ES Madrid NO MadriZ Magazine
NĂşmero 53 / Febrero 2017
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principios de año, Madrid se convierte en uno de los epicentros feriales más importantes del mundo con grandes ferias como FITUR y ARCO. Estas ferias, consolidadas
en el tiempo, tienen sus antecedentes en otras, ya desaparecidas, como la Feria Internacional del Campo, que se celebraba en la Casa de Campo de Madrid, donde presentaba al público capitalino lo más moderno de la industria agropecuaria de su tiempo. De aquella importante feria sólo queda el recuerdo de los más mayores, así como algunos de los pabellones que, en el mejor de los casos, han sido reconvertidos en restaurantes o dependencias municipales. Los pocos pabellones que se conservan en la actualidad, son sólo una pequeñísima parte de los cientos de pabellones feriales que tuvo la feria en sus mejores tiempos, algunos realizados por grandes y renombrados arquitectos. La mayoría de ellos sucumbieron a golpe de piqueta por la desidia, la dejadez y la mala gestión de las autoridades competentes. En este número hemos dedicado el tema central a este singular proyecto que fue el embrión del actual IFEMA, sin olvidarnos, como es habitual, de las mejores propuestas de la cultura, el ocio y el espectáculo.
Ramón Rivas
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NOTICIAS
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MADRID. Feria Internacional del Campo
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MADRID COMUNIDAD. Villa del Prado
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MADRID NATURAL. El águila imperial
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LUGARES. El castillo de la Mota
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PERSONAJES. Juan Antonio Casado
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ARTE. Paco Montañés
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FOTOGRAFÍA. Julián Contreras
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CINE Y TV. Estrenos
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ESCENA. Obras en cartel
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MÚSICA. Red Beard
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LIBROS
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EXTRAÑO Y CURIOSO. El museo del orinal
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ESPACIOS Y PROPUESTAS. San Valentín en el Wellington
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COMER. Levél Veggie Bistro
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AGENDA
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| CONTENIDOS – FEBRERO 2017 |
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EMNMM es una publicación online de carácter mensual web: www.esmadridnomadriz.com Blog: www.esmadridnomadriz.blogspot.com
EQUIPO DIRECCIÓN Y CONTENIDOS Ramón Rivas ramon@esmadridnomadriz.com
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Número 53 / Febrero 2017
Magazine
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COLABORADORES Antón Pérez
IMAGEN DE PORTADA:
Carmen Martínez de Artola RJ
Rata
Jaime de la Torre www.jaimedelatorreart.com
Jaime de la Torre Óscar Bethencourt
MAQUETACIÓN Maite Rivas
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FOTOGRAFÍA Archivo EMNMM
www.esmadridnomadriz.com
AGRADECIMIENTOS Esther del Arco Museo del Orinal Borderline Music Luis Sitges Cristina Barbero
Es Madrid no Madriz Magazine es una publicación independiente y mensual, editada en Madrid (España), orientada a la cultura, el ocio y el espectáculo.
Edita: Es Madrid no Madriz Magazine ISSN 225-5846 Apdo. Correos 14.544 28080 Madrid (España) Si deseas colaborar y formar parte de nuestro equipo o dar a conocer tu trabajo, visita www.esmadridnomadriz.com para más información. ADVERTENCIA El contenido de esta publicación está protegido por copyright. Todas las imágenes y textos publicados en Es Madrid no Madriz Magazine son propiedad de sus autores y están sujetos a copyright. Ninguna imagen o texto puede ser reproducido, editado, copiado o distribuido sin el expreso permiso de sus propietarios legales. Es Madrid no Madriz Magazine no se hace responsable de las opiniones vertidas y de los puntos de vista expresados por las personas que aparecen en este número.
Diamond Films Sala Cuarta Pared Ministerio de Educación y Cultura Ayuntamiento de Madrid Comunidad de Madrid Bar Villa de Verín
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Art Madrid’17 Asturias viene representado por Aurora Vigil-Escalera Galería de Arte (Gijón) y Arancha Osoro (Oviedo); desde Cantabria viene la Galería Espiral (Noja), desde Bilbao la galería Vanguardia y desde Palma de Mallorca Pep Llabres Art Contemporani. Entre las más veteranas participan Rodrigo Juarranz (Aranda del Duero) y las madrileñas Kreisler, BAT alberto cornejo, Estampa, Galería Jorge Alcolea, Galería Hispánica Contemporánea (Madrid, México D.F.) y Galería 6mas1.
La feria de arte contemporáneo Art Madrid celebra su decimosegunda edición del 22 al 26 de febrero de 2017 en la Galería de Cristal de CentroCentro Cibeles, con 43 galerías y una significativa participación de expositores internacionales. En el programa general de Art Madrid’17 participan 36 galerías, una nutrida representación de galerías procedentes de toda España, retrato de la variedad y calidad de nuestros artistas contemporáneos y emergentes; y una buena muestra de galerías extranjeras llegadas desde China, Letonia, Cuba, Costa Rica, Italia o Portugal, entre otros países. En total, en esta edición participan un 30% de nuevas galerías. Las 24 galerías españolas presentes en Art Madrid’17 son: las catalanas 3 Punts Galeria, Galeria Marc Calzada, Galería Miquel Alzueta, a las que se incorporan este año las galerías Alonso Vidal y Galería Zielinsky Contemporary Art, todas ellas de Barcelona. De Levante llegan las valencianas Alba Cabrera Gallery y Benlliure, y las murcianas Galería La Aurora y Galería Leúcade. Desde Galicia presentan sus propuestas las galerías Moret Art (A Coruña), Montenegro (Vigo) y Luisa Pita (Santiago de Compostela). El Principado de
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Las 12 galerías extranjeras que participan en esta edición de 2017 representan, a su vez, la confianza y el atractivo crecientes que los profesionales del arte internacional ven en la Semana del Arte y en Art Madrid en concreto, una feria que, en su pasada edición, vio incrementar en un 40% la presencia de coleccionistas privados e institucionales. Estas galerías internacionales son: Arionte Arte Contemporanea (Catania, Italia), Galleria Unique (Turín, Italia), Art Lounge Gallery (Lisboa, Portugal), Nuno Sacramento Arte Contemporânea (Ílhavo, Portugal), Arte Periférica (Lisboa, Portugal), Collage Habana (La Habana, Cuba), Galería Moleiros / Estudio Arte Contemporáneo (Cuba), Klaus Steinmetz Contemporary Art (San Rafael de Escazú, Costa Rica) que participa por primera vez en la feria, Maksla XO gallery (Riga, Letonia), Norty Paris (Carrières-sur-Seine, Francia), Schmalfuss Berlin (Berlín, Alemania) y Yiri Arts (Taipei, Taiwan). El comité de selección de Art Madrid’17, formado por el especialista en mercado del arte internacional Ángel Samblancat; los galeristas Javier López Vélez, de 3 Punts (Barcelona) y Ricardo Tenreiro da Cruz, de Art Lounge (Lisboa); el comisario independiente Carlos Delgado Mayordomo y el teórico y crítico de arte Alfonso de la Torre, ha valorado más de 100 propuestas para hacer el mejor programa posible, un programa en el que prima la calidad, sin olvidar el potencial de ventas. “No es sólo una feria de arte de referencia en España, ya es también una referencia europea. En la edición de 2017 el Comité ha confirmado que Art Madrid es una feria de arte de calidad internacional”, apunta el galerista portugués Ricardo Tenreiro.
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“Art Madrid se ha convertido en una Feria no-dogmática, en donde proyectos de autores consagrados se encuentran con jóvenes artistas bajo el epígrafe común de su calidad. Han sido propuestas de extraordinaria seriedad”, ha destacado Alfonso de la Torre. “Nuestro país está necesitado de propuestas artísticas diversas sean del cariz que fuere: emergentes, consagradas, secretas, en chalés, irreverentes, en hoteles... Hemos de conseguir que nuestro envarado mercado tome algo de aire fresco”, añade el crítico de arte.
El arte urbano, que ya ha ocupado con motivo galerías y museos, también estará en Art Madrid’17 en diversos proyectos como “Pasado, presente y futuro. 6 propuestas/6 artistas” de la galería Kreisler, una selección de artistas de diferentes generaciones y estilos desde la abstracción hasta la figuración y entre los que se encuentra Okuda San Miguel (Santander, 1980) el autor de Kaos Temple, reinterpretación de la iglesia de Llanera (Asturias) en un lugar de referencia cultural en pleno siglo XXI, cuyas formas geométricas
El Programa ONE PROJECT, compuesto por ocho proyectos en formato ‘solo-show’ y comisariado por Carlos Delgado Mayordomo presenta en esta ocasión una selección de 8 artistas españoles y latinoamericanos que reflexionan sobre los conceptos de territorio, desplazamiento e identidad.
multicolor se funden con criaturas sin identidad en una especie de Surrealismo Pop que ha invadido calles y galerías de India, Mozambique, EE.UU, Japón, Brasil, México y todo el continente europeo.
Propuestas destacadas La 12ª edición de Art Madrid es la edición de los artistas, creadores de reconocida carrera dentro y fuera de nuestras fronteras, y emergentes con estilo y proyección destacados por la crítica. Entre otros artistas, en Art Madrid’17 veremos a Julio Falagán (Valladolid, 1979), con la pieza en gran formato que culmina su serie de cielos (ensamblajes de cielos de paisajes populares y marcos), la de mayores dimensiones y mayor carga conceptual; a la artista vasca Rut Olabarri (Bilbao, 1962) que transforma el stand de la galería Vanguardia en un templo para la Diosa Mari y aborda así el tema del matriarcalismo vasco y el simbolismo del folklore; a Robert Ferrer i Martorell (Valencia, 1978) que, tras un año redondo en ferias internacionales (ArtLima, Volta New York Art Fair, SP-Art Sao Paulo...) y exposiciones en París y New York, presenta en Art Madrid parte de su serie Porta a l’invisible, en su línea de universos encapsulados de nylon, papel, madera y metacrilato.
En esta línea también trabaja Louis Lambert (3TTMAN) (Lille, 1978), artista urbano que ha querido desdibujar las fronteras entre el arte y la artesanía usando materiales toscos (como el cemento) y temas populares a los que cambia el marco al que se suelen ajustar. Defiende un estilo alegre y desenfadado y veremos algunas de las vasijas que ha desarrollado en Vietnam. Como adelanto, en la edición de Art Madrid’17 el Programa Paralelo de actividades estará íntegramente dedicado a la relación del arte con la tecnología, ya sea como herramienta, como inspiración, como escenario o como excusa. #ARTEYTECNOLOGÍA AM17 presentará en diversos formatos (charlas, mesas redondas, talleres, acciones, presentaciones...) el amplísimo y ambicioso abanico de proyectos y realidades que están dando forma al arte del futuro próximo.
www.art-madrid.com
La obra de la enorme Carmen Calvo (Valencia, 1959), una de las artistas españolas con mayor prestigio internacional y Premio de Artes Plásticas en 2013, también estará presente en la feria.
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ARCOMadrid 2017
En 2017, casi un tercio de la Feria ARCO apuesta por la presentación de proyectos de artistas individuales o en diálogo. De las galerías seleccionadas por el Comité Organizador en el Programa General, alrededor de 20 dedicarán su stand a uno o dos artistas entre los que se encuentran Anna Oppermann, Edgardo Antonio Vigo, Ignasi Aballí, José María Sicilia, Lia Perjovschi y Philippe Van Snick. También las secciones comisariadas incluirán presentaciones en diálogo; toda la sección #ArgentinaPlataformaARCO son confrontaciones de los artistas de las galerías, y Opening se centra igualmente en los artistas con sus stands dedicados a solos o dúos. El programa clave en esta presentación es la nueva sección Diálogos con artistas como: Analia Saban, Ariel Schlesinger, Diango Hernández, Julio Le Parc, Robert Breer y Tomás Saraceno. First Collector Esta edición de ARCOmadrid contará, una vez más, con la iniciativa First Collectors que, patrocinado por la Fundación Banco Santander, ofrece un servicio dirigido a aquellas personas que deseen iniciarse en la inversión y el coleccionismo de arte contemporáneo, recibiendo un asesoramiento de manera personalizada y gratuita. A través de este servicio un comprador novel puede consultar qué obras se adecuan a sus gustos y presupuestos al equipo conocedor de todos los contenidos
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de la feria. Un servicio que en sus 5 años de existencia ha atendido a más de 200 nuevos amantes del arte. ARCO GalleryWalk en Madrid Como cada año coincidiendo con ARCO, las galerías de Madrid presentan exposiciones de gran calidad. Para conocer en profundidad sus propuestas la Fundación ARCO organiza de nuevo ARCO GalleryWalk los días 2, 3 y 4 de febrero de 2017. Recorridos y horarios: - Jueves día 2 (17 horas). Barrio Salamanca. Punto de encuentro: Álvaro Alcazar - Viernes día 3(11 horas). Barrio Salesas. Punto de encuentro: Galería Casado Santapau - Viernes día 3 (17 horas). Barrio Salesas. Punto de encuentro: Galería Elvira Gonzalez - Sábado día 4(11 horas). Barrio de las Letras y Dr Fourquet. Punto de encuentro: Galería Formato Cómodo Explora ARCOmadrid en ARTSY.net Artsy es la plataforma online oficial de ARCOmadrid 2017. En Artsy.net se podrá visitar la feria una semana antes de la inauguración con información completa
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sobre las galerías y artistas presentes en ARCOmadrid así como selecciones comisariadas por los principales expertos en arte. Artsy conforma la base de datos virtual de arte contemporáneo más grande del mundo. En la actualidad, esta plataforma incluye más de 500.000 imágenes de obras de arte y arquitectura realizadas por 50.000 artistas de más de 2.000 galerías de renombre y 300 museos y socios institucionales.
Acciones de la Fundación ARCO para el coleccionismo En 2016, entre las compras institucionales y corporativas realizas por IFEMA para la Colección de la Fundación ARCO, figuran obras de Danh Vo, Adam Pendleton, Babi Badalov, Francisco Tropa y Massimo Bartolini, que ahora se encuentran expuestas en el Centro de Arte Dos de Mayo CA2M de Madrid para disfrute de todos los madrileños.
Premio Solán de Cabras Solán de Cabras vuelve a colaborar como patrocinador de ARCOmadrid, y con el ánimo de apoyar e impulsar los nuevos talentos del mundo artístico, convoca el Premio Solán de Cabras, dirigido a artistas entre 18 y 35 años representados por alguna de las galerías participantes en la Feria. El jurado, formado por profesionales del arte contemporáneo, valorará un lenguaje artístico innovador que consiga transmitir valores de la marca como: innovación, historia, pureza, salud, minimalismo y naturaleza. La obra ganadora será adquirida por la marca y se presentará en su espacio dentro de ARCOmadrid.
En 2017 se ha confirmado a Miguel von Hafe y Manuel Segade como comisarios de las compras de la Fundación, cuyos fondos se esperan incrementar notablemente a través de las aportaciones recibidas para la Cena Fundación ARCO en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, el martes 21 de febrero, que se celebrará tras la entrega de los Premios A al Coleccionismo a Eduardo Costantini, Eduardo Hochschild, Fundação EDP, Galila Barzilai-Hollander, Helga de Alvear e Isabel y Agustín Coppel, y la visita la exposición de la Colección Costantini.
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JustMAD 8 soría artística del programa general, así como de la supervisión de las nuevas galerías. Isabela ha sido la responsable curatorial de la Sección Focus Latin America en la feria Art Toronto 2016. Por cuarto año consecutivo y gracias al continuado apoyo de la Fundación Banco de Santander, JustMAD celebra una nueva edición del programa de residencia internacional, Just Residence. La residencia consiste en un período de 4 semanas que ofrece a los artistas residentes la oportunidad de disfrutar de una experiencia creativa en un entorno nuevo y en convivencia con otros artistas, este año girará en torno a la “Recuperación y transformación del paisaje industrial”.
JustMAD, celebra su octava edición en el COAM de Madrid, del 21 al 26 de febrero de 2017. Por tercer año consecutivo, Gregorio Cámara, será el director de la feria. JUSTMAD, fiel a sus principios dará sitio a las propuestas de los artistas más emergentes, reforzando su compromiso con las propuestas galerísticas y espacios alternativos emergentes tanto españoles como internacionales. Una feria donde este año, el comisario belga, afincado en New York, Tim Goossens, que recientemente ha comisariado la trienal Trademarks y la exposición Shapeshifters en Los Ángeles, será el responsable de la sección Curated Venture. En ella se articulan quince diálogos entre la obra de un artista de una galería española y la de un artista internacional, ambos seleccionados por Goossens. De esta forma, se busca generar oportunidades de colaboración en el plano internacional, dando a los artistas, una mayor visibilidad y repercusión fuera de nuestras fronteras. JUSTMAD siguiendo en su afán de internacionalización del arte español, contará con la comisaria venezolana, Isabela Villanueva, que será la responsable de la ase-
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El reconocido artista, Carlos Garaicoa, será el responsable de desarrollar la labor de comisariado en la residencia. Su impresionante trayectoria artística, unida a la importancia de la arquitectura en su trabajo, hace de él la figura idónea para supervisar y dar seguimiento al proceso creativo de los residentes. Además, Garaicoa dirige una residencia artística en la Habana, con el nombre Artista x Artista, y entre sus proyectos más recientes se encuentra la exposición Testigos/Las raíces del mundo en la Galería Continua, y Orden inconcluso en Madrid, Oslo y Munich. Gracias al inestimable apoyo y colaboración de su Ayuntamiento, Avilés, es el destino elegido para la celebración de Just Residence 2017. Los artistas seleccionados para la residencia son, el portugués Antonio Machado Pinheiro de Amorín, la rusa Olga Kozmanidze, los alemanes Eliza Goldox y Philipp Valenta, la croata Helga Goran, la chino-británica Jolene Mok, el eslovaco Juraj Florek, la cubana Diana Fonseca y los españoles Lidia Orán Llarena y José Sánchez. Finalmente, la feria consta de una Sección de arte electrónico, integrada por galerías que trabajan con artistas “New Media” y está comisariada por la asociación sin ánimo de lucro EX.
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PREMIOS JUSTMAD 2017
El premio tiene dos categorías:
Premio coleccionista joven Fundación Pilar Citoler
El premio EX de arte electrónico experimental, dotado con 2.500 euros y un segundo premio EX, que concede una beca para realizar una residencia en Miami con la asociación Arts Connection.
La Fundación Pilar Citoler, como agente cultural activo implicado en la renovación generacional tanto de artistas como de coleccionistas, concede un premio de 1.800 euros al joven coleccionista. Para poder concurrir a este premio, el coleccionista ha de ser registrado por las galerías participantes, con la única condición de que haya comprado una pieza de arte durante JUSTMAD8. El premio se concede en metálico para necesariamente invertirse en la compra de otra obra expuesta en la feria.
VIII Premio Artfairs Artista Emergente ArtFairs, empresa organizadora y promotora de ferias de arte, como JUSTMAD y SUMMA Contemporary, tiene como objetivo con este premio, motivar e impulsar a los nuevos artistas. La singularidad del mismo, es su jurado, que estará formado por un reconocido y prestigioso grupo de artistas consagrados.
III Premio EX de Arte Electrónico Este premio busca tanto destacar obras, cuanto escrutar el estado del arte digital, sin descuidar la coherencia expositiva, también selecciona para su exposición en Just Tech 17, sección de new media de JustMAD8.
www.justmad.es
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Denise de la Rue “Ángelas”
Claudia Traisac, Natalia de Molina y Michelle Jenner en el trabajo “Ángelas”
El 16 de febrero de 2017 Denise De La Rue inaugura la intervención artística “Ángelas” en la Ermita de San Antonio de la Florida, junto con los frescos de Goya y en el lugar donde descansan sus restos. Nunca antes se había presentado una exposición en este espacio. La instalación se podrá ver del 16 al 26 de febrero, con horario de 9:00 a las 20:00 horas. Todo surgió cuando el Museo Lázaro Galdiano de Madrid le propuso hacer una re-interpretación de la serie “Brujas” de Goya para exponer en Junio de 2017. Le entusiasmó la idea y decidió crear la parte antagónica: las “Ángelas” de Goya de la Ermita de San Antonio de la Florida, un proyecto en el que estuvo trabajando seis meses. “El lugar me pareció mágico, me encantaron los frescos con la representación de ángeles femeninos; previamente solo había visto representaciones masculinas de ángeles”. Denise decidió fotografiar actrices para el proyecto “porque existe un gran paralelismo entre el arquetipo
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de ángela y actriz. Ambas son mensajeras, poseedoras de magia, misticismo, poder de creación, transformación, y están conectadas con la energía de poder y transmisión. Michelle Jenner, Claudia Traisac, Ana Castillo, Natalia de Molina y Juana Acosta cumplen todas estas características”. En este trabajo las actrices llevan vestidos de diseñadores españoles como The 2nd Skin, Ana Locking, Jorge Vázquez, Teresa Helbig y Fernando Claro. En el Museo Lázaro Galdiano estará expuesto, de junio a septiembre, su trabajo “Brujas” inspirado en los seis aquelarres de Goya. Para esta re-interpretación Denise De La Rue ha contado con Adriana Ugarte, Inma Cuesta, Macarena García, Maribel Verdú, Bárbara Lennie y Verónica Echegui.
FERIA
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| MADRID |
A INTERNACIONAL DEL CAMPO El embriรณn de IFEMA
_______ TEXTO Y FOTOS: RAMÓN RIVAS
A principios de año, Madrid se convierte en uno de los epicentros feriales más importantes del mundo con grandes ferias como FITUR y ARCO. Estas ferias, exitosamente consolidadas en el tiempo, tienen sus antecedentes en otras, ya desaparecidas,, como la Feria Internacional del Campo, que se celebraba en la Casa de Campo de Madrid y en donde se mostraba lo más moderno de la industria agropecuaria. De aquella importante feria sólo queda el recuerdo de los más mayores, así como algunos de los pabellones que representaron a todas las regiones de España y algunos países extranjeros.
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Los antecedentes a la Feria Internacional del Campo se remontan a la primera mitad del siglo XX, cuando entre los años 1925 y 1930, la Asociación de Ganaderos del Reino organiza sus primeras exposiciones de ganado en lo que hoy es el recinto ferial de la Casa de Campo, cuando estos terrenos todavía pertenecían a la corona. Con la llegada de la II República, la Casa de Campo pasó a ser titularidad del Ayuntamiento de Madrid, convirtiéndose en Jardín Histórico-Artístico de uso público, con esta nueva gestión se puso fin a las ferias ganaderas que se celebraban hasta entonces. Más tarde, con el estallido de la Guerra Civil, la Casa de Campo se convierte en uno de los frentes de guerra. Finalizada la guerra, la gestión y titularidad de la Casa de Campo pasa a Patrimonio Nacional hasta el año 1963, año en el que nuevamente pasa a manos del Ayuntamiento de Madrid. Es precisamente durante el régimen franquista cuando se recupera el carácter ferial de estos terrenos. Franco puso todo su empeño en querer dar una imagen de modernidad a una España que todavía vivía sumida en un atraso cultural y tecnológico, donde el mundo rural tenía un peso muy importante. Con esta premisa y con las alabanzas del régimen, en 1950 se celebró la primera Feria Nacional del Campo. El inicio La primera Feria Nacional del Campo se inauguró el 27 de mayo de 1950 con todo el boato del régimen franquista, contó con la presencia del dictador que, con un discurso plagado de referencias políticas, inauguró el acto. Esta primera feria estuvo organizada por las Hermandades Sindicales de Labradores y Ganaderos y estaba ubicada en los terrenos delimitados entre el Arroyo de Meaques y la Avenida de Portugal. En un principio la feria tuvo una periodicidad trianual, excepto en la octava edición, celebrada en 1970, y la novena, celebrada en 1972.
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En 1953 se celebró la segunda edición de esta feria, esta vez con un carácter más internacional, denominándose II Feria Internacional del Campo. Esta edición contó con la presencia de expositores de Estados Unidos, Francia, Italia, Suecia, Cuba, Holanda, Inglaterra, Bélgica, Dinamarca, Portugal, Alemania Federal y Austria. La internacionalización de la feria tenía una base política muy importante, pues la situación de España en la esfera internacional comenzaba a “normalizarse” y el régimen franquista utilizaba toda su maquinaria para que esa “normalización” fuera un hecho, las iniciativas de este tipo, eran la particular estrategia que utilizaba el régimen para lograr una apertura internacional y así poder beneficiarse de ello, especialmente en materia económica. Para garantizar el éxito de esta feria y con el interés de que se perpetuara en el tiempo, se hizo necesario ampliar los terrenos y los stands expositivos, así como las vías de acceso. Por este motivo se realizaron numerosas infraestructuras y se abrieron dos nuevas entradas al recinto ferial que todavía se conservan; la entrada que hoy da acceso al Madrid Arena y la actual Puerta del Ángel. Las posteriores ediciones de esta feria, hasta 1970, fueron bastante exitosas, el terreno expositivo creció de forma considerable, ocupando un total de 18 hectáreas y se levantaron toda una serie de pabellones temáticos, muchos de ellos construidos según las características arquitectónicas de cada región de España, incluso realizando réplicas de los monumentos más significativos de cada región. Es el caso del pabellón de Toledo, al que se accedía por una monumental réplica de la Puerta de la Bisagra, hoy convertido en un restaurante, o la histórica Puerta del Carmen de Zaragoza que hoy se yergue solitaria como un autoestopista perdido en medio de un cruce de caminos. Con todo ello, en sus momentos de mayor esplendor, los visitantes de la feria podían darse un paseo por toda España, incluidos los territorios hasta entonces españoles como Guinea y el Sáhara, además de los pabellones internacionales, sin salir de Madrid.
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Además de los pabellones de arquitectura tradicional y las réplicas arquitectónicas, hubo buenos ejemplos de la arquitectura moderna donde grandes arquitectos dejaron su huella. Uno de los que todavía se mantiene en pie y en uso es el el Pabellón de Cristal, obra de Ruiz y Cabrero, construido en 1964. También participaron arquitectos como Manuel Fisac, Alejandro de la Sota o Secundino Zuazo. Decadencia y fin Tras un exitoso pasado, la Feria Internacional del Campo entró en su recta final en la década de los setenta, tras un proceso decadente, provocado en gran medida por la situación del régimen franquista que ya comenzaba a languidecer. Con la décima edición de la feria celebrada en 1975, se cerró una etapa en el ámbito ferial de Madrid que, de alguna manera, podría considerarse como el embrión del actual IFEMA. En 1977 el recinto ferial donde se celebraba la Feria Internacional del Campo pasó a manos del Ayuntamiento de Madrid, dando comienzo a toda una serie de pleitos planteados por las cámaras agrarias provinciales que reclamaban su titularidad. Por otra parte, el Ayuntamiento de Madrid, que se enfrentaba a los nuevos retos democráticos, con las consiguientes pugnas partidistas, no se preocupó en absoluto de la gestión ni la rentabilización de estas instalaciones, condenándolas así al abandono y, posteriormente, a la ruina y el derribo. Los primeros pabellones víctimas de la piqueta fueron los de Cádiz, Murcia, La Coruña y Jaén. Después desaparecieron otras 200 instalaciones, mientras los pocos edificios supervivientes, víctimas del abandono, se desmoronaban ante la indiferente mirada de las autoridades que se debatían en estériles debates sobre los posibles usos que podrían dar a este recinto.
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En 1989 las instalaciones, o lo que quedaba de ellas, estaban gestionadas por el Patronato de la Feria de Campo hasta que en 2001, este patronato se integra en la Empresa Municipal Campo de las Naciones, comenzando así un lento proceso de recuperación y reutilización de algunos de los pabellones, como el Palacio de Cristal. Otros pabellones pasaron a ser gestionados por la iniciativa privada, creando restaurantes como los ubicados en el Pabellón de Toledo, el de Pontevedra y el de Cáceres, creando así el denominado Paseo Gastronómico. Actualmente, se mantienen en pie alrededor de 60 pabellones, algunos de ellos destinados a ferias, congresos y dependencias municipales, así como los mencionados restaurantes gestionados por iniciativa privada. Pese a ello, el recinto ferial sigue siendo uno de los espacios peor gestionados de Madrid, las nuevas y modernas instalaciones como las del Campo de las Naciones y la dejadez de las autoridades competentes, han condenado a este lugar a un mero espacio de recreo, poco rentable y, en ocasiones, objetivo de actos vandálicos.
Fuentes: Ayuntamiento de Madrid RTVE Urrutia Nunez, Ángel, La arquitectura para exposiciones en el recinto de las Ferias del Campo de Madrid (1950-1975) y los antiguos pabellones de I.F.E.M.A. Anales del Instituto de Estudios Madrilenos
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| MADRID COMUNIDAD |
VILLA DEL PRADO La iglesia de Santiago Apóstol, una caja de sorpresas En las estribaciones de la Sierra de Gredos, en la zona suroccidental de la Comunidad de Madrid, se encuentra Villa del Prado, un municipio madrileño antaño conocido como “la huerta de Madrid”. Además de sus fértiles tierras ricas en acuíferos, Villa del Prado cuenta con un destacable patrimonio artístico y cultural, como la Iglesia Parroquial de Santiago Apóstol, un templo construido entre los siglos XV y XVI que no ha parado de dar grandes sorpresas en las últimas décadas. La iglesia de Santiago Apostol es una construcción de estilo gótico, declarada Bien de interés Cultural en 1980. En su construcción intervinieron Hernán González de Lara, maestro mayor de la Catedral de Toledo y Pedro de Tolosa, aparejador de cantería del monasterio de San Lorenzo de El Escorial. El templo está formado por una sola nave de cinco tramos con cabecera poligonal. Cuenta, además, con una torre construida en sillería en el siglo XVI. El interior de la iglesia es bastante llamativo y se podría decir que una verdadera caja de sorpresas pues, tras los trabajos de restauración realizados a partir de 1990 en tres
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fases, se han descubierto espectaculares pinturas murales de distintas épocas, que permanecieron ocultas por capas de cal y pintura desde el siglo XIX y de las que no se tenía constancia. Las primeras sorpresas que arrojaron las obras de restauración, fueron las pinturas aparecidas detrás del retablo del altar mayor, que datan del siglo XV. Después fueron apareciendo otras, como los curiosos dragones que adornan los nervios de la bóveda así como la representación de los cuatro evangelistas en la bóveda de la cabecera del templo y la imagen del Creador, todas ellas realizadas en el siglo XVII. Además del descubrimiento de estas pinturas, se realizó un importante hallazgo, varias bulas papales de los siglos XV y XVI que se encontraban ocultas en las oquedades de las paredes. Todos estos elementos desconocidos, recuperados y en perfecto estado de conservación, constituyen ejemplos únicos en el patrimonio histórico-artístico madrileño. Aunque tampoco hay que olvidar otros elementos destacables de esta iglesia como es el órgano, construido en 1906, e instalado dentro de un mueble barroco policromado, la imaginería o el propio museo, ubicado en la segunda sala de la torre de la iglesia donde se exponen valiosas piezas, entre ellas, cabe destacar un crucifijo de marfil de una sola pieza donado en 1639 a la ermita de Nuestra Señora de la Poveda, también ubicada en este municipio madrileño.
Fuentes: Ayuntamiento de Villa del Prado
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| MADRID NATURAL |
CACAREOS EN LO ALTO
EL ÁGUILA IMPERIAL
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______ POR ANTÓN PÉREZ | FOTOS: LUIS SITGES
En febrero, un rato al sol y otro al brasero… mil refranes como este reflejan lo veleidoso de la meteorología del segundo mes del año. Aunque en el campo se intuye ya la primavera a la vuelta de la esquina, todavía son muy pocas las flores que se atreven a abrirse, los animales que deciden comenzar la reproducción… entre estos están las grandes rapaces, pues no les queda otra: los largos meses de incubación y de cuidado de los pollos les llevan a tener que estar medio año enredadas en la reproducción, de modo que intentan empezar cuanto antes. Enceladas y construyendo el nido pilla así febrero a la más carismática de nuestras águilas: el águila imperial Aquila adalberti. Las águilas imperiales son grandes, mucho: entre las rapaces sus 80 cm de cuerpo, de cabeza fuerte y cola larga, y sus 2 m de envergadura, de poderosas alas rectangulares; igualan el tamaño del águila real y quedan por detrás sólo de los grandes buitres. Los adultos son de color oscuro, casi negros a veces, salvo por una “melena” blanco crema y marcas blanco puro en hombros y antebrazo, recorriendo el borde de ataque del ala. Los jóvenes recién emancipados son en cambio por completo pardo leonados (“pajizos”, en la lengua del campo), con las plumas largas de las alas y las de la cola más oscuras. Tardan unos cinco años en adquirir progresivamente el tono de sus padres, y entremedias presentan un plumaje intermedio, ajedrezado, que les vale el nombre de “dameros”. Los pies de dedos largos y uñas aceradas, y el fuerte pico color plomo, dejan ver bien a las claras su vocación de cazadora. Pero aunque las imperiales pueden vérselas con multitud de presas de tamaño mediano, desde lagartos hasta zorros, pasando por perdices, palomas, ratas o liebres, y sin hacer tam-
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poco ascos a la carroña; son los conejos la base de sus sustento, y la salud de las poblaciones de águilas depende en buena medida de la abundancia de su presa principal. Las águilas imperiales viven en general en zonas que alternan masas boscosas donde nidificar y claros donde cazar. Las águilas forman parejas estables, que defienden territorios de varios km2 donde construyen varios nidos, que pueden ir alternando entre años. Los nidos, grandes acúmulos de palos construidos en general en árboles más o menos solitarios, y a veces también en torretas eléctricas, son visitados y reparados por los adultos desde principios de año. Es esta la época en la que las águilas se vuelven más vocales: ambos miembros de la pareja vuelan juntos y se llaman a menudo: coh-coh-coh… un reclamo a medio camino entre cacareo y ladrido lejano. Tras la puesta, la incubación de los 2-3 huevos se alarga durante mes y medio, y los pollos permanecerán en el nido dos meses largos más, comenzando a volar a inicios de verano. Si el año anda escaso de comida, no es infrecuente que el pollo o pollos mayores acaben dando muerte al más pequeño para asegurarse de recibir el alimento necesario, un fenómeno conocido como cainismo relativamente común entre las aves grandes. Pero no es el pico de sus congéneres lo que más deben temer las águilas, sino los encuentros con los otros bípedos con quien comparten ambiente. Las águilas imperiales habitaban en tiempos en todos los bosques mediterráneos de la Península y el norte de África, pero siglos de talas y de persecución de “alimañas” hicieron que en los años 70, justo antes de que se las protegiese, su población tocase fondo, con apenas unas 50 parejas restantes. Afortunadamente desde entonces se han ido recuperando poco a poco, y el último censo, de 2015, arrojaba ya una cifra diez veces mayor. Las principales amenazas que siguen frenando el crecimiento poblacional de las águilas imperiales son por una parte la escasez de conejos en muchas
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zonas de reproducción, y por otra la mortalidad no natural, que llega sobre todo por electrocución y colisión con tendidos eléctricos por un lado, y por consumo de cebos envenenados empleados para acabar ilegalmente con depredadores en cotos de caza por otro. Pero aunque el número de águilas aumente, apenas sí lo hace su área de distribución, que se circunscribe a cuatro núcleos principales: el entorno de Doñana, Sierra Morena, los Montes de Toledo y las sierras del centro de Extremadura y Portugal, y el eje Gredos-Guadarrama; marcando así Madrid el límite noreste de su zona de reproducción. Esto es así porque los jóvenes, aunque tras emanciparse recorren grandes distancias buscando zonas con abundancia de conejos, llegando a concentrarse a veces en gran número en zonas donde luego no crían, suelen volver ya de adultos a intentar reproducirse cerca de su área de nacimiento, con lo que los nuevos territorios se colonizan muy poco a poco. Las cerca de cincuenta parejas que crían en Madrid se reparten por los pinares y encinares del piedemonte, llegando hasta las puertas de la capital en el monte de El Pardo. Paseando estos días junto a esa zona de protección estricta resulta muy sencillo escucharlas cacarear, y verlas compartiendo el cielo de forma más o menos amistosa con los buitres. Todo un lujo, habida cuenta de lo poco que hace que estuvieron a punto de pasar a ser sólo un recuerdo… Para saber más: Ficha del águila imperial en la Enciclopedia de las Aves de España, de SEO/BirdLife: www.seo.org/ave/aguila-imperial-iberica/
Fotos cortesía: Luis Sitges Birding Trekking & Nature Spain Birding Trips - Viajes Ornitológicos por España www.birdingtrekkingandnature.com info@birdingtrekkingandnature.com
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| LUGARES |
EL CASTILLO DE LA MOTA
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__________ TEXTO Y FOTOS: EMNMM
En el municipio de Medina del Campo, en la provincia de Valladolid, se encuentra uno de los castillos más grandes e importantes de España, se trata del Castillo de la Mota, una impresionante fortaleza que fue en tiempos de los Reyes Católicos, uno de los mejores Parques de Artillería de Europa. Sobre una pequeña elevación, “mota”, de donde toma el nombre, se yergue esta espectacular fortaleza de ladrillo que fue testigo mudo de los grandes acontecimientos políticos y sociales de Castilla. Alzándose sobre las ruinas de un viejo alcázar, sus orígenes se remontan al siglo XII, cuando estas tierras castellanas fueron nuevamente pobladas por la cristiandad tras la Reconquista. A lo largo de los siglos, la fortaleza fue creciendo en tamaño e importancia, pero no fue hasta el siglo XV, bajo el reinado de Enrique IV y los Reyes Católicos, cuando el castillo sufre una gran transformación, convirtiéndose en un gran castillo con una fisionomía muy similar a la que tiene en la actualidad. A finales del siglo XV, esta fortaleza construida en ladrillo por alarifes mudéjares, sufrió otra gran remodelación, añadiéndose el cinturón defensivo dotado con torres cilíndricas y el imponente foso que rodea la fortaleza, realizado en tiempos de los Reyes Católicos, convirtiéndose así en uno de los castillos más importantes del reino. También se construyeron toda una serie de galerías subterráneas para la artillería con sofisticados sistemas de ventilación y refrigeración, que hicieron de esta fortaleza una de las más avanzadas tecnológicamente de Europa.
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Entre los siglos XVI y XIX, el Castillo de la Mota entra en un periodo de decadencia. Las guerras y el abandono pusieron en riesgo esta construcción hasta que en 1903, se inicia una campaña para su restauración, lográndose así salvar el castillo y, un año después, es declarado Monumento Nacional. Se realizaron algunas intervenciones más entre 1905 y 1914, seguidas de otras durante 1916 y 1932. Tras el estallido de la Guerra Civil, en 1936, las restauraciones del castillo quedaron paralizadas hasta que, finalizada la guerra, se reanudaron las nuevas intervenciones de restauración, adecuándolo para nuevos usos. El castillo Esta fortaleza es de planta trapezoidal y está compuesta por cuatro torres y un patio cuadrado. Se accede por un puente levadizo que lleva a un arco jalonado por dos torres por el que se accede al interior, donde se encuentra un patio y las dependencias, todas ellas levantadas sobre los restos que quedaban durante la restauración realizada entre 1939 y 1942. El acceso a estas dependencias está decorado por una portada gótica que es un vaciado de la que ordenó realizar Beatriz Galindo “La Latina”, para un hospital madrileño, una portada que hoy se encuentra ignorada en la Ciudad Universitaria de Madrid. La torre del homenaje es, sin lugar a dudas, uno de los elementos más llamativos del castillo. Con sus casi cuarenta metros de altura y de planta cuadrada, está rematada por ocho torrecillas. El Castillo de la Mota es uno de los castillos más importantes de Castilla, fue uno de los objetivos de los realistas en el levantamiento de los comuneros. En él vivió durante un largo tiempo Juana la Loca y también fue prisión para numerosos personajes ilustres, como César Borgia o Diego Hurtado de Mendoza. En la actualidad, desde 1942, el castillo es una escuela de formación y un atractivo reclamo turístico para todo aquel que quiera adentrarse en estas tierras castellanas repletas de historia. www.castillodelamota.es
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| PERSONAJES |
JUAN ANTONIO CASADO El Jugador de Ajedrez ________ POR: RAMÓN RIVAS | FOTOS: VÍCTOR CUCART
Juan Antonio Casado es una de las cabezas visibles de la productora independiente de cine Ishtar Films que, tras un trabajo meticuloso, ha logrado hacer realidad un proyecto, la adaptación al cine de la novela El Jugador de Ajedrez, del escritor Julio Castedo. La película, a la que auguramos un éxito seguro, no sería una realidad sin el tesón y la tenacidad de Juan Antonio Casado, productor de la misma. Posiblemente la labor del productor de cine sea la menos conocida por estar siempre detrás de la pantalla, por este motivo hemos hablado con él, para descubrir lo que no se ve en la pantalla y, por supuesto, de esta gran película, en esta entrevista.
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Juan Antonio, llevas muchos años en el mundo de cine, ¿en qué proyectos has trabajado? La verdad es que llevo algunos años participando en proyectos, algunos de ellos internacionales, pero mi primera película como productor, mi opera prima, es El Jugador de Ajedrez, a través de mi Productora ISHTAR FILMS. Han sido ocho años de duro trabajo, un recorrido largo, no exento de dificultades como productor independiente, hasta que se materializó El Jugador de Ajedrez. El productor es una parte fundamental y, la mayoría de las veces, es la persona más anónima en el mundo del cine, ¿cuáles son las principales labores de un productor? Creo que ser productor en España es una profesión de riesgo, se necesita visión para elegir de entre las miles de historias que nos presentan, la que se adaptaría mejor al cine o la televisión, y que podría ser un éxito comercial. Además, somos una de las piezas fundamentales del complejo engranaje del cine, porque nuestra tarea consiste, en primer lugar, en reunir la financiación. Pero no sólo eso, también somos responsables de crear una estructura que permita desarrollar el proyecto con los mejores profesionales del sector: director, actores y equipo técnico, maquillaje y peluquería, decorados y ambientación, técnicos de luces y sonido y un largo etcétera, en definitiva, todos los elementos que ayudan a construir una historia y hacerla creíble. Ahora mismo estás preparando el estreno de la película El jugador de Ajedrez, película que has producido y que se estrenará en mayo. ¿Cómo se gestó este proyecto? Curiosamente, fue en un banco, el lugar donde los productores pasan buena parte de su tiempo. La directora de mi sucursal bancaria, que conocía mis inquietudes, me puso en contacto con el autor de la novela El Jugador de Ajedrez. Cuando la leí, me enamoré de los personajes y tomé la decisión de llevarla al cine. La película es una adaptación de la novela homónima de Julio Castedo ¿Cómo ha sido la relación entre el escritor y la dirección de la película? Siempre se producen discrepancias entre los artistas, las personas que se dedican a la creación o a narrar historias.
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En este sentido, el escritor y el director no son una excepción. Pero tanto Julio Castedo, escritor y guionista, como Luis Oliveros, el director de la película, son dos personas con la suficiente inteligencia y sensibilidad como para saber valorar el trabajo del otro. Además, compartían un objetivo común: construir un producto de calidad, que emocione al espectador. ¿Cuál es la trama principal de la película? El Jugador de Ajedrez es una historia de supervivencia ambientada en la Segunda Guerra Mundial, en la Francia ocupada por los nazis. Un campeón de ajedrez español, casado con una periodista francesa, decide trasladarse a París con la familia, en busca de una vida mejor. Allí debe enfrentarse a duras pruebas y al sabor amargo de la traición. La película está producida por Ishtar, la productora independiente en la que trabajas, aparte del tema económico, ¿cuáles han sido los mayores retos y obstáculos en la producción de esta película? En España el cine está dominado por las principales cadenas de televisión. Sin su apoyo, dificilmente se puede sacar adelante un producto. En nuestro caso, hemos contado con la participación de Televisión Española y Telemadrid. Tampoco es fácil convencer a las distribuidoras de que el cine español interesa a los espectadores, y que se están haciendo películas de una calidad extraordinaria. Siempre se decantan por el producto americano, producciones más caras y que entienden que serán éxitos asegurados en taquilla. ¿Dónde se ha rodado la película? El Jugador de Ajedrez se ha rodado principalemente en localizaciones de Canarias y Budapest. Magnificos escenarios donde, tanto el director como el equipo artístico, han conseguido recrear el Madrid de los años 40 o el París de la Segunda Guerra Mundial. ¿Es más fácil rodar fuera de España? Algunos países europeos, entre ellos Hungría, ofrecen muchas facilidades para los rodajes, e incentivos fiscales para los implicados. Creo que España es un país con una gran variedad de paisajes, escenarios y con un clima privilegiado, y que no hemos entendido todavía el beneficio
Foto: Manolo Pavรณn
a nivel turistico y economico que supone ser escenario de rodajes, tanto para series de televisión como para el cine. Por ponerte algunos ejemplos, la Plaza de España de Sevilla es mundialmente conocida desde que se decidiera rodar en ella una de las películas de Star Wars, y Gerona se ha convertido en lugar de peregrinación para los miles de fans de Juego de Tronos.
Me siento especialmente orgulloso de haber descubierto para el cine el increíble talento de este compositor que consigue transmitir el alma de la historia y emocionar al espectador. Alejandro Vivas ha contado con el apoyo de la Orquesta Metropolitana de Madrid, dirigida por Silvia Sanz, y de la Orquesta Filarmónica de Budapest, con la que se grabó la música.
La película cuenta con un elenco espectacular, háblanos de sus personajes y de cómo fue el proceso de selección. Marc Clotet que trabajó en series como Física y Química, El Comisario, Amar es para siempre, o más recientemente en El Caso, y una nominación al Goya como Actor Revelación por su trabajo en La voz dormida de Benito Zambrano, está perfecto en el papel del protagonista, el Jugador de Ajedrez, Diego Padilla, comparte muchas escenas con su buen amigo Javier, personaje interpretado por Alejo Sauras (Al salir de Clase, Los Serrano). Y cierra el trío Melina Matthews, que es conocida por todos por su reciente papel en la serie El Príncipe y que interpreta a la periodista francesa. Los actores alemanes: Mike Hoffmann, Stefan Weinart o Maarten Dannenberg nos ofrecen interpretaciones brillantes del sadismo nazi, y Andrés Gertrudix es Pablo, un gran compañero de celda para Diego Padilla. La verdad es que estamos muy satisfechos con el trabajo de todos ellos y, por supuesto, del director.
Hasta ahora, ¿qué acogida está teniendo la película en los festivales en los que se ha presentado? La película está rodada en tres idiomas: español, francés y alemán, y seguro que esto va a jugar a nuestro favor para que la proyección internacional sea mayor. De momento, El Jugador de Ajedrez se ha presentado a los Festivales de Málaga, Melilla y Houston. Estamos a la espera de que nos confirmen la selección definitiva y las fechas para su presentación, que previsiblemente será en Málaga en el mes de marzo. Es especialmente importante porque Málaga es mi ciudad adoptiva, y que la película se dé a conocer en este festival tiene un gran valor sentimental para mí.
Luis Oliveros es el director de la película ¿cómo se interesó por este proyecto? Luis tiene una larga trayectoria en el mundo del cine. Es buen conocedor del oficio y ha ejercido tanto de ayudante de dirección como de director. Consiguió un Premio Ondas por El Ángel de Budapest, producida para Televisión y que logró un gran éxito de audiencia y de crítica. Su experiencia en Hungría le animó a repetir con la productora húngara y a recrear de nuevo El Jugador de Ajedrez en Budapest. Espero que tengan la oportunidad de juzgarlo cuando vean la película, pero creo que ha hecho un excelente trabajo.
¿Cuándo se estrenará oficialmente en España? El estreno está previsto el primer fin de semana de mayo, el día 5 de mayo. El cine español parece que empieza a remontar de su particular crisis ¿es un buen momento para nuestro cine? Sinceramente, espero que lo sea, porque eso nos beneficiaría a todos. Desde luego contamos con grandes profesionales, pero estamos todavía lejos de la forma de entender el cine de otros países, como Estados Unidos, o Francia, que lo consideran una industria y potencian la cultura del mecenazgo. Juan Antonio, muchas gracias por tu tiempo y felicidades por este gran trabajo. www.eljugadordeajedrez.com
La banda sonora es una parte fundamental de la película, háblanos de ella. No concibo la historia de El Jugador de Ajedrez sin la extraordinaria banda sonora creada por Alejando Vivas.
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| ARTE |
PACO MONTAÑÉS Entre Oriente y Occidente EMNMM - 53
_______ POR EMNMM
Paco Montañés es un artista multidisciplinar nacido en Alcalá la Real ( Jaén). Formado en la Facultad de Bellas Artes Alonso Cano de Granada, obtuvo una beca de residencia en la ciudad de Osaka, antes de acabar la carrera que marcó profundamente su trayectoria artística. Sus experiencias e influencias adquiridas entre el arte occidental y el oriental, se plasman en la mayoría de sus obras, creando piezas únicas donde ambas culturas parecen estar unidas entre sí en una perfecta armonía. Paco Montañés es un artista que domina a la perfección su trabajo, por este motivo, para conocer un poco mejor la obra de este genial artista, hemos hablado con él en esta entrevista.
Paco, estudiaste Bellas Artes en Granada pero antes de finalizar la carrera obtuviste una beca para estudiar en Japón ¿qué supuso para tu carrera esta beca? Pasar, con veintiún años, de estar en Granada a vivir en Osaka fue muy importante para mí. Todas las semanas iba a Kioto y Nara, entraba a cada templo, santuario, mercado… a observar con atención para comprender a través de la vista. La comunicación verbal en la mayoría de los casos era complicada o imposible; eso favoreció de manera natural mi desarrollo de la capacidad de análisis de cada gesto de una cultura tan diferente a la nuestra y tan extremadamente sutil como la japonesa. Todo esto iba impregnando mi sensibilidad y mi trabajo. ¿Cuáles fueron las técnicas artísticas que más te llamaron la atención durante tu estancia en Japón? Tuve un maestro de caligrafía, Junji Nishiyama, él no hablaba inglés y mi japonés era demasiado básico, me sentaba en silencio a su izquierda
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para ver cómo ejecutaba los trazos del kanji, después lo hacía yo, con sus breves indicaciones, y así durante meses. La precisión requerida en cada movimiento del pincel exigía una concentración superior a lo acostumbrado en Europa, esta disciplina mejoró mi capacidad de concreción a la hora de pintar. Los viajes parecen ser una de tus fuentes de inspiración ¿qué es lo que te inspira a la hora de realizar tus obras? Después de Japón vino China, Estados Unidos, India, Méjico, Tailandia… en cada país llevaba a cabo un proyecto diferente, profundizando en el estudio de las obras de los maestros antiguos de cada cultura. En muchos casos buscaba el aprendizaje con maestros locales de las técnicas particulares del país; esto creó una dinámica fértil de trabajo con la continua adopción de conocimientos que generaban obras con doble raíz: partiendo de la base del arte europeo que se enriquecía con los nuevos aportes de cada viaje.
¿Qué es lo que más te seduce del arte asiático? Pasé mucho tiempo estudiando los biombos en Japón, la combinación de los espacios vacíos, tan poco frecuentes en la pintura europea, la sencillez e inteligencia de aquellas composiciones me fascina, solo decían lo necesario de un modo muy refinado. Eres un artista plástico bastante completo y utilizas diversos materiales y técnicas. Gran parte de tu obra se centra principalmente en el retrato ¿por qué el retrato? Siento una atracción constante que me hace mirar al otro con interés, por la vida que cada uno guarda y puede enseñar. A través del retrato, este acercamiento se hace mucho más intenso y puedo encontrar lo que nos une, independientemente de orígenes o rasgos. En la pintura y el dibujo utilizas todo tipo de materiales ¿cuáles son las técnicas que prefieres? Estudio continuamente a los maestros antiguos para comprender el modo de hacer en las diferentes técnicas y estilos. Para cada nuevo modelo, no siempre es adecuada la misma técnica, por eso la capacidad y diversidad en el uso de materiales diferentes consigue que el retrato se acerque más a la esencia de la persona. También trabajas la cerámica ¿cómo te iniciaste en esta técnica? Hace diez años comencé en Alcalá la Real, donde nací, un aprendizaje en el taller de Salvador Ruiz, maestro en la cerámica Fajalauza, el estilo tradicional granadino. Allí fui comprendiendo las claves de la pintura sobre el barro, que resultaba ser coincidente en cuanto a la precisión del trazo con lo aprendido con la caligrafía en Japón. Desde entonces se han desarrollado varios proyectos en torno a la cerámica, siendo
mis dos estancias en la ciudad china de Jingdezhen, cuna de la porcelana, momentos claves para la producción de obra dentro de este campo. Llama la atención la fusión artística entre Oriente y Occidente de tus trabajos, especialmente en la cerámica y en la porcelana. Háblanos de las técnicas que utilizas en estos trabajos y su proceso. Las piezas de China y Tailandia tienen la particularidad de ser realizadas con una sola cocción, por lo que la pintura se realiza sobre el barro seco. Esto supone que la pintura, con base mineral, cuando toca la superficie de la pieza, queda absorbida y ya no admite retoque, por lo que la precisión en el planteamiento y la ejecución debe estar muy clara desde el principio. Esto supone un reto durante todo el proceso. ¿Trabajas otras disciplinas como la escultura? La escultura aparece en mi trabajo de modo intermitente y con piezas pequeñas, como toda la serie de retratos de China en 2014. Se trata de objetos que uno puede guardar entre sus manos y disfrutar en la intimidad. ¿Qué proyecto estás realizando en este momento? En el estudio el visitante puede percibir que siempre hay trabajo en marcha, con diferentes temáticas, formatos y técnicas. El retrato es un continuo a través de los encargos, que llenan el espacio junto a nuevos dibujos que cobran vida tras la llegada de viajes recientes como ahora, de Roma y Nueva York. ¿Tienes prevista alguna exposición? Después del verano en Bruselas, en la galería Antoine Ritsch-Fisch. www.pacomontanes.com
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Foto: Carlos José Pérez
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| FOTOGRAFÍA |
JULIÁN CONTRERAS
Contando historias
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_________ POR EMNMM Julián Contreras es un fotógrafo murciano cuyas obras se podrían enmarcar en la fotografía costumbrista y etnográfica. Sin artificios, Julián Contreras es un fotógrafo capaz de plasmar los instantes de la vida de forma magistral, por ello hemos hablado con él en esta entrevista. Julián, en alguna ocasión te has definido como un fotógrafo autodidacta ¿cómo te iniciaste en el mundo de la fotografía? Tenía cinco años cuando los Reyes Magos de Oriente me regalaron mi primera cámara fotográfica y desde entonces, fui cautivado por este apasionante mundo. En aquella época no se realizaban cursos ni talleres, ni siquiera se estudiaba fotografía en la Universidad. Mi aprendizaje fue ir a la biblioteca para ver y leer libros sobre fotografía, aprender de los demás fotógrafos y, sobre todo, tomar fotografías. Todavía sigo en proceso de aprendizaje. Gran parte de tu trabajo se podría enmarcar en el reportaje y en la fotografía costumbrista, ¿qué es lo que más te interesa a la hora de realizar una serie fotográfica? Contar una historia, la que sea, y que cada espectador la interprete a su manera. No busco una fotografía bonita. Ni siquiera sé hablar de mis fotografías, son ellas las que tienen que hablar. El blanco y negro, así como la escasa manipulación fotográfica que se adi-
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vina en tus trabajos, son algunos de los elementos más impactantes ¿por qué este recurso? No se necesita nada más para que una fotografía cuente una historia. Utilizo el blanco y negro porque el mensaje es más directo, el color despista. ¿Utilizas sólo luz natural? Siempre. La luz artificial no es honesta, miente. También se adivina que hay mucho corazón en tus fotografías ¿cómo es el proceso en la preparación de una serie? Además de corazón, también se necesita cabeza y ojo para fotografiar. No lo digo yo, sino Cartier-Bresson. Además el círculo se debe cerrar, es imprescindible que el espectador vea, piense y sienta. Las series fotográficas hacen madurar al fotógrafo. En principio es un reto, para después convertirse en investigación, aprovechamiento de conocimientos y también de aprendizaje. Se debe de planificar, calendarizar, movilizar los recursos necesarios, trabajar duro y sobre todo confiar en uno mismo y contarlo a mi manera.
Espectadores excepcionales
Madre mĂa
En tu opinión, ¿qué es lo que define tu trabajo? Lo que soy. Lo que he vivido: visto, leído y sentido. De los proyectos que has expuesto, hay algunos, como las series fotográficas de Semana Santa, que son realmente espectaculares, háblanos de estos proyectos. La Semana Santa para la mayoría de fotógrafos, como cualquier evento cultural tradicional, es muy apetecible para ser fotografiado. Las procesiones son como una actriz hollywoodiense pletórica de fotogenia, todos los intereses creativos se han dirigido a plasmar su lado más estético. Yo en cambio intenté captar el otro lado menos pomposo de la celebración, la que no es exhibida al gran público, la que se vive entre columnas, capillas y estancias de las cofradías, entresijos de la ceremonia, incluso delante de una fachada desconchada. Este proyecto se tituló La Visibilidad de lo Invisible. La fotografia callejera es otra de tus especialidades, un género más difícil de lo que parece porque no es fácil el captar momentos y en ocasiones es complicado por las personas a las que se retrata. ¿Cómo te enfrentas a estos retos? Yo lo llamo en mis talleres “Ingeniería Social”. La psicología, es probablemente la parte más determinante a la hora de fotografiar personas. El respeto y la tranquilidad son las dos claves en la fotografía callejera. Uno de tus últimos trabajos es un proyecto titulado Igual da, háblanos de este trabajo.
Fue un proyecto para el Festival Mucho Más Mayo de arte en la calle que organiza el Ayuntamiento de Cartagena. Consistió, en un mural fotográfico de 15x2 mts situado a pie de calle con retratos a ocho parejas de distintas edades, profesiones y aficiones a las que digitalmente les intercambié las cabezas. El género humano es propenso a juzgar por el aspecto exterior de la persona. Los prejuicios no sólo aparecen por la apariencia personal, sino también por edad, sexo, raza y condición social. Además de la fotografía, también te dedicas a la docencia ¿no es así? ¿Dónde impartes tus talleres? Me gusta compartir lo poco que sé, además también se aprende de los alumnos. La docencia siempre es recíproca. He realizado talleres para el Servicio de Empleo y Formación de la Comunidad Autónoma de Murcia, para el programa de Tiempo Alternativo del Ayuntamiento de Cartagena, así como a la mayoría de asociaciones fotográficas de la Región de Murcia. ¿En qué proyecto estás trabajando en este momento? Trabajo siempre con varios proyectos a la vez, algunos verán la luz y otros no. ¿Tienes prevista alguna exposición para este año que acabamos de comenzar? De momento no.
www.juliancontreras.es
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Praga. 2013
Estambul. 2012
MOONLIGHT El 10 de febrero llega a nuestros cines la película Moonligth, una personal y poética reflexión del director de cine Barry Jenkins sobre la identidad, la familia, la amistad y el amor. Esta película fue recientemente premiada con el Globo de Oro a Mejor Película (drama). Moonlight es una historia atemporal de relaciones humanas y autodescubrimiento que narra la vida de un joven que crece en los suburbios de Miami, desde su infancia, hasta la edad adulta. Un retrato vital de la vida afroamericana contemporánea que resuena por su profundidad y sus verdades universales. Básicamente, es una historia sobre la masculinidad y cómo se expresa en un entorno específico como el barrio de Liberty City en Miami, donde fue rodada la mayor parte de la película. Allí, la vida criminal se mezcla con la vida cotidiana y las figuras paternas adquieren esa ambigüedad. Básicamente, Moonlight es una historia sobre la masculinidad y cómo se expresa en un entorno específico como el barrio de Liberty City en Miami, donde fue rodada la mayor parte de la película. Allí, la vida criminal se mezcla con la vida cotidiana y las figuras paternas adquieren esa ambigüedad. Gracias a las extraordinarias interpretaciones de un elenco formado por Naomie Harris (Skyfall), André Holland (42, The Knick), Mahershala Ali (Los hombres libres de Jones, House of Cards), Alex R. Hibbert y Janelle Monáe (Figuras ocultas), junto a Trevante Rhodes (Westworld), Ashton Sanders y Jharrel Jerome y a la singular y sorprendente visión de Barry Jenkins (Medicine for Melancholy), la película se convierte en un retrato de momentos, personas y fuerzas desconocidas, que conforman nuestra vida y nos hacen ser quienes somos. Moonligth es una película que ha recibido importantes galardones, como el premio a la Mejor película dramática concedido por la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood, considerada la antesala de los Oscar, además de 8 nominaciones a los Oscar.
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| CINE Y TV |
LAND OF MINE Bajo la arena
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| CINE Y TV |
En las postrimerías de la Segunda Guerra Mundial, un grupo de alemanes prisioneros de guerra, muchachos más que hombres, se ven obligados por el ejército danés a llevar a término un trabajo suicida: desactivar y retirar las minas de tierra dispuestas a lo largo del litoral danés. Con escasa o nula experiencia, los chicos descubrirán pronto que la guerra está lejos de acabarse. Inspirada en hechos reales, Land of Mine. Bajo la Arena narra los desconocidos acontecimientos de un momento trágico de la historia de Dinamarca. Pocas películas abordan en detalle las inmediatas consecuencias que supusieron el conflicto y la ocupación en la Segunda Guerra Mundial. Tras seis años de conflagración y terror, la línea entre el bien y el mal ha desaparecido. Land of Mine. Bajo la Arena, el nuevo y sorprendente film del director danés Martin Zandvliet, expone la hasta ahora ignorada historia del momento más oscuro de Dinamarca. Durante los días posteriores a la rendición del ejército nazi, en mayo de 1945, a los prisioneros de guerra alemanes retenidos en Dinamarca se les obligó a trabajar para las fuerzas aliadas. Con escasa o ninguna experiencia en la desactivación de explosivos, se los envió a retirar más de dos millones de sus propias minas terrestres esparcidas por la costa oeste del país. En el curso de este proceso, más de la mitad de ellos perecieron o quedaron gravemente heridos. Zandvliet vierte luz sobre esta tragedia histórica a modo de brecha de entrada a una historia llena de odio, venganza, reconciliación y amor. Los ojos de estos prisioneros alemanes, Sebastian, Helmut, Ludwig, los gemelos Ernst y Werner, y Wilhelm expresan confusión, miedo y derrota. Lleno de desprecio para con los alemanes que ocuparon su país durante cinco años, y decidido a castigar lo que ha quedado del régimen nazi, el obstinado sargento Rasmussen (Roland Møller) envía cada día a su pelotón a las dunas empujándolos hacia las minas. Este trabajo que parece no tener fin pronto deviene una carnicería; e incluso Rasmussen acaba por tener sensaciones e intenciones encontradas hacia sus jóvenes prisioneros. Land of Mine. Bajo la Arena habla de las consecuencias de la guerra; pero aún más, de humanidad. Zandvliet se ha topado con un material del todo absorbente para su relato de camaradería, supervivencia, e inesperada amistad. Se interroga acerca de la existencia del posible mal inherente a nuestra naturaleza. Pero, ¿es posible llegar a mostrar simpatía por aquellos que representan el horror nazi? Land of Mine. Bajo la Arena está entre las 5 películas nominadas a los Oscar en la categoría de Mejor Película de Habla no Inglesa representando a Dinamarca. Los ganadores se darán a conocer el próximo 26 de febrero en la Gala de la 85ª edición de los Premios de la Academia de Hollywood. Estreno 10 de Marzo
ĂšLTIMO TREN A TREBLINKA Del 1 al 12 de febrero Sala Cuarta Pared www.cuartapared.es
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ÚLTIMO TREN A TREBLINKA Miércoles 5 de Agosto de 1942. Varsovia. Un orfanato con 200 niños judíos, liderado por el Doctor y pedagogo Kòrczak que, junto con su inseparable colaboradora Stefania Wilczynska, formó allí una verdadera república infantil. Trabajando mano a mano con los niños creó una Constitución con sus leyes, reglamentos, y también un Código Penal. Vaivén Producciones presenta Último tren a Treblinka, una idea original de Ana Pimenta y Fernando Bernues basada en la historia del orfanato varsoviano que regentaba Janusz Korczak, doctor y pedagogo judío. El espectador será espectador a la vez que se podrá identificar con uno de esos doscientos niños estando sentado en una de sus camas literas. Conocerá su último día en este orfanato, siendo así partícipe directo de su organización interna, sus rutinas diarias, sus relaciones, su búsqueda infatigable de sustento, sus miedos y alegrías. Y serán también testigos del momento en el que reciben la más cruel de las noticias: deben abandonar inmediatamente el orfanato y dirigirse al tren que les conducirá a las cámaras de gas construidas en el campo de concentración de Treblinka, donde los nazis habían exterminado ya a centenares de miles de seres humanos. El espectáculo es un homenaje a estas víctimas y un recuerdo a un Janusz Korczak que luchó hasta la muerte por dignificar la vida de los niños. La producción pretende ser una denuncia que señale con dedo acusador como, todavía hoy, la mayor parte de las víctimas de los conflictos siguen siendo niños, y la mayor parte de los niños siguen siendo víctimas de los conflictos.
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LA CELESTINA Fernando de Rojas Dirección: José Luis Gómez
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Juan Goytisolo sostiene que La Celestina es el primer texto de su tiempo que se escribe sin la bóveda protectora de la divinidad. Las únicas leyes que rigen el universo de ruido y de furia de este texto son las de la soberanía del goce sexual y el poder del dinero. Sujetos a los impulsos de un egoísmo sin trabas, en un mundo en donde los valores consagrados devienen en asuntos mercantiles, los personajes de La Celestina no conocen otra ley que la inmediatez del provecho. Bajo este escenario de pesimismo y claridad, encontramos que la tragicomedia de La Celestina de Fernando de Rojas tiene una terrible vigencia. La importancia que tiene representar una obra clásica -como lo muestra cada temporada la CNTC- no es únicamente el revivir nuestro hilo de tradición dramática, sino el escuchar la evolución de nuestra lengua, revisar nuestras transiciones culturales o resarcir nuestros conflictos sociales. No se trata de un ejercicio de historiografía teatral, sino de vivir esa mágica experiencia de que un texto del pasado nos hable, mejor que nadie, del presente. Esta mágica riqueza está contenida en La Celestina. El sentido trágico que esta obra ha proyectado hasta nuestros días, no se inscribe tanto en la historia del amor desastrado entre dos jóvenes amantes -Calisto y Melibea-, como sí (parafraseando a José Antonio Maravall) en el hondo drama del hombre en lucha contra la enajenación desde el Renacimiento a nuestros días. El individualismo en la era moderna despierta en el hombre la voluntad de hacerse dueño de su propio destino, de asegurarse, como pretenden los personajes de Rojas, un área de autonomía en su vida personal. Aventuro que es ahora cuando se ha alcanzado el resultado del exceso de esa conducta individualista. La Celestina es un tapiz de escenas en el que se hilvana una trama donde las costumbres, relaciones y sentimientos se sopesan con la misma importancia para todos los personajes (amos y criados, prostitutas y damas, padres e hijos,
alcahuetas y señores, hombres y mujeres, jóvenes y viejos) sin someter la profundidad humana a la condición social. Y es por esa dimensión que alcanzan los personajes, que se desarrolla un complejo tejido urbano en donde las tensiones, los intereses y las complicidades caminan por las calles de la ciudad, enredando la circulación entre el espacio público y el espacio privado. La Celestina es la tragicomedia de la que se comprende toda experiencia humana adscrita a un cuerpo social. Y este cuerpo muestra dos caras opuestas: Pleberio y Celestina. Pleberio, por un lado, cree en el orden del mundo; cree en el hombre de ley y de razón y en una sociedad de valores elevados y virtudes. Celestina, por otra parte, confía en el desorden; conoce el egoísmo en el hombre y la fuerza de su capricho y cree en una sociedad de vicios e intercambios mercantiles. Las dos caras de este cuerpo sustentan su apuesta en la palabra: para Pleberio, la palabra libera, sana y eleva el alma humana; para Celestina la palabra encadena, daña y aterriza la bajeza de los instintos. Dramáticamente, con una misma lengua se representan mundos opuestos. La modernidad escénica de Celestina estriba en hacer visible este doble gesto. Celestina es una obra que se escribe en escena. La acción dramática acontece en movimiento: callejeando, susurrando, dudando y haciendo. El argumento se espesa mientras a todos los personajes, independientemente de su posición social, se les da voz, tiempo y espacio para mostrarse en su dimensión más profundamente humana. La urdimbre teatral toma la forma de su propio vaivén; para darle vida y dimensión basta que el director de escena sepa tejer voluntades con un hilado hechizado; basta que ese director entre en vigor y que sea Celestina. LA CELESTINA Teatro de la Abadía Sala San Juan de la Cruz Hasta el 26 de febrero
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Foto: MonAlma
| MÚSICA |
RED BEARD All or Nothin’
Foto: MonAlma
Red Beard, banda de música que lidera Jaime
más clásico, como puede percibirse en el
Jiménez, estrena su tercer álbum que lleva
tema Something Real”, explica Jaime Jimé-
por título All or Nothin . La formación sur-
nez. Con el nuevo año, Red Beard llevará su
gida en 2013 en Gran Canaria endurece el
propuesta a distintas ciudades de nuestro
sonido alrededor del country y western que
país, además de dar el salto internacional,
les ha acompañado desde sus inicios, con un
visitando Estados Unidos y Europa.
trabajo que se acerca más al rock que los dos anteriores, fruto de la incorporación de un
Red Beard, es una de las bandas canarias con
batería. Nobody’s Gonna Bring me Down I
mayor proyección en el escenario nacional,
y II marcaron una primera etapa de notable
integrada por Juanma Barroso, Aly Butler,
actividad en la historia de Red Beard. Tras
Marcial Bonilla y Álvaro Betancor. A lo
una intensa itinerancia nacional durante
largo de su carrera musical, Red Beard ha
2015 y 2016, ahora llega el turno de dar a
viajado cuatro veces por todo el país, tocando
conocer el tercer álbum, All or Nothin’.
en festivales de música de renombre como WOMAD o Country Boots Festival,
Este nuevo trabajo es un concepto que no se
actuando con artistas como Javier Vargas
desvía en exceso del surco labrado con los
(Vargas Blues Band) y Santiago Campillo
discos anteriores, aunque las diferencias, que
(M-Clan) y recorriendo Guinea Ecuatorial.
las hay, afloran en una primera escucha. La
Con este nuevo trabajo, pretenden dar un
incorporación de la batería le otorga una
paso más para convertirse en una de las gran-
robustez que se antojaba necesaria en los
des bandas a nivel internacional.
temas primarios de Red Beard. Siguen estando presente los ecos de Johnny Cash y
www.theredbeardmusic.com
de Ennio Morricone, y por supuesto The Allman Brothers Band y todo lo que fluye en ese amplio campo llamado American music, al que llegaron para quedarse. “Teníamos
Próximas actuaciones: 02 Marzo - Madrid - Sala Sol
claro que en este álbum tenía que haber cosas
03 Marzo - Vitoria - Hell Dorado
de los discos anteriores, algo de western, y de
04 Marzo - Gijón - Sala Acapulco
country, aunque nos hemos lanzado más
05 Marzo - Bilbao - Sala Satélite T
hacia el rock sureño e incluso hacia el rock
09 Marzo - Louisiana (EEUU)
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Peter Lindbergh. A Different Vision On Fashion Photography Una mirada única a la moda de la que nacieron las supermodelos. Cuando el fotógrafo alemán Peter Lindbergh retrató a cinco jóvenes modelos en el centro de Nueva York en 1989, creó no sólo la emblemática portada de enero de 1990 para la versión británica de Vogue, sino que firmó el certificado de nacimiento de las supermodelos. La imagen no se limitó a reunir por primera vez cinco rostros venerados, sino que marcó el inicio de una nueva era en la moda y una nueva manera de comprender la belleza femenina. Peter Lindbergh Editorial Taschen 524 Páginas 9783836552820
Leer Leer, de André Kertész, es uno de los libros de fotografía más importantes del siglo XX. Un libro que ha sido imitado hasta la saciedad, pero único: éste es el original y ninguna imitación tiene su calidad ni su encanto. Un libro que narra de otro modo: con imágenes. Más de cuarenta años después de su primera y celebrada edición en inglés, este clásico de la fotografía se publica por primera vez en castellano con un prólogo escrito para la ocasión por Alberto Manguel y una nota de Robert Gurbo, experto en la obra de Kertész. En las fotografías, tomadas entre 1915 y 1970, Kertész capturó a lectores de toda condición en momentos intensamente personales en cualquier lugar imaginable: azoteas, parques públicos, calles abarrotadas… Tal vez en memoria de su difunto padre, que era librero, o porque entendía profundamente la naturaleza transformadora de la palabra impresa, Kertész empezó a fotografiar a personas absortas en la lectura tan pronto como comenzó a tomar fotos; un tema que siguió intrigándolo mucho más tarde, ya en París o en Nueva York, incluso en sus viajes por todo el mundo. Las imágenes de este apasionante libro celebran el poder absorbente y el placer de esta actividad solitaria, y hablarán tanto a los fans de la fotografía como a los de la literatura. André Kertész Periférica & Errata naturae 80 Páginas 978 8416291397
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| LIBROS |
Efecto dominó Por una imprudencia, el joven Nano Mosconi acaba en la temida prisión de Marveil. Aterrado y desesperado pide a su hermana Alex que haga lo imposible por sacarlo de allí. Ella presiona al abogado de la familia, quien le propone un plan sorprendente. Aunque podría funcionar. Mientras, en la subdirección de la policía judicial del departamento de Sena-Saint-Denis, más conocida como la SDPJ93, el capitán Victor Coste y su equipo reciben el aviso del secuestro de un chico joven. Dos piezas sin relación entre sí han caído y desatarán un efecto dominó de consecuencias imprevisibles. Olivier Norek Grijalbo 384 Páginas 9788425354847
El arca de Neé. Plantas recolectadas por el Botánico Cuando Luis Neé fue contratado como botánico expedicionario, hacía lustros que se ganaba la vida caminando por la Península juntando plantas. Las tierras de Algeciras, Asturias, Campo de Gibraltar, Castilla, Galicia, Navarra y Santander constituyeron el particular teatro de operaciones de este francés naturalizado, procedente de Perrary, pueblecito cercano a París. Muchos de los ejemplares recolectados acabaron en las estanterías del Real Jardín madrileño. Estuvo a un tris de alcanzar la gloria cuando Mauricio Echandi, protomédico de Navarra. Le propone incorporarse al jardín botánico proyectado en la ciudad de Pamplona. Allí marchó en agosto de 1784 con el pomposo título de “demostrador de botánica”. Desafortunadamente, la empresa fracasó. El año 1785 visita la localidad navarra de Roncesvalles. Su tesón tuvo premio. Andrés Galera Gómez CSIC 444 Páginas 9788400100834
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| EXTRAÑO Y CURIOSO |
EL MUSEO DEL ORINAL Perico, dompedro, bacín o bacinilla son algunos de los nombres que a lo largo de la historia se han dado al orinal, un objeto que servía para aliviarse y que en el pasado era muy popular, tanto o más que los entrañables botijos.
________ POR: EMNMM | FOTOS: CORTESÍA MUSEO DEL ORINAL
Los tiempos modernos trajeron el agua corriente a las todas las casas y con ella, la instalación de retretes que, poco a poco, fueron condenando al orinal a su desaparición. Hoy es raro encontrar uno de estos objetos que en sus mejores tiempos estaban realizados en todo tipo de materiales, dependiendo del nivel económico y social del usuario, pues también para el acto íntimo de defecar había clases. En el municipio salmantino de Ciudad Rodrigo se encuentra un curioso museo que atesora toda una colección de orinales y que, como no podía ser de otra manera, se llama el Museo del Orinal y que se encuentra ubicado en un edificio del siglo XVIII, que fue parte del Seminario Diocesano de San Cayetano. La colección La colección de orinales surgió de forma casual gracias a José María del Arco, coleccionista compulsivo que comenzó a coleccionar estos objetos a principios de los años ochenta del siglo pasado, tras el hallazgo de un baúl con viejos orinales encontrados por casualidad durante unas obras de reforma en el Hospital de la Pasión de Ciudad Rodrigo. Conocido por su afición al coleccionismo, le avisaron del hallazgo, salvando así a los viejos orinales de acabar en una escombrera. Desde entonces, su afición por este curioso objeto fue en aumento, así como la colección, que crecía con nuevas incorporaciones gracias a los amigos y familiares que le regalaban nuevas piezas, también con la compra de otros orinales, cuñas y escupideras en mercadillos y en subastas.
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El Museo La creación de este singular museo, es obra del incansable trabajo y tesón de José María del Arco -quien hizo todo lo posible para mantener esta colección en su ciudad natal- y de su familia, que a lo largo de los años han puesto todo su empeño en este museo, del que sólo existen dos en todo el mundo dedicados al orinal, uno está en Alemania y el otro en Ciudad Rodrigo. El museo alberga una importante colección cuyas piezas se encuentran repartidas en ocho salas. Cuenta con más de 1.300 orinales y alrededor de 300 escupideras procedentes de casi una treintena de países y realizados con todo tipo de materiales. Una de las piezas más llamativa es un bacín islámico del siglo XII decorado que, posiblemente, sea la pieza más importante por su antigüedad y que es muy similar a otro que se muestra en el Museo Arqueológico de Córdoba. También hay orinales valiosos por su antigüedad y por los materiales con los que están realizados, como un orinal de época colonial española realizado en plata sólida de más de un kilo de peso. En las vitrinas del museo se muestran todo tipo de piezas, la mayoría de ellas realizados en cerámica y procedentes de todo el mundo; desde la lejana China, hasta la cercana Inglaterra, de donde proceden muchos de los orinales de la colección. El Museo del Orinal es sin lugar a dudas uno de los museos más curiosos y originales de España pero es también un trozo de historia recuperado gracias a José María del Arco, un personaje admirable cuya labor filantrópica merece la pena destacar.
www.museodelorinal.es
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| ESPACIOS Y PROPUESTAS |
SAN VALENTÍN EN EL WELLINGTON
El Hotel Wellington es uno de los hoteles de 5 estrellas más emblemáticos y reconocidos de Madrid, lleva desde 1952 representando la elegancia, el confort y la más alta gastronomía. La calidad de la tradición hotelera más clásica adaptada a las necesidades del cliente actual. Su decoración y el cuidado en los detalles permiten al visitante disfrutar de una estancia inolvidable y personalizada. Cuenta con 250 habitaciones de estilo clásico y elegante, de las cuales 26 son suites dotadas de las tecnologías más vanguardistas, para una estancia lo más agradable y cómoda. Este emblemático hotel está situado en el señorial Barrio de Salamanca, a escasos metros del Parque del Retiro y a tan solo unos minutos de las más lujosas tiendas de la Milla de Oro de Madrid y del conocido Triángulo del Arte: el Prado, el Thyssen y el Centro Nacional de Arte Reina Sofía. Con su exquisita y variada oferta gastronómica y fiel a su tradición, el Hotel Wellington celebra un año más San Valentín de una forma inolvidable. Este año lo hace por partida doble: el sábado 11 de febrero con una Cena-Baile a ritmo de jazz y swing con la actuación del septeto Copa Ilustrada Band y el martes 14 de febrero con una cena amenizada con música de piano en directo en la noche más romántica del año. Una cena a la luz de las velas en el salón Duque de Wellington, especialmente decorado para un velada muy romántica, amenizada por una agradable música en directo mientras se disfruta un excepcional menú diseñado por el Chef Javier Librero. El plan perfecto para celebrar San Valentín en Madrid.
Hotel Wellington Velázquez, 8 28001 Madrid www.hotel-wellington.com
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| COMER |
LEVÉL VEGGIE BISTRO Sabor vegano _______ POR CARMEN MARTÍNEZ DE ARTOLA
En una ciudad como Madrid cabe todo y desde que tenemos memoria hemos visto y probado algunos, que no muchos, restaurantes vegetarianos. Generalmente lugares en los que evitar la proteína animal con cierto disimulo y en ocasiones con un apartado en la carta para los que sí querían comer carne. Con el tiempo los conceptos han ido evolucionando y para muchos se impone el veganismo. Una alimentación que se aleja de cualquier producto de origen animal. Una filosofía de vida que cada vez tiene más adeptos y que ha provocado la aparición de nuevos negocios. Modos de vida como el que hoy nos ocupa. El de Fabrizio, Julie y su Levél Veggie Bistro.
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Está situado en un cómodo y cuidado local frente al Parque del Retiro. Cálida y actual decoración que cuenta con una pequeña zona de barra, terraza acristalada y un acogedor salón principal. En la carta, no muy larga pero con propuestas muy apetecibles, dos tipos de elaboraciones: veganas y crudiveganas. Las primeras, como hemos dicho son recetas en las que no se incluye absolutamente nada de origen animal. A su vez, las crudiveganas son preparaciones en las que nunca se superan los 40 o 42 grados, la temperatura máxima que alcanzan las plantas al sol, según nos explican. De esta manera los alimentos mantienen todas sus propiedades nutrientes y, además, al ser procesados de forma muy lenta se concentran de forma notable. Para cocinar técnicas como la deshidratación o la fermentación son fundamentales. ELABORACIONES AL MOMENTO Levél Veggie Bistro todo lo elaboran allí y al momento excepto el pan ecológico que compran a una empresa de confianza. Todo con la mejor materia prima como base y el sabor como resultado final. La oferta se compone de una serie de entrantes como los falafel acompañados de salsa tahin; brochetas de champiñones rellenos de pesto y acompañados de verduras asadas; ensalada de quinoa con tomate raf, aguacate, un toque de cilantro, limón recién exprimido y aceite de oliva de primera presión; unos mezze a base de hummus, caponata siciliana, tzatziki y pan de pita; o la crema de calabacín amarillo con jengibre y acompañada de frutos secos tostados con una pizca de canela.
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Por supuesto no faltan los platos fuertes como los spaghetti de calabacín crudo con pesto; tres variedades de makis con alga nori y falso arroz; ratatouille de láminas de calabacín amarillo, calabacín verde, berenjena y tomate aderezadas con hierbas provenzales; el burrito vegetal; y para los que buscan algún recuerdo carnívoro, la hamburguesa Veggie con tomate, lechuga, cebolla caramelizada al oporto, una suave salsa de mostaza y patatas rústicas. En el apartado de postres nos encontramos una tarta de zanahoria con especias y glaseado de coco y vainilla; la tarta de mousse de coco con base de dátiles y pasas, cubierta de crema de cacao puro y coronada con frambuesa natural; o una de las especialidades de la casa, unas finas láminas de fresa ecológica deshidratada rellenas de crema a la vainilla con trocitos de plátano sobre una base de salsa de chocolate. Y para beber cervezas con algunas referencias artesanas y sin gluten, agua de coco, sidra de manzanas del sur del Tirol y una lista de vinos con algunas etiquetas ecológicas.
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SACIANTE Y GUSTOSA COCINA Comenzamos la comida con un aperitivo en forma de crudités con salsa de anacardo y remolacha, pan de cebolla y pan hecho con agua de mar. Seguimos con un gustoso paté vegetal elaborado con brócoli ecológico, tomates secados al sol y especias. Realmente agradable. Muy bien también el Veggie Roll, láminas de zanahoria deshidratadas rellenas de verduras crujientes y salsa de anacardos y limón. Entre los segundos nos quedamos con una estupenda lasagna de calabacín, salsa de tomate deshidratado, y una especie de ricotta y parmesano sin lácteos. Muy agradable también el contundente crepe de garbanzo relleno de verduras de temporada. Y el punto dulce lo pone la Tarta Ramiro, que simula un pastel de queso, pero que en realidad lleva higos, nueces de Brasil y coulis de arándanos. Una forma de comer vegetales tan saciante como sabrosa.
LEVÉL VEGGIE BISTRO Avda. de Menéndez Pelayo 61 28009 Madrid Tlf. 911 27 57 52 www.levelbistro.es
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| AGENDA |
ARTE Y CULTURA
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– Bulgari y Roma (Hasta el 26 de febrero. Museo ThyssenBornemisza) – Carlos III Majestad y ornato (Hasta el 31 de marzo. Palacio Real) – Escher (Hasta el 1 de junio. Palacio de Gaviria) – Ficciones y territorios (Hasta el 13 de marzo. Museo Reina Sofía) – El galeón de Manila (Hasta febrero de 2017. Museo Naval) – Goya. Obra Gráfica (Hasta el 12 de febrero. Museo Lázaro Galdiano) – Hitchcock, más allá del suspense (Hasta el 5 de febrero. Espacio Fundación Telefónica) – Houdini. Las leyes del asombro (Del 10 de febrero al 28 de mayo. Fundación Telefónica) – Inmaculadas (Hasta el 19 de febrero. Museo del Prado) – Maestro Mateo (Hasta el 26 de marzo. Museo del Prado) – Metapintura (Hasta el 19 de febrero. Museo del Prado) – Moda romántica (Hasta el 5 de marzo. Museo del Romanticismo) – Obras maestras de Budapest (Del 21 de febrero al 28 de mayo. Museo Thyssen-Bornemisza) – Patrimonio flamenco (Hasta el 2 de mayo. Biblioteca Nacional) – Philippe Halsman ¡Sorpréndeme! (Hasta el 26 de marzo. CaixaForum) – Los pilares de Europa (Hasta el 5 de febrero. CaixaForum Madrid) – Sorolla en París (Hasta el 19 de marzo. Museo Sorolla) MÚSICA ________________________________________ – – – – – – – – – – – –
Barba Dixie Band (20 de febrero. Clamores) Boogalastic (11 de febrero. Tempo Club) Mr. Black (23 de febrero. Sala Copérnico) Cayman Kings (21 de febrero. Fun House) Cuarteto Gerhard (6 de febrero. Museo Reina Sofía) Daniel Roth (25 de febrero. Auditorio Nacional de Música) Freak Kitchen (4 de febrero. Sala Changó) Helmet (17 de febrero. Sala Caracol) Isasa (24 de febrero. Teatro del Arte) John Mayall (13 de febrero. Teatro Nuevo Apolo) JP Harris & Chance McCoy (17 de febrero. Sala Boite) Kreator (24 de febrero. La Riviera)
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Lazyman (11 de febrero. Café Berlín) Martirio (7 de febrero. Teatro de la Zarzuela) Ming City Rockers (23 de febrero. Fun House) Mísia (21 de febrero. Teatro Nuevo Apolo) Nick Waterhouse (7 de febrero. Teatro Barceló) Peter Harper (4 de febrero. Café Berlín) Rival Sons (10 de febrero. Sala But) Sinkope (17 de febrero. Penélope) State Champs (23 de febrero. El Sol) The Temper Trap (13 de febrero. Sala Arena) Uriah Heep (22 de febrero. Sala But)
ESCENA ________________________________________ – El árbol de Julia (Hasta el 12 de marzo. Teatros Luchana) – Las brujas de Salem (Hasta el 5 de marzo. (Teatro ValleInclán) – La Celia (Hasta el 7 de febrero. Teatro Marquina) – El cartógrafo (Hasta el 26 de febrero. Naves del Español) – Celestina (Hasta el 26 de febrero. Teatro de la Abadía) – Éxtasis (Hasta el 25 de marzo. Teatro Alfil) – Los Gondra (Hasta el 19 de febrero. Teatro Valle-Inclán) – Jardiel, un escritor de ida y vuelta (Hasta el 2 de febrero. Teatro María Guerrero) – Ménage à trois (Hasta el 22 de febrero. Plot Point) – Miguel de Molina al desnudo (Hasta el 20 de febrero. Teatro Rialto) – Pedro y el capitán (Hasta el 18 de febrero. Teatros Luchana) – Romeo y Julieta (Hasta el 12 de febrero. Teatros del Canal) – ¿Quién te cierra los ojos? (Hasta el 22 de febrero. Nave 73) – Sala de juegos (Hasta el 25 de febrero. Nave 73) – Tristana (Hasta el 26 de febrero. Teatro Fernán Gómez) – El turbio caso de Miranda (Hasta el 25 de febrero. Off de La Latina) EVENTOS ESPECIALES ___________________________ – ARCO Madrid 2017 (Del 22 al 26 de febrero. IFEMA) – Art Madrid 2017 (Del 22 al 26 de febrero. Galería de Cristal. Palacio de Cibeles) – Japan Weekend Madrid (11 y 12 de febrero. Feria de Madrid) – JustMad8 (Del 21 al 26 de febrero. COAM)
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2017. Es Madrid no Madriz