Es Madrid no Madriz Magazine by Es Madrid No Madriz

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NĂşmero 64 / Marzo 2018

| EDITORIAL |

esde 1993, cada 22 de marzo se celebra en todo el mundo el Día Mundial del Agua, una celebración surgida bajo el auspicio de Naciones Unidas, con el fin de concienciar a toda la

sociedad sobre la importancia del cuidado y el buen uso de este elemento vital y escaso que es el agua. España es un país que periódicamente se ve afectado por la carencia de lluvias, y los españoles son bien sabedores de los problemas medioambientales y sociales que provoca la falta del agua. Por este motivo, hemos dedicado este número al agua, centrándonos en algunos ejemplos llamativos de ríos y humedales que han sido tremendamente maltratados, como son el río Manzanares, el río madrileño por excelencia que durante décadas fue una cloaca infecta al aire libre, y el humedal de las Tablas de Daimiel, un paraíso que estuvo a punto de desaparecer hace muy pocas décadas por la dejación e incompetencia de las administraciones. Aunque estos son dos ejemplos del mal que hacemos a nuestras aguas, también el Manzanares y las Tablas de Daimiel son dos buenos ejemplos de cómo la destructora mano del hombre puede enmendar el daño ocasionado. Con este mensaje de esperanza nos queremos unir a esta celebración mundial por el Día del Agua.

Ramón Rivas

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NOTICIAS

MADRID. Manzanares. El aprendiz de río

MADRID COMUNIDAD. Embalse de El Atazar

MADRID NATURAL. Líquenes. La unión hace la fuerza

LUGARES. Daimiel. El oasis manchego

ARTE. Raúl Álvarez

FOTOGRAFÍA. Cualladó esencial

CINE Y TV. Estrenos

ESCENA. Obras en cartel

MÚSICA. Robbie K. Jones

LIBROS

EXTRAÑO Y CURIOSO. Bebedores de sangre

ESPACIOS Y PROPUESTAS. Parque Warner

COMER. Matritum

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| CONTENIDOS â&#x20AC;&#x201C; MARZO 2018 |

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EMNMM es una publicación online de carácter mensual web: www.esmadridnomadriz.com

EQUIPO DIRECCIÓN Y CONTENIDOS Ramón Rivas ramon@esmadridnomadriz.com

Magazine

Número 64 / Marzo 2018

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IMAGEN DE PORTADA: Axolote sideral

Jaime de la Torre www.jaimedelatorreart.com Visita nuestra fanpage en Facebook o síguenos en Twitter e Instagram.

Luis Sitges Carmen Martínez de Artola RJ Jaime de la Torre Óscar Bethencourt

MAQUETACIÓN Maite Rivas

FOTOGRAFÍA Archivo EMNMM

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Es Madrid no Madriz Magazine es una publicación independiente y mensual, editada en Madrid (España), orientada a la cultura, el ocio y el espectáculo.

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Edita: Es Madrid no Madriz Magazine ISSN 225-5846 Apdo. Correos 14.544 28080 Madrid (España) Si deseas colaborar y formar parte de nuestro equipo o dar a conocer tu trabajo, visita www.esmadridnomadriz.com para más información. ADVERTENCIA El contenido de esta publicación está protegido por copyright. Todas las imágenes y textos publicados en Es Madrid no Madriz Magazine son propiedad de sus autores y están sujetos a copyright. Ninguna imagen o texto puede ser reproducido, editado, copiado o distribuido sin el expreso permiso de sus propietarios legales. Es Madrid no Madriz Magazine no se hace responsable de las opiniones vertidas y de los puntos de vista expresados por las personas que aparecen en este número.

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Purple, de Johm Akomfrah

John Akomfrah. Fotograma de Purple (2017). Vídeo instalación de seis pantallas de John Akomfrah Thyssen-Bornemisza Art Contemporary Collection — 8 Smoking Dogs Films, Courtesy Lisson Galery

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta, junto a la fundación de arte contemporáneo TBA21 (ThyssenBornemisza Art Contemporary), una vídeo- instalación inmersiva del galardonado artista y cineasta británico John Akomfrah titulada Purple. A través de seis pantallas de gran formato, Akomfrah explora los efectos del cambio climático y sus consecuencias en la biodiversidad y en las comunidades que habitan el planeta, empleando material de archivo y rodajes recientes. La instalación está coorganizada por TBA21–Academy, institución que promueve la defensa de la conservación de los océanos a través de programas interdisciplinares y de producción artística. Incluida en los actos de celebración del 25 aniversario del museo, esta es la primera colaboración entre el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y la fundación creada por Francesca von Habsburg, hija del barón Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza. La exposición se enmarca en el programa especial de ARCOmadrid 2018 El futuro no es lo que va a pasar, sino lo que vamos a hacer, que comisaría Chus Martínez. 8 - EMNMM

Escritor, cineasta, artista y pensador, John Akomfrah (Accra, Ghana, 1957) ha explorado en su obra, a lo largo de su trayectoria profesional, diversos temas ligados a la realidad más actual - el post-colonialismo, el racismo, la emigración, la memoria, el cambio climático...-, buscando siempre provocar una reflexión en torno a cada uno de ellos. En 1982 fundó́ el influyente grupo Black Audio Film Collective, que aglutina a otros seis artistas y cineastas. El Museo Reina Sofía presentó en 2014 un ciclo audiovisual sobre este colectivo, pero esta es la primera vez que se expone en España su obra en solitario. Purple plantea una reflexión sobre el poder de destrucción del ser humano sobre el planeta y la indiferencia frente a esta dramática situación. Es una llamada de atención, una voz que alerta del peligro que amenaza a los ecosistemas y de toda la belleza que estamos próximos a perder a consecuencia del progreso: la contaminación, el aumento de las temperaturas, la acumulación de residuos, la deforestación, la pesca

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destructiva, los vertidos de crudo, las fábricas, las ciudades, las explotaciones agrícolas, el turismo incontrolado... Y algunos fenómenos naturales como tifones, huracanes, tormentas o tsunamis acentúan aún más los enormes trastornos que todo ello produce en los ciclos de vida de plantas y animales. Para su realización, el artista emprendió́ un largo viaje que le llevó a rodar en diez países diferentes, identificando paisajes llamados a desaparecer, desde las heladas tierras y mares de Alaska y Groenlandia a las volcánicas Islas Marquesas en el Pacífico Sur, o diversas localizaciones en Reino Unido. Imágenes panorámicas impactantes de espacios naturales contemporáneos alterados por el ser humano, combinadas con otras de archivo, con las que Akomfrah nos traslada el sentimiento de vacío que queda al contemplar esa grandeza perdida. Las figuras solitarias que aparecen en algunas de estas vistas, habitualmente de espaldas y con las que él mismo se identifica, buscan implicar al espectador introduciéndole en la escena. Frente a esas grandiosas manifestaciones de la naturaleza en peligro, la figura humana se hace diminuta, insignificante: “De una manera muy real, estoy presente en la película. Soy la figura de la camisa marrón bajo la lluvia. Suena un poco

místico, pero para mí́ todo comienza con el lugar. Independientemente de lo que filmamos, comenzó́ cuando le pregunté al paisaje la misma pregunta: ¿qué me puede decir sobre la naturaleza del cambio climático?” En declaraciones acerca de la elección del título, Purple, Akomfrah habla de la naturaleza híbrida de este color, que nace de la mezcla de rojo y azul, idóneo para representar a los opuestos que es sobre lo que trata su obra: de la vitalidad y volubilidad de las cosas. El púrpura es el color que envuelve al espectador cuando se introduce en el espacio de la vídeo-instalación, con seis grandes pantallas dispuestas una al lado de otra, con apenas espacio entre sí y encajadas al límite entre el suelo y el techo. La luz ambiente queda reducida al mínimo, por lo que es la luminosidad que emana de las imágenes proyectadas la que envuelve al visitante, creando un efecto de inmersión total que lo aleja de su propia realidad y lo enfrenta a esa otra que le muestra el artista y a la arrogancia actual que sitúa al ser humano en el centro de todas las cosas y la creencia de que disponemos de un poder soberano sobre el resto de las especies. Purple, de John Akomfrah Hasta el 25 marzo. Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

John Akomfrah. Fotograma de Purple (2017). Vídeo instalación de seis pantallas de John Akomfrah Thyssen-Bornemisza Art Contemporary Collection — 8 Smoking Dogs Films, Courtesy Lisson Galery EMNMM - 9

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ART MADRID ‘18 cierra su edición más exitosa Taipei, el Sr. Ryan Matheny Garrido, Agregado cultural adjunto de la Embajada de Estados Unidos, buen ejemplo de la importancia que ya tiene la feria entre los coleccionistas y profesionales extranjeros. Por parte de las instituciones locales han visitado la feria Da. Manuela Carmena, Alcaldesa de Madrid, D. Óscar Sáenz de Santa María, Director de Industrias Culturales y del Libro del MECD, D. Luis Serrano, de la Dirección General de Patrimonio cultural de la Comunidad de Madrid, así como Da. Elisa de Cabo de la Vega Subdirectora General de Protección del Patrimonio Histórico de la Secretaría de Estado de Cultura MECD. La 13ª edición de la feria de arte contemporáneo Art Madrid cierra sus puertas con un aumento de público y ventas en la que es, hasta el momento, su edición más exitosa. La Galería de Cristal de CentroCentro Cibeles, espacio en el que se ha celebrado por quinto año consecutivo la Feria de Arte Contemporáneo Art Madrid ha recibido entre el miércoles 21 de febrero y el domingo 25 de febrero más de 20.000 visitantes, entre los que ha aumentado hasta un 20% el porcentaje de público profesional y de coleccionistas, tanto privados como institucionales. Para esta 13ª edición, el comité de selección de Art Madrid’18, formado por el especialista en mercado del arte internacional Ángel Samblancat; el teórico y crítico de arte Alfonso de la Torre, el galerista Javier López Vélez, de 3 Punts (Barcelona) y, el comisario independiente Carlos Delgado Mayordomo, valoró más de una centena de propuestas para dar forma a un programa en el que prima la calidad sin olvidar el potencial de ventas y para el que exigieron a las galerías propuestas coherentes y vanguardistas. A la inauguración oficial de Art Madrid’18 asistieron, entre otras personalidades los embajadores de Alemania, Brasil, Ucrania, Francia, Suiza, Suecia, Italia, Chile, Rusia, la embajadora de Costa Rica, México, así como el Sr. Pedro Berhan da Costa, Consejero de Cultura de la Embajada de Portugal, la Sra. Natasha Díaz, Primera Secretaria de la Embajada de Cuba, el Sr. Antonio Lee, Agregado cultural de la Oficina Económica y Cultural de 10 - EMNMM

Como representación de instituciones y fundaciones culturales han asistido a Art Madrid’18 Luis Lafuente Batanero, Director General de Bellas Artes y Patrimonio Cultural, Javier del Campo de Fundación Caja de Burgos, Da. Leticia Martín, Gerente Centro Atlántico de Arte Moderno-CAAM, el Sr. D. Santiago Miralles, Director General de la Casa de América, Da. María Brancós Barti, jefa de exposiciones de la Fundación Telefónica y Da Rosario López directora de Proyectos Culturales de la Fundación Banco de Santander. El trabajo de difusión de la obra y las propuestas de las galerías y artistas de Art Madrid continúa el resto del año a través de la página web de la feria, actualizada como una completa plataforma de venta de arte online que prestará a sus usuarios servicios integrales de ecommerce y comunicación, pero también albergará exposiciones y muestras comisariadas. A través de la home de Art Madrid se puede acceder y adquirir directamente obras de artistas presentes en la feria, como el Artista Invitado de este año Okuda San Miguel. La apuesta por la tecnología digital y la venta online sigue la estrategia de la feria de atender a un público cada vez más vivo en las redes, como demuestra la comunidad de seguidores de Art Madrid: más de 40k usuarios de la web, más de 10k receptores de las newsletters, un alcance de 5,5M de usuarios y más de 52k seguidores en RRSS (21k en Twitter, 18k en Facebook, 14k en Instagram). Art Madrid sigue creciendo gracias también a todos ellos.

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El primer parque temático cubierto de Europa en Madrid

Luis Álvarez, Santiago Segura y José Mota cierran un acuerdo histórico con el estudio de Hollywood LIONSGATE y Parques Reunidos para abrir el primer parque temático cubierto de Europa en el Gran Teatro Bankia Príncipe Pío de Madrid. Será un centro de entretenimiento futurista ubicado en la emblemática estación de Príncipe Pío propiedad de la entidad pública Adif y se convertirá en un icono cultural y de entretenimiento, no solo de España, sino de Europa. El estudio de Hollywood ha elegido Madrid para crear 4.200 m2 de experiencias que incluirán atracciones inmersivas de Los Juegos del Hambre, Los Divergentes o Mad Men. Los visitantes podrán vivir el teatro en cuatro dimensiones, ser partícipes de atracciones de realidad aumentada adentrándose en el universo de Los Juegos del Hambre o hacer un viaje al pasado visitando los restaurantes frecuentados por Don Draper en Mad Men con simuladores de realidad virtual. Además, será la primera vez que se abran simultáneamente en el mundo dos parques temáticos cubiertos, uno en el Gran Teatro Bankia Príncipe Pío de Madrid y un segundo en Times Square de Nueva York. La inauguración de este parque de atracciones del siglo XXI está prevista para noviembre de 2019. El centro, de 4.200 metros cuadrados, estará integrado dentro del complejo de La Estación, el proyecto liderado por Luis Álvarez, Santiago Segura y Jose Mota, encargados de

volver a abrir las puertas de una estación histórica, situada en pleno centro de la ciudad, protegida urbanísticamente y que se rehabilitará tras un largo periodo sin uso, de acuerdo con el concurso público convocado por Adif en 2015 que fue adjudicado en arrendamiento a la sociedad Gran Teatro Príncipe Pío. Con esta iniciativa junto con el Teatro que se pretende implantar, se culminará el proceso de recuperación y puesta en valor para la ciudad de Madrid de este emblemático inmueble ferroviario y que se enmarca dentro de los objetivos de Adif (Co-creación de valor), fomentando además la colaboración público privada generadora de actividad económica y cultural. El proyecto ya cuenta licencia municipal y ya han empezado las obras de rehabilitación del inmueble para su inauguración en 2019. “Estamos convencidos de que se convertirá en un icono cultural y de entretenimiento, ya que, además, albergará el Gran Teatro Bankia Príncipe Pío, una sala de conciertos, y una terraza con vistas al Palacio Real y la Catedral de la Almudena. En realidad este era mi único objetivo y mi sueño, desde que conseguimos la adjudicación de la estación” afirma Luis Álvarez.

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Warhol. El arte mecánico CaixaForum Madrid

Autorretrato. 1986. Acrílico y tinta serigráfica sobre lienzo. Collection of the Andy Warhol Museum. Pittsburgh. 2017. The Andy Warhol.

CaixaForum Madrid presenta una exhaustiva radiografía del artista pop por excelencia a partir de 348 piezas, incluyendo sus obras más icónicas en la muestra Warhol. El arte mecánico. Treinta años después de su muerte, Andy Warhol (1928-1987) es el artista más asociado al lenguaje pop. La exposición que presenta la Obra Social ”la Caixa” junto al Museo Picasso Málaga pretende abordar la compleja producción del artista nacido en Pittsburgh (Estados Unidos), poniendo especial énfasis en las transmutaciones que experimenta el conjunto de su legado durante su carrera. Además de dar a conocer al artista a una nueva generación de público en nuestro país, la muestra pone el acento en la naturaleza repetitiva, esquematizante y artificiosa de su trabajo visual durante más de tres décadas de febril actividad creadora. Andy Warhol. El arte mecánico incluye los iconos más emblemáticos y universales del mundo creado por Warhol: la lata de sopa Campbell’s, los retratos de 12 - EMNMM

Marilyn Monroe, Jackie Kennedy, Elvis Presley o Liz Taylor, pero también cine experimental, como sus Screen Tests o la legendaria instalación multimedia concebida con la banda de música The Velvet Underground. La muestra está formada por un total de 348 piezas entre pinturas, esculturas, dibujos, serigrafías, instalaciones, libros de artista, películas, portadas de discos, pósteres, revistas, objetos y material fotográfico. Proceden de más de 30 prestadores -entre los que destaca el Museo Andy Warhol de Pittsburgh, que alberga la mayor colección de obras de arte y materiales de archivo de Warhol- y permitirán a los espectadores sumergirse en el fascinante mundo de imágenes sofisticadas y universales de Warhol. Warhol. El arte mecánico, es la más ambiciosa y completa muestra organizada en nuestro país sobre el artista pop norteamericano, en colaboración con el Museo Picasso Málaga, una gran retrospectiva sobre la figura de Andy Warhol (Pittsburgh, 1928 - Nueva York, 1987), sin duda el artista más asociado en la actualidad al arte pop.

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La muestra llega a CaixaForum Madrid tras su paso, con enorme éxito, por CaixaForum Barcelona entre septiembre y diciembre de 2017. Fue visitada por más de 228.000 personas. Tras su finalización en Madrid, la muestra recalará en el Museo Picasso Málaga. En CaixaForum Madrid, la muestra cuenta con un total de 348 obras de arte y todo tipo de productos diseñados y editados, la muestra cuenta con la colaboración del Andy Warhol Museum (Pittsburgh), el Museum of Modern Art (Nueva York), el Centro Georges Pompidou (París) y la Tate (Londres), entre otras numerosas instituciones públicas y colecciones privadas nacionales e internacionales. Para su paso por CaixaForum Madrid, la exposición incorpora cuatro obras que no se pudieron ver en Barcelona: Single Elvis (1964); Most Wanted Men No. 1, (1964); Self-Portrait, (1966); y el vestido The Souper Dress (1967). La muestra subraya varios aspectos de su obra, como por ejemplo la innovadora forma en que Warhol aplica la idea de proceso a su polifacética obra seriada, los fuertes vínculos entre biografía personal y producción artística que la atraviesan y, por supuesto, su originalidad y talento para combinar de un modo transversal y cíclico diferentes técnicas, medios y repertorios iconográficos. De esta forma crea representaciones que son al mismo tiempo canónicas, por formar parte de la historia oficial del arte occidental, y simbólicas, por haberse insertado en el imaginario colectivo popular contemporáneo. La exposición incluye pinturas, esculturas, dibujos, serigrafías, instalaciones audiovisuales, libros de artista, películas, portadas de discos, pósteres, revistas, objetos y material fotográfico y sonoro, que acercan a los espectadores al mundo underground surgido en los inicios de la segunda mitad del siglo XX en Nueva York, cuando Warhol funda su legendario estudio, The Silver Factory. La exposición parte de los inicios profesionales de Warhol en la Nueva York de 1949, cuando Andrew Warhola empezaba una exitosa carrera como diseñador gráfico

Marilyn. Print 1967. Serigrafia sobre papel. Collection of the Andy Warhol Museum. Pittsburgh. 2017. The Andy Warhol

para revistas como Glamour, Vogue o Harper’s Bazaar, grandes sellos discográficos como Columbia Records o Prestige Records, e importantes marcas comerciales como Tiffany & Co. La Noche de Warhol Como es habitual, a partir de la muestra Warhol. El arte mecánico, la Obra Social ”la Caixa” despliega un amplio programa de actividades para todos los públicos, que incluye la Noche de Warhol. El próximo 13 de abril, el foyer de CaixaForum Madrid recreará el mítico ambiente que se vivía en The Factory, invitando a artistas y músicos a participar en un evento que pretende superar el entretenimiento para erigirse en agitador cultural. Varios artistas visuales llevarán a cabo performances en una escenografía especialmente creada para la ocasión que también contará con una programación musical propia. CaixaForum Madrid Hasta el 6 de mayo de 2018

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| MADRID |

MANZANARES El aprendiz de río

_______ TEXTO Y FOTOS: RAMÓN RIVAS

La mayoría de las grandes capitales europeas se encuentran a la orilla de grandes ríos. París tiene el romántico Sena, Roma su histórico Tíber, Londres su frío y misterioso Támesis, Madrid… Sí, Madrid también tiene su río, aunque si comparamos el caudal del río Manzanares con el del Sena, el Tíber o el Támesis bien se podría decir que las comparaciones son odiosas. También es cierto que la ciudad de Madrid no necesitó estar junto a un río para su fundación, como ocurrió con otras capitales europeas, porque en el Madrid primigenio, el abastecimiento del agua no provenía de su río, sino de sus ricos acuíferos, de ello queda constancia en un viejo lema de la ciudad que dice así: “Fui sobre agua edificada, mis muros de fuego son”. Aunque tampoco hay que olvidar que el río Manzanares o mejor dicho, su camino fluvial, sí que tuvo un gran protagonismo a la hora de fundar Madrid en el siglo IX, que por aquel entonces no era más que una fortaleza musulmana amenazada por los reinos cristianos en la Reconquista.

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El río Manzanares es, sin lugar a dudas, el más famoso de Madrid por el hecho de pasar por la capital de España, además de ser un río muy madrileño, pues discurre íntegramente por toda la provincia de Madrid, naciendo en un nevero llamado el Ventisquero de la Condesa, a poco más de 2.000 metros de altura sobre el nivel del mar, en plena sierra de Guadarrama. El Manzanares, tras discurrir por 92 kilómetros de norte a sur, finalmente “muere” uniendo sus aguas a las del río Jarama, en el término municipal de Rivas-Vaciamadrid. El Manzanares, el río madrileño por excelencia, es un curso fluvial importante en lo que se refiere a diversidad natural, pues discurre por diferentes y ricos ecosistemas. Sin obviar su fauna y su flora, nos vamos a centrar en su recorrido urbano que, por desgracia, es un tramo que ha sido objeto de todo tipo de desprecios y motivo de mofa por su escaso caudal, sobre todo durante los tórridos veranos capitalinos, cuando el río se convertía en un arroyo que, a duras penas, llegaba para saciar la sed de los rebaños de ovejas. A lo largo de la historia, algunos personajes ilustres han dedicado al Manzanares alguna gloriosa, y en ocasiones, injuriosa frase para la posteridad, como Francisco de Quevedo, que lo citaba en uno de sus poemas así: “Manzanares, Manzanares, arroyo aprendiz de río” o Luis de Góngora, enemigo a muerte de Quevedo, que también le dedicó un soneto:

Duélete de esa puente, Manzanares; mira que dice por ahí la gente que no eres río para media puente, y que ella es puente para muchos mares. Hoy, arrogante, te ha brotado a pares húmedas crestas tu soberbia frente, y ayer me dijo humilde tu corriente que eran un marzo los caniculares. Por el alma de aquel que ha pretendido con cuatro onzas de agua de chicoria purgar la villa y darte lo purgado, me di ¿cómo has menguado y has crecido? ¿cómo ayer te vi en pena, y hoy en gloria? Bebióme un asno ayer, y hoy me ha meado. Tirso de Molina también le dedicó su atención al Manzanares comparándolo con la Universidad de Salamanca: “Como Alcalá y Salamanca tenéis, y no sois colegio, vacaciones en verano y curso sólo en invierno”. Aunque no es más que una anécdota, también se dice que el dramaturgo Alejandro Dumas, cuando visitó la ciudad de Madrid, una aguadora le ofreció un vaso de agua y Dumas, tras dar un sorbo, se lo devolvió a la aguadora medio lleno diciéndole que arrojase el agua que sobraba al Manzanares ya que el río la necesitaba más que él. Más recientemente, en el siglo XIX, un embajador alemán calificó al Manzanares como “un río navegable a caballo y en carruaje”.

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Pero no siempre el Manzanares ha sido motivo de burla, también fue bellamente inmortalizado por uno de los grandes pintores de la historia, Francisco de Goya, en su cuadro Baile a orillas del Manzanares, Goya, además de inmortalizar el río, vivió en la Quinta del Sordo, una finca hoy desaparecida, situada a orillas del Manzanares. Lamentablemente, no todo fue arte y poesía para el Manzanares, un río al que los madrileños siempre le han dado la espalda, convirtiéndolo en un lavadero y en un vertedero donde se arrojaban todo tipo de inmundicias. La peor época para el Manzanares, en su tramo urbano, comenzó con el salvaje urbanismo de los años 60 y 70 del siglo XX, este fue uno de sus mayores enemigos, cuando el río fue apartado de la ciudad. Sus riberas se convirtieron en una gran autopista y sus aguas fueron convertidas en verdaderas cloacas, incluso se planteó la idea de hacerlo desaparecer, soterrándolo, en un proyecto que, afortunadamente, no se materializó. El primer “Madrid Río” En la actualidad, el Manzanares está perfectamente integrado en la ciudad gracias a Madrid Río, un proyecto realizado entre los años 2006 a 2011 con el que se transformó radicalmente el cauce fluvial. Este proyecto, que hoy es una realidad y una de las joyas de la ciudad, se ha materializado en un gigantesco parque urbano donde la cultura, el ocio y la naturaleza tienen al río como protagonista. El proyecto Madrid Río, y más concretamente el proyecto de recuperar el río para los madrileños, tuvo su origen en los años treinta del siglo pasado, cuando en 1931, recién instaurada la Segunda República, se proyectó la creación de un espacio lúdico en la única isla que tenía el Manzanares, surgida tras las primeras obras de canalización y las represas de las aguas realizadas durante los años veinte. En esta isla se levantó un complejo lúdico realizado por el gran arquitecto Luis Gutiérrez Soto, llamado Piscinas la Isla. El conjunto arquitectónico, que tomó como referencia el Club Náutico de San Sebastián, tenía el aspecto de un gran buque. Contaba con una sala de fiestas, restaurante, gimnasio y piscinas, una de ellas cubierta, que hacían las delicias de los madrileños que en verano no podían ir al mar. No son pocos los madrileños que aprendieron a nadar en sus instalaciones. La Piscina la Isla fue una de las grandes atracciones de Madrid, sobre todo en verano, además de una verdadera joya arquitectónica. Desgraciadamente, durante la Guerra Civil las instalaciones quedaron muy dañadas. La ribera del Manzanares se convirtió en uno de los frentes de combate y los puentes, y la mayoría de las instalaciones que se encontraban junto al río quedaron seriamente dañadas. Finalizada la guerra, la Piscina la Isla continuó siendo la

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“Playa de Madrid” durante los tórridos veranos, hasta su cierre en 1954 y su posterior demolición. La desaparición de este complejo lúdico deportivo, que sobrevivió a los bombardeos, se debió en gran medida a las destructivas crecidas del río. El Manzanares, aunque siempre ha sido un río de escaso caudal, de vez en cuando se convierte en un monstruo de aguas bravas que arrasan con todo lo que encuentran a su paso. Recuperando el río Desde los años cuarenta hasta los años ochenta del siglo pasado, el Manzanares vivió su peor etapa. Canalizado y ahogado por las autopistas, también se convirtió en una cloaca al aire libre. Sus apestosas aguas atravesaban Madrid casi siempre cubiertas por una espuma blanca de origen incierto hasta que en 1984, comenzó el proyecto de saneamiento del río. Se construyeron nuevas depuradoras, se repoblaron sus aguas con diversas especies de peces y se soltaron algunas decenas de patos. Con la llegada del siglo XXI, el Manzanares se convirtió finalmente en Madrid Río, un fantástico proyecto merecedor del prestigioso premio Europa Nostra. Pese a todo ello, recientemente el Manzanares ha vuelto a ser protagonista, esta vez por sus aguas represadas que le dan aspecto de río. Los nuevos dirigentes del Ayuntamiento decidieron acabar con la represa de aguas en algunos de sus tramos, devolviendo así el aspecto de río “naturalizado”, con el fin de recuperar la fauna y flora autóctona. Esta decisión provocó las iras del algunos sectores de la sociedad cuando vieron al río convertido en un riachuelo en algunos de sus tramos. Finalmente, la polémica acabó para gozo del consistorio y de algunas especies de aves que han vuelto a nidificar junto al río. El Manzanares, en la actualidad, es un río querido por los madrileños, lejos quedaron los tiempos en los que sus aguas solo importaban cuando apestaban demasiado o cuando el río se tornaba vengativo inundando algunas zonas de la ciudad. Afortunadamente, todo aquello pasó y hoy el tramo urbano del río Manzanares es un lugar de esparcimiento y un importante entorno natural para el Madrid más salvaje.

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| MADRID COMUNIDAD |

Embalse de El Atazar

_______ TEXTO Y FOTOS: RAMÓN RIVAS El abastecimiento ininterrumpido de agua es algo esencial en cualquier sociedad, especialmente en lugares donde las precipitaciones son variables, como es el caso de la Comunidad de Madrid, una región con periodos de sequía tan impredecibles como habituales. Precisamente por este motivo, los embalses madrileños juegan un papel muy importante para garantizar el abastecimiento de agua de boca a los más de seis millones de habitantes que viven en la Comunidad de Madrid. Aunque en España el consumo de agua va en aumento, la construcción de nuevos embalses es prácticamente nula, ya que suponen un verdadero quebradero de cabeza para cualquier gobierno; por los costes económicos y muy especialmente por los costes sociales y medioambientales. Por estos motivos, las medidas que se toman en este sentido vienen siendo las de la mejora y optimización de los recursos hídricos, así como las políticas de concienciación ciudadana, fomentando el ahorro y un consumo más eficiente y racional de un bien tan preciado y escaso como es el agua. Esto no ocurría hace unas décadas. En el periodo predemocrático, cuando la imagen del dictador Francisco Franco era habitual en los noticieros inaugurando embalses por toda España, queriendo así mostrar a la sociedad española una imagen de progreso tecnológico y con ello, paliar los terribles efectos de la “pertinaz sequía”. De todas las obras de ingeniería hidráulica realizadas en España durante la dictadura franquista, la más importante fue el embalse de El Atazar, el más grande de la Comunidad de Madrid y el último que inauguró en persona Francisco Franco. La idea de realizar este gigantesco embalse surgió en los años cincuenta del siglo pasado, tras un periodo importante de sequía que hizo temer al régimen dictatorial el agotamiento de las reservas hídricas madrileñas. La construcción del embalse comenzó en 1965, en el curso alto del río Lozoya, en la sierra norte de Madrid. Las obras fueron muy costosas y se prolongaron más de lo estimado inicialmente, hasta que finalmente se inauguró en 1972, con la presencia del dictador. La presa de El Atazar es una imponente obra de ingeniería, una presa de bóveda de doble curvatura construida en hormigón y con una altura de 143 metros y una longitud de 484 metros. Desde su construcción, la presa ha sufrido algunos contratiempos serios, provocados inicialmente por problemas debidos a una errónea evaluación geotécnica, pues se ubica en un terreno compuesto por pizarras que se fracturan con facilidad, pudiendo ocasionar un terrible desastre. Esto, según los expertos, no

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habría sido un problema si se hubiese construido en este terreno una presa de gravedad, más seguras para este tipo de terrenos, en vez de una presa de doble curvatura, mucho más económica y cuyas cargas se distribuyen en los extremos que se apoyan en la roca. Pese a todo ello, después de solventar los cálculos erróneos y tras un costoso proceso de estabilización, además de las pertinentes correcciones técnicas, la presa se puso en funcionamiento, no sin antes mejorar todas las infraestructuras, además de mejorar los sistemas de vigilancia. En la actualidad, la presa tiene una capacidad de 425,3 hectómetros cúbicos que representa el 46% del volumen embalsado en la Comunidad de Madrid. Es una de las 15 presas de titularidad del Canal de Isabel II y cuenta, además, con una central eléctrica cuyo fin es el de generar energía eléctrica. El embalse de El Atazar, por la excelente calidad de sus aguas, es una de las principales fuentes de abastecimiento de agua de la Comunidad de Madrid, por este motivo, el baño no está permitido, aunque sí está permitida la práctica de deportes náuticos sin motor. Plan de Emergencia de Presas Recientemente, la Comunidad de Madrid ha presentado un proyecto denominado Plan de Emergencia de Presas, con el que se pretende dar cumplimiento a la Directriz Básica de Planificación de Protección Civil ante el riesgo de inundaciones, pues según señala dicho documento, todas las presas deben tener un plan para situaciones de emergencia. El plan contempla un sistema de aviso inmediato a la población en caso de emergencia, para poder evacuar a la población rápidamente y de forma coordinada en el caso de posibles inundaciones. El plan incluye, además, la puesta en marcha de medidas informativas y simulacros, que sirvan para aumentar la seguridad y la autoprotección de la población. Estas medidas, aprobadas recientemente, no son excepcionales ni responden a un riesgo real e inminente de catástrofe, simplemente se enmarcan dentro de las medidas habituales que se han de aplicar en cualquier lugar donde exista un embalse porque, si las sequías son habituales, también son habituales los episodios de lluvias persistentes que, unidas a un posible deshielo repentino, hacen que el volumen embalsado aumente rápidamente y con ello, se proceda a una suelta controlada de los excedentes de agua. Periódicamente se realizan estas sueltas de agua, aumentando significativamente el caudal de ríos como el Jarama, provocando, en algunos casos, pequeñas inundaciones por desbordamiento del los cauces fluviales.

Fuentes: Comunidad de Madrid

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| MADRID NATURAL |

Lร QUENES La uniรณn hace la fuerza

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______ TEXTO Y FOTOS: EMNMM

Están en todo el planeta, son los primeros en colonizar un nuevo territorio y son los organismos más desconocidos, hablamos de los líquenes, una curiosa asociación entre un alga y un hongo que prosperan en cualquier lugar y en cualquier entorno, siempre que no exista contaminación. Los líquenes prosperan en todo el planeta y en todo tipo de ecosistemas, esto es posible gracias a que este organismo es una asociación simbiótica entre un alga o cianobacteria y un hongo. La simbiosis se basa, principalmente, en la protección que el hongo aporta frente a la desecación y la radiación solar al alga, y esta, con la fotosíntesis, produce “alimento” para el hongo. Estas son, a grandes rasgos y sin entrar en detalles científicos, las dos cualidades que han hecho único a este organismo, logrando prosperar y colonizar territorios donde ninguna otra forma de vida compleja lo puede hacer, además, son la base de todo un ecosistema, pues son los responsables de iniciar la creación de un suelo fértil donde otros seres, como las plantas, puedan prosperar. Los líquenes crecen en todo tipo de superficies, en las rocas desnudas, las cortezas de los árboles, en el suelo y hasta en los tejados de las casas. Además son unos perfectos indicadores biológicos, pues se alimentan de sustancias del aire y su presencia es mayor o menor dependiendo de la calidad del aire que les rodea. Dicho de otro modo, allá donde los líquenes son más numerosos, tanto en número como en variedad, la calidad del aire es mejor que en otros lugares

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como son las ciudades, donde la presencia de estos organismos es escasa o nula. Existen numerosos tipos de líquenes que por su morfología, han sido clasificados en siete tipos diferentes: escamosos, foliáceos, crustáceos, gelatinosos, compuestos, filamentosos, escamosos y fruticultosos. Sus colores, generalmente son verdosos, azulados y grisáceos, aunque la paleta cromática también puede sorprender con espectaculares líquenes amarillos, rojos y naranjas. Su reproducción puede ser sexual y asexual y su crecimiento es bastante lento, entre 0,1 y 0,5 mm al año, esto significa que un simple y austero liquen de un tamaño considerable en una roca, pueda tener decenas e incluso cientos de años. En la comunidad de Madrid hay infinidad de especies de líquenes, por citar un dato concreto, solo en las cumbres de la sierra del Guadarrama existen alrededor de 200 especies de líquenes, lo que supone más del 50% de los líquenes rupícolos conocidos en la Comunidad de Madrid. La mejor época para descubrir estas joyas de la naturaleza y su particular micromundo es ahora, cuando las lluvias que anuncian la primavera los colorea en algunos casos y, en otros, los transforma de tamaño gracias a la absorción del agua. Pequeños, austeros y sorprendentes son estas maravillas de la naturaleza que están a nuestro lado esperando ser descubiertas y valoradas en su justa medida como lo que son, una asociación exitosa que bien podría ser el ejemplo más evidente de que la unión hace la fuerza.

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| LUGARES |

DAIMIEL El oasis manchego

______ POR EMNMM En la provincia de Ciudad Real, en pleno corazón de La Mancha, se encuentra una de las joyas naturales de España, las Tablas de Daimiel, un humedal único en Europa, que goza de la máxima protección por ser Parque Nacional desde 1973, Reserva de la Biosfera, desde 1981, y Humedal de Importancia Internacional por el Convenio Ramsar en 1982. El nombre de las Tablas de Daimiel viene dado por estar ubicado en el municipio de Daimiel y por tratarse de un ecosistema denominado “tablas fluviales”, es decir, masas de agua que se forman por los desbordamientos de los ríos en sus tramos medios. En el caso de las Tablas de Daimiel, sus aguas provienen de dos ríos; el Guadiana y el Cigüela. El primero aporta aguas dulces y el segundo aguas salobres, creando así un rico ecosistema. La flora de este lugar es la propia de los humedales mediterráneos y está compuesta, en su mayoría, por tarajes, carrizos, juncos y espadañas. Aunque la joya de la corona es su fauna, y más concretamente sus aves que, en cualquier época del año, toman las tablas como residentes o de forma estacional tanto en invierno como en verano. De todas las aves que se pueden encontrar en el parque hay dos que, por su escasez y su rareza, se las podría considerar emblemáticas, se trata de la cigüeña negra y la malvasía, ambas especies protegidas y en peligro de extinción. Se prodría decir que un espacio que goza de una máxima protección y las más altas distinciones, como las que tiene las Tablas de Daimiel, es un bien inquebrantable. Pues no es así, pese a todo ello, los humedales de Daimiel estuvieron a punto de desaparecer no hace mucho tiempo. La destrucción del parque En los años ochenta del siglo pasado, comenzó un periodo de grandes sequías. Ante la falta de lluvias, los acuíferos de Daimiel comenzaron a ser explotados sin control y, en algunos casos, de

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forma ilegal. Las sequías continuaron hasta la llegada del siglo XXI. En 2009 el estado del humedal pasó a ser crítico, a la escasez de agua se le sumó el fuego, que devoró lenta pero inexorablemente las turberas del parque, incrementando así la desecación del mismo por la carencia de impermeabilización del suelo. El deterioro de esta joya natural llegó a un punto que la UNESCO amenazó con dejar a Daimiel sin el “titulo” de Reserva de la Biosfera. La Unión Europea también alzó la voz y expedientó a España por la inacción e incompetencia de sus gobiernos, que tuvieron el dudoso honor de ser los responsables de la destrucción -casi total- de una joya natural de interés internacional. En 2010, después de que las instituciones internacionales sacasen los colores a España, comenzaron las iniciativas, tanto públicas como privadas, para la recuperación de las Tablas de Daimiel. Se realizaron trasvases, se mejoraron los usos del agua en la zona y, hasta 2014, se fueron incorporando nuevas parcelas y nuevos ecosistemas con el fin de proteger el humedal, ampliando la zona protegida en 3.000 hectáreas. En la actualidad, las Tablas de Daimiel han recuperado todo su esplendor original y nada hace suponer que hace muy poco, este humedal único pudo haber pasado a los libros de historia como un capítulo más de la vergonzosa acción del ser humano contra la naturaleza. Las Tablas de Daimiel son muchas cosas, pero también son una lección que se ha de aprender, pues la protección del medio ambiente, como la protección del parimonio cultural, no depende solo de ostentar un “título” que diga que un determinado valor está protegido, también hay que cuidarlo y eso es competencia de todos, no solo de las administraciones.

Fuentes: Red de Parques Nacionales

| ARTE |

RAÚL ÁLVAREZ _________ POR RAMÓN RIVAS

El agua, en el sentido metafórico, pero también desde el punto de vista más existencial, es el elemento recurrente que el artista Raúl Álvarez logra canalizar para convertirlo en un vehículo con el que expresar su particular forma de ver el mundo. Con honestidad y sinceridad, Raúl se enfrenta a la inmensidad del lienzo como el marinero que se echa al mar, consciente de sus riesgos, pero convencido de la recompensa, y eso se nota en su pintura. Nos hemos entrevistado con este artista coruñés para conocer mejor su trabajo y su obra que, en definitiva, es su propia vida.

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Raúl, el agua es el elemento protagonista en la mayor parte de tu producción ¿por qué? Como elemento pictórico me parece muy interesante y muy compleja su representación. Es un elemento vivo y en constante cambio y movimiento por lo que conseguir que se vea de manera natural y real me resulta un reto muy estimulante. También creo que tiene muchas similitudes con el ser humano, en nuestra mayoría estamos formados de agua y de alguna manera, muchas actitudes y sentimientos que podemos sentir o transmitir se pueden relacionar con el agua; podemos ser tranquilos y calmados como una balsa de agua o furiosos y rebeldes como un mar tormentoso. El agua siempre ha sido algo que ha formado parte de mi vida de una manera más o menos directa y de algún modo me sirve para transmitir ciertos estados de ánimo o sentimientos que nos son comunes a todos y con los que nos podemos sentir identificados. Por eso, en mi obra hasta el momento siempre han ido muy ligadas la figura humana junto con el agua, me gusta mucho esa simbiosis. El tratamiento de las luces y las sombras en tus obras es fantástico, tanto en las pinturas acuáticas como las subacuáticas, recordando en algunas ocasiones a grandes maestros del Renacimiento o más actuales como Sorolla. ¿Cuáles son los artistas que más han influido en tus obras? Muchas gracias por esas comparaciones. Soy un gran amante y admirador del arte y de los artistas clásicos. Desde pequeño siempre me llamó mucho la atención el arte griego y romano, miraba sin parar libros de esculturas y los frisos de los templos, la obsesión que tenían por las proporciones y representación del cuerpo humano de manera fiel a la realidad. Más adelante descubrí el Renacimiento y es mi época favorita de la Historia del Arte, soy un obseso de Miguel Ángel, es mi artista clásico favorito, aunque también me encantan Leonardo, Bernini, Brunelleschi, etc… Cualquiera de esa época artística, creo que tenían un afán de superación y querer adquirir conocimientos increíbles. Cómo tú bien nombras, me gusta mucho Sorolla, tiene un tratamiento de la luz muy interesante y una pincelada muy personal. Velázquez es un maestro absoluto, tengo una profunda admiración por él. Caravaggio ,Rembrant, Rubens, Goya… Y más contemporáneos nombraría a

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Antonio López, Golucho, Jeremy Geddes, Eloy Morales, Isabel Quintanilla, María Moreno, Justin Mortimer, Lee Price, Quintana Martelo…y me dejo a muchos. Aunque los que más me influyen son los que tengo cerca y con los que tengo la suerte de compartir ratos y experiencias de los que siempre aprendes y te hacen pensar cómo mejorar como pintor como pueden ser Roberto González Fernández, Jano Muñoz, Lara Pintos y un largo etc... Siempre me sentí muy atraído por el mundo de la figuración, el Realismo y el Hiperrealismo, por lo que de una manera natural me expreso en esas líneas y me gustan artistas de esos estilos pictóricos aunque también aprendo y me interesan muchos otros. ¿Qué tipo de materiales utilizas? Desde hace unos años pinto mayoritariamente al óleo, me resulta muy útil como técnica para poder representar lo que quiero y me da un montón de posibilidades y el soporte suele ser lienzo o madera imprimados. He trabajado también con acrílico, acuarelas, grafito… Me interesé por intentar aprender todas las técnicas por mí mismo desde pequeño, creo que es fundamental conocer de qué manera puedes representar mejor lo que tienes en la cabeza, aunque este es un oficio de aprendizaje y experimentación permanente. No estudié Bellas Artes, casi toda mi formación es autodidacta, así que me fui buscando la manera de aprender y establecer mi rutina de trabajo. En este mundo, las inquietudes artísticas y el aprendizaje son continuos, yo cuanto más pueda aprender una técnica o mejorarla, mejor podré expresarme. Es de suponer que la fotografía juega un papel importante en tus trabajos, ¿no es así? Sí, me sirve como apoyo fundamental para poder realizar mi trabajo. Suelo pensar en el tema y luego busco la manera de poder hacer las fotografías. Tengo varias cámaras y suelo realizar yo mismo las fotos, aunque a veces tengo amigos o gente a la que de manera puntual, puedo acudir para que me echen una mano o para posar como modelos. En ocasiones si la foto no es justo lo que tenía pensado cuando empiezo a trabajar el encaje en el lienzo, añado o quito cosas, o la varío usando varias imágenes. Suelo trabajar siempre de la misma manera, soy muy académico para algunos procesos, para mí, el dibujo es fundamental en mi obra.

In utero maris (Retrato Fati)

Distorsiรณn acuรกtica I

Un detalle llamativo de tu trabajo, es que las figuras humanas que aparecen en tus pinturas, tanto fuera como dentro del agua, es la ausencia de rasgos faciales, centrándote solo en el movimiento y las formas ¿por qué? Según el tema que esté tratando es necesario que sea así. Por ejemplo, en la serie de los Bañistas en los que el espectador se sitúa debajo del agua, solo se ve el cuerpo porque la cabeza del bañista está en la superficie, fuera del agua, de ahí el reflejo hacia la superficie. En la serie Dive, en la que represento el impacto del cuerpo humano contra en agua, ese caos de burbujas y espuma hace que se pierdan la mayoría de los rasgos físicos e incluso zonas del cuerpo. En la serie Be water my friend, es donde los rasgos faciales se distorsionan por la superposición del agua. Me resulta muy interesante esa “impersonalización” porque puede dar pie al espectador a que le recuerde a alguien o que tenga que imaginar cómo puede ser esa persona. También el autorretrato, aunque con un sentido más personal y metafórico es habitual en tus obras ¿qué buscas con ello? Me interesa muchísimo el retrato, me parece muy interesante pictóricamente y difícil de trabajar de manera creíble y es de las cosas que más me gusta pintar, es algo que hago bastante últimamente y en lo que tengo pensado trabajar más profundamente. No se trata solo de representar unos rasgos físicos, sino de intentar pintar la personalidad del retratado/a y eso es un reto. Creo que, a veces, la mejor manera de expresar lo que buscas es por medio de la representación de uno mismo. En mi caso recurro al autorretrato para hablar de cosas que siento o he sentido en un momento dado, es una especie de metáfora, el agua al final es una “excusa”, un “apoyo” que me sirve para hablar de sentimientos humanos. Creo que también es muy interesante pintarse a uno mismo porque aprendes y ves cosas de ti mismo que desconocías o pasaban inadvertidas, a mí me resulta muy divertido y extraño al mismo tiempo, pero lo haré siempre que sea necesario para mi obra. La gente que me conoce muy bien sabe y ve cosas en los cuadros que, lógicamente, una persona que no me conozca no puede interpretar de igual manera, me parece muy interesante que puedan estar abiertas a distintas visiones. Muchas veces, incluso yo mismo me sorprendo y descubro cosas analizando los cuadros con el

tiempo, es como una especie de psicoanálisis, recuerdas momentos o vivencias y el por qué tuve la necesidad de pintarlo. Todas las cosas que te pasan en la vida de alguna manera quedan reflejadas en tu obra. Engullido por Poseidón, Be water my friend o Bañistas son el nombre de algunas de tus series pictóricas. ¿Cómo te planteas cada serie y cuáles son los motivos que te llevan a “embarcarte” en proyectos de estas características? Pues todo surge de una manera natural. No sabría muy bien cómo explicarlo, es algo innato. He ido aprendiendo que la creatividad se entrena, a mí antes me costaba mucho encontrar algo sobre lo que pintar, daba mil vueltas. Desde hace ya un tiempo, una serie me lleva a la otra, una idea, una palabra o concepto y a partir de ahí voy desarrollando el tema. Documento el proyecto y lo voy desarrollando en mi estudio. Suelo hacerle bastante caso a mi instinto cuando decido trabajar sobre algo. Tengo una libreta en la que voy apuntando todas las ideas que se me ocurren para que no se me olviden, muchas las pintaré y otras quedarán ahí, sin más, porque ya no tendrá sentido hacerlas. Cada serie es una especie de reto personal de superación, tanto de contenido como técnicamente, quiero contar y transmitir cosas, es como una medicina. Siempre he dicho que soy como un “yonki” de la pintura, cuando pinto es cuando soy más yo. Amo profundamente lo que hago y tengo mucho respeto por este oficio, necesito hacerlo; no sé hacer otra cosa. Es una necesidad vital para mí, a veces se puede convertir en una especie de “tortura placentera” porque sufres y disfrutas pintando a la vez, es algo que yo vivo y siento según lo complejo que sea en lo que estoy trabajando, es más un esfuerzo mental que físico, pero cuando lo acabas y ves que era lo que tenías en la cabeza, la satisfacción personal que sientes es enorme, como una catarsis. Supongo que si “nací” con esto es porque tengo y debo hacerlo, tengo la suerte de poder dedicarme a lo que me gusta y me siento muy privilegiado. Y viendo mi obra con perspectiva, creo que tiene sentido y va evolucionando aunque yo no soy muy consciente de ello. Estoy orgulloso de todo lo que he pintado hasta ahora pero creo que la serie Engullido por Poseidón es la más personal hasta ahora y le tengo un cariño especial aunque en realidad todos los cuadros son una especie de autorretrato.

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Repasando la mayoría de tus obras se vislumbra una evolución, en lo que a técnicas se refiere. Un tema recurrente, que es el agua, pero quizás no se aprecia un “concepto” evolutivo lineal, casi se diría que, en general, se trata de una producción muy viva, innovadora y experimental. ¿Estás de acuerdo con esto? Sí, puede ser que sea así. Creo que de una manera no consciente y a base de trabajar a diario tu técnica mejora de manera natural, resuelves las cosas de manera más rápida o más certera. Como dije antes, el agua es el tema que me sirve de apoyo para hablar y expresar sentimientos, y supongo que de una manera lógica, evolucionar también como persona, eso afecta a la obra. Al final yo cuento mi vida, intento ser honesto y fiel a lo que siento o creo que tengo que pintar en cada momento. No suelo pensar demasiado en si a la gente le va a gustar o no, creo sinceramente que si lo que haces te sale de las entrañas eso a la gente le llega y lo valora. Es cierto que, hasta ahora, todo lo que he pintado ha tenido mucha aceptación, pero también soy muy consciente de que algún día pasará lo contrario y no pasa nada, tienes que ser fiel a ti mismo y a lo que crees que debes hacer. Sí que creo que aunque pueda parecer que mi trabajo no es lineal, tiene de hilo conductor el elemento del agua, por lo que de una manera indirecta, todas mis series tienen relación entre ellas aunque hablen de cosas distintas. Por ejemplo, cuando acabé la serie de los Bañistas me propuse hacer algo que siguiera teniendo relación con el agua pero que fuese lo contrario, los Bañistas transmiten relax, calma, silencio subacuático…y de ahí surgió la serie Dive que es todo lo contrario, es caos, es el estruendo debajo del agua, impacto...Por ahora no doy ninguna serie cerrada del todo porque siempre están abiertas a reinterpretaciones. ¿Qué proyectos tienes en este momento? Ahora estoy trabajando una serie nueva de cuadros que creo que son un pasito más en mi evolución como pintor, porque son más complejos y trabajosos. Técnicamente son una lucha muy intensa de horas de dedicación en el estudio pero creo mucho en ellos y pienso que el conjunto va a resultar impactante visualmente y muy atractivo. Proyectos, por suerte, tengo muchos, mi cabeza no para y cada vez encuentro más estímulos para sacar ideas.

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Tengo muchas que son ideas sueltas, cuadros puntuales que iré haciendo cuando pueda y proyectos que dejé un poco de lado porque se me ocurrieron otros que pensé que era el momento de hacerlos, como me pasa en lo que ando trabajando ahora, y los otros los puedo retomar después. Quiero trabajar más el retrato, de amigos, de mi familia, de mi hijo, de gente de mi entorno que es importante para mí, algo más íntimo pero sin perder la esencia con mi obra anterior. Pintar lo que crea que tengo que pintar sin más. ¿Tienes alguna exposición a la vista? Sí, en el mes de abril de este año tengo una exposición colectiva en la Galería Federica no era tonta en Santiago de Compostela con otros dos pintores y amigos con los que es un lujo compartir espacio, Roberto González Fernández e Isra Jiménez. Tengo muchas ganas de que llegue esa expo porque va a ser muy interesante ver el trabajo de los tres juntos. También a finales de abril tengo una exposición colectiva en la Galería Kafell en Zaragoza donde participo con cuatro obras de pequeño formato. Y estoy preparando una exposición individual para finales de año en la galería Monty4Arte con la que trabajo en A Coruña y donde realicé mi última exposición individual hace dos años. ¿Qué podremos ver en ellas? En la colectiva de Santiago, cada uno interpretamos un elemento: el Fuego, la Tierra y el Agua. Por lo que va a ser muy interesante ver la obra de cada uno combinada con la de los otros. En la colectiva de la galería Kafell de Zaragoza es una selección con otros artistas de nivel nacional. Y en Coruña presentaré mi nuevo proyecto al que titulo Distorsión acuática, que es en el que trabajo actualmente y del que por ahora solo he mostrado un cuadro y el resto se verá, ya en su conjunto, colgado en la galería. Estoy exprimiendo todo lo que puedo las horas en el estudio porque soy muy exigente conmigo mismo y espero que quede como tengo en la cabeza. Pintar, pintar y pintar no hay más.

www.raulalvarezpintura.com

Dive I

Engullido por Poseidรณn VI

Autorretrato en camiseta. Madrid, 1960. Colecciรณn Mur

| FOTOGRAFร A |

Cualladรณ esencial Gabriel Cualladรณ, fotรณgrafo (1925-2003)

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Gabriel Cualladó (Massanassa, Valencia, 1925–Madrid, 2003) es uno de los grandes maestros de la fotografía española y fue miembro del histórico grupo fotográfico AFAL y cofundador del grupo La Palangana, antes de formar parte de la Escuela de Madrid. Gran coleccionista de fotografía, Cualladó fue premiado, entre otros reconocimientos, con el primero de los Premios Nacionales de Fotografía y con la Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes de Madrid. Su obra está presente en las colecciones y museos más relevantes del país, a pesar de ser uno de los grandes desconocidos de la fotografía para el gran público. Precisamente por ser uno de los fotógrafos más desconocidos por el gran público, hasta el 29 de abril, podrá visitarse en la madrileña Sala Canal de Isabel II la exposición Cualladó esencial. Gabriel Cualladó, fotógrafo (19252003). Una muestra organizada junto a la Fundació Catalunya La Pedrera y comisariada por Antonio Tabernero, propone un recorrido por la obra de Cualladó, un fotógrafo que siempre se consideró amateur, cuya producción es una de las más singulares de la fotografía, no solamente por su dimensión poética y por su extraordinaria libertad de expresión, sino también por la natural sencillez con la que abordó su interpretación del mundo. De formación autodidacta, la obra de Cualladó destaca por configurar un estilo de mirada realista, componiendo un universo poético propio y transmitiendo el intenso latido vital de una época.

Cualladó esencial es una muestra que cuenta con más de 140 obras procedentes de importantes colecciones, como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza o el Institut Valencià d’Art Modern, IVAM, así como de la colección de la familia Cualladó. La época de mayor actividad del fotógrafo fue durante las décadas de los 50 a los 70, unos años que se reflejan en la exposición a partir

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de sus series fotográficas realizadas principalmente en Madrid, París y Asturias. En estas imágenes, Cualladó no busca temas ni personas relevantes sino que, ofreciendo su mirada más humanista, retrata escenas sencillas, desprovistas de artificios, para captar los instantes de su vida cotidiana. Así, por estas fotografías transitan familiares, amigos y personajes anónimos que conforman un mosaico cercano e intimista que nos lleva del Rastro madrileño a las calles parisinas, al modo de la nouvelle vague. Precisamente el Rastro de Madrid fue uno de sus escenarios fotográficos predilectos durante la década de los 80, reflejando la vida de este escenario y los personajes que lo habitaban a través de un uso intensivo de la sombra, del negro que, en el caso de Cualladó, siempre es un espacio de vida. La carrera profesional de Cualladó continuó siendo fecunda hasta poco antes de su fallecimiento, en 2003. Los últimos años de la actividad fotográfica de Cualladó también están reflejados en la muestra a través de una pequeña serie de polaroid. Investigó tímidamente el color, sirviéndose de esta cámara que ofrecía colores muy especiales y que otorgaba a la imagen un ambiente poético. Algunas de estas polaroid se incluyeron en el librito que Cualladó dedicó a su amigo del alma Paco Gómez, otro artista esencial al que esta misma Sala Canal de Isabel II dedicó, en 2017, una histórica muestra, afianzando así el interés de este espacio por la recuperación de los nombres fundamentales de la fotografía en España.

Gabriel Cualladó (Massanassa, Valencia, 1925–Madrid, 2003) Sala Canal de Isabel II Santa Engracia, 125 Madrid www.madrid.org

Bodega. Sobrepiedra, Asturias, 1958. Museo Nacional Centro de Arte Reina SofĂa

Xavier Miserachs, boda de Ramรณn Masats, 1959. Familia Cualladรณ

Camarero en la boda de Penella, 1966. Familia Cualladรณ

El Rastro. Madrid, 1980 – 1981. Familia Cualladó

Gabriel con potranco. Cangas de OnĂs, Asturias, 1963. ColecciĂłn Mur

El Rastro. Madrid, 1980 – 1981- Familia Cualladó

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| CINE Y TV |

1945 Una película de Ferenc Török

Sinopsis Un sofocante día de agosto de 1945, los habitantes de un pueblo se preparan para la boda del hijo del funcionario del ayuntamiento. Mientras, dos judíos ortodoxos llegan a la estación de tren del pueblo con unas misteriosas cajas. El funcionario del ayuntamiento teme que sean herederos de los judíos que echaron del pueblo y espera que reclamen las propiedades que les fueron arrebatadas injustamente, propiedades que habían perdido durante la Segunda Guerra Mundial. Otros habitantes del pueblo tienen miedo a que vengan más supervivientes, amenazando así las propiedades y posesiones que ahora reclaman como suyas. Ferenc Török / Director y guionista El escritor y director húngaro de 46 años, Ferenc Török, nació en Budapest, allí estudió en la Academia de Teatro y Cine de Budapest. La película que realizó como trabajo final, Moscow Square, ganó el premio a la mayor película debut en el Festival de Cine Húngaro en el 2000. Desde entonces, ha dirigido tanto en cine como en teatro. 1945 es su sexto largometraje. Ferenc Török es miembro de la Academia del Cine Europeo desde 2007 y ha sido galardonado con el premio Pro Cultura Urbis por la ciudad de Budapest, 2005 y con el premio Balázs Béla, un reconocimiento del Estado por sus espectaculares logros como director de cine, 2008. Entrevista con Ferenc Török El pasado de Hungría está repleto de traumas sin superar. Ferenc Török, el director de Moscow Square (Moszkva tér, 2001), la película de culto sobre los acontecimientos históricos de 1989, traslada a la audiencia a 1945 con su nueva película. En presencia de soldados soviéticos, los habitantes de un pequeño pueblo se preparan para la boda del hijo del funcionario del ayuntamiento, mientras que intentan ignorar el hecho de que el año anterior habían deportado a gran parte de la comunidad judía del pueblo. La película está ambientada en 1945, en un pequeño pueblo situado en una ladera. ¿Cómo decidiste el tema? Llevo diez años interesándome por este tema, desde que leí el relato de Gábor T. Szántó. Me interesaba mucho el momento posterior a la guerra y justo antes de la introducción del nacionalismo y el comunismo, cuando, por un momento, hubo indicios de una posible transición democrática. Las cosas podrían haber cambiado a mejor. El fascismo había acabado, pero el comunismo todavía no había empezado, intentamos plasmar la atmósfera de esos pocos años en la película. Este periodo de la historia de Hungría no se ha representado mucho ni en literatura ni en cine. En su lugar, la gente se centra en la Segunda Guerra Mundial en sí misma o en la dictadura de los años 50, con esos pocos años de por medio. Quería presentar un cuadro social que retratara la vida en Hungría justo después de la guerra.

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¿Cómo surgió el guión? La obra original de Gábor T. Szántó es una novela corta de diez páginas. Primero desarrollamos juntos una dramaturgia similar a la de las tragedias griegas, construidas sobre las unidades de acción, tiempo y lugar, creamos nuevos personajes y reforzamos la dramaturgia con diálogos mordaces. Así, con los años, el texto se convirtió en un guión. Lo que más me gusta de la novela es cómo la trama, en poco tiempo, tres o cuatro horas, presenta de forma conmovedora situaciones en las que no hay diálogo, algo que, sin duda, quería conservar. Los autores suelen estar directamente relacionados con los temas que tratan. ¿Cuál es tu historia? Es un momento muy trágico de la historia con el que todos estamos conectados de una forma u otra. Sin embargo, a mí no me motivó ninguna historia personal o familiar. Es ficción, a diferencia de Moscow Square. Si tuviera que decir algo acerca de mi conexión con ella, sería lo que me transmitió. La novela corta de Szántó presentaba un punto de vista completamente diferente a todo lo que había leído anteriormente sobre la situación histórica del momento. Pienso en la motivación de los nuevos comienzos, en cómo la sociedad debe superar los traumas, empezar de cero, afrontar el pasado y emprender una nueva vida. ¿Podrías contarnos algo del rodaje? Tuvimos un reparto fantástico y el rodaje fue muy tranquilo. Era la primera vez que trabajaba con Elemér Ragályi, el cámara, a quien respeto profundamente. Lo conozco personalmente desde hace un tiempo y lo considero mi mentor. Le pedí que trabajara en la película, entre otras cosas, porque lo vivió en primera persona cuando tenía cinco años y vivía en un pequeño pueblo. Este es el tipo de motivación personal de la que hablaba antes, para él es real. No solo se acuerda de cómo solían ser los balones de fútbol, sino que también recuerda cómo era la atmósfera en la que se vivía en la Hungría rural. Habla de ese verano, cuando acabó la guerra. Nos enseñaban que esa era la liberación e incluso la celebrábamos todos los años el cuatro de abril. ¿Cómo pueden conectar los jóvenes de 15 a 20 años con este tema a través de la película? ¿Qué clase de recibimiento esperas que le den? Siempre digo que tenemos que confiar en la juventud. 1945 no gira entorno a los adolescentes, sino entorno a la audiencia más madura y con un pensamiento más amplio. Puede que ellos sientan más empatía hacia la película. Además, creo que en mi película será más fácil entender la situación histórica del momento que en los gordos libros de texto. Es un drama que enfrenta a la audiencia a situaciones de la vida real. Nos han invitado a varios festivales, espero que eso atraiga a mucha gente y que a todos les emocione. Confío en que la audiencia húngara y la audiencia internacional sea lo suficientemente madura para la interpretación crítica de esa época. Este momento de la historia nunca se había plasmado desde esa perspectiva. Entrevista © Festival Films

1945 Estreno 16 de marzo

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| ESCENA |

1984 Dirección Carlos Martínez-Abarca

¿Es posible hoy 1984? ¿Es posible hoy el terror reflejado por Orwell en 1984? Hoy sí existe una tecnología capaz de controlar hasta el último movimiento de cualquier ciudadano... Y esa tecnología se está utilizando “El Hermano Mayor te vigila”. Hoy sí existe una capacidad de manipular el pensamiento y el lenguaje, con medios más poderosos que lo que soñaron Goebbels o Stalin, que pueden reducir nuestra capacidad de pensar y de rebelarse contra el poder. Hoy sí existe en todo el mundo la amenaza de nuevos totalitarismos que piensan que “El poder consiste en hacer pedazos el espíritu humano y darle la forma que elijamos”. Por eso, el mundo que Orwell previó no es el actual... Pero hemos de despertar para que no lo sea, para hacer falso el lema del “Partido Interior”: “La libertad es la esclavitud. La guerra es la paz. La ignorancia es la fuerza”.

1984 puede ser la historia de una derrota derrota plena y absoluta... o bien una historia de esperanza, que surge de la capacidad del hombre de oponerse, aunque sea interiormente, al totalitarismo. Tal vez lo importante no sea el triunfo o la derrota, sino la calidad del triunfo o la derrota. O quizá debemos consagrarnos a causas que la derrota dejaría intactas. Sinopsis Una bota aplastando una cara humana... eternamente. Eso es el futuro. Eso es 1984. Solo existe el control del Partido sobre toda la sociedad: el Hermano Mayor vigila cada movimiento. La tecnología, las telepantallas, la manipulación asfixian cualquier resquicio de libertad. El pensamiento, el amor, el sexo y cualquier recuerdo son actividades que han de ser controladas, aun a costa de las más atroces torturas. Pero Winston, un hombre corriente, empieza a concebir la esperanza de escapar de ese mundo totalitario, gracias a un amor clandestino y a unos pensamientos que esconde bajo la máscara de fidelidad absoluta al Hermano Mayor

1984 Del 15 de marzo al 15 de abril Una producción de Paradoja Teatro Teatro Galileo

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| MÚSICA |

ROBBIE K. JONES Bluegrass Sextet

Robbie K. Jones, más conocido como percusionista del grupo madrileño Track Dogs, presenta en sexteto una visión tradicionalista, aunque abierta, de la música llamada Bluegrass. Este género siempre gira alrededor de la contribución inicial de una persona, Bill Monroe, el padre de Bluegrass. Hay varios puntos por comparar y contrastar el bluegrass con la historia del jazz, blues y hasta el flamenco. Por un lado están las funciones sociales y las circunstancias de su desarrollo, que como el jazz o incluso el flamenco, esta música surgió como una destilación y enfoque nuevo de repertorio folclórico ya muy establecida. Jones y su banda exploran comparaciones y contrastes con otros géneros a través de piezas tradicionales, contemporáneas y alguna original. Por tradicionalista, el sexteto actúa con instrumentos acústicos delante de un solo micrófono como siguen haciendo algunos grupos como Del McCoury Band. Por visión abierta, presentan algún tema folclórico de la tradición española pasado por el filtro de este estilo de los Apalaches e incluso algún tema original y la intervención ocasional del cajón flamenco. La técnica original del cajón de este músico le ha llevado a Jones a grabar con The Barefoot Movement, Tony Trischka, Michael Daves, Alison Brown, Jones Street Station y, en particular, la Barcelona Bluegrass Band. En este género Jones también ha sido invitado en actuaciones de Chris Thile, George Harper y Jerry Douglas. A pesar de ser un formato nuevo, también es un “supergroup” de músicos y amigos que han colaborado tras casi dos décadas y que traen muchas tablas y un conocimiento profundo y colectivo de la música acústica de muchos géneros. Bluegrass tradicional, tocado en acústico (banjo, violines, dobro...), pero con una visión abierta, en el sexteto del norteamericano Robbie K. Jones, un auténtico “supergrupo” del country nacional, con reconocidos músicos del estilo, en un nuevo lunes del ciclo “American Roots Live” coordinado por Jeff Espinoza.

Robbie K. Jones / Banjo, cajón, voz Nacho Maga / Guitarra y voz Javiolín Rodríguez Violín Andrea Szamek Violín Jonathan Colombo Dobro y voz Jorge Frías Contrabajo Robbie K. Jones Bluegrass Sextet American Roots Live

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BOGUI JAZZ c/ Barquillo, 29. Madrid 28004 www.bogui.es/jazz Lunes, 12 de marzo, a las 21:00h

| LIBROS |

Hágase el agua

Todo se mueve

Hágase el agua demuestra cómo mitigar la peor de las calamidades hídricas que se avecinan. Israel, un país donde el sesenta por ciento de la superficie es desierto, no solo pudo resolver el problema del agua, sino que la tiene en abundancia. Incluso provee de agua a sus vecinos palestinos y jordanos- todos los días. Hágase el agua se basa en una investigación meticulosa y también en cientos de entrevistas que revelan los métodos y técnicas de los inventores, en ocasiones poco convencionales, que permitieron a Israel liderar el mundo con tecnología hídrica innovadora. Hágase el agua también relata historias desconocidas sobre cómo la cooperación en los sistemas hídricos puede forjar vínculos diplomáticos y promover la unidad. Hágase el agua es una historia con una redacción exquisita sobre la visión y el sacrificio de una nación y un pueblo que hace tiempo transformaron la seguridad hídrica en una de sus principales prioridades. A pesar de los escasos recursos hídricos naturales, de tener una población y una economía en crecimiento, y vecinos a veces hostiles, Israel ha logrado mantenerse a la vanguardia en la curva de innovación en lo que respecta al agua para asegurarse un futuro vital y dinámico.

Cuatro mujeres y diez secretos. Todos tenemos secretos. Las circunstancias hacen que unos salgan a la luz y otros permanezcan en el anonimato, ocultos en el desván de nuestras mentes, aparcados en nuestros recuerdos, escondidos en los cajones bajo la ropa interior o ahogados en una continua lucha por salir a flote. Algunos, al resurgir, producen alivio, otros deberían haber permanecido inertes bajo la tierra húmeda y nunca haber resucitado. La verdad es lo contrario de la cobardía. La mentira es solo un germen que puede llegar a crecer hasta acabar con la amistad, el amor e incluso la propia vida.

Seth M. Siegel Editorial Nagrela Ediciones 268 Páginas 9788494379048

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Alfonso Albacete Editorial Plan B Ediciones 304 Páginas 9788417001278

| LIBROS |

Huellas negras

Fariña

Un recorrido por la geografía interior de la historia a través de las huellas que dejó la tragedia de la esclavitud en diversos lugares del mundo. Con el testimonio de decenas de personas y durante miles de kilómetros, estas crónicas nos sumergen en las entrañas de algunos países donde aún se escuchan los ecos de la desventura, pues tres siglos de esclavitud y colonización marcaron a fuego el porvenir de muchas naciones. El autor da voz a sus descendientes y desgrana sus historias en una serie de reportajes realizados en Jamaica, Gambia, el sur de Estados Unidos, Colombia y Cuba, ejemplos de la diáspora negra en la actualidad. Cuestiones como la identidad, la memoria, la construcción del concepto de negritud se vuelcan en estas páginas como una tarea siempre inacabada y versátil. Son relatos que emocionan y nos muestran, a través del viaje y la reflexión, que la libertad debería ser inclusiva y no negar el abrazo a nadie. El proyecto de estas crónicas temáticas fue galardonado en 2017 con la Beca Michael Jacobs de crónica viajera otorgada por la Fundación Gabriel García Márquez para el Nuevo Periodismo Iberoamericano- FNPI-, el Hay Festival y la Michael Jacobs Travel Writing Foundation.

Aunque ahora parezca una pesadilla lejana, en los años 90, el 80% de la cocaína desembarcaba en Europa por las costas gallegas. Galicia disponía de todos los ingredientes necesarios para convertirse en una “nueva Sicilia”: atraso económico, una centenaria tradición de contrabando por tierra, mar y ría, y un clima de admiración y tolerancia hacia una cultura delictiva heredada de la época de los “inofensivos” y “benefactores” capos del tabaco. Los clanes, poderosos y herméticos, crecieron en un clima de impunidad afianzada gracias a la desidia (cuando no complicidad) de la clase política y de las fuerzas de seguridad. A través de testimonios directos de capos, pilotos de planeadoras, arrepentidos, jueces, policías, periodistas y madres de toxicómanos, Nacho Carretero retrata con minuciosidad un paisaje criminal con frecuencia infravalorado. En el imaginario popular, ese costumbrismo kitsch de capos con zuecos y relojes de oro ha oscurecido el potencial destructivo de un fenómeno que arrasó el tejido social, económico y político de Galicia. Fariña incluye, además, un repaso inédito por los clanes que siguen operando hoy en día. Porque en contra de la creencia mediática y popular,tal y como demuestra este libro, el narcotráfico sigue vivo en Galicia.

Diego Cobo Editorial La línea del horizonte 144 Páginas 9748415958772

Nacho Carretero Editorial Libros Ko 358 Páginas 9788416001460

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| EXTRAÃ&#x2018;O Y CURIOSO |

BEBEDORES DE SANGRE

________ POR EMNMM Desde la noche de los tiempos, la sangre ha sido considerada como un líquido sagrado. Por esta razón, todas las culturas y civilizaciones, de un modo u otro, han utilizado esta sustancia roja para diversos fines, como ritos de purificación, como ofrenda a los dioses o para su consumo directo en busca de propiedades milagrosas. En nuestra civilización, en pleno siglo XXI, la sangre ha dejado de tener su carácter místico, aunque todavía hoy se consume. No son pocos los alimentos que llevan sangre como ingrediente principal: chorizos y morcillas son algunos ejemplos. La sangre, por su composición y su alto contenido en hierro, es un alimento saludable, siempre y cuando se consuma con moderación. En el Madrid de los años treinta del siglo pasado, la anemia, la desnutrición y la tuberculosis campaban a sus anchas entre la población y, como era de esperar, las clases menos pudientes eran las más afectadas por estos males. Muchas de estas personas, enfermas y sin recursos, se vieron obligadas a beber sangre, una práctica alternativa que en una sociedad como la actual se podría definir como aberrante. En un artículo publicado en 1933 en la revista Estampa, se describe quiénes eran y cómo era el ritual de los bebedores de sangre madrileños. El cronista cuenta que, a primera hora de la mañana, un buen número de personas acudían al matadero provistas de cacharros para su llenado con sangre. En el artículo se describen a estas personas como débiles, famélicas y en su mayoría mujeres que, además, se sentían inquietas por la presencia de los medios de comunicación ya que, al parecer, llevaban su sangrienta rutina de

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forma secreta. Tampoco faltaban los chavales, menos tímidos que el resto de sus compañeros adultos, quizás porque la mayoría de ellos iban en busca de sangre para ganarse unos cuartos, vendiéndosela por encargo a otras personas que, por un motivo determinado, no querían ir al matadero ni ser vistos por allí. Tras una larga espera, terminada la matanza de reses y con los animales todavía agonizantes en el suelo, se procedía al llenado de los cacharros. Después de repartir la sangre, algunos la bebían en el momento y otros se marchaban con ella a sus casas. El artículo cuenta también que, con anterioridad a la fecha de su publicación, el número de bebedores de sangre en Madrid era extraordinario y que no había selección alguna de las reses utilizadas para este fin. Era la propia gente la que seleccionaba por capricho a la res que le parecía más saludable, incluso por el color del animal, pues existía la falsa creencia de que los toros negros tenían una sangre más saludable que los demás. A este caos se le puso fin, como cuenta uno de los responsables del matadero al periodista de la revista Estampa. El responsable cuenta que después de aquello, los veterinarios revisaban minuciosamente a las reses destinadas a los bebedores de sangre y se seleccionaban a los que eran verdaderos enfermos para el consumo de sangre pues, según se narra en el artículo, hubo no pocas personas que por el poder de la autosugestión, se convirtieron en bebedores compulsivos de sangre.

Fuentes: Revista Estampa / Agosto de 1933

| ESPACIOS Y PROPUESTAS |

PARQUE WARNER Nueva temporada

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En Marzo, el Parque Warner abre de nuevo sus puertas en la que será su temporada más larga, incorporando más días de apertura para que el visitante se convierta en el protagonista de un parque de película. Todo es posible en Parque Warner, caminar por las calles de Hollywood o Nueva York, atravesar el salvaje Oeste, adentrarse en los dibujos animados de los Looney Tunes y sentirse como un superhéroe en Gotham City o Metrópolis. En familia o con amigos, la diversión está garantizada gracias a sus atracciones, animaciones de calle, musicales, shows de especialistas, personajes y tematización, que nos trasladan al maravilloso mundo del cine y asombrarán y contagiarán al público de todas las edades. Parque Warner es el único lugar en Europa donde poder conocer y compartir momentos inolvidables con los superhéroes DC Comics, y con los personajes Looney Tunes y Hanna Barbera. Sus musicales con voces en directo hacen vibrar a miles de personas diariamente, y es el único lugar en el mundo donde asombrarse con sus exclusivos espectáculos de especialistas, siendo reconocido Loca Academia de Policía como uno de los mejores espectáculos de especialistas de Europa. Además, como experiencia pionera en España, Parque Warner ha incorporado un nuevo concepto de diversión que combina la inmersión de las gafas de realidad virtual con la adrenalina generada por el recorrido de una montaña rusa real. Parque Warner cuenta además con el área infantil más grande de España, tiene la montaña rusa de madera más larga y la atracción con caída libre más alta de Europa. Este año la principal novedad es la ampliación del parque acuático tematizado de acceso independiente Parque Warner Beach, que inaugurará en la temporada de verano seis nuevas atrac-

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ciones de agua basadas en los superhéroes de la Liga de la Justicia. Una inversión de 8 millones de euros que multiplicarán la diversión de sus visitantes que a partir de ahora podrán refrescarse y descargar adrenalina en Parque Warner Beach. Parque Warner se ha convertido en uno de los lugares más visitados de la Comunidad de Madrid, junto con el Museo del Prado y el Museo Reina Sofía, además de ser uno de los parques temáticos más visitados de Europa. Su inversión en los últimos años lo ha convertido en el parque de atracciones europeo con mayor incremento de afluencia de público, siendo el 60% de fuera de la Comunidad de Madrid y en torno al 8% extranjero, principalmente portugueses. Mes de los Superhéroes Durante los fines de semana del mes de marzo y abril, Parque Warner quiere homenajear a sus superhéroes más queridos celebrando días especiales de Superman, Batman y Wonder Woman. Una oportunidad única para que los niños se vistan de su superhéroe favorito y disfruten con las actividades que se han preparado. Un emocionante encuentro con los superhéroes para saludarles y hacerse una foto, pasarse por el taller de pintacaras para parecerse a ellos y asistir al Entrenamiento de Superhéroes, donde los niños conocerán de primera mano los mejores trucos para salvar el mundo. Pero seguramente el momento más inolvidable llegará al finalizar la jornada, cuando los dos niños que mejor lo han hecho en el Entrenamiento de Superhéroes participen en el desfile de Parque Warner junto con todos los personajes. www.parquewarner.com

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| COMER |

MATRITUM Un placer en todos los sentidos

___________ POR CARMEN MARTÍNEZ DE ARTOLA

Corría el año 1996 cuando un loco del vino, Xavier Saludes, emprendía la aventura. La de abrir un pequeño restaurante en una de las zonas más céntricas y emblemáticas de Madrid: La Latina. Regalar a los clientes un acogedor rincón en el que comer y beber de maravilla les ha traído hasta aquí. Ir mejorando cada día para consolidar la que ya se ha convertido en una de las direcciones más fiables del barrio. Matritum, un lugar en el que dejarse llevar y, simplemente, disfrutar.

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Está situado en la archiconocida Cava Alta, en un cálido local con aires de bistró francés. Encanto en cada rincón que esconde una clásica taberna en la que manda una cocina sencilla, con un punto actual y hasta de comedida fusión. El producto es clave en la casa. Empezando por el excelente pan del Horno de San Francisco, los embutidos que llegan desde Gerona de la mano de los artesanos Can Planas o los ya más que conocidos quesos de Cultivo. La carta se va adaptando a la temporada y a ella se unen una serie de sugerencias que muestra la pizarra de cada día. Entrantes tan apetecibles como la ensalada de lentejas con codorniz escabechada al amontillado, las croquetas líquidas de carabinero o los berberechos gallegos al curry rojo. Principales como las alubias de Tolosa, el risotto de plancton y ortiguillas, cap i pota o la presa adobada. Y postres como la torrija de brioche con helado de crema tostada o la crema catalana. También ofrecen un menú de mediodía con tres primeros y tres segundos a elegir por 11’85 euros, o con un segundo más especial como opción de “plato del día” por 14’85 euros. Opciones para todos los gustos y bolsillos.

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Una mención aparte merece la atención que aquí dan a los vinos. Una carta con más de 400 referencias y una gran cantidad de ellos por copas. Etiquetas diferentes y con la calidad que avala a la distribuidora Miró y González, más conocida como Vinoteca Tierra. Un paraíso para los amantes de este mundo, que además van a poder disfrutar de ellos durante todo el día los fines de semana, a modo de wine bar. En Matritum lo mejor es ponerse en manos de Frank Trujillo y María Alexandra, que llevan la sala con sumo cuidado. Así lo hacemos y empezamos con unas samosas de pollo al chilindrón envueltas en una fina pasta filo y acompañadas de salsa dulce de guindillas. Rico y jugoso bocado que acompañamos de una chenin blanc de Domine les Demoiselles de Pallus. Seguimos con un delicadísimo salpicón de bogavante nacional con su justo punto de vinagre de jerez, con un agradable rosado de cabernet franc de la misma bodega. Llegan los dumplings de trinxat con gamba roja, un giño oriental en el que destaca ese relleno con la enjundia de una buena butifarra. En este caso el compañero es el maravilloso palo cortado Encrucijado del enólogo Ramiro Ibáñez.

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Continuamos con un foie micuit casero de perfecta ejecución, caramelizado y con una mermelada de chirivía que le aporta un fresco contrapunto. En la copa un maridaje diferente y convincente, la fresca salinidad del Tosca de Lentejuela. El pescado aparece en forma de un jugoso bacalao skrei con salsa gallega y verduras. Delicado y sabroso lo comemos con un fascinante vino de la Rioja, el blanco de malvasía de Laventura. Terminamos la parte salada con las albóndigas de pintada en pepitoria sobre un parmentier de patata bien cremoso. Para beber, en este caso, el tinto de cabernet franc de Domine les Demoiselles de Pallus. El final dulce lo pone un gustoso brownie de chocolate con helado y un agradable trago de la manzanilla pasada en rama La Bien Pagá, de Delgado Zuleta. Un placer en todos los sentidos.

TABERNA MATRITUM Cava Alta, 17 28005 Madrid Tlf. 91 365 82 37 www.tabernamatritum.es

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