Es Madrid no Madriz Magazine

ES Madrid NO MadriZ Magazine

NĂşmero 32 / Marzo 2015

Editorial adrid es una ciudad de contrastes y paradojas, un claro ejemplo de ello es que Madrid no tiene mar pero sí tiene un imponente Faro. Otra paradoja se encuentra a pocos pasos de este faro, se trata de un arco triunfal que no es precisamente el símbolo de un triunfo pero, lo más curioso de todo, es que las dos construcciones son víctimas de un destino común, el abandono y el desafecto de los ciudadanos.

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Tanto el Arco de la Victoria como el Faro surgieron con un mismo fin, convertirse en iconos de la ciudad para mayor gloria de los dirigentes de turno, uno durante la dictadura y el otro ya en democracia. Desde su construcción, tanto el faro como el arco han sido y son un quebradero de cabeza para los gobernantes y un pozo sin fondo para los contribuyentes madrileños que ven, vemos, como las importantes cantidades de dinero público que se destinan al mantenimiento del arco y del faro no reportan ningún beneficio a la ciudad ni a los madrileños.

Recientemente y por enésima vez, el Ayuntamiento de Madrid ha anunciado la apertura al público del Faro este mes de marzo, con objeto de rentabilizarlo y hacer realidad aquello que se dijo de esta construcción el día de su inauguración, que sea uno de los símbolos de la ciudad.

La apertura definitiva del faro y su conversión en un icono de la ciudad es algo que todavía está por ver, lo cierto y verdad es que tanto el Faro como el Arco de la Victoria tienen muchas cosas en común, comparten espacio, un futuro incierto y una realidad, que ninguno es un símbolo de nada bueno.

Ramón Rivas

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Sumario

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Reportaje. UN ARCO, UN FARO Y UN MISMO DESTINO

Madrid Comunidad. EL CASTILLO DE VILLAREJO

Personajes. ANTONELLA BROGLIA

Arte. LIDÓ RICO

Fotografía. JEOSM

Escena. MANUEL GALIANA

Música. VIRGINIA LABUAT

Sumario

NOTICIAS

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Reportaje. UN ARCO, UN FARO Y UN MISMO DESTINO

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Madrid Comunidad. EL CASTILLO DE VILLAREJO

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Madrid Natural. LOS SAPOS DEL ARENAL

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Viajar. MASADA

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Personajes. ANTONELLA BROGLIA

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Arte. LIDÓ RICO

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Fotografía. JEOSM

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Cine. PASOLINI / EL ÚLTIMO LOBO

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Escena. MANUEL GALIANA / TRIGO GÓMEZ

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Música. VIRGINIA LABUAT

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Libros

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Héroes en silencio. AMY & JAYNE MARSHALL

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Tiendas. NUNOS

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Comer. COMER DE CINE

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AGENDA

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EMNMM es una publicación online de carácter mensual web: www.esmadridnomadriz.com Blog: www.esmadridnomadriz.blogspot.com

EQUIPO DIRECCIÓN Y CONTENIDOS Ramón Rivas ramon@esmadridnomadriz.com

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COLABORADORES Antón Pérez Magazine

Carmen Martínez de Artola Marco Alom Ócar Bethencourt Pilar Sarro

IMAGEN DE PORTADA:

MAQUETACIÓN

Introspección

Maite Rivas

Fotografía Negativo B/N, doble exposición impresa plata gelatina 2005

Cortesía: Cinthya de Anda

FOTOGRAFÍA Archivo EMNMM

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Compañía Martes Teatro Ayto. Villarejo de Salvanés Turismo de Israel Ifema Avalon Borderline Music Ministerio de Educación y Cultura Ayuntamiento de Madrid

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Comunidad de Madrid Bar Villa de Verín

Nuevo espacio expositivo en Madrid

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El Ayuntamiento de Madrid y la Fundación María Cristina Masaveu Peterson han firmado un acuerdo para el patrocinio de un nuevo espacio expositivo al aire libre en los Jardines del Descubrimiento de la plaza de Colón, que será dirigido desde el Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa. El convenio ha sido firmado por el presidente de la Fundación María Cristina Masaveu Peterson, Fernando Masaveu y el consejero delegado de Madrid Destino, Alberto Merchante, en presencia de la alcaldesa, el delegado de Las Artes, Deportes y Turismo, Pedro Corral, y el director del Fernán Gómez.

Centro Cultural de la Villa, José Tono Martínez.

El proyecto, aprobado por el Pleno del Ayuntamiento de Madrid en septiembre de 2014 y asignado en gestión directa a la empresa municipal Madrid Destino, tiene como objetivo habilitar el antiguo pedestal de la estatua de Colón para llevar a cabo un programa de escultura pública de gran formato, de carácter temporal.

Una propuesta de alta calidad artística que suma un recurso expositivo más al Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa y contribuye a consolidar esta localización como foco de referencia cultural y turística de la ciudad y como un punto de encuentro estratégico del público madrileño con el arte contemporáneo, en el comienzo del Paseo del Arte.

El acuerdo con la Fundación María Cristina Masaveu Peterson incluye que la Fundación asumirá el coste tanto de las obras de adecuación y habilitación necesarias como el patrocinio de los tres proyectos expositivos que presentará el espacio de 2015 a 2017.

Un programa expositivo de alta calidad artística El programa exhibirá durante periodos de un año una pieza elegida por una Comisión de Selección creada a tal fin. La Comisión estará compuesta por un Comité Institucional, en la que estarán representados tanto el Ayuntamiento de Madrid como la Fundación María Cristina Masaveu Peterson, y un Comité de Expertos de reconocido prestigio en el sector artístico y cultural, seleccionados por ambas partes. En palabras del director del centro, José Tono Martínez, “con este singular proyecto expositivo Madrid se suma otras grandes ciuda-

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des europeas que exponen las propuestas más contemporáneas de arte en los espacios más emblemáticos de la ciudad, como es el caso, por ejemplo, de Londres, y el Fourth Plynth de Trafalgar Square”.

Trabajos de adecuación del espacio La instalación de esculturas de gran tamaño exige una estructura de apoyo y anclaje importante, que resista los esfuerzos sobre todo de viento. Por ello, se realizará una adaptación de la peana existente para eliminar los restos del pedestal y conformar un nuevo plano de apoyo de esculturas a una cota inferior. Al eliminar la peana, se creará un plano libre de apoyo de 8m de diámetro, iluminado, con capacidad para soportar piezas de gran formato.

Por tratarse de un espacio urbanísticamente protegido, las obras formuladas han sido informadas favorablemente por la Comisión Local de Patrimonio Histórico del Municipio de Madrid. Con esta intervención, se equilibra al mismo tiempo la composición original de la Plaza, organizada en torno a un eje diagonal que remataba este punto, y que desde el traslado de la estatua de Colón a su ubicación original en el centro de la glorieta del paseo de la Castellana - Paseo de Recoletos, había quedado descompensada.

Sobre la Fundación María Cristina Masaveu Peterson Creada por María Cristina Masaveu Peterson en el año 2006, los principales objetivos de la Fundación que lleva su nombre son, por un lado, la promoción, difusión, conservación, recuperación y restauración del Patrimonio Histórico Español, de la Música y del Arte en general. Asimismo, promueve igualmente, la formación profesional para jóvenes a través de ayudas y becas, velando por el aprendizaje integral, humano y profesional. Además, la Fundación apoya el avance de la ciencia, a través de ayudas a la investigación.

La Fundación María Cristina Masaveu Peterson realiza actualmente las obras de acondicionamiento de la que será su futura sede en Madrid, en la calle Alcalá Ga-

Noticias

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liano, desde donde desarrollará sus objetivos de promoción, difusión y conservación del arte. En su nuevo centro la Fundación acomodará uno de los fondos artísticos privados más relevantes de España.

Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa Ubicado en un enclave privilegiado, el Fernán Gómez.

Centro Cultural de la Villa, está situado al comienzo del eje cultural más importante de la ciudad. Inaugurado en 1977, es desde hace casi 40 años uno de los espacios culturales más populares y queridos, tanto por los madrileños como por los turistas que visitan la ciudad.

Su propuesta cultural combina teatro, música, exposiciones temporales, simposios y conferencias de diverso tipo, a los se sumará próximamente este nuevo espacio expositivo dedicado a la creación contemporánea, que consolidará al centro como referencia cultural en la ciudad.

“A lo largo de 2014, el Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa se ha renovado y se ha convertido en un gran referente expositivo para todos los públicos”, explica

José Tono Martínez. “Con este proyecto de escultura pública, terminamos una fase de relanzamiento que afianza la propuesta cultural del centro como espacio dedicado a las grandes exposiciones populares y de gran audiencia, como han sido Terracotta Army. Guerreros de Xi´an, P2P. Prácticas contemporáneas en la fotografía española -PhotoEspaña14- y A Su Imagen. Arte, cultura y religión”.

Desde el punto de vista de las instalaciones, se han puesto en marcha los proyectos y concesiones de cafetería, accesos al aparcamiento, renovación de los equipos técnicos de climatización para las grandes exposiciones, renovación de la sala de protocolo y creación de un nuevo espacio para talleres. Asimismo, la fachada o cortina de agua que rodea la plaza de Colón, ha pasado a ser gestionada por el centro, con objeto de recoger iniciativas artísticas y otras campañas de promoción de las actividades.

www.teatrofernangomez.com www.fundacioncristinamasaveu.com

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Nueva York se rinde al arte español de Jorge Palacios El martes 3 de marzo, una gran escultura del artista madrileño Jorge Palacios ocupará un espacio privilegiado en la mítica Spring Street de Manhattan junto al icónico edificio Trump SoHo New York. Una instalación que coincide con la inauguración de su última exposición individual en la ciudad, organizada por la prestigiosa Fridman Gallery.

Ha despertado el interés de nombres míticos de la arquitectura como el neoyorquino Peter Marino, el mexicano Hernández de la Garza o el californiano Eric Owen Moss... Ha llevado su obra escultórica a espacios públicos en grandes capitales y ciudades emblemáticas y ha sido descrito, por los medios especializados, como uno de los artistas emergentes imprescindibles del momento. Siguiendo la estela de maestros como Eduardo Chillida o, más recientemente, Jaume Plensa, Jorge Palacios (Madrid, 1979) se une a la lista de representantes del arte español en el extranjero.

Su proyecto para la ciudad de Nueva York es una escultura de gran formato, realizada en madera de teca, que profundiza en el diálogo entre arte y arquitectura, consiguiendo integrar su obra en un entorno dominado por grandes torres de acero y cristal. Bautizada con el nombre Sketch in the air, esta impresionante obra, que se mostrará en la vía pública, se presenta de la mano de la reconocida galería Fridman de la ciudad de los rascacielos.

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de Noguchi o de Henry Moore, que a la de cualquier otro maestro moderno, Palacios busca que la materia hable, la reta. Como Barbara Hepworth, Palacios puede perforar sus formas, pero al contrario de la escultora británica, rara vez las desdobla, las intersecta, o las despliega. Incluso cuando perfora y se acerca al interior, Palacios elige siempre la resta. La suya es una búsqueda de la esencialidad de un volumen».

Sus esculturas «son irreductibles y esenciales. Pero también contenidas, geométricamente complejas, singulares, es esa forma escueta la que les imprime especificidad, carácter, humanidad. No se trata de una suma de partes sino de la reducción de una idea hasta dejarla sin partes, condensada, de una sola pieza. La de Jorge Palacios es una escultura de gesto elocuente. En singular: un único gesto por pieza».

Las obras de Palacios exploran, desde la abstracción, los límites del material, del trazo, de la expresión contenida; el equilibrio entre el material esculpido y el aire esculpido, jugando a su vez con la dicotomía entre solidez y ligereza. Sus volúmenes revelan una tensión permanente entre la línea y la curva, unas convergencias entre líneas y planos que dan título a esta exposición, y nos muestran el camino emprendido por este artista a caballo entre la abstracción geométrica y la abstracción orgánica.

Sobre Jorge Palacios

Por si esto no fuera poco, coincidiendo con la presentación de la escultura pública, tendrá lugar una importante exposición individual, bajo el nombre Convergences, en honor del artista español. La exposición, surgida de la colaboración con los prestigiosos arquitectos neoyorquinos Steven Harris + Rees Roberts, contará con algunos de los últimos trabajos del madrileño, inéditos hasta el momento.

En palabras de la crítica de arte y arquitectura Anatxu Zabalbeascoa, los trabajos de Palacios «hablan al cerebro desde el tacto y desde la relación que establecen con el espacio y el tiempo. Pero sus esculturas también dialogan con el tacto a través del ojo. Se palpan con la vista (...). Más cercano a la línea de Barbara Hepworth,

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Nacido en Madrid en 1979, Jorge Palacios profundiza en la ciencia y la naturaleza para encontrar volúmenes y formas geométricas puras y esenciales, en muchos casos moleculares, sobre las que trabaja inspirándose para alcanzar la máxima expresividad a través de la mínima expresión.

A pesar de su juventud, ha expuesto junto a los artistas de mayor prestigio internacional como Andy Warhol, Damien Hirst, Sol Lewitt, Olafur Eliasson, Jean Tinguely, Ernesto Neto, Michelangelo Pistoletto o John Baldessari.

Sus esculturas recorren la geografía del planeta (Canadá, Suiza, Estados Unidos o España), en coleccio-

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nes públicas o privadas, ha participado en las principales ferias internacionales de arte contemporáneo de Estados Unidos, Bélgica, Países Bajos, Italia... así como en proyectos internacionales para diferentes ciudades (Toronto, Seúl, Chaco, Ciudad de Panamá o Nueva Orleans).

La experiencia de Palacios concibiendo proyectos sitespecific nos habla del gran interés e importancia que tiene para él, en su planteamiento artístico, la búsqueda del diálogo entre sus esculturas y el entorno que las rodea. Para ello, ha contado con firmas de arquitec-

tura y paisajismo como aliadas para abordar o realizar este tipo de proyectos.

La escultura pública Sketch in the air estará instalada en 246 Spring Street, New York, junto al Trump SoHo New York. Del 3 de marzo al 1 de mayo. Inauguración: martes 3 de marzo, 18.00- 20.00 horas, con la presencia del artista.

www.jorgepalacios.us

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XVIII Certamen Nacional Teatral José Sacristán de Chinchón

Los amantes del teatro están de enhorabuena. Chinchón alberga, un año más su tradicional y afamado Certamen Nacional de Teatro José Sacristán, organizado por el Ayuntamiento de Chinchón. Una ocasión ideal para ver a los grupos emergentes de la escena teatral española en obras creadas por ellos mismos o basadas en las mejores novelas literarias de ayer y de hoy. Y es que este evento supone una ventana a la cultura, al apoyo de los nuevos valores teatrales nacionales así como la consolidación de un evento único, celebrado en un entorno idílico como es Chinchón, famoso por su Plaza Mayor y por su deliciosa gastronomía castellana.

Cabe recordar que el Certamen Nacional de Teatro José Sacristán coincide en el tiempo con la I Ruta de la Cuchara de la localidad, lo que supone un plan de fin de semana excepcional en el que confluye lo mejor del teatro con lo mejor de la cocina tradicional. El certamen, apadrinado por el conocido y galardonado actor José Sacristán, se celebrará desde el próximo 28 de febrero hasta el 28 de marzo. Un mes en el que cada fin de semana se representarán, en el Teatro Lope de Vega de Chinchón, dos obras incluidas en el programa definitivo: El sábado 28 de febrero a las 20:00 horas, el Grupo A.R.G.E.A. Teatro, de Hervás (Cáceres), interpretará “Troyanas”, basada en la obra clásica de Eurípides y Séneca.

El domingo 1 de marzo a las 19:00 horas, la compañía Trasluz, de Valdelaguna (Madrid), escenificará El Mé12 - EMNMM

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todo Gronholm. El sábado 7 de marzo a las 20:00 horas, Athenea Teatro, de Valladolid, presentará Casa de Muñecas de H. Ibsen. El domingo 8 de marzo a las 19:00 horas, el grupo Stres de Quatre, de Albalat dels Sorells (Valencia), interpretarán Sobra el griego. El sábado 14 de marzo a las 20:00 horas, la compañía Barrococlown, de Madrid, escenificará Carnaval Barroco.

El domingo 15 de marzo a las 19:00 horas, Ukumbi Teatro, de Madrid, representará El Caso Montenegro. El sábado 21 de marzo a las 20:00 horas, el grupo El Candil, de Talavera de la Reina (Toledo), interpretará Humor Ruso, Humor Español, basada en la obra de Chéjov. Y el domingo 22 de marzo a las 19:00 horas, La otra parte Teatro, de Fuenlabrada (Madrid) escenificará Aurora y el Capitán, la adaptación de la novela de Mario Benedetti.

Las entradas para cada obra tienen precios que oscilan entre los 5 o 7 euros, y los abonos 36 euros, y se pueden adquirir en las taquillas del propio teatro o desde la página web de Atrápalo. Además, el sábado 28 de marzo a las 19:00 horas, el certamen llega a su cénit con el acto de entrega de premios y clausura, donde se galardonará, entre otros, al Mejor Grupo, Mejor Dirección, Mejor Actriz Principal, Mejor Actor Principal, y se dará también un Premio Especial del Público. Para este evento se contará con la colaboración del Taller de Radio y de la Escuela de Danza Maribel Montes.

Haciendo un poco de memoria, Chinchón ha sido a lo largo de los tiempos reclamo y fuente de inspiración de numerosos artistas a lo largo de su historia. La presencia de la nobleza desde la Reconquista ha hecho del municipio un punto de encuentro para genios de todas las vertientes culturales. En Chinchón han nacido o vivido hombres de las letras y las artes, tales como el propio Lope de Vega -que da nombre al Teatro Municipal escenario del certamen-, Francisco de Goya, Manuel Alvar, Carlos Alonso Herreros, Benito Hortelano, Enrique Segovia Rocaberti, Orson Welles o Ernest Hemingway, entre otros. www.ciudad-chinchon.com

VII edición de Panda Raid

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El 7 de marzo comienza la 7ª edición de Panda Raid con salida en el Hipódromo de la Zarzuela de Madrid a las 14:00 horas. Los equipos, citados a partir de las ocho de la mañana para realizar las verificaciones, también tendrán, en ese intervalo, la posibilidad de comprobar si les falta algún caballo a sus Pandas y disponerse así para marchar rumbo al Sur. Este año serán 175 equipos los que desafiarán el sentido común, al proponerse llegar a las playas de Essaouira después de 4.000 kilómetros conviviendo en el estrecho habitáculo que supone el Panda, sin wifi durante toda una semana, con el desierto como único horizonte y la ilusión como gran compañera. Un respiro a la rutina diaria que pondrá a prueba sus capacidades en una aventura al más puro estilo de los rally raids, seña de identidad de Panda Raid, que a pesar del paso de las ediciones se mantiene fiel a sus principios. Cada edición es una experiencia única, siempre con algo nuevo que puede sorprendernos tras la esquina.

Un viaje en el tiempo en el que el GPS no tiene cabida, a cambio el road book, el mapa y la brújula toman protagonismo. Los participantes tendrán que hacer uso de su intuición para demostrar que esta obra de la ingeniería mecánica, que es el Panda, no solo sabe salir airoso de los tumultuosos callejones urbanos, sino que es capaz de circular entre las dunas del desierto y las tormentas de arena.

Pero nadie está solo en esta aventura, ya que en Panda Raid predominan los valores de colectividad y compañerismo: entre los participantes, la organización y los lugareños. Buena muestra de ello es la solidaridad de los equipos cuando se ayudan mutuamente, y principalmente, al entregar cada uno 20 kilos de material escolar a los colegios del sur del país en colaboración con la ONG “Asociación Camino del Sur”.

También se repetirá la novedad de la pasada edición, el Panda Raid REAL LIVE, en el que se podrá hacer un seguimiento de los equipos a tiempo real, así los familiares y amigos podrán vivir de cerca la situación de ese Panda en medio de la nada.

Panda Raid es el claro ejemplo de que no hace falta mucho para soñar y descubrir, que con ilusión y un Panda se puede llegar donde nunca habíamos imaginado. Este desconocimiento, de lo que es recorrer los desiertos de Marruecos en un Panda, permitirá soñar a los participantes, la aventura se impone. www.pandaraid.com

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3D Printshow Madrid 2015

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En el Palacio de Cibeles durante los días 12 y 13 de marzo, se celebra por primera vez en España, la feria 3D Printshow. Esta feria surgió en 2012 siendo el primer evento dedicado a la impresión en 3D en cualquier lugar del mundo. Desde entonces, ha pasado de ser una modesta feria de tecnología de cara al público a una feria mundial de eventos para la industria, las empresas, las marcas y los consumidores, organizando eventos de gran importancia.

3D Printshow es mucho más que una feria, en ella se concentran a actores clave de todo el ecosistema de la impresión 3D. En ella, junto a ingenieros, diseñadores de productos y a través de las marcas y fabricantes, se explora la utilización de la impresión 3D, invitando a futuros clientes para que puedan interactuar directamente con todo el mundo en la exhibición.

Independientemente de cada negocio, la feria 3D Printshow ofrece oportunidades de ventas increíbles y la oportunidad de crear una red para colaborar y formar parte de la comunidad de la impresión 3D global, con la construcción de relaciones entre la industria y fortalecer cada negocio.

En 2015 la feria 3D Printshow entra en un período de rápida expansión con la creación de una plataforma para toda la industria de impresión / fabricación aditiva 3D y la muestra contará con máquinas AM industrial y las impresoras 3D de escritorio.

La feria abre sus puertas todas las empresas, fabricantes, educadores, diseñadores y creadores y a todos los que deseen explorar, experimentar y aprender sobre 14 - EMNMM

esta revolucionaria tecnología. Desde veteranos de la industria manufacturera en España hasta curiosos, en definitiva, se trata de una oferta para todo tipo de públicos que, además, servirá como punto de enlace nacional para las comunidades y las empresas españolas, que les permitirá explorar el mundo de la impresión 3D. Junto con la impresionante exposición repleta de destacadas empresas globales, una conferencia empresarial de alto nivel informará, educará e inspirará, destacando así futuras oportunidades de negocio y facilitando un entorno ideal centrado en las redes de trabajo entre empresas.

3D Printshow Madrid ha elegido para su estreno la Galería de Cristal del Palacio de Cibeles y Madrid ha sido elegida por los responsables de esta feria por ser una ciudad moderna y activa, un centro de cultura y un eje nacional de empresas españolas y de innovación.

La exposición 3D Printshow en Madrid incluirá lo siguiente: Galería de arte Cocina Casa de moda Centro de negocios Laboratorio (donde puede adquirir experiencia práctica) Aula (sección para escuelas y educación)

3dprintshow.com

UN ARCO, UN FARO Y UN MISMO DESTINO Texto y Fotos: Ram贸n Rivas

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Reportaje

Todo aquel que entre o salga de Madrid por la carretera de la Coruña está obligado a ver dos imponentes construcciones, el Arco de la Victoria y el Faro de Moncloa. Lo chocante de estas dos estructuras no es sólo su tamaño, lo llamativo es que una es un símbolo de la dictadura franquista y la otra, un faro en una ciudad sin mar, símbolo del despilfarro y de la mala gestión del dinero público, quizás por ello ambas construcciones comparten un destino, el abandono.

El entorno donde se encuentran estas dos construcciones, fue durante toda la Guerra Civil Española el escenario más cruento de la guerra en Madrid, tanto es así que todavía se conservan en los alrededores algunos vestigios de construcciones bélicas y no es raro el hallazgo de alguna que otra bomba sin estallar cada vez que se realizan obras en esta zona de la ciudad. Precisamente por ser una de las entradas a la ciudad y por su historia bélica, en febrero de 1942, la Junta de la Ciudad Universitaria encargó al arquitecto Modesto López Otero el proyecto de este arco triunfal dedicado al general Francisco Franco y en honor a los vencedores de la Guerra Civil.

único en el mundo levantado sobre un campo de batalla y nunca fue inaugurado. Los responsables del proyecto querían que tuviese su inauguración oficial el 18 de julio de 1956, coincidiendo con el vigésimo aniversario del alzamiento militar contra la República, pero por cosas del destino, dicha inauguración nunca tuvo lugar.

Desde que en 1943 el proyecto para la construcción de un arco triunfal quedase formalizado, su ejecución se vio paralizada en numerosas ocasiones, tanto por cuestiones presupuestarias como por las reformas urbanísticas que se venían ejecutando en esta zona de la ciudad. Finalmente, en 1949, se concreta el proyecto definitivo y en 1950 comienzan las obras de cimentación.

Este pétreo monumento tiene una altura de 45 metros y destaca sobre todo por su austeridad, más si lo comparamos con otros monumentos similares. Es de estilo neoclásico y cuenta con algunos elementos que recuerdan al clasicismo germánico. El conjunto, pese a su esbeltez, produce un desagradable efecto de frialdad que se ve atemperado gracias a los elementos iconográficos, ornamentales y escultóricos de los bajorrelieves del friso perimetral del monumento, realizados por Moisés de Huerta y compuesto por 34 figuras principales de carácter alegórico. Otros elementos son las esculturas de las victorias aladas ubicadas en las claves del arco, realizadas por José Ortells, y la hermosa Cuádriga de Minerva que corona el arco, realizada por Julián Lozano en el taller de los hermanos Arregui.

El Arco de la Victoria, pese a los muchos problemas que originó su ejecución, fue finalmente construido y rematado con el conjunto escultórico que le corona en 1956. Este arco curiosamente es el

En la base del arco, justo en la “puerta” en cada uno de los frentes laterales interiores, hay una pequeña puerta que da acceso a los vestíbulos en planta baja. Algo que no todo el mundo sabe es

UNA CONSTRUCCIÓN ACCIDENTADA

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que el interior de este arco triunfal está hueco, está dividido en ocho plantas y en la parte central superior hay una sala en la que se pretendía crear un pequeño museo o sala de exposiciones.

inicial esta sala debía contar con una decoración al gusto megalómano de todo dictador con impresionantes frescos, pero el museo nunca se inauguró y tampoco se pintaron los frescos en sus muros.

Desde los vestíbulos de la planta baja se accede a las plantas superiores por dos escaleras de mármol y dos ascensores que, curiosamente, nunca funcionaron, y que conducen a la sala central superior.

En ella, hasta hace unos años, se guardaba una maqueta de la Ciudad Universitaria. En el proyecto

CURIOSIDADES

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El Arco de la Victoria es un monumento en el que los contratiempos han sido y siguen siendo constantes desde su origen. Su construcción se vio infinidad de veces paralizada por falta de dinero y por

Narmi realizada por Donatello. Esta estatua finalmente fue colocada en el antiguo Ministerio de la Vivienda y fue durante décadas objeto de la ira de los madrileños durante toda la democracia. Paradójicamente la estatua ecuestre permaneció en el ministerio hasta el año 2005, cuando fue retirada y depositada en un almacén.

En la actualidad el Arco de la Victoria sigue siendo objeto disputas políticas, entre otras cosas por tratarse de uno de los pocos y anacrónicos símbolos de la dictadura franquista que quedan en Madrid.

Unos están a favor de dejarlo como está y otros a favor de su total desaparición. Posiblemente su tamaño sea el motivo por el que sigue en pie, aunque no han faltado propuestas para su “remodelación”. Algunos grupos políticos de izquierda han hecho algunas propuestas para cambiar de nombre al arco, como por ejemplo “Arco de la Concordia” y también han pedido que se retiren las inscripciones que aparecen en el frontispicio del arco, escritas en latín y que rezan así: Fundada por la magnificencia regia y restaurada por el Duce (caudillo) de los españoles, la sede de los saberes de Madrid florece ante la mirada de Dios.

problemas técnicos. Tampoco ayudó a la “causa” del régimen la derrota del fascismo en Europa y el posterior aislamiento internacional de España.

Además de que nunca fue inaugurado y de que quedó en desuso desde el primer día de su construcción, el resultado final tampoco se ajusta al proyecto inicial, pues a los pies del arco debía contar con una estatua ecuestre del dictador, una obra del escultor José Caput realizada en 1956 inspirada en la estatua dedicada al “Condottiero” Erasmo de

El Arco de la Victoria es, sin lugar a dudas, uno de esos monumentos que nadie en su sano juicio quiere tener en su ciudad, pero también forma parte de la historia, de la que se dice que escriben los vencedores, lo cierto es que la historia de este monumento está plagada de contratiempos y desde el proyecto inicial parece estar tocado por una maldición, quizás nunca debió levantarse este arco y menos sobre lo que fue un campo de batalla.

Fuentes: Ayuntamiento de Madrid Consorcio Ciudad Universitaria de Madrid EMNMM - 21

El Faro de Moncloa Historia de una maldición Corrían los años noventa y España parecía entrar por fin en la modernidad, el año clave era 1992, año en el que se celebraron los Juegos Olímpicos de Barcelona, la Exposición Universal de Sevilla y Madrid se convertía en la flamante Ciudad Europea de la Cultura. Fueron años felices y despreocupados, sobre todo en el tema económico pues parecía que el dinero crecía en los árboles, había dinero para todo, incluso para levantar un falso “escenario” nacional que, en el mejor de los casos, hoy está en ruinas.

Una de esas ruinas fue la Torre de Iluminación y Comunicaciones del Ayuntamiento de Madrid, más conocida como el Faro de Moncloa, fue levantada en el distrito de Moncloa a pocos pasos del Arco de la Victoria. Curiosamente, estas dos estructuras comparten espacio y un destino que parece marcado por una maldición, pues desde el primer día que se alzaron sobre el suelo madrileño, han sido objeto de abandono y un verdadero quebradero de cabeza para el Ayuntamiento y para los contribuyentes.

El faro es una estructura de 110 metros de altura que fue proyectada por el arquitecto madrileño Salvador Pérez Arroyo. Su construcción se inició en 1991 y contó con un presupuesto inicial de 2,2 millones de euros, cifra que se vio considerablemente aumentada hasta los 3,8 millones de euros.

Es una de las construcciones más altas de la ciudad, aunque su altura ha quedado ensombrecida con la construcción de los nuevos rascacielos de Madrid.

En la parte superior de la torre existe un mirador que ofrece unas vistas espectaculares de la ciudad 22 - EMNMM

y al que antaño se accedía por un ascensor de cristal que subía en pocos segundos. Desde el primer día de su apertura al público se formaron grandes colas de personas que deseaban ver Madrid desde otro ángulo, por ello, su acceso por ascensor se realizaba en pequeños grupos controlados por el personal de seguridad que trabajaba allí.

En el proyecto inicial, el faro debía contar con un láser que, según la prensa de la época, se vería a kilómetros de distancia y, además, contaría con toda una serie de antenas que serían utilizadas por diversos servicios de la ciudad. Todo ello quedó en agua de borrajas, el láser nunca se colocó, se dijo que por miedo a deslumbrar a los conductores de la autopista y las antenas de comunicación nunca fueron utilizadas para su propósito inicial, salvo por una antena de radio.

UN COSTE QUE NO PARA DE CRECER En 1992 el horizonte madrileño contaba con un nuevo elemento y el Ayuntamiento estaba henchido de orgullo y satisfacción. Se dijeron cosas como que era el nuevo símbolo de Madrid, esto en

el mejor de los casos, pues no faltaron las loas de los afectos de turno que hablaban de esta torre como si del mismísimo Faro de Alejandría se tratara. Tampoco faltaron las críticas, casi todas relacionadas por su aspecto y porque supuestamente rompía con la estética de la zona.

La historia del faro comenzó con mal pie, pues al poco tiempo de su apertura un vendaval se llevó por delante unas planchas metálicas de la parte alta de la torre. Afortunadamente, nadie resultó herido y la cosa quedó en un susto. Este hecho

obligó a cerrar por primera vez el faro para poder colocar unas nuevas planchas y reforzar los anclajes para evitar así futuras desgracias. Poco tiempo después alguien se percató de que el pasamanos de la escalera de acceso al mirador provocaba descargas eléctricas. Estos calambrazos no formaban parte de ninguna atracción, simplemente era un problema de seguridad y de los gordos.

En 2005 se produce en Madrid el incendio más aparatoso de su historia reciente, el incendio del edificio Windsor de la Castellana, hecho por el que EMNMM - 23

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las autoridades de la ciudad deciden modificar el reglamento de seguridad en los edificios y como a todas luces el Faro de Moncloa no cumplía con los nuevos requisitos de seguridad se optó por cerrar su acceso para evitar daños personales y, lo más importante, evitar unas temidas demandas al Ayuntamiento. Así fue como en 2005 el faro queda definitivamente cerrado al público.

En 2009 se intentó recuperar el faro y se invirtieron en su modernización 4,5 millones de euros del Fondo Estatal de Inversión Local, aunque la reforma acabó costando mucho más, 5,6 millones de euros. Se realizaron obras para adecuar la instalación a la normativa vigente, tanto eléctrica como de seguridad, extinción de incendios y evacuación: ascensor y montacargas nuevos, cambios en el trazado de la escalera interior y climatización con vistas a que a finales de ese mismo año se pudiese “resucitar” el faro con una concesión para su explotación como restaurante. Algo que no ocurrió y hubo que esperar hasta 2011 para su nueva apertura temporal y sin restaurante.

OTRA VUELTA DE TUERCA Desde su cierre al público en 2005 y sus posteriores reformas, se viene anunciando la definitiva e inminente apertura del faro madrileño, la última el pasado mes de febrero en el que se hacía público el anuncio de su apertura a finales de este mes, aunque hay quien dice que no será en marzo sino en mayo de 2015. En esta ocasión y según lo previsto, el faro será gestionado por la empresa municipal Madrid Destino, una gestión con la que se pretende potenciar el turismo y dotar a la ciudad de un nuevo atractivo.

El anuncio de la apertura al público del faro por enésima vez y previo pago de 350.000 euros más, no ha suscitado mucho interés mediático y los madrileños, escépticos, tampoco se han mostrado muy entusiasmados ante esta noticia, más bien al contrario. ¿Cuándo abrirá el faro? ¿Cuánto tiempo estará abierto y cuánto costará al contribuyente? Son preguntas que siguen sin respuesta, lo cierto y verdad es que tanto el Faro como el cercano Arco de la Victoria parecen ser víctimas de una maldición, una cara e inútil maldición.

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Madrid Comunidad

El Castillo de Villarejo Una joya Ăşnica en EspaĂąa

Texto: Ramón Rivas Fotos: Turismo de Villarejo de Salvanés

Villarejo de Salvanés es un municipio madrileño situado a 49 kilómetros al sur de la capital, en la denominada comarca de Las Vegas. Los atractivos culturales y turísticos de Villarejo son bien conocidos. Algunos de ellos son el yacimiento arqueológico de Santa María, sus ermitas y parroquias, el excepcional Museo del Cine y el verdadero protagonista y símbolo de la población, el Castillo de Villarejo de Salvanés del que sólo se conserva la imponente torre del homenaje que, con sus 22 metros de altura, configura el horizonte de estas tierras castellanas.

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Los orígenes de esta fortaleza son todavía inciertos, aunque se cree que pudo ser construida a partir de una primigenia atalaya musulmana. De lo que no cabe ninguna duda es de la relación de esta fortaleza con la Orden de Santiago que, a mediados del siglo XIII, impulsa en esta zona un primer asentamiento junto al primitivo castillo que con el tiempo fue adquiriendo importancia y cuya población fue en aumento gracias a los recursos naturales de la zona y a la protección de este puesto defensivo. La fortaleza adquiere su mayor importancia a mediados del siglo XV, cuando la Orden de Santiago establece en esta población la Encomienda Mayor de Castilla, este hecho provoca importantes y sucesivas transformaciones en el castillo y en el trazado urbano de la población.

EL CASTILLO Las excavaciones realizadas hace unos años en las cercanías de la torre, sacaron a la luz parte de su entorno, que era de planta cuadrada y estaba cercado por muros defensivos. Contaban, además, con cuatro torreones redondos en cada uno de sus ángulos. La puerta de acceso al castillo estaba situada en el ala sur y estaba jalonada por dos pequeños torreoncillos. En el ala norte, existen vestigios de lo que pudo ser el recinto amurallado que sirvió para dar protección a la población.

El elemento más llamativo y mejor conservado de esta construcción es la torre del homenaje. Este icónico símbolo de Villarejo es un imponente torreón de planta cuadrada que cuenta con una altura de casi 25 metros. Está considerado como el mejor torreón-fortaleza de la Comunidad de Madrid y tiene una singularidad arquitectónica única y especial por contar con tres cubillos en cada uno de sus lados en vez de tenerlos en cada uno de sus ángulos, como es lo habitual en este tipo de construcciones en España.

La Torre está dividida en cuatro plantas y una terraza defensiva rodeada por una cornisa con falsos matacanes instalados en épocas tardías que aluden al carácter señorial del castillo, pues la torre misma se podría datar entre la segunda mitad del siglo XIV y la primera del XV.

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DECADENCIA Y RECUPERACIÓN La época de esplendor del castillo duró hasta el siglo XVII, cuando comienza su decadencia, pero es en el siglo XVIII cuando se acelera brutalmente con la práctica desaparición de gran parte de la fortaleza, comenzando así su ruina y sufriendo, además, el expolio de sus elementos constructivos para ser reutilizados en la construcción de algunas casas del municipio. La última referencia histórica de la que se tiene noticia, según la tradición popular, es la del guerrillero Juan Martín Díaz “El empecinado”, que pudo refugiarse en este castillo durante la Guerra de la Independencia.

Esta fortaleza o lo que queda de ella, cuenta en la actualidad con la máxima protección y está integrada dentro del Conjunto HistóricoArtístico de esta población junto con la Iglesia de San Andrés y la Casa de la Tercia, según la declaración del año 1974. Desde entonces, el castillo y su entorno han sido objeto de estudio y excavaciones puntuales. Desde 2005 y hasta 2007 se realizó su última y gran restauración, con ella el castillo dejó de ser una estructura meramente decorativa y pasó a ser un flamante centro de interpretación histórica del municipio en el que, además, alberga la Oficina de Turismo.

A lo largo de todo el año, en el interior de la torre se realizan todo tipo de actos culturales; exposiciones, conciertos o las visitas guiadas que revitalizan no sólo el propio castillo, también la vida cultural del municipio, dando así un buen ejemplo de cómo rentabilizar el patrimonio a otras poblaciones cuyos castillos se caen a pedazos.

Fuentes: Guía de los castillos de Madrid Ed. Tierra de Fuego Comunidad de Madrid Castillos de Madrid / Amador Ruibal Turismo Villarejo de Salvanés

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Madrid Natural

Los sapos del arenal EMNMM - 35

L

lega marzo, se templan los días y repuntan las lluvias: el afrodisíaco perfecto para los anfibios madrileños. A lo largo y ancho de la Comuni-

dad, en todas las masas de agua aumenta progresivamente el número de anfibios que, al amparo de la noche, se entregan a la reproducción. A medida que las distintas especies despiertan del letargo impuesto por el invierno y se suben al carro, los coros de machos intentando llamar la atención de las hembras son cada vez más multitudinarios y diversos, y la vegetación acuática de charcas y regatos se llena de masas de huevos de formas distintas. Dos especies de batracios características de los sustratos sueltos que abundan en el pie de Sierra y en las zonas de influencia de los ríos madrileños son las protagonistas de este artículo: el sapo de espuelas Pelobates cultripes y el sapo corredor Bufo calamita.

Aunque ambas especies compartan medio, y para el ciudadano estándar que no suele rondar los alrededores de las charcas puedan parecer similares, el hecho es que se distinguen en un sinnúmero de detalles. Para empezar, externamente son ya bastante distintos a nada que se preste un poco de atención. Ambos son de tamaño similar y de color de fondo gris blanquecino con un moteado de verde y pardo tremendamente variado según el ejemplar, pero el sapo de espuelas tiene la piel lisa y el corredor muy granulada. Los ojos de ambos son distintos también, dorados con la pupila vertical en el primero y verdeamarillentos con la pupila horizontal en el segundo.

El sapo corredor, con las cuatro patas más o menos de la misma longitud, camina a cuatro patas, pudiéndose dar de hecho mucha prisa (de ahí lo de “corredor”); el de espuelas en cambio, con una hechura más de rana, se des-

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Bufo calamita

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Pelobates cultripes

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plaza a saltos como estas. Mirándole los talones se ve además el porqué de su nombre, pues presenta en cada uno un tubérculo córneo aplanado que utilizan para excavar y enterrarse de espaldas en el terreno.

Las dos especies de sapos llevan a lo largo del año una existencia bastante similar: pasan el día enterrados, bajo piedras o troncos el corredor y en hoyos que él mismo se prepara el de espuelas, y al caer la noche y aumentar la humedad ambiental salen para alimentarse de cualquier invertebrado que se ponga a tiro y les quepa por la boca. En nuestras latitudes pasan tanto los días veraniegos más secos como los invernales más fríos aletargados, pero llegadas estas fechas se acercan a los puntos de agua para reproducirse, y aquí aparecen de nuevo grandes diferencias en el estilo de vida de ambos. Mientras que los machos de sapo de espuelas cantan de manera aislada, emitiendo un coc-coc-coc-coc-coc… continuo y sorprendentemente gallináceo, los sapos corredores se juntan en coros de machos, que inflan un gran saco en la garganta y producen un criiik-criiik-criiik-criiik… que recuerda más a grillo. Una vez aparece una hembra y se decanta por un macho, este se sube a la espalda de la misma y, firmemente agarrada a ella (en lo que zoológicamente se conoce como amplexo), fertiliza los huevos que va produciendo. Y de nuevo aquí hay diferencias: los sapos corredores realizan amplexos axilares, agarrándose tras las patas delanteras, y depositan sus masas de huevos (que son tiras largas y finas de un huevo de grosor, como un collar de perlas) en charcas muy poco profundas, con o sin vegetación. Estas charcas no duran mucho, pero los renacuajos muy pequeños y negros de los sapos corredores se desarrollan deprisa, y normal-

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mente en menos de un mes los diminutos sapitos recién metamorfoseados, de medio centímetro, se alejan del agua hasta que vuelven como sapos adultos en un par de años. Los sapos de espuelas en cambio, enlazados en un amplexo inguinal, agarrados a la cintura de la hembra, desovan (masas como pequeñas salchichas de varios huevos de grosor, enrolladas en torno a los tallos) en charcas grandes o masas de agua aún mayores y con mucha vegetación, que consumirán sus renacuajos herbívoros durante los seis meses que tardan en desarrollarse y durante los que llegan a medir más de diez centímetros, lo que hace que también el sapito de espuelas sea cinco o seis veces mayor al dejar el agua que el corredor.

El sapo corredor, cuya distribución abarca buena parte de Europa, o el sapo de espuelas, restringido en cambio a la Península y ambas costas francesas (otras dos especies similares aparecen más al este), son sólo dos ejemplos de entre los varios anfibios que se pueden encontrar en Madrid. Otros habrá que terminen por aparecer en estas páginas, pero entretanto ¿no entran ganas de salir a descubrirlos en directo uno mismo?

Por: Antón Pérez Fotos: Sergio García Muñoz Para saber más: Fichas de la web de Vertebrados Ibéricos del sapo de espuelas www.vertebradosibericos.org/anfibios/pelcul.html y el corredor www.vertebradosibericos.org/anfibios/epical.html

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MASADA La Numancia israelí

La fortaleza de Masada es uno de los lugares simbólicos de Israel, está situada en el desierto de Judea y se alza a poco más de 400 metros sobre el nivel del Mar Muerto. Este lugar fue el escenario de un mítico asedio en el año 73 cuyo trágico final ha pasado a la historia por la heroica resistencia de sus pobladores comparable a la Numancia ibérica, convirtiéndose así en el símbolo de una nación.

Por EMNMM

Viajar

Masada es el nombre latino dado a una palabra de origen hebreo que significa fortaleza. Este baluarte se alza sobre la cima de una montaña entre el desierto y el Mar Muerto. Fue construida en el año 30 a.C. por el rey Herodes aunque, anteriormente, en este lugar ya existía un emplazamiento militar. En el año 68 a. C. al inicio de la Primera Guerra Judeo-Romana, esta fortaleza fue tomada por un pequeño grupo de judíos celotes cuyo objetivo era la lucha por una Judea libre e independiente de Roma.

En la Antigüedad, el Imperio Romano era la gran potencia del Mediterráneo, con mano de hierro fue apoderándose de toda la región de Judea, llegando incluso al centro espiritual de los judíos con la toma de Jerusalén y la destrucción del Templo en el año 70. Dos años después, el gobernador de Judea, Lucio Flavio, con el objetivo de poner fin a cualquier obstáculo a Roma, ordena el asedio de la inexpugnable Masada. Así comienza uno de los episodios históricos más importantes y heroicos del Pueblo de Israel, cuyos detalles son bien conocidos gracias a La guerra de los judíos, una detallada crónica escrita por el historiador Flavio Josefo.

Masada era una fortaleza bien preparada para soportar cualquier asedio, el abastecimiento de agua estaba asegurado gracias a las cisternas subterráneas y los huertos suministraban el alimento necesario para poder alimentar a la población durante un largo tiempo. Todo parecía que estaba dispuesto para hacer frente a cualquier ataque, con lo que no contaban los judíos era con la persistencia y la sofisticación de la ingeniería romana.

Flavio Josefo cuenta en su crónica que cuando los romanos llegaron al pie de la montaña, en Masada había 960 rebeldes liderados por Eleazar Ben-Yair, no todos eran guerreros, muchos de ellos eran ancianos, mujeres y niños. Por otro lado, la X Legión romana contaba con más de 8.000 soldados dispuestos a tomar la fortaleza. Desde un principio se descartó el asalto directo y se optó por rodear y aislar Masada. El ejército romano sabía que los rebeldes contaban con víveres suficientes para soportar un largo asedio, así que recurrieron al ingenio con el que se ha caracterizado el Imperio Romano y poco a poco comenzaron a construir una gigantesca rampa para acceder por el lado occidental y así tomar la fortaleza.

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Toneladas y toneladas de roca y arena fueron utilizadas para la construcción de una gigantesca rampa que fue terminada en un tempo récord, en sólo tres meses. Los 960 celotes que vivían en Masada vieron que era cuestión de tiempo que los romanos entrasen en la fortaleza y que todos y cada uno de ellos fuesen sometidos, asesinados y, en el mejor de los casos, condenados a la esclavitud.

Ante los malos augurios que se cernían sobre los celotes, su líder, Eleazar Ben-Yair, reunió a su pueblo para

proponerles una solución a la tiranía de Roma, que no era otra que la del suicidio. Su fe no les permitía el suicidio así que optaron por un “recurso” respetuoso con su religión y así que acordaron darse muerte unos a otros, no sin antes destruir la propia fortaleza.

Cuando la legión romana entró en la fortaleza sólo encontraron destrucción, muerte y la sensación de una cierta derrota en su honor guerrero. Así fue como Masada y su épica resistencia ha pasado a la historia y ha hecho que hoy sea uno de los baluartes patrióticos

del Estado de Israel. También este lugar declarado en 2001 por la UNESCO Patrimonio de la Humanidad, es uno más de los muchísimos atractivos turísticos de este pequeño gran país.

Fotos: Alberto Peral / Itamar Grinberg Agradecimientos www.goisrael.com

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Personajes

Antonella Broglia

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Italiana y enamorada confesa de Madrid,

Update una puesta al día sobre innovación

Antonella Broglia es una persona llena de

científica, tecnológica y de negocios. En la

energía y una fuente casi inagotable de inspi-

actualidad, imparte conferencias en empresas

ración que cuenta con una interesantísima

e instituciones sobre innovación en retail,

trayectoria profesional. Aunque es Doctora en

educación y otros entornos y sobre el estado

Derecho por la Universidad de Módena, su

del mundo digital.

carrera profesional ha estado durante más de treinta años orientada al mundo de la publi-

Además de todo esto, Antonella es organi-

cidad y el marketing, desarrollando su trabajo

zadora de las conferencias TEDxMadrid,

en la agencia de publicidad Benton & Bowles

TEDxYouth@Madrid, y TEDxMadridSalon. Así

-agencia que cambió sucesivamente su deno-

mismo, promueve el desarrollo de la plata-

minación primero como DMB&B y luego

forma TEDx (licencias locales de la legendaria

D’Arcy-, donde llegó a ser Directora Mundial

conferencia TED) en toda Europa en su rol de

de Servicios al Cliente, desarrollando proyec-

Senior Ambassador. Promueve plataformas

tos en Italia, Francia, España, Reino Unido,

de emprendedores culturales, comisariando

Irlanda, Turquía, Grecia, Finlandia Portugal,

y presentando eventos que ponen en eviden-

Marruecos, Egipto, Brasil y Argentina.

cia nuevos modelos sostenibles de emprendimiento desde el arte y la cultura y es

Ha sido Consejera Delegada de la agencia

Embajadora de Ashoka España, además de

Ogilvy & Mather de Roma de 1997 a 1999, y

formadora en public speaking para entornos

de 1999 a 2006 ha sido Consejera Delegada y

académicos y empresariales, y trabaja con

Vicepresidenta de la agencia Saatchi & Saat-

adultos y adolescentes.

chi España, y miembro del Board Europeo.

Con todo este curriculum Antonella también Desde 2006 a 2014, ha colaborado como con-

tiene tiempo para hablar de innovación social

sultora con el think tank Infonomia especiali-

todos los viernes en la 2 de Televisión Espa-

zado en servicios de innovación. Entre otros

ñola en el programa Para todos la 2 y la

proyectos, Antonella ha co-creado y co-pre-

podemos ver subida de vez en cuando a un

sentado con Alfons Cornellá la conferencia

escenario trabajando en el teatro.

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— EMNMM. Antonella, todos te conocemos por tu impecable e interesantísima trayectoria profesional pero sabemos muy poco de la Antonella “de carne y hueso” por eso nos gustaría preguntarte por algo más personal, ¿cómo llegaste a España y más concretamente a Madrid?

— A. Broglia. Era el año 1988, trabajaba entonces en la sede italiana de una agencia de publicidad y necesitaban enviar a una persona de habla italiana a su sede de Madrid para hacerse cargo del lanzamiento de un coche italiano. Vine inicialmente para quedarme tres meses, el tiempo que duraba el proyecto, pero después me quedé, porque me enamoré en seguida de la ciudad y de todo. Sentí que era el sitio en el que quería vivir. Han pasado desde entonces 26 años y he conocido y vivido brevemente en muchas otras ciudades en Europa, EE.UU y Asia pero ninguna ciudad del mundo es como Madrid.

— Ya en materia profesional, me gustaría que nos hablases de tu labor como organizadora de las conferencias TEDxMadrid, TEDxYouth@Madrid, y TEDxMa­ drid Salon ¿qué son estas conferencias y cuál es su finalidad? ¿Cualquiera puede ir a estas charlas? ¿Cuándo se organizan?

— Son licencias locales de las famosas conferencias americanas TED. Siguen algunas reglas dictadas por TED, pero gran parte de su contenido se diseña localmente. La finalidad es presentar ideas que merece la pena difundir, ideas nuevas, transformadoras, en ciencia, tecnología, emprendimiento, arte, diseño y cuestiones globales, la mayoría ideas locales. Somos un grupo, otras tres personas y yo, y organizamos TEDxMadrid un evento en vivo que se realiza desde hace siete años en el mes de septiembre en Matadero Madrid. También organizamos TEDxYouth@Madrid, evento gratuito en el que nadie de los que se suben al escenario tiene más de 20 y que hacemos todos los años en Caixaforum con motivo del Día Internacional de la Infancia declarado por las Naciones Unidas. Después hacemos un TEDxMadridSalon cada dos meses en la Casa Encendida, es un evento gratuito en el que tras el visionado de uno o dos videos del repositorio TED, se organiza entre todos un debate con un moderador. Una edición importante del TEDxMadridSalon es la que hacemos en el 14 julio por la noche en una plaza pública, eligiendo siempre un barrio muy significativo.

El año pasado lo hicimos en el Campo de Cebada.

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— Como experta en marketing y comunicación ¿cómo ves la situación española? ¿Sabemos comunicar en España? ¿Cuáles son los miedos y los obstáculos más frecuentes con los que tropezamos?

— Destacaría la falta de priorización de las presentaciones públicas. Tendemos a olvidar la influencia y el impacto que una presentación delante de un público puede llegar a tener, y por lo tanto, no dedicamos tiempo a preparar el contenido o a ensayar la puesta en escena. Sólo la preparación hace una buena presentación.

— Muchos jóvenes acaban sus estudios y se enfrentan a un incierto y competitivo mercado laboral necesitado de buenos emprendedores, en tu opinión, ¿qué

papel juega la escuela o qué papel debería jugar a la hora de formar a los jóvenes en este sentido?

— Educar en el pensamiento crítico, en la independencia y enseñar a ver el mundo como una oportunidad y un entorno a transformar. Estos son factores clave. En algunas escuelas esa enseñanza ocurre y en otras no.

No se debe generalizar, de hecho, nuevos informes a punto de publicarse revelarán que no hace falta ir a Finlandia para ver grandes ejemplos de maneras de enseñanza, España tiene grandes escuelas y grandes maestros de los que poder tomar ejemplo.

— También eres Ambassador de Ashoka España, un proyecto sumamente interesante que no sé si sería

muy acertado denominarlo como la “globalización de la innovación social” ¿Cuál es tu responsabilidad en Ashoka?

— Soy Embajadora de Ashoka España, y les ayudo en todas sus actividades, identificar a emprendedores sociales, darles visibilidad, aprovechar las oportunidades que tenemos de presentación pública de los programas… En definitiva, toda la experiencia que he madurado tanto en empresas como en el terreno del public speaking, es algo que dono a Ashoka, porque creo que el impacto que puede tener un emprendedor social en la mejora social es el mayor que hay. Digamos que pongo mi esfuerzo detrás de un sistema que en sí es muy eficaz.

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“

Hemos aprendido grandes lecciones. La primera y la más importante es que antes, en época de abundancia, mirábamos menos a nuestro

vecino. Hoy puede que nuestro vecino haya perdido el trabajo e incluso la casa y que no sepa dónde dormirán sus hijos, pero algo en nuestro entorno ha despertado nuestra solidaridad social. Lo veo todos los días

”

y espero que no olvidemos jamás lo que estamos viendo

— En temas de innovación ¿crees que la innovación ha de ir de la mano de un mayor consumo con la creación de nuevas necesidades?

— No, no se trata de crear consumo, se trata de encontrar soluciones a los problemas de una forma nueva.

— Todos los viernes en TVE en el programa Para todos la 2 hablas de interesantes proyectos de innovación social, en estas charlas da la impresión de que es muy sencillo poner en marcha una buena idea, aunque lo habitual es que la gente que tiene buenas ideas se echen a perder por no tener financiación ¿cómo podemos saber a qué puertas hay que llamar?

— ¿Para encontrar financiación? Hay que buscar en las organizaciones de capital cuyas políticas sean las de que el dinero invertido vaya a favor de empresas que miden su éxito no sólo en dinero, sino en otro tipo de impacto, social cultural y medioambiental. Cada vez hay más organizaciones así, y en España también.

— ¿Crees que “Cambiar el mundo” es un eslogan o una posibilidad?

— Son las dos cosas, es un eslogan que puede sonar vacío y es también algo muy real que ocurre todos los días de la mano de los emprendedores sociales.

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— Siempre se dice que las crisis son también un momento de oportunidades ¿estás de acuerdo con ello? ¿Qué lección crees que deberíamos aprender los españoles de esta crisis?

— En mi opinión, ya hemos aprendido grandes lecciones. La primera y la más importante es que antes, en época de abundancia, mirábamos menos a nuestro vecino. Hoy puede que nuestro vecino haya perdido el trabajo e incluso la casa y que no sepa dónde dormirán sus hijos, pero algo en nuestro entorno ha despertado nuestra solidaridad social. Lo veo todos los días y espero que no olvidemos jamás lo que estamos viendo.

— No hay duda de que eres una persona que inspira, en tus charlas aportas infinidad de ideas y experiencias que te dejan un buen rato dándole vueltas a la mente pero ¿qué es lo que te inspira a ti?

— El teatro. Conocer de vez en cuando una persona con la que querer crear algo.

— Muchos te conocemos porque te hemos visto sobre un escenario hablando de todo tipo de proyectos e ideas pero hay otra faceta tuya menos conocida en la que también te subes a un escenario, esta vez como

actriz ¿qué significa el teatro para ti? ¿Tienes pensado dedicarte a ello profesionalmente?

— Empecé a trabajar en el teatro a los 17 años, incluso tuve mi propio teatro, junto con otras tres personas en el que programaba además de actuar. Luego lo dejé durante unos años y desde hace 10 años he vuelto. Es algo esencial en mi vida y no sé qué significa dedicarse profesionalmente. Yo me dedico profesionalmente y al máximo de mis habilidades, preparación y tiempo, pero no gano dinero con ello, soy amateur en el sentido que lo hago por amor.

— ¿Tu propio teatro? Háblanos de ello.

— Se llamaba Mocambo. Estaba en la intersección de la carretera de Módena, Mantova y Reggio Emilia en el norte de Italia donde más niebla se concentra.

Antes era un cine pero en 1982 o por ahí un grupo de gente muy joven y enamorada del teatro conseguimos el espacio, quitamos todas las sillas, pintamos todo de negro y empezamos a programar. Programábamos performance muy diversas, montamos un ring en el medio y hacíamos encuentros de boxeo, servíamos una cena surrealista, toda en blanco y negro, o celebrábamos festivales en honor de pensadores que nos interesaban como Satie. Las vanguardias históri-

cas estaban siempre al centro de la programación pero a veces programábamos películas de cartones animados, además de las de Dalí o Buñuel. Ahora ya no estamos en contacto los unos con los otros, al menos yo no. Pero vi que una de los fundadores, Fiorella Focchetti escribió un libro sobre esa experiencia única.

— Buenas cualidades para la interpretación y grandes conocimientos de marketing y comunicación son excelentes herramientas para llegar al mundo de la política, si se diese el caso, ¿entrarías en política?

Entiéndase esto como el noble arte de la política, sin las connotaciones negativas que tenemos todos cuando nos dicen la palabra “político”.

— Sí, me interesa muchísimo la política, la política amateur, por supuesto.

Por R.J. Fotos: Gabriela Triffiletti y TEDxMadrid

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Foto: Fernando Rinc贸n

Arte

Lidó Rico El arte a flor de piel Nacido en la localidad murciana de Yecla, el artista Lidó Rico inicia los estudios de Bellas Artes en la Facultad de San Carlos de Valencia para terminarlos en 1991 en la Escuela Superior de Bellas Artes de París. Inmediatamente después de finalizar su formación, Lidó comienza su carrera profesional participando en infinidad de exposiciones tanto dentro como fuera de España. A lo largo de toda su carrera ha cosechado numerosos reconocimientos así como excelentes críticas y sus obras se pueden contemplar en numerosas instituciones, museos y colecciones privadas de todo el mundo.

Lidó Rico es un artista que se enfrenta a su trabajo con absoluta expectación y libertad. Aunque posiblemente uno de los detalles más llamativos en gran parte de su obra sea la utilización de su propio cuerpo, lejos de ser considerado como un acto de egolatría, se trata de una prueba de su honestidad y sinceridad en su trabajo y en su manera de entender la vida.

Si interesante es su obra y sus técnicas de trabajo no lo es menos la personalidad de este artista, por eso hemos hablado con él en esta entrevista.

Por EMNMM

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— EMNMM. Lidó ¿cómo fue tu primer contacto con el mundo del arte? ¿Qué fue lo que te hizo dedicarte a ello?

— L. Rico. Realmente no te sabría decir, no tengo antecedentes familiares, tampoco existe una razón concreta, pienso que fueron una suma de circunstancias, se almacenan en mi memoria recuerdos que se vinculan más a mis inquietudes por conocer sobre la vida, que a este mundo en concreto. Considero el arte como un vehículo cuyo único sentido de marcha es el de la introspección y la búsqueda.

— Tu trayectoria profesional es muy interesante, no sólo por la calidad de tus trabajos, también por los medios y técnicas que utilizas, como es la utilización de la resina, eres uno de los pocos que manejas este material, ¿cómo llegaste a ello? ¿Cuáles son los márgenes o límites con esta técnica?

— Comencé a trabajar con las resinas hace más de dos lustros. A ella llegué por una cuestión de búsqueda, antes de trabajarla, usaba distintos tipos de parafinas pero resultaban bastante ingratas, intentaba ver las cosas con perspectiva y si en cuestión de meses se oxidaban y se alteraban, ¡qué no pasaría con los años! así que me dediqué a buscar un material que compartiera lo que las ceras me aportaban a nivel conceptual pero sin ese añadido que descontrolaba y tan frustrante, de hecho mis primeras resinas tienen apariencia de ceras.

Desde siempre, la importancia del proceso ha sido fundamental en mi discurso, la parafina al enfriar generaba auténticos universos, hubo una especie de desplazamiento de mi faceta más pictórica cuando una superficie monocroma se transformó en algo que no necesitaba contar más.

Mis manos en cera se transformaron en manos de resina, los procesos de catalización son similares, pero mis resinas siempre han sido transparentes, como agua, como el material del que el propio hombre está hecho, esto me inquietaba y a la vez me atraía. Mi fidelidad hacia ese material es casi enfermiza, nunca terminas ni de controlar ni de conocer. El material en sí es importante pero acotado respecto a unas propiedades, ahí entra en juego el afán por exprimirlo y por adaptarlo a nuevas ideas.

— ¿Cuáles son las principales inquietudes e intereses que te inspiran a la hora de realizar un trabajo?

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— En mi trabajo, la realización de una obra responde a una necesidad biológica o física, como lo quieras llamar… Soy una persona que hace para las personas, no me interesa ni la cosmética, ni los discursos retorcidos que buscan complacer a eruditos. Intento abordarlo desde la normalidad más absoluta, aunque cada obra es diferente, son muchos los factores que intervienen en un resultado, la inspiración es un término que no está en mi diccionario, solo con horas, días y meses de trabajo, se consiguen hacer cosas.

En el estudio, cambian hasta los códigos de conducta, la percepción hacia lo que te rodea digamos que se tensa, todo puede pasar, una melodía, una palabra, un objeto… la cosa más imbécil se puede convertir en importante y definitiva. No me gustan las distancias, tengo muy claro que uno tiene que ser lo que hace.

— ¿Cómo te planteas cada trabajo? ¿Partes de una idea determinada o van surgiendo a medida que se desarrolla un proyecto?

— Como te decía, todo influye, cada obra plantea un espacio diferente y es necesario que se aborde de distinta manera. Cuando se maneja un concepto determinado lo llevas hasta el extremo y cuando ya estás al límite vuelves a empezar, es una cuestión de equilibrios y sinergias, se puede intuir lo que pretendes hacer al principio pero el camino para llegar a ello es sumamente volátil y siempre cambia, pongamos que es como un baile, tienes un salón, un ritmo y unos pasos aprendidos en tu cabeza, sabes cuando empiezas pero nunca dónde, ni como terminarás.

— Tu trabajo es impresionante pero no lo es menos su proceso porque, en algunos casos, te introduces literalmente en la masa para después sacar el molde ¿consideras tu cuerpo como una herramienta de trabajo o tu cuerpo es el medio para un fin?

— Ambas cosas, en mi lucha por reducir distancias, establezco un contacto directo con la materia, no me considero escultor, lo mío es una búsqueda centrada por y para el hombre, no me interesan las huídas, creo que se puede ser mucho más certero cuando aprendes a convivir con la soledad y sabes de tus limitaciones, el contexto te va calando y actúo en consecuencia, el problema de algunas personas es que tienen tan adulterada su percepción sobre lo que le rodea que no ven más allá, un cuerpo es mucho más que un cuerpo. No

Foto: Enrique MartĂ­nez Bueso

Desapegos (2007) (Foto: Javier Salinas)

somos conscientes de que la tecnología punta está dentro de nosotros, somos un milagro del que no tenemos conciencia, todo está diseñado para alejarnos de nosotros mismos, todo está enfocado a que nos pensemos sobrados e importantes y no somos más que un patético envase en cuya etiqueta se puede leer la palabra catástrofe. En mi obra siempre he sido yo, ni he querido ni tengo a nadie que me haga el trabajo, porque se alteraría mi discurso y detesto lo postizo, no quiero intrusos porque la idea de intimidad es fundamental en mi mecánica, es mi cuerpo y son mis preguntas.

— ¿Cómo comenzó la idea de utilizar tu cuerpo en tus obras?

— Hace unos 25 años, una vela se derramó manchando mis manos, al enfriarse y sacarla de uno de mis dedos apareció un pequeño cuenco, ese fue quizás un detonante, esa imagen siempre me ha acompañado, la fuerza que encontré en aquella imagen no era normal, aquel inquietante momento hablaba de tantas cosas que me cautivó, surgió una toma de conciencia del cuerpo por haberme quemado y aparecieron conceptos como el gesto, ausencia, fragilidad, vacío, el cuerpo como contenedor… Copié mis dedos hasta la saciedad, más tarde fueron mis manos las que se introducían en cera caliente para acabar siendo reproducidas en resina, después, y por cuestiones técnicas, comencé a introducir mi cuerpo en escayola, esta vez era y es mi cuerpo sin distancias ni paseos.

Somos blandos, lo blando es caduco e impredecible, no tiene credibilidad, algo que puede desaparecer en cualquier momento, sólo está en disposición de vendernos su discurso, sus ideas, es ahí donde reside nuestra fuerza y lo realmente importante, que mis piezas sean cuerpos duros posiblemente sea una reacción a todo esto, una vez catalizados, el tiempo ni los cambia ni los altera.

— Al observar algunas de tus obras lo primero que se percibe es su carga simbólica, en ocasiones directa y clara y en otras, difusa, por poner un ejemplo, digamos que es como cuando entras en un templo románico repleto de símbolos, antaño reconocidos por todos y hoy casi indescifrables por la mayoría de la gente ¿qué importancia le das a la simbología en tus trabajos y cuáles son los recursos que utilizas?

— La simbología es una especie de motor interno,

cuando observas una obra ves la carcasa pero no las tripas. Hay símbolos como lechos de frenado que permanecen ocultos, otros son evidentes pero se alejan del concepto establecido, por ejemplo, vengo usando cráneos desde hace años y mi forma de entenderlos no me lleva a la muerte ni a lo dramático te lo puedo asegurar, siempre los he entendido como ejemplos de toma de conciencia, somos cráneos llenos por un tiempo limitado de ideas y emociones. Mira, existen cientos de miles de diferentes cremas cosméticas, para todo tipo de pieles, edades… pero todavía no se ha inventado una que sirva para eliminar toda esa ortopedia y que al frotarnos nos quedemos trasparentes eliminando esa capa de miserias llamada apariencia, intento al menos, que los símbolos que utilizo tengan ese papel, el de desvelar y ayudar a comprender.

— Una de las características de tus esculturas es la facilidad que tienen para comunicar pese al evidente y casi forzado estado de enmudecimiento ¿se trata de un recurso buscado en el que se deja a un lado la palabra a favor de la poética de la imagen y la iconografía?

— Me interesa mucho la idea de estaticidad, en el hombre no existe lo estático, lo quieto, tampoco el silencio ni la línea recta; la palabra sólo define, pero nada de eso forma parte de nosotros y me perturba. El ojo necesita comer y devorar imágenes, mi trabajo se posiciona como freno ante esa gula a través de la congelación de instantes. Llegar a lo estático es muy complicado y vuelvo a la importancia del proceso, se mueven cientos de kilos de material, los movimientos, los protocolos son demoledores y disfruto con ellos, que una obra aparente ser inactiva es algo que busco pero, como te digo, es sólo una apariencia, creo que resulta mucho más importante lo que no se cuenta que lo que se dice, los cuerpos esconden dentro de la pared la parte que lo complementa, eso quiere decir que me interesa infinitamente más que el movimiento surja en las neuronas del espectador que en la propia pieza, no soy un paisajista y menos me gusta dar la comida masticada.

— Otro de los elementos que dan más potencia visual a tus obras es el contexto en el que las expones eso es algo que, dependiendo del lugar donde se muestren, puede mostrar una visión diferente de la obra en

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general ¿Se trata de un elemento decisivo a la hora de exponer tus obras?

— No es un elemento decisivo pero sí resulta potenciador, no es lo mismo exponer en una feria o en un espacio sin gracia alguna, que en otro que por ejemplo te hable de su pasado, de hecho, una misma pieza cambia radicalmente de colocarla en una catacumba a colocarla en una iglesia, un espacio potente siempre intimida, genera una predisposición en el visitante y no se puede obviar. Creo que es una cuestión de respeto, somos miserablemente limitados y pequeños, pretender abordar un espacio de manera irreflexiva contando una historia es algo que hay que hacer con mucha consideración y con unas buenas pinzas. En algunos casos, la línea entre una propuesta y lo insustancial es extremadamente fina.

— Cada siglo tiene sus propias corrientes artísticas, en tu opinión, en este siglo XXI ¿percibes alguna nueva corriente artística que marcará nuestro siglo?

— No estoy capacitado para responderte, supongo que hay muchos profesionales que lo podrían hacer, a mi trabajo no le interesan esas percepciones, bastante tengo con mi lucha diaria para pensar en historias de esa trascendencia.

— En más de una ocasión te has declarado enemigo de las “modas” artísticas ¿realmente existen las modas? En tu opinión, ¿cuál es la diferencia entre modas y corrientes artísticas?

— Siempre me han dado igual, modas, corrientes artísticas… cuando alguien tiene repercusión es del todo normal que surjan lenguajes afines, en este mundo hay gente para todo, el problema no lo tienen ellos sino los que le dan cobertura porque demuestran un desconocimiento sesgado y garrafal sobre lo que se hace, España es un país sectario, el que tiene un poco de poder se monta el cortijo y por supuesto, ante lo que se hace fuera de nuestro país la genuflexión por delante, es bastante patético ver cómo funciona el sistema, tenemos muy buenos y contados gestores. Te puedo decir respecto a tu pregunta, que a la tecnología la utilizo, no permito que ella marque pautas ni resultados, lo mismo me pasa con la fotografía y con otros elementos que forman parte de algunas de mis obras creo, como ya te dije, que el arte está hecho por personas y para personas, a pesar de modas y mandangas, el hombre

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“No somos más que un patético envase en cuya etiqueta se puede leer la palabra catástrofe”

va a seguir teniendo siempre una misma medida, el hombre se va a seguir buscando.

— Se suele decir que nadie es profeta en su tierra aunque, en tu caso no es así, eres un artista muy valorado en España, en Yecla se puede contemplar tu obra de forma permanente y, además, durante este mes estás participando en dos exposiciones individuales en Murcia, háblanos de ellas.

— Bueno eso de ser muy valorado en España es bastante discutible. Efectivamente en Yecla se puede ver la escultura que me encargó la comunidad de Murcia para la Expo 92, es una pieza que realicé con lupas gigantes, el resultado es bastante perturbador.

Las exposiciones que ahora mismo tengo en Murcia se realizaron una a través de la Fundación CajaMurcia y la otra a través del Ayuntamiento de esta ciudad. En ambas me he intentado rodear de buenos profesionales, creo que para que cualquier proyecto tenga solvencia es necesario saber delegar, mi propia perspectiva puede llegar a ser muy sesgada a la hora de elegir determinada obra.

En el caso de la Fundación, el espacio expositivo es di-

Foto: Fernando Rincón

minuto pero muy particular, era la antigua cárcel de las monjas dentro del obispado, he tenido como comisario a Cristóbal Belda, uno de los mayores entendidos en la figura de Salzillo, ha sido fácil y desde un principio tuvimos una sinergia fantástica, la obra principal se titula Génesis y reflexiona sobre ese concepto. Respecto a la que se realiza en el Palacio Almudí es radicalmente opuesta, el espacio es enorme y se distribuye en dos plantas, el comisario ha sido Carlos Delgado Mayordomo, un profesional de esos que escasean, nuestro trabajo ha resultado ser totalmente simbiótico, Carlos describe muy bien en el texto los parámetros que ha mantenido a la hora de seleccionar las piezas.

terior del hombre en busca de respuestas pero el resultado siempre son preguntas, una obra es un signo de interrogación.

Una pieza te entra por los ojos pero su recorrido es hacia abajo, es visceral, es ahí precisamente donde se tiene que empezar a pensar, su finalidad consiste en despertar neuronas perdidas, sirve para desprogramarnos de lo habitual, para emprender otros caminos, la función del arte es mucho más sencilla de lo que podemos llegar a imaginar, a través de estímulos y sensaciones intentar conseguir una vía de conocimiento, una obra no es un regalo para la comodidad, es un espacio para la ebullición.

— La definición de “arte” es algo que aparece en cualquier diccionario pero, como artista que eres ¿cómo definirías el arte? ¿Cuál es la finalidad que crees que debería tener?

No te lo puedo definir, si escribiera libros te lo podría contar pero cuando se trabaja enfrentando intuición y materia, las palabras cojean y los conceptos se diluyen, creo que el arte es un estado de ánimo, su finalidad es no ser un muro sino un espejo, es un viaje hacia el in-

— ¿Qué proyectos tienes para un futuro próximo?

— Si hablamos de exposiciones individuales, Bahréin y Singapur para este noviembre, en España un par de fechas cerradas para enero y abril del próximo año, junto con otras dos en Panamá y Cuba. www.lidorico.net

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Curso legal -detalle- (2007) (Foto: Javier Salinas)

GĂŠn esis -detalle-

Autoretrrato entre la espada y la pared (2014) (Foto: Javier Salinas)

Fotografía

JEOSM Escritor de grafiti y fotógrafo, así es como se autodenomina este madrileño que en muy poco tiempo ha logrado hacerse un importante hueco en el mundo de la fotografía. Una de sus especialidades, aunque no es la única, es el retrato. Por la lente de su cámara han pasado infinidad de personajes y de lo más variopinto, desde cantantes de hip hop, pasando por famosos, celebridades y hasta académicos de la lengua como Pérez Reverte.

El trabajo de JEOSM se caracteriza por su frescura, la potencia y la fuerza que trasmiten cada una de sus fotografías, motivos más que suficientes por los que hemos querido hablar con él para conocerle mejor y descubrir su trabajo en esta entrevista.

Por EMNMM

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— EMNMM. ¿Qué significa JEOSM? — JEOSM. Es mi apodo desde pequeño y el mismo nombre que uso como escritor de grafiti, pero al final todo el mundo me llama “Jeos”.

— Fuiste uno de los grafiteros más “visibles” de Madrid y diste un salto al mundo de la fotografía. ¿Qué te impulsó a dedicarte a la fotografía? ¿Desde cuándo te dedicas a ello de forma profesional?

— ¡Muchas gracias! (risas) todavía sigo en activo y espero seguir estando “visible” ¡muchos años más! Creo que el impulso surgió de manera natural por la inquietud y la curiosidad por hacer buenas fotos a mis pintadas, no lo empecé planteándomelo como algo profesional. De manera más sería y profesional diría que desde 2010, fue cuando publiqué mi primer libro llamado Realidad.

— En la actualidad, ¿cuentas con un equipo propio o trabajas por tu cuenta?

— Suelo trabajar por mi cuenta y yo solo, aunque en algunos momentos al hacer una producción más grande suelo contar con maquilladora o incluso peluquera. En el tema de vídeo, que ahora mismo no suelo hacer mucho, lo hago siempre con Asier Vera de Pronostudio.

— Tus trabajos se caracterizan sobre todo por la fuerza y el impacto que producen pero también llama la atención el tratamiento de la luz, algo muy particular en cada fotógrafo.

— Me gusta mucho hacer imágenes potentes con mucha fuerza y carácter y que transmitan bastante. El tema de la luz creo que es nuestra principal herramienta para contar cosas, al igual que el gesto o la composición.

Siempre intento que la luz utilice el mismo lenguaje que el gesto y la persona, ya sea artificial o natural.

— El retrato y las escenas urbanas son los elementos más recurrentes en tus fotografías ¿qué es lo que más te interesa de este género y que es lo que más te interesa captar?

— El retrato es lo que suelo trabajar y en la disciplina que me siento más cómodo, el entorno suele ser urbano porque es lo que he vivido desde siempre, aunque también tengo muchos trabajos de estudio, la calle siempre es un espacio de inspiración muy potente para mí. Lo que más me interesa captar tanto en la calle como en estudio, es una fotografía real y sincera, con mucha fuerza. Me interesa el retrato tanto por su fenó-

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meno atemporal y testimonial como por el contacto con las personas, y lo que se puede “sacar” de ellas.

— Si bien es cierto que el retrato aporta muchos elementos enriquecedores en una fotografía, también es cierto que es un género difícil porque captar en una foto la personalidad de una persona es todo un reto, ¿cómo preparas a cada personaje para que muestre su interior? ¿Qué es lo más difícil?

— Lo principal es para mí es poder charlar y conocer a la persona con la que voy a trabajar, e intentar crear ese vinculo de sinceridad y comodidad, si es una persona que ya han retratado bastante, el reto para mí es hacer algo diferente y original pero con carácter y fuerza. Lo más difícil creo que sería esto último, hacer algo diferente, o hacer buenos trabajos en poco tiempo; hay algunos trabajos comerciales en los que sólo he tenido 3/5 disparos con algunas personas.

— Por el objetivo de tu cámara han pasado infinidad de personajes de todo tipo y de toda condición, ¿cómo valoras esta experiencia?

— La valoro muy positivamente y como un aprendizaje para seguir descubriendo y disfrutando de la fotografía día a día. Me gusta mucho trabajar con diferentes tipos de personas y de diferentes ámbitos, es muy enriquecedor.

— En tu opinión, ¿qué es lo más importante en una fotografía?

— Para mí más allá de la técnica y el formato, es lo que cuenta, lo que narra, lo que sugiere la imagen.

Más allá de la mera estética, que también es un factor muy importante — ¿Cómo preparas cada trabajo? ¿Suele ser por encargo?

— Tengo dos métodos de trabajo, para encargos y para mi trabajo personal. Para encargos, lo primero es hablar con el cliente sobre lo que buscan, sus necesidades y los recursos con los que contamos, una vez hecho esto, intento aportar en todos estos trabajos mi visión y estilo a la hora de fotografiar. En el trabajo personal busco un concepto claro desde el principio e intento trabajar con las personas que cumplen con los requisitos que necesito, pero sí dejo mucho más espacio a la intuición.

— Sacrificio es el nombre de un proyecto editorial en el que estás embarcado, háblanos de ello.

— Es un libro sobre las MMA (Artes marciales mixtas) de nuestro país, lo realizo junto a Fran Montiel, promotor de MMA, en

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el que se podrán encontrar cerca de 100 fotografías de este apasionante deporte de contacto, espero que en un par de meses o tres como mucho esté en la calle, será un edición limitada a 500 ejemplares y tendrá unas 120 páginas. Es un proyecto muy especial para mí en el que he cambiado totalmente de registro fotográfico, aunque hay muchos retratos, muchas de las fotografías son de combates, y como en cada proyecto nuevo he aprendido y disfrutado mucho.

— ¿Trabajas en otros formatos como puede ser el vídeo?

— Sí, pero tampoco demasiado, hago dirección de fotografía y cámara. Prefiero la fotografía, me gusta y llena muchísimo más.

— Llevas relativamente poco tiempo trabajando de forma profesional en el mundo de la fotografía pero has logrado hacerte un hueco importante en este medio ¿cómo ha sido para ti todo este proceso?

— Ha sido un proceso de mucho trabajo y constancia, y de mucho aprendizaje también, me tomo la vida un poco con la mentalidad de “escritor de grafiti”, de dar sin esperar nada a cambio y, sobre todo, con mucha cabezonería y constancia. Creo que esa actitud es la que te lleva a conseguir cosas, y más todavía, a disfrutarlas cuando mi objetivo no es otro que el disfrutar haciendo fotos.

— ¿Qué proyectos tienes para un futuro próximo?

— Ahora mismo ando centrado en publicar el libro Sacrificio, y estoy trabajando en dos proyectos personales más, uno con retratos a mujeres en mi estudio y otro sobre escritores de grafiti por la noche, que espero que pronto podáis saber más sobre él.

— ¿Dónde podemos ver tus trabajos?

— Principalmente en mi web y en mis redes sociales tanto facebook, instagram o twitter.

— JEOSM, muchas gracias y suerte con tus proyectos.

— ¡Muchísimas gracias por todo! ha sido un placer.

www.jeosm.com

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Pasolini Una pelĂ­cula de Abel Ferrara

Cine

Tras su paso por los Festivales Internacionales de Cine de Venecia y San Sebastián, el 20 de marzo llega a España uno de los títulos más esperados del año: Pasolini, una película dirigida por Abel Ferrara y protagonizada por Willem Dafoe.

En esta película Abel Ferrara reconstruye el último día en la vida de este legendario cineasta y poeta con su habitual colaborador Willem Dafoe que se mete en esta ocasión en la piel de Pier Paolo Pasolini. El estreno de la película en los festivales de cine provocó muchas expectativas pues corrió el rumor de que la película trataría las teorías conspirativas de su asesinato. Evidentemente, se trataba de un rumor, quién sabe si mal intencionado, lo que sí retrata la película es su vida, su trabajo y su pasión.

En el reparto también participan actores como Ninetto Davoli (El Decamerón,Las mil y una noches), Riccardo Scamarcio (La mejor juventud), Valerio Mastandrea (La prima cosa bella) y Maria de Medeiros.

Este año se cumplen 40 años de la muerte de Pasolini, un símbolo del arte que luchó contra el poder. Sus escritos fueron considerados escandalosos y sus películas perseguidas por la censura de la época.

Pier Paolo Pasolini es un personaje que levanta pasiones y es uno de los nombres más importantes de la cultura del siglo XX. Su muerte acaeció la noche del 2 de noviembre de 1975. Horas antes de su muerte pasó sus últimas horas con su amada madre y más tarde con sus amigos más queridos antes de salir aquella noche en su Alfa Romeo en busca de aventura en la Ciudad Eterna.

Al amanecer, Pasolini fue encontrado muerto en una playa de Ostia, en las afueras de la ciudad.

Distribuye: Good Films y La Aventura Estreno 20 de marzo

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EL ÚLTIMO LOBO Una película de Jean-Jacques Annaud

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© 2014 - CHINA FILM Co., Ltd, REPERAGE, MARS FILMS, WILD BUNCH

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El director de cine francés Jean-Jacques Annaud director de exitosas películas como El Oso, El Nombre de la Rosa o Siete Años en el Tíbet se embarca en un nuevo proyecto basado en un best-seller chino, una novela semi autobiográfica escrita por Lu Jiamin bajo el seudónimo de Jiang Rong. Se trata de una emocionante y épica historia sobre un joven que se ve obligado a permanecer en el interior de Mongolia durante la Revolución Cultural China.

El joven estudiante de Beijing llamado Chen Zhen, es enviado a las estepas de Mongolia para educar y enseñar a leer y escribir en chino a los niños nómadas.Viviendo en una aldea rural, el estudiante tendrá que adaptarse a una vida dura y hostil, rodeado por una de las criaturas más temidas y reverenciadas de la tierra, el lobo. Seducido por la relación casi mística de estas criaturas y los pastores, el joven captura un lobezno para domesticarlo pero la emotiva relación entre Chen y el cachorro de lobo se ve amenazada cuando un representante regional de la autoridad central decide eliminar como sea a todos los lobos de la región.

Para esta producción franco-china, los productores chinos contactaron con Jean-Jacques Annaud para dirigir esta película por ser uno de los pocos directores con gran experiencia con los animales salvajes, entre otros motivos. El rodaje se realizó en la Mongolia Interior, una región autónoma de China donde se desarrolla la historia original, y se prolongó durante más de un año. Según palabras del propio director, lo más duro del rodaje fueron las malas condiciones climáticas, especialmente las bajas temperaturas.

Otro de los problemas a los que el cineasta se ha tenido que enfrentar ha sido la selección de los animales, para ello ha contado con la ayuda del entrenador de animales Andrew Simpson quien se encargó de entrenar desde cachorros a las dos manadas de lobos que aparecen en la película.

La película se estrenó en China coincidiendo con las vacaciones del Año Nuevo Chino y en Francia a finales del mes de febrero. Su estreno en España todavía no está confirmado pero posiblemente sea a finales de marzo o principios de abril.

Título original Wolf Totem País: China / Francia Año: 2015 Distribuye: Vértigo Films

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© 2014 - CHINA FILM Co., Ltd, REPERAGE, MARS FILMS, WILD BUNCH

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Escena

MANUEL

GALIANA El teatro en las venas

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Sobran las presentaciones cuando se trata de hablar de una leyenda de la escena como es Manuel Galiana, un actor madrileño que ha pasado casi toda su vida sobre un escenario. Son cientos los personajes a los que ha dado vida y numerosos los premios y reconocimientos que ha recibido, entre ellos el Premio Nacional de Teatro en 1998, el Premio Nacional de Teatro Pepe Isbert en 2012 y más recientemente la Medalla de Oro de Bellas Artes en 2014.

En la actualidad, Manuel Galiana compagina su carrera de actor con la dirección de la compañía Martes Teatro, una joven compañía que con tan solo dos temporadas ya ha cosechado el premio más importante, el reconocimiento del público que fielmente asiste a sus montajes.

Precisamente en la sala de esta compañía de la calle Moratines, en el castizo barrio de Embajadores, ha sido el lugar donde nos hemos reunido con Manuel Galiana para hablar con él de la compañía y de su apasionante vida sobre los escenarios en esta entrevista en la que, además, descubrimos a un personaje más allá de su vida profesional como actor, una persona cálida y generosa con una larga vida dedicada a satisfacer al público.

Por: Ramón Rivas

— EMNMM. Manuel, toda su vida la ha dedicado al mundo de la escena, ¿cómo fue su primer contacto con el mundo del teatro?

— M. Galiana. Empecé desde muy niño, yo creo que las primeras actuaciones las hice de pequeño, con los amigos de la calle, cuando nos contábamos películas sentados en el bordillo de la acera (risas). De manera más seria empecé cuando estudiaba bachillerato. Estudié en el Instituto de San Isidro, allí tuve la fortuna de que un profesor de literatura, don Antonio Ayora, formase un aula de teatro y yo me apunté a ella. Don Antonio era un maestro maravilloso, no solamente como maestro de teatro sino como maestro de la vida. Todos los que pasamos por sus clases guardamos un recuerdo maravilloso... Es muy importante tener un buen maestro y yo lo tuve.

Después, en la adolescencia, ya tenía muy claro que quería ser actor, se podría decir que lo decidí la noche que fui al Teatro Español, que lo dirigía José Tamayo, al estreno de Enrique IV de Pirandello. Ese fue el primer estreno al que había ido en mi vida, yo iba mucho al teatro con mis padres pero esta era la primera vez que asistía a un estreno. Fue un estreno glorioso, inolvida-

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ble… Esa misma noche, después de salir del teatro, decidí que si el teatro podía ser eso que había visto ya no quería pertenecer a otra cosa, aunque también es verdad que lo que más ilusión me hacía era trabajar en el cine.

Después me matriculé en la Escuela Oficial de Cine, les dije a mis padres que quería ser actor y ellos que ya me habían visto actuar en el instituto, supongo que vieron que yo ya apuntaba maneras y no pusieron pegas, en mi casa siempre hubo mucho respeto al arte y sobre todo al teatro. Me matriculé y desde el principio me fue muy bien, hice muchas prácticas y empecé a destacar.

Por aquel entonces estaba convencido de que el cine era mi camino pero antes de terminar los estudios me surgió la posibilidad de hacer una obra de teatro, La casa de los siete balcones en el Teatro Lara en plan protagonista junto con Amelia de la Torre, donde me fue muy bien. Ese mismo curso acabé la carrera, me dieron el premio extraordinario de fin de carrera. Yo estaba convencido de que con este premio y con el éxito que tuve en el teatro la puerta del cine estaba abierta pero no fue así, se empezaron a encadenar las ofertas para hacer teatro y televisión.

— ¿Recuerda cómo fueron sus primeras pruebas de selección en el teatro?

— ¡Claro! Cuando estudiaba en la Escuela Oficial de Cine había una cosa que se llamada el “meritoriaje” que consistía en que tenías que tener como mínimo seis meses firmados por una empresa de trabajo, para que te dieran el “carnet de actor”, entonces, mi amigo Manolo Collado, me dijo que hacía falta en el Teatro Bellas Artes un personaje para la obra de Casona Los árboles mueren de pie. Casona buscaba a un tipo de mis características, así que me armé de valor, todavía no sé cómo pude vencer mi timidez y me presenté, le dije que si me podía hacer una prueba. Algo me vería que me dijo: toma, llévate este libreto, lo estudias y vuelve. Así lo hice, me volví a presentar y ensayamos en uno de los camerinos. Yo interpretaba y Collado me daba la réplica, que en el teatro sería Amelia de la Torre. Este personaje que quería interpretar tenía una dificultad, grave, curiosa y mágica, era un personaje mudo, pero que se pasaba hablando toda la función, la gente sabía que yo no hablaba, que era mudo y que me comunicaba con mi tía por el pensamiento, era un efecto mágico. En un momento determinado de la obra el personaje que

quería hacer yo se rebela contra la brutalidad del padre y coge un atizador de la chimenea y le sacude en la cabeza mientras le sale un grito... La prueba salió bien, Casona me digo que la réplica estaba muy bien pero que la dificultad estaba en el grito que debía dar, pero que claro, así, en frío... entonces le dije que si quería que lo hiciese, “¿te atreves?” me respondió, “sí, claro que me atrevo”, respondí. La verdad es que yo no estaba frío, dentro de mí tenía un bullebulle que para qué, yo no sé de dónde salió aquello pero di un grito en aquel camerino... Inmediatamente después los actores que estaban en los otros camerinos vinieron al nuestro asustados por el alarido ¡qué ocurre! ¡qué ocurre! dijeron, Alejandro Casona salió a su encuentro y les tranquilizó diciendo: “nada, no ocurre nada, es que acaba de nacer un actor y son los gritos del parto”.

— ¡Qué historia tan bonita!

— Sí, fue muy bonito, recuerdo que salí de allí, fui a casa muy despacio y muy tranquilo. Al llegar a casa les dije a mis padres que me preguntaban con ansiedad: “ufff me lo han dado...”. Fue muy bonito, el estreno fue genial y el primer aplauso de la noche fue el mutis que yo hice...

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— Sus papeles en la televisión son muy recordados y queridos, ha trabajado con los más grandes como Narciso Ibáñez Menta o su hijo, Narciso Ibáñez Serrador ¿cómo fue esta experiencia?

— Una noche Narciso Ibáñez Serrador asistió a una función de teatro y me vio, al terminar se acercó a mí y me dijo: ¿quieres trabajar conmigo? ¡Ah! sí, sí, claro… le dije pensando que era en broma, pues ya te llamaré, me respondió. Un buen día Narciso me llamó y me dijo: ¿quieres hacer el mejor papel de tu vida? a lo que respondí ¿me vas a dar Hamlet? (todos los actores queremos hacer ese papel alguna vez en la vida). Entonces Narciso me dijo: nada de eso, Hamlet ya lo ha hecho todo el mundo, este personaje que te ofrezco no lo ha hecho ni lo va a hacer nadie más que tú y es un papel por el que te van a recordar toda la vida. Se trataba de un papel en el programa Historias para no dormir, se llamaba El último reloj, una adaptación del Corazón delator de Poe. Este capítulo fue un exitazo enorme no solo en España.

— Hablando de Historias para no dormir y de Narciso Ibáñez Serrador, también contó con usted en uno de los míticos capítulos de esta producción, La zarpa, una historia brutal en la que, además, trabajaba con una de las más grandes de la escena, Irene Gutiérrez Caba.

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— Sí, ¡La zarpa! menuda historia… Chicho es un hombre fantástico y su padre también lo era, aquel programa fue un exitazo tremendo, tuve la fortuna de trabajar con ellos en ese capítulo, una historia fabulosa con grandes actores como Irene Gutiérrez Caba.

— Desde el principio entró de lleno en el teatro, la televisión pero… ¿el cine?

— Ocurrió todo muy deprisa, finalicé los estudios con un premio, debuté en el teatro y de repente, me meto en la televisión. Poco tiempo después aparece Damián Rabal, hermano de Paco Rabal, que se dedicaba a la representación de actores y me propuso hacer una película con Cantinflas y Harry Belafonte. Sin pensarlo le dije que sí, me decía a mí mismo ¡ya está! por fin voy hacer cine, la cosa no ha podido empezar mejor pero, al final, la película no se pudo hacer... Así que seguí haciendo teatro y televisión con mucho éxito, yo seguía pensando que pronto llegaría alguien del cine para hacer alguna película. Comenzaron a llegar los premios y José Tamayo, que ya me había fichado para hacer la obra Enrique IV, me volvió a llamar para otro montaje y sin darme cuenta me veo ocupando la cabecera del Teatro de Bellas Artes y con un éxito que batió récord de taquilla en ese momento, todo esto ocurrió en espacio de cuatro o cinco años, fue un salto inmenso, la fortuna me fue ayudando.

— En los años sesenta y setenta muchas obras de teatro se llevaron a la televisión y en ellas trabajaron grandes actores, entre ellos usted.

— Sí, los “Estudios 1” tuvieron mucho éxito y en ellos trabajaron actores muy grandes. Yo no soy muy partidario de que el teatro vaya a la televisión, creo que la gente debe tener en cuenta una cosa, el teatro en televisión no es teatro, como tampoco un texto escrito es teatro. El teatro es una convocatoria, un revelación, una ceremonia en la que aparecen unos oficiantes que van a dar un mensaje y, al otro lado, está una representación social que va escuchar ese mensaje.

— ¿Cuál ha sido el papel más ansiado en su carrera profesional?

— ¡Cyrano de Bergerac! Recuerdo que desde muy joven me sentaba en la plaza de Santa Ana mirando al Teatro Español diciéndome a mí mismo “un día haré ahí el el Cyrano”. El sueño se cumplió, un día Gustavo Pérez Puig me llamó para hacer Cyrano de Bergerac. Fue emocionante, noches y noches de éxito, la gente en pie, las ovaciones... uff aquello fue fantástico.

— ¿Por qué Cyrano?

— Cyrano es de los papeles más grandes, por el esfuerzo físico y sentimental que requiere y porque nunca se ha representado el amor de verdad como en Cyrano, un amor de verdad y generoso. Esa entrega de Cyrano al amor es impresionante.

— Usted ha trabajado con toda una generación de grandísimos actores que han dejado a las generaciones posteriores el listón alto.

— Cómo alto, ¡altísimo!, los actores que éramos jóvenes en esa época tuvimos esa fortuna, porque, además, toda esa gente trabajaba con nosotros también en televisión. A propósito de La zarpa, de Historias para no dormir que me preguntabas, un día se lo pasé a mis sobrinos y cuando termina me dice una de mis sobrinas: “oye tito, qué bien hablan estos actores” (risas). Fíjate qué curioso es lo que le sorprendió a la muchacha.

— A día de hoy, el hecho de subir al escenario en el estreno de una obra ¿le da miedo?

— El día del estreno hay miedo por si falla algo, por algún tema de mecánica o algo técnico pero no por la interpretación. No se tiene miedo, es el sentido de la responsabilidad que se va acrecentando a medida que pasa el tiempo. El escenario nunca se hace pesado, cada día es nuevo porque el que está sentado en la butaca

es nuevo y tú tienes que convencerle de algo que le estás contando. En el teatro jamás puedes mecanizar tu trabajo, un actor tiene que salir al escenario para hacerlo bien, con toda su alma, un actor tiene que ser un tipo firme, sano y seguro, que sabe muy bien lo que tiene que hacer sobre un escenario.

— Ha pisado las tablas de la mayor parte de los teatros de España, en Madrid ¿cuáles han sido para usted los grandes templos del teatro?

— El María Guerrero y el Teatro Español son dos de ellos, he trabajado en los dos y el María Guerrero con la obra Tres sombreros de copa, entre otras, y en el Teatro Español con El caballero de las espuelas de oro o el Cyrano, con un gran éxito en los dos, ha sido un honor y un orgullo para mí.

— Recientemente ha sido premiado con uno de los galardones más importantes que se pueden tener, la Medalla de Oro de Bellas Artes 2014 ¿qué ha supuesto para usted?

— La medalla de oro de bellas artes es un reconocimiento muy bonito. Cuando uno ya ha cumplido más de 50 años de vida profesional en el teatro, que el reconocimiento de tu trabajo se materialice es bonito porque yo ya ha tenido todos los piropos que te pueden decir en el teatro, y perdona la inmodestia, todos esos piropos los guardo en mi corazón y en la memoria pero que también venga de manera oficial es muy importante.

— Además cuenta con muchos premios más, entre ellos el Premio Nacional de Teatro en 1998, Premio Nacional de Teatro Pepe Isbert en 2012, ya con esto puede presumir...

— Y esta sala, el mayor premio es esta sala de teatro, porque tiene una historia… una historia de amor y de mucho cariño.

— ¿Cómo fue esa historia de amor?

— Fue hace algún tiempo, yo ya había comenzado a dar clases de teatro con una gente y un buen día esa gente decidió que no querían separarse de mí y... (se emociona). Un buen día me dijeron: toma, las llaves de tu teatro, entré aquí y me encontré con esto, una sala nueva y acondicionada, lo habían hecho para que nunca dejara de seguir dándoles clases...

— Qué historia más bonita — Uff, es una historia preciosa... (se vuelve a emocioEMNMM - 95

nar). Este es un gran premio que no te lo puedes llevar a casa, tengo yo que venir al premio y aquí estoy.

Empezamos muy bien, me encontré con una sala nueva, con actores que no eran conocidos, con unos textos fantásticos de Elena Belmonte y todo empezó a funcionar muy bien.

— ¿Cuánto tiempo lleva el teatro abierto?

— Dos años, esta es la segunda temporada, estaremos hasta final de julio y en septiembre volvemos otra vez con espectáculos nuevos. No es un local que contrata espectáculos, este es el local de la compañía Martes teatro, cuyo fin es formar a los actores y que la compañía sea reconocida y que recorra los teatros de España.

— Tener de profesor a Manuel Galiana son palabras mayores, es algo que debe imponer un poco a sus alumnos.

— Hombre, algunos llegan al principio con algo de vergüenza pero se les pasa rápido, procuro que se sientan cómodos y que sean conscientes de que van a entrar en un mundo mágico, quiero que sean conscientes de que van aprender a ser otros sin dejar de ser ellos mismos.

Es importante que el actor cuando pisa un escenario sea consciente de que entra en un sueño, digamos que es como cuando dormimos y soñamos, en los sueños nos pasan cosas que por muy absurdas que sean las vivimos como si fueran de verdad, pues en el teatro pasa lo mismo, es un sueño, otra realidad que hay que vivirla y todo tiene que estar en la cabeza del actor, en su cerebro, en la imaginación...

— ¿Qué hace a esta escuela de teatro diferente a las demás?

— ¡Que están conmigo! (risas). Una de las cosas que he ido aprendiendo con el tiempo, trabajando con directores que son actores, es la ventaja que había en ello.

Esto lo he visto con Ibáñez Serrador, con Marsillach, José Luis Alonso... y es que cuando diriges no lo haces sólo como director, también lo haces como actor y por eso se conoce en todo momento todas las dificultades a las que se enfrenta un actor y sabes a cada instante lo que le pasa al que está sobre un escenario.

— En esta escuela, además de dar clase, también actúa y dirige, ¿qué es lo que más le gusta?

— Me gusta todo pero en especial dar clase, el poder desarrollar las habilidades de los actores que vienen a estudiar con tanta ilusión, es fantástico. Los actores

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necesitan enfrentarse al público, creo que todas las escuelas deberían hacer las clases frente al público, esto es bueno porque el teatro nos hace crecer a los actores, es un trabajo más “peligroso” que el cine o la televisión.

— Ser actor no es un trabajo fácil, puede que sea como el trabajo de un médico, siempre hay que estudiar y prepararse ¿no es así?

— Eso es, yo todos los días trabajo para el teatro y ahora con la escuela mucho más, paso muchas horas leyendo textos y textos para ver qué obras podemos hacer, aunque es cierto que tenemos algunas limitaciones en esta sala por temas de espacio.

Ser actor es un trabajo en el que siempre hay que estudiar. Hay una cosa que ha sido fundamental en mi vida, siempre lo cuento y es posible que me repita, pero es que para mí ha sido muy importante; cuando comencé a estudiar teatro leí una cita de Goethe que decía: “me gustaría que el escenario tuviera la anchura de una cuerda floja para que nadie que no estuviera capacitado pueda atravesarlo”. Esto es muy cierto, cuando lo leí por primera vez a los 15 años me dejó impactado, desde entonces, desde que comencé a estudiar teatro en San Isidro, yo no dejo de prepararme todos los días.

— Una de las facetas más curiosas de su vida fue la presentación en las elecciones europeas de la plataforma Recortes 0 ¿qué es esta plataforma? ¿Sigue en activo?

— Sí, ahí estamos ¡soy un hombre de acción! Esta plataforma pretende reunir a una serie de ciudadanos para recoger toda una serie de quejas con las que se pretende hacerlas llegar a los partidos políticos para que se enteren de lo que realmente pasa a la sociedad y sí, esta plataforma sigue en activo.

— La crisis ha llegado a todos los rincones de la sociedad ¿el teatro también está en crisis?

— Bueno, el teatro y la crisis siempre han ido de la mano, siempre ha sido así, este trabajo siempre ha sido precario, no tiene empleo fijo, hasta hace muy poco no teníamos ni Seguridad Social, se han hecho algunos logros, es cierto, pero la crisis en el teatro siempre ha estado ahí. Ahora estamos con esta lucha para que nos quiten el 21% de IVA. — La bajada del IVA en la cultura es algo que todos deseamos pero también hay que recordar que el

mundo del libro tiene un IVA del 4% y no es precisamente uno de los sectores más boyantes de la cultura ¿cree que la bajada del IVA supondría la solución a la crisis del teatro?

— No, no es la solución pero serviría para que podamos seguir trabajando y poder montar un espectáculo, sería justo que las compañías puedan ir a los teatros con 90% de taquilla y que lo recaudado se entregue después de las funciones para no tener que esperar meses y meses para cobrar una pequeña parte. Actualmente las compañías o los empresarios más potentes pueden aguantar más tiempo pero para las pequeñas compañías esto un desastre.

Actualmente el teatro en España está en un momento muy bueno, como tú dices, la cosa no depende de que sólo se baje el IVA, el que sea de 21% es la posibilidad de poder hacerlo o no. Hay un florecimiento teatral en España fantástico pero las limitaciones frenan todas las posibilidades. Lo que sí es cierto es que el teatro siempre se salva de todas las crisis gracias al público.

como ha quedado demostrado en la pasada edición de los premios Goya. Este es uno de los pocos premios que todavía no ha recibido, ¿le gustaría tener un Goya?

— ¡Claro! me gustaría hacer un trabajo en cine consistente y optar a un Goya, me gustaría mucho es verdad.

Mi vida se ha centrado sobre todo en el teatro y no he hecho mucho cine. Estoy muy agradecido a José Luis Garci, con él he podido trabajar en tres películas suyas y fue una experiencia muy bonita, es un director al que le gustan los actores y por eso me gustó mucho trabajar en sus películas, Tiovivo, Luz de domingo o Sangre de mayo, que fue la última película en la que trabaje.

— Don Manuel, gracias por compartir sus recuerdos con nosotros y le deseo la mayor de las fortunas con la compañía Martes Teatro.

— Gracias a vosotros. www.martesteatro.com

— Volviendo al cine y a los premios, recientemente hemos asistido al renacimiento del cine español,

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UNA PUTA MIERDA Sala nada c/ Santa Ana, 6 Madrid Todos los viernes y sรกbados de marzo a las 22:30

Una puta mierda (O siete personajes que podría ser pero elijo no ser) por Trigo Gómez

Un Mendigo, un banquero, un médico, un modelo, una persona harta de todo y un rapero de los clásicos de la literatura son los personajes que se suben al escenario en Una puta mierda, un monólogo dividido en siete piezas, todas ellas interpretadas por el actor Trigo Gómez.

Con este escatológico título cargado de connotaciones de indignación y de rabia, el actor Trigo Gómez recupera una de las funciones terapéuticas del teatro, la de servir como válvula de escape al espectador que en estos tiempos que corren, tan difíciles y en los que a diario padecemos una ingente cantidad de problemas, penurias y noticias desagradables.

Cada uno de los personajes son personas como tú y como yo que, enloquecidos y llevados al límite, escupen por su boca todo tipo de improperios, algo que no sólo logra provocar una cierta empatía, además, provoca la carcajada pese a lo grotesco que puedan parecer los personajes.

Una puta mierda no es un llamado a la revolución ni a las barricadas, es una invitación a recuperar la dignidad y a gritar ¡una puta mierda! a todo aquel o aquellos que nos golpean día a día, animándonos a luchar con el arma más poderosa que tenemos, la risa.

Sobre Trigo Gómez Trigo Gómez (Albacete 1977), es un actor que después de experimentar con diferentes métodos de interpretación y trabajar en diferentes compañías, ha decidido tomar su propio camino y encontrar su manera de hacer las cosas, buscando en lo más profundo de sí mismo las historias que contar.

En Una puta mierda, además de interpretar a los personajes, Trigo Gómez ha escrito cinco de los siete monólogos de la obra: Moléculas, El Doctor y Chúpamela, inspirados en textos de Eric Bogosian y El Banquero y El Modelo Orgulloso escritos por Trigo Gómez.

Dirección El director, Camilo Vásquez (Buenos Aires, 1977), es también actor, formado en la Escuela del Teatro General San Martín de Buenos Aires y en Andamio 90, de Alejandro Boero.

Cuenta con una amplia experiencia en el mundo del teatro y del cine, tanto en actuación como dirección. En 2007 funda su propia compañía de teatro que alterna con sus trabajos tanto en el teatro, como en el cine o la televisión.

Por R.J.

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Música

Virginia Labuat Cumpliendo sueños

Por R.J. Fotos: Christian Gamdek

Virginia Maestro Díaz (Linares, 1982), más conocida como Virginia Labuat, es una cantante y compositora que se dio a conocer en 2008 por ser la ganadora del programa de televisión Operación Triunfo. Aquella fue una victoria agridulce pues la participación en este concurso no fue en absoluto placentera para ella, quizás porque en este tipo concursos lo que prima es que los cantantes se conviertan e imitadores de otros, capaces de interpretar desde una jota manchega a un éxito de Madonna, desdeñando, aparentemente, a verdaderos talentos, artistas con personalidad propia como es el caso de Virginia.

Tras su paso por el concurso Virginia fichó con Sony y editó su primer disco en 2009 Labuat. Después vendrían Dulce hogar (2011) y Nigth & day (2013). El año pasado Virgina decide que se separa de Sony Music y se lanza a la aventura en un nuevo proyecto, Blue Bird. Para ello recurre al crowdfunding y en un tiempo récord consigue el dinero suficiente para realizar este trabajo 100% Labuat que posiblemente verá la luz en esta primavera.

Virginia Labuat es una mujer con un talento y una personalidad impresionante y es, además, una mujer valiente que ha sabido salir adelante y cumplir su sueño superando todos y cada uno de los obstáculos a los que se ha enfrentado con valentía.

— EMNMM. Virginia, eres de Jaén pero vives en Madrid desde hace ya bastante tiempo…

— V. Labuat. Sí, nací en Linares y a los seis años me trasladé a Córdoba, después viví en Sevilla y desde hace siete vivo en Madrid, desde que participé en Operación Triunfo hasta hoy.

— Tu participación en el programa de televisión Ope­ ración Triunfo fue de todo menos alegre; problemas con los compañeros, con los profesores… ¿Cómo se te ocurrió la idea de participar en este concurso?

— Desde muy pequeña tenía muy claro que me quería dedicar a la música y vi en este programa una buena oportunidad. Me presenté en las primeras ediciones y no me cogieron. Después de presentarme varias veces me desanimé y ya no pensé en volver más a las pruebas pero mis amigos me animaron a que me volviese a pre102 - EMNMM

sentar, y bueno, yo… tenía 25 años, tres euros en el bolsillo (risas) a mi familia les tenía desquiciados porque yo quería dedicarme a la música pero no tenía medios ni apoyos que me sirvieran de vehículo para realizarlo, así que un día me volví a presentar a las pruebas de selección de OT, me puse a la cola, la última y, sin saber cómo, pasé todos los castings y lo más increíble de todo, gané el concurso.

— Tienes un estilo y una voz muy personal algo que no es muy habitual en este tipo de concursos ¿cómo fue la experiencia en el reality?

— Yo estaba convencida de que mi estancia en la escuela de OT no duraría mucho, precisamente por lo que tú dices, tengo un estilo muy personal que no pega ni con cola en un concurso de este tipo en el que se busca gente que se adapte a todo tipo de estilos y a

todo… yo no soy así. Si no me siento cómoda se me nota enseguida, mucho más en un escenario y si para colmo me obligan a ponerme unos tacones de 15 centímetros y a cantar una canción que ni me gusta y ni me apetece pues lógicamente se va notar. Fue una de las experiencias más educativas de mi vida, tuvo algunas cosas positivas y muchas negativas. Como todo reality trafican con los sueños y las ilusiones de personas que juegan con desventaja. Lo negativo fue la presión de las cámaras, el micro colgado las 24 horas, las mil historias personales y duras que he vivido allí pero, el hecho de estar encerrada todo el día es lo que peor llevé. Estar encerrado es una experiencia a la que ningún ser humano está preparado, sin embargo, el ser humano es un animal que se adapta a cualquier situación y a cualquier cosa. Es curioso, allí estuve rodeada de mucha gente pero en toda mi vida no me he sentido más sola.

— ¿Cuánto tiempo duró el encierro? ¿Tenías algún contacto con el exterior?

— Fueron cuatro meses los que pasé encerrada en OT, hablé con mis padres dos veces por teléfono durante 15 minutos y sin poder comentar nada del exterior, también es cierto que vinieron a verme dos veces porque me nominaron cuatro semanas seguidas…

— ¿Qué hubo de positivo en el concurso?

— Encontré muy buenas personas y muy buenos profesionales, como el profesor de técnica vocal Miguel Manzo, que es un hombre maravilloso y uno de los mejores profesores de técnica vocal que hay en España, de hecho, sigo dando clases con él. También Manu Castellano, un compañero que es un cielo y profesores que eran encantadores. En general, aunque lo pasé bastante mal en el concurso, también EMNMM - 103

encontré un público maravilloso que me ha cambiado la vida.

— Finalmente y contra todo pronóstico, ganaste el concurso y fichaste con Sony.

— Así es, saqué tres discos, el primero compuesto por Risto Mejide y una canción y media mía, producido artísticamente por The Pinker Tones e hicimos el disco Labuat, el segundo disco Dulce Hogar ya con temas propios míos y el tercero Nigth & Day que también tiene temas míos y se incluye un CD y un DVD, este disco ha sido uno de los más especiales para mí y del que me siento más orgullosa.

— Risto, además de apoyarte en OT ha confiado en tu carrera musical con tu primer disco ¿Qué significó para ti esa confianza?

— Hombre, Risto para mí fue un pilar, en OT todo el mundo me metía mucha caña, me repetían una y otra vez que si tenía inseguridad escénica y bla bla… pues al final todas esas cosas te lo acabas creyendo y si encima

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lo estás pasando mal en el concurso el hecho de encontrar a alguien que te apoya, que si fallas te dice que no pasa nada y te anima a esforzarte, que ves un trato más humano y que de alguna manera se hace cómplice tuyo durante cuatro meses pues se convierte en un pilar. De alguna manera también se convirtió en la voz del pueblo, de la gente que me apoyaba a mí. Lógicamente cuando salí del programa me sentía muy unida a esta persona, entonces me propuso ese proyecto y honestamente, Risto en aquella época era la única persona en la que podía confiar y no sólo eso, pensé que sería una buena oportunidad de trabajar en lo que realmente me gusta y sacamos el proyecto adelante con un disco muy lindo, fue una experiencia muy bonita en la que aprendí mucho y de la que no me arrepiento para nada.

— También compones ¿no es así?

— Compongo desde que tenía 11 años y ya desde entonces tenía muy claro que quería dedicarme a esto.

Para mi suerte o mi desgracia, siempre he tenido muy claro lo que no quiero.

— A finales del año pasado rompiste la relación que tenías con Sony y te lanzaste a la aventura en solitario, todo un acto de valentía ¿no?

— Antes de cortar con Sony quise preparar una cosa muy bonita, un disco más personal pero no parecía que se pudiese realizar con ellos, no había la implicación que yo quería. Es cierto que estoy encantada con Sony pero si no había una implicación mucho mayor que la que tenía no podía continuar con la discográfica, yo no me puedo permitir el seguir desmoralizándome, yo vivo, además de mis canciones, de mi ilusión, si la ilusión se va al traste voy a perder la motivación y ahí es cuando ya no podré hacer nada. Me daba miedo seguir en esas circunstancias, viendo que no había la promoción y la implicación que yo esperaba… implicación más allá de la que hubo para costearlo, que ya es mucho, lo sé… Yo les entiendo a ellos y ellos me entendieron a mí.

Fue una ruptura amistosa pero el día que cortamos la “relación” lo pasé muy mal, ese día lloré muchísimo, muchísimo, muchísimo, fue muy duro.

— En estos momentos estás a punto de sacar Blue bird, tu cuarto disco, ¡que se dice pronto! y encima producido por crowdfunding ¿fue difícil reunir el dinero necesario? ¿Cuánto tiempo tardaste?

— En 15 días conseguí el dinero necesario, fue algo muy bonito, no me esperaba que fuese tan rápido, la verdad. En este disco no hay contratos de por medio ni hay presiones más allá de las que pueda sentir por el público y por mí misma desde mi autoexigencia, por un compromiso de querer hacer las cosas bien. Siento que estoy haciendo un disco que tiene mucha luz, no es un disco tan tranquilo como Nigth & Day ni tan reluciente como es Dulce Hogar. Tiene mucha influencia de mucho de lo que yo he escuchado, influencia británica rollo 60´s pero también hay mucho estilo americano, el disco es muy cañero pero también tiene temas más tranquilos que tienen mucho que ver con el soul, para mí es un disco muy completo, me gusta porque es un ejercicio de varios estilos pero que al final están unificados que le dan mucha coherencia.

— ¿Cuándo podremos disfrutarlo? ¿Habrá single y después álbum?

— Está previsto que se ponga a la venta el 28 de abril, en principio esa es la fecha, aunque no es definitiva.

Me gustaría primero sacar single, disco y videoclips, eso sería lo idílico, todavía no te lo puedo asegurar porque estamos trabajando en el disco. Tampoco el tema del vídeo no lo voy a tener claro hasta que no esté hecho el disco, aunque tengo en mente dos o tres opciones.

— Curiosamente Blue Bird también saldrá en ¡vinilo!

— Sí, es que soy muy amante de los vinilos por culpa de mi familia, claro. Mis padres compraban los discos en vinilo mucho antes de que yo naciera…

— ¡Es que antes de que tú nacieras sólo había vinilos!

— Sí… (risas) ya te digo que me gustaba trastear mucho con los discos de vinilo de mis padres, ¡tengo hasta un tocadiscos! Por eso me hace mucha ilusión el poder sacar Blue bird también en este formato. Es algo muy romántico pero también muy caro, en principio haré una tirada de 500 copias y luego ya veré si puedo hacer más, obviamente los discos de vinilo no se venden tan fácilmente como un CD, no todo el mundo tiene ya tocadiscos y además este formato es más caro pero es algo muy romántico.

— ¿Habrá gira de conciertos?

— Sí, es algo que queremos hacer pero todavía estamos inmersos en la grabación del disco y no nos hemos podido meter en temas de cerrar una gira, ni encontrar una agencia que se ocupe de la promoción… Me parece que los días son demasiado cortos y yo cada día tengo más sueño (risas) — Virginia, muchas gracias por tu tiempo y felicidades por Blue Bird, estamos seguros de que tendrá mucho éxito.

— Muchas gracias a vosotros.

www.virginialabuat.com

— ¿Cuántos temas lo componen?

— En el proyecto que presenté para el crowdfunding iba tener 11 temas lo que pasa es que una de las personas que lo está produciendo, Bernardo Calvo, se enamoró de un tema que yo no tenía previsto incluir y al final creo que serán 12 temas en inglés.

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La defensa de Madrid (España en Armas) «Este es un libro que quema entre las manos.

Provoca en igual medida la admiración y el escalofrío. Está escrito en 1938, a una cierta distancia ya de los hechos que cuenta, pero tiene el temblor de urgencia de una crónica dictada a toda velocidad en el momento mismo en que las cosas suceden […] Chaves Nogales está en todo, lo ve todo. Hasta descubrir este libro yo estaba seguro de que los mejores testimonios sobre la defensa de Madrid eran los de Arturo Barea y Max Aub. Chaves está a la altura de cualquiera de los dos. Y como en Barea y en Aub, el testimonio de Chaves es de una madurez política que a estas alturas, tantos años después, provoca tanta admiración y tanto escalofrío como su calidad literaria y humana». (Antonio Muñoz Molina) Manuel Chaves Nogales 216 páginas Ediciones Espuela de Plata 9788415177319

Viejos castillos de Castilla la Vieja La obra no es exactamente una novela, aunque muchos de sus pasajes puedan parecerse a los de algunas novelas históricas; tampoco es una guía de viajes, aún cuando el lector encontrará información que ilustre y amenice su excursión, sea ésta real o imaginaria; no puede, en rigor, decirse que sea una sucesión de cuentos o relatos inventados, ya que la obra está basada en hechos y datos reales, tanto los históricos como los geográficos, si bien hay algunas concesiones a la imaginación y a la fábula, fácilmente perceptibles, que aligeran la siempre rigurosa realidad.

Quizá lo más exacto sería incluirla entre los ensayos históricos, especialmente entre los que tratan de que el lector se ilustre y se entretenga al mismo tiempo. Pertenece, quizá, a una mixtura ecléctica que se mueve entre el libro de viajes, el ensayo histórico y el cuento imaginativo.

Los castillos, en el fondo, son una expresión más de la geografía, la historia y el carácter de Castilla la Vieja. Al igual que el estilo y el ambiente de la región, son en su mayoría grandes, recios, austeros, sólidos, sobrios, con escasas concesiones al lujo o a la galería y siempre dispuestos a cumplir fielmente el fin para el que fueron construidos.

Luis Rodríguez Izquierdo 200 Páginas Cultiva Libros 9781629341026

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Libros

Historia de las Cuatro Órdenes Militares

Madrid 1936/1939: Una guía de la capital en guerra

La Historia compendiada de las Cuatro Órdenes Militares de Santiago, Calatrava, Alcántara y Montesa (publicada originalmente en 1862) constituye una buena muestra del debate ideológico y sentimental desatado en la España de mediados del siglo XIX. Su discurso postula un regreso al pasado, a aquella época medieval tan anhelada y mitificada que revivían los románticos y que había quedado oscurecida durante varios siglos de humanismo y racionalismo. Las corrientes ilustradas, sin duda, trajeron un gran progreso en las ideas, las ciencias y la economía, pero vaciaron de creencias y de espíritu a las sociedades occidentales, en las que la diosa razón no era capaz de superar la fuerza de la religión.

La evocación idealizada de un mundo movido por los principios nobiliarios y caballerescos, el valor de la defensa de la fe y de las causas justas, la vida ascética al servicio de Dios, nunca han dejado de mover pasiones. Por eso, las órdenes militares, con su espíritu aventurero y ascético, despiertan interés en conocer su génesis y desarrollo, una demanda a la que la reedición de la Historia compendiada puede ofrecer algunas respuestas.

Los edificios de una gran capital son algo más que un montón de ladrillos, son también receptáculos de su historia. “Hay un Madrid de la Guerra Civil, el Madrid “capital de la gloria”, como dejó dicho el poeta, todavía poco conocido, de gran interés histórico, cuyas huellas aún persisten a pesar del tiempo y de la labor de la desmemoria. Esa es la ciudad que, tras la labor arqueológica del autor, emerge para que la conozcamos todos”, señala Nicolás Sartorius en el prólogo del libro. Además de mostrar los lugares donde ocurrieron los hechos decisivos, la guía narra cronológicamente el desarrollo de la contienda, desvelando aspectos curiosos de la vida cotidiana en Madrid. Pese a las bombas, la falta de combustible y el hambre, los madrileños trataron de sobreponerse a las penalidades llenando los cafés, teatros y cines. Algunos murieron en las trincheras, otros tratando de cobijarse de la lluvia de fuego y hierro que lanzó el ejército rebelde contra la población civil.

Aquella contienda civil fue una lucha a muerte entre ideologías contrapuestas, en la que participaron de forma activa políticos, militares y asesores extranjeros.

José Fernández Llamazares 428 páginas Espuela De Plata 9788415177951

Fernando Sánchez Cohnen 368 páginas Ediciones La Librería 9788498732030

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Héroes en silencio

Amy & Jayne Marshall Por Óscar Bethencourt Fotos: Brian Genio El “Héroe es Silencio” es un alguien que -consciente o no- es capaz de salirse del mundo de la dominación para entender que antes de cualquier anclaje, o forma condicionada, hay un ser que fluye y se abre desde lo real a su propio devenir. Sabe que nada es definitivo, y siempre hay un algo nuevo que buscar y encontrar.

En esta ocasión paseo por el Barrio de La Latina bajo el paraguas de una noche abrumada por el frio invernal madrileño. Siempre me han llamado la atención la cantidad de colores y sonidos nocturnos de un Barrio donde la vida, el encuentro y la alegría se palpan y se respiran entre sus calles, bares y sus magníficas formas que hacen eco de aquel Madrid castizo medieval. Con este sabor de boca entro a formar parte de la vida de nuestras dos protagonistas tomando un té (en una hora poco inglesa) en la casa de las que serán nuestras “Heroínas en Silencio”. Creo que me atrevería a llamarlas -con su permiso- “quijotescas con acento shakesperscience”.Estas dos protagonistas de marzo marcan, a mi modo de entender, el perfil de “Heroínas en Silencio” porque viven en esa paradoja de libertad en la que “todo lo que es, puede ser de otra manera”.

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— Óscar: Me gustaría que os presentarais y podamos saber de vosotras mismas quiénes sois.

— Jayne: Me llamo Jayne Rosalind. Nací en una ciudad bastante fea en el centro de Inglaterra llamada Coventry, aunque gran parte de mi vida ha sido -antes de trasladarnos a Madrid- en Bristol, una ciudad famosa por su sidra y el artista Banksy.

Allí estudié en La Universidad para hacer Literatura e Historia y más tarde un Máster en Filología.

— Amy: En mi caso, nací en Estados Unidos puesto que mis padres vivieron allí durante años junto con mis abuelos. Sin embargo, nacida en EEUU, me siento completamente inglesa (risas), porque con tan solo un año nos trasladamos a Coventry (Inglaterra). Allí estudié Literatura en La Universidad de Leeds y después de mis estudios me mudé a un pequeño pueblo cerca de Oxford.

— O: Y en estos momentos, ¿a qué dedicáis vuestro tiempo en Madrid?

— J: Ahora trabajo en Madrid como profesora de inglés con el fin de que algún día pueda realizar un doctorado en lingüística (cuando haya dominado el castellano, ¡claro!).

— A: Yo trabajo en una gran empresa sobre Redes Inteligentes con una aplicación tecnológica de comunicaciones vinculada a la red de energía. En realidad, es un sistema innovador que cuando madure tendrá una forma inteligente de proveer y consumir la electricidad de manera más efectiva, barata, segura y más sostenible con el medio ambiente. Eso es respecto a nuestros trabajos, pero Jayne y yo queremos montar una pequeña Compañía que será una especie de escuela basada en una que ya existe en Londres. Ahí intentaremos ofrecer clases, seminarios, talleres y terapias… todo ello basado desde la filosofía y con la idea de que pueda ser de gran ayuda para el “vivir bien”.

De momento estamos sumergidas en la investigación, pero esperamos abrir las puertas en este año.

— O: Quisiera pararme un poco en esto que has comentado, ¿Qué significa esa institución?, ¿Es que queréis montar una especie de secta intelectual o de programa religioso novedoso?

— J: ¡Qué no, qué no! (Risas). La idea original surge de una institución llamada La Escuela de la Vida en Londres. Fue fundada por un filósofo y

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ateo convencido llamado Alain de Botton. Es un espacio laico para una sociedad como la actual donde suscita la necesidad de investigar sobre las preguntas fundamentales de la vida ante “los pavores sin nombre”. Su método es desde el uso de la filosofía, el arte y la psicología como herramientas para investigar desde estas cuestiones.

— O: Entonces, ¿Qué queréis proponer aquí en Madrid?

— A: Nuestra compañía se llamará Cómo Ser y nace de esta iniciativa. El objetivo será proponer y apostar por el desarrollo de aquellas habilidades que son absolutamente necesarias para que la persona pueda ser feliz de manera florecida y completa. De alguna manera, es algo que no se enseña ni en la escuela convencional, ni en ningún espacio de esta sociedad. Por eso, vemos necesario crear una Compañía para desarrollar habilidades en este sentido. En realidad, “CÓmo Ser” es una forma de desplegar una carrera en la que cada individuo busque justamente ese lugar hacia su propia felicidad en la vida cotidiana. Todo ello lo queremos fundamentar a partir de una filosofía aplicada y desde la psicología terapéutica usando arte y cultura como herramientas de cambio.

Jayne y yo somos muy fanáticas de La Escuela de la Vida y sobre la idea que proponen. Por esta razón queremos montar aquí en Madrid una pequeña empresa, o algo parecido. Hacerlo de la misma forma que el Londres nos conlleva un gasto muy alto, y en nuestro caso intentaremos hacer algo similar con menos recursos haciendo que sea una empresa más sostenible. Sin embargo, estamos convencidas en la idea y vamos a montarla dándole el nombre de “Cómo Ser” sobre unos temas muy parecidos a la Escuela de la vida.

— O: ¿Cuáles van a ser los temas que se van a tratar a lo largo de “Cómo ser”?

— J: Hay cinco temas fundamentales que formarán la estructura de la Compañía. Versará sobre las relaciones, el arte, la comunicación, la potencialidad y la felicidad. Pero para empezar quisiéramos desarrollar tres lecciones previas de estos temas que serán el arte de la comunicación, el arte de las relaciones y el arte como herramientas terapéuticas que sirvan como apoyo.

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— O: ¿Por qué esta idea a desarrollar en Madrid y no haber buscado algo más sencillo?, ¿Por qué esta novedad de proyecto que parece increíble?, en definitiva, ¿Por qué esto y no algo más cómodo?

— J: Esta pregunta tiene una respuesta muy sencilla. Te lo explicaré desde dos ideas básicas. Lo primero es que desde siempre hemos trabajado en lo que creemos. De hecho, cuando vivía en Inglaterra tenía una tienda vintage donde intentaba crear un espacio cultural y social. En la actualidad soy profesora de inglés en Madrid, pero no es mi vocación y no es algo que me apasione. Y segundo, en su momento tuve la oportunidad de poder participar en la “Escuela de la vida” y leí muchos de sus libros. De esa experiencia saqué mucha ayuda personal puesto que han sido herramientas que me han aportado mucho. Por eso, quisiéramos que aquello que aprendimos pueda ser una prolongación de esta idea con esta contribución nuestra en España. Pensamos que Madrid puede ser una ciudad que podrá aprovecharse de esta idea, o eso creemos (risas).

— O: Y tú Amy, ¿estás completamente de acuerdo?

— A: Evidentemente. No sólo de acuerdo sino convencida. Respondiendo a la pregunta que has hecho, pienso que no es complicado ni es tampoco difícil porque no hay nada más importante en la vida que hacer algo en lo que crees. Conozco mucha gente que manifiesta que su vida no es suficiente para encontrar esa felicidad, a pesar de poseer una gran casa, una buen sueldo, un buen coche y una vida muy acomodada. Lo que pretendemos desde “Cómo Ser” es crear un espacio de apoyo cuando se trate de este tipo de dudas o de incertidumbres que se hacen presentes en la vida muchas personas.

— O: He dicho en varias ocasiones que “El Héroe en Silencio” es aquel que realiza un camino que sale fuera de su propia casa. En vuestro caso, ¿Por qué España?, ¿Por qué los españoles y la cultura latina y no un lugar angloparlante donde todo podría ser mucho más fácil?

— J: En mi caso, España -y Madrid en particularha sido la primera parte del plan. Desde hace más de 14 años siempre he soñado en querer vivir

aquí. Después de tomar esta decisión las dos vimos que sería un buen momento para crear “Cómo ser”. Fue una combinación de las dos cosas. España tiene un fondo y una actitud que puede venir muy bien a la idea que queremos enfocar. En Inglaterra “La Escuela de la Vida” es muy popular, sin embargo la actitud de pensar en estas cuestiones de forma filosófica no es muy común entre los anglosajones. Por eso creemos que aquí sí pueda ser un lugar mucho más abierto, e incluso hasta mejor.

— O: ¿Qué es lo que más te gusta de España?

— A: Al igual que Jayne siempre me ha gustado España desde hace muchos años. Pero para decir la verdad, la decisión de haber venido aquí fue casual por las distintas circunstancias de mi vida. En cierto modo me vine a España como una aventura para aprender nuevas experiencias de otra cultura y darle un nuevo rumbo a mi vida. La primera vez que viene a España fue como ese momento en el que te enamoras de un chico guapo a primera vista (risas). Lo mismo me sucedió cuando vine aquí por primera vez enamorándome de esta cultura y su gente siempre abierta. En definitiva, nos enamoramos de Madrid (risas).

— O: ¿Cuáles son los retos para el futuro, lugar y fecha para “Cómo Ser”?

— A: Como buenas anglosajonas tenemos un plan bien definido y organizado. Quisiéramos empezar con las primeras clases para el mes de octubre de este año. Esperamos que después de un año y medio podamos ofertar más clases porque quisiéramos empezar lo antes posible, pero no sabemos. El reto es poder hacer que “Cómo Ser” vaya tomando forma en un local concreto, incluso con una tienda de libros o espacio de arte.

— J: Respecto al lugar todavía no sabemos. Por ahora tenemos una lista de sitios que nos gustarían mucho, pero nada claro. La idea es que “Cómo Ser” esté preferiblemente localizada en el Centro de Madrid.

— O: Muchas gracias Jayne y Amy. Y mucha suerte con esta maravillosa aventura en España.

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Tiendas

Nunos Maestros pasteleros

Desde hace más de trece años José Fernández y su esposa Puerto Díaz, llevan ofreciendo a los madrileños pasteles, dulces y chocolates de alta calidad, desde los más tradicionales a los dulces más innovadores y es que su pastelería está considerada como uno de los referentes de la alta pastelería madrileña o de la “gastronomía dulce”, como les gusta definirla a ellos.

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N

c/ M w

NUNOS Pastelería

/ Narváez 63 Madrid www.pasteleria-nunos.es

José Fernández, arquitecto de profesión, se embarcó en este mundo de los sabores cuando se casó con su esposa Puerto Díaz, juntos han hecho que la pastelería Nunos sea todo un referente artesano en Madrid, además de un templo del sabor en el que la calidad, tradición e innovación van de la mano.

La calidad de sus productos ha sido merecedora de numerosos galardones, entre ellos el de Mejor Pastelero de Madrid en 2008, Mejor Dulce Típico de Madrid 2008 o siendo finalista por Madrid de las finales nacionales de España en el World Chocolate Masters.

José Fernández-Ramos, maestro pastelero y experto en chocolates, trabaja con más de una docena de tipos de orígenes distintos de chocolates, además de elaborar un chocolate propio llamado Goson Noir, compuesto por una selección de habas de México, Tanzania y Sao Tomé pero, además del chocolate, de su atelier salen todo tipo de pasteles y tartas.Ya son todo un clásico la gran variedad de dulces típicos, de todo tipo y más castizos de la ciudad, como son los buñuelos, las rosquillas, los huesos de santo, los roscones, las torrijas e incluso el turrón.

Hay quien considera que comer dulce es un pecado… lo que sí es realmente un verdadero pecado es no probar los excelentes dulces de esta pastelería madrileña.

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Comer

Comer de Cine Un firmamento de estrellas en cada detalle

El cine lo envuelve todo. Escenas de películas. Clásicos que se muestran en los rincones más insospechados. La magia del séptimo arte como hilo conductor para saborear, descansar, disfrutar y relajarse.

Porque aquí la historia va de dormir y va de comer. De Dormir de Cine. De Comer de Cine.

Por Carmen Martínez de Artola

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El hotel Dormir de Cine se sitúa con discreción en pleno barrio de Salamanca de Madrid. Un espacio moderno, de amplias y cómodas habitaciones en el que se cuidan con mimo todos los detalles para que la estancia sea de lo más agradable. Alrededor, una decoración contemporánea y colorida con elementos cinematográficos en cada esquina. Murales con escenas de conocidas películas, míticos actores y actrices, carteles para recordar… arte y estilo que se traslada a su restaurante: Comer de Cine.

El comedor, a pie de calle y con entrada por Príncipe de Vergara, cuenta con una bonita barra a la entrada y un amplio salón, actual y acogedor. Al mando de todo sus propietarios, los hermanos Freile, cocteleros reputados que como empresarios ofrecen toda su experiencia para que los clientes tengan una experiencia redonda. En la cocina el cocinero Sergio Oré, con una dilatada trayectoria en restaurantes como El Olivo, y con los vinos Rocío Delgado, una joven sumiller que encandila con su buen hacer.

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COCINA DE SIEMPRE CON UN TOQUE ACTUAL En la carta una propuesta actual, con platos de siempre puestos al día con un punto divertido. Entrantes como tiradito de lenguado, tosta de anchoas con salmorejo o carpaccio de ciervo con parmesano; ensaladas como la de bacalao con escalivada y alioli, la de mango y queso fresco con vinagreta de orégano y el tomate relleno de ventresca.

Entre los segundos, encontramos la merluza con crema de tupinambo y aroma de trufa o la lubina en salsa americana con carabineros flambeados; y carnes como el rabo de toro deshuesado cubierto de berenjena y calabacín, los medallones de jabalí con salsa de frutos rojos y lomo de cordero presalee con crema suave de ajos. Además varios arroces entre los que destacan el de pato y verduritas o el risotto de boletus y trufa; y postres como el flan de arroz con leche merengada y helado de pétalos de rosa o el sorbete de mango spicy.

De lunes a viernes a mediodía también tienen dos ofertas de lo más interesante. El llamado plato del día, que incluye ensalada, un principal y bebida, postre o café por 8,95 euros, y el menú del día que ofrece varios primeros segundos y postres a elegir y cuesta 12,95. Mientras, en el apartado líquido una selección de vinos interesante y bien pensada, con referencias de muchos puntos de la geografía nacional y extranjera. Y por supuesto, una serie de cócteles que van desde los más clásicos hasta creaciones originales y a precios muy ajustados. A todo esto se unirá en breve una serie de menús maridados centrados en diferentes países como Francia, Perú o Chile.

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UN MENÚ NOTABLE Comenzamos en la barra con una manzanilla Fernando de Castilla y unas buenas aceitunas para pasar a una confortable y bien vestida mesa donde disfrutaremos de la comida. Para abrir boca un pisco sour, y al fin entramos en materia con la llegada de una alcachofa rellena de foie gras y salsa holandesa gratinada. Tierna y en una equilibrada combinación. La acompañamos con un cava rosado Juvé y Camps de pinot noir con un ligero tono oxidativo que le va de maravilla. Seguimos con el arroz de moluscos y reducción de su propia tinta. Perfecto de punto y con un profundo sabor que revela un caldo bien trabajado. Un plato que queda estupendamente con el Palomo Cojo 2012, un 100% verdejo bien hecho y que demuestra que el tiempo en botella también es posible para estos vinos.

Los platos fuertes se abren con el atún en tempura, bien ejecutado y con un suave y agradable cebiche de mango y mojo negro que se refresca el conjunto sin ocultar el sabor del pescado. Con esta receta tomamos el Palomo cazador, un Ribera del Duero con poca madera, frutal y con buena acidez. Terminamos con el solomillo a la broche, una especie de kefta al romero. Jugosísimo y bien sabroso. Estupenda elaboración que se asocia con acierto con el vino chileno Las Niñas de Apalta.

Como remate final una suculenta torrija de brioche con un aromático helado de violetas, y un Pedro Ximénez de Fernando de Castilla, otro postre por sí mismo.

Comer de Cine es más que un nombre. Es ilusión y trabajo.

Notable sala y servicio. Y una cocina de fondo, con un punto moderno, pero seria y sin estridencias.

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COMER DE CINE c/ PrĂ­ncipe de Vergara 87 Madrid Tlf. 914 11 08 09 www.dormirdcine.com

Agenda EXPOSICIONES _________________________________ – Acorazado Patacón (Hasta el 12 de abril. Tabacalera Promoción del Arte) – Chema Maoz (Hasta el 14 de marzo. Galería Elvira González) – Colección Fundación Barrié (Hasta el 26 de abril. Centro.Centro) – Garry Winogrand (Hasta el 3 de Mayo. Fundación Mapfre) – Goya en Madrid (Hasta el 3 de mayo de 2015. Museo del Prado) – Itinerario de Hernán Cortés (Hasta el 3 de mayo. Centro de Arte Canal) – Janet Cardiff & George Bures Miller. El hacedor de marionetas (Hasta el 16 de marzo. Palacio de Cristal) – Luciano Fabro (Hasta el 12 de abril. Palacio de Velázquez de El Retiro) – Jorge Molder. Rico, pobre, mendigo, ladrón (Hasta el 17 de mayo. Círculo de Bellas Artes) – Pablo Genovés. Elruido y la furia (Hasta el 22 de marzo.

Sala Canal de Isabel II) – Paracas. Vientos del desierto (Hasta el 12 de abril.

Museo de América) – Paul Delvaux. Paseo por el amor y la muerte (Hasta el 7 de junio. Museo Thyssen-bornemisza) – The pop-up Royal Academy (Hasta el 5 de abril. Calcografía Nacional) – Raoul Dufy (del 17 de febrero al 17 de mayo. Museo Thyssen-bornemisza) – Reflejo del tiempo. Pintura Pablo Echevarría (Hasta el 5 de abril de 2015. Museo de Ciencias Naturales) – El retrato en las colecciones reales (Hasta el 19 de abril de 2015. Palacio Real) – Sorolla. Trazos en la arena (Hasta el 29 de marzo. Museo Sorolla)

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Cora Sayers (25 de marzo. Café la Palma) The Del Prince (28 de marzo. Intruso Bar) Dover (18 de marzo. El Sol) Erin Marisol & friends (13 de marzo. El Junco) John Nemeth (10 de marzo. Boite Liver) Kiko García Blues Band (20 de marzo. Moe Club) Molly Malone (28 de marzo. Sala Live) Red Family (21 de marzo. Moe Club) Revolver (26 de marzo. La Riviera) Robbie Williams (25 de marzo. Palacio de los Deportes)

ESCENA ________________________________________ – André y Dorine (Del 19 de marzo al 12 de abril. Teatro Fernán Gómez) – Banqueros vs Zombies (Hasta el 4 de abril. Teatro Galileo) – La cena de los malditos (Hasta el 30 de mayo. Teatro Bodevil) – La Ciudad oscura (Del 19 al 29 de marzo. Teatro María Guerrero) – Confesiones de Alá (Hasta el 25 de marzo. Teatro Lara) – El Eunuco (Hasta el 22 de marzo. Teatro La Latina) – Enrique VIII y el cisma de Inglaterra (Hasta el 26 de abril.

Teatro Pavón) – La gran duquesa de Gerolstein (Hasta el 28 de marzo.

Teatro de la Zarzuela) – Invernadero (Hasta el 29 de marzo. Teatro de La Abadía) – La pechuga de la sardina (Hasta el 29 de marzo. Teatro Valle-Inclán) – Needles and opium (Del 7 al 10 de marzo. Teatros del Canal) – Un obús en el corazón (Hasta el 27 de marzo. Teatro Alfil) – La ola (Hasta el 22 de marzo. Teatro Valle-Inclán) – Toda la verdad sobre el oso hormiguero (Hasta el 25 de mayo. Teatro Cofidís Alcázar)

MÚSICA ________________________________________ FERIAS ________________________________________ – – – –

Al Foster Quartet (24 de marzo. Berlín Café) Arizona Baby (21 de marzo. Sala Penélope) Avishai Cohen (3 de marzo. Sala Clamores) Black Cofee & The Milk Brothers (6 de marzo. Berlín Café) – The Blue moon trio (8 de marzo. Moe Club) – Cabina14 (21de marzo. Café La Palma) – Canal Street Band (14 de marzo. Sala Clamores)

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– 3D PrintShow Madrid (12 y 13 de marzo. Galería de Cristal del Palacio de Cibeles) – Expolearning 2015 (Del 5 y 6 de marzo. IFEMA) – MotoMadrid 2015 (Del 11 al 14 de marzo. Palacio de Cristal de la Casa de Campo) – WOOE 2015 (12 y 13 de marzo. IFEMA)

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