juLio 2011 // DistRibuci贸n gratuita
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CUT COPY /fernando milagros / katerine gierak / tom谩s nazal / tom morello
index
extravaganza nº 87
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Cut Copy
Durante su paso por chile, Don Whitford y Ben Browning conversaron con Nico Castro sobre la escena australiana, el éxito de Zonoscope, las expectativas sobre lo que viene y la hospitalidad chilena.
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Tomás Nazal
Aprovechando la salida de Red to Violet, el esperado primer disco de Howlers, el guitarrista habló con Rolando Inostroza sobre sus primeros pasos por la música y el camino recorrido hasta ahora.
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Fernando Milagros
Tras su pasó por Primavera Sound, Fernando Milagros volvió a Chile a terminar de grabar San Sebastián, su próximo álbum. Andrés Panes lo entrevistó para el Reporte Estudio de este mes.
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extravaganza nº 87
José Antonio Sepulveda director Fernando Mujica Maureira Representante Legal Francisco Mujica Maureira Gerente Comercial Rodrigo Mahana Editor Víctor Hugo Carvallo Diseño Isidora Garcia Lisette Jorquera Producción Periodística Javiera Tapia Colaboradores Andrés Panes Rodolfo García Aníbal Valenzuela Rodrigo Salinas Rolando Inostroza Gabriel Reyes Jorge Rubio Miguel Ángel Castro Felipe Arratia Luis Felipe Fuentealba Carol Bravo Mauricio Aravena José Antonio Sepúlveda Sebastián Soto
Martín De Mussy Sebastián Amado Manuel San Martín Andrés Venegas Diego Huenchur Manuela Ovalle Cristián Carrasco Jean Parraguez Carlos Torrejón Pamela Palma Juan Fco. Guzmán Andrea Von Dessauer Sofía Villanueva Javiera López
El clásico Mente Zero vuelve a las páginas de Extravaganza! después de trece años, para compartir todo su conocimiento y buen gusto. Luego de un fructífero paso por Europa, este múltifasético músico regresó al país para sacar su propia marca de poleras, una productora de fiestas y un fanzine. Entremedio de todo esto, se da el tiempo de escribir para nosotros. El gusto es nuestro.
Javiera lópez Esta estudiante de quinto año de periodismo de la Universidad Diego Portales, llegó a la revista en busca de su práctica profesional. Actualmente está escribiendo para el sitio web y debutó en nuestra edición en papel en el número de junio. Por otra parte, se encuentra haciendo un documental sobre música nacional y espera continuar por este camino una vez que egrese.
Fotografía Ignacio Gálvez Diego Maya Wladimir Rojas Daniela León impresion Quebecor World Chile S.A. CONTACTO Nueva de Lyon 105 local 12A, Providencia, Santiago // Teléfono: 335-0741 www.extravaganza.cl contacto@extravaganza.cl twitter:@EXTRAVAGANZAmag
Julio 2011 Edición 87 Fotografía *Diego Maya
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3 01 Speaker Boombox 3 Parte de la nueva línea de TDK, que entrega una mezcla de calidad, versatilidad y potencia. Inspirado en modelos de los ochentas, funciona con doce pilas ‘D’ e incorpora tres parlantes con tono profundo. Tiene un subwoofer de seis pulgadas con una salida de 35 watts, y dos canales que dan un sonido claro con agudos nítidos. Posee diversas opciones de entrada para conectar dispositivos de audio en formatos mp3, WMA y Apple. www.tdkperformance.com 08 //
02 Harman Kardon MAS 102 El nuevo sistema acústico de la compañía Harman Kardon busca llevar al hogar un sonido de calidad envolvente en un equipo de tamaño reducido. Para asegurar ese nivel de fidelidad, MAS 102 consta de dos parlantes con bass-reflex de 65W de potencia. Además, posee reproductor de CD y radio FM, entradas de audio análoga y digital, dos puertos USB en el frente y uno en la parte posterior, y conexión a iPod e iPhone. www.harmankardon.com
03 Party Cube Este parlante
es compatible con los diversos modelos de Apple, como iPhones e iPod Touch. Su diseño cuadrado, compacto, con toques minimalistas, brinda comodidad y estilo. Puede ser transportado a diferentes lados fácilmente. Cuenta con altavoces multidireccionales, que dan un sonido de alta calidad, baterías recargables de litio, que soportan entre cuatro y seis horas de uso, y un mango plegable que permite una manipulación fácil. www.memorex.com
04 JVC RV-NB70 La nueva JVC Kaboom con forma cilíndrica y un woofer en cada extremo -basada en la esencia del diseño original de 1998-, llega actualizada y con una serie de funciones a su ya reconocida calidad de sonido. Incorpora entradas para guitarra y micrófono junto al control de nivel y un conector dock de iPod e iPhone. Cuenta con 40 watts de potencia y es compatible con el formato MP3 y WMA mediante su conexión USB y el reproductor de CD. www.jvc.com
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05 Polaroid GL10 La impresora instantánea portátil de Polaroid retoma una idea del pasado para renovarla con lo mejor del presente. Sin necesidad de tinta, el modelo GL10 es capaz de imprimir fotografías en alta calidad de 3 x 4” en 45 segundos con su tecnología ZINK Imaging. Tiene conexión Bluetooh para impresiones desde smartphones como Blackberry o Android y otra USB para cámaras digitales, PC o Mac. Puede realizar un máximo de 35 imágenes. www.yamaha.cl
06 Stanton SCS 4DJ Este sistema de audio ofrece modos de mezcla que están pensados para expertos y principiantes. Integra software y controladores que no hacen necesario contar con un computador. Esa ventaja permite que sólo baste con dispositivos de almacenamiento como discos duros para trabajar sobre la música desde una conexión USB. Posee una pantalla LCD para visualizar las frecuencias y dos discos touch para hacer scratch, retroceder o avanzar la pista. www.stantondj.com
07 Maschine Este nuevo controlador de sampling combina lo mejor de una groovebox, más lo innovador, práctico y versátil de las actuales plataformas. Cuenta con un arsenal de sonidos increíbles, además de varios kits de afamados artistas y una gran sonoridad final de los tracks. Funciona como instrumento virtual compatible con cualquier software de audio apto para esta modalidad. Posee cerca de 15.000 samples, entre los que se incluyen más de 700 bombos y 250 cajas, entre otros. www.djstore.cl
08 Traktor Kontrol X1 Entrega un control súper intuitivo frente a los loops, sincronización y efectos. Con perillas diseñadas a precisión y funcionalidad plug & play, este elegante hardware es el controlador para todas las versiones de Traktor en cualquiera de las formas. Sus perillas rotatorias son robustas y cómodas, con sensación de peso y botones retro iluminados que entregan precisión visual y táctil, permitiéndote profundizar sin tocar tu computador. www.djstore.cl
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06 Urban Outfitters Lo que muchos estaban esperando, ya llega a Chile. Urban Outfitters, la multitienda unisex norteamericana con más fans en el mundo por calidad, precio y selección de diseñadores, hace envíos a nuestro país desde hace unos meses. Con un valor de shipping que parte desde los US $ 30, podrás adquirir desde prendas de Malababa hasta joyas de Laura Lombardi a la puerta de tu casa. Y lo mejor, antes de temporada. www.urbanoutfitters.com 07 Bicicletas Gama Es una empresa chilena joven y dinámica, que busca incentivar y potenciar el uso de la bicicleta como medio de transporte urbano, que posee beneficios como ser un medio no contaminante, económico y saludable. Gama Bikes proporciona una excelente alternativa para aquellos que comparten esta pasión y que buscan los más altos estándares de calidad. La línea está compuesta por cómodos y atractivos diseños que apuntan a satisfacer los distintos estilos de quienes a diario se mueven por la ciudad. www.gamabikes.com
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03 Becker Becker ha decidido facilitarte el camino para la elección de la cerveza más helada, con una revolucionaria creación. La marca presenta su nueva etiqueta con un indicador de frío que cambia de color cuando la cerveza se encuentra con la temperatura ideal para que la disfrutes. Esta innovación está en el extremo superior izquierdo de la etiqueta y deja ver una “B”, cuando alcanza menos de seis grados. La impresión del mecanismo está hecha con la última tecnología en tintas termo sensibles que garantizan su precisión www.becker.cl
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11 A.Y. Not Dead Noel Romero es el cerebro tras A.Y. Not Dead, marca con ocho tiendas en Argentina que fue presentada recientemente en la feria de diseño Ropero Paula y ya tiene lugar físico en la calle Tegualda del Barrio Italia. El rock y el arte son su fuente de inspiración, por lo que no se hace difícil imaginar el resultado, sabiendo, además, que una de sus escuelas fue el Saint Martins of Art & Desing de Londres. Cuero, pieles, remaches, jeans y estampados de bandas se mezclan en un look irresistible.
www.aynotdead.com.ar
05 Mala Racha Con la idea de crear prendas de vestuario y accesorios femeninos basados en conceptos nostálgicos como el naif y vintage romántico, nace el 2009 Mala Racha, tienda que hoy se ubica en el clásico paseo del diseño, Drugstore Providencia. Este año nos presenta tres colecciones donde la mezcla de telas y colores desembocan en un solo concepto, aportando prendas que, además de ser exclusivas, dan muestra de buen gusto y tendencias extranjeras de revival, a las que para acceder ya no será necesario acudir a tiendas de segunda mano. www.malaracha.cl
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MY PANDA SHALL FLY Una computadora cargada de ruidos y una barba gigante. Los dos elementos básicos con que este músico nacido en Sri Lanka recorre Europa en busca de nuevas sensaciones. Su nombre real es Suren Seneviratne y ya ha generado cierto ruido por su relación con la gente del sello Witchita para su subsidiaria Growing. Improvisación futurista, mucho de lo que hoy denominan future bass y paciencia india tiene este prodigio de apenas 23 años. Un puñado de remezclas, trabajos junto al productor Throwing Snow y colaboraciones con Dam Mantle -el cerebro de la compañía que lo fichó-, se transforman en
Suena como: Gold Panda, Fying Lotus, Toro y Moi. www.myspace.com/mpsf
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Vibraciones del Asia meridional un currículo esquivo en logros, pero sumamente atractivo para quienes logran degustar sus propias recetas pro dubstep. El pasado 11 de abril editó oficialmente su primer epé titulado Sorry I Took So Long. Apenas tres canciones (‘Injury’, ‘Xerox’ y ‘Yoyo’) y algunas complejas reversiones de su propio universo. De lo poco bueno, como versa el refrán popular. Hoy, My Panda Shall Fly, que comenzó siendo un trío, se prepara para grabar un nuevo mini álbum. Percusión, teclados, Gameboy e hyperdub. Un nuevo lenguaje asiático Fernando Mujica
nuevos sabores
PARENTHETICAL GIRLS Distinta ciudad. Distinta formación. Distinto nombre. Primero fue The Swastika Girls, una iniciativa colectiva surgida en Everett, Washington y fundada el 2002 por Zac Ennington, quien entonces estaba acompañado por Jherek Bischoff -de The Dead Science- y Jamie Stewart -de Xiu-Xiu-. Luego, el 2004, la renovación. El proyecto es rebautizado, Stewart se retira de la banda y Ennington se reubica en Portland, Oregon. Desde entonces, integrantes van, integrantes vienen, y en el intertanto surgen más y más canciones. ¿El resultado? La discografía actual de Parenthetical Girls, editada casi en su totalidad a
Pop de a momentos través de Slender Means Society -su propio sello- incluye más de una decena de lanzamientos, entre discos y epés. Y entre ellos, tres de las cuatro ediciones limitadas que compondrán Privilege -sí, una idea digna de Billy Corgan-, el cuarto álbum de este conjunto dueño de un pop barroco impredecible y ajeno a los lugares comunes de ese estilo. A ratos iluminado, a ratos oscuro. A ratos experimental, a ratos casi gótico. Como este grupo, que a ratos existe y a ratos no. Sebastián Amado C.
Suena como: Xiu-Xiu, Casiotone for the Painfully Alone, The Dead Science www.myspace.com/parentheticalgirlsband
CUT COPY Más música que luces
Algo que abunda hoy en Australia son las bandas de pop electrónico. Gran parte de ellas le debe mucho a Cut Copy, quienes antes de tocar en Santiago por segunda vez en menos de seis meses, nos contaron sobre la difícil tarea de allanar el camino en su país, sus deseos de perdurar y evolucionar y de su relación ya casi familiar con Chile.
Por Nicolás Castro Fotografía * Diego Maya
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Por Rodolfo Garcia FotografĂa * Javiera Tapia
En los tiempos que corren actualmente, seis meses pueden ser una eternidad. Esa premisa se aplica aún con más fuerza para la industria de la música. Durante ese lapso, un grupo puede haberse formado, subido sus canciones a Internet, dado sus primeras entrevistas e incluso haber obtenido una portada. Ahora, si los ojos del mundo ya están puestos sobre ti, seis meses pueden ser cruciales. Un paso en falso y desapareces del mapa; un acierto y te consagras para la posteridad. En esa encrucijada recibimos a Cut Copy en la madrugada del primero de enero. En una decisión que no sólo sorprendió acá, sino también en varios medios internacionales, el cuarteto australiano decidió viajar varias horas para presentarse en Chile y festejar el año nuevo junto a nosotros. Y vaya que han cambiado las cosas para ellos desde entonces. Pero vamos por parte. Esa primera visita fue tan corta como intensa. Sin siquiera poder sacudirse el cambio de horario, llegaron y probaron sonido. Almorzaron, descansaron, cenaron. Se abrazaron a las doces, tocaron a eso de las dos y media de la mañana, pusieron música en la fiesta y se fueron al aeropuerto. Por cosas del destino, los orígenes de esta entrevista se remontan a esas fugaces 36 horas. Alejado de mi labor de periodista, me vi como improvisado chofer durante el día del show. Un almuerzo que parecía tedioso, dejó de serlo gracias a un enorme barros luco que sirvió para romper el hielo y ver el lado humano de estos músicos que, no mucho tiempo atrás, tenían trabajos de oficina como cualquier otra persona. Luego, una caminata por una desierta avenida Providencia y el posterior camino en auto hacia el hotel, sirvieron para saber que su banda
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actual favorita era Deerhunter y que estaban más emocionados por girar con ellos durante enero y febrero que por lanzar su tercer disco. Un regreso consagratorio Efectivamente, muchas cosas pasaron en estos seis meses con Cut Copy; y el anuncio de su regreso esta vez fue distinto. Cinco semanas después de su debut en Chile, el sucesor del celebrado In Ghost Colours (Modular, 2008) demostraba ser un paso arriesgado en su carrera. Un claro matar o morir. Pero Zonoscope (Modular, 2011) rindió, cosechando elogios y desprendiendo dos o tres hits que no han parado de sonar desde entonces. Y, como consecuencia, llegó la extenuante gira de promoción. Por eso, esta segunda visita fue diferente. El ritmo era otro. A pesar de llevar una semana en un huso horario similar, sus caras delataban el desgaste propio de un show intenso tras otro. Pero, para sorpresa de todos quienes estuvimos con ellos en enero, el reencuentro se dio de forma natural. “¡Hey, nuestro chofer!”, me dijo Dan Whitford, líder y vocalista, cuando me vio la noche previa al show. Al día siguiente, justo antes de la entrevista propiamente tal, los sorprendidos fueron él y Ben Browning, el bajista, cuando me vieron con la grabadora. “Sí, el chofer les va a hacer unas preguntas ahora”, dije, mientras respiraba aliviado al haber sorteado el tradicional momento en el que el hielo se rompe. La primera pregunta obligada era sobre sus percepciones del antes
y después. “Nuestro viaje para año nuevo fue increíble. En tan poco tiempo pudimos recorrer parte de la ciudad, comer rico, conocer gente simpática y dar un concierto que disfrutamos mucho. Tenemos muy lindos recuerdos y estamos felices de estar acá otra vez”, comienza Whitford. ¿Por qué eligieron pasar su año nuevo en Chile? DW: “Porque nunca habíamos tocado y nos pareció una buena idea. Los productores mostraron mucho interés y la opción de venir a un lugar del que no sabíamos nada nos pareció la más emocionante de todas. Habíamos estado en Colombia, así que decidimos volver a esta parte del mundo. Estamos felices de haberlo hecho”. ¿No sabían nada de Chile? BB: “No, nada. Leímos sobre los mineros, que fue una gran noticia alrededor del mundo, pero eso es todo. Nuestra experiencia cultural acá fue muy parecida a lo que vimos en Europa. Esperábamos ver cosas parecidas a las que conocimos en Colombia y México, pero nos encontramos con algo totalmente distinto. Tal vez la arquitectura o lo relajada que es la gente, no sé”. DW: “Nuestra primera vez en Sudamérica fue en Colombia y nos pareció que algunas cosas eran un poco primitivas. Acá encontramos que era mucho más fácil moverse por la ciudad. Nos sentimos muy a gusto, porque además la gente se pudo comunicar con nosotros más fácilmente”. BB: “Sí, y nos cuidaron tan bien la primera vez, que volver ha sido definitivamente como reencontrarse con viejos amigos o familia”. Australia, del rock al baile Algo debe tener el agua en Australia. Durante los últimos años, uno levanta una piedra y salen bandas nuevas que toman como referencia el sonido new wave y la música disco, para fusionarlos con rock. Y algo de eso definitivamente ha tocado una tecla en nuestro país, ya que todos los que han venido desde allá -Miami Horror, Bag Raiders y Midnight Juggernauts-, se han ido con ganas de querer volver. “Suponemos que sí, que existe esa escena que usa sintetizadores y que nosotros somos parte de eso. Pero desde que salió In Ghost Colours, estamos tan poco en casa que ya no lo vemos desde adentro como antes”, explica Whitford. No es algo que digan ellos, pero cronológicamente Cut Copy tuvo la difícil misión de abrir el camino para los sintetizadores en un país que seguía una tradición rockera, sobre todo a principios de la década pasada. Bandas como Jet o The Vines eran los encargados de llevar la bandera australiana al resto del mundo, por lo que el cuarteto de Melbourne tuvo mucho trabajo que hacer para ser aceptado. “Creo que Australia siempre ha tenido una escena activa, pero ésta es la primera vez en que hay un conjunto de bandas haciendo electrónica en vivo que la gente quiere ver. Antes de eso, lo único que había era un DJ jugando con los efectos y eso no es muy interesante para el público. Por lo mismo, el hecho de que hayan grupos que lo hagan en vivo ha llamado la atención y los jóvenes que han crecido con eso lo han adoptado como su propio sonido”, cuenta el cantante. ¿Fue muy difícil introducir ese sonido en una escena rockera? DW: “Sí, porque cuando empezamos había mucha gente que pensaba que la música electrónica era más bien patética. Y como no existían muchas bandas como nosotros, teníamos que tocar con grupos de rock o punk. Había una cierta actitud despectiva de parte de los más puristas, que no creían que tocáramos nuestros instrumentos. Pero nunca lo vimos como competencia. Simplemente éramos felices haciendo nuestra música y tratando de que la gente lo pasara bien. Nos costó un poco más, pero estamos satisfechos de haber hecho algo distinto”.
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Australia siempre ha tenido una escena fuerte, pero ésta es la primera vez en que hay un conjunto de grupos haciendo electrónica en vivo que la gente quiere ver
”
Extraña nostalgia por el futuro Crear su segundo disco debe haber sido mucho más fácil que Zonoscope, el tercero y el que vinieron a mostrar. Con mucho más público pendientes de su siguiente paso, era vital no repetirse para salir airosos. Después de ver los resultados, queda claro que la apuesta rindió sus frutos. ¿Sintieron mucha presión al hacer Zonoscope? BB: “Sí, pero no en el sentido de que nos fuera mejor o de conseguir más éxito, sino que, más que nada, queríamos hacer algo que nos dejara contentos y que se sintiera como una progresión”. Da la impresión de que In Ghost Colours era mucho más pop y que en Zonoscope experimentaron con nuevos sonidos y estructuras. ¿Sienten que ya probaron todo y que ahora están en la posición de hacer lo que se les ocurra? DW: “Siempre va a haber algo que probar. Si no es a otras personas, al menos a nosotros mismos. Lo bueno es que cada cual tiene su propia impresión del disco. Creo que éste también es muy bailable, pero de una forma distinta. Ahora elegimos explorar algo diferente, con menos estructuras de coro-verso-coro y más sonidos repetitivos como los de la música house, que de igual modo sirven para la pista, pero en un momento en el que la gente ya está entregada al baile”. ¿Y cómo sienten que funcionan esos experimentos en vivo? DW: “Algunas definitivamente son más entretenidas. Al ser más largas, nos dan la oportunidad de darle variaciones cada vez que las tocamos. Eso pasa, por ejemplo, cuando hacemos ‘Sun God’”. ¿Sienten que esta evolución y esos experimentos son cruciales para mantenerse vigentes? BB: “Sí, porque además escuchamos muchos géneros distintos, incluido el rock. No creemos en los límites y nos gusta integrar distintos sonidos. La música dance es lo que finalmente une todos esos elementos y los convierte en nuestro estilo propio”. DW: “Nos inspira mucho lo que hace Deerhunter, porque se ve que no tratan de ser una banda de rock convencional. A pesar de que tienen esas influencias, hacen algo muy único. Nosotros también nos sentimos así. Nos gusta música electrónica antigua, rock también, disco, funk y soul, pero la gracia está en cómo reinterpretas esas cosas. Además, mucha gente vive pendiente de lo último y lo más nuevo, pero eso no siempre es lo más interesante. Dura un rato y se va”. BB: “Queremos hacerlo todo. Ser lo más productivos y creativos posible. Como grupo queremos sacar muchos más discos y perpetuarnos durante los próximos cinco a diez años. Sacar ese gran album que sea catalogado como una obra completa y madura. Estamos emocionados de dar el siguiente paso, aunque no tengamos idea de cuál va a ser. Primero esperamos terminar esta gira sin perder la cabeza y sin querer matarnos el uno al otro”. El tiempo permitido se acaba y es el momento de cambiar el switch de nuevo. Unas horas después, Cut Copy cerró el Festival de Otoño de Club Fauna ante más del doble de público que los fue a ver en enero. “¡Ahora súbete al auto y llévanos a comer!”, grita Whitford con una carcajada. Los australianos echan de menos un barros luco. Bueno, después de todo, hay cosas que no cambian.
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entrevista
TomĂĄs Nazal
Lecciones de la Gran Manzana Por Rolando Inostroza FotografĂa * Daniela Leon
Es el encargado de guitarrear en Howlers. Sus riffs y carisma forman parte del pentagrama esencial en la composición de este cuarteto, que con influencias del garage y el punk busca hacerse cargo del nuevo sonido de exportación. Es bajo esta realidad que Tomás tiene algo claro: las fronteras para su música no existen ¿La fórmula? En una palabra: experiencia. De aspecto juvenil pero con un discurso y tono que parece derrochar vivencias en el mundo del rock n’ roll, se presenta Tomás Nazal. La lucidez de sus palabras mientras fuma y conversa no hace sospechar de sus tímidos inicios antes de Howlers. “En mi familia no hay una gran historia de músicos. Mi viejo tocaba guitarra acústica, aprendí con él. Nunca toqué demasiado bien. Cuando realmente me metí a todo esto fue a los trece. Hacía música electrónica en el PC, programaba pistas y todo eso. Unos años más tarde me llegó toda la onda punk. Estaba rodeado de amigos que eran músicos, del tipo jazzeros y cosas así, entonces me daba la sensación que tenía que tener mucho conocimiento teórico para acercarme a cualquier tipo de instrumento. Pero me animé y le pedí la guitarra eléctrica a un amigo. De ahí en adelante me puse a hacer canciones. Lo que más me gusta de todo esto es componer, además que tengo mala memoria para las partituras y ese tipo de cosas”, cuenta Tomás. Fue durante ese trayecto que se encontró con The Velvet Underground y “un montón de rock setentero”, como lo llama él. De ahí en adelante, ya hace tres años, llegó el turno de Howlers, su primera banda. “Tuvo mucho que ver con la escena incipiente de esa época. Yo era amigo de dos de los Cindy Sisters, que eran como el ‘espermio de avanzada’ de casi todas las bandas que hay ahora en la escena rockera. Ellos conocían al César, nuestro vocalista. Con él y los demás chicos nos juntamos antes en un carrete y vimos que estábamos vestidos parecidos, ahí parece que enganchamos de una”. Una anécdota que habla de lo que vendría después, con Howlers, donde los códigos de indumentaria quedan bastante claros, más allá de la música. Un aspecto controversial para algunos, al igual que su tendencia a escribir las letras en inglés, lo que ha generado críticas y comentarios. “Los Ganjas cantan en inglés, en parte eso nos dio el pase para hacerlo sin tapujos. Nos dieron mucho jugo cuando comenzamos con eso. Las canciones que hice estaban así y las del César también. Siempre he pensado que el código natural de esta música es en ese idioma. No es que algún género esté tachado para una lengua en particular, pero me parece que el rock latino tiene un camino propio y suena de una manera. Entonces, poner letras en español sobre el tipo de música que hacemos puede llegar a funcionar, pero a mi me suena más natural en inglés”, explica. COLLAGE ROCK Para Tomás es difícil hablar de sí mismo, tiende a enredarse para explicar su posición dentro el grupo, pero tiene bastante claro lo que quiere generar para Howlers. “Me interesa tratar de innovar. Sé que suena cliché y es una estupidez hablar de la originalidad del artista, pero me gusta la idea de juntar influencias y unir cabos culturales que terminen por sorprender, o que no sea lo primero que se venga a la cabeza. Rescatar electrónica cincuentera por ejemplo, utilizar elementos que saquen lo que hacemos del formato plástico del rock, en el cual es re fácil caer una y otra vez en el mismo sonido”.
residiendo desde hace ocho meses. “Me gusta el disco un montón. Aún así ya tenemos maquetas para otro álbum. Tengo la impresión de que esto es un collage. Hay cosas que son muy de nuestro comienzo, muy garage y experimentos más actuales. Por eso se llama Red to Violet, es un espectro de colores”. Una de las particularidades de Howlers es que durante su corta carrera ya han logrado salir de Chile para mostrar su trabajo. Primero una mini gira por Buenos Aires que de forma casual les dejó vivencias que jamás esperaron. “Nuestra manager en ese momento nos llevó. Eso estuvo muy entretenido, fue la primera experiencia de fantasía rockstar por una semana. Habíamos tenido pocas entrevistas y nos tocó ir a la radio. Además, estar en el hotel, andar todos juntos como banda, fue muy divertido. Parecía que estábamos viviendo todo eso de sexo, drogas y rock n’ roll, aunque no sé si tanto… bueno sí, hubo, pero no a niveles tipo The Rolling Stones en los setenta”, cuenta el guitarrista entre risas. Luego de cruzar la cordillera tuvieron un paso por la gran manzana gracias al concurso organizado por el diseñador John Varvatos, donde lograron tocar en su tienda, lugar donde se encontraba el mítico CBGB’s, quedando en segundo lugar y recibiendo la venia del público. “Pensábamos que lo habíamos pasado como rockstars en Buenos Aires pero Nueva York fue revelador. Tuvimos la suerte de entrar al certamen, nos fue bien y vivimos el sueño del pibe. Yo me quedé dos meses completos. Más que los otros chicos que estuvieron sólo uno. Durante ese período tuvimos un manager, hicimos tocatas y nos alimentamos de esa gigantesca y retorcida teta que es esa ciudad. Fue espectacular. Tuvimos la suerte de entrar por la puerta grande gracias a Varvatos; conocimos a The Horrors, Björk y pasamos por un montón de situaciones más. Allá se tiene la sensación de que está todo al alcance de la mano, como si pudieses llegar a tocar el estrellato pero a la vez dormir en el metro un par de noches -como nos sucedió-. Pasar por eso y al otro día estar en una galería con Aranofsky, así es Nueva York”. De lo aprendido, Tomás tiene claro un par de cosas: “Yo creo que el mercado latino es difícil para Howlers, por el mismo hecho de cantar en inglés, y de alguna forma también lo pensé para que fuera así. La industria musical del continente es cerrada, es viable solamente en la zona, y los ejemplos de gente que ha triunfado (cantando en español) con creces en el extranjero está reservada para estrellas pop que nada tienen que ver con nosotros, todas encasilladas a sí mismas como ‘la atracción latina’. Entonces, lo que se puede sacar en limpio es eso, que se deben utilizar más canales normalizadores para la apertura. Pasa con bandas como Sinergia, que tienen códigos muy locales; funcionan súper bien acá, pero al tratar de salir les cuesta mucho. En realidad, la gran lección es dejar de pensar a nivel local, que es muy propio de nuestra generación, donde nos sentimos menos lejos del mundo y más capacitados para competir con el resto”.
Actualmente se encuentra promocionando junto a su banda Red to Violet, primer LP de su carrera, que lo hizo volver desde Argentina, donde estaba
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entrevista
Katerine Gierak Lisura punzante
Por Javiera Tapia Fotografía * Daniela Leon
No habla español, y aunque tuvo la oportunidad de aprenderlo, eligió estudiar italiano. Ahora dice que se arrepiente, porque no existen muchas ocasiones para utilizarlo. Es extremadamente alta. Llega a una habitación y su impronta se nota: botas, chaqueta de cuero y pelo desgarbado. Pero a pesar de esa faz dura, saluda y se sienta en el sofá con ojos expectantes, como esperando a ver qué le depara su primera visita a Chile. Katerine Gierak aterrizó en el país junto a su banda para realizar una concierto en el marco de La Fête de la Musique, un festejo que nació en Francia en 1982 para los solsticios de invierno y verano, y que actualmente se celebra en más de cien países. “Ya hemos visitado otros lugares de América Latina, y la verdad es que nos ha sorprendido la respuesta de los países que no son francoparlantes”. Pero la experiencia no terminó acá. Después del show en Centro Cultural Amanda, la agrupación se presentó en el festival Ciudad Emergente, de la ciudad de Buenos Aires. “La verdad es que nunca he tenido una relación directa con Latinoamérica. Me fascina el idioma, como suena, pero no sé hablarlo”, confiesa. Además, a modo de anécdota afirma que luego de leer Tristes Trópicos de Claude Lévi-Strauss -un relato etnográfico del autor durante su experiencia en Brasil entre 1935 y 1938- escribió ‘Sioux’, una canción sobre los indígenas, track diez de su última publicación. “Me llama mucho la atención todo lo que pasa acá. Particularmente, yo soy de izquierda, y a medida que avanzo reafirmo la idea de que el capitalismo es algo asqueroso, que ha provocado mucho daño y bajo ese contexto, creo que es extraordinario que Brasil, siendo un país tan grande y rico, sea gobernado por una persona de izquierda”, declara. “No sé qué es lo que tiene este continente que nos llama tanto la atención a los europeos. Tengo una amiga que vive en Bolivia. Creo que es algo desde el punto de vista humano, la energía”, remata. Con tres discos bajo el brazo, la banda siempre se ha movido en las arenas del rock, aunque variando intensidades en cada entrega. La diferencia se hace patente entre su debut Ça Me Vexe (EMI, 2006), el rockero Jamais la paix (EMI, 2008) y su último larga duración Jouer Dehors (EMI, 2011), un disco potente, pero al mismo tiempo, de sonidos algo más calmos y tersos. “Ahora quería más melodías, a diferencia del primero, donde
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Katerine y su banda Mademoiselle K visitaron Chile en junio, en el marco de La Fête de la Musique, ciclo realizado por el Centro Cultural Amanda y la Embajada de Francia. Este fue su primer acercamiento con el país. “El primero de muchos”, espera.
deseaba más ruido. Generalmente, cuando termino un álbum, ya sé para dónde voy con el siguiente. En el caso del tercero, el concepto central era, si mañana nos quedamos sin electricidad y estoy sola en la pampa, quiero ser capaz de poder tocar mis canciones sólo con una guitarra”. Instrumento con el que profesa una comunión de años. “Yo fui durante mucho tiempo guitarrista clásica. Componía canciones pero creía que les faltaba energía. Necesitaba que tuvieran más movimiento, que se pudieran bailar también. Entonces compré una eléctrica y la encontré mucho más lúdica, sencilla y divertida. Cuando enciendes el amplificador a todo volumen, el sonido es increíble. Es algo que con la clásica no puedes obtener”. Además, la inquietud por esa sonoridad punzante llegó de la mano de los discos que escuchaba. “Soy fanática de Radiohead, The Clash y de las bandas inglesas en general. En el tiempo en que comencé a componer, creo que Radiohead me acercó a investigar y descubrir su discografía como ningún otro grupo lo ha hecho. Soy muy asidua a escuchar los singles de las radios, también. Nunca me he limitado a un tipo de música. He mezclado clásica y rock, me he ido nutriendo”, asegura. Por otra parte, Gierak lleva un camino curtido en este mundo desde diferentes esferas. Es compositora, intérprete y durante seis años habitó las aulas de la Sorbonne-París IV, realizando estudios de musicología. Y como oyente, cuenta que no puede despegarse de The Kills, David Bowie y Arcade Fire. “Siento que The Suburbs (Merch, 2010) es música muy actual, además de épico. Creo que traduce por completo el mundo en el que estamos viviendo”. Katerine es una artista desenmarcada completamente de la chanson. A ella le viene bien el ruido y ese descaro al escribir, junto a su estampa en el escenario, lo comprueban. En sus letras, constantemente presenta cuestionamientos, incluso de su propia sexualidad. “¿Y yo mamá? ¿Mamá?/ En una escala de X a Y/ ¿Quién soy yo?”, se puede escuchar en ‘Maman XY’. Al conocerla, escucharla hablar y verla interpretando con tal fortaleza, da la impresión de que todo importara mucho, pero al mismo tiempo, nada es trascendental ni tan grave como para callar todas aquellas preguntas que rondan día a día en su cabeza.
reportaje
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ur discos ba na
Looptroop Rockers
Professional Dreamers (Bad Taste)
Una de las buenas sorpresas que nos ha dado este 2011 es Professional Dreamers: un disco verdaderamente redondo. Si bien en lo estricto podría considerarse enteramente dentro del hip hop, tiene aires de reggae y hasta dubstep en algunos minutos, lo que lo transforma en una suerte de híbrido perfecto para los adictos a los bajos. Pero lo mejor de todo es que en su sonido hay tintes futuristas que aportan frescura a un estilo que muchas veces se queda pegado en lo mismo, repitiendo fórmulas que han dado resultado universalmente o que simplemente se pasa a la vereda del rap comercial, que hasta se confunde con el reggetón de turno. No es el caso de Looptroop Rockers, un trío que suena exactamente como tiene que sonar. Estamos frente a la evolución de un grupo con sus influencias claras y capaz de adaptarse a los sonidos contemporáneos. Aníbal Valenzuela myspace.com/looptrooprockers
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Garage a Trois
Bon Iver
Always Be Happy, But Stay Evil (Royal Potato Family)
Bon Iver (Jagjaguwar)
El Nu-jazz ya no es nuevo, pero siempre es fuente de excelentes noticias. En este caso, el quinto disco de este cuarteto de Nueva Orleáns nos presenta distintos sabores que nos recuerdan a ratos a Jaga Jazzist o a Pink Freud, entre otros. El viaje comienza con ‘Omar’ y una melodía optimista, con los excelentes teclados de Marco Benevento, que aporta con la atmósfera de Funk precisa a una pieza de jazz fusión. Entre tanto, temas como ‘Swellage’ y ‘Babby Mamma Drama’ podrían ser sacados de películas de detectives con una cuota de humor. También destaca ‘Earl Harvin’, que en apenas cuatro minutos nos mueve entre varios estados diferentes. Este el segundo trabajo con Benevento, reemplazo de Charlie Hunter, quien tocaba una guitarra de ocho cuerdas. El pianista, por su parte, ayuda al flujo creativo de la banda, que se consolida en esta placa. Juan Francisco Guzmán
Revirtiendo el agudo pero sutil grito de dolor de uno de los discos más sinceros de la escena indie, For Emma, Forever Ago (Jagjaguwar, 2007), Justin Vernon vuelve a desnudarse, pero esta vez al compás de un evolucionado y homónimo segundo disco. Y es que, junto a la compañía de los multiinstrumentistas Mike Noyce y Sean Carey, más que abandonar el estilo melancólico de su primera producción, lo transforma y hace de esta nueva placa un producto rehabilitador, sustituyendo lágrimas y tortuosos cuestionamientos por el suave eco de voces, guitarras y tambores de guerra que deciden hacer el amor. Un disco que se constituye desde la nostalgia, con canciones que llevan el aroma de ciudades que Vernon alguna vez recorrió, como ‘Preth’ o ‘Wash‘ que, si bien mantienen la carga de experiencias y recuerdos profundos, hoy placenteramente ya no duelen. Pamela Palma
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KAISER CHIEFS
Paul Simon
The Future is Medieval (B-Unique Records)
So Beautiful or So What (Hear Music)
Tres años de espera para el cuarto álbum de Kaiser Chiefs, el cual desarrolla una nueva estrategia –u opción- para llegar sus fans y al público en general: desde su sitio web, se pueden elegir entre los veinte temas que pone a disposición la banda para así, crear un orden a criterio personal. ¿Un nuevo camino para el futuro de la música? Ayuda, pero no es la solución a la alicaída industria. The Future is Medieval muestra a la banda con un sonido más maduro y lleno de matices que en sus anteriores trabajos, siempre manteniendo la energía que los caracteriza; como en ‘My Place is Here’. Las influencias de los cincuentas y sesentas afloran en cada melodía de órgano y riff de guitarra. Destacan la delicada ‘Coming Up For Air’ y ‘Heard It Break’. Y si bien no posee éxitos como ‘I Predict a Riot’, tal vez su valor agregado radique en esto mismo. Cristián Carrasco
Quien piense que Paul Simon siempre vivió a la sombra de Dylan, que sólo tuvo importancia cuando fue parte de un dúo o que hace tiempo que está añejo, puede darse una vuelta por So Beautiful Or So What y arrepentirse de sus palabras. El último trabajo del de Brooklyn es un ejercicio precioso de folk con raíces del mundo africano que no es empalagoso ni forzado, sino más bien preciso en su mezcla, tal como lo hizo años atrás con su maravilloso Graceland (Warner,1986). Son 38 minutos de canciones llenas de historias cálidas y detalles precisos que hacen recordar el impresionante talento melódico que tiene Simon y que sólo otros cuantos genios en la historia de la música han podido demostrar (léase Brian Wilson, Lennon/McCartney o Stephen Merritt). Un verdadero retorno en forma de nuestro trovador más sencillo, iluminado y capaz. Martín De Mussy
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BLACK COUNTRY COMMUNION
The Death Set
Ada
Matthew Cooper
2 (Mascot)
Michel Poiccard (Counter Records)
Meine Zarten Pfoten (Pampa Records)
Some Days Are Better Than Others (Temporary Residence Ltd.)
Glenn Hughes, Joe Bonamassa y Jason Bonham traen de vuelta al ruedo del rock a Black Country Comunión, con una segunda placa sencillamente titulada 2. Y en la simpleza de este título se podría apreciar la dura honestidad con que ellos ven la música. Es decir, una mirada de rock puro y sin adornos innecesarios; aunque esto, a veces, limite su propuesta. ‘The Outsider’ es el tema de entrada y nos recibe con un gancho directo a la mandíbula; luego ‘Man in the middle’ y ‘Smockestack woman’ nos recuerdan que el viaje continúa y no hay tiempo para descansar. Pero no sólo de guitarras pesadas y cabezas agitadas vive BCC, porque en canciones como ‘Little Secret’ y ‘Cold’ también son capaces de variar. Un disco interesante y bien logrado, de la mano de un grupo que debe tener cuidado en no convertirse en rehén del concepto que usa como estandarte. Andrés Venegas
Desorden, fiesta y actitud emanan de un disco que se porta muy mal y poco le importa. Mezclando sonidos electrónicos vintage y guitarras punketas, la segunda entrega de The Death Set -ahora trío- es un punto medio entre Bad Brains, JAMC y Ringo Deathstarr. Se trata de 17 temas llenos de energía, letras sin demasiado contenido y una atmósfera de día de playa quinceañero. Destacan de esta placa las canciones ‘I Miss You Beau Velasco’ –el tema más largo, con cuatro minutos y fracción-, ‘It’s Another Day’ -que se levanta como el himno que todos podrían corear-, y ‘I Been Searching For This Song Called Fashion’ –con un aire al sonido de los Kaiser Chiefs-. ‘Can You Seen Straight’ nos muestra el lado emotivo del disco, pero no deja de lado una explosión de energía y desenfreno. Juan Francisco Guzmán
Ada es una chica de Colonia que fundó hace algún tiempo un sello llamado Areal. En 2004 lanzó Blondie, un disco que trajo aires fresco a una escena alemana un poco sobre agitada con el fenómeno minimal house. Este año vuelve con Meine Zarten Pfoten, una mezcla de canciones estructuradas de forma folk, que dejan de lado la pista de baile. El álbum parte con ‘Faith’, un cover de Lucious Jackson, donde Ada ejecuta el tema con guitarra acustica y una delicada base; de ahí en adelante la placa se interna en sonoridades llenas de melancolía, que a ratos transporta a una vida rural alejada la noche y su cultura de club. Ada a creado una obra femenina, donde deja ver su admiración e influencia por un montón de mujeres como Laurie Anderson, sin olvidar ese lado robótico en las melodías que la caracterizaron en un principio. José Antonio Sepúlveda
Matthew Cooper lleva varios años formándose un camino dentro de lo que es el ambient y la música experimental. Sin embargo, parece un completo desconocido cuando ocupa su nombre de pila, pues es más familiar al adoptar su apodo Eluvium. Su último proyecto es este sundtrack elaborado para Some Days Are Better Than Others, primer film de Matt McCormick, quien ha hecho carrera como director de videoclips y cortometrajes. En la cinta –protagonizada por la voz de The Shins, James Mercer, y la ex Sleater Kinney, Carrie Brownstein-, la música de Cooper nos transporta a lugares inusitados, capaces de recorrer diversos estados de la vida humana, pero mostrando una desventaja. Al ser parte de algo más englobado, depende mucho del film. Empero, los trece tracks que conforman este opus motivan a conseguir los medios para verla. Jean Parraguez
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DANGER MOUSE & DANIELE LUPPI
Rome (Capitol) Debe ser, por lejos, uno de los proyectos más bullados de este 2011. Una apuesta atractiva de por sí, en el mero papel, y más aún tras las ansias generadas por meses de espera en base a una dieta de breves muestras. No era para menos, con el cónclave de nombres involucrados en este material: Danger Mouse como productor y Daniele Luppi como compositor, las mentes creativas tras esta placa. Jack White y Norah Jones, las voces invitadas que le otorgan aún más estilo a composiciones grabadas por perennes instrumentistas italianos, con el lujo de tener a la mítica Cantori Moderni en los coros, la misma que grabara con Ennio Morricone en los ‘60. Así, después de escuchar por primera vez los 35 minutos que componen Rome, podemos estar tranquilos, sonrientes y prestos a darle repeat una y otra vez a esta joya atemporal, perfecta para cualquier clima. Sebastián Amado C. myspace.com/romealbum
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CITY AND COLOUR
The Lonely Island
Little Hell (Vagrant Records)
Turtleneck & Chain (Universal Republic)
Dallas Green, guitarrista de la banda canadiense de post hardcore Alexisonfire, desarrolla en su proyecto paralelo, City and Colour, toda su faceta Folk, la cual desborda sentimiento y una delicadeza que se aleja considerablemente de su banda de cabecera. En éste, su tercer disco de estudio, los temas recorren un camino puro y sin mayores problemas en la senda de letras llenas de historias conmovedoras y experiencias, donde Green deja en claro que lo suyo es la sencillez de la guitarra sureña, en canciones como ‘Grand Optimist’ o ‘We Found Each Other in the Dark’, hasta llegar a himnos del tamaño de ‘Fragile Bird’ o ‘Weightless’. La piedra angular de City and Colour es la voz, pero en esta entrega se aleja en parte de sus anteriores trabajos, ya que da espacio a mas instrumentos, pero sin perder el alma que lo caracteriza. Cristián Carrasco
Luego de un exitoso y altamente divertido Incredibad (Universal Republic, 2009), Akiva Schaffer, Jorma Taccone y Andy Samberg vuelven a la carga con una nueva dosis de hip hop burlesco y descarado. Acá, nuevamente, The Lonely Island, banda creada de las entrañas del mítico programa estadounidense Saturday Night Live, se encarga de cantar sobre cosas cotidianas en compás de burla. Y en esta nueva placa nadie se salva: ni Rocky ni Jack Sparrow. Acá se dispara a todos por igual. En esta nueva aventura, las rimas, los sonidos y la calidad musical asombran, sobre todo para un disco que nace de la comedia. Además, ¿quién se da el lujo de tener a Santigold, Beck, Snoop Dogg, Akon, Justin Timberlake y al incónico Michael Bolton sólo para mofarse un rato? Larga vida a The Lonely Island y que la comedia esté con ustedes. Diego Huenchur
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Dominik Eulberg
Red Snapper
Diorama (Traum Schallplatten)
Key (V2 Records)
Buscando sonoridades frescas, cercanas al techno, minimal y ambient, Eulberg pretende mostrarnos los paisajes y experiencias que ha tenido con la naturaleza -fue guardabosques y estudia Biología- y, en su cuarto álbum, nos entrega once tracks sumamente melódicos. ‘TaeuschungsBlume’ marca la apertura: una pieza que coquetea con el downtempo y el leftfield. Mientras ‘Echomaus’, ‘H2O’ y ‘Das Neunauge’, están orientadas a la pista de baile, sin dejar la evolución y los sonidos aletargados propios de esta placa. En la otra esquina nos encontramos con ‘Die 3 Millionen Musketiere’ y ‘Aeronaut’, ambos con baterías irregulares y complejas -propias del IDM-. Destaca ‘Islandmuschel 400’, de delicada manufactura, con dejos de mantra sagrado. Recomendable para los amantes de las cuatro variantes de la electrónica nombradas anteriormente. Juan Francisco Guzmán
Esta banda vio la luz en Warp records, tres discos atrás, con Prince Blimey (Warp, 1996), siempre cultivando un acid jazz que se caracterizaba por el uso duro de los efectos en la composición. Hoy nos trae un álbum muy completo, libre en sub estilos, pero muy compacto como mensaje; que nos brinda paseos en clave de rock con temas como ‘Loveboat’ y ‘Off Balance’ y también coquetea con melodías más negras en ‘Biffa Bacon’, ‘Great First Touch’ o ‘Eye Liner Stab’, este último lleno de soul y blues. El guiño a sus raíces experimentales viene con ‘Chimee’, ‘Jack’ y ‘Architectronic’, donde hacen uso masivo de elementos electrónicos para dar vida a estas creaciones. Se trata de un trabajo que reconoce sus orígenes, consciente de los recursos de nuestro tiempo y que logra dar vida a la búsqueda de los espíritus inquietos de estos músicos de jazz. Juan Francisco Guzmán
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discos perdidos Hunger Strictly from Hunger (Public! Records, 1969)
Esta banda de Portland y el álbum que nos convoca pasaron, como tantos otros de la zona, sin pena ni gloria entre los representantes de los sesentas. De hecho, entraron tarde y por lo mismo no sonaron a novedad. A pesar de esto, para muchos seguidores de la década, este disco está entre los favoritos. ‘Mind machine’, octavo tema de la lista, es de aquellas que se transformaron en hit con el paso del tiempo. No por haber sonado lo suficiente para quedarse en las mentes de las personas, sino porque la misma banda editó en tres oportunidades un 7’’ con esta canción en uno de sus lados. Como es de esperar, hoy esta rareza sube de valor y encontrarlo en el comercio no es una tarea fácil. Sofía Villanueva
Schtum Grow (WORK/Sony Music, 1995)
En su momento, Grow recibió las peores críticas que un grupo pudiese esperar, lo tildaban de una mala copia de Fugazi, reiterativo en sus líricas y melodías e inclusive atonal. Sony lo regalaba en las disquerías para que al menos lo escucharan, pero nada. En retrospectiva, el álbum sobrevive gracias a su potencia, con un sonido que lo acerca a los temas más acelerados de Faith No More y a la intensidad de Black Flag, pero con una voz que recuerda a Lou Reed y Van Morrison. Con doce canciones que casi no superan los tres minutos y medio, este elepé, lejos de aburrir, se convierte en un disco querible y de fácil escucha, inclusive de factura superior a algunos superventas de la época. Carlos Torejón
The Lucksmiths A Good Kind Of Nervous (Candle Records, 1997)
El cuarteto oriundo de Melboure no tuvo una carrera muy popular. No por falta de calidad, si no por mala oreja universal, cosa que ha pasado en más de una ocasión con una que otra banda fabulosa. Con A Good Kind Of Nervous, su cuarta placa de estudio, los australianos completan un círculo perfecto de calidad sonora y emotividad singular ligada al brit y al twee pop. Acá las guitarras convergen con sonidos vivos, la voz precisa de Tali White y una esperanzadora emotividad que, lejos de entristecer el ambiente, lo prende y suaviza. Si hubieran nacido en Inglaterra y formado parte de la ola junto a Gene, Pulp o Blur; la historia hubiese sido muy diferente. Diego Huenchur
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audiovisual
El Buen Tiempo Carrera de éxitos
Christopher Murray e Ignacio Rojas se conocieron en la Universidad Católica estudiando Dirección Audiovisual. Precisamente en esa época nace El Buen Tiempo, que desde un comienzo ha sido entendido por sus fundadores como un equipo de trabajo, más que como una productora o una compañía. Sus primeras incursiones en el formato videoclip vinieron de la mano de los disueltos Teleradio Donoso; de hecho fue Cristobal Fredes –bajista de la agrupación- quien les prestó la primera cámara, para realizar un documental que nunca vio la luz. Al final, terminaron rodando el video de ‘Gran Santiago’ y recibiendo un montón de elogios por él. Luego vino ‘Mi Persona Favorita’ y de ahí la cosa se profesionalizó, “Pero entre comillas”, como explica Christopher Murray: “Lo que pasa es que el ambiente del videoclip siempre ha sido muy precario. No es una gran industria. Lo que sí, nos llamó mucha gente. Pero como nosotros estábamos estudiando y la idea era no apelar a la producción masiva, fuimos bastante selectivos”. Así vinieron nuevos trabajos para Francisca Valenzuela, Gepe, y Leo Quinteros, entre otros. Por su parte, cada uno ha hecho lo suyo por separado: Ignacio grabó varios clips para el segundo álbum de Teleradio y uno de Jirafa Ardiendo. Christopher, algunas cosas para Leo Quinteros, Doctor Robinson y Pebre, además de estrenar su primera película el año pasado, titulada
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Por Víctor Hugo Carvallo Fotografía * Daniela Leon
Manuel de Rivera, y dirigida en conjunto con Pablo Carrera. Pero actualmente, lo que más ocupa el tiempo de estos realizadores es Mapa Fílmico, un ciclo de micro documentales online que esperan estrenar a fin de año. “La idea es crear un sitio de contenido autoral en web, basado en un formato que nosotros llamamos ‘Película de Tiro Único’. Éstas no superan los dos minutos de duración, en un plano fijo observacional que muestra fragmentos de la realidad nacional. Cosas que van de lo íntimo a lo público, formando una especie de mapa fílmico de este país, construido en base a estas imágenes que muestran desde una protesta hasta un niño abriendo un regalo en navidad”, cuenta Murray. Sin embargo, siguen haciendo videoclips juntos. Su última producción fue el video de ‘Que Sería’ para Fran Valenzuela. Ignacio Rojas declara: “El video clip siempre ha sido un espacio privilegiado para experimentar y jugar con ideas. Son proyectos relativamente cortos, que toman un mes y tienen un canal de difusión dado. Es distinto a embarcarse en algo más largo que involucra más esfuerzo. Es un espacio lúdico donde puedes probar ciertas ideas visuales y tramas más breves. Y bueno, todo unido con la música, que también es algo que nos gusta mucho”.
vitrina
World Press Photo La famosa exposición itinerante regresa a la Sala de Fundación Telefónica con la presencia de la ganadora del certamen de 2010, la sudafricana Jodi Bieber, la autora de la reproducción de Aisha Bibi, joven mujer afgana a la que le fueron amputadas las orejas y nariz por no obedecer a su marido que la mantenía en condición de esclavitud. Como cada año, el jurado internacional independiente elige las imágenes ganadoras del concurso en diez categorías, las que podrán apreciarse en esta exposición. Además, en el marco de esta versión, se llevarán a cabo una serie de actividades, donde destacan la conferencia de Bieber junto a Micaela Pereira, talleres de fotografía y un seminario de Fotografía y Crisis. www.fundaciontelefonica.cl
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liv e Sonido ﾃ…ido Viernes 20 de mayo Bar El Clan Fotografﾃｭa * Diego Maya
femicidio Jueves 9 de junio Bar Uno Fotografﾃｭa * Daniela Leon
Spinetta Viernes 13 de junio Teatro Nescafﾃｩ de las Artes Fotografﾃｭa * Daniela Leon
Sonido ﾃ…ido Viernes 20 de mayo Bar El Clan Fotografﾃｭa * Diego Maya
liv e Sonido Ácido Viernes 20 de mayo Bar El Clan Fotografía * Diego Maya
Colectivo Etéreo Sábado 2 de julio Bar Loreto Fotografía * Javiera Tapia
diez canciones iiSon sicodélicos y lo aceptan, jóvenes y se les nota. Desde San Diego, debutan con Chimera y en él prueban que la música está hecha de detalles y de transportaciones a lugares inexistentes.
THE CLASS CLASS CANOE CANOE –– FIRST FIRST IDEAS IDEAS
DUCKTAILS DUCKTAILS––KILLING KILLINGTHE THEVIVE VIVE Con cinco años de actividad, Ducktails III: Arcade Dinamics debe ser el único disco de Matthew Mondanile con un single que podria convertirse en hit: la sencilla y amorosa ‘Killing de Vibe’. KNOW Productividad a flor de piel, un reciente vinilo ediWATCH OUT! – WISH YOU KNOW tado en Blow Your Mind Records y el single ‘Wish You Know’ circulando en varios medios, nos obliga a ponerle ojo a esta banda.
Cuando el dub, el punk y el lo-fi se mezclan a la perfección, aparece Peaking Lights. A paso lento pero seguro, comenzaron con un humilde cassette en 2008 y hoy se codean con los grandes gracias a este hit.
PEAKING LIGHTS –– ALL ALL THE THE SUN SUN THAT THAT SHINES SHINES
STEVE BUG STEVE BUG ––LIFE LIFEININCIRCLES CIRCLES Parte del compilatorio Japanease, ‘Life in Circles’ es un track
inédito del músico y productor alemán. Hipnosis, frescura, teclados, ritmo. Esto es lo que hace que Bug no baje la guardia y madure como el mejor vino. De cómo el punk desencadena pasiones y libera endorfinas. Cero pulcritudes musicales y simpleza garage para un álbum que sabe bien, pero que en ‘Bad Boy’ se hace inesperadamente clásico.
HUNX HUNX && HIS HISPUNX PUNX––BAD BADBOY BOY
Su álbum circula este mes y se titula Secret Ballroom. Batero cantando, acompañado de guitarra acústica y saxo. Blues pop desordenado que juega con la pasión y los tiempos, reinventándose con los años.
THE TOO THE JOKER JOKER&&THE THETHIES THIES– I–DO I DO TOO
CHICOS DE DE NAZCA NAZCA––IT’S IT’SEASY EASYTO TOBE BEHERE HERE CHICOS A días de su gira por Europa, el grupo chileno liderado por Francisco Cábala nos deja su primer LP, Far and Close. Teclados, batería, bongos y guitarras se mezclan en un sonido no muy explorado por ninguna banda nacional. Cults –- You You Know KnowWhat WhatI IMean Mean.. Con la melodía de sus versos inspirada nota-
blemente en ‘Where Did Our Love Go’ de The Supremes, este es uno de los tracks más destacados del debut de la banda neoyorkina. Handsome HandsomeFurs Furs- –What WhatAbout AboutUsUs Este es el primer single de Sound Kapital, tercer álbum del dúo de Montreal formado por Dan Boeckner (Wolf Parade) y Alexei Perry, quienes dejaron las guitarras y las cambiaron por teclados, entregándose completamente a la pista de baile.
tres videos LA REINA MORSA – NAVEGAR El dúo de pop chileno regresa con el tema ‘Navegar’, extracto de su álbum debut ¿Dónde Están las Jugueterías? La historia de un fugaz romance entre dos adolescentes es el hilo conductor de este episodio con un final muy inesperado, pero a la vez, feliz. KURT VILE – BABY’S ARMS El músico de Philadelphia presenta parte de su trabajo titulado Smoke Ring For My Halo. El clip muestra la vida de una pareja de Los Ángeles, un relato común y corriente que torna atractivo al estar grabado completamente por un teléfono móvil y ser dirigido por uno de los fotógrafos de moda, Todd Cole. GEPE – ALFABETO Un bosque del balneario de Papudo fue el escenario elegido por el cantante nacional para rodar el clip de ‘Alfabeto’, tercer single de Audiovisión. Un video multicultural que muestra historias crípticas de asesinatos, con los toques característicos del joven director Bernardo Quesney.