideas en mayúsculas. liberales como los músicos, políticos, pensadores o Esa será la puerta que Duchamp abra en el cerrado religiosos. Tiziano, sin saberlo, fue de los primeros en palacio en que se había convertido la creación proclamar el arte de ideas. No nos debe extrañar esta artística. La realidad se cuenta con la propia realidad, postura en un humanista coetáneo a Leonardo, una se acabaron las ficciones, ahora las obras recuperan auténtica enciclopedia andante del saber renacentista, el habla, están vivas y devuelven el reto de la mirada. y que no se avergonzaba de mostrarse como artista. El arte se convierte en objeto de pensamiento, lo que, a su manera según cada época, fue en esencia. Ese fue Frente a estas formas de pensamiento nos el verdadero arte. Las historias ahora son diferentes, encontramos con la visión académica de tradición los objetos de las críticas más complejos y la forma decimonónica (y que aún se mantiene en muchos importa menos que nunca. Un arte emancipador libre sectores) sólo preocupada en la apariencia, “en la incluso de sí mismo. seducción de la retina” que diría Duchamp. Este arte podríamos decir que tiende a ser como una caja de Y todo esto… ¿para qué? Para decir que el arte es galletas profusamente decorada pero completamente uno con el pensamiento, es inherente a él, un creador vacía en su interior, es decir, un mero envoltorio. Pero de opinión crítica que se sirve de la imagen, el lenguaje con la modernidad los medios técnicos sustituyeron o incluso la ausencia de todo esto, no para contar una a la mano, el ‘aura’ entorno a la obra desaparece. historia sino para preguntarte descaradamente ¿y tú, Esto provocó que el cerebro volviera a ser la qué estás mirando?. Sigamos –por tanto- jugando, herramienta en el artista, probablemente juguemos a pensar, juguemos a darle la vuelta a las más que nunca. La caída de los mitos previos, el cosas, a preguntarnos por qué. Hacer arte es eso. comienzo del arte contemporáneo, de la clara y Reflexionar sobre lo que nos rodea, sobre lo que meridiana voluntad del artista queda expresado así sentimos, sobre lo que pensamos, sobre qué hemos en esta cita sobre la Fuente de Duchamp: sido, sobre dónde estamos, eso es hacer arte. Habitar es el verbo de arte, jugar es el verbo de arte, respirar “Que el Sr. Mutt haya hecho o no haya hecho la fuente es el verbo de arte, pensar es el verbo de arte; vivir, con sus manos no tiene importancia. Él la ha ELEGIDO.” en definitiva, es el verbo de arte. Hagamos arte, entre (Extracto del texto publicado en el número 2 de la tú y yo, creo que nos lo merecemos.■ revista The Blind Man y escrito por Louise Norton). 14 elRespirador nº 1, ENE 2015

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Valérie MRÉJEN Entrevista por Antonio Sánchez y Guillermo Ramírez Torres

Una de las creadoras audiovisuales que más influencia y calado está teniendo en Francia y Europa. Videoartista que, además de tener un amplio reconocimiento como artista plástica, fotógrafa y literata, en sus películas sabe mezclar con una inusitada ética y poesía, que no desdeña la ironía, la ficción y el documental.

Valerie, sueles trabajar en tu obra audiovisual el tema del retrato, no como figura estática, sino a modo de representación ‘teatral’ donde prima la personalidad y psicología de los personajes. Es verdad que el tema del retrato es común en mis películas, digamos que para el proyecto La peau de l’ours, por ejemplo, me guiaron las ganas de captar algo no solamente sobre el lenguaje, por supuesto como habéis visto, sino también sobre la juventud delante de las cámaras, o momentos entre juventud y las dudas u otros momentos un poco entre ellos. Finalmente el retrato para mí es eso.

grabando para que les pasaran cosas de forma que pudiéramos ver sus expresiones cambiantes mientras las personas pasaban por la calle a sus espaldas.

“Me gusta mucho explorar esa zona un poco trastornada entre la puesta en escena y el documental”

Enlace al vídeo ‘La peau de l’ours’. Otro ejemplo interesante podría ser la película Exercice de fascination au milieu de la foule. C u a n d o l l e g a m o s a To k i o m e p u s e en contacto con Bertrand Schefer y quedamos fascinados por las niñas de Shibuya (nombre del barrio), así que planteamos realizar retratos en la calle. Antes de acercarme a sus rostros hay un gran recorrido en cuanto al planteamiento. De hecho, concretamente para grabar e n To k i o , t o d o s l o s d í a s í b a m o s a esa gran plaza llamada Shibuya y teníamos una asistente bilingüe que nos ayudaba a atraparlos cuando salían del metro preguntándoles si podíamos grabarlos durante unos minutos mirando a la cámara sin hacer nada concreto. Parece algo muy banal, sin embargo no es tan evidente posar de dicha forma delante de la cámara en medio de la calle y lo que nos interesaba es lo que podía ocurrir en sus rostros durante esos momentos de incertidumbre. A veces sentían dudas e impaciencia y se preguntaban cuánto duraría, porque evidentemente los dejábamos

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Normalmente trabajas con muchas personas en la realización de tus videos (como por ejemplo en la obra Pork and Milk) y queríamos saber : ¿Cómo escoges a estas personas? Es decir, ¿Llegan a ti, las escoges tú, haces un casting? Cuando tuve la idea de hacer una obra como Pork and Milk (película sobre la gente dentro del ámbito muy religioso judío-ortodoxo que en un momento dado deciden separarse de dichas costumbres tradicionales y saltarse las prohibiciones)me fui con una amiga que trabajaba para una casa de edición en Francia y que hace publicaciones sobre muchos autores judíos. Ella tenía muchos contactos dentro del ámbito literario y periodístico y pudimos adentrarnos con más facilidad. Hablé con distintas personas y les comenté que me gustaría hacer una película basada en el tema de la religión. Muchas personas me dijeron “pues tengo un primo que conoce a alguien… etc” así que en verdad procedimos d e d i c h a f o r m a . Ta m b i é n e x i s t e u n a

Pork and Milk. 2004, documental, 52’. Crédito fotográfico: ©Anat Safran.

famosa asociación que ayuda a los jóvenes, y había además una cafetería donde se debatían esos asuntos todos los jueves por la noche, así que en general no fue tan difícil encontrar a personas q u e q u i s i e r a n p a r t i c i p a r. Pasé verdaderamente mucho tiempo allí y conocí a muchas personas, porque era una película sobre la palabra, donde las personas se encargan de realizar reflexiones íntimas sobre su religión, así que me pareció importante pasar mucho tiempo con cada uno de ellos y e s c u c h a r l o s . Yo m e e n c a r g a b a d e tomar apuntes y tenía una visión anticipada de cómo sería la película para que cada una de las historias tuvieran su lugar dentro de ella. Cuando lo convertí en video fue bastante simple, tenía una amiga bilingüe conmigo, puesto que

quería que las personas hablaran en su idioma (hebreo), así que ella me lo traducía. Para ello fuimos a las casas de la gente, les avisamos que les haríamos las capturas, instalaríamos cámaras y yo no dudaba en pedirles que repitieran las cosas hasta que consiguiéramos lo que buscábamos. Así que para mí se trata de un documental, a la vez que una puesta en escena muy preparada. Por lo tanto en tus obras se da siempre una especie de yuxtaposición entre la realidad y la ficción. Es cierto que me gusta mucho explorar esta zona un poco trastornada entre la puesta en escena y el documental en el sentido de hacer hablar a personas que encontré de manera fortuita. Esto es un juego que siempre he

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“Lo más importante era ser pertinente sobre lo que queremos llegar a hacer y en el idioma elegido para hacerlo, sea video, dibujo o todo a la vez.”

q u e r i d o h a c e r, e s d e c i r, g r a b a r a personas que no son actores y que nos hablen, pero al mismo tiempo trabajo con ellos como si se trataran de verdaderos actores, así que hay una parte verídica que sale de ellos y otra, la cual transformo posteriormente. En cuanto a mi trabajo literario, digamos que cuando escribí mi primer libro me inspiré en cosas muy personales, recuerdos, historias de familia… y seguidamente me di cuenta que tenía ganas de reutilizar esa materia verdaderamente como si se tratara de una ficción pura, sobre todo porque uso la primera p e r s o n a d e l s i n g u l a r. E n t o d o caso la ausencia de artificios y lo que cuento pasa directamente a la puesta en escena. Para mí no tiene ninguna importancia que sea verídico lo que se cuenta en ese libro por ejemplo, pero sí la manera en que volvemos a la memoria y transformamos las cosas, de forma que a partir de este método entro en la ficción. Podemos obser var que en todo tu trabajo, tanto visual como literario, hay dos matices que son muy característicos: el uso de la ironía y el sarcasmo para tratar problemas importantes, y la importancia y fijación en los pequeños detalles. Si, pienso que los detalles marcan las diferencias en todo lo que hacemos. No sé si doy la impresión de estar diciendo una verdad

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un poco platónica, pero pienso que sobre todo estando aquí en una facultad de arte, se deben pensar los detalles como algo muy importante. En mi obra siempre suele haber una noción que proviene de lo cotidiano, que por supuesto es algo que me interesa porque la vida es lo cotidiano. Más que lo cotidiano entendido como lo banal y repetitivo de todos los días, lo que me interesa es la locura ordinaria. Es cierto que en los recuerdos de los que la gente habla en videos como Dieu, sobre la religión, lo que me interesa es que nos hablan de gestos muy cotidianos, como encender la luz, pero teniendo en cuenta el contexto en el que se cuenta. Para ellos es algo muy importante, y por eso la ironía y el sarcasmo están presentes en la mayoría de mis trabajos. Bastante gente opina que las letras (literatura) y las artes (plásticas/ visuales) son cosas diferentes, que conviven por separado. Sin embargo, tú has demostrado como se pueden fundir en un ejercicio artístico multidisciplinar. El hecho de hacer algo en un medio distinto me supuso navegar entre distintos medios. Para mí es algo bastante natural y evidente habiendo estudiado en una escuela d e a r t e s . Yo n u n c a m e h e p l a n t e a d o esa diferenciación, lo más importante era ser pertinente sobre lo que queremos llegar a hacer y en el idioma elegido para hacerlo, sea

video, dibujo o todo a la vez. Creo que he conseguido conservar toda esa información y elegir el medio idóneo para ello. Esto es algo muy personal y característico de donde provengo, pero creo que es algo que podéis sentirlo vosotros también ya que esto está ligado al lado artístico, intentar innovar con los medios. Uno de los primeros trabajos que realicé al salir de la facultad fue un trabajo de escritura, más bien un trabajo de collage: leí el anuario telefónico (páginas amarillas) de Paris, enseguida el d e o t r a s c i u d a d e s , e s d e c i r, m e pasé muchas horas leyendo estos anuarios y apuntando las palabras. Las primeras frases que escribí finalmente eran a partir de los primeros nombres que encontraba escritos, componiendo un mensaje telegráfico. Por ejemplo: “Le soleil brille” (=”el sol brilla”) a “Le soleil Pierre brille”. (=”El Sol Pedro brilla”). Me gustaba mucho la idea

de que las pequeñas palabras como “le” pudieran transformarse y que el hecho de conseguir escribir una frase en francés provenía de la diversidad étnica y cultural, puesto que todas esas personas que tienen un origen distinto y que viven en Francia o en cualquier otro lugar me permitían componer esas frases. Finalmente hay muchos nombres extranjeros que tienen un sentido en francés y me servía de ellos para escribir las frases. ■

Conférence de nuit. 2012, vídeos, 5’.

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E x e r c i c e d e f a s c i n a t i o n a u m i l i e u d e l a f o u l e . 2 0 11 , c o r t o m e t r a j e , 1 5 ’ . ©Claire Mathon.

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E x e r c i c e d e f a s c i n a t i o n a u m i l i e u d e l a f o u l e . 2 0 11 , c o r t o m e t r a j e , 1 5 ’ . ©Claire Mathon.

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E x e r c i c e d e f a s c i n a t i o n a u m i l i e u d e l a f o u l e . 2 0 11 , c o r t o m e t r a j e , 1 5 ’ . ©Claire Mathon.

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E x e r c i c e d e f a s c i n a t i o n a u m i l i e u d e l a f o u l e . 2 0 11 , c o r t o m e t r a j e , 1 5 ’ . ©Claire Mathon.

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D i e u . 2 0 0 4 , v í d e o s , 11 ’ 3 0 ” .

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A propósito de “EL RESPIRADOR”. por Yovani Boza Moreno No tengo ningún talento especial. Sólo soy apasionadamente curioso. 1

[…] por si fuera poco, hablar, sin gritar con uno mismo. ¿Qué hacer? ¿Qué hacer? Nada, simplemente preguntarse. 2

Ha transcurrido ya casi un siglo de que viera la luz una de las obras más emblemáticas de Marcel Duchamp, me estoy refiriendo a La fuente (1917) con la que inauguraría una concepción novedosa de entender el arte. También es bastante sugerente la forma con la que el autor se autodefine: “el respirador”. Lejos de los canales establecidos en su contexto, construía su propio concepto del arte al mismo tiempo que asimilaba un modo de vida. El legado de Marcel Duchamp sigue enriqueciéndose día a día, y en este momento resulta interesante poder partir del término que él utilizó para denominar su quehacer artístico como “respirador”. Es certero equiparar la respiración con la creación, aspectos tan importantes para el ser humano, rozando en ocasiones la idea de Joseph Beuys en cuanto a “un hombre, un artista”. Respirar es un hecho natural, del mismo modo que el niño juega creando sin ningún prejuicio. Respirar como un alegato de poesía necesaria que Celaya versara “como el aire que exigimos trece veces por minuto”3 . En todo caso “el respirador” con afán de superviviente, oxigena el músculo de la creatividad y no se anquilosa en el reducido ambiente de la disciplina concreta. Abre sus pulmones a la transversalidad del conocimiento. Muchos avances artísticos y científicos se han podido lograr por el enriquecimiento que aporta tener referentes sólidos: tanto pasados, contemporáneos o poniendo la atención en otros ámbitos del saber. Podemos decir que el arte y la ciencia se construyen de forma colectiva. Cita de Albert Einstein. Carta a Carl Seelig. Extraída del libro de La utilidad de lo inútil. Ver bibliografía. Estrofa del poema Preguntarse, perteneciente a un poemario de Yovani Boza. 3 Versos del poema La poesía es un arma cargada de futuro de Gabriel Celaya. Ver bibliografía. 1 2

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En noviembre de 2014 se inauguraba el Programa de Doctorado Arte y Patrimonio de la Facultad de Bellas Artes de Sevilla. La conferencia inaugural El pensamiento científico el arte y la investigación sobre la enfermedad del Parkinson4 corría a cargo del Dr. José López- Barneo. Resulta complicado establecer a priori las conexiones entre el modelo de investigación científica y el proceso creativo, pero ambos proceden de un tronco común, casi de la mano en sus orígenes, en parte debido a la necesidad del ser humano por conocer el mundo. El Dr. José López Barneo es catedrático de Fisiología en la Facultad de Medicina de Sevilla y tiene una carrera meritoria en la investigación de células madre embrionarias para el tratamiento de enfermedades neurodegenerativas. Sin ser artista ni experto en filosofía de la ciencia, López-Barneo abordó el pensamiento científico y artístico a través de las experiencias de su dilatada trayectoria. Expuso como ejemplo sus investigaciones científicas, relacionadas con los enfermos de Parkinson, trasplanta neuronas a partir de células madre del cuerpo carotídeo en el tronco del encéfalo. Mostró las distintas vicisitudes de su investigación. Desde 1987 unos de los temas que han ocupado a su grupo de investigación en la Universidad de Sevilla, ha sido entender cómo la célula mide el oxígeno, elemento indispensable para el mantenimiento de la vida. En la actualidad, están realizando experimentos que explican asuntos que llevan investigando hace treinta años, con respecto a la estructura de la carótida. La glándula carotídea mide la concentración del oxígeno en sangre que va al cerebro, porque es éste órgano el más sensible a la falta de oxígeno. Profundizando en este aspecto se constató que el cuerpo carotídeo era rico en un transmisor que participaba en la comunicación química con el cerebro: la dopamina.Y fue un día en una charla casual entre Juan Negrín5 y el Dr. López-Barneo cuando apareció el tema del déficit de dopamina en los enfermos de Parkinson y las posibilidades que ofrecía la glándula carotídea. También de forma muy precisa señaló similitudes y diferencias entre el pensamiento científico y el

artístico. Hizo una definición del arte citándola “como una expresión estética de algo mucho más fundamental, la capacidad cognitiva de crear símbolos que indican el significado de algo: lenguaje, música, pintura…”. La encuadró dentro del sustrato de la capacidad cognitiva. Surgió la importancia de conocer el origen de la representación simbólica y por tanto de la inteligencia. Recorriendo la historia se observa como desde muy temprano se generaron grandes avances en la representación de la realidad (por ejemplo la escultura griega, muy por delante de los progresos científicos). Esos avances no llegarían a la ciencia hasta el Humanismo, en parte a las limitaciones propias de la investigación científica y a la dependencia de la percepción sensorial. Sabemos que el cerebro tiende al autoengaño, construye su realidad, que no tiene porqué ser precisa como una estrategia de adaptación. Es el empirismo crítico quien traerá consigo un método científico, donde se hace un diseño experimental y se pone a prueba una hipótesis. Posteriormente los resultados se evalúan y las conclusiones se publican. No es casualidad que en esta época se descubra la circulación sanguínea y se desarrolle la Teoría heliocéntrica. Será entre los S.XVII-XVIII cuando la ciencia adquiera las mayores cotas de desarrollo frente al arte, que discurrirá por el camino de la expresión y de la comunicación. El arte no dependerá de las responsabilidades que sí le serán exigidas a la ciencia, pudiéndose permitir un mayor grado de libertad. En ciencia, al igual que en arte, el azar interviene en ocasiones de forma decisiva, del mismo modo que se experimenta y se materializan los resultados. La creatividad interviene en todos los ámbitos, y también en ciencia, donde se habla de un “científico creativo”, según el Dr. López-Barneo cuando un investigador aporta una hipótesis novedosa que es totalmente demostrable. Muchos descubrimientos se han realizado por casualidad y en torno al caldo de cultivo que supone el contexto social, es el caso de Fleming con la penicilina o Kandinsky con la pintura abstracta. Abraham Flexner en la Utilidad

Conferencia Inaugural de Programa de Doctorado Arte y Patrimonio: El pensamiento científico, el arte y la investigación sobre la enfermedad del Parkinson. A cargo del Dr. José Lopez-Barneo. El día 7 de noviembre de 2014 en la Sala de Juntas de la Facultad de Bellas Artes de Sevilla. 5 Juan Heriberto Negrín Fidelman, neurocirujano. Hijo mayor de Juan Negrín López, último presidente del Gobierno de la II República Española. 4

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de los conocimientos inútiles6 escribirá al respecto (2014: 163-164): No pretendo en absoluto sugerir que toda actividad que se desarrolla en los laboratorios tiene finalmente alguna utilidad práctica inesperada ni que la utilidad práctica final constituye su verdadera justificación. Defiendo más bien la conveniencia de abolir la palabra utilidad y liberar el espíritu humano. […] Todo el derroche que se ha producido en el desarrollo de la ciencia bacteriológica es prácticamente nulo si se compara con las ventajas que proceden de los descubrimientos de Pasteur, Koch, Ehrlich, Theobald Smith y muchísimos otros. Aludiendo a la conferencia de López-Barneo y poniéndola en relación a la actitud de un artista contemporáneo se pretende poner de relieve varias ideas: transmitir que el artista contemporáneo precisa referentes, incluso en otras disciplinas; poner de manifiesto que a pesar de la fama de desorden que pudiera

desprender el proceso creativo tiene una lógica estructurada y lo más importante resaltar la curiosidad y la duda como motores del mecanismo creativo. Cuando la curiosidad motoriza nuestras inquietudes se puede palpar la verdadera esencia del “respirador”, “el respirador” entendido como un ser que se nutre del conocimiento propio de lo multidisciplinar del arte. Pese a las apariencias, no dista mucho de Duchamp cuando asumió el ajedrez como un juego artístico. ■ BIBLIOGRAFÍA BODENMANN-RITTER, C. (2005): Joseph Beuys. Cada hombre, un artista. Antonio Machado Libros, Madrid. BOURRIAUD, N. (2009): Formas de vida: el arte moderno y la invención del sí. CENDEAC, Murcia. CELAYA, G. (2008): Itinerario poético. Cátedra Letras Hispánicas, Madrid. ORDINE, N. (2014): La utilidad de lo inútil. Acantilado, Barcelona

Arnold Rosenberg, Marcel Duchamp jugando al ajedrez sobre un cristal, 1958, Fotografía. 6

Apéndice del libro La utilidad de lo inútil. Ver bibliografía.

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Luis Camnitzer, el cínico subversivo. por Laura Fernández Zapata

Las ovejas besan nariz y mejillas, una diminuta parroquia corona la cima de la frente, un abeto se yergue tras la fosa nasal. Una idílica estampa. Mientras tanto, Luis Camnitzer lo observa todo a través de un gigantesco ojo entrecerrado, analítico, controlador. Si se mueve, sabe que el paisaje colapsa y si permanece inmóvil, el paisaje se mantiene. Metáfora de robustez conceptual epifánica. No existe lugar para declaraciones apolíticas. El paisaje es una actitud. El arte es una actitud. Las acciones y actitudes del artista es lo que en esencia define a la obra de arte. Landscape as an attitude (1979) es el retrato de un artista cualquiera. Artista germano-uruguayo que tuvo que huir de su país natal debido a problemas raciales y se instaló en Uruguay. Más tarde regresó a Alemania para acabar su formación artística con una beca de escultura. Allí se dio cuenta de que lo que realmente le interesaba era el grabado (arte políticamente activo, multiplicable y accesible a muchos), cuyas características han marcado profundamente el estilo de toda su obra posterior. Destacó como grabador en Uruguay y en el 1964 fundó en Nueva York “The New York Graphic Workshop” junto con Liliana Porter y José Guillermo Castillo, un taller-laboratorio de ideas, lugar de experimentación y diálogo artístico. Aquí puso a prueba los cimientos de su creación posterior.

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En esa época en EEUU, durante los años 60 estuvo en profundo contacto con el minismalismo, tendencia que Camnitzer denostaba por parecerle una monumental e impresionante cáscara vacía. Pero del minimalismo toma su “economía de medios”, esto es, el resultado más óptimo posible con el mínimo gasto y esfuerzo. Él mismo cuenta que al pensar en hacer una obra de características similares a sus contemporáneos resolvió coger el Empire State Building y doblarlo en forma de “U”, al hacer esto, automáticamente visualizó la pieza al igual que la estamos viendo tú y yo ahora mismo, así se dio cuenta del poder que retenía el lenguaje, que podía crear cualquier cosa de la manera más precisa posible y sin ninguna tara en la mente del espectador. De este modo nació su primera obra conceptual, o contextual, ya que Camnitzer afirma que la obra de arte se crea para dar cuenta de un contexto, es producto el contexto y para entenderla es necesario comprender el contexto en el que está creada. Esta obra es “This is a mirror, you are a written sentence” (1966-1968), en la que juega con la ambigüedad, el poder del lenguaje y el símbolo tautológico del espejo, el cual nos remite a la identidad y la conciencia de ser del sujeto, ahora transformado en una oración afirmativa por el imperativo de una voz interior.

La obra artística es para el uruguayo una forma de hacer palanca social. Una obra da solución al planteamiento de un problema. Al espectador se le plantea la respuesta, y este debe investigar y razonar cual es la pregunta, el problema al que se ha referido el artista. Mediante este proceso, Camnitzer juega con la identidad del espectador y deja que cree libremente, convirtiéndolo así en autor totalmente válido de la obra mediante su construcción (así sucede en las Etiquetas Autoadhesivas de 1966-1967 o en Living Room de 1969). Para ilustrar este concepto, Camnitzer envía por correo y pega en diferentes lugares etiquetas autoadhesivas que plantean una serie de problemas físicos, de arquitectura y construcción de difícil resolución, que son inmediatamente resueltos en la mente del espectador sin ningún problema de cimentación. “Lo ideal sería poder

A partir de este momento la obra de Camnitzer se marcará con un cariz díscolo que criticará los órdenes preestablecidos de la sociedad, la injusticia social y la corrupción, el mercado artístico capitalista, sus instituciones y sobre todo el supuesto de la enseñanza del arte, usando armas tales como: el lenguaje subvertido, una crítica e ironía ácidas, metáforas y poesías concretas visuales. También es necesario decir que Luis Camnitzer se destaca a sí mismo como pedagogo, más que como artista. “La línea más coherente en mi vida fue enseñar arte. Enseñar arte, más que hacer arte, te obliga a pensar mucho más. Te obliga a justificar, con lo cual, no hay lugar para la autoindulgencia”. (La enseñanza del arte como fraude)

El verdadero problema que encuentra para el arte es que ha sido transformado por el mercado capitalista. La obra de arte pedagógico ha sido corrompida y transformada a objeto artístico, ergo, objeto de consumo. Desde el mismo momento en que nace,toda obra está destinada a ser corrompida, y todo artista también, ya que una vez que vendes una obra sobre determinada línea de investigación, ¿la siguiente obra que realices sobre ese tema será porque quieres venderla también o porque aún no has acabado de investigar? Camnitzer teme el día en el que deba hacerse esa pregunta, y por ello ha decidido alejarse de la producción artística y dedicarse a cambiar el orden social desde su mismo cimiento, la enseñanza.

Una de las temáticas principales de su discurso es el cuestionamiento de las ubicaciones del poder. Considera que el poder está mal repartido, por lo tanto su redistribución es un asunto primordial, y para ello utiliza el arte. Picasso decía que el arte es el arma más potente, si se sabe usar correctamente: puede criticar y subvertir los órdenes de poder existentes o puede reafirmarlos, no hay una posición neutra. Esta redistribución debe realizarse en base a un criterio ético, y para lograr una ética es necesaria la política, que requerirá un medio para implementarse, esto es, para Camnitzer, el arte.

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comunicarme por telepatía, y así, ya no sería necesario el objeto artístico”.

Por esto, no considera el arte una disciplina, sino un mecanismo multidisciplinar, un modo de pensar y de enfocar el resto de disciplinas desde una perspectiva que pone en la delgada línea de la lógica cualquier concepto y lo empuja a través de ella para ver hasta dónde puede llegar. Es otra nueva vía de experimentación para esas otras ciencias (la filosofía, la física, la aritmética, etc).

Dicha enseñanza está, al igual que el contexto de galerías y museos (que obedecen a los vaivenes del mercado artístico internacional hegemónico, por lo tanto constituyen también órganos de poder y están igualmente criticados por el artista, como ejemplo su instalación El museo es una escuela) totalmente corrupta por el mercado del arte. La prueba está en que necesitamos un “título de artista” para entrar en cualquier museo y debemos pagarnos un máster y un doctorado si queremos dedicarnos a la docencia.Además, en estas escuelas de arte, se enseña a producir objetos artísticos, no a pensar de este modo multidisciplinar en un laboratorio de ideas.

This is a mirror you are a written sentence (Esto es un espejo usted es una frase escrita), 1966-1968, Poliestireno modelado en vacío sobre tablero sintético. Colección Daros

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Biblioteca,1968-1973, estampación sobre papel, 52x69.5 cm. Colección Daros

Pero cuidado, la respuesta a esta diatriba no pasaría por una radicalidad antisistema, ya que una actitud totalmente ortodoxa alejada del mercado artístico o de la no-producción de arte sería disfuncional e inútil y no contribuiría a la mejora de esta situación ni a la mejora de la sociedad. Por tanto, la solución que Camnitzer propone es la adopción de un “cinismo ético”, un entrar y salir de esta corriente mercantilista dejándose corromper en parte, ya que “es mejor prostituirse a sabiendas que dejarse prostituir en la ignorancia”, palabras textuales del artista. La estrategia es el análisis de las condiciones, la clara diferenciación entre las creencias utópicas y la realidad en que vivimos. La corrupción en el arte- el arte de la corrupción. Luis Camnitzer Otro problema que ha tratado en su obra ha sido la de la igual mercantilización de la figura del artista-genio y la firma del mismo. El mercado utiliza la mitificación concentrada en un solo individuo en base a sus intereses. La esencia misma del arte no es el problema que resuelve la obra, sino la firma del artista, da igual cómo esté resuelto. En este discurso, del cual han surgido numerosas obras (Copia de la firma del artista 1973, Firma por tajadas 1971-2007, Autoservicio 1996, Portrait of the artist 1991, Plusvalía 1979) también critica el aumento exponencial del valor del producto artístico dependiendo de su tamaño

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Fragmentos de firma para vender por centĂmetro, 1972, Pintura negra sobre lienzo imprimado, madera, metal y lĂĄpiz sobre papel, laminado. 45x126.5x2.5cm

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y materiales (Fragmento de firma para vender por centímetro). En este caso, mediante la ironía y el humor, Camnitzer recuerda que la cultura es un proceso anónimo a lo largo del tiempo en el que un artista es un accidente mínimo, haciendo uso de las estrategias de los dadaístas, como Marcel Duchamp y especialmente Reneé Magritte. A pesar de estar hoy más que nunca en boca del gran imperio del arte contemporáneo, Luis Camnitzer siempre ha sido un rebelde, un outsider que ha sabido navegar entre las tendencias más comerciales del mercado manteniéndose siempre al margen. Quizás sea ese el motivo de que su obra se haya revalorizado diez veces más en los últimos años. Cuando empezó no vendía nada, se dedicaba a hacer obras y guardarlas en el sótano. El artista que podría haber sido zapatero, el teórico, el profesor. Nos gusta lo rompedor, lo nuevo, lo que no se parece a nada.Y ahora que vende, dice que se retira de la práctica artística. Este es Luis Camnitzer. ■

Horizon, 1968. Colección Daros.

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Sentences. Adhesive Labels for # 1 Mail Exhibition of New York Graphic Workshop (Frases. Etiquetas adhesivas para la exposici贸n de correo # 1 del New York Graphic Workshop), Offset. 1966-67. Colecci贸n Daros.

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Fenster (Ventana) 2001-2002 Books and concrete 70x60cm

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Living room, (detalle) 1968, Fotocopia sobre adhesivo vinílico sobre muros y suelos. Dimensiones variables. Colección Daros.

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Rubber Stamps (Sellos de goma) 1967. Sellos de goma, tintero y libreta de papel montado sobre madera recubierta de aluminio. Aprox. 48x61x9 cm. Colecci贸n Daros

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Dictionary 1 (Diccionario 1) 1969. Aguafuerte. 63x60,2 cm (45x45 cm). Colecci贸n Daros

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Selbdstbedienung (Autoservicio, Self-Service) 1996/2010. Fotocopias, tintero, sello de goma y siete peanas de madera, dimensiones variables. Colecci贸n Daros

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Portrait of the artist 1991/2010. Ventilador, filamento y lรกpiz, dimensiones variables. Colecciรณn Daros

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Listado de publicaciones de las que se ha obtenido información. Con enlaces y fechas de consulta.

Unidad de Educación del Museo de Arte Contemporáneo de Chile. Ficha Landscape as an attitude. Luis Camnitzer. Obras de Daros Latinoamérica. Santiago. Junio 2013. Chile Pedro da Cruz. Libro de Camnitzer sobre el “conceptualismo”. La liberación de América Latina. 6 junio 2010 https://artepedrodacruz. wordpress.com/2010/06/06/libro-decamnitzer-sobre-el-conceptualismo-laliberacion-de-america-latina/ Galería Parra&Romero Madrid. Nota de prensa “Reflejos y Reflexiones. Luis Camnitzer.” Madrid 2011

Antonio Eligio (Tonel), Excelencias Magazines Luis Camnitzer. La mano que sostiene el horizonte.[www. revistasexcelencias.com/arte-porexcelencias/editorial-7/resenas/luiscamnitzer-la-mano-que-sostiene-elhorizonte] Juan José Santos y Ramón Castillo. Luis Camnitzer: “En cierto modo, sí, voy a dejar de hacer arte” Artishock -revista de arte contemporáneoJunio 2013 [http://www.artishock. cl/2013/06/luis-camnitzer%E2%80%9Cen-cierto-modo-si-voy-adejar-de-hacer-arte%E2%80%9D/] 25-1114

Galería Parra&Romero Madrid. Nota de prensa Luis Camnitzer “The Map” Madrid 2013

Juan José Santos. La escuela de Luis Camnitzer. Revista Artishock. Noviembre 2014 [http://www.artishock. cl/2014/11/la-escuela-de-luiscamnitzer/ ]4-12-14

Luis Camnitzer. Pensamiento crítico (texto de la conferencia que impartió Luis Camnitzer en el marco de la segunda edición del curso “Transformaciones. Arte y estética desde 1960” en Sevilla. CAAC Sevilla 2008 [http://www.caac.es/descargas/ transf08_07.pdf 4-12-14]

Ernesto Calvo, Luis Camnitzer. Entre el pensamiento crítico y el cinismo ético. Blog Imagen-texto. Extraído de la revista Exit Express n.46, octubre 2009 [http://imagen-texto.blogspot.com. es/2011/12/luis-camnitzer-entrepensamiento.html] 4-12-14

Luis Camnitzer. La enseñanza del arte como fraude. Luis Camnitzer. La corrupción en el arte- El arte de la corrupción. [http://universes-in-universe.de/ magazin/marco-polo/s-camnitzer.htm] 25-11-14 [http://esferapublica.org/ nfblog/the-corruption-in-the-artsthe-art-of-corruption/]

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Malba Diario. Exposiciones. Luis Camnitzer sobre su obra El museo es una escuela. 2009-2014 Fundación Costantini Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA)[http://www.malba.org.ar/luiscamnitzer-el-museo-es-una-escuela/] 25-11-14

Catálogo. Exposición MADC “Luis Camnitzer. Muestra antológica” 2007 [http://issuu.com/madc/docs/ camnitzer-muestra-antologica/5 ?e=1365761/4930313] Luis Camnitzer.Daros Latino American Collection [http://issuu.com/ daroslatinamerica/docs/luiscamnitzer_ exhcat/32?e=3599646/2853970] 07-122014 Entrevista a Luis Camnitzer-MAZ (Museo de Arte de Zapopan)DocArt, 37:50 min. MAZ México 2011 [http:// vimeo.com/67007517]

Video relativo a la exposición antológica de Luis Camnitzer en el Museo Nacional de Artes Visuales (MNAV) de Uruguay. Organizada por Daros Latinoamérica y comisariada por Hans-Michael Herzog y Karin Steffen. [http://www.youtube.com/ watch?v=0MyxuSV2ldo] Entrevista con Luis Camnitzer en la Universidad Nacional Revista Arcadia (entrevista con motivo de su exposición en el Museo de Arte de la Universidad Nacional de Bogotá)[https://www.youtube.com/ watch?v=hZTId_7wdQw]

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Margarita A i z p uru Entrevista por Antonio SĂĄnchez y Guillermo RamĂrez Torres

Yolanda Pe ralta

Margarita Aizpuru. Margarita Aizpuru es historiadora del arte, comisaria independiente de exposiciones y crítica de arte experta en nuevas tendencias artísticas. Ha trabajo en el Centro George Pompidou y en la Fundación Cartier de París, en el CAPC (Museé d’Art Contemporain) de Burdeos, en el CAAC (Centro Andaluz de Arte Contemporáneo) de Sevilla, en la Casa de América de Madrid como programadora de artes plásticas y, posteriormente, como comisaria independiente. Entre sus últimos comisariados están “La palabra audiovisual: palabra/ imagen en acción” (2012) en el CAS (Centro de las Artes de Sevilla); “Albur de amor” (2012), de la artista mexicana Teresa Serrano, en el Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM) de Las Palmas de Gran Canaria; y “Arte e Gênero: representação da identidade feminina” (2012), de la brasileña Beth Moysés y la española Marisa González, en el Instituto Cervantes de Säo Paulo.

A modo de introducción, y para todo aquel rezagado que aún no sepa de qué se trata: Margarita, ¿puedes resumirnos en qué consiste el denominado ‘arte de género’? MA: Bueno, arte de género… el arte no es neutro ni universal, todo discurso y toda construcción del pensamiento y en definitiva el discurso artístico, que es una explicitación del pensamiento en una línea determinada en el territorio de lo artístico, siempre está creado desde una posición, una perspectiva determinada. Indudablemente el sistema existente es patriarcal, androcéntrico en el sentido en el que se ha construido a lo largo de la historia desde las élites pensadoras

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y de poder, las clases altas, el hombre y en concreto el hombre blanco y eso ha tenido su impacto en el arte. Llegados a un punto del siglo XX, a raíz de los 70 y 80 con toda la ruptura de los discursos universalistas y globalizadores, se pone en cuestión todo esto, coincidiendo con toda la efervescencia y con cuestionamientos del arte más experimental por un lado (como por el movimiento Fluxus o el movimiento de los accionistas y de los happenings) , y por otro lado con el movimiento feminista moderno de los 60-70, que no ocurre por azar, sino que las mujeres se revelan, influyendo en los discursos sociales y artísticos. Era la época de las grandes revoluciones: la revolución estudiantil, el movimiento

“hay una contraposición de la idea de género y la necesidad de pluralizarlo: cómo las personas se pueden autoconstruir en un género, no solo lo masculino y femenino.”

hippie, las protestas contra la guerra de Vietnam y el surgimiento del movimiento feminista. Todas esas rupturas de los discursos imperantes son la base del posicionamiento del feminismo como una deconstrucción del discurso imperante. La variante género surge como revulsivo al pensamiento androcéntrico. También la perspectiva de género ha evolucionado, en un primer momento, en los años 60-70 se daba una visión de género binario, de lo masculino y de lo femenino, la socialización de las mujeres en el sistema. Después hay una contraposición de la idea de género

“Aún hay gente que dice de un tono sarcástico: “El feminismo ya ha pasado de moda”. Un movimiento y un pensamiento de liberación no puede ser llamado moda.”

y la necesidad de pluralizarlo: cómo las personas se pueden autoconstruir en un género, no solo lo masculino y femenino. Ahí aparecen todos los estudios de género en el arte. Existe mucha confusión con respecto a este tema y creo que debería haber alguna asignatura en las universidades. Hay un gran abanico que ha revolucionado todo el arte desde los 60-70 hasta ahora. A eso hay que añadir las superposiciones de capa, como, por ejemplo, la capa género con la capa social a la que pertenezcas, a la capa cultural, a la capa étnica… y todo eso configura un conglomerado de posicionamientos que te sitúan dentro del mundo y a partir de ahí puedes hablar. Estos son las bases que han hecho los estudios de género. Que no se conozcan los estudios de género en cualquier campo científico es una gran laguna de información. Te consideras feminista y, como hemos visto, gran parte de tu trabajo la enfocas hacia la ardua tarea de dar a conocer el arte elaborado por mujeres. Ahora bien, ¿qué consideras que es más importante: el hecho de que sacar a relucir la figura femenina dentro del mundo del arte, o bien, que el mensaje de la obra defienda la importancia de la figura femenina (independientemente de que el artista sea hombre o mujer)? M.A: Pues las dos cosas, hay una doble dirección. Por un lado rescatar del silencio a las mujeres artistas, ya que hay muchas mujeres en el sistema del arte en los distintos niveles y sin embargo, es como el “Glass Ceilling” , ¿sabes?, conforme vas subiendo en los niveles se puede ver una enorme discriminación aún hoy

en día (aunque parezca increíble)… las estadísticas lo demuestran. Por otro lado los estudios académicos han olvidado a las mujeres. Yo cuando estudié Historia del Arte casi no estudié ninguna mujer artista. Es cierto que históricamente, debido a la discriminación de la mujer, había muchas menos mujeres artistas, pero además las pocas que había no las estudiábamos. Era muy fuerte que no estudiásemos a Artemisa Gentileschi o que tampoco conociéramos a las mujeres en la Bauhaus, solo conociamos a Frida Kahlo, Remedios Varo y poco más. Es una tarea basada en rescatar del silencio. Y es que el silencio es la nada. Mientras no lo estudias o no lo conoces no existe. Una vez que ha desaparecido esa persona lo que hay que rescatar es su memoria. La labor de la presencia cuantitativa es importante sea o no de género. Simplemente por justicia. Paralelamente estaría el dar a conocer e investigar los discursos de género, que no son sólo la feminidad. Yo por ejemplo reacciono contra la feminidad clásica, no me interesa dado que es la feminidad tradicional en la que yo he sido socializada de pequeña. Creo que es opresora y clicheada. Los estudios de género lo que tienen en cuenta es que lo que existe en los pensamientos o las prácticas no es neutral como se pretende, sino que oculta unos pensamientos de género jerarquizado. Por eso nos posicionamos desde el género para deconstruirlo y quitar esos estereotipos e ir hacia caminos nuevos. Es lo que están haciendo los artistas, incluso algunos artistas hombres. Hay cada vez más hombres que se están interesando en los estudios de género y las prácticas

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A l i c i a M a r t í n , B i o g ra f í a s , 2 0 0 3 . C a s a d e A m é r i c a , M a d r i d . Cortesía: Galería Galica, Milán.

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artísticas. Los estudios de género son un vector que se introduce en los análisis y en las prácticas artísticas. Y por supuesto, un enfoque mental. (...)Aún hay gente que dice de un tono sarcástico: “El feminismo ya ha pasado de moda”. Un movimiento y un pensamiento de liberación no puede ser llamado moda. Has dirigido el curso “Mujeres en acción: Performance, género y prácticas feministas” tanto en la UNIA (Universidad Internacional Andaluza) como en el CICUS (Centro de Iniciativas Culturales de la Universidad de Sevilla) ¿Puedes hablarnos de la dinámica de ese curso?. M.A: Es una introducción sobre los orígenes del accionismo y del mundo de la performance y sus distintas tendencias, así como su evolución y sus hibridaciones y mestizajes con distintas áreas artísticas.

Es interesante como surgen estas prácticas cuando surge el movimiento feminista con los paradigmas por un lado del cuerpo y con la identidad de género, y cómo inciden muchísimo en las performance y las acciones gracias al cuerpo, que actúa como paradigma. El cuerpo es uno de los

“Muchos decían que la performance iba a morir y entendían la performance con ciertos modelos, pero eso es solo un tipo de performance. La performance no ha muerto sino que se ha expandido”

tres elementos fundamentales de la performance, que son: La presencia, el tiempo y el espacio. En un principio la presencia era corporal y posteriormente, con las nuevas tendencias, ha ido desapareciendo hasta estar presente, paradójicamente, por su ausencia. En los primeros feminismos el paradigma fundamental era el cuerpo entendido como un territorio de autogestión: “Mi cuerpo es mío y yo me lo autogestiono” ; donde tu gestionas tu placer, tu sexualidad, etc. Así que fijaos en lo importante que es que el feminismo y el arte estén hablando del cuerpo a la misma vez. Durante el curso les hago reflexionar sobre las incidencias mutuas del feminismo, las acciones y las performance (sobre todo de mujeres), y sus evoluciones conceptualistas, los años 80 y los límites del cuerpo, del dolor y del placer (como por ejemplo Marina Abrahamovic), así como la influencia de los posmodernismos, las estrategias apropiacionistas , la video performance, la fotografía, las instalaciones… son distintas tendencias que coexisten, que van desde una Esther Ferrer que hace accionismo puro y en directo (con los tres elementos antes dichos) hasta los más indirectos y más complejos. Después como resultado de estos cursos cortos (20H) les doy pautas para que realicen performances donde el factor tiempo juega un papel bastante importante. Dejando a un lado el ámbito del arte de género… Aparte de ser historiadora del arte, profesora y comisaria independiente, eres crítica de arte experta en ‘nuevas tendencias artísticas’. Háblanos un poco de este último apartado. Teniendo en cuenta la característica multidisciplinar del arte contemporáneo, ¿Qué tipo de práctica se entiende como una nueva tendencia artística? M.A: En el ámbito de la performance, por ejemplo, es todo lo que se considera performance expandida. Muchos decían que la performance iba a morir y entendían

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la performance con ciertos modelos, pero eso es solo un tipo de performance. La performance no ha muerto sino que se ha expandido, y ha invadido muchos territorios artísticos. Trabajo mucho sobre lo performativo incluso en el mundo virtual, como Kristen Heisler. Me interesa también mucho el video, ya es un medio susceptible de ser hibridado y da una cierta indeterminación. Heisler es profesora multimedia en la Facultad de Bellas Artes de Harlem. Ella es experta en ordenadores y plataformas multimedia y ha creado varios prototipos de mujeres virtuales bellas, sin pelo, que interactúan con el público siguiendo un poco ese chiste feminista de que dentro de poco todo será virtual incluso el sexo y las relaciones. Plantea casi una existencia de carácter onanista. Una de estas obras es “Touch me” y depende de la interacción táctil del espectador con respecto a una mujer virtual. Otra pieza interactuaba en relación a una serie de preguntas y respuestas prefijadas que tenía el sistema. Eso era hace 8 años y ya ha avanzado mucho más. Ahora hace performance virtuales que son como chistes de posibles realidades virtuales y eso es última tendencia con una gran carga crítica. Ahora acaba de crear un modelo de mujer online que tiene Facebook

“Nuestros conceptos de espacio y tiempo han cambiado, ahora podemos estar en varios sitios, haciendo un recorrido físico y a la vez un recorrido virtual, otro tiempo y otro espacio. (...) Se está redefiniendo lo que es la realidad y la ficción.”

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y Twitter, pero es totalmente ficticia a pesar de que interviene claramente la realidad. Es la misma Heisler la que lleva el perfil y sube fotos con amigos y las retoca, jugando con los límites entre la realidad y la ficción. Hay artistas que han empezado a trabajar con esto y es muy interesante. Actualmente es muy importante este tema porque se vincula con lo que vemos, es decir, como cuando vamos por la calle o en el tren y vamos conectados a internet, alternando con el mundo real, físico; o los “Reality shows” de televisión, realidades con forma de ficción que son a la vez ficción con forma de realidad. Nuestros conceptos de espacio y tiempo han cambiado, ahora podemos estar en varios sitios, haciendo un recorrido físico y a la vez un recorrido virtual, otro tiempo y otro espacio. Y mi vida está en ambos sitios. Se está redefiniendo lo que es la realidad y la ficción. Ahora esto se está llevando al arte, siendo crítica y no aceptando todo, es un tema que me interesa. Eso no quiere decir que no me siga interesando cierto tipo de pintura o de escultura. Por ejemplo la fotografía me gusta mucho o las instalaciones objetuales inclusive. Es como un sumatorio, pero creo que hay como una cierta fascinación por el medio y no por el discurso, ver que ofrecen y no quedarte solo fascinado por el medio, si carecen de un discurso potente flaquea. Margarita, has trabajado para el CAAC, el Centre Georges Pompidou, La Fundación Cartier de París entre otras instituciones. A parte trabajas como comisaria independiente con diferentes instituciones. ¿Con qué experiencia profesional te quedas, la de las grandes instituciones reconocidas internacionalmente o con las de los centros de arte contemporáneo españoles? ¿Cambian los sistemas de trabajo entre los tipos? M.A: Todo me ha servido, parece tópico pero es verdad. El año que trabajé en el Centre George Pompidou (1994) para mí fue esencial, y trabajé en el departamento de las exposiciones temporales, en una

“Las obras de los artistas son de ellos, cuentan un discurso y un mensaje en distintos sentidos, pero el comisario aporta el concepto que se sobrepone a todos ellos y que los une bajo un techo común.”

exposición enorme que se llamó “Hors limites. L’ Art et la vie”. Ahí me empapé del arte de finales de los 50 hasta el 94. También fue mi importante para mí el año que pase en la Casa América de Madrid (2003-2004) porque conocí todo Iberoamérica y descubrí a muchos artistas, como fue Alicia Martín y su obra “Biografías”. También fueron muy importantes los 5 años en el CAAC (Centro Andaluz de Arte Contemporáneo) en lo que fue Zona Emergente, un área destinada a promover el arte emergente, una iniciativa que yo me inventé, un proyecto que en el año 1999 no existía y se lo presenté al director de aquella época, porque pensaba que hacía falta impulsar el arte emergente andaluz sin depender de la edad sino que era emergente al circuito del arte. Con esta iniciativa ser intentaba traerá artistas tanto locales, como nacionales como internacionales. Era el presupuesto más bajo del CAAC, pero en esos 5 años se hicieron muchísimas actividades como debates o concierto,s y así me traje a Ghada Amer, una artista egipcia, por ejemplo. Cuando cambió la dirección del centro se me dijo que esta área no iba con el concepto de la nueva dirección a pesar de las buenas críticas y reconocimientos que había tenido y se disolvió Zona Emergente. Estas cosas pasan… en un centro de arte tienes el apoyo de una estructura, y cuando eres independiente eres más libre, pero tienes que buscar todo el presupuesto y esperar que te lo aprueben. Eso es lo más

duro cuando eres independiente. Aquí en España de comisaria independiente haces labores múltiples como selección de artistas y obras así como presupuestación y producción. Para mí es lo más fastidioso de la parte del comisariado independiente. Para ti, ¿cuáles son las funciones principales que debe llevar a cabo un comisario? ¿Crees que el comisario es, en cierto modo, también un artista? M.A: Pues sí, pienso que el comisario tiene una funcionalidad múltiple y que, aunque trabaje codo a codo con los artistas en las exposiciones individuales o múltiples, debe crear. La principal diferencia entre un gestor artístico y un comisario es precisamente eso, la capacidad de crear, de aportación artística o de contenido. Después un discurso, la elaboración de un proyecto artístico tiene que tener un discurso coherente, un concepto, un objetivo, una idea que tenga detrás y que se hilvana con una serie de obras del artista, o con varias obras de varios artistas que apoyan esa idea. En el momento en el que tú seleccionas ya vas creando un puzle que pragmatiza el discurso, por lo tanto tiene una parte creacional que se suma a las obras en sí misma. Las obras de los artistas son de ellos, cuentan un discurso y un mensaje en distintos sentidos, pero el comisario aporta el concepto que se sobrepone a todos ellos y que los une bajo un techo común.

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También existe la función de gestión, búsqueda de financiación, dirección de montaje, dirección de publicación,… es una amalgama, que es lo que debe ser un comisario como yo lo entiendo. Hay que distinguir en las exposiciones, que a mí personalmente no me interesan, que no tienen concepto y que son un poco popurrí y de eso no estamos hablando. Sabemos que has investigado en las diferentes prácticas del arte contemporáneo. Como Historiadora del Arte, ¿Ha supuesto para ti un gran cambio el hecho de trabajar con conceptos más propios de la filosofía como es la estética que con modelos históricos? M.A: No, podría no haber estudiado historia del arte y sería comisaria de arte, pero lo hice porque quería tener una formación académica y ver la evolución histórica del arte. Mi formación es por un lado académica, pero por otro lado ha sido formación mía propia, de mis estudios, de mis experiencias y de mis viajes. Es una formación complementaria, no priorizo una cosa con otra sino que se superponen. Yo he leído mucho por mi cuenta desde historia del arte, crítica, filosofía de manera complementaria. La capacidad de análisis te la da esta superposición, así como situarte en el momento desde distintas posiciones, desde la docencia, a la experiencia en los museos, etc., con lo cual confluyen lo que dan la posibilidad de hacer algo más integral. ¿Qué exposiciones han sido clave para tí? M.A: Hay muchas, en videos e instalaciones las de Bill Viola o Juan Hidalgo o Esther Ferrer. A nivel comisarial la de Haral Szeemann. La Documenta 6º de Kassel, sobre la antiforma. La Suiza Visionaria, en el Reina Sofía también de Haral Szeemann. El Pabellón Suizo de la Expo ’92: De entrada en el Pabellón suizo colocó “Suiza no existe” y fue muy controvertido incluso se quiso retirar algunas piezas.

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Yolanda Peralta Yolanda Peralta Sierra (Girona, España, 1972) es historiadora del arte, comisaria de exposiciones y docente. Es Doctora en Historia del arte por la Universidad de La Laguna (Tenerife, España) con la tesis doctoral Mujer y arte en Canarias: mujeres creadoras e iconografías femeninas (2006). Entre los años 2004 y 2007 funda y dirige en La Laguna (Tenerife) la galería de arte murNó, dedicada principalmente a la exhibición y promoción de obra de mujeres artistas. Es autora del Diccionario biográfico de mujeres artistas en Canarias (Ediciones Idea, Tenerife, 2014) y coautora del libro Tradición y Experimentación plástica. Dinámicas artísticas (1939-2000),perteneciente a la colección “Historia Cultural del Arte en Canarias”, publicado en 2010.

En tus ensayos y conferencias haces hincapié en el error que existe al presentar a la mujer artista como ‘excepción’ a lo largo de toda la historia del arte, lo que conlleva a crear un concepto estereotipado y marginal de su figura. ¿Cuál crees que es el motivo principal de esta marginación? ¿Cuál consideras que sería la solución más adecuada para evitarlo? En el mundo del arte, como en otros terrenos, no hay igualdad. En nuestro país, por ejemplo, llama la atención la destacada presencia de mujeres en las Facultades de Bellas Artes. Una visibilidad que luego no se corresponde cuando se analiza la presencia de mujeres en las colecciones de los museos o en las exposiciones

individuales que programan galerías, centros y salas de arte. Hay, por tanto, un desequilibrio evidente y palpable que responde a un sexismo de tipo estructural. La solución pasaría por llevar a cabo acciones dirigidas a la consecución de la igualdad efectiva, desde la concienciación y desde el compromiso de todos los agentes que conforman el sistema arte. Entre los años 2004 y 2007 fundaste y dirigiste la galería murNó allí en La Laguna (Tenerife), dedicada principalmente a la exhibición y promoción de la obra de mujeres artistas. Háblanos de esa experiencia. ¿Cómo fue la acogida por parte del público? ¿Crees que lograste alcanzar los objetivos que perseguías?

No tenía objetivos marcados: quería sacar adelante el proyecto sin plantearme nada. Fueron unos años intensos en vivencias. Dirigir una galería me permitió conocer a jóvenes artistas, pero también trabajar con creadores ya consagrados. Fue un aterrizaje en el panorama artístico canario, un “tomarle el pulso” a la escena artística de las Islas. No fue fácil, pero aprendí mucho. Te consideras feminista y, como hemos visto, la gran parte de tu trabajo la enfocas hacia la ardua tarea de dar a conocer el arte elaborado por mujeres. Ahora bien, ¿qué consideras que es más importante: el hecho de que sacar a relucir la figura femenina dentro del mundo del arte, o bien, que el mensaje

A n d y Wa r h o l , S e l f - p o r t ra i t i n D ra g , Po l a ro i d , 1 9 8 0 . C o l e c c i ó n T E A - C O F F.

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Cristina Gรกmez, El motivo, 2013, 195x285 cm. Colecciรณ

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ón de la artista.

de la obra defienda la importancia de la figura femenina (independientemente de que el artista sea hombre o mujer)? Hay que trabajar en esas dos líneas en paralelo. Es necesario visibilizar el trabajo de las artistas, con independencia de su discurso, pero es igualmente importante apoyar a aquellos artistas, hombres y mujeres, que a través de sus obras denuncian situaciones de desigualdad y trabajan desde una perspectiva de género. ¿Qué puedes decirnos de ‘el arte por el arte’, el ejercicio artístico ajeno a la transmisión de una idea o concepto? En una obra siempre hay una idea o un concepto. Otra cosa es que esa idea o concepto esté dirigida exclusivamente a los sentidos, al puro placer estético. Personalmente me interesan más aquellas prácticas artísticas que remueven y agitan conciencias.

“con los años me he dado cuenta de que también (...) desde las prácticas curatoriales se puede contribuir a la creación de un mundo más justo e igualitario.”

Háblanos sobre tu experiencia personal. Has sido profesora, coordinadora de Master, has impartido conferencias y cursos en diversas instituciones, has colaborado con artículos en periódicos y revistas, has participado en congresos nacionales e internacionales, has hecho tus pinitos como escritora, y además eres conservadora en TEA

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Te re s a S e r r a n o, W W, 2 0 1 2 , f o t o g r a f í a c o l o r ( i m p re s i ó n C a n s o n B a r y t a P h o t o g r a p h i q u e , s o b re d i b o n d ) , 1 0 0 x 1 5 0 c m . C o l e c c i ó n P r i v a d a , M é x i c o D. F. (Tenerife Espacio de las Artes) y has comisariado diversas exposiciones. Teniendo en cuenta que toda tu carrera la has dedicado a un exhaustivo trabajo por y para la mujer en el ámbito de las artes, luchando contra su marginación y contra cualquier tipo de estereotipo, dinos, ¿qué conclusiones puedes sacar después de todo este recorrido? Cuando a mediados de los noventa empecé mi carrera profesional en el campo del arte, como investigadora y docente, tenía la sensación de que me dedicaba a cuestiones y temas superficiales. Envidiaba a personas que trabajaban “a pie de obra”, con asociaciones, colectivos y grupos desfavorecidos. Pero con los años me he dado cuenta de que también desde la docencia y la investigación, desde las prácticas curatoriales se puede contribuir a la creación de un mundo más justo e igualitario. Por ejemplo normalizando a las mujeres artistas en el mundo del

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arte, visibilizándolas, denunciando los estereotipos femeninos y los estereotipos de género que nos ha legado la historia del arte, detectando los prejuicios que existen en la recepción crítica de las obras producidas por mujeres,…

Preguntas corales Si no me equivoco, ambas pertenecéis a MAV (Mujeres en las Artes Visuales). Yolanda es socia desde el año 2012, y Margarita pertenece al Consejo Asesor. Contadnos un poco sobre esta plataforma, ¿Cuáles son sus objetivos principales? ¿Qué os incitó a uniros a esta plataforma? M.A: Yo fui socia fundadora de MAV, después fui vicepresidenta de la primera junta que ya se cambió y actualmente

estoy en el consejo asesor. Algunos miembros de la antigua junta no tenemos capacidad decisoria pero cuando hay que hacer informes sobre un tema importante nos lo solicitan. MAV es muy importante. Vimos la necesidad de crear una asociación de Mujeres en las Artes Visuales, mujeres desde distintas ópticas (artistas, galeristas, docentes, comisarias…) porque veíamos que la situación de las mujeres en el sistema del arte de España no estaba normalizado y que a pesar de los cambios y esfuerzos que se hicieron no son suficientes. Sigue habiendo una necesidad de trabajar en colectivo, ya así se trabaja con más fuerza, más presión y más ideas. En un principio se habló de un debate de si debería ser la asociación solo de mujeres o de hombres y mujeres, y tras el debate se acordó que fuera de mujeres , ya que por cuestiones de historia debía ser así. Ojalá viniera un momento histórico en el que no hiciera falta una asociación de mujeres en este sentido. Existía la necesidad de visibilizar y mostrar a las mujeres reales y trabajar en un colectivo donde se hicieran trabajos, estudios, informes, etc. Tenemos una web donde se cuelgan todos los trabajos de estas mujeres, donde puedes navegar entre las obras o leer los informes publicados, que actualmente son 12, que abarcan los distintos sectores. El último estudio ha sido sobre ARCO y el número de artistas y conferenciantes que han participado. Y en base a ello se ve que la situación es bastante sangrante. La igualdad de mujeres y hombres en el ámbito es el objetivo final de MAV.

Y Después las coordinaciones con otras asociaciones de mujeres como la Asociación de Mujeres Cineastas o las de las Mujeres Periodistas o de la Literatura y nos reunimos con ellas para hacer iniciativas comunes para pedir cuestiones concretas a las Administraciones Públicas. También está la Plataforma de las Artes con base en Madrid y donde se unen asociaciones de cultura sin importar que sean de hombres y mujeres, o el IAC, el Instituto de Arte Contemporáneo y MAV, que suele estar en esas plataformas que reivindican por la cultura solicitando y haciendo análisis, promocionando, etc. El festival miradas de mujeres será Bienal a partir de ahora, donde hay exposiciones y conferencias de mujeres de artistas y la organiza MAV más la revista digital “Mujeres en la cultura visual” que también nos pertenece. Y ahí estamos con muy poca financiación por los recortes de dos ministerios y nos han quitado las subvenciones que teníamos, y hay más dificultad. Y.P: MAV es una asociación que reúne a las profesionales del sector de las artes visuales en España. Se plantea como un observatorio de la situación de las mujeres en este ámbito, pero también como una plataforma desde la que promover propuestas y estrategias para la consecución de la igualdad efectiva entre hombres y mujeres. Pertenecer a MAV me ofrece la oportunidad de formar parte de una red de trabajo, de estar en contacto con profesionales de diversos ámbitos que como yo luchan por la igualdad en el terreno del arte. Hay gente que considera que el arte ‘feminista’ o ‘de género’ es simple,

“Pertenecer a MAV me ofrece la oportunidad de estar en contacto con profesionales de diversos ámbitos que como yo luchan por la igualdad en el terreno del arte.”

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Cristina Gámez, Despliegue I, 200

desde el punto de vista en que basta con atacar un tópico o sacudir un estereotipo clásico para darle forma, lo que para muchos da un resultado redundante y repetitivo. ¿Qué puedes decirnos sobre esto? M.A: No es cierto, es una argumentación que parte de la ignorancia, de la falta de conocimiento más absoluta; o del cinismo. Desde la posición ignorante habría que decir que hay que informarse más; y de la posición cínica decir que es una posición androcéntrica a la que no le interesan este tipo de discursos. El discurso de género está en todos los campos del saber y todos los ámbitos científicos. Para ser feminista no tienes que ser lesbiana y odiar a los hombres. Estos discursos son necesarios y no puedes obviarlos.

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Y.P: El arte feminista sigue siendo necesario. No es un punto de vista, un estilo o un movimiento. Es una posición ideológica, es un arte con un contenido político específico que lucha, desde hace décadas, contra la condición subalterna de las mujeres. Hemos visto en los últimos años cómo se han realizado grandes exposiciones que han tenido una gran repercusión mediática pero que han carecido de un contenido discursivo profundo o novedoso. ¿Suponen las pequeñas exposiciones, o aquellas que no tienen una difusión tan extensa, las grandes sorpresas o novedades para el arte que ha de venir? ¿Nos recomendaríais una exposición que hayáis considerado clave?

0, 47x190x15 cm. Colección de la artista.

M.A: Muchas de ellas sí, pero también he visto exposiciones en grandes festivales o museos que me han emocionado o me han hecho reflexionar mucho y que aportan mucho. Por ejemplo en la Bienal de Venecia hay cosas aburridísimas a pesar de su dimensión, pero de pronto te encuentras cosas que te sorprenden. Es verdad que hay muchos museos o centros de arte que si están arriesgando e impulsando pero hay otros que no porque están muy mediatizados o dependen del poder que les subvenciona y son muy obedientes a ellos, lo que provoca que hagan unos programas de poca incidencia en el contexto y más mirándose hacia el propio ombligo, suyo o del poder político. Yo en ese sentido soy muy crítica con el actual CAAC, que no me importa decirlo públicamente, yo no lo haría así. Porque aunque es verdad que la política

presupuestaria es baja, puedes ir en una dirección o en otra con lo que tienes. Hay exposiciones que tienen menos difusión mediática y son más pequeñas, pero que si están teniendo más incidencia en el contexto y en la gente e introduciendo más debate y más reflexión. También digo que esto es culpa de todos, porque si los centros lo hacen mal y encima los periodistas no se implican lo suficiente… yo estoy harta de llamar a los periodistas y al final con suerte vienen dos, y no se implican. Tampoco se implican lo suficiente las universidades o los estamentos para crear esa red que es necesaria, una red que apoye y difunda, una red amplia y que abarque a muchas partes. Yo como comisaria independiente presento proyectos a estas instituciones a la vez que no dejo estas exposiciones

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“El arte feminista no es un estilo o un movimiento (...) es un arte con un contenido político específico que lucha, desde hace décadas, contra la condición subalterna de las mujeres.”

más pequeñas, o lo pretendo creando exposiciones y actividad interesantes que puedan ser variables en su tamaño, más pequeñas o más grande según al lugar donde se puedan presentar. Hay que ser crítico pero hay que actuar, eso es clave. Las cosas no se cambian si evitamos criticar a determinados centros porque creamos que después no nos van a dar una exposición, eso me lo he encontrado muchas veces y así no se movilizan ni se cambian las cosas. En Andalucía falta trabajar en colectivo, en Madrid y Barcelona si ocurre, pero aquí hace falta crear esas redes. Y.P: Más allá de recomendaciones, si tengo que elegir una exposición clave para mí, destacaría “Piel de gallina”, la primera gran muestra individual en España de la artista guatemalteca Regina José Galindo, celebrada en 2013 y coproducida por ARTIUM, CAAM y TEA. La exposición, comisariada por Blanca de la Torre, abordaba el trabajo performativo de Galindo, un trabajo que perturba, que emociona y que te enfrenta directamente a una realidad muchas veces injusta, violenta y brutal. ■

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Adassa Santana, La petite salle 2009, 135x89 cm. Colecci贸n de la artista.

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Dibujar en el agua. Reflexiones sobre el Arte útil para la vida pública.

por Santiago Navarro

Proclamaba Thoureau al evocar sus paseos por las praderas de Norteamérica:-“¡Todo lo bueno es salvaje y libre!”. Tanto él como otros pensadores, filósofos, ideólogos y religiosos, como Baudelaire, Benjamin, Nietzsche, Kant o Gandhi, elogiaron el acto de caminar como un acto de rebeldía y una proclama de Libertad1. En sí, caminar es un acto cotidiano al que nos vemos supeditados. Caminar para alcanzar la meta, llegar antes, conseguir los objetivos en tiempo, obtener resultados. El hecho de caminar supeditado a los ritmos de la ciudad. -¿Por qué no caminar por el placer de hacerlo? No sujetos a un fin sino más bien al disfrute de andar, solos o en poca compañía. El acto de caminar no impide que se hagan otras cosas. Es más, tomar esta actitud implica asumir la idea de Thoureau y por tanto, desligarnos del sometimiento, de la obligación de estar supeditados al hecho. Andar y andar los caminos es también síntoma de salud, la del cuerpo, y sobre todo la mental. Nos rebelamos ante la pasividad y el bloqueo que produce estar parados, sentados. Caminar supone moverse pero a su vez recorrer y por supuesto hacer camino. Ni más ni menos. No sería el primero que admite que al andar pensamos de otra manera. Entramos en un estado imaginativo activo. Por otra parte, nos empecinamos a usar la lógica y la razón para resolver los problemas, para encontrar soluciones a problemas. Para entretenernos en ese raro efecto que nos producen. Nos gusta contemplarlos, analizarlos,

C. GARCÍA GUAL, “Pasear y Pensar”. Diario El País, Babelia. Ed. digital. 29.12.2014

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comentarlos, darles vueltas y vueltas, provocando lo que los psicólogos denominan “Parálisis por análisis”. Entramos en un extraño estado de pensamiento donde el problema es nuestra razón de ser: -Tu problema no es nada, ¡Espera a que te cuente el mío! En un acto de humildad conviene también reparar en “La insuficiencia del conocimiento humano para conseguir la “inspiración divina”, o penetrar en los secretos de la Naturaleza” (Charles Heaton, 1977), igual así dejamos de aferrarnos sobre ese o aquel problema en una manera de estar en el mundo que conduce a ese estado de inactividad propia de la Melancolía rationalis o la mentalis (Agrippa de Nettesheim. De Occulta philosophia). Pasear en cambio, es echar a andar y en ese momento, relegamos el pensamiento lógico, poco a poco, para pasar a la acción, en un estado de melancolía esta vez imaginativa y ágil. El problema, que es el andar, se convierte en solución. En acto inmediato, y de repente solo brotan soluciones. Imaginar constantemente, e incluso provoca que lo imaginativo se convierta en lo real incluso que adquiera vitalidad. Ser en el mundo. Parece que en cierto modo nos hemos olvidado de andar, de caminar, de pasear, de elegir nuestro propio camino. En los 60’ y los 70’ andar y caminar fue el leitmotiv de muchos autores, desde R. Long a Hamish Fulton, desde Nauman a U. Rückriem. Andar y en el andar estar haciendo. Dejando que una cosa constituya la otra, sin que queden segregadas, más bien fundidas. En un nuevo intento de acercar el hecho imaginativo del arte a la vida misma. Trabajar en ese lugar donde suceden las cosas mientras suceden. Aquellos artistas lograron de algún modo alejarse del espacio pre-fabricado. De la asepsia, del espacio en blanco, del cubo ideo-lógico. Un espacio lejano de la vida cotidiana y donde se muestra encapsulada, mercantilizada.

arte, -si es que lo tiene-, con el trabajo para con la sociedad cercana. Un nuevo intento de cuestionar la utilidad del arte, de definir un “arte útil”2. En Queens se suplanta el lugar de contemplación y ocio por los espacios de producción, intercambio, colaboración y solidaridad en centros de participación y estímulo ciudadano. Muchas de las acciones que realizamos, de los momentos que vivimos, de las palabras que decimos, de los pensamientos que trasmitimos, no adquieren forma. No se trasportan en materia alguna. Es más, parecen desaparecer. Se desvanecen. Simplemente suceden. En la calle, en las aulas, en los foros, en los debates, en las reuniones de alto o bajo nivel suceden continuamente cosas, que no adquieren de modo inmediato forma. Se construyen y desvanecen en el mismo momento que se desarrollan. En muchas ocasiones salimos de esos lugares con la sensación de no haber llegado a conclusión alguna, -a ninguna parte-, probablemente por no ver ningún producto. Como solución más bien deberíamos no hacer nada para que sea la esfera pública y nuestras acciones cotidianas las que constituyen nuestro hacer público. Aceptar que lo que hacemos más bien se parece a un dibujo en el agua. Un trazo que no podemos fijar. Que se desvanece mientras se realiza. Si bien, un gesto que genera otros elementos a su alrededor: ondulaciones, que provocan otras alteraciones, que llegan a la orilla y rebotan en las cosas, que suenan y reverberan, destellan, salpican. Probablemente tan solo necesitamos dibujar en el agua para construir o modificar la materia y la esencia de las cosas. Comunicar con lo inmediato, con lo que uno halla, sin añadir más que lo que encuentra, lo que tiene a la mano, lo que sucede mientras sucede. Echar a andar. ■

Hoy artistas como Tania Bruguera con su proyecto “Immigrant Movement International”, o iniciativas como las del Queens Museums Of Art, muestran que más bien el papel del arte ha de ser negar su papel para pasar a actuar como servicio social en esa fina línea en la que se combina ese papel del 2

Marina OTERO, “Arte útil en Queens”. Diario El País. Ed. digital. 12.02.2013

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Alejandra LAVIADA Entrevista por Antonio Sánchez

Purple, Serie De- Constructions (2007-2010). 2010, Impresión sobre papel de algodón Hahnemühle.

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Nacida en Ciudad de México en 1980. Estudió pintura en Rhode Island S c h o o l o f D e s i g n y t i e n e u n M a s t e r e n Fo t og r a f í a p o r S c h o o l o f V i s u a l A r t s d e N u ev a Yo r k . S u o b r a h a s i d o ex h i b i d a d e m a n e r a i n d i v i d i u a l y c o l e c t i v a e n M é x i c o, E s t a d o s U n i d o s , Fr a n c i a y E s p a ñ a . Pa r t i c i p ó e n e l Fe s t i v a l d e Fo t og r a f í a H ye re s e n 2 0 0 9 ; e n e l N ew Yo r k P h o t o Fe s t i v a l e n 2 0 0 8 , y e n e l fe s t i v a l d e fo t ó g r a fo s e m e r ge n t e s d e P E E K / A r t + C o m m e rc e e n 2 0 0 7 . H a re c i b i d o d i ve r s o s re c o n o c i m i e n t o s , e n t re l o s q u e d e s t a c a n : e l p re m i o D e s c u b r i m i e n t o s d e l Fe s t i v a l P h o t o E s p a ñ a 2 0 0 9 ; m e n c i ó n h o n o r í f i c a e n l a X I I B i e n a l d e Fo t og r a f í a e n M é x i c o ; m e n c i ó n h o n o r í f i c a e n A m e r i c a n P h o t o I m age s o f t h e Ye a r C o m p e t i t i o n 2 0 0 6 . S u t r a b a j o h a s i d o p u b l i c a d o e n T h e N ew Yo r k T i m e s M ag a z i n e , y e n l a s rev i s t a s Wa l l p a p e r, M o d e r n Pa i n t e r s , A m e r i c a n P h o t o, RO J O, C re a t i ve R ev i ew, P h o t og r ap hy A n n u a l , y C ap r i c i o u s , e n t re o t r a s .

Alejandra, una de las primeras cosas que llama la atención de tus obras es el hecho de que, aunque parten de una premisa de índole escultórica, derivan hacia el ámbito del registro fotográfico, o viceversa. ¿A qué se debe esa tendencia a la yuxtaposición técnica entre ‘construcción’ y ‘registro’? Por su naturaleza la fotografía es inevitablemente un registro de algo; una acción, un recuerdo, un momento suspendido en el tiempo. A mi me interesa explorar el potencial de la fotografía para crear y construir imágenes, y no usarla únicamente como documento de mis acciones. Lo que busco es crear imágenes que surjan de intersección entre la fotografía y la escultura, por lo que invariablemente hay un diálogo entre ambas. Cuando hablas de tu obra describes tu proceso fotográfico como una especie de ‘arqueología urbana’. Háblanos un poco del concepto de lenguaje urbano como medio de estudio arqueológico. Creo que son 2 temas diferentes… A lo que me refiero con arqueología urbana, es el proceso de ir encontrando objetos abandonados en los espacios que fotografío, y de tratar de darles una nueva vida o recrear mis

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Bird in Space, Serie Geometry of Space. 2014, Impresión sobre papel de algodón Hahnemühle,40.6 x 50.8 cm.

propias narrativas de estos objetos olvidados. Por otro lado, el lenguaje urbano de una ciudad son las construcciones, viejas o nuevas, que la definen o caracterizan. Robert Smithson habla sobre el lenguaje urbano de las ciudades en relación a las ruinas modernas (edificios modernos abandonados o que envejecen muy rápido) que las caracterizan. En tu última serie (Geometr y of Space) además de explorar el mundo de los objetos hallados y la geometría, incluyes un nuevo factor a tener el cuenta y sobre el que vale la pena pararse a meditar : el azar.

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Cuéntanos un poco sobre el proceso de elaboración de esta última serie. ¿Por qué ese interés por el azar? Siempre hay un elemento de azar en el arte, y esto muchas veces lleva a crear cosas increíbles e inimaginables. Todo mi trabajo es análogo, por lo que siempre hay un elemento de sorpresa entre lo que te imaginas y lo que es (en esta serie y en las anteriores). En Geometry of Space, las imágenes se construyen a través de exposiciones múltiples, por lo que es imposible saber exactamente como va a salir la fotografía. Sin embargo, siempre hay una intención

P u r p l e , O r a n g e , Ye l l o w C i r c l e s , S e r i e G e o m e t r y o f S p a c e . 2 0 1 4 , Impresi贸n sobre papel de algod贸n Hahnem眉hle,40.6 x 50.8 cm.

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clara en la composición y ángulo de estas construcciones, así es que el azar juega un papel en el proceso pero no es realmente parte de mi interés en crear estas imágenes. Continuemos con tu última serie. Llama la atención la disposición de los colores, pero aún más llama la atención el hecho de que, a pesar de ser formas ‘coloreadas’, no se oculta en ningún momento la condición material que conforma cada elemento de la composición. ¿Con qué intención planteas este juego dialéctico-visual entre la variación de color y el interés por no ocultar la materia original? El color siempre ha sido un elemento importante en mi trabajo. Y una de las cosas que me gusta de la fotografía es que no oculta la materia original; nunca ha sido mi intención ocultarla. Un elemento importante en esta serie es precisamente ese, el poder crear imágenes que solo existen en la cámara usando materiales reconocibles.

Tripartita, Serie Geometry of Space. 2014, Impresión sobre papel de algodón Hahnemühle,76,2 x 94 cm.

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Magenta, Serie Geometry of Space. 2014, Impresión sobre papel de algodón Hahnemühle,76,2 x 94 cm. Actualmente eres miembro de la colectiva fotográfica POC (Piece Of Cake Project). ¿Podrías decirnos en qué consiste ésta plataforma digital? La esencia de POC es la interacción entre los miembros, no es únicamente la plataforma digital. La colectiva empezó en Europa y ahora hay también un grupo en Norteamérica, del que yo formo parte. Nos reunimos 2 fines de semana al año, donde participan entre 5 y 20 miembros, y para todos es un momento para sumergirse de lleno en la fotografía, obtener retroalimentación de algún proyecto, y consolidar nuestra amistad. Creo que lo que nos une es una pasión por la fotografía, una admiración y respeto por el trabajo de los demás, y una comunicación muy abierta. Después de cada encuentro, salimos todos inspirados y con muchas ideas nuevas. ■

Cangrejo Ermitaño por María Álvarez. aislamiento en caracolas profundas, cuevas como fundas de uno mismo con las que envuelven su cuerpo hasta fundirse con su muro de piel. Piedad es lo que piensan al pedir que letargo no sea interrumpido, más Cupido no lanzó su flecha sin ser consciente Es curiosa la naturaleza de los cangrejos ermitaños. del sentido del dolor en la pasión, que a causa de Crustáceo que siendo soldado marino, aún armado esfuerzo arde en interés y en devoción evoluciona. necesita de un refugio al que echar mano y así ocultar dentro su debilidad. Pobre ser vulnerable que a ojos Funcionan las vivencias como sentencias selladas. de ciego continúa fiero siendo y a pesar de ello siga Heridas, terminan agazapadas hasta sumirse al silencio y en el olvido caer. Pero no es socorrido verse preso sin lanzarse a luchar. por uno mismo e ileso, sabiéndose tan sólo por la Quizás atreverse tenga más sentido al verse y saberse, mente dominado. Por un mandoble doblegado a la poseedor o no, del valor suficiente para plantar cara agitación que la situación obliga a sostener. y poder hacerse respetar. Y caro es el precio, seguro, si conociendo su sensibilidad continúa expuesto Expresividad literaria como vía de escape al aislamiento y puesto sin coraza, para que su abdomen falto de emocional voluntario. Salida a la explosión interna, exoesqueleto le ponga aprieto por ser visualmente que como estrella del universo particular titila hasta blando, negando reto alguno que frene al depredador apagarse. Con el último suspiro dar muerte a la propia a comprobar si era tan fuerte como llamar se hacía. muerte detonando la energía que brota del silencio. Renacer en una nueva presencia luminosa que habla Es curiosa la naturaleza de los ermitaños, los que de frente al mundo con voz propia, hacer al miedo son cangrejos y los que no. Pero más curioso es su arder.■ Anacoreta, eremita. Ermita propia y lugar de culto. Culto cultivado por la cultura a colonizar. Colono autodidacta de uno mismo, de su pensamiento y entendimiento, lugar de encuentro, paz.

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Sobre la Lit Alt por María Álvarez Romero

a Literatura evoluciona al mismo ritmo que la sociedad. De hecho, sus cambios no son inmunes a cada época; en pleno siglo XXI, el código literario se ha adaptado al dialéctico informático a través del lenguaje HTML. Los escritores han sustituido la tinta por las ondas, han reemplazado la máquina de escribir por el teclado, provocando el nacimiento de lo que en los países anglosajones llaman Alt Lit o Alternative Literature. No es de extrañar que surja una nueva corriente digital tan prolífica, pues es coetánea al despliegue tecnológico que reina en todo el mundo. Alt Lit, acrónimo de dos sílabas, abarca a un grupo tan amplio de autores como caben en la Red. Engloba a todos aquellos que estén dispuestos y expuestos a ser dueños de su producción y distribución, a toda la amalgama de literatos con intención de renovar la literatura formalizada. No se trata de una escuela. Por el contrario, este abanico expresivo huye de academicismos. Su propio nombre lo indica: buscan alternativas más allá de la novela, el ensayo o los poemarios de bolsillo. La Alt Lit persigue la comunicación inmediata, fruto de nuestra

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vida acelerada, absorta en responsabilidades y con poco tiempo para la lectura de ocio. Sin ir más lejos, el misterio del resurgimiento de la poesía es el resultado del avance tecnológico: los versos vuelven a la vida desde internet gracias a su accesibilidad, brevedad y síntesis. Su origen se encuentra entre diez jóvenes estadounidenses entre los que destaca el nombre de Tao Lin, de 27 años. Este exponente de la Alt Lit norteamericana comprendió que la simplicidad es una manera de llegar a la población, y como intención se propuso mostrar la belleza de lo mundano. Un cambio radical en la medida que su literatura se ha visto transformada en palabras agolpadas casi descuidadamente, de forma espontánea bajo el ritmo dominante de los dedos sobre el teclado. Twitter, Instagram, Facebook, Blog… son ejemplo de los cuadernos de estos nuevos poetas que comienzan a ser considerados como iluminados que acercan sus escritos al puesto de la antología poética de esta nueva era. Según Jordan Castro, otro de los jóvenes autores norteamericanos, el movimiento de la Alt Lit lo forman “un grupo de individuos socialmente alineados, que eligen la Literatura como un modo de aliviar la monotonía.” Llama la atención lo diferente de esta generación, joven y acomodada, respecto a los antiguos y atormentados poetas que han alimentado nuestras emociones durante siglos. ¿Qué resultados conllevará ese cambio? La cuestión es si estos jóvenes están capacitados para transformar la literatura, así como si realmente es necesario hacerlo. Tal vez la rapidez de su producción influya de forma negativa en el lenguaje, pues es cierto que la poesía clásica presume un gran dominio de las palabras. Pero no hay que olvidar que los grandes poetas, además de genialidad tuvieron experiencia, y ésta sólo se consigue con la práctica y la formación. El cambio reside en la valoración de ritmos en el verso libre y en la acumulación incongruente de pensamientos.Ya no se busca la coherencia, sino los golpes de imágenes. Para nombrar a estos rebeldes poéticos, me gusta utilizar el apelativo con el que Jacob Steinber etiqueta a los autores nacidos después de 1990: los Postnoventistas. Este movimiento ha llamado la atención de editores como Blake Butler -del blog literario HTML Giant- o como David Foster Wallace, que participa de la Alt Lit publicando en la red su propia obra. Al ser internet una comunidad sin barreras, la Alt Lit se encuentra abierta a todo aquel que desee probar sus capacidades literarias ante los ojos del mundo. Pero es peligrosa la llegada de tantos autores, especialmente la de aquellos que quieren jugar a ser artistas, y que caen sin remisión en el rol del alternativo mediocre, bajo la apariencia del erudito académico. Esta nueva ventana se abre a un amplio campo de posibilidades aún por explorar que, sin embargo, puede terminar en la insuficiencia debido al conformismo por la falta de exigencia, de constancia y trabajo previo. Es decir, si hay o no forma de identificar lo que sobresale en comparación con el resto. Quizás esta homogeneidad termine por hacer desaparecer lo que conocemos por Literatura o, por el contrario, refuerce y unifique la consistencia de este Arte de las palabras. Si algo deja claro laAlternative Literature, es la condición humana, que siempre necesita expresar las emociones. ■

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2 SOBRE DOS DE SUS AUTORES HISPÁNICOS por María Álvarez Romero

“Sólo al soñar tenemos libertad, siempre fue así y siempre será”. John Keating, El Club de los poetas muertos.

Tenía razón el profesor Keating aquella mañana en la que plantó la semilla poética en el interior de sus alumnos y en muchos de sus espectadores. Años después, el club de los poetas muertos ha dejado paso al de los vivos bajo el mismo fundamento de libertad de mente. A día de hoy la cueva de encuentro tiene nombre propio y abarca un ámbito tan amplio como es internet. Lo que no varía es el orgullo de pertenecer a este gremio literario y no es para menos. Thoureau dijo que la mayoría de los hombres llevan una vida de silenciosa desesperación, cita perfecta para reflejar la frialdad con la que el mundo informático ha ido absorbiendo poco a poco la calidez humana que nos caracteriza a las personas. Sin embargo ha sido precisamente esta deshumanización individual la que ha permitido provocar un ciclo de retroceso y volver a esa introspección que es la escritura personal.

si de algo no cabe duda es de que en los últimos años se ha producido un claro Boom poético en la web. Las redes sociales son sólo excusas juveniles para exaltar el yo individual que enciende la mecha que despierta al poeta que lleva dentro.

“Les contaré un secreto: no hacemos y escribimos poesía porque es bonita. Leemos y escribimos poesía porque pertenecemos a la raza humana; y la raza humana está llena de pasión. La medicina, el derecho, el comercio, la ingeniería… Son carreras nobles y necesarias para dignificar la vida humana. Pero a poesía, la belleza, el romanticismo, el amor son cosas que nos mantienen vivos.” Me sirvo de estas otras palabras de Keating para remarcar el rayo de luz que supone la lírica en el caótico universo informático y a su vez doy pie para hablar de otro tipo de universos caóticos muy diferentes, los de Luna Miguel y David Meza. La poesía mediática supone una importante Entre todos los poetas postnoventistas metamorfosis lírica.Tal vez haya sido debido nacidos en la era de internet he decidido a las circunstancias generacionales, pero centrarme en ellos por una serie de razones.

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Ambos veinteañeros, de habla hispánica, enamorados de la poesía, colaboradores y creadores exitosos de diferentes medios de difusión, y a su vez amigos a pesar de encontrarse a diferentes orillas del charco. A día de hoy el mexicano y la española dan mucho de qué hablar por el nivel de calidad de sus introspecciones públicas. Hay quien piensa que el poeta joven debe esperar a estar curtido y demostrar cierta madurez para comenzar a publicar su obra, no obstante ellos muestran claramente su desacuerdo con esta afirmación a través el trabajo diario de sus respectivos blogs. Alegan que el aunque es cierto que el novato toma experiencia y soltura con la escritura, es precisamente cuando se obliga a trabajar en ella cuando consigue mejora, los blogs son una buena herramienta para conseguir ese progreso, precisamente escribiendo. Tanto Luna Miguel como David Meza luchan porque estos caso no sean una excepción y de esta expresión expresiva surja una nueva era de poetas. Luna Miguel, redactora en Play Ground y en la Editorial del Gaviero, comenzó a publicar sus poemas en 2001 en revistas y antologías y en 2010 su primer libro Estar enfermo. “El poeta es una bella sanguijuela que de todo se alimenta”, afirma la autora mediática y reconoce que últimamente no sabe si inclinarse por el papel de poeta, periodista o blogguera. Este dominio tanto de las redes tanto digitales como analógicas es lo que le ha permitido formar ese club de poetas vivos, una verdadera comunidad de jóvenes escritores que comparten pensamientos y creaciones alojadas y cercanas a la literatura clásica. La autora destaca editoriales como La Bella Varsovia, en la que ha publicado, y Killer 71. También comunidades extranjeras como la Alt Lit y la que fue la Red de poetas salvajes de México. Sin olvidar los blogs, fanzines y revistas como Ciudad esqueleto, Palpitatio Lauri o Tenían veinte años y estaban locos, este último creado por ella misma y donde también participa Meza.

No obstante si alguien resalta por la lectura enredada de sus escritos es David Meza. Este joven escritor mexicano nacido en 1990 y colaborador en Cata Editores, refleja claramente en su primer libro El sueño de Visnu su característica forma de redactar. No redacta ritmos ni divide la sonoridad de la palabra, sino que los unifica. Apelotona el texto de una manera tan musical que con su dominio del lingüístico consigue provocar la belleza en la disonancia fonética. Si a este enredo verbal se le añade la escasez continua de signos de puntuación que permitan las pausas y de párrafos, no encontramos frente a una antiescritura lírica que transporta al escritor a un mundo paralelo. La reacción común ante esta voluminosa construcción del texto echaría atrás al lector por su dificultad en la lectura, sin embargo, su imaginario metafórico es tan amplio y su lectura tan onírica que termina causando el efecto adverso, sobrecogiendo al lector y haciéndole preguntarse si realmente se encuentra en una realidad o en un sueño. Inmersos en la locura de Panero, tanto David Meza como Luna Miguel son un claro ejemplo de que la juventud no determina al escritor, sus textos resaltan la suficiente madurez y dominio como para contradecirlo. Poseen la capacidad de transmitir el poder de la imagen únicamente con palabras. La imagen surrealista de André Breton plantea una característica cercana al efecto que buscan y producen ambos poetas, la colisión de realidades contrarias y la asociación de la onírica y realidad, ven la poesía como un ordenamiento del caos. Quizás sea cierto y precisamente el papel de la poesía no sea otro que ordenar con su desorden el caos continuo en el que vivimos. Si es así, que tanto ambos escritores como el resto de nuevos poetas continúen escribiendo. ■

La intención de Luna Miguel es provocar la poesía enredada en un panorama literario donde sus subgéneros comienzan a fusionarse entre ellos. La clara diferenciación entre la narrativa y la poesía comienza a evadirse en los textos de la poeta. Según dice, “en la poesía se ganan lectores y espacios para la crítica hablando de tú a tú, de poeta a poeta y no de persona a persona.”

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GANADORES DE LA I CONVOCATORIA “elRespirador”

DANIEL MADROÑAL MORA

Medidas Originales Círculo Sarsen/ Medidas Proyecto Círculo Sarsen ‘’idealizado’’/Círculo Sarsen real -Diámetro círculo Sarsen: 30’25m / 10m -30 Dinteles elevados a 4’5m/ 1’5m -5 Trilitos de 6m de altura aproximada / 3m -Elipse de 12x21m / 4x7m -Altar de piedra 4m/ 1’33m -Círculo interior de 60 monolitos de 22’5m de diámetro y 2m de altura /7’5m de diámetro y 0’66m de altura. *Todas las medidas están a escala 1:3, siguiendo con la concepción que tiene la cultura Wessex del triángulo. MATERIAL: plastilina A- Stonehenge (Reino Unido). B- Lundy Island (Reino Unido). C- Bluestone (Reino Unido). D- Facultad de Bellas Artes (Sevilla, España). E- Pirámides de Giza (Egipto). Nombre: Nocturno escondido (conocimiento escondido a partir de un foco en diagonal que origina distintas variaciones de la memoria corporal). El hilo que conduce este proyecto es la memoria corporal, el desconocimiento corporal del espacio como entelequia de la ignorancia, que es un fin en sí mismo. Todo el peso histórico de la razón las situamos en la mente, y por ello se utiliza el foco artificial como objeto que reconstruye artificialmente la razón pasional de mi aspiración artística, un objeto que reprime la luz verdadera y da ambiente al objeto represivo. El discurso consistirá en las mil maneras de salir del armario, el escape de la espiritualidad a través de un espacio, un espacio en este caso crea un vacío como k, esta equivale a cero, la expectativa y la rectificación abren un abanico de imposibilidad, unido por la diferencia entre el computo de objetos esperados y un resultado efectivo; horror vacui. El triángulo de lunación que aparece en la fotografía superior conecta Stonehenge con Bluestone y traza un ángulo recto en Lundy Island. Este triángulo, 2500 veces mayor que el rectángulo de las piedras de las estaciones, determina la causa por la cual se erigió Stonehenge en ese lugar determinado y por lo que el sitio de Bluestone fue tan importante. Lo más asombroso es que la prolongación de la línea que conecta el sitio de Bluestone con Stonehenge pasa, finalmente, a través del complejo de las Pirámides de Giza en Egipto, un hecho misterioso pero incontestable.

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DANIEL MADROÑAL MORA

EL SOLSTICIO FUE AYER / APOLO ME HA HERIDO. ESCULTURA/INSTALACIÓN, 2014-2015.

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SERGIO ROMERO LINARES

Se cuenta que por el siglo XV en Italia, durante el renacimiento, aparecen los primeros inicios del discurso histórico artístico, de la mano de Lorenzo Ghiberti, quien se valía de escritos y relatos orales en primera persona en forma de autobiografía, memoria e incluso entrevista, las cuales eran imprescindibles para así adentrarse en su obra y a la misma vez en su vida. Dicho esto, en la presentación de mi obra prevalece el sentido autobiográfico o biográfico de mi vida, de mis experiencias vividas. Son estas experiencias las que me han ido marcando poco a poco, y con el paso del tiempo permanecen de manera fija, subyaciendo en mi memoria en forma de recuerdo. Así, siento una necesidad impetuosa de materializar y congelar para siempre fragmentos de ese pasado, mi pasado, de tenerlo y retenerlo para siempre. Con ello conservo cada instante de una realidad en continuo desarrollo y cambio, venciendo así al olvido. Una manera de enfatizar aún más esos episodios y vivencias que han ido quedando grabadas en mi memoria.. A lo que título en general como “Mi propia vida”. El estudio de mi espacio Íntimo y cotidiano me ayuda a construir poco a poco mi propia identidad artística y personal, ya que, desde mi humilde punto de vista, mi obra es el puro reflejo de mi persona y mi vida más íntima. Los conceptos que protagonizan mis obras son sentimientos como la propia ausencia, soledad, el recuerdo de lo que tenía y ya no tengo y viceversa, y las personas que tengo o deseo tener a mi alrededor. Todas estas necesidades que me preocupan como individuo, el amor, la familia, amigos, u otros espacios o personas que han pasado por cualquier razón a formar parte de mi espacio querido. Estas experiencias y recuerdos lo necesito materializar, como he citado anteriormente, con la pintura, el dibujo o cualquier elemento plástico que me venga bien, para así sentirlas aún más. Es la obra más sincera que puedo expresar, porque hablo de mí y de todo lo que me rodea. Los espacios, las caras, y los cuerpos de otras personas como medio autobiográfico. Una vez dicho todo esto, la obra que presento se titula “la mia stanza” (mi habitación), con título en italiano haciendo honor al espacio donde yo viví no hace mucho tiempo, en una de las culturas europeas más ricas, Roma. Se trata de una pintura, óleo sobre lienzo, de unas proporciones más o menos considerables, ciento ochenta centímetros por cada uno de sus lados. La imagen se compone de diversas zonas y objetos, donde la luz natural que entra desde el fondo por el ventanal y así proyectando su luz hacia la zona central toma el mayor protagonismo, junto con la silla y el escritorio. Los colores fríos predominan, jugando con los tonos cálidos que entran por la ventana y se reflejan en el espejo y la botella. Muchos son los objetos simbólicos que represento en esta habitación, lugar que es parte de mi ser. El libro, apuntes, la ropa, accesorios de todo tipo, fotografías de mis seres queridos, mapas, y sobre todo, el espejo. Ese espejo donde te miras cada día, solo, durante meses y meses, siendo él el único en juzgar el paso del tiempo. Junto al espejo aparecen una serie de fotografías, momentos y personas congeladas en papeles que te ayudan a seguir adelante en tu día a día. Aquellas personas que estaban a mi lado pero que en realidad no estaban, solo eran un recuerdo ficticio a miles de kilómetros de la que fue mi casa. La razón por la cual yo no me incluyo en el cuadro es porque realmente lo que yo veía era esto, el único recuerdo que tengo de aquello es esta imagen, un espacio íntimo con lazos románticos y aires de soledad. Para concluir, introduzco el elemento más íntimo, la botella, que iluminada por la luz del ventanal, muestra mi orina, mi yo. Así considero lícito representarme en este contexto, porque intuyo que es lo que yo significaba para esa habitación… un simple objeto de paso más, durante un periodo de tiempo determinado…

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SERGIO ROMERO LINARES

LA MIA STANZA. ร LEO SOBRE LIENZO, 2014.

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JULIANATAVARES

Con la intención de profundizar en algunas cuestiones tratadas en el primer proyecto titulado “Lo superfluo, algo tan necesario”, como son el culto a la belleza y la preocupación de la sociedad con respecto a la apariencia física, el siguiente propósito “Cenodoxia” aborda la inteligencia emocional del ser humano y la educación correlativa a la sociedad de consumo inculcada de forma similar en la religión católica, haciendo hincapié en los pecados capitales ya que corresponden a las primeras enseñanzas de la moral cristiana, no obstante, entendidos éstos como vicios de consumo. Así pues, se podrían interpretar cada uno de los pecados capitales desde un punto de vista profano y capitalista. La gula, corresponde al lujo y al hastío, a la adquisición de objetos o bienes que exceden lo necesario. Lujuria, exacerbación, deseo compulsivo que reduce la capacidad moral. Envidia, fundada por la cultura de abundancia, criticando así el coleccionismo, entendido como la petulancia y el alarde, poseer con el fin de enseñar, dudando sobre la utilidad, o más bien, de la inutilidad de los objetos de gran valor, adentrando así en el siguiente pecado, la avaricia. La ira, o la negación vehemente de la verdad, el fanatismo en creencias así como el egoísmo y el interés personal. Pereza, representa la facilidad de producción suministrada por las máquinas dentro de la industria de la actualidad. Soberbia, la unicidad, sobresalir de entre la multitud, gozar de un “defecto“. Siguiendo las ideas concebidas sobre los pecados capitales, reuní todos los conceptos deduciéndolos a un objeto, el botón. En un primer momento, los botones no eran sino discos decorativos que se cosían a las prendas y no tenían la función de abrocharlas. (Datan del 2000 a. C.). La función decorativa se relaciona estrechamente con el mundo de la moda y del lujo; las prendas de alta costura suelen adjuntar botones de reserva por un posible defecto de la prenda, hecho que se opone al concepto de alta calidad. Dentro de la religión cristiana, se conocen aún grupos etnorreligioso cristiano anabaptistas, conocidos principalmente por su estilo de vida sencilla, vestimenta modesta, tradicional y su resistencia a adoptar comodidades y tecnologías modernas. Los llamados “Amish” razonan la restricción en el uso de botones por una asociación con las fuerzas armadas. El botón determina en este proyecto el símbolo que recoge todos los criterios citados anteriormente. El video imita a la máquina y a la producción mecánica (capitalismo); ésta elige un botón de entre la multitud (sociedad), el único que contenga un defecto (pecados capitales), que será producido y elaborado con un fin absurdo pero intencionado. La intención no es más que la de mostrar la inutilidad de los objetos, la tendencia a valorar lo inútil por encima de lo útil. El precio, dentro de la industria del lujo, ejerce un papel fundamental, el valor puede convertir en inútil un objeto concebido para ser útil, lo caro es demasiado valioso para usarse, de forma que los productos se convierten en piezas del coleccionismo. A su vez, la producción en masa crea una uniformidad en la fabricación de los productos, sin embargo cuando una pieza contiene un defecto de dicha fabricación, tendemos a considerarla única y especial, cuando es sólo una equivocación de la máquina. El botón también obedece ciertas condiciones materiales, como es la ausencia de color, en este caso el defecto que contiene el objeto, eliminando cualquier referente impuesto por la sociedad. Ésta ausencia de color se mantiene en todo el video justificando así el uso del blanco y negro.

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JULIANATAVARES

CENODOXIA. VIDEOCREACIÓN EXPERIMENTAL (2”), 2014.

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Viñeta satírica

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Veníamos de Tarifa por Juanma Domínguez.

mitad de camino puse el famoso “Heavy weather” de Weather Report. Ella, que tiene mejores aptitudes musicales que yo y un oído absoluto (se decía inculta musical, siendo mentira) comentaba la jugada “Havona” con un...”no lo entiendo, yo que sé, yo es que si no lo entiendo...”. Yo que siempre he sido un negado para la cerveza, el vino o el alcohol en general (si acaso, amaretto solo o un despechado ron con cola eventual) la empecé a entender al descubrir el vino. Uno que es curioso, se pone a buscar artículos e información y a preguntar a la culpable, se sumerge en conceptos inteligibles como la “complejidad” al paladar, la complejidad de un vino, ¿Qué complejidad?, lo espumoso, las agujas y un despistado cruce de calles de vete a saber dónde. Quizá la dureza de un buen vino se entiende con el “Newcomer” y el estímulo intelectual del jazz de vanguardia. Quizá a veces no hay que hacer esfuerzo por entender y solamente dejar que llegue. En fin, imagino que aunque no me hayan puesto un cartel gigante arriba diciendo de qué voy a hablar os imagináis que no es de vino. Para vuestra desgracia o suerte me ha tocado la sección musical que voy a enfocar al jazz, pero de una manera muy cercana, tanto, que voy a dejar de lado a los célebres y a los mitos (a ellos ya les escriben los grandes periódicos) y os intentare hablar y recomendar sobre la gente cercana que tenéis por ahí. Grandes músicos que están en la sombra (y muy probablemente en algún bar minúsculo y sin escenario cerca de la Alameda), pero que son culpables de algunos de los discursos y conversaciones abstractas más densos e interesantes que he podido apreciar. Así pues y con calma, os recomiendo sentaros,

serviros una copa de Lambrusco y poner por ahí la versión de “someday my prince will come” de Miles Davis, solo para empezar. El jazz, música para minorías. Parece que solo los históricos llenan los teatros, y a veces, ni así. Es una enfermedad muy común esto de no entender el jazz, que al final, es una cuestión de cultura artesana y una pequeña guinda artística, subjetividad y abstracción. Para comprender una música como el jazz hay que comprender su procedencia, de donde viene tanta parafernalia. Hablaba recientemente con unos amigos sobre lo absurdo del purismo, que si acaso ya es mera quimera de lo que en algún momento fue, si es que lo fue. Pero si algo está claro, es que para llegar a alguna conclusión actual debemos mirar hacia atrás, buscar entre lo que ya estaba y “recordar”. En este ejercicio de reminiscencia aparecen claves que nos hacen poder comparar y entender por qué eso está ahí. Así empieza a aparecer la estabilidad en el tiempo, esa que te hace bailar cuanto más fuerte es, también el orden de los sonidos, la armonía que acomoda nuestra percepción auditiva (o la incómoda), te equilibra o desequilibra. Por último la manera de sacar partido al instrumento, hacerlo sonar, también debe sonar a jazz, acudir a unos clichés típicos, elegir bien como y donde poner los dedos, los acentos, etc. Una vez hemos explorado estas puertas, nos queda una, para mí, más interesante que todas las que pudimos abrir y explorar hasta ahora. Esta es imposible de recordar, imposible de aprender, se da desde lo más sincero, o no se da, aunque esté. Se abre a la posibilidad (y parafraseo a uno de mis directores de cine favoritos) de emocionarse con algo abstracto. Poco que entender, y algo que sentir. 85 elRespirador nº 1, ENE 2015

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Guía para snobs: -Heavy Weather: Probablemente el disco más famoso de Weather Report. Contiene algunas de las obras clave del jazz moderno como "Havona", "Teen town" o "Birdland". -Weather Report: Celebre grupo de jazz de la década de los setenta capitaneado por Joe Zawinul y por el que han pasado algunos de los más grandes como Jaco Pastorius,Wayne Shorter o Peter Erskine, entre otros. -The Newcomer: Opera prima de Miguel Martins, considerado uno de los mejores discos de jazz portugués del 2007. En él lo acompañan Carlos Barretto (contrabajo) y Markku Ounaskari (bateria). -Miles Davis: Para muchos el trompetista más...en serio, ¿os voy a tener que explicar quién es Miles Davis? Cuando dejamos a un lado toda la mano de obra que requiere tocar una pieza de música, todos los tecnicismos y hemos podido relajarnos al asegurarnos que lo que estamos escuchando es legítimo, entonces, solo entonces, podemos empezar a disfrutar de lo mejor. Aparecen dibujos, pinceladas, manchas, arrebatos, compasión, delicadeza, rabia, desgana, optimismo, pasos atrás, pasos adelante, saltos, preguntas, respuestas, contratiempos, arrastres...un golpe de aro. Campanadas charlatanas a merced de un gordinflón mandón, conversaciones con la inquietud de crear algo, golpes, gritos y vuelta a la calma, como cesar una disputa, unas carcajadas, llegar al clímax. Las campanadas paran, dejan pasar al incomprendido grueso que expone su versión de las cosas, luchando entre respirar y hablar, cuenta, intenta subir el tono, no siempre puede y termina por concluir con clase y benevolencia su parte de la conversación. Lo tribal reclama su sitio, cuatro avisos da, contesta la civilización, las raíces se ponen nerviosas, contesta la civilización, juego de trileros, último aviso, cinco minutos más. Pero el acuerdo estaba pactado al comienzo de la reunión. Todos firman, todos cesan. No sé. ¿Qué vamos a tocar ahora?■

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Críticas

INMACULADA SALINAS DIARIO WALDEN Marta Pérez Martínez

Representar o figurar un objeto en una superficie, con las líneas y los colores convenientes. ¿Qué es la pintura?¿Qué es pintar? Inmaculada Salinas nos acerca a una nueva versión de la pintura dentro del arte moderno, rompiendo los antiguos y convencionales esquemas en los que aparecen lienzos de gran formato, pinceles, óleo y trementina. Valiéndose de técnicas como el rotulador, la fotografía o el collage, la artista nos narra su experiencia en la mayor capital europea. Londres. Ciudad multirracial y multicultural, a donde muchos quieren ir pero finalmente pocos se quedan. No es de extrañar que la capital atrajese su atención, pasando unos meses vagando por sus calles, bebiendo de su rutina y de su cultura. De la fría huella que la metrópolis dejó en ella surge una creación seriada y autómata, dejando así rastro de su paso por la ciudad. Nada más cruzar la puerta de la galería Rafael Ortiz llama nuestra atención una obra de gran formato bajo el título de “Diario Walden”, cuyas enormes dimensiones ocupan casi la totalidad de la pared que las sostiene. ¿Por qué esta obra? Desde mi punto de vista, “Diario Walden” puede ser en sí misma un resumen de toda la exposición. Trescientas nueve piezas realizadas mediante la aplicación de rotulador de color sobre papel, empleadas y recopiladas a modo de diario durante la estancia de Salinas en Londres. A pesar de que la distribución de la obra es horizontal y con 88 elRespirador nº 1, ENE 2015

lectura lineal, cada una de las diferentes piezas está formada por una infinitud de finas líneas verticales producidas por un rotulador. En cada pieza se utilizan dos colores diferentes, cuya proporción varía a medida que avanza nuestra lectura. Como si de un canon se tratase, un color va desapareciendo progresivamente a favor del siguiente. El empleo arbitrario de los colores (copiando el mismo orden que se estableció en la empresa para organizarlos en su estuche) ) y su realización a modo de serie nos trasladan al camino, al continuo transitar de la pintora por los callejones de la urbe. La obra se ve inevitablemente influida por los propios condicionantes que le aporta el viaje, y de ese mismo modo nos lo muestra Salinas, sin embellecedores ni retoques. El pequeño formato para un mejor transporte, una técnica de rápida realización y la presencia de materiales efímeros son una constante a lo largo de su exposición. El propio carácter temporal del papel podría estar relacionado con el hecho de que la permanencia de la autora en la metrópolis tenía programada una fecha límite incluso antes de llegar. Todo en la obra, desde los materiales hasta la distribución de sus fragmentos, colaboran a la hora de acentuar lo efímero del viaje, el transcurso del tiempo y la impronta que este deja a su paso. ■

Críticas

LUIS GORDILLO CABEZAS Ana Santos Blancat

Con su exposición Cabezas en el Real Alcázar de Sevilla, Gordillo presenta una serie de obras que realizan un recorrido a lo largo de casi toda su carrera artística. Encontramos tanto trabajos situados en los sesenta como trabajos más actuales hasta 2014. Las piezas que presenta en esta exposición están conformadas por cabezas, en algunas invaden todo el espacio, resultando una suerte de pinturas allover, y en otras dos o más cabezas constituyen una composición. Una de las características de la obra pictórica de Luis Gordillo es la utilización de colores muy saturados aplicados en una pincelada limpia y precisa, no obstante, esta saturación de color en su obra no se consolida hasta los setenta. Dichos colores, muy vivos, son herencia, probablemente, del Arte Pop y el Informalismo, influencias principales en el pintor a partir de los sesenta. En cuanto al color, también mencionar que hace un uso especial del azul en muchas ocasiones como medio para crear profundidad (en Cabeza azulgris, 1964), y el rojo para crear volumetría. El espacio en su obra es fundamental, esto podemos verlo en piezas como El ángel trompeta (del juicio final), 2007. Utiliza tanto la línea orgánica como la geométrica, fusionándola en muchas de sus piezas como en Melchor voyeur, 1974-2007, o en ¿Es esto el futuro?, 2014; la distancia temporal entre estas

dos piezas demuestra que este uso de la línea está presente en todo el recorrido de su obra. Aunque en los setenta Gordillo incluye la fotografía como medio para realizar muchas de sus piezas. Esto le permite realizar nuevas composiciones con collages como el políptico Serie Luna, de 1977; o series fotográficas como Autorretrato con ojos artificiales, de 1974. Hablábamos de esta serie como recorrido, pues el tema que describe es un tema en el que el pintor está inmerso desde poco antes de los sesenta, en la exposición podemos ver, incluso, piezas cuya construcción comienza en 1956. Su obra combina la experiencia con el razonamiento y su forma característica de expresarse estéticamente. En muchas de las piezas de esta exposición, el pintor presenta al individuo como un ser bipolar, en él existe una dualidad. Para Gordillo el individuo se compone de dos o más personas. Al mirar una de estas piezas de Gordillo nos invade la incertidumbre, pues en Cabezas se observa perfectamente esta dualidad de la que hablábamos anteriormente. El espectador se pregunta si esas dos (o más) cabezas a las que se enfrenta pertenecen a la misma persona, si son dos personas distintas o si juntas conforman dicha cabeza dual. En algunas de ellas predomina la ironía y la burla del propio autor hacia sí mismo. Pero esto es solo una primera impresión. Sin ir más lejos, Gordillo plantea sus Cabezas como medio para adentrarse en el Psicoanálisis. Este tema, en 89 elRespirador nº 1, ENE 2015

el que se ve inmerso a intervalos de tiempo a lo largo de su carrera, se da en su obra desde 1963, durante su estancia en Madrid. Gordillo achaca su interés por el psicoanálisis a su gusto por dar a conocer sus inquietudes tanto a través del lenguaje hablado como del artístico. En cuanto a la forma característica de expresión de Gordillo, en muchas ocasiones deriva de la figuración hacia otros parámetros abstractos que le permiten profundizar más en su tema.

¿Es esto el futuro? ¿Es esto el futuro? , es la última pieza pictórica que Luis Gordillo ha dado a conocer. Situada en 2014, en este cuadro Gordillo vuelve a dejar su impronta de esa forma tan característica que ya conocemos. Esta pintura, que ocupa un lienzo de 155x220 cm, se trata de la última muestra de la serie que el pintor tituló Cabezas. Con una composición horizontal y aparentemente geométrica, Gordillo representa una cara en el rectángulo interior con un elemento indefinido justo en el centro del cuadro. Se trata de una composición novedosa en su trabajo que, probablemente, ideó el pintor como clave para comprender esta obra. La primera impresión que puede dar al espectador es que se tratan de dos cuadros superpuestos: un cuadro que está por detrás, del que solo podemos ver los elementos de los bordes superior, inferior y laterales; y otro de menor tamaño que se encuentra delante del anterior, en el cual aparece la cara ocupando toda la superficie a modo de expanding painting. Pero, ¿qué intención podría tener Luis al realizar esta extraordinaria composición? Como viene siendo desde los años sesenta Gordillo se sumerge en la multiplicidad de la personalidad del individuo y en su psique. Esta intención acontece en las piezas que componen la serie Cabezas, y rondan al autor desde el principio de su carrera. Sin embargo, el objeto que más impresiona en la composición es ese elemento indefinido del que hablábamos anteriormente, que se superpone sobre la cara. Por una parte, cae en el centro de la composición y, aunque esto no tiene porqué determinar el centro de atención de la pintura, se le suma el punto de color verde y azul saturados (característicos en su obra) sobre el fondo de ocres y rosados, colores más neutros, que componen la cara. Además podríamos decir que es el elemento 90 elRespirador nº 1, ENE 2015

del cuadro que más causa incertidumbre al espectador. ¿De qué se trata ese objeto que tapa un fragmento de la cara del individuo? Podríamos definirlo como un elemento abstracto, sin embargo esto no encajaría en el estilo del artista, muchas veces malinterpretado como pintor abstracto. El título de la obra nos dará (en este caso) la clave de la temática. Su forma geométrica recuerda a una serie de ventanas o pantallas a las que tanto estamos acostumbrados a utilizar a diario en televisores, ordenadores, teléfonos móviles… Si nos adentramos en la temática de la serie Cabezas, podemos deducir que Luis vuelve a introducirse en la psicología del individuo, pero esta vez en relación al estilo de vida del sujeto en la actualidad vinculado a los avances tecnológicos del ser humano, y cómo influyen en éste. El individuo se encuentra inmerso en un mundo dominado por estas tecnologías. El autor, con el título de la pieza, se pregunta si este estilo de vida va a continuar en el futuro. ¿Va a estar el ser humano supeditado a estas tecnologías hasta el final de los tiempos? Un nuevo elemento en la vida de las personas, unas tecnologías que nos acompañan a diario, que forman parte de nuestras vidas y que son necesarias, aunque a veces nos desbordan. El individuo se encuentra en mitad de esta revolución tecnológica y no puede hacer nada para escapar de ella, como la cara que aparece en segundo plano del cuadro no puede escapar del fondo caótico que le envuelve. Lo que sí podemos pensar es que esta relación del individuo y la tecnología es un nuevo añadido en la temática de Luis Gordillo. Ésta podría estar relacionada con la Psicología del Yo (materia con la que trabaja el artista en esta serie) en el sentido de que las nuevas tecnologías, hoy día, podrían ser capaces de crearse un hueco en la Tópica freudiana introduciéndose en el Yo (que, de la segunda tópica, es el que más se acerca a la realidad) y el Superyó (que también se refiere al ideal del Yo). ■

Noticias

Un vistazo a ARCOmadrid 2015 Del 25 de febrero al 1 de marzo tendremos una nueva edición de la feria de arte contemporáneo española más importante organizada por IFEMA.

sección #ArcoColombia en la que participarán galerías como Casas Riegner; Instituto de visión y Nueveochenta, así como con #SoloProjects, espacio en el que estarán presentes otras como Diablo Rosso; Luisa Strina y La próxima edición contará Proyectos Ultravioleta. con galerías como Bob Van Orsouw; Esther Schipper; In Por otro lado, la sección #Opening, Situ / Fabienne Leclerc; Nicolai abre sus puertas por primera vez Wallner y Peter Kilchmann. a nuevos espacios españoles. Así, Así como la presencia de otras L21; EtHall; García Galería y galerías europeas como Barbara The Goma entrarán en diálogo Thumm; Gb Agency; Jocelyn con galerías latinoamericanas Wolff; Raffaela Cortese y Wien como 80 m2; Document Lukatsch. El resultado de la Art Gallery; Tal Cual, y otras participación de Finlandia como americanas y europeas como país Invitado en la pasada edición Belenius/Nordenhake; Clifton ha potenciado la presencia de Benevento; Marcelle Alix y galerías nórdicas en la Feria como Sommer and Kohl. Anhava; Bo Bjerggaard; Martin Asbaek Gallery y Nils Staerk. La propuesta SOLO/DUO vuelve a ARCOmadrid tras la gran Latinoamérica contribuirá con acogida que tuvo en su edición la presencia de 46 galerías anterior. Así, de las 160 galerías de 10 países, un 30% del seleccionadas por el Comité segmento internacional, que Organizador en el Programa se ha visto reforzada con la General, 31 dedicarán su stand a El Programa General contará con la participación de 160 galerías a la que se suman 10 en #ArcoColombia, 22 en #Opening y 24 en #SoloProjects. Un total de 212 galerías de 30 países.

uno o dos artistas entre los que se encuentran Esther Ferrer; Fernando Bryce; Javier Téllez; Jimmie Durham; Leonor Antunes; Lotty Rosenfeld; Mariana Castillo Deball; Nicolás Robbio y Pavel Büchler. #ArcoColombia, con la participación de 10 galerías seleccionadas por Juan A. Gaitán –comisario independiente-, presentará 20 artistas jóvenes -2 por standAlgunos de estos artistas serán David Peña; Icaro Zorbar; Marcela Cárdenas y Ricardo León. Artistas como Anna Maria Maiolino; Armando Andrade Tudela; Jaime Davidovich o Sergio Zevallos formarán parte del programa #SoloProjects que, comisariado por Irene Hofmann, EE.UU; Lucía Sanromán, México; Miguel A. López, Perú; Kiki Mazzucchelli, Brasil, y Emiliano Valdés, Guatemala, reunirá la propuesta de 24 galerías. ■ 91 elRespirador nº 1, ENE 2015

Recomen

Después del fin del arte: el arte contemporáneo y el linde de la historia; Arthur C. Danto; Paidos Ibérica, 2010. ISBN: 9788449323492.

La educacion del des-artista; Allan Kaprow; Árdora ediciones, 2007. ISBN: 9788488020239.

Después del fin del arte es uno de los libros más significativos de filósofo y crítico de arte Arthur C. Danto, conocido por sus radicales planteamientos sobre la muerte de la pintura y su análisis del arte contemporáneo. En algunos de sus textos, Danto ya había situado el fín del arte excatamente en los años sesenta. Sin embargo, y a pesar de esta afirmación, ha continuado efectuando una crítica radical de la naturaleza del arte en nuestro tiempo. La conclusión es que ya no es posible aplicar las nociones tradicionales de la estética al arte contemporáneo, sino que hay que centrarse en una filosofía de la crítica de arte que pueda arrojar luz sobre la que quizá sea la característica más sorprendente del arte contemporáneo: que todo es posible.

Allan Kaprow (1927-2006) ha pasado a la Historia del Arte como creador de los Happenings, pero para él no fueron sino el inicio de un proceso que le llevó más allá de las fronteras de los géneros artísticos. Dado el carácter efímero y a menudo irrepetible de sus propuestas, no sería de extrañar que su obra escrita, indistinguible de la artística, y tan influyente, se convierta en su contribución más importante. La educación del des-artista es hoy un texto más vigente que nunca, un inusitado manual para creadores donde el Arte y su Historia son desactivados por una mirada crítica, una conciencia estética y una práctica artística al servicio de la vida.

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ndaciones

La dama del alba; Alejandro Casona; Castalia ediciones, 2011. ISBN: 9788497404020.

Un hombre que duerme; Georges Perec; Impedimenta, 2009. ISBN: 9788493711061.

La casa de los Gracés, en Asturias, llora la desaparición de Angélica. La leyenda asegura que bajo el río existe una aldea: acaso la muchacha se pueda encontrar en ella. Entretanto, Martín, su marido, se enamora de otra mujer. Cuando Angélica vuelve, se topa con la muerte, y la joven decide convertirse en leyenda, hundiéndo se en el río. Obra esencialmente poética en la que se funden aires de leyenda asturianos y ciertos toques de mitología telúrica, La dama del alba nos muestra que la que la felicidad y el amor se ven amenazados por la muerte. Los temores humanos más primitivos y las pulsiones de supervivencia y de autodestrucción están en juego. Vida y muerte, dos caras de una misma moneda, que no pueden existir la una sin la otra.

Esta sublime obra de Georges Perec narra la peripecia de un estudiante que el día de sus exámenes de sociología decide no levantarse de la cama, abandonar sus estudios y cortar toda relación con amigos y parientes. Encerrado en sí mismo, en su chambre de bonne donde todo es gris, el estudiante se sumerge en la indiferencia más total hacia el mundo que le rodea. Entonces se dedica a errar por París, a ir al cine, a leer los titulares de los periódicos, pero como lo haría un sonámbulo. Para el estudiante, todo forma parte de una vaga estrategia consistente en evitar los deseos materiales y la ambición, pero también la dependencia que tiene de las cosas materiales, de las que la novela está impregnada, no obstante, hasta límites insospechados. Sin duda nos encontramos ante la novela cumbre de la «literatura Oblomov».

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CONVOCATORIAS NACIONALES E INTERNACIONALES: ENERO-MAYO 2015 ENERO V Certamen Internacional de Danza ‘Ciutat de Barcelona’ El objetivo de este certamen es ayudar a futuros bailarines en su camino en el mundo de la danza, ofreciéndoles la oportunidad de conseguir becas para trabajar en las mejores escuelas del mundo. Ganar una beca permite a los ganadores ser aceptados en las mejores escuelas de danza sin necesidad de audiciones. Fecha límite: 31 de enero de 2015.

FEBRERO BP Portrait Award 2015 (Londres, Reino Unido) Dirigido a artistas de todo el mundo mayores de edad que deseen presentar un retrato. Dotado con 61.000 libras esterlinas en premios. Las obras seleccionadas se expondrán durante 3 meses en la exposición de los premios en la National Portrait Gallery. Los menores de 30 años podrán aspirar al premio BP Young Artist Award. Fecha límite: 3 de febrero de 2015. Convocatoria del Black & White 2015-12º Festival Audiovisual Internacional (Oporto, Portugal) Black & White Festival defiende la estética en blanco y negro en la creación audiovisual internacional. Se solicitan trabajos de audio, fotografía y vídeo. Fecha límite: 9 de febrero de 2015.

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Concurso de fotografía bajo el lema ‘Paz y Desarrollo’, China Las obras presentadas deben reflexionar sobre los avances en la política y la economía o hacer referencia al concepto de paz mundial. Fecha límite: 11 de febrero de 2015. Abierto el plazo de recepción de propuestas para las Residencias en Gleis70 de Zúrich, Suiza La cooperativaGleis70 proporcionará un estudio residencial que incluye un espacio de trabajo para llevar a cabo el proyecto artístico de cada seleccionado y un pago mensual de 2.000 €. También se hará cargo de los gastos de desplazamiento hasta Suiza, de ida y vuelta. Fecha límite: 20 de febrero de 2015. VIII Premio de poesía Fernando Gil Tudela 2015 Podrán presentar sus obras, escritores de cualquier nacionalidad, siempre que envíen sus trabajos, originales e inéditos, en lengua española. Las composiciones, con libertad de metro y rima, tendrán una extensión mínima de 100 versos y máxima de 200 versos. Fecha límite: 20 de febrero de 2015.

MARZO Convocatoria abierta para la solicitud de taller para estancia larga en Hangar (Barcelona) Hangar, el centro de investigación y producción en artes visuales de Barcelona, dispone de 18 talleres para artistas en residencia, los cuales se pueden alquilar para estancias largas (hasta dos años). Consultar precio de los talleres (162 euros mensuales, aproximadamente). Fecha límite: 1 de marzo de 2015.

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Convocatoria para propuestas de videoarte, cine experimental, animación y vídeo para ‘International Video Art Review THE 03’, Polonia Convocatoria para presentar propuestas de videoarte, cine experimental, animación y vídeo a artistas y estudiantes de escuelas de arte, universidades y academias. Las propuestas presentadas no deberán ser proyectos realizados antes del 1 de enero de 2012. Fecha límite: 1 de marzo de 2015. 3 Becas Roberto Villagraz de Fotografía convocadas por la Escuela de Fotografía Centro de Imagen La participación está abierta a cualquier persona mayor de 18 años con independencia de su nacionalidad e historial académico. Los ganadores tendrán que realizar el Máster Internacional de Fotografía Contemporánea y Proyectos Personales en la convocatoria de septiembre 2015, la duración será de un año escolar. Cada participante podrá presentar entre 6 a 12 fotografías que deberán tener una única unidad temática con absoluta libertad tanto en la técnica utilizada como en el tema elegido para la serie, las imágenes deberán ir acompañadas de un texto explicativo que resuma el proyecto, además de ir identificadas con el nombre del autor y numeradas. Fecha límite: 3 de marzo de 2015. 2015 Open Submission del Belfast Photo Festival (Reino Unido) El Belfast Photo Festival ofrecerá a entre 20 y 40 artistas/fotógrafos la oportunidad de mostrar su trabajao en el marco del evento. También se ofrecerá a los seleccionados la oportunidad de publicar y ganar premios en metálico. Fecha límite: 6 de marzo de 2015. La Bienal de Arte Joven de Buenos Aires abre el plazo de participación Habrá 7 concursos en 4 disciplinas diferentes: artes escénicas, artes visuales, artes audiovisuales y música. Se podrán presentar artistas jóvenes a través de sus obras terminadas y/o nuevos proyectos que quieran desarrollar. Fecha límite: 8 de marzo de 2015.

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Abierta la convocatoria para el concurso internacional de grabado 35º Mini Print Internacional de Cadaqués 2015 (Girona, España) Abierta a todos los artistas, tendencias y técnicas de estampación. Cada artista debe participar con cuatro obras. Es preferible, aunque no imprescindible, que las cuatro obras sean diferentes. Fecha límite: 15 de marzo de 2015. Residencias para artistas de todas las disciplinas en La Napoule Art Foundation (Mandelieu-La Napoule, Francia) Dirigidas a artistas mayores de edad, sin limitaciones en cuanto a disciplina artística. Idiomas: francés o inglés. Los residentes contarán con alojamiento y espacio de trabajo. Duración: cinco semanas durante otoño de 2015. Fecha límite:30 de marzo de 2015. MAYO XI Premio Iberoamericano SM de Literatura Infantil y Juvenil, México Podrán ser candidatos al XI Premio Iberoamericano SM de Literatura Infantil y Juvenil, los autores que cuenten con una valiosa obra de creación para niños y jóvenes publicada, ya sea narrativa, poesía, dramaturgia o libro álbum, cuya importancia sea considerada de trascendencia para el ámbito iberoamericano y esté escrita en español o portugués. No se aceptarán libros de texto ni libros didácticos. Fecha límite: 29 de mayo de 2015.

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elRespirador condena cualquier ataque contra la libertad de expresi贸n. En memoria del atentado de Charlie Hebdo.

Agradecimientos Mar García Ranedo Valérie Mréjen. Primera edición: enero, 2015

Alejandra Laviada. Margarita Aizpuru. Yolanda Peralta.

Dirección y Edición

Antonio Sánchez y Guillermo Ramírez Torres

Colaboradores habituales

Diseño web: Juan Abad Martínez. Poesía y literatura: María Álvarez Romero. Música: Juan Manuel Domínguez. Investigación: Laura Fernández Zapata. Convocatorias: Marta Pérez Martínez y Ana Santos Blancat. Publicidad: Alejandro Sánchez Metro. Cine y Videocreación: Nacho Vilaplana.

Yovani Boza Moreno. Santiago Navarro. Juan Bosco Díaz-Urmeneta. Marisa Vadillo Rodríguez. Fernando García García.

Créditos fotográficos ©Valérie Mréjen. ©Claire Mathon ©Anat Safran ©Alejandra Laviada. ©TEA-Tenerife. Guillermo Ramírez Torres.

Ilustraciones Antonio Sánchez. Guillermo Ramírez Torres.