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CONTENIDO
MARZO 2022
p. 134 14. Carta del editor 16. Colaboradores 208. Una postal desde...
OPINIÓN 18. Para la cabeza,
todo el bienestar Tres autores de disciplinas diferentes abordan uno de los grandes males de nuestros tiempos.
LIFE 26. Por amor al arte 34. En los límites de lo imposible 40. Océanos mexicanos:
diversidad infinita
46. Whisky: apuntes de un
coleccionista
50. Objetos que invitan a viajar 52. Cuando la mesa brilla
56. 66. 74. 76. 82. 84. 89. 98. 104. 112.
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La infalible guía de estilo El regreso de las bolsas Máxima inspiración botánica Una nueva vida Conectividad de tercera generación Estética y poder El despertar (de la moda) en primavera Suit Up The New Romantics Aires de cambio
FOTO: TANYA CHÁVEZ
STYLE
En portada: Christian Nodal lleva un look total de Salvatore Ferragamo y sus propios accesorios.
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CONTENIDO
p. 104
VOCES 120. La cocinera sabia 126. Jackie Stewart: una leyenda
que vence el tiempo
128. Más allá del deseo de
pertenecer
FEATURES 134. Eso que pasa con Christian
Nodal Y el Óscar es para... México en sus carteles Ellas hacen cine El proceso del artista
FOTO: BJARNE X TAKATA, LOOK TOTAL DE SAINT LAURENT POR ANTHONY VACCARELLO / CORTESÍA.
144. 150. 160. 168.
VIAJES 178. El año que recorreremos
el mundo
186. Qatar: un nuevo horizonte en-
tre la vanguardia y la tradición
194. Nuestra casa es tu casa 202. La Ciudad de México en los
ojos de Horacio Pancheri
p. 194
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Pomellato Colección Nudo Aretes de Diamantes Blancos
M Á S Q U E U N LUJ O, U N A PRO M E SA
B E RG E R .C O M . M X
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C O N C I E RG E
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Editor General PEDRO AGUILAR RICALDE paguilar@grupoexpansion.com
Editor Adjunto DANIEL GONZÁLEZ
Editora de Arte y Diseño Gráfico ARANZAZÚ RUIZ ORDAZ
Editor Web LUIS BAYLÓN luis.baylon@grupoexpansion.com
Editora de Foto TANYA CHÁVEZ
Community Manager ALAN PÁEZ alan.paez@grupoexpansion.com
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DIRECTORA EDITORIAL DE SOFT NEWS Y BRANDED CONTENT CLAUDIA CÁNDANO ccandano@grupoexpansion.com
Director Comercial DIEGO ALEJO dalejo@grupoexpansion.com Directora de Estrategia y Gestión Comercial ALEJANDRA BUSTOS FLEIZ alejandra.bustos@grupoexpansion.com Head Digital Comercial CRISTHIAN DEL ANGEL cristhian.delangel@grupoexpansion.com Consumo, Viajes y Entretenimiento ALEJANDRA PAREDES alejandra.paredes@grupoexpansion.com Lujo, Moda y Belleza LUIS ALARCÓN lalarcon@grupoexpansion.com Servicios Empresariales y Real Estate EDGAR CÓRDOVA edgar.cordova@grupoexpansion.com Movilidad, Finanzas y Tecnología CAROLINA DÍAZ BARRIGA carolina.diaz@grupoexpansion.com
Director Comercial Corporativo de Relaciones Institucionales FERNANDO CEBALLOS fernando.ceballos@grupoexpansion.com
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Coordinador de Producción EDGAR MORA Producción ULISES ALARCÓN Coordinadores de Producción Digital JAVIER JASSO Postproducción Digital DIANA AGUILAR JESÚS GONZÁLEZ
Fotógrafos Estudio de foto ANYLÚ HINOJOSA Asistentes Editoriales YRAZEMA ALMANZA ELIZABETH PEÑA Planeación Financiera ANTONIO RAMÍREZ
Project Manager de Branded Content MARCELA ALVARADO malvarado@grupoexpansion.com
COLABORADORES Menelaos Alevras, Adriana Arvizu, Elijah Barry, Bjarne x Takata, Ruth Buendía, Mariana Camacho, Marco Casasola, Mariana Chikhani, Salvador Cisneros, Anne Coco, Salvador Cosio, Jerome Cultrera, Gustavo Egusquiza, Fernando Fernández, Violeta Horta, Jacob + Carrol, Kalinda Kano, Jye Leong, Aki Maesato, Isaac Martínez, Rodrigo de N. Colmenero, David Pastor Vico, Armando Quintana, Alejandra Ríos, Danny Rodríguez, Alberto Rojas, Javier de la Rosa, Emiliano Rubio, Aldo H. Saldaña, Gerardo Sandoval, Eduardo Sarabia, Something Wonderful, Jesús Soto, Davo Sthebané, Aridela Trejo, Alan Urbano, César Velasco, Valeria Villa, Mauricio Villagómez, Hiroto Yamauchi, Hiro Yonemoto.
PRESIDENTE DE GRUPO EXPANSIÓN
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VICEPRESIDENTE DE RELACIONES INSTITUCIONALES
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CEO DE EVENTOS Y MEDIOS EXTERIORES
JORGE DIBILDOX
CEO
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LIFE AND STYLE ®, es una publicación de Expansión, S.A. de C.V. Revista trimestral, No. 175, marzo 2022 - mayo 2022. Reserva de Derechos al Uso Exclusivo No.: 04-2018-030810190600-102; Certificado de Licitud de Título No.: 12848, Certificado de Licitud de Contenido No.: 10421. LIFE AND STYLE ® es una publicación editada y publicada por Expansión, S.A. de C.V., con domicilio en Avenida Constituyentes No. 956, Colonia Lomas Altas, Delegación Miguel Hidalgo, C.P. 11950, Ciudad de México. Editor responsable: Pedro Manuel Aguilar Ricalde. Esta publicación fue impresa por Compañía Editorial Ultra S.A. de C.V., con domicilio en Centeno 162-2, Colonia Granjas Esmeralda, C.P. 09810, Ciudad de México. Distribuida por Expansión, S.A. de C.V., Alfesa Comercialización y Logística, S.A. de C.V., Intermex, S.A. de C.V. y por la unión de voceadores a través del despacho Everardo Flores Serrato, S.A. de C.V. Se prohíbe la reproducción total o parcial del contenido, fotografías, ilustraciones, colorimetría y textos publicados en este ejemplar sin la previa autorización de Expansión, S.A. de C.V. Las opiniones y puntos de vista de las colaboraciones publicadas en esta revista no necesariamente reflejan la opinión de LIFE AND STYLE® y quedan bajo la responsabilidad de los autores. Todos los derechos reservados © 2022, Expansión, S.A. de C.V. Consulta el aviso de privacidad de datos en la siguiente dirección https://lifeandstyle.mx/aviso-legal-y-de-privacidad.
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CARTA DEL EDITOR
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Las buenas historias requieren mucho tiempo de planeación, ejecución y cuidado. Las ideas que son su punto de partida evolucionan conforme se avanza en el proceso creativo y, muchas veces, terminan por convertirse en algo totalmente distinto, pero mucho más rico, gracias a las aportaciones de todas las personas involucradas. A lo largo de los últimos meses, la determinación del equipo por sacar adelante cada una de las 208 páginas de esta edición fue inquebrantable. Desde el principio, teníamos claras cuáles eran nuestras apuestas y no dudamos en invertir en ellas todos nuestros recursos para que la suerte nos favoreciera. ¡Y vaya que nos favoreció! De maneras que aún me parecen inexplicables, poco a poco fueron llegando a nosotros contactos, propuestas, correos electrónicos, mensajes de WhatsApp y todo tipo de señales que nos indicaban que íbamos por el camino correcto. Incluso las puertas que se nos cerraron nos hicieron ver que había más de una ruta alterna para llegar a nuestra meta. Ejemplos tengo varios, así que comenzaré con el que probablemente sea el más revelador. A principios de noviembre llegó a la cuenta de Instagram de Life and Style un DM de la agencia de relaciones públicas de Christian Nodal. En ese momento, el video de su canción “Botella tras botella” ya era uno de los más vistos del año en YouTube y sentía una enorme curiosidad por ese talentoso joven de entonces 22 años que no solo se ha convertido en una superestrella de la música regional mexicana, sino que también ha traspasado fronteras con temas compuestos e interpretados al lado de una nutrida lista de cantantes de México y el mundo. También reconozco que su metamorfosis, su evidente fascinación por los tatuajes y su arrojo para retar muchos de los cánones estéticos que han impuesto la sociedad y su industria lo hacían todavía más interesante. Ese mensaje dio lugar a un viaje a Los Ángeles para conocerlo y verlo actuar en un abarrotado Microsoft Theater. Gente de todas las edades coreó a todo pulmón cada una de sus canciones, yo incluido, de principio a fin. Ahí, en una de las primeras filas, pude comenzar a dimensionar la magnitud del “fenómeno Nodal” y me quedó claro que su secreto para conectar con el público está en convertir en canciones todo eso que muchos hemos sentido y que no somos capaces de expresar. Aún más, lo hace con palabras que no buscan impresionar a nadie, sino comunicar de manera genuina lo que nos pasa
por la cabeza y el corazón cuando nos enamoramos, perdemos o extrañamos a alguien. Muchas semanas después llegaron la sesión de fotos y la entrevista en la que uno de nuestros aliados, Salvador Cisneros, buscó descubrir quién es Christian Jesús González Nodal, en sus propias palabras y las de sus amigos Oliver Venegas, Abel Báez y Edgar Barrera. En el texto resultante, nuestras sospechas se confirman: si bien el ser humano y la celebridad tienen muchas cosas en común, también hay diferencias abismales entre ellos. Situaciones un tanto similares ocurrieron con el portafolio fotográfico que realizó el artista Eduardo Sarabia, quien amablemente aceptó la invitación que le hice para revelarnos parte de su proceso creativo; con la guía en la que Horacio Pancheri nos comparte sus sitios favoritos de la Ciudad de México o con la historia que Anne Coco nos ayudó a materializar sobre algunos de los carteles de películas mexicanas que forman parte del archivo de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas. ¿Mi conclusión? Benditas las apuestas y benditas las coincidencias que las convierten en triunfos, pues para todo el equipo involucrado en esta edición cada página es eso, un triunfo.
Pedro Aguilar Ricalde @pmaguilarr
FOTO: TANYA CHÁVEZ,
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De apuestas y coincidencias
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COLABORADORES
Anne Coco
Danny Rodríguez
Eduardo Sarabia
Anne Coco es la directora asociada de las colecciones de artes gráficas de la Biblioteca Margaret Herrick de la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas, donde supervisa la colección de obras bidimensionales en papel, que incluye unos 65,000 carteles. Es licenciada en Estudios Cinematográficos por la California State University Northridge.
Con más de 20 años de experiencia en la profesión, Danny Rodríguez, con estudios en Toni & Guy Academy, es hoy el director creativo de Rock Your Hair Studio, salón privado ubicado en la colonia Condesa de la Ciudad de México. Perfeccionista y apasionado de la educación y mentor de varias generaciones de peluqueros, se considera un fanático de la música metal.
El artista Eduardo Sarabia nació en Los Ángeles en la década de los 70 de padres mexicanos y se graduó del Otis College of Art Design. No dudó en abrazar ambas culturas para reproducirlas en un arte que se caracteriza por la universalidad de sus propuestas. En esta edición profundiza en la fotografía analógica para relatar los entresijos y caminos de su proceso creativo.
Gustavo Egusquiza
Salvador Cisneros
El escritor español y experto en turismo de lujo Gustavo Egusquiza ha recogido en exclusiva para Life and Style diez de los mejores destinos del mundo para visitar en este 2022. Conocido en diversos medios internacionales como “el hombre que manda en la prensa turística de España”, Egusquiza ha confeccionado un listado que marcará la agenda viajera en los próximos 12 meses.
Salvador Cisneros es periodista y entrevistó a Christian Nodal. Ha escrito pedacitos de vida de personas que parecen no ser de este mundo. Su trabajo lo ha llevado a visitar lugares de otras galaxias. Es como un astronauta de quince años que al aterrizar en un planeta lo explora con curiosidad y fascinación. Cuando se jubile, sueña con ser un ángel que vive en la constelación de Pléyades.
Historiadora
@danny.rodriguez_ryh
Artista
@_eduardosarabia
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@mscocosez
Estilista
@gustavoegusquiza
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Periodista
@salcisneros
FOTOS: CORTESÍA; TANYA CHÁVEZ.
Periodista
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stevemadden.com.mx
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Para la mente, todo el bienestar OPINIÓN
Mucho se ha hablado de la importancia de la salud mental a lo largo de la última década. Sin embargo, tras dos años de pandemia muchos hemos comprendido el verdadero efecto de trastornos como la depresión y la ansiedad. A partir de tres visiones distintas, descubrimos por qué es crucial estar bien desde dentro.
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ILUSTRACIÓN: ALE RÍOS @ALEERIOSRDZ
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OPINIÓN
PARA LA MENTE, TODO EL BIENESTAR
La era de los idiotas y la salud mental TEXTO: DAVID PASTOR VICO
guien, por resumir, que no participa de lo público y solo se preocupa de sí mismo. Hace 2,400 años, en aquella parte del mundo, y en otras muchas también, sabían que el animal humano es un animal político. Que para llamarnos humanos necesitamos de los demás, que no bastaba con nacer de padres humanos, que debíamos criarnos entre estos, aprender de ellos, confiar en nuestros semejantes y desarrollar aquellas características propias de una vida en sociedad: solidaridad, fraternidad, comunicación, responsabilidad, pertenencia… Y que de no darse esto, el animal nacido de padres humanos a duras penas podría llegar a ser más que un pobre animal defectuoso, nada más, porque Tarzán o Mowgli son ensoñaciones literarias. Solos no somos más que un animal poco dotado que ante una amenaza ataca, se somete, se hace el muerto o huye, pero lo hace de forma inconsciente, no racional, llevado por el pánico, por lo que siente en las tripas en ese momento y poco más. Como Casandra, los filósofos hemos avisado de lo que se nos venía encima, pero la salida al mercado del nuevo teléfono inteligente, de la nueva serie en streaming, del nuevo coche eléctrico, de la nueva dieta milagro para lucir mejor, y la rotunda irrupción de la pandemia, se han antepuesto a cualquier deseo de mejorar la vida de todos desde la razón y la crítica a la ultramodernidad. Hoy, los docentes desayunamos, con harto pesar, con las brutales cifras de depresión, ansiedad e intentos de suicidio que nuestros jóvenes estudiantes sufren. Ahí están los datos para quienes los quieran ver. Pero no los quiere ver nadie, porque “mientras a mí no me afecte todo me da igual”. Y cuando nos afecte a todos será demasiado tarde. Bienvenidos todos, todas y todes a la nueva era de nuestra historia: la era de los idiotas.
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Durante las últimas décadas, los pocos filósofos sensibles a los problemas reales que nos afectan a todos cuando nos miramos en el espejo están gritando desde las páginas de esos libros que casi nadie lee, desde sus cátedras poco nutridas de alumnos, o allá donde les presten ojos y oídos, que la gran pandemia del siglo XXI no es otra que la enfermedad mental, más concretamente la depresión y la ansiedad. Y a pesar de que la OMS lleva años avisando de lo mismo, parece que, contra todo sentido común, seguimos aplicando las típicas de “los trapos sucios se lavan en casa”, “si tu mal es la depresión pues deja de estar deprimido”, “que trabajando duro se te olvidan esas tonterías”, o “si estás así es porque quieres” y que “si tienes ansiedad, ¡pues relájate!”, que la vida es maravillosa y solo se vive una vez. La atomización social es ya una realidad descarada y grosera que desde hace más de 30 años no apunta a otro futuro más que al de perpetuarse a toda costa. Así, el reino del individualismo, como única bandera digna de ser enarbolada por el mundo libre-capitalista, es el padrenuestro de todo estadista, economista, gran empresario o tuitero hater que se precie de serlo. Cualquier ensoñación comunitaria, cualquier idea crítica que apunte a la necesidad de una refundación del tejido social, es rápidamente tachada de roja, comunista, utópica, izquierdosa, bolivariana, proiraní y trasnochada… ¿Y qué más? Decían los griegos que un idiota es un ciudadano que antepone sus problemas particulares a los comunes, a aquellos que nos afectan a todos, o a una gran mayoría de nosotros. Al-
Acerca del autor: David Pastor Vico nació en Bélgica y estudió Filosofía en la Universidad de Sevilla. Es filósofo, ensayista y académico de la UNAM. También es el autor de Ética para desconfiados y Filosofía para desconfiados, ambos publicados por Planeta.
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OPINIÓN
PARA LA MENTE, TODO EL BIENESTAR
Depresión y desamor pandémicos TEXTO: DR. CÉSAR VELASCO TÉLLEZ
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En mayo de 2020, un buen amigo mío me escribió para comentarme lo preocupado que se sentía por la salud emocional de su hermano Héctor, un hombre de 47 años al que unos días después atendí por Zoom, tecnología que los expertos en salud mental empezábamos a utilizar cada vez con más frecuencia y familiaridad. Héctor, efectivamente, sufría un episodio depresivo grave: presentaba insomnio, ataques de ansiedad, falta de apetito, disminución de la energía, tristeza, pensamientos negativos, aumento en el consumo de alcohol, irritabilidad y pensamientos suicidas serios, además de otros síntomas. Su exitoso negocio de muchos años empezaba a sufrir el embate
Acerca del autor: con cerca de 30 años de experiencia en la atención de
pacientes, el doctor César Velasco es psiquiatra y terapeuta sexual y de pareja. También tiene experiencia como profesor universitario y conferencista, y escribió el libro Historias de consultorio, que aborda su práctica con pacientes.
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de la pandemia, pero lo que más le afligía era su dinámica matrimonial con Carmen, de 45 años, con quien sumaba 20 años de relación. Sin embargo, en los últimos tres, la frialdad, la indiferencia y las discusiones se habían convertido en una norma que a raíz del “encierro” se había agravado. Me contó que él y su esposa habían dejado de tener relaciones sexuales hacía año y medio, que la soledad llenaba sus días y noches y que no encontraba ni las razones ni la energía emocional para intentar arreglar las cosas. Aceptó recibir un tratamiento consistente en la toma de medicamentos antidepresivos, psicoterapia semanal online, ejercicio aeróbico, suspensión del consumo de alcohol y la práctica del mindfulness. Un mes después, cuando Héctor mostraba mejoría notable y sostenida decidimos invitar a Carmen para tratar de sanar su relación. Ella aceptó con reticencia, pensaba que lo que ocurría era “normal” dado el tiempo que llevaban juntos y no estaba dispuesta a profundizar en el tema sexual de ninguna forma. Después de algunas sesiones de reflexión e intentos infructuosos para alcanzar acuerdos que ayudaran a reconstruir su matrimonio, Héctor decidió separarse para iniciar los trámites de divorcio, medida ante la que su esposa, se mostraba en contra por motivos religiosos. Sin embargo, después de seis meses de sesiones con ambos por separado, los dos llegaron a la conclusión de que habían tomado la mejor decisión. La pandemia por el virus del covid-19 nos ha enfrentado a otra pandemia secundaria: el daño a la salud mental de las personas. Sabemos que la depresión y los trastornos de ansiedad han aumentado 30 por ciento a partir de su inicio, así como también han incrementado con preocupación el consumo de alcohol y marihuana y la violencia doméstica. De hecho, se ha descrito un síndrome depresivo-ansioso resultado del daño del virus en el sistema nervioso central que ha llevado a una demanda cada vez mayor de atención en psicoterapia y psiquiatría en miles de personas que nunca antes habían sufrido problemas emocionales. Es ahí donde entramos los especialistas, listos para ayudar gracias a la tecnología y a nuestra empatía a la hora de reconocer socialmente y dar tratamiento a este tipo de problemas.
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OPINIÓN
PARA LA MENTE, TODO EL BIENESTAR
La felicidad no siempre nace, se hace
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TEXTO: KALINDA KANO
Acerca de la autora: certificada
como maestra de yoga y coach de nutrición integral, Kalinda Kano también es autora de Perfectamente imperfecta (Planeta), un libro para todas las personas que buscan vivir de forma más equilibrada y feliz.
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A veces pienso que hay dos tipos de personas: las que nacieron ligeras y felices y las que somos intensas y trágicas desde siempre. Y es que, desde niña, recuerdo que el mundo era duro y dramático para mí. Obviamente de chiquita no era consciente de mi condición, pero con el paso del tiempo me di cuenta de que no todo el mundo sufría tanto como yo. Mientras otras niñas jugaban a ir de compras con sus Barbies, las mías estaban envueltas en complejos triángulos amorosos que casi siempre involucraban una tragedia. Me encantaría decir que esa etapa pasó rápido, pero estaría mintiendo. La verdad es que cuanto más crecía, más lo hacían las intensidades que siempre se desarrollaron conmigo; cuando llegué a mi adolescencia ya estaba entregada por completo al sufrimiento existencial. Creo que en parte
lo hacía porque es el tipo de persona que soy, pero también porque vivimos en una sociedad que de alguna extraña manera glorifica la tristeza, el enojo y la depresión. Seamos honestos. Hay un momento en la vida en que pasarla mal es cool. Así ha sido desde siempre, y seguramente lo seguirá siendo durante el resto de la historia; es parte de nuestro desarrollo como personas rebelarnos ante el mundo y romper con lo establecido. El problema es cuando tu etapa de ver el mundo de color negro ya no es una etapa, sino tu forma de vivir y te identificas tanto con ese aspecto de tu personalidad que se convierte en una parte importantísima de quien eres. Da igual lo mucho que lo intentes: no lo puedes pasar bien. No sé si te ha pasado, pero sé que no estoy sola cuando digo que, para algunos, cualquier suceso en la vida tiene una connotación negativa. Me tomó muchos años responsabilizarme de mis actos y darme cuenta de que gran parte de la “tragedia” de mi vida era esa, una palabra entre comillas que yo misma me estaba poniendo encima. Ni el universo estaba en mi contra, ni mi vida era tan mala como la percibía. Entonces sucedió algo mágico. Un día me desperté y me di cuenta de que ser pesimista, dramática, sufrida y complicada me daba flojera y no encajaba con la vida que había construido porque, contrariamente a lo que creía, había muchas cosas dignas de celebrarse y de las cuales estar orgullosa. Así que decidí reinventarme y ser una persona feliz. Fui a terapia, lloré, saqué mis enojos, empecé a escribir, a hacer yoga y meditar. Y también hice todo tipo de cosas que pensé que podrían ayudarme; desde las más complejas, hasta las más simples. Algunas funcionaron y otras no sirvieron de mucho, pero me dediqué a trabajar en mí y eso fue lo importante. Durante el proceso me di cuenta de que, más que las acciones que tomé, lo que produjo el verdadero cambio fue el compromiso de estar mejor. Pasara lo que pasara, tenía clara mi meta: mi bienestar mental y emocional. No paré hasta alcanzarlo. En este punto ya puedo decir que soy una trágica recuperada y, aunque no siempre ha sido un camino fácil ni agradable, definitivamente ha valido la pena porque resulta que los felices sí son felices en realidad.
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FOTO: EDDIE ZALETAS PARA NUESTRA PESCA.
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Aspecto de la exposición Once Upon a Who? del artista Simon Fujiwara en la galería Esther Schipper de Berlín.
POR AMOR AL ARTE
Invertir tiempo en nuestra relación con el arte enriquece los viajes. Los museos suelen ser los espacios favoritos de los turistas, pero las galerías se han convertido en una gran opción para aquellos que quieran disfrutar de una experiencia más local TEXTO: ARMANDO QUINTANA
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ESTHER SCHIPPER - BERLÍN, ALEMANIA Al igual que Sprüth Magers, los orígenes de Esther Schipper se remontan a la Colonia de finales de los 80 y desde entonces se ha especializado en mostrar y promover un programa que integra a artistas que trabajan en medios menos comunes. Un ejemplo de ello son Dominique Gonzalez-Foerster, quien suele incorporar proyecciones e instalaciones en su obra, y Philippe Parreno, que trabaja con medios como el cine, la performance y la instalación. Ambos han logrado encontrar un mercado sólido gracias a la intermediación de Schipper. Desde 1997, la galería tiene su sede principal en Berlín, aunque en la primavera de 2017 ocupó su recinto actual en la zona de galerías de Potsdamer Strasse. Entre la lista de artistas con los que trabajan figura el mexicano Gabriel Kuri, quien emplea la escultura y la instalación para generar discusión crítica sobre las dinámicas de consumo. La sede actual fue anteriormente un edificio de bodegas y una imprenta que la firma neoyorquina Selldorf Architects convirtió en un espacio que integra casi 700 metros cuadrados de salas de exhibición.
FOTO: PÁGINA ANTERIOR: COURTESY THE ARTIST AND ESTHER SCHIPPER, BERLIN, PHOTO © ANDREA ROSSETTI. , ESTA PÁGINA: ARRIBA; EXHIBITION VIEW: DANIEL STEEGMANN MANGRANÉ, FOG DOG, ESTHER SCHIPPER, BERLIN, 2020. COURTESY THE ARTIST AND ESTHER SCHIPPER, BERLIN. PHOTO © ANDREA ROSSETTI, ABAJO: TIMO OHLER.
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SPRÜTH MAGERS - LONDRES, REINO UNIDO Sprüth Magers es un gran ejemplo de cómo una galería puede crecer y madurar con el paso de los años. Fundada en 1983 en Colonia, Alemania, Sprüth Magers se ha caracterizado desde entonces por una rigurosa curaduría, un montaje impecable y una cuidada selección de artistas, como el dúo Peter Fischli & David Weiss, a quien siguieron Barbara Kruger, Cindy Sherman y George Kondo, hoy todas ellas figuras consolidadas en el ámbito internacional. La galería fue una de las primeras plataformas en promover las ahora icónicas piezas de fieltro de Robert Morris, así como las fotografías y pinturas de texto de John Baldessari. Entre los más de 70 artistas con los que trabajan podemos encontrar a figuras consolidadas como Nancy Holt y Robert Irwin que se mezclan con voces emergentes como las de Cao Fei y Pamela Rosenkranz. En la actualidad, tiene sedes en Berlín, Londres, Los Ángeles, además de oficinas de enlace en Seúl y Hong Kong. La primera sede de Sprüth Magers en Londres se inauguró en 2003 con una exposición individual de Donald Judd, para la apertura del espacio que hoy ocupa en Mayfair mostró el trabajo fotográfico de Andreas Gursky.
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REGEN PROJECTS - LOS ÁNGELES, ESTADOS UNIDOS
PERROTIN - PARÍS, FRANCIA
Shaun Caley Regen, fundadora y directora de Regen Projects, es una mujer visionaria. Abrió su galería en Los Ángeles en 1998, cuando el epicentro del arte contemporáneo en Estados Unidos estaba en la costa este; una apertura que significó un factor importante para el desarrollo de la escena artística del sur de California durante la década de los 90. Desde entonces, Regen Projects ha ocupado distintas sedes, pero siempre en Los Ángeles. En 2012 se mudó a su espacio actual, diseño de Michael Maltzan. Una de las fortalezas más notables de la galería es su grupo de artistas, que integra diferentes generaciones, medios e intereses que comparten un compromiso genuino con su obra. Entre los nombres más conocidos se encuentran Lawrence Weiner, Wolfgang Tillmans, Matthew Barney, Dan Graham y Anish Kapoor, quienes han hecho importantes contribuciones a la cultura artística contemporánea.
En 1991, con solo 23 años, Emmanuel Perrotin fundó en París una galería con el nombre de MA Galerie. Actualmente, Perrotín presenta un impresionante programa en el que se integran más de 50 exposiciones, además de su participación en más de 20 ferias cada año. La presencia física de la galería se ha extendido a 18 sedes en lugares como París, Tokio, Hong Kong, Seúl y Shanghái. Asimismo, su labor ha sido clave para el auge de artistas como Maurizio Cattelan, Tavares Strachan y Takashi Murakami, quienes han aprovechado la plataforma de Perrotin para articular ambiciosos proyectos. Los 56 artistas que promueve Perrotin forman un grupo ecléctico, sin límites de estética o temáticas y su crecimiento le ha permitido seguir el trabajo de jóvenes creadores sin perder de vista a aquellos con los que ha colaborado desde hace tiempo.
Theaster Gates, artista y arquitecto procedente de Chicago y representado por la galería ha sido recientemente seleccionado para diseñar el pabellón Serpentine de Londres en 2022.
Entre el grupo de artistas que representa a Perrotin están Gabriel Rico y Gabriel de la Mora, mexicanos con exposiciones individuales recientes en la sede neoyorquina de la galería.
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FOTOS: EVAN BEDFORD, COURTESY REGEN PROJECTS, LOS ANGELES; TANGUY BEURDELEY. COURTESY OF PERROTIN.
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FEDERICO LUGER - MILÁN, ITALIA Aunque la galería es uno de los referentes de la escena contemporánea italiana, Federico Luger es de origen venezolano. Desde su fundación en 2005, la galería ha destacado por promover el trabajo de una mezcla de artistas emergentes y consolidados; además su especialización en Latinoamérica la ha transformado en una suerte de embajada del arte de esta región en Europa. Este espíritu se ve reflejado no solo en la lista de artistas con los que colaboran, sino también en los diferentes espacios que ha ocupado: en 2013 se extendió a Venecia gracias al proyecto curatorial The Immigrants. Un espíritu global que se plasma también en su relación con museos e instituciones de todo el mundo, como el Museo MAXXI de Roma, el MoMA de Nueva York o las galerías Continua de La Habana y Anthony Reynolds de Londres, que utilizan la plataforma Federico Luger para difundir sus propuestas desde la ciudad italiana.
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Entre los artistas que promueve la galería destacan el francés Daniel Buren y el mexicano Edgar Orlaineta.
Nanzuka es un proyecto atípico, con un programa que se centra en la promoción y el redescubrimiento de artistas japoneses cuyo trabajo quedó fuera del canon de las bellas artes tras la Segunda Guerra Mundial. Es el caso de Keiichi Tanaami, figura clave del pop art en Japón y que a sus 85 años es un prolífico artista gracias, en gran medida, al esfuerzo de Nanzuka por revalorar su obra. Con una clara intención de formar parte del mercado global de arte, Nanzuka ha participado en varias ediciones de Art Basel, tanto en Miami Beach como en Hong Kong, así como en la Frieze Art de Londres. En la actualidad Nanzuka tiene tres ubicaciones en Tokio: Nanzuka Underground y Nanzuka 2G, en Shibuya, y 3110NZ, en Meguro, un espacio diseño de Daniel Arsham que en las noches se convierte en un restaurante de tres estrellas Michelin. Entre las colaboraciones que ha promovido la galería destacan la de Dior con Hajime Sorayama y la de Daniel Arsham con Pokémon, en las que Nanzuka cuestiona los límites tradicionales entre el arte y otras dinámicas de consumo contemporáneas.
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FOTOS: ARRIBA: COURTESY FL GALLERY WIZARD; ABAJO: HAROSHI CORTESÍA DE NANZUKA Y WAHAB SAHEED.
NANZUKA - TOKIO, JAPÓN
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HOUSE OF GAGA CDMX, MÉXICO
TRAVESÍA CUATRO MADRID, ESPAÑA
Ubicada sobre la avenida Ámsterdam de la capital, en el corazón de la Condesa, desde 2008 House of Gaga se ha convertido en un refugio para las propuestas más disruptivas del arte contemporáneo. La galería promueve a artistas nacionales e internacionales de múltiples generaciones, como Juan José Gurrola, Karla Kaplun, Guillermo Santamarina, Vivian Sutter y el colectivo Bernadette Corporation. Pensando la galería como un modelo flexible y cambiante, House of Gaga ofrece a sus artistas una plataforma comprometida con la experimentación libre que a su vez permite mostrar obras de diferentes formatos y medios. Es también una de las galerías mexicanas con mayor presencia internacional. Ha participado en las ferias más importantes como Frieze Art en Los Ángeles, Art Basel en Miami, Liste en Basilea y FIAC en París. Actualmente, tiene una segunda sede en Los Ángeles, California.
Al frente de Travesía Cuatro están Silvia Ortiz e Inés López-Quesada, visionarias que desde 2003 han promovido el arte contemporáneo en la capital española hasta convertirse en importantes actoras de la escena internacional. El proyecto comenzó con un interés por vincular las escenas contemporáneas de Europa y Latinoamérica, enfocándose especialmente en artistas españoles y mexicanos. Así, Travesía Cuatro ha desempeñado un influyente rol en el desarrollo de la escena contemporánea de México, promoviendo la obra de tapatíos como Gonzalo Lebrija, Jorge Méndez Blake y José Dávila. Con el paso del tiempo el foco de la galería ha ido evolucionado, involucrando recientemente a artistas internacionales tanto emergentes como consolidados. A pesar de formar un grupo diverso, el interés por aproximarse a lo poético como mecanismo para abordar cuestionamientos contemporáneos es quizás el lazo más claro entre los artistas que promueve la galería.
Fernando Mesta, quien dirige House of Gaga junto a José Rojas, forma parte del comité de selección de galerías para la sección principal de Zona Maco.
El nombre Travesía Cuatro hace referencia a la primera sede que ocupó la galería que además de Madrid tiene sedes en Guadalajara (en la Casa Franco de Barragán) y la Ciudad de México.
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FOTO: VISTAS DE INSTALACIÓN EMILY SUNDBLAD EL BESO. CORTESÍA DE LA ARTISTA Y GAGA FINE ARTS. FOTO OMAR OLGUÍN, ASUNCIÓN MOLINOS GORDO, ¡CUÁNTO RÍO ALLÁ ARRIBA!, 2021. ÁLVARO URBANO, L’INVITATION AU VOYAGE, 2021. CORTESÍA TRAVESÍA CUATRO.
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Un deportista cruza el cerro del Tetakawi, en San Carlos, Sonora, frente a un avión y un helicóptero.
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EN LOS LÍMITES DE LO IMPOSIBLE TEXTO: DANIEL GONZÁLEZ FOTOS: MARCOS FERRO PARA ALTIUS
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Su situación geográfica y la casi infinita diversidad de sus ecosistemas y paisajes han situado a México entre los destinos más importantes del mundo para la práctica de deportes extremos y de aventura. El descenso de ríos en kayak, el salto BASE, las acrobacias aéreas o las carreras de aventura y supervivencia en selvas y junglas hace tiempo que forman parte del paisaje habitual del país.
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Ciclistas descendiendo por las calles de Taxco y Puerto Vallarta a más de 50 kilómetros por hora, aviones haciendo acrobacias sobre la bahía de Acapulco, un hombre cruzando el Paseo de la Reforma de la Ciudad de México sobre un cable colocado a 300 metros del suelo o un esquiador deslizándose sobre la nieve virgen del cráter del Pico de Orizaba. En las últimas dos décadas, México se ha convertido en uno de los mejores destinos del mundo para la práctica de deportes extremos y de aventura, una actividad que según Business Insider genera 200,000 millones de dólares anualmente en todo el mundo y en la que participan casi 500 millones de personas. Geográficamente bendecido y gracias a la diversidad de sus ecosistemas –desde el extenso desierto de Sonora hasta la selva Lacandona–, México ha comenzado a ser incluido en las agendas de muchos de los principales deportistas extremos del planeta, que encuentran en el país todos los ingredientes necesarios para realizar actividades que, en ocasiones, ponen en serio peligro la vida de quienes las practican. Pero no siempre fue así. A finales del siglo XX, México daba la espalda a una industria que hoy es también una importante fuente de ingresos y de generación de empleo. Para tener un contexto más claro es necesario viajar en el tiempo, específicamente a finales de los años 90, cuando nacieron los X-Games de ESPN en Estados Unidos mientras una bebida revolucionaba no solo el mercado de los refrescos, sino también la manera en la que nos relacionamos con el exterior. Aquella bebida era Red Bull, catalizadora de un negocio valorado en varias decenas de millones de dólares. Lo cuenta Ernesto Rivas junto a Daniel, su amigo y mentor, uno de los fundadores y socios de Altius, la empresa que elevaría a México al altar global de este tipo de actividades. Fundada para la organización de eventos de “deportes tradicionales”, en 2001 Altius apostó por las carreras eco-challenge que ya se estaban celebrando en Europa y Estados Unidos con la organización del Extreme Adventure Hidalgo. “Todo funcionó muy bien e incluso tuvimos cobertura en televisión. Fue un éxito rotundo”, recuerda Ernesto Rivas. Desde entonces, Altius no ha dejado de organizar en el país algunos de los mejores eventos del mundo. Ahí están el Downhill Taxco, en el estado de Guerrero, para demostrarlo, una carrera de bici de montaña que para aficionados y riders es una de las mejores del calenda-
rio, o producciones como la que se celebró en diciembre de 2016 en el Paseo de la Reforma de la Ciudad de México, en la que el alemán Alexander Schulz cruzó caminando sobre un cable sujeto a 247 metros de altura. El desarrollo de esta industria, sin embargo, también tuvo mucho que ver con el momento oportuno. Mediada la primera década del siglo XXI, internet comenzó a vivir su primera gran revolución. El acceso se democratizó, también el precio, y aparecieron las primeras redes sociales y las primeras plataformas de video. “Nos dimos cuenta de que los videos que subíamos a YouTube empezaban a sumar millones de vistas y entonces empezamos a manejar y distribuir nuestro propio material. El crecimiento desde entonces fue imparable, tanto con producciones privadas como con nuestros contactos con estados y municipios y con eventos para marcas y patrocinadores”, relata Rivas, quien menciona el modelo de negocio que convirtió en ganadores a todas las partes implicadas. Altius tenía el conocimiento, la experiencia y a los deportistas, y los municipios y estados tenían el escenario y el paisaje donde celebrarlos. Estaban, claro, condenados a entenderse, así que inauguraron un sistema de colaboración en el que promocionar el país mediante los deportes de aventura en un momento en el que gobierno estaba tratando de diversificar los destinos de la industria turística, que en Cancún, Riviera Maya, Los Cabos y la costa del Pacífico empezaba a mostrar ciertos signos de agotamiento. Dos décadas después de aquella primera carrera iniciática en Hidalgo, México presume de acoger, organizar y desarrollar algunos de los mejores eventos deportivos del mundo en algunos de los lugares más espectaculares para su práctica. Potrero Chico, en Nuevo León, es una de las mejores paredes de Norteamérica para la escalada deportiva; Jalcomulco, en Veracruz, ofrece oportunidades de rafting para todas las edades niveles y el Pico de Orizaba permite la escalada en hielo en un escenario casi tropical, una experiencia única en el mundo. Pero también se puede hacer paracaidismo en Ixtapa o Guanajuato, buceo extremo en los cenotes de Quintana Roo y Yucatán, surfear en Puerto Escondido o kite surf en Baja California Sur. Bienvenidos al paraíso de la adrenalina. Desde su primera edición, el Downhill de Taxco, en el estado de Guerrero se ha convertido en uno de los favoritos del calendario internacional de mountain bike tanto para riders como para aficionados, además de un excelente y nuevo catalizador turístico de las bondades de una de las ciudades históricas de México.
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Cerbit; ite mantis, peri, et Cat in veris crisque hui teri etemusquium remquodistem in se crio ur, es, non tariocut visserum quide
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ADRENALINA TODO AÑO ENRUTA2
Lugar: Sierra Gorda de Querétaro y Valle de Bravo. Fecha: 30 de abril y 1 de mayo de 2022 (Querétaro) y 24 y 25 de septiembre de 2022 (Estado de México). Enruta2 es una competencia de ciclismo en ruta que comprende dos destinos (Valle de Bravo, en el Estado de México, y Bernal-Sierra Gorda, en Querétaro). En sus rutas los participantes recorrerán los alrededores de estas zonas durante dos etapas (dos días), buscando realizar el menor tiempo posible en un formato de cronoescaladas, que serán los únicos tiempos que se cronometren de las rutas. Una carrera que en realidad no es una carrera, sino una oportunidad única para disfrutar de la belleza de estos dos estados en carreteras con las medidas de seguridad necesarias para la ocasión.
EL PESCADO DE MOCTEZUMA
Lugar: Veracruz, Puebla, Tlaxcala, Hidalgo, Estado de México, Ciudad de México. Fecha: 4 y 5 de noviembre de 2022. 39
Izquierda: el cañón del Sumidero, en Chiapas, se ha convertido en uno de los grandes atractivos turísticos del estado gracias a sus paisajes y a las casi infinitas opciones que ofrece para la prácticas de deportes extremos y de aventura. Arriba: un globo aerostático sobrevuela Puerto Peñasco, en el estado de Sonora.
De la playa a las pirámides. El Pescado de Moctezuma, una carrera a pie por relevos para equipos de 6 o 12 miembros, rinde tributo a la leyenda que cuenta que Moctezuma recibía pescado fresco para celebrar sus ceremonias. Así, los participantes partirán de las playas de Tecolutla, en Veracruz, para rememorar los tiempos en que los painanis (como se les conocía a los corredores en tiempos del emperador) atravesaban el territorio mexicano hasta llegar a Teotihuacán. El recorrido cruza los estados de Veracruz, Puebla, Tlaxcala, Hidalgo, Estado de México y Ciudad de México hasta completar una ruta de 280 kilómetros, de los cuales el 70 por ciento están asfaltados y 30 por ciento discurrirán por terracería. Una oportunidad única para rendir tributo al rico pasado histórico mexicano mientras practicamos deporte...
CAMPEONATO LATINOAMERICANO DE MOTOCROSS MX2
Lugar: Ciudad de México. Fecha: 27, 28 y 29 de mayo de 2022.
Tras la sede de Bolivia en 2021, México toma el relevo de la organización del Campeonato Latinoamericano de Motocross MX2. Un espectáculo único en el que los aficionados podrán disfrutar de la velocidad y la habilidad de algunos de los mejores pilotos del continente. Además de carreras y clasificaciones, la celebración incluirá eventos paralelos en el recinto de la competencia.
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OCÉANOS MEXICANOS: DIVERSIDAD
INFINITA Esto es lo que sucede cuando el consumo consciente y las buenas prácticas pesqueras llegan a buen puerto… Y a la mesa.
¿Se acuerdan de la película Inception? En la que el director Christopher Nolan explica cómo plantar la semilla de una idea en la mente de un tercero, y cómo esa idea puede germinar y crecer como los frijolitos que poníamos en un frasco en la escuela. “Una idea. Resistente. Altamente contagiosa”, dice en un momento Dom Cobb, el personaje que interpreta Leonardo DiCaprio. Es decir, las ideas son contagiosas. Crecen y, si se repiten lo suficiente, se arraigan. Pero, ¿qué tiene esto que ver con los pescados y mariscos? Si se lo preguntamos a Sofía Hernández, de Jamat, “una empresa que procesa y distribuye productos alimenticios de la más alta calidad”, diría que todo. Y es que, en su experiencia, el primer reto del negocio familiar fue lidiar con una idea arraigada como un mantra en las cocinas de México. “Lo primero que pensamos fue en
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cómo comunicar que el pescado no es una proteína apestosa”, señala. Porque, para que lo sepamos todos, el pescado, a menos que ya esté en declive y en proceso de degradación, tiene un olor agradable y marino. En resumen: no es fishy. Contagiar esa idea era y sigue siendo importante. Una vez que eliminamos el prejuicio de la ecuación es más fácil entrar en las profundidades de la despensa marina, tan diversa como suculenta. “Ahora el pescado se considera una proteína premium y más gente lo aprecia y lo consume”, agrega Sofía, parada en la puerta de la planta procesadora de pescado de Jamat, compañía dedicada a los productos del mar que su padre Ezequiel Hernández fundó y que hoy distribuye productos a restaurantes y hogares de todo el país. Además de hacer llegar a las mesas de muchos comensales los frutos del mar, la misión de Jamat ha sido plantar ideas que generen consumidores
FOTOS: EDDIE ZALETAS PARA NUESTRA PESCA.
TEXTO: MARIANA CAMACHO
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En Jamat, comenzaron por eliminar algunos de los prejuicios más comunes alrededor del pescado, como su aroma. Solo si está en periodo de degradación tiene un olor desagradable para el humano.
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mejor informados; esto es, más empoderados. Ezequiel, que también vive y tiene una base de operaciones en Baja California, tiene un enfoque casi socrático al respecto. Para él, la única forma de determinar la calidad es haciendo preguntas. “Todos los pescados tienen una calidad intrínseca cuando están en el agua”, dice. El mar es democrático. “No importa si se trata de una macarela o de un atún. En el agua los dos tienen cualidades en las que no interviene la mano del hombre”. Lo que es determinante es todo lo que sucede después. ¿Cómo se capturó? ¿Cómo se sacrificó? ¿Cómo se ha procesado? Una vez que un pescado sale del agua, sufre un proceso de estrés. “Hay una serie de cambios que tienen que ver con estrés y con el gasto energético que acaban por estropear la calidad”, matiza. Sobre el primer cuestionamiento, Ezequiel responde diferenciando entre las especies que se pescan con redes, las que se capturan con grandes barcos pesqueros y las que se pescan, en menor volumen, en lanchas, la práctica que él prefiere. “En una red, el pescado ya peleó y se ahogó, y esto tiene un efecto. No quieres que pelee”. La segunda pregunta, muy importante, es sobre el sacrificio de los pescados, porque cuanto mejor sea el sacrificio, menor el sufrimiento, y ya sabemos que con menos sufrimiento hay menos estrés. “El consumidor elige hasta dónde quiere llegar”, dice Ezequiel. A veces, basta con hacer preguntas y reverdecer el campo de nuestras ideas.
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La forma de capturar un pescado dirá mucho de su posterior sabor y textura. Esas son algunas de las preguntas que deben realizarse los consumidores para que la pesca sea lo más sustentable posible.
MÉTODOS DE SACRIFICIO: IKEJIME : con un punzón se provoca la muerte cerebral del pescado. Luego se destruye la médula y después se hace un desangrado. El pescado se enfría en aguanieve de mar con sal. SHUKKETSU: se provoca la muerte cerebral y se hace un desangrado. El pescado también se enfría en aguanieve de agua de mar. D E S A N G RA D O: se hacen cortes en partes específicas del pescado que posteriormente se sumerge en aguanieve de agua de mar. KORIJIME: se deja ahogar la pesca en un contenedor con hielo, sin gentileza ni limpieza.
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LA OLA VERACRUZANA En la búsqueda de la diversidad y la calidad hay varias personas navegando en el mismo barco, pero también están los cocineros y sus entornos. Un ejemplo es Érik Guerrero, cocinero que llegó a Veracruz desde la cocina de Pujol, en la Ciudad de México, y que en paralelo a DOS Restaurante, en Boca del Río, terminó embarcado en el proyecto Nuestra Pesca, una comercializadora de pescado que, al igual que Ezequiel, parte de la idea de que las mejores prácticas de captura y sacrificio ofrecen mejores pescados. “Estaba acostumbrado a tener la mejor calidad, pero cuando regresé a Veracruz la tarea no fue fácil. Me parecía increíble que se consiguiera mejor pescado en la Ciudad de México que en Veracruz”, dice Érik. La búsqueda lo llevó a tratar directamente con los pescadores y, mediante capacitaciones y el método de prueba y error, a crear una cadena virtuosa. Empezó a pagar la rubia, el pargo, la villajaiba y el bonito al mismo precio del huachinango (una de las especies más cotizadas) y convenció a sus clientes de que valía la pena
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probarlos. Fue así como una tostada de bonito llegó a su menú. “Fue una etapa superdifícil en mi carrera como cocinero. Tratar de hacer entender al cliente que todo el pescado es chingón. Que la calidad está en cómo llegó a ti, en la trazabilidad”, cuenta Erik. El paso final fue sembrar esa idea entre sus colegas. ¿La idea? Consumir lo que da el mar. “Los amigos empezaron a pedir que les mandara ‘20 kilos de pescado’. Yo les decía que sí, pero que eran 20 kilos de una mezcla de pescados. Pueden llegar medregales, cojones, caballa, una cabrilla o un huachinango. Te pueden llegar 200 pescaditos de 100 gramos o un animal de 20 kilos”, explica. Hoy, el proyecto de Nuestra Pesca distribuye esos “mixes de pescado” a cocineros de distintos puntos del país. En su lista están destinos turísticos como Cancún o Puerto Vallarta, pero también estados del centro del país alejados del mar, donde no hay pesca pero sí ávidos consumidores, como la Ciudad de México, San Luis Potosí o Querétaro.
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No solo los pescados tradicionales son sabrosos. En México, su gran diversidad de ecosistemas permite la pesca de especies desconocidas para la mayoría pero que suelen sorprender con un sabor excelente. Es cuestión de aprender a consumir.
UN MIX DE PESCADO La próxima vez que te encuentres con un pescado en el menú, pregunta. El mar responde. Este es un brevísimo acordeón, cortesía de Nuestra Pesca, con algunas de las especies mencionadas. BONITO: recomendable para platos crudos muy frescos o en frituras. RUBIA : un pescado con notas coralinas y un sabor que cae en el espectro del dulzor por el contenido de glucosa en su tejido muscular. ROCKOT: de sabores delicados. Para consumirse, de preferencia, en crudo. VILLAJAIBA: tiene mejor expresión cocido, preferentemente en una sartén de fondo doble con una película fina del aceite de su elección. La recomendación es conservar la piel al cocinarlo porque se dora muy bien. MEDREGAL: la carne de esta especie tiene muchos usos: crudo, curado, en ceviche o en el punto de cocción adecuado.
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Whisky: apuntes de un coleccionista ¿En qué reside el valor de una botella de whisky? Solo quienes las atesoran como piedras preciosas tienen la respuesta
TEXTO: MARIANA CAMACHO ILUSTRACIÓN: VIOLETA HORTA @VIOLENCE.MX
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¿Qué haces si los viajes forman parte de tu agenda semanal y tienes horas de sobra para matar en un aeropuerto? La respuesta podría ser: “una colección de whisky”. Al menos eso fue lo que sucedió con Víctor Patiño y Salvador Aguilar, quienes sin saberlo iniciaron una relación con este destilado entre los pasillos de las tiendas Duty Free de los aeropuertos, esos lugares libres de impuestos. Con Salvador, el flechazo de la curiosidad se produjo tras leer a detalle la etiqueta de una botella: “añejado en roble francés”, decía. Era, por cierto, una botella de Glenlivet French Oak Reserve, 15 años. “Me llamó la atención porque la botella especificaba el lugar de origen y el uso de roble francés, algo que yo desconocía. Para Víctor, en cambio, fue una edición de Chivas Regal Royal Salute la que cambió su percepción. Esta marca le traía recuerdos de su infancia en Veracruz, de una botella que su padre guardaba celosamente junto a otros objetos preciados y que, cuando la abría, disfrutaba poco a poco. Coleccionar whisky no es muy diferente a coleccionar cualquier otra pieza, ya sean discos de vinilo, estampillas, vinos, habanos, figuras de Star Wars o NFT. Tampoco son muy distintas las motivaciones. Algunos lo toman como una inversión redituable, otros sienten orgullo porque implica
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adquirir cierto grado de “conocimiento” –es decir, ser ñoño y clavado–, y hay los que se encuentran con que las pasiones del coleccionista no se viven solas, que coleccionar algo y obsesionarse con ese algo es un pretexto adecuado para la camaradería y formar una comunidad. Para Víctor y Salvador, que hoy tienen cerca de 500 y más de 900 botellas, respectivamente, sus colecciones responden a algunos de los puntos mencionados anteriormente, pero ambos coinciden en que coleccionar whisky es una cuestión muy personal. Para iniciarse en el camino basta con encontrar una motivación: nostalgia, negocios, inversiones a largo plazo, acaso una fijación. También están de acuerdo en que la edad del whisky no lo es todo. Es un número importante que hay que tener en consideración, pero no es el único factor determinante para establecer el valor de una botella. Es importante la aclaración, ya que a lo largo de la historia, la edad del whisky siempre se ha tomado como referente –y casi sinónimo– de términos como clase o refinamiento. Así lo explicó Nicholas Morgan, historiador especializado en ese licor, a la revista Punch Drink: “Well aged significaba algo muy diferente en 1850 a lo que significaba en las décadas de los 60 y 70”. “Más años no necesariamente quiere decir me-
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El tipo de vaso y la preparación del whisky son clave para disfrutar al máximo de una bebida que tiene más de 500 años de historia.
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jor”, añade Salvador, especialmente cuando se trata de whiskys escoceses. “Nunca me he encontrado con una botella por encima de los 30 años que me guste mucho, y mucho menos que valiera la pena lo que costó y lo que me entregó en el vaso. Según mi gusto, los escoceses alcanzan su mejor punto entre los 18 y 21 años”, explica. Entonces, si no es la edad, ¿qué atrapa el ojo de estos coleccionistas? Hay mucha tela de donde cortar. El grano, el lugar (Escocia, Irlanda, Japón, Italia…) o qué tipo de madera se usó para su añejamiento. “A mí me gustan los whiskys añejados en barricas de jerez”, dice Víctor. En primer lugar, por el resultado y la complejidad que adquieren, y en segundo porque las barricas de jerez se han convertido en una rareza. Hay algo intangible en estas colecciones: las historias engarzadas a una edición, ya procedan de las bodegas o sean personales, las serendipias y la emoción de la búsqueda, ya que en muchas ocasiones lo que más le apetece a un coleccionista es encontrarse con un reto en forma de botella escurridiza y difícil de adquirir o localizar, que puede ser el bien más gratificante. Así, Víctor recuerda que cuando compró el Royal Salute que lo convirtió en coleccionista, no solo adquirió el líquido, sino el acceso a un nuevo mundo: la llave de una puerta
exclusiva, el pase para mirar detrás de la cortina, el meet and greet con el director.
Algunos highlights de la colección Para Víctor:
Además de un Yamazaki japonés de 25 años añejado en barricas de jerez, Víctor resalta el Glenfiddich Snow Phoenix, porque ha multiplicado por 13 su valor durante los últimos diez años, pero también por su historia. “Hubo una nevada que tiró el techo de una bodega de Glenfiddich, un techo de un siglo de antigüedad. Obviamente, las barricas estuvieron expuestas a la nieve y había whiskys de 10, 20 y 30 años. Fue cuando dijeron: ¿por qué no creamos algo especial? Y de todas esas barricas nació este single malt, que resultó ser un gran whisky. Yo tengo dos, pero pagaría feliz por otra botella”.
Para Salvador:
“Hace poco probé en Guadalajara un whisky italiano que es sumamente complicado de conseguir. Es un whisky que se llama Puni, que se produce en los alpes italianos. Era, además, una botella descontinuada, lo que lo hacía aún más especial”.
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Los primeros pasos
¿Quieres iniciarte en el coleccionismo de whisky? Aquí algunas recomendaciones para hacerlo con pasos firmes.
Elige un tema
Una recomendación del cofundador de Rare Whisky 101, Andy Simpson, para hacer más emocionante la búsqueda es iniciar una colección alrededor de un tema en específico. Whiskys del año en que naciste, todos los whiskys de tu marca favorita o whiskys de una región específica (como las Tierras Altas de Escocia) son algunos ejemplos.
Busca consistencia
Empieza por las marcas que han mostrado consistencia y que tienen buena reputación. Algunas de las marcas más apreciadas en listados de coleccionistas son Ardbeg, Lagavulin, Port Ellen, Macallan, Yamazaki o Mortlach.
Ojo con las fechas
El tiempo de añejamiento es, ya lo dijimos, importante pero no el factor determinante del valor de un whisky. También importa la fecha de embotellamiento. Un Laphroaig 10 años embotellado en los setenta es más valioso que un Laphroaig 10 años embotellado en años recientes. 49
Fíjate en la rareza
Ediciones especiales, vintages, whiskys raros y ediciones descontinuadas suelen ser buenas adquisiciones.
Consulta información especializada
Whisky Advocate, Malt, Punch Drink y Rare Whiskys 101 son algunos medios a tener en cuenta.
Únete a un club
Rastrear rarezas, alimentar tu curiosidad y catar whisky es más sencillo en clubes para aficionados. También considera eventos especializados como festivales o convertirte en un cliente regular de un bar especializado en whisky.
Invierte en cristalería
Tener los instrumentos correctos para catar supone toda la diferencia y te ayudarán a apreciar mejor las propiedades organolépticas del whisky (y cualquier bebida).
No dejes de lado otras bebidas
En lugar de ser monotemático, otros destilados, vinos y espirituosos te ayudarán a entrenar mejor tus sentidos y apreciar mejor el whisky.
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OBJETOS QUE INVITAN A VIAJAR En el marco de la más reciente edición de Design Miami/, Louis Vuitton presentó cinco nuevas adiciones a su colección de Objets Nomades.
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TEXTO: PEDRO AGUILAR RICALDE
Xerspe molor serehent omnimus idel idenimus sequide rati consequi aut et doluptatium autendi citatus ciderenisse adi odisto omnimus quo et incturi sitiae plabo.
Sillón Merengue, diseño de los hermanos Campana.
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La creatividad, el ingenio y la funcionalidad son tres de los rasgos principales que distinguen los muebles y los objetos que integran la colección Objets Nomades de Louis Vuitton. Con esta iniciativa que se remonta a 2012, un impresionante repertorio de afamados diseñadores internacionales ha reinterpretado la filosofía del “arte de viajar” que por más de siglo y medio ha distinguido a la casa francesa. El resultado son piezas que fusionan visiones únicas con un savoir-faire celebrado internacionalmente. Localizada en el corazón del Design Disctrict de Miami, la boutique femenina de Louis Vuitton fue intervenida por la diseñadora Patricia Urquiola. En su interior creó un espacio para exhibir una amplia selección de los Objets Nomades de años anteriores, así como ediciones especiales y las más recientes adiciones. De la mente
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FOTOS: CORTESÍA.
Izquierda: silla Pétalo de Marcel Wanders Studio; derecha: Tótem Lumineux de Studio Louis Vuitton.
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de la española surgió un paisaje desértico que se apoderó de todo el tercer piso de la tienda. “El diseño es una presentación surrealista de formaciones y estructuras similares a los fósiles que florcen junto con la colección de Objets Nomades. Plantas del desierto imaginarias crean un escenario en el que las plantas y los minerales, la dureza y la suavidad coexisten”, dijo la diseñadora. Los cinco nuevos objetos que se sumaron a la colección son obra del estudio de Wanders, los hermanos Campana, Frank Chou, Raw Edges y Studio Louis Vuitton. Merengue, el sillón que imaginaron los brasileños Humberto y Fernando Campana, incorpora colores brillantes y aporta un toque de efervescencia a los distintos espacios en los que se coloca. “Para esta edición, queríamos reducir la escala de nuestras piezas de modo que permitieran mayor versatilidad y movimiento. Esto lo hicimos con la idea de mantenernos fieles al espíritu de los
viajes”, aseguraron los diseñadores en el comunicado de la nueva colección. Compuesta por nueve cojines que recuerdan a una flor, la silla Pétalo del estudio Marcel Wanders, se presentó en tres paletas de color –pistache claro, amarillo neón y crema y coral– a manera de homenaje a Miami. De igual manera, el asiento –integrado por cuatro pétalos– es una referencia directa a la flor que se ha vuelto el icono de la marca alrededor del mundo. Raw Edges presentó la mesa Cósmica con una innovadora base de fibra de carbono y una cubierta de cristal. El tótem Lumineux de Studio Louis Vuitton es una elegante torre de coloridas esferas de cristal de Murano. Por último, la silla y el sofá Signature son las piezas con las que el diseñador chino Frank Chou se une a esta familia. La inspiración fueron los campos de China y las formaciones rocosas de los desiertos Estados Unidos. Cabe destacar que estas dos creaciones son las primeras ideadas para uso exterior.
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CUANDO LA MESA BRILLA
Diseñado en porcelana blanca con tonos de un amarillo intenso y con estilizadas líneas en negro, el servicio de cena Soleil d’Hermès está compuesto por 24 piezas.
Hemès presenta Soleil d’Hermès, una vajilla que realizan los artesanos de la maison en colaboración con la ilustradora Arielle de Brichambaut. Un homenaje al sol, la luz y los largos días de verano.
Inspirada en la sensibilidad de esa luz solar veraniega que baña el Mediterráneo en el ocaso del estío, Soleil d’Hermès, la nueva vajilla de la casa francesa del lujo por excelencia, sale al mercado fabricada en una delicada porcelana intervenida por la reconocida artista francesa, Arielle de Brichambaut. La ilustradora, que en el pasado ha trabajado con algunas de las firmas más reconocidas del mundo, colaboró durante meses mano a mano con los artesanos de la casa para ofrecer un diseño único en el que los tonos más potentes del amarillo y unas estilizadas líneas negras juegan al gato y el ratón con la porcelana blanca marca de la casa. “El Sol es la estrella que da ritmo a nuestras vidas y a nuestras estaciones, y que da sabor a nuestros frutos y calor al viento. Es la estrella que nos protege gracias a la luz y el
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calor”, escribía recientemente la firma sobre su nuevo lanzamiento, que sigue la línea que marcan colecciones previas como Balcons du Guadalquivir y Bleus d’Ailleurs. Este es el trabajo más reciente de la prestigiosa subdivisión La Table Hermès, que dirige Benoît-Pierre Emery. La nueva vajilla consta de 24 piezas entre azucareras, ensaladeras y juegos de café en las que las figuras geométricas inspiradas en la naturaleza se convierten en las grandes protagonistas mientras guían nuestros sentidos hacia los locos años del art déco. “Cada nuevo proyecto es una oportunidad para que La Table narre una nueva historia o se haga eco de una que se ha contado anteriormente. Este nuevo servicio forma parte de nuestra identidad”, señaló el propio Pierre Emery.
FOTOS: CORTESÍA HERMÉS.
TEXTO: DANIEL GONZÁLEZ
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Una Experiencia
TODO INCLUIDO por HYATT
Hyatt Ziva Cancún
Hyatt Ziva Puerto Vallarta
Hyatt Zilara Cancún
Hyatt Ziva Riviera Cancún
¡ESCÁPESE DE LA RUTINA! Frente al mar, en las playas más espectaculares de México, encontrará los resorts Hyatt Zilara y Hyatt Ziva, diseñados para preparar el escenario de un escape tropical único en su tipo. Elija el sofisticado ambiente solo para adultos de Hyatt Zilara o, el animado espíritu para todas las edades de Hyatt Ziva, a través de divertidas actividades en tierra y mar. En cada uno de estos lujosos alojamientos, le esperan las suites swim-up, restaurantes que ofrecen innovadora gastronomía y mixología, piscinas infinity con bares, galardonados spas e inigualables gimnasios de primera clase.
CANCÚN | PUERTO VALLARTA | LOS CABOS Las marcas comerciales Hyatt Zilara™ y Hyatt Ziva™ y las marcas relacionadas son marcas comerciales de Hyatt Corporation. ©2022 Hyatt Corporation. ©2022 Playa Hotels & Resorts es el propietario y/u operador de los resorts Hyatt Zilara™ y Hyatt Ziva™ en República Dominicana, Jamaica y México. Todos los derechos reservados. 08022022
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FOTO: BJARNE X TAKATA, LOOK TOTAL DE SAINT LAURENT POR ANTHONY VACCARELLO.
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56. La infalible guía de estilo / 66. El regreso de las bolsas / 74. Máxima inspiración botánica / 76. Una nueva vida / 82. Conectividad de tercera generación / 84. Estética y poder / 89. El despertar (de la moda) en primavera / 98. Suit Up / 104. The New Romantics / 112. Aires de cambio
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La guía infalible de estilo
Repasamos las tendencias que definirán el rumbo de la temporada que comienza con la ayuda de algunos de los estilistas más cercanos a Life and Style. ¿Un adelanto? El dominio del color y la sastrería de corte relajado.
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FOTO: IMAXTREE.
Dior.
Lanvin.
Wales Bonner.
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TEXTO: DANIEL GONZÁLEZ
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Relax
Jessica Gutiérrez Gómez, editora de Moda de ELLE México. KEY LOOK DE LA TEMPORADA El loose fit es tan cómodo como cool. Podemos verlo en los looks más casuales (jeans + playera), así como en las propuestas sartoriales. EL ACCESORIO INDISPENSABLE: Las gorras.
Zegna.
Street style, 2022.
EL DISEÑADOR QUE SE DEBE TENER EN LA MIRA: El mexicano Antonio Zaragoza, de Liberal Youth Ministry. La marca sigue creciendo, ya tiene seguidores como Justin Bieber y Bad Bunny.
TENDENCIAS TOP 01. Varsity look. 02. Colores. 03. Trajes holgados.
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Fendi.
Louis Vuitton.
Etro.
FOTO: IMAXTREE.
Y/Project.
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DESFILE FAVORITO: ¡Y/Project! Glenn Martens NUNCA falla. Me fascina ver cómo funciona su mente creativa y la reinterpretación que hace de todas las prendas que conforman la colección. Sus creaciones siempre tienen un trabajo de diseño increíble, desde el patronaje hasta el resultado estético final. Además, el estilismo en los desfiles es perfecto.
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EL DISEÑADOR QUE SE DEBE TENER EN LA MIRA: Las colaboraciones de Kanye West con Gap.
Dior.
Paul Smith.
Fendi.
DESFILE FAVORITO: El regreso de Balenciaga a la alta costura bajo la dirección de Demna Gvasalia no solo superó el rango de la genialidad (casi inmaculada) y la capacidad de reinvención del diseñador y su equipo. También marcó un antes y después para la firma y tuvo una continuidad maestra en la colección ready-to-wear SS22.
Balenciaga.
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TENDENCIAS TOP 01. Siluetas amplias y ambiguas. 02. Colores brillantes. 03. Predominio de los trajes.
Color
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EL ACCESORIO INDISPENSABLE: La selección de cinturones de Hermès.
FOTO: IMAXTREE
KEY LOOK DE LA TEMPORADA Prendas ajustadas y una mezcla de estampados y accesorios impecables integran la propuesta con la que Raf Simons derriba estereotipos en Prada.
Hermès.
Prada.
Something Wonderful, estudio creativo fundado por Fernando Carrillo y Marco Cuevas.
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Sastrería
Fernando Fernández, estilista y consultor de imagen. KEY LOOK DE LA TEMPORADA Lo más importante es buscar la comodidad en las prendas que usamos y sacarle el mayor provecho a las piezas que ya tenemos en nuestro clóset. Hay que ser más selectivos con nuestras compras para generar un consumo más responsable. EL ACCESORIO INDISPENSABLE: Unas sandalias.
Etro.
Wales Bonner.
EL DISEÑADOR QUE SE DEBE TENER EN LA MIRA: En la actualidad, México tiene una industria de diseñadores locales muy consolidada con propuestas interesantes y atrevidas. Algunos de ellos: The Pack, Diego Zuñiga, Maison Manila, Ocelote, 1/8 Takamura, Prima Volta, Tomorrowland Tailors y Boyfriend’s Shirt.
Zegna.
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TENDENCIAS TOP 01. Chalecos tejidos. 02. Pantalones amplios o acampanados. 03. Trajes desestructurados sin corbata.
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Y/Project.
Dior.
Paul Smith.
FOTO: IMAXTREE.
DESFILE FAVORITO: Siempre me ha gustado mucho el trabajo de Alessandro Sartori, y ahora que es director creativo en Zegna no es la excepción. Su propuesta combina a la perfección un look clásico con siluetas vanguardistas y su paleta de colores siempre es un acierto.
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DESFILE FAVORITO: La segunda colección de menswear que crean Raf Simons y Miuccia Prada en conjunto ha sido una metáfora de la liberación. Las prendas están confeccionadas con una amplia diversidad de materiales, tanto pesados como ligeros; los resultados son looks excéntricos que no pierden la sofisticación.
Burberry.
Bottega Veneta.
Dior.
EL DISEÑADOR QUE SE DEBE TENER EN LA MIRA: Jonathan Anderson, de Loewe.
Prada.
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TENDENCIAS TOP 01. Color rosa. 02. Estampados psicodélicos. 03. Cut-outs.
Etro.
La vie en rose
KEY LOOK DE LA TEMPORADA La sastrería informal que da lugar a looks relajados, atemporales y arriesgados, que mezcla texturas y materiales.
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EL ACCESORIO INDISPENSABLE: Las mascadas y las bufandas.
FOTO: IMAXTREE
Loewe.
Ruth Buendía, stylist freelance.
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Cool Kids Salvador Cosio, stylist freelance.
KEY LOOK DE LA TEMPORADA Cualquiera que sea cómodo, y si ya existía en tu armario, mucho mejor. Es imposible encasillar a todos los tipos de hombre en un solo look.
TENDENCIAS TOP 01. Kidcore. 02. Sastrería cómoda inspirada en los trajes slouchy de Giorgio Armani de los 80. 03. Culto al cuerpo (está de regreso y con él todas las prendas que muestran piel).
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Fendi.
Louis Vuitton.
EL DISEÑADOR QUE SE DEBE TENER EN LA MIRA: Mia Vesper y Kenneth Nicholson.
Dior.
DESFILE FAVORITO: Saint Laurent por Anthony Vaccarello. Con Venecia como escenario, la apuesta de Anthony sigue evolucionando. En esta ocasión presentó looks con un toque gótico y piezas de influencia femenina muy interesantes.
FOTO: CORTESÍA TOMMY HILFIGER, MAXTREE.
Saint Laurent.
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JW Anderson.
Tommy Hilfiger.
EL ACCESORIO INDISPENSABLE: Los mules o zapatos destalonados en cualquier versión, de los clásicos Birkenstock a las versiones más elaboradas como los neón en piel de pony, de Marni.
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EL REGRESO DE LAS BOLSAS TEXTO: Rodrigo de N. Colmenero. FOTOS: Tanya Chávez. MODA: Fernando Fernández. ASISTENTE DE MODA: Valeria Villa.
En una época en la que los límites entre lo masculino y lo femenino son cada vez más difusos, las bolsas vuelven con fuerza al armario masculino para imponer su autoridad. Durante muchas escenas de Don’t Look Up, la comentada película de Netflix, Jonah Hill carga una bolsa Birkin de Hermès. La cultura popular convirtió este objeto en uno de los máximos símbolos mundiales del lujo que, además, proyecta en el espectador el acceso a un círculo sumamente exclusivo de la industria de la moda. La bolsa, que han cargado sex-symbols y primeras damas a lo largo de la historia, se muestra en las manos de un actor. Resulta evidente que estamos viviendo procesos de cambio que desdibujan lo que antes eran códigos estrictos sobre cómo se debe usar un objeto y quién o quiénes pueden portarlo. Siempre hemos llevado bolsas, al margen de nuestra construcción de género. En el medievo eran pequeños morrales de cuero, tela o brocado que se ataban
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Bolsa Birkin, Hermès.
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Bolsa Edge, Dolce&Gabbana.
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Bolsa 2.55, Chanel.
Bolsa Le Pliage Torchon, Longchamp.
a la cintura. En el Renacimiento aparecieron las carteras al hombro o cruzadas, diseño que en las décadas de los 60 o 70 se conocía como “mariconera”. El artefacto comenzó a desaparecer durante la Revolución Industrial, cuando se incorporaron bolsillos a los pantalones de los hombres y se empezaron a ver las bolsas femeninas. En las faldas y en los pantalones de las mujeres, sin embargo, es escasa su presencia, lo cual da pie a una interesante reflexión sobre su relación con el sexismo. Las bolsas se convirtieron en un accesorio para mostrar; es decir, se cargaron de símbolos que denotan estatus. No proyectaban lo mismo una elaborada en piel de cocodrilo o avestruz, una fabricada con mezclilla, la que está bordada a mano con cristales o la que tenía detalles en plástico. ¿Por qué lo escribo en pasado? Porque ahora encontramos bolsas de lujo en todos los materiales: desde el plástico holográfico de la Keepall que diseñó Virgil Abloh para Louis
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Vuitton a las 2.55 de Chanel en tweed de lana y lentejuelas o piezas de cristal y acrílico. Y ante la crisis ambiental, Prada ha ido más allá, confeccionado sus famosos accesorios de nylon con Re Nylon, un tejido regenerado proveniente del plástico vertido en los océanos. Las bolsas de lujo ya no se miden por un mismo indicador. La decisión es personal y depende de cada gusto, de lo más llamativo a lo más discreto; de lo más ornamentado a lo más utilitario. Al mismo tiempo, la línea entre las bolsas para “mujer” u “hombre” también se ha ido borrando. Según cómo las combines y cómo las lleves –cruzadas en el cuerpo, al hombro o como se cargaría un portafolio–, las bolsas que en otro momento hubieran sido catalogadas para “dama” pueden funcionar para cualquiera. La Peekaboo de Fendi es una de las favoritas, en piel de colores sólidos para una apuesta clásica o en textura marmolada o con monograma para los más propositivos. El diseño Cassette de Bottega
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Bolsa Lingot 22, Dior.
Veneta con intrecciato en piel se presenta en versiones planas o acolchadas y con una correa para llevarla cruzada. Una cangurera de Louis Vuitton en piel con el monograma Empreinte puede estilizarse emulando a los influencers de Tik Tok, cruzada del hombro al costado. En Dior, la bolsa Saddle de su colaboración con Sacai integra detalles como tejido técnico, cordones laterales o hebilla de aluminio y piel de becerro. Hay otras opciones interesantes. La bolsa grande La Medusa, de Versace, viene con una estructura semirrígida y un interior espacioso que recuerda un poco a las bolsas de doctor. La Heel Duo de Loewe reinterpreta una cartera con líneas minimalistas y sin ornamentos, lo que la hace útil y cómoda para diferentes ocasiones. El Évelyne de Hermès hace un guiño a su historia talabartera, con diseño sencillo y líneas neutras, tanto que podría cargarlo un jinete a caballo. Uno de los modelos que hemos visto repetidamente es la Shopping Bag de Telfar, con
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Bolsa de viaje Keepall 50 con bandolera, Louis Vuitton.
líneas rectas y el logo de la marca en relieve que puede encontrarse en muchos colores y tamaños. Para viajes cortos las bolsas duffle han estado en el lenguaje de accesorios masculinos desde siempre, y un ejemplo perfecto es la Neo Classic City de Balenciaga, aunque cumple con las especificaciones de tamaño, tiene elementos de diseño, como asas y detalles en el cierre, que le dan un estilo actual. Si quieres agregar una de estas piezas a tu armario, vale la pena tomar en cuenta algunos puntos. Piensa cómo la quieres llevar y cómo se verá sobre tus prendas. Las bolsas de mano son más espaciosas, pero posiblemente más pesadas. Selecciona varios estilos y compáralos, ya que muchos detalles pueden pasar desapercibidos en una foto, y si tienes oportunidad ve a verlas en vivo. Por último, hazle caso a tu instinto. Compra la que te guste. Al final, pensar en viejas restricciones sobre lo que es o no posible acaba por limitar nuestra creatividad.
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Meisterstück Messenger, Montblanc.
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Máxima inspiración botánica Las novedades y las piezas más espectaculares de alta joyería de Tiffany & Co. son las protagonistas anuales del Blue Book, un catálogo que, desde 1845, se distribuye entre los clientes (herederos, millonarios, empresarios, coleccionistas e inversores) más fieles de la casa. Este 2022, la belleza atemporal de la flora es el hilo conductor de una colección bautizada con el nombre de Botánica, que reinventa algunos de los motivos que han convertido a Tiffany & Co. en un referente internacional de la alta joyería. En su elaboración se emplean los característicos diamantes y gemas de color más finos del mundo. Este collar, por ejemplo, ha tenido como fuente de inspiración las semillas de diente de león, y puede utilizarse de cinco maneras distintas –tiene dos colgantes intercambiables, una gargantilla de diamantes baguette y una larga cadena de diamantes– gracias a innovadores mecanismos que le permiten transformarse con facilidad.
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FOTO: CORTESÍA TIFFANY & CO.
TEXTO: PEDRO AGUILAR RICALDE
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La construcción y la deconstrucción forman parte del proceso creativo de la australiana Alexandra Hackett y de Studio ALCH, firma con sede en Londres.
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Una nueva vida En los últimos años, el upcycling se ha convertido en una constante de la industria de la moda. Desde piezas retrabajadas con métodos artesanales, hasta innovadores procesos tecnológicos, la metamorfosis de prendas y textiles no deja de sorprendernos.
El 3 de marzo de 2021, Gabriela Hearst hizo historia. En su debut para Chloé, la diseñadora uruguaya introdujo una palabra hasta entonces desconocida para la casa francesa: upcycling. Entre las decenas de propuestas sostenibles, la que atrajo más miradas fue la nueva encarnación del bolso Edith de la marca: en lugar de producir nuevas piezas, el equipo creativo de Hearst localizó modelos antiguos en eBay, los compró y los decoró con textiles sobrantes de los diferentes diseños que se presentaron en la colección. “Lo nuevo no siempre es lo mejor, y para mí, estos diseños son piezas de lujo que muestran que la calidad y los métodos artesanales pueden coexistir sin opulencia”, dijo. Historias como las de Chloé son cada vez más comunes en el mundo de la moda, y en los últimos años el upcycling ha dejado de ser una rareza para convertirse en una de las principales motivaciones en el proceso creativo de marcas y diseñadores que buscan reducir el impacto ambiental de sus colecciones mientras ofrecen una alternativa para textiles y materiales que puedan tener una segunda vida en guardarropas de todo el mundo. El diccionario Cambridge define upcycling como “la actividad de fabricar muebles y objetos nuevos a partir de cosas viejas o usadas o de material de desecho”. Y aunque este concepto no incluye los textiles, lo cierto es que este término se ha convertido en parte integral del slow fashion, un movimiento que busca producir y consumir prendas y accesorios de manera más cons-
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ciente y respetuosa por medio de la calidad, los métodos artesanales y, desde luego, el medio ambiente. Hoy en día, el costo ecológico de la industria de la moda es más relevante que nunca: de acuerdo con cifras de la Cumbre de la Moda de Copenhague, la industria de la moda genera alrededor de 92 millones de toneladas de prendas de desecho que van a parar a vertederos como el del desierto de Atacama, en Chile, imágenes que generaron indignación en redes sociales hace tan solo unas semanas. En este contexto, la premisa del upcycling es muy simple: utilizar prendas y textiles para crear nuevos diseños y así evitar que terminen clasificados como basura. Y existen muchas formas de poner en práctica este enfoque dentro de la industria de la moda.
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FOTO: CORTESÍA DESIGUAL, IMAXTREE.
TEXTO: ALDO H. SALDAÑA
UNA TENDENCIA QUE REGRESA El reciclaje en la moda no es nuevo: en muchos hogares de la época victoriana, modificar prendas o repararlas era habitual, así como utilizar otros textiles domésticos. La cultura pop tiene un gran ejemplo en el vestido de cortinas que la Scarlett O’Hara de Vivien Leigh lució en Lo que el viento se llevó. Pero cortinas aparte, esta práctica era tan común que aún sobreviven diseños en algunos museos del mundo que pueden considerarse upcycling. La alta moda no es ajena a este fenómeno, pero hasta hace unos años fueron pocos los diseñadores capaces de fomentar la conversación sobre este tema.
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Miguel Adrover fue una de las voces más fuertes en este movimiento: en menos de una década, el creativo español revolucionó la forma en que se percibía la moda con sus colecciones. En ellas presentaba piezas únicas que confeccionaba con materiales reciclados cuando el término sostenibilidad era aún desconocido para muchas personas. En su colección otoño/invierno 2000, Adrover incluso fue más allá al crear un vestido a partir del forro de una gabardina de Burberry y un abrigo con elementos pertenecientes al departamento del literato Quentin Crisp, quien había fallecido semanas antes del desfile. “Estaba tirado en la acera, el colchón sin forma. Pero con mucho conocimiento, el de compartir el sueño de libertad de alguien, algo invaluable como la tela que tuve la suerte de rescatar del convencionalismo, tratando de traer algo de luz a la memoria de quien fue mi vecino”, explicó sobre el atuendo, que hoy puede verse en el Museo Metropolitano de Nueva York. PISANDO FUERTE Sin embargo, Adrover no ha sido el único que se ha sumado a este movimiento en años recientes: para la colección otoño/invierno 2011 de Comme des Garçons, Rei Kawakubo sorprendió a la prensa especializada al mostrar prendas confeccionadas a partir de pañoletas vintage. Con el paso de las temporadas, nuevos creativos se unieron a la propuesta con propuestas únicas en las que el upcycling de prendas y materiales eran una parte importante en su identidad de marca. Así, desde hace
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una década, la firma estadounidense Eckhaus Latta ha roto esquemas. Mike Eckhaus y Zoe Latta diseñaron sus primeras colecciones exclusivamente con textiles descartados o materiales poco convencionales, y posteriormente profundizaron su impacto al ser una de las primeras firmas en ofrecer diseños genderless y una selección de modelos que desafiaron los cánones de belleza antes de que otras firmas decidieran hacerlo. Asimismo, la francesa Marine Serre ha retomado este enfoque en colecciones que reutilizan todo tipo de textiles y materiales. Mediante ellos, la ganadora del premio LVMH no solo busca ofrecer métodos de producción sostenible, sino una identidad clara para sus consumidores. “Lo que siempre me ha disgustado de la moda son las tendencias. Cuando sabes quién eres, no necesitas cambiar de cara cada mañana”, explicó. Pero gran parte de la popularidad del upcycling hoy en día se debe al trabajo de Demna Gvasalia. El actual director creativo de Balenciaga sorprendió a propios y extraños con la transformación de jeans y prendas deportivas vintage en piezas de lujo durante sus primeras colecciones para Vetements. Este movimiento, que él califica como hacking, se ha extendido a otras firmas como Coach o Maison Margiela, mientras que marcas como Desigual han podido conectar con sus raíces con una colección de denim de segunda mano inspirada en la Iconic Jacket. Esta tendencia también ha alcanzado al mercado nupcial. A principios de año, la firma española Pronovias y Nicole Milano anunciaron el lanzamiento de Second
FOTO: CORTESÍA.
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H&M es una de las marcas más comprometidas con el upcycling. En la imagen, instalaciones de Recycling System Looop, el novedoso programa de la firma sueca.
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FOTO:CORTESÍA, IMAXTREE.
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Para Marine Serre, una de las diseñadoras parisinas con mayor demanda, el upcycling es mucho más que una simple tendencia. En la imagen, look total de la firma francesa.
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Life, una línea de vestidos que, desde el diseño, están destinados a modificarse y lucir como prendas de gala o de coctel y cuyos arreglos corren por cuenta de la marca tras la boda. “Este es un proyecto innovador porque lo que estamos haciendo es dar nueva vida a vestidos que solo se utilizan una vez”, expresó Alessandra Rinaudo, directora artística de la firma, en un comunicado. ¿Y EN MÉXICO? En nuestro país, el mercado del upcycling está presente, aunque de una manera más técnica, gracias a compañías como Novabori. Esta empresa, que fundaron en Tlaxcala Eleazar Guevara y Wilfried Wirth, ha destacado en el ámbito nacional y regional por su eficacia al reciclar desechos textiles para convertirlos en materiales nuevos. Su premisa es simple: separar las telas por colores y deshacer los tejidos para después convertirlos en hilos y, posteriormente, comercializarla de manera propia o proveerla a diferentes productores en Latinoamérica. Sus esfuerzos no han pasado desapercibidos, ya que en 2017 participaron en la Cumbre de la Moda de Copenhague y al año siguiente Guevara formó parte de la segunda generación del Levi Strauss & Co. Collaboratory, un programa que se enfoca en generar colaboraciones entre empresarios socialmente responsables para así llevar la sostenibilidad a un nuevo nivel. IR MÁS ALLÁ La tecnología ha sido una de las principales aliadas para transformar prendas y materiales descartados en nuevos
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diseños. Y en esta categoría, H&M ha destacado por crear Looop, un sistema que limpia y separa los textiles para convertirlos en piezas nuevas. Esta máquina, disponible exclusivamente en una de sus boutiques de Estocolmo, es la primera de muchas en la estrategia del gigante sueco: “Estamos trabajando para reducir la dependencia de los recursos. Conseguir que los clientes se sumen a la iniciativa es fundamental para lograr un cambio real y estamos muy ilusionados por ver lo que inspirará Looop”, afirma Pascal Brun, director de sostenibilidad de la marca. Ya sea mediante métodos tradicionales o de manera automatizada, esto es tan solo el primer paso de un futuro en el que todas las prendas puedan tener una segunda vida y el upcycling se convierta en una realidad para todos. DALE UN UPCYCLE A TU CLÓSET. 01. Apoya a diseñadores locales que reutilicen materiales o prendas en sus colecciones. 02. Sube las prendas que ya no desees a una plataforma de reventa como Vopero. 03. Elige piezas de segunda mano y adáptalas a tu estilo. 04. Mantente atento a los diferentes programas de recolección de ropa. Toma en cuenta que muchos de ellos se suspendieron por la pandemia, pero pueden reanudarse en próximos meses.
FOTO: CORTESÁ.
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La marca española Desigual es otra de las que se ha subido al tren del reciclaje. En la imagen, chamarra patch denim unisex de la marca con sede en Barcelona.
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Conectividad de tercera generación
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TEXTO: PEDRO AGUILAR RICALDE
Manteniendo el liderazgo y la innovación en el segmento de los connected watches, la casa francesa Louis Vuitton presenta el Tambour Horizon Light Up. La caja convexa se fusiona con el cristal de zafiro curvo que funciona como pantalla –a manera de guiño al reloj Tambour original– y recuerda las aguas de una infinity pool que rebosa hacia el horizonte por los bordes. Además, 24 luces LED iluminan sus bordes detrás del inconfundible monograma de la maison fundada en 1854. Disponible en tres versiones para su lanzamiento –acero pulido, negro mate y café mate–, la casa asegura que esta tercera generación de su reloj conectado de lujo es la que más opciones de personalización ofrece en el mundo, entre las que destacan ocho configuraciones de la esfera, distintas configuraciones de colores y la posibilidad de incluir las iniciales del usuario. Su sistema operativo, desarrollado exclusivamente para la marca, ofrece una experiencia intuitiva y es compatible con smartphones Android y HarmonyOS, además de ser resistente al agua a una profundidad de hasta 30 metros.
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FOTO: CORTESÍA LOUIS VUITTON.
El nuevo Tambour Horizon Light Up tiene una caja de 44 mm y una batería que dura todo el día, con cuatro modos distintos que se adaptan a distintas necesidades y usos.
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ESTÉTICA Y PODER
En el pasado símbolo de estatus y autoridad, la joyería masculina ha evolucionado para adaptarse a los tiempos. Hoy, nobles y aristócratas han desaparecido como figuras aspiracionales, dejando su lugar a raperos, traperos, reguetoneros y celebrities de internet y las redes sociales. Ellos son hoy los nuevos prescriptores. TEXTO: DANIEL GONZÁLEZ
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FOTO: PÁGINA ANTERIOR: CORTESÍA DIOR; ESTA PÁGINA: CORTESÍA DIOR, CORESÍA SAINT LAURENT.
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Desde el comienzo de los tiempos un símbolo de poder, la joyería masculina ha sobrevivido modas y revoluciones hasta convertirse en uno de los accesorios más comunes de la actualidad, como demuestran las apuestas de muchas de las firmas orfebres más importantes del mundo y su éxito entre raperos, modelos, celebrities, políticos y deportistas. Asegura la arqueóloga croata Davorka Radovcic, que hace 130,000 años, muy cerca de la costa balcánica, el ser humano comenzó a colgarse abalorios (entonces garras de águila y otros animales y piedras y rocas pulidas por la erosión) en el cuello, los tobillos y las muñecas. Desde entonces, no ha habido civilización, revolución, movimiento artístico o hito cultural en el que la joyería no haya representado algún tipo de mensaje. Pero antes, vayamos al principio, a la construcción de los primeros asentamientos como consecuencia del cambio de hábitos del ser humano, que pasa de ser eminentemente nómada y cazador, a cazador y recolector. Esta metamorfosis, además, permitió el nacimiento de los primeros sistemas económicos y de constructos como el poder o el dinero. Hace 10,000 años, Jericó se levantaba en Oriente Medio como la primera ciudad moderna, y de ahí datan los alfileres de alta joyería que portaban las clases más pudientes. El fenómeno continuó con los egipcios (con broches más redondeados y el uso de otro tipo de materiales, más accesibles por cuestiones geográficas), pero también con griegos, etruscos y romanos, obsesionados como ellos con la representación de la flora y la fauna de sus entornos, y con los pueblos germánicos y del norte de Europa. A diferencia de los anteriores, sí daban a este tipo de piezas un valor simbólico que, según los historiadores, situaban incluso por encima del estético. No fue pues hasta el Renacimiento y el Barroco, en Europa occidental, cuando el broche perdió su utilidad como sujeción de capas y vestidos para convertirse en un elemento decorativo más. Y precisamente en ese momento nace la joyería moderna, que ya nunca abandonó el camino de la estética y el poder en su desarrollo posterior. No obstante, es necesario mencionar otro hito, el que se produce tras la Segunda Guerra Mundial, cuando la producción se limitó por la carencia de minerales y piedras preciosas que causó la insaciable industria armamentística. Durante casi una década, solo el oro pareció recuperar su influencia anterior al conflicto, al tiempo que la joyería se alejaba del canon tradicional para comenzar a borrar la línea entre lo masculino y lo femenino hasta alcanzar la actualidad. Es precisamente ese parteaguas el que define la posterior evolución de la joyería masculina que hoy vemos en marcas como Dior. La marca francesa, referencia del lujo parisino durante casi un siglo, apuesta en esta temporada por broches, pulseras de eslabones y alfileres para solapas o corbatas que parecen inspirados en la Florencia de los Médici gracias Los broches y pasadores han formado parte del ser humano desde el inicio de la civilización. Izquierda: broche de Dior en colaboración con Peter Doig; arriba, derecha: brazalete CD Icon Thin Chain Link de Dior; derecha: broche de Saint Laurent.
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a sus engarces, su delicada orfebrería, sus perlas y piedras preciosas y su representación de animales como el león, indiscutible símbolo de poder desde tiempos inmemoriales. No es, sin embargo, la única maison que apuesta por borrar las delicadas y cada vez menos poderosas líneas que definen el género. Tiffany & Co., por ejemplo, presenta además de sus icónicos brillantes, anillos en oro blanco, amarillo y rosado con detalles en negro que bien pueden servir para acudir a un coctel como para aparecer en el último videoclip de Kanye West. Y es que precisamente los raperos, traperos y reguetoneros han llevado la joyería masculina al mismo lugar que monarcas y nobles siglos atrás. Anuel, Bad Bunny, el propio Kanye, C. Tangana, Drake, Jay-Z o A$AP Rocky se han transformado en los últimos tiempos en los mejores prescriptores de un tipo de ornamentos que, de las alfombras rojas y los escenarios, han saltado sin complejos a discotecas, eventos y redes sociales. Verbigracia. Cartier, a quien se atribuye la creación del primer reloj de pulsera masculino, el Santos, es desde hace unos años una de las marcas favoritas de una esta nueva clase social, que nació alrededor del internet y la digitalización, que parece agarrarse a la seguridad del pasado mediante piezas con un alto nivel de detalle. Sus clásicas líneas Love, Panthère, Trinity, Écrou, Clash y Juste un Clou se renuevan para alinearse con los tiempos, más relajados, menos formales, pero igual de apasionados por las muestras espontáneas de poder. Pero no solo de diamantes, oro y otras piedras preciosas vive el hombre moderno. Como consecuencia directa del cambio de paradigma que se produjo en el hemisferio occidental entre finales de los 60 y 70, la joyería comenzó a verse en ciertos ambientes como un desagradable símbolo de soberbia. Fue entonces cuando las maisons comenzaron a centrarse en materiales menos ostentosos mientras se alejaban del canon tradicional que había definido el siglo XX. Eran tiempos de solidaridad y luchas sociales, con lo que la opulencia dejó de formar parte de la ecuación y el cuero, los materiales naturales y los metales menos nobles comenzaron a verse en pulseras, colgantes, aretes y pendientes tanto para hombres como para mujeres, una influencia que Gucci recuperó con éxito y que han replicado otras firmas de prestigio como Saint Laurent, donde los tonos plateados y negros y el empleo de materiales habitualmente ajenos a la alta joyería, son una constante. Louis Vuitton, en cambio, parece seguir las líneas más tradicionales y en su colección para esta primavera-verano se ha dejado llevar por el signo de los tiempos, aplicando eslabones fluorescentes a sus collares tradicionales, que aparecen en versiones XXL o XS, mientras que sus colgantes con incrustaciones de cristal parecen seguir una línea menos arriesgada. Maneras diferentes todas ellas de adaptar la joyería, tan antigua como la vida del ser humano en comunidad, a las corrientes que marcan el devenir de nuestras sociedades.
FOTO: CORTESÍA TIFFANY & CO.
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El oro y los diamantes son indiscutibles símbolos de poder desde hace milenios. Arriba, derecha, anillo Tiffany T de Tiffany & Co.; derecha: pulsera HardWear de Tiffany & Co.
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FOTO: CORTESÍA LV.
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Anillos y brazaletes de Louis Vuitton.
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FOTO: CORTESÍA CARTIER.
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Anillos Clash y Panthère de Cartier.
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El despertar (de la moda) en primavera
Las principales casas de moda del mundo han presentado sus propuestas de menswear para esta temporada. El estilo masculino tiene distintas caras, muchas de ellas iluminadas con joyas de Bulgari.
fotos: JACOB + CARROL, dirección creativa: SOMETHING WONDERFUL, moda: AKI MAESATO peinado: MENELAOS ALEVRAS CON PRODUCTOS LEONOR GREYL USA maquillaje: HIRO YONEMOTO PARA MAC COSMETICS Look total, Louis Vuitton.
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En Jordy (izquierda): look total, Alexander McQueen; collar y brazalete, Bulgari. En Camren (derecha): look total, Ermenegildo Zegna; collar y anillos, Bulgari. Página opuesta: Look total, Burberry; reloj, collar y anillos, Bulgari.
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CRÉDITOS DE MODA
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Arriba: look total, Dolce & Gabbana; collar, anillo y brazalete, Bulgari. Página opuesta: suéter, Dior; collares, anillos y arete, Bulgari.
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Look total, Giorgio Armani; aretes, collar y anillos, Bulgari.
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Look total, Fendi.
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Arriba: en Jordy (izquierda), look total, Isabel Marant; reloj, brazalete y anillos, Bulgari; en Phillip (derecha), look total, Isabel Marant; reloj, collar y anillos, Bulgari. Página opuesta: look total, Valentino.
Modelos: Camren Barden, Phillip Bread y Jordy Brito para DNA. Postproducción: One Hundred Berlin. Agradecimiento a Niccolo Coffee.
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¿TRAJES PARA LA PRIMAVERA? ROTUNDAMENTE SÍ. DE LA MANO DEL ACTOR ANDRÉS BAIDA TE MOSTRAMOS ALGUNOS DE LOS QUE DEBES TENER EN LA MIRA Y LA MEJOR MANERA DE LLEVARLOS. ¿LAS CLAVES? LA MONOCROMÍA Y UNA ACTITUD POSITIVA PARA CELEBRAR LA LLEGADA DE UNA NUEVA TEMPORADA.
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Fotos: Tanya Chávez / Moda: Fernando Fernández / Asistente de moda: Valeria Villa / Maquillaje y peinado: Davo Sthebané para Givenchy Beauty
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UP Traje y tenis, Louis Vuitton; lentes, Hugo Boss.
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Traje, camisa, suéter y tenis, Louis Vuitton; lentes, Isabel Marant.
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Traje, suéter y zapatos, Dior; lentes, Isabel Marant.
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Look total, Dolce & Gabbana.
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Hostient. Catra, demulemus. Etrarbis in tur intilius, vit nonsupe rcerviv irmilis confirtus, P. Fultimorum cemur hordius, que tales Castatquam fit. Epore a noti publiaeque te dem diores hocta, pecondam poristo
Traje, Louis Vuitton; lentes, Hugo Boss; anillo, Dior.
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THE NEW R O M A N T I C S Siempre desafiando los límites entre los cánones de lo masculino y lo femenino, la colección de menswear SS2022 de Anthony Vaccarello para Saint Laurent hace de las prendas de encaje, las chaquetas de torero y las capas el idioma del romanticismo contemporáneo.
FOTOS: Bjarne x Takata. ASISTENTE DE FOTO: Elijah Barry. MODA: Salvador Cosio. ASISTENTE DE MODA: Jye Leong. PEINADO: Jerome Cultrera usando con productos R+Co Bleu para L’Atelier. NYC, MAQUILLAJE: Hiroto Yamauchi.
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Look total, Saint Laurent por Anthony Vaccarello.
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Look total, Saint Laurent por Anthony Vaccarello.
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Look total, Saint Laurent por Anthony Vaccarello.
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Ambas páginas: look total, Saint Laurent por Anthony Vaccarello.
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Ambas páginas: Look total, Saint Laurent por Anthony Vaccarello. Modelos: Dylan Christensen para Next y Leif Jones para NY Models. Diseño de set: Bjarne x Takata. Fotografiado en los estudios Pier59 en Nueva York.
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Franco Molinas, 25 años Ocupación: actor y empresario. @francomolinasg “En gran medida, mi trabajo depende de mi imagen. Danny entendió a la perfección mis peticiones y me propuso diferentes opciones con mucha seguridad. Su profesionalidad me ayudó a disfrutar el proceso, y mi nuevo look fue una inyección de seguridad. Desde el corte, me he atrevido a dejar de usar gorra, algo que suelo hacer porque, en ocasiones, no sé cómo acomodarme el pelo. También me ayudó a entender que no pasa nada si el pelo está un poco despeinado”.
Acerca del corte: Modern Pompadour con una fuerte graduación cuadrada en los laterales. El flequillo mantiene el largo en la parte superior y está conectado a la parte posterior y los lados. Tipo de pelo para el cual se recomienda: lacio de mediano a grueso u ondulado ligero. Productos de peinado: pomada, wax powder y spray flexible.
Fotos: Jesús Soto Fuentes. Corte y peinado: Danny Rodríguez. Asistente de peinado: Isaac Martínez. Moda: Ruth Buendía. Asistente de moda: Mariana Chikhani. Maquillaje: Marco Casasola para Givenchy Beauty.
Aires de cambio
Aunque cualquier momento es bueno para un cambio de look, sabemos que la decisión no siempre es fácil. Guiados por el hair stylist Danny Rodríguez, estos seis amigos de Life and Style apostaron por un nuevo corte de pelo en sintonía con algunas de las tendencias más hot del momento
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Rodrigo Noriega, 31 años Ocupación: creativo @rodrigo_noriega “La idea de un cambio de corte siempre asusta, pero llegué con mucha apertura para escuchar las sugerencias de Danny. Desde el principio supo identificar las características de mi pelo y logró crear un messy look a partir de ellas. Este nuevo look me gusta, pues siento que refleja que tengo muchas ideas en la cabeza”.
Acerca del corte: este corte tiene una sensación de crecimiento leve. Este efecto le da un toque moderno al aspecto general y un acabado contemporáneo con mucho movimiento. Tipo de pelo para el cual se recomienda: lacio de grosor ligero a mediano y ondulado. Productos para peinado: crema para rizos y de estilizado, fiber wax, pomada y salt spray. En Franco: chamarra, Boyfriend’s Shirt; chamarra, Dockers; suéter, Curuba; lentes, Prada. En Rodrigo: polo, Curuba; lentes, Prada.
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Arturo Apodaca, 37 años Ocupación: administrador @tauroyo “Hace muchos años que quería dejarme crecer el pelo. Danny fue muy honesto respecto a si el resultado que esperaba era posible con el tipo de pelo que tengo y me ofreció opciones. Este look refleja que hoy soy un poco más relajado en mi vida y peinarme no requiere demasiado tiempo, esfuerzo, ni gasto en productos. En realidad, tengo muchas opciones para estilizarlo de distintas maneras, según mi humor del día”.
Acerca del corte: las secciones irregulares en este corte de longitud media separan las capas superiores de las inferiores. Las técnicas de texturización aportan un toque masculino al look. Tipo de pelo para el cual se recomienda: lacio a ondulado ligero. Productos para peinado: cremas de estilizado natural, salt spray y shampoo en seco. En Arturo: chamarra, Boyfriend’s Shirt. En Gonzalo: suéter, Curuba.
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Gonzalo Mansilla, 26 años Ocupación: locutor @gonmansilla “Un buen corte de pelo es una fuente de seguridad. Los días posteriores, además de ir acostumbrándome a mi nueva imagen, fui viendo una evolución en la manera en que podía peinarme. Fue interesante verme día a día frente al espejo e ir apropiándome de este nuevo yo”. Acerca del corte: un corte a navaja y tijera totalmente texturizado inspirado en el pop británico. El uso de graduación inversa reduce el peso y aumenta la definición y la fluidez. Tipo de pelo para el cual se recomienda: lacio o ligeramente ondulado. Productos para peinado: crema o pomada mate, wax powder y spray texturizador.
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Emmanuel Flores, 30 años Ocupación: abogado @eflores0 “Este corte me sacó de mi zona de confort, pero me encantó. Soy abogado y suelo elegir opciones más conservadoras, pero creo que con este look modernicé mi imagen, algo que podría venir bien a otros compañeros de profesión. Una de las ventajas es que puedes peinarlo de distintas maneras (hacia abajo si quiero verme más en tendencia o hacia arriba si tengo alguna junta de trabajo), por lo que se adapta perfectamente a mis necesidades”.
Acerca del corte: con un flequillo irregular y pesado en la parte superior, el fade bajo que se estrecha en el área de la nuca le da cierta nitidez al estilo. Tipo de pelo para el cual se recomienda: todo tipo. Productos para peinado: pomada mate, wax powder y salt spray. En Emmanuel: polo, Zara; camisa, Diego Zúñiga. En Ricardo: camisa y saco, Luis Velázquez.
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Ricardo González, 37 años Ocupación: chef @elpanaderitomx “Me gustó por la facilidad para peinarlo, además de que refleja fielmente mi personalidad. Mi pelo se acomoda a la perfección y me he adaptado muy bien a este cambio. La experiencia en general fue increíble y todo el equipo me hizo sentir muy cómodo. El resultado ha sido justamente el que esperaba, incluso un tanto mejor”.
Acerca del corte: un clásico moderno que combina un side part Pompadour con un skin fade en los laterales. Es un corte que ofrece mucha versatilidad para peinarse y un toque actual. Tipo de pelo para el cual se recomienda: lacio y ondulado. Productos para peinado: pomada base agua, pomada mate y spray wax. Si deseas una cita para asesoría personalizada, contacta a Rock Your Hair Studio al teléfono 55-1482-7461(WhatsApp) o visítalos en Michoacán 65, colonia Condesa, en la Ciudad de México.
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©️GETTY IMAGES
DIANA Y CARLOS: LAS CLAVES QUE ANTICIPARON UNA TRAGEDIA
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FOTO: ANYLÚ HINOJOSA.
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120. La cocinera sabia / 126. Jackie Stewart: una leyenda que vence el tiempo / 128. Más allá del deseo de pertenecer
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La cocinera sabia
La chef peruana Pía León, elegida Best Female Chef 2021 en The World’s Best Restaurants, estuvo en la Ciudad de México para servir un menú de la mano de Elena Reygadas en el evento Feast by American Express. Life and Style aprovechó esta visita para conocer sus perspectivas sobre el papel de las mujeres en el mundo de la gastronomía y la responsabilidad que conlleva un reconocimiento tan relevante. TEXTO: PEDRO AGUILAR RICALDE
Sobre su participación en Feast by American Express “Cuando me invitaron a participar, no lo dudé. México es un país que me encanta y que visito frecuentemente. Disfruto de su comida y de su gente. Siempre comparo a los mexicanos con los peruanos porque son muy amables y les gusta compartir en la mesa y enseñar. Todavía fue mejor compartir esta experiencia con Elena [Reygadas], a quien conozco desde hace tiempo. Ofrecer una experiencia culinaria de su mano me parece algo genial. También ha sido una oportunidad para mostrar algo de lo que hacemos en Lima”.
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La historia del menú “Hemos traído 90 por ciento de los ingredientes en maletas. Hemos querido hacerlo así para que los comensales puedan conocer y apreciar lo que están comiendo, así como su origen. Es decir, queremos transportarlos a Perú. No son platos tradicionales si tenemos en cuenta el aspecto visual y la ejecución, pero son nuestra interpretación. Por ejemplo, hay un ceviche que hemos preparado con pescado y almejas mexicanas, que son alucinantes, adaptándonos así al lugar en el que estamos, pero incorporando una leche de tigre de rocoto. La idea es que se lleven un encuentro con productos peruanos, pero también una experiencia de comfort food llena de sabor”. Su vínculo con la cocina “Desde muy joven me gustó la cocina y siempre estaba metida en la cocina de mi casa porque mi mamá cocina muy bien. Los sábados y domingos se cocinaba y comíamos todos juntos; en ese sentido, mi referente siempre ha sido mi mamá. Terminé el colegio y supe que quería ser cocinera. Mi abuela paterna también cocinaba mucho y muy rico, y tengo una melliza que cocina delicioso”.
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La evolución de las cocinas “Hace 20 años, había más hombres que mujeres en las cocinas; hoy siguen siendo mayoría, a pesar de que cada vez somos más. Pienso que todo depende de lo que uno quiere, sin importar si eres hombre o mujer. Si te toca luchar y trabajar frente a 20 hombres, podrá ser duro, pero es algo que va a depender de ti. Dicen que los hombres son más competitivos, algo que no siempre es cierto. Es como decir que las mujeres siempre son más organizadas y analíticas. No se puede generalizar”.
FOTO: ANYLÚ HINOJOSA.
A sus 35 años, la chef peruana Pía León es una de las voces más influyentes de la escena gastronómica mundial. La prueba de ello es el premio Best Female Chef de 2021 que le otorgó The World’s Best Restaurants.
La vocación de cocinera “Al principio, una piensa que esta es una carrera preciosa en la que solamente tienes que cocinar. En el camino una se va dando cuenta de que hay mucha gente con los mismos sueños y aspiraciones. Después, al entrar a la cocina de un restaurante, conoces la realidad. Estudiar cocina es algo muy positivo, pero es realmente en una cocina donde una aprende. Eso me pasó a mí. Entré a una cocina y la cocina es dura, es fuerte y en el camino una se pregunta si tiene lo que se necesita para salir adelante, porque es sacrificada, son muchas horas y hay un trabajo mental más allá del físico, pero si una nace con esta pasión y es determinada, lo consigue”.
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FOTOS: GUSTAVO VIVANCO; CORTESÍA.
MIL es un restaurante que abrió sus puertas en 2018 –frente a las ruinas de Moray, a 3,000 metros de altura– y que tuvo que suspender operaciones a raíz de la pandemia. León y su esposo, el chef Virgilio Martínez, trabajan para reactivarlo en marzo.
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SER MUJER EN EL MUNDO DE LA GASTRONOMÍA
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“ANTES ERA MÁS DIFÍCIL SER MUJER EN EL MEDIO CULINARIO. YO PASÉ POR VARIAS COCINAS EN PERÚ Y LUEGO ENTRÉ A LA COCINA DE CENTRAL, HACE 12 O 13 AÑOS. HUBO MOMENTOS EN LOS QUE ME TOCÓ SER LA ÚNICA MUJER ENTRE 20 HOMBRES. DEFINITIVAMENTE, TUVE QUE TRABAJAR UN POCO MÁS FUERTE Y ESTAR PENDIENTE DE MIS MOVIMIENTOS PARA NO MOSTRAR DEBILIDAD O FRAGILIDAD FRENTE A ELLOS. AL FINAL, QUERÍA GENERAR CONFIANZA Y DEMOSTRAR QUE SÍ QUERÍA Y PODÍA. EN LO PERSONAL NO SUFRÍ NINGÚN TIPO DE VIOLENCIA NI ABUSO –AUNQUE SÉ QUE EXISTEN HISTORIAS DE ESTE TIPO–, PERO SÍ TUVE QUE HACER QUE SE ESCUCHARA MI VOZ”.
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Lo que llega con el reconocimiento “Definitivamente, hay más presión, pues también más expectativas. El trabajo sigue siendo igual de exigente, pero es muy importante que el equipo esté motivado, con las mismas ganas y avanzando en la misma dirección. En realidad, esto no modifica quienes somos. Es lindo recibir este tipo de reconocimientos, pero una no trabaja para eso. Los premios son una consecuencia del trabajo. Si una trabaja bien, los resultados son buenos. Intentamos siempre ser mejores que ayer y nuestra competencia somos nosotros mismos. Así que, en ese sentido, no cambia mucho”. Sobre ser un ejemplo para otras chefs “Soy un poco tímida. Sin embargo, con la llegada de este reconocimiento es muy probable que lo que yo diga se escuche. Hay mayor responsabilidad. Si lo veo de manera positiva, esto me convierte en un referente para las mujeres que apenas empiezan o que aún no se animan a entrar al mundo de la gastronomía. Me parece muy bonito poder ser un ejemplo para ellas. Es algo que tomo bien y creo que en este momento toca ser un ejemplo”. Kjolle, su proyecto más personal “Kjolle tiene tres años, así que es un proyecto relativamente nuevo. Estuve diez años en Central y llegó un momento en el que sentí que necesitaba mi propio espacio. Sigo siendo parte de Central. Estamos en el mismo edificio, en la planta baja está Central y en la planta de arriba, Kjolle. Sigo ligada a Central, así que terminamos siendo un gran equipo. Sin embargo, Kjolle es un concepto que refleja más mi personalidad y lo que realmente me gusta”.
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Su consejo para quien quiere hacer una carrera en el mundo de la gastronomía “Hay que ser muy honesto y hacer una reflexión interior para saber si eso es lo que realmente queremos. Es una pena cuando las personas avanzan y luego se dan cuenta de que tomaron una decisión equivocada. Si ese es el camino que se elige hay que ser muy determinada, trabajar mucho, ser perseverante. Si una trabaja bien, los resultados llegarán tarde o temprano. Una debe tener confianza en sí misma”. Los cambios que le gustaría ver en su industria “Si bien es algo que ya está ocurriendo, me gustaría ver que en el mundo de la gastronomía se valora a cada persona como individuo. Habitualmente, en las cocinas estaba la imagen del chef extremadamente estricto e inaccesible con el que no se podía cruzar palabra y a cuya cocina se llegaba temblando. A mi me tocó la época de la transición –todavía existía eso y, en ocasiones, tuve que esconderme para llorar– en la que todo se ha ido suavizando y calmando. Creo que la comunicación entre los trabajadores y todas las áreas debería estar mejorando constantemente. Un restaurante no solamente es la cocina”.
FOTO: CORTESÍA.
Acerca de ser esposa de otro chef de fama mundial “Es raro ver a una pareja de cocineros. Lo bonito es que compartimos la misma pasión, hablamos de lo mismo y tenemos las metas claras, así que avanzamos a la par. También es complicado porque los dos tenemos un ritmo fuerte. Llegan invitaciones y hay que saber a cuáles decir que sí y cuáles rechazar. Mi prioridad es mi hijo, y hemos logrado conformar un buen equipo de trabajo con gente que lleva muchos años con nosotros y que nos ayuda mucho. Virgilio [Martínez] piensa más en proveer y en el bienestar de mi hijo Cristóbal dentro de cinco años. Frecuentemente lo llevo de viaje conmigo; en ocasiones los dos acompañamos a Virgilio. En general, tanto Virgilio como yo somos muy adaptables para hacer cosas”. El regreso de MIL “Normalmente, MIL permanece cerrado durante la temporada de lluvias, que va de diciembre a marzo, pero hubo que cerrarlo indefinidamente cuando nos confinaron y dejó de llegar turismo. Reabriremos en marzo de 2022 y estamos trabajando para ello. El lugar es muy lindo, está a unos 3,500 metros sobre el nivel del mar frente a las ruinas de Moray. No solo se trata de ir a comer. Lo que nosotros hacemos ahí es una propuesta de productos que se dan a esa altura y trabajamos con las dos comunidades que están a los alrededores”.
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Página anterior: Almeja reina y sachatomate fue uno de los platillos que preparó Pía León para el evento Feast by American Express, que tuvo lugar en el restaurante Rosetta.
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Jackie Stewart: una leyenda que vence el tiempo
Escocés, seductor y tricampeón de la Fórmula 1, en ese orden. Hace años que la leyenda del motor, Sir Jackie Stewart, bajó de su monoplaza para transformarse en una de las máximas autoridades del automovilismo. Hoy, es embajador de su deporte y de Rolex en todo el mundo. TEXTO: LUIS BAYLÓN
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Hace tiempo que Sir Jackie Stewart entró a formar parte de los libros de historia del automovilismo gracias a un carisma que lo ha convertido en un personaje sin igual de la Fórmula 1. Orgulloso escocés, a sus 81 años proyecta una voz de autoridad en el universo de la velocidad, cada vez más conectada con audiencias que no dejan de aumentar. Jackie Stewart, uno de los grandes ídolos globales de la década de los 70, se sentó a conversar con Life and Style durante el pasado Gran Premio de México, donde compartió su visión sobre el presente y el futuro de su deporte, además de algunos aspectos de su vida personal. “Siempre me siento bien regresando a México, es un lugar que marcó mi carrera. Corrí en este lugar hace muchos años, gané, perdí y todo el mundo lo recuerda”, comenta bromeando. Esto ocurrió durante el Gran Premio de México de 1970, en el que Sir Stewart se vio obligado a abandonar la carrera cuando un perro invadió el entonces Circuito Magdalena Mixhuca, hoy Autódromo Hermanos Rodríguez. Viéndolo desplazándose cómodo y seguro por el paddock y los talleres del circuito pareciera que Jackie Stewart, siempre reconocido por personalidades del gremio y aficionados, pasa el año acompañando al circo de la Fórmula 1, con citas en cuatro continentes. Nada más lejos de la realidad. Él mismo se considera selectivo. “Solo acudo a los mejores grandes premios, por eso estoy en México”, dice mostrando una amplia sonrisa. Asegura que el mundo del motor ha evolucionado en los últimos años, pero tiene muy claro que ha sido para bien. “El automovilismo lo tiene todo: grandes eventos, gente fantástica, autos que nos hacen soñar y a veces hasta algo de emoción extra por algún accidente”, bromea. “Ahora las medidas de seguridad son increíbles. Los cascos actuales son como de astronauta. Si ves el que usé en esta misma pista, no tiene absolutamente nada que ver”, añade mientras echa
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El Foro Sol, en una de las secciones del Autódromo Hermanos Rodríguez de la Ciudad de México, es uno de los más bulliciosos de todo el Campeonato del Mundo de la Fórmula 1. En 2021, Sir Jackie Stewart, embajador de Rolex, vivió en directo la victoria del holandés Max Verstappen (Red Bull) y el histórico tercer lugar del mexicano Sergio “Checo” Pérez (Red Bull).
un vistazo al Rolex con su nombre grabado que lleva en la muñeca. Su nombramiento como Sir, grado nobiliario que otorga la reina Isabel II, muestra cierta cercanía con una de las instituciones más influyentes del Reino Unido, cuestión sobre la que también tiene una opinión. “Antes que nada, soy escocés. También británico, sí, pero escocés”, subraya. “Nunca estuve de acuerdo con el Brexit. Nuestro país es fuerte como una unión y esa decisión no es algo que me hiciera sentir cómodo. Quiero a mi país unido”, enfatiza. “La reina es una mujer muy inteligente, muy fuerte. La respeto por las cosas que ha hecho por el país y por mí”, reconoce. “Su tarea como monarca no ha sido fácil. Haber sobrevivido a los peores momentos de nuestro país y seguir de pie no es para cualquiera. He convivido con ella muchas veces y hemos hablado de esto. En reali-
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dad, le tengo mucho aprecio”, apunta uno de los cuatro pilotos a quienes la Corona ha a otorgado este nombramiento (Stewart recibió el título en 2001). La charla va llegando a su final. Se acerca la hora de hablar con Helen, su esposa y compañera de aventuras. “Todos los días hablo con ella. Está en casa y no es fácil que salga, padece demencia senil, pero me necesita y necesito saber cómo está”, agrega. Ataviado con su perenne boina y sus pantalones de tartán azul y rojo, estilo inconfundible, este caballero del buen humor se prepara para despedirse. “Soy consciente de que puede llegar el día en el que Helen no pueda recordarme, pero le doy besos y abrazos siempre, todos los días, e intento atesorar cada momento”, menciona y vuelve la vista a la impecable esfera azul que muestra la hora de su país. Con estilo propio.
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Nacido en Cuba, de madre mexicana y padre español, Igor Ramírez GarcíaPeralta creció entre México y Alemania. Hoy, tiene 38 años y acaba de publicar su primera novela, Ese horrible deseo de pertenecer.
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Más allá del deseo de pertenecer Con la presentación de Ese horrible deseo de pertenecer, su primera novela, el escritor Igor Ramírez García-Peralta se eleva como una nueva y honesta voz en el mundo de las letras contemporáneas. Esta entrevista es una prueba de ello. TEXTO: PEDRO AGUILAR RICALDE
hacerlo, eso lo tengo clarísimo. Cuando tenía cuatro o cinco años, me sentaba con mi padre en su estudio y le dictaba cuentos. Escribir esta novela era como un trámite; sabía que tenía que hacerlo para poder contar otras historias. En mi mente me había propuesto hacerlo a los 40, pero me adelanté un poco y comencé a trabajar en ella a los 35. Hoy, que ya está publicada, tengo 38. Acabo de verla por primera vez físicamente en una librería y estaba esperando este momento para cambiar mi perfil de Instagram. Apenas ahora comienzo a verme como escritor.
¿Por qué no estás de acuerdo con que se clasifique tu libro como una novela gay. I.R.G.P.: No creo que Ese horrible de-
seo de pertenecer sea una novela erótica gay. En ella hay muchos encuentros eróticos, pero son puntos de quiebre del personaje. Son el inicio o el final de algo más que está pasando en su vida. Me ha encantado que lectores muy diversos se hayan identificado con el protagonista. Por ejemplo, en un club de lectura, una señora de 70 años mencionó que había vivido situaciones similares, que se había regalado de la
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Desde mayo del año 2016 no había puesto un pie en la Ciudad de México. Nos reunimos a finales de 2021 en el hotel Habita, en pleno corazón de Polanco, y al entrar no puedo evitar pensar en “la escena” de su novela que tiene como escenario este mismo recinto. Llego pocos minutos antes de la hora acordada, elijo una mesa desde la cual se observa fácilmente a los peatones y dejo que el reloj haga su trabajo. Puntual, baja de su habitación, recorre el sitio con la mirada, me identifica y me saluda con la mano y se aproxima. Su look es relajado pero cuidado en todos los detalles, como cada página de su libro. Sin duda, es el mismo que comparte stories con sus perros y sus gallinas desde su casa de Ibiza. Lentes Tom Ford, pluma Montblanc, tatuajes por todos lados –entre los cuales destaca la palabra LEÓN en las falanges de la mano derecha y AMOR, en las de la izquierda–, y una copia de su recién publicada novela son los accesorios que completan su atuendo. Su voz es pausada y con un acento que delata el tiempo que lleva viviendo en España, país del que es originario su padre. Mi lista de preguntas es extensa, pero probablemente no tanto como la cantidad de temas que ha tocado en la novela, publicado por emecé, que lo convierte oficial e irreversiblemente en escritor. No hay tiempo que perder.
La publicación de su novela hizo que Igor regresara a la Ciudad de México después de algunos años para realizar algunas actividades de promoción. El hotel Habita fue el escenario de esta entrevista.
¿Cuándo supiste que querías escribir? Igor Ramírez García-Peralta (I.R.G.P.):
Quería escribir desde antes de saber
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misma manera. Al final es una historia humana y el título lo refleja, pues tiene que ver con un aspecto esencial de todos nosotros que es sentirnos aceptados y amados.
ga mucho pudor. Desde el punto de vista personal no pienso en el impacto que algo pueda tener en mí mismo; me doy cuenta cuando las cosas ya están hechas. Si acaso, durante el proceso de escritura, me cuestioné cómo esto podría afectar a amigos en los que están inspirados algunos personajes de la novela. A algunas personas les envié el libro con mucha diplomacia, señalando que es una novela y que es mi versión e interpretación de muchas cosas. Un amigo escritor me dijo que cuando escribes sobre alguien tienes que hacerlo como si esa persona ya hubiera muerto. Hay tres personajes a los que les dejé el nombre y eso lo hice como un homenaje en el caso de dos de ellos; en el otro, lo hice por señalar. Con ellos me detuve un poco más para dibujarlos bien y hacerles justicia. ¿Qué representa ver este libro finalmente publicado? ¿Qué implicaciones tiene en lo personal? I.R.G.P.: Ha sido una manera de sanar.
Hace seis años decidí hacer el Camino de Santiago y eso me cambió la vida. Lo hice con uno de mis perros, a solas, sin teléfono ni nada. Probablemente, lo hice de manera inconsciente y más bien fue una estrategia de supervivencia. A raíz de eso he estado en un proceso constante para conocerme mejor. Los últimos dos años viví en una cabaña maravillosa, pero muy rústica y expuesta en Ibiza. Acabo de mudarme a una casa. Soy una persona que se conoce muy bien. Escribir la novela ha sido un proceso que me ha permitido hacer las paces conmigo mismo, así como venir a México también ha sido una manera de reconciliarme con la ciudad.
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Desde hace algunos años, Igor se asentó en Ibiza, donde comparte el espacio de su finca con sus animales: perros, gatos, gallos y gallinas, principalmente. También dedica buena parte de su tiempo a entrenar para participar en triatlones.
¿Cómo ha cambiado tu relación con México a raíz de la presentación de la novela? I.R.G.P.: México siempre ha sido muy
generoso conmigo, pero con la Ciudad de México tengo una relación complicada. Curiosamente, lo que más le gusta a la gente de ella es lo que menos me encanta. En México están pasando cosas graves y violentas que no se pueden ignorar. El cambio en mi manera de ver la ciudad no está relacionado con el libro, sino con los procesos que he vivido. Trabajé cinco años para el gobierno mexicano como asistente de la Secretaría de Relaciones Exteriores duran-
te la administración de Felipe Calderón y conocí muy bien el país desde las entrañas. Estudié en el Colegio Alemán y siempre fui becado. Me gradué en Derecho en la UNAM. México me ha dado todo y soy muy consciente del círculo privilegiado en el que crecí; sin embargo, eso no hubiera sido posible sin las becas que tuve. Uso el metro de la ciudad y en cierto modo me siento tonto diciéndolo, porque suena como si fuera un mérito, pero es una realidad que mucha gente no vive. Mi relación con México es sobre todo de agradecimiento y ahora que la novela se ha publicado es un tanto de aventura.
FOTO: CORTESÍA.
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Aunque Ese horrible deseo de pertenecer es una novela, también sabemos que tiene muchos elementos autobiográficos. ¿Qué papel jugó el pudor en el proceso de escritura? I.R.G.P.: No soy una persona que ten-
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Es curioso que digas esto, pues en algunos momentos de la novela el tema de la conciencia de clases me resultó un tanto chocante. ¿Esto fue algo intencional? I.R.G.P.: En cuestión de clases, lo que
hay en la novela y lo que ocurre con algunos personajes muestran con toda honestidad la manera en la que viví las cosas. Algo que intenté hacer en ella, al igual que en mi vida, fue ser muy sincero. No tengo ningún conflicto en absoluto con la cuestión de las clases, pero así viví las cosas. Mediante los vínculos de León, el protagonista, con los personajes femeninos, el lector puede explorar temas como su manera de vivir la homosexualidad. ¿Cuál es tu visión de esta al día de hoy?
importante de mi familia. Sueño con ella muchas veces y a veces pienso que reencarnó en uno de mis perros. La tengo muy presente. Mi madre se dio cuenta de que yo era gay por Pedro Almodóvar, tal y como lo menciono en la novela, específicamente por Todo sobre mi madre. Sin querer generalizar, creo que todos los gays tenemos un tipo de relación especial con nuestras madres. Eso no quiere decir que sea buena o mala, pero hay un vínculo distinto. También se abordan asuntos como la salud mental y los desórdenes alimenticios. ¿Por qué era importante para ti incluir estos temas? I.R.G.P.: Siempre quise resaltar el tema
de la salud mental en la novela. En una época en la que se habla de la inclusión y la diversidad deberíamos tener muy
Eso me sigue sorprendiendo. Escribir sobre este tema tenía implicaciones fuertes. Tengo VIH y mucha gente no lo sabía, entre ellos mi hermano. Para mí, era importante que lo supiera por mí y no por la novela. Le llamé un día antes de la publicación para decirle. Él es muy conservador y católico, pero su reacción fue maravillosa y resultó que está más informado de lo que imaginé. El VIH, en mi caso, ha sido un proceso solitario. Durante muchos años lo supo muy poca gente. Hoy, estoy seguro de que mucha gente lo padece y no lo comenta. Es una enfermedad a la que no hay que perderle el miedo ni el respeto. En general, es un tema del que no he hablado en las entrevistas porque quiero darle su lugar, hablar de él con más profundidad y quitarle el estigma que existe a su alrededor.
I.R.G.P.: Hay muchas maneras de ser
gay y yo mismo he vivido muchas maneras de ser gay. He pasado de la ceja depilada y el glitter a vivir ahora en Ibiza con mugre bajo las uñas y conduciendo una pickup. No soy más o menos gay por una cosa o la otra. La masculinidad es un tema que me importa mucho, que me interesa mucho y que quiero estudiar más. En esta novela los personajes femeninos están muy bien dibujados, y ahora que estoy trabajando en la segunda, me doy cuenta de que me estoy enfocando más en los personajes masculinos. Aunque pueda ser un cliché, la manera en que se retratan las relaciones del protagonista con los personajes femeninos refleja la forma en que viví ciertas situaciones. Mi abuela era una mujer esencial en mi vida. Con todo el amor que le tengo a mis padres, ella fue la persona más
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claro que las redes sociales afectan la imagen que tenemos de nosotros mismos. La salud mental y los desórdenes alimenticios suelen abordarse desde la perspectiva de las chicas y no de los hombres. Estos problemas no son exclusivos de los hombres gays, también se dan mucho entre los atletas. Mi experiencia con el psicoanálisis, como queda claro en el libro, fue traumática. Esto me llevó a vivir una depresión clínica fuerte; estuve medicado y no digo que me curé a mí mismo, pero en cierto modo sí fue así, a raíz de ese golpe.
¿Has hecho las paces con la soledad? I.R.G.P.: Llegar a este punto me ha cos-
Y desde luego, no puedo pasar por alto el tema del VIH. ¿Qué implicaciones tuvo escribir sobre una enfermedad que sigue siendo un tabú? I.R.G.P.: Llevo más de cuarenta entre-
muy divertido, pero tienes que aprender a hacerlo, si no es un desastre. Para quererlos tenemos que conocerlos y si tienes las tablas para dejarlos sueltos y que se paseen por ahí de vez en cuando, también es algo maravilloso. Hay que aprender a convivir con ellos.
vistas para hablar del libro y nadie me había preguntado del tema del VIH.
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”EN CUESTIÓN DE CLASES, LO QUE HAY EN LA NOVELA Y LO QUE OCURRE CON ALGUNOS PERSONAJES MUESTRA CON TODA HONESTIDAD LA MANERA EN LA QUE VIVÍ LAS COSAS. ALGO QUE INTENTÉ HACER EN ELLA, AL IGUAL QUE EN MI VIDA, FUE SER MUY SINCERO”. tado muchísimo. Hubo muchos momentos en los que lo pasé mal, era mala compañía para mí y no me sentaba bien estar solo. En la actualidad, tengo que hacer un esfuerzo para no estar tan solo, pero la soledad es una maravilla. Sé estar en mí y eso es genial.
Una gran frase del libro dice: “A sus monstruos, uno debe aprender a quererlos”. ¿Qué pasa después de que hemos dado ese paso? I.R.G.P.: Soltar a nuestros monstruos es
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Hay muchas maneras de pensar como hombre.
Descúbrelas en
Life and Style #ThinkLikeANewMan
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FOTO: TANYA CHÁVEZ.
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134. Eso que pasa con Christian Nodal / 144. Y el Óscar es para… / 150. México en sus carteles / 160. Ellas hacen cine / 168. El proceso del artista
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Camisa, Maharishi en Jet Store; pantalón, Fendi; sombrero, lentes y accesorios del cantante.
Eso que pasa con
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Christian Nodal
Fotos:Tanya Chávez.Texto: Salvador Cisneros. Moda: Salvador Cosío. Maquillaje y peinado: Javier de la Rosa. Diseño de set: Mauricio Villagómez. Asistente de Foto: Daniel Velasco. Asistente de arte: Roberto Landeros.
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La velocidad a la que Christian se dejó llevar le costó la paz mental. Tras una pausa obligada por el desgaste de la industria y el ritmo que exige la música, afina los detalles de dos discos disímiles con los que quiere seguir rompiendo estereotipos, porque desea hacer del regional un género global.
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Christian Nodal vivía demasiado rápido, había subido muy alto y no sabía que tenía que parar. Había cedido a la inercia de la vida artística y desde que se convirtió en el fenómeno pop del género regional mexicano sus días eran una secuencia de emociones contrastantes, todas intensas. Una sobredosis. “Sentía como si me inyectaran adrenalina a cada rato”, dice después de exhalar el humo del primero de varios cigarros durante esta entrevista. Por eso, desde la cima, sintió un pavor grande, existencial. “Tener fama, dinero, la facilidad de tantas cosas, es lo más peligroso que le puedes dar a alguien que no está preparado. La verdad es que todo esto que me pasó me asustó. Es como pararte en la cima del edificio y sentir mucho vértigo. ¡Ah, cabrón! ¿Qué es esto?”. Eso que Nodal sintió es la paradoja del éxito de un artista que, rozando la mayoría de edad, logró que millones hicieran de su primer hit, “Adiós, amor”, un himno del despecho que atravesó las fronteras de Estados Unidos y Colombia, y que en México sonó tanto en palenques como en bares de moda. “Estaba tan abrumado por tantas cosas que estaban ocurriendo tan rápido que me sentía muy consumido. Además, lo que pasa es que los artistas trabajamos con la energía: cuando me paro en el escenario, lo que hago, más allá de cantar, es transmitir toda mi energía. Y también recibo la de los que van a escucharme y cantan conmigo. Es recibir y dar cada viernes, sábado y domingo. Pero también te vas vaciando en ese ciclo, por eso la soledad es dura cuando llegas al hotel. Se viven muchas sensaciones de golpe”. Eso que experimentó Nodal –quien en solo cinco años acumuló más de 13 millones de oyentes mensuales en Spotify, nueve millones de suscriptores en YouTube y tres premios Latin Grammy– es también la metáfora del viajero que va tan deprisa que el paisaje a través de su ventana no es más que una mancha barrida. “La verdad es que una etapa de mi vida fue como un blackout.
Todos los días eran de fiesta. Salir con gente que no conocía y terminar en lugares extraños”. Tuvo incluso una temporada de constantes pesadillas que a veces terminaban en llamadas telefónicas a su amigo y mancuerna creativa Edgar Barrera. “A veces, Christian prefería no dormir para así evitarlas y mejor nos poníamos a componer de madrugada”, dice Edgar, coautor de “No te contaron mal”. Eso que le ocurrió fue también un materialismo histérico que para su suerte, dice, le duró poco: se compró un Ferrari, relojes, alhajas. “Pensaba que el dinero era justo eso, vivir la vida loca, al extremo, rápido, sin pensar las cosas. Siento que no perdí el piso, pero sí me obsesioné y llegué a un punto en el que si no traía ropa de marca, no me sentía seguro. Pero cuando lo comprendí, dije: ‘¡Esto vale madres! Con esto no conectas con la gente, lo haces con el corazón, con la palabra’. Fue una etapa”. Eso que le sobrevino fue la decepción de desenmascarar a quienes por un tiempo idolatró. “Conocí a muchos artistas que admiraba y los descubrí vacíos. Sus pláticas eran tan superficiales que yo decía: ‘¿Soy el único loco que padece una crisis existencial porque vive analizando de forma profunda cada paso que da y cómo trata a los demás?”. Salvo por el encuentro con los integrantes de Maná, que son “como unos hermanos mayores”, comprendió que en muchos casos es cierto eso de “mejor no conocer a tus héroes”. Eso que le sucedió fue también la batalla legal por tomar el control de su carrera contra la que, asegura, está a nada de ser su exdisquera, Universal Music. “Van unas siete veces que quieren joderme y no pueden. Estoy a nada de solucionar esto y ya firmaré con otra compañía. Necesito dar un brinco porque me frustraba sentirme estancado, encasillado”. Eso que le dio vértigo fue la consecuencia del desequilibrio que padece aquel que prioriza la vida profesional por encima de la personal.
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Look total, Dior; reloj, Hublot.
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Traje y botas, Louis Vuitton; camiseta, Mango Man; collares, @Tten.mx.
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“Ir creciendo al mismo tiempo como humano y como artista está bien cabrón. Es como dejarte llevar de la mano por el enemigo que te puede dar en la madre. Porque yo sé que, si me dejo, el ego me consume. Y entonces, ¿qué va a quedar de la persona que soy?”. Todo esto que le aconteció, lo obligó a cuestionarse en serio y empezar a observar a las personas que lo orbitaban, pero con la guardia alta. “Es bien cabrón. Venir de la nada y luego tenerlo todo. Antes no te pelaban y ahora todos te desean. No sabía si me querían por quien soy o por lo que creen que soy”, dice Christian, hijo de músicos, nacido hace 23 años en Caborca, Sonora. Y finalmente, todo este caos, esa pirotecnia de emociones –acrecentada en parte por las noticias sobre su vida sentimental– lo hizo entender que debía parar y figurar frente a los reflectores solo lo necesario para mantener presencia artística. “Ya sé que soy Christian Jesús González Nodal y está el otro cabrón que se llama Christian Nodal… Y este último está en medio del huracán siempre”.
Globalizar el regional
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Lo lógico sería pensar que Christian Nodal parece otro, o al menos una versión extrema de sí mismo. Su imagen de hace un par de años –ese vaquero de corte limpio y mirada de niño– dio paso a la estética de un artista que parece más del mundo del hip-hop o del rock, sobre todo ahora que sumó a los tatuajes en su rostro dos nuevos diseños en ambos pómulos. “Llevo mis pasiones a otro nivel. Quizá tener tatuajes en la cara parece más extremo, pero no es que (como me preguntaste) haya creado un personaje que funciona como escudo. Amo los tatuajes y por eso cuando me veo pienso: ‘Ese soy yo’”. Oliver Venegas, además de ser unos de sus mejores amigos, es también su tatuador. Le ha hecho casi todos, desde el que luce en el cuello con el título de su segundo disco, Me dejé llevar, hasta el cuervo que luce en la mano. Irónicamente, cuando Christian le propuso que empezara a tatuarlo en lugares visibles, Oliver se negó. “¡Cómo crees que te voy a tatuar las manos, bro! Si eres una figura y te debes a tu imagen y tu público”, recuerda que le respondió. Pero Nodal estaba desesperado por ser/parecer él mismo. “Me dijeron tanto que me esperara a que saliera el próximo disco para hacerme un tatuaje visible, que reprimiera mi personalidad, querían que fuera lo que todo mundo esperaba de un cantante regional y nadie me dejaba ser”. La estética de Nodal ahora corresponde a su
ecléctico gusto musical. Durante la sesión de fotos para Life and Style reprodujo desde su teléfono canciones de rap, rock, pop, urbano y salsa. “Es que yo crecí enamorado de todos los géneros”, dice quien ha hecho duetos con David Bisbal, Piso 21, Sebastián Yatra y Juanes. Abel Báez, otro de sus mejores amigos, fotógrafo y director de varios de sus videos musicales, explica así el significado de la nueva apariencia de Christian. “Que él no se encasille en un solo género es su esencia, es un vaquero-roquero-rapero. Entiende las raíces del regional y está orgulloso, pero no teme a revolucionar en todos los sentidos”. En el plano musical, quizás el ejemplo más claro sea “Botella tras botella”, un hit que parecía improbable porque mezclaba mariachi y rap. “Queríamos hacer canciones diferentes”, cuenta Edgar. “Yo venía de hacer fusiones atrevidas con Maluma y pensamos: ‘¿qué tal si hacemos un regional con letras más urbanas pero fusionadas con mariachi?’ Se trata de hablarle a nuestra generación, pero de forma coloquial”. El plan funcionó a la perfección porque millones cantaron “a mis compas bien hartos traigo ya /me dicen: güey ya la tienes que superar /pero yo no puedo”. El debut de esta canción en Spotify alcanzó 15 millones de reproducciones, la cuarta posición en la lista global, y significó que Christian Nodal y el rapero Gera MX hicieran historia al convertirse en los primeros mexicanos en lograr la posición más alta en el Top 200 de esta plataforma; actualmente, este hit acumula 324 millones de reproducciones en Spotify y 457 millones en YouTube. La nueva música que Nodal prepara también dejará claro este amplio rango, una plasticidad artística que hace un par de años habría parecido improbable para un cantante “de rancheras”. Publicará dos discos. Forajido contiene canciones del género regional; es decir, temas de mariacheño –fusión de mariachi y norteño–, cargados con letras tan dolidas como románticas. En cambio, Forajidos está conformado por colaboraciones con artistas tan variados como el fenómeno español C. Tangana, Akwid y Andry Kiddos, entre otros. Musicalmente, será un collage, porque experimentará con rock, bachata, rap, pop y urbano. “Forajidos es un disco con el cual nos metemos a un mundo más global”, dice Edgar Barrera, productor de este álbum. “Y aunque este ma-
“Ya tomé las riendas. Ya sé lo que quiero y lo que no… hablo de perder la paz mental otra vez”.
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Suéter, Ermenegildo Zegna; accesorios del cantante.
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Look total, Salvatore Ferragamo; anillos, @Tten.mx; reloj, Zenith.
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terial es un punto y aparte en su discografía, no es un territorio ajeno para él porque adora todos los géneros”, añade el 15 veces ganador del Grammy Latino. El objetivo de Christian Nodal, nominado por primera vez al Grammy a Best Mexican Regional Album por Ayayay! (2020), es no limitarse a un solo un género y, sin embargo, al mismo tiempo, desea que el regional mexicano sea aún más aceptado en nuestro país para también hacerlo global. “Vivo frustrado porque siento que la cultura mexicana es muy rica y no le damos el valor que merece. Como que desvaloramos lo que viene de nosotros mismos”, dice Christian, quien durante estos meses realizará una gira por Guatemala, Colombia, Ecuador, El Salvador, Nicaragua, Paraguay y Chile. “Quiero poner a México en el mapa con el tipo de música que me gusta hacer. Quiero que los colombianos canten como nosotros, hacer un género urbano, pero más mexicano. Siento un compromiso por aportar a mi cultura en este sentido”.
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El arte y la farándula
Estar en la televisión como coach del reality La Voz en 2020 fue un punto de inflexión para Christian Nodal. La dimensión de su figura pública creció exponencialmente. “Me monté en un caballo que no conocía”, confiesa, y este lo llevó a trote por un territorio parecido a la feria de las vanidades. Sumado a la atención mediática que le generó el simple hecho de aparecer en horario estelar en televisión nacional, su noviazgo con Belinda lo convirtió en un personaje recurrente del periodismo rosa. “De la televisión me llevé a un público que no era el que iba a mis conciertos. Más bien un público un poco morboso. Es bien raro cómo te pueden amar y odiar tanto al mismo tiempo. Es algo que estoy aprendiendo a llevar”. Basta escribir su nombre en Google –sobre todo ahora que esa relación se terminó– para que quede claro que las noticias enfocadas en su vida sentimental eclipsan lo que es más importante para él, su música y su vida artística. Es decir, hasta la página diez del buscador descubres que su primer instrumento fue una trompeta y no una guitarra, o que sufrió la ausencia de su padre porque era un músico que viajaba incesantemente para poder llevar pan a la casa, o que su madre le dijo que no le veía futuro como cantante
“No me gusta seguir la ola, quiero ser la ola a la que los demás se monten”.
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porque era demasiado tímido y no dominaba el escenario. “Claro que me da miedo que me consuma el personaje que la gente ve”, dice después de darle un trago a la lata de su segunda bebida energética del día. “Tengo claro que lo que quiero mostrar es mi música. Sé que quieren saber de mi vida, pero pienso que eso va a cambiar a mi favor con el tiempo”. Tan presente es este tema en su vida, el escrutinio mediático y de los usuarios en redes sociales, que para Forajidos escribió una canción sobre esto, “A mí no me importa”. “Trata sobre ese lado desde al que nadie se le ha ocurrido verme. Canto sobre mi relación y demás cosas importantes para mí. Es como una cachetada con guante blanco”. En su discurso, a lo largo de esta entrevista de poco más de una hora, Nodal repite de distintas formas la necesidad de conservar el equilibrio recuperado. “Bueno… aunque aún tengo un poco las secuelas de la ansiedad y depresión”, confiesa. Sus mejores amigos, Edgar, Oliver y Abel –todos al menos siete años mayores que él– concuerdan en que ha madurado. “Hablo con él y me cuesta trabajo creer que estoy hablando con alguien de 23 años. Tiene una perspectiva amplia de la vida”, dice Abel. Incluso Oliver cree que los tatuajes de Nodal son reveladores. Recuerda que el primero que le hizo fue un león en la parte interna del brazo. “Era el rey de la selva, como si estuviera en un precipicio viendo hacia el futuro”, dice Oliver, y es fácil conectar esto con la metáfora que mencionó Christian al principio de esta entrevista, cuando aseguró imaginarse en la cima de un edificio y sentir vértigo. “Creo que en esa etapa él quería conquistar, crecer, estar en la cima, obtener el éxito; pero ahora se ha hecho diseños en referencia al lugar de donde es. Siento que simbolizan que es alguien que vuelve a sus raíces”. Y después de todo esto que le sucedió y que aún le pasa –pues está en medio del huracán mediático que significó la noticia de su ruptura–, Christian Nodal tiene claro que su raíz, lo que hace que todo lo demás funcione, lo que quizá le haga vencer el vértigo y la velocidad de esta carrera, es la música. “Cuando estaba mal emocionalmente siempre escuchaba música y esta me ponía bien. Recuerdo que desde niño escuchaba a artistas que sentía me daban su hombro para consolarme. Ahora siento una necesidad de compartir lo que hago para ayudar a aquellos que están enamorados o dolidos. Ya entendí que realmente amo la música y lo único que me faltaba era empezar a disfrutar el trayecto, cada paso”.
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Camisa, Maharishi en Jet Store; pantalón, Fendi; botas, Sandro; sombrero, lentes y accesorios del cantante.
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Y EL ÓSCAR En 2018, Guillermo del Toro recibió los Óscar a mejor director y mejor película por La forma del agua.
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Durante casi un siglo, la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMPAS) cerró las puertas de los premios más importantes de Hollywood a la diversidad y la inclusión. Hoy, tras una década de presión y la lucha de muchos años de distintos colectivos, el rumbo que ha tomado parece ser otro. Pero, ¿cuál? TEXTO: EMILIANO RUBIO
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ES PARA… 14/02/22 11:37
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El retrato es muy sencillo y seguramente cualquiera podría identificar al sujeto en cuestión. Hablamos de una persona del género masculino, de unos 62 años (casi siempre mayor de dicha edad), anteriormente identificado como caucásico o de “piel blanca” y que posee casi con certeza un pasaporte de Estados Unidos. ¿Lista la imagen en la mente? Bueno, hoy día a este sujeto se le acusa de muchas cosas, pero desde hace una década, gracias a la investigación Unmasking Oscar, de los periodistas y estadistas John Horn y Doug Smith para el periódico Los Angeles Times, se le señala y culpa particularmente de una: ser el encargado de cerrarle las puertas de la premiación más importante de la industria del cine de Estados Unidos (y quizá del mundo) a cualquier otro que no pertenezca o se acerque a las características del retrato hablado. Tras varios años buscando entre datos y entrevistando en profundidad a cerca de 5,100 miembros de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMPAS) sobre “cuáles” eran las características esenciales para escoger una película como ganadora de un premio Óscar, Horn y Smith se encontraron con que en realidad estaban preguntando “quiénes” estaban detrás de la elección de la película del año. Con su reportaje de 2012 –año en el que se nominó a mejor película: El artista, Los descendientes y El árbol de la vida– intentaron dar respuesta a este cuestionamiento y desataron una avalancha de polémicas que, si bien ya había anunciado el reverendo Jesse Jackson en 1996 (acusando a AMPAS de racismo tras la falta de inclusión de directores y actores afroamericanos en la premiación), terminaron siendo el preludio de un gran cambio que hoy sigue en marcha
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y de cuyo resultado final poco se sabe. Además, hay que sumarle a la problemática temas tan complejos como el auge y crecimiento del cine en streaming, que terminó por tener consecuencias en la ceremonia de 2019, en la que la película mexicana Roma, con respaldo de Netflix, recibió todos los focos de la velada. Los datos que arrojó la investigación sobre las características de los votantes de la premiación fueron rotundos: 77 por ciento pertenecía al género masculino, de los cuales 94 por ciento eran caucásicos y con un promedio aproximado de 60 años. Estos números contrastaban dramáticamente con el 2 por ciento de integrantes latinos, 23 por ciento de mujeres o 14 por ciento de menores de 50 años que integran la plantilla o comité de selección de AMPAS, y dejaban claro que tras esas películas de patriotismo enajenado y esas historias románticas de superación siempre había un gran hombre… Y nada más. Pero la campana sonó y desde hace 10 años comenzó la verdadera pelea por un premio.
Casilla por casilla
Han pasado 95 años desde que el empresario Louis B. Mayer (fundador de MGM) y un grupo de amigos y competidores buscaron crear una industria cinematográfica estadounidense, dando paso así a la creación de la AMPAS, que dio su primer gran paso con la entrega de los premios Óscar de 1928, solo dos años después de su nacimiento. En esa ocasión, la cinta ganadora fue el drama bélico Wings, elección que cambió radicalmente un año después con el premio de mejor película para el musical The Broadway Melody. El movimiento no solo alentó la creación y el desarrollo del
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Louis B. Mayer, director de producción de los estudios MGM, fotografiado alrededor de 1953.
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Desde la derecha, en el sentido de las manecillas del reloj: Louis B. Mayer con Luise Rainer y la esposa de Spencer Tracy en la entrega de los Óscar de 1938; Federico Fellini besa a su esposa Giulietta Masina, tras recibir su Óscar por La Strada, en 1957; Sidney Poitier y Anne Bancroft tras recibir sus galardones en 1964.
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Desde la esquina superior izquierda, en el sentido de las manecillas del reloj: el director surcoreano Bong Joonho sostiene el Óscar que recibió por Parásitos; Sacheen Littlefeather, quien recogió en nombre de Marlon Brando el Óscar a mejor actor por su participación en El padrino; los directores Bong Joon-ho y Spike Lee.
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cine, sino que también fortaleció a Estados Unidos como potencia creadora. Mientras tanto, los premios iban ganando popularidad, hasta que en 1953 se retransmitieron por primera vez en la televisión. Tres años después fue el turno para la creación de la categoría mejor película extranjera, cuya primera ganadora fue La Strada, de Federico Fellini, que entonces compitió con Gervaise (Francia) y Der Hauptmann von Köpenick (Alemania). Sin embargo, lo que parecía que iba a ser un camino hacia la apertura y la inclusión, se convirtió en un gran estancamiento que se rompió temporalmente en 1963, año en el que el recién fallecido Sidney Poitier se convirtió en el primer afroamericano en ganar un Óscar por la película Los lirios del valle (tres décadas después de la creación de los premios), demostrando no solo que AMPAS no estaba a la vanguardia social, sino que se encontraba secuestrada por votantes que vivían bajo las ideas más retrógradas de su época (y de la nuestra). El problema, no obstante, ya se había anunciado en 1935, cuando el escritor Dudley Nichols se convirtió en el primero en confrontar a la Academia en nombre de su gremio por el trato obtenido en años anteriores. El clímax llegó en 1972 cuando Marlon Brando, quizá la estrella más grande del momento, rechazó recoger su premio por la película El padrino argumentando una fuerte discriminación por parte de la industria cinematográfica y de la Academia hacia los indios nativos. La activista Sacheen Littlefeather recogió el premio, y leyó un discurso de 15 páginas en el que exhibió muchos de los aspectos negativos y discriminatorios de la premiación. Tuvieron que pasar cerca de 40 años desde aquel histórico día para que la llama volviera a encenderse tras la publicación del Los Angeles Times y solo tres años más para que el incendio estuviera listo con la llegada del #Oscar-
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SoWhite, un hashtag que puso el dedo en la llaga sobre la gala de 2016, con las nominaciones de cintas como Spotlight, El renacido, La gran apuesta o Mad Max, y que llevó a grandes figuras como el director Spike Lee y a la activista April Reign a anunciar un boicot a la premiación a menos de que comenzaran a verse reflejados cambios sustanciales tanto en los premios como en la Academia.
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FOTO: GETTY IMAGES.
Durante la última década, la AMPAS ha reaccionado con una nueva narrativa más acorde a los tiempos.
¿Adiós, parásitos?
El aspecto comercial y el servilismo se pusieron en tela de juicio tras los primeros años de polémica y AMPAS pronto se encontró con el resurgimiento de una vieja investigación de 2009 que condujeron Gabriel Rossman y Olivier Schilke, de UCLA. Descubrieron entre los distintos géneros ganadores algunos datos para entender qué tipo de película se había premiado. Se encontraron con una línea muy marcada de cintas bélicas, historias épicas y biografías, así como algunas de intriga política que durante la polémica de 2016 generaron la idea de que existía un algoritmo ganador en los Óscar: ser blanco y disponer de un drama patriota que fuera un claro ejemplo de superación personal. Con las drásticas caídas de audiencia de la última década, AMPAS comenzó a reaccionar con una nueva narrativa que permitiera a la Academia conversar con los tiempos. Fue así como modificó algunos estatutos para permitir el ingreso de nuevos miembros más representativos de la sociedad moderna, además de empujar los lineamientos estéticos para permitir una competencia más global. El esfuerzo se vio reflejado en febrero de 2020, cuando Parásitos, película de producción surcoreana, se convirtió en la primera cinta internacional en recibir el premio a mejor película. Hoy, tras una década, las apuestas son mucho más complejas y ha empezado a resurgir una nueva Academia.
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Visitar la biblioteca Margaret Herrick, que depende de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, equivale a sumergirse en la historia del cine. Anne Coco, directora asociada de la colección de artes gráficas, eligió nueve carteles de su colección para hacer un tributo a las películas y los cineastas mexicanos.
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La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas es célebre por la entrega anual de los Óscar y, cada vez más, por el recién inaugurado Museo de la Academia. Los visitantes más observadores podrán notar que, en las distintas exposiciones, hay referencias a más de 200 objetos que vienen de la Biblioteca Margaret Herrick. Yo estoy a cargo de la colección de artes gráficas junto a un increíble equipo de bibliotecarios y archivistas. Esta inició alrededor de la fecha de fundación de la Academia y documenta más de 250 años de la historia del cine y las épocas previas a él, tanto en papel como en formatos digitales. Hoy, nuestras posesiones incluyen libros, publicaciones periódicas, colecciones de manuscritos, fotografías y artes gráficas. También somos hogar de más de 65,000 carteles. A lo largo de los años, hemos visto nuestra colección de carteles (y nuestras colecciones en general) como una manera de contar algunas historias desconocidas. Hemos buscado amasar un acervo que explora la diversidad de géneros y cineastas responsables de hacer las películas que conocemos, amamos y de las cuales hablamos. A mediados de los 90, comenzamos a buscar activamente llenar algunos vacíos, una tarea que parecía interminable e inicialmente se enfocó en películas estadounidenses clásicas. Ese proyecto llevó a un análisis de nuestras posesiones relacionadas con la categoría de mejor película extranjera; específicamente queríamos materiales impresos en los países de origen de esos filmes. A partir de ahí, comenzamos a fijarnos en otros movimientos de distintos cines nacionales, incluyendo las contribuciones de las películas y los cineastas mexicanos. A pesar de no ser tan extensa como la de la Cineteca Nacional, la colección de la Academia incluye algunos ejemplos fantásticos que representan el arte de la herencia fílmica mexicana. He aquí algunos de mis favoritos.
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FOTO: CORTESÍA AMPAS.
Maria Candelaria, 1944 Estos dos ejemplos son de la Unión Soviética (arriba) y de Polonia (derecha), impresos en 1956 y 1959 respectivamente. Fueron diseñados antes de que existiera el marketing universal como lo conocemos hoy, y me parece increíblemente interesante comparar la manera tan distinta en que ambos países promovieron el mismo filme. Esperamos poder sumar a la colección una copia del póster mexicano pronto.
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El mariachi desconocido, 1953 Tin-Tan se adapta a la perfección al estilo del artista Ernesto García Cabral. Este póster ejemplifica la manera en que Cabral describe al comediante mediante el uso de imágenes demasiado exageradas, colores fantásticos y un gran diseño.
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Así es mi tierra, 1937 Este póster tiene algunas características particulares. En primer lugar, esta es una de las primeras películas de Cantinflas y muestra una ilustración de Ernesto García Cabral. Algo poco usual es que la dirección de la oficina de Azteca Films de Los Ángeles se aprecia notoriamente en la esquina inferior derecha.
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“A mediados de los 90, iniciamos un proyecto para reunir carteles relacionados con la categoría de mejor película extranjera. Queríamos materiales impresos en los países de origen de esos filmes”. - ANNE COCO
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Santa, 1932 En 1994, recibimos el archivo de Gilbert Roland, el cual incluía una subcolección que documentaba la carrera de su amigo y colega cineasta Antonio Moreno. Este es el único póster que Moreno conservó entre sus documentos y es precioso. No hay evidencias de que se haya exhibido y los colores siguen estando muy vivos. Hay algunas rasgaduras y pérdidas mínimas de papel, especialmente en las líneas de doblez, pero su buen estado es excepcional si consideramos la antigüedad del papel. En él podemos ver una hermosa ilustración de la estrella de la película, Lupita Tovar.
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El niño y el muro, 1965 El póster de la coproducción internacional de Ismael Rodríguez es un encantador ejemplo del diseño mexicano de los años 60. Este ejemplar fue parte de un regalo –de Diana Films International– de casi 40 pósters de filmes mexicanos realizados entre 1943 y 1978.
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La devoradora, 1946 Si de captar la belleza de María Félix se trata, el ilustrador de este póster mexicano es el ganador. Su trabajo logra centrar nuestra mirada en la sensual imagen de esta icónica actriz al presentar su entorno como una mera insinuación.
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E L LA S HACEN C I N E TEXTO: ALBERTO ROJAS ILUSTRACIÓN: ADRIANA ARVIZU @VIZUAAR
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EN LAS ÚLTIMAS DÉCADAS, LAS HISTORIAS PRODUCIDAS, DIRIGIDAS Y ESCRITAS POR MUJERES HAN PASADO DE SER UNA TENDENCIA PASAJERA A CONVERTIRSE EN EL ESPEJO DONDE MOSTRAR LOS PUNTOS DE VISTA QUE NECESITABA EL CINE MEXICANO
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En la Berlinale de este año, el cine que representó a México fue contado por mujeres. Fueron dos largometrajes y un corto: El norte sobre el vacío, de Alejandra Márquez Abella; El reino de Dios, de Claudia Sainte-Luce, y el cortometraje Alma y paz, de la actriz y directora Cris Gris. Por otro lado, Tatiana Huezo obtuvo una mención especial en el pasado Festival de Cannes y estuvo muy cerca de convertirse en la primera directora mexicana en ser nominada al Óscar por mejor película extranjera gracias a Noche de fuego. Las casualidades no existen y menos aún si hablamos de cine. Contar con directoras que representen a nuestro país en los certámenes cinematográficos más importantes del mundo es la consecuencia directa de un proceso que comenzó a gestarse hace décadas. “El número de mujeres que trabajan en el cine en México ha aumentado”, dice María Novaro, directora, productora, guionista y una de las principales responsables del momento que atraviesa el sép-
timo arte en México. “Cuando empecé, había muchas dificultades para que las mujeres tuvieran una participación. Los números todavía no nos permiten hablar de igualdad, pero para allá vamos. Cada vez hay más premios y más áreas de acción para nosotras”, agrega. Con filmes como Lola (1989) y Danzón (1991), entre otros, María Novaro ayudó a abrir un camino que entonces parecía imposible recorrer y que era incluso complicado para los hombres. En los días en que no había figuras femeninas en los puestos creativos del cine nacional, la hoy directora del Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE) decidió no alinearse con los parámetros establecidos que encasillaban al género delante y detrás de cámaras. Más de 30 años después, el porcentaje de participación femenina en los sets mexicanos es superior al de países con una importante tradición cinematográfica. Así, según El País, en 2016 se realizaron 162 películas en México, de las cuales 49 estuvieron a cargo de productoras (30.2 por ciento), 37 vinieron de directoras (22.8 por ciento) y 34 guiones fueron escritos por mujeres. Al mismo tiempo, en España, la producción cinematográfica tenía una participación femenina de 19 por ciento, mientras que en Estados Unidos apenas alcanzaba 13 por ciento. “Éramos muy pocas las mujeres que trabajábamos cuando se hacía poco cine. No había apoyos estatales ni condiciones para hacerlo. Creo que nos salvaba ser muy necias y fuertes”, recuerda Novaro. En Danzón, Julia, el personaje principal, no era un objeto sexual ni la acompañante sumisa de un hombre. Era la madre de una niña y alguien que seguía su pasión, un tema entonces poco común. Danzón fue la película con la que México regresó al Festival de Cannes tras más de 15 años de ausencia. Muchas cosas empezaron a cambiar a partir de ahí.
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EL PRINCIPIO DE TODO: LAS ESCUELAS El hecho de que hoy haya más mujeres trabajando en puestos de influencia en el cine mexicano no se debe solo a esfuerzos individuales. “Fue un proceso gradual en el que tuvieron mucho que ver las escuelas”, aclara la productora Tita Lombardo. “En mis tiempos había cuatro o cinco mujeres directoras, pero fotógrafas ni pensarlo. Eran discriminadas porque había sindicatos feroces. Hasta los hombres tenían problemas. Fueron generaciones de mujeres que salieron de las escuelas y gracias a eso hoy hay directoras y fotógrafas espléndidas”. Fue en 1963 cuando se fundó el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (CUEC), que más tarde se convertiría en la Escuela Nacional de Artes Cinematográficas (ENAC), y 12 años después se creó el Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC), dos escuelas que han formado a muchos de los cineastas
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mexicanos más importantes de la actualidad. María Novaro es egresada del CUEC, mientras que Rodrigo Prieto, Carlos Carrera, Tatiana Huezo y Elisa Miller lo son del CCC. “El ambiente era otro. El CUEC y el CCC eran escuelas donde había una participación casi igualitaria entre hombres y mujeres, además de un ambiente de aliento”, recuerda Novaro. “Era difícil salir de una escuela que te había hecho fuerte, donde se trabajaba con respeto, para entrar a un mundo laboral donde todo estaba cerrado, pero las escuelas nos fortalecían mucho”. El hecho de que las escuelas formaran a generaciones de mujeres cineastas había ayudado mucho a cambiar la óptica del cine mexicano. “Las historias que cuentan las mujeres son diferentes, hay otra sensibilidad que se está descubriendo. Antes, la sensibilidad femenina estaba mucho más apagada y oculta”,
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apunta Lombardo. Una sensibilidad que nos ha permitido disfrutar de películas con una diversidad de temas que van desde las relaciones en pareja, hasta los trastornos mentales, pasando por la violencia de género, la identidad, el racismo y las prácticas culturales, entre muchas otras cuestiones. La productora y guionista Soco Aguilar explica que ahora podemos ver a una mujer real con tribulaciones, pero también con sueños y expectativas. “Eso se ha logrado cambiar, aunque no del todo, pero ya no somos adornos. Ahora se presenta una gran diversidad que es más humana”, comenta. Para María Novaro, cada autora habla desde su forma de ver las cosas, y las películas con participación femenina, en su mayoría, reflejan un mundo menos narrado. “Cuando hice Lola, que era una película sobre una madre soltera, colegas míos me dijeron que no trataba de nada. Eran temáticas que se consideraban poco significativas y había mucho desconcierto entre los hombres a la hora de recibir la narrativa femenina”, recuerda. “Eso ya cambió. La narrativa femenina se va imponiendo al tiempo que refleja la condición de mujer de la autora que la propone. Son voces que reflejan un mundo que no ha sido representado cabalmente en el cine, algo que habla de la diversidad del mundo”.
A finales del siglo XIX, las primeras mujeres que participaron en el cine mexicano fueron actrices, maquilladoras, costureras, cocineras, peluqueras y anotadoras, y hubo que esperar a 1917 para que México tuviera a su primera directora y productora, la actriz Mimí Debra, fundadora de Azteca Films y directora de La tigresa. A lo largo de las siguientes décadas, sin embargo, las mujeres cineastas se podían contar con los dedos de una mano, aunque surgieron figuras que hoy son leyendas del cine nacional, como Matilde Landeta o Adela Sequeyero. En las décadas de los 30 y 40, a la mujer se le retrataba como un ser frágil, sensual y sumiso, mientras que en los 70 el cine de ficheras las convirtió en un objeto sexual para la pantalla. Esta imagen empezó a cambiar en los 90, justo cuando el género femenino alcanzó los puestos creativos y la producción cinematográfica de México creció. Según datos del Anuario Estadístico de Cine Mexicano del IMCINE, de las 69 películas que se produjeron en 2010, 20 por ciento fueron dirigidas por mujeres, exactamente el doble que el año anterior. Diez años después, en 2020, en plena pandemia, la misma publicación señalaba que se habían producido 111 filmes. Las cifras fueron las siguientes: 43 mujeres fungieron como productoras, 19 como directoras, 24 como guionistas y 20 como cinematógrafas. De las
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10,991 personas involucradas en la producción cinematográfica, 45 por ciento fueron mujeres. “En el cine siempre hubo mujeres. Ellas hacían la producción de campo, ya que los directores preferían trabajar con ellas quizá porque teníamos un sentido de la responsabilidad distinto o nos organizábamos de manera diferente”, recuerda Tita Lombardo, productora de Amores perros y Nuevo orden. María Novaro y Tita Lombardo pertenecen a la generación que abrió brecha para las cineastas de hoy. A Soco Aguilar, productora de La leyenda de la Nahuala, y Lila Avilés, directora y guionista de La camarista, les tocó un camino en el que las batallas se libraban en el plano creativo. “La discriminación hacia las mujeres llegaba al punto en que decían que una mujer no podía cargar las cajas, así que ni siquiera podían ser asistentes de cámara”, aclara Lombardo. Por su parte, Novaro recuerda que cuando hizo Lola, el director del sindicato le preguntó: “¿Qué les ha dado a ustedes las viejas para querer hacer cine?”. “Que ese tipo me dijera eso fue suficiente para que hiciera la película sin el sindicato”, comenta. Ni Avilés ni Aguilar, en cambio, tuvieron que pasar por episodios similares. “Había jerarquías y tenía que trabajar más que los demás que estaban a mi nivel para ganarme mi credibilidad”, comenta Aguilar, la única productora de largometrajes animados en México. Para Lila Avilés, el salto a la dirección se produjo de manera natural, después de involucrarse en distintos proyectos como maquillista, vestuarista, actriz y asistente de dirección, entre otros roles.
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LOS NÚMEROS DEL CAMBIO
A FINALES DEL SIGLO XIX, LAS PRIMERAS MUJERES QUE PARTICIPARON EN EL CINE MEXICANO FUERON ACTRICES, COSTURERAS, COCINERAS O ANOTADORAS. HUBO QUE ESPERAR A 1917 PARA QUE MÉXICO TUVIERA A SU PRIMERA DIRECTORA, LA ACTRIZ Y PRODUCTORA MIMÍ DEBRA.
Página anterior: Danzón, dirigida por María Novaro, fue la película con la que México regresó a Cannes en 1991, después de una larga ausencia. El filme contaba la historia de Julia, una mujer que tomaba en sus manos las riendas de su vida.
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Premiada en festivales internacionales como los de Tucson, Marrakech, Minsk, La Habana o San Francisco, La camarista es la ópera prima de Lila Avilés, quien eligió a Gabriela Cartol para interpretar a Eve, su protagonista.
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LOS PREMIOS Y LAS CINEASTAS MEXICANAS EN 2020 El camino de la participación de la mujer en el cine hecho en México ha sido tortuoso, aunque en los últimos años han surgido cambios interesantes en la escena. EN MÉXICO:
LAS CINEASTAS MÁS PREMIADAS:
Se entregaron 97 premios a 88 mujeres
Fernanda Valadez, por Sin señas particulares (14 premios), seguida de Ana Laura Calderón (Corazón de mezquite) y Yulene Olaizola (Selva trágica) con 4 cada una.
EN EL EXTRANJERO:
Se entregaron 49 premios a 25 mujeres
TRES MEXICANAS IMPERDIBLES Aunque es difícil escoger solo un puñado de películas creadas por mujeres, esta lista complementa los filmes que mencionamos en este artículo. 02. BELLAS DE NOCHE (2016)
03. VER LLOVER (2006)
Terror Directora: Issa López Por cierto, además de arrasar en varios festivales de terror, la película fue elogiada por Guillermo del Toro y Stephen King.
Documental Directora: María José Cuevas Va de tres vedettes mexicanas de los años 70, quienes reflexionan sobre la belleza y la vejez de una forma entrañable.
Cortometraje Directora: Elisa Miller Es una de las Palmas de Oro de Cannes que puede presumir el cine mexicano y la única que ha ganado una cineasta mexicana.
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01. VUELVEN (2016)
Página siguiente: tras su proyección en el Festival de Cannes de 2021, Noche de fuego, de Tatiana Huezo, recibió una ovación continua de diez minutos. La película, una historia de narcotráfico, trata de cerrar las heridas abiertas en el país en las últimas décadas.
MIRANDO AL FUTURO
“CUANDO HICE LOLA, QUE TRATA SOBRE LA VIDA DE UNA MADRE SOLTERA, ALGUNOS COLEGAS ME DIJERON QUE NO TRATABA DE NADA. HABÍA DESCONCIERTO ENTRE LOS HOMBRES A LA HORA DE RECIBIR LA NARRATIVA FEMENINA”. –MARÍA NOVARO
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Para María Novaro, las mujeres en la pantalla ya no son un objeto o la madre abnegada, sino que hoy tienen otro tipo de presencia y tienen voz propia. “Ya no hay estereotipos, sino una diversidad de propuestas, aunque claro que sigue habiendo mujeres que sufren”, explica. “El cine está retratando a todas esas mujeres que están en malas condiciones, pero hay más películas que narran a otras mujeres en otras latitudes. Lo que me encanta es que la propuesta es más amplia, diversa y muy compleja”. “Hacer cine va más allá de ser hombres o mujeres. Lo que vamos a ver es una experiencia humana. Para mí, lo básico son las historias y que las mujeres se vean reflejadas en los roles protagónicos es vital”, remarca Aguilar. “También es importante que las historias reflejen a otro tipo de hombre, uno empático, que no lo mueva solo la testosterona. Así, las audiencias tendrán otros modelos a seguir. Creo que eso sí lo podemos contar”.
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En este momento, Tita Lombardo está trabajando en un proyecto en el que mujeres ocupan 70 por ciento de los puestos creativos, algo que le entusiasma. “Es un fenómeno muy interesante. No sé a dónde nos lleve. A veces hace falta un poco de testosterona, así que trato de buscar un equilibrio. Estoy a favor de que las mujeres se desarrollen, pero no podemos cerrar el espacio solo a nosotras”, comenta. María Novaro cree que el verdadero reto que tienen actualmente las cineastas mexicanas está en la forma de contar sus historias. La directora asegura que lo interesante será ver de qué forma se abordan para que los hombres empiecen a reconocer a las mujeres que hay ahora en la pantalla. Por su lado, para Lila Avilés los hombres también están haciendo cine interesante y aclara que no le gusta el término de cine de mujeres. “Que haya más mujeres en el cine da pie y que no en-
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casillen lo que hacemos como cine de mujeres, porque podemos hacer películas de terror, documentales o ciencia ficción”, comenta. “Como directora, duele que te digan que haces cine de mujeres como si ese tipo de cine fuera diferente. Lo importante es que ahora el foco está puesto en nuestro lado”. Observando las gráficas del cine mexicano se pueden apreciar crestas y valles pronunciados en cuanto a la producción de películas por año. La pandemia y el retiro del apoyo a los cineastas por parte del gobierno podría hacer que el número de filmes producidos vuelva a bajar, pero lo que ya no va a cambiar es la participación de las mujeres. No se trata de una tendencia. Es un punto de vista que destrozó el estereotipo de la mujer mexicana para darle una variedad de historias que hoy son reconocidas en el mundo entero. Algo para festejar, pero que aún no ha llegado a su fin.
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EL PROCESO DEL ARTISTA
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Un portafolio fotográfico de Eduardo Sarabia
La práctica artística de Eduardo Sarabia abarca distintos formatos y disciplinas; sin embargo, la mayor parte de sus obras se nutre de las estrategias de registro e investigación que realiza con frecuencia –principalmente viajes de exploración y personales– y de vivencias y anécdotas que, por pequeñas que sean, contribuyen a la ampliación de las narrativas en su trabajo. En particular, las series de pintura de Sarabia surgen de fotografías que casi siempre toma con cámara analógica. En estas instantáneas captura paisajes majestuosos y detalles de su entorno, así como a amigos y colaboradores cuyas figuras quedarán veladas bajo manchas de pintura, para transformarlas en representaciones resonantes. Lleva estas fotografías personales de amigos y familiares, de registro, reuniones y vacaciones a grandes formatos como una manera de enfatizar el momento, el relato y el gesto. Las imágenes cotidianas que captura el artista vibran por debajo de las capas de pintura que evocan el ejercicio creativo a partir de manchas de óleo. Pero muy pocos han abordado el tan importante ejercicio fotográfico que Sarabia realiza como parte inherente de sus pinturas, esculturas y dibujos. A partir
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de la exploración de la fotografía analógica, cuya manipulación es muy distinta a la del clic del celular, Sarabia hila microhistorias que se entrelazan carrete tras carrete y que dan cuenta de un ojo afectuoso, poético y casi cinematográfico. Las secuencias de imágenes que el artista crea parecen estar cargadas de nostalgia, pero en realidad dan cuenta de un profundo interés en reflexionar sobre el tiempo y la manera en que se implica en la construcción de la memoria, de interpretación de la imagen y de los sucesos cotidianos. Todo esto se potencia con el uso de técnicas de revelado tanto clásicas como experimentales, además de la importancia del paso del tiempo en estos procesos. Por lo general, no revela los carretes inmediatamente, sino que descansan como imagen latente durante lapsos distintos que a su vez, los llevarán a ponerse en juego con otras imágenes, no solo fotográficas. Las personas, el mundo natural, la fauna y la flora son elementos esenciales en las fotografías de Sarabia. Todos ellos están presentes en sus viajes, pero también en su vida y, aún más importante, en su manera de observar y comprender el mundo.
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178. El año que recorreremos el mundo / 186. Qatar: un nuevo horizonte entre la vanguardia y la tradición / 194. Nuestra casa es tu casa / 202. La Ciudad de México en los ojos de Horacio Pancheri
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EL AÑO QUE RECORREREMOS EL MUNDO
FOTO: DORSA MASGHATI.
Gustavo Egusquiza, uno de los expertos más reconocidos en el ámbito internacional del turismo de lujo, nos propone diez destinos que brillarán con luz propia en 2022. Aquí la lista y las fotos más espectaculares.
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01. LÍBANO
Beirut, capital de Líbano y conocida como la perla del Mediterráneo, ofrece la mezcla perfecta de animación y cultura para aquellos que deseen descubrir este país. Quienes buscan experiencias que vayan más allá de lo convencional, esta pequeña nación de Oriente Medio ofrece desde gastronomía típica y desiertos increíbles en los que realizar recorridos en cuatrimoto, hasta visitas culturales y lugares que te harán caer rendido a sus pies a primera vista, como lo demuestra la imagen de la izquierda. Mejor época para visitarlo: entre marzo y mayo el clima es suave y se ven flores por todos lados. Julio y agosto son ideales para pasar tiempo en la playa, aunque el calor puede ser agobiante.
02. VALENCIA, ESPAÑA
Elegida como Capital Mundial del Diseño en 2021, esta ciudad lo tiene todo. Playa, montaña, diversión y una exquisita gastronomía son el santo y seña de esta urbe. Si Valencia es el destino elegido para este año, no se puede pasar por alto la Ciudad de las Artes y las Ciencias de Santiago Calatrava y probar la deliciosa paella valenciana. Mejor época para visitarla: el clima en marzo suele ser muy benévolo; además, durante este mes tiene lugar su fiesta más grande: las Fallas.
FOTO: JUAN GÓMEZ / JURRE HOUTKAMP.
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La arquitectura modernista del Mercado Central de Valencia (izquierda), el mayor mercado de productos frescos de Europa, contrasta con las líneas futuristas de la Ciudad de las Artes y las Ciencias, complejo que proyectó Santiago Calatrava a finales de los años 90.
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Izquierda: conocida como “la pequeña Venecia” por su multitud de canales navegables, Chioggia se levanta entre la laguna de Venecia y el delta del Po, en Italia; derecha: las aguas que bañan las islas Cook fueron reconocidas en 2019 como las más cristalinas del mundo.
03. CHIOGGIA, ITALIA
04. ISLAS COOK
Mejor época para visitarla: entre mayo y septiembre el clima es cálido y las precipitaciones son escasas. Julio suele ser el mes más cálido, con temperaturas de hasta 28ºC.
Mejor época para visitarlas: el invierno y el principio de la primavera australes (entre mayo y octubre) son ideales para disfrutar del sol, el calor y un sinfín de actividades acuáticas.
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Reclamado para la corona británica por el explorador James Cook en el año 1774 , este conjunto de islas volcánicas situadas en los confines del Pacífico Sur son un paraíso en la tierra perteneciente a la Polinesia neozelandesa. Ubicado a mitad de camino entre Nueva Zelanda y Hawái, el archipiélago ofrece un coctel de turismo sostenible, la práctica de experiencias únicas como buceo, pesca y esnórquel, aventuras exóticas y lo mejor de la cultura milenaria de la región. FOTO: SHUTTERSTOCK.
Muy cerca de Venecia se encuentra la pequeña ciudad de Chioggia. El pueblo, lleno de historia, está envuelto por un aire decadente que rebosa personalidad y ofrece una maravillosa alternativa al turismo masificado de la ciudad de los canales. Chioggia brinda la posibilidad de disfrutar de la magnífica arquitectura de su casco antiguo, rutas en bicicleta para perderse por su bella campiña y la deliciosa gastronomía tradicional italiana. Un lugar que invita a la reconexión y el descanso como ningún otro.
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A pesar de su arquitectura colonial, de su fauna y flora salvajes, sus lagos majestuosos y sus parques naturales aún sin explotar, Malaui sigue siendo uno de los países africanos más desconocidos para el gran público.
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FOTO: SHUTTERSTOCK.
05. MALAUI
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Ubicado entre Tanzania, Zambia y Mozambique, Malaui está de moda. Este país destaca por su impresionante belleza, su riqueza cultural y un clima benigno. Además, tiene una enorme extensión de montañas, ríos y lagos. Si disfrutas del senderismo y los deportes en exteriores, este es sin duda tu destino. Un lugar muy acogedor donde se puede disfrutar del aire puro lejos del estrés de la vida diaria. Mejor época para visitarlo: la temporada seca comprende los meses entre abril y octubre; se trata del mejor momento para observar la vida salvaje.
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06. BUTÁN
Conocido como el país de la felicidad, Bután tiene numerosos lugares sagrados y desconocidos para la mayoría del público extranjero. Recientemente, se acaba de abrir de nuevo el Trans Bhutan Trail, un camino que recorrieron peregrinos y que ha permanecido cerrado desde 1960. Ahora es posible disfrutar de nuevo de una ruta que recorre muchos de los paisajes del patrimonio budista. Mejor época para visitarlo: durante la primavera, entre marzo y mayo, las temperaturas oscilan entre los 16º y los 22ºC. El otoño, entre septiembre y noviembre, también es una buena opción.
FOTO: ESTA PÁGINA SHUTTERSTOCK/ PÁGINA OPUESTA: VINCENT LEDVINA.
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Para muchos el último Shangri-La, Bután mezcla desde hace unos años el turismo de montaña y aventura con la espiritualidad de sus monasterios budistas y sus viejas fortalezas. Un país que es un misterio en sí mismo.
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El estado más septentrional de Estados Unidos, después de Alaska, ofrece naturaleza en su estado más puro. Agua cristalina y espectaculares noches estrelladas esperan al viajero en sus cinco parques nacionales y sus 71 parques estatales.
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07. MINNESOTA, ESTADOS UNIDOS
El estado estadounidense ofrece innumerables atracciones de una espléndida belleza natural, y es el lugar perfecto para la observación del cielo. En la actualidad, el Parque Nacional Voyageurs, en la frontera con Canadá, es uno de los mejores del mundo para la observación de estrellas. Además, tiene más de 200,000 hectáreas de terreno rodeado de agua que puede explorarse en kayak y acaba de recibir el nombramiento de Parque Internacional de Cielo Oscuro. La contaminación lumínica está totalmente controlada en esta zona, ya que el parque está sujeto a restricciones lumínicas. Mejor época para visitarla: de diciembre a febrero el parque se cubre de nieve y se pueden disfrutar actividades como paseos en trineo y motos de nieve, así como pesca en hielo.
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08. MOZAMBIQUE
Descubierto por Vasco de Gama en 1497, Mozambique es uno de los destinos más atractivos de África para este 2022. La antigua colonia portuguesa destaca por la afabilidad de su gente, la belleza de sus islas y sus alegres ciudades de estilo mediterráneo. Una de las experiencias más recomendables es organizar un safari para descubrir leones blancos y búfalos o bucear en sus innumerables islas, de una incomparable belleza natural.
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Mejor época para visitarlo: si se viaja a Mozambique entre mayo y noviembre se puede gozar de un clima seco y temperaturas no tan altas.
09. BELICE
Situado en la costa caribeña del norte de Centroamérica y compartiendo frontera con Quintana Roo, Belice es un crisol cultural. Recientemente, la Unesco declaró su Sistema de Reserva de Arrecifes Patrimonio de la Humanidad. Explorar sus ruinas mayas, bucear en sus fondos oceánicos de azul cerúleo entre mantarrayas y tiburones o admirar la diversidad de la vida salvaje de su increíble jungla son solo algunas de las actividades que podrás realizar en este bello rincón del mundo. Mejor época para visitarlo: como tiene un clima tropical, el aire suele ser denso y húmedo durante todo el año. Entre noviembre y mayo las temperaturas son más agradables y no hay riesgo de huracanes. Arriba: el océano Índico baña las costas de Mozambique, poseedor de algunas de las playas más imponentes del continente africano; abajo: las ruinas mayas de Xunantunich, localizadas a poco más de 100 kilómetros de Belize City, son de las más espectaculares de Centroamérica.
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Siempre implicado en la protección del medio ambiente, el Gobierno de Noruega apostó en 2008 por la construcción de un Banco Mundial de Semillas que se construiría bajo el permafrost de Svalbard con el objetivo de proteger la diversidad mundial. En la actualidad resguarda semillas de más de un millón de especies.
FOTO: AMBAS PÁGINAS SHUTTERSTOCK.
10. SVALBARD, NORUEGA
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Longyearbyen, la capital de este archipiélago, es la más septentrional del mundo. En este lugar se pueden admirar auroras boreales, osos polares en su entorno salvaje o simplemente disfrutar de la belleza de la noche polar. En los alrededores de Longyearbyen también es posible avistar toda la majestuosidad de los glaciares desde cualquiera de los cruceros que hacen excursiones diarias. Además, en este lugar se ubica el Banco Mundial de Semillas de Svalbard, por lo que estas islas son uno de los epicentros de la lucha contra el cambio climático. Mejor época para visitarlo: durante el verano la temperatura media es de 6ºC. Los mejores meses para viajar a Svalbard son entre junio y agosto, época en la que se puede hacer kayak frente a los glaciares.
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QATAR: UN NUEVO HORIZONTE TEXTO: LUIS BAYLÓN
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FOTO: GETTY IMAGES.
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El Museo de Arte Islámico, en Doha, muestra el profundo arraigo que la fe ha tenido en las representaciones artísticas a lo largo de la historia del país. Este tipo de arte forma parte de la identidad nacional de Qatar.
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Debido a la distancia geográfica y las diferencias culturales que nos separan, el mundo árabe guarda poderosos misterios. Qatar, uno de sus referentes, se ha convertido en los últimos años en uno de los destinos favoritos de los amantes de lo exótico gracias a la amabilidad y el carácter franco de su gente
En los últimos años, Qatar –hasta hace poco un pequeño país del golfo Pérsico desconocido para la mayoría– ha decidido abrir sus puertas al mundo para mostrar todo el talento y potencial de una nación joven empeñada en avanzar con paso firme hacia la modernidad. Desde luego, esto lo ha hecho sin abandonar las orgullosas tradiciones que lo enraízan con sus orígenes como país, entre ellos, sus estrechos nexos con la arquitectura y el lujo. El clima de Qatar, tenaz y desértico, ha moldeado la relación de los qataríes con el espacio que ocupan. Son expertos a la hora de vivir y compartir su estilo de vida, y poseedores de un gusto estético único. Así sucede en Doha, la capital, donde conviven sin dificultad las más imponentes muestras de la arquitectura moderna junto a trazos milenarios de una cultura que ha aprendido a sobrevivir al sol y a las arenas del desierto. El Museo de Arte Islámico es una prueba irrebatible que se eleva sobre una isla artificial ubicada a solo 60 metros de la línea de costa. Con un perfil inconfundible logrado a través de una serie de cubos, inmediatamente remite a La Meca, el lugar más sagrado del islam, aunque su diseño, con sobrios detalles en las ventanas y con tonos que recuerdan las arenas del desierto, está inspirado directamente en la mezquita de Ahmad ibn Tulun de El Cairo, en Egipto. Además, su colección incluye piezas de inspiración coránica con más de 1,000 años de antigüedad. También el Museo Nacional de Qatar entra en esta categoría. Un espacio vanguardista que proyectó el arquitecto Jean Nouvel, quien encontró en las rosas del desierto su fuente de inspiración para crear un edificio de personalidad única con dimensiones monumentales y una audacia
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que obliga al observador a someter la vista ante sus curvas y aristas y que encapsulan los momentos más importantes de una nación que apenas cumplió 50 años el pasado 2021. Las grandes avenidas, los rascacielos, incluso un aeropuerto de carácter futurista podrían confundir al visitante, que sin embargo puede retomar el camino de la historia en el antiguo Souq Waqif, el zoco de Doha, fundado a finales del siglo XIX y reformado en 2006 para incluir todas las ventajas y los avances tecnológicos del siglo XXI. Con pasillos elevados utilizando las técnicas tradicionales de adobe, representa partes de la historia del país en cada rincón y en cada uno de sus pasillos. Este zoco –al igual que sucede en otros países de Asia, Latinoamérica y Europa– ha sido desde su origen uno de los principales pulmones sociales de la ciudad. Transformado en un país profundamente cosmopolita gracias a los inmigrantes procedentes de África subsahariana, Asia y del mundo árabe, todos ellos atraídos por el enorme crecimiento económico en virtud de la producción de gas y petróleo, Qatar no ha perdido su vocación islámica, con minaretes (la torre más alta de una mezquita) que se erigen como protagonistas del skyline de sus ciudades. Así, las llamadas al rezo forman parte del bullicio diario, cambiando el ritmo de la ciudad en cada ocasión. Qatar, una mezcla de las líneas de sus edificios y las curvas cambiantes del desierto, avanza a una velocidad vertiginosa para convertirse en el gran anfitrión de la primera Copa Mundial de Fútbol de la FIFA organizada por un país árabe, otra forma de ver el mundo como vigías del desierto y del mar con los ojos puestos en el mañana.
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FOTO: GETTYIMAGES.
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La Biblioteca Nacional de Qatar forma parte de la Ciudad de la Educación, un corredor de instituciones universitarias cuyas instalaciones muestran a la perfección la monumental apuesta del país por el conocimiento.
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FOTO: GETTYIMAGES.
El Museo Nacional de Qatar, un verdadero impacto visual para el observador, es una de las postales más memorables de la capital gracias a una arquitectura que se atreve a retar a la bahía.
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FOTO: GETTY IMAGES.
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Las llamadas a la oración forman parte de la rutina de la vida diaria en Qatar, pero en los oídos del visitante se convierten en una muestra de la relación del país con la fe.
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Los tonos terrosos y arenosos de los muros generan recuerdos de los lejanos tiempos en los que las caravanas cruzaban el desierto para comerciar con joyas, perlas, ganado y finos textiles.
FOTO: GETTYIMAGES.
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Nuestra casa es tu casa TEXTO: PEDRO AGUILAR RICALDE Y DANIEL GONZÁLEZ
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Izquierda: Terrestre tiene 14 villas interconectadas en las que el ladrillo, la madera y el concreto son protagonistas.
De una cosa estamos seguros: 2022 será un gran año para la hotelería mexicana. A las consolidadas propuestas que ya ofrece el país, se suman nuevas propiedades, de norte a sur y de este a oeste, que demuestran que la hospitalidad en nuestro territorio es mucho más que una vocación. Estos seis hoteles son nuestras grandes apuestas.
FOTO: FABIÁN MARTÍNEZ.
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forma parte del espíritu del hotel, concebido para aquellos que disfrutan el exterior de igual manera que el interior. Entre las zonas comunes del hotel, el jardín envuelve el área de wellness y spa y el restaurante al aire libre, con una propuesta en la que la gastronomía mexicana se mezcla con la ecología local para ofrecer un menú detox que se complementa con la oferta de cocteles de la cercana alberca, enfocada en la salud del huésped. Además, hay otras opciones gastronómicas en los alrededores del hotel. Es el caso el Kakurega Omakase, un restaurante japonés elevado sobre una moderna palapa con vistas al Pacífico y obra del propio Alberto Kalach que ofrece una propuesta basada en pescados locales y de cercanía.
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TERRESTRE
Simplicidad sofisticada. Así podría definirse Terrestre, el nuevo proyecto de Grupo Habita en Puerto Escondido, en la costa de la siempre espiritual Oaxaca. Un hotel con una relación orgánica con la naturaleza, “conectado al sol y al mar” y totalmente alimentado con energías renovables, que abrió sus puertas el pasado febrero con el objetivo de reconectar a sus clientes “con el lujo de la naturaleza”. En Puerto Escondido, a escasos pasos de Casa Wabi, esta maravilla arquitectónica que proyectó el genial Tadao Ando, y muy cerca del Hotel Escondido, uno de los recintos de referencia del grupo hotelero, Terrestre nace con una vocación sostenible que se refleja en cada rincón de su construcción. Así, el aire acondicionado ha desaparecido de los siete modernos edificios que tiene la construcción gracias a las innovadoras técnicas que puso en práctica el arquitecto Alberto Kalach y su equipo del Taller de Arquitectura X (TAX), junto a Fernanda Romandia y Diana Backal, que apostaron por los tonos terrosos del ladrillo y la madera para jugar de manera magistral con el concreto, otro de los elementos característicos de este proyecto. Las 14 villas de la estancia, con baño exterior y alberca privada con vistas al Pacífico, se han decorado con mobiliario que realizó en exclusiva para la ocasión el diseñador mexicano Oscar Hagerman. Están rodeadas de una exuberante vegetación que
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El concreto, el agua y los paisajes lunares de las montañas del desierto forman una unidad en Paradero, en Todos Santos, una de las localidades más dinámicas de Baja California Sur.
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FOTO: YOSHIKOITANI PHOTOGRAPHY.
PARADERO La calidez del concreto y las montañas del desierto se entremezclan en el hotel Paradero Todos Santos, una joya arquitectónica obra del estudio Yektajo & Valdez en una de las localidades más atractivas de Baja California Sur, a escasos pasos del mar. Planteado como un establecimiento exclusivo para adultos, que “es más un proyecto paisajístico de alto diseño que un hotel”, Paradero ofrece 35 suites en las que los conceptos de interior y exterior se confunden gracias a los diseños de Yektajo y Valdez, quienes además plantearon un jardín botánico que ejerce como corazón del hotel. Otro de los órganos vitales del establecimiento es el restaurante, que se centra en los productos de proximidad con origen en granjas locales y en el jardín orgánico del propio hotel, así como en pescados que provienen tanto del mar de Cortés como del océano Pacífico “para servir sencillos platillos mexicanos con un sentido de cercanía”. En cuanto a las áreas de descanso, el spa y la alberca de media luna sirven como catalizadores de la idea de buscar el máximo descanso del húesped, y todo ello con vistas al desierto y a los espectaculares paisajes lunares que ofrece este rincón de México.
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Arriba, izquierda: la decoración de The Alest corrió a cargo de la interiorista Sofía Aspe; arriba: imagen de una de las terrazas del hotel, ubicada en una de las zonas más privilegiadas de Polanco.
FOTO: JOSÉ MARGALEFF.
THE ALEST Con un estilo ecléctico que juega entre lo londinense y lo neoyorquino, The Alest nace en Polanco, en la Ciudad de México, como la mejor opción para el turismo urbano en la capital del país. Esta propiedad busca ofrecer un servicio de lujo de clase mundial curado por Montserrat Barros y Gary Williams, de la firma Hospitality & Butler. El hotel, ubicado en un antiguo caserón de la calle Eugenio Sue, muy cerca del Parque Lincoln y de una de las zonas restauranteras más reconocidas de la ciudad, fue reformado por el arquitecto Ignacio Jiménez, quien planteó 13 habitaciones en diversos tamaños cuyo interiorismo corrió a cargo de Sofía Aspe. Además, tiene un restaurante, el 45, que dirige el chef Fernando Martínez Zavala y aspira a convertirse en un referente del fine dining capitalino gracias a unas propuestas en las que la tradición mexicana se fusiona con recetas más internacionales que pueden degustarse con algunos de los vinos de su excelente carta. Muy cerca, The Alest Bar, con un menú diseño de Limantour, uno de los mejores bares del mundo según The World’s 50 Best Bars, incluye una impor-
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tante selección internacional de vinos, así como de licores y bebidas tanto locales como procedentes del resto del mundo. Otra de las diferencias por las que The Alest es uno de los hoteles más lujosos de la capital, es el servicio de mobilidad que ofrecen a todos sus clientes gracias a su servicio de chofer, con recorridos que incluyen traslados al aeropuerto y otros de carácter turístico que pueden negociarse de manera privada con el concierge del establecimiento. Además, también se ofrece la posibilidad de celebrar reuniones tanto privadas como de negocios en alguno de los salones previstos por The Alest Experiences, especializado en la organización de eventos a la medida de cada necesidad en los que se incluye también la posibilidad de elegir el catering. El resto de la oferta para el huésped queda completada con la boutique Casa Ku, con una delicada selección de artesanías mexicanas cuya inspiración camina entre lo bohemio y lo contemporáneo y que miembros del equipo han seleccionado con dedicación a lo largo de los años.
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Izquierda: la casa de la Playa se distingue por su arquitectura ecointegradora; arriba: los integrantes del ensamble gastronómico de La Casa de la Playa; página opuesta: este hotel boutique ofrece experiencias a medida que buscan la reconexión.
Cuenta una leyenda que en La Casa de la Playa todas las cosas tienen alma... Y es que no es en vano que este hotel boutique de 63 suites esté localizado ante una franja de playas de arena blanca frente al Caribe mexicano y rodeada de esa misma selva que cobijó a la milenaria cultura maya. Este nuevo concepto de hotelería boutique parte de una idea clara: en la vida hay que dejar huella y las experiencias que vives, creas y compartes cuentan tu historia. Sus apuestas son el lujo sostenible, la máxima personalización de las experiencias ofrecidas -cenas privadas en un cenote, ceremonias de purificación y tours en cavernas, entre muchas otras-, mismas que permiten a los huéspedes conectar consigo mismos y con sus seres queridos. Además, el cuidado del medio ambiente se refleja en los edificios ecointegradores que se han convertido en el sello de identidad del arquitecto David Quintana. Divididas en tres áreas –Natural, Fiesta y Wellness–, cada una de las suites tiene una personalidad propia y son un lienzo perfecto para mostrar a los huéspedes el talento de los artesanos de nuestro país. Todas tiene alberca y ofrece la máxima privacidad a sus habitantes;
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al conjugarse con la calidez del staff los hace sentirse como en su propia casa. Los cuatro conceptos culinarios de la propiedad están a cargo de un ensamble gastronómico de primerísimo nivel integrado por chefs de renombre internacional. Virgilio Martínez –chef peruano fundador de Central– está a cargo de Estero, un espacio donde los sabores de México y Perú se fusionan reflejando sus profundas investigaciones sobre los ingredientes de regiones tan distintas como el Caribe, la Amazonia y la cordillera de los Andes. Tuch de Luna es el restaurante en el que la chef Martha Ortiz da rienda suelta a su narrativa llena de vivos colores y elegante feminidad. Los hermanos Rodrigo, Patricio y Daniel Rivera-Río, originarios de Monterrey e insuperables exponentes de la cocina norestense, son los responsables de Centli y Lumbre, dos conceptos que exploran las tradiciones de estados como Chiapas, Tabasco, Veracruz y Sonora. Una chocolatería, una biblioteca, una concept store, una cava, un spa y, sobre todo, una alberca de 40 metros que se interna en el azul del mar son los elementos de una fórmula cuyo resultado son recuerdos inolvidables.
FOTO: CORTESÍA.
LA CASA DE LA PLAYA
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Ubicado a escasos kilómetros de la frontera entre Jalisco y Colima, el nuevo Four Seasons Tamarindo cuelga literalmente sobre el océano Pacífico para ofrecer a sus huéspedes una de las mejores vistas del país.
Enclavado en la costa de Jalisco, en una península privada que cuelga sobre el Pacífico, entre las localidades de La Manzanilla y Barra de Navidad, el nuevo Four Seasons Resort Tamarindo se erige como la última adición de la cadena canadiense en su firme apuesta por México. “Jalisco es una región muy versátil con una profunda conexión con sus raíces prehispánicas”, declaró recientemente Herve Fucho, gerente de un establecimiento que ofrecerá al visitante la atención y el lujo característicos de Four Seasons en una reserva natural privada con vistas al océano que también incluirá importantes opciones para el descanso, la gastronomía y el deporte. Prueba de ello es la reciente contratación de Nicolás Piatti como responsable de las cuatro opciones culinarias que ofrece el establecimiento: Coyul, el restaurante insignia del hotel, se inspira en “la generosidad de México”; Sal, una experiencia gastronómica junto al mar donde degustar pescados y mariscos capturados en los alrededores; Nacho, una taquería tradicional en la que los ingredientes de proximidad son su principal característica, y Nue-
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ve, un restaurante ubicado en el campo de golf de 18 hoyos diseño del prestigioso David Fleming que en las noches se transforma en un asador mexicano. Además, el nuevo Four Seasons Tamarindo tiene tres albercas, gimnasio, canchas de tenis y áreas para reuniones o trabajo, aunque es el spa la verdadera joya de la corona. Un recinto “orgánico”, en el que los huéspedes tendrán a su disposicón ocho salas de tratamiento, saunas, baños de vapor y albercas de agua fría y caliente. Todo en un edificio ubicado en medio de la jungla jalisciense. En cuanto a las instalaciones hoteleras, el Tamarindo ofrece 157 habitaciones con vistas al mar o a la jungla, de las cuales 63 son suites, y las habituales villas privadas que la cadena ya ofrece en otras ubicaciones de todo el mundo. El desarrollo del nuevo Four Seasons, ubicado a 40 kilómetros del aeropuerto de Hermosillo-Costalegre estuvo a cargo de Paralelo 19, compañía inmobiliaria que se centra en la construcción de espacios y edificios con una marcada mirada hacia la sostenibilidad y el respeto al medio ambiente.
FOTO: © FOUR SEASONS.
FOUR SEASONS TAMARINDO
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Arriba: UNICO 20°87° Hotel Riviera Maya tiene tres bares y tres albercas exteriores con vistas al mar Caribe donde disfrutar de los mejores cocteles internacionales.
FOTO: CORTESÍA.
UNICO 20º 87º La opción de viajar a la Riviera Maya y disfrutar de un hotel all-inclusive con un servicio de categoría internacional y todos los lujos imaginables es posible en UNICO 20°87°, un espacio de acceso exclusivo para adultos enclavado en un área de playa privilegiada entre Playa del Carmen y Tulum, el corazón del Caribe mexicano. Un espacio para la relajación y el descanso que además de ofrecer experiencias exclusivas en su recinto destinado al wellness también presume una delicada curadoría de bares y restaurantes. Desde la comida más tradicional, hasta el fine dining, pasando por cafés casuales con vistas a sus albercas. Todo ello acompañando todas las experiencias exteriores que propone la propiedad, como navegar en catamarán alrededor de isla Mujeres, nadar con delfines, explorar el sistema de cenotes de la región o disfrutar del esnórquel en una de las mejores zonas del mundo para su práctica, así como organizar tours exclusivos tanto en Quintana Roo como en Yucatán. Para celebrar la llegada de 2022, y con ella el regreso a la normalidad turística y viajera, UNICO
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20°87° ha presentado recientemente “22 experiencias extraordinarias” relacionadas con la gastronomía, el entretenimiento, el arte y la cultura con la que el equipo del hotel quiere sorprender a todos los viajeros que opten por disfrutar de su tiempo de relax en este rincón del Caribe mexicano. Así, podrán disfrutar de clases personalizadas de mixología, del paddle surf en el Caribe, de rituales de belleza especiales, de circuitos de hidroterapia o de eventos exclusivos, entre otras muchas opciones.
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LA CIUDAD DE MÉXICO EN LOS OJOS DE HORACIO PANCHERI LYS-174-VIAJES-GUIA HORACIO.indd 202
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Nadador profesional en su juventud, modelo y actor de éxito. La vida de Horacio Pancheri es un camino hacia lo desconocido desde que decidió abandonar Buenos Aires para instalarse en la Ciudad de México. Descubrimos junto a él sus rincones favoritos de la capital en un paseo por las colonias Roma y Juárez, que es también un viaje a sus inicios en el país.
TEXTO: DANIEL GONZÁLEZ FOTOS: GERARDO SANDOVAL #SHOTONIPHONE MODA: RUTH BUENDÍA / ASISTENTE DE MODA: ALAN URBANO
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natación, el deporte que me ocupó hasta los 28 años”. Fue entre los 18 y los 19 años, una vez que abandonó la carrera de periodismo deportivo –“estuve solo un curso y no me gustó”, explica–, cuando Pancheri nadó de manera compulsiva, tanto que estuvo a punto de representar a Argentina en los Juegos Olímpicos de Atenas 2004. “Me quedé a solo 20 centésimas”, recuerda con resignación. Y fue en la alberca, paradojas de la vida, donde encontró el parteaguas que cambiaría su vida y que unos años más tarde le llevaría a cruzar todo el continente americano hasta llegar a México. “Estudiaba la licenciatura en Deportes en la Universidad del Salvador, en Buenos Aires. Quería ser preparador físico de un equipo de fútbol; ese era mi verdadero sueño. Trabajar para Boca, para la selección. Eso es lo que quería hacer en la vida”, explica. “Pero un día llegó un equipo de publicistas a la alberca buscando nadadores para un comercial de Estados Unidos y me eligieron. Me pareció divertido y me quedé”, recuerda. Más tarde, ya licenciado, llegaron los books, las presentaciones ante las agencias y la elección del modelaje comercial como profesión definitiva. Fue entre cámaras, viajes y focos cuando la opción de la interpretación empezó a aparecer en su horizonte profesional. “La gente me decía que probara en México, que había muchas oportunidades para actores argentinos, pero en realidad yo estaba muy bien en Argentina. Tenía mi casa, mis amigos, mi novia…”, recuerda. Pero la idea estaba sembrada y decidió prepararse para dar un salto que sería no solo profesional, sino también vital. “Me fui a España dos meses a tomar algunos cursos y también trabajé con maestros en
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Podría decirse que Horacio Pancheri (Buenos Aires, 1982) vive en una maravillosa contradicción. Argentino enamorado del vino europeo, porteño emigrado a la Patagonia e hincha del Boca Juniors, pero figura del equipo de natación de River Plate en su juventud. Llegó a la Ciudad de México en 2012 como modelo publicitario para apenas unos meses después transformarse en actor de éxito. “Jamás en mi vida me imaginé ser actor. Soy una persona muy introvertida. Solo el hecho de pensar en pararme en un escenario me daba vergüenza”, confiesa a Life and Style mientras paseamos por las colonias Roma y Juárez de la Ciudad de México, refugios capitalinos del protagonista de El juego de las llaves, la serie de Amazon Prime Video que a finales de este año estrenará su tercera temporada y que ha transformado su interpretación y su relación con la industria. “Ser galán de telenovela te puede dar mucho, pero también te puede poner muchas trabas, así que hubo un momento en que necesitaba romper el molde. Cuando salió la oportunidad de rodar El juego de las llaves, una coproducción entre Amazon y Pantalla, unos me veían para el papel de Sergio, que al final fue para Sebastián Zurita, y otros para el de Valentín, que fue con el que finalmente me quedé. Necesitaba hacer algo diferente”, puntualiza. Dicharachero, seguro de sí mismo y acostumbrado a las cámaras, asegura, sin embargo, que el camino para convertirse en una de las caras más reconocidas de la televisión mexicana, fue siempre azaroso. “Mi papá era médico y cuando yo tenía cuatro años lo trasladaron a Esquel, en el sur del país. Luego, cuando tenía 12, tuve un problema de asma que me llevó a la
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Madre Café (1) “Este café está ubicado en una casa que tiene más de 80 años y eso es algo que me encanta. Además, los desayunos son increíbles, parecen hechos para que la gente tome fotos y las suba a su cuenta de Instagram. Hoy pedí una omelette para intentar cuidar la figura, aunque terminamos comiendo hot-cakes… Es un lugar al que me encanta ir en las mañanas a leer, ver gente y disfrutar de un buen espresso. Soy un gran amante del café”. @madre_cafe
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Galería Arróniz (2) “Esta galería de arte me la recomendó mi amigo Alejandro, y durante nuestra visita el dueño Gustavo Arróniz nos permitió pasar para ver los preparativos de la exposición de Omar Rodríguez-Graham, que tenía una pinta increíble. El espacio siempre me ha parecido muy atractivo y cada vez que puedo animo a todos los amantes de las artes plásticas que conozco para que la visiten y conozcan su propuesta, que siempre me ha parecido muy interesante”. @galeriaarroniz
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Milk Pizzería (3 y 4) “La verdad es que las pizzas argentinas son muy buenas y tienen muy buena fama, pero para mí Milk prepara las mejores pizzas no solo de la capital, sino de México. Son deliciosas, muy delgadas y con orillas esponjosas. Además, al estar hecha en un gran horno y con masa madre, puedes comer varias porciones y nunca te van a sentar mal. Sus entradas y sus ensaladas también son deliciosas. Es un lugar un poco escondido, pero lo recomiendo muchísimo”. @milkpizzeriaroma
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Expendio Durango (5 y 6) “El lugar es muy bonito y está situado muy cerca de Madre Café, es un lugar que se puede considerar como un delicatessen. Encuentras quesos, mezcales, vinos orgánicos, fiambres… Me encanta su torta de jamón, es espectacular. Me tomé un té para hacer la digestión de los huevos y los hot-cakes de Madre Café, pero es un lugar perfecto para tomar el aperitivo antes de ir a comer. Además, es de los mismos dueños de Contramar”. @expendiodurango
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Plaza Río de Janeiro (7) “Es un parque que siempre me ha encantado, desde que llegé a la ciudad por primera vez hace ya algunos años. El sonido del agua en las fuentes, las sombras, los árboles, los jardines… Me parece el lugar ideal para disfrutar de un buen un rato viendo a la gente pasar, para sentarse a leer o simplemente para disponer de un tiempo en soledad o reflexionar sobre la vida al aire libre. Se lo recomiendo a todos los mexicanos y a todos los turistas que pasen por la Ciudad de México”.
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Querencia (8) “Es un establecimiento que me parece súper cool. Siempre me han gustado las plantas y los inciensos de todo tipo, y este es un sitio al que, en cuanto tengo un momento libre, paso a darme una vuelta para comprar mi incienso de copal o de palosanto o del que se me antoje ese día. Precisamente, la última compra que hice fue una mano para sujetar el incienso. Entrar en Querencia es respirar buena onda y buena vibra. Me encanta recomendarlo”. @querencia_mx
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En palabras de Horacio Pancheri, los desayunos de Madre Café parecen estar hechos para que los visitantes inunden su cuenta de Instagram con fotos de sus platillos.
Argentina, hasta que en 2012 me mudé a México. No quería quedarme con las ganas”. Tenía 30 años. “No es muy normal que un tipo decida que quiere actuar a los 30 años”, reconoce. Recién aterrizado, en un entorno desconocido –“siempre me ha costado salir de mi zona de confort”, reconoce– y con la idea de dirigir su vida hacia la actuación, Horacio comenzó a trabajar con el reputado René Pereyra, actor y maestro de actores y persona clave en su evolución como intérprete. “Me sacó cosas de adentro que no conocía. Me enseñó a ser vulnerable, a contar mis miedos, a enfrentarme al público. Aprendí a sacar las cosas que tenía guardadas”, rememora. Con Pereyra estuvo seis meses, hasta que recibió una llamada de Televisa. Querían contratarlo, pero antes era necesario pasar por el Centro de Educación Artística (CEA) de la poderosa televisora. “En el CEA estuve seis meses y aprendí muchísimo, sobre todo, acerca de rodajes en televisión, que no había hecho antes”, explica sobre la institución en la que se vio obligado a competir con actores y actrices mucho más jóvenes. “En ese momento me ayudó que ya tenía cierta madurez, pero también la disciplina que me dio la natación. Estudiaba absolutamente todo, los monólogos, las escenas… Competía contra chicos y chicas de 20 años que estaban en otro momento de su vida. Pero yo con 30 años me quería comer el mundo”, analiza. “No es normal llegar tan tarde a la actuación. La mayoría de la gente empieza a estudiar desde muy
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joven o son hijos de trabajadores de la industria”, reflexiona. En realidad, no parece que llegara tan tarde: Internet Movie Data Base, biblia pagana del cine y la televisión, le acredita varias películas, series y telenovelas, la última en 2021. Acostumbrado a los cambios de dirección que ha tomado su vida desde aquel iniciático cambio de domicilio familiar, Horacio Pancheri se aferra al cine y a la televisión, pero tampoco demasiado. “Esta es una carrera muy linda, pero también muy ingrata. Puedes hacer un gran proyecto y luego no te llama nadie en ocho meses. Hay que aprender a convivir con esa vida. Al final uno es su propia empresa, su propia marca… Es una profesión inestable. Si hay trabajo, hay marcas y dinero y todo va bien. Cuando no, hay que adaptarse”, describe. Por el momento, tiene en mente Héroe de un lobby, la obra de teatro que estrenará en marzo en el Teatro Rafael Solana de la Ciudad de México. Hasta entonces, tendrá tiempo para pensar en el vino, su otra pasión, más telúrica, pero también más epidérmica. “Me encanta el vino. Conozco a bodegueros, me gustan las catas a ciegas y los viajes relacionados con el vino. Aún no lo he convertido en negocio más allá de una cuenta de Instagram (@lauvanoble) en la que voy subiendo pequeñas reseñas, fotos y reflexiones. Pero el día de mañana sí me gustaría hacer algo relacionado con el vino para educar, para incitar a la gente a que pruebe, a que se acerque a este mundo que es maravilloso”.
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VIAJES
El look de Horacio: chamarra, pantalón y zapatos, Ermenegildo Zegna; camiseta, Adolfo Domínguez.
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UNA POSTAL DESDE...
Un templo del arte contemporáneo
Además de sus diez galerías distribuidas en sus diferentes niveles, el recinto también tiene un restaurante a cargo de los chefs Michel y Sébastien Bras.
París se enriquece con la apertura de la Bourse de Commerce-Pinault Collection.
Les Halles (los mercados centrales, en español) es un barrio parisino localizado a espaldas del Museo de Louvre y muy cerca del Centro Pompidou que hasta 1968 reunía a los comerciantes mayoristas de la capital francesa. En sus calles destaca un edificio de planta circular rematado por una cúpula de hierro y vidrio. Originalmente el espacio se destinó a negociar el comercio de granos, y a finales del siglo XIX se convirtió en sede de la Bolsa de Comercio. Desde el año pasado, y después de pasar por una ambiciosa transformación que encabezó el despacho del arquitecto japonés Tadao Ando y Niney et Marca Architectes, este histórico re-
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cinto es hogar de la colección de arte del conocido empresario François Pinault. La Bourse de Commerce-Pinault Collection reúne más de 10,000 obras –pinturas, esculturas, videos, fotografías e instalaciones, entre otras– de más de 300 artistas internacionales. Dado que su foco es el arte que se ha producido desde los años 60 hasta nuestros días, este es el primer museo parisino dedicado exclusivamente al arte contemporáneo de una colección privada. Lo antiguo y lo nuevo fluyen en el interior de este monumento histórico que, sin dejar de honrar su rico legado, conmueve con la belleza de sus tesoros.
FOTO: MARC DOMAGE
TEXTO: PEDRO AGUILAR RICALDE
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