Bienal Internacional de Arte ContemporĂĄneo Cartagena de Indias
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Bienal Internacional de Arte Contemporåneo International Biennal of Contemporary Art Cartagena de Indias 7 febrero – 7 abril 2014
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Fundación Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Cartagena de Indias La Fundación Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Cartagena de Indias es una entidad sin ánimo de lucro, cuyo objeto es la promoción de todos los géneros de las artes plásticas contemporáneas nacionales e internacionales en Cartagena de Indias. The International Biennial of Contemporary Art Foundation of Cartagena de Indias is a nonprofit organization whose main purpose is to promote all genres of international and national contemporary visual arts in Cartagena de Indias.
Junta Directiva
Miembros principales
Belisario Betancur Carlos Julio Ardila Gaviria Daniel Haime Gutt Yolanda Pupo de Mogollón Alfonso Salas Trujillo Nohra Haime Gutt Patricia Escallón de Ardila Suplentes
Carmen Ana Torres Espinosa Miguel Silva Pinzón Andrea Echavarría Mazuera José Vicente Mogollón Vélez Juan Carlos Acosta Rodríguez Ana María de la Ossa José Antonio Lloreda Londoño Directora Fundación
Natalia Bonilla Asistente de dirección
Valentina Gómez Asesores
Deborah Harris Helena Consuegra Ana María Guerrero Jaime Cerón
www.biaci.org Bienal Internacional de Arte Contemporáneo. Cartagena de Indias, 2014
Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Cartagena de Indias #1 Cartagena Directora artística
Berta Sichel Curadores asociados
Barbara S. Krulik Mariano Salvador Bisi Silva Paul Willemsen Asistente de curaduría Eva Rick
El ocioso imperfecto o cuando las cosas desaparecen Curadores
Miguel González Gabriela Rangel Stephanie Rosenthal
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Bienal Internacional de Arte Contemporรกneo. Cartagena de Indias, 2014
Es extensa e intensa la historia de las bienales de arte del mundo, y sirven como oportunidad de enriquecimiento cultural de los seres humanos. Se remontan a la Bienal de Venecia, fundada en 1895 y aún una de las más prestigiosas, pasando por la de París, creada en 1959 por André Malraux, hasta la más joven, que será la 1.ª Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Cartagena de Indias, del 7 de febrero al 7 de abril de 2014. La Fundación Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Cartagena de Indias es una fundación privada sin ánimo de lucro, promovida por un grupo de emprendedores que quieren atraer a creadores plásticos de numerosos países y de generaciones diferentes. La directora artística de la Bienal es la curadora independiente Berta Sichel, con experiencia internacional. La directora de la Fundación es Natalia Bonilla, egresada de la Universidad de los Andes de Bogotá y de la Sorbona de París. Apoyando a Berta Sichel están la nigeriana Bisi Silva, el belga Paul Willemsen y la americana Barbara S. Krulik. El equipo de trabajo lo completan miembros como la curadora venezolana Gabriela Rangel, basada en Nueva York; la curadora alemana de la Hayward Gallery, Stephanie Rosenthal; y el crítico y curador colombiano Miguel González, parte de un riguroso grupo de expertos de distintas nacionalidades. Más de 120 artistas nacionales e internacionales estarán en 14 lugares de la heroica ciudad amurallada, «un párpado de piedra bien cerrado», como la llamó el gran poeta colonial Hernando Domínguez. Pero ¿qué es una bienal?
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En palabras claras, una bienal es un espacio participativo y de creación colectiva, destinado a ser una floración resplandeciente, fugaz en el tiempo físico, pero permanente en el tiempo antropológico, en el sentido de que educa y da informaciones que quedan para el conocimiento o para la controversia. Honorato de Balzac advertía que el arte es como el vuelo, la huella apenas perceptible del ave que pasa. Muchos vuelos se convierten en el vuelo. Así es la obra de arte, con la avidez y fugacidad del ave que pasa o de la instalación que fenece al crepúsculo. Toda bienal es, por consiguiente, transparencia y permanencia. Toda bienal es presencia, es existencia, es estar en, es naturaleza sostenible o simplemente naturaleza contemplable, según la decisión intangible del otro protagonista distinto del creador. La bienal ejerce el quehacer metodológico de enseñar a ver y a discernir, no necesariamente para aceptar, sino al mismo tiempo para cuestionar. No es tanto cosechar como sembrar. Berta Sichel ha escrito, como preámbulo de sus responsabilidades, lo siguiente: «Uno de los objetivos de la Bienal es ofrecer herramientas pedagógicas que acerquen a los espectadores al arte contemporáneo…» ¡Hermosa ocasión para el disfrute de críticos y visitantes! ¡Y para que el sembradío reviente en floración! ¡Porque habrá más bienales! Belisario Betancur Expresidente de la República de Colombia Miembro de la Junta Directiva de la Fundación Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Cartagena de Indias
Bienal Internacional de Arte Contemporáneo. Cartagena de Indias, 2014
The history of art biennials in the world is both extensive and intense. They serve as an opportunity for personal cultural enrichment and go as far back as the Venice Biennale, founded in 1895, which continues to be a very prestigious one; to the Biennale de Paris, created by Andre Malraux in 1959; to the youngest one, the First International Biennial of Contemporary Art of Cartagena de Indias, from February 7 to April 7, 2014. The International Biennial of Contemporary Art Foundation of Cartagena de Indias is a nonprofit foundation created and promoted by a group of entrepreneurs wanting to bring together artists from different generations around the globe . The curator of the biennial is Brazilian Berta Sichel, an independent curator with vast international experience. The director of the foundation is Natalia Bonilla, a graduate of the Universidad de los Andes in Bogota and the Sorbonne in Paris. Bisi Silva from Nigeria, Paul Willemsen from Belgium, and Barbara S. Krulik from the United States have served as advisors to Berta Sichel. The team is completed by members such as the Venezuelan curator Gabriela Rangel, based in New York; the German Hayward Gallery Chief Curator Stephanie Rosenthal; and the Colombian art critic and curator Miguel González, among other international experts. Over 120 international and national artists will display their works in fourteen spaces throughout the heroic fortified city, “an eyelid of stone that is properly closed” as the great colonial poet Hernando Domínguez Camargo described the walled-city. But, what is a biennial? A biennial is a space that is participatory and created collectively, destined to bloom radiantly and fleetingly in real time but to be permanent in anthropological time
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in the sense that it educates and shares information to enhance knowledge or create controversy. Honoré de Balzac said that art is like the flight of a bird, whose trace is barely perceptible; many flights become the flight. A work of art is the same: eager and fleeting like a bird that flies by or like the installation that disappears at dusk. Therefore, all biennials are transparent and permanent. All biennials are presence, existence, the act of being; they are sustainable nature or simply nature for contemplation, depending on the intangible decision of the other protagonist, someone other than the creator. The biennial applies the methodology of teaching to see and to discern, not just to accept but also to question. It is not only about harvesting, it also involves sowing. As preface to her responsibilities Berta Sichel wrote: “One of the objectives of a biennial is to offer the educational tools that bring the spectator closer to contemporary art.” It is a beautiful occasion for critics and visitors to enjoy. The fields will bloom! Because there will be more biennials to come. Belisario Betancur Former President of the Republic of Colombia Board Member of the International Biennial of Contemporary Art Foundation of Cartagena de Indias
Bienal Internacional de Arte Contemporáneo. Cartagena de Indias, 2014
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Contenido / Content #1 Cartagena p. 19 El ocioso imperfecto o cuando las cosas desaparecen p. 261 Imperfect Idler or When Things Disappear Componente de Formaci贸n BIACI p. 331 BIACI Training Component
Bienal Internacional de Arte Contempor谩neo. Cartagena de Indias, 2014
Espacios de exposición / Exhibition Spaces Los números remiten al plano / Refer to map #1 Cartagena 1. Museo Histórico de Cartagena de Indias. Palacio de la Inquisición 2. Casa 1537
3. Museo Naval del Caribe 4. Casa Museo Arte y Cultura La Presentación 5. Capilla de la Iglesia de la Santísima Trinidad
6. Museo de las Fortificaciones 7. Casa del Reloj 8. Lote Calle Sierpe 9. Artillería 10. Casa Calle Don Sancho 11. Centro de Formación de la Cooperación Española 12. Casa Cultural Colombo Alemana 13. Alianza Colombo Francesa 14 - 22. Obras en espacio público y proyectos especiales Works on Public Space and Special Projects El ocioso imperfecto o cuando las cosas desaparecen Imperfect Idler or When Things Disappear 23. Museo de Arte Moderno de Cartagena, MAMC 24. Plazoleta Joe Arroyo 25. Casa de la Calle Soledad 26. Obras en espacio público / Works on Public Space 27. BIACI oficinas / offices 28. Biblioteca Bartomé Calvo / Library
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#1 Cartagena #1 Cartagena reflexiona en torno a la historia y los profundos vínculos de Cartagena con su pasado colonial, y las tradiciones culturales populares como la literatura, cine, música, danza y artesanías. La Bienal se centra en establecer una presencia con multiplicidad de significados, para transmitir la idea de que el pasado sigue formando parte de nuestro presente. El macroproyecto de la Bienal está estructurado a manera de hipertexto, con lo cual propone un recorrido irregular por nueve lugares, cada uno de los cuales da cuenta de una multiplicidad de historias y recuerdos. Esta estructura también propone resignificar la ciudad como monumento. El espectador decide su propio itinerario mientras vincula un lugar con otro, deteniéndose aquí y allá para observar los monumentos de la ciudad y otorgarle al circuito escogido el poder, emoción y espíritu de la ciudad. Este recorrido personal le da significado al macrotexto: la Bienal y sus exposiciones, proyectos site-specific, performances, programa de cine y conferencias. Berta Sichel
#1 Cartagena is an issue-oriented project with works spread throughout the historic district. #1 Cartagena reflects on the cultural traditions of the people, the history and the deep connections to the colonial past, as well as encompassing literature, cinema, music, dance, and crafts. The Biennial focuses on the idea of presence in its multitude of meanings, conveying how the past continues with us in the present. Structured as a hypertext, the macro project of the Biennial proposes a discontinuous journey through nine locations, each one presenting a multiplicity of narratives and memories. This structure also promotes the re-signification of the city as a monument. The viewer decides his own itinerary, making links from one space to another, stopping here and there to look at the city monuments and endowing their chosen circuit with the power, excitement, and soul of the city. This personal journey gives meaning to the macro text: the Biennial and its exhibitions, site-specific projects, performances, film program and lectures. Berta Sichel
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1. Museo Histórico de Cartagena de Indias Palacio de la Inquisición Yto Barrada, Terry Berkowitz, Richard Garet, Romuald Hazoumè, Candida Höfer, Shirazeh Houshiary, Marcellvs L., Dana Levy, Beth Moysés, Emeka Ogboh, Trevor Paglen, Libia Posada, Freya Powell, Elena del Rivero, Yinka Shonibare, Yoshihiro Suda Calle 34 No. 3-11, Plaza de Bolívar Tel: +(57-5) 664 4570 Horario: Lunes a Sábado, 9 am – 6 pm Domingos y festivos, 10 am – 4 pm Schedule: Monday through Saturday, 9 a.m.— 6 p.m. Sunday and holidays, 10 a.m.— 4 p.m.
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Yto Barrada FRA (1971). Vive y trabaja en Tánger / Lives and works in Tangier Tectonic Plate 2010. Madera policromada / Polychrome wood / 122 x 200 x 3 cm Yto Barrada es una artista multidisciplinar que realiza proyectos con un trasfondo histórico y político. Con ellos pretende mostrar aquello que queda fuera de los estereotipos turísticos y la prosperidad occidental, para desentrañar los significados históricos del mundo en el que vivimos. En sus obras conceptualiza y saca a la luz pasajes olvidados de la Historia, manifestando la resistencia a la homogenización a la que estamos subordinados en el mundo globalizado, tanto a nivel cultural como contextual. Tectonic Plate es un mapamundi de madera en bajo relieve sobre la deriva continental. En él todos los continentes se desplazan hacia África, que permanece fija, inmóvil en el centro del mapa. De ello se deduce que, en el futuro —aproximadamente dentro de 650.000 años— se podrá pasar caminando de África a Europa. Por el contrario, una acción política como el Acuerdo de Schengen de 1991, que a la vez que eliminaba las fronteras interiores entre los países de la Unión Europea, fortalecía los controles exteriores con el resto de los países, convirtió
Barrada is a multidisciplinary artist that joins history and politics through photography, video, and sculpture. She sheds light on what falls outside of tourist stereotypes and Western prosperity and attempts to unravel the historical meanings of the world in which we live. Her work brings back forgotten pieces of history, resisting the homogenization that we are subject to in a globalized world, both culturally and contextually. Tectonic Plate is a bas-relief on wood in the shape of a map of continental drift—all the continents drifting towards Africa while Africa stays still at the center. What is understood from this is that in the future, perhaps 650,000 years from now, we will be able to walk from Africa to Europe. On the contrary, the Schengen Agreement from 1991— which removed the borders separating member countries of the European Union—strengthened border controls with other countries and turned the Strait of Gibraltar into a cemetery for those who have since then tried to cross, risking their lives in the process. This closure caused by natural borders is seen by the artist
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el estrecho de Gibraltar en un cementerio para aquellos que, desde entonces, tratan de cruzarlo arriesgando sus vidas. Ese cerramiento provocado de las fronteras naturales es observado por la artista como un hecho enormemente parad贸jico, y esa paradoja se presenta a trav茅s de algo que no podemos parar, que es el movimiento natural de las placas tect贸nicas, que acerca los continentes y escapa a nuestro control.
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as an enormous irony, as a reversal that we cannot prevent: the inescapable natural movement of the tectonic plates that is drawing the continents together.
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Terry Berkowitz USA. Vive y trabaja en Nueva York / Lives and works in New York Veil of the Memory/Prologue: The Last Supper 1999-2014. Instalación, materiales diversos / Installation, various media Producido por / Produced by: BIACI En 1492, los monarcas españoles Isabel y Fernando firmaron el Edicto de Granada, que daba a los judíos cuatro meses para convertirse al cristianismo, exiliarse o morir. Aquellos que optaron por irse dispusieron de ese plazo para desprenderse de sus propiedades y llevarse solo lo que podían cargar, excepto oro, plata y joyas. Veil of the Memory/Prologue: The Last Supper es una instalación que sitúa al espectador horas antes de la partida, antes de que a las masas se las apretujara como rebaños en veleros del siglo xv, haciendo una pausa para una última cena en el umbral de lo desconocido. En el patio y en el aljibe del Museo Histórico de Cartagena Palacio de la Inquisición, la artista refleja ese momento terrible de la Historia. En el patio hay mesas puestas para una comida, con platos vacíos, cucharas y vasos a medio llenar con agua. Desde debajo de las mesas emana un sonido. Al entrar en el aljibe, los vistantes pueden experimentar la oscuridad que sufrieron esos exiliados 500 años atrás.
In 1492 the Spanish monarchs Isabella and Ferdinand signed the Edict of Expulsion, giving Jews three months to convert to Christianity, leave the country, or die. Those who chose to leave had little time to divest themselves of their belongings. They were allowed to take only what they could carry, but could not take gold, silver, or jewels. The Veil of Memory / Prologue: The Last Supper is an installation piece that places the audience just a few hours before the forced departure—before the masses were packed like cattle onto fifteenth century sailboats—when they paused for a last supper at the threshold of the unknown. Installed in the courtyard and the cistern of Cartagena’s Palacio de la Inquisición, this piece reflects that terrible moment in history. Tables on the patio are set with empty bowls, spoons and glasses filled with water. Sound emerges from below the tables. When entering the cistern, visitors experience the darkness these exiles experienced five hundred years ago.
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Terry Berkowitz trabaja en el campo de las instalaciones artísticas desde los años setenta, combinando diferente medios: elementos esculturales, audio, video y fotografía. Sus obras han abordado temas como la vida de los palestinos en los territorios ocupados por Israel, la violación de los derechos de las mujeres y las expulsiones forzosas alrededor del mundo. En la actualidad trabaja en proyectos relacionados con campos de refugiados del Sahara Occidental.
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Berkowitz has been making installations since the seventies, that combine various media: sculptural elements, audio, video, and photography. Her work deals with topics such as the daily life of Palestinians in Israeli-occupied territories, the violation of women, and forced emigrations throughout the world. She is currently working on her next project in the refugee camps in Western Sahara.
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Richard Garet URY (1972). Vive y trabaja en Nueva York / Lives and works in New York The Liberation of Meaning 2014. Instalación sonora / Sound installation Producido por / Produced by: BIACI Desde diferentes medios, Richard Garet construye espacios íntimos y situaciones de inmersión, que llaman la atención sobre el proceso perceptivo y cognitivo del ser humano. Sus obras se caracterizan por los sonidos de fondo que van aumentando su volumen y presencia a lo largo de su desarrollo. The Liberation of Meaning, una producción de la Bienal, es una instalación sonora creada a partir de la obra del poeta uruguayo Mario Benedetti. Utiliza 53 poemas grabados y declamados por el propio poeta, que el artista ha editado, recortando palabras o fragmentos para crear cientos de textos recombinados posteriormente de manera generativa. Las pistas de audio se seleccionan al azar y se reproducen algorítmicamente, desmantelando la sintaxis compositiva y la estructura poética de los poemas. Los visitantes pueden recorrer el ambiente escuchando un prolongado playback fonético de sonidos entrelazados, que enfatizan el timbre, los sonidos sutiles y los idiosincrásicos gestos únicos de la voz del
Richard Garet builds intimate spaces and immersive experiences using various media, drawing attention to the processes of perception and cognition that take place in the human mind. His work is characterized by the use of background sounds that increase their volume as the piece develops. The Liberation of Meaning is a sound installation that takes the Uruguayan poet Mario Benedetti’s poems as source material for the creation of a field of sound that changes every time it is reproduced. He takes fifty-three of Benedetti’s recorded poems and edits them, cutting out words or fragments which he then uses in hundreds of possible combinations. The audio tracks are selected at random and played according to an algorithm—a complete dismantling of the original poem’s syntax and structure. This fragmented presentation of the poems introduces chance so as to create a new structural effect every time they are played, drawing attention not only to sound and the process of hearing, but also the
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poeta y su manera de expresarse. Y también establecer sus propias interpretaciones de los poemas, a partir de su experiencia personal como oyentes. Esta presentación desfragmentada introduce un elemento de azar que origina un nuevo resultado estructural cada vez que se reproducen los poemas, atrayendo la atención no solo hacia el sonido y la escucha, sino también hacia las exploraciones de la subjetividad del lenguaje y su significado. La pieza se reproducirá indefinidamente y nunca de la misma forma.
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possibilities of language, its semantics, and subjectivity. Visitors may meander through the space as they listen to a prolonged phonetic playback of intertwined sounds that emphasize timbre and tone, subtle accents, and the idiosyncrasies of the poet’s own voice and unique expression. In addition, visitors may pose their own interpretations of the new relations between words as they mine personal meaning from the fragments according to their experience. The piece will be reproduced indefinitely without ever repeating itself.
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Romuald Hazoumè BEN (1962). Vive y trabaja en Porto Novo, Benín / Lives and works in Porto Novo, Benin Water Cargo 2012. Instalación. Técnica mixta / Mixed media installation Romuald Hazoumè es un pintor y escultor africano cuya obra pone de manifiesto su confrontación con el contexto social en el que vive, utilizando para ello materiales de desecho, de reciclaje e incluso basura. Valiéndose de estos elementos juega con los clichés y los estereotipos sobre las imágenes de África y el arte africano, pero los utiliza para presentar al espectador un balance crítico sobre los problemas sociales a los que se enfrentan su país y África, y que son rápidamente perceptibles como problemas globales. Estos son los ejes conceptuales de Water Cargo (Cargamento de agua), una motocicleta con recipientes dispuestos de tal manera que conforman una especie de alas. Este tipo de locomoción es el medio utilizado en Benín para transportar el agua. Hazoumè pretende remarcar que, después del petróleo, que contamina los océanos y que usamos indiscriminadamente, el problema del futuro será el agua, su pureza y disponibilidad. También apunta a la paradoja que sucede en Benín: «Sin petróleo, el
Romauld Hazoumè is an African painter and sculptor whose work exhibits a confrontation with his social context by means of waste and recycled materials and even trash. With these materials, Hazoumè addresses clichés about Africa and stereotypes of African art, but he does this in order to challenge the audience with a critical evaluation of the social problems that afflict his country and the African continent—problems that quickly emerge as global. One example of this is the piece the artist is presenting at the biennial. Water Cargo is a motorcycle with jerry cans made out to look like wings. The jerry cans are used to carry water in Benin. Hazoumè intends to point out that after the age of petroleum—that tar that we use indiscriminately, polluter of the seas—the next problem will be water, guaranteeing its purity and availability. He also makes reference to a Beninois paradox: “Without petroleum, water cannot be properly distributed.” The symmetry of the installation suggests robustness, but this is only an appearance,
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agua no puede distribuirse adecuadamente». La simetría de la instalación parece robusta, pero solo en apariencia, ya que un ligero cambio desequilibraría el scooter. El propósito no es solo metafórico; Hazoumè quiere conseguir también «algo muy estético». La instalación cobra una presencia majestuosa y representa la posibilidad de convertir en bellos los materiales viejos descartados por la sociedad, a la vez que transmite su cultura local.
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because the slightest alteration would destabilize the scooter. This is not only metaphorical; Hazoumè is also trying to achieve something “highly aesthetic.” The installation takes on a majestic presence and represents the possibility of turning old discarded material that has been rejected by society into something beautiful that transmits local culture.
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Candida Höfer DEU (1944). Vive y trabaja en Colonia, Alemania / Lives and works in Cologne, Germany Türken in Deutschland 1973-78. Video (80 diapositivas), color, sin sonido / Video (80 slides), color, no sound, 6’40’’ Más conocida hoy por sus fotografias de grandes dimensiones de bibliotecas y palacios, la obra de Candida Höfer se enmarca dentro de la tradición de fotógrafos alemanes herederos de la estética conceptual que Bernd y Hilla Becher impartieron en la Kunstakademie de Düsseldorf. Estos artistas adaptaron el proyecto originario de la nueva objetividad para adoptar una singular manera de enfrentarse al mundo. Las fotografías de Höfer muestran un interés casi etnogáfico por la multiplicidad de formas de representación de la cultura contemporánea, relacionándose de un modo muy particular con los escenarios donde se desarrolla la sociedad y el conocimiento: son interiores de edificios, preferentemente de uso público como museos, iglesias, teatros, salas de ópera, archivos y bibliotecas, fotografiados cuando están vacíos.
Best known for her grand scale work of libraries and palaces, Candida Höfer conducts her work within the tradition of German conceptual aesthetics and teachings that Bernd and Hilla Becher imparted at the Düsseldorf Academy of Fine Arts. These artists adapted new objectivity into a novel, unique way of facing the world. Höfer’s photographs exhibit an almost ethnographic fascination with the multiple forms of contemporary cultural representation, relating in her own particular way to the settings in which society and knowledge evolve. She waits until all activity has ceased to photograph the interior of empty buildings—preferably public or semipublic ones such as museums, churches, theaters, opera houses, archives, and libraries.
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Türken in Deutschland (Turcos en Alemania) es una obra poco conocida, originalmente una proyección de diapositivas, realizada cuando la artista asistió a la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf. Forma parte de un grupo de obras en pequeño formato que retratan escenas cotidianas de la comunidad turca, consiguiendo trazar un mapa sociológico cálido y costumbrista. Las imágenes apuntan las reflexiones visuales de la artista sobre los cambios que percibía a raíz del encuentro de culturas que se estaba produciendo entonces en Alemania.
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Türken in Deutschland (Turks in Germany) is a series of photographs taken in the seventies while the artist was studying at the Düsseldorf Academy of Fine Arts. It is part of a group of small-scale works that showcase commonplace scenes in the Turkish community, creating a rich sociological portrait of their habits. The images have been presented as slides, each a visual reflection on the changes that life in Germany has seen as a result of the arrival of other cultures to the country at that time.
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Shirazeh Houshiary IRN (1955). Vive y trabaja en Londres / Lives and works in London Dust 2011-2013. Animación digital. Video / Digital animation, 7’8’’ La luz es inmanente en Dust, una de las últimas creaciones de la artista iraní Shirazeh Houshiary. Se trata de una animación digital con estructuras multicelda, donde la imagen está compuesta de múltiples marcos de una vela encendida ante una losa de tenue travertino alineada frontalmente. Hay manchas de hollín y polvo que van y vienen, condensándose en figuras impalpables antes de disolverse de nuevo en el aire. Cada celda tiene la misma narrativa con una configuración temporal distinta. El ciclo de cambios, a lo largo de los 7 minutos del video, ocurre tan lentamente que apenas es perceptible; al final parece como si nos quedase la huella de la imagen solo cuando ya ha empezado a desvanecerse. En la memoria, en la mente, la desaparición es más potente que la aparición.
Light is intrinsic to the video titled Dust, a multicellular digital animation that is one of Iranian artist Shirazeh Houshiary’s latest works. The projected image is made up of multiple frames of a candle lit before a pale travertine tile. The screen becomes a single solid travertine wall, built from the light of the candles. Soot and dust stains come and go, congregating on intangible figures before dissolving into thin air. Each cell contains the same narrative but a different temporal configuration. The cycle of changes occurs so slowly throughout the video’s seven minutes that it is barely perceptible. It seems as though the image only reveals itself to us when it has already begun to vanish. In memory, in the mind, disappearance is stronger than appearance.
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La práctica videográfica de Houshiary guarda una gran relación con su trabajo plástico. Aunque formada como escultora, pronto se interesó por la pintura. Su obra tiene fuertes reminiscencias persas que aluden a sus orígenes e identidad, así como una influencia muy marcada del misticismo y la ideología sufí. Como Dust, sus pinturas son sutiles y delicadas, y cambian ante nuestros ojos cuando las miramos durante un largo período de tiempo. Esa idea de la marca que cambia constantemente, que es personal e individual, que se transforma al ser mirada, es toda una declaración de intenciones sobre nuestra identidad colectiva.
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Houshiary’s video practice is closely related to her work with objects. Although trained as a sculptor, she tackled paint early on. Her work is tinged with Persian flavors that speak of her origins and exhibit Sufism influences. As in her paintings, Dust is subtle and delicate; the image changes before our eyes if we gaze at them for an extended period of time. The idea of an image in constant change—that is both personal and individual—that mutates under scrutiny is a declaration of intention with regards to our collective identity.
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Marcellvs L. BRA (1980). Vive y trabaja en Berlín / Lives and works in Berlin 52°30’50.13” N 13°22’42.05” E 2007. Videoinstalación en cinco canales / Video installation in five channels La práctica videográfica de Marcellvs L. desafía los procesos perceptivos, cambia la rutina del espectador, haciendo que se sumerja en una realidad temporal diferente. Los sujetos y argumentos parecen insignificantes, pero los planos secuencia con los que trabaja —sin cortes ni montaje posterior— hacen que las piezas resulten cercanas y, a la vez, confusas y distantes. Origina un punto de encuentro entre lo que filma y quien ve lo filmado. El título de esta videoinstalación recoge las coordenadas geográficas del lugar donde se tomaron las imágenes: el Memorial del Holocausto diseñado por el arquitecto Peter Eisenman, en Berlín. A través de cinco pantallas paralelas, muestra cinco vistas de los corredores que se entrecruzan. Las cámaras apuntan en la misma dirección, desde cinco posiciones fijas distintas, capturando la simetría de los pasillos. Las imágenes son interrumpidas por personas que deambulan por los corredores, cruzan de manera aleatoria y están a distinta escala debido a las diferentes posiciones de las cámaras. La filmación
This artist’s videographic practice challenges the standard process of perception and changes the audience’s routine as they are submerged in a different temporal reality when entering the room. The subjects and arguments seem insignificant, but his long takes—without cuts or edits—make the resulting works appear close, while at the same time confusing and distant. He orchestrates a meeting point between the subject of the film and the viewer of the film. This installation’s title offers the geographical coordinates of the place where the images were captured: Peter Eisenman’s Memorial to the Murdered Jews of Europe, in Berlin. He presents five views of the crisscrossing corridors on five screens. The cameras are all pointing in the same direction, from five different fixed positions, exhibiting the symmetry of the halls. The images are interrupted by wandering people that randomly intersect the screen, appearing in different sizes on different screens due to their positioning. The filming does not follow any recognizable pattern or
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no sigue ningún ritmo o patrón reconocible. La vista se vuelve una abstracción irritante, como sugiere también el título. El dato geográfico es tan preciso como abstracto, mientras la simetría del lugar restringe los movimientos humanos a dos dimensiones: las personas cruzan el plano horizontal de la cámara o se mueven en las profundidades del espacio. La consistencia formal de la presentación está dividida en dos niveles temporales: los videos grabados durante seis meses, en diferentes intervalos, y la diferente duración de cada uno de ellos (de 8 a 40 minutos).
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rhythm, and the video becomes an irritating abstraction, much like the work’s title. The coordinates are as exact as they are abstruse, while the symmetry of the place restricts human movement to only two possible directions: the figures traverse the scene horizontally to the plane of the camera or move deeper into the space. The formal makeup is divided into two temporal levels: the videos, recorded at intervals for six months, and the varying duration of each, between eight and forty minutes.
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Dana Levy ISR (1973). Vive y trabaja en Nueva York / Lives and works in New York The Wake 2011. Video, color, sonido / Video, color, sound, 5’3’’ The Wake se grabó en las oscuras salas de colecciones del Departamento de Zoología de Invertebrados del Carnegie Museum of Natural History de Pittsburgh, un ambiente misterioso donde la luz de los tubos fluorescentes del techo se refleja en el cristal de las vitrinas decimonónicas. Es una alusión ineludible a los cuentos góticos de terror. La cámara gira a derecha e izquierda grabando las vitrinas de madera y revelando filas y filas de gavetas llenas de mariposas clavadas con alfileres y organizadas por especies, una obsesión coleccionista que se remonta al siglo XVII. La lenta panorámica de insectos que murieron hace tanto tiempo descubre de pronto un cajón donde las mariposas respiran con renovado aliento. Mueven las alas poco a poco, como si despertaran de un sueño centenario, y a continuación despegan y vuelan por el espacio. Esa fantasía enormemente teatral parece natural; la combinación de lo real y lo sobrenatural suscita infinitas asociaciones.
The Wake was recorded in the dark halls of the Department of Invertebrate Zoology at the Carnegie Museum of Natural History in Pittsburgh, a mysterious place where light from the fluorescents on the ceiling is reflected on the nineteenth century displays. It unavoidably alludes to Gothic tales of horror. The camera pivots left and right, recording the wooden cabinets and revealing rows upon rows of drawers filled with butterflies pieced with stickpins and organized by species, a collector’s obsession that goes back to the seventeenth century. The slow panoramic of long dead insects soon discovers a drawer where the butterflies are breathing with renewed vigor. They bat their wings little by little, as if awaking from a centuries-old sleep, and proceed to take flight and fly down the hall. The enormously theatrical fantasy gives us the impression of it being normal; the combination of the real and the supernatural elicits infinite associations.
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Levy intenta deconstruir el modo en que los medios de comunicación simplifican y descontextualizan el deseo de libertad, principalmente a través de imágenes de guerra, inmigración y desplazamiento, temas que también están cargados de preguntas sobre la vida y la muerte, la historia y la memoria. Al tratar tales temas con gran delicadeza, Levy los enseña de forma poco convencional: en el mundo de la cultura visual actual, hay diversos modos de narrar y revelar acontecimientos que van más allá de los medios de comunicación.
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Levy attempts to deconstruct the manner in which communication media simplifies and decontextualizes the desire for freedom, specifically through the use of images of war, immigration, and displacement, topics charged with questions about life and death, history and memory. In approaching her subjects with delicacy, Levy eulogizes them unconditionally, demonstrating that in today’s visual culture there are ways of narrating and communicating happenings that go beyond the press media.
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Beth Moysés BRA (1960). Vive y trabaja en São Paulo / Lives and works in São Paulo Reconstruyendo sueños 2005. Fotografía (6), impresión digital / Photography (6), digital prints / 60 x 44 cm c/u / each. A través de diversos medios como la fotografía, el video, los dibujos y la instalación, Beth Moysés crea sus obras en torno a la violencia hacia la mujer. Se aproxima a esta idea a través de los ideales del amor romántico, impuesto en el inconsciente colectivo desde hace siglos, y que suponen una de las principales causas de las agresiones físicas y psicológicas hacia la mujer. Utiliza un corpus de símbolos ligados a lo femenino: el dedal y la aguja, el rojo y el blanco, símbolos poéticos y enormemente poderosos, utilizados a lo largo de la Historia para presentar una iconografía femenina delicada, intimista y refinada, pero que acarrea consigo una historia de violencia y tragedia. Reconstruyendo sueños es una serie de fotografías a partir del registro de la performance con el título homónimo que presentó en Uruguay en el año 2005. Entonces, 100 mujeres vestidas de novia caminaron por las calles de Montevideo, portando guantes blancos transparentes como símbolo de la propia piel, en los que bordaron las
Through the diverse media of photography, video, drawing, and installation, Beth Moysés builds her work around the subject matter of violence against women. She approaches this idea through notions of romantic love, imposed on the collective unconscious centuries ago, notions that are one of the main causes of physical and psychological assaults on women. She deals with a corpus of symbols related to the feminine, such as thimbles and needles, or red and white, poetic symbols that are tremendously powerful and that have been used throughout history to present a delicate, private, and refined feminine iconography that carries with it a history of violence and tragedy. Reconstruyendo sueños (Rebuilding Dreams) is a series of photographs from a performance by the same name presented in Uruguay, in 2005. It involved one hundred women dressed in wedding gowns walking through the streets of Montevideo, wearing white, transparent gloves as a symbol of their own skin in which they embroidered their
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líneas de la mano. Mientras bordaban tenían que recordar los daños sufridos a lo largo de su vida, en cada puntada debían concentrarse para liberar el sufrimiento. En sus obras Moysés utiliza imágenes, como mujeres maltratadas, vestidos de novia, trabajos femeninos o los lazos madre-hija. Son símbolos e imágenes recurrentes como método de exorcismo, catarsis y purificación de la mujer.
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palms’ creases. They were told to remember the abuse they had suffered throughout their lives with each stitch they made, in order to release the pain. Moysés has recurring images in her work, such as images of battered women, wedding dresses, women working, and mother-daughter bonds. These symbols and images are used as a method of exorcism, a cathartic ritual for the purification of women.
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Emeka Ogboh NGA (1977). Vive y trabaja en Enugu, Nigeria / Lives and works in Enugu, Nigeria Trancemission 2014. Instalación sonora / Sound installation Producido por / Produced by: BIACI El interés artístico del artista nigeriano Emeka Ogboh se centra en las nociones amplias de los conceptos de escuchar y oír. Trabaja fundamentalmente en obras de video y sonido, y en este caso, abordando grabaciones de campo para explorar la historia y las infraestructuras aurales y auditivas de las ciudades, como espacios cosmopolitas de carácter único, y en especial de la ciudad de Lagos, de la que mantiene un proyecto de paisajes sonoros constantemente actualizado. Trancemission es una instalación sonora que indaga en la memoria, el espacio y el tiempo a través de la existencia itinerante del propio artista. La obra parte del sonido de dos ciudades portuarias: Lagos y Yokohama, a través de extractos de grabaciones que reflejan la experiencia aural del artista en esos lugares, instaladas como una composición electroacústica en el pozo de agua del Patio de la Huerta del Museo Histórico de Cartagena, otra ciudad portuaria. De esta manera, el agua del pozo se convierte en depósito de experiencias
Emeka Ogboh has an artistic interest in amplifying the concepts of listening and hearing. His work is predominantly video and sound. In this case, he brings together field recordings to explore history and the aural infrastructures of cities as cosmopolitan sites with unique identities. This is especially true for Lagos, whose sound landscape is constantly being updated. Trancemission is an audio installation that explores memory, space, and time through the artist’s own travels. The piece captures the sounds of two port cities, Lagos and Yokohama, through extracts of recordings that reflect the aural experience of the artists in these places. Trancemission is installed on a well as an electroacoustic composition in the Palacio de la Inquisición Patio de la Huerta, in another port city. The water in the well becomes a repository of life experiences, creating an opportunity for the audience to project themselves into their environment as they experience the sounds.
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de vida, creando una oportunidad para los oyentes de reflejarse en el medioambiente que los rodea, a la vez que experimentan el sonido instalado. La obra forma parte también de un proceso activo de liberación y recreación del pasado del artista en el presente, en el que el sonido se convierte en parte de un almacén de memoria sobre el tránsito de espacios y lugares.
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The piece is part of an active process of liberation, recreating the artist’s past in the present; the sound becomes part of an itinerant memory bank about change in different places.
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Trevor Paglen USA (1974). Vive y trabaja en Nueva York / Lives and works in New York Contrails (R-4808N Restricted Airspace, Nevada) (imagen / image) 2012. C-print. 121,9 x 152,4 cm
Sin título (Reaper Drone) 2013. C-print. 121,9 x 152,4 cm Sin título (Reaper Drone) 2013. C-print. 121,9 x 152,4 cm
La obra de Trevor Paglen —científico social y artista provocador— difumina deliberadamente la distinción entre ciencia, arte contemporáneo, periodismo y otras disciplinas para crear formas poco usuales, pero meticulosamente investigadas, de ver e interpretar el mundo. Durante los últimos ocho años Paglen ha estado indagando las actividades secretas de las agencias militares y de inteligencia estadounidenses —«el mundo oscuro»—, publicando, hablando y realizando impresionantes fotografías. Las tres fotografías que se exhiben en la Bienal rastrean el vuelo casi invisible de los drones militares, aviones de combate controlados a distancia utilizados por primera vez de manera sistemática en la Guerra de Afganistán por el ejército de Estados Unidos. La polémica envuelve a estas nuevas armas de guerra que vigilan y bombardean de manera precisa, fría y aséptica, y cuyas acciones han causado terribles matanzas de civiles.
Trevor Paglen is a scientific, social writer and artistic provocateur. His works deliberately blur the boundaries between science, contemporary art, journalism, and other disciplines to create new and unusual forms, product of meticulous research— a lens for seeing and interpreting the world around us. He has been investigating North America’s secret military and intelligence activities over the last eight years—the “dark world”—and has published his findings and remarkable photographs. As an artist he is intrigued by the idea of photography as a vehicle of truth, but his images do not adjust well to the traditional notion of documentary material. For example, in the photo series Limit Telephotography he uses long-distance optics to photograph top-secret military installations. In The Other Night Sky he uses amateur satellite observation data to seek and photograph Earth orbiters. He has previously transformed
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Como artista, está interesado en la idea de la fotografía como una representación de lo real, pero sus imágenes no llegan del todo a ajustarse a la idea tradicional de ser simple material documental. En la serie Limit Telephotography, por ejemplo, utiliza sistemas ópticos de larga distancia para fotografiar instalaciones militares altamente secretas. En The Other Night Sky usa datos de observadores amateurs de satélites para buscar y fotografiar naves que orbitan la Tierra. En otros trabajos transforma documentos como pasaportes, datos de vuelo y nombres en clave de operativos de la CIA en auténticos objetos de exposición. BIACI
passports, flight information, and CIA operation codenames into authentic exhibition pieces. The three photographs exhibited at the biennial are part of a project dedicated to tracking the almost invisible flights of the remotecontrolled military drones, combat aircrafts that were first used systematically by the American army in the Afghanistan war. Controversy surrounds these new instruments of war that expertly watch and bombard with surgical precision—the agents of terrible civilian massacres.
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Libia Posada COL (1959). Vive y trabaja en Medellín / Lives and works in Medellin Signos cardinales 2008. Fotografías (12), b/n, impresión digital. Dibujo: impresión digital sobre poliestireno. Dimensión variable / Photographs (12), b/w, digital print. Drawing: digital print on polystyrene. Variable dimensions La formación médica de Libia Posada se refleja en sus proyectos artísticos, que tienen como punto de intersección el cuerpo, sus diferentes representaciones y el impacto que tienen en él las influencias culturales. El cuerpo es punto de partida para analizar, definir y relatar los fenómenos y circunstancias sociales hostiles que concurren sobre él. Desde una perspectiva feminista, en sus obras, que abarcan desde instalaciones a acciones colectivas e intervenciones en el espacio público, están siempre presentes la ambigüedad, la ironía, la belleza y los estragos de nuestra cultura. Signos cardinales es una instalación fotográfica de gran fuerza visual. Doce fotografías dibujan el mapa del recorrido de algunas de las víctimas del desplazamiento en Colombia. Cada itinerario está pintado con tinta en sus piernas y pies. Estas cartografías de las zonas recorridas son retratadas en blanco y negro por la artista. La demarcación del recorrido hace visible la topografía del dolor que acompaña a
Libia Posada’s medical training is evidenced in her artistic projects whose shared theme is the body— its various representations and cultural influence. The body is the starting point to analyze, define, and speak of hostile social phenomena that take place. Ambiguity, irony, beauty, and the pillage of culture are permanently present in her body of work which stretches from installation to collective action and interventions in public space, all approached from a feminist perspective. Signos cardinales (Cardinal Signs) is a powerful installation. Twelve photographs draw the map of the itineration of internally displaced Colombians. Each itinerary is drawn with ink on their legs and feet. The collection presents us with the topography of the pain that belongs to each of the victims forced to abandon their homes due to political and economic conflicts that have little to do with them. These drawings on skin act as a memory activator and a means for reclaiming the identity
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cada una de las víctimas, obligadas a abandonar su territorio por conflictos políticos y económicos que les son ajenos. Estos dibujos sobre la piel actúan también como agente activador de la memoria y como una manera de retomar la identidad que les fue arrebatada al tener que marcharse de su lugar de origen, a la vez que les hace tomar conciencia de su propio cuerpo como territorio personal más preciado.
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that was taken from them as a result of their involuntary departure from their land, reminding them also that their body is their most valuable property.
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Freya Powell GBR (1983). Vive y trabaja en Nueva York / Lives and works in New York Esta noche cuando cierre los ojos. Tonight When I Close My Eyes 2013. Video, 7’33’’ Freya Powell trabaja con la noción de distancia —tanto en lo político como en lo personal—, con experiencias como la pérdida y con la conexión de determinados momentos históricos del pasado con la actualidad. Su campo de acción abarca diferentes medios como el dibujo, la literatura, la fotografía y el video. Pero todos ellos comparten la idea de archivo debido a que sus obras funcionan como colección; en sus propias palabras, un archivo sentimental que se procesa desde lo institucional a lo personal. Sus proyectos, de estética minimalista y abstracta, superan lo meramente documental para convertirse en un proceso de percepción pausada y conectar con las experiencias colectivas de sujetos concretos, evitando así los efectos nocivos de la distancia.
Freya Powell exercises the notion of personal and political distance via experiences of loss and through finding connections between a given historical moment and the present. Her field of action includes media as diverse as drawing, literature, photography, and video. In all of them she deals with the concept of the archive, since all of her works are collections—an emotional archive, to paraphrase her, that processes both the institutional and the personal. Her minimalist, abstract compositions go beyond documenting to become a process of paused perception, of connective, collective experiences with concrete subjects which escape the limitations of distance.
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Desde una perspectiva de archivo, Esta noche cuando cierre los ojos. Tonight When I Close My Eyes incide en el concepto de rescatar la memoria. Recoge fragmentos de las últimas palabras de varios condenados a muerte en Texas, minutos antes de su ejecución. Sobre un fondo negro, estos fragmentos escritos en letras blancas y acompañados de las fechas de las ejecuciones aparecen y desaparecen en completo silencio. Fiel a su propia estética, todo es pausado, simple y calmado. A través de varias experiencias individuales de un mismo colectivo, su intención es detenerse ante una situación real para darle voz, fecha y palabra.
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Conceived as an archive, Esta noche cuando cierre los ojos. Tonight When I Close My Eyes is an attempt to rescue memory. This video brings together the last words spoken by death row inmates in Texas, minutes before their execution. Against a black backdrop, these fragments in white lettering appear and disappear in total silence, accompanied by the date of execution. The piece is faithful to its simple, calm aesthetic. Through the individual experiences of the collective, the artist seeks to take on a real situation that is relevant despite taking place far away, lending it a voice and a date.
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Elena del Rivero ESP (1952). Vive y trabaja en Nueva York / Lives and works in New York …Y tan alta vida espero… (After Santa Teresa de Jesús) 2014. Instalación. Perlas, agujas, hilos y alfileres. Medidas variables / Installation. Pearls, needles, thread, pins. Variable dimensions Producido por / Produced by: BIACI Nu descendant un escalier and returning, as well 2002/2013. Video, color, sonido / Video, color, sound, 39’ Las obras de Elena del Rivero abarcan diversos medios (dibujo, pintura, fotografía, performance y video), aunque su seña de identidad es el uso del hilo y la aguja, como alternativa a las herramientas tradicionales del dibujo. Las meditaciones sobre el tiempo, la intimidad y lo femenino son algunos de sus temas más abordados, siempre desde una pregunta inquisitiva más que desde una aseveración. Para #1 Cartagena, la artista ha realizado la obra …Y tan alta vida espero… (After Santa Teresa de Jesús), en la que utiliza las ventanas enrejadas ubicadas en los patios del Palacio de la Inquisición para recrear las rejas de los conventos de las ciudades del sur de España, como Sevilla, y también las rejas de las viviendas desde detrás de las cuales las mujeres del siglo xvi podían conversar con los transeúntes y ser cortejadas por sus amantes sin incurrir en delito. A través de las rejas del museo se podrá observar
Elena del Rivero’s work is spread across various media—drawing, painting, photography, performance, and video. Her signature is the use of alternatives to traditional drawing tools, such as needle and thread, as well as the written word. Her meditations on time, intimacy, and femininity are frequent in her work, although always built more around a question than an assertion. …Y tan alta vida espero… (after Santa Teresa de Jesús) is a piece especially made for #1 Cartagena in which the artist uses the grilled windows of Cartagena’s Palacio de la Inquisición to recreate the railings of the convents in southern Spain, such as those in Seville, as well as the window bars of homes from behind which sixteenth century women could chat with passersby and be courted by their lovers without stepping over the line. Across the museum’s railings we can observe an arrangement of needles, pins, and pearls. The brutality of the inquisition
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una profusión de agujas, alfileres y perlas. Así, la brutalidad de las prácticas inquisitoriales, fruto del deseo de controlar, vencer y dominar, contrastan con la cotidianidad del acto de bordar. También se exhibe su video Nu descendant un escalier and returning, as well, grabado al abandonar su casa-estudio gravemente dañada por los ataques del 11-S. La artista oculta su rostro detrás de una máscara anticontaminación, representando el desnudo global, sin hogar, un grito de soledad. BIACI
machinery exhibited in the museum, product of the desire to control and dominate, is contrasted with the domestic project of embroidery. Also exhibited is her video Nu descendant un escalier and returning, as well, recorded during her exodus from her studio-home, severely damaged by the 9/11 attacks. Here the nude hides her face behind a mask, representing a global nude, homeless and alone.
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Yinka Shonibare GBR (1962). Vive y trabaja en Londres / Lives and works in London La Méduse 2008. C-print montada en aluminio / C-print mounted on aluminum 182,8 x 238,7 cm Utilizando como marca identificativa telas de colores y patrones variados, Yinka Shonibare alude en sus obras a los problemas del poscolonialismo (especialmente en las relaciones entre África y Europa) y a los conceptos de raza y de clase en nuestros días. De familia nigeriana, comenzó a utilizar las llamadas telas africanas en los años noventa. En realidad, son telas de algodón holandesas estampadas a la cera y compradas en Londres. No es extraño que utilice este llamativo elemento, al ver en él una metáfora de la gran falacia cultural actual, que paradójicamente construye una identidad colectiva. En sus composiciones toma como punto de partida esa idea de construcción artificial, de híbridos culturales que constituyen lo que luego se considera auténtico. Utiliza telas para componer vestidos de corte victoriano que cubren figuras de alienígenas, o para estirarlas y pegarlas en lienzos. Otras veces reinterpreta obras famosas del arte o la literatura, que invierte conceptualmente introduciendo símbolos de la cultura africana.
Using a variety of colors and textures as a hallmark, Yinka Shonibare touches on the problems of colonialism (in particular the tangled relationship between Africa and Europe) and the concepts of class and race in the contemporary context. Born to a Nigerian family, Shonibare began to use the so-called “African” fabrics in the nineties. In fact, the cloth is actually Dutch wax-printed cotton bought in London. He uses this colorful material as a metaphor of the great fallacy of the contemporary world that paradoxically attempts to build a collective identity. He uses the idea of artificial construction and cultural hybrids that come to be considered authentic. Fabrics are used to create Victorian dresses which clothe aliens or are stretched and glued to a canvas. For other pieces he reinterprets famous works of art or literature, inverting them conceptually into symbols of African culture.
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Uno de estos ejemplos es La Méduse, recreación del célebre cuadro de Géricault La balsa de la Medusa, que le sirve como símbolo de los crímenes de los oligarcas europeos. La tragedia ocurrió a principios del siglo xix, cuando una fragata francesa que se dirigía a Senegal para recuperar el control de la región, que les había sido arrebatado por los británicos, naufragó en una tormenta, y la mayoría de sus ocupantes murieron. El gobierno francés no hizo nada por salvar sus vidas. Aquí Shonibare intenta llamar la atención sobre la parte más corrupta y la pura lucha por el poder colonial que hubo detrás de la tragedia.
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An example of this is La Méduse, a recreation of Géricault’s celebrated painting The Raft of the Medusa, which becomes a symbol of the crimes committed by the European oligarchy. The tragedy occurred at the beginning of the nineteenth century when a French frigate, on its way to Senegal to recover control of the region that had been taken by the British, was shipwrecked in a storm, resulting in the death of most of its crew. The French government did nothing to save their lives. With this piece, Shonibare calls our attention to the most corrupt side within the struggle for colonial power that underlies this calamity.
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Yoshihiro Suda JPN (1969). Vive y trabaja en Tokio / Lives and works in Tokyo Flores y plantas 2013. Pintura sobre madera. Número y dimensiones variables / Carved and painted wood. Variable dimensions Las características del espacio donde expone sus obras es fundamental para la creatividad del artista japonés Yoshihiro Suda. Sus esculturas hiperrealistas meticulosamente talladas en madera son intervenciones, adiciones sutiles a un espacio o ambiente, hasta el punto de que la escultura es solo la mitad de la obra de arte; la otra es la propia instalación. El elemento sorpresa es fundamental para el trabajo del artista. Al mismo tiempo, los visitantes de sus exposiciones tienen inicialmente la duda de si habrán pasado algo por alto cuando ven sus delicadas esculturas. El realismo sorprendente de cada una de ellas exige una inspección más cercana, a pesar de que el espectador es consciente de que en el entorno del espacio expositivo es poco probable que haya plantas de verdad que broten de las paredes. Esa fusión de los límites entre la realidad y la ilusión crea una sensación surrealista que incluso llega a convertirse en siniestra.
The nature of the environment where his works are exhibited is vital to Yoshihiro Suda’s creativity. The hyperrealist sculptures meticulously carved in wood are interventions, subtle additions to a space or setting, to the point that the sculpture is only half of the work of art—the other half is the installation itself. In this sense, the element of surprise is fundamental to this Japanese artist’s work. Visitors will initially wonder if they have missed something when they see his delicate sculptures. The surprising realism of each demands closer inspection, despite the fact that the viewer may be aware that it is unlikely for plants to have sprung from the gallery’s walls. This toying with the boundaries between the real and the illusory creates a surrealistic feeling that can even border on sinister.
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Suda desarrolló su interés por la talla de plantas cuando era estudiante en la Universidad Tama de Bellas Artes, en Tokio, a principios de la década de los noventa, un momento en que el arte contemporáneo era sobre todo conceptual, y la noción de que el arte podía ser decorativo o estético era en gran medida ignorada. Preocupado por esa percepción del arte, quiso crear obras que fuesen únicas y que, sin embargo, no requiriesen ningún conocimiento de la teoría del arte contemporáneo. Las técnicas escultóricas autodidactas del artista combinan prácticas tradicionales del tallado japonés con conceptos modernos sobre el papel del arte en la vida cotidiana.
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Suda developed his interest in carving plants as a student at the Tama Art University in Tokyo, in the early nineties. Conceptual art was at its peak, and the idea that art could be decorative or aesthetic was largely ignored. Concerned about this state of affairs, he sought to create unique works that, surprisingly, would demand no knowledge of contemporary art theory. He combines traditional Japanese carving with modern concepts about the role of art in everyday life.
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2. Casa 1537 Eduardo Abaroa, Radcliffe Bailey, Lothar Baumgarten, Asta Gröting, Federico Guzmán, Diango Hernández, Lucía Madriz, Julie Mehretu, Carlos Motta, Lorraine O’Grady, Lotty Rosenfeld, Ruby Rumié & Justine Graham, Eduardo Sarabia, Friedemann von Stockhausen, Mickalene Thomas, Ming Wong Carrera 6 No. 34-55 Calle del Coliseo esquina Calle del Colegio Horario: Lunes a Sábado, 9 am – 7 pm Domingos y festivos, 10 am – 4 pm Schedule: Monday through Saturday, 9 a.m.— 7 p.m. Sundays and holidays, 10 a.m.— 4 p.m.
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Eduardo Abaroa MEX (1968). Vive y trabaja en México DF / Lives and works in Mexico City Proyecto de destrucción total del Museo de Antropología 2012. Instalación / Installation. Maqueta: / Model: 15 x 132 x 88 cm; Serigrafías / Serigraphs: (8) 69,7 x 106,8 x 4,5 cm c/u / each; Escombros / Rubble: 100 x 700 x 500 cm; Monolito de Coatlinchan / Coatlinchan monolith. 2012. video, 10’ Eduardo Abaroa realiza esculturas, instalaciones y acciones con las que se aproxima a problemas sociales, culturales y antropológicos desde una perspectiva crítica, proponiendo nuevas formas de mirar y planteando nuevos debates. En los últimos años se ha centrado en proyectos relacionados con la arqueología y la antropología, especialmente con la cultura prehispánica en México. En Proyecto de destrucción total del Museo de Antropología reflexiona sobre la fascinación etnográfica por las culturas indígenas de México, que son entendidas como un proceso cultural del pasado, ignorando el presente real en el que siguen existiendo. Señala esa hipocresía enlazándola con los clichés que existen en torno a estas culturas nativas, a las que se confiere un aire romántico de colonialismo europeo directamente heredado y que —en su opinión— no se corresponde en absoluto con la realidad tanto del pasado como del presente. Casa 1537
Abaroa produces sculptures and installations through which he addresses social, cultural, and anthropological problems from a critical perspective, suggesting new views and new debates. In recent years Abaroa has concentrated on projects that involve archeology and anthropology—especially pre-Hispanic culture in Mexico. His biennial piece, Proyecto de destrucción total del Museo de Antropología (Project design for the demolition of the Museum of Anthropology) is a meditation on the ethnographic fascination with Mexican indigenous peoples, frequently taken for cultural processes from the past, a perspective that ignores their presence in the present. He highlights this hypocrisy by tying it to the clichés that exist around these native cultures, invested with a romantic air of European colonialism that is directly inherited and that, in his opinion, does not correspond in the least with the reality of the past or the present. 56
La instalación en la Bienal de Cartagena incluye un conjunto de serigrafías, una maqueta, unos escombros en donde se esparcen una serie de figuras prehispánicas rotas, y un video. A pesar de ser un producto de ficción, pretende marcar un argumento ideológico cuya fuerza llame la atención, que se contraponga al tono moderado y pasivo que habitualmente tienen las exhibiciones en los museos antropológicos. Cuestiona, también, los intentos de unir arquitectura oficial e ideología nacional con un fin que no es fiel a esa supuesta identidad nacional, sino a la demanda de un producto turístico.
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At #1 Cartagena the piece includes a series of serigraphs, a model, a video, and rubble containing broken pre-Hispanic figures. Despite being a work of fiction, it intends to outline an ideological argument that will draw attention. This tone stands in contrast to the modest, passive one usually adopted at exhibitions in anthropological museums. In addition, it questions the efforts being made to unite official architecture and national ideology in a project that is not faithful to the so-called national identity but rather meets the demands of a touristic product.
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Radcliffe Bailey USA (1968). Vive y trabaja en Atlanta / Lives and works in Atlanta Windward Coast - West Coast Slave Trade 2009-2011. Instalación, 8 m2. Teclas de piano, busto de yeso y purpurina / Installation, 8 m2. Piano keys, plaster cast bust, and metallic paint Descendiente de esclavos y soldados del Norte (en la Guerra Civil estadounidense), Radcliffe Bailey utiliza como seña de identidad artística la incorporación de temas y objetos relacionados con su vida e historia familiar. Recupera así la memoria individual y la colectiva, la suma de las cuales define nuestra identidad. Bailey trabaja con diversos medios —pintura, escultura, dibujo e instalación— para introducir en ellos, a modo de collage, objetos y materiales como agua de mar, arcilla roja de Georgia y antiguas fotografías de su familia, por citar unos ejemplos. Considera al individuo como un ser conformado por distintas historias que, en su caso, se reflejan en sus obras. También en ellas plantea el concepto de otredad, casi siempre impuesto, y de las etiquetas o categorizaciones sociales, aplicadas tanto al individuo como al arte y la cultura. Las teclas de piano de Windward Coast – West Coast Slave Trade representan un océano del que surge un busto negro, sugiriendo el viaje realizado por los esclavos africanos hacia América, convertido en
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With Southern slaves and Union soldiers for ancestors (in the American Civil War), Bailey references identity by incorporating themes and objects from his family history. In this manner, he recovers both individual and collective memory, the sum of which defines our identities. He uses a variety of media— paint, sculpture, drawing, and installation—objects and materials from his personal and historical past, blending them collage-style: sea water, red clay from Georgia, and old family photographs. Bailey conceives the individual as a makeup of stories, stories that he communicates in his work, posing the concepts of otherness, almost universally imposed, and social categorization, applied to the individual as well as to art and culture. Windwar Coast—West Coast Slave Trade is an ocean of piano keys from which a black head emerges, suggesting the ocean crossed by African slaves on their journey to America. He juxtaposes the idea of separation that an ocean implies with that of communication that
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un símbolo de la diáspora africana. La pieza contrapone la idea de separación que implica un océano con la de comunicación que implica la música, e introduce temas como la raza, la lucha por la supervivencia y el sacrificio. En contadas ocasiones expone fuera de Estados Unidos, por lo que su participación en la Bienal de Cartagena supone una gran oportunidad de ver su obra en un contexto más internacional.
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music suggests, incorporating issues of race, the struggle for survival, and sacrifice. Having rarely exhibited outside of the United States, Bailey’s participation in #1 Cartagena represents a great opportunity to see his work in an international context.
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Lothar Baumgarten DEU (1944). Vive y trabaja en Nueva York y Berlín / Lives and works in New York and Berlin Aliento 2014. Instalación. Textos y diapositivas / Installation. Texts and slides Producido por / Produced by: BIACI Este ensayo fotográfico presenta un discurso dialéctico compuesto por imágenes en blanco y negro y en color de esculturas efímeras realizadas en exteriores desde finales de los años sesenta por este artista alemán, y de la práctica etnográfica llevada a cabo a finales del siglo XIX por Theodor Koch-Grünberg y Guido Boggiani en la Amazonía. Su investigación fotográfica y lingüística se yuxtapone con la espontaneidad de intervenciones improvisadas que denomina «realidad manipulada de momentos materializados», en una época en que Baumgarten estaba interesado en la psiquis de las cosas y los materiales. Por su inmediatez, esas esculturas efímeras constituyen un discurso sobre lo transitorio; su esencia consiste en una manifestación reducida y una existencia limitada por el tiempo. Su poder enigmático y su lenguaje imaginario radican en la insolubilidad de la forma y el contenido. Incluso después de su completa desaparición, las imágenes crean un espacio
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This photographic essay presents a dialectic discourse between the color and black and white images of ephemeral sculptures— mostly taken outdoors in the late sixties by the German artist Lothar Baumgarten— and the ethnographical practice of Theodor Koch-Grünberg and Guido Boggiani at the turn of the nineteenth century in the Amazon. Their photographic and linguistic research is juxtaposed with spontaneous and improvised interventions which Baumgarten called “manipulated reality or materialized moments.” At the time, the artist was interested in the psyche of things and materials. Through their immediacy, these ephemeral sculptures establish a discourse on the transitory; their essence lies in a reduced manifestation and an existence limited by time. Their enigmatic power and imaginary language lie in their insolubility of form and content. Even after their complete disappearance they create a mental space. These early ephemeral activities become a source for photography. They are works of the senses and the mind.
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mental. Esas actividades efímeras tempranas se convierten asimismo en un objeto de representación. Aliento también reflexiona sobre la contradicción entre cultura y naturaleza, y refleja en su ambivalencia nuestra representación y visión cultural del mundo natural. Las culturas arcaicas son categóricas, y en su relación con la naturaleza ejercen sobre todo un efecto disuasorio sobre el comportamiento. En nuestro mundo moderno desmitificado, la relación con la naturaleza está en cambio estructurada por la acción intencional. Para el artista, solo se puede lograr el respeto y la protección de la naturaleza a través de una cultura sensorial, no mediante imperativos morales.
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Aliento (Breath) reflects on the contradictions between culture and nature, reflecting the ambivalence of our representation and cultural view of nature. Archaic cultures are categorical, and their relationship to nature is one that mostly moderates behavior. In our demystified world, our relationship to nature is structured by intentional action. We can only respect and protect nature through a sensorial culture, not through moral imperatives.
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Asta Gröting DEU (1961). Vive y trabaja en Berlín / Lives and works in Berlin Kartoffeln 2012. 100 piezas, níquel y plata / 100 pieces, nickel and silver 20 x 56 x 52 cm; 4 x 6 x 7,6 cm c/u / each. Artistas como Joseph Beuys, Norbert Kricke, Bruce Nauman y Klaus Rinde inspiraron las primeras esculturas de la artista alemana Asta Gröting. A principios de los años noventa incorpora en sus proyectos el video y las performances. Estas nuevas herramientas le permitieron alejarse del manejo de los materiales y su almacenamiento, acercándola a su intención de «decir más con menos material». Sin embargo, en un nuevo giro artístico, volvió a la práctica de la escultura. Kartoffeln (Papas) son cien papas claramente representadas, pero con la contradicción de estar realizadas en materiales nobles como son el níquel y la plata. Esta escultura alude a cuestiones básicas de la existencia humana: la familiaridad social, el cuerpo, la alimentación. La materialidad de las papas dramatiza el concepto ordinario de «fruto de la tierra». Sin embargo, muestra su ambivalencia: es la belleza de lo común.
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Artists such as Joseph Beuys, Norbert Kricke, Bruce Nauman, and Klaus Rinde inspired the German artist Asta Gröting’s first sculptures. In the early nineties, Gröting incorporated video and performance into her projects. These new tools enabled her to distance herself from materials—and their management and storing—bringing her closer to her desire to “say more with less material.” Nevertheless, in an artistic turnabout, she returned to sculptural practice. Kartoffeln (Potatoes) is made up of one hundred clearly identifiable potatoes, only that they are contradictively forged from noble materials: nickel and silver. This sculpture references the basic questions of human existence such as social familiarity, the body, and feeding. The materiality of the potatoes dramatizes the concept of “fruit of the land.” It also indicates the ambivalence of beauty in a common thing.
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En el contexto da Bienal, la obra representa este alimento originario del Nuevo Mundo que sigue alimentando a Occidente. Gröting permanece en la tradición artística desarrollada durante el siglo XX, en la que cualquier objeto cotidiano puede llegar a ser arte. Se siente libre con el objeto de partida, que mantiene identificable, pero elige distintos materiales para su representación (perlas, imanes, bronce, vidrio, cables o motores), cambia tamaños o les da un giro, convirtiendo lo invisible en visible. Finaliza la obra con títulos contundentes, con claridad semántica, dándole un aspecto de sencillez a algo complejo.
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Gröting is firmly planted in the artistic tradition of the twentieth century in which any everyday item can achieve the status of art. Her sphere of action expands through the use and modification of the objects in our lives. She takes the object as a starting point. The object remains recognizable but takes on other materials in its representation (pearls, magnets, bronze, glass, cable, and motors), changes its size, or takes a turn, making the invisible visible. She seals her works with blunt titles lending simplicity to what is otherwise complex.
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Federico Guzmán ESP (1964). Vive y trabaja en Sevilla / Lives and works in Sevilla Alianza del Tomaco 2014. Instalación multimedia / Multimedia installation Artista visual, analítico, poético e imaginativo, con una obra diversa que escapa a clasificaciones evidentes, Federico Guzmán conjuga el trabajo individual con el colectivo, actúa en territorios como la cultura libre, los derechos humanos y la ecología, suscitando conciencia y responsabilidad social; y concibe su labor artística como una forma de servir al mundo y como una vía ilimitada de conocimiento y autorrealización. Guzmán emprendió hace diez años la búsqueda del tomacco, una planta fantástica que se hizo realidad. Este injerto de tomate y tabaco saltó a la fama en un capítulo de la longeva y famosa serie de dibujos animados Los Simpson. En la fábula, su icónico protagonista Homer Simpson se hace agricultor y, de manera accidental, descubre el tomacco, un híbrido mutante de tomate y tabaco, que convierte en peligrosamente adicto a todo aquel que lo prueba.
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Federico Guzmán is an analytical, poetic, and imaginative visual artist with a diverse body of work that defies easy classification. By participating both in individual and collective projects he works to raise awareness and a sense of social responsibility in the fields of free culture, human rights, and ecology. He sees his artistic work as a means of helping the world and an unlimited source of knowledge and self-realization. Ten years ago, as both an artist and a naturalist, Guzmán undertook the search for the tomacco, a fantasy plant that became a reality. The tomacco became famous thanks to The Simpsons. In the fable, the iconic Homer Simpson becomes a farmer and accidentally discovers the tomacco, a mutant tomato and tobacco hybrid that turns every casual taster into a dangerous addict.
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La obra presentada en la Bienal, Alianza del Tomaco, es una instalación multimedia que describe todo el proceso alrededor de este proyecto, combinando diferentes soportes y disciplinas artísticas. En un recorrido de la ficción a la realidad, el artista ha copiado este invento para cultivarlo. El tomate y el tabaco pertenecen a la misma familia de plantas, las solanáceas, lo que permite su injerto y crianza en una sola mata. A partir de un diálogo con naturalistas, campesinos, sabedores y chamanes, y tras un minucioso estudio, lo ha cultivado con cuidado en tierras de Andalucía y Extremadura en España, en el Sahara y en Colombia, llevándolo del arte a la ecología y del huerto familiar al cultivo en diferentes países.
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The piece presented at the biennial, Alianza del tomaco, is a multimedia installation that describes this process combining a variety of materials and artistic disciplines. In a journey through fact and fiction, the artist has copied this invention and begun to grow it. The tomato and the tobacco belong to the same family of plants, the Solanaceae, which allows for this graft. As a product of conversations with naturalists, farmers, and shamans, as well as through careful study, he has planted and tended it in lands stretching from Spain—in Andalucía and Extremadura—to the Sahara and Colombia, bringing this creature from art to ecology and from the back patio to crops across the globe.
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Diango Hernández CUB (1970). Vive y trabaja en Düsseldorf / Lives and works in Düsseldorf In a Colonial Style 2012. Solución acrílica en papel en 16 partes / Acrylic solution on paper printed in 16 parts, 29 x 22,5 cm. Instalación / Installation: 122 x 94 cm aprox. (imagen: detalle / image: detail) If a Desk with Words, If a House 2011. Instalación. Madera, máquina de escribir y plástico / Installation. Wood, typewriter ribbon and plastic. 317,5 x 65,4 x 47,6 cm
Formado en diseño industrial en La Habana, en 1994 Diango Hernández cofundó el grupo artístico Ordo Amoris Cabinet, que proponía soluciones para el diseño de objetos de decoración y del hogar en el contexto de la escasez de materiales en Cuba. Sus proyectos consisten en esculturas, dibujos, instalaciones y pinturas con objetos encontrados, reapropiados y transformados. A través de ellos introduce la posibilidad de una realidad distinta, imaginada. En la Bienal muestra dos obras: In a Colonial Style es un conjunto de páginas ilustradas con diseños de mobiliario supuestamente de estilo colonial, sacados de un libro alemán de los años cuarenta. En este proyecto está implícito otro de los temas recurrentes en su obra: la imposición de «centros y periferias» (producto del colonialismo), la creación de identidades artificiales y el uso de la cultura
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Trained in industrial design in La Habana, in 1994 Django Hernández cofounded the art group Ordo Amoris Cabinet to suggest solutions for the design of furniture and home decoration objects in the face of the scarcity of materials and supplies that Cuba was undergoing due to the American embargo. His artistic projects include sculpture, drawing, installation, and painting in which the main elements are always found objects that are appropriated and transformed. Hernández uses these to introduce the possibility of an alternative imagined reality and lends the spectator the space in which to project his own personal vision. In a Colonial Style is a set of sheets illustrated with furniture design in supposed colonial style, taken from a German book from the forties. Recurrent themes from his work are present, such as the structure of
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como instrumento de cambio. Uno de sus intereses es cómo interactuamos en el mundo contemporáneo con esa herencia, cómo el proceso económico o político no es solo el responsable del crecimiento de una periferia, sino que también lo son los aspectos culturales y contextuales. En If a Desk with Words... utiliza la metáfora de una máquina de escribir que ha perdido su habilidad de crear letras y palabras, para plantear la incapacidad de la comunicación en la sociedad contemporánea.
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centers and peripheries that colonialism produces, the creation of artificial identities, and the use of culture as a tool for change. In If a Desk with Words, if a House, a typewriter, modified so that it can no longer print letters and words, becomes a metaphor of contemporary society’s inability to communicate. It also addresses the notion of function assigned to objects, which can ultimately be transformed and removed from the original context to exist within a different reality.
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Lucía Madriz CRI (1973). Vive y trabaja en Karlsruhe, Alemania / Lives and works in Karlsruhe, Germany 32.000 genes 2014. Instalación con maíz, 4 m diámetro (aprox.) / Installation with corn seeds, 4 m diameter (variable) Producido por / Produced by: BIACI Para Lucía Madriz el arte es una herramienta para comprender el mundo. Aunque generalmente utiliza el video, la pintura y el dibujo, su trabajo va más allá explorando aspectos como el lado poético, político y emocional de los temas que aborda, identificándose más con ellos que con un medio específico. Una de sus obras más reconocibles son las instalaciones realizadas con semillas de diversas legumbres y gramíneas, parte de la dieta básica de Latinoamérica y el Caribe. En Costa Rica se consumen cereales transgénicos como el maíz, el arroz y el trigo desde los años noventa. En los productos transgénicos, el ADN ha sido manipulado, y las compañías reclaman la propiedad de las semillas a través de patentes. En general, las semillas han sido modificadas para que toleren hasta un 25% más de agroquímicos, otras para que contengan pesticidas o no generen semillas, y otras más contienen información genética de animales, como las fresas
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For Lucía Madriz, art is a tool for understanding the world. Although she generally produces video, painting, and drawing, her work goes even further as she explores the poetic, political, and emotional aspects of the issues at hand, identifying more with these than any given medium. Some of her most recognizable works are her seed installations, harvested from various beans and grains, staple foods in Latin America and the Caribbean. In Costa Rica, transgenic cereals—including corn, rice, and wheat—have been on grocery shelves since the nineties. DNA is manipulated in transgenic products so that corporations can claim rights on seeds via patents. In general, the seeds have been modified to tolerate up to 25 percent more agrochemicals, to include pesticides, to not produce seeds, or to contain genetic information derived from animals, such as strawberries with fish DNA. Both the seeds and the fertilizers must be bought every year from the same company, making
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que llevan ADN de peces. Estos productos vienen con un modelo de dependencia económica que afecta a las poblaciones rurales, ya que las semillas y todos los fertilizantes deben comprarse cada año a la misma compañía, y no se pueden guardar semillas para la siguiente temporada como se ha hecho desde que se inició la agricultura, entre 6.000 y 5.000 años antes de Cristo en los valles del Tigris y el Éufrates. Estas obras son una forma de expresar cómo los seres humanos nos estamos vinculando con la naturaleza, fruto de su preocupación sobre cómo nos afectan los asuntos ambientales. Para la artista es importante evidenciar que la construcción de esa abstracción llamada mundo empieza con nuestros hábitos y actitudes.
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these products part of a model of economic dependence that harms rural populations and divorces them from the processes that have cradled agriculture since its dawn in the valleys of the Tigris and Euphrates. These works represent Madriz’s concern about the way environmental issues affect us and express how we, as human beings, are relating to nature. For the artist it is important to show how our abstractions about the world begin with our habits and attitudes.
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Julie Mehretu ETH (1970). Vive y trabaja en Nueva York y Berlín / Lives and works in New York and Berlin Invisible Sun (algorithm 4) 2014. Tinta y pintura acrílica sobre lienzo / Ink and acrylic on canvas. 303 x 424 cm Julie Mehretu parte de la premisa de la arquitectura como medio de historia social y poder, y procede a imaginar un nuevo presente, una topografía ficticia realizada a través de un vocabulario formal de línea, color, gestos, marcas, cuadrículas, caracteres, nubes, borrones y aguadas, que son revestidos y estratificados en la superficie del lienzo. Sus obras nos invitan a participar en una articulación visual dinámica de la experiencia contemporánea, una representación del comportamiento social y la psicogeografía del espacio. Tanto pueden estar inspiradas en un levantamiento espontáneo en una plaza como en un algoritmo del comportamiento en una oficina normal y corriente o en la cultura posthumana que muta hacia la máquina. Su estilo no es fácil de definir; no es algo estable, parece caótico. Nos encontramos con un lenguaje abstracto y cambiante que contiene pinceladas, graffiti, caligrafía, paisajismo, elementos góticos, alusiones arquitectónicas. Pero también
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Julie Mehretu’s paintings are structured around transparent layers of acrylic paint, architectural carbon copies, drawings, ink, graphite, erasures, and markings. The works are built in stages as elements add to or erase previous layers. Her style is not easily definable; it is almost chaotic, never stable. We are faced with an abstract and ever-changing language that contains hints of graffiti, calligraphy, landscaping, Gothic elements, and other architectural references. In addition, we find tattoos, flags, comic scraps, and other objects, each acting as a separate element within the whole. Mehretu parts from the premise of architecture as a vehicle for social history and power. She then proceeds to imagine a new present, a fictional topography developed through a formal vocabulary of lines, colors, gestures, marks, squares, characters, clouds, erasures, and blemishes that are dressed up and stratified on the surface of the canvas. Her works invite us to participate in a dynamic visual conception of contemporary existence, a representation of social
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diseños de tatuajes, símbolos de banderas, elementos del cómic, entre otros, que actúan como unidades separadas del conjunto de la escena. Un léxico pictórico complejo que reflexiona, de una manera mimética, sobre la cosmología cambiante que es nuestro momento histórico, siempre persistente en su proceso de desarrollo, siempre evolucionando por un precipicio de transformaciones.
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behavior and the pyschogeography of space. They can be inspired by a popular uprising in a public square, by a behavioral algorithm in a regular office, or by post-human culture in its mutations towards machine. She achieves this through a pictorial lexicon that is at once complex and personal and that reflects mimetically on the changing cosmology of our historical moment, persistently evolving on a bleeding edge of transformation.
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Carlos Motta COL (1978). Vive y trabaja en Nueva York / Lives and works in New York Trilogía Nefandus 2013. Video, color, sonido / Video, color, sound. Nefandus, 13’04” (imagen / image); Naufragios, 12’31”; La visión de los vencidos, 6’46” Nefandus 2013. Póster, 76,2 x 50,8 cm La trilogía en video Nefandus investiga el homoerotismo prehispánico y colonial, exponiendo cómo la sexualidad es una construcción cultural con orígenes muy específicos basados en discursos morales y legales sobre el pecado y el crimen. En el primer video, dos hombres —un indígena y un hispanoparlante— viajan en canoa por un río del Caribe colombiano, contando historias sobre los pecados nefandos, actos de sodomía que tuvieron lugar en América durante la conquista. El segundo video es una adaptación ficticia de Los infortunios de un sodomita exiliado en la Bahía del siglo xvii, texto del antropólogo brasileño y activista por los derechos gay Luiz Mott, que documenta la desafortunada historia de un portugués cuya vida estuvo definida por innumerables confrontaciones con la Inquisición. Por último, en La visión de los vencidos, un esclavo indígena, que Casa 1537
Carlos Motta’s trilogy Nefandus investigates pre-Hispanic and colonial homoeroticism, exposing the manner in which sexuality is a cultural construction with very specific origins based on a moral and legal discourse on sin and crime. In the first video, two men, a native and a Spanish speaker, travel by canoe along a Colombian river, telling stories about abominable sins—acts of sodomy that took place in the Americas during colonization. The second video is a fictional adaptation of Los infortunios de un sodomita exiliado en la Bahía del siglo xvii (The misfortunes of a sodomite banished to the seventeenth century bay), a text in which the Brazilian anthropologist and gay rights activist Luiz Mott documents the unfortunate story of a Portuguese man whose life was defined by innumerable confrontations with the Inquisition. Lastly, a native slave in La visión de los vencidos (The vision of the vanquished) leads a group of Spanish 72
guía a un grupo de conquistadores españoles, describe el momento en el que un comandante de la armada es testigo de un ritual homoerótico, que condena como «abominable y antinatural», y ordena la ejecución de los hombres. Nefandus tiene por objetivo plantear cuáles serían las consecuencias de revisar las categorías históricas y reescribirlas con nuevos significados a través de la investigación o la imaginación para lograr mayor libertad social. El proyecto mantiene la línea de investigación del artista basada en el reconocimiento de los relatos de comunidades e identidades que la historia ha suprimido. Pone de manifiesto los problemas de las periferias en relación a las imposiciones de los centros y enfatiza la problemática de los procesos de modernización. BIACI
conquistadors and describes the instant in which a captain of the Spanish navy witnesses a homoerotic ritual which he condemns as “unnatural and abominable” and orders the men executed. The purpose of Nefandus is to establish what the consequences of revising historical categories could be and writing new meanings into them through research or imagination in order to achieve greater social freedom. The project is a continuation of the artist’s research based on recognizing the stories and identities of communities that have been suppressed by history. He shows us the problems that exist in the peripheries in relation to what is imposed on them from the centers, emphasizing the contradictions embedded in the process of modernization.
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Lorraine O’Grady USA (1934). Vive y trabaja en Nueva York / Lives and works in New York Body/Ground (The Clearing: or Cortez and La Malinche. Thomas Jefferson and Sally Hemings, N. and Me) 1991-2012. Fotomontaje. Impresión gelatina de plata / Photomontage. Silver gelatin print, 102,4 x 128 cm (imagen / image) The Fir-Palm 1991-2012. Fotomontaje. Impresión gelatina de plata / Photomontage. Silver gelatin print, 128 x 102,4 cm Con una actitud artística ecléctica y feminista, y con un contenido intelectual riguroso y político, Lorraine O’Grady utiliza su obra para llamar la atención sobre temas como la diáspora, la hibridación, la identidad y el género, conceptos con los que ha creado controversia, que incomodan y que demuestran cómo aún no hemos trascendido nuestra existencia como producto de una sociedad poscolonial. Body/Ground es una serie de fotomontajes producidos para su primera exposición individual, en 1991. El título se refiere a la actitud artística y a las ideas críticas de O’Grady en aquel momento, preocupada por el hecho de que la posmodernidad había simplificado la Historia como convenía a las estructuras de poder. Aunque el cuerpo siempre ha recibido los efectos de la Historia, también se ha constituido en el lugar de la resistencia.
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Taking on an eclectic and feminist attitude to present intellectual content that is both rigorous and political, Lorraine O’Grady uses her work to draw attention to issues as varied as the diaspora, hybridization, identity, and humanist gender study. She has generated controversy by bringing up subjects that make people uncomfortable, introducing taboos that show us we have not yet transcended our postcolonial conditioning. Body/Ground, the abbreviated title for Body Is the Ground of My Experience, is a series of photomontages produced for her first solo exhibition in 1991. These do not make up a series per se. The title refers to O’Grady’s artistic position and critical ideas at a time when she was concerned that postmodernity had simplified issues, transferring subjectivity from the body to history according to the needs of the power structures. Although the body has always felt
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En The Fir-Palm, un cuerpo negro femenino, colonizado, se convierte en la tierra donde crece ese fir-palm, cruce entre abeto de Nueva Inglaterra y palmera caribeña, y símbolo de la identidad de la autora (nacida en Boston de padres procedentes de Jamaica). El árbol crece hacia un cielo nublado, símbolo de la ansiedad social que provoca la mezcla de razas. Para ella, el paisaje que habitamos es una amalgama del cuerpo colonizado y la tierra a la que ha sido trasplantado
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the weight of history, it is also a point from which to exert resistance. In The Fir-Palm, a black, colonized, female body becomes the land in which the fir-palm grows, The tree grows towards a clouded sky, which symbolizes the social anxiety that mixed-race people experience. To her, the landscape we occupy is a mixture of the colonized body and the land that has been transplanted. She considered hybridization to be a concept that we insist upon ignoring but that must be considered in order to understand what we are today.
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Lotty Rosenfeld CHL (1943). Vive y trabaja en Santiago de Chile / Lives and works in Santiago de Chile La guerra de Arauco 2001. Video, b/n, sonido / Video, b/w, sound. 6’ La guerra de Arauco aborda el desencuentro que se lleva produciendo tradicionalmente entre el pueblo mapuche (denominado araucano por los conquistadores españoles) y las autoridades. El video combina imágenes con el lenguaje como forma de poder, para plantear una revisión de la Historia, del pasado, del presente y del futuro. Pionera de la videoinstalación en Latinoamérica, Lotty Rosenfeld fundó y fue miembro activo de CADA (Colectivo de Acciones de Arte), grupo conceptual de artistas y escritores. Este grupo interdisciplinar promovía nuevas propuestas estéticas basadas en la intervención ciudadana. Su reflexión crítica y activismo frente a la dictadura imperante en Chile en los años setenta y ochenta buscaba la reacción del público y del ámbito artístico.
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La guerra de Arauco (The Arauco War) is a portrait of the ongoing traditional disagreement between the Mapuche people (given the name Arauco by the Spanish conquistadors) and the authorities. The video combines images with language as a form of power to present an overview of history—past, present, and future. A pioneer of video installation work in Latin America, Lotty Rosenfeld was a founding member of CADA (Colectivo de Acciones de Arte / Art Actions Collective), a group of conceptual artists and writers. This interdisciplinary group promoted new aesthetic proposals based on citizen engagement. Her critical reflection and antidictatorial activism sought to provoke a reaction in the audience and the artistic milieu in the Chile of the seventies and eighties.
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Su extensa obra esta marcada por la oposición, la desobediencia, la lucha contra la injusticia y la rebeldía surgida en el contexto sociopolítico chileno de los años de dictadura. Su obra gira en torno a una mirada reflexiva sobre el signo (sus posibilidades de poder ser subvertido) y sus implicaciones en la sociedad, la insubordinación y la resistencia a cualquier signo impuesto desde fuera. Sus proyectos se formalizan desde la acción, la performance, la fotografía, el video o la instalación.
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Her broad body of work is marked by opposition, disobedience, the fight against injustice, and the rebellion born in the sociopolitical context of Chile’s dictatorship. Her work revolves around a careful observation of symbols, their capacity for subversion, their implications in society, and the resistance made to any symbol that is externally imposed. Her projects include performance, photography, video, and installation.
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Ruby Rumié & Justine Graham Ruby Rumié, COL (1958). Justine Graham, FRA – USA (1976) Viven y trabajan en Santiago de Chile / Live and work in Santiago de Chile Lugar común 2008-2010. Fotografías (20) / Photographs (20). 60 x 95 cm c/u / each Lugar común es un proyecto conjunto de la artista colombiana Ruby Rumié y la franco-americana Justine Graham. El tema de estudio es la relación entre las empleadas del hogar latinoamericanas y sus empleadoras, abordando así problemas de género, poder, clase y raza. Compuesto por fotografías, videos y encuestas a cien mujeres de edades comprendidas entre 19 y 95 años, el proyecto aglutina arte y sociología, y pretende desmontar la relación jerárquica que une a estas mujeres. Las artistas parten de la base de los prejuicios en torno al servicio doméstico, heredados de la sociedad colonial, y proponen nuevos métodos de entendimiento y comunicación social. El tratamiento visual de las protagonistas es el mismo; todas ellas están vestidas con las mismas prendas, en un ejercicio de igualación. Se consigue trascender, así, el mero proyecto artístico y convertirlo en un acto simbólico que afecta la vida real.
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Lugar común (Common Place) is a joint project by the Colombian artist Ruby Rumié and the French-American Justine Graham. The topic is the relationship between Latin American housekeepers and their employers, exploring issues of gender, power, class, and race. Made up of photographs, videos, and interviews with one hundred women between the ages of nineteen and ninety-five, the project combines art and sociology, seeking to dismantle the hierarchical relationship between these women. The artists examine the inherited colonial prejudices surrounding domestic work and propose new angles for comprehension and social communication. The visual treatment of the women is the same across the board—they are even dressed in the same clothes as an exercise in equality and for the purpose of undermining bigotry. These actions transcend the artistic plane and the piece becomes a symbolic act with real life repercussions.
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Rumié y Graham desarrollan proyectos de contenido político o relacionados con la psicología y la injusticia, refiriéndose a colectivos particulares, a cuestiones como la herencia territorial y el papel del artista comprometido con la sociedad. Sus obras no constituyen un mero planteamiento crítico, sino que proponen soluciones y abren un camino de esperanza para los problemas que las preocupan.
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Ruby Rumié develops projects with political content and projects related to psychology and injustice, referencing particular collectives in questions of territorial inheritance and the role of the socially committed artist. Her works do not merely present critical arguments but also propose solutions and pave a road of hope for issues that concern her. Justine Graham is a photographer that takes on issues of social, cultural, and spatial identity.
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Eduardo Sarabia USA (1976). Vive y trabaja en Guadalajara, México / Lives and works in Guadalajara, Mexico Fragmentos de una civilización pasada 2010. Cerámica de alta temperatura, 7 paneles / High-fire ceramics, 7 panels. 224,5 x 45 x 5 cm c/u / each Eduardo Sarabia aborda la historia de la sociedad contemporánea mexicana, investigando mitos prehispánicos y su influencia en la cultura mexicana actual, utilizando una variedad de componentes estéticos y simbólicos, tanto de la antigua cultura mexicana como de la moderna. A la vez, trata temas de interés de la realidad política del país, como los conflictos relacionados con la guerra contra el narcotráfico y la desigualdad de clases. Una rica variedad de componentes estéticos y simbólicos —tanto de la antigua cultura mexicana como de la moderna— caracteriza su trabajo Uno de sus medios más recurrentes es la cerámica. Así, en los paneles cerámicos que configuran la pieza Fragmentos de una civilización pasada utiliza una imitación de la antigua cerámica de Talavera, proveniente de España y realizada en México desde el siglo xvi. Sin embargo, da un giro a los motivos y las temáticas que adornaban este tipo de arte popular. Mezcla las decoraciones tradicionales, basadas en
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Eduardo Sarabia looks into the history of contemporary Mexican society, investigating the influence of pre-Hispanic myths on culture today. He employs a variety of aesthetic and symbolic components from ancient and contemporary Mexican culture, while also incorporating the reality of the current political situation in the country, such as the conflicts implied in the war on drugs and the inequality that permeates the country. This rich diversity of elements is what characterizes his work. One of his recurring media is ceramic. To make the ceramic panels in Fragmentos de una civilización pasada (Fragments from a previous civilization), he uses the ancient Talavera ceramic—originally from Spain and used in Mexico ever since the sixteenth century—reinventing the themes usually adorning this kind of popular art. He mixes the traditional nature-derived imagery with narco-culture symbols—drugs, firearms, naked women, and animals— that represent power and status.
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la naturaleza, con imágenes que se podrían catalogar como relativas a una narcocultura: drogas, armas de fuego, mujeres desnudas y animales que son símbolo de estatus y poder. Imágenes que, en su conjunto, legitiman, en cierto modo, la violencia. Su intención es revelar una realidad que va más allá de los valores promulgados por el sistema.
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In a way, these images legitimize violence. His intention is to reveal a reality that extends beyond values that are endorsed by the system.
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Friedemann von Stockhausen DEU (1945). Vive y trabaja en Berlín / Lives and works in Berlin Present Perfect 2014. Banderolas, impresión sobre poliéster / Banners, printed on polyester. Dimensiones variables / Variable dimensions Producido por / Produced by: BIACI La obra gráfica del artista alemán Friedemann von Stockhausen se caracteriza por su innovación y una amplia variedad de técnicas que van desde el campo del dibujo al collage. En la Bienal de Cartagena presenta una serie de banderolas, cuyas fuentes pictóricas son imágenes de postales en blanco y negro, de libros de varias colecciones de museos europeos y americanos, y citas pictóricas de diversos orígenes. Los motivos muestran fragmentos de figuras, máscaras, rostros y elementos arquitectónicos de diferentes períodos y culturas: africanos, asiáticos, europeos y americanos. Así, las esculturas del período gótico occidental emergen junto al arte antiguo de China y Japón, un retrato renacentista aparece cruzado por una figura subsahariana, y los artefactos precolombinos se encaran a sus homólogos europeos para recombinarse en entidades expresivas e inesperadas. La intención del artista no solo es establecer un diálogo entre
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Friedemann von Stockhausen’s graphics are characterized by innovation and the use of a broad range of techniques, from drawing to collage. He is presenting a series of banners at the biennial that draw from black and white postcards, books from several European and American museum collections and pictorial extracts from several origins. The images display fragments of objects, masks, faces, and architectural elements from different periods and cultures: African, Asian, European, and American. The sculptures from the Western Gothic period emerge next to ancient art from China and Japan; a Renaissance portrait is traversed by a sub-Saharan figure; pre-Columbian artifacts are face-to-face with their European counterparts, recombining into surprising and expressive units. The artist’s intention is not only to establish a dialogue between artistic forms but also to grant them a vibrant expressiveness that transcends time and culture. Beyond the transcultural context, the images
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diferentes formas artísticas, sino también darles una expresión vibrante, que cruza el tiempo y la cultura. Más allá del contexto transcultural, estas imágenes nos recuerdan la práctica global, en las sociedades acomodadas, de incluir esos objetos, arrancados de su anterior contexto histórico y ritual, como una especie de tiovivo de bienes de consumo. Mutilados y fragmentados a una escala que permite su transporte, esos elementos son subastados, exhibidos, coleccionados y adorados como objetos de valor, añadiendo un toque de nostalgia histórica a la decoración interior y el confort de nuestros hogares.
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remind us of the global practice among the wealthy of including these objects, ripped from their historical and ritual context, in their consumer goods merry-go-round. Mutilated and fragmented into pieces that favor their transportation, these artifacts are auctioned, exhibited, collected, and adored as valuable objects that lend a touch of historical nostalgia to our interior décor and the comfort of our homes.
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Mickalene Thomas USA (1971). Vive y trabaja en Nueva York / Lives and works in New York Polaroid Series #2 2012. C-print. 90,2 x 78,4 cm total, 10,7 x 8,9 cm c/u / each Polaroid Series #3 2012. C-print. 44,8 x 52,1 cm total; 10,7 x 8,9 cm c/u / each Polaroid Series #8 2012. C-print. 81,9 x 106,7 cm total; 10,7 x 8,9 cm c/u / each (imagen / image) Mickalene Thomas es conocida por sus elaborados retratos de mujeres afroamericanas en los que incorpora diamantes de imitación, esmaltes y coloridos acrílicos, que exploran e idealizan conceptos como los de celebridad, poder e identidad femenina negra. Thomas halla inspiración en varias fuentes pictóricas, como la escuela del siglo XIX y la Hudson River School, con influencias más modernas como el arte pop. Pero también ha llevado sus retratos a los campos del video y la fotografía. En estos tres ejemplos de sus fotografías conocidas como Polaroid Series vuelve a insistir en el retrato femenino para crear una colección de estampas de mujeres afroamericanas en sus casas (aunque en una de ellas solo se centra en el mobiliario). Polaroid Series podría formar parte de un trabajo de documentación para llevar a cabo sus pinturas de gran formato; pero por la Casa 1537
Mickalene Thomas is known for her elaborate paintings incrusted with imitation diamonds, varnish, and acrylic colors. Her portraits of African American women explore themes of celebrity and black female identity while idealizing notions of femininity and power. Thomas finds her inspiration in sources ranging from the nineteenth century Hudson River School to Édouard Manet, Henri Matisse, and Romare Bearden. From that starting point, she explores notions of beauty from a contemporary perspective, blending in modern influences such as pop. Three of her Polaroid photographic series have been selected for #1 Cartagena. She concentrates on female portraits in each of these, creating a collection of images of African American women in their homes (one of the series is focused on domestic furniture). The visual style is strident, sporting daring prints and bright colors. Many of her models are used repeatedly. 84
posición de las modelos y el uso del color se evidencia también cierta conexión con la serie de las odaliscas de Henri Mattise. Según la crítica de arte Elly Fishman: «La repetición de imágenes de Thomas modula la comprensión por parte del espectador de los sujetos retratados. Aunque muchas de las mujeres retratadas tienen ese aire power sister de los setenta, la recurrencia de los sujetos suaviza su dureza».
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It could be said that the Polaroid series, are works in preparation for her large format paintings. However, the position of the models and the use of color betray a connection to Matisse’s famed odalisques. As the critic Elly Fishman stated: “Thomas’ image repetition shifts the viewer’s understanding of her subjects. While many women in Thomas’ photographs have the 1970s ‘power sister’ look, the recurrence of the subjects softens their potency.”
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Ming Wong SGP (1971). Vive y trabaja en Berlín y Singapur / Lives and works in Berlin and Singapore Life of Imitation 2009. Videoinstalación, dos canales / Two-chanel video installation, 13’ Creada para la exposición del artista en el Pabellón de Singapur de la 53.ª Bienal de Venecia, esta obra está inspirada en una escena de Imitation of Life (1959), melodrama de Douglas Sirk en el que una madre negra se encuentra con su hija mestiza, quien huye de su verdadera identidad. Wong revisa esta escena de la película, en la que el personaje de Sarah Jane, que ha abandonado su origen de raza mixta para pasar por blanca, recibe la última visita de su madre. La lacrimosa despedida es una escena desgarradora, con Sarah Jane primero rechazando a su madre y después sollozando y abrazándola con fuerza. Ming reemplaza esos personajes con actores masculinos chinos, malayos e indios de Singapur que representan los grupos raciales dominantes del país. Estos, además, cambian de secuencia en secuencia para que las dinámicas interpersonales jueguen continuamente.
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Originally commissioned for the artist’s solo exhibition at the Singapore Pavilion of the 53rd Venice Biennale, this work is inspired by a scene from a classic melodrama by Douglas Sirk, Imitation of Life (1959), where a black mother meets her mixed-race daughter who has been running away from her true identity. Ming reworks the pivotal scene in which the character Sarah Jane, who has abandoned her mixed-race background to pass as white, is visited for the last time by her black mother. The tearful farewell is a typically heart-wrenching Sirk moment, with Sarah Jane rejecting her mother at first and then holding her tight and weeping as her feelings take over. Ming replaces Sarah Jane and her mother with Chinese, Malay, and Indian male actors from Singapore (representing the dominant racial groups in the country), who change from shot to shot so that the interpersonal dynamics continually shift.
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La escena ocurre en una habitación de hotel, en la ciudad en la que Sarah Jane trabaja como corista bajo el pseudónimo de Linda. A pesar de sus protestas, ante su madre no puede pretender ser la mujer blanca por la que se ha hecho pasar. En la versión de Ming, ninguno de los hombres es blanco, ni tampoco negro; y va más allá: están travestidos, haciéndose pasar por mujeres. Según ha argumentado Judith Butler, teórica sobre el arte de género, podemos pensar en el travestismo como una performance que «implica que toda dimensión genérica es un tipo de imitación y aproximación. Si esto es así, no hay un género original o primario que el travestismo imite, sino que el propio género es un tipo de imitación para el cual no hay original». BIACI
The scene takes place in a hotel room, in the town where Sarah Jane is working as a chorus girl, under the assumed name Linda. Despite her protestations to the contrary, she can’t pretend to her mother that she is the white woman she has been passing herself off to be. In Ming’s version, none of the men are white either (nor black for that matter) and furthermore, are in drag: passing as women. Yet, as Judith Butler has argued, we can think of drag as a performance that “implies that all gendering is a kind of impersonation and approximation. If this is true, it seems, there is no original or primary gender that drag imitates, but gender is a kind of imitation for which there is no original.”
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3. Museo Naval del Caribe Rosa Barba, Janet Biggs, Nick Cave, Ximena Garrido-Lecca, Sheila Hicks, Katie Holten, Kimsooja, Clemencia Labin, Ligorano/Reese, Guillermo Mora, Kristin Oppenheim, João Penalva, Jessica Rankin, Teresa Serrano, Hassan Sharif, Philip Taaffe, L.N. Tallur, Alison Elizabeth Taylor, Ana Torfs, Betty Woodman, Yin Xiuzhen Calle San Juan de Dios No. 3-62, Plaza Santa Teresa Tels: +(57-5) 664 2440, 664 9672 www.museonavaldelcaribe.com Horario: Todos los días, 10 am – 5 pm Schedule: Daily, 10 a.m.— 5 p.m.
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Rosa Barba ITA (1972). Vive y trabaja en Berlín / Lives and works in Berlin Recorded Expansions of Infinite Things 2012. Molde de silicona de letras tipográficas / Silicon mold and typographic letters, 200 x 300 x 1 cm Recorded Expansion of Infinite Things es una instalación formada por una pantalla de silicona translúcida cubierta de letras impresas. La impresión superpuesta en capas representa la extensión ficticia de libros escritos en un largo período de tiempo, traducidos y grabados de forma bidimensional. Así, la Historia, con todas sus transiciones y cambios, es traducida y paralizada en un momento único, en una única versión, de entre infinitas posibles. Se convierte en un texto en perpetua mutación. Las formas originalmente sólidas de las letras impresas luchan contra el material translúcido para mantener su forma estable. Su propuesta se basa en la creación de una solución utópica en la que el tiempo se detiene y transcurre lentamente para mostrar los aspectos escondidos de la realidad, ofreciendo una lectura alternativa no solo del pasado, sino también del futuro. Videocreadora y fotógrafa, Rosa Barba utiliza el celuloide para crear instalaciones cinemáticas que resalten las propiedades físicas de
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Recorded Expansions of Infinite Things is an installation made up of a translucent silicon screen covered in printed letters. The layered superimposition represents the fictional expanse of books written over a long period of time, translated and recorded in two dimensions. In this manner, history, with all its changes and transitions, is translated and fixed in a unique moment, a sole version, but with infinite possibilities. It becomes a text in permanent mutation. The originally solid shapes of the printed letters are in a fight against the translucent material to maintain their form. Her proposal is based on the creation of a utopic solution in which time stops or goes by slowly, revealing hidden aspects of reality and offering an alternative reading, not only of the past but also of the future. This video artist and photographer uses celluloid to create cinematographic installations that highlight the physical properties of the material. In addition, Barba creates mobile sculptures and images reminiscent of objects and landscapes
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este material. Realiza esculturas móviles e imágenes que se aproximan a objetos y paisajes, con especial cuidado en la forma; y prepara publicaciones en las que estudia la estructura o la narrativa de las historias, lugares y personajes con los que trabaja el cine. En plena era digital, analiza la importancia del film y lo analógico. Según la artista, usa estos medios para posicionarse frente a mecanismos técnicos que considera frágiles en sí mismos.
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with careful attention to form. In her publications she studies the structure and narratives of the stories, places, and characters she works with in the film industry. In the midst of the digital age, she is one of the few artists that insist on the importance of film and analogies. According to Barba, these media allow her to position herself against technical mechanisms that she considers inherently fragile.
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Janet Biggs USA (1959). Vive y trabaja en Nueva York / Lives and works in New York A Step on the Sun 2012. Videoinstalación, cuatro canales / four channel video-installation, 9’22’’ La obra de Janet Biggs —videocreadora, fotógrafa y performer— tiene una estética muy identificativa, marcada por la repetición constante y monótona. Se centra en actividades relacionadas con procesos de repetición u obsesión, como los deportes extremos, o incluso en gestos obsesivo-compulsivos que repetimos a diario sin darnos cuenta. Como viajera, se aventura por lugares distantes con el deseo de convertir su experiencia en nuevas narraciones, que incluyen tanto la vivencia personal como el registro geográfico. Hace un trabajo que desafía las perspectivas habituales y expone nuevos mundos. Aborda y materializa las discusiones actuales sobre biopolítica y el humanismo global. A Step on the Sun presenta las adversidades a las que se enfrenta un minero de azufre trabajando en el volcán Ijen, en Java Oriental (Indonesia). En este lugar, la minería industrial oficial es totalmente imposible, ya que el volcán está activo y el cráter alberga el mayor lago sulfúrico del mundo. Se trata de un ambiente extremo. Los
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Biggs is a video artist, photographer, and performer whose work has an easily identifiable aesthetic of monotony. She focuses on activities involving repetition and obsession such as extreme sports and obsessive behaviors that we engage in every day unconsciously. A avid traveler, she takes her adventures in remote locations and channels them into new narratives that include both personal experience and geographic records. Biggs’ film work challenges the way we see things and exposes new worlds. She helps to materialize current debates around biopolitics and global humanism. A Step on the Sun presents the adversities faced by a sulfur miner working at the Ijen volcano in East Java, Indonesia. Official industrial mining is made impossible by the volcanic activity. The crater’s extreme environment harbors the world’s largest sulfur lake. Miners collect sulfur crystals and pack them endlessly, rhythmically, unconsciously into baskets. Amidst clouds of sulfur dioxide, they transport the mineral from the crater to the surface and walk the rocky terrain for
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mineros recolectan los cristales de azufre endurecido, poniéndolos en canastos de manera incesante, casi rítmica e inconsciente. Entre nubes de dióxido de azufre, transportan el mineral hasta el borde del cráter y luego recorren kilómetros por terrenos rocosos hasta las estaciones de pesado. En el video, la banda sonora aumenta la sensación de peligro, mezclando sonidos reales con otros punzantes, duros y secos. Encontramos una situación que nos incomoda, ambigua y moralmente compleja, que muestra al mismo tiempo la belleza de la naturaleza y la explotación humana.
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miles to reach the weigh stations. The soundtrack enhances the sense of danger, mixing real sounds with other stabbing, harsh ones. We find ourselves in a situation that is uncomfortable, ambiguous, and morally complex, one that simultaneously showcases the beauty of nature and the ugliness of human exploitation.
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Nick Cave USA (1959). Vive y trabaja en Chicago / Lives and works in Chicago Drive-By 2011. Video, color, sonido / Video, color, sound, 16’ Los soundsuits o trajes sonoros de Nick Cave son objetos y maniquíes, pero también son vestimentas elaboradas, que a partir de mediados de los años noventa incorpora en sus performances. El siguiente paso desde las performances era la producción de videos que incluyesen estos trajes/ esculturas, proyectos que rápidamente se han convertido, en los últimos años, en una parte significativa del trabajo de Cave. La primera gran incursión independiente en el video en la obra de Cave fue Drive-By. Se mostró originalmente por las noches, durante una semana de septiembre de 2010, en siete pantallas dispuestas a la altura del 2º piso en una esquina de la South Michigan Avenue adyacente al edificio del estudio del artista. Los espectadores podían literalmente pasar por delante en su carro y verlo, un formato expositivo no convencional que le dio a la obra su nombre.
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Nick Cave’s soundsuits are both static mannequins and elaborate garments. By the mid-1990s the artist began to habitually incorporate the garments into his performance work. The next step after his performances was the development of videos with the suits. These videos have quickly become an important part of Cave’s body of work. His first great independent incursion into video is Drive-By. The piece was originally shown at night, for one week, in September 2010 on seven screens mounted outside the first floor of a South Michigan Avenue building, adjacent to his studio. Spectators could literally pass by in their car and see it, an unconventional format that gave the work its name.
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El video fue posteriormente editado en una versión de una sola pantalla y dieciséis minutos de duración, que fue producido en una edición limitada de cinco ejemplares para museos y coleccionistas privados. Drive-By presenta veinticinco performers saltando, rodando, cayéndose y danzando. El movimiento abstracto está organizado en segmentos que a veces se repiten, con una variedad de stop-action, pantalla partida y otros efectos visuales. Tras editar el video, se superpuso una de las pistas con una variedad de música y sonidos, desde suspiros y cantos de grillos hasta el sonido de tambores de nativos americanos y efectos electrónicos.
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The video was subsequently edited into a single-screen, sixteensecond version in a limited edition with five editions issued to museums and private collectors. Drive-By shows twenty-five performers jumping, rolling, falling, and dancing. The abstract movement is organized into segments that sometimes repeat in stop motion or in split frame, among other techniques. After editing the video, a track with varied sounds and music was added that included sighs, crickets, indigenous drums, and electronic effects.
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Ximena Garrido-Lecca PER (1980). Vive y trabaja entre Lima y Londres / Lives and works in Lima and London La trama 2013. Cobre / Copper, 360 x 250 cm Ximena Garrido-Lecca vive fuera del Perú desde hace más de una década. La distancia física y temporal y el hecho de estar inmersa en un medio cultural con códigos muy distintos la han hecho mirar con otros ojos algunos rasgos culturales de su país de origen. Garrido-Lecca se interesa en el paisaje social del Perú y en cómo las culturas ancestrales van desapareciendo poco a poco debido a la globalización. Entre sus fuentes iconográficas están los muros de adobe, las rejas decoradas, los cerramientos precarios en lámina metálica, las abigarradas fuentes públicas, los nichos de los cementerios y en general la estética popular, barroca y recargada, con sus colores rechinantes y sus inéditas combinaciones de formas. Evocando obras minimalistas —particularmente las esculturas metálicas sobre el suelo de Carl Andre—, La trama, una de sus más recientes obras, es un tejido que representa una estera, tradicionalmente fabricada en esparto o junco, hecha con tiras delgadas de cobre. Alejándose de las características
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Ximena Garrido-Lecca has been living abroad for over a decade. This physical and temporal distance combined with her immersion in a very different culture to her own have made her see her country’s idiosyncrasies with different eyes. Garrido-Lecca is interested in the social scenery of Peru and in how ancestral traditions have slowly disappeared as a consequence of globalization. Some of her sources of iconography include adobe walls, decorative railings, corrugated metal, jumbled public fountains, cemetery niches, and the larger baroque, overdone, popular aesthetic with its screaming colors and bizarre combinations of form. Evoking minimalist works, particularly Carl Andre’s low-lying sculptures, her recent piece La trama is a weave traditionally made of esparto or rattan but in this case made with thin strips of copper. Moving away from minimalism and its emphasis on the finish and the singularity of each element, this work presents the material as part of an interwoven whole. The mat reflects
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del minimalismo, como la precisión de los acabados y el énfasis en la singularidad de cada elemento, en este trabajo se presenta el material como parte de un sistema entrelazado. En el tejido se ve reflejada la calidez que caracteriza el trabajo artesanal, y proyecta una historia y un contexto social. La utilización del cobre como materia prima para la ejecución de labores tradicionales sugiere una reapropiación de recursos naturales, adquiriendo una dimensión simbólica. Como si fuera un metal con memoria de forma —que regresa a su forma original al ser expuesto a cierta temperatura—, se sugiere el retorno del cobre a ser material de una manifestación cultural, a través de la orfebrería y artesanía de diversas épocas.
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the quality that identifies artisanal manufacturing and communicates a story and social context. The use of copper as a raw material for the production of traditional artifacts suggests a re-appropriation of natural resources, taking on symbolic dimensions. It is as if the metal had shape memory—a metal that returns to its original form when heated—and it suggests the return of copper to its role as a medium of cultural expression through the work of coppersmiths and artisans through the ages.
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Sheila Hicks USA (1934). Vive y trabaja en Nueva York y París / Lives and works in New York and Paris Lares and Penates 1990-2013. Materiales encontrados (101 elementos) / Found materials (101 elements) 297,2 x 292,1 x 12,7 cm aprox. (imagen / image) Viking 1969– en desarrollo / work in progress. Puro lino natural de Francia. Dimensiones variables / Natural french linen. Variable dimensions Artista precursora en el uso de materiales no tradicionales del arte, Sheila Hicks utiliza fibras y otros materiales textiles en sus obras que considera una experiencia a medio camino entre la escultura y la performance. Su interés por este tipo de materiales procede del conocimiento de las técnicas precolombinas de fabricación textil en Perú y México. Así, desde sus obras más tempranas es posible detectar la presencia de la antropología cultural y social de los pueblos y países que ha visitado durante sus numerosos viajes, con un interés particular en las creencias y ritos antiguos. La obra Lares and Penates hace referencia a la mitología romana antigua, donde los lares y penates eran deidades protectoras de la familia y el estado romano. La instalación consiste en piezas textiles compactas, llenas de color, adheridas a un muro de forma conjunta, listas para ser adoradas. Museo Naval del Caribe
Sheila Hicks is an artist known for her use of nontraditional materials, such as textiles, in her work. This interest was born during her studies at Yale of traditional manufacturing techniques from Peru and Mexico in the pre-Colombian era. She considers her work midway between sculpture and performance. The cultural and social anthropologies of the peoples she has visited in the course of her extensive travels make an important appearance in her work, particularly their beliefs and ancient rituals. Lares and Penates references the relics of Roman mythology in which the Lares and Penates were deities that protected the Roman family and state. Albeit different entities, they were frequently worshipped together. According to Roman beliefs, the Lares watched over the family lineage and the Penates guarded the state and Roman patriotism. The installation is made up of compact textile pieces in 98
Viking simula un tapiz de lino que se envuelve sobre s铆 mismo. Forma parte de una serie inicialmente conocida como The Evolving Tapestry. La pieza evoca un paisaje hecho de lino, una extensi贸n de la naturaleza como un mont铆culo de memoria que se envuelve, precario pero s贸lido, y ocupa firmemente su territorio. BIACI
vivid colors, attached as one to a wall and ready to be worshipped. Viking is a sculpture made up of a linen tapestry that entwines itself. It is part of a series originally known as The Evolving Tapestry. The piece recalls a linen landscape, a vast natural expanse, a knoll of memory, precarious yet solid, firmly occupying its territory.
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Katie Holten IRL (1975). Vive y trabaja en Nueva York / Lives and works in New York 137.5° (II) 2008. Lana tejida a croché y chinchetas / Crocheted wool and tacks Katie Holten centra su trabajo en el impacto del ser humano en el medioambiente. Utiliza habitualmente materiales reciclados con los que aborda conceptos y temas ecológicos, buscando la manera de comprometer el arte con el paisaje natural. 137.5° (II) es una instalación textil realizada a mano, en croché y lana negra. La pieza gira y se tuerce sobre sí misma, deambulando por la pared, y constituye un registro de los desplazamientos personales de la autora a través del espacio y el tiempo a lo largo de cuatro meses. Cada vez que viajaba —en automóvil, en tren o en avión—, Holten creaba un segmento de esta composición. Entretejido metafóricamente en el complejo entramado de líneas orgánicas que se presentan a la vista está su itinerario de viajes, y la huella de carbono que dejó. El título hace referencia a cómo en muchas plantas el ángulo entre las hojas es de 137,5°, el denominado ángulo áureo. Este se obtiene a partir del número áureo, que equivale a la razón entre dos términos sucesivos de la serie matemática de Fibonacci. La artista muestra así
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Katie Holten is an Irish artist whose artwork speaks of humans’ impact on the environment. Holten’s work is often made from recycled materials and tackles a variety of ecological subjects, seeking to link art to the landscape. 137.5° (II) is a textile installation, hand crafted in black crocheted wool. The piece turns and twists on itself, wandering along the wall as a record of the personal displacement that its author has experienced for four months, through space and time. Each time she travels—be it by car, train, or plane—Holten adds a segment to the composition. Her itinerary and carbon footprint are metaphorically enmeshed in the complex weaving of organic lines. The title of the work refers to the fact that the angle between leaves in many plants is 137.5 degrees, known as the golden angle. The angle is derived from the golden number, equivalent to the ratio between two successive items in the Fibonacci sequence. In this manner she demonstrates her interest in emerging mathematics and mapping.
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su interés en las matemáticas emergentes y el mapping. Al explorar la elegancia y la lógica del croché tradicional irlandés, Holten utilizó la puntada simple, de manera inexperta, para dibujar líneas que representaran sus movimientos en el tiempo y el espacio. Cada vez que la pieza es instalada, el dibujo es ligeramente diferente, pero el trazo de las jornadas queda intacto.
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In exploring the elegance and logic of traditional Irish crochet work, Holten amateurishly uses a simple stitch to draw lines that represent her movements through space and time. Each time the piece is installed, the picture varies slightly, but the record of the day remains intact.
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Kimsooja KOR (1957). Vive y trabaja en Nueva York / Lives and works in New York Thread Routes (Capítulo / Chapter 1) 2010. 16 mm transferido a video HD, color, sonido / 16 mm film transfered to HD video, color, sound, 24’52’’ Las performances, videos e instalaciones de Kimsooja difuminan los límites entre estética y experiencia trascendental a través del uso de acciones repetitivas y prácticas meditativas. Su interés es lograr un equilibrio entre polos opuestos para alcanzar la armonía. Así, en sus performances ella misma se presenta como sujeto y objeto, presencia y ausencia. Otro de los temas que aborda en su trabajo son las diferentes perspectivas de la realidad y cómo interactuamos con ellas. Rechaza las categorizaciones sociales que nos son impuestas. Thread Routes es el capítulo inicial de su primer proyecto fílmico seriado sobre la cultura textil y se centra en Perú y sus tradiciones domésticas, la cultura popular y el paisaje nacional. Es un documental ni descriptivo ni narrativo, considerado por la artista como un poema y un estudio de antropología visual. Los siguientes capítulos, del total de seis (no incluidos en esta Bienal), revelan la elaboración de encajes y la arquitectura de las ciudades europeas, las estructuras de arcilla de
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Kimsooja’s performances, videos, and installations blur the boundaries between aesthetics and the transcendent experience through their use of repetitive actions and meditative practices. She seeks to achieve a balance between contrasts to create harmony, the reason for which she presents herself as subject and object in her performances, present and absent. Another issue she approaches in her work is the existence of contrasting views of reality and how we interact with them. She rejects the social categories that are imposed on us. Thread Routes is the first chapter of the film serial about textile culture which focuses on Peru and its domestic traditions, popular culture, and national landscape. It is a nondescriptive, non-narrative documentary that the artist considers a poem and a visual anthropological study. The other five chapters of the series (not included in this biennial) reveal lacing techniques, the architecture of European cities, the clay structures of Gujarat in India, or the architecture and fabrics of Mali. All
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la zona de Guyarat, en la India, o la arquitectura en arcilla y los tejidos de Mal铆. En su conjunto, muestran tradiciones milenarias que sobreviven en el mundo globalizado, y c贸mo el trabajo manual, observado como una t茅cnica repetitiva, es un medio de transmisi贸n de tradiciones y valores.
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together, these chapters show us millennial cultures that have survived in our globalized world and reflect on how the repetitiveness of manual work is a means to convey traditional values.
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Clemencia Labin VEN (1946). Vive y trabaja en Hamburgo / Lives and works in Hamburg Piñata Caromin. 2012. 3,46 m; Piñata Perpetua. 2012. 3,40 m; Piñata Ultramar. 2012. 3,58 m Trunca Azul. 2012. 3,30 m; Trunca Blancocéano. 2013. 3,40 m; Trunca Vertai. 2013. 3,20 m Ensamblajes escultóricos de telas / Sculptural assembly of various fabrics Clemencia Labin ha creado un mundo artístico formado por pinturas, instalaciones y esculturas de textura plástica, de coloridos vibrantes, reminiscencias pop y formas abstractas o figurativas que hablan de un mundo alegre, positivo y enérgico. Concibe la pintura como un fenómeno que se rebela y se expande en el espacio, y la escultura como algo en el que el propio cuerpo puede participar, como en sus performances. Sus obras tienen una reminiscencia kitsch y tropical, muy ligada al imaginario de la infancia, que recrea para atraer la capacidad imaginativa sin reglas ni ataduras estéticas. Realizadas con retazos de telas, las piñatas y las truncas son formas tubulares que organizan el espacio desde diferentes alturas. Crean un ambiente proclive al mestizaje, una metáfora de la convivencia entre culturas diferentes. Las piezas son «personajes muy personales» de voracidad visual que llevan impresa la huella digital de la artista. Museo Naval del Caribe
Clemencia Labin has created an artistic universe of painting, installation, vibrant colored plastic sculpture, pop reminiscences, and abstract figures that speak of a cheerful, positive, energetic world. She conceives painting as a phenomenon that rebels and expands within space. Sculpture, too, is seen as something useful, that the body can even engage with; she expresses this concept occasionally through performance. Her works are tinged with the kitsch and the tropical, invested with childhood imagery recreated to attract a capacity for the fantastic that knows no aesthetic limits. Her piñatas are made out of scraps of various fabrics. They are presented as cylinders, organizing the space to create a geography that favors interbreeding, a place where cultures and molecularly different ways of being can coexist. The pieces are “very personal characters” of a visual voracity that conveys the artist’s fingerprint. 104
En el mundo de Labin, la moda es un factor determinante, pero siempre a contracorriente. Desmitifica el objeto-marca y lo doblega. Quiebra argumentos estéticos y planta cara a las tendencias. Piñatas, truncas y ensamblajes son espejos de nítida precisión de su voluntad artística. Reordenan su identidad. «Son columnas a la inversa, no brotan de la tierra, caen como lluvia escarchada de la atmósfera, islas flotantes».
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In Labin’s world, fashion is a decisive factor; here she goes against the current. She de-mystifies the object-brand and breaks it in two. She splits aesthetic arguments and challenges fads. Her piñatas and assemblages are faithful mirrors of her artistic will. They rearrange her identity. “They are inverse columns, they do not spring from the earth, but rather fall like frost-laden rain from the atmosphere; they are floating islands.”
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Ligorano/Reese Nora Ligorano, USA (1956). Marshall Reese, USA (1955) Viven y trabajan en Nueva York / Live and work in New York 50 Different Minds 2010-2012. Fibra óptica, hardware y software hechos a medida / Fiber optics, custom-made hardware and software, 178 x 178 cm Nora Ligorano y Marshall Reese trabajan juntos desde los años ochenta. Sus señas de identidad son el uso de materiales poco convencionales, los procesos industriales, la producción en ediciones múltiples y el uso de diversas disciplinas como el video, la escultura y la instalación. Con sus obras reflexionan sobre el impacto del arte en los sistemas políticos y sociales, unidos de manera inevitable a los acontecimientos culturales. Utilizan un lenguaje y unos conceptos claros, focalizados en el presente y en las tecnologías de nuestro tiempo. 50 Different Minds forma parte de su serie de tapices de fibra óptica, tejidos con este material cuyo uso convencional es el transporte de información. Se formaliza como una superficie de luz y patrones textiles, uniendo lo artesanal y tradicional a las tecnologías de la información. Con este proyecto parten de la concepción de los tapices tradicionales como formas de comunicación de historias de
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Nora Ligorano and Marshall Reese have collaborated since the eighties. Their trademarks are unusual materials, industrial processes, limited edition multiples, and diverse disciplines including video, sculpture, and installation. Through their work, the pair reflect on art’s impact on political and social systems—inevitably linked to cultural events. They use clear language and concepts, focused on the present and today’s technologies. 50 Different Minds is part of a series of tapestries with optical fibers, a material primarily used for data transmission. The fibers morph into a surface of light and textile patterns, blending artisanal traditions with information technology. The work is born from the conception of traditional tapestries as a means to communicate battle stories, myths, and religious ideas. Through this piece, we have a glimpse of a virtual world that narrates in real-time the history of global cultural information.
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batallas, mitos y religión. Uniendo los dos campos, se visualiza un mundo virtual que narra la historia de la información cultural global en tiempo real. Esta pieza de fibra óptica está conectada a unos LED verdes, azules y rojos, controlados por un computador que sigue secuencias de patrones y colores según información recibida de Twitter sobre el número de despegues y aterrizajes en el aeropuerto JFK de Nueva York, o de otras fuentes como sismógrafos. La obra pretende conectar el arte con formas de networking, comunicación y sociedad.
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The optical fiber brocade is joined to panels and connected to green, blue, and red computercontrolled LEDs that follow color sequences according to information downloaded from Twitter on the number of take offs and landings at the John F. Kennedy airport in New York City as well as information from other sources, such as from seismographs. The tapestry intends to link art with networking, communication, and society.
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Guillermo Mora ESP (1980). Vive y trabaja en Madrid / Lives and works in Madrid Penta Pack 2012. 250 kg de pintura acrílica sujetos por gomas / 250 kilos of acrylic paint bound by rubber bands, 102 x 53 x 65 cm Nada más que pintura, Penta Pack forma parte de un grupo de obras del artista Guillermo Mora que indagan sobre los mecanismos estructurales de la pintura. Estas piezas están elaboradas mediante la acumulación de capas y capas de pintura —algunas pesan más de 20 kg— y después sujetas simplemente con gomas elásticas. Esta precariedad del elemento que sustenta la pintura hace que esta pierda su forma, caiga al suelo, se adapte a los espacios y nos haga conscientes de su calidad blanda. La pintura se muestra en su estado más físico, corpóreo. Prescinde de la estructura que por siglos la ha sustentado —el bastidor— y es ella misma la que genera su propia estructura. Sin embargo, sin esas gomas elásticas perdería la poca forma que toma en el espacio. Por ello, de esta situación surgen los títulos de algunas series en las que se engloba este tipo de obra: «¿Qué son? ¿Son “casi” pintura, o “casi” nada?»
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Nothing more than paint, Penta Pack is part of a group of works by Guillermo Mora that question the structural mechanisms of painting. These pieces are made by laying coat over coat of paint (some weighing more than twenty kilos) and then simply binding them with rubber bands. The precariousness of this support allows it to lose its shape, fall to the ground, and adapt to the space where it is placed. We become aware of its malleable quality. Paint is presented in its most physical, material state. Without the help of the stretcher that has, for centuries, been its support, paint generates its own structure. Nevertheless, without even the rubber bands it would lose the little shape that is takes on in his works. It is from this condition that the titles of some of these series are born: ¿Qué son? ¿Son “casi” pintura, o “casi” nada? (What are they? Are they “almost” paintings, or “almost” nothing?).
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La obra plástica de Mora está configurada por estructuras enmarañadas que remiten al movimiento, lo dinámico y cambiante, hechas con marcos y bastidores de madera, toneladas de pintura acrílica solidificada en formas únicas, papeles impresos, gomas elásticas, estructuras de acero… Es una obra subversiva, que se fija en lo tradicional y propone un cambio en su lenguaje, sin alejarse del concepto absoluto del material, que aunque parece machacado y sometido a la voluntad del artista, no deja de resultar homenajeado como protagonista absoluto de sus composiciones.
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Mora’s visual work—tangled structures made up of frames and wooden stretchers, tons of acrylic paint solidified into unique shapes, printed papers, rubber bands, and steel arrangements—sends us back to movement and all that is dynamic and changeable. It is a subversive piece that is based on what is traditional, but proposes a new language—all of this without abandoning the absolute conception of the material, which, despite being battered into the shape of the artist’s will, is still honored as the unchallenged protagonist of his compositions.
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Kristin Oppenheim USA (1959). Vive y trabaja en Nueva York / Lives and works in New York Sail on Sailor 1994. Instalación sonora / Sound installation, 17’30’’ Imagen / image: Museo Naval del Caribe, Cartagena de Indias «¿Quién navega por el océano?... Tantos océanos… Navega, navega… marinero». Esta letra de la canción de los Beach Boys apropiada por la artista Kristin Oppenheim le sirve para su instalación de sonido Sail on Sailor. En el patio del Museo Naval, la voz de la artista se escucha sola, sin acompañamiento, repitiendo unas pocas frases en un bucle. Cantando a capela, su voz recita un estribillo repetidamente, creando una atmósfera relajante e hipnótica. Esta obra de sonido forma parte del trabajo de esta artista cuyas instalaciones híbridas, casi minimalistas, de sonido, fotografía y pintura buscan dramatizar la experiencia personal y la memoria. Utiliza su voz, melancólica y misteriosa, para crear un determinado clima emocional. En el caso de sus instalaciones sonoras, casi bandas sonoras, el público las experimenta a través de densas capas de sonidos y efectos especiales —como texto hablado, truenos y gotas de agua—, tanto para construir como para difuminar cierto impulso narrativo.
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“Who sails the ocean?…So many oceans…Sail on, sail on…sailor.” Kristin Oppenheim’s sound installation borrows some of the lyrics from the Beach Boys’ single Sail on, Sailor (1973). The artist’s voice is naked, without accompaniment, repeating a handful of phrases in a loop. Singing a capella, she recites the chorus over and over, creating an atmosphere of relaxation and hypnosis. Oppenheim’s almost-minimalist, hybrid installations combine sound, photography, and painting, seeking to dramatize personal experience and memory. She uses her melancholy and mysterious voice to fabricate a particular emotional climate. Her sound pieces, almost like soundtracks, offer the audience dense layers of sound and special effects—the spoken word, thunder, raindrops—both to build and to blur the narrative impulse.
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Oppenheim forma parte de los artistas audiovisuales que han utilizado la voz humana como materia de experimentación. Los antecedentes de este interés del arte visual por la voz humana están en la poesía fonética dadaísta y la poésie sonore de los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Según el crítico Jonathan Griffin, lo más desconcertante de su trabajo es que en su sobria especificidad «sugiere constantemente conexiones latentes y enigmas que resolver».
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Oppenheim stands among audiovisual artists that use the human voice as a means of experimentation. This interest shown by visual artists in the human voice dates back to phonetic Dada poetry and post-World War II poésie sonore. According to the critic Jonathan Griffin: “What is most perplexing about the work is that in its spare specificity it constantly suggests connections waiting to be made and riddles to be solved.”
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João Penalva PRT (1949). Vive y trabaja en el Londres / Lives and works in the London Light Beam 2007. Videoinstalación, sin sonido / Video installation, no sound, 4’ No es extraño que João Penalva realice una obra que se vuelve incognoscible precisamente porque nos hace pensar que no hay mucho que saber y que no sucede gran cosa. A veces eso es casi cierto, por ejemplo en dos obras suyas de 2004: el tríptico en video Hermitage Pier, que nos pide que contemplemos las olas de un lago; o Dokumentarfilm, un video monocanal (Doshi, 12 de abril de 2003, 13.34) que nos presenta una bruma más bien impenetrable. A veces el malentendido se convierte en parte de la comprensión, y la obra se vuelve discursiva sin necesidad de decir mucho. ¿Es de verdad un haz de luz? ¿Es lo que veríamos si de alguna forma la imagen estuviera ausente en la proyección? Pero un haz de luz es, en sí mismo, una imagen; en este caso, una imagen de la luz atravesando un espacio cerrado, habiendo penetrado en él a través de una pequeña abertura. Y cuando Penalva proyecta una imagen de esa imagen, no puede evitar que se convierta en una metaimagen.
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It is not unusual for João Penalva to produce work that becomes unrecognizable, precisely because it makes us think that there is not much to know and that not much is happening. Sometimes this is almost true. For instance, in earlier works he has presented a video triptych for our contemplation of waves in a lake or, in a single-channel video, an almost impenetrable mist. Sometimes misunderstanding becomes part of understanding, and the work becomes discursive without really having to say much. Is this an actual light beam? Is it what we might see if “the image” were somehow absent from the projection? But a light beam is, in itself, an image—in this case, of how light travels through a confined space when it bursts into it through a small opening. And when Penalva projects an image of this image there is no way he can prevent it from becoming a meta-image.
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Light Beam nos muestra todas las partículas suspendidas en el aire, temporalmente agitadas, que un haz de luz vuelve visibles —y magníficamente resplandecientes, aunque eso tal vez sea irrelevante—; pero también arroja luz sobre lo que condiciona nuestra visión: el espacio limitado, la oscuridad, y otra cosa: la no oscuridad que vemos como no limitada y que nos hace conscientes del entorno y de nuestra propia existencia. «¿Se nota que he evitado mencionar la caverna de Platón? No veo que haya una verdadera necesidad y, además, ¿cómo podría hablar del haz de luz como una sombra de sí mismo?», pregunta el curador Anders Kreuger, autor de este texto.
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Light Beam shows us all the temporarily agitated and suspended small particles that a light beam makes visible—and luxuriously resplendent, although that may be beside the point—but it also casts light on what conditions our vision: the confined space, the darkness, and that other thing, the nondarkness that we see as unconfined, that makes us both aware and selfaware. Did you notice that I avoid mentioning Plato’s cave? I see no real reason to, and besides, how can I speak of the light beam as a shadow image of itself? asks Anders Kreuger, the author of this text.
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Jessica Rankin AUS (1971). Vive y trabaja en Nueva York / Lives and works in New York Revenant 2009. Bordado en organdí / Embroidered on organdy, 271 x 227 cm Cloud from Silt 2009. Bordado en organdí / Embroidered on organdy, 113 x 184,2 cm Against the sky 2012. Bordado en organdí / Embroidered on organdy, 60,5 x 65,5 cm (imagen: detalle / image: detail) Las pinturas bordadas de Jessica Rankin utilizan paneles de colores de organdí, tejido conocido por su finura y transparencia. En ese material la artista cose paisajes textuales con apariencia de terrenos montañosos, tablas termodinámicas y mapas astronómicos. En el inicio de su carrera, sus obras estaban basadas en textos que de alguna manera trataban de captar los pensamientos de la artista. A medida que su trabajo ha ido evolucionando, la linealidad y coherencia de los pensamientos representados se ha desintegrado. Las palabras ya no se asientan en líneas reglamentadas y bloques sólidos. Reflejan ahora su naturaleza fragmentada, borrosa, en capas, interconectada, con sentido o sin él. Y ya en su manifestación más reciente, las palabras gotean, cambiando y formando una compleja red. También ha crecido el interés de la artista por el espacio entre las Museo Naval del Caribe
Jessica Rankin’s embroidered paintings begin on colored organdy panels, a fabric known for its delicateness and transparence. The artist sews textual landscapes into this material that appears to be mountainous terrain, thermodynamic tables, and astronomical maps. Her early works were exclusively based on text and sought to capture the artist’s thoughts through their uniformity, fragility, and, on occasions, their great weight. As her work has evolved, the linearity and coherence of thought has disintegrated. The words no longer follow strict guides or form solid blocks. More and more she attempts to let thoughts and words reflect her fragmented nature—blurry, layered, and interconnected, with or without meaning. In her most recent creations the words drip and morph to create a complex network. The images and abstractions in her works here operate similarly. 114
letras, las lacunae, la resonancia del espacio negativo y el significado que da a las letras, palabras y estructuras alrededor de él. Las imágenes y abstracciones de las piezas seleccionadas en este muestra operan de manera similar. Emergen y se disuelven, y pueden ser estridentes y ambiguas al mismo tiempo. Son una reacción ante algo y a veces delatan a las palabras que las rodean, y luego crean significados en sus diferentes combinaciones. La translucidez del organdí, colocado a varios centímetros de la pared, permite la reverberación de las formas, proyectando sombras tenues en la superficie de atrás. En su conjunto, Rankin ve la estructura de sus obras como una «encarnación del pensamiento». BIACI
They emerge and dissolve; they can be strident and ambiguous at the same time; they are a reaction to something and they sometimes betray the words that surround them, only to later create meaning out of different combinations. The artist also has a growing interest in the space between letters—the lacuna— the resonance of this negative space and the meaning it grants to the letters, works, and structures around it. The translucency of the organdy, hung several centimeters from the wall, allows for a reverberation of its shapes, projecting faint shadows on the surface behind. Rankin views the structure of her work as the “incarnation of thought.”
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Teresa Serrano MEX (1936). Vive y trabaja entre la Ciudad de México y Nueva York / Lives and works in Mexico City and New York Quetzalcóatl 1996. Sábanas bordadas, cuero y soporte de hierro / Embroidered sheets, leather, iron structure. 160 x 80 x 400 cm Quetzalcóatl es el rey de los toltecas, dios de los aztecas y de varias culturas latinoamericanas, la serpiente emplumada, Kukulcán, vinculado a la naturaleza y a Tlaloc, dios de la lluvia. Esta pieza doble de la artista mexicana Teresa Serrano fue realizada como homenaje a Tepoztlán, lugar que pertenece al triángulo conformado por los pueblos de Xochicalco, Iztacalco y Tepoztlán, donde se dice que nació Quetzalcóatl, único hombre que entró a la mitología azteca, convertido por su pueblo en dios: dualidad deidadmortal. Las dos esculturas conectadas representan dos ríos: uno rojo y otro azul, que cuelgan por separado de sus respectivas estructuras de hierro. Son ríos ambiguos, sin embargo, referenciales. Reinterpretando la realidad, cambian de forma, siempre vivos, nunca iguales. Ríos que corren como una continuidad del hombre-dios.
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Quetzalcoatl is the king of the Toltecs and the god of the Aztecs and several other Latin American cultures. The feathered snake, Kukulcan, is associated to nature and to Tlaloc, the god of rain. This double work by the Mexican artist Teresa Serrano was made as homage to the village of Tepoztlán. Together with Xochicalco and Iztacalco, Tepoztlán forms the geographic triangle where Quetzalcoatl—the only man adopted by Aztec mythology—was said to be born. Quetzalcoatl was transformed into a half-god, half-man deity. The connected sculptures represent two rivers—one red and one blue—that hang independently from their iron structures. They are ambiguous and yet symbolic rivers; they reinterpret reality and are permanently alive and changing shape, never the same—rivers that run along the god-human continuum.
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Quetzalcóatl, escueto en la interpretación, expone la yuxtaposición de los materiales empleados: hierro, que pertenece a la industria rígida y pesada, y las colchonetas de tela bordada por donde fluye la sensualidad líquida de la naturaleza, que representan la dualidad masculino-femenino. Serrano es una artista que trabaja alejada de modas y tendencias predominantes. Sus intereses están centrados fundamentalmente en el género, en cómo se ejerce el poder y el control sobre los individuos, en particular sobre las mujeres, a veces de forma muy obvia y violenta, y otras más sutil y psicológica. BIACI
Quetzalcoatl, succinctly represented, exposes the juxtaposition of the materials employed: iron, a rigid and heavy industrial material, and the embroidered duvets along which the liquid sensuality of nature flows, illustrating the male/female duality. Serrano is an artist that remains separate from dominant trends. Her main interests lie in gender and in how power is exerted to control individuals—particularly women—in ways that are sometimes obvious and violent and at other times subtle and psychological.
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Hassan Sharif ARE (1951). Vive y trabaja en Dubái / Lives and works in Dubai Broken Horizontal Lines 2006. Tinta sobre papel / Ink on paper, Nº2: 41,8 x 58,4 cm; Nº3: 106,9 x 151,1 cm; Nº4: 58,4 x 41,9 cm Nº6: 148,3 x 106,6 cm; Nº7: 58,4 x 41,9 cm Wave-like and straight horizontal 2007. Nº10: Tinta sobre papel / Ink on paper, 58,4 x 41,9 cm Colorful File No.1 2006. Técnica mixta / Mixed media, 50 x 40 x 12 cm (imagen / image) Cardboard, plastic rope & jute 2006. Técnica mixta/ Mixed media, 45,4 x 34 x 17,7 cm Plastic-cardboard-cloth 2006. Técnica mixta/ Mixed media, 37 x 47 x 27,4 cm Pionero del arte conceptual en Oriente Medio, Hassan Sharif tiene la convicción de que el arte se puede crear con todo tipo de materiales. Sus obras realizadas con objetos encontrados, como la serie Colorful File, son una declaración contra la producción industrial, presentada a modo de sátira a través de la repetición monótona y recargada de materiales manufacturados con cierto recuerdo minimalista. El título de muchas obras reproduce literalmente el nombre de los materiales que las componen, para acentuar ese carácter industrial e higiénico del mundo contemporáneo. Sin embargo, suele mezclarlos intencionadamente de forma
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One of the pioneers of conceptual art in the Middle East, Hassan Sharif mixes performance, installation, drawing, painting, and assemblage. His work is a statement against industrial production, presented as a satire through the monotonous repetition of industrial materials in a minimalist format. By divorcing himself completely from his work, he brings the viewer to react exclusively to the object itself. Many of his works take their name literally from the materials they are composed of. This is how he highlights the industrial and aseptic features of the contemporary world. However, he often mixes materials that contradict each other, causing confusion and altering this
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contradictoria provocando confusión y alterando un aparente estado de no-emoción. Su obra no pretende ser entendida, sino explorada, activada por el mismo espectador. Sus dibujos demuestran también el interés del artista en el propio proceso artístico y en la repetición de gestos y las composiciones sistemáticas que hacen referencia a las tradiciones caligráficas, las formas arquitectónicas y la planificación urbana.
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apparently unemotional state. His work is not meant to be understood but rather explored and activated by the viewer himself. He works with found materials, investing them with an identity that goes beyond their quotidian reality. His assemblages breathe new life into common objects. Where others see trash, Sharif creates art that sits somewhere between Arte Povera and existential angst. He finds freedom in the rejects that goes beyond the formal rules of art. It is here that he has sought to find himself.
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Philip Taaffe USA (1955). Vive y trabaja en Nueva York / Lives and works in New York Angelus Novus 2013. Técnica mixta sobre lienzo / Mixed media on canvas, 96,52 x 94,62 cm Emblem Painting 2013. Técnica mixta sobre lienzo / Mixed media on canvas, 104,14 x 95,25 cm Imaginary Landscape I 2013. Técnica mixta sobre lienzo / Mixed media on canvas, 95,25 x 95,57 cm (imagen / image) Imaginary Landscape II 2013. Técnica mixta sobre lienzo / Mixed media on canvas 95,25 x 96,52 cm Las pinturas de Philip Taaffe se caracterizan por la versatilidad, el interés en las técnicas y las apropiaciones culturales. El vocabulario que utiliza es extenso: el collage, el estampado, la serigrafía, el gouache, el esmalte, las acuarelas y el pan de oro. A pesar de su aspecto decorativo, el gusto artesanal y la profusión de tonalidades, su obra es extremadamente intelectual, cargada de gestos artísticos absolutamente intencionados. Los cuatro lienzos seleccionados para la Bienal, mostrados por primera vez el pasado verano en Nueva York, se acercan a la abstracción a través de su alejamiento de la realidad. Cargados de una fuerte sensación de vibración óptica y una poderosa energía visual, conectan la abstracción con el mundo natural y exploran las propiedades de Museo Naval del Caribe
Philip Taaffe’s work is marked by versatility and an interest in technique and cultural appropriation. Taaffe employs lino prints, collages, etchings, serigraphs, gouache, chinecollé, stencil, speckling, acrylic, varnish, watercolor, and gold leaf. His work is extremely intellectual, drenched in cultural references and artistic gestures that are absolutely intentional. His works contain an important conceptual cargo but simultaneously exhibit a decorativeness and artisanship, due to the techniques and compositions used. The four canvases selected for the biennial point in the direction of abstraction, distancing themselves from reality. Charged with visual energy, they connect abstraction to the natural world and explore the properties of optics and the conceptual. They suggest microscopic imagery from some other place, pictured 120
lo óptico y conceptual. Sugieren una imaginería microscópica procedente de otros lugares, mostrada en una situación cinética e interactuando de una manera imprevisible, como una estructura visual que sucede en el ahora y en el nunca a la vez. Un teatro donde los elementos están en perpetuo éxtasis y movimiento. BIACI
kinetically and interacting unpredictably, something like a visual structure that happens in the here and now and also in the never, a theater where all the elements are in perpetual ecstasy and motion.
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L. N. Tallur IND (1971). Vive y trabaja entre India y Corea / Lives and works in India and South Korea Graft A; Graft B; Graft C 2013. Madera incrustada / Wood inlay Graft A, 110 x 177,9 x 19,9 cm (imagen / image) Graft B, 116,4 x 65,5 x 19,9 cm. Graft C, 99,8 x 161,2 x 19,9 cm. L. N. Tallur, nacido y criado en una comunidad rural de la India, parte del modo de vida simple del campo, con un corpus de imágenes en ocasiones duras y deprimentes que denuncian los efectos del utilitarismo social. Estudiante de museología, Tallur investiga cómo el valor es atribuido a determinadas obras de arte, creándose un aura de poder en torno a la obra que influye en sus maneras de representación. Graft es una serie de obras conceptuales, convertidas en piezas de museo como testimonio de un argumento paradigmático de su ideario artístico. Para él, si un objeto cualquiera pasa a ser una obra observada en un museo, adquiere una quinta dimensión. La idea de redimensionar una obra de arte se inspira en la teoría de la relatividad de Einstein, que introduce coordenadas temporales que ocupan una cuarta dimensión, en la que se ubica el objeto en un momento y espacio determinados.
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Born and raised in a rural Indian community, L. N. Tallur springs from the simple life of the countryside with a body of images that are on occasion rough and depressing, as they condemn social utilitarianism. A student of museology, Tallur investigates the way in which value is attributed to certain art works and how these take on an aura of power that influences the way they are portrayed. Graft is a series of conceptual works that become a museum object as a testimony to the paradigmatic argument of the artist’s conception. For Tallur, if an art work gets exhibited in a museum, it acquires a fifth dimension. The idea of remodeling an art work is inspired by Einstein’s theory of relativity which introduces temporal coordinates that occupy a fourth dimension, locating the object in a given time and space.
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Tallur se pregunta a través de obras como esta qué es lo que constituye esa quinta dimensión: ¿la institucionalización del objeto, o la parte intangible de este, que una fórmula científica no puede captar? Para expresar ese interrogante, propone una pieza formada por el corte transversal del tronco de un árbol, que muestra su edad a través de los anillos dibujados por la naturaleza, y que a través de la técnica de la taracea se incorpora al museo, como objeto artístico. De esta manera, continúa su cuestionamiento de la labor de los museos en el proceso de inmortalización de los objetos.
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Through works like this, Tallur asks himself what the fifth dimension is: Is it the institutionalization of the object, or is it the intangible component which cannot be described scientifically? In order to express this quandary, Tallur presents us with a cross-section slice of a tree trunk where its age can be seen in its rings. Inlay techniques are employed in order to incorporate natural rings into the museum as an object. In this matter he continues to question the role of museums in the immortalization of objects.
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Alison Elizabeth Taylor USA (1973). Vive y trabaja en Nueva York / Lives and works in New York
Squatter Doorway 2009. Chapa de madera y laca / Wooden sheet and resin, 135 x 119 cm (imagen / image) Multiple Shots with Knife Slashes 2010. Chapa de madera, pintura al óleo y laca / Wooden sheet, oil paint and shellac, 138,2 x 104,9 cm La obra de Alison Elizabeth Taylor tiene su seña de identidad en la técnica que utiliza: la marquetería, una de las formas de artesanía más populares durante el reinado de Luis XIV de Francia, que ha rehabilitado, representando temas contemporáneos. En sus obras aparecen temas sociales, paisajes, retratos de conocidos, imágenes cotidianas e incluso composiciones abstractas en las que otorga el protagonismo total al material. En Squatter Doorway y Multiple Shots with Knife Slashes apela a la arquitectura y el espacio interior para revelar el dolor de la vida de los desposeídos por la reciente crisis económica basada en la especulación inmobiliaria. El espectador experimenta un espacio arquitectónico no por su contenido, sino a través de sus huecos, en las marcas, agujeros y la absorción que hay en casas abandonadas que han sido objeto de vandalismo. Esas marcas Museo Naval del Caribe
Alison Elizabeth Taylor’s hallmark is her technique: marquetry and woodwork in a Renaissance style—one of the most popular art forms at the court of Versailles during the reign of Louis XIV of France—that she has rehabilitated to represent contemporary themes. Her works frequently include landscapes, elements of nature, portraits of acquaintances, scenes from daily life, and even abstract compositions that cede prominence to the material itself. In the two works exhibited at #1 Cartagena the artist appeals to architecture and internal space to reveal the desperate lives of those disinherited by the recent economic disaster, exploring the human impact of the evictions that followed the housing bubble in the United States. The viewer experiences an architectural space, not by its contents but by its gaps, the marks and openings, the absorption present in the abandoned houses, victims of 124
se convierten en evidencia de los estragos emocionales que sufren las personas que han perdido sus propiedades y muestran los sentimientos de frustraciĂłn y pĂŠrdida de poder aĂşn tangibles en esos espacios fĂsicos abandonados BIACI
vandalism. The marks evidence the emotional distress of people that have lost their properties and show the feelings of frustration and impotency that are still tangible in the abandoned homes.
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Ana Torfs BEL (1963). Vive y trabaja en Bruselas / Lives and works in Brussels TXT (Engine of Wandering Words) 2012-2013. Tapices Jacquard (6). Lana y algodón / Jacquard tapestries (6). Wool and cotton, 325 x 275 cm c/u / each TXT (Engine of Wandering Words) es un conjunto de seis tapices, cada uno de ellos constituido por un collage de 25 cuadrados. Cada cuadrado contiene grabados, óleos, fotografías, mapas, panfletos o páginas de libros, todos de diferentes períodos. Estos se conectan a través de unas líneas con manivelas representadas en los extremos, sugiriendo la idea de un dispositivo de cubos que, al girar, podrían desvelar nuevas imágenes. Se trata de un juego elíptico que conforma un extraño dispositivo de trucos visuales que invitan al espectador a pensar y a desentrañar su significado. Recoge su inspiración de un grabado en madera de Jean-Jacques Grandville, de 1838, que ilustra una edición francesa de la novela Los viajes de Gulliver. En el relato, el protagonista visita la Academia de Lagado, en la isla de Balnibarbi, una institución científica en la que han inventado una máquina que, con cada giro de la manivela, genera combinaciones de frases aleatorias, introduciendo así el debate sobre la palabra, el nombramiento de las cosas y su futilidad.
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TXT (Engine of Wandering Words) is a set of six tapestries, each made up of a collage of twenty-five squares. Each of these squares inset with engravings, paintings, photographs, maps, flyers, or book pages, each from a different era. These are connected by lines and cranks, suggesting an array of cubes that could reveal new images by turning. It is a game of ellipsis, a strange device for producing visual tricks which encourage the viewer to think hard and get through its meaning. She takes her inspiration from a Jean-Jacques Grandville engraving from 1838 that illustrates a French version of Gulliver’s Travels. In the novel, the main character visits the Academy of Lagado on the island of Balnibarbi, a scientific institution that has created a machine that, with each crank of the handle, produces a new combination of random phrases, setting forth a debate about words, the naming of things, and the futility of these endeavors.
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Ana Torfs es una artista que utiliza en sus instalaciones varios medios, desde proyecciones de diapositivas, sonido, fotografía y films hasta grabados, tejidos y serigrafías. En su obra es fundamental la tensión texto/lenguaje con la imagen, con todos sus procesos relacionados de visualización, interpretación y traducción. Esta tensión es el punto de partida para sus obras, que transmiten una percepción de actualidad y autenticidad de los vestigios dispersos de nuestra historia cultural y política.
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Torfs uses multiple media in her installations: slide projections, sound, photography, film, engraving, fabrics, and silkscreen. The tension she creates between text/language and image—with all the related processes of visualization, interpretation, and translation—is fundamental to her work. With text and/ or images as the starting point for her works, they transmit a perception of reality and authenticity from the scattered vestiges of our cultural and political history.
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Betty Woodman USA (1930). Vive y trabaja en Nueva York y Antella, Italia / Lives and works in New York and Antella, Italy The Vase with Pink Flowers and The Yellow Vase 2010. Cerámica esmaltada, lienzo, madera y pintura acrílica / Enameled ceramic, canvas, wood and acrylic paint. 215,9 x 459,7 x 30,4 cm Desde hace más de 50 años, la vasija es el eje central de la obra de Betty Woodman. Sus formas en cerámica se combinan a menudo con dibujos en colores brillantes o diluidos. Emplea un cuidadoso método con una mirada rápida, herencia de la pintura moderna, pero también con múltiples referencias e influencias, como contenedor de tradiciones y experiencias personalizadas. Sus primeras piezas eran obras de artesanía convencionales y funcionales. Pronto comenzó a experimentar con las arcillas y el color, aunque no fue hasta los años setenta cuando abandonó por completo la parte funcional de sus vasijas. Además fue aumentando la escala de sus piezas, que adquirieron formas cada vez más excéntricas, con numerosos destellos de otras culturas, variando de lo figurativo a lo abstracto. Sus influencias, producto de sus numerosos viajes, fluctúan desde la escultura etrusca y minoica hasta la azteca y la japonesa, pasando por las tradiciones occidentales
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For more than fifty years Betty Woodman’s work has centered on the vessel. Her ceramic forms frequently combine with brightly colored drawings or diluted images. She is meticulous in her method—a heritage of modern painting but also related to multiple other influences, a container for traditions and personalized experiences. Traditionally trained, her first works were conventional and functional works of artisanship. She soon began to experiment with clays and color, although she did not abandon the functional component of her vessels until the seventies. She also gradually increased the scale of her pieces which began taking on stranger forms, displaying features of other cultures and swaying from the figurative to the abstract. Her extensive travels have broadened her influences; from the sculpture of the Etruscan and Minoan to that of the Aztecs and the Japanese. She incorporates traditional Western uses of ceramic as well as the formal, chromatic experiences of
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en el uso de la cerámica y por las experiencias formales y cromáticas del arte contemporáneo. Al mismo tiempo, en sus esculturas de cerámica la pintura es tan importante como la propia forma, confiriendo un sentido completamente nuevo a los medios habituales. Una muestra del carácter original, heterodoxo e híbrido de su cerámica es la pieza mural seleccionada para la Bienal, The Vase with Pink Flowers and the Yellow Vase, que incluye también diferentes elementos a modo de vasijas en su composición.
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contemporary art. At the same time, in her ceramic sculptures paint is just as important as form, lending a completely new sense to traditional media. The mural piece selected for #1 Cartagena, The Vase with Pink Flowers and the Yellow Vase, includes a variety of elements in the form of vessels, a good example of the heterodox and hybrid character of her work.
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Yin Xiuzhen CHN (1963). Vive y trabaja en Pekín / Lives and works in Beijing Bookshelf No.1 2009. Instalación / Installation, 226 x 126 x 43 cm (imagen / image) Bookshelf No.14 2010. Instalación / Installation, 212 x 101 x 30 cm Yin Xiuzhen se educó durante la Revolución Cultural china. Sus temáticas suelen girar en torno a los problemas de la globalización y la homogenización del mundo actual, adquiriendo fama a través de las piezas en las que incluye objetos encontrados y reciclados. En esas piezas trata de extraer la memoria de los objetos, personalizarlos al máximo y eliminar el decadente proceso de higienización y homogenización que sufren en el camino a la modernidad. La preservación de la memoria se ha convertido así en su bandera y meta artística, a través de sus esculturas e instalaciones. Desligada de las estrictas normas académicas y abandonando la pintura tradicional desde muy temprano, Xiuzhen está a la vanguardia del arte contemporáneo chino, ambiente aún de dominio masculino y de desarrollo relativamente reciente tras la apertura cultural china.
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Yin Xiuzhen was raised during the Chinese Cultural Revolution. She uses her artwork to explore modern issues of globalization and homogenization and has become known for her work with found and recycled objects. She seeks to extract the memory of the objects, personalizing them so as to remove the toxic homogenization often produced in the drive toward modernization. The preservation of memory has become the beacon of her sculptures and installations. Divorced from strict academic practice and having abandoned traditional painting early on, Xiuzhen is at the vanguard of contemporary Chinese art, a scene that is still dominated by men and only recently developed since the cultural awakening in China.
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Bookshelf No.1 y No. 14 pertenecen a una serie de obras en las que la artista utiliza telas cosidas con cuidado para envolver objetos preexistentes. La introducción de las telas se debe a dos motivos. Primero, las ropas a las que esas telas pertenecían son objetos que dicen mucho de las personas que las llevaban. Son totalmente individuales y personales, en cierto modo son testimonio de una determinada época o momento de la Historia, y detrás de ellas hay una razón por la que fueron conservadas y no tiradas. En segundo lugar, habla de un proceso artesanal, lento y paciente, contrario a la vida acelerada y automática que llevamos en nuestro día a día. BIACI
Bookshelf No.1 and No.14 belong to a series of works that involve carefully sown fabrics that encase preexisting objects. The reason for the cloth is twofold. First, the clothes that the fabric was taken from offer information on their previous owners. They are completely unique pieces that say something about a particular time and piece of history. There is a reason why they were kept and not discarded. Second, the cloth speaks to an artisanal process, slow and patient, a rhythm that contrasts with our fast and automated daily lives.
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4. Casa Museo Arte y Cultura La Presentación Helena Almeida, Suzanne Anker, Charles Atlas, Perry Bard, Trisha Brown, Anna Camner, Peter Campus, Willie Cole, William Engelen, María Teresa Hincapié, Kevin King, Christiane Löhr, Inés Lombardi, Oswaldo Maciá, Jenny Marketou, Billy Martin, Zwelethu Mthethwa, Khalil Rabah, Luis Fernando Ramírez, Sergio Vega, Zinny & Maidagán Calle Estanco del Aguardiente, No. 5-55 Tel: +(57-5) 660 0102 Horario: Lunes a Viernes, 9 am – 12 pm y 2 – 8 pm Domingos y festivos, cerrado Schedule: Monday through Friday, 9 a.m. — 12 p.m. and 2 — 8 p.m. Closed Saturdays, Sundays and holidays
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Helena Almeida PRT (1934). Vive y trabaja en Lisboa / Lives and works in Lisbon Untitled 2010. Fotografía (5), b/n, gelatina de plata tradicional / Photography (5), b/w, Gelatin print, 125 x 135 cm c/u / each Untitled 2010. Video, b/n, sonido / Video, b/w, sound.18’8’’ Aunque siempre aparece frente a la cámara, Helena Almeida sostiene que sus imágenes no son autorretratos. La artista asume situaciones meticulosamente coreografiadas e interviene en los videos y dibujos para crear composiciones visuales complejas que reflexionan sobre el espacio y el tiempo. En un primer momento, los videos y dibujos funcionan como estudios para las fotografías, pero poco a poco ganan autonomía y legitimidad de una forma pertinente, planteando cuestiones sobre sus propias prácticas artísticas, los diversos logros y las posibilidades de producción de la cultura en la sociedad contemporánea. La serie Sin título (2010), incluye un grupo de fotografías y un video. Ambos representan la ruta que la artista y su marido recorren en su estudio con las piernas atadas con alambre. Una celebración del amor, pero también del esfuerzo, parece reflejarse en la dificultad de moverse el uno con respecto al otro, donde la distancia recorrida se
Despite always appearing before the camera, Helena Almeida maintains that her images are not self-portraits. The artist takes on meticulously choreographed situations and manipulates the videos and drawings to create complex visual compositions that reflect on space and time. Initially her videos and drawings played the part of studies for the photographs, but these have now gained autonomy and legitimacy as an art form in themselves. They pose questions about artistic practice, achievement, and the possibilities for the production of culture in contemporary society. Untitled is a series that includes a group of photographs and one video, the result of a year of work. The video is about a route that the artist and her husband traverse through their studio with their legs tied with wire. It is a celebration of love but also of effort, as the difficulty of moving against each other is reflected and the distance covered becomes an eternal road to Calvary.
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convierte en un calvario sin fin. Ante la imposibilidad de la libertad, la convivencia en un espacio reducido y el sacrificio de ambos cuerpos, la artista reflexiona sobre las relaciones humanas adversas en el mundo contemporáneo. Esas relaciones se ven coartadas por condiciones externas, pero principalmente por los límites internos asociados con problemas psicológicos e íntimos, causados por el sujeto como una autoflagelación. El espectador se ve obligado a reflexionar sobre su propia condición humana, sobre sus límites y sus posibilidades. BIACI
The artist looks at adverse human relations in a modern context through the impossibility of liberation, the sharing of a limited space, and the sacrifice of both bodies. These relationships are limited by external conditions, but even more so by internal ones that have to do with psychological, intimate problems that the subject inflicts on himself, as a kind of self-flagellation. The viewer, therefore, is forced to think about his own human condition, his limits and possibilities.
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Suzanne Anker USA (1946). Vive y trabaja en Nueva York / Lives and works in New York Biota 2011. Porcelana y figuras en pan de plata producidas mediante prototipado rápido, tamaño variable / Porcelain, silver-leaf rapid prototype figurines. Variable dimensions (imagen / image) Genetic Seed Bank 2007. Video animación / video animation, 1’ Dentro del campo del bioarte, Suzanne Anker es una de las artistas más destacadas. En su trabajo introduce aspectos conectados con la ética científica, como las modificaciones genéticas o los experimentos con animales. A la vez, aporta una dimensión también estética y conceptual, pretendiendo así disminuir las fronteras entre el público, el espacio expositivo y el del laboratorio. Uno de los temas que atraen su atención es la manera en que los conceptos generados a partir de la investigación en el campo de la neurociencia son usados en las artes visuales y en la cultura contemporánea. Pero también sus obras se centran en los procesos biológicos como generadores de obras artísticas. Biota es un conjunto de esculturas con forma de esponjas marinas. Estas tienen una estructura genética parecida en un 70% a la humana. A ello se le suma el que para Anker resulte curiosa la similitud de estas estructuras
A specialist in bio art, Anker introduces elements of scientific ethics such as gene modification and experimentation with animals. She lends these themes an aesthetic and conceptual dimension that goes beyond the scientific, thus dissolving the barriers between the audience, the exhibition space, and the lab. A field of research she frequently addresses is the manner in which neuroscience concepts are used in the visual arts and contemporary culture. But her work also focuses on biological processes as the precursors of artistic work. Biota is a set of sculptures shaped like marine sponges. These creatures’ gene structure is 70 percent identical to humans’. Their appearance reminds Anker of the human brain. In this project she reflects upon and analyzes these matters which are enormously attractive to her.
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orgánicas con el cerebro humano. En este proyecto reflexiona y analiza ambas cuestiones, que tienen para ella un enorme poder sugestivo. Genetic Seed Bank consiste en la proyección de una serie de fotografías digitales a gran escala en las que observamos cómo la flora y fauna marina crecen rodeadas por materia industrial e incluso terminan integrándose en ella. El proyecto evidencia la falta de concienciación ecológica de nuestra sociedad. La artista muestra, por un lado, su admiración por la increíble capacidad de regeneración de la naturaleza; y por otro, insiste en la idea del potencial de la materia orgánica como medio artístico. BIACI
Genetic Seed Bank is a series of large-scale digital photographs in which marine flora and fauna grow amidst industrial material and even end up intermixing with it—proof of our society’s lack of environmental awareness. In this project the artist displays her admiration for nature’s incredible regenerative capacity and insists on the artistic potential of organic materials.
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Charles Atlas USA (1958). Vive y trabaja en Nueva York / Lives and works in New York Ocean 2012. Video, color, sonido / Video, color, sound, 88’ Ocean, de Charles Atlas —uno de los pioneros en el desarrollo de la conexión entre el video, la danza y las artes performativas— capta la representación de la pieza del mismo título de Merce Cunningham y John Cage, un homenaje al novelista James Joyce, que antes de fallecer pensaba escribir una novela sobre el océano. La idea de Cunningham y Cage consistía en plasmar la coreografía sobre un escenario ubicado en el centro de un espacio, permitiendo que la orquesta y el público se situasen a su alrededor en círculos concéntricos. Aprovechando esa característica escenográfica, Atlas juega con el espacio, el montaje y diferentes tipos de planos y puntos de vista que permiten ilustrar el movimiento de los bailarines. Además divide la pantalla para ofrecer un grado de simultaneidad y multiplicidad con el que reforzar la experiencia audiovisual de la pieza. Es como si conscientemente subrayara las limitaciones del video para captar la danza, a la vez que demuestra la inmensa capacidad del medio para lograrlo.
Charles Atlas is one of the pioneers of the connection between video, dance, and performing arts. Ocean captures the work of the same name by Merce Cunningham and John Cage, a homage to the novelist James Joyce who at the time of his death was contemplating writing a novel about the ocean. Cunningham and Cage’s idea consists of playing out a choreography on a stage set at the center of a space, allowing both the orchestra and the audience to be seated around it in concentric circles. Availing himself of this unique scenography, Atlas plays with space, montage, different kinds of shots, and a combination of perspectives that allow him to capture the dancers’ movements. He splits the screen to offer a sense of simultaneity and multiplicity that enhances the audiovisual effect of the piece. It is as if he were consciously highlighting video’s limitations in capturing dance, even as he demonstrates its immense capacity.
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Para Atlas, colaborador de artistas como Marina Abramovic’, Yvonne Rainer y, sobre todo, el mencionado Cunningham, la teatralidad de la danza y la performance son un elemento de investigación dentro del artificio, la ficción y la realidad.
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For Atlas, the theatricality of dance and performance are elements of an investigation into artifice, fiction, and reality. In this line of inquiry he has collaborated with Marina Abramovic’ , Yvonne Rainer, and, especially, Merce Cunningham.
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Perry Bard CAN (1944). Vive y trabaja en Nueva York / Lives and works in New York Hotel 2014. Video, 13’. Producido por / Produced by: BIACI Los proyectos de la artista canadiense Perry Bard, tanto individuales como colaborativos, están muchas veces destinados a ser obras públicas. A través del video, la fotografía y la instalación introduce temas políticos, sociales y culturales que cuestionan las relaciones humanas. Igualmente, aborda la relación entre el individuo y el espacio urbano, el papel de los medios de comunicación y lo que estos seleccionan o ignoran. Hotel es un proyecto realizado en colaboración con los bailarines del Colegio del Cuerpo, aclamada compañía de danza de Cartagena. La obra es local y global a la vez. Utiliza en la coreografía los gestos que los trabajadores del Hotel Almirante de Cartagena realizan en la recepción, el comedor y otras zonas públicas, para concluir que son gestos globalizados. En cada país, los gestos de los trabajadores de un hotel son un uniforme. Practican su postura y sonrisa para desempeñar su papel con profesionalidad. Sus movimientos están estandarizados, al igual que las habitaciones, pasillos y ventanas. En el ambiente
Both Bard’s individual and collaborative projects are often destined to be public works. The Canadian artist works in video, photography, and installation, introducing political, social, and cultural themes that question human relationships. Similarly, she investigates the relationship between the individual and urban space, the role of communication media and what these select and ignore. Hotel is a piece produced in collaboration with the dancers from El Colegio del Cuerpo, an acclaimed dance academy in Cartagena. This video is both local and global. The choreography is based on observing the gestures of the Almirante Hotel’s staff in public spaces such as the front desk or in the restaurant. The message is that these gestures are globalized. Throughout the world, the gestures of hotel staff are uniform. They train their posture and their smile in order to communicate their role professionally. Their movements are standardized, much like the rooms, the halls, and the windows. Social order permeates the atmosphere. For a guest, being in a
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impera un reconocido orden social. Para el huésped, estar en un hotel significa estar en un estado de suspensión, en un cuarto anónimo, aislado y rodeado por desconocidos. Sin embargo, la experiencia resulta familiar porque los grandes hoteles funcionan de manera similar. #1 Cartagena presenta dos versiones de su proyecto: una performance como tributo al camarero, estructurada e improvisada al mismo tiempo; y una videoinstalación referida al turismo y la estandarización en un mundo global.
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hotel means being suspended in an anonymous room, isolated and surrounded by strangers. Nevertheless, the experience is familiar due to the similarities of grand hotels is any part of the world. #1 Cartagena presents two versions of the project. One performance is a tribute to wait staff—structured and improvised simultaneously. The other is an installation piece that refers to the standardization of tourism in a globalized world.
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Trisha Brown USA (1936). Vive en Nueva York / Works and lives in New York Sin título, 2006. Carboncillo y lápiz sobre papel / Charcoal and pencil on paper, 114 x 152 cm (imagen / image) Sin título, 2006. Carboncillo sobre papel / Charcoal on paper, 168 x 128,6 cm Sin título, 2006. Carboncillo sobre papel / Charcoal on paper, 131,8 x 147,6 cm Trisha Brown Early Works 1966–1979 2004, Video, color, sonido / Video, color, sound, 365’ Trisha Brown, una de las coreógrafas más reconocidas de la danza contemporánea, transformó, junto con artistas afines como Yvonne Rainer, Steve Paxton y Simone Forti, el concepto de lo que hasta entonces se consideraba como el movimiento apropiado para la coreografía clásica, muchas veces introduciendo el desafío a la fuerza de la gravedad en sus representaciones. Además, sus investigaciones sobre el movimiento ampliaron los límites de la danza y rompieron las percepciones anteriores en el campo de la performance. En 1962, Brown fue una de las fundadoras del Judson Dance Theater, y en 1970 montó su propia compañía de danza, que convirtió en una de las más destacadas del momento. Ya en los años ochenta comenzó sus colaboraciones con otros artistas. Los decorados de
Trisha Brown is among the most widely recognized contemporary dance choreographers. Together with her colleagues Yvonne Rainer, Steve Paxton, and Simone Forti, she has transformed the notion of what is acceptable movement in classical choreography, often challenging gravity in her arrangements. Her research into movement has pushed the limits of dance and changed perceptions in the field of performance. In 1962 Brown cofounded the Judson Dance Theater and in 1970 established her own dance company, which would become one of the most prominent of the time. In the eighties, she began her collaborations with other artists. Robert Rauschenberg’s sets, Laurie Anderson’s performances, and Nancy Graves’ scenographies were integrated into her postmodern pieces.
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Rauschenberg, las performances de Laurie Anderson, las escenografías de Nancy Graves y las piezas de sonido y los decorados de Donald Judd formaron parte de sus piezas posmodernas. A pesar de ser conocida por sus coreografías, Brown también ha desarrollado una carrera en el campo del arte plástico, en concreto en el dibujo. Sus obras han sido expuestas en diversos museos, galerías y centros internacionales. Tres de ellas se pueden ver en la Bienal, además de un video que recoge dieciocho de las mejores performances realizadas por la artista entre 1966 y 1979.
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Despite being known primarily for her choreographies, Brown draws as well, and her drawings have been exhibited in various museums, galleries, and international art centers. There are three on display at the biennial as well as a video that brings together eighteen of her most important performances from between 1966 and 1979.
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Anna Camner SWE (1977). Vive y trabaja en Estocolmo / Lives and works in Stockholm Untitled, 2011. Óleo sobre tabla / Oil on wood, 40 x 44 cm Untitled, 2012. Óleo sobre tabla / Oil on wood, 44 x 48 cm Untitled, 2013. Óleo sobre tabla / Oil on wood, 25 x 30 cm Untitled, 2013. Óleo sobre tabla / Oil on wood, 32 x 37 cm (imagen / image) Las pinturas de Anna Camner no son ni puramente botánicas ni fantásticas; no son enteramente naturalistas, pero tampoco completamente simbólicas. Evocan el incómodo mundo de las fábulas, la mitología y lo surrealista, distanciándose lo suficiente de la verosimilitud objetiva de los bodegones tradicionales o la pintura paisajista. Su obra muestra una síntesis curiosa, una convicción de que las cosas pueden cobrar vida por medio de la pintura que las representa. La artista pinta óleos sobre tablas. Comienza con una base totalmente negra, poniendo un fondo azul claro en dégradé, con el amanecer recreado en amarillo, o la iluminación nocturna en tintes morados. La ilusión de espacio se complementa con un claroscuro muy logrado. Eso pone de relieve el temperamento orgánico de la escena, centrando la atención del espectador en los detalles de su trabajo, llevándonos a aceptar el mundo en el que ella ha invertido su esfuerzo emocional y espiritual.
Anna Camner’s paintings are not merely botanical or fantastic; they are neither entirely naturist nor entirely symbolic. They recall the disquieting world of fables, mythology, and the surreal—distanced enough from the objective representations of still lifes and landscape paintings. Her work demonstrates a curious synthesis, a conviction that things can come alive by being re-presented in paint. Camner paints with oil on wood. She begins with a completely black base on which she applies light blue in graduated shading, recreating the hues of the dawn in yellow, or the night’s lights in dark purple. The illusion of space is accomplished by a refined use of chiaroscuro. This contributes to highlighting the organic quality of the scene, forcing our attention onto the details and leading us to accept the work where she has invested her emotional and spiritual effort. These small, intense, and elegant paintings review a number of themes. There is a symbolic relation-
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De pequeño formato, intensos y elegantes, sus cuadros crean una asociación simbólica en su representación de la descomposición mediante restos descartados de tejido corporal de mamíferos. Con sus intrigantes imágenes que provocan la imaginación, Camner pretende jugar con los componentes básicos de la vida a través de la habilidad imaginativa de lo absurdo.
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ship between their representation and their decay. What we are seeing as a result of this cycle are the discarded remains of mammalian tissue. We will be forgiven if we see a frontal lobe emerging like a fungus from the base of a leaf, or the fibers of our nervous system hung from a branch. Camner seeks to examine matter in general, playing with the basic components of life with imaginative and absurdist skill.
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Peter Campus USA (1937). Vive y trabaja en Nueva York / Lives and works in New York Stillness of Winter 2013. Video HD, color, sonido / Video HD, color, sound, 41’44’’ Red Crane (imagen / image) 2013. Video HD, color, sonido / Video HD, color, sound, 49’26’’ Water + Concrete 2013. Video HD, color, sonido / Video HD, color, sound, 38’12’’ Sliver 2013, Video HD, color, sonido / Video HD, color, sound, 40’02’’ A Peter Campus le gusta plantear problemas complejos como la identidad del cuerpo, la propia transformación, el conflicto entre lo real y lo virtual, la relación entre la obra de arte y el espectador, el existencialismo y el narcisismo. Experimentando con el video desde los años setenta e interesado en sus posibilidades y novedades tecnológicas, Campus utiliza técnicas distintas como la superposición, la inversión cromática, desapariciones y apariciones, inserción de croma, pixelados y manipulaciones del tiempo. Su trabajo se distingue por la articulación de técnicas muy sofisticadas en torno a la creación de la imagen. En él, esta se une a la exploración de las propiedades de diferentes medios, como el video, la videoinstalación, la fotografía, la instalación con diapositivas y la fotografía digital.
Through his work, Peter Campus discusses complex problems such as body identity, transformation, the conflict between the real and the virtual, and the relationship between art and the spectator, existentialism and narcissism. Ever since the seventies, his video graphics relentlessly explore the novelties and possibilities of technology. He uses techniques such as superimposition, chromatic inversion, appearance/disappearance, chroma keying, pixilation, and time manipulation. His work is characterized by his very fine technique in the creation of images. For Campus, image making and experimentation with various media such as video, video installation, photography, slide installation, and digital photography are dialectically integrated.
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Los cuatro videos presentados en la Bienal, Stillness of Winter, Red Crane, Water + Concrete y Sliver, fueron producidos en 2013. Constituyen meditaciones sobre el paso del tiempo y el concepto de humanidad en el mundo natural. Son videos pausados en el movimiento, el sonido y los cambios de luces. Esto crea un efecto hipn贸tico en el espectador. El uso de la imagen, la luz y el color los convierte en una mezcla de pintura expresionista y animaci贸n pixelada. Este nuevo corpus de trabajos sirve para recordarnos por qu茅 Campus est谩 considerado como una de las figuras clave y seminales en la historia del video y el arte de nuevos medios.
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The four videos presented at the biennial are part of his recent output, from 2013. Stillness of Winter, Red Crane, Water + Concrete, and Sliver are meditations on the passing of time and the concept of humanity in the natural world. These pieces are pauses in movement, sound, and light which have a hypnotic effect on the viewer. He combines image, light, and color into an expressionist painting and pixelated animation. This new body of work reminds us of why Campus is considered one of the most critical and seminal players in the history of video and the art of new media.
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Willie Cole USA (1955). Vive y trabaja en New Jersey / Lives and works in New Jersey From Water to Light 2013. Instalación. Dimensiones variables / Installation. Variable dimensions Producido por / Produced by: BIACI Escultor y artista visual y conceptual afroamericano, Willie Cole utiliza materiales reciclados y ensamblados para crear instalaciones imaginativas y poderosas, que tratan temas sociales, políticos y culturales que afectan al mundo contemporáneo. Comprometido con el medioambiente, aborda en su obra el tema del agua y el problema de su escasez. En From Water to Light reflexiona sobre su importancia como recurso necesario, utilizando las botellas que la contienen para comercializarla. La repetición de estas adquiere una clara simbología crítica, puesto que son uno de los productos de desecho más abundantes. A su vez, la repetición incesante de un objeto se relaciona con la conexión entre las miles de personas que lo han usado o han interactuado con él. En el caso de las botellas, Cole llama la atención sobre el aliento de una persona que fluye por el recipiente, aliento que para él representa el propio espíritu. Mediante la repetición de un mismo objeto en series múltiples, Cole transforma su significado,
The African American sculptor and conceptual artist Willie Cole uses recycled material to assemble imaginative installations that powerfully depict social, political, and cultural issues that affect the modern world. Concerned with and committed to the environment, Cole deals with the scarcity of water in this piece. Using commercial water bottles, Cole invites us to reflect on the importance of this basic resource in From Water to Light. Through the monotonous litany the bottles take on a clear critical symbolism as one of the world’s most abundant disposable products. At the same time, the incessant repetition of the object is related to the connection between the thousands of people that have used it or interacted with it. In the case of bottles, Cole is drawing our attention to the breath that flows into the receptacle, a breath that represents the human spirit. Through the repetition of a single object in multiple series, Cole transforms the meaning of the objects, investing them with metaphorical properties that become a
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otorgándole una característica conceptual y metafórica que se convierte en un arma poderosa. En sus instalaciones hay referencias constantes a la cultura africana, afroamericana, pop y asiática. Es frecuente que incluyan un componente interactivo, con el objetivo de comprometer físicamente al espectador para que centre su atención en el tema propuesto, de manera que el acto artístico pueda trascender y convertirse en algo útil para la sociedad y la naturaleza.
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compelling means of criticism. His work constantly references African and African American culture, as well as Asian and pop culture. He frequently incorporates an interactive element, seeking to physically involve the spectator and claim his attention for the proposed topic, allowing the artistic act to transcend and become something useful for society and nature.
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William Engelen NLD (1964). Vive y trabaja en Berlín y Róterdam / Lives and works in Berlin and Rotterdam Per voi ha ta 2014. Instalación sonora / Sound installation. Audio, 42’ William Engelen siempre utiliza la música en sus proyectos. Ha compuesto obras para instrumentos tan diversos como el violín, la guitarra eléctrica, la percusión, el arpa, el acordeón y la propia voz. Para la bienal de Cartagena ha creado una obra para un pequeño jardín. Entre sus plantas y árboles se sitúan varios atriles con cada pie anclado en una posición fija. En la superficie de madera de cada atril se aprecian marcas talladas que recuerdan al mundo artesanal. A diferentes alturas, los atriles forman una estructura poco usual: unos se asoman muy por encima de la tierra, otros tienen una posición más baja. Todos sostienen una inscripción-partitura distinta y construyen una composición musical fragmentada en partes, para diferentes instrumentos: un haegeum o violín de dos cuerdas y un tanso o flauta de bambú —ambos originarios de Corea—, percusión y voz humana. Las partituras inscritas no tienen una duración fija. Consisten en elementos individuales que pueden ser interpretados en cualquier
William Engelen invariably uses music in his projects. He has composed for instruments ranging from the violin to the electric guitar, percussion instruments, the harp, the accordion, and even voice. Engelen presents a special piece at #1 Cartagena. Several music stands are placed among the plants and trees in La Presentación’s garden. Their presence in the garden, with each leg firmly planted in the ground, is unusual. There are marks engraved on the surface of each lectern that reference artisanship. The music stands vary in height, some brushing the branches, and others low on the ground. Each hold their own score and all together form a musical composition with parts for different instruments: a haegeum, or two-string violin, a bamboo flute called tanso (both Korean instruments), percussion, and voice. The inscribed scores do not have a set length. The structures consist of individual elements that can be interpreted in any order. If a musician were to play the piece,
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orden. Un músico podría decidir su duración e incluso el silencio. Las partituras pueden leerse de izquierda a derecha, de arriba abajo, diagonalmente o en zigzag. Al mismo tiempo, cada una se puede escuchar por un parlante separado, mezclándose con el ambiente natural. Durante los meses de la exhibición, el atril irá adquiriendo una pátina. El clima afectará la madera, las plantas quizá crezcan enredándose y cubriéndolo. Los pájaros podrán posarse en ellos e incluso puede que algún gusano transcriba la partitura. Quizás el resultado sea una interpretación distinta.
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he could decide on the duration and even the moments of silence. The score can be read left to right, top to bottom, diagonally, or in zigzag. Each portion can also be played on a separate speaker, blending in with the natural environment. The wood will acquire a patina throughout the exhibition months. Its position outdoors will affect the lecterns. The plants might grow to accommodate and wrap around them; the birds may come to rest on them; a worm may even add its own ideas to the score. The result may turn out to be a different interpretation.
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María Teresa Hincapié COL (1956–2008) Vitrina 1989. Fotografías (2) / Photographs (2) 100 x 150 cm. Video monocanal, color, sin sonido / Single-channel video, color, no sound, 38’44’’ Una de las precursoras de la performance tanto en Colombia como en América Latina, María Teresa Hincapié exploró mediante su obra la dimensión más transformativa e integral del ser humano, aquella capaz de conectarlo con una realidad trascendente de carácter espiritual. A través de la plena conciencia del silencio, la levedad y la lentitud, hizo de su práctica un ejemplo genuino del equilibro posible entre el contexto cotidiano y la percepción austera y sagrada de la vida. Vitrina (1989) fue realizada por primera vez en un escaparate callejero en el centro de Bogotá. Era básicamente un acto anónimo sin medios exteriores —cámaras de televisión, noticias de prensa u otros medios— que legitimaran públicamente esta intervención urbana como acto artístico. Durante ocho horas diarias, la artista se dedicaba a realizar los oficios de limpieza de la vitrina, como muestra el video y las fotos seleccionadas para la Bienal. Los desplazamientos de la artista estaban marcados por gestos funcionales: enjabonar, enjuagar,
A pioneer of performance both in Colombia and the rest of Latin America, María Teresa Hincapié explores the most transformative and integral part of the human being—the part capable of connecting it with a transcendental, spiritual reality. Through an awareness of silence and levity, by involving herself in the most mundane actions and intimate experiences thereby unmasking the unity of movement, things, the body, and space, by taking a stance in favor of the perpetually mutating being, that which is renewal, and by exercising rigor in each and every one of her actions, she has made of her practice a genuine example of the balance that can be struck between everyday life and an austere, sacred sense of life. Vitrina (Vitrine) was first exhibited in a street display cabinet in the center of Bogota. It was basically an anonymous act without outside intermediaries—no television cameras, press, or other media—to document the urban intervention as art. For eight hours, or a full work day, the artist dedicated herself to cleaning her glass display. The glass that
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barrer, y monólogos íntimos que se comunicaban hacia el exterior a través de inscripciones sobre el vidrio, marcadas con el rojo sangre de un pintalabios, grafitis de la seducción alienada como forma manifiesta de las tensiones que la violencia psicológica, social y política ejercen sobre la identidad de lo femenino.
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separated public and private spheres was transparent, both barrier and two-edged unit of protection. The artist’s movements were explicitly functional—soaping, rinsing, sweeping—and her intimate monologues were communicated to the outside world through inscriptions on the glass, blood-red lipstick marks, graffiti from an alienated seduction as a manifesto of the tensions that psychological, social, and political violence exert on the female identity.
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Kevin King USA (1959). Vive y trabaja en Nueva York / Lives and works in New York Diorama with Orioles 2012. Óleo sobre placa de cobre / Oil on a copper plate, 17,8 x 26,7 cm (imagen / image) Diorama with Sunflowers 2010. Óleo sobre placa de cobre / Oil on a copper plate, 14,6 x 24,6 cm Diorama with Grasshopper 2008. Óleo sobre placa de cobre / Oil on a copper plate, 17,8 x 27,3 cm Kevin King incorpora a su obra su pasión por la naturaleza y su carácter de coleccionista. Sus óleos sobre cobre, sumamente detallados y próximos al campo de la ilustración, en los que retrata plantas, insectos y otros animales, van precedidos de un gran proceso de concepción y composición. Son objetos de contemplación, casi honrando a la fauna y flora que representan. La serie Dioramas incluye objetos encontrados, tanto ready-mades como restos orgánicos —alas de mariposa, trozos de ramas, puñados de tierra, semillas, restos de polen—. A pesar de su apariencia realista, los elementos que incluye en el mismo espacio están colocados de manera arbitraria, alejándose de los lugares reales que habitarían y ajustándose puramente a normas estéticas y composicionales muy personales. En Diorama with Orioles, por ejemplo, presenta dos oropéndolas, pájaros de vivos
Kevin King incorporates his passion for nature and his collector’s heart into his work. His extremely detailed and illustration-like oil on copper panel paintings depict plants, insects, and other animals and are backed by an elaborate conceptual and composition process. They are objects of contemplation, almost as if worshipping the fauna and flora they represent. The Dioramas series includes found objects, both ready-mades and organic wastes, such as butterfly wings, twigs, handfuls of earth, seeds, pollen, etc. Despite their realist appearance, the elements he includes are placed arbitrarily, far removed from their natural surrounding and positioned for purely aesthetic, personal reasons. In Diorama with Orioles we are presented with two golden orioles, birds with vivid plumage, immersed in a strange and exotic flora with lighting that is almost disquieting, as if from a dream world.
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colores, inmersos en una flora extraña y exótica con una iluminación casi inquietante, que parece proceder de un mundo más onírico que real. Sus obras están llenas de referencias artísticas e históricas. Muchas veces incorpora elementos que ha extraído de sus experiencias en museos, de libros o artículos. Se percibe que tiene influencias de las miniaturas persas y del pintor italiano Giorgio Morandi, por el poder simbólico otorgado a simples objetos.
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His works are full of artistic and historical references. He sometimes incorporates elements extracted from museums, books, or articles. There is evidence of influences from Persian miniatures and the Italian painter Giorgio Morandi, for the symbolic power invested in simple objects.
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Christiane Löhr DEU (1965). Vive y trabaja en Colonia, Alemania, y Prato, Italia / Lives and works in Cologne, Germany, and Prato, Italy Kleiner Tempel 2011. Semillas de hiedra / Ivy seeds, 4 x 8 x 8 cm Kleine Durchlässige Form 2012. Semillas de plantas / Plant seeds, 4,5 x 7,5 x 6,5 cm Kleine Kuppel 2010. Tallos de plantas / Plant stems, 7 x 7 x 6 cm Gebirge 2012. Semillas de hiedra / Ivy seeds, 11 x 38 x 24 cm (imagen / image) Fragilidad, geometría, tensión, orden y equilibrio son algunas de las características determinantes de la obra de Christiane Löhr, fuertemente relacionada por su trabajo con materiales botánicos que reconstruye de manera precisa y meticulosa. Sus delicadas esculturas están realizadas con elementos extraídos de la naturaleza, tales como raíces, pelo animal, fragmentos de plantas, semillas, o briznas de hierba, materiales que la artista conoce de manera muy profunda por sus visitas casi diarias al campo y con los que se siente cómoda. Revelando influencias del minimalismo y el arte povera, cada una de sus obras se convierte en un experimento sobre el potencial de las plantas, una investigación sobre el desarrollo de nuevas formas. Antes de unir las diferentes piezas que van a formar su composición, Löhr
Fragility, geometry, tension, order, and balance characterize Christiane Löhr’s work which is heavily inflected by her work with carefully reconstructed botanicals. Her delicate sculptures are built with natural elements such as roots, animal hair, bits of plants, seeds, grass fibers, etc., suggesting new ways of using materials, ones which the artist knows intimately. Her delightful constructions, which show the influence of minimalism and Arte Povera, expand through space. The process of creation for each of her works is an experiment into the potential of plants, an investigation of the development of new forms. Before joining the different elements of her compositions, Löhr meticulously studies the characteristics, morphology, and function of the materials in order to understand their essence and incorporate them
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estudia con cuidado sus características, su morfología y su función, para aprehender su entidad y así ponerlas a disposición de su arte. Después amplía la escala de estos elementos, haciendo que se expandan en el espacio al recrear su forma con otros materiales orgánicos. De esta manera, subyace un discurso de cuestionamiento de las estructuras de la realidad, la representación, el poder y la jerarquía de la naturaleza. La artista define su obra como un conjunto que se compone de cierto número de elementos individuales que de repente parecen inseparables: «Todas mis esculturas comparten algo. Cada obra tiene su propia lógica y sigue una visión clara del gesto y la forma que vienen de dentro». BIACI
into her art. She then expands the scale of these elements, recreating their form with other organic materials. By doing so she questions the structures of reality, representation, power, and the hierarchies of nature. The artist defines her work as a whole make-up of individual elements that suddenly appear inseparable: “All of my sculptures share something. Each takes on its own logic and follows a clear vision of the form and expression within.”
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Inés Lombardi BRA (1958). Vive y trabaja en Viena / Lives and works in Vienna Diálogos 2013. Instalación multimedia / Mixed-media installation Producido por / produced by: BIACI Inés Lombardi juega con la percepción humana en un proceso de cambio constante. Para explorar esos cambios, ella misma transforma algunos aspectos de obras anteriores, presentándolas con nuevas variaciones. Al mismo tiempo, experimenta con las relaciones cambiantes de la apariencia física de las ciudades, la conexión entre naturaleza salvaje, naturaleza construida y urbanismo, y cómo esta relación se integra en nuestra identidad cultural. El factor común de todos sus trabajos es el espacio. En él se desarrolla una correlación entre lo real y lo construido por la artista. La fotografía, el video, la escultura y la instalación son los medios que Lombardi trae a la luz en situaciones espaciales diferentes y añadiendo siempre nuevas constelaciones. En esta instalación, Lombardi se mantiene por un momento en el punto de ruptura del presente para reflexionar sobre la construcción de unos jardines en 1949 por parte de Rino Levi y Roberto Burle Marx, en la ciudad de São José dos Cam-
According to Brigitte Huck, for Brazilian artist Inés Lombardi the basis of human perception is a process of constant change. In order to explore these changes, she transforms certain aspects of previous works, presenting them with new variations. At the same time, she experiments with the changing physical appearance of cities, the links between wild nature, cultivated nature, and urbanism, and how these relations are integrated into our cultural identity. The common denominator in her work is space. Within it she develops a correlation between what is real and what is constructed. Photography, video, sculpture, and installation are the media that Lombardi brings to light in varied spatial settings, continuously adding new constellations. For #1 Cartagena, Lombardi temporarily breaks with the present to reflect on the construction of the gardens by Rino Levi and Roberto Burle Marx that today are part of a public park in San Jose dos Campos, in Brazil. The project investigates the relationship be-
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pos en Brasil. El proyecto indaga en la relación entre el pasado y la actualidad, pero también en nociones de identidad y transformación, y espacio y tiempo en todas sus dimensiones. El desplazamiento del manifiesto de este concepto se concentra en lo relacional: la relación entre la imagen y el ambiente, entre el espacio plástico y el real, entre los propios componentes de la instalación entre sí, y la del espacio de exposición con el propio espectador.
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tween past and present as well as notions of identity, transformation, space, and time in all of its dimensions. These are conceptualized in terms of relationships: the relationship between the image and the context, between what is plastic and what is real, between components, and between the exhibition space and the viewer.
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Oswaldo Maciá COL (1960). Vive y trabaja en Londres / Lives and works in London Anestesia 2014. Instalación olfativo-acústica. Imagen: boceto, tinta sobre papel / Acoustic / olfactory installation, various media. Image: Sketch, ink on paper, 42 x 29,7 cm Producido por / Produced by: BIACI Anestesia es una escultura olfativoacústica que propone un recorrido a través de la etimología de la palabra estética. Maciá mantiene con esta obra, producida para la Bienal, su idea en torno a la urgencia de reflexionar sobre los límites de la insensibilidad/anestesia que experimentamos en nuestra realidad cotidiana. Para Maciá, esta investigación es una relectura expandida de los conceptos de anestesia y estética enfatizando las diferencias existentes entre ellos y que son aceptadas como válidas. Al mismo tiempo, se pregunta dónde dibujamos las fronteras de la indiferencia sensitiva. En esta instalación sonoro-olfativa el visitante experimenta una serie de texturas sonoras basadas fundamentalmente en la forma de comunicación de las abejas a través de vibraciones, mientras que la parte olfatoria está compuesta por ciertas notas olfativas relacionadas con los conceptos de anestesia y de estética.
Oswaldo Maciá’s Anestesia is an acoustic/olfactory sculpture that presents us with an examination of the etymology of the word aesthetic. With this piece, produced for #1 Cartagena, Maciá further develops his ideas regarding the urgency of reflecting on the limits of insensitivity and anesthesia that we experience in our everyday reality. For Maciá, this research is an expanded re-reading of the concepts of anesthesia and aesthetics, emphasizing the difference that exist between the two that are accepted as valid. At the same time he questions the place where the boundaries of sensorial indifference are drawn. In this acoustic/olfactory installation the viewer experiences a series of sound textures that are based on the way bees communicate, through vibrations, while the olfactory element is made up of certain notes related to the concepts of anesthesia and aesthetics.
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Desde su origen, el término estética ha sido reducido a un solo sentido, el de la visión. Procede del griego aisthetikê (sensación, percepción) y de aisthesis (sensibilidad, percibir con todos los sentidos). Posteriormente se apropió de este concepto el filósofo alemán Alexander Gottlieb Baumgarten para definir la ciencia de lo bello. A su vez, la etimología de la palabra anestesia —del griego anaisthesia (sin sensibilidad)— se demuestra como la antítesis que propone esta escultura: el sin sentir como una gran debilidad del ser humano.
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Since its origins, the term aesthetic has been reduced to a single sense—our sense of vision. It is derived from the Greek aisthetikê (sensation, perception) and aisthesis (sensitivity, perception via the senses). It was later appropriated by the German philosopher Alexander Gottlieb Baumgarten to define the science of the beautiful. At the same time, the etymology of the word anesthesia—from the Greek anaisthesia, for lack of sensitivity—presents itself as the opposite of what this sculpture proposes: the absence of feeling as a great human weakness.
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Jenny Marketou GRE (1954). Vive y trabaja en Nueva York / Lives and works in New York Flows 2014. Video, color, sonido / Video, color, sound, 13’15’’ Producido por / produced by: BIACI Flows es una muestra de la fascinación de la artista por los sonidos tradicionales de la cumbia y cómo estos se mezclan y funden con la historia cultural y la memoria colectiva de Colombia. Este género musical era tradicionalmente representado como un rito de cortejo de los esclavos, como danzas de seducción. Los ritmos y sonidos de esta música enfatizan una comunicación no verbal entre hombres y mujeres. Hasta mediados del siglo XX estaba considerada como una danza inapropiada, representada principalmente por las clases sociales más humildes. Marketou busca los ecos de esta música en la ciudad de Cartagena y las islas del Rosario, entrevistando y grabando a cantantes y bailarines de cumbia ya retirados que fueron muy populares en algún momento. Delante de la cámara, en un espacio vacío sin escenario, interpretan las canciones de memoria, intentando seguir un orden cronológico.
Flows exhibits the artist’s fascination with cumbia’s traditional sounds and with how these are integrated into the cultural history and collective memory of the Colombian people. This musical genre was traditionally the slaves’ courting ritual, a dance of seduction. The music’s rhythms and melodies are vehicles for nonverbal communication between men and women. Up until the mid-twentieth century, cumbia was marginalized as inappropriate, limited to the least favored social classes. Marketou seeks the echoes of cumbia in the city of Cartagena and its Rosario Islands, interviewing and recording retired singers and dancers that were popular in their glory days. They sing the songs before the camera, from memory, in an empty, stage-less setting, attempting a chronological order.
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En el video se entrelaza todo ese material para profundizar en la historia de la cumbia a través de la memoria y los recuerdos, pero también a través de la memoria del cuerpo de estos viejos artistas. Como resultado, a través del flujo de canciones y actuaciones, se resaltan las limitaciones físicas del cuerpo a medida que la vejez se apodera de los intérpretes. Y al mismo tiempo, explora los mensajes sociales encastrados en la música, que reflejan la realidad social y política de Colombia del pasado, el presente y el futuro.
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All this material is blended together in the video in order to investigate the history of cumbia through memories—including the physical memory stored in the performers’ bodies. As the songs and performances go by, the limitations of the body are highlighted as we see old age taking its toll on the artists. The work also presents the social and political messages that cumbia carries, reflecting Colombia’s past, present, and future.
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Billy Martin USA (1963). Vive y trabaja en Nueva York / Lives and works in New York Sin título 2013. Tinta sobre papel / Ink on paper, 34 x 28 cm Sin título 2009. Tinta china sobre papel / India ink on paper, 34 x 28 cm (imagen / image) Karái oka 2009. Tinta sobre papel / Ink on paper, 18,4 x 26,3 cm También llamado Illy B, Billy Martin es conocido por su trabajo como músico y compositor de los grupos Medeski Martin & Wood y The Lounge Lizards, aunque su interés por las artes visuales lo ha llevado a explorar nuevos medios y formas de expresión. Su interés por la música lo llevó a viajar, y las influencias africanas, oceánicas y brasileñas recibidas en sus viajes impregnan tanto sus trabajos plásticos como su carrera de percusionista. Al igual que su música, la mayor parte de sus dibujos y pinturas son producto del azar y de su estilo de improvisación. A través de esta técnica ha creado imágenes icónicas —como el famoso logo de MMW—, collages multimedia, la notación musical experimental y pinturas. Estas tres partituras gráficas —exhibidas junto a sendas grabaciones de audio basadas en ellas— son parte de una serie en preparación nacida de una anterior, Veve, inspirada en dibujos haitianos
Sometimes called Illy B, he is best known for his work as a musician and composer in the music groups Medeski Martin & Wood and The Lounge Lizards. It is nevertheless Billy Martin’s interest in visual arts that has led him down countless other paths to explore new media and forms of expression. It was music that led him to travel, and the African, Oceanic, and Brazilian influence he picked up as a result inform both his visual art and his career as a percussionist. Much like his music, most of his drawings and paintings are the product of chance and his particular brand of improvisation. Through this technique he has created iconic images—such as the famous MMW logo—multimedia collages, experimental music notation, and paintings of birds. These three graphical scores (exhibited along with their audio recordings) are part of a series born from a previous production, Veve, inspired on Haitian voodoo pictures
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sobre vudú. En ella, los dibujos mecánicos improvisados animan la música que los instrumentistas usan como un poema tonal y una guía a través de una interpretación libre. Esta imaginería es una extensión de la tendencia del artista a crear y combinar imágenes icónicas que a menudo son una abstracción para que finalmente sea el lector quien saque su propia conclusión sobre lo que está escuchando.
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in which improvised mechanical drawings illustrate the music that the instrumentalists play like a tone poem and a guide for improvisation. This imagery is an extension of the artist’s tendency to create and combine iconic images that are frequently an abstraction, allowing the public to derive his own conclusion from what he is listening to.
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Zwelethu Mthethwa ZAF (1960). Vive y trabaja en Ciudad del Cabo / Lives and works in Cape Town The Dance of Life 2006. Video, b/n, sonido / Video, b/w, sound, 4’ En el video La danza de la vida, Zwelethu Mthethwa, uno de los artistas sudafricanos más reconocidos de las últimas décadas, expresa con claridad la idea del mantenimiento de la cohesión social del grupo danzante. La idea para la obra parte del cuadro homónimo de Henri Matisse y decidió incorporar similares cualidades abstractas al espacio, el movimiento y el sonido. En un cuarto cerrado, hombres, mujeres y niños corren en círculo y están dirigidos por uno de ellos, que a su vez realiza numerosos giros sobre sí. Los niños comparten el mismo ritual, lo que los prepara para su vida de adultos. Es un entorno en lucha entre la pérdida de identidad y la resistencia cultural presente en elementos como el vestuario y el ritmo de la danza. En esta obra, el artista adopta un punto de vista personal sobre el trance circular de un ritual religioso en un proceso de curación e introspección, metafóricamente próximo a las preocupaciones contemporáneas de la sociedad negra en África del Sur.
In the video The Dance of Life, Zwelethu Mthethwa, one of the most celebrated South African contemporary artists, clearly expresses the idea of maintaining social cohesion within a dance troupe. Named after Henri Matisse’s painting, Mthethwa chose to incorporate similar abstract qualities into the space, the movement, and the sound. In a closed room, men, women, and children run around in a circle and are directed by one figure who spins in place. Children share in this ritual, performed in preparation for adulthood. In this environment, there is a struggle between the loss of identity and the cultural resistance present in elements such as their wardrobe and the rhythm of the dance. In this work, the artist expresses his personal view of the circular trance of a religious rite, a means of healing and introspection, metaphorically similar to the modern concerns of the black community in South Africa.
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Mthethwa basa su trabajo artístico en la tradición, aunque imbuida de una presencia contemporánea fascinante. Al igual que en sus series de fotografías, reflexiona sobre la dualidad de los espacios: el primero es el espacio físico en el que los bailarines se mueven, y en segundo lugar está el espacio psicológico creado por el ritmo cambiante de los latidos del corazón.
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Mthethwa’s work is built from tradition, although imbued with a fascinating contemporary presence. Just as in his series of photographs, the artist reflects on the duality of space: the first space is the physical one in which the dancers move about and the second is the psychological space created by the changing rhythm of the heart’s beat.
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Khalil Rabah PSE - ISR (1961). Vive y trabaja en Ramala, Palestina / Lives and works in Ramallah, Palestine Another Geography 2009–14. Mapas / Maps (3), 2009. 60 x 80 cm c/u / each 50 postales / 50 postcards, 15 x 20 cm c/u / each
Khalil Rabah es un artista conceptual palestino que trabaja con una amplia variedad de medios. Su método de trabajo puede verse como una forma de ciencia artística que se centra en cuestionar la Historia y la memoria, específicamente en el contexto de su nativa Palestina. Another Geography fue un trabajo desarrollado para la 3.ª Bienal de Riwaq en 2009, de la que fue director. Su idea fue organizar una bienal descentralizada. En lugar de que una única ciudad fuera la que albergara las exposiciones y actividades de un evento de estas características, como en las bienales de Venecia, Sídney, São Paulo y ahora Cartagena, el programa expositivo y cultural se dispersó por cincuenta pueblos de Palestina. Cada uno de ellos poseía cierto significado arquitectónico e histórico del que se subrayaba su importancia y preservación. Así quienes visitaron la Bienal fueron viajando de una población a otra, viendo los trabajos directamente relacionados con la historia y la herencia del lugar.
Khalil Rabah is a conceptual artist that works with a variety of media. His methods can be seen as a form of artistic science centered on questioning history and memory, particularly in the context of his native Palestine. Another Geography was developed for the 3rd Riwaq Biennial in 2009 which he directed. His idea was to organize a decentralized biennial. Instead of hosting all the exhibitions and activities in one city— such as is done in Venice, Sydney, Sao Paulo, and now Cartagena—the program was spread across fifty Palestinian villages. Each held certain architectural and historical meaning and the interventions highlighted the importance of their preservation. The visitors to the biennial travelled from one village to another, seeing works directly related to the heritage of each place.
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El proyecto visualiza las localidades desconectadas de la Bienal a través de diferentes pilas de postales que describen cada uno de los pueblos que acogieron el evento, sirviendo de recuerdos de los lugares visitados. Las pilas se organizan en el espacio de la galería de acuerdo a la geografía de los territorios ocupados, mostrando la demarcación de los lugares culturales y artísticos de Palestina. Rabah contextualiza el concepto de fórum artístico dentro de un paisaje fragmentado, convirtiendo a estos pueblos en parte de un discurso global.
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Another Geography visualizes the disconnected locales through piles of postcards that portray each of the villages that hosted the event, as though souvenirs of each site. The stacks are organized in the gallery space according to the geography of the occupied territories, marking cultural and artistic sites in Palestine. The work contextualizes the concept of an artistic forum within a fragmented landscape, injecting these villages into part of a global discussion.
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Luis Fernando Ramírez COL (1966). Vive y trabaja en Bogotá / Lives and works in Bogota Walden 13 2013. Panel de abejas sintético. Tubos hexagonales de plástico, miel y cera de abejas / Synthetic beehive panel. Plastic hexagonal tubes, honey, and beeswax. 35 x 58 x 36 cm Walden 13 es un panal de abejas sintético que pende del techo, construido con base en la geometría del complejo de viviendas Walden 7, diseñado por el arquitecto Ricardo Bofill en Cataluña (España). Cada una de las celdas plásticas está rellena de miel y sellada en las puntas con cera de abejas. Las abejas podrían utilizar la miel. Como la arquitectura moderna, Walden 13 representa ideas utópicas a la espera de ser utilizadas y explotadas a plenitud. Este complejo propuso en los años setenta una estructura arquitectónica alternativa a los bloques de vivienda racionales imperantes en el momento, una utopía arquitectónica que pretendió condicionar el comportamiento individual de los habitantes en pro del bien común.
Walden 13 is a synthetic beehive panel hung from the ceiling and built on the geometry of a housing complex called Walden 7, designed by the architect Ricard Bofill in Catalonia, Spain. Each of the plastic cells is filled with honey and sealed on the edges with beeswax; bees are allowed access to the honey. In the seventies this complex proposed an alternative to the rational housing blocks that were in their heyday. It was a utopic architectural proposal that hoped to condition the behavior of the residents in favor of the common good. Walden 13 continues the saga begun in literature by Henry David Thoreau’s Walden; or, Life in the Woods, followed by B. F. Skinner’s Walden Two, the novel that inspired Bofill’s design for Walden 7.
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Walden 13 continúa la saga iniciada en la literatura por Walden, la vida en los bosques, de Henry David Thoreau, seguida por Walden dos de B. F. Skinner, novela sobre la cual se basó Bofill para el diseño de Walden 7. Luis Fernando Ramírez estudió arquitectura y es un artista multidisciplinar. Su interés por la arquitectura moderna refleja sus ideas acerca de cómo el espíritu moderno no ha sido eclipsado por la arquitectura contemporánea. A través de imágenes, historias ficticias e híbridos culturales, su trabajo es una reflexión sobre los posibles significados de esta modernidad sobreviviente, hibridada, contaminada, añorada. BIACI
The uninhabited apiary architecture of Walden 13 is filled with honey—a treasure accumulated in the plastic cells—waiting to be discovered and put to use. Similarly, the modern architecture it is meant to represent contains in its structure utopic ideas waiting to be harvested and used, like the honey in Walden 13. A multidisciplinary artist, Ramírez studied architecture and works with photography, drawing, video, models, installations, and popular music. He believes that the spirit of modern architecture refuses to go away entirely. Through images, fictions, and cultural hybrids, his work reflects on the possible significance of surviving modernity—hybridized, contaminated, and longed for. 171
Sergio Vega ARG (1959). Vive y trabaja en Miami / Lives and works in Miami Modernismo chamánico 2014. Instalación. Maquetas, palmeras, mural y video / Installation. Models, palm trees, mural, video La obra de Sergio Vega indaga en la formación de la cultura y las condiciones sociales del mundo a través de los esquemas de actuación del colonialismo, examinando para ello los sistemas de representación históricos y contemporáneos. En #1 Cartagena, como en otras etapas de su obra, aborda el tema de la arquitectura modernista. Bajo el título Modernismo chamánico, establece cómo la arquitectura tropical dialoga con la naturaleza no para camuflarse a sí misma, sino para enfrentarse a ella. Así, siguiendo el ejemplo del chamán, que imita a los animales, habla sus lenguas y emula sus movimientos, la arquitectura modernista, al olvidar la lógica cartesiana, entró en un terreno sinuoso al abrigo del chamanismo. Fue este hecho lo que la llevó a un estado performativo para travestirse como animal o planta. Aunque moderno, un edificio travestido como otra cosa y presentado como un mensaje de los cielos es ciertamente una idea antigua.
Sergio Vega examines historical and current systems of representation in order to understand how culture is created and to question the world’s social conditions through the looking glasses of colonial paradigms. Like previous works, his piece for #1 Cartagena, Modernismo chamánico (Shamanic Modernism), takes on Modernist architecture, posing that tropical architecture establishes a dialogue with nature, not in order to camouflage itself, but rather, to contend with it. Following the example of the shaman that imitates animals, speaks their languages, and emulates their movements, when Modernist architecture forgot Cartesian logic it entered a sinuous terrain that left it under the shelter of shamanism, driving architecture into a performative space, cross-dressing as an animal or plant. Though modern, the idea of a building dressed up and presented as a message to the skies is certainly an old one.
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Para Vega, parece plausible que la próxima tendencia en arquitectura abrace abiertamente estrategias chamánicas: «Puede que en un futuro próximo veamos un extraño surtido de edificios orgánicos adquiriendo el estatus de especímenes naturales. Arquitectura colorida loro, edificios institucionales plátano, iglesias piña, casas cocodrilianas, paseos serpiente, teatros tucán, estaciones de metro orquídea, etc. Si en ese proceso todas las especies acaban estando representadas, las ciudades se convertirían en inventarios exhaustivos del reino natural, y todo el mundo moderno en un paraíso monumental».
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For Vega, it seems plausible that the next trend in architecture will be to openly embrace shamanic strategies. “In the near future we may come to see a bizarre array of organic buildings acquiring the status of natural specimens. Parrot color-chart architecture, banana institutional buildings, pineapple churches, crocodilian houses, snake promenades, toucan theaters, orchid subway stations, etc. If in the process all species end up being represented, cities could become entire inventories of the natural kingdom and the whole of the modern world a monumental paradise.”
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Zinny & Maidagán Dolores Zinny, ARG (1968). Juan Maidagán, ARG (1957) Viven y trabajan en Berlín / Live and work in Berlin Costuras emplomadas 2014. Telones: algodón y poliéster / Curtains: cotton and polyester (4-5), 4 x 6 m. Obras en tela / Works on cloth (16), 2 x 2 m. Producido por / produced by: BIACI Dolores Zinny y Juan Maidagán son artistas conceptuales que combinan ciertas narrativas con intervenciones ficticias vinculadas a la abstracción. Además, utilizan la investigación de elementos arquitectónicos concretos e historias específicas de un lugar como herramientas para la construcción de una lectura simbólica. Mediante la apropiación, intervención y transformación de esos lugares determinados, los artistas permiten la creación de una relación entre el espectador y el propio espacio expositivo. Costuras emplomadas consiste en una delimitación de un campo de lectura desarrollado por primera vez en el año 2012 para la Haus der Kulturen der Welt, dentro del marco del primer Berlin Documentary Forum, con el título Verbleite Nähte. En esta ocasión, para #1 Cartagena, su participación tiene lugar en el patio-teatro de la Casa Museo Arte y Cultura La Presentación, donde la obra no solo es recreada, ocupando el espacio delimitado por una doble
Dolores Zinny and Juan Maidagán are a duo of conceptual artists that combine narratives with fictional interventions that lead to abstraction. They research concrete architectural elements and stories specific to a place—these become their tools for symbolic reading. Through appropriation, intervention, and transformation of these specific places the artists create the occasion for a special relationship to form between the viewer and the exhibition space. Costuras Emplomadas (Leaded Seams) is a cordoning off of a reading field. The project was first developed in 2012 for Haus der Kulturen der Welt to present at the Berlin Documentary Forum 1 under the name Verbleitea Nähte. For #1 Cartagena it will be set at the patio/theater of the Museum of Art and Culture La Representación. Here the piece has been recreated and adapted to the exhibition space, below its double colonnade and the readings have been chosen according to themes from local history and culture.
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columnata, sino también adaptando las lecturas a temas relacionados con la historia y cultura local. Las lecturas serán simultáneas; los lectores, en su mayoría estudiantes, leerán para sí mismos y reaccionarán frente al acercamiento del público leyendo para la audiencia presente. Los libros serán, entre otros, Diario de Hiroshima, de Michihiko Hachiya; Sobre la historia natural de la destrucción, de W. G. Sebald; We wish to inform you that tomorrow we will be killed with our families, de Philip Gourevitch; y Country of my Skull, de Antje Krogs.
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Especially commissioned ‘fabric paintings’ in rich colors will drape the space creating an intimate space for the reading field. The readers— students—read for themselves but will react to the presence of the audience. The readings are simultaneous. The booklist will include Michihiko Hachiya’s Hiroshima Diary, W. G. Sebald’s On the Natural History of Destruction, Antjie Krogs’ Country of My Skull, and Philip Gourevitch’s We Wish to Inform You That Tomorrow We Will Be Killed with Our Families.
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5. Capilla de la Iglesia de la Santísima Trinidad Anna Boghiguian, Marine Hugonnier Calle San Antonio No. 25-174, Barrio Getsemaní Horario: Lunes a Sábado, 9 am – 7 pm Domingos y festivos, 10 am – 4 pm Schedule: Monday through Saturday, 9 a.m.— 7 p.m. Sundays and holidays, 10 a.m.— 4 p.m.
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Anna Boghiguian EGY (1946). Vive y trabaja en El Cairo / Lives and works in Cairo A life. The Agony and Ecstasy for Survival 2014. Instalación. Dibujos, figuras, pintura sobre mural, cera de abeja / Installation. Drawings, figures, mural painting, beeswax (imagen: boceto / image: sketch) Producido por / Produced by: BIACI Anna Boghiguian utiliza el dibujo, el collage y la pintura para componer sus instalaciones. En ellas introduce temas como los espacios urbanos modernos y las comunidades desplazadas dentro de las ciudades. En su obra figurativa se mezclan textos de carácter social y político. En su proyecto para la capilla de la Iglesia de la Santísima Trinidad trabaja con la idea del paraíso. La expulsión del paraíso —supuestamente situado entre el río Éufrates y el Tigris, en Irak— es, según la tradición religiosa, el principio del castigo, de la agonía y del éxtasis. Para ella, la agonía contemporánea en esta área comenzó con la guerra de Irak y el advenimiento de la democracia. La obra aborda cómo los seres humanos, en su padecimiento, crean su espacio territorial con sus límites y su cultura. A la vez, lo que hace a las personas establecerse en un lugar concreto es la comida, la agricultura. En esta obra, la presencia de las abejas está conectada a la comida, y la de los pájaros a un territorio natural.
This Egyptian writer and artist is specially dedicated to drawing and collages, sometimes inserted into installation-like structures. Her themes include modern urban spaces, identity, and displaced communities within cities. Images and text are combined in complex, layered compositions. Her project, presented at Iglesia de la Trinidad’s chapel, evokes the idea of paradise. According to religious tradition, the expulsion from paradise is the beginning of punishment and the human experience of agony and ecstasy. Tradition places paradise between the Tigris and Euphrates rivers in modern day Iraq. Agony began in this region with the Iraqi war and the arrival of democracy. The installation explores how human beings, in their agony, create their own spaces and determine their limits and culture. Food and agriculture are the elements that lead people to stake out a territory. In her work, bees are related to food and birds to a natural territory—because birds’ routes are not the same as humans’, they migrate with the seasons. The
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A la vez, el mundo se representa con dibujos, pinturas de mapas y vistas aĂŠreas. Boghiguian pretende conectar los dibujos a todos los demĂĄs elementos, incluso un diamante como sĂmbolo de pureza.
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world is represented in drawing and paintings of maps and aerials views. Boghiguian establishes links between the drawings and the bee hives in the frames, drawing from the idea of the diamond as a symbol of purity.
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Marine Hugonnier FRA (1969). Vive y trabaja en Londres / Lives and works in London Apicula Enigma 2013. 35 mm transferido a video HD, color, sonido / 35 mm transfered to HD video, color, sound, 26’ Apicula Enigma (2013) es la nueva película de Marine Hugonnier que da continuidad a una sólida poética concentrada en explorar la antropología de las imágenes, investigando cómo las subjetividades y las tecnologías de la mirada crean discursos y dan forma a nuestro entorno natural y social. Rodada en Austria, en las montañas del sur de Carintia, Apicula Enigma es un ensayo en forma de documental que intenta reflejar con la mayor veracidad posible el entorno natural de una colmena de abejas. El film se inicia con el zumbido de las abejas y un plano de un campo florido. Luego se escucha un susurro: «Nature doesn’t tell stories» («La naturaleza no cuenta historias»), y a continuación se muestran imágenes de las abejas volando alrededor de la colmena. Este comienzo sirve de introducción a la postura de Hugonnier en contra de los convencionalismos que comprometen la imagen y la narración de los documentales sobre la vida salvaje, y su intención de acercarse a la intimidad de estos paisajes desde
Marine Hugonnier’s new film Apicula Enigma (2013) continues with her line of poetic inquiry exploring the anthropology of images, deliberating the manner in which subjectivities and technologies for seeing create discourses that shape our natural and social environment. Recorded in Austria, in the mountains south of Carinthia, Apicula Enigma is an essay in the form of a wildlife documentary that seeks to reflect, as accurately as possible, the natural habitat of bees. The film begins with the buzzing of bees as the camera pans over a spring field. We hear a voice whisper, “Nature doesn’t tell stories,” and then a series of images of bees flying around a hive. In this way, Hugonnier introduces her position against the conventionalisms surrounding image and narration in wildlife documentaries and reveals her intention to observe these landscapes from the perspective of a true flâneur. To this end, she avoided the usual filming techniques and props in animal documentaries in an effort to shorten the distance between the observer
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lo que sería la perspectiva real de un flâneur. Para ello, durante el proceso de filmación se evitaron las técnicas y artefactos empleados en la realización de documentales de animales con el fin de eliminar las distancias entre el sujeto observado y el público. Esta película es una manera de encontrar la distancia para crear imágenes de las abejas, sin que la proximidad destruya el enigma de su entorno. La traducción literal de Apicula Enigma sería «el enigma de las abejas». De ahí que pueda ser considerada también como una oda a la observación sin un imperativo narrativo, que potencia la poesía de la imagen sin artificios.
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and the observed object. This film is a way of seeking the proper distance for creating images of bees, without letting proximity destroy the enigma of their way of life. A possible translation for Apicula Enigma is “the mystery of the bees.” It can be interpreted as an ode to observation sans the narrative imperative, empowering the poetics of the image without artifice.
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6. Museo de las Fortificaciones Bill Culbert, Jesper Just, Stephen Vitiello & Steve Roden Entre la Plaza de las Bóvedas y la Avenida del Mar sobre las murallas Tels: +(57-5) 656 0591, 656 6803 www.fortificacionesdecartagena.com Horario: Todos los días, 8 am – 6 pm Schedule: Daily, 8 a.m.— 6 p.m.
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Bill Culbert NZL (1935). Vive y trabaja en Londres y el sur de Francia / Lives and works in London and the South of France Flotsam Cartagena 2013-2014. Instalación. Recipientes de plástico, tubos fluorescentes y cables. Dimensiones variables / Installation. Plastic containers, fluorescent tubes, cables. Variable dimensions El arte de Bill Culbert tiene una fuerte afinidad con el dadaísmo, al trabajar con objetos encontrados, mesas, sillas, cajas, herramientas, jarros, maletas, pantallas de lámparas, copas de vino, etc. A finales de los años sesenta comenzó a experimentar con la luz, cuando empezó a utilizar sombras, bombillas y fluorescentes como sus principales medios para construir y mantener la iluminación en sus objetos-esculturas. Desde entonces la luz —que es un ready-made en sí misma— ha sido el principal material utilizado en su obra durante décadas, y las tiras de neón contribuyen a la coherencia que consigue con sus conjuntos escultóricos. Así, sus obras irradian energía, resultan a la vez intrigantes y familiares, como parte de la realidad cotidiana.
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Bill Culbert’s art holds an affinity to Dadaism, in that he works with found objects such as tables, chairs, boxes, tools, jugs, suitcases, lampshades, and wine glasses. Towards the end of the sixties, he began to experiment with light, using shadow, incandecents, and fluorescents as his main media for building and managing light in his object-sculptures. Since then, light— which is its own ready-made—has been the primary material used in his work, and the neon tubes lend coherence to his sculptural compositions. His work irradiates energy and is both intriguing and familiar, as though part of routine reality.
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Flotsam Cartagena es una instalación formada por tubos fluorescentes y botellas de PVC, formando un campo densamente poblado de botellas de plástico recicladas, creando una alfombra de color. Los tubos y las botellas se entremezclan, como si hubiesen sido depositados por la marea, recordándonos las grandes cantidades de plástico desechado que contaminan los océanos y ríos del mundo. De cerca, la obra tiene la presencia hipnotizadora y, de alguna manera, espectral de un océano fosforescente por la noche, con interrupciones de luz blanca que rueda por todas partes a través de ese vasto campo de fragmentos de color.
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Flotsam Cartagena is an installation built from fluorescent tubes and PVC bottles, creating a densely populated field—a carpet of color. The tubes and bottles are enmeshed in each other, as if deposited by the tide, reminding us of the vast quantities of disposable plastic that pollute the oceans and rivers of the world. Close up, the installation takes on a hypnotizing presence, at times appearing before us as a ghostly fluorescent ocean at night, interrupted by blasts of white light that wind through the vast field of color fragments.
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Jesper Just DNK (1974). Vive y trabaja en Copenhague y Nueva York / Lives and works in Copenhagen and New York Llano 2012. Video, color, sonido / Video, color, sound, 7’ Los proyectos fílmicos de Jesper Just suelen tener narrativas ambiguas. Trata temas sociales con un matiz crítico muy estudiado y son frecuentes las referencias a la historia y la cultura del cine. Uno de sus temas más rompedores son sus aproximaciones a las nociones convencionales de género, en especial de masculinidad. Así, pretende transgredir esa idea a través del estudio de las imágenes sociales impuestas por Hollywood. Para ello recurre a conceptos como la ambigüedad deliberada, la emocionalidad no contenida y la provocación visual que produce incomodidad, alejándose de lo seguro y aceptable del cine tradicional. Formalmente recrea atmósferas densas y complejas. Y crea bandas sonoras exclusivas para sus films, colaborando con diferentes músicos, artistas, cantantes de ópera y bailarines para producir cintas extremadamente culturales.
Museo de las Fortificaciones
Jesper Just’s film projects are usually built around ambiguous narratives. He deals with social themes that he examines from a rigorous critical perspective, frequently referencing history and film culture. One of his more radical subjects involves traditional gender stereotypes, specifically notions of masculinity. He challenges these by studying social images imposed by Hollywood. He employs concepts such as deliberate ambiguity, uncontained emotionality, and visual provocation to produce feelings of discomfort, distancing himself from the safe zone in traditional film. He formally recreates dense, complex atmospheres and produces exclusive soundtracks for his films, collaborating with a variety of musicians, artists, opera singers, and dancers to produce deeply cultural works.
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Llano presenta las ruinas de una colonia socialista en el árido desierto de California, que se mantiene viva gracias a una máquina de lluvia artificial. El lugar es Llano del Río, colonia fundada en 1913 por el socialista Job Harriman. El proyecto fracasó debido al fallo del sistema de abastecimiento de agua, y el pueblo fue abandonado al cabo de cinco años. La cámara muestra los escombros bajo una cortina de lluvia, enseñando poco después el engaño: las máquinas de lluvia artificial utilizadas en el cine. En el centro, una mujer lucha por evitar el colapso total de las ruinas del pueblo. Llano es una singular mezcla de utopía y distopía, en un lugar que ya no es y que nunca llegó verdaderamente a ser.
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Llano presents the ruins of a socialist colony in the cruel Californian dessert, kept alive by an artificial rain machine. The place is Llano del Rio, founded in 1913 by the socialist Job Harriman. The project collapsed due to a failure in the water supply system, and the village was abandoned five years later. The camera presents the rubble under a curtain of rain, but then shortly reveals the ruse: the artificial rain machines often used in movies. In the center, a woman fights to prevent the total destruction of the village ruins. Llano is a unique blend of utopia and dystopia in a place that no longer is and never really was.
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Stephen Vitiello & Steve Roden Stephen Vitiello, USA (1964). Vive y trabaja en Richmond, VA / Lives and works in Richmond, VA Steve Roden, USA (1964). Vive y trabaja en Pasadena, CA / Lives and works in Pasadena, CA The Spaces Contained in Each 2012. Instalación sonora, 6 canales. Sistema de sonido diseñado por Paul Geluso / Sound installation in six channels. Sound system designed by Paul Geluso The Spaces Contained in Each es una instalación de sonido multicanal basada en grabaciones de silencio. La pieza fue originalmente creada como una performance para la Rothko Chapel de Houston (Texas) y montada para que coincidiera con la exposición Silence at The Menil Collection, una muestra en la que se prestó atención (y oído) a obras de arte relacionadas con la famosa composición 4’33” de Cage. Stephen Vitiello y Steve Roden coleccionaron vinilos pregrabados relacionados con el silencio y realizaron sus propias grabaciones de espacios silenciosos. En otra ocasión, en la Capilla de Saint Cornelius en Governors Island (Nueva York), esas grabaciones fueron mezcladas y espacializadas en respuesta a la experiencia de los artistas en ese espacio. Los artistas utilizaron varias formas de manipulación, tanto analógicas como digitales, para Museo de las Fortificaciones
The Spaces Contained in Each is a multichannel sound installation based on recordings of silence. The piece was originally created as a performance for the Rothko Chapel in Houston, Texas and set up to coincide with the exhibition Silence at the Menil Collection Museum, a show that lent an eye and an ear to art works related to John Cage’s famous composition 4’33”. Steve Roden and Stephen Vitiello collected prerecorded vinyl records related to silence and did their own recordings of silent spaces. For the installation at the Chapel of Saint Cornelius in Governors Island, New York, these recording were mixed and spaced according to the artists’ experience there. The artists used various means of manipulation, both analog and digital, to create a sense of spaces within a space. This is the second joint work by Steve Roden and Stephen Vitiello. Their first joint project 188
crear una sensación de espacios dentro de un espacio. Este proyecto formó parte del Festival de Arte Electrónico de Nueva York de 2012. En él han colaborado con el ingeniero de sonido, Paul Geluso, diseñador del objeto de sonido 3D desde el que se difunde la obra.
was From perfect cubes, to broken trains, presented at Marfa, Texas in 2008 as part of The Marfa Sessions. This project was part of the 2012 New York Electronic Art Festival. Paul Geluso, designer of the 3D Sound Object, has also collaborated on this project.
Proyecto apoyado por el programa Harvestworks Creativity + Technology = Enterprise, financiado en parte por el Fondo de Innovación Cultural de Nueva York de la Fundación Rockefeller y la agencia National Endowment for the Arts.
This project was supported by Harvestworks’ Creativity + Technology = Enterprise program and partly financed by the Rockefeller Foundation’s NYC Cultural Innovation Fund and the National Endowment for the Arts agency.
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7. Casa del Reloj Fernando Bryce, Uche Okpa-Iroha, Diango Hernández (ver pág. / see page 66) Hassan Sharif (ver pág. / see page 118) Plaza de los Coches (Torre del Reloj) Calle 34 No. 7-33 Horario: Todos los días, 10 am – 6 pm Schedule: Daily, 10 a.m.— 6 p.m.
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Fernando Bryce PER (1965). Vive y trabaja en Berlín / Lives and works in Berlin Posguerra Perú 2013. Dibujos, tinta sobre papel / Drawing, ink on paper, 12, 35 x 100 cm Afiches, imágenes de prensa, documentos oficiales y propaganda política es el material que Fernando Bryce analiza, investiga y transforma en arte. Este material encontrado en revistas, periódicos o en archivos es, en general, agrupado en series para luego pasarlas con el pincel al lienzo en blanco y negro, dándoles un protagonismo que realza su trasfondo histórico, político e ideológico. Esas agrupaciones sintéticas de imágenes acaban parodiando y cuestionando los medios de comunicación y la producción en masa, mucho más hoy en día con la reproducción ilimitada que las nuevas tecnologías permiten. A la vez, Bryce crea una sensación de redención y de búsqueda de una memoria histórica colectiva al copiar y representar documentos que están fuera de la circulación. Una prueba de ello es Posguerra Perú, selección de obras de las series Quo Vadis y El silencio es oro compuesta especialmente para su exhibición en #1 Cartagena.
Casa del Reloj
Fernando Bryce’s instruments are posters, press clippings, official documents, and political pamphlets. These are the materials which he analyzes, investigates, and groups into series in order to apply them to the canvas in black and white, lending them a prominence that highlights their historical, political, and ideological significance with subtle irony. The synthetic groupings of images end up parodying and questioning the communication media and mass production—more so today with the unlimited reproduction that new technologies have enabled. Bryce creates a sense of redemption coupled with a quest for a collective historical memory by copying documents that are no longer in circulation. Posguerra Perú (Postwar Peru) is one example of this. This installation presents a selection of works from his series Quo Vadis and El silencio es oro (Silence is Golden), especially prepared for exhibition at #1 Cartagena.
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Las imágenes proceden de un período histórico concreto, el Perú de 1945 a 1948, durante el gobierno de José Luis Bustamante y Rivero y el Frente Democrático Nacional, en un panorama internacional marcado por la posguerra y el inicio de la Guerra Fría en 1947. El artista busca hilos conductores entre las escenas nacionales e internacionales, a través de la asociación de imágenes y discursos. Como el escritor y curador Rodrigo Quijano afirmó: «El dibujo es aquí una herramienta de lo inmediato, de lo fugaz, y una exhumación de la imagen muerta y olvidada».
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The images rebuild a specific historical period: Peru between 1945 and 1948, ruled by José Luis Bustamante and Rivero and the National Democratic Front, in an international postwar setting and at the threshold of the Cold War in 1947. The artist seeks to conceptually unite national and international settings through the association of images and discourses. In the words of Rodrigo Quijano: “Drawing is a tool for the immediate and for the fleeting and is an exhumation of dead and forgotten images.”
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Uche Okpa-Iroha NGA (1972). Vive y trabaja en Lagos / Lives and works in Lagos The Plantation Boy 2012. Fotografía (4). Impresión digital cubierta de protección satinada, montada en aluminio / Photography (4). Digital prints, satin coating, mounted on aluminum, 120 x 80 cm c/u / each The Plantation Boy es una intrusión en clave humorística a partir de 40 fotogramas de la película El padrino. El artista se fotografía a sí mismo en el estudio e inserta esas imágenes en los fotogramas originales del film. Se convierte así en parte de conversaciones y acciones de la película ya conocidas por el espectador. Estas simulaciones suponen una distorsión o distracción. Todo el proceso crea una ilusión que repiensa la conversación del original: un nuevo diálogo y nuevas escenas instigadas por el autor. Los espectadores son retados a formar su propia percepción en función de lo que ven. La intervención es un tributo y una investigación acerca del efecto que tienen las películas en el individuo y la sociedad. Muchas películas basadas en hechos o historias reales están representadas por actores que dejan su propia huella, confeccionando una nebulosa entre realidad, fantasía y ficción.
Casa del Reloj
The Plantation Boy is a humorous intrusion built from forty photograms from the film The Godfather. The artist photographs himself in the studio and inserts the images into well-known stills from the film. Through this technique he introduces himself into conversations and action sequences from the movie that the viewer is already familiar with. These simulations present a distortion or distraction. The entire process creates the illusion that rethinks the original conversation. New dialogue and new scenes emerge. The viewer is challenged to create his own perception and develop a new conversation as a result of what he is seeing. The intervention is a tribute to, and an inquiry into, the effect of film on the individual and on society at large. Many films based on real events are played by actors that leave their own fingerprint, creating a haze of reality, fantasy, and fiction.
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Además de fotógrafo, Uche Okpa-Iroha también experimenta con otras disciplinas como la pintura y el video. En sus obras trata de captar, de manera clara e informativa, la esencia de la condición humana, y afronta sus temáticas tratando de iniciar un diálogo con el público. Okpa-Iroha es miembro fundador del grupo fotográfico nigeriano Blackbox y participa en Invisible borders / Trans-African Photographers, organización que, mediante la fotografía, trata de visibilizar y remediar las confusiones que generan las fronteras en el continente africano.
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Besides his work in photography, Uche Okpa-Iroha also experiments with other disciplines such as paint and video. His work is an attempt to capture human nature in a clear and informative way and initiate a dialogue with the public. Okpa-Iroha is a founding member of the Nigerian photography group Blackbox and collaborates with Invisible Borders / Trans-African Photographers, an organization that uses photography to create awareness and remedy the confusion that boundaries create on the African continent.
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8. Lote Calle Sierpe Maria Nepomuceno, Guillermo Paneque, Adán Vallecillo, Pawel Wojtasik Calle de la Sierpe, Barrio Getsemaní Horario: Lunes a Sábado, 9 am – 7 pm Domingos y festivos, 10 am – 4 pm Schedule: Monday through Saturday, 9 a.m.— 7 p.m. Sunday and holidays, 10 a.m.— 4 p.m.
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Maria Nepomuceno BRA (1976). Vive y trabaja en Río de Janeiro / Lives and works in Rio de Janeiro E a vida vence! 2014. Instalación. Cuerdas, cerámicas, cuentas de collar y ruinas. / Installation. String, ceramic, beads, and construction ruins Producido por / Produced by: BIACI La obra de Maria Nepomuceno está fuertemente arraigada en las técnicas de artesanía tradicionales de Latinoamérica. Aborda sus proyectos con formas entretejidas con cuerda y paja, cuentas y abalorios de gran escala, colores vivos, con resonancias de ajuares festivos, e incluso cerámicas con formas divertidas y objetos encontrados. Estos materiales configuran un paisaje fantástico. Sus figuras no son casuales y se refieren a las estructuras más repetidas en la naturaleza: las espirales que se encuentran en nuestro ADN o en la forma de las galaxias. Para #1 Cartagena, la artista realiza, en una pequeña casa deshabitada situada en un parqueadero abandonado, una instalación con diferentes tipos de terracota, material textil y objetos de artesanías locales, dotándolos de una nueva identidad orgánica y reconfigurando el paisaje urbano en un nuevo marco de materialidad artística. Sus obras responden a un interés por lo orgánico, sin estar necesariamente sujetas a una realidad Lote Calle Sierpe
Maria Nepomuceno’s work has a strong connection to the artisan traditions of Latin America. Her woven compositions combine string, straw, large and small beads, bright colors, pieces of ceramic with odd shapes, and found objects, sometimes resembling a festive trousseau. These materials create a fantasy-like scenery. Her shapes are not casual, but rather subtly yet firmly emulate the structures most frequently repeated in nature: the spiraling axes that make up our DNA and the galaxies. At #1 Cartagena, in a small deserted house near a forgotten parking lot, the artist presents an installation with different types of terracotta, textiles, and products of local artisanship, lending them a new organic identity and reconfiguring the urban landscape into a platform for artistic materiality. Her work speaks of her interest in all things organic, without being necessarily attached to a tangible reality. Her sculptures take on an out-of-context anthropomorphism and make us react within our own 198
tangible y estricta. Figuras con cierto recuerdo antropomórfico sacadas de contexto, formas que nos hacen reaccionar de manera sensitiva en nuestro propio cuerpo, texturas que resaltan la calidad artesanal, el trabajo hecho a mano, la fascinación por la relación entre el creador y el observador, invitado a experimentar a través de las obras… Son todo un grupo de características que remiten de manera inmediata a sus predecesores artísticos, los primeros exploradores del neoconcretismo en Brasil, primero, y después en el resto del mundo. BIACI
bodies. Her textures highlight handmade artisanal craft and evoke the relationship between the creator and the observer, inviting us to experiment through her work. These qualities immediately remind us of her artistic predecessors, the pioneers of neoconcretism, first in Brazil and later throughout the world.
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Guillermo Paneque ESP (1963). Vive y trabaja en Madrid / Lives and works in Madrid Sin título 2014. Baldosas de cerámica. Dimensiones variables / Ceramic tiles. Variable dimensions. Producido por / Produced by: BIACI Más interesado en asumir diferentes roles según la naturaleza de los proyectos que afronta, Guillermo Paneque no trabaja exclusivamente en un solo medio o formato artístico. Genera múltiples conexiones y relaciones entre las obras en vez de considerar a estas como meras entidades fijas y aisladas. En su práctica artística, toma prestados métodos y medios, desde la antropología al cine, y afronta durante el proceso una serie de decisiones y conclusiones con las que explora lugares de transición social y psicológica. A pesar de que sus obras parecen ir cambiando sin continuidad de estilo, hay profundas líneas que las relacionan entre sí, como la tensión de la representación entre realidad y ficción, y la atención al lugar que el espectador ocupa en los procesos de recepción de las obras artísticas, como agente y testigo de la condición enigmática del trabajo.
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Guillermo Paneque works across multiple artistic media. He takes on different roles according to the nature of the project in order to create connections and relationships between his works in their contexts, rather that conceiving them as fixed and isolated entities. In his installations, videos, movies, sculptures, collages, and approaches to drawing, he borrows methods from anthropology, and perhaps also film direction, in the way he makes decisions and establishes premises by which to explore sites of social and psychological transition. On the surface his work can seem to leap about without stylistic continuity, but there are profound lines that connect his work, such as tension between reality and fiction and an awareness of the role of the viewer as an active agent of reception and a witness to the enigmatic presence of his work. His work always includes elements of provocation and the unusual.
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Paneque frecuentemente recurre a la puesta en escena de un determinado sistema de relaciones más que a la producción convencional de objetos artísticos. En #1 Cartagena propone una «obra para una serie de voces fuera de escena». A ambos lados del muro de un antiguo parqueadero al aire libre del barrio de Getsemaní, el artista crea una suerte de «plano/contraplano desfondado», un corte que divide en dos la imagen, a partir de unos titulares extraídos de diversos periódicos y reproducidos en azulejos cerámicos. Estos resucitan historias, reales y ficticias, para probar su posible relevancia en el presente.
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Paneque is more concerned with staging a particular system of relations than the production of conventional art objects. For #1 Cartagena he presents “a work for a series of off-scene voices.” On either sides of a wall at an old, open air parking lot in Getsemaní, the artist creates a “bottomless frame/counter frame” out of a divided image built from headline clippings from several journals that are reproduced on ceramic tiles, reviving stories real and imagined to test their relevance in the present.
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Adán Vallecillo HND (1977). Vive y trabaja en Honduras / Lives and works in Honduras Pintura mural 2014. Pintura reciclada sobre mural. Dimensiones variables. Video documental / Recycled paint on a mural, variable dimensions. Documentary video. Producido por / Produced by: BIACI
Pintura mural materializa el pensamiento artístico de su autor como un proceso de reconversión de lo que ya no sirve en algo bello. Su base de acción es el reciclaje de materiales y objetos encontrados, que carga de significado al darles un protagonismo esencial en sus instalaciones. La obra comienza con la selección de desechos sólidos de los contenedores de la ciudad que acoge el proyecto artístico. A continuación, esos objetos son procesados y convertidos en pigmentos usados para la realización de la obra propiamente dicha; en el caso de la Bienal, los muros de un espacio abandonado en el centro de la ciudad. Además, los pigmentos que componen esta pintura mural encierran el olor de donde provienen. De esa manera, Adán Vallecillo propone una obra para los sentidos, en la que se habla también de renovación y extracción desde lo periférico hacia un punto central y protagonista.
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Pintura mural (Mural painting) materializes the author’s artistic thought through a process of converting that which is no longer useful into something beautiful. He recycles materials and found objects which he invests with meaning by granting them prominence in his installations. He begins this process by selecting discarded objects from the waste containers of the city where the project will be presented. These objects are processed and turned into pigments for painting. In this case his canvas is an abandoned wall in the city center. The pigments that make up the work still carry the odor from their origin. Vallecillo then presents us with a work for the senses, a piece that proposes renewal and the removal of wastes from the periphery to a central, prominent position.
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Vallecillo entiende la creación artística como una herramienta de conocimiento y una excusa para propiciar la reflexión y el debate crítico. Su objetivo es llamar la atención sobre la imposición del control sobre lo instintivo para llegar a sistemas como nuestra democracia representativa actual, que impone la razón como mecanismo de control de las necesidades humanas. Su obra lleva esa relación de dependencia mutua entre el instinto y la razón a la alteración de objetos de uso cotidiano y situaciones que cuestionan el sistema neoliberal, el autoritarismo, las desigualdades, el eurocentrismo, la demagogia y la violencia en Latinoamérica. BIACI
Vallecillo understands artistic production as a tool for knowledge, a way of creating an opportunity for thoughtful, critical debate. He draws attention to the control imposed on instinct, such as in our representative democracies where reason is imposed as a mechanism for controlling human needs. His work takes this relationship of mutual dependence between instinct and reason to his transformation of ordinary objects and situations that question the neoliberal system—authoritarianism, inequality, Eurocentrism, demagogy, and violence in Latin America.
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Pawel Wojtasik POL (1952). Vive y trabaja en Nueva York / Lives and works in New York High Water 2013. Video, color, sonido / Video, color, sound, 9’ Los films y las instalaciones de Pawel Wojtasik pretenden ser un reflejo poético y visionario de nuestra cultura y el ambiente en que vivimos. En sus videos llama la atención sobre la destrucción de los océanos, los desastres naturales, la experimentación con animales y el maltrato de la naturaleza. Wojtasik realiza tanto piezas cortas acerca de temas no convencionales como instalaciones a gran escala sobre temas particulares. Su estética, rigurosamente formal, mezcla a menudo una belleza desconcertante: imágenes aparentemente hermosas muestran en realidad un tema trágico. High Water es una instalación rodada en la Nueva Orleans postKatrina. Parte del metraje fue obtenido usando una cámara panorámica de 360 grados. En la superficie plana de la pantalla, esas imágenes aparecen distorsionadas en forma de círculo, creando una sensación de realidad alterada. Las imágenes incluyen una aproximación del huracán, un derrame de petróleo en el golfo de México, así como un interludio silencioso en la ciudad de
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Pawel Wojtasik’s installations are poetic and visionary reflections of our culture and the environment we live in. His videos call our attention to the destruction of the oceans, natural disasters, animal experimentation, and the mistreatment of nature. Wojtasik does both short pieces and large installations that explore unusual themes. His aesthetic is rigorously formal, sometimes creating a disconcerting beauty by presenting us with apparently beautiful images that portray a tragedy. High Water is a piece shot in New Orleans post-Katrina. Part of the footage was obtained using a panoramic 360o camera. On the flat surface of the screen, the images are distorted into circles, creating a sense of altered reality. The installation includes shots of the hurricane, an oil spill in the Gulf of Mexico, and a silent interlude in the city of New Orleans in which a trumpeter plays a mournful melody on a rainy day. The video is accompanied by a mysteriously vicious soundtrack, by Stephen Vitiello.
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Nueva Orleans, en donde un trompetista entona una triste melodía en un día lluvioso. El video discurre con la banda sonora, misteriosamente amenazadora, de Stephen Vitiello. Los pantanos de Luisiana se erosionan a un ritmo peligroso. Gran parte de la destrucción actual está hecha por el hombre, y la costa se debilita como barrera natural contra los huracanes. High Water involucra a los espectadores en la contemplación de un paisaje perjudicado por la intervención humana, que sin embargo lucha por retener su vitalidad.
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Louisiana’s swamps are eroding at a dangerous pace. Much of the destruction is caused by man, weakening the coast which plays the part of a natural barrier against hurricanes. High Water involves spectators in the landscape that, despite scarred by human meddling, is fighting to retain its vitality.
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9. Artillería Bill Viola Calle Playa de la Artillería No. 33-36 Horario: Lunes a Sábado, 9 am – 12 pm y 3 pm – 6 pm Domingos, 10 am – 12 pm y 2 pm – 8 pm Schedule: Monday through Saturday, 9 a.m.— 12 p.m. and 3 p.m.— 6 p.m. Sundays: 10 a.m.— 12 p.m. and 2 p.m.— 8 p.m.
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Bill Viola USA (1951). Vive y trabaja en Long Beach, CA / Lives and works in Long Beach, CA Walking on the Edge 2012. Video HD, color, sonido / HD video, color, sound, 12’33’’ Bill Viola es una figura fundamental en el establecimiento del video como parte vital del arte contemporáneo. Sus proyectos incluyen videos, videoinstalaciones arquitectónicas y performances electrónicas y musicales. Viola utiliza el video para explorar el fenómeno de la percepción sensorial como una vía para el autoconocimiento. Sus trabajos se centran en experiencias universales del ser humano —el nacimiento, la muerte, el desarrollo de la conciencia— y tienen sus raíces en el arte oriental y occidental, así como en tradiciones espirituales como el budismo zen, el sufismo islámico y el misticismo cristiano. Utiliza el lenguaje interno de los pensamientos subjetivos y las memorias colectivas para comunicarse con un público más amplio, permitiendo a los espectadores experimentar la obra directamente y a su manera. Walking on the Edge representa la inevitable separación entre padre e hijo cuando toman caminos distintos en la vida. Dos hombres llegan al desierto bajo un cielo turbulento. Artillería
Bill Viola was a central figure in establishing video as a vital part of contemporary art. His projects include video work, architectural video installations, and electronic musical performances. Viola uses video to explore the phenomenon of sensorial perception as an avenue for self-knowledge. His work is centered on the universality of the human experience: birth, death, and the development of consciousness—and has its roots in both Eastern and Western art, drawing from the spiritual traditions of Zen Buddhism, Islamic Sufism, and Christian mysticism. He employs the internal language of thought and collective memory to communicate with a larger audience, allowing the viewer to experience the work directly, their own unique way. Walking on the Edge portrays the inevitable separation between father and son when they choose different paths in life. Two men reach a desert under a turbulent sky. We see them in the distance walking towards the camera in a trajectory that brings them closer and 208
Se los ve a lo lejos del plano caminando hacia el espectador, en una trayectoria que los acerca entre sí hasta que terminan caminando el uno junto al otro. Finalmente sus caminos se cruzan para empezar a separarse. El espacio entre ellos se amplía hasta que desaparecen del marco visual. Junto con Ancestors, The Encounter e Inner Passage, este video forma parte de una serie de trabajos creados en 2012, que explora los estratos de la realidad y la ilusión en el mundo físico, así como las dimensiones entre ellos y más allá. Se centran en el lugar que ocupa el ser humano en el orden natural, tanto física como metafísicamente.
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closer until they are walking alongside each other. Their paths finally cross and begin to again diverge. The space between them grows wider until they disappear from the visual frame. Ancestors, The Encounter, Walking on the Edge, and Inner Passage are part of a body of work created in 2012 to explore the layers of reality and illusion in the physical world and their relationships, as well as further dimensions of the great beyond. They explore mankind’s place in the natural order, both the physical and the metaphysical.
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10. Casa Calle Don Sancho Leo Villareal Calle Don Sancho No. 36-75 Horario: Lunes a Sábado, 9 am – 12 pm y 3 pm – 6 pm Domingos, 10 am – 12 pm y 2 pm – 8 pm Schedule: Monday through Saturday, 9 a.m.— 12 p.m. and 3 p.m.— 6 p.m. Sundays: 10 a.m.— 12 p.m. and 2 p.m.— 8 p.m.
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Leo Villareal USA (1967). Vive y trabaja en Nueva York / Lives and works in New York Cylinder II 2011. Luces LED blancas, espejos de acero inoxidable, software a medida, sistema eléctrico / White LED, mirror finished stainless steel, custom software, electrical hardware. 3,65 x 2,74 m. diam. Leo Villareal, nacido en Albuquerque, NM, es conocido por sus esculturas lumínicas. Su trabajo consiste en instalaciones de luz, tanto con luces LED como con programas codificados de computador. Villareal estudió en la Universidad de Yale y en la New York University, especializándose en el programa de telecomunicaciones interactivas. Es un reconocido artista, que en 2013 realizó su mayor pieza hasta la fecha: The Bay Lights, instalación lumínica que hasta el día de hoy ilumina los cables del famoso puente colgante de San Francisco. Sus hipnóticas obras son producto de una intensa investigación de las últimas tecnologías, a menudo basándose en la nanotecnología. Sus esculturas utilizan la luz y el color en movimiento, en ocasiones con un carácter más orgánico, otras veces de un modo puramente abstracto, con reminiscencias de juegos electrónicos más primitivos.
Casa Calle Don Sancho
Leo Villareal, born in Albuquerque, New Mexico, is a pioneer in light sculpture. His light installations combine LED and programmed lighting. Villareal studied at Yale and at the New York University, specializing in interactive telecommunications. He is a widely acclaimed artist who created his most important work to date in 2013: The Bay Lights, in which he completely lit the cables of the San Francisco Bay Bridge using LED lights. His hypnotic works are the product of an intense investigation into the latest technologies, often drawing from nanotechnology. His sculptures use light and color in motion, occasionally taking on a more organic character while at other times a purely abstract form that recall early electronic games.
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Sus instalaciones pueden verse en grandes museos y espacios públicos de los EE.UU., como el MoMA de Nueva York, la National Gallery de Washington y el Brooklyn Museum of Art. Ha participado de manera individual y colectiva en exposiciones y ferias por todos los Estados Unidos, así como en España, Francia, Inglaterra, Estambul y Corea.
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His installations can be seen at important museums and public spaces in the United States including the MoMA in New York, the National Gallery in Washington, and the Brooklyn Museum of Art. He has participated individually and collectively in exhibitions and fairs throughout the United States, Spain, France, England, Turkey, and South Korea.
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11. Centro de Formación de la Cooperación Española Performance Nezaket Ekici, Kirsten Heshusius, Beth Moysés, Svetlin Velchev Cra 36 No. 2-74, Plaza Santo Domingo Tel: +(57-5) 6640904 www.aecidcf.org.co Horario: Lunes a Viernes, 7:30 am – 7 pm Fin de semana y festivos, 9 am – 7 pm Schedule: Monday through Fridays, 7:30 a.m.— 7 p.m. Weekends and holidays, 9 a.m.— 7 p.m.
Nezaket Ekici Fountain, 15 de febrero, 7 pm / February 15, 7 p.m. Kirsten Heshusius Where goes the white when melts the snow 28, 29 de marzo, 7 pm / March 28, 29, 7 pm Beth Moysés Panel discussion, 7 de marzo, 5 pm / March 7, 5 p.m. Desatar tiempos, 8 de marzo, 7 pm / March 8, 7 p.m. Svetlin Velchev Limitation Sky y/and Fragment #3, 20, 21 de marzo, 7 pm / March 20, 21, 7 p.m.
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Nezaket Ekici TUR (1970). Vive y trabaja en Berlín / Lives and works in Berlin 15 de febrero, 7 pm / February 15, 7 p.m. Fountain 2004. Performance, 60’ Video: documentación de / documentation of Atropos (2006), Blind (2007) y / and Defiant Athens (2010), 19’48” En Fountain el espectador ve a la artista sobre un pedestal como si fuera una fuente viviente, ataviada con un vestido que contiene 70 bolsas médicas de drenaje llenas de agua, que pesan más de 20 kilos. Mediante válvulas de regulación, la artista puede modificar la manera, la velocidad y la dirección en que fluye el agua. La obra se concentra en las características de una performance de extrema exigencia física para la artista que debe permanecer largo tiempo inmóvil cargando todo este peso. Al vaciarse el agua, se hace visible una feminidad velada, que cada vez está más en contra de la naturaleza de lo masculino simbolizada por el flujo de agua. Su estímulo en la performance es revelar lenta y seductoramente su propio cuerpo como metáfora de la libertad. En esta expresión estilizada se aborda un conflicto básico de la vida humana, y la solución siempre implica beneficios de libertad para los individuos.
In the performance, the viewer sees the artist standing on a pedestal as a living fountain. She is wearing a dress made out of seventy medical drainage bags filled with water, which weigh more than twenty kilos. Through metering valves to the bags, the artist has an influence on the way, the speed, and the direction of the flowing water. This work concentrates on the characteristics of performance of extreme physicality and long duration. She challenges her body with longterm immobility and the bearing of heavy weight. As the water escapes the more comes to light veiled femininity which is increasingly against the nature of masculinity as symbolized by the water drain. Her impetus for the performance is to slowly and seductively reveal her own body as a metaphor for freedom. In this stylized expression, a basic conflict of human life is addressed, the solution always implies freedom gains for individuals.
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Formada como alumna de Marina Abramović, las performances de Ekici se sitúan en un cotexto feminista al que sin duda pertenece. BIACI
Ekici studied under Marina Abramovic’ and is frequently placed in a feminist context to which she certainly belongs. 217
Kirsten Heshusius NLD (1979). Vive y trabaja en Ámsterdam / Lives and works in Amsterdam 28, 29 de marzo, 7 pm / March 28, 29, 7 p.m. Where goes the white when melts the snow 2013. Performance. Polvo de arcilla, marco de cuadro, globo, bomba, agua / Clay powder, picture frame, balloon, pump, water 25’ Kirsten Heshusius se formó principalmente en el campo de la performance a través de su trabajo con importantes grupos de teatro site-specific en Holanda. En 2010 comenzó su trabajo de manera individual partiendo de una experiencia vital transformadora que vivió en un viaje a Irán. La mejor manera en que se puede describir su trabajo es como poesía visual que provoca pensamientos universales sobre el mundo y la existencia misma. Desarrolla sus ideas en su taller, donde su material de investigación es persistente y continuo. Con sus performances, aborda la transformación del cuerpo y una fuerte y minimalista poesía visual, a menudo basada en eventos autobiográficos. Al funcionar el cuerpo como un espejo, a través de sus transformaciones provoca sentimientos de reconocimiento. La arquitectura y la historia constituyen un punto de partida para ambientar su trabajo.
Kirsten Heshusius is trained primarily in the practice of performance making through her work with important site specific theater groups in the Netherlands. In 2010 she began to make her own solo work based upon a perspective changing experience traveling in Iran. Her work is best described as visual poetry provoking universal thoughts about the world and existence itself. She develops her ideas in her atelier where her material research is persistent and ongoing. Within her performances she deals with body transformation and strong but minimal visual imagery often based on autobiographical events. Because the body functions as a mirror, through the transformations she provokes sentiments of recognition. Architecture and history provide a departure point placing the work in its surroundings.
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Where goes the white when melts the snow se inspira en un trágico episodio familiar. Heshusius investiga el impacto que esta historia ha tenido en su propia vida y su lucha para conectar con sus ancestros. La artista somete su cuerpo a una acción física extrema, hasta el punto del agotamiento, tal y como hace en muchos de sus trabajos, comunicándose así con el publico con su lucha. En esta obra utiliza la idea de la nieve y su desaparición como metáfora sobre la historia y la memoria, aportando un aspecto etéreo y efímero a la propia narración.
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This work deals with a tragic story in the artist’s family history. In Where goes the white when melts the snow, Heshusius investigates the impact this event has had on her life and her own struggle to connect to her ancestors. Heshusius pushes her body with extreme physical action to the point of exhaustion as in many of her works, thereby communicating with her public her struggle. In the work she uses the idea of snow and its disappearance as a metaphor for history and memory, bringing an ethereal and ephemeral aspect to the story.
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Beth Moysés BRA (1960). Vive y trabaja en São Paulo / Lives and works in São Paulo 7 de marzo, 5 pm / March 7, 5 p.m. Mesa redonda / Panel discussion 8 de marzo, 7 pm / March 8, 7 p.m. Desatar tiempos 2014. Performance. Duración variable / Variable duration Comisionada por la Bienal, Desatar tiempos es una performance sobre la violencia de género, un tema que Beth Moysés, artista visual con una larga carrera internacional, viene desarrollando desde hace más de una década. En ella participan 20 mujeres que han sufrido algún tipo de violencia machista o tienen el ideal de cambiar su vida por haber experimentado un suceso dramático conectado con algún tipo de violencia. Cada una de ellas viste un traje blanco de mangas bien largas que cubren sus brazos por completo. Colocadas en círculo, las mujeres están atadas por nudos que unen una manga a otra. El objetivo es que juntas consigan romper los nudos, desatarse, desembarazarse de las historias que las mantienen unidas y hacen de ellas una sola víctima. La acción tiene un doble sentido: por un lado, las mujeres están unidas en su lucha por una causa social; por otro, permanecen atadas por estar presas al mis-
Commissioned for #1 Cartagena, Beth Moysés has created a performance, Desatar tiempos (Untie Times), based on a recurring theme in her work—that of abused and mishandled women, is a performance by twenty women each of whom has suffered some form of violence and has the aspiration of changing her life. Each one will wear a white suit with long sleeves, longer than their arms’ length. Placed in a circle, these women are bound by knots that tie one sleeve to another. Inside of each knot there are small, artificial blood balloons. The point being made is that together they can break the knots, untie themselves, and shake-off the stories that keep them tied, making them a sole victim. The action has a double meaning: on the one hand the women are united, fighting for a social cause and, on the other, they remain tied, because they are subject to the same behavior and the same story.
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mo tipo de comportamiento, a una misma historia. La artista no cierra la performance. Cada una de las participantes hace su propia contribución. Pueden luchar, quizá cortar, morder, rasgar o hasta deshacer el nudo que las une en el tiempo.
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The artist does not determine the end of the performance. In a structured improvisation, each of the participants contributes to the performance. They can fight, cut, bite, tear—even undue the knot that ties them in time.
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Svetlin Velchev BGR (1985). Vive y trabaja en Róterdam / Lives and works in Rotterdam 20, 21 de marzo, 7 pm / March 20, 21, 7 p.m. Limitation Sky 2013. Performance individual con proyección / Solo performance with projection. Música / Music: Krill Minima.10‘ Fragment #3 2013. Performance individual. Hilo de pescar transparente y madera / Solo performance. Transparent fish wire and wood, 10‘ Svetlin Velchev es un performer y coreógrafo independiente con formación en ballet clásico, cuya firma artística personal se basa en performances acompañadas con potentes juegos de imágenes, luz y sonido. Su obra se inspira en el trabajo de Merce Cunningham, con un estilo minimalista relacionado a la imaginería de la ciencia-ficción. Estas dos perfomances muestran esos aspectos. Limitation Sky es una pieza de danza abstracta en el límite entre la performance y las artes visuales. El artista baila con su propia sombra. Su cuerpo es casi invisible por efecto de las proyecciones prismáticas. En los momentos finales en que las proyecciones se convierten en puntos blancos de luz, su figura parece emerger de la pared, como procedente de una matriz científica. Una lectura más poética lo relaciona con la icónica performer japonesa Yayoi Kusama, quien usa patrones
Svetlin Velchev is an independent performer/choreographer with training in classical and modern dance whose personal signature is based in the making of strong images with light and sound. His material is inspired by Merce Cunningham and the style is minimalistic and draws on science fiction imagery. These two works show his range. Fragment #3 is an installation piece where the audience sees the performer moving in an organic manner. The performer leans off balance where it appears that he is in a chamber of weightlessness while he is invisibly supported by a Barbara Hepworth-like string installation that is stretched across the space with geometrical precision. Limitation Sky is an abstract dance piece on the borderline between performance and visual art. In this piece the artist dances a duet with his own shadow. He is almost invisible against the prismatic
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repetitivos, por ejemplo de lunares. Las formas ondulan, volviendo los movimientos visibles y al mismo tiempo el cuerpo invisible. Fragment #3 es una instalación en donde el performer se mueve de manera orgánica. El artista se inclina fuera de su punto de equilibrio, dando la impresión de que está en una cámara de ingravidez, pero permanece sujeto de manera invisible por una serie de hilos tendidos a través del espacio con precisión geométrica. Escenificadas en la galería del Centro de Formación de la Cooperación Española, estas obras ofrecen una oportunidad de descubrir diferentes esquinas de este histórico edificio añadiendo mayor singularidad a la experiencia. BIACI
projections. The end moments where the projections become white points of lights, his body appears to emerge from the wall as if morphing from a scientific matrix. However a more poetic reading refers to the iconic Japanese performance artist Yayoi Kusama who used repetitive patterning such as polka dots. The forms undulate both making the movements visible and the body invisible. Placed in the arcade of La Cooperación Española, these two performances provide the opportunity for the spectators to discover different corners of the historic building adding to the uniqueness of the experience.
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12. Casa Cultural Colombo Alemana Fantasmas de la libertad / Phantoms of Liberty
Programa de video. Curado por Les Rencontres Internationales / Video Program. Curated by Les Rencontres Internationales En #1 Cartagena, el video está presente a través de este programa consistente en 5 sesiones, que tienen por objetivo aportar una perspectiva crítica del concepto de historia individual. Se considera que la tensión entre la historia individual y la colectiva produce cuestionamientos estéticos, sociales y políticos sobre nuestra época. Así, las imágenes en movimiento exploran sus estructuras y supuestos y muestran una dimensión intermedia en la que la ficción y la realidad se fusionan, en la que confluyen la existencia individual y el futuro común.
The video program of #1 Cartagena consists of five thematic sessions. It aims to offer a critical perspective on the notion of individual history. The tension between individual and collective histories is seen as producing aesthetic, social, and politic questionings of our contemporary time. Thus, moving images explore their structures and presuppositions and show an intermediate dimension where fiction and reality are merged, where individual existence and a shared future meet.
Calle del Espíritu Santo, No. 29-140, Ciudad Móvil, Getsemaní Tels: +(57-5) 668 5368 www.colomboalemana.com.co Horario: por determinar Schedule: to be announced
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Why Colonel Bunny Was Killed
Starring Sigmund Freud
Imperios / Empires
Miranda Pennell. Why Colonel Bunny Was Killed. 2010, 27’30’’ (Por qué murió el coronel Bunny) Reino Unido. Documental experimental, HDCAM, b/n / United Kingdom. Experimental documentary, HDCAM, b/w. Chia-Wei Hsu. The Story of Hoping Island. 2011, 12’40’ (La historia de Hoping Island) Taiwán. Documental experimental, HDV, color Taiwan. Experimental documentary, HDV, color Phillip Warnell. I first saw the light. 2012, 12’ (La primera vez que vi la luz) Reino Unido. Film experimental, 16 mm, color / United Kingdom. Experimental film, 16 mm, color
Cine freudiano / Freud Cinema
Stephan Lugbauer. About Me. 2011, 10’03’’ (Sobre mí). Austria. Video, HDV, color / Austria. Video, HDV, color John Menick. Starring Sigmund Freud. 2012, 28’ (Con Sigmund Freud como protagonista) EE.UU. Video, DV, color y b/n United States. Video, DV, color and b/w Julius Ziz, Luis Benassi. Memories of an Unbeaten Childhood. 2012, 14’14’’ (Recuerdos de una infancia insuperable) Lituania / Irlanda. Film experimental, DV, color / Lithuania / Ireland. Experimental film, DV, color
Nueva Ficción / New Fiction
Carlos Irijalba. Inercia. 2012, 4’20’’ España. Video, HDV, color / (Inertia) Spain. Video, HDV, color Myriam Yates. Racetrack Superstar Ghost. 2011, 7’37’’ (El fantasma superestrella de la pista de carreras) Canadá. Video, HDV, color / Canada. Video, HDV, color
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Habitat
Hyperborea
Nicolas Provost. Tokyo Giants. 2012, 22’ (Gigantes de Tokio) Bélgica / Japón. Ficción experimental, HDV, color Belgium / Japan. Experimental fiction, HDV, color Crispin Gurholt. Havana. 2012, 17’ (La Habana). Noruega / Cuba. Video, HDV, color Norway / Cuba. Video, HDV, color
Archificción / Archi Fiction
Rob Todd. Habitat. 2012, 10’ (Hábitat) EE.UU. Film experimental, 16 mm, b/n / United States. Experimental film, 16 mm, b/w Karoline Georges. Repères #18-39. 2011, 8’36’’ (Referencias #18-39) Canadá. Video, HDV, b/n / Canada. Video, HDV, b/w Peter Downsbrough. IN [ TO. 2012, 2’47’’ (EN [ A) EE.UU. / Bélgica. Video, HDV, b/n / United States / Belgium Video, hdv, b/w Hans Op de Beeck. Staging Silence (2). 2013, 20’48’’ (Representación del silencio-2) Bélgica. Video, HDV, b/n Belgium. Video, HDV, b/w
BEYOND LANDSCAPE / MÁS que PAISAJEs
Mariana Vassileva. Toro. 2008, 5’ Alemania. Video, DV, color Germany. Video, DV, color Anton Ginzburg. Hypertborea. 2011, 45’ (Hiperbórea) EE.UU. / Rusia. Ficción experimental, HDV, color United States / Russia. Experimental fiction, HDV, color
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13. Alianza Colombo Francesa Reimaginar la imagen / Re-Imagining the Image Programa de cine / Film program Curado por / Curated by Paul Willemsen Reimaginar la imagen, la sección fílmica de la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Cartagena de Indias, gira en torno al carácter político de la imagen y presenta obras de una docena de artistas que van a contracorriente y son deliberadamente políticos. De una manera incisiva, su crítica intelectual y artística tiene reverberaciones políticas y promueve cierta visión del mundo. Demuestran que la realidad y la conciencia no solo se ven reflejadas en imágenes y pantallas, sino que son asimismo producidas por estas.
Re-Imagining the Image, the film section at the International Biennial of Contemporary Art of Cartagena de Indias, revolves around the politics of the image and presents work from dozens of artists that go against the grain and are deliberately political. In a poignant manner, their intellectual and artistic critique have political reverberations and fosters a vision on the world. These artists prove that reality and consciousness are not only reflected but also produced by images and screens.
Plaza Fernández de Madrid No. 37-34 Tels: +(57-5) 660 0167 www.alianzafrancesa.org.co Horario: 11 febrero – 1 abril. Todos los martes, 7 pm Schedule: February 11— April 1. Every Tuesdays, 7 p.m. El programa de cine también se presentará en / The films program will also be presented at Centro Colombo Americano, Calle de la Factoría No. 36-27 Horario: 13 febrero – 3 abril. Todos los jueves, 4 pm Schedule: February 13— April 3. Every Thrusdays, 4 p.m.
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The Forgotten Space
Pays Barbare
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How not to be seen. A Fucking Didactic Educational.Mov File Hito Steyerl. 2013, 15’
Selection from RSAnimate (animation by Andrew Park)
Globodrome Gwenola Wagon. 2012, 69’ 2 La nuit de l’homme François Bucher. 2012, 81’51” 3 Stemple Pass James Benning. 2012, 121’ 4 Terra de ninguém (No Man’s Land) Salomé Lamas. 2012, 72’ 5 The Act of Killing Joshua Oppenheimer. 2012, 159’ (director’s cut)
The crises of capitalism David Harvey. 2010, 11’11” Changing Paradigms Ken Robinson. 11’41” First tragedy then farce Slavoj Zizek. 2009, 10’57” The Internet in society: empowering or censoring citizens? Eugeny Morozov. 10’59” The Empathic Civilisation Jeremy Rifkin. 10’40” 21st century Enlightment Matthew Taylor. 11’12” Outrospection Roman Krzanaric. 10’28” Where do good ideas come from? Steven Johnson. 4’08” 9
6 Nervus Rerum The Otolith Group. 2008, 32’59” Lacan Palestine Mike Holboom. 2012, 70’ 7
Pays Barbare Yervant Gianikian, Angelica Ricci Lucchi. 2013, 65’ 10 Hamburger Lektionen Romuald Karmakar. 2006, 133’
The Forgotten Space Allan Sekula & Noël Burch. 2010, 112’
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14, 15, 16, 17, 18, 19, 20, 21, 22. Obras en espacio público / Works on Public Space Aardlek, Julieta Aranda & Anton Vidokle, Gijs van Bon, Compañía Periferia, Álvaro Restrepo y El Colegio del Cuerpo, Satch Hoyt, Yoko Ono, Carlos Schwartz, Raúl Valverde Proyectos especiales / Special Projects François Bucher, Nuria Carrasco 14. Aardlek. Plaza Iglesia de la Santísima Trinidad 4, 5 de abril, 7 pm. 6 de abril, 4 pm / April 4, 5, 7 p.m. April 6, 4 p.m. 15. Julieta Aranda & Anton Vidokle. Plaza de los Coches 16. Gijs van Bon. Plaza de los Estudiantes 7, 15, 22 de febrero. 1, 8, 15, 22, 29 de marzo. 5 de abril, 4 pm February 7, 15, 22. March 1, 8, 15, 22, 29. April 5, 4 p.m. 17. Compañía Periferia. Calle del Pedregal, Getsemaní 22 de febrero, 7 pm / February 22, 7 p.m. 18. Álvaro Restrepo y El Colegio del Cuerpo. Teatro Adolfo Mejía 22, 23 de marzo, 7 pm / March 22, 23, 7 p.m.
Plaza de la Aduana. 30, 31 de marzo. 1, 2 de abril, 5 pm Mach 30, 31, April 1, 2, 5 p.m.
19. Satch Hoyt. Plaza del Pozo y Plaza Iglesia de la Santísima Trinidad 20. Yoko Ono. Plaza Nautilus 21. Carlos Schwartz. Playa del Triunfo. Calle Playa de la Artillería 22. Raúl Valverde. La Tenaza
François Bucher. Arte en la radio / Radio Art
Nuria Carrasco. Revista / Magazine BIACI
Aardlek NLD, fundado en / established in 2009. Con sede en / Works in Zaandam. David Kuhlemeier, NLD (1973). Vive y trabaja en Ámsterdam / lives and works in Amsterdam Jacob Proyer, AUT (1977). Vive y trabaja en Ámsterdam / Lives and works in Amsterdam Moragh Rusch, NLD (1982). Vive y trabaja en / lives and works in Haarlem Plaza Iglesia de la Santísima Trinidad 4, 5 de abril, 7 pm. 6 de abril, 4 pm / April 4, 5, 7 p.m. April 6, 4 p.m. Groei 2012. Performance, 45’ El equipo de creación incluyó también a / Creation team additionally included: Andre Dienske, Ilse Evers, Maroljn Guldemond y / and Johan Klijn.
El Teatro Colectivo Aardlek se formó en 2009 como una derivación de la conocida compañía Warner & Consorten, después de varios años de colaboración. Surgió de una tradición de performances interdisciplinarias con fuertes imágenes visuales. Parques, plazas, calles y baldíos urbanos conforman su escenografía. El mundo de Aardlek se caracteriza por la lógica absurda y las rutinas inusuales, y descubre visiones surrealistas y poéticas de la vida cotidiana. El equipo artístico cuenta con bailarines, músicos, artistas visuales, arquitectos y diseñadores. Con Groei, una performance festiva, la compañía desmenuza la relación de la humanidad con la naturaleza, creando una serie de imágenes provocativas y sorprendentes.
The theater collective was formed in 2009 after years of collaboration stemming from the well know company Warner & Consorten. The theater collective Aardlek springs from the tradition of interdisciplinary performance with strong visual imagery. Site and public space are the departure points. Parks, squares, streets and urban wastelands are their decor. The world of Aardlek is one of absurd logic and unusual routine uncovering surreal and poetic visions of everyday life. The artistic team consists of dancers, musicians, visual artists, architects, and designers. With this playful performance, Groei (Growth), the company unpicks humanity’s relationship with nature creating a series of provocative and surprising images. In one
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En un momento el espectador tiene encima una maraña de vegetación exótica, y en la siguiente escena se presentan, desde una perspectiva humorística, nuestros esfuerzos por controlar la marea. Es una experiencia única y por momentos interactiva, con inesperados giros, llena de chispa, que invita a la reflexión. Al mismo tiempo, la obra constituye una nota crítica sobre asuntos globales, el imperialismo y el colonialismo.
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moment there’s an overhead tangle of exotic vegetation and in the next a humorous perspective on our efforts to hold back the power of the tide. Witty and thought-provoking, this is a completely unique sometimes interactive experience with some unexpected twists and turns along the way. The performance is simultaneously typically “Dutch” and universal, in both cases providing a critical nod on global environmental issues, imperialism, and colonialism.
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Julieta Aranda & Anton Vidokle Julieta Aranda, MEX (1975). Vive y trabaja en Nueva York y Berlín / Lives and works in New York and Berlin Anton Vidokle, USA (1965). Vive y trabaja en Nueva York / Lives and works in New York Plaza de los Coches Geometría Popular 2003. Instalación. Kiosco de prensa y periódico / Installation. Newsstand and newspaper Entre las aplicaciones sociales de la abstracción modernista, ninguna es más controversial que el arte público. El último bastión, se ha dicho, del debate modernista. Lo que sucede cuando este tipo de geometría abstracta, utópica, idealizada, se proyecta en un espacio público/social es algo que los artistas Anton Vidokle y Julieta Aranda se han propuesto registrar en un periódico llamado Geometría Popular, que fue inicialmente concebido y producido para una exposición de octubre de 2003 en el centro de arte Platform Garanti de Estambul. Al reimprimir una selección de reacciones de la prensa popular ante esculturas abstractas en lugares públicos —denominadas desdeñosamente plop art en los ochenta—, Geometría Popular es la crónica de una desarticulación y fricción, de un lenguaje cuya significación en gran medida se ha desvanecido y cuya traducción casi viene a ser una conversión, con lo que se vuelve más
Of all the social uses of modernist abstraction, none is as contentious as public art. It has been called the last bastion of modernist controversy. Anton Vidokle and Julieta Aranda show what happens when this sort of abstract, utopic, and ideal geometry is projected onto the social/public space via a tabloid called Geometría popular, initially conceived and built for an exhibition in October 2003 at the Platform Garanti Contemporary Art Center of Istanbul. Reprinting a selection of responses to this newspaper about abstract public sculpture—“plop art” as it was scornfully referred to in the eighties—Popular Geometry is a chronicle of disassembling and friction, of a language where meaning has mostly vanished and been lost in translation and that consequently has turned into a circus in which signs and gestures parody its meaning.
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bien una especie de circo en el que signos y gestos, que pretenden tener sentido, terminan siendo una parodia. Mediante la construcción de un kiosco de prensa y la publicación de una nueva edición del proyecto para la Bienal de Cartagena, Geometría Popular se constituye en noticiero de ese circo, con su repertorio de artículos de las tres últimas décadas —en su mayoría negativos (e inconscientemente graciosos)— y un encarte recortable para armar una escultura de papel, como testigo de una incoherencia en la que la danza compleja del arte y la política, la cultura y la ideología, la forma y la función, se arremolinan incesante y anónimamente. BIACI
Through the construction of a newsstand and the publication of a new edition of the project for the #1 Cartagena, Popular Geometry becomes the backdrop of this circus with a largely negative reach (also inadvertently funny) that includes articles from the last three decades, as well as becoming a cut-out, DIY, paper sculpture insert within which a complex dance between art and politics, culture and ideology, form and function is staged.
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Gijs van Bon NLD (1975). Vive en / lives in Neunen. Trabaja en / works in Eindhoven Plaza de los Estudiantes Sábados: 7 de febrero a 5 de abril, 4 pm / Saturdays: February 7 to April 5, 4 p.m. PresentPerfectContinuous 2014. Performance, duración variable. Arena, cable, computador, drivers / Performance, variable duration. Sand, cable, computer, drivers. Coproducción con / Co-production with HH Producties, Amsterdam Para Gijs van Bon el movimiento es una metáfora de la vida. En sus performances combina movimiento y tiempo, y le interesan las infinitas oportunidades y patrones, así como la reducción del tiempo a movimientos infinitesimales, buscando más una reflexión que una expresión. Considera que sus máquinas de escribir con arena son objetos teatrales autónomos que deben comunicarse directamente con el espectador. Present Perfect Continuous se desarrolla en una plaza pública donde el artista escribe con arena sueños y poemas provenientes de diarios de los propios cartageneros. Una vez terminada una sección, se barre la arena hacia un lado para que la máquina pueda proceder a escribir las frases siguientes. A un costado de la plaza hay receptáculos para la arena, para los residuos de pensamientos y sueños. Gradualmente, el resultado se ve cada vez más afectado por el viento, las condiciones atmosféricas
For van Bon movement is a metaphor for life. Combining movement and time, he is interested in the infinite opportunities and patterns as well as the slowing of time to infinitesimal movements so as not to be seen but to be reflected on. He refers to his sand writing machines as Autonomous Theatrical Objects that are meant to communicate directly with the viewer. The installation PresentPerfect Continuous writes with sand from the beaches of Cartagena, dreams and poems taken from diaries and journals written by people from Cartagena. The installation writes in a slow pace each paragraph letter by letter. When the section is complete, the sand will be swept aside so that the machine can continue with the next section. On the side of the public square will be receptacles for the sand—the residue of thoughts and dreams. The last section is left to fate. This is slowly becoming more
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y el público, y desaparece hasta la semana siguiente, cuando se reescribe el texto. La plaza es como el papel en el que se escribe y la ciudad se convierte en portadora del diario, integrando y fusionando ese espacio con los residentes y usuarios. La instalación y la performance aluden al tiempo, su fugacidad y el deseo de dejar constancia de un instante. Tristemente, todos los pensamientos y momentos desaparecen, pero la esperanza está en el surgimiento de lo nuevo. El público es espectador y lector de los fragmentos de textos. Los lee en un momento de silencio creado y destruido en la confusión de la ciudad. BIACI
affected by wind, weather, and public and disappears until the following weekend when text will be rewritten. The square is like the paper on which the texts are written. Thus the city is the carrier of the diary, integrated and merging the location with its residents and users. The installation and performance refer to time and transience and desire to record a moment. All thoughts and moments sadly disappear but hope lies in the emergence of the new. The public is the viewer and reader of the text fragments. They see the text in a moment of silence created and destroyed in the turmoil of the city.
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Compañía Periferia COL. Fundada en / Established in 2010. Trabaja en / Works in Cartagena Lobadys Pérez. Director artístico / Artistic director
Calle del Pedregal, Getsemani 22 de febrero, 7 pm / February 22, 7 p.m. Más allá de la piedra 2014. Espectáculo de danza / Dance performance, 30‘ En 2010, el bailarín y coreógrafo Lobadys Pérez, artista interesado en promover un diálogo entre hip hop y danza contemporánea con el fin de crear un nuevo estilo experimental, fundó en Cartagena de Indias el colectivo Periferia. Previamente había trabajado con el Colegio del Cuerpo, compañía de renombre internacional dirigida por Álvaro Restrepo y Marie France Delieuvin, y obtenido una licenciatura en Formación en Danza en la Universidad de Antioquia. El concepto del centro y de la periferia, ampliamente analizado en las ciencias sociales, sirve de telón de fondo para que jóvenes cartageneros que se dedican a la danza urbana creen un espacio interdisciplinario de diálogo creativo y generación de ideas. La obra Más allá de la piedra es una adaptación para #1 Cartagena de Insubordinación, una intervención que muestra por medio de la danza la fuerza de las formas abstractas y poéticas. Cartagena es una ciu-
Periferia, a dance company based in Cartagena de Indias, was founded in 2010 by dancer and choreographer Lobadys Pérez, an artist who became interested in the experimental crossover genre Hip Hop and contemporary dance. While working for ten years with the internationally recognized company El Colegio del Cuerpo, directed by Álvaro Restrepo and Marie France Deliuvin, he graduated in dance education from the Universidad de Antioquia and is currently pursuing a Masters in Development and Culture in the Universidad Tecnológica de Bolívar. Through his work with children and young people in deprived areas of Colombia and Panama peripheries, he has developed a system for dance as a social and pedagogical strategy. The idea of center and periphery, widely discussed by social science, serves as a backdrop to Cartagena youth involved with urban dance, is the impetus for an interdisciplinary space, dialogue, creation and production of thought. This piece, Más allá
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dad de polos opuestos, de una pobreza y una opulencia que son consecuencia de una dinámica de carácter político y económico de raíces claramente históricas, pero que actualmente se ha vuelto más compleja aún por fenómenos como la globalización y el modelo expansivo de capitalismo global. Empleando movimientos no violentos pero agresivos del estilo llamado krumping, cuya base es el hip hop, la obra constituye un reposicionamiento del valor que tiene en nuestra sociedad el individuo alienado. Esta intervención es un clamor contra ciertas ideas económicas, comerciales y tecnológicas y a la vez un recordatorio de la realidad que experimentan cotidianamente la mayoría de los residentes de Cartagena. BIACI
de la piedra (Beyond the Stone) is a site-specific adaptation of Insubordination, made for #1 Cartagena. The piece consists of an intervention that speaks to the strength of abstract and poetic form through dance. Cartagena is a city of extreme opposites, of poverty and affluence as a result of political and economic dynamics with clear colonial, historical roots, currently made more complex by phenomena such as globalization and the pattern of expansion of global capitalism. Using a nonviolent but aggressive movement called “krumping,” born from Hip Hop, the piece is repositioning the value of the alienated individual in our society. This intervention is a cry against those economic, commercial, and technical ideas and a reminder of the day-to-day realities of the majority of Cartagena’s residents. 243
Álvaro Restrepo y El Colegio del Cuerpo COL. Compañía del Cuerpo de Indias, núcleo profesional de eCdC, institución creada en / Established in 1997 Teatro Adolfo Mejía 22, 23 de marzo, 7 pm / March 22, 23 7 p.m. Tríptico Messiaen. 2013. Coreografía / Choreography Con la colaboración de / In collaboration with: Ministerio de Cultura de Colombia, Festival Internacional de Cine de Cartagena, Bienal Internacional de Danza de Cali y Proartes Multiplex Caribe Plaza 19 de marzo / march 19 Las siete visiones del amén. 2014. Film, 60‘ El Colegio del Cuerpo (eCdC) participará en la 1.ª Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Cartagena de Indias con el proyecto Tríptico Messiaen, un homenaje al compositor y ornitólogo francés Olivier Messiaen. El Tríptico Messiaen está integrado por dos creaciones coreográficas de Álvaro Restrepo en colaboración con Marie France Delieuvin (fundadores/directores de eCdC) y una película del realizador colombiano Carlos Osorio. Se trata de dos de las más célebres composiciones de Messiaen: el Cuarteto para el Fin del Tiempo (que Restrepo llamó «...para el Fin del Cuerpo») y las Siete Visiones del Amén. La película de Osorio es una recreación cinematográfica a partir de las Visiones.
The Colegio del Cuerpo (eCdC) will be participating in the First International Biennial of Contemporary Art of Cartagena de Indias with their project Tríptico Messiaen, a homage to the French composer and ornithologist Olivier Messiaen. Tríptico Messiaen is composed of two choreographies developed by Álvaro Restrepo in collaboration with Marie France Delieuvin (eCdC founders and directors) and a film by Colombian auteur Carlos Osorio. It is made up of two of Messiaen’s most celebrated compositions, Quartet for the End of Time (renamed “...for the end of the body” by Restrepo) and Seven Visions of the Amen. Osorio’s movie is a cinematographic recreation of Visions.
Espacio público y proyectos especiales / Public Space and Special Projects
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El Cuarteto para el Fin del Cuerpo (2005) es una obra para 16 bailarines, mientras que las Siete Visiones del Amén es para 7 bailarines y un dúo pianístico (BdBduo, integrado por las pianistas españolas María José de Bustos y María José Barandiarán). Esta última obra tuvo su estreno mundial en la pasada Bienal Internacional de Danza de Cali. Las dos piezas se presentarán en el Teatro Adolfo Mejía. Por su parte, la película será proyectada en una de las salas de Cine Colombia en el Centro Caribe Plaza, en el marco del Festival Internacional de Cine de Cartagena, dentro del apartado El Séptimo y otros tres. El Tríptico Messiaen además es un proyecto transdisciplinario: danza, música, cine y artes plásticas. BIACI
Quartet for the end of the body (2005) is a piece for sixteen dancers while Seven Visions of the Amen is for seven dancers and the piano duo BdBdúo, made up of the Spanish musicians María José de Bustos and María José Barandiarán. This last piece had its world premiere in the last International Dance Biennial of Cali. The two pieces will be presented at the Adolfo Mejía Theater. The film will be projected at the Cine Colombia cinema in the Centro Caribe Plaza mall by the Cartagena International Film Festival as part of El Séptimo y otros tres (The seventh art and three others). Tríptico Messiaen is a transdisciplinary project that incorporates dance, music, film, and visual arts.
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Satch Hoyt GBR (1957). Vive y trabaja en Berlín / Lives and works in Berlin Plaza del Pozo Say It Loud 2004/2014. Instalación / Installation Plaza Iglesia de la Santísima Trinidad 9 de febrero, 7 pm / February 9, 7 p.m. Solo de percusión / Solo percussion Say It Loud es una instalación interactiva que investiga los conceptos de la libertad de expresión y de espíritu, pensando en los pioneros librepensadores que se opusieron a la trata de esclavos. Lo hace consagrando una escalera metálica rodeada por una montaña de libros, cuya temática aborda los derechos civiles y humanos. Al final de la escalera un micrófono colocado sobre el libro Seize the Time, del escritor Bobby Seal, miembro del movimiento de las Panteras Negras, invita a quien sube a expresarse con total libertad. El título de la instalación procede de la icónica canción de James Brown Say It Loud! I’m Black and I’m Proud! (¡Dilo en voz alta! ¡Soy negro y estoy orgulloso!) El estribillo del tema de James Brown resuena en el fondo, a través de unos parlantes, pero con la palabra black omitida. Así, los visitantes pueden subir
Satch Hoyt’s body of work consists of sculpture, painting, drawing, and installations with sounds, always intended to create a multisensory experience for the viewer which enables the investigation of issues of race and identity through pop culture icons. Trained as a musician and composer, Hoyt has collaborated with artists as diverse as Stomy Yamashta, Grace Jones, Louise Bourgeois, and Matta. He has merged his musical experience with visual arts, creating his own lexicon. Say It Loud is an interactive installation that researches the concepts of freedom of expression and of spirit, recalling the pioneering freethinkers that opposed slavery. To this end he marshals a metallic ladder and surrounds it by a mound of books on the topic of civil and human rights. At the end of the ladder, a microphone placed on the book Seize the Time, by Bobby Seale, a
Espacio público y proyectos especiales / Public Space and Special Projects
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a lo alto de la escultura y hablar, introduciendo la palabra o declaración que deseen. Las instalaciones sonoras de Satch Hoyt, realizadas siempre con la idea de proporcionar al espectador una experiencia multisensorial, investigan conceptos como la raza y la identidad a través de iconos de la cultura popular. Músico y compositor, ha colaborado con Stomy Yamashta, Grace Jones, Louise Bourgeois y Matta, entre otros artistas, lo que ha posibilitado unir su experiencia en el campo musical con las artes visuales, creando un lenguaje artístico híbrido. BIACI
member of the Black Panther Party, invites the audience to climb the ladder and express themselves freely. The name of the installation is derived from James Brown’s classic Say It Loud! I’m Black and I’m Proud! The chorus of the song is projected in the background, but the word black has been omitted. The visitors are allowed to ascend the sculpture and speak or declare what they please.
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Yoko Ono
JPN (1933). Vive y trabaja en Nueva York / Lives and works in New York
Plaza Nautilus Wish Tree for Cartagena 1981– en desarrollo / work in progress. Obra interactiva. Ficus benjamina, etiquetas, deseos / Installation. Variable dimensions. An interactive artwork, Ficus Benjamina, tags, wishes Yoko Ono es una de las artistas internacionales más reconocidas actualmente. Integrante del grupo Fluxus, comenzó a introducirse en la práctica artística a través del arte conceptual. Con el paso de los años sus performances, happenings e instalaciones se han convertido en enormemente populares y conocidos. Estudió Música y Poesía en la Sarah Lawrence University, una universidad independiente de Artes Liberales. En 1959 decidió fijar su residencia en Nueva York y comenzó a participar activamente en la vanguardia cultural del momento. Ha abordado numerosos medios, desde la música hasta el cine, siempre desde un punto de vista experimental, pasando por la instalación, la performance, el dibujo y la escritura. Suele aplicar en su obra una economía de recursos que, sin embargo, son aprovechados al máximo y cargados de significación. La obra de Ono se caracteriza por la repetición de temas de incidencia social, como la lucha contra
Yoko Ono is one of the most acclaimed international artists today. As a member of Fluxus, her performances, happenings, and installations have become prominent in Conceptual Art circuits. Ono studied music and poetry at Sarah Lawrence College, a renowned liberal arts university. In 1959 she moved to New York and quickly became part of the cultural vanguard. She has used a variety of media in her art—music, cinema, installation, performance, drawing, and writing— always from an experimental perspective. She follows a resourceful economy, taking the greatest advantage of materials and charging them with meaning. Ono’s work regularly features socially relevant themes such as the fight against racism, homophobia, sexism, the search for peace, social equality, the elimination of social barriers, and finding pleasure in small, everyday details. She is considered a pillar of the feminist art establishment.
Espacio público y proyectos especiales / Public Space and Special Projects
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el racismo, la homofobia y el sexismo (está considerada como un pilar importante del arte feminista), la búsqueda de la paz, la pluralidad social, la eliminación de barreras sociales y la búsqueda de placer en los pequeños detalles cotidianos. Wish Tree es una obra de arte participativa. Consiste en un árbol que se planta con la intención de motivar al espectador a escribir sus deseos y no dejar de desear hasta que las ramas del árbol se llenen de deseos. Esta instalación ha viajado por el mundo, partiendo de Nueva York y pasando por Londres, Washington, Japón, Venecia y Dublín, entre otros sitios. La obra de Ono, de gran incidencia pública y mediática por su mensaje y forma de expresión, se ha expuesto por todo el mundo y está representada en las mejores colecciones públicas y privadas internacionales.
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Wish Tree is a participative work of art. It is a tree that is planted with the intention of pushing the spectator to write his wishes and not stop wishing until the tree’s branches are covered. The installation has travelled throughout the world, beginning in New York and passing through London, Washington, Japan, Venice, and Dublin, among others. Yoko Ono’s work enjoys a great public and media following. Many are engaged with her message and style of expression. She has exhibited all over the world and is included in the finest public and private international collections.
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Carlos Schwartz ESP (1966). Vive y trabaja en Madrid y Berlín / Lives and works in Madrid and Berlin Playa del Triunfo Laberinto de luz 2014. Instalación lumínica. Imagen: boceto / Light installation. Image: sketch Producido por / Produced by: BIACI Situado en la Playa del Triunfo, un jardín que discurre paralelo a un sector de la muralla que rodea la ciudad de Cartagena, Laberinto de luz proyecta un castillo de papel, como metáfora de las murallas burocráticas a las que estamos sujetos en la actualidad; y a la vez entra en sintonía formal con los cuadernillos en acordeón japoneses que se pliegan y despliegan sobre sí mismos. La utilización de la luz como elemento primordial no es casual. En la obra de Carlos Schwartz desempeña un papel fundamental, al redefinir, trascender y sublimar el objeto con el que se asocia, convirtiéndolo en una especie de metáfora visual. Aquí la luz posee una doble vertiente, que se deduce de su propia naturaleza: como onda que ilumina el espacio visual, y como partícula cuya energía se expande más allá de las fronteras físicas. Este último aspecto se contrapone con la solidez y finalidad defensiva de los bloques de la muralla, ya que las partículas de luz recorren espacios infinitos.
Installed in gardens next to the walled perimeter of Cartagena, on the Calle del Triunfo, Laberinto de luz (Light Labyrinth) projects a paper castle as a metaphor of the bureaucratic walls we are subject to today. The piece enjoys a formal harmony between the Japanese albums that fold and unfold. The use of light as a fundamental element is not accidental. It plays an important role in Schwartz’s work by redefining, transcending, and sublimating the object that it represents, taking the form of a visual metaphor. Light, due to its nature, acts as both a wave that illuminates the visual space and as a particle whose energy expands beyond physical boundaries. This last quality is juxtaposed against the solid quality of the defensive barriers, since light particles travel through space infinitely.
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En el plano inferior, las estructuras metálicas con fluorescentes recorren el jardín, bordeando árboles y palmeras en planos angulares, cuyo desarrollo remite a ciertos ejercicios pedagógicos de Paul Klee en los que deconstruía una estrella de seis puntas, iluminando con colores los distintos entramados. Los niveles superpuestos quieren generar la impresión de un castillo de luz junto a la muralla. Esa interacción entre el pasado y el presente, entre piedra y luz, invita a reflexionar sobre las fronteras físicas y burocráticas del mundo globalizado, pero quiere provocar al mismo tiempo una experiencia espiritual en el espectador, mientras contempla el laberinto de luz. BIACI
At the ground level, the metallic structures with fluorescent lights cover the garden, coming against trees and palms at an angle. This is reminiscent of Paul Klee’s star deconstruction exercises, where he would deconstruct a six-pointed star illuminating the various sections. The superimposed layers seek to generate the impression of a castle of light next to the city wall. The interaction between past and present—stone and light—invites us to reflect on the physical and bureaucratic boundaries of a globalized world and simultaneously produces a spiritual experience in the viewer as he contemplates the labyrinth of light.
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Raúl Valverde ESP (1980). Vive y trabaja en Nueva York / Lives and works in New York La Tenaza Paisaje adaptado 2014. Jardín. Flora mediterránea. Dimensiones variables / Installation. Mediterranean flora. Variable dimensions. Producido por / Produced by: BIACI Raúl Valverde desarrolla proyectos con un marcado acento conceptual, que sirven como vehículos de transmisión de sensaciones, expresiones o ideas tanto para la reflexión propia como general. Paisaje adaptado es un jardín diseñado en Cartagena de Indias a partir de la flora autóctona de la ciudad de Cartagena en Murcia (España). La relación topográfica que existe entre las dos Cartagenas fue muy significativa para los primeros conquistadores españoles, que sustituyeron el nombre original de Calamarí por el de la ciudad española. Ambas ciudades son puertos de mar estratégicos, aunque con una orientación opuesta: hacia el levante el de España, y hacia el poniente el de Colombia. Para la construcción de este jardín se trasladará al clima húmedo del Caribe plantas características del clima mediterráneo seco de Cartagena en Murcia. Entre ellas, el alcornoque, el chopo, la esparraguera, el esparto, la
Raúl Valverde develops projects with a marked conceptual edge, explores realities, sensations, expressions, and ideas in general. He does not hesitate to delve into his concerns and express them in works of artistic reflection, both for his and others benefit. Paisaje adaptado is a garden in Cartagena, Colombia that has been designed with local flora from the city of Cartagena in Murcia Spain. The topographic relationship between the two Cartagenas was very meaningful to the first Spanish conquistadors, who replaced the original name, Calamari, for the name of the Spanish city. Both cities are strategic ports, although pointing in opposite directions: towards the East in Spain and towards the setting sun in Colombia. This garden was built by introducing the dry Mediterranean plants from Murcia, to the wet Caribbean climate of Cartagena, plants such as: European aspen, candlewood, cork, various oaks, jujube, sandarac tree, oleander, poplar, asparagus, hawthorn,
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lavanda, el limonero, el naranjo, el olivo, el romero, etc. El proyecto Paisaje adaptado toma como punto de partida esa noción de intercambio y referencialidad para presentar un jardín importado. El visitante se encuentra con una escena mediterránea frente al mar Caribe, de una forma que conecta dos puntos geográficos vinculados en el tiempo. BIACI
lavender, mastic, and various citrus trees. The project takes the concepts of exchange and referentiality as a starting point for presenting this imported garden. The visitor finds himself in a Mediterranean scene while at the same time standing on the Caribbean Sea—a means to reconnect these two different places whose histories are linked. 253
François Bucher COL (1972). Vive y trabaja en Berlín y Bogotá / Lives and works in Berlin and Bogota Radio Amazonas 2014. Arte en la radio, en colaboración con Lina López / Radio art, in collaboration with Lina López Producido por / Produced by: BIACI Este proyecto radiofónico en el Amazonas forma parte de un programa de cinco años titulado El mundo fue plano, ahora es redondo y será un holograma. El archivo radial, producto de la comisión de la Bienal de Cartagena, forma parte integral del mismo. La inspiración de Radio Amazonas procede de una investigación patrocinada por la Fundación Gaia sobre las seis etnias que habitan en las cercanías del río Pirá Paraná. Esta investigación se ha basado en las prácticas y los rituales ancestrales de este lugar que ha sobrevivido a todo tipo de influencias externas, que van desde la cauchería hasta la guerrilla, y desde el paramilitarismo hasta el influjo imparable de la sociedad de consumo. El Pirá Paraná es un lugar en el que se sigue viviendo de acuerdo a una coherencia con el universo chamánico y su matriz potenciadora. Como parte de la Bienal, el programa de radio transmitirá desde la selva un sentido coherente para una sociedad en franca cacofonía.
The Amazonian radio project is part of a five year investigation called El mundo fue plano, ahora es redondo y será un holograma (The world was flat, now it is round, and it will be a hologram) that will later take on another form as a collective contemporary art exhibit accompanied by antique measuring instruments taken from the medical, astronomical, and astrological tradition of different societies. The radio archive—commissioned by #1 Cartagena and presented internationally—will be a key element of this project. The inspiration behind Radio Amazonas can be found in research sponsored by the Gaia Foundation on the six different ethnicities that make their home near the Pirá Paraná River. This research project investigated the ancestral practices and rituals of a geographical location that has survived all kinds of outside influences: from the rubber rush to guerrilla warfare, and from paramilitary operations to the relentless onslaught of consumer culture.
Espacio público y proyectos especiales / Public Space and Special Projects
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Con este proyecto, el artista visual François Bucher mantiene su línea de investigación artística en la que intenta demostrar que los avances de la tecnología y de la ciencia son compatibles con otras realidades esotéricas, sobre todo aquellas conectadas con un pasado más arcaico.
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The Pirá Paraná is a place where people still live in harmony with a shamanic universe and all that it enables. The radio, then, is a technological tool for the jungle to broadcast meaning to a society that is mired in cacophony. François Bucher continues his line of artistic inquiry, demonstrating that the advances in science and technology are compatible with other esoteric realities—especially those that are connected to a more archaic past.
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Nuria Carrasco ESP (1962). Vive y trabaja en Madrid / Lives and works in Madrid KALAS 2014. Revista, color, encuadernación rústica / Color magazine in rustic binding, 112 p., 33 x 25 cm Producido por / Produced by: BIACI KALAS es un fake de la revista Caras, la publicación número uno en Colombia sobre estilo de vida y sociedad, siempre asociada al lujo, la elegancia y la sofisticación. Informa sobre la alta sociedad colombiana, la aristocracia internacional y la vida de los multimillonarios. En palenquero, kala significa cara, por lo que el título KALAS es una traducción libre de Caras a esta lengua criolla —mezcla de portugués, castellano e idiomas africanos— que se habla en San Basilio de Palenque, uno de los reductos de esclavos rebeldes que se formaron en la época colonial. Este proyecto editorial y artístico es una producción de la Bienal. Nuria Carrasco pasó semanas en Cartagena en contacto directo con su gente y reproduce el estilo de vida de su población afrodescendiente en el mismo formato y diseño que tiene la revista Caras. Este concepto fue utilizado en su anterior trabajo, ¡Ahlan!, una crónica de su estancia en los campamentos de refugiados del Sahara Occidental que
KALAS is a fake of Caras, the number one lifestyle and society magazine associated with luxury, elegance, and sophistication. The magazine reports on Colombian high society, international aristocracy, and the lives of the rich and powerful. Kala means face in Palenquero, so the title of Nuria Carrasco’s magazine is a liberal translation of Caras into this creole tongue. Palenquero—a mixture of Portuguese, Spanish, and African languages—is spoken in San Basilio de Palenque, a village that represents survival as the direct heir of one of the bastions of escaped slaves that peppered the Caribbean coast during the colonial age. Carrasco’s project reproduces the style, format, and layout of the magazine but replaces the original characters with the afro-descendant population of Cartagena de Indias. This same concept was employed in her previous work, ¡Ahlan!, a record of her stay in refugee camps in Western Sahara. By copying the layout of the ¡HOLA! magazine, the Spanish equivalent of Caras,
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se apropiaba del formato de la revista ¡Hola!, el equivalente de Caras en España. Así, con este proyecto la artista mantiene una clara congruencia con su trabajo anterior, caracterizado por una fuerte vocación inquisitiva en relación con la gestualidad más banal de la vida cotidiana. Para el crítico Rafa Abad, KALAS es «un ejemplo de nuevas representaciones de la sociedad y de imaginación política, transformando lo ordinario en extraordinario».
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her magazine shed light on the total plunder that the Saharaui people have been subjected to over the last thirty-five years. She maintains clear congruence with her previous work, all of which is characterized by an intense interest in inquiring about everyday body-language. Carrasco is a multidisciplinary artist that employs elements of everyday life and banal acts that point to the meaning of our routines and the importance we grant to frivolities.
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El ocioso imperfecto o cuando las cosas desaparecen
Imperfect Idler or When Things Disappear
Bienal Internacional de Arte Contemporรกneo. Cartagena de Indias, 2014
El ocioso imperfecto o cuando las cosas desaparecen Para la participación nacional en la 1.ª Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Cartagena de Indias, desde el principio se pensó en una convocatoria abierta. Esta tuvo una acogida sin precedentes, y alrededor de cuatrocientos cincuenta proponentes mandaron sus inscripciones, acompañadas de imágenes y proyectos puntuales. La Bienal escogió tres curadores como jurado para seleccionar las propuestas: Gabriela Rangel, Stephanie Rosenthal y Miguel González. Visitaron estudios de artistas y galerías en Cartagena, Barranquilla, Cali, Bogotá y Medellín en busca de información y material. Los jurados no se limitaron a seleccionar artistas que se presentaron a la convocatoria, sino que escogieron también trabajos y autores por fuera de ella, a fin de conformar un grupo final que diera cuenta de los alcances y logros que se producen en nuestro país.
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Imperfect Idler or When Things Disappear Colombia’s participation in the First International Biennial of Contemporary Art of Cartagena de Indias was conceived as an open call from the beginning. We had an unprecedented reception of about 450 artist submissions with images and project proposals. The biennial chose three curators for this open call to act as jurors governing the selection process: Gabriela Rangel, Stephanie Rosenthal, and Miguel Gonzalez. They visited artist studios and galleries in Cartagena, Barranquilla, Cali, Bogota, and Medellin in search of information and material. The jurors did not limit themselves to the artists that had submitted entries to the open call, but also chose other works and artists in order to craft a final sample that would represent the breadth of achievement in our country.
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El resultado de la escogencia de los tres curadores que actuaron como jurados fue lograr un grupo con preocupaciones muy disímiles. A Stephanie Rosenthal le interesaban los recursos conceptuales y poéticos con que los artistas lidian con los desafíos del despiste de un país (Cuando las cosas desaparecen); Gabriela Rangel quería ahondar también en la manera en que muchos creadores encaran la modernización frente a la demanda histórica de provincializar sus modernismos (el Ocio imperfecto), y Miguel González reflexionaba sobre cómo entre todos podían dar cuenta de los lenguajes y los metalenguajes que nos son más contemporáneos sin dejar de estar atentos a la situación política, social y económica que conduce y permea el diario vivir. La presente exhibición no pretende por sus dimensiones y alcances ser un evento exhaustivo. Solo quiere señalar la atención que un grupo de artistas colombianos le ha asignado al manejo de los lenguajes contemporáneos para penetrar en la reinterpretación del entorno y generar obras inquietantes, a veces inquisidoras, siempre reflexivas y algunas preocupadas tanto por sus coyunturas procesales como por resultados específicos.
The selection of the three curator-jurors makes up a group with very different perspectives. While Stephanie Rosenthal was interested in the conceptual and poetic way the artists dealt with the challenges of the forgetfulness of a country (When Things Disappear), Gabriela Rangel was also concerned about the ways in which many artists confronted modernization vis-à-vis a historical claim to provincialize its modernisms (Imperfect Idler). Meanwhile Miguel González thought about how together they would reference the most current languages and meta-languages, while also manifesting their sensitivity to the political, social, and economic situation that drives and permeates daily living. This exhibition does not attempt to be exhaustive in its breadth and depth, but rather seeks to draw attention to a group of local artists who deal with contemporary art practices in order to reinterpret their environment and generate challenging and inquisitive works that lead to contemplation, some of which are as concerned with process as with specific results. Miguel González Gabriela Rangel Stephanie Rosenthal
Miguel González Gabriela Rangel Stephanie Rosenthal 262
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23. Museo de Arte Moderno de Cartagena, MAMC Julián Dupont, Juan Manuel Echavarría, Clemencia Echeverri, Adrián Gaitán, Elías Heim, Leonardo Herrera, Juan David Laserna, Diego Mendoza, Colectivo Octavo Plástico, Juan Sebastián Peláez, Miguel Ángel Rojas, María Isabel Rueda, Wilger Sotelo, Paola Tafur Calle 30 No. 4-08, Plaza de San Pedro Claver Tel: +(57-5) 664 5815 Horario: Lunes a Sábado, 9 am – 12 pm y 3 pm – 7 pm Domingos, 10 am – 12 pm y 2 pm – 8 pm Schedule: Monday through Saturday, 9 a.m.— 12 p.m. and 3 p.m.— 7 p.m. Saturday, 10 a.m.— 12 p.m. and 2 p.m.— 8 p.m.
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Julián Dupont COL (1985). Vive y trabaja en Cali / Lives and works in Cali Sobre el territorio sin mapa 2013. Video Julian Dupont es un joven artista multidisciplinar y curador colombiano. Procedente de Popayán, actualmente está radicado en Santiago de Cali. Utiliza los formatos de dibujo, fotografía, escultura, video, performance e instalación para abordar sus reflexiones sobre la realidad y la ficción, los límites entre la imaginación y el mundo matérico. Considera el arte como un agente dinamizador y transformador del límite. Según el propio artista, a través del dibujo, la fotografía y la instalación atravesados por el cuerpo como eje transversal, traza paradojas entre lo poético y lo real desplegando la posibilidad de la ilusión en la ficción imperativa de aquello constituido letra convenida. Ha participado en exposiciones colectivas como Luis Ángel Rengifo: la paradoja del realismo social al expresionismo comprometido, 8.º Festival de Performance de Cali (2012); Rojo Platonismo Rojo, intervención no oficial en el 8.º Festival de Performance de Cali (2012); Mesa de terra, La Central, Cali (2012); Caminando sobre un triángulo, La
Julián Dupont is a young Colombian multidisciplinary artist and curator. Originally from Popayan, he currently lives in Santiago de Cali. He works with drawing, photography, sculpture, video, performance, and installation to reflect on reality and fiction and the boundaries that separate imagination and the material world. He conceives art as an agent for change, for pushing the boundaries. According to the artist, he uses the body as an axis in his drawing, photography, and installation in order to explore paradoxes between that which is poetic and that which is real, reveling in the possibility of illusion within the imperative fiction. He has had group and solo shows including Luis Ángel Rengifo: la paradoja del realismo social al expresionismo comprometido (The paradox of social realism and committed expressionism) at the VIII Performance Festival in Cali (2012), Rojo Platonismo Rojo (Red Platonism red), an unofficial intervention at the VIII Performance Festival in Cali (2012), Mesa de terra (Earth table) at La Central in Cali (2012), Caminando
Museo de Arte Moderno de Cartagena, MAMC
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Cubeta Pentaprismática, Cali (2011); Sistema Blanco/Negro, 4.º Festival de Performance de Medellín (2010); Prácticas Contextuales, Laboratorio Artístico de San Agustín (LASA), La Habana, Cuba (2010); Advertencia - Die Pop (work in progress), Popayán (2005). Su primera exposición individual, Maparadoxterra, tuvo lugar en la Cinemateca del Museo La Tertulia de Cali (2013).
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sobre un triángulo (Walking on a triangle) at La Cubeta Pentaprismática in Cali (2011), Sistema Blanco/Negro (Black/white system) at the IV Performance Festival in Medellin (2010), Prácticas Contextuales (Contextual practices) at the Laboratorio Artístico de San Agustín (LASA) in Havana, Cuba (2010), Advertencia - Die Pop (work in progress) in Popayan (2005). His first solo show Maparadoxterra was held at La Tertulia Museum in Cali (2013).
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Juan Manuel Echavarría COL (1947). Vive y trabaja en Bogotá / Lives and works in Bogota El sepulturero y su llamada perdida 2013. Video Juan Manuel Echavarría comenzó su carrera como escritor, viviendo entre Bogotá y Nueva York y viajando por Europa, sobre todo a Grecia. A partir de 1995 se dedicó a la fotografía y al video, concentrándose en temas como la violencia y los conflictos civiles que han plagado a Colombia durante el siglo xx y hasta el día de hoy. A través de la imagen explora la «estetización de la violencia y del terror» y obliga al espectador a ver esa realidad, la de las guerrillas, los paramilitares y los carteles de la droga. A traves de la fotografia y el video, Echavarría propone imágenes de aparente belleza, que atraen al espectador y lo incitan a acercarse. Una vez observadas en detalle, esas imágenes se descubren como cruentas metáforas de las historias de violencia que componen el corpus creativo de Echavarría. Con ellas intenta mostrar cómo la carnicería y el miedo persistente se han convertido, en ciertas zonas, en un estado natural de existencia.
Juan Manuel Echavarría began his career as a writer while living between Bogota and New York and travelling Europe, particularly Greece. Since 1995, he dedicated himself to photography and video, choosing the themes of violence and conflict that have plagued Colombia throughout the twentieth century and up until today. He explores the aestheticization of violence and terror and forces the viewer into this reality—the reality of guerillas, paramilitary forces, and drug cartels. Through photography and video, Echavarría presents images of apparent beauty that attract the viewer and to draw him closer. Once observed in greater detail, cruel metaphors become visible, telling stories of violence—a trademark in Echavarría’s body of work. Through these metaphors the artist depicts the carnage and fear that have become a constant in some areas of Colombia.
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Echavarría ha expuesto de manera individual en lugares tales como el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Argentina, el Erich Maria Remarque Peace Center de Osnabrück, Alemania, el North Dakota Museum of Art de Grand Forks, EE.UU, el Santa Fe Art Institute de Nuevo México, EE.UU, el Museo La Tertulia, Cali, y The Patricia y Phillip Frost Art Museum de la FIU, Miami. Ha participado en exposiciones colectivas en varios lugares del mundo, como Colombia, Dinamarca, España, Argentina, Finlandia, Austria, Francia, Italia y Estados Unidos.
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Echavarría has had solo shows at the Modern Art Museum in Buenos Aires, Argentina, the Erich Maria Remarque Peace Center in Osnabrück, Germany, the North Dakota Museum of Art in USA, the Santa Fe Art Institute in New Mexico, USA, the La Tertulia Musuem in Cali, and the Patricia and Phillip Frost Art Museum at FIU in Miami, among others. He has participated in international group exhibitions including Colombia, Denmark, Spain, Argentina, Finland, Austria, France, Italy, and the United States.
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Clemencia Echeverri COL (1950). Vive y trabaja en Bogotá / Lives and works in Bogota Sacrificio 2013. Videoinstalación multicanal, sonido Dolby / Multichannel video installation. Dolby sound, 10’11”
Tras trabajar la pintura y la escultura, desde mediados de los años noventa realiza instalaciones que mezclan video, sonido e interactividad a partir de las condiciones políticas y sociales dominantes. Realizó estudios de pregrado en la Universidad de Antioquia. Posteriormente obtuvo una maestría en Artes Plásticas e hizo una especialización en Teoría e historia del arte contemporáneo en el Chelsea College of Arts de Londres. Ha sido subdirectora del Museo de Arte Moderno de Medellín, y desde 1982 ejerce como docente de Artes en pregrado y maestría en las Universidades de Antioquia y Nacional. Ha obtenido premios, menciones y becas nacionales e internacionales, por ejemplo del Arts Council de Londres (2007), de la Fundación Daniel Langlois de Canadá (2002) y el Premio Bienal de las Artes de Colombia (2010). Ha participado con videoinstalaciones en múltiples eventos nacionales e internacionales, entre ellos la Bienal de Liverpool, Inglaterra (2010); en el museo Daros Latinamerica, Suiza; en la Delfina
Clemencia Echeverri has been creating installations that combine video, sound, and interactivity to explore current political and social conditions. She studied at the Universidad de Antioquia in Medellin and then received a master’s in visual arts with a concentration in contemporary art theory and history from the Chelsea College of Arts in London. She was the subdirector of the Museum of Modern Art in Medellin and has lectured for undergraduate and graduate students at the Universidad de Antioquia and the Universidad Nacional since 1982. Echeverri has received awards, special mentions, and scholarships—both in Colombia and abroad—from the Arts Council in London (2007), the Daniel Langlois Foundation in Canada (2002), and the Premio Bienal de las Artes in Colombia (2010). Echeverri’s video installations were included in the Liverpool Biennial (2010), the Daros Latinamerica Museum in Switzerland, the Delfina Foundation in the United Kingdom (2008), the VII Bienal de la Habana (2000), and Otras Miradas
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Foundation, Reino Unido (2008); la vii Bienal de La Habana, Cuba (2000), y Otras Miradas, en la Maison de l’Amérique Latine de París (2006). Ha participado en Festivales de Artes Electrónicas como el ISEA en Helsinki, Estocolmo (2004) y Tallin; el Festival de Artes Electrónicas Banquete de Madrid; Ars Electrónica, Austria; Artrónica, Bogotá, y Metal, Londres. En Colombia destacan sus exposiciones en el Museo Nacional de Colombia; Cal y Canto en el Museo de Arte Moderno de Bogotá (2002); en el Salón Nacional de Artistas (2006); Clemencia Echeverri: Treno, en la Galería Alonso Garcés, Bogotá (2007), y Clemencia Echeverri: Sin Respuesta, en el Museo de Arte de la Universidad Nacional (2009).
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(Other Glances), at the Maison de l’Amérique Latine in Paris, (2006). She has participated in electronic art festivals such as the ISEA in Helsinki, Stockholm (2004), and Tallinn, the Festival de Artes Electrónicas Banquete in Madrid, Spain, the Ars Electrónica in Austria, Artrónica in Bogota, and Metal in London. Some of her notable exhibitions in Colombia include the Museo Nacional de Colombia, Cal y Canto at the Museum of Modern Art in Bogota (2002), the Salón Nacional de Artistas (2006), Clemencia Echeverri: Treno at the Alonso Garcés Gallery in Bogota (2007), and Clemencia Echeverri: Sin Respuesta at the Universidad Nacional’s Art Museum (2009). In 2009 she published a book on her recent work called Sin Respuesta.
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Adrián Gaitán COL (1983). Vive y trabaja en Cali / Lives and works in Cali Presentimiento Oceánico 2011. Escultura / Sculpture Adrián Gaitán es un artista multidisciplinar que usa como medio de producción de sus obras materiales condenados al desecho, tales como tierra, bolsas de plástico, lámparas averiadas, cinta pegante, etc. Con esos materiales, Gaitán compone un léxico de imágenes que en muchas ocasiones utilizan el trampantojo, el engaño visual y la contradicción conceptual. Una de sus constantes es el uso de elementos que observamos en la vida cotidiana, como muebles o alfombras. Al utilizarlos como imagen o concepto, se refiere a su naturaleza útil y práctica; pero en realidad es solo una ilusión. El espectador, al acercarse, se percata del material del que están hechos, que imposibilita su utilidad. Ha tenido exposiciones individuales en varios lugares de Colombia, como el Museo de Arte Moderno La Tertulia, la Galería R&M, Lugar a Dudas y la Casa Proartes, en la ciudad de Cali. Ha participado en exposiciones colectivas internacionales en Chile y Holanda; y en este último país, en la residencia Hotel Maria Kapel. En el año
Adrián Gaitán is a multidisciplinary artist that uses disposable materials such as earth, plastic bags, damaged lamps, and scotch tape in his pieces. With these materials Gaitán composes a lexicon of images that frequently employ sleight of hand, visual tricks, and conceptual contradiction. He constantly uses elements borne from our daily lives such as furniture and carpets. In using them as an image or concept, he makes references to their usefulness and practicality—but that is only an illusion. Upon closer examination, the viewer recognizes the materials and the impossibility of using them. He has had solo shows in Cali at La Tertulia Museum of Modern Art, Galería R&M, Lugar a Dudas, and Casa Proarte. He has participated in group shows in Chile and the Netherlands, where he also did a residency at Hotel Maria Kapel. In 2008 he participated in the Salón Nacional de Artistas with his project El Camión (The Truck) at La Tertulia Museum of Modern Art. He has won numerous awards such as the BLOC 2011
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2008 participó en el 41 Salón Nacional de Artistas con su proyecto El Camión en el Museo de Arte Moderno La Tertulia. Ha ganado numerosos premios, siendo ganador en el año 2011 de la beca de creación BLOC 2011 de la Alianza Francesa, Lugar a dudas y la Casa Proartes en la ciudad de Cali. En ese mismo año ganó el premio Papel del Museo La Tertulia en su ciudad natal.
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creative scholarship from the French Alliance, the Papel award from La Tertulia Museum, and other awards from Lugar a Dudas and Casa Proarte that same year in his home city.
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Elías Heim COL (1966). Vive y trabaja en Cali / Lives and works in Cali Gulgolet 2013. Instalación / Installation El origen judío de Heim y los estudios realizados en la Academia de Arte de Israel y las Academias de Arte de Múnich y Düsseldorf en Alemania han sido cruciales para dar cuerpo a la obra de este artista colombiano. Ha recibido numerosos premios y distinciones. Expresa su lenguaje plástico a través de instalaciones, generalmente in situ, las cuales se basan en una línea de pensamiento acerca de un lugar, incorporando hechos y situaciones que allí sucedieron. En sus obras utiliza tecnologías mecánicas diversas, recurriendo por ejemplo a la energía eólica o a la eléctrica. Según el artista, para lograr una idea total del mundo hay que visionarlo desde tres aspectos: lo religioso/la fe, la ciencia y el arte. Ha realizado exposiciones individuales en el Museo La Tertulia, Cali (1996, 1999, 2003, 2008), en el Museo de Arte Moderno de Bogotá (1996 y 2003), en el Museo de Arte Moderno de Cartagena (2003), Gulgolet en el Museo de Arte Moderno de Medellín (2011) y Gulgolet (Variaciones) en la Galería Jenny Vilà, Cali (2012).
Elías Heim’s Jewish background and his studies at the Academy of Arts in Israel and the academies of Munich and Dusseldorf in Germany have been crucial to his artistic development. He has received numerous awards and distinctions. He typically expresses himself through in situ installations that follow a line of expression about a particular place, weaving together past occurances. Heim uses a variety of mechanics and power sources, such as wind and electricity. According to the artist, in order to achieve a complete idea of the world, it must be viewed from three perspectives: the faith-religious, the scientific, and the artistic. Heim has had solo shows at La Tertulia Musuem of Modern Art in Cali, at the Modern Art Museum in Bogota, at the Museo de Arte Moderno de Cartagena, Gulgolet at the Modern Art Musuem in Medellín and Gulgolet (Variaciones) at the Jenny Vilá Gallery in Cali, among others. He has participated in group shows nationally and internationally at the Jerusalem Artists House in
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Ha participado en exposiciones colectivas en La Casa del Artista de Jerusalén, Israel (1996); Punto de Apoyo, Colombian Center de Nueva York (1996); xlvi Bienal de Venecia, Italia (1996); Do It, en la Biblioteca Luis Ángel Arango, Bogotá (2001); xxvi Bienal de São Paulo, Brasil (2001); Transcripciones y Traslaciones Edificantes, en la Valenzuela Klenner Galería, Bogotá (2001); El Objeto Paradójico, en la Universidad Nacional, Bogotá, (2001); La Nota Tonal, en la Galería Santa Fe, Bogotá (2005); Video Colombiano, Seis Artistas Contemporáneos, en el espacio Off Limits de Madrid (2007), y Religión y Sacrificio, en el Museo de Arte Religioso, Cali (2008).
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Israel, Punto de Apoyo (Point of support) at the Colombian Center in New York, the XLVI Venice Biennale, Do It at the Biblioteca Luis Ángel Arango in Bogota, the XXVI São Paulo Biennial, Transcripciones y Traslaciones Edificantes (Edifying Transcriptions and Traslations), at the Valenzuela Klenner Gallery in Bogota, El Objeto Paradójico (The Paradoxical Object), at the Universidad Nacional in Bogota, La Nota Tonal (The Tonal Note), at the Santa Fé Gallery in Bogota, Video Colombiano, Seis Artistas Contemporáneos (Colombian video, six contemporary artists), at Off Limits in Madrid, and Religión y Sacrificio (Religion and Sacrifice), at the Museo de Arte Religioso in Cali.
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Leonardo Herrera COL (1977). Vive y trabaja en Cali / Lives and works in Cali. Sé marginal 2013. Tela bordada / Embroidered fabric Estudió Fotografía en la Universidad de Florida, EE.UU. y Arte en el Instituto Departamental de Bellas Artes de Cali. Como artista pluridimensional (video, performance, dibujo), sus proyectos están desarrollados sobre el contexto, la historia y lo político. Herrera es docente en la Universidad del Valle y en el Instituto Departamental de Bellas Artes, y cofundador de Helena Producciones, asociación de artistas sin ánimo de lucro que ha estado a cargo de la realización del Festival de Performance de Cali. También ha sido coordinador general de BLOC, Becas Locales de Creación (2010– 2011). Ha obtenido premios y distinciones del Instituto Distrital de Cultura y Turismo de Bogotá (2006) y del Centro Cultural de Cali (2001), entre otros. Entre las exposiciones individuales de Herrera están Calentamiento, en la Casa Proartes, Cali (1999); Ne sors pas au jardin, en el Centre de la Photographie de Ginebra, Suiza (2000); Panóptico, en el Centro Cultural de Cali (2001); Terrorista Colombiano, en el Museo La Tertulia, Cali (2005); Proyecto
Leonardo Herrera studied photography at the University of Florida, and visual arts at the Instituto Departamental de Bellas Artes in Cali. Herrera develops video, performance, and drawing projects based on context, history, and politics. He teaches at the Universidad del Valle and the Instituto Departamental de Bellas Artes and is co-founder of Helena Produciones, a nonprofit artist organization that organizes the Performance Festival in Cali. He has also been the general coordinator of the BLOC (Becas Locales de Creación/Local Creative Scholarships, 2010–2011). He has received awards and distinctions from the Instituto Distrital de Cultura y Turismo in Bogotá (2006), and from the Cultural Center of Cali (2001), among others. His important solo shows include Calentamiento, Casa Proartes in Cali, Ne sors pas au jardin, Centre de la Photographie in Geneva, Panóptico at the Cultural Center of Cali, Terrorista Colombiano at the La Tertulia Museum in Cali, Proyecto Ojo del Diablo (Devil’s Eye Project) at the Casa Proartes in Cali, Encuentro Para la Memoria Viva de Tomé: Práctica Artística Con-
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Ojo del Diablo, en la Casa Proartes, Cali (2007); Ojo del Diablo, en la Valenzuela Klenner Galería, Bogotá (2008); Encuentro para la memoria viva de Tomé: Práctica artística contemporánea, Concepción, Chile (2011), y 4 de Agosto (Jueves Negro), en la Pinacoteca de la Universidad de Concepción, Chile (2011). Herrera ha participado en exposiciones colectivas en lugares como el Museo Universidad Nacional, Bogotá (2009); La Rama Dorada, en la Galería Bellas Artes, Cali (2010); Cali, Fallas de Origen, en la galería La Central, Bogotá (2011), y 14 Salones Regionales de Artistas, en la Zona Pacífica (2012), entre las más recientes.
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temporánea in Concepcion, Chile, 4 de Agosto (Jueves Negro) (August 4, Black Thursday), Universidad de Concepcion’s Pinacoteca in Chile. Herrera’s recent group exhibitions include those at the Universidad Nacional’s Museum in Bogota (2009), La Rama Dorada (The golden branch) at the Bellas Artes Gallery in Cali (2010), Fallas de Origen (Origin faults) at the Galería La Central in Bogota (2011), and 14 Salones Regionales de Artistas in the Pacific region (2012).
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Juan David Laserna COL (1980). Vive y trabaja en Bogotá / Lives and works in Bogota Tableros Tablas 2012. Talla manual sobre estireno expandido y tablero led / Hand-carved on expanded styrene and LED board Juan David Laserna es un artista multidisciplinar que utiliza la iconografía, el tiempo y la arquitectura como conductos de reflexión sobre nuestra sociedad y nuestra historia, y cómo se construye a través de esos tres conductos el relato histórico hegemónico. A menudo crítico con esta forma de relato, Laserna ha explorado la instrumentalización de los iconos culturales, políticos e incluso comerciales de nuestra era, así como la manera de abordar la ideología desde sus productos (los iconos y arquitecturas sobre cuya reflexión discurre su obra). Laserna planea sus proyectos sobre programas conceptuales determinados con esas conexiones tiempo-iconografía-arquitectura, y alrededor de ellos construye sus instalaciones, utilizando en ellas diversos medios, tanto fotografía como escultura o pintura. Laserna realizó su maestría en Artes Plásticas y Visuales en la Universidad Nacional de Colombia. Ha sido y es miembro de diversos colectivos artísticos (Trailer, Maski)
Juan David Laserna is a multidisciplinary artist that employs iconography, time, and architecture as a means for reflecting on our society and on the hegemonic, historical narrative has been built through these. Frequently critical of this narrative, Laserna has explored the instrumentalization of our era’s cultural, political, and even commercial icons, as well as the way in which they address the ideology of their products—the very icons and architecture that his work reflects on. Laserna develops his projects along conceptual lines determined by those time-iconography-architecture connections and builds installations around them using various media—photography, sculpture, and painting. Laserna completed his master’s in visual arts at the Universidad Nacional de Colombia. As a member of several art collectives—such as Trailer and Maski—he has won awards, both through collaboration and independently, including the Ministry of Culture’s Beca Nacional de Creación
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y tanto con ellos como de manera individual ha ganado premios, como la Beca Nacional de Creación en Artes Plásticas del Ministerio de Cultura, el Premio Ciudad y Patrimonio del Instituto Distrital de Patrimonio (2008), la Beca para Estudiantes Sobresalientes de Postgrado de la Vicerrectoría Académica de la Universidad Nacional, y el Premio Distrital Exposiciones en la Galería Santa Fe de la Secretaría Distrital de Cultura, con el proyecto Foros, presentado en el Centro Cultural Planetario Distrital en 2011. Su trabajo ha sido exhibido individual y colectivamente en galerías e instituciones, principalmente en la ciudad de Bogotá y en otras ciudades de Colombia.
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en Artes Plásticas, the Instituto Distrital de Patrimonio’s Premio Ciudad y Patrimonio (2008), the Scholarship for Outstanding Graduate Students from the Universidad Nacional’s Vicerrectoria Académica, the District Secretariat of Culture’s Distrital Exposiciones award at the Santa Fe gallery for his project Foros (2011), presented at the Planetario Distrital’s Cultural Center. His work has been exhibited in solo and group shows at galleries and institutions, mostly in Bogota and other Colombian cities.
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Diego Mendoza COL (1982). Vive y trabaja en Santander de Quilichao, Cauca / Lives and works in Santander de Quilichao, Cauca La Poética de los Reflejos 2014. Instalación. Dibujo: grafito y aglutinante / Installation. Drawing: graphite with binder Diego Mendoza es un artista multidisciplinar que explora la naturaleza, el paisaje y la topografía principalmente a través del dibujo y la escultura. En su práctica artística tiene una gran influencia la zona en la que se crió, la vereda de La Venta de Cajibío, donde la experiencia con la agricultura y la jardinería marcó su estilo actual, en el que utiliza una mirada analítica y reflexiva sobre el espacio rural y su destino en el mundo contemporáneo. Ha realizado exposiciones individuales en diversos lugares de Colombia, como Grophis-Natura en el Museo La Tertulia, Cali (2011), itinerante en Solo de Exposiciones Unicomfacauca, Popayán (2010); Una reconstrucción del paisaje a través de la memoria colectiva, en la Sala de Exposiciones Contemporánea, Popayán (2010); y Hábitats, en la Casa Proartes, Cali (2009). En cuanto a exposiciones colectivas, ha participado entre otras en el Salón de Octubre, parte del 40 Salón Nacional de Artistas Zona Pacífico,
Diego Mendoza is a multidisciplinary artist that explores nature, landscapes, and topography through drawing and sculpture. The place where he was raised, La Venta de Cajibío, has had a strong influence on his artistic practice. His experiences with agriculture and gardening mark Mendoza’s style to this day as he plants his analytical gaze on rural settings and their destiny in the modern world. His solo shows throughout Colombia include Grophis-Natura at La Tertulia Museum in Cali (2011), Solo de Exposiciones Unicomfacauca in Popayan (2010), Una reconstrucción del paisaje a través de la memoria colectiva (A reconstruction of the landscape by means of collective memory) at the Sala de Exposiciones Contemporánea in Popayan (2010), and Hábitats at Casa Proartes in Cali (2009). Among his group shows is the Salón de Octubre at the Salón Nacional de Artistas Zona Pacifico hosted by the Art Museum of the Universidad Nacional de Colombia / Mapa Teatro in Bogota (2006).
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en el Museo de Arte de la Universidad Nacional de Colombia / Mapa Teatro, Bogotá (2006). Ha recibido premios y reconocimientos como el Premio PAPEL, del Museo La Tertulia, Cali (2011) y una mención en las Becas Locales de Creación de Lugar a dudas, Proartes y la Alianza Francesa, Cali (2012). Actualmente es docente de Diseño Industrial en la sede de Palmira de la Universidad Nacional de Colombia.
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He has received awards such as the Premio PAPEL from La Tertulia Museum in Cali (2011) and an honorable mention in the local creative scholarships from Lugar a dudas, Proartes, and the French Alliance in Cali (2012). He currently teaches industrial design at the Universidad Nacional de Colombia’s branch in Palmira.
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Colectivo Octavo Plástico Ana Victoria Padilla, COL (1987). Vive y trabaja en Cartagena de Indias Lives and works in Cartagena de Indias Roberto Carlos Pérez, COL (1986). Vive y trabaja en Cartagena de Indias Lives and works in Cartagena de Indias Emanuel Julio Pinilla, COL (1988). Vive y trabaja en Cartagena de Indias Lives and works in Cartagena de Indias Sesión para dos aquí y uno allá 2013. Instalación y performance / Installation and performance Octavo Plástico nace en 2008 por iniciativa del artista plástico Roberto Carlos Pérez. En el año 2010, al involucrarse la historiadora Ana Victoria Padilla Onatra y el músico Emanuel Julio Pinilla, se conforma el Colectivo y se inicia una nueva etapa para compartir el interés por el sonido, sus variantes, la escucha, la imagen y la palabra libre, sonora y escrita. A partir del estudio de una cartografía sonora de un lugar componen piezas de paisajes sonoros que van acompañadas de dibujos y textos. Como dispositivos comunicativos emplean experimentos visuales y sonoros, la videoinstalación, la poesía sonora y la performance. Eventualmente los acompaña Katy Anaya médico y pintora. Trayectoria: Organizadores y participantes en el 1er Festival Esquizofónico: Una noche en Babel, Cartagena (2013); Sesión para dos aquí y dos allá (obra en proceso), residencia artística en Casa Tres Patios, Medellín
Octavo Plástico was founded in 2008 by the visual artist Roberto Carlos Pérez. In 2010 the historian Ana Victoria Padilla Onatra and the musician Emanuel Julio Pinilla joined the creative process and formed the collective. Here a new stage began where the collective shared their interest in sound and its variations, the act of listening, images, and words, both written and spoken. After studying the audio-cartography of a location they produce a soundscape, accompanied by images and text. They use visual and auditory experiments—video installation, sound poetry, and performance—as channels for communication. In time, the doctor and painter Katy Anaya joined the collective. Octavo Plástico organized and participated in the first Festival Esquizofónico: Una noche en Babel (Schizophrenic Festival: One night in Babel) in Cartagena, exhibited Sesión para dos aquí y dos allá (A session for two here and two there) at the
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(2013); Taller hecho a mano, artesanías sonoras, en el Festival Sonema 4, Cartagena (2013); De_a pie, en el 43 Salón (Inter) Nacional de Artistas, Medellín (2013); De_bajo de la Lengua: Instalación y performance sonora, en el MAM de Cartagena (2013); 90 km, en colaboración con Óscar Leone, en el peaje de Palermo, municipio de Sitio Nuevo, Magdalena (2012); exposición sonora Memorial de voces, en colaboración con Christine Renaudat, en el CFCE, Cartagena (2012); [in] sinuaciones, en la muestra Esto es lo que estamos haciendo ahora, organizada por Espacio Intermitente, Cartagena (2012), y en el 14 Salón Regional de Artistas del Caribe (Santa Marta y Valledupar, 2012).
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Casa Tres Patios’ artistic residence in Medellin, Taller Hecho a Mano, Artesanías at the Festival Sonema 4 in Cartagena, De a pie (Standing up) at the 43 Salón Nacional de Artistas in Medellin, De bajo de la Lengua (Beneath the tongue: installation and sound performance) at the MAM in Cartagena, 90 km, with the artist Oscar Leone site specific work, Sitio Nuevo, Magdalena, the sound exhibition with Christine Renaudat Memorial de voces at the CFCE in Cartagena, and (in)sinuaciones at “This is what we’re doing now,” organized by Espacio Intermitente in Cartagena, and at the 14 Salón Regional de Artistas del Caribe in Santa Marta and Valledupar.
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Juan Sebastián Peláez COL (1982). Vive y trabaja en Bogotá / Lives and works in Bogota Salcedo vs. Salcedo 2013. Acrílico sobre tela, tríptico / Acrylic on canvas, triptych 100 x 70 cm c/u / each Peláez obtuvo una maestría en Bellas Artes de la Universidad Jorge Tadeo Lozano (2000–2004). Es un artista plástico con experiencia en producción, gestión y curaduría. Exhibe individualmente desde el 2006 en diversas exposiciones, entre las que se destacan El Primer Starbucks de Colombia, en el espacio Lugar a dudas, Cali (2007); 75000 Deseos, en el Museo Quinta de Bolívar de Bogotá (2011), e Inversión Social, en Guay, Bogotá (2013). Colectivamente ha participado en exposiciones en el Festival de Performance de Cali (2006 y 2008). Fue uno de los artistas seleccionados para el Pabellón Artecámara de la ArtBO 2013. Obtuvo la Beca para Espacios Independientes del Ministerio de Cultura, Bogotá (2013), fue ganador del concurso distrital Proyectos de Circulación de las Artes Plásticas y/o Visuales de Bogotá, de IDARTES (2011), y fue premiado con la Beca de Creación del concurso Arte en la Quinta, de Bogotá (2010). Ha trabajado en proyectos de gestión autónoma en arte contemporáneo. Fue cofundador del espacio
Peláez received his master’s in fine arts from the Jorge Tadeo Lozano University (2000–2004). He is a visual artist with experience in production, management, and curation. He has had several solo shows since 2006, such as El Primer Starbucks de Colombia (The first Starbucks in Colombia) at Lugar a dudas in Cali (2007), 75000 Deseos (75,000 wishes) at the Quinta de Bolívar Museum in Bogota (2011), and Inversión Social (Social investment) at Guay in Bogota (2013); he also participated in the Performance Arts Festival in Cali (2006 and 2008); he was one of the artists selected for the Artecamara Pavilion at ArtBO (2013); he received the Espacios Independientes scholarship from the Ministry of Culture in Bogota (2013) and won the Circulación de las Artes Plásticas y/o Visuales contest by IDARTES in Bogota (2011), in addition to being awarded a creative scholarship by Arte en la Quinta in Bogota (2010). Peláez is the initiator of several contemporary art projects. He co-founded El Bodegón, an independent space that is no longer open, and
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independiente El Bodegón, que ya cerró sus puertas. Ahora pertenece al espacio artístico M I A M I 2011 de Bogotá. La idea está en el trabajo colectivo, la reflexión sobre el quehacer artístico y el flujo de información, al igual que en la formalización de las relaciones entre los artistas y los profesionales. Peláez ha realizado proyectos editoriales enfocados en el arte, como miembro del comité editor de Caín Press (2006–2009) y el estudio de Jardín Publicaciones (desde el 2012). Actualmente es director y miembro del comité curatorial de M I A M I y forma parte de la mesa de competitividad de artes plásticas del Ministerio de Cultura de Colombia, enfocada en gestiones autónomas. BIACI
M I A M I, an art space in Bogota that focuses on collective projects with themes such as, the task of the artist, the flow of information, and formalizing relationships between artists and other professionals. Peláez has worked on artistic editorial projects as a member of Caín Press’ editorial committee (2006–2009) and Jardín Publicaciones (since 2012). He is the director of M I A M I as well as a member of the curatorial team and is a member of the Ministry of Culture’s task force for visual arts which promotes independent initiatives.
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Miguel Ángel Rojas COL (1946). Vive y Trabaja en Bogotá / Lives and works in Bogota Grano Cartagena Instalación / Installation Miguel Ángel Rojas es un pintor, fotógrafo y arquitecto que utiliza además las instalaciones y el video para realizar sus composiciones conceptuales. Sus temáticas abordan temas sociales y controvertidos, tales como la sexualidad, la violencia, la marginalidad, las desigualdades sociales y el narcotráfico. Para Rojas, el arte es un medio que permite reflexionar sobre cuestiones éticas y destacar los problemas sociales y morales a los que nos enfrentamos en nuestra sociedad moderna. Para ello, su instrumental es un lenguaje simbólico y metafórico, muy relacionado con la historia y la cultura colombianas, un lenguaje que indica de manera clara el mensaje que hay detrás. A menudo ese lenguaje consiste en iconos y símbolos que pueden tener una doble lectura y resultar controvertidos, tales como la hoja de coca, el oro y la plata.
Miguel Ángel Rojas is a painter, photographer, and architect who additionally uses installation and video to produce his conceptual pieces. He takes on challenging social subjects which include sexuality, violence, marginality, social inequality, and drug trafficking. For Rojas, art is a means for reflecting on ethical issues and highlighting the social and moral problems that our modern society faces. His instrument is symbolic and metaphorical language that relates to Colombian history and culture and is a vehicle for clearly presenting the message. This language is frequently made up of controversial icons and symbols that have a double meaning. These include the coca leaf, gold, and silver.
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Considera sus composiciones como un autorretrato, pues a pesar de plasmar temas que a veces no lo afectan de manera directa, sí pasan por su interpretación y por su filtro. Miguel Ángel Rojas ha expuesto en Colombia, México y Estados Unidos de manera individual y también ha participado en exposiciones colectivas en varios lugares del mundo, como en la Bienal de São Paulo de 2010. Su obra se encuentra representada en muchos museos y colecciones internacionales, tales como la galería Tate Modern de Londres, la colección La Caixa de Barcelona, el MoMA de Nueva York, el Instituto Nacional de Bellas Artes de México DF y el Museo de Arte Moderno de Bogotá.
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The artist considers all his works self-portraits—even when they are not directly related to him—so long as all the subjects go through his interpretation and filter. Miguel Ángel Rojas has had solo exhibitions in Colombia, Mexico, and the United States, and has participated in group shows throughout the world, such as the Sao Paulo Biennial in 2010. His work is included in many important museums and international collections, such as the Tate Modern in London, La Caixa de Barcelona Foundation, the MoMA in New York, the National Institute of Fine Arts in Mexico City, and the Museum of Modern Art in Bogota.
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María Isabel Rueda COL (1972). Vive y trabaja en Puerto Colombia / Lives and works in Puerto Colombia The Real. Retrato de Norman Mejía 2004-2013. Proyección, 36 fotografías / Projection, 36 photographs María Isabel Rueda estudió Publicidad y Bellas Artes en Bogotá, pero pronto centró su carrera en las artes plásticas. Sus dibujos, videos y fotografías están marcados por esa formación. Se sirve de iconos culturales y sociales de nuestra sociedad contemporánea, imágenes de lugares emblemáticos o con una simbología política determinada. Rueda presenta esas imágenes-idea y las revisa desde un punto de vista estético y ético, en busca del significado de las identidades. Una parte importante de la obra de María Isabel es la relación del paisaje con el cuerpo humano, la naturaleza en la que integra escenas llenas de sexualidad y sensualidad, como asimilando la parte más instintiva y salvaje del ser humano a lo que de salvaje y puro queda en la naturaleza. Ha expuesto su obra de manera individual en diversas ciudades de Colombia y en Miami, y ha participado en exposiciones colectivas en Europa, Estados Unidos y Sudamérica. Ha recibido numerosas distinciones, como el Primer Premio en
María Isabel Rueda studied advertising and fine arts in Bogota but soon transitioned to visual arts. Her drawings, videos, and photographs evidence this transition. She works with cultural icons of contemporary society and images of recognizable places, rich in unique political symbolism. Rueda presents these images and ideas and proceeds to examine them from both aesthetic and ethical positions, seeking the meaning of their identities. An important theme in Rueda’s work is the relationship between the landscape and the human body. She integrates scenes charged with sex and sensuality into nature, as though integrating man’s most instinctive and untamed side with what is still untamed and pure in the natural world. She has exhibited individually throughout Colombia and in Miami and has participated in group shows in Europe, the United States, and South America. She has received numerous distinctions, including first place in the Concurso Phillips de Arte para Jóvenes Talentos
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el Concurso Phillips de Arte para Jóvenes Talentos, Bogotá (2001), una Mención en el xii Salón de Artistas Jóvenes (2004), el Premio Excelencia Académica de la Universidad Nacional de Colombia por su Beca de Maestría (2004) y el Primer Premio en la Beca de Creación del Ministerio de Cultura (2009). Actualmente combina su actividad artística con su labor como docente en la Universidad Nacional de Colombia, en Bogotá.
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in Bogota, (2001), a Special Mention in the XII Salón de Artistas Jóvenes (2004), the award for Academic Excellence from Colombia’s Universidad Nacional for her Masters Scholarship (2004), and first place in the Ministry of Culture’s Beca de Creación (2009). She currently combines her artistic work with classes at the Universidad Nacional de Colombia, in Bogota.
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Wilger Sotelo COL (1980). Vive y trabaja en Cartagena de Indias / Lives and works in Cartagena de Indias Inventario II 2007. Instalación / Installation Wilger Sotelo es un joven artista multidisciplinar de Cartagena, en donde sigue residiendo y trabajando. Su obra es crítica, política y concienciada, abordando temas como la discriminación, el racismo, el extremismo religioso, la violencia, el consumismo, la desigualdad y la marginación social. En su obra pone de relieve la convivencia de clases sociales extremadamente desiguales en una misma estructura geográfica y demográfica. Aunque su trabajo comienza siendo objeto estético y de reflexión, acaba adquiriendo cierta funcionalidad científica, convirtiéndose casi en documento antropológico. La ciudad de Cartagena ha sido en numerosas ocasiones espacio protagonista de sus estudios artístico-sociales, dando el rol principal a sus habitantes y sus historias. Durante esos proyectos, Sotelo se sumerge profundamente en las comunidades elegidas, acercándose de manera simple e inmediata a la sensibilidad popular, un discurso
Wilger Sotelo is a young multidisciplinary artist from Cartagena, where he continues to reside and work. His work is critical, political, and conscientious, taking on themes of discrimination, racism, religious extremism, violence, consumerism, inequality, and social marginalization. He creates awareness of the side-by-side existence of drastically uneven social classes within the same geographic and demographic setting. His work starts off as an aesthetic object of reflection, but ends up taking on an almost scientific role, becoming a kind of anthropological document. Cartagena frequently features prominently in his socioartistic studies where he grants center stage to the city’s people and stories. In order to develop his projects, Sotelo embeds himself deeply into the communities he chooses for study, approaching popular sensibilities in a simple and straightforward manner. This
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poco habitual en el lenguaje artĂstico, que ha llevado a Sotelo a un gran reconocimiento profesional. Su obra ha sido expuesta en Colombia, Chile, Argentina y EspaĂąa.
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discourse is rare in artistic fields and has brought Sotelo professional esteem. He has exhibited in Colombia, Chile, Argentina, and Spain.
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Paola Tafur COL (1980). Vive en Jamundí y trabaja en Cali / Lives in Jamundí and works in Cali Flores de invierno 2010-2013. Instalación / Installation Paola Tafur es una joven artista multidisciplinar que basa su trabajo en la naturaleza y la intervención del hombre en ella. Con un sentido crítico y reflexivo, Tafur aborda la economía agraria y el proceso de cultivo, así como otros temas más personales, centrados en la identidad individual, pero reflexionando siempre a través del entorno natural y sus elementos. En sus obras incorpora materiales extraídos de la naturaleza: tierra, azúcar, ramas y otros restos orgánicos que tienen un alto contenido simbólico. Sus piezas resultan así en instalaciones extremadamente poéticas pero con una clara tendencia inquisitiva, de análisis. Residente en la zona azucarera del Valle del Cauca, los temas relacionados con el medio natural reflejan no solo sus propias experiencias y opiniones, sino también su propio entorno y contexto. Tafur estudió Artes Visuales en la Universidad del Valle, en Cali, y ha mostrado su obra en Colombia y Venezuela.
Paola Tafur bases her multidisciplinary artistic practice on nature and man’s interventions in it. With a critical analysis and great thoughtfulness, Tafur examines agrarian economy, the process of farming, and other more personal themes of identity, always through the lens of the natural world and its elements. She uses natural materials— earth, sugar, branches—and organic remainders of high symbolic value. Her installations result in extraordinarily poetic compositions with an evidently analytical line of inquiry. As a resident of the Valle del Cauca region, an area of sugarcane production, the environmental subjects she chooses reflect her experience, opinions, and particular context. Tafur studied visual arts at the Universidad del Valle in Cali, and has exhibited in Colombia and Venezuela.
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24. Plazoleta Joe Arroyo Jaime Ávila Ferrer, Andrés Felipe Castaño, Nicolás Consuegra, Pablo Gómez Uribe, Verónica Lehner, Ana María Millán, Juan Obando, José Olano, Bernardo Ortiz, María Fernanda Plata, Luis Roldán Horario: Lunes a Sábado, 9 am – 12 pm y 3 pm – 6 pm Domingos, 10 am – 12 pm y 2 pm – 8 pm Schedule: Monday through Saturday, 9 a.m.— 12 p.m. and 3 p.m.— 6 p.m. Sundays: 10 a.m.— 12 p.m. and 2 p.m.— 8 p.m.
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Jaime Ávila Ferrer COL (1966). Vive y trabaja en Bogotá / Lives and works in Bogota Talento Pirata 2013. Fotografías en cajas de CD / Photographs in CD cases Ávila es un artista de renombre internacional cuya obra combina pintura, escultura, dibujo y fotografía. En algunas obras trabaja con técnica mixta, como en Dust (aplicando puntos de pintura blanca a una superficie de plexiglás oscurecida, donde las granulaciones forman panoramas de paisajes urbanos). Outline for Dust es una obra en la que conecta el paisaje de Bogotá al aeropuerto JFK de Nueva York. Su obra utiliza medios tradicionales para tratar temas sociales, políticos y del medio ambiente. Cursó Ingeniería Civil en la Universidad de los Andes de Bogotá (1983–1987) y es licenciado en Bellas Artes por esa misma universidad (1988–1991). Ha realizado exposiciones individuales tales como Talento Pirata, Jaime Ávila, en la Galería Nueveochenta, Bogotá (2013). Su primera exposición en los EE.UU. fue Life is a Catwalk, en el Centro de Estudios Latinoamericanos David Rockefeller de la Universidad de Harvard, junto con 4th World – Five Cubic Meters, en la Academia de Bellas Artes de Boston (2005). Ha representado a
Plazoleta Joe Arroyo
Jaime Ávila Ferrer is an internationally renowned artist whose work combines painting, sculpture, drawing, and photography. He uses mixed media in some pieces such as Dust, in which dots of white paint are applied to a darkened Plexiglas surface to form pictures of urban landscapes from the granulations. Outline for Dust is an art work in which he connects the cityscape of Bogota with the JFK airport in New York. He uses traditional approaches to examine social, political, and environmental topics. Ávila studied civil engineering at the Universidad de los Andes in Bogota (1983–1987) and received his degree in fine arts from the same university (1988–1991). He has presented solo shows such as Talento Pirata (Pirate talent) at the Nueveochenta Gallery in Bogota (2013). His first shows in the USA were Life is a Catwalk at the David Rockefeller Center at Harvard University and 4th World – Five Cubic Meters at the Boston Arts Academy (2005). Ávila represented Colombia at the XXVI Sao Paolo Biennial (2004), the III Liverpool Biennial (2004), the II Mercosul Biennial
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Colombia en la xxvi Bienal de São Paulo (2004), la iii Bienal de Liverpool, Reino Unido (2004), la ii Bienal del Mercosur, Brasil (2000) y en la FIAC de París (1999). Ha participado en exposiciones tales como ¡No más chicha!, en el espacio Alcuadrado Variable, Bogotá (2009), el Centro de la Imagen de Ciudad de México y la Casa de las Américas de Madrid (2004); Changing the Focus: Latin American Photography (1990–2005), en el Museo de Arte Latinoamericano de Long Beach, EE.UU. (2010); Resurfaced: Contemporary Colombian Art, en la galería Magnan Metz de Nueva York (2011), y Bogotá: City on the Edge, en el Centro de Arte Contemporáneo de Gdansk, Polonia (2014).
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in Brazil (2000), and the FIAC in Paris (1999). He has participated in exhibitions such as ¡No más chicha! at Alcuadrado Variable in Bogota (2009), the Centro de la Imagen in Mexico City, and the Casa de las Américas in Madrid (2004), Changing the Focus: Latin American Photography (1990– 2005) at the Museum of Latin American Art in Long Beach, CA (2010) Resurfaced: Contemporary Colombian Art at the Magnan Metz Galley in New York (2011), and Bogotá. City on the Edge at the Center for Contemporary Art in Gdansk, Poland (2014).
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Andrés Felipe Castaño COL (1986). Vive y trabaja en México DF / Lives and works in Mexico City Ocio Silencioso 2012-2013. Video HD, 9’27” Sobre la historia 2012-2013. Video HD, 9’13” Puño Americano 2012-2013. Grabado sobre centavos de dólar fundidos / Engravings on molten pennies, 6 x 10 x 1 cm Formado en la Academia Superior de Artes de Bogotá, prosiguió sus estudios en la Universidad Nacional Autónoma de México, donde obtuvo su maestría en Artes. Utilizando el dibujo, la fotografía y los documentos como materiales de creación principales, Castaño aborda la idea de la imagen como vehículo principal de la información histórica. A partir de ahí, analiza de qué manera esas imágenes proporcionan una idea distorsionada de la realidad, y en qué medida eso afecta nuestra manera de entenderla y nuestra mentalidad, así como los límites de nuestra comprensión de ese fenómeno. A eso se une su exploración de la idea del enfrentamiento original/copia, y cómo la reproducción del mundo visual en el que vivimos, a través de los medios de comunicación, convierte esa diferenciación en ambigua y con límites poco definidos. Usa la fragmentación de imágenes y su recomposición mediante otras Plazoleta Joe Arroyo
After studying at the Academy of Fine Arts in Bogota he continued his studies at the Universidad Nacional Autónoma in Mexico where he received his master of arts degree. Using drawing, photography, and documents as media, Castaño takes on the idea of the image as the primary carrier of historical information. From there, he analyzes the way in which these images offer a distorted view of reality and to what extent that affects our way of seeing it, our mentality, and our comprehension’s limitations. He also examines the original/ copy binary and how the reproduction of the visual world, through the media, makes that differentiation ambiguous and the boundaries unclear. He fragments images and reconstructs them or he creates works from photographs or older images, drawing our attention to the conceptual and artistic transformation involved in imitation. 298
técnicas, o la creación de obras a partir de fotografías o imágenes anteriores, con la intención de llamar la atención sobre el cambio conceptual y artístico que ese acto imitativo contiene. Ha expuesto individualmente en México y Bogotá, y ha participado en exposiciones colectivas en Estados Unidos, Colombia, México, Bolivia y España. Entre sus premios y reconocimientos se encuentran el de ganador, con el proyecto Melgart: arte de paseo y como integrante del colectivo Si nos pagan boys, de la convocatoria para proyectos de curaduría del Museo de Arte Moderno de Bogotá, MAMBO (2012); la beca por excelencia académica de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas (2009), y la mención de honor en el viii Salón ASAB (2005). BIACI
He has had solo shows in Mexico City and Bogota and group exhibitions in the United States, Colombia, Mexico, Bolivia, and Spain. Some of his awards include first prize for Melgart: arte de paseo (Melgart: art on a walk) as a member of the collective Si nos pagan boys in the curation contest organized by the Museum of Modern Art in Bogota, MAMBO (2012), the scholarship awarded for academic excellence by the Universidad Distrital Francisco José de Caldas (2009), and the honorable mention at the VIII Salón ASAB (2005).
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Nicolás Consuegra COL (1976). Vive y trabaja en Bogotá / Lives and works in Bogota Cartografía Textual 2013. Instalación / Installation Estudió Arte en la Universidad de los Andes de Bogotá y realizó una maestría en Artes con énfasis en escultura y procesos interdisciplinarios en el Pratt Institute de Nueva York. Los proyectos desarrollados por Consuegra son sensibles al contexto, audiencia y momento en que son expuestos. Aparte de sus proyectos personales, Consuegra es cofundador y miembro del comité editorial de Asterisco (revista independiente de arte). Ha hecho exposiciones individuales y creado proyectos sitespecific tales como Paréntesis, en la Alianza Francesa de Bogotá (2003); En algunos vacíos, en el Museo Nacional de Colombia, Bogotá (2003); Loosing, en el Pratt Institute de Nueva York (2007); Void, en colaboración con Mónica Páez, en el Magnan Emrich Contemporary de Nueva York (2008), y Pasado Tiempo Futuro, en la Galería Nueveochenta, Bogotá (2010). Ha participado en exposiciones colectivas tales como Naturaleza Muerta, en la Biblioteca Luis Ángel Arango, Bogotá (2003), y el Encuentro Internacional de Medellín de Prácticas
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Nicolás Consuegra studied art at the Universidad de los Andes in Bogota and received his master of arts with a concentration in sculpture and interdisciplinary processes from the Pratt Institute in New York. Consuegra’s projects are sensitive to the context, audience, and moment of exhibition. Besides his personal projects, Consuegra is a co-founder and member of the editorial board for Asterisco, an independent art magazine. Consuegra has had solo shows and created site-specific projects for Paréntesis at the French Alliance in Bogota (2003), En algunos vacíos (In some voids) at the Museo Nacional de Colombia in Bogota (2003), Loosing at the Pratt Institute in New York (2007), Void (in collaboration with Mónica Páez) at the Magnan Emrich Contemporary in New York (2008), and Pasado Tiempo Futuro (Past Time Future) at the Nueveochenta Gallery in Bogota (2010). Consuegra has participated in group exhibitions in Colombia including Naturaleza Muerta (Still Life) at the Biblioteca Luis Ángel Arango in Bogota (2003) and at the Encuentro Internacional
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A R A B I A S A U D I T A
EMIRATOS ÁRABES UNIDOS
OM
URITANIA
M A L Í N I G E R I A L
YEMEN
ERITREA
C H A D
S U D Á N
BURKINA FASO
Isla de S YEMEN
YIBUTI
BENÍN
UINEA
NIGERIA
TOGO COSTA DE MARFÍL G H A N A
ONA
ETIOPÍA
REPÚBLICA
SOMALIA
CENTROAFRICANA
LIBERIA
CAMERÚN
GUINEA S A N T O T O M É E C U AT O R I A L Y PRÍNCIPE
GABÓN GUINEA ECUATORIAL
UGANDA
CONGO
REPÚBLICA DEMOCRÁTICA DEL CONGO
KENIA
RUANDA BURUNDI
TA N Z A N I A
Ascensión O UNIDO
S E Y C H E L L E S
ANGOLA
COMORAS Isla Mayotte FRANCIA
MALAWI
ZAMBIA Isla Juan de Nova FRANCIA
Isla de Santa Helena REINO UNIDO
MOZAMBIQUE ZIMBABUE
NAMIBIA
MADAGASCAR
B O T S WA N A
Artísticas Contemporáneas MDE07 de Medellín de Prácticas Artísticas (2007). Internacionalmente, ha sido Contemporáneas MDE07 (2007). invitado a espacios como Histórias Internationally, has been S WA Z I L AConsuegra NDIA de Mapas, Piratas e Tesouros, en el invited to Historias de Mapas, Piratas LESOTO Instituto Itaú Cultural de São Pau- e Tesouros (Stories of Maps, Pirates lo (2010); Sobre el Territorio: Arte and Treasures) at the Itaú Cultural SUDÁFRICA Contemporáneo en Colombia, en Institute in Sao Paulo (2010), Sobre el SantralIstanbul, Turquía (2011), y el Territorio: Arte Contemporáneo en When Attitudes Became Form Be- Colombia (On the Territory: Contemcome Attitudes, en el CCA Wattis porary Art in Colombia) at the SanInstitute for Contemporary Arts de tralIstambul in Turkey (2011), and San Francisco, EE.UU. (2012). When Attitudes Became Form Become Attitudes at the CCA Wattis Institute for Contemporary Arts in San Francisco, California (2012).
Archipiélago Tristan da Cunha REINO UNIDO
Islas Crozet FRANCIA
Islas del Príncipe Eduardo SUDÁFRICA
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Isla d FRAN
Pablo Gómez Uribe COL (1975). Vive y trabaja en Nueva York / Lives and works in New York “El Gordon” demolition 2013. Instalación. Técnica mixta / Installation. Mixed media Tras graduarse en Arquitectura en el 2000 en la Universidad Pontificia Bolivariana de Medellín, Gómez Uribe se titula en Artes Visuales por la Universidad Nacional de Colombia, Medellín (2008). Posteriormente se traslada a Nueva York y en el 2012 obtiene una maestría en Parsons The New School for Design. Fue premiado con una beca para dicha escuela (2010), así como una beca Colfuturo, y fue seleccionado para la Bienal de Arquitectura de Bogotá (2008). Su obra está vinculada con la forma en que los conflictos sociales y políticos se materializan directa o indirectamente en entornos urbanos. Ha participado en proyectos como No Name Memorial, intervención urbana en Medellín (2007), performances como Walking Tour: Silence in the Post Card City, Nueva York (2011), como parte de Elements of Composition (As above, so below), proyecto de Bik van der Pol para Living As Form, organizado por Creative Time. Ha hecho exposiciones individuales como Todos Somos Mágicos, en la Galería de la Oficina, Medellín (2009) y (T) Here, en la Sala de Arte Suramericana, Medellín (2013).
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After studying architecture at the Universidad Pontificia Bolivariana (2000) he went on to study visual arts at the Universidad Nacional de Colombia (2008), both in Medellin. He then moved to New York to receive his masters from Parsons The New School for Design (2012). Gómez Uribe received a scholarship at Parsons, a Colfuturo scholarship in Bogota, and was selected by the Architecture Biennial in Bogota. His work is linked to the social and political conflicts that materialize directly or indirectly in urban settings. Gómez Uribe has participated in projects including No Name Memorial, Urban Intervention in Medellin, performances such as Walking Tour: Silence in the Post Card City in New York, as a part of Elements of Composition (As Above, So Below), a Bik van der Pol project for Living As Form, organized by Creative Time. He has had solo shows including Todos Somos Mágicos (We are all Magical) at the Galería de la Oficina and (T)Here at the Sala de Arte Suramericana, both in Medellín.
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Ha participado en muestras colectivas en los EE.UU., Grecia y Colombia. Cabe mencionar las exposiciones en la Galería Olivier Debré de la Alianza Francesa de Medellín (2007 y 2008); Grafía, en la Galería Abierta, Medellín (2008); Académica 08, en el Museo de Arte Moderno de Medellín (2008); Group Therapy, en la 25 East Gallery, Nueva York (2010); Pretty Vacant, en el Artist Space, Nueva York (2011); 2084, en la Cameo Gallery, Nueva York (2011); AAO Project. Ethics and Aesthetics, en el museo Benaky de Atenas (2011); Over Sensitive, en la 25 East Gallery, Nueva York (2012), y Gloria/Dinero, en la Galería de la Oficina, Medellín (2013).
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Gómez Uribe has taken part in group shows in the United States, Greece, and Colombia. Among these are exhibitions at the Olivier Debré Gallery, at the French Alliance in Medellin, Grafía at the Galería Abierta in Medellin, Académica 08 at the Modern Art Museum in Medellin, Group Therapy and Over Sensitive at the 25 East Gallery in New York, Pretty Vacant at Artist Space in New York, 2084 at the Cameo Gallery in New York, AAO Project. Ethics and Aesthetics at the Benaky Museum in Athens, Gloria/Dinero (Glory/ Money) at the Galería de la Oficina in Medellin.
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Verónica Lehner COL (1980). Vive y trabaja en Berlín / Lives and works in Berlin Órdenes de colocación 2013. Instalación / Installation La pintora Verónica Lehner nació en Colombia, pero actualmente vive y trabaja en Berlín. Estudió en la Universidad de los Andes y obtuvo una maestría en la Weißensee Kunsthochschule. Aunque su método principal de expresión es una personal interpretación y exploración de la pintura, en su corpus de obras encontramos también videos, fotografías y performances. Su trabajo se centra en la investigación de las posibilidades de la pintura dentro del espacio, realizando intervenciones site-specific inspiradas por el propio espacio. De esa manera pretende llamar la atención sobre el espacio mismo, sobre sus cualidades individuales. En su obra no se restringe a los materiales habituales de la pintura, sino que incorpora otros como telas, clavos, recipientes, etc. Ella misma se refiere a su método de pintura como «lienzos doblados», ya que recurre a dobleces en el propio lienzo como herramienta de pintura, abriendo así el debate sobre las infinitas posibilidades del material. Ha participado en exposiciones colectivas en Colombia y Alemania.
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Lehner studied at the Universidad de los Andes and later received a master’s from Weißensee Art Academy. Although her main means of expression is through a personal interpretation and exploration of the medium of painting, we also encounter video, photography, and performance in her body of work. She investigates the possibilities of paint within space, making site-specific interventions inspired by the location, calling attention to the individual qualities of the space. Her work is not limited to the usual components of paint but rather incorporates fabrics, nails, receptacles, etc. She refers to her method as ‘folded canvases’ because she resorts to folds in the canvas to guide her painting; this stirs the discussion about the infinite possibilities of the medium. She has participated in group shows in Colombia and Germany. Her solo shows include: d(es)cubrir/ge(schichten) (To discover) at the Embassy of Colombia in Berlin (2006) and mal dies, mal das, mal hier, mal da, also in Berlin (2009).
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En este último país ha expuesto de manera individual en 2006 con d(es) cubrir/ge(schichten) en la Embajada de Colombia en Berlín, y en 2009 con mal dies, mal das, mal hier, mal da, también en Berlín. Además, Lehner ha realizado proyectos en espacios públicos: Under the bridge (2009), una intervención en un muro de graffitis en Skoki, Polonia; Fuba (2009), otra intervención en Berlín; Message Service at the Weltzeituhr (2008), una colaboración con Janin Walter en la Alexanderplatz de Berlín; y Auch Bauch, una colaboración con Roos Versteeg, Luisa Stock, Janin Walter y Leentje van Wirdum en la Helmholzplatz de Berlín.
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Lehner’s public space projects include Under the bridge (2009), a graffiti wall intervention in Skoki, Poland; Fuba (2009), another intervention in Berlin; Message Service at the Weltzeituhr (2008), a collaboration with Janin Walter at the Alexanderplatz in Berlin; and Auch Bauch, a collaboration with Roos Versteeg, Luisa Stock, Janin Walter, and Leentje van Wirdum at the Helmholzplatz in Berlin.
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Ana María Millán COL (1975). Vive y trabaja entre Berlín y Bogotá / Lives and works in Berlin and Bogota La Balada de Carlos Lehder 2012. Video instalación, 4 canales / Video Installation, 4 channels Ana María Millán es una artista colombiana de trayectoria internacional. Sus medios de expresión artística son el video, la palabra hablada y otros medios entre realidad y ficción, como el cine, en el cual basa muchos de sus proyectos. Su trabajo utiliza fragmentos de información histórica y utópica, introduciendo estrategias naífs que se abren a las posibilidades del cuento, la fantasía, la interpretación errónea, la violencia, las contradicciones entre lo colectivo y lo individual y entre lo femenino y lo masculino. Partiendo de una concisa investigación de archivo, Millán construye sus propias narrativas personales en las que el proceso de producción es visible. Asume también temas que tienen que ver con la compleja sistematización centro/ periferia, centrándose especialmente en lo que eso significa dentro del arte y las prácticas culturales.
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Ana María Millán is a Colombian artist who has developed an international career. Her means of expression are video, the spoken word, and other media that straddle the gap between fact and fiction—namely cinema, which forms the basis of many of her projects. Millán’s work combines fragments of historical and utopic information, employing naïve techniques that channel storytelling, fantasy, erroneous interpretation, violence, the contradictions between the collective and the individual, and those between feminine and masculine. Beginning with concise archival research, Millán builds personal narratives where the production process remains visible. She takes on complex structures of center and periphery, especially their significance within art and culture.
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Su obra ha sido expuesta dentro y fuera de Colombia. Ha viajado a EE.UU. y a diversos países de Europa y América del Sur. Ha sido receptora de numerosos premios y reconocimientos, tales como la Visible Award de 2012, de Citadellarte-Pistoletto y Fondazione Zegna; la residencia en Home and Abroad en Sintra, Portugal (2011); el Premio Curatorial del Ministerio de Cultura de Colombia (2009); el Premio Nacional para las Nuevas Prácticas del Ministerio de Cultura de Colombia (2007), y la residencia en el programa Space Studios-Gasworks, participando en el proyecto Locombia de Fernando Arias en Londres.
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Her work has been exhibited in Colombia and internationally. She has travelled to the United States and a variety of countries in Europe and South America. Millán has received numerous awards such as the Visible Award (2012) from Citadellarte-Pistoletto and Fondazione Zegna, the Home and Abroad residence (2011) in Sintra, Portugal; the Curatorial Award (2009) from the Ministry of Culture of Colombia, the Premio Nacional para las Nuevas Prácticas (2007) from the Ministry of Culture of Colombia, and a residency in Space Studios-Gasworks’ program Locombia, a Fernando Arias initiative in London.
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Juan Obando COL (1980). Vive y trabaja en Carrboro, NC / Lives and works in Carrboro, NC Nasher y Ackland de la serie Museum Mixtape 2013. Video Juan Obando comenzó a trabajar en su natal Bogotá en 2005, donde obtuvo un título en Diseño Industrial con opción en Arquitectura de la Universidad de los Andes. En 2010 recibió su MFA en la Purdue University, EE.UU., y posteriormente ha venido exhibiendo en EE.UU., Alemania, Holanda, Australia, Colombia y Venezuela. Su trabajo ha sido seleccionado dos veces para el Salón Nacional de Artistas de Colombia (2008 y 2010) y reseñado por diversas publicaciones internacionales, incluyendo la revista Artecontexto, con sede en Madrid, y la revista sudafricana Itch. En 2012 desarrolló un proyecto de piratería editorial durante una residencia en Casa Tres Patios, Medellín, y recibió recientemente una beca Rhizome para su proyecto Museum Mixtape (Dirty South Edition). Desde 2005 ha estado trabajando en proyectos basados en los medios de comunicación que se centran en la intervención crítica de sistemas sociales a través del uso de nuevas tecnologías y del desarrollo de performances locativos, redes
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Juan Obando began work in his native Bogota in 2005 where he received his bachelor’s in industrial design with a concentration in architecture from the Universidad de los Andes. In 2010 he received his MFA from Purdue University in the United States and has since exhibited in the United States, Germany, the Netherlands, Australia, Colombia, and Venezuela. His work has twice been selected for the Salón Nacional de Artistas in Colombia (2008 and 2010) as well as featured in international publications, including the Artecontext magazine in Madrid and the South African magazine Itch. In 2012 Obando developed an editorial piracy project during a residency in Casa Tres Patios in Medellin and recently received a Rhizome commission for his project Museum Mixtape (Dirty South Edition). Since 2005, Obando’s work on communication media has centered on the critical intervention of social systems through the use of new technologies and developing locative performances, collaboration networks, and experimental narratives.
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de colaboración y narrativas experimentales. Su trabajo reciente se centra en el uso de estéticas mainstream (como el hip-hop) y sus flujos de trabajo (videos musicales) como enfoque lúdico para intervenir espacios artísticos institucionales, y con el objetivo de cuestionar ideas tradicionales acerca de la producción artística, el compromiso social y las diferencias entre la alta y baja cultura. Utiliza el performance y los medios como plataformas y como dispositivos para discutir temas de exclusión/inclusión cultural, participación democrática e identidades políticas.
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His recent work deals with mainstream aesthetics (such as hip hop) and its means of transmission (such as music videos), using this playful approach to intervene in institutional artistic spaces with the goal of challenging traditional notions of artistic production, social commitment, and the boundaries between highbrow and lowbrow. Obando uses performance and media as a platform and mechanism for discussing issues of cultural inclusion and exclusion, as well as democratic participation and identity politics.
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José Olano COL (1985). Vive y trabaja en Cartagena de Indias y París / Lives and works in Cartagena de Indias and Paris 2 mesas atrancadas en diagonal 2011-2013. Escultura en equilibrio / Sculpture in balance La obra del escultor Olano se puede describir como instalaciones de una concreta inestabilidad y desequilibrio. De ahí emanan la incertidumbre y el deseo de cambio. Nos llevan al miedo de lo desconocido e inhabitual. Olano trabaja con formas simples y materiales de la vida cotidiana en tensión, llenos de poesía y fragilidad. Contrasta lo visible y lo invisible. Quedan formas efímeras, y sus esculturas son dinámicas en el espacio y el tiempo. Sus obras han llegado a describirse como dibujos escultóricos. Se graduó en Expresión Plástica en la Escuela Nacional Superior de Arte Cergy-Pontoise, Francia (2009–2011) y tiene un diploma de Prácticas artísticas en contexto de la Universidad Jorge Tadeo Lozano de Cartagena (2010). A nivel de pregrado es diplomado en Artes Plásticas de la Escuela Superior de Arte de Rueil-Malmaison, Francia (2006–2009). Estas son algunas de sus exposiciones: La vitrine vidéo, en Rueil-Malmaison, Francia (2008); Open Studio, en el Miyakasa Studio de La Habana, Cuba (2010); Cham-
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José Olano’s work can be described as installations of concrete instability and imbalance. Change and uncertainty haunt his pieces, threatening us with our own fear of the unknown and the unusual. Olano uses simple shapes and materials and suspends them in positions of tension, investing them with a poetry and fragility previously absent. He contrasts the visible with the invisible, leaving us with ephemeral forms and sculptures that are dynamic in space and time. His works have been described as sculptural drawings. He graduated from the visual expression program of the École nationale supérieure d’art in Cergy-Pontoise, France and received a diploma in creative practice from the Jorge Tadeo Lozano University in Cartagena. His undergraduate degree is in visual arts from the École municipale d’arts in Rueil-Malmaison, France. His exhibitions include La vitrine vidéo in Rueil-Malmaison, Open Studio at the Miyakasa Studio in Havana, Chambre 13 in Issy-les-Moulineaux, France, Variance longtemps accumulée in Clermont-Ferrand,
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bre 13, en Issy-les-Moulineaux, Francia (2011); Variance longtemps accumulée, en Clermont-Ferrand, Francia (2011); Residencias Espacios Alternativos, en el Museo Bolivariano de Arte Contemporáneo, Santa Marta (2011); Esto es lo que estamos haciendo ahora, en Cartagena de Indias (2012), y Jeune Création, en París (2012). Ha participado en la exposición Nuevos Nombres – Desequilibrio y Movilidad, del Banco de la República (2013); Saber Desconocer, en el 43 Salón (Inter) Nacional de Artistas (2013), y Sobre La Mesa / En El Aire, en la Alianza Francesa de Barranquilla (2013).
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Residencias Espacios Alternativos (Residencies alternative spaces) at the Museo Bolivariano de Arte Contemporáneo in Santa Marta, Esto es lo que estamos haciendo ahora (This is what we’re doing now) in Cartagena, and Jeune Création in Paris. He has also taken part in the exhibition Nuevos Nombres – Desequilibrio y Movilidad (New names—imbalance and mobility) by the Banco de la Republica in Bogota, Saber Desconocer (To know not to know) at the 43 Salon (inter) Nacional de Artistas in Medellin, and Sobre La Mesa / En El Aire (On the table/in the air) at the French Alliance in Barranquilla.
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Bernardo Ortiz COL (1972). Vive y trabaja entre Colombia y Brasil / Lives and works in Colombia and Brazil Sin título Producido por / Produced by: BIACI Bernardo Ortiz es artista plástico y escritor. Actualmente combina esas actividades con su labor de profesor en la Universidad de los Andes, en Bogotá, su ciudad de origen. Ortiz configura sus obras en torno a la noción del tiempo y las actividades cotidianas y banales del día a día. A través de ideas sencillas y accesibles conceptualmente, entabla una relación con las superficies sobre las que trabaja, mediante la superposición de materias, textos y dobleces. Paralelamente a la cotidianeidad de sus conceptos, resalta la bidimensionalidad de sus obras, que se convierten en confluencia de gestos pensados cuidadosamente y otros más improvisados y aleatorios. Debido a su formación como filósofo y su dedicación a la literatura, explora intensamente las relaciones de tensión y de coexistencia entre la palabra escrita y la pintura. A menudo incluye en sus obras referencias culturales e históricas a
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Bernardo Ortiz is a visual artist and a writer. He combines these activities with his professorship at the Universidad de los Andes in Bogota, his home city. Ortiz builds his work around notions of time and the day-to-day banalities of quotidian existence. Through these simple and conceptually accessible ideas, he establishes a relationship with the surfaces he works on through the superimposition of materials, text, and folds. In addition to the commonplace quality of his concepts, he draws attention to the bidimensionality of his works which combine carefully chosen gestures with elements of chance. His study of philosophy and dedication to literature allow him to intensely explore the coexistence and tension between the written word and painting. He frequently includes cultural and historical references to Colombia in his works, using colors, typography, and texture in a seemingly simple, clean way.
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Colombia, siempre desde una mirada aparentemente sencilla y limpia, tomando como punto de referencia colores, tipografías o texturas. Ortiz ha expuesto individualmente en Bogotá y en Londres, y ha participado en exposiciones colectivas en Austria, Noruega, la Bienal de São Paulo de 2012 y la de Lyon de 2011, entre otras. Su obra está representada en el MoMA de Nueva York y en colecciones privadas de Estados Unidos, Brasil, Inglaterra y Colombia.
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Ortiz has had solo shows in Bogota and London and has participated in group shows in Austria, Norway, the Sao Paulo Biennial in 2012, and the Lyon Biennial in 2011, among others. His work is exhibited at the MoMA in New York and in private collections in the United States, Brazil, England, and Colombia.
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María Fernanda Plata COL (1978). Vive y trabaja en Bogotá / Lives and works in Bogota
Estructuras 2012. Papel de colgadura, esmalte, acrílico y cortes / Wallpaper, enamel, acrylic, and cuttings Es una artista plástica que trata la apropiación, adaptación y reflexión sobre los espacios al reinterpretar los paisajes urbanos que habitamos utilizando medios diversos (dibujo, óleo, costura, arena, cortes en distintos materiales). Estudió Bellas Artes en la Universidad de los Andes de Bogotá (1996–2000) y obtuvo una maestría en el Chelsea College of Art and Design de Londres (2010–2012). Ha realizado exposiciones individuales como Transitorios, en el Centro Cultural de la Universidad de Salamanca, Bogotá (2005); Dibujo Sobre Medida, en la Galería Casas Riegner, Bogotá (2007); A Ras, en la Galería Casas Riegner, Bogotá (2010); Proyectos individuales, curada por Adriano Pedrosa, en Zona Maco Sur de la Ciudad de México (2011); Project Rooms, curada por María Inés Rodríguez, en la ArtBO de Bogotá (2012), y Pender, en la Galería Casas Riegner, Bogotá (2013). Entre las exposiciones colectivas en que ha participado están Lugar / No Lugar, como parte del programa Nuevos Nombres, en la Biblioteca Luis Ángel Arango, Bogotá (2005); Ojos que no ven, en la Galería EspaPlazoleta Joe Arroyo
Plata appropriates, adapts, and reflects on space by reinterpreting the urban landscapes through a variety of media including drawing, oil painting, needlecraft, and other materials. She earned her degree from the Universidad de los Andes in Bogota and a master’s from the Chelsea College of Art and Design in London. Her solo shows include Transitorios (Transitory) at the Universidad de Salamanca’s cultural center in Bogota, Dibujo Sobre Medida (Made-to-measure drawing) at the Casas Riegner Gallery in Bogota, A Ras (To the brim) at Casas Riegner Gallery in Bogota, Proyectos individuales (Individual projects) curated by Adriano Pedrosa at Zona Maco Sur in Mexico City, Project Rooms curated by María Inés Rodríguez at ArtBO in Bogota, and Pender (To hang) at Casas Riegner Gallery in Bogota. Her group shows include Lugar / No Lugar (Place/No Place) as part of the program Nuevos Nombres at the Luis Ángel Arango Library in Bogota, Ojos que no ven (Eyes that do not see) at the Espacio Alterno Gallery in Bogota, Miradas de quiebre (Fractured Gazes) at the 314
cio Alterno, Bogotá (2005); Miradas de quiebre, en la Galería Club El Nogal, Bogotá (2006); Arte Cámara, en la ArtBO, Corferias, Bogotá (2007); Hechos a mano, el oficio en el arte, en la Galería Casas Riegner, Bogotá (2008); Nodos-Nudos-Enredos, en la Galería Club El Nogal, Bogotá (2008), y Tracing Time, en la Josée Bienvenue Gallery de Nueva York (2012). Ha recibido numerosos premios y menciones, como el i Premio Fernando Botero, Corferias, Bogotá (2005); una mención de honor en el 3er Salón de Arte del Club El Nogal, Bogotá (2007); el ii Premio Fernando Botero, Claustro La Enseñanza, Bogotá (2007), y el ii Premio Bienal de Artes Plásticas y Visuales de la Fundación Gilberto Alzate Avendaño, Bogotá (2012).
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Club El Nogal Gallery in Bogota, Artecámara at ArtBO in Bogota, Hechos a mano, el oficio en el arte (Handmade, art craft) at Casas Riegner Gallery in Bogota, Nodos-Nudos-Enredos (Nodes-Knots-Tangles) at the Club El Nogal Gallery in Bogota, and Tracing Time at the Josée Bienvenue Gallery in New York. She has received numerous awards such as the I Premio Fernando Botero at Corferias in Bogota (2005 and 2007 respectively), an honorable mention at the 3rd Salon de Arte at the Club El Nogal in Bogota (2007), the II Premio Fernando Botero at the Claustro La Enseñanza in Bogota (2007), and the II Premio Bienal de Artes Plásticas y Visuales award from the Gilberto Alzate Avendaño Foundation in Bogota (2012).
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Luis Roldán COL (1955). Vive y trabaja en Nueva York y Bogotá / Lives and works in New York and Bogota Wash and Wear 2013. Bolas de pelusa y pelo de la secadora de ropa y cuadrados metálicos con laca blanca / Lint and hair balls from washing machines and metallic squares with white lacquer. (imagen / image) La Pared 2013. Letra impresa, papel, marcos metálicos y sonido en audifonos, pelo Printed letters, paper, metallic frames, sound from headphones, and hair Luis Roldán es un artista multimedia. Sus trabajos consisten en dibujos e instalaciones de medios variados, desde el cartón y las telas hasta objetos incorporados como trenes en miniatura, tierra, etc. Su obra es extremadamente activa y está en permanente cambio, pues experimenta con nuevos medios y lecturas. Sin embargo, hay una serie de constantes en su obra, como son las referencias culturales a escritores (Marcel Proust) y artistas (Martín Ramírez), la repetición continua, la incorporación de objetos encontrados y la meticulosidad con la que realiza sus piezas. Roldán ha expuesto en muestras individuales y colectivas de Estados Unidos y varios países de Latinoamérica y ha recibido premios y galardones como el Premio Colombiano de Pintura en el xxxvi Salón Nacional de Artistas del Plazoleta Joe Arroyo
Luis Roldán is a Colombian multimedia artist. He produces drawings and installations with mixed media, including cardboard, cloth, model trains, earth, etc. His work is extremely dynamic and prone to change as he constantly experiments with new media and readings. However, there are a series of constants in his work, such as his cultural references to writers (Marcel Proust) and artists (Martín Ramírez), continuous repetition, the use of found objects, and the painstaking detail in his pieces. Roldán has had solo and group shows throughout Latin America and the United States and has received awards and decorations such as the Premio Colombiano de Pintura at the Colombian Institute of Culture’s XXXVI Salón Nacional de Artistas in Bogota, and the Visual Arts New Work Award from the Wisconsin Arts Board in the United States. 316
Instituto Colombiano de Cultura, Bogotá, y el Visual Arts New Work Award, del Wisconsin Arts Board, Estados Unidos. Esta es la segunda intervención importante de Roldán en Cartagena, para la que diseñó los afiches del v Festival Internacional de Música, exponiendo sus diseños también en el Museo de Arte Moderno de la ciudad.
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Roldán designed the poster for the V International Music Festival of Cartagena and exhibited the design in the city’s Museum of Modern Art—this is his second important intervention in Cartagena.
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25. Casa de la Calle Soledad Óscar Murillo Casa de la Calle Soledad No. 5-18 Horario: Lunes a Sábado, 9 am – 12 pm y 3 pm – 6 pm Domingos, 10 am – 12 pm y 2 pm – 8 pm Schedule: Monday through Saturday, 9 a.m.— 12 p.m. and 3 p.m.— 6 p.m. Sundays: 10 a.m.— 12 p.m. and 2 p.m.— 8 p.m.
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Óscar Murillo COL (1986). Vive y trabaja en Londres / Lives and works in London Casa Calle de la Soledad Excursiones 2014. Instalación / Installation Aunque nació en Colombia, Óscar Murillo se crió y educó en Londres, a donde se mudó con su familia a los 10 años. A pesar de su juventud, es uno de los artistas de su generación de mayor reconocimiento internacional. Está representado por importantes galerías y ha hecho gran número de exposiciones individuales en todo el mundo. Su obra consiste en pinturas de gran escala que resultan vibrantes, activas, incluso agresivas y caóticas en cierto modo, llenas de vida. Llenas de materia y plagadas de marcas, a menudo incorporan fragmentos de textos o palabras que a veces participan por su significado y otras por su aspecto formal o por la interacción que tienen con el lienzo; y también materias como polvo o tierra, reminiscencias de la vida en la calle de un artista de orígenes humildes. Además realiza videos, instalaciones y performances. La idea de desplazamiento cultural e intercambio demográfico en las estratificaciones sociales está siempre presente de manera conceptual en su obra. Murillo es un
Although born in Colombia, Oscar Murillo moved to London with his family at ten years of age. Despite his youth, he is one of his generation’s most internationally renowned artists, represented by important galleries and holding solo shows across the globe. He produces large canvasses that explode with life, pieces that could even be considered aggressive or chaotic. Slathered with materials and scarred with marks, they frequently contain text fragments or words that contribute meaning or formal robustness, or sometimes simply for the way they interact with the canvas. The dust and earth are reminiscent of the street life that artists of humble origin experience. Murillo also produces videos, installations, and performances. The concepts of cultural displacement and demographic exchange between social strata are always present in his work. Murillo is a mediator between two different worlds: that of the Latin American immigrants and the elitist contemporary art world. He sees himself
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mediador entre dos mundos: el de los inmigrantes latinoamericanos y el elitista mercado del arte contemporáneo, y se considera a sí mismo como producto de esa red de intercambios. Murillo ha expuesto en Europa y en Estados Unidos, tanto individual como colectivamente, aunque en Colombia solo ha expuesto en el 43 Salón Nacional de Medellín. Su participación en la Bienal constituye su consolidación en el panorama cultural de su país de origen.
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as a product of this network of exchanges. Murillo has had solo and group exhibitions in Europe and the United States, although in Colombia he has only participated in the 43rd Salón Nacional in Medellín. His involvement in this biennial through Colombia Hoy is an opportunity for him to be a part of his home country’s cultural expression.
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26. Obras en espacio público / Works on Public Space Felipe Arturo, Wilson Díaz 26. Felipe Arturo. Plaza de la Merced Wilson Díaz. Espacio por definir / Location to be announced
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Felipe Arturo COL (1979). Vive y trabaja en Lisboa y Bogotá / Lives and works in Lisboa and Bogota Plaza de la Merced Trópico Entrópico 2014. Instalación. Arena blanca y negra / Installation. White and black sand, 2164 x 845 x 10 cm Como artista con formación de arquitecto, Arturo toma elementos de los campos del urbanismo, la arquitectura y el arte en relación con la política, historia, geografía y economía. Su obra y proyectos consisten esencialmente en esculturas, instalaciones y videos que parten de conceptos tales como la estructura, la secuencia y lo material. En la obra de Arturo se advierte una fuerte influencia de las huellas de la Historia presentes en la arquitectura corriente y las técnicas de construcción, al igual que de las consecuencias de los procesos de colonización en la cultura contemporánea. Licenciado en Arquitectura por la Universidad de los Andes en Bogotá, cursó un máster en Artes en la Universidad de Columbia en Nueva York. Trabajó tres años para la artista colombiana Doris Salcedo en Bogotá y durante un año para el artista chileno Alfredo Jaar en Nueva York. Participó en la creación del espectáculo multimedia Este Siglo y el Otro, para celebrar el final del siglo xx en
An artist and architect, Arturo draws from the fields of urbanism, architecture, and art, relating them to politics, history, geography, and economy. His work is primarily composed of sculptures, installations, and videos which he uses to deal with issues of structure, sequence, and materiality. Arturo’s work is heavily influenced by the footprint of history on contemporary architecture and construction techniques, as well as the consequences of the process of colonization on modern culture. After studying architecture in Bogota, Arturo received a master of arts degree from the Columbia University in New York. He worked with the Colombian artist Doris Salcedo in Bogota and with Chilean artist Alfredo Jaar in New York. He participated in the production of the multimedia spectacle Éste Siglo y el Otro (This century and the next) to celebrate the end of the twentieth century in Colombia and in an urban video installation called Péndulo (Pendulum) outside the
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Colombia, y en la videoinstalación urbana Péndulo frente al Goethe-Institut de Bogotá (1999). Ha realizado intervenciones en diversos espacios, como en la exposición Cuerpo, Arte, Naturaleza en el Jardín Botánico de Bogotá (2004); The Happiness of Objects, en el Sculpture Center de Nueva York (2007); Now, Transformation Spaces, en la Casa del Lago de Ciudad de México (2009), la Casa de las Américas de Madrid (2010), el Museo Amparo de Puebla, México (2010) y la Biblioteca Luis Ángel Arango, Bogotá (2011). En el 2008 ganó una beca de la Jerome Foundation para recorrer la cuenca del Amazonas registrando las ciudades amazónicas; el resultado se instaló en las calles de Shanghái. Entre sus exposiciones individuales están Constructivismo Espontáneo, en la Galería OMR, Ciudad de México (2010), y Diez Letras, en la galería La Central, Bogotá (2012).
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Goethe-Institut in Bogota (1999). His interventions include the exhibitions Cuerpo, Arte, Naturaleza (Body, Art, Nature) in Bogota’s Botanic Garden (2004), The Happiness of Objects at the Sculpture Center in New York (2007), Now, Transformation Spaces at the Casa del Lago in Mexico City (2009), the Casa de las Américas in Madrid (2010), the Museo Amparo in Puebla, Mexico (2010), and the Luis Ángel Arango Library in Bogota (2011). In 2008, with a scholarship from the Jerome Foundation, he traveled to the Amazon River basin recording Amazonian cities. The result was installed on the streets of Shanghai. His solo exhibitions include Constructivismo Espontáneo (Spontaneous Constructivism) at the OMR Gallery in Mexico City (2010), and Diez Letras (Ten Letters) at the La Central Gallery in Bogota (2012).
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Wilson Díaz COL (1963). Vive y trabaja en Cali / Lives and works in Cali Espacio por definir / Location to be announced Agopoética 2013. Instalación. Pinturas y plantas / Installation. Paintings and plants Wilson Díaz trabaja con diferentes medios, tales como la pintura, la fotografía, el video, la música y la performance. Su trabajo investiga los lazos que se establecen entre las personalidades políticas, deportivas y culturales en Colombia. En su cuestionamiento crítico de la sociedad colombiana, Díaz hace referencias al movimiento insurgente y a la notoriedad del país dentro del mundo del narcotráfico. Sus propuestas son a veces muy osadas, provocadoras y polémicas. Su propio cuerpo adquiere una posición cada vez más importante, reevaluando así las relaciones entre arte y política haciendo alusión al movimiento del body art de los años sesenta y setenta, relacionado con artistas como Manzoni, Long, Mendieta y Oppenheim. Desde 1999 forma parte del proyecto musical Las Malas Amistades. Díaz es uno de los fundadores y miembros desde 1998 de Helena Producciones, un colectivo de artistas que ha dirigido el Festival de Performance de Cali.
Wilson Diaz works in paint, photography, video, music, and performance. He investigates the relationships that exist between Colombia’s political, sports, and cultural personalities. Critical of Colombian society, Diaz references the insurgent movement and the country’s infamy due to the illegal drug trade. His audacious work has often provoked controversy. His own body is becoming increasingly prominent, which he uses to evaluate the relationship between art and politics, referencing the Body Art movement of the sixties and seventies and artists such as Manzoni, Long, Mendieta, and Oppenheim. Since 1999 he has been a member of the musical project Las Malas Amistades (Bad friendships) and is one of the founding members of Helena Producciones, an art collective that organizes the Performance Festival in Cali. His solo shows include the Premio Luis Caballero at the Santa Fé Gallery in Bogota, (2001), Long Live the New Flesh, at the Valenzuela Klenner Gallery in Bogota (2003),
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Entre sus exposiciones individuales están la exposición Premio Luis Caballero en la Galería Santa Fe, Bogotá (2001); Wilson Díaz: Mains d’Oeuvres, París; Movement of the liberation of the coca plant, con Amy Franceschini y Reyes Pritikin, en la Beulah Gallery de Point Reyes, EE.UU. (2009), y La flor caduca de la hermosura de su gloria, en el Museo de Arte de Pereira (2012). Ha participado en numerosas exposiciones colectivas internacionales en lugares como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, el Instituto Itaú Cultural de São Paulo y el Museo de Arte Moderno y Centro de la Imagen de Ciudad de México.
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Wilson Díaz: Mains d’Oeuvres in Paris, Movement of the liberation of the coca plant (with Amy Franceschini and Reyes Pritikin), at the Beulah Gallery in Point Reyes, California (2009), La flor caduca de la hermosura de su gloria (The beauty and glory of a flower expires), at the Santa Fé Gallery in Bogota (2011) and the Museum of Art in Pereira (2012). Diaz has been included in group shows internationally such as at the Art Museum in Puerto Rico; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía in Madrid; the Art Museum in Bolivia; the Museo de Arte Moderno y Centro de la Imagen in Mexico City; the French Alliance in Buenos Aires; and the Itaú Cultural Institute in Sao Paulo, Brazil.
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Componente de Formaci贸n BIACI
BIACI Training Component
Componente de Formación / Training Component La Fundación Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Cartagena de Indias viene desarrollando actividades desde agosto de 2013. Un grupo de formadores-artistas locales impartieron 10 talleres para la formación de públicos en instituciones educativas de diferentes localidades de Cartagena, entre ellos colegios de gran tradición como son las instituciones Alberto Elías Fernández Baena y José Manuel Rodríguez Torices - INEM y propuestas educativas más recientes como la Institución Educativa Nuevo Bosque y la Ambientalista de Cartagena. Al final de las jornadas, un grupo de estudiantes seleccionados con intereses definidos en el arte asistieron a los dos talleres de profundización realizados en el centro histórico, en un espacio idóneo dentro del Palacio de la Inquisición. Es así como el Componente de Formación BIACI ha sido un recurso pedagógico para el aprendizaje y el desarrollo de procesos creativos del que se han beneficiado comunidades de jóvenes estudiantes y también los maestros que participaron.
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The International Biennial of Contemporary Art of Cartagena de Indias Foundation has hosted a variety of activities since August 2013. Ten workshops taught by a group of local artist trainers were held in a variety of Cartagenian schools, including important traditional ones such as Alberto Elías Fernández Baena and José Manuel Rodríguez Torices - INEM and at newer schools such as Nuevo Bosque and Ambientalista de Cartagena. Following these sessions, a group of students with a pronounced interest in visual arts were selected for two further workshops which were held in an ideal location within the walls of the Palacio de la Inquisición in the old city. The BIACI Training Component has become a pedagogical resource which stimulates learning and the development of creative processes among young students and teachers.
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Igualmente, antes de la Bienal se organizaron cuatro conferencias, entre los meses de agosto y noviembre de 2013, cuyas temáticas constituyen un marco de referencia para las actividades relacionadas con la muestra principal de la BIACI entre febrero y abril de 2014. Así contamos con la presencia de los artistas y pedagogos Jim Fannkugen y Guillermo Marín, con «Expedicionarios del arte», la historiadora e investigadora Natalia Gutiérrez, con «¿Qué hacen los artistas hoy?», el asesor de artes visuales del Ministerio de Cultura Jaime Cerón, con «Salones, bienales, encuentros y otras exhibiciones de gran formato», finalizando el ciclo el curador y gestor regional Javier Mejía, con «Saber/Desconocer, una revisión al 43 Salón (Inter) Nacional de Artistas». Las conferencias se replicaron en centros culturales de la ciudad.
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Four conferences were held prior to the biennial, between the months of August and November 2013. The topics for these conferences provide a frame of reference for the activities scheduled as part of the main program of the biennial, February through April 2014. We welcomed the artists and educators Jim Fannkugen and Guillermo Marín with “Expedicionarios del arte” (Art expeditionaries), the researcher and historian Natalia Gutiérrez with “¿Qué hacen los artistas hoy?” (What do artists do today?), the visual arts advisor to the Ministry of Culture Jaime Cerón with “Salones, bienales, encuentros y otras exhibiciones de gran formato” (Salons, biennials, meetings, and other large-scale exhibitions), and finally the curator Javier Mejía with “Saber/Desconocer, una revisión al 43 Salón (Inter) Nacional de Artistas” (To know/to not know). The conferences were held in several cultural centers throughout the city.
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El espacio de la Bienal durante sus dos meses de desarrollo, entre febrero y abril de 2014, cuenta con el Aula de Formación BIACI, espacio adecuado en el Museo de la Presentación, en la Calle del Estanco del Aguardiente, piso 2, dotado para desarrollar diversas actividades académicas y de formación. Un grupo de 8 formadores-artistas lidera las actividades diseñadas para ser presentadas en la Bienal, visitas guiadas y talleres, acompañados de practicantes de distintas instituciones con el fin de establecer puentes de lectura y apreciación de las propuestas de los artistas participantes en la BIACI con visitantes y habitantes de la ciudad. Las actividades incluyen igualmente encuentros con los artistas participantes, conferencistas, investigadores y curadores, y la continuación del programa de formación de públicos en distintos espacios y jornadas.
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During the biennial months— February through April 2014—there will be a BIACI Training Hall in a space specially adapted for academic and training activities on the second floor of the Museo de la Presentación, on the Estanco del Aguardiente Street. A group of eight artist trainers will lead these biennial activities—guided tours and workshops—and will be accompanied by interns from various institutions with the aim of exploring readings and fostering an appreciation for BIACI’s artists among the city’s visitors and inhabitants. These activities include meetings with the BIACI artists, speakers, researchers, and curators as well as the continuation of the audience training program in various settings and sessions.
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Principales actividades que desarrollamos en la Bienal: Formación continuada de estudiantes y docentes de instituciones educativas del Distrito, con jornadas de preparación y visitas guiadas a la Bienal de Cartagena durante las exposiciones. Espacio de acompañamiento para familias que visiten las muestras bajo la guía de los formadores, que proporciona herramientas de acercamiento al arte contemporáneo. Talleres de profundización, vinculando a universidades, artistas locales y público interesado alrededor de las temáticas, propuestas artísticas y actividades que sucedan dentro de la Bienal. Talleres y encuentros con artistas participantes y con académicos invitados a la BIACI. Espacio documental del arte con el apoyo de otras instituciones culturales.
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The main activities organized by the biennial: Continuing education for students and teachers from local public schools through training sessions and guided tours of #1 Cartagena during the exhibition months. Guidance from trainers for families during visits to the exhibitions, offering tools for interaction with contemporary art. In-depth workshops linking universities, local artists, and the public with the topics, artistic proposals, and activities presented by the biennial. Workshops with the participating artists and BIACI’s visiting academics. Documentation activities with the support of other cultural institutions.
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Imágenes / Images # 1 Cartagena Cortesía de los artistas y de / Courtesy of the artist and: Aardlek: Foto / Photo: Jakob Proyer. Eduardo Abaroa: Colección Museo Amparo, Puebla, México. Helena Almeida: Galería Filomena Soares. Charles Atlas: Electronic Ars Intermix. Radcliffe Bailey: Jack Shainman Gallery, New York. Rosa Barba: Gió Marconi, Milán. Foto / Photo: Romain Darnaud © Jeu de Paume. Yto Barrada: Sfeir-Semler Gallery, Hamburg– Beirut. Lothar Baumgarten: Marian Goodman Gallery, New York–Paris. Terry Berkowitz: © Foto / Photo: Rocco Ricci. Janet Biggs: Connersmith, Washington DC; y / and Galerie Ron Mandos, Amsterdam. Anna Boghiguian: Sfeir-Semler Gallery, Hamburg–Beirut. Gijs van Bon: Foto / Photo: Jacki Dodemontova. François Bucher: Proyectos Monclova y / and Galería Alarcón Criado. Universidad de Umea, Suecia Academia de Arte, programa de doctorado. Trisha Brown: Sikkema Jenkins & Co, NY. Fernando Bryce: Galería Lucia de la Puente. © Foto / Photo: Juan Pablo Murrugarra. Anna Camner: Faggionato, London. Peter Campus: Tierney Gardarin Gallery, NY. Nuria Carrasco: Patricia Fajardo, directora revista CARAS. Nick Cave: Jack Shainman Gallery, New York. Willie Cole: Alexander and Bonin, New York. © Foto / Photo: Joerg Lohse. Bill Culbert: Hopkinson Mossman, Auckland, New Zealand. Imagen / Image: Bienal de Venecia / Venice Biennale 2013. © Foto / Photo: Jennifer French. Nezaket Ekici: Foto / Photo: A.R. Jenchen Richard Garet: Julián Navarro Projects, NY. Ximena Garrido-Lecca: Galería Casado Santapau, Madrid.
Asta Gröting: carlier | gebauer, Berlin. Federico Guzmán: Fundación Ortega Muñoz. Romuald Hazoumè: October Gallery, London. © Foto / Photo: Jonathan Greet. Diango Hernández: Alexander and Bonin, New York. © Foto / Photo: Joerg Lohse. Kirsten Heshusius: Foto / Photo: Bart Majoor Sheila Hicks: Sikkema Jenkins & Co, NY. María Teresa Hincapié: Casas Riegner. © Santiago Zuluaga. Foto / Photo: José Alejandro Restrepo. Candida Höfer: Galería Fúcares, Madrid. Katie Holten: Daniela Steinfeld, y / and Van Horn, Düsseldorf. Shirazeh Houshiary: Lehmann Maupin, New York–Hong Kong. Marine Hugonnier: Nogueras Blanchard, Barcelona–Madrid; Fortes Vilaça Gallery, São Paulo; y / and Max Wigram Gallery, London. Jesper Just: James Cohan Gallery, New York–Shanghai. Kevin King: Jason McCoy Gallery. Kimsooja: © Kimsooja Studio. Marcellvs L: carlier | gebauer, Berlin, y / and Galería Luisa Strina. Tallur L.N.: Jack Shainman Gallery, New York. Clemencia Labin: Diana Lowenstein Fine Arts, Miami. © Foto / Photo: Annalies Kroke, Reprostudio Kroke, Hamburgo. Dana Levy: Braverman Gallery, Tel-Aviv. Ligorano/Reese: Catharine Clark Gallery, San Francisco, CA. Inés Lombardi: Georg Kargl Fine Arts, Vienna. Christiane Löhr: Jason McCoy Gallery. Oswaldo Maciá: Henrique Faria Fine Art, New York y / and Espaivisor, Valencia, España. Lucía Madriz: Galería Des Pacio, San José, Costa Rica. Julie Mehretu: carlier | gebauer, Berlin; y / and Marian Goodman Gallery, New York. Guillermo Mora: Galería Formato Cómodo, Madrid. Carlos Motta: Galería Filomena Soares, Lisboa; Galería La Central, Bogotá; Y Gallery, NY. Beth Moysés: Galería Fernando Pradilla, Madrid; Galería Adora Calvo, Salamanca; AJC Galería Sevilla; Duplo Galería, São Paulo.
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Zwelethu Mthethwa: Colección Pi Fernandino. Emeka Ogboh: Centre for Contemporary Art, Lagos. Lorraine O’Grady: Alexander Gray Associates, New York. Uche Okpa-Iroha: Rijksakademie van Beeldende Kunsten, Amsterdam. Stichting Stokroos, Utrecht. Kristin Oppenheim: Greengrassi, London, y / and 303 gallery, NY. Trevor Paglen: Metro Pictures, Altman Siegel Gallery, and Galerie Thomas Zander. João Penalva: Simon Lee Gallery, London– Hong Kong. Compañía Periferia: © Foto / Photo: Fabián Álvarez. Khalil Rabah: Galería Sfeir-Semler, Hamburg. Jessica Rankin: carlier | gebauer, Berlin, y / and White Cube, London. Álvaro Restrepo y El Colegio del Cuerpo.: Foto / Photo: Fabian Ricardo Álvarez. Elena del Rivero: Galería Elvira González, Madrid. Steve Roden: Susanne Vielmetter Los Angeles Projects y / and CRG Gallery, NY. Eduardo Sarabia: Galería Proyectos Monclova, México D.F. Hassan Shariff: Alexander Gray Associates, NY. Yinka Sonibare: James Cohan Gallery, New York–Shanghai. Yoshihiro Suda: Faggionato, London, y / and Gallery Koyanagi, Tokyo. Allison E. Taylor: James Cohan Gallery, New York–Shanghai. Philip Taaffe: Luhring Augustine, New York. Mickalene Thomas: Lehmann Maupin, New York–Hong Kong, y / and Artists Rights Society (ARS), New York. Adán Vallecillo: Galería PM8, Vigo, España. Stephen Vitiello: American Contemporary, NY. Svetlin Velchev: Foto / Photo: Rita Szili-Torok Bill Viola: Bill Viola Studio. Betty Woodman: Salon 94, New York. Ming Wong: carlier | gebauer, Berlin, y / and Vitamin Creative Space. Pawel Wojtasik: Representado por / Represented by Video Data Bank. Yin Xiuzhen: Pace Beijing.
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El ocioso imperfecto o cuando las cosas desaparecen / Imperfect Idler or When Things Disappear Cortesía de los artistas y de / Courtesy of the artist and: Felipe Arturo: Kadist Art Foundation, © Foto / Photo: Felipe Arturo. Andrés Felipe Castaño: Galería Doce Cero Cero. Foto / Photo: Javier Vanegas. Pablo Gómez Uribe: Galería de la Central. Juan David Laserna: Galeria La Central. Juan Sebastián Peláez: Comité curatorial Carne. Wilger Sotelo: Galería Casas Reigner. Foto / Photo: Óscar Monsalve.
Imágenes / Images Cartagena de Indias: Corporación Turismo Cartagena de Indias: páginas / pages: 6, 11, 12-13 Juan Camilo Segura Rafael Ortiz
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AGRADECIMIENTOS Acknowlegements
Jaime Abello Martin Acero Guiomar Acevedo Johanna Acosta Moisés Álvarez Carolina Angarita Sarita Ángel Liliam Paola Bernal Luis Guillermo Betancur David Bojanini Olga Lucí a Botero Ángela Bueno Germán Bustamante Julián Calderón Beatriz Camacho Contralmirante Jorge Enrique Carreño Martin Carrizosa Mariana Carulla Jhon Colange Jorge Eduardo Correa Andrea D’Macedo María Victoria de Donado Susana Echavarría Miguel Escobar Ana Isabel Egurrola Óscar Facuseh David Moris Finvarb Salomon Finvarb Gerardo Flórez Mercedes Flórez Zorayda Fonseca Teniente Germán Franco Georgia Franklin Alejandro Frieri Carlos Frieri Mariana Garcés María Beatriz García Dereix Leslie Garrett Silvana Giaimo Jaime Gilinski
Antonio José Gómez Luz Mary Guerrero Alexandra Haime Salanic Nicole Haime Eduardo Hernández Ana Piedad Jaramillo Óscar Leiva José Antonio Lloreda Eduardo Lombana Hans Londoño Juan Jose Lulle Ernesto Mardones Eugenio Martinez Iván Martínez Ibarra Laura Maloney Padre Yamil Martínez Diana Medina Camila Mejía Rafael Mejía Cecilia Melian Mario Alario Méndez Susie Millan de Mishaan Familia Mishaan Luis Fernando Molina Katja Kessing Érica Moncada Kulhmann Ángela Montoya Movicom S.A. Santiago Ochoa Fernando Ojalvo Gina Olmo de Trucco Felipe Ospina Carmen Otero Lucho Parada Jaime Pava Juan Manuel Prieto Gisela Carolina Peña Barbosa Yolanda Pupo de Mogollón Estefanía Quintero Torres Yuly Carolina Ramírez María Elena Rangel Gabriel Reyes Niurka Rigñack Asencio
Lina Rodríguez Pablo Rueda Zully Salazar Carolina Santofimio Lilly Scarpetta Martha Schott Kathy Sloane Juan Camilo Segura Woods Staton Ángela María Tafur Jorge Di Terlizzi Breton María Claudia Trucco Luisa Fernanda Velásquez Jose Alberto Velez Guillermo Ricardo Vélez Steven Vélez Carlos Raul Yepes Marlin Romero Zárate #1 Cartagena Alianza Colombo Francesa Bomba Estéreo Casa Colombo-Americano Casa Cultural Colombo Alemana Centro de Formación de la Cooperación Española Ciudad Móvil Estudio Fotográfico Medellín Fundación Carlos y Sonia Haime y sus Grupos Juveniles de Manzanillo del Mar y Tierra Baja Fundación La Vecina Fundación Rafael Tous de Arte Contemporáneo, Barcelona HH Producties Amsterdam Manzanillo del Mar
Bienal Internacional de Arte Contemporáneo. Cartagena de Indias, 2014
Metrònom Mujeres Altos de la Torre en Medellín Museo de Antioquia, Corporación Región Professional Staff Congress y The City University, NY Rincón Projects Universidad de Cartagena Zona Norte Tiago Abreu Pinto Fadia Ahcar Olmos Carolyn Alexander Sara Ángel Tina Arias Terry Berkowitz Suzy Blok Javier Bravo Giulia Colaizzi Andrea Echavarria Patricia Farjado Georgia Franklin Floriane Gaber Leslie Garrett Verónica Gayan Elyse Goldberg Zeynep Gunduz Nathalie Hénon Casandra Hernández Velez Jutta Hinterlietner Patricia Isaza Joseph Jacobs Michael Jenkins David Lara Amparo Lozano Mathilda Legemah Brett Littman Ramón Mateos Lissa McClure Samantha McCoy Irvine McManus BIACI
Kyla McMillan Simón Mejía Francisco Merino Howard L. Moore Robert Nickas Lilian Nijland Irene Núñez Rafael Ortiz Emilio Pi y Elena Fernandino Anna Prayer Asher Remy Toledo Nathalie Reitman Jesús Reina Jean-Francois Retting Elena del Rivero Margarita María Rodríguez Tanja Ruiter Jo Anne Schlesinger John Schobel Andree Sfeir-Semler Stephanie Simmons Lowery Sims Frans Stuber Arie Taal Patrick Tezenas Pablo del Val Richard Vine Alexander Weiss Warner van Wely Lauren Wittels Rachel Woodyatt y a todos los artistas, sus galerías y representantes
El ocioso imperfecto o cuando las cosas desaparecen David Zwirner Gallery Espacio Miami Galería Casas Riegner
Galería La Central Henrique Faria Fine Arts Lugar a Dudas Sicardi Gallery Beverly Adams Felipe Arturo Catalina Casas Jessica Cerasi Elena Consuegra Espacio Flora Nicolás Consuegra María Clara Delgado Clemencia Echeverri Pablo Gómez Uribe Nohra Haime Alexa Halaby Rodolphe von Hofmannsthal Angelina Jaffe María del Carmen Jaramillo Pablo León de la Barra Natalia Majluf María Ángela Méndez Ana María Millán Colectivo Octavo Plástico Luis Roldán María Belén Sáez de Ibarra Ana Sokoloff
EXPOSICIONES
Comunicación visual Laura Escobar Logo Alexandra Haime Salanic Asesor Digital Mauricio Ardila Museografía Carlos Betancur Producción Adriana Echevarría Iliana Restrepo Vivianna Gómez Producción perfomances Zoe Lukov Vivianna Gómez Asistentes de producción Juan José Carbonell Vanessa Pérez Juan Carlos Vásquez Arquitecta Gloria Patricia Martínez Educación Sara Ángel Asesor equipos audiovisuales Óscar Brieva
Educación y formación BIACI
Asesora en educación Constanza Escobar Director Componente de Formación Rafael Ortiz Formadores Sandra de la Cruz Nelson Fory Roberto Carlos Pérez Ernesto Recuero Comité de Apoyo Local BIACI Ana Cecilia Arnedo Erika Duncan Eduardo Hernández Irina Junieles Manuel Zúñiga
Guía y Catálogo
Edición Berta Sichel Coordinación editorial El vivero Laura Escobar Eva Rick Mariano Salvador Textos Barbara S. Krulik Amparo Lozano Irene Núñez Mariano Salvador Berta Sichel Eva Rick Traducciones y revisión Interpreting Colombia Diseño www.elvivero.es Impresión Legis S.A. © de los textos: los autores y Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Cartagena de Indias, Colombia. 2014 © de las imágenes cuando no se indica: los artistas y sus representantes ISBN: 978-958-58272-0-2
Montaje Museo de Antioquia Juan Guillermo Bustamante Iluminación Germán Lopez
Bienal Internacional de Arte Contemporáneo. Cartagena de Indias, 2014
Prensa y comunicaciones
Agencia Comunicación y Cultura Directora Ana Maria Aponte Jefe de Prensa Juliana Gómez González Coordinación Luisa Cossio Prensa internacional Nicole Haime Zoe Lukov Agencia de publicidad In House – RCN Televisión Piedad Cruz Alejandro Prieto Alejandro Sosa Mauricio Enrique Paba Alejandro Cardona información y contacto
Ana Maria Aponte aaponte@comunicacionycultura.net Celular: +57 315 880 7676 Jefe de prensa Juliana Gómez González jgomez@comunicacionycultura.net Celular: +57 311 339 1816 Prensa internacional Zoe Lukov zoe.lukov@gmail.com Celular: +57 310 351 4643
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BIACI
Bienal Internacional de Arte Contemporรกneo. Cartagena de Indias, 2014
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Bienal Internacional de Arte Contemporรกneo. Cartagena de Indias, 2014
Casa 1537 ArtillerĂa Casa Calle Don Sancho Edificio Plazoleta Joe Arroyo Capilla de la Iglesia de la SantĂsima Trinidad Lote Calle Sierpe Casa Calle de la Soledad
BIACI
#1 Cartagena Dirección artística / Artistic Direction: Berta Sichel Aardlek 236 Eduardo Abaroa 56 Helena Almeida 134 Suzanne Anker 136 Julieta Aranda & Anton Vidokle 238 Charles Atlas 138 Radcliffe Bailey 58 Rosa Barba 90 Perry Bard 140 Yto Barrada 22 Lothar Baumgarten 60 Terry Berkowitz 24 Janet Biggs 92 Anna Boghiguian 178 Gijs van Bon 240 Trisha Brown 142 Fernando Bryce 192 François Bucher 254 Anna Camner 144 Peter Campus 146 Nuria Carrasco 256 Nick Cave 94 Willie Cole 148 Bill Culbert 184 Nezaket Ekici 216 William Engelen 150
Richard Garet 26 Ximena Garrido-Lecca 96 Asta Gröting 62 Federico Guzmán 64 Romuald Hazoumè 28 Diango Hernández 66 Kirsten Heshusius 218 Sheila Hicks 98 María Teresa Hincapié 152 Candida Höfer 30 Katie Holten 100 Shirazeh Houshiary 32 Satch Hoyt 246 Marine Hugonnier 180 Jesper Just 186 Kimsooja 102 Kevin King 154 Marcellvs L. 34 Clemencia Labin 104 Dana Levy 36 Ligorano/Reese 106 Christiane Löhr 156 Inés Lombardi 158 Oswaldo Maciá 160 Lucía Madriz 68 Jenny Marketou 162 Billy Martin 164 Julie Mehretu 70 Guillermo Mora 108 Carlos Motta 72 Beth Moysés 38, 220 Zwelethu Mthethwa 166 Maria Nepomuceno 198
Emeka Ogboh 40 Lorraine O’Grady 74 Uche Okpa-Iroha 194 Yoko Ono 248 Kristin Oppenheim 110 Trevor Paglen 42 Guillermo Paneque 200 João Penalva 112
Compañía Periferia 242 Libia Posada 44 Freya Powell 46 Khalil Rabah 168 Luis Fernando Ramírez 170 Jessica Rankin 114 Álvaro Restrepo y El Colegio del Cuerpo 244 Elena del Rivero 48 Lotty Rosenfeld 76 Ruby Rumié & Justine Graham 78 Eduardo Sarabia 80 Carlos Schwartz 250 Teresa Serrano 116 Hassan Sharif 118 Yinka Shonibare 50 Friedemann von Stockhausen Yoshihiro Suda 52 Philip Taaffe 120 L. N. Tallur 122 Alison Elizabeth Taylor 124 Mickalene Thomas 84 Ana Torfs 126 Adán Vallecillo 202
Raúl Valverde 252 Sergio Vega 172 Svetlin Velchev 222 Leo Villareal 212 Bill Viola 208 Stephen Vitiello & Steve Roden 188 Pawel Wojtasik 204 Ming Wong 86 Betty Woodman 128 Yin Xiuzhen 130 Zinny & Maidagán 174
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Ocio imperfecto o cuando las cosas desaparecen Imperfect Idler or When Things Disappear Curado por / Curated by: Miguel González Gabriela Rangel Stephanie Rosenthal
Felipe Arturo 324 Jaime Ávila Ferrer 296 Andrés Felipe Castaño 298 Nicolás Consuegra 300 Wilson Díaz 326 Julián Dupont 266 Juan Manuel Echavarría 268 Clemencia Echeverri 270 Adrián Gaitán 272 Pablo Gómez Uribe 302 Elías Heim 274 Leonardo Herrera 276 Juan David Laserna 278 Verónica Lehner 304 Diego Mendoza 280 Ana María Millán 306 Óscar Murillo 320 Juan Obando 308 Colectivo Octavo Plástico 282 José Olano 310 Bernardo Ortiz 312 Juan Sebastián Peláez 284 María Fernanda Plata 314 Miguel Ángel Rojas 286 Luis Roldán 316 María Isabel Rueda 288 Wilger Sotelo 290 Paola Tafur 292
painting, sculpture, photography, film, video, installation, performance, concerts, forums, discussions, and workshops
Bienal Internacional de Arte Contemporáneo
pintura, escultura, fotografía, cine, video, instalación, performance, conciertos, foros, debates y talleres
Bienal Internacional de Arte Contemporáneo Cartagena de Indias
International Biennal of Contemporary Art Cartagena de Indias 7 feb -7 abr 2014
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Guía de actividades Guidebook BIACI
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