Es Madrid no Madriz Magazine

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NĂşmero 28 / Noviembre 2014

Editorial ubo un tiempo, no muy lejano, que en Madrid se celebraba el Día de Difuntos, una festividad de recogimiento, solemne y, en ocasiones, tétrica en la que las gentes acudían en tan señalada fecha a los cementerios para depositar unas flores en las tumbas de sus seres queridos. Durante esta festividad, en los teatros y en la televisión el Tenorio se empleaba a fondo para conquistar a una joven y atractiva monja. En las pastelerías se vendían buñuelos y una especie de canutillos muy dulces y deliciosos llamados huesos de santo y, los más morbosos, narraban a sus seres queridos historias de aparecidos, de almas en pena que vagando por las calles reclamaban la justicia que vida no habían encontrado.

H

Como decía anteriormente, todo esto era lo que ocurría en la festividad de Difuntos pero todo eso cambió. Nunca supimos ni cómo ni cuándo, ¿fue de repente? Lo cierto es que hoy a esta festividad la llaman Halloween o “jalogüin”. Las chuches y los pasteles con formas monstruosas van comiendo terreno a los tradicionales buñuelos y huesos de santo. El Tenorio continúa dando la matraca a la monja en algún teatro que, heroicamente, se resiste a no perder las tradiciones, pese a que la gente prefiere irse de fiesta disfrazada de seres del Averno mientras las calabazas con sonrisa amenazante se multiplican por toda la ciudad.

Los tiempos cambian y quién sabe qué nuevas celebraciones incorporaremos a las nuestras o qué celebración exótica fagocitará a las autóctonas… Sólo hay una cosa que nunca cambia, la política española, que sigue siendo idéntica a la que retrató Larra en su Noche de Difuntos.

Si bien es cierto que nuestra tradicional fiesta de Difuntos ha dejado de ser tétrica gracias a Halloween, no menos cierto es que todavía somos muchos a los que esto del “jalogüin” nos sigue sonando exótico, aunque queramos o no, al final, todos caemos y hacemos nuestra esta festividad americanizada. Por este motivo, el tema central de este número está dedicado a una de las casas encantadas que hay en Madrid, llamemos a su puerta y digamos... ¿Truco o Trato?

Ramón Rivas

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Sumario

NOTICIAS

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8

Reportaje. LA CASA MALDITA DE LA CALLE CAÑIZARES

18

Madrid Comunidad. YACIMIENTO ARQUEOLÓGICO DEHESA DE LA OLIVA

26

Madrid Natural. EL MADROÑO, FRUTO DE OTOÑO

34

Viajar. CRACO, UN PUEBLO FANTASMA

42

Personajes. FRANCIS PÉREZ

48

Arte. AUSÍN SÁINZ

54

Fotografía. TOMÁS MUNITA

66

Cine. MADTERROR FEST

80

Escena. OBRAS EN CARTEL

82

Música. WILTAY / FÜGU

88

Libros

96

Tiendas. DORJE

98

Comer. FORTE

102

AGENDA

110

18 26 48 54 66 88

Reportaje. LA CASA MALDITA DE LA CALLE CAÑIZARES

Madrid Comunidad. YACIMIENTO ARQUEOLÓGICO DE LA DEHESA DE LA OLIVA

Personajes. FRANCIS PÉREZ

Arte. AUSÍN SÁINZ

Fotografía. TOMÁS MUNITA

Música. WILTAY

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ES MADRID NO MADRIZ MAGAZINE La única revista online dedicada a Madrid y a la cultura Es Madrid no Madriz Magazine es una revista independiente, online y gratuita dedicada exclusivamente a la cultura, el ocio y el espectáculo. Reportajes, noticias, personajes, artistas, la mejor música, lo mejor del mundo de la escena y el entretenimiento. Los mejores bares, restaurantes y la mejor agenda cultural de la ciudad y la Comunidad de Madrid, es todo lo que vas a encontrar en este magazine.

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COLABORADORES

Número 28 / Noviembre 2014

Antón Pérez Magazine

Carmen Martínez de Artola Marco Alom Pilar Sarro

MAQUETACIÓN

IMAGEN DE PORTADA:

Maite Rivas

“¿Dónde estás?”

Composición para EMNMM

FOTOGRAFÍA Archivo EMNMM

AGRADECIMIENTOS Javier Fnez. Piera

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Impresionismo americano

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Tres hermanas. Estudio bajo el sol de junio, 1890 Edmund C. Tarbell Milwaukee Art Museum Foto: John R. Glembin

El Museo Thyssen-Bornemisza presenta en otoño la primera exposición en España dedicada a la expansión del impresionismo en Estados Unidos. Comisariada por Katherine Bourguignon, conservadora de la Terra Foundation for American Art y especialista en arte francés y americano de finales del siglo XIX y principios del XX, la muestra, que ya ha sido presentada en el musée des impressionnismes de Giverny y las National Galleries of Scotland de Edimburgo, rastrea a través de casi ochenta pinturas el modo en que los artistas norteamericanos descubrieron el impresionismo en las décadas de 1880 y 1890 y su desarrollo posterior, en torno a 1900.

binson o Childe Hassam, entre otros artistas que viajaron también a Francia para conocer el impresionismo, muestran una asimilación más gradual de la nueva técnica. Al igual que las de otros pintores norteamericanos que, sin haber tenido un contacto directo con los impresionistas y desde puntos de partida muy diversos, supieron adaptar sus ideas y su forma de pintar a los temas nacionales y seducir así a un nuevo público.

Todas están acompañadas en las salas por algunos lienzos de Monet, Manet, Degas y Morisot, que sirven para contextualizar y establecer un interesante diálogo entre ellas.

Aunque artistas como Mary Cassatt y John Singer Sargent llevaran algunos años viviendo y exponiendo en Francia y tuvieran una relación muy estrecha con pintores como Degas o monet, hubo que esperar hasta 1886, a la exposición de impresionismo francés organizada por el marchante Paul Durand-Ruel en Nueva York, para que los norteamericanos comenzaran a hacer uso de la nueva pincelada, los colores brillantes y los temas modernos del movimiento francés, y se animaran incluso a viajar a París para conocerlo de primera mano.

Las obras de Cassatt, Sargent o Whistler reunidas en la exposición revelan su papel en el desarrollo del impresionismo en Europa, mientras que las de Theodore Ro-

Para los pintores norteamericanos que querían participar de la modernidad europea era imprescindible pasar una temporada en París para visitar el Louvre y el Salón anual, e incluso formarse en alguno de los cada vez más numerosos estudios y academias. James McNeill Whistler fue uno de los primeros, seguido por Mary Cassatt.

En 1874, cuando París se estaba recuperando de la guerra franco-prusiana, llegó una segunda oleada de pintores norteamericanos, como John Singer Sargent y Theodore Robinson.

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Del 4 de noviembre de 2014 al 1 de febrero de 2015 Museo Thyssen-Bornemisza

Noticias Inmaterial. Patrimonio y memoria colectiva

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Museo de Antropología Hasta el 15 de febrero de 2015

La exposición es un evocador recorrido a través de noventa y tres fotografías seleccionadas de algunos de los fotógrafos documentalistas más importantes de la historia, tanto españoles como extranjeros. Fotógrafos que supieron capturar con su cámara las expresiones vivas de la cultura, las cuales son un legado de una riqueza incalculable, como Jean Laurent, Mariano Moreno, Otto Wunderlich, Baltasar Cue, Escobar López o Cristina García Rodero.

Las fotografías que se exponen son por tanto la memoria visual de distintas manifestaciones culturales de España y proceden, en su mayoría, del fondo documental custodiado en el archivo del Instituto del Patrimonio Cultural de España, probablemente el más importante de nuestro país en relación con las raíces del Patrimonio Inmaterial.

La muestra celebra la riqueza de las tradiciones culturales españolas, que constituyen la esencia del Patrimonio Cultural Inmaterial, que cuenta con el reconocimiento de la UNESCO desde hace ya más de diez años gracias a la firma de la Convención para la Salvaguarda del Patri-

monio Cultural Inmaterial. Un convenio firmado por un gran número de estados, entre ellos el español. Desde entonces, para la construcción de la identidad de los grupos humanos, el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, a través de la Dirección General de Bellas Artes, Bienes Culturales, Archivos y Bibliotecas, ha marcado una de las principales líneas estratégicas de actuación, entre ellas el fomento del estudio y conservación gracias a diferentes líneas de ayudas o a la convocatoria, desde hace más de treinta años, del Premio de Investigación Cultural Marqués de Lozoya y el Certamen de Fotografía sobre Cultura Popular.

La exposición, que se divide en 11 apartados ordenados por grupos temáticos, está organizada por el Instituto del Patrimonio Cultural de España, la Subdirección General de Promoción de las Bellas Artes, la Subdirección General de Museos Estatales, del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, y el Museo Nacional de Antropología. Ha sido comisariada por Antonio Muñoz y María Pía Timón y se integra en el Plan Nacional para la Salvaguarda del Patrimonio Cultural Inmaterial.

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A disposición pública tres colecciones fotográficas

El Ministerio de Educación, Cultura y Deporte ha puesto a disposición pública, a través del catálogo en línea de la Fototeca del Instituto del Patrimonio Cultural de España (IPCE), un conjunto de 2.150 fotografías datadas a principios del siglo XX y procedentes de tres colecciones: la Colección Estereoscópica del Centro de Información Artística, Arqueológica y Etnológica (CNIAAE), el Archivo H. B. y el Archivo fotográfico del meteorólogo Augusto Arcimís. Estos tres archivos fotográficos, similares tanto por la extracción social de sus autores como por el formato y datación de sus imágenes, han sido acondicionados, catalogados y digitalizados en el IPCE entre 2013 y 2014, y pueden ser ahora consultadas a través del catálogo en línea de su Fototeca.

Tres colecciones de fotografías La Colección del CNIAAE, organismo precursor del actual IPCE, está formada por 470 placas de vidrio realizadas entre 1902 y 1925 por un fotógrafo aficionado cuya identidad se desconoce, aunque se cree que puede tratarse de un militar español que residió durante un tiempo en la ciudad alemana de Potsdam. Las imágenes muestran vistas y monumentos de ciudades españolas, europeas y de Oriente Próximo, e incluyen fotografías de Alfonso XIII y su familia durante algunos actos oficiales (la visita a Altos Hornos de Sestao en 1907 o la visita del rey de Portugal a Madrid en 1906).El Archivo H. B. fue adquirido por el Estado a comienzos de 2013 y consta de 873 placas

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fotográficas realizadas entre 1913 y 1922 por un fotógrafo aficionado del que solo se conocen las iniciales H.B. Sus imágenes comprenden vistas de ciudades españolas y europeas, con detalles de monumentos, fiestas y acontecimientos de la época. Tanto por su temática como por la selección de lugares y encuadres, las fotografías revelan el alto nivel socio-cultural de su autor, demostrando asimismo una notable calidad técnica.

Finalmente, el Archivo Arcimís, perteneciente al astrónomo y meteorólogo Augusto Arcimís (1844-1910), ha sido recientemente cedido al Estado por su entidad propietaria, la Fundación Duques de Soria de Ciencia y Cultura Hispánica, tras un acuerdo de depósito por el que el IPCE asumirá durante cinco años la conservación, gestión y difusión del archivo. El interés de esta colección fotográfica se debe tanto a la personalidad de su autor Augusto Arcimís fue el primer director del Instituto Central Meteorológico, actual Agencia Estatal de Meteorología, y miembro destacado de la Institución Libre de Enseñanza como a la variedad temática y la calidad de las imágenes. Se trata de 835 placas de vidrio que aportan información de relevancia para la historia de la meteorología y la aeronáutica en España, así como datos de valor histórico y etnográfico sobre el patrimonio cultural de la Comunidad de Madrid y de las dos Castillas. www.ipce.mcu.es/documentacion/fototeca.html

I Jornadas de Patrimonio Histórico en Barajas

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Más información: David Carrascosa Tf. 615241231 barajasbic@gmail.com

Las asociaciones culturales “Barajas, distrito BIC” y “Amigos del Jardín El Capricho”, con el apoyo de la Junta Municipal de Barajas, organizan las que serán primeras Jornadas de Patrimonio Histórico de este distrito de la periferia de Madrid.

Compondrán tales jornadas siete conferencias y una exposición fotográfica que tendrá lugar entre el 20 de noviembre y el 18 de diciembre en el centro cultural “Gloria Fuertes” (Avenida de Logroño, 179).

Arquitectos, arqueólogos e investigadores de primer nivel confluyen en estas jornadas para analizar exhaustivamente los hitos más relevantes del patrimonio histórico del distrito de Barajas, uno de los más variados conjuntos patrimoniales de la Comunidad de Madrid y que representa la evolución histórico-cultural de la región desde la Prehistoria hasta nuestros días.

Barajas es el distrito más internacional y, al tiempo, desconocido de Madrid. Sin embargo, sus límites territoriales recogen uno de los más ricos y variados conjuntos

patrimoniales de la Comunidad de Madrid. El patrimonio histórico del distrito de Barajas se configura, sin duda alguna, como su gran potencial de cara al futuro.

Por todo ello, con el fin de difundir la importancia del mismo a la ciudadanía, las asociaciones culturales “Barajas, distrito BIC” y “Amigos del Jardín El Capricho”, con el apoyo de la Junta Municipal de Barajas, organizan las I Jornadas de Patrimonio Histórico de este distrito madrileño.

Arquitectos, arqueólogos e investigadores de primer nivel confluyen en estas jornadas para analizar exhaustivamente la gran variedad de hitos patrimoniales que alberga el distrito de Barajas, los cuales representan la evolución histórico-cultural de la región de Madrid desde la prehistoria hasta nuestros días.

Las siete conferencias que componen estas jornadas se verán aderezadas por una excelente exposición fotográfica a cargo del Juan José Cánovas Castillo. Barajas, más que un aeropuerto.

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Los Tesoros de la Clausura

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bajo los códices de esta Orden eclesiástica durante más de tres siglos.

La exposición ‘Los Tesoros de la Clausura’, que ya ha sorprendido a miles de visitantes en los dos años anteriores, muestra el patrimonio material que las Hermanas Clarisas de Chinchón han mantenido oculto durante más de tres siglos bajo los estrictos controles de la Clausura. Pinturas, artesanía, objetos litúrgicos y decorativos, figuras y tallas religiosas, vestidos de celebración y otros elementos de alto valor histórico se exponen al público en el Monasterio de la Purísima Concepción de Chinchón con una novedad para este año: al principio de cada jornada de apertura se organizarán dos visitas guiadas para todos los interesados que se acerquen.

Los Tesoros de la Clausura es una exposición única en España que muestra todo el patrimonio histórico-artístico y religioso que durante más de 300 años ha sido guardado por las Hermanas Franciscanas Clarisas Descalzas de Chinchón tras los muros de su Monasterio, y que cumple su tercer año tras un éxito mayúsculo de público y crítica en las dos ediciones anteriores. La principal novedad de este año es la inclusión de dos visitas guiadas, llevadas a cabo por personal especializado en patrimonio histórico-religioso, al principio de cada jornada.

Supone una novedad de por sí, ya que nunca se habían abierto de par en par las puertas de un monasterio de Clausura al público general, y menos aún se había organizado una exposición de arte religioso con piezas de un alto valor patrimonial e histórico que han estado ocultas 12 - EMNMM

Piezas de artesanía hechas en materiales preciosos como mármol u oro; óleos que en su momento adornaron estancias y capillas; objetos de decoración o de culto, como la tabla de Divino Pastor del pintor Alonso del Arco; urnas-sagrarios de plata como la que les regaló en dote las Descalzas Reales de Madrid a las propias Clarisas; ternos de Damasco con los escudos bordados de los Virreyes del Perú; figuras religiosas como las esculturas en mármol blanco del mausoleo de los V Condes de Chinchón; vestidos litúrgicos e incluso, estancias monumentales enteras rehabilitadas y remodeladas con un alto nivel arquitectónico y religioso son algunos de los reclamos que los visitantes podrán descubrir en esta colección.

En este sentido, el buen estado de conservación de muchas de las piezas expuestas tiene que agradecerse al hecho de que hayan estado ocultas durante siglos tras los muros de este edificio religioso. Y es que el Monasterio de la Purísima Concepción, que actualmente alberga a nueve Hermanas, ha sobrevivido a hechos tan dramáticos como la Guerra de la Independencia o la Guerra Civil española, preservando intacta su colección en base al respecto que se le tenía al recinto por ser un edificio religioso.

La entrada a la exposición tiene un precio de 5 euros que se destinarán al mantenimiento de la congregación y de los tesoros que guardan en su interior. Una muestra excepcional y limitada que merece la pena visitar antes de que se oculten de nuevo otros tres siglos más.

Los horarios de apertura para la temporada 2014 serán los sábados de 16 a 19 horas y los domingos de 12 a 14 horas y de 16 a 18 horas. Una muestra que estará disponible para todos los interesados en el Monasterio de la Purísima Concepción de Chinchón hasta el 8 de diciembre incluido.

El Aura de los ciervos. Miguel Ángel Blanco

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Una exposición de Miguel Ángel Blanco en la que, la creación contemporánea, convive con obras del Museo del Romanticismo, para evocar en el espectador una imagen mítica de la naturaleza. El artista parte de un grabado de Fernando Brambilla perteneciente a la colección de este museo junto a otras piezas de temática relacionada con un animal tan emblemático como el ciervo y las pone en relación con ocho libros-caja de su Biblioteca del Bosque.

El grabado de Fernando Brambilla Vista del Real Palacio de Riofrío tomada entre el Norte y Levante, con relámpago, que se conserva en el Museo del Romanticismo, ha servido de base para realizar una selección de obras pertenecientes a la colección del museo que reflejan la fascinación por un animal con una carga simbólica ancestral y dan idea de las distintas facetas que tuvo en el período romántico su representación artística.

Estas obras se muestran junto a ocho libros-caja de Miguel Ángel Blanco pertenecientes a su Biblioteca del Bosque, siete de ellas realizadas ex profeso para la muestra. La exposición culmina con una instalación que escenifica la liberación del aura de los ciervos, utilizando metopas y cuernas procedentes del Museo Nacional de Ciencias Naturales, complementada por una intervención sonora que reproduce el entrechocar de las cornamentas y la berrea, convocando el misterio de la expansión del sonido en la naturaleza.

Museo del Romanticismo Hasta el 1 de marzo de 2015

La intervención de Miguel Ángel Blanco en el Museo del Romanticismo, parte de una estampa de Fernando Brambilla, quizá su imagen más romántica, en la que unos ciervos saltan en primer plano asustados por una violenta tormenta eléctrica sobre Riofrío. A partir de aquí, el artista se interesara por otras apariciones de los ciervos en piezas de la colección, que reflejan la fascinación por un animal con una carga simbólica ancestral y dan idea de las distintas facetas que tuvo en ese período su representación artística: desde la pervivencia de temas paganos, como el mito de Diana y Acteón, o cristianos, como el ciervo crucífero –con una cruz entre los cuernos, en las leyendas de San Eustaquio a San Huberto–, a la encarnación del espíritu de la naturaleza incontaminada en el paisaje sublime o a la narrativa cinegética.

Esta exposición se enmarca en el programa “Nuevas Miradas” de la Subdirección General de Promoción de las Bellas Artes del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte.

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TYPOMAD 2014

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Typomad es la fiesta madrileña de la tipografía.

Un evento anual en el que ponencias, exposiciones y talleres de tipografía toman la ciudad de Madrid. El festival trae cada año propuestas para todos los públicos, desde los diseñadores y especialistas en tipografía hasta los aficionados y los recién iniciados. De este modo, Typomad sirve como plataforma para difundir la parte más interesante, divertida y sorprendente de esta disciplina del diseño.

En esta edición el tema central del evento será «Lo oculto en tipografía», tratando este concepto desde diferentes perspectivas: figuras históricas desconocidas, procesos de trabajo que permanecen en la sombra, innovaciones que dan un salto al futuro y nuevas formas de entender la tipografía. En síntesis, todo aquello que es menos conocido y que a su vez es clave en el diseño tipográfico.

En Typomad se organizarán conferencias de primer nivel, con ponentes del ámbito nacional e internacional, y también dando visibilidad a gente y proyectos que empiezan en el mundo de las letras pero, no todo serán charlas, también habrá actividades tipográficas para contribuir a la formación y el conocimiento de una forma divertida como Crafting Type con Octavio Pardo, un taller intensivo de tres días donde los principiantes aprenderán a diseñar tipografías y los iniciados podrán aumentar sus habilidades. Crafting Type recorre el mundo con este taller y es la primera vez que se realiza en España.

En esta edición habrá más actividades, como varios Safaris tipográficos los días 2, 16 y 23 de noviembre para descubrir y redescubrir las letras. Una visita guiada por la historia y la actualidad de la tipografía en Madrid.

Typomad está organizado por Di_Mad y Chulotype. La Asociación Diseñadores de Madrid (DIMAD), una entidad sin ánimo de lucro que desarrolla sus actividades desde el ámbito de la Comunidad de Madrid, si bien muchas de ellas tienen proyección internacional. Está constituida con el principal objetivo de convertirse en un instrumento estratégico de referencia para la promoción, proyección y divulgación de la cultura del diseño que debe tener al conjunto de la sociedad como destinatario final.

Chulotype es un colectivo sin ánimo de lucro que sirve como altavoz de actividades y propuestas tipográficas en la ciudad de Madrid, organizando safaris tipográficos y talleres.

www.typomad.com

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Visita temática “Morir en el siglo XIX” El Museo del Romanticismo organiza durante el mes de noviembre y con motivo de la festividad del Día de Difuntos una visita temática bajo el título Morir en el siglo XIX. Entre las ideas que se asocian al siglo XIX destacan las que tienen relación con la muerte: fotografías de muertos, suicidio, enfermedad o la guerra pero, ¿era realmente el suicidio una moda? ¿Por qué se tomaban fotos a los muertos? ¿Eran los decimonónicos tan macabros como parece? Todo ello se podrá descubrir en esta visita con motivo de una fecha tan romántica como el Día de Difuntos.

Actividad diseñada y realizada por Elena Escudero Olmo.

Actividad gratuita. Plazas limitadas. Imprescindible reserva previa en el tlf: 914483647 (de lunes a viernes, de 9.30 a 15.00 h.

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Fechas: Sábado 1, 12:00 horas Miércoles 5, 17:00 horas Viernes 14, 17:00 horas Jueves 20, 12:00 horas Pieza destacada del Día de Difuntos Hasta el 23 de noviembre se destacará la obra Novia enterrada viva de Eduardo Cano de la Peña (1868), expuesta dentro de la colección permanente del Museo, acompañándose de una hoja de sala explicativa (a disposición del visitante junto a la obra) en la que se abordan distintos aspectos relacionados con la obra y su contexto, centrándose de modo especial en el concepto romántico de la bella muerta. www. museoromanticismo.mcu.es

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Miguel de Molina. Copla de un exilio

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Producida por Los Interventores, llega a Madrid tras su paso por la ciudad natal del inigualable artista, y es un canto a la memoria y al arte de un malagueño universal como fue Miguel de Molina. Pero también es un grito, un quejío, sobre el exilio y la homofobia.

Ha sido comisariada por Javier Hirschfeld, Alfonso Silva y Javier Cuevas del Barrio, y reúne obra de Guillermo Martin Bermejo, Luis Jaume, Felipe Ortega-Regalado, David Trullo, Patricia Mateo, Blas, Ildefonso Martín, Juanjo Fuentes, Víctor Royás, Ramón Paredes, Alfonso Silva, Alexander Kargaltsev, Javier Hirschfeld, Hilario Carruana.

La exposición presenta piezas de distintas expresiones artísticas como pintura, dibujo, fotografía y collage, que hacen referencias a la vida de este artista malagueño.

Esta es una ocasión especial para homenajear a Miguel de Molina ya que se celebra el veinticinco aniversario de la película dirigida por Jaime Chávarri Las cosas del querer, la cual se inspira en sus comienzos musicales antes de que debiese emigrar después de ser acusado de ser republicano y homosexual. Por ello, con este conjunto de obras los invitamos a reflexionar sobre el pasado y también sobre la situación actual tanto en España como fuera de nuestras fronteras, en países sin tantas libertades como en Rusia o múltiples países africanos en donde la homosexualidad sigue siendo delito.

Hasta el 16 de Noviembre de 2014.

Factoría de Arte y Desarrollo Valverde 23; 28004 Madrid

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Calles y rostros de Berlín en el Thyssen-Bornemisza

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Con motivo del 25° aniversario de la caída del Muro, el Museo ThyssenBornemisza y la Embajada de la República Federal de Alemania rinden homenaje a la ciudad de Berlín y a sus habitantes con el montaje expositivo Calles y rostros de Berlín en las colecciones ThyssenBornemisza. Paralelamente, la Embajada ha programado una serie de actividades complementarias en el Goethe-Institut de Madrid, que incluyen conferencias y proyecciones de películas.

Hasta finales de enero de 2015, una selección de 18 obras maestras de las colecciones, de artistas como como George Grosz, Ernst Ludwig Kirchner, Otto Dix, Christian Schad o Max Beckmann -algunas de las cuales no están expuestas habitualmente-, convierten a la ciudad de Berlín en protagonista y nos descubren su floreciente panorama artístico durante el primer tercio del siglo XX.

Christian Schad Retrato del Dr. Haustein, 1928 Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

La rápida transformación de ciudades como Berlín en metrópolis fue uno de los temas que más apasionaron a los pintores de comienzos del siglo XX. La capital alemana, que vivió un veloz proceso de industrialización, se convirtió por su atmósfera libre en imán de numerosos artistas y en punto de encuentro de las vanguardias europeas. La ciudad no pudo reconectar con esta época dorada hasta después de la caída del Muro en 1989.

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Reportaje

La casa maldita de la calle Cañizares ¡Quién no ha escuchado alguna vez historias de casas encantadas! Los fenómenos paranormales son conocidos desde la antigüedad, ya Plinio el Joven dejó testimonio escrito sobre un suceso fantasmal ocurrido en una casa cuyos moradores tuvieron que abandonar por una serie de hechos extraños y aterradores.

Texto y Fotos: Ramón Rivas

lo largo de la historia, también han sido numerosos los testimonios sobre fenómenos extraños en casas encantadas en Madrid. La Casa de las Siete Chimeneas, el Palacio de Cañete, el Museo Reina Sofía o el Palacio de Linares son, posiblemente, los lugares más conocidos donde el misterio se adorna con la leyenda, pero hay otros lugares, otras casas, en las que sus ocupantes han sido víctimas de hechos aterradores que en muchos casos no se han atrevido a denunciar por vergüenza o por temor a ser tachados de chalados.

A

La casa del número 10 de la calle Monasterio o la casa de la calle Ayala 124 son dos de los lugares que forman parte de la ruta del misterio de Madrid por los sucesos misteriosos e inexplicables ocurridos en ellas no hace muchos años. De aquellos hechos la prensa, sobre todo la más sensacionalista, se hizo eco hasta que la historia dejó de tener interés mediático, pero se cuenta que todavía hoy sus moradores son víctimas de los supuestos fantasmas y ¡cómo no! del escarnio público.

Otra de las casas encantadas más conocidas de Madrid se encuentra en el número 6 de la calle Cañizares, se trata de un edificio noble construido en 1803 y que, por alguna extraña razón, nadie quiere vivir en él. En la actualidad es un alojamiento turístico para gente joven, aunque desde 2012 está a la venta sin que todavía haya un comprador.

Antes de su transformación hotelera, una pareja de conocidos periodistas -que vamos a llamar J.A. y M.C.- adquirieron en 2001 el inmueble a un precio de chollo.

Se lo ofrecieron con la condición de que no fuese objeto de especulación y que el único uso posible que pudieran darle fuera el de vivienda. La pareja de periodistas que soñaba con tener una vivienda propia en pleno centro de Madrid no dudaron en visitar el inmueble.

Según las propias palabras de M.C., el edificio “era impactante, 1.500 metros de palacio en pleno centro de Madrid y con una solera indescriptible”. Un palacio con un maravilloso patio andaluz decorado con mármol y azulejos, arabescos, maderas nobles, techo de cristal, escayolas y todos los elementos decorativos del XIX y, sobre todo, el precio y su inmejorable ubicación, a muy pocas manzanas de la Puerta del Sol. Era una casa maravillosa pero, curiosamente, los enseres de los anteriores dueños -ropas, vajillas, alfombras, e incluso los vinos-, permanecían en la casa como si ésta hubiese sido abandonada precipitadamente, un inquietante detalle que quizás deberían haber tenido en cuenta.

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La periodista cuenta un dato llamativo, según sus propias palabras, el día que visitó por primera vez el inmueble sintió un fortísimo dolor de cabeza al entrar en la casa que le impidió verla en su totalidad, teniendo incluso que salir y sentarse en la acera para ver si así se aliviaba el dolor. También le llamó la atención que hasta que la casa no fue nuevamente escriturada, no podía entrar en algunas estancias de la misma, como las habitaciones de la planta superior que misteriosamente estaban cerradas con puertas que no eran simples puertas de madera sino puertas blindadas ¿por qué alguien pondría puertas blindadas en algunas habitaciones de su propia casa?

Finalmente llegó el día en el que los periodistas y sus hijas se instalaron en la casa.

Es de suponer lo alegre y excitante que debe ser entrar a vivir a una casa de estas características, repleta de objetos y de rincones por descubrir. Pero lo cierto es que aquella excitación pronto se transformó en angustia y terror, prácticamente desde el primer día que habitaron aquella casa palacio. M.C. relata con angustia los continuos dolores de cabeza y la sensación de debilidad que tenía cuando estaba en la casa.

Por las noches tampoco podía conciliar el sueño y cuando lo hacía sufría horrorosas pesadillas, provocando en ella un deterioro físico y mental que comenzaba a ser evidente.

SUCESOS EXTRAÑOS El hecho de encontrarse mal en un determinado lugar puede obedecer a varias causas sin que tenga que ser motivo de presencias malignas o demoníacas, todo el mundo sabe que existen edificios que se denominan “enfermos” cuyos materiales de construcción o de decoración pueden afectar de manera negativa a algunas personas, produciendo alergias y dolencias de todo tipo. Esto podría ser la causa del deterioro de salud de la periodista si no fuese porque, además, se produjeron hechos que aparentemente no tenían justificación alguna.

Según M.C. en la parte baja de la casa, en una de las estancias que da al patio andaluz, había un despacho señorial con grandes muebles negros de madera cuya puerta de entrada siempre se encontraba abierta. Cerraba aquella puerta una y otra vez, pero volvía a abrirse sin que nadie, al menos nadie físico, fuera el causante de aquello.

Otro hecho inexplicable es la extraña obsesión de un pequeño ascensor de madera en subir por su propia cuenta a la planta de arriba sin que nadie le llamase. Desde el primer día los ruidos eran continuos, y los golpes retumbaban por todos los rincones sin que nadie pudiese saber de dónde procedían.

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La periodista no fue la única persona en padecer aquel calvario, sus hijas comenzaron a sentir temor y el personal contratado para trabajar en la casa no quería pasar ni un minuto en ella por miedo a todos los fenómenos extraños que allí se producían.

Por si todo esto no fuese suficiente, la casa aún guardaba sorpresas, como el día en el que M.C. descubrió que en una de las estancias de la casa había una pequeña capilla en muy mal estado, repleta de objetos y de basura. Cuando se dispuso a limpiar aquella estancia encontró algo inquietante, un cuchillo de cazador manchado de algo que parecía sangre.

Finalmente los periodistas decidieron salir de aquella casa para siempre, los pocos meses que habitaron en ella fueron un calvario y no dudaron en ponerla a la venta, también a un precio de chollo y sin querer llevarse ninguno de los enseres que encontraron cuando compraron la casa.

La venta se realizó a una familia que, al parecer, quería montar un negocio en la parte baja y vivienda en la parte superior, pero aquello nunca sucedió. Se desconoce el motivo pero los nuevos inquilinos abandonaron esta magnífica casa palacio al año de su adquisición. Poco tiempo después el edificio se reconvirtió en un hotel para gente joven, que todavía sigue en activo, pese a que el edificio sigue a la venta desde hace más de diez años.

Corren rumores de que algunos turistas que se alojan en este hotel han sido víctimas de sucesos extraños, como apariciones fantasmales. En Internet se pueden encontrar infinidad de historias relacionadas con este tema pero ninguna o casi ninguna merecen credibilidad alguna pues muchas de estas historias se han alimentado del “corta y pega” y otras han sido endulzadas con la imaginación del que las escribe.

Después de conocer la historia narrada en primera persona por sus anteriores inquilinos ¿podemos afirmar que la casa de la calle Cañizares es una casa encantada? ¿está maldita? Estas preguntas posiblemente no tienen respuesta o quizás sí, es cuestión de esperar a que un nuevo inquilino decida comprar el inmueble e instalarse allí.

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Madrid Comunidad

LA CIUDAD SIN NOMBRE Yacimiento arqueológico de la Dehesa de la Oliva Texto y Fotos: Ramón Rivas

Al nordeste de la Comunidad de Madrid, en el término municipal de Patones se encuentra el yacimiento arqueológico de la Dehesa de la Oliva, se trata de una singular ciudad de época romana, parcialmente excavada e incluida en la Red de Yacimientos visitables de la Comunidad de Madrid. Desde su descubrimiento en 1952, han sido muchos los hallazgos y sorpresas que han salido a la luz, aunque todavía queda mucho por saber y por descubrir de esta misteriosa ciudad.

l yacimiento arqueológico se encuentra sobre una colina que ofrece unas espectaculares vistas y desde donde se atisban los ríos Jarama y Lozoya. Pese a la aridez del terreno, esta zona ha sido habitada desde la noche de los tiempos, prueba de ello son las pinturas rupestres que se encuentran en la cercana cueva de El Reguerillo. El primer asentamiento estable del que se tiene constancia en este lugar es de origen prerromano, posiblemente carpetano, a tenor de los restos encontrados, como los vestigios de un castro localizado en una de las campañas arqueológicas.

E

Con la llegada de los romanos, el modo de vida de aquellos primeros pobladores cambió sustancialmente, así como su entorno urbano. El primitivo castro se transformó en una ciudad con el típico trazado latino dotándola, además, de edificios públicos. Los restos de aquella ciudad ocupan una extensión cercana a las 30 hectáreas y, aunque todavía no está del todo excavada, se divide en dos sectores, la Acrópolis y la Necrópolis.

Nada o casi nada se sabe de esta ciudad, por no saber no se sabe cuál era su nombre. Lo que sí se conoce gracias a los últimos descubrimientos, es que la ciudad fue abandonada de forma ordenada y progresiva al inicio del siglo I hasta principios del V, cuando la zona residencial vuelve a ser “ocupada”, utilizándose esta vez como necrópolis. Aunque hay indicios de ocupación visigoda, el libro de la historia de este lugar se cierra de golpe en el siglo VIII de nuestra era.

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EL YACIMIENTO Se estructura en dos plataformas, la superior tiene una superficie aproximada de 10 hectáreas donde se encontraba la ciudad, y la plataforma inferior, ocupada por los restos de un caserío.

La Necrópolis La Necrópolis está superpuesta a la vieja ciudad romana y lo que se puede contemplar en la actualidad tras las excavaciones arqueológicas son una serie de trazados que corresponden a los muros de los edificios, casas de planta rectangular con dos o tres estancias y en el interior de las mismas, diferentes enterramientos datados entre los siglos V y VIII. Hasta hoy se han localizado 33 tumbas que corresponden a personas de ambos sexos y diferentes edades, la más pequeña corresponde a la tumba de un bebé que posiblemente no superase el mes de vida. Un dato curioso de esta necrópolis es que no todas las tumbas tienen la misma orientación, ni tampoco son iguales las técnicas de enterramiento. Las estructuras funerarias varían, algunas están realizadas con muros de piedra, otras con lajas o en simples fosas.

La inhumación de los cuerpos allí enterrados han aportado algunos datos importantes sobre las gentes que habitaron esta región en la antigüedad, aunque la gran mayoría de los restos encontrados carecían de ajuares funerarios que pudiesen aportar información, hay excepciones y alguna que otra sorpresa, como los objetos encontrados en la tumba de una mujer compuestos por una pequeña jarra y un anillo de oro con una inscripción en la que se lee “Felix”.

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Posiblemente existan más tumbas sin localizar y muchos más vestigios que, quién sabe si algún día aportarán más información sobre esta ciudad perdida, es sólo cuestión de tiempo y de que las administraciones destinen los fondos necesarios en proyectos como la recuperación, mantenimiento y estudio del rico patrimonio cultural de Madrid.

El acceso Aunque el yacimiento está incluido en la Red de Yacimientos Visitables de la Comunidad de Madrid, su acceso no es fácil debido a la nula señalización. Para acceder a él hay que tomar la carretera M-102 dirección Patones de abajo para después tomar la M-134 dirección El Atazar, pasados dos kilómetros hay un pequeño aparcamiento junto a una pista forestal, desde ahí hay que subir una ladera y caminar durante 15 minutos, atravesar un puesto del Canal de Isabel II y continuar la pista durante 10 minutos más hasta que finalmente se contempla el yacimiento, que esta vez sí cuenta con algunos paneles explicativos.

Fuentes: Comunidad de Madrid Actas patrimonio arqueológico C. Madrid

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Madrid Natural

madroño, fruto de otoño Por: Antón Pérez Fotos: Javier Gómez Aoiz EMNMM - 35

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medida que la estación otoñal tiñe de amarillos, ocres y rojizos el monte, son muchos también los arbustos cuyos frutos maduran y cogen tam-

bién color, llamando así la atención de las aves invernantes recién llegadas y los mamíferos que buscan engordar de cara al cada vez más próximo invierno. Y de entre todos ellos, el que sin duda más conocido resulta para todos los madrileños, no por su abundancia en el monte sino por su simbolismo heráldico, es el madroño Arbutus unedo.

Resulta ciertamente curiosa esta presencia del madroño en el escudo madrileño, pues de hecho es una planta bastante escasa en la Comunidad. Tradicionalmente los planes forestales han distinguido el “matorral mediterráneo noble”, formado por especies arbustivas de gran porte y frutos carnosos, como el lentisco, la cornicabra, el durillo, el laurel o el propio madroño; del “matorral mediterráneo serial”, formado por los arbustos y subarbustos de menor desarrollo como espliegos, jaras, aulagas o retamas, que se van sucediendo sobre el terreno tras la tala o quema del monte original. El propio adjetivo “noble” indica una preeminencia a los ojos humanos que en términos naturales está completamente errada: esos arbustos menores, adaptados a la sequía, al fuego y al diente de la cabra, son por derecho propio los arbustos mediterráneos mejor adaptados; mientas que los otros constituyen relictos de una época anterior a las glaciaciones, en la que el clima europeo era más templado, y sobre todo más húmedo que en la actualidad. El madroño abunda así sólo en las regiones templadas de influencia atlántica de la Península, y en Madrid aparece entonces únicamente en el tercio oeste de la región, casi siempre de la mano del alcornoque, otra especie con las mismas preferencias.

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Pero aunque sea escaso, un madroño es siempre fácil de reconocer. Aunque es un arbusto (y no un árbol, como el que aparece en el escudo), y como tal se ramifica ya desde la base de la planta, el madroño suele alcanzar un porte superior al de las especies que lo rodean, llegando muchas veces a los 5-6 metros. Los madroños se mantienen verdes todo el año, y sus hojas en forma de lágrima y de borde ligeramente serrado y su tronco de corteza grisácea agrietada en mil tiras bastan para identificarlo. Pero si por algo destaca esta planta es por sus frutos, bayas carnosas de unos 2 cm. de diámetro, de piel muy rugosa que se torna entre naranja y roja al madurar. Y un detalle muy curioso: el madroño florece y fructifica a la vez, pues a sus frutos les lleva todo el año alcanzar la maduración. De esta manera, ahora en el monte pueden verse, junto a los frutos, los pequeños racimos de flores blancas con forma de vasija de donde han salido.

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Los madroños, de sabor dulce, aunque algo ásperos al paladar, son perfectamente comestibles, y allá por donde crecen en España se han utilizado tradicionalmente para elaborar mermeladas u otras conservas, y también licores. Al respecto merece la pena mencionar la idea generalizada de que los madroños emborrachan: como cualquier otra fruta dulce, los madroños muy maduros comienzan a fermentar aún en la planta, de manera que cada baya puede llegar a tener un contenido alcohólico del 0,5 %; visto sin embargo el tamaño de las mismas, se entiende que habría que consumir una cantidad enorme de ellas antes de dar positivo en un control de alcoholemia.

Entonces sería otra además nuestra preocupación, pues una de las virtudes medicinales reconocidas en el madroño es su capacidad astringente. Ya sea por esto, ya por lo alcohólico, el caso es que la recomendación tradicional de moderación el consumo de este fruto se ve reflejada en su nombre científico: unedo = “unum (uno) + edule (comestible)”; “comer sólo uno”.

Pero sea comiendo uno, o alguno más, un madrileño que se precie debería saber cómo sabe un madroño. Y ya que es mejor dejar tranquilos los pocos pies silvestres del mismo, puede ser un buen entretenimiento de fin de semana recorrer los jardines de la ciudad a la búsqueda de algún madroño al alcance de la mano. Seguro que hay más de los que crees…

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Craco Un pueblo fantasma Por EMNMM Fotos: CortesĂ­a Craco Society

Viajar

n el sur de Italia, en la región de Basilicata se encuentra la villa de Craco, un imponente pueblo abandonado que se levanta sobre una colina que amenaza con desmoronarse de un momento a otro. Este pueblo tuvo que ser abandonado ante el inminente peligro y hoy sólo los gatos se atreven a buscar refugio en sus ruinas, ajenos al triste futuro que le depara a esta hermosa villa.

E

En toda Italia, como ocurre en cada uno de los países de la cuenca mediterránea, no hay un solo rincón que no atesore siglos de historia y un rico patrimonio cultural que, en algunos casos, ha llegado hasta nosotros en perfecto estado a pesar de los avatares de la historia, en otros casos, las guerras, el abandono o los fenómenos naturales han borrado del mapa infinidad de pueblos y ciudades de las que sólo quedan ruinas y que sólo con la imaginación podemos vislumbrar cómo fueron en el pasado.

Levantada sobre una suave colina, la villa medieval de Craco es uno de esos lugares en los que se respira historia, por sus tierras han pasado infinidad de pueblos y culturas, dejando todas ellas una impronta casi indeleble en sus gentes y en su arquitectura. El primer asentamiento estable en esta villa data del siglo VIII a.C. pero no fue hasta la Edad Media cuando Craco alcanzó mayor prosperidad. En el siglo XIII ya contaba con un pequeño castillo cuya imponente torre todavía hoy se yergue majestuosa. Hasta el siglo XV la población de Craco se multiplicó de manera considerable, pese a la siempre conflictiva inestabilidad política y territorial de Italia, pero también fue en este siglo cuando la villa tuvo que hacer frente a un duro golpe, la peste, que diezmó a sus habitantes. En los siglos posteriores la villa de Craco fue testigo de todo tipo de avatares; invasiones, cambios de régimen, unificaciones territoriales, guerras, bandolerismo… Todo ello fue superado por sus gentes con mayor o menor fortuna.

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Ya en el siglo XX, entre los años 1959 y 1972, comenzó lo que se podría denominar como el principio del fin de Craco, fue una lenta pero inexorable agonía que se inició con una serie de terremotos y corrimientos de tierra. El más importante fue el terremoto de 1963, que daño gravemente buena parte de la villa. Para tratar de paliar los daños de aquel sismo los habitantes de Craco realizaron una serie de obras, entre ellas un muro de contención, que no hizo más que acelerar el proceso destructivo pues la villa se alza sobre una colina de arcillas y estas, al saturarse de agua, provocaron peligrosos y dañinos corrimientos de tierra como el ocurrido en 1972.

Lo que no había logrado el hombre lo logró la naturaleza, Craco estaba sentenciado y no había posibilidad alguna de salvación, así que poco a poco los habitantes fueron abandonando la villa, algunos a una localidad llamada Craco Peschiera y otros al resto de Italia y el extranjero. Oficialmente el último habitante de Craco abandonó la villa en 1975, convirtiéndose así en un pueblo fantasma que, como un reo condenado a muerte, espera paciente y languideciente el día y la hora de su final. Nadie sabe cuándo será ese día, puede ser hoy, mañana o dentro de un año pero lo que es seguro es que ocurrirá y cuando eso suceda, lo que hoy queda de Craco será sólo historia. Por esta razón, desde 2010 Craco está incluido en la lista de lugares más amenazados del mundo por la World Monuments Fund.

Hasta que ese día llegue, la villa y sus ruinas son un lugar que recibe cada año miles de visitas de turistas y curiosos que no quieren dejar pasar la oportunidad de recorrer sus calles, sus iglesias, o visitar su torre antes de que desaparezcan.

También es un lugar que ofrece escenarios inmejorables para el cine, allí se han rodado películas como La pasión de Cristo, entre otras muchas.

Desgraciadamente nada se puede hacer para salvar a Craco pero sí se puede salvar su memoria y su recuerdo, por ello, en 2007 se fundó la Craco Society en Albany (Nueva York). La sociedad está compuesta por algunos de los antiguos habitantes y descendientes de la villa que emigraron a los Estados Unidos. Esta sociedad que no tiene ánimo de lucro, se encarga de recopilar todo el material posible para que la memoria de Craco no se pierda jamás. www.thecracosociety.org

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Personajes

Francis Pérez El Pollito de la Frontera Por Marco Alom Fotos: Alexis W.

“El Mundo está aislado”, decía el otro día un anciano al ver que “la calima” (polvo en suspensión proveniente del Sahara) no dejaba ver las otras islas. No es la primera vez que oigo esta frase desde que hace años resido en la isla de El Hierro (Canarias). Esta expresión resume en cierta medida el carácter de esta isla, la esencia que desprende, “el mundo” y lo que queda de él se encuentra condensado en 30 km de diámetro, en un espacio hasta hace muy poco olvidado, de una belleza salvaje que surge en medio del Océano Atlántico. Páramos inmensos, costas rocosas de formas imposibles, pueblos de piedra abandonados en la naturaleza, ganado y campo… y gente que afronta la vida como viene, desgranando de ella las claves para cada cual alcanzar aquello llamado “Felicidad”...

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E

sta cápsula terrera de aquello que

además, cuida de esos lagartos que su abuelo

una vez fue El Mundo guarda tam-

redescubrió.

bién vidas singulares. Robert Graves el mitógrafo y escritor (autor entre

De niño iba a ver a los “terreros de lucha” de El Hie-

otras obras de Yo Claudio) dijo de

rro, donde el pueblo se reunía a contemplar la con-

modo “poético” que los héroes del pasado no

tienda de dos luchadores de lucha canaria, un

habían desaparecido, sino que al sentirse relegados

deporte antiguo que se remontaba al mundo abori-

y amenazados con el olvido, decidieron esconderse

gen, y que es bastante parecido al pugilato griego.

entre los hombres haciendo de sus hazañas, actos

Dos luchadores se sitúan frente a frente en un

anónimos, y quizás no le faltaba razón… en esta pie-

pequeño espacio circular con suelo de arena o tie-

dra oceánica encontramos la silueta de un hombre

rra: “El Terrero”. Estos se dan la mano y rápidamente

de gran fuerza que se convirtió en símbolo de su tie-

se inclinan agarrando el uno al otro del corto panta-

rra, en un héroe popular, un atleta que recorrió el

lón del contrario (a la altura del muslo), colocando

Mundo con su arte… hablamos hoy de Francis Pérez,

sus cabezas una al lado de la otra y estirando sus

conocido popularmente con el nombre del “Pollito

piernas hacia atrás. Entonces el árbitro da la señal

de La Frontera”… el Hércules Atlántico.

de salida, y entonces empieza la contienda, el uno intenta derribar al otro, utilizando su cintura y sus

“El Hombre” nació en esta isla en 1974, en el impo-

piernas… el primero que toque el suelo sin ser la

nente valle de La Frontera (o El Golfo) en el seno de

planta de sus pies… pierde; para esto los luchadores

una familia digna de admiración. Su abuelo fue

se valían de distintas técnicas y zancadillas, utili-

quien redescubrió los famosos lagartos gigantes de

zando la rapidez y el cerebro, la fuerza bruta no era

El Hierro, que se consideraban extintos desde los

sólo la única vía, había que valerse de la fuerza del

años 20, era el único que conocía de su existencia

otro, de sus debilidades y de su técnica… en este

pues también era el único que reunía el valor sufi-

arte sin par, un niño podría derribar a un hombre

ciente para caminar por acantilados por donde

sólo estudiándole. El ganador ayudaba al otro a

nadie se atrevía a ir, con la intención de ir a cazar

levantarse y le volvía a ofrecer su mano y respeto, y

con un lazo cabras salvajes que vivían en la

luego levantando los brazos ofrecía su luchada al

imponente pared para bajarlas luego al hombro,

público, y si ofrecía una tarde de hazañas, la gente

encontrándose así a aquel olvidado reptil… Cuando

le tiraba dinero desde las tribunas como tributo de

una vez alguien le preguntó por qué no los dio a

aprecio y admiración. Los luchadores tenían motes

conocer antes, respondió: -nadie me lo había pre-

para reconocerlos y sus puntuaciones los convertían

guntado. Su tío era también conocido por su fuerza,

en héroes populares de los que todo el mundo

de él se cuentan anécdotas como que era capaz de

hablaba. Uno de los máximos honores para un

cambiar la rueda de su land-rover sin la ayuda de

luchador era ser conocido con el mote de “El Pollito”

un gato hidráulico, sino levantándolo sobre sus

acompañado por su localidad de origen.

rodillas, o de que era capaz de desplazar una barrica con 400 litros de vino por toda una bodega cargán-

La belleza de aquel baile corpóreo que componía su

dola sobre sus espaldas. Con esta genética llegó al

cultura y el aprecio de sus vecinos a este deporte, le

mundo Francis Pérez, cuya fuerza le legó el nombre

motivaron a participar de él, y pronto el niño

popular de “El Pollito”, además de a su hermano

luchaba con otros en terreros improvisados. Francis

“Perico”, hombre también de fuerza extraordinaria,

Pérez a los 15 años comenzó a despuntar en la Lucha

que se convirtió en un gran luchador y que,

Canaria, y pronto se convirtió en el luchador más

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conocido, su apodo era el del “Pollito de La Fron-

fuera de su tierra, de su gente… para él la vida bas-

tera”, aunque más tarde y a modo popular se con-

taba con aquello, con “lo suyo”, y es que como

virtió simplemente en “El Pollito”, considerado por

decíamos en el principio del texto, los habitantes de

muchos el mejor luchador de todos los tiempos.

esta isla cogen la vida como viene, desgranando de

Todo el mundo acudía a verlo, y para nadie era indi-

ella las claves para alcanzar aquello que era “la feli-

ferente, unió al ciudadano de a pie con un símbolo

cidad”. Allá por los años 2007-2008 decidió retirarse,

de su tradición, y pronto se convirtió en un símbolo

dejando por siempre una leyenda en el mundo del

no sólo de su isla, sino de todo Canarias. Cuando

deporte y el arte en canarias, y cargando a sus

este que les escribe era un niño a principios de los

espaldas el amplio respeto y reconocimiento del

años 90, lo veía continuamente en la TV y en los

mundo del deporte.

periódicos, y todos queríamos ser como él, como así los niños griegos jugaban a ser Hércules, todos

En la actualidad si vienes a la Isla de El Hierro, verás

admirábamos la fuerza de aquel gigante y por la

en algún lugar a aquel hombre grande y humilde,

tarde, en una finca o en los patios de colegio, jugá-

que ahora enseña a las nuevas generaciones este

bamos a la lucha canaria y nos hacíamos llamar “po-

bello arte que él ayudo a dar a conocer y evolucio-

llitos”… Los niños cambiaron al futbolista por el

nar. Es uno más entre sus vecinos, que lo respetan y

atleta de su deporte vernáculo como héroe.

aprecian… tanto por sus actos cotidianos como por el orgullo de tener “aquel embajador”. Un héroe al

Su nobleza de carácter y su disciplina y compromiso

modo clásico como el de aquellos atletas olímpicos

con el deporte y la cultura hacían de él un hombre

de la antigüedad cuyas estatuas eran veneradas en

campechano, siempre querido por los vecinos de su

Olimpia por las generaciones venideras como ejem-

isla a la cual había ayudado a situar en el mapa. Si

plos. Como el Hércules que tras cumplir sus 12 tra-

en Canarias era un héroe popular imagínense en El

bajos titánicos por todo el mapa, volvió a su tierra

Hierro. Su fama como deportista no solo se limitó a

para encontrarse con los suyos.

su tierra natal, sino que le convirtió en un embajador de la misma, yendo a campeonatos por todo el

A modo personal me gustaría comentar una anéc-

mundo. Sus ganas de competición y de ir más allá

dota. En el acantilado de Frontera tiene su casa un

siempre le hizo interesarse por el judo que tantas

amigo mío, cuando nos invitó a ella, hubimos de

similitudes tenía con la lucha canaria, entrando en

subir una amplia pendiente, para después ascender

la categoría máxima de este deporte en la Selección

por un camino tan empinado y vertical por la roca

Española de Judo, y estuvo a punto ir a las Olimpia-

que casi había que escalarla… pensábamos por

das de Barcelona 92, si no fuera porque su compro-

aquel imposible ascenso que su casa sería más bien

miso con la lucha canaria no se lo permitió. Varias

humilde, pero para nuestra sorpresa encontramos

veces realizó combates de hermandad de la lucha

un precioso hogar que contaba entre otras cosas con

canaria con el arte coreano, ofreciendo combates

un gimnasio completo y una amplia gama de pesa-

entre luchadores de ambas disciplinas. Su fama en

dos electrodomésticos. Asombrados le preguntamos

ambas categorías subió como la espuma y siendo

cómo podía haberlos subido hasta allí por aquel

profeta en su tierra se le ofreció asímismo irse a vivir

camino imposible, su respuesta fue simple: -me ayu-

y trabajar a Corea, donde no sólo le ofrecían una

daron a subirlo todo “El pollito” y su hermano, nadie

buena situación, sino el respeto de un pueblo que

añadió nada a la respuesta, todos lo asumimos, para

rayaba casi en el trato divino. Pero este hombre, este

Francis Pérez y su hermano aquello no era imposi-

atleta… este personaje de novela, no quería vivir

ble… Hércules habitaba entre nosotros.

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Arte

Ausín Sáinz Entrevistamos a este artista plástico y comprometido cuyas obras consiguen llevarnos a la reflexión, además de procurarnos un bálsamo y una válvula de escape en estos tiempos difíciles.

— EMNMM. Ser artista y dedicarse a ello es todo un acto de valentía y hasta se podría decir que es un oficio de riesgo ¿cómo llegaste a dar ese paso?

— A. Sáinz. Las circunstancias te van marcando el camino y casi sin querer dedicas casi toda tu vida al arte, en el sentido más amplio de la palabra. Cuando tenía unos seis años de edad, comencé a destacar con los dibujos que en el colegio nos mandaban copiar. Yo los recreaba. Ese fue el germen determinante. Para mí, crear se ha trasformado en una necesidad. El proceso creativo te envuelve y sin darte cuenta atrapa todo el tiempo del que dispones. Mientras estás ejecutando una obra te surgen nuevas ideas, que de forma inconsciente se van madurando hasta que llegan a su plenitud, el momento justo para proceder a su ejecución.

Vivo del arte pero no sólo de la faceta creativa, ya que prefiero mantenerme libre y no anquilosarme con una producción repetitiva y segura, complaciente o poco sincera.

— Pintura, escultura, audiovisual… se podría decir que utilizas todos los medios que tienes a tu alcance, a la hora de crear, ¿cómo es el proceso creativo y cómo te decides por utilizar una disciplina determinada u otra?

— Actualmente utilizo muchas técnicas, seguramente porque tal y como dice mi madre, “eres un culo inquieto” y “no vas a tener tiempo ni para morirte”.

Usar varias técnicas me enriquece y me hace enfrentar a nuevos retos. También es verdad que mis producciones no son muy sofisticadas, ya que el presupuesto destinado a la producción es reducido y no dispongo de ayuda externa. Todas las obras las realizo yo, sin ayudantes o encargos a empresas paralelas. Elijo cada medio en función de lo que deseo transmitir. Generalmente una idea la desarrollo con varias técnicas en función de las posibilidades que éstas me ofrecen. Trato diferentes aspectos que me inquietan, de tal modo que en un visionado global el visitante puede asimilar mejor lo que le deseo contar. Generalmente suelo comenzar con la pintura, me permite improvisar más y el tiempo invertido siempre es menor. Es la técnica más accesible y barata. Muchas de estas obras buscan la participación del espectador con el fin de que no sea un mero visitante. Para integrarlas, pinto lo suelos con citas adhesivas. Desarrollo dibujos alusivos al tema tratado que cohesionan todas las obras. El espectador está obligado a pisar la instalación produciéndose una participación involuntaria. Cuando necesito la implicación de mayor

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número de ciudadanos, en gran parte desinteresados por el arte contemporáneo, salgo del espacio expositivo, realizando intervenciones urbanas. Para registrarlas recurro al vídeo. Esto retroalimenta la obras expuestas en la sala de exposiciones. Tanto el videoarte como el fotomontaje me permiten despegarme de la realidad directa, ofreciendo una visión más delirante de los temas tratados. Sería como una brisa de aire fresco que necesito para desconectar.

— ¿Con qué técnica te sientes más identificado y consideras más personal?

— Todas las técnicas que desarrollo portan un sello personal, bien por la forma de ejecutarlas, los soportes manejados o los modelos utilizados. Tras la visualización de uno de mis trabajos, se puede producir una rápida vinculación con mi producción artística. En la obra pictórica de gran formato utilizo telas estampadas preparadas para tapizar. Tienen mucho cuerpo y elijo su diseño en función de lo que deseo contar, sirviéndome de su fondo. Su desplazamiento se economiza enormemente al poderse enrollar. Los dibujos de los suelos, realizados directamente y con temas figurativos, no son nada frecuentes ya que para su ejecución, sin proyección alguna, es necesaria mucha destreza.

Mis fotomontajes no son meramente estéticos, aunque estén muy historiados. Se someten también a la temática de la denuncia. Mis primeras obras, con ejecución más torpe, o con conceptos menos definidos, resultaron imprescindibles para poder llegar a las de hoy.

Algunas, incluso, las he retomado y actualizado.

Si me basara en una percepción recibida del exterior, se produce un caos absoluto. Cada persona se queda con una faceta distinta, y dentro de las galerías la necesidad de generar ganancias hace que los gustos se diversifiquen, siendo los fotomontajes las piezas que actualmente más les interesan, por ser más vendibles.

— Apareces representado en muchas de tus obras ¿por qué? ¿Es una forma de rúbrica del mensaje que quieres transmitir?

— Tienes razón, aparezco en muchas obras y para representar al género femenino aparece principalmente mi hermana Ana. En casos puntuales he recurrido a mis padres y a mi otra hermana, Rocío. La causa fundamental es la falta de recursos, el grado de confianza y la disponibilidad. Esto hace que el principal protagonista de mi obra sea yo mismo. Así se da una

Serie Vanitas Oro

Serie Viva Espa単a

generalidad máxima al establecer para la figura masculina a la misma persona. No deseo personalizar, y a su vez prescindo de todos los elementos secundarios para centrar la atención en lo que realmente me interesa.

Se podría pensar que soy un egocéntrico con afán de protagonismo. De ser así haría pública mi vida en las redes sociales. En todo momento evito mostrar mi vida privada diferenciando mi yo “artista” con mi yo “ciudadano”.

— Los fondos neutros son un recurso que utilizas muy a menudo ¿por qué?

— Es una forma de centrar la atención del espectador en lo que más me interesa destacar. Las obras pueden tener cierto aspecto teatral o de pose ante espacios inexistentes. De este modo deslocalizo la acción. En las pinturas de gran formato se puede apreciar mejor ya que son grandes telones. En el fondo no dejamos de ser unos actores que representamos un pequeño papel en esta obra que nos ha tocado vivir.

— Gran parte de tu obra tiene una importante carga de denuncia social, ¿cómo te planteas cada trabajo?

— Por desgracia la actualidad me marca los temas a denunciar. Las obras van surgiendo a diferentes ritmos en función de los compromisos. Cuando estos no me apremian, las obras maduran con más calma y es el momento de recurrir a las ideas que se han quedado a la espera. En realidad la máquina nunca se para y en más de una ocasión estoy ansioso por terminar una pieza para comenzar con la siguiente. No suelo realizar miles de bocetos. Soy muy impulsivo y los resultados los necesito con una relativa rapidez. Sólo comienzo una obra nueva cuando tengo muy claro el modo de ejecutar la idea que deseo trasmitir. Esto hace que tenga obras que se encuentran aparcadas en el cerebro durante años, incluso con parte de la producción de la obra realizada. Justamente ahora, que tengo algo más de tiempo libre me gustaría ejecutar una idea que tengo desde hace más de cinco años, pero aún me falta rematarla mentalmente.

— Precisamente por denunciar ciertos abusos has sido víctima de algo tan absurdo como la censura, háblanos de ello ¿cómo te ha afectado en lo personal y en lo profesional? ¿Crees que la censura cumple con su cometido inicial o sirve para todo lo contrario?

— En mi caso, el gestor de la sala amparado por la cor-

poración del Ayuntamiento de Salamanca perteneciente al gobierno del Partido Popular, pretendió ocultar unas obras que no eran más que un pequeño chiste sobre una parte de la corrupción que se está dando en España. Yo disponía de imágenes. Había grabado y fotografiado el proceso de colocación de la obra del primer y único día de montaje. Me sirve para documentar el proceso y lo realizo siempre que me toca montar en soledad, siendo este uno de los casos. El segundo día me negaron la luz y me retiraron toda la exposición. Se me intentó demonizar utilizando los medios de comunicación locales afines al poder. Por suerte existe internet y su control es más complejo. Esto hizo que se diversificaran los puntos de vista produciéndose el Efecto Streisand. Fueron dos semanas tan intensas que yo no fui consciente de la dimensión que había adquirido esta acción tan desmedida, ya que hasta la policía local fue requerida para tal acto. Desde entonces he estado aún más atento a otras censuras y se camuflan siempre con justificaciones dudosamente creíbles.

También es verdad que un sector de la sociedad se cree todo lo que le cuentan. Ya con anterioridad había realizado una instalación en el espacio UBU, en ArtJaén y La Galería la Casaros de Málaga tratando el tema de la manipulación en los medios de comunicación. Siento pena ante la pérdida de tantos derechos de toda índole ganados con tanto esfuerzo por parte de la sociedad española. Ahora entiendo aún más el grado de complacencia de muchos artistas pegados al poder. Es la mejor forma de sacar beneficio materializado en forma de encargos, catálogos, proyección... Soy consciente de que este acontecimiento ha generado un punto de inflexión en mi carrera artística, mermando, en cierta forma, las posibilidades a las que podía aspirar, pero no me importa. Lo principal es mantener la coherencia.

Llevo un tiempo moviendo mi obra, principalmente de videoarte, fuera de España. No hay que someterse a los poderes para vivir con dignidad. Siempre he llevado muy mal la cultura del “peloteo” y lo poco que he conseguido ha sido fruto de mis propios méritos.

— En estos momentos en el que toda la sociedad está harta y muy enfadada con todo lo que ocurre a nuestro alrededor ¿qué función crees que puede y debe tener el arte? ¿Un bálsamo? ¿Un revulsivo?

— Todo depende del artista y sus circunstancias. Dentro del arte hay artistas que generan obras que sí que tienen calidad y otros que no. Eso no quiere decir que

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esté emparejado con el reconociendo, la proyección y las ventas. Los contactos son fundamentales. Siempre digo que el espacio expositivo es determinante para que la obra se engrandezca o pase por una mala obra, independientemente de la calidad de ésta.

Lo ideal es que el artista fuera independiente y participara en el proceso de mejora de la sociedad, lo mismo que debieran de hacen todos los que ostentan cargos políticos o cualquier otro ciudadano. Uno se cansa de oír en las tertulias de los diferentes medios de comunicación a los defensores de las causas indefendibles por su mera “afiliación” política, hablando para su público. Algunos medios ya ni disimulan, realizando un acoso y derribo contra los que les pueden hacer sombra.

— ¿Las obras comprometidas socialmente pueden ser un problema en el tema comercial o eso es un mito?

— La crítica social más anónima o generalista no acarrea problemas. Cuando la denuncia es directa y personalizada es cuando surgen las dificultades. Uno de los principales artistas españoles que destaca dentro de esta temática es Santiago Sierra. Fue contratado para representar a España en 2003 en la Bienal de Venecia y distinguido con el Premio Nacional de las Artes 2010. Renunció a este premio. En agosto de 2012 personaliza su denuncia en el video “Encargados”. Paseó los retratos cabeza abajo del Rey Don Juan Carlos I y los presidentes de la democracia española por la gran vía de Madrid. Ya llevaba internacionalmente encumbrado muchos años. Vende sin problemas las fotografías de sus acciones a la élite del mundo. Estos trabajos están protagonizados por los más desprotegidos a quienes paga con sueldos mínimos. Mi caso es muy distinto. He personalizado desde el principio. Con anterioridad había realizado una instalación con muchos banqueros y sus sueldos, otra con los famosos que no cumplen con hacienda, o con muchos políticos de diferentes partidos en un simpático muñeco de vudú con caras intercambiables. Mi problema es que soy poco conocido.

— ¿Qué proyectos tienes para un futuro inmediato?

— En la actualidad aún no están confirmadas las fechas pero se podrán ver a lo largo de este invierno algunos de mis videoartes en el 27th Festival Les Instants Vidéo 2014, en ADPEI de Marsella, también en BOX Gallery, de Milán. Dentro del CologneOFF X se podrán ver otros dos videos en dos categorías diferentes: “Alienated Territories”, y “Alienated Timelines II”. Tras pasar recientemente por Dusseldorf (Alemania), visitarán próximamente las ciudades de Los Ángeles (EE.UU), Cuzco (Perú), Varsovia y Gdansk (Polonia) y París (Francia). También participaré en una exposición colectiva itinerante por Argentina pero aún quedan aspectos por concretar.

— Recientemente has realizado una gran exposición ¿cuándo podremos ver tu trabajo en Madrid?

— Si, así es. El cinco de octubre fue el último día que se pudo visitar Menos tu vientre todo es oscuro, mi última exposición individual ubicada en el Centro Círculo de Burgos.

Al ser un espacio muy grande me ha dejado exhausto y ahora necesito reponerme. En Madrid expuse en el mes de mayo las obras censuradas en Salamanca en la galería Alicia Rey. Por ahora no tengo nada más previsto, pero todo se andará.

Por EMNMM www.ausinsainz.es

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Pastel polĂ­tico

El vuelo del euro

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Fotografía

ToMás Munita Por EMNMM

Nacido en Chile, el fotógrafo Tomás Munita comenzó a trabajar como reportero gráfico en 1995. Desde entonces, por la lente de su cámara han pasado infinidad de personas a las que ha dado un protagonismo, seguramente no deseado pero sí necesario, en algunos de los conflictos más sangrientos de la historia reciente en lugares como Siria, Afganistán o en América Latina.

Es también un fotógrafo independiente y comprometido socialmente que cuenta con numerosos reconocimientos, entre ellos el World Press Photo, y sus trabajos han aparecido en las publicaciones más importantes del mundo.

Para conocer mejor sus trabajos y el día a día de un reportero gráfico hemos hablado con él en esta entrevista.

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— EMNMM. Tomás, tu pasión por la fotografía viene de lejos, siendo adolescente compraste tu primera cámara y aprendiste las técnicas del revelado. Según tus propias palabras: “llegué al mundo de la fotografía a través de la poesía”, explícanos cómo fue.

— T. Munita. Cuando empecé a comprender la fotografía como lenguaje me di cuenta que se parecía mucho a la poesía que venía leyendo hace tiempo. Ambas son abstracciones, visiones, asociaciones y ritmos. No es que la poesía me llevase a la fotografía, más bien me ayudó a comprenderla como medio de comunicación.

— Tus fotografías, además de captar una realidad, en algunos casos muy dramática, parecen tener un vínculo importante con el arte. El tratamiento de la luz recuerda a genios de la pintura como Goya o Rembrandt ¿Esto es algo que surge de forma natural o es algo intencionado?

— Es naturalmente intencionado. Es mi principal herramienta, el dramatismo de la luz. Definir si se trata de arte, fotoperiodismo o lo que sea será tarea de otros.

— Además del increíble tratamiento de la luz, en gran parte de tus trabajos aparecen personajes que parecen dispuestos a contar su historia personal, algo que no sólo genera un diálogo, además, dan vida a la fotografía. ¿Qué importancia das a los personajes?

— Las historias que cuento son siempre historias de otros, son ellos los que cuentan sus historias a través de su relación con su entorno, esas son las imágenes que capto.

— Los fotoperiodistas tienen un enorme poder, aunque en ocasiones no son conscientes de ello, para cambiar el curso de los acontecimientos o de la propia historia con una simple foto. Ejemplos hay muchos, una imagen vale más que mil palabras y cada fotografía cuenta una historia, en tu

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opinión, ¿cuáles son los ingredientes que debe tener debe una fotografía para lograr llegar al público?

— No me parece que tengamos ese poder. Si el curso de los acontecimientos cambia luego de una fotografía es porque el hastío o la necesidad de cambio ya estaban en las personas. El que se tome una imagen como estandarte es sólo porque representa una realidad, a veces esas realidades son desconocidas y ahí sí agradezco el poder llevar historias ajenas al público, pero una imagen como la niña y el napalm en Vietnam no era noticia para nadie, lamentablemente, pero llegó en el momento en que el absurdo de esa guerra debía ser derribado. Una fotografía, valiéndose de los elementos propios del lenguaje visual, como la composición, el color, etc. debe hablar de nuestra condición humana. La belleza, si la hubiese, y el mensaje en ella van a encontrar su propio camino hacia el espectador.

— El año pasado fuiste reconocido por tercera vez con el World Press Photo con un impresionante trabajo sobre pandillas salvadoreñas. En este caso, además del riesgo que se corre trabajando en esos ambientes, el impacto emocional debe ser brutal, ¿cómo te enfrentas psicológicamente a ello? y lo más importante, ¿cómo logras desconectar después de haber vivido todas esas situaciones?

— Todavía no lo sé enfrentar. Quizás no me logro desconectar lo suficiente pero, los largos periodos de descanso parecen ser la clave.

— El conflicto sirio también ha sido captado por tu cámara y con este trabajo también has recibido prestigiosos galardones. Cuando te propusieron realizar este proyecto ¿cómo te planteaste el trabajo? ¿Es algo que se va desarrollando a medida que ocurren los hechos o partes de un esquema inicial en el que ya más o menos sabes lo que quieres mostrar?

— No me considero un fotógrafo de conflicto, pero en una situación así no hay esquema que valga.

Cada mañana nos planteábamos el día según las posibilidades que tuviéramos. Lo importante es llegar hasta donde suceden los acontecimientos, intentar hacer buenas imágenes y salir.

— Gran parte de tu carrera profesional ha sido de forma independiente, algo que da mucha libertad pero también tiene sus grandes inconvenientes ¿no es así?

— No sé si es inconveniente. Lo que sí sé es que a medida que mejoro profesionalmente cada vez me acerco más a la libertad que tenía cuando era estudiante. Parece ser ese el ideal del fotógrafo, trabajar libremente.

— El veterano fotógrafo iraní Abbas Attar dijo una vez que cuando cubría conflictos bélicos se sorprendía al ver tantos fotógrafos en pleno campo de batalla y que recordaba con cierta envidia a Robert Capa porque él, al ser un pionero en este tema, solía trabajar solo. En este sentido, ¿existen disputas entre fotógrafos a la hora de captar “la foto” en medio de un conflicto?

— Pocas veces tengo la suerte de poder trabajar codo a codo con mis colegas, y créeme que lo disfruto enormemente. Al final del día jamás tenemos las mismas fotos. Lo que de verdad no disfruto es cuando hay 50 fotógrafos inexpertos alrededor de la misma situación, hay muchos fotógrafos que no saben trabajar en grupo, no respetan ni lo que están fotografiando.

— De todos tus trabajos, ¿cuál es el proyecto qué más te ha impactado o el que más te ha marcado a nivel emocional y personal?

— Es difícil decir, hay uno que dejó una huella amarga, fue mi reportaje sobre la muerte del río Loa en el desierto de Atacama, viajé durante tres años para fotografiar en la más absoluta soledad el drama de un río que desaparece con la vida que sostiene.

— Periodistas y fotógrafos son, por desgracia, los principales objetivos en numerosos conflictos bélicos, ¿has temido alguna vez por tu integridad física o por tu propia vida? ¿Estás preparado para afrontar situaciones extremas en situaciones de riesgo?

— Claro que he sentido miedo, y mucho. Nunca estuve preparado ni jamás me produjo ni el más mínimo interés personal el exponerme a la violencia de la guerra. Detesto la fascinación que producen las armas y la adrenalina en algunas personas.

La guerra no es acción, es el dolor que produce. Viví un año en Afganistán como corresponsal, y puedes ver en mis imágenes que dediqué cuanto pude de mi tiempo a aquellos que están inmersos y son víctimas de la guerra: la gran mayoría. Claro que también fotografié operaciones militares, bombazos y lo que me correspondía como corresponsal.

— ¿Has trabajado o trabajas con otros formatos como por ejemplo el vídeo?

— No. — Además de un modo de vida ¿qué es lo que ha hecho la fotografía por ti?

— Me ha mostrado la familia que es el hombre.

— ¿En qué proyecto estás trabajando ahora?

— Estoy terminando de fotografiar el último ejemplo que tenemos de apartheid en el mundo, la segregación de la comunidad musulmana Rohingya por parte de la gente y el gobierno de Birmania. Hace dos años los budistas decidieron que no querían convivir más con ellos, asesinaron a cientos, el gobierno demolió sus casas y mezquitas, les quitó su nacionalidad y los redujo a campos de concentración, ¡increíble! www.tomasmunita.com

El Salvador. 2012

Siria. 2012

Varanasi, India. 2008

Looking for time (mom in loft) (2007)

Atacama, Chile. 2010

Kabul, Afganistรกn. 2005

Cine Los aficionados al género fantástico están de enhorabuena porque por tercer año consecutivo arranca una nueva edición del Festival Internacional de Cine de Terror y Fantástico de Madrid. Los últimos trabajos de cortometrajistas como Paul Urkijo, Lee Cronin, Alfonso García, James Croke o Nick Peterson se verán el jueves 6 de noviembre en Cinesa Proyecciones. Durante dos horas, los espectadores podrán disfrutar de los ocho magníficos cortometrajes a concurso que integran la Sección Oficial. Un año más, la participación ha sido espectacular, llegando a recibir 600 cortometrajes procedentes de países de todo el mundo. Los seleccionadores han hecho un gran esfuerzo para que los distintos subgéneros del cine fantástico se vean representados en la Sección Competitiva, donde se podrá ver: El Bosque Negro de Paul Urkijo (España), Ghost Train de Lee Cronin (Irlanda), Sector Zero4 de Alfonso García (España), Shift de James Croke (Australia), The Stomach de Ben Steiner (Reino Unido), The Visitant de Nick Peterson (EEUU), Fool´s Day de Cody Blue Snider (EEUU) y Pena de muerte de Julien de Volte (Francia).

En esta edición, el maestro de ceremonias y Presidente del Jurado será el realizador Jorge Dorado, responsable del inquietante largometraje Mindscape y tres veces nominado a los Premios Goya. El cuerpo del jurado de la III edición del MADterrorfest lo integran Aritz Moreno, según la revista Variety: “uno de los diez talentos emergentes del cine español”, y que presentó a concurso en MADterrorfest 2013 su cortometraje Cólera. Le acompañará Iván Mena-Tinoco, contrastado realizador y postproductor que ha trabajado elaborando efectos especiales en Double Negative en Londres para películas como Origen, de Christopher Nolan. Actualmente se encuentra en plena distribución de su último cortometraje

A Través del Espejo, una de las primeras producciones cinematográficas europeas íntegramente rodadas y postproducidas en 4K. Y finalmente Iván Villamel, que compagina su labor de cortometrajista y realizador publicitario, con el puesto de Producción Internacional en Cortópolis. Todos ellos tendrán la ardua tarea de decidir qué cortometraje es merecedor del gran premio Botiquín Negro, valorado en 300 €.

Fuera de competición, los espectadores podrán disfrutar este año de los últimos trabajos de los jóvenes realizadores Iván Villamel, miembro del Jurado, e Ignacio F. Rodó, que presentan respectivamente Mr. Dentonn y Tuck me in.

Un año más, el Festival contará con dos presentadores de excepción que amenizarán la gala. Se trata de Alejandra Castelló, la copresentadora de Levántate y Cardenas, en EuropaFM y Juan Ochoa, la inconfundible del El Intermedio y Cuarto Milenio, que este año se encargará de leer un extracto del relato ganador del II Concurso de Relatos de Terror y Fantástico MADTerrorFest; relato que se alzará con el Trofeo Pluma negra valorado en 150€.

El Jurado del II Concurso de Relatos de Terror y Fantástico MADTerrorFest estará integrado por Juan de Dios Garduño, Fernando LópezGuisado y Alejandro Romera.

MadTerrorFest 2014 tendrá lugar el 6 de noviembre a las 20:00 horas en la céntrica sala Cinesa Proyecciones (Fuencarral, 136).

El precio de la entrada es 4,92€ anticipada y 4€ en taquilla. www.madterrorfest.com

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Foto: Josep Aznar

EL TESTAMENTO DE MARร A Teatro Valle-Inclรกn | SALA FRANCISCO NIEVA Del 19 de noviembre al 21 de diciembre de 2014

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Escena

El testamento de María de Colm Tóibín Dirección: Agustín Villaronga Nuestras raíces son católicas. Educados en el seno de una cultura cristiana, hemos convivido cotidianamente con un montón de símbolos religiosos: la Cruz, el Sagrado Corazón, el Vía Crucis... La profusión de estos símbolos, en un contexto meramente espiritual, han acabado por hacernos olvidar el origen humano de donde provienen.

Colm Tóibín ha puesto el foco en uno de ellos: la Virgen María. Y nos descubre que detrás de ese icono de la Virgen, con su corazón atravesado por puñales y su aureola de santidad, hay un ser humano. María de Nazaret. Una sencilla mujer de campo, cuyo único hijo le es arrebatado por una decisión divina que no comprende y por un terrible odio humano que le inflige el mayor de los dolores al clavarlo en una cruz.

El texto de Tóibín es maravilloso. Escrito para Meryl Streep y representado en Broadway por Fiona Shaw, llega a nosotros con la voz y la figura de Blanca Portillo. En esa espléndida actriz descansa la parte primordial del trabajo. Es un monólogo complejo y con muchos matices que dista mucho de esa imagen celestial que se nos ha ofrecido de la Virgen.

La emoción en estado puro, sin artificios intelectuales ni elitistas, es lo que debe prevalecer, eliminando todo lo que nos separa de ese sentimiento enfebrecido. En cierto modo, lo esencial es desnudar a la narración de toda com-

plejidad que no vaya directamente al corazón.

Allanar el camino, casi de un modo didáctico, para entender de un modo sencillo la historia contada en los evangelios y asimilar los nuevos y diferentes matices que aporta esa Virgen de Colm Tóibín. Lo que envuelve todo eso es un espectáculo austero y al mismo tiempo muy visual. Y digo visual no porque vaya haber audiovisuales, que no los habrá, sino porque se estructura más con la narrativa de secuencias cinematográficas que con la distribución de actos y escenas teatrales.

El texto lo permite, casi lo pide. Nuestro personaje, ya en la vejez y a punto de morir, revive, como si de un cúmulo de flash-backs se tratara, momentos de su vida. Hermosos algunos, terribles otros. Y los recrea desde su exilio en Éfeso, como si en sus solitarias y largas noches de vieja, diera forma a esos fantasmas del pasado y con ellos nos descubriera la mujer que realmente es, no la mujer que toda la humanidad ha querido hacer de ella.

Nos da su palabra viva. Su verdad. Bien diferente de los textos evangélicos que elaboran los discípulos y a los que contradice en muchos aspectos.

Para ella no hay hijo de Dios. Sólo su niño, al que no entiende ni acepta, pero no puede dejar de querer. Su testamento dista mucho de legado que nos ha dado la Iglesia y difícilmente puede ceñirse a lo que nos han contado.

Agustín Villaronga

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Foto: Javier Naval

Cuando deje de llover de Andrew Bovell Dirección: Julián Fuentes Reta

Cuando deje de llover es la historia de una saga familiar, contada en saltos en el tiempo y con múltiples capas, que abarca cuatro generaciones de una misma familia que se mueve entre Europa y Australia desde 1959 a 2039.

Una anatomía de las relaciones paterno-filiales en la que nueve personajes de una misma familia se confrontan a los misterios de su pasado para así entender su futuro.

Una obra que explora cómo los patrones del dolor, el abandono, la destrucción, el perdón y el amor se pasan de unos a otros sin remedio; hasta que un día en el que los desiertos son inundados por el mar, alguien encuentra el coraje de desafiar ese legado.

esencia misma de su naturaleza, contado desde la empatía hacia el ser humano y su complejidad, con sorprendentes toques de humor, poesía y esperanza.

Escrita por el autor australiano Andrew Bovell en 2008. Fue originalmente una producción de Brink Productions Australia en colaboración con el escenógrafo Hossein Valamanesh. Se estrenó en el Scott Theater de Adelaide, Australia, con gran éxito de crítica y público.

Para posteriormente estrenarse en Londres en el Teatro Almeida en 2009 dirigida por Michael Attenborough y en Nueva York en el Lincoln Theater en 2010 dirigida por David Cromer. La obra ha recibido múltiples premios internacionales y es la primera vez que se monta en nuestro país.

Es un potente drama que viaja al corazón de los lazos familiares y a la

CUANDO DEJE DE LLOVER Teatro Español | Naves del Matadero Del 12 de noviembre al 21 de diciembre de 2014

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Foto: David Ruano

EL JUEGO DEL AMOR Y DEL AZAR Teatro MarĂ­a Guerrero Del 5 al 23 de noviembre de 2014

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El juego del amor y del azar de Pierre de Marivaux Dirección: Josep María Flotats Medio siglo antes de la Revolución Francesa, el extraordinario grado de refinamiento con que se expresa la lengua de Marivaux se adentra en territorios de indefinición, incertidumbres y esterilidad que preludiarán un fin de época a la hora de entender el lenguaje en las relaciones humanas y, de paso, el modo de concebir la colectividad.

En un momento en que la razón práctica empieza a revolucionar la manera de entender los códigos sociales, el marivaudagees un canto de celebración a la galantería amorosa que explora los equilibrios entre el arte popular de la Commedia dell’Arte y la lengua aristocrática de salón, al tiempo que construye unos laberintos que esconden sombras entre las que laten algunas de las principales tensiones de su época.

En esta comedia de Marivaux, la más conocida del autor, la aparente trasgresión de las fronteras de clase acaba convirtiéndose en un baile de disfraces en que el verdadero protagonista es el papel de la educación como piedra angular en la construcción de la sociedad moderna.

El señor Orgón quiere casar a su hija Silvia con Dorante, hijo de un viejo amigo.

Silvia habla de este casamiento con Lisette, su doncella, y le confía los temores que tiene de casarse con un muchacho que no conoce. Orgón acepta que su hija se haga pasar por Lisette para poder observar disfrazada a su futuro marido, mientras que, paralelamente, Dorante habrá tenido la misma idea, y se presentará en casa de Orgón con los papeles intercambiados con su criado.

El padre y el hermano de la muchacha serán los únicos que estarán al corriente de este doble juego de disfraces, y seguirán el juego desde una discreción que intervendrá puntualmente para facilitar el rumbo de los acontecimientos. Pronto Silvia sentirá muy poca simpatía por su supuesto pretendiente, que mostrará unos modales impropios de su clase y educación, a la vez que se sentirá atraída por el supuesto criado. Por parte de Dorante sucederá lo mismo, y este baile de equívocos solo se resolverá después de que se hayan puesto en crisis todas las convenciones sociales.

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Música

Wiltay Nacido en Singapur, Wiltay es un cantante, compositor y productor muy conocido no sólo en el mercado discográfico chino, también en algunos países asiáticos gracias a su primer single en inglés titulado Hola, que se convirtió en un éxito en Asia durante el verano de 2013.

El videoclip Hola, grabado en Madrid, fue todo un éxito no sólo por su calidad, también por el impacto en la red y en las generaciones más jóvenes al tratar temas relacionados con la comunidad LGTB que hasta entonces no eran habituales en el mercado asiático de la música.

Una vez más Wiltay ha vuelto a elegir España para producir el videoclip de su segundo single en inglés titulado Less is More. En este trabajo ha contando con la colaboración de reconocidos personajes como el arquitecto Julio Jiménez Corral, el diseñador Jota Bourlet o el director de cine Jota Arnoak, integrando así la tecnología, la moda y el arte en un solo concepto artístico.

Wiltay vive a caballo entre Singapur, Los Ángeles y Madrid, tres ciudades en las que encuentra la inspiración y la creatividad necesaria para desarrollar su trabajo y también su propia vida, pues ambas cosas forman para él una sola cosa, un sentimiento cargado de energía positiva con el que pretende llegar a todos los rincones del planeta.

Este mes de noviembre tiene una cita en Los Angeles Music Awards, por estar nominado en cuatro categorías: Mejor álbum pop del año, por su trabajo WTF. Mejor artista masculino del año, mejor Artista internacional del año (Asia) y mejor videoclip del año por Less is More.

Recientemente Wiltay ha estado en Madrid, así que no hemos querido dejar pasar esta oportunidad para hablar con él y conocer un poco más a este joven cantante pop.

Por R.J. Fotos: Cortesía Wiltay

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— EMNMM. Wiltay, eres muy conocido en tu país y en gran parte de Asia ¿cómo fue la idea de trabajar en España?

— Wiltay. Vine a Madrid hace un par de años para realizar un vídeo porque aquí hay mucha creatividad, además, la gente aquí es muy simpática, hay una mentalidad muy abierta. Para mí es muy interesante aprender de la creatividad de los españoles, es una cultura muy diferente a la asiática, el cine, los sonidos, el flamenco... Así que decidí venir aquí y poder mostrar España al mundo entero con mi música.

— ¿Compones tus canciones?

— Sí, yo las compongo aunque, en algunas ocasiones, invito a otras personas para colaborar conmigo. Me gusta componer porque así me expreso mejor, la música es una forma de comunicación. Obviamente también necesito una buena producción para hacerlo mejor, es como si fuese un pastel, yo hago la base, la estructura y después viene el pastero que lo remata para hacerlo más bonito.

— Vives entre Singapur, Los Ángeles y ahora ¿también en Madrid?

— Vivo entre Singapur y Los Ángeles pero vengo aquí cada poco tiempo para trabajar, como decía antes, hay mucha creatividad y talento, seguramente vuelva en diciembre. Espero poder venir más a menudo y también realizar más proyectos en España, junto a Los Ángeles y Asia, interconectando la creatividad de diferentes partes del mundo, creo que es una interesante forma de conectar la cultura española, la asiática y la norteamericana, mezclarlo todo y hacer algo bueno, eso es lo que busco.

— ¿Cómo fue tu primera vez en Madrid?

— La primera vez que vine a España fue con mis padres, viajamos por varios lugares del país y Madrid fue el último lugar que visitamos antes de volver a Singapur.

Tuve la sensación de que Madrid tiene una mezcla muy especial entre lo que es la ciudad y la vida urbana, no sólo es una ciudad cosmopolita, siento que aquí la gente es muy natural, la gente ama a sus familias pero al mismo tiempo aman su trabajo, además, en cualquier lugar que vayas hay espacios naturales, es una mezcla entre ciudad y naturaleza, eso es lo que me gusta.

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— Entonces Madrid se ha convertido en tu otra casa ¿no es así?

— Hace dos años realicé el videoclip Hola aquí en Madrid y en Asia gustó muchísimo. Es por este motivo por el que vine aquí, por la creatividad y porque también la gente aquí es muy directa con lo que quiere, además, desde el primer día que llegué a España me he sentido como en casa, la gente me ha dado un trato muy familiar, incluso sin hablar el mismo idioma. Amo a la gente que me ha recibido con los brazos abiertos, por eso me siento muy agradecido y en deuda, por eso, siento la necesidad de mostrar la creatividad que hay aquí al mundo entero. He vuelto otra vez para realizar el vídeo de la canción Nothing can stop us, que trata sobre cómo podemos cambiar todas las cosas y podemos cambiar nuestra vida. Mucha gente te dice cosas como: “eso no lo puedes hacer” pero en realidad, sí que lo puedes hacer si te mentalizas de que todo es posible, eso es parte de mi viaje y de mi música. Siempre he pensado así, miles de personas que me apoyan piensan lo mismo y también hay miles de personas que me han dicho: “no es imposible”. Sí que es posible y quiero transmitirlo con mi música y con la creatividad que hay aquí en España al mundo entero.

— Tu primer single en inglés se titula Hola ¿por qué elegiste esta palabra?

— Fue la primera vez que vine a España, un día estaba en la pastelería San Onofre y entró una mujer y dijo: ¡hola! El sonido de aquel “hola” me pareció muy bonito. En inglés es “hello”, en chino “ni-hao” pero el “hola” español tiene una musicalidad que quedó atrapada en mi mente, tenía que hacer algo con ese sonido así que cuando llegué a casa me puse con ello, así nació Hola.

— El videoclip Hola habla de tolerancia y respeto en un claro guiño a la comunidad LGTB. — Sí, al principio, cuando escribimos la canción, no tenía intención de relacionarla con nada en concreto, pero al mismo tiempo que estaba con ella, se estaba celebrando el Orgullo de Madrid y uno de los organizadores se puso en contacto conmigo invitándome a participar en el Orgullo. Dije que sí porque apoyo la actividad del colectivo LGTB, muchos de mis fans pertenecen a este colectivo y quería hacer algo por ellos, apoyarles, porque lo que importa no es de la manera

que uno sea, la vida es muy corta y hay que ser quien quieres ser. Fue una experiencia muy bonita, les estoy muy agradecido por dejarme participar.

— Hola en poco tiempo se convirtió en todo un éxito no sólo en China ¿verdad?

— Así es, en china y también en Filipinas e Indonesia.

— La sociedad china es conservadora, en este sentido, ¿Qué aceptación tuvo una canción como Hola?

— Sí, la sociedad china es un poco más conservadora, todavía están abriéndose al mundo LGTB, pero en realidad no es un gran problema, como en todos los sitios hay gente que está de acuerdo, otros que no. Personalmente creo que el ser humano tiene derecho a amar, ya sea a un hombre o a una mujer, eso es lo más importante y eso en Asia es algo que ya se está aceptando.

— Estás nominado en cuatro categorías en los prestigiosos Premios de la Música de Los Ángeles ¿qué supone esto para ti?

— Estoy muy entusiasmado. Una de las nominaciones es al vídeo Less is more, que está nominado como el mejor vídeo musical, en este caso, lo más importante para mí es que siento que de alguna manera que

España también está nominada, que se reconoce el talento español y eso es algo que me parece importante, creo que es una forma de devolver a los españoles lo mucho que me han dado y cómo me han acogido, por todo ello estoy muy ilusionado… cruzo los dedos.

Incluso si no gano, creo que lo más importante es lo feliz que me hacen estas nominaciones por todos aquellos que me han apoyado. Me siento muy feliz.

— Estás preparando un nuevo álbum, háblanos de ello — Así es, y tendré algunas colaboraciones con actores, actrices, artistas, directores, escritores españoles… ¡amo a los españoles!

— Wiltay, muchas gracias por dedicarnos tu tiempo, te deseamos mucha suerte y esperamos volver a verte pronto en Madrid.

— Gracias a vosotros me siento muy feliz y orgulloso por esta entrevista. También quiero agradecer a la actriz Yolanda Font, que ha hecho posible esta entrevista y que, además de ser una fantástica actriz, es una de las mejores amigas que tengo aquí, ella me abrió los brazos sin pedir nada a cambio. www.wiltay.com

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FÜGU Funk Made in Spain

Fügu es el nombre de una banda sevillana que en poco tiempo han logrado hacerse un importante hueco en el panorama musical español, sobre todo entre los amantes de funk y el rock, estilos que estos sevillanos han sabido fusionar con otras músicas creando un estilo propio en el que la calidad es su sello particular y que demuestran en cada uno de los numerosos conciertos que organizan por todo el país.

Hemos querido conocer un poco mejor a este grupo y por eso hemos hablado con Juanma Mora uno de sus componentes, para que nos hable de la historia de esta banda y de sus proyectos.

Por R.J. Fotos: J.L. Durán

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— EMNMM. ¿Cuándo surge Fügu y por qué ese nombre de pez venenoso?

— J. Mora. La formación inicial se forma sobre el 2005, grabando nuestra primera maqueta.

Tras varios cambios en la formación ahí seguimos dando guerra con nuestro disco publicado hace dos años. El nombre del grupo tiene varios motivos: por un lado somos amantes de la cultura japonesa y por otro, el pez fügu es un pez venenoso comestible, dando esa dualidad de manjar pero con efectos alucinógenos, según su preparación. Eso queremos reflejar, somos buenos y venenosos.

— ¿Quiénes son los componentes de Fügu?

— En la formación actual somos: Juanma Mora (Bajo), Ferdy (Voz), Dani Marcos (Guitarra) y Melchor Hanna (Batería) — Funky, latino, rock… en vuestra música hay un poco de todo ¿cuáles son vuestras influencias?

— Pues muchas, pero principalmente Red Hot Chili Peppers, Primus, Michael Jackson, Prince, Rage Againts The Machine, Def Con Dos… — En 2012 se lanzó al mercado vuestro primer disco llamado UNO habladnos un poco de este trabajo ¿qué se puede encontrar en él?

— Se puede ver el resultado de muchos años en el local de ensayo y en los conciertos. Es un disco muy directo, grabando por ejemplo bajo y batería en directo para reflejar esa frescura.

Mezclamos mucho rock, funk y música disco.

— Este trabajo se puso en la red para su descarga gratuita ¿por qué motivo?

— Como no teníamos discográfica, no teníamos mejor manera de difundir nuestro trabajo. Y lo de gratis es porque buscamos la mayor difusión posible, que estés donde estés puedas acceder a nosotros.

— Antaño la crisis discográfica acabó con todo lo que se ponía en su camino, hoy la crisis es general y lanzarse a editar un disco es mucho más que una aventura ¿cómo está el mercado

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discográfico en la actualidad? ¿Cuáles son los principales problemas a la hora de editar un disco?

— Se dice que el mercado prácticamente ha dejado de existir, pero yo creo que ha cambiado.

No ha desaparecido, la gente consume música pero de otra manera. Digamos que la piratería siempre ha existido, yo me grababa mis cintas de Soziedad Alkohólika que daba gusto. En cuanto a las dificultades de editar tu propio disco es que ahora lo tienes que hacer tú mismo.

— Hacéis muy buen funk y en español ¿componéis vosotros toda vuestra música?

— ¡Muchas gracias por el cumplido! (risas) Sí, la componemos nosotros, ¿quién si no?

— Además, si hay algo que define vuestra música es el fantástico ritmo y sobre todo el buen rollo, algo que buena falta hace al personal y que se agradece ¿para cuándo el segundo álbum? ¿Será también gratuito?

— Fecha exacta no tenemos para el lanzamiento. Estamos trabajando duro en el local grabándonos y dándole mil vueltas a las canciones.

Lo de si será gratuito aún no lo sé, pero que no será caro sí que lo aseguro.

— Recientemente os hemos visto tocar en Madrid, ¿cuándo os podremos volver a ver?

— Creo que el 13 de diciembre en la sala Jimmy Jazz.

— ¿Qué planes tenéis para un futuro inmediato?

— Tocar mucho e intentar sacar un disco o por lo menos material nuevo.

— Muchas gracias por vuestro tiempo, os deseamos muchos éxitos y que volváis pronto a Madrid.

— Gracias a vosotros, muchas gracias por el interés y volveremos a Madrid todas las veces que podamos. www.fugufunk.blogspot.com.es

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Románico en Madrid Con esta obra se quiere dar a conocer el arte románico de la Comunidad de Madrid, las claves para comprenderlo y animar a visitarlo allá donde se encuentre. De esta manera presentamos el románico madrileño en relación a su distribución territorial durante los siglos XII y XIII, es decir, viajando por aquellos feudos, sexmos, comunes de Villa y Tierra... que caracterizaron los poderes y mecenazgos que levantaron iglesias, palacios, murallas, fuentes y puentes románicos hasta en los lugares más recónditos. Tras la conquista de Madrid, Buitrago, Talamanca y Alcalá, repobladores cristianos ocuparon el territorio levantando todo tipo de construcciones románicas durante más de tres siglos, configurando así aquel “Madrid románico” como punto de partida del espacio madrileño actual. Por eso creemos que es tan importante conocer el románico en Madrid como “Madrid durante el periodo del romántico”.

F. J. Ignacio López de Silanes Valgañón 352 Páginas Ediciones La Librería 9788498732573

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Curiosidades de los cementerios de Madrid Se podría decir que lo que nos ha dejado la historia son restos, ya sean humanos o restos de civilizaciones. Sea como sea, se podría decir que vivimos encima de un enorme cementerio. En “Curiosidades de los cementerios de Madrid”, José Mª Escudero nos recuerda dónde ha habido cementerios, dónde hay enterrados personajes ilustres de la historia. Detalles de cada barrio, en cada rincón hay una historia que contar desde un punto de vista curioso, hay un nombre que recordar, una historia que resaltar.

José María Escudero Ramos 312 Páginas Ediciones La Librería 9788498732412

Libros

El retrato y la muerte: La tradición de la fotografía post mortem en España

El Día de Difuntos de 1836. Fígaro en el cementerio

¿Qué sentido tiene fotografiar el cuerpo sin vida de un ser querido? nos preguntamos todos al ver uno de estos retratos fotográficos. Y sin embrago, más allá del rechazo que pueden producir hoy en aquellos ojos que las miran, cada imagen, cada rostro representado, nos está relatando unas historias pasadas, llenas de vida, aunque no nos lo parezca e impregnadas de una emoción encapsulada que por azar o por providencia han llegado hasta nuestras manos.

¿Y este mausoleo a la izquierda? «La armería.» Leamos: «Aquí yace el valor castellano, con todos sus pertrechos». Los Ministerios: «Aquí yace media España; murió de la otra media». Doña María de Aragón: «Aquí yacen los tres años». Y podía haberse añadido: aquí callan los tres años. Pero el cuerpo no estaba en el sarcófago; una nota al pie decía: «El cuerpo del santo se trasladó a Cádiz en el año 23, y allí por descuido cayó al mar». Y otra añadía, más moderna sin duda: «Y resucitó al tercero día». Más allá: ¡Santo Dios!, «Aquí yace la Inquisición, hija de la fe y del fanatismo: murió de vejez».

Con todo, anduve buscando alguna nota de resurrección: o todavía no la habían puesto, o no se debía de poner nunca. Alguno de los que se entretienen en poner letreros en las paredes había escrito, sin embargo, con yeso en una esquina, que no parecía sino que se estaba saliendo, aun antes de borrarse: «Gobernación». ¡Qué insolentes son los que ponen letreros en las paredes! Ni los sepulcros respetan…

Virginia de la Cruz Lichet 162 Páginas Temporae Libros 9788415801146

Mariano José de Larra Biblioteca virtual Miguel de Cervantes 821.134.2-92”18”

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Tiendas

DORJE Joyería española artesanal sostenible

DORJE nace en Madrid de la mano de Sara Benavente, joyera experimentada con amplia formación en diseño de joyas (Diseño de Moda en el Instituto Europeo di Design en Madrid y Milán, Gemología y Tasación en el Instituto Gemológico Español) y que ha pasado por grandes casas de joyería como Sotheby’s y Grassy antes de lanzarse a crear su propia firma. De fabricación 100% española y de carácter artesanal. DORJE apuesta por la ética, el compromiso social y la sostenibilidad en cada uno de sus procesos. Recientemente acaba de presentar su primera colección de joyas.

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El trabajo artesanal y el empleo de materias primas de gran calidad constituyen el leimotiv de la firma, que tan solo emplea metales nobles y gemas naturales de gran pureza: rubíes, esmeraldas, zafiros, plata, oro… Joyas minimalistas con pequeños detalles, que huyen de la ostentación y muy trabajadas.

La inspiración, de carácter étnico, nace en el propio símbolo dorje que representa un importante objeto de culto en el budismo tibetano, un amuleto de protección.

Se trata de una estrella de cuatro puntas que representa la perfecta unión de la dureza del diamante y la fuerza del rayo. En su lanzamiento inicial, DORJE presenta la colección The Dorje, el símbolo de la firma, en la que la estrella de cuatro puntas siempre está presente.

Uno de los valores diferenciales de DORJE es su apuesta por la sostenibilidad y su compromiso social. En palabras de su creadora, Sara Benavente: “Aspiro a crear piezas de joyería con esencia, que guarden en su interior sus propias historias y que nos acerquen a un objetivo que queremos compartir con los demás: el de lograr juntos un mundo mejor”.

El compromiso de DORJE con estos valores está presente en todas las partes del proceso creativo y productivo. Los diamantes de sus piezas, que están certificados como libres de conflicto por el Proceso de Kimberle y, lo que garantiza que su comercio no ha servido para financiar guerras civiles, los estuches de la firma que están fabricados por una empresa de Cáritas, Taller 99, en la que trabajan personas en riesgo de exclusión social. Además estos estuches son reutilizables, ya que pueden convertise en prácticos monederos, porta-tarjetas, etc. Todos ellos llevan el sello Confidence in Textiles que garantiza el respeto al Medio Ambiente. El 100% de los beneficios de la pulsera Hope Dorje, se donan a programas de investigación de la Asociación Española contra el Cáncer.

Los envíos dentro de Madrid capital se realizan con un servicio de mensajería urgente en bicicleta que aboga por la movilidad sostenible. Toda la papelería de la firma ser realiza en papel FSC, que garantiza que proviene de bosques gestionados de manera sostenible, y la plata, ecológica.

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www.thedorje.com

DORJE

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Comer

FORTE Auténtica calidad italiana

Madrid siempre ha sido una ciudad acogedora con los italianos, que desde hace muchísimos años forman parte del paisaje de la ciudad con más o menos fortuna. Especializados en pizzas o pasta. Más o menos caros o baratos. Y siempre con esos sabores que encandilan los gustos de estos lares. Aperturas que se suceden y que de vez en cuando traen buenas nuevas en forma de calidad en el producto o autenticidad en la cocina. Dos medallas que se puede poner un nuevo restaurante que viene pisando fuerte. La Italia más detallista llega con Forte.

Por Carmen Martínez de Artola

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Todo comienza cuando cuatro socios, tres de ellos de origen italiano, se lanzan a la aventura de abrir el puesto de comida italiana de Platea, el nuevo mega proyecto gastronómico de la capital. Allí, en pocos meses, han conseguido un amplio reconocimiento con su pizzería Fortino que les ha llevado ahora a la inauguración de un local propio en plena calle Serrano, al que en breve le seguirá otro más familiar y con una gran terraza en Aravaca. El establecimiento está dividido en tres partes, todas con una decoración actual y acogedora y diferenciada por unos guiños de colores divertidos y sutiles. En la zona roja, a la entrada, se encuentran algunas mesas altas y una barra donde ejerce el barman y en la que también se puede comer. Un espacio ideal para picar algo, tomar copas y con tanto éxito que es habitual que los clientes lo alquilen para celebraciones, reuniones y afterwork. A continuación dos salones que completan la bandera italiana, uno en tonos blancos y el otro en verdes, con cómodas mesas en los que disfrutar de una comida más relajada. Y finalmente un reservado con capacidad para diez personas con una pantalla y un proyector perfecto para hacer reuniones de trabajo, presentaciones, festejar algo especial en grupo o ver el fútbol, entre otras posibilidades.

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La filosofía del lugar es sencilla e inteligente. Centrarse en ofrecer buenas pizzas y algunas recetas tradicionales, todas pensadas para poder compartir, en un ambiente agradable y contemporáneo, y con un servicio amigable, profesional y rápido. Si a eso sumamos la máxima calidad en cada producto, damos con la tecla que mejor suena.

Para conseguirlo se traen de su país de origen las mejores materias primas. Las particulares harinas de Molino Quaglia, inéditas hasta ahora en España, son la base de sus pizzas. Con ellas, el pizzero romano hace una receta varía en función del día, dependiendo del agua y de la humedad del aire, pero que siempre lleva muy poca levadura y sigue largas fermentaciones de 48 horas de duración. El resultado es una masa con mucho aire, ligera y crujiente. Pero lo mejor no es eso, sino los ingredientes que la acompañan. Un tomate italiano pelado especial del que se elimina el exceso de agua para disminuir su acidez. Auténtica mozzarela de búfala, jamón de Parma, pecorino, parmesano… todo del máximo nivel. Además, la pasta de la pequeña población napolitana de Gragnano, conocida por su textura, unos embutidos caseros que hacen ex profeso para ellos y el mejor género de temporada.

Con todas estas delicias han elaborado una carta presidida por pizzas como la clásica Marguerita, la de Prosciutto crudo di Parma o la de Speck e Provola. Además entrantes como unas brochetas de tomates, albahaca, berenjenas e higadillos, mozzarela y ricotta fritas, stracciatella de varios gustos o distintas ensaladas como la de gongonzola y espinacas o la de tomate y mozzarela. Entre los platos fuertes un vitello tonnato elaborado según la receta tradicional, cottoleta a la milanesa o berenjenas a la parmesana. Y por supuesto pastas como linguine con pesto de albahaca y pez espada, lasaña de ragú a la boloñesa o ravioli de calabaza y amaretti con mantequilla y salvia fresca.El restaurante permanece abierto y con la cocina operativa desde las doce del mediodía hasta las doce de la noche y dan desayunos, picoteos, etc. Para el día a día también un menú de lunes a viernes a la hora de comer que incluye un plato fuerte a elegir entre una receta que cambia cada jornada, una pizza Margarita o Marinara, una ensalada o una hamburguesa, postre, pan y bebida, todo por 12 euros. Una amplia oferta que se completa con una interesante se-

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lección de cervezas artesanas italianas y cañas de Peroni Azzurro.

Y además, una carta de vinos con algunas referencias españolas y un amplio conjunto de etiquetas que recorren la mayoría de las regiones de Italia con tipos, para todos los gustos y precios para todos los bolsillos.

En Forte todo comienza con unos buenos panes caseros. Llegan entonces los antipasti, en esta ocasión una degustación de mortadelas, clásica, trufada y al peperoncino, todas de mucho nivel y acompañadas de pizzele, unos ricos bollitos de masa de pizza frita típicos de Nápoles. Seguimos con la Caponatta alla Siciliana, un guiso clásico de berenjenas con salsa de tomate, piñones, almendras y pasas, donde se percibe ese fondo de cocina tan necesario para hacer las cosas bien. Probamos a continuación un rico invento de la casa llamado Pallote Cacio e Pepe, inspirado en las antiguas comidas de los pastores. Unas albóndigas fritas de miga de pan, pecorino, parmesano y carrilleras de cinta servidas sobre una crema de cebolla. Como pasta degustamos los Spaguettoni di Gragnano a la Carbonara Vera, hechos como mandan los cánones, sin nata, aunque con la libertad de sustituir el ortodoxo guanciale por el más popular bacon. Perfectos de punto y sabor. Al fin llega una de las famosas pizzas, la de Nduja y Stracciatella. De forma ovalada, base muy fina y sin embargo esponjosa, con una cobertura equilibrada y magníficos ingredientes.

Para beber acompaña estupendamente toda la comida un agradable Prunotto Mompertone del Piamonte. Y para terminar varios postres caseros. Una sabrosa tarta de ricotta y pera, una torta Caprese adictiva y un tiramisú de verdad, de esos tan difíciles de encontrar por aquí. Colofón de buenas sensaciones con la calidad por bandera.

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FORTE c/ Serrano 85 Madrid Telf. 91 411 01 98 www.fortepizza.es

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Agenda EXPOSICIONES _________________________________ – Abanicos del siglo XVIII en la colección Lázaro (Hasta el 26 de enero de 2015. Museo Lázaro Galdiano) – Bernini y España (Hasta el 8 de febrero de 2015. Museo del Prado) – Dibujos españoles en la Hamburger Kunsthalle (Hasta el 8 de febrero. Museo del prado) – Edvar Munch (Hasta el 17 de enero de 2015. Museo Thyssen Bornemisza) – Entre el cielo y la tierra, doce miradas al Greco (Hasta el 8 de noviembre. Real academia de Bellas Artes de San Fernando) – Francisco Ibáñez. El mago del humor (Hasta el 18 de enero de 2015. Círculo de Bellas Artes) – La Gran Guerra. Una visión desde España (Hasta el 30 de noviembre. C.C. Conde Duque) – Goya en Madrid (Del 28 de noviembre al 3 de mayo de 2015. Museo del Prado) – Guerra de la Independencia en La Zarzuela (Hasta el 25 de enero de 2015. Biblioteca Nacional) – Impresionismo americano (Hasta el 1 de febrero de 2015. Museo Thyssen-Bornemisza) – Mediterráneo. Del mito a la razón (Hasta el 5 de enero de 2015. CaixaForum Madrid) – Nicola Tesla. Suyo es el futuro (Hasta el 1 de diciembre.

Fundación Telefónica) – Patricia Gadea. Atomic-Circus (Hasta el 5 de enero de 2015. Museo Reina Sofía) – Reflejo del tiempo. Pintura Pablo Echevarría (Hasta el 5 de abril de 2015. Museo de Ciencias Naturales) – Reinterpretada I (Hasta el 5 de enero de 2015. Museo Lázaro Galdiano) – Sorolla y Estados Unidos (Hasta el 11 de enero de 2015.

Fundación Mapfre) – El último viaje de la fragata Mercedes (Hasta el 30 de noviembre. Museo Naval)

– Marino Sáiz (25 de noviembre. Galileo Galilei) – Menphis train (27 de noviembre. Moe Club) – Mónica Naranjo (14 de noviembre. Palacio de los Deportes) – Myles Sanko (22 de noviembre. Tempo Club) – Noa Lur Quartet (14 de noviembre. Bogui Jazz) – The Nomads (20 de noviembre. El Sol) – Imelda May (1 de noviembre. Teatro Barceló) – The Skatalites (30 de noviembre. Penélope) – Zakir Hussain (4 de noviembre. Conde Duque) ESCENA ________________________________________ – El antidisturbios (Hasta el 20 de noviembre. Teatro Galileo) – ClimaX! (Hasta el 6 de diciembre. Teatro Alfil) – Donde hay agravios no hay celos (Hasta el 14 de noviembre. Teatro Pavón) – Espacio (Hasta el 20 de noviembre. Teatro Lara) – El testamento de María (Del 19 al 21 de noviembre. Teatro Valle-Inclán) – Haz click aquí (Hasta el 23 de noviembre. Teatro María Guerrero) – Joaquín Reyes. ¡Que me aspen! (Hasta el 12 de diciembre. Teatro La Latina) – Largo viaje del día hacia la noche (Hasta el 30 de noviembre. Teatro Marquina) – Miguel de Molina al desnudo (Hasta el 23 de diciembre.

Teatro Infanta Isabel) – Olivia y Eugenio (Hasta el 25 de enero de 2015. Teatro Bellas Artes) – El río en llamas (Hasta el 29 de noviembre. Sala el Montacargas) – Sexpearemente (Hasta el 25 de noviembre. Teatro Alfil) – Toda la verdad sobre el oso hormiguero (Hasta el 19 de diciembre. Teatro Cofidis) FERIAS ________________________________________

MÚSICA ________________________________________ – – – – – –

Australian Blonde (21 de noviembre. Joy Eslava) Bittersweet (26 de noviembre. Costello) Ephemerals (7 de noviembre. Tempo Club) Elton John (1 de noviembre. Palacio de los Deportes) Guano Apes (9 de noviembre. Joy Eslava) James Blunt (15 de noviembre. Circo Price)

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Biocultura 2014 (Del 13 al 16 de noviembre. IFEMA) Feriarte (Del 15 al 23 de noviembre. IFEMA) Madrid Beauty Days (Del 29 al 30 de noviembre. IFEMA) Madrid Horse Week (Del 26 al 30 de noviembre.IFEMA)

esmadridnomadriz.com 8

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2014. Es Madrid no Madriz