NOVIEMBRE 2011 // DistRibución gratuita
www.extravaganza.cl
ÉL MATÓ A UN POLICÍA MOTORIZADO WARPAINT AMALIA KASSAI LA BIG RABIA VICENTE FERNÁNDEZ TOM WAITS THE SEA AND CAKE GENERATIONALS YIP DECEIVER FRANK ALPINE LADYTRON GRINGO STAR M83 ASTRO FEIST JAMES BLAKE PRIMAVERA FAUNA PLAID DUCHESS SAYS Unknown Mortal Orchestra
IN EDIT
index
extravaganza nº 91
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IN-EDIT
El festival de cine y documental musical se viene con todo este año. Serán diez días de ensueño para cualquier melómano y precisamente por eso quisimos destacarlo.
34 The Sea and Cake
Los de Chicago estuvieron en Chile y Rodolfo García conversó con Sam Prekop sobre este súper grupo, que mezcla el post rock con el jazz, el bossa nova y el avantgarde.
36 Warpaint
Tras su paso por nuestra capital, esta banda de aguerridas nos dejó a todos alborotados y con ganas de más. Jenny Lee Lindberg se dio el tiempo de hablar con nosotros, en esta entrevista con Felipe Arratia.
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staff
extravaganza nº 91
Fernando Mujica Pitutea hace 25 años en el negocio de la música. Empezó con un fanzine metalero, tuvo una disqueria y ha organizado todo tipo de eventos. Trabaja en Radio Zero, acaba de armar su agencia de prensa y se le ocurrió hacer esta revista a mediados de 1990. Es nuestro director, que aunque rechazó por años estar en esta sección,terminó por aceptarlo.
Haroldo Salas Periodista de profesión, se encuentra actualmente viviendo en Inglaterra luego de haber trabajado varios años en Via X. Co-dirigió en 2009 el documental Metal-Gate: Mounstros del Rock en Chile, el cual fue estrenado en el IN-EDIT de ese año. Su pasión por la música no es poca y en Extravaganza! encontró un lugar donde explotarla, pese a la distancia.
director Fernando Mujica Maureira Representante Legal Francisco Mujica Maureira Gerente Comercial Rodrigo Mahana Editor Víctor Hugo Carvallo Diseño Isidora Garcia Lisette Jorquera Colaboradores Javiera Tapia Andrés Panes Rodolfo García Aníbal Valenzuela Rodrigo Salinas Rolando Inostroza Gabriel Reyes Jorge Rubio Miguel Castro Felipe Arratia Felipe Fuentealba Carol Bravo Mauricio Aravena José Antonio Sepúlveda Álvaro Molina
Sebastián Soto Martín De Mussy Sebastián Amado Manuel San Martín Andrés Venegas Diego Huenchur Martín Manríquez Cristián Carrasco Jean Parraguez Carlos Torrejón Pamela Palma Juan Fco. Guzmán Sofía Villanueva Judith Gomez Haroldo Salas
Fotografía Ignacio Gálvez Diego Maya Wladimir Rojas Daniela León Ángela Santelices Práctica Profesional Javiera Rojo - Periodista Valentina Quiroga - Periodista impresion Quebecor World Chile S.A.
Noviembre 2011 Edición 91 Fotografía * Prensa In Edit
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CONTACTO Nueva de Lyon 105 local 12A, Providencia, Santiago // Teléfono: 335-0741 www.extravaganza.cl contacto@extravaganza.cl twitter:@EXTRAVAGANZAmag
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tecno logía por sebastian soto & luis felipe fuentealba
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Yamaha YAS-101 La marca canadiense ha sido reconocida por innovar en diseño e ingeniería. Esta base de altavoces para Smartphones supera a la mayoría de su competencia, mezclando estilo y precio. Proporcionan hasta 55 watts de potencia, diseño futurista, conexión para iPod, iPhone o cualquier reproductor de MP3. Incluyen radio FM, lo que suple la deficiencia que viene de serie en los productos de Apple. Estos parlantes brindan potencia, estilo de vida y diseño, todo a un módico valor. www.edifier-international.com
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02 Stanton m203 El mixer de dos canales tiene un diseño intuitivo y sencillo, elaborado por DJs con experiencia para los que recién se inician en las máquinas mezcladoras de música. Fabricado con acero resistente, el equipo posee control de volumen con barras LED, crossfader ajustable, ecualizador por canal, 2 Phono/ Line seleccionables, entradas de micrófono con control de tono, salida de grabación, RCA master y RCA para cada canal. www.stantondj.com
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03 SOUNDDOCK BOSE SERIE
II Este sistema para la familia de iPods e iPhones proporciona un sonido sorprendente sin interrupciones ni limitaciones, mientras tu reproductor o celular recarga su batería. Son altoparlantes especiales para escuchar música en distintos lugares del hogar, entregan estética y buen sonido, emulando a un equipo convencional. Incluyen un pequeño control remoto para manejar el encendido, apagado, volumen y búsqueda de las pistas de MP3. www.bose.com
04 JVC GC-PX10 Ante la tendencia de registrar cortos y largometrajes en equipos fotográficos, JVC estrena una nueva cámara de estilo híbrido. Captura imágenes de 12 megapíxeles y video en calidad Full HD con 1080p, ajustadas por un completo modo de configuración. Utiliza el lente Konica Minolta HD con zoom óptico de 10x y otro dinámico de 19x sin degradación de la imagen. Tiene 32 GB de memoria interna, pantalla táctil LCD inclinable de 3”, más conectividad de micrófono, audífonos y HDMI. www.jvc.com
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AUDÍFONOS URBANEARS PLATTAN Están diseñados para ser el perfecto auricular, pero a la vez tiene diversas características que los hacen mucho más vigentes que sólo un par de audífonos comúnes y corrientes. Éste modelo posee un sonido rico y aislado, todo en un cuerpo compacto. Se pueden plegar hasta quedar del porte de una mano. Incluye ZoundPlug –con entrada Miniplug– para compartir tu música y controles básicos compatibles con la mayoría de los nuevos Smartphones. Disponibles en más de diez colores. www.urbanears.com
06 Yamaha Mcr-332 Es un nuevo mini sistema de audio que asegura alta calidad mediante dos parlantes con Bass Reflex. Tiene un panel frontal de aluminio y el gabinete de los altavoces luce un acabado tipo piano. Lo más destacable es que Yamaha incorporó tecnología VCCS, de esta forma controla las vibraciones de la estructura del gabinete evitando la degradación del sonido. Reproduce CD, tiene compatibilidad con equipos de Apple e incluye conexión USB para otros dispositivos. www.yamaha.com
07 SOUNDLINK SPEAKER Música donde y cuando sea es la propuesta del nuevo parlante inalámbrico móvil de Bose. Desde un notebook, celular inteligente o un tablet con Android, iOS o Blackberry es posible escuchar música a través de la conexión Bluetooth del aparato. El pequeño parlante de 24 cm. de ancho y 13 cm. de largo puede ocuparse hasta 30 metros de distancia de la fuente de origen del audio. La batería recargable dura un máximo de 8 horas. www.bose.com
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TD 309 Su nuevo sub-chasis da precisión al peso del giradiscos, por lo que consigue un equilibrio entre mecánica y elegancia estética. Posee un brazo TP92 de baja resonancia con cojinetes de alta exactitud. El sistema de tres puntos de suspensión es de fácil instalación, el plato es de aluminio y la correa de tensión ajustable con un contacto de línea que se puede considerar como único. Tiene una fuente de alimentación de 12 v DC/ AC, 6W y sus dimensiones son de 470 x 125 x 430 milímetros. www.thorens.com
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ur ba na 01 GAMA BIKES Con un estilo renovado y novedosos diseños, las bicicletas
GAMA se están tomando la ciudad esta primavera. Dentro de los últimos modelos se encuentran las Single Speed, que nacieron hace unos años en Nueva York. Sus fanáticos pueden elegir entre tres tipos distintos. Son fáciles de maniobrar y, para los más osados, se puede cambiar la rueda trasera y usarla como fixie –con un piñón fijo– y así lograr hacer entretenidas piruetas. www.gamabikes.cl
02 PINOGAY La marca de camisetas y accesorios unisex, ha lanzado una nueva colección llamada Film Series, donde se retratan, mediante ilustraciones, las escenas de ocho películas que trabajan el inconsciente colectivo de diferentes generaciones. En esta selección, podrán encontrar escenas de películas como Eternal Sunshine of the Spotless Mind, Breakfast at Tiffany’s o The Royal Tenenbaums. www.pinogayshop.com
03 CATALINA BUSTOS Catalina Bustos Mendoza es la artista visual e
ilustradora profesional tras una serie de productos, que van desde cuadros con ilustraciones de su autoría hasta artículos de decoración y utensilios de porcelana como tasas, teteras, platos y frascos de libre utilización, decorados con animales del bosque y otros motivos folk. Actualmente realiza órdenes a pedido y cuenta con stock en La Pulpería del barrio Italia, Fanzines en el museo Mavi, Bellas Artes y Galería Plop. www.catalinabu.cl
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credito de foto: Rod
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04 04 POLA THOMSON La mítica diseñadora nacional, radicada en Nueva York, nos presenta su nueva colección primavera verano 2011, con diseños holgados y versátiles, inspirados en lo único que nos hace realmente el peso: la naturaleza. Particularmente enfocada en el fenómeno de texturas y colores que nos entrega nuestro gran desierto florido, la línea ofrece shorts, túnicas y polleras oversize en colores pasteles. www.polathomson.com
05 BECKER La cerveza chilena continúa innovando con la nueva botella Becker Boca Ancha. De 500 cc., este nuevo formato se ha transformado en el primer envase de estas características en la categoría de cervezas, ofreciendo una refréscate experiencia para disfrutar su sabor único. www.becker.cl
06 KROSS La micro cervecería chilena obtuvo medalla de plata en
el World Beer Championship, la competencia más antigua realizada en Estados Unidos. En esta versión, llevada a cabo el pasado mes de octubre, Kross 5, la primera cerveza chilena madurada en roble, fue premiada en la categoría Barrel Aged Ale, sumando 15 reconocimientos a su calidad en lo que va del año. www.kross.cl
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nuevos sabores
Crédito de foto: Brian Baiamonte
Generationals Desde el primer día en que Ted Joyner comenzó a relacionarse con la música, hubo experimentación. Días de investigación, de búsqueda y pasión. Junto a otro multi instrumentista, Grant Widmer, Joyner avanzó en la idea de armar algo. Concretar sus ideas como un grupo, un dúo o lo que fuera. Generationals nació en medio de pianos, teclados, máquinas y mucha melodía, de esa que se sazona de forma agridulce y con sicodelia. Surgieron canciones que le dieron forma a Con Law, un primer trabajo que llegó tímidamente en 2009. Park The
Suena como Telekinesis, Phoenix, MGMT myspace.com/generationals
Pasión de pocos
Van como sello y agencia los cobijaron y les dieron apoyo moral en aquellos primeros pasos… los más difíciles y extraños. Es que juntos tuvieron el grupo Eames Era y vivieron un largo tiempo en New Orleans. Todo eso sirvió para enamorarse del lo-fi y la auto producción. En 2010, llegó el corta duración Trust y este año irrumpieron con el álbum Actor-Caster y el mini gratuito Medium Rarities. Acción, pop y composiciones tímidas que esconden grandeza. Un futuro inquietante. Fernando Mujica
Yip Deceiver Cuando el músico multi instrumentista Davey Pierce decidió grabar sus propias canciones, siempre supo que sería un proyecto en solitario: sin discusiones, sin trabajo en equipo, sin concesiones. Pero todo cambió cuando llego la colaboración de Nicolas Dobbratz. Ahí se concibió un proyecto en sí. Se pensó en una gira y en la edición de algo real. Así Pierce pasó a ser Yip Deceiver y grabó sus locuras como un epé homónimo, con la ayuda de Dobbratz. Nació un equipo y una fórmula fresca, joven y chispeante. Pop de burbujas con guiños al rock
Suena como Hot Chip, Chew Lips, Of Montreal http://yipdeceiver.com/
Bailar pegados indie que muy bien definen a la casa independiente Aerobic International. Sello que queda en familia ya que es propiedad de ellos y en él militan otros nombres como Social Studies, Sugar & Gold, Falsetto, y el productor Loose Shus. Dance experimental con importantes dosis de new wave; así es como define la prensa a este grupo que se completa con Paul Nunn y Clayton Rychlik en sus filas y que ya cuentan con un bullido remix para el ‘Coquette Coquette’ de los Of Montreal. Fernando Mujica
nuevos sabores
Frank Alpine No sucede muchas veces: que el futuro y el recuerdo sean una sola cosa en la música. Pero para Rich Moreno, el presente tiene tintes vintage de nostalgia. No saber si se trata de un riff punk de Buzzcocks, de los teclados de Joy Division o las tinieblas de Fields Of The Nephilim. Se trata, simplemente, de alguien que apuesta por lo que vendrá. Para Moreno, escondido tras su alias de Frank Alpine, la expresión de un sintetizador es una y no tiene fecha de expiración. Oscuro, tecno, rudo y estilosamente punk. Así suena Alpine, quien grabó material
Suena como Martial Canterel, Suicide, Cold Cave. myspace.com/frankalpine
Eslabón perdido sólo en cassettes en sus primeros años y editó un single (‘Night Tripper’) en vinilo de 7 pulgadas para un sello como Dais. Minimalismo, monotonía y claustrofobia en una propuesta que la hace real y casi extravagante. Así llega ‘Dark Places’, primer sencillo de su álbum homónimo de 2011 para el sello Wierd. Envuelta en un post punk siniestro, resurge una no wave que parecía en extinción y que encuentra en Alpine una suerte de eslabón perdido. Un especie atemporal e inclasificable. Fernando Mujica
la big rabia RUGIDOS VISCERALES Por Sebastián Amado C. Fotografía * Daniela Leon
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reporte estudio
Desde Valdivia a Santiago, con escala en España. La historia de este engendro creado por Sebastián Orellana e Iván Molina ha sido rápida, tal como el proceso de grabación de su disco debut. Ocho temas que serán lanzados de manera oficial en unas semanas, y que bien pueden ser vistos como ocho fotografías, ocho instantáneas nacidas desde las entrañas y la catarsis.
Por estos días, son muchos los que están hablando de una nueva banda en el circuito nacional. Un grupo cuyo single de presentación, ‘Nos Gusta Que Sea Así’, pegó como una bofetada un lunes de octubre, el mismo día en que liberaron cinco temas de su ópera prima. Desde entonces, su nombre se repite cada vez con mayor frecuencia. Y es que hay muchas buenas razones para conversar sobre (y con) La Big Rabia. Por supuesto, era inevitable que la historia de este experimento comenzara en Philipina Bitch, donde Sebastián Orellana (voz y guitarra) e Iván Molina (batería) comparten créditos desde hace un par de años. A los pocos ensayos ya sabían que tenían química y gustos similares, y ya desde fines del 2010 comenzaron las reuniones y los ensayos para un proyecto paralelo. Las ganas estaban, pero faltaba algo para que se concretaran. Como en toda buena historia, era necesario un detonante. Aquí, ese momento clave vino en la última edición del festival español Primavera Sound -donde acompañaron a Fernando Milagros como parte de su banda de soporte-, cuando vieron en vivo a Grinderman. “Pensamos que algo así tendría muy buena recepción acá”, cuenta Molina. Estando allá también conversaron la idea con Alejandro Gómez (Perrosky) y volvieron a Chile con todas las ganas de registrar un demo para llevarlo a Algorecords. “No habíamos encontrado la forma de disciplinarnos y hacer canciones de todo lo que teníamos. Pero después de eso nos pusimos una meta, una cantidad de temas y grabar todo lo que salía para escuchar y reordenar”. En ese proceso fue fundamental el aporte de Felipe Ruz, el otro Philipina Bitch, que en esta historia es su sonidista, productor y colaborador. “Él lo registró todo con un micrófono que tenía en la sala de ensayo”, cuenta Orellana. “Arreglaba delays, paneaba las cosas”. El demo se hizo con las mejores intenciones, pero no en circunstancias óptimas. “Cuando íbamos a empezar, una señora se puso a reclamar que paráramos con el ruido. ¡Bajón total!”, recuerda el baterista entre risas. “Después, al terminar cada tema, yo me quedaba esperando los gritos”. Catarsis en familia Ese primer material gustó. Tanto así, que en Algorecords se pensó en tomar el registro digital, completarlo y sólo modificar detalles menores. Pero la banda optó por volver a comenzar, en un proceso en que buscaron las formas más humanas del rocanrol. “En España hablamos de hacerlo así, muy garage, sucio y con carácter”, cuenta Perrosky, otro de los productores de este álbum. “Y rápido, porque el arte es súper circunstancial. Este disco tiene esa gracia: fue inmediato. Entretenido. Canalizó bien todo, no nos dimos vueltas”.
Además, fue grabado a cuatro pistas, lo que tuvo como consecuencia que tanto coros como instrumentos adicionales tuvieran que hacerse en simultáneo en un estudio. “Se equivocaba uno y había que empezar toda la pista de nuevo”, recuerda Molina con una sonrisa. Saben que no inventaron la rueda con esto, pero lo que les importaba era volver a un formato clásico, de sonido cálido, y hacerlo maximizando los recursos y equipos disponibles (por ejemplo, mezclando y masterizando al mismo tiempo).
La Bestia (nombre vagamente basado en cierto término que se hizo popular en internet tras una intervención televisiva del alcalde de Providencia), se comenzó a grabar un martes 13 y se terminó apenas en tres días: uno para las bases -guitarra y batería-, otro para las voces y un tercero para los arreglos. Todo en el mismo estudio por el que pasaron otros nombres emblemáticos como Pendex, Camión y los propios Guiso. Ese afán por capturar todo sin darle mayores vueltas, que caracterizó este trabajo, es algo a lo que ninguno de ellos está acostumbrado y que ambos agradecen. Sobre todo el hombre a cargo de las baquetas: “El trabajo de estudio suele tomar tiempo, y después no puedes abstraerte y enfocarte sólo en la música. Acá, en cambio, todos aportamos pero no se reflexionó nada. Y el disco te gusta o no te gusta, nomás. Ésa es una sensación muy grata”. Un tema muy amplio, que Orellana resume en palabras certeras y precisas: la fotografía del momento. Y ese momento quedó en familia. Todos los ya mencionados, más Álvaro Gómez (quien desde el demo quedó enganchado con la banda y también se anotó como productor), estuvieron involucrados en el proceso. Incluso novias y señoras embarazadas participaron del proyecto, grabando coros. Un ambiente atípico, si se toma en consideración de qué va La Big Rabia. Desde la portada del disco -inspirada en Manic Street Preachers- hasta sus letras, pasando por melodías y títulos -con artistas como Sandro, Jon Spencer o PJ Harvey como referentes-, aquí nada tiene dobles lecturas. Éste es un trabajo honesto y circunstancial, como cuenta su vocalista: “Tiene mucho que ver con que rompí con mi polola, con el desamor, con todo lo que está ocurriendo con los estudiantes. Tú lo escuchas y hablo de que estoy enojado. Porque no resultó la huevada con mi mina, por las protestas, por la mierda que está pasando. ¡Qué se yo!”. El nombre mismo de la banda lo dice todo. La Big Rabia equivale a música y palabras viscerales. No pensadas como pancartas de protesta, sino como inyecciones de adrenalina melódica a la vena, imposibles de escuchar sin sentir la necesidad de moverse y hacer algo. Canciones hechas a la medida de un mundo dónde hay mucho que está mal. Bien lo saben ellos: siempre habrá algo por qué rugir.
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amalia kassai ENTRE MELODÍAS, TABLAS Y CHICOS Por Valentina Quiroga Fotografía * Ignacio Gálvez
La mejor palabra que encaja en la personalidad y aptitudes de la tecladista de Amongelatina es multifacética. Amalia no puede estar sin hacer muchas cosas a la vez, con el único requisito de atreverse a hacerlas bien. Ad portas de sacar un nuevo disco, habló con nosotros acerca de su relación con la música, sus proyectos relacionados al teatro, y la enriquecedora experiencia de brindar el toque femenino en una banda de chicos.
Si bien esta joven de 25 años es actriz de profesión, su pasión por la música ha estado presente desde la cuna. Al llegar a Chile a los once años desde Alemania, Amalia ya tenía estudios musicales en el cuerpo. El piano clásico y el canto lírico eran sus principales pasatiempos y siguió practicándolos una vez instalada con su familia en Santiago. “También estudié alrededor de dos años chelo, pero me olvidé de casi todo”, cuenta entre risas. Pero el arte siempre estuvo presente en su familia: su abuelo materno, Hugo Lagos, fue un conocido folclorista nacional. “A pesar de que me llegaban los cassettes de él a Alemania que decían ´Las Cuecas de Hugo Lagos`, yo siempre lo vi muy lejano, ya que los ritmos alemanes son muy métricos y no se ajustan a los sonidos latinos”. Tiempo después, se enteró de la importancia de su abuelo en la escena folclórica del país, lo que la llevó a darse cuenta de la dedicación que le otorgaba a la música. “Si bien mi abuelo no fue una influencia en términos de estilo para mí, sí fue un motor que me impulsó a tomar las riendas y a hacerme cargo, no del apellido ni de ese tipo de sonidos, sino de lo que verdaderamente me movía”, afirma. Ya en tercero medio (época odiada por muchos, en la que hay que elegir caminos), Amalia decidió irse por el teatro. “Siempre quise estudiar música, pero me di cuenta que ésta la podría seguir practicando independiente del estudio formal”. Pero el panorama cambió y la carrera le fue quitando cada vez más tiempo: lo que antes le dedicaba a la música se vio reducido considerablemente, hasta que un día una amiga de la facultad la invitó a una tocata de Amongelatina. “Nunca los conocía formalmente, pero cuando los escuché en vivo caché que muchas veces los había visto por el Canal 2”. Su amiga era conocida del bajista, Cote Velasco, los presentó y volaron chispas sónicas. Con el tiempo, Amalia fue invitada a rellenar el espacio que faltaba en sus sonidos y no se movió más. Definitivamente, el grupo formado por Cote, Pedro Pablo Silva y Rodrigo Calderón, rompió sus esquemas. “Con la banda empezó este rumbo creativo en conjunto, que fue la raja porque a mi como que se me había bloqueado el tema musical, estaba súper enfocada en otras cosas, y los chiquillos me dieron la oportunidad de volver a emprender un camino en la música a través de los teclados”, cuenta. A pesar de haber tenido buenos resultados desde un comienzo, los cambios para Amalia no fueron menores. Pasar de una educación musical docta a ritmos más poperos, electrónicos y bailables, era todo un desa-
fío. “Fue rarísimo porque la música clásica tiene una métrica y estructura que, en vivo incluso, está todo demasiado aprendido… hasta la última corchea. Además, mis gustos personales en ese tiempo eran mucho más dark, algo que claramente no va muy acorde con lo que es la banda, que trabaja sonidos mucho más prendidos”. Esto, además del poco trainning que tenía en vivo, le ha sumado una experiencia única que no cambiaría por nada. “Esa cuota de tocar en directo algo no docto ha sido adrenalínica. Pasa lo mismo que cuando actúas, que es como tener la guata apretada y saber que tienes que darlo todo, aunque te salga bien o mal. Es la raja, porque tu cuerpo te recuerda que estás súper vivo. Es algo muy bonito. Fue curioso el cambio pero creo que me adapté bastante rápido”. Con la banda, están próximos a lanzar un nuevo disco, del cual el nombre se desconoce y sus contenidos son una misteriosa sorpresa, pero lo que sí ha quedado en claro son los cambios en los que ha influido la presencia de Amalia en Amongelatina, no sólo en temas de sonido y ritmo, sino también en lo que a puesta en escena se refiere. El sentido de la estética y la observación es algo que le nace de manera inconsciente, ya que trabajar el escenario como parte importante de sus presentaciones es su fuerte. “Antes, el grupo tiraba bombas de colores al público, era mucho más teatral que ahora, incluso. Habían también unas chiquillas que entraban vestidas de aeromozas y les pasaban los copetes a los muchachos, ahora eso no va muy acorde a la época en la que estamos. Hay que ir madurando”, afirma. Sin embargo, a pesar de estar entusiasmada con los proyectos que se vienen para Amongelatina, las tablas siguen teniendo un rol fundamental en la vida de Amalia. Recientemente estuvo de gira por Francia, presentando Comida Alemana, obra en la cual encarnaba a una enfermera de la Colonia Dignidad, y ahora está concentrada en la preparación de su ópera prima como directora, titulada Campamentos, que se estrena este 23 de noviembre en Lastarria 90. En esta propuesta teatral, que gira en torno a la temática del suicidio infantil por abusos sexuales, Amalia se la juega por incorporar música en vivo en las presentaciones, para así lograr otra atmósfera, que asegura no sucede con los sonidos envasados, pues la predisposición del público es otra. Y, si bien en este proyecto Amalia hace una conexión entre sus estudios musicales y teatrales, admite que el miedo la envolvió antes de empezar a realizarlo. “Cuesta llegar a ese espacio como de tirarse no más y decir ‘ya, yo me la puedo también’. El empujón para atreverme me lo di yo misma, porque me di cuenta que las cosas hay que hacerlas… y hacerlas ahora”.
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EDIT NESCAFÉ IN
LUZ, CÁMARA Y SONIDO Se acerca la fecha de exhibición de más de catorce documentales y cortometrajes que tienen un sólo patrón en común: la música. Ya con ocho años consecutivos en marcha, este festival se prepara para consolidar aún más la escena musical y cinematográfica, imprimiendo un legado audiovisual en el público chileno e internacional. Conozcan sus inicios, objetivos y las novedades que se vienen en esta imperdible versión. Por Valentina Quiroga
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a noche del jueves 2 de diciembre de 2004, tres documentales fueron presentados en las salas del Centro Arte Alameda: Nico Icon, Malditos: La Historia de Los Fiskales Ad-hok, y Joey Ramone: A Wonderful Life. Teniendo como protagonistas a importantes figuras locales y extranjeras, fueron estas piezas audiovisuales las que inauguraron la primera fecha de IN-EDIT Chile, festival de cine documental que este año realiza su octava versión ininterrumpida. Una iniciativa que partió en Barcelona en 2003 -expandiéndose el 2009 a Sao Paulo y este año a Berlín-, donde las melodías e historias de grupos y compositores han pasado a la pantalla grande. Un proyecto que ha ido creciendo como una gran familia, ‘La familia IN-EDIT’, como la llama Marisol García, Directora de Comunicaciones del evento, confirmando la importancia que tiene cada país que se incorpora y, al mismo tiempo, develando la significativa audiencia que sigue los pasos de esta coyuntura entre el cine y la música. El festival, que actúa como un punto de encuentro entre las imágenes, sonidos, ritmos y escenas, ha convocado desde sus inicios a realizadores internacionales y nacionales a participar de las actividades que imparte. “IN-EDIT se ha convertido en una motivación significativa para que jóvenes realizadores quieran ser parte de nuestras competencias”, dice Marisol. Dentro de éstas se encuentran las categorías a Mejor Documental Internacional, Mejor Documental Nacional y Corto Documental. En versiones anteriores, han salido triunfantes los realizadores chilenos de trabajos como Garage: Música para matar el tiempo de Cristián Jara, A Tiempo Real de Francisco Willumsen y Electrodomésticos, el Frío Misterio de Sergio Castro, entre otros. El público, por su parte, es cada vez más heterogéneo y las postulaciones a las competencias van en aumento, tanto en calidad como en cantidad. “IN-EDIT sirve para fomentar la industria local y abrir nuevos referentes a la realización nacional en torno a la música”, agrega García. “Los buenos resultados de su trayectoria en Chile se han materializado en una fiel audiencia, que repite su asistencia año a año, aportando una seriedad que nos permite contar con invitados internacionales de prestigio y una presencia referencial para hablar de cine y documental musical en nuestro país”, afirma. Así, cada año se presenta sólo material fresco, de no más de un año de antigüedad, exceptuando las secciones de clásicos o invitados internacionales. El único requisito para entrar en competencia es que el resultado final gire en torno a la música, sin importar el género, época o país. En sus inicios, la versión chilena contaba con cuatro días de duración y sólo un punto de exhibición. En esta ocasión, luego de muchas cintas, premios otorgados, invitados, salas llenas y rotundos aplausos, IN-EDIT tendrá diez días llenos de adrenalina, entre el 8 y 18 de diciembre en lugares como el Teatro Nescafé de las Artes, Centro Arte Alameda, Centro MORI Bellavista, Sala Cine UC y Lastarria 90. A continuación, les dejamos un adelanto de las películas que formarán parte de la selección nacional e internacional de este año; la mayoría imperdibles, que van desde temáticas políticas hasta el arte contemporáneo, misteriosas personalidades e influencias, pero por sobre todo, música, música y más música.
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01 LAST DAYS HERE (EE.UU., 2011) Largometraje dirigido por Don Argott y Demian Fenton que sigue la vida del frontman de Pentagram, Bobby Liebling, quien se encuentra luchando contra décadas de adicción a las drogas. Un viaje de introspección, que lo lleva a darse cuenta que ya no puede seguir viviendo a lo Peter Pan. 02 O SAMBA QUE MORA EN MIM (Brasil, 2011) El Carnaval de Río de Janeiro es uno de los acontecimientos más importantes del país carioca, incluso a nivel internacional, reuniendo a millones de espectadores. Este documental, dirigido por Georgia Guerra-Peixe, prescinde un poco de la música para inmortalizar en escenas las historias que hay detrás de los bailarines que se preparan 364 días al año con tal de brindar un show despampanante. 03 HARDCORE. LA REVOLUCIÓN INCONCLUSA (Chile, 2011) La segunda parte de la trilogía documental ´Sonidos de los 90`s`, dirigida por Susana Díaz, reconstruye a través de testimonios de bandas, archivos musicales y material fotográfico la historia de un movimiento caracterizado por la música, el hazlo tú mismo y una fuerte ideología que con el tiempo fue mutando y dejando un legado generacional que hasta hoy está impreso en nichos de nuestra sociedad. 04 PINA (Alemania, 2011) En este documental de Win Wenders se unen la danza y los ritmos para seguir los sutiles pasos de la bailarina y coreógrafa alemana Pina Bausch. Con una producción en 3D, el documental resulta una especie de tributo colectivo en donde participan socios, alumnos y amigos de la artista, plasmando su legado a través de las cámaras.
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05 WHO TOOK THE BOMP? LE TIGRE ON TOUR (EE.UU., 2010) Un seguimiento a la última gira realizada por el trío estadounidense de electro punk es lo que Kerthy Fix realiza para reflejar en movimientos, letras politizadas y alocados beats, el legado feminista que ha dejado Kathleen Hanna y compañía en más de diez años de trayectoria.
09 MICHAEL NYMAN IN PROGRESS (ALEMANIA, 2010) Con testimonios de su familia, miembros de su orquesta y directores de películas en las cuales participó con sus particulares bandas sonoras, llega desde Alemania esta película dirigida por Silvia Beck. Cuenta la historia y recorrido del compositor londinense, que con el tiempo se ha convertido en género.
06 PÁNICO: THE BAND THAT MET THE SOUND BENEATH (Chile/Francia, 2011) La producción franco-chilena recorre el norte de nuestro país junto a la banda liderada por Eddie Pistolas, mostrando el proceso de grabación de un disco y la serie de conciertos que realizaron por esas fechas. Dirigido por James Schnider, está protagonizado tanto por el grupo como por hermosos paisajes altiplánicos.
10 TROUBADORS (EE.UU., 2011) Tras una exhaustiva recopilación de material fotográfico y audiovisual, Morgan Neville relata la historia de los músicos conocidos como la Mellow Mafia, que en sus canciones se caracterizaban por expresar sus emociones al desnudo. Entre estos se encuentra Carol King, Joni Mitchell, James Taylor y Jackson Browne.
07 SACRED TRIANGLE: BOWIE, IGGY & LOU (Inglaterra,
2010) Ale Lindsell retrata con imágenes inéditas la amistad entre tres íconos del rock: David Bowie, Lou Reed e Iggy Pop; relatando las historias que protagonizaron juntos entre 1971 y 1973, en pleno apogeo glam. 08 STEVE REICH PHASE TO FACE (EE.UU., 2011) Dirigido por Eric Damon y Franck Mallet, cuenta la vida y obra de este compositor contemporáneo, perteneciente al movimiento minimalista y discípulo de connotados músicos como Danus Milhaud, Philip Glass y Luciano Berio.
11 TAHILANA SKY: LA HISTORIA DE KINGS OF LEON (EE.UU., 2011) Sin glamour, poses, ni giras, Stephen C. Mitchell sigue la historia del cuarteto sureño que mantiene todo en familia. Con escenas íntimas a groupies, padres, matrimonios, religión y peleas, Kings of Leon trasparenta su verdadera esencia en la pantalla grande. 12 UN DÍA CON TORTOISE (Chile, 2011) Esta realización audiovisual de Sergio Castro -ganador al Mejor Documental Nacional en 2010 por Electrodomésticos, el frío misterioarchiva parte de la segunda visita a Santiago hecha por los pioneros del post rock. Muestra imágenes de su presentación en el Teatro Nescafé de las Artes en marzo de este año, además de una entrevista inédita a la banda.
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Sam Prekop TIEMPO COMPARTIDO
Por Rodolfo García Fotografía * Erik Keldsen
The Sea and Cake es una de las mejores propuestas que emergió de la rica escena underground de Chicago. Su mezcla de pop sofisticado con jazz, avantgarde y bossa nova los ha hecho formar parte de una galaxia indie que engloba desde Tortoise a Yo La Tengo. Poco antes de realizar un concierto excelente en Amanda, su vocalista respondió esta entrevista por teléfono desde Estados Unidos. Aquí, su visión de la música y sus métodos para componer de manera tan creativa.
Sam Prekop ha estado en Chile dos veces. La primera como solista el 2003 y la segunda con su banda The Sea and Cake en octubre. Se suponía que el conjunto venía el año pasado en primavera, pero terminaron de gira junto a Broken Social Scene por todo Estados Unidos y Canadá. De todas maneras, valió la pena la espera. La banda liderada por Prekop es una de las mejores en salir de la rica escena musical de Chicago de los noventas, la que fuera el polo más importante del indie rock y sus derivados antes de que Brooklyn asomara su cabeza hipster. Esta ‘súper banda’, con miembros de Tortoise (John McEntire, batería), Shrimp Boat (Prekop, guitarra y voz) y The Coctails (Archer Prewitt, guitarra), viene destilando desde hace 20 años un pop elegante y único, lleno de matices y texturas sutiles, siempre con un pie en el avantgarde, el jazz o la bossa nova. Suave, pero siempre al límite del colapso. Pero el hecho de ser ‘arty’ no es nada snob en ellos. Prekop -también fotógrafo- y Eric Claridge, el sólido bajista, son ambos pintores que realizan sus exposiciones individuales, mientras que Prewitt es un connotado dibujante de historietas con varios libros publicados. McEntire, por su parte, es un tremendo productor musical e ingeniero en sonido que ha trabajado con bandas como Stereolab, Smog, Coldcut y Antibalas, sólo por nombrar algunas. Por ello, The Sea and Cake siempre ha sido un proyecto de tiempo compartido y se ha mantenido durante todos estos años sólo por el placer de tocar juntos, incluso cuando el acomodar agendas sea difícil para ellos. Esto, sobre todo si el baterista se va de gira tan seguido con Tortoise.
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Estás tocando desde 1993 con The Sea and Cake, ¿cómo ha sido esta experiencia? “Ha sido muy buena; el tiempo ha pasado muy rápido, en verdad. No se siente como que haya sido tan largo, por lo que creo que la hemos pasado bien. En estos días, siento que estamos tocando mejor que nunca. A través de la experiencia, creo que hemos logrado un montón de cosas y eso se está reflejando ahora”. ¿Cómo fue el incorporar teclados y elementos electrónicos a su música? “Bueno, es muy alentador, ya que mantiene nuestra música interesante y fresca. De todas formas, la electrónica la incorporamos de manera orgánica, sin una voluntad de cambiar radicalmente nuestro estilo. Ello siempre ha fluido de manera natural. De todas formas, en uno de nuestros últimos discos, llamado Everybody, no usamos ningún elemento electrónico. Entonces, vamos hacia atrás y hacia adelante sin muchos complejos”. ¿Tienen influencias provenientes del jazz? “Creo que al principio, sí. Es una música que solía escuchar mucho. De todas maneras, no sabemos muy bien cómo tocarla, pero pienso que algo de esa estética nos acomodó, algo de esa complejidad rica que posee nos interesó, pero no somos músicos de jazz”. En tus discos solistas tomaste músicos de jazz, como Chad Taylor y Rob Mazurek… “Esa banda salió un poco por accidente, tratando de armarla con los mejores músicos que pudiese encontrar. Se dio en base a redes de contac-
tos y porque el Chicago Underground Duo, donde ambos tocan, era un grupo que yo estaba escuchando mucho. A ellos les interesaba improvisar algo que no fuese jazz, en principio. A mí me encantó la experiencia y, de hecho, también influenció mi trabajo en The Sea and Cake”. ¿Por qué Archer Prewitt y tú decidieron hacer discos solistas? “Para mí, surgió porque estábamos en pausa mientras John trabajaba con Tortoise. Fue algo natural que nació con la idea de probar canciones en un formato ajeno al que estaba acostumbrado. En cuanto a Archer, su música es muy distinta a la de nuestro grupo, por lo que él siempre necesitó de otra salida para expresar sus cualidades creativas”. ¿Cómo escribes las letras, te enfocas en cómo suenan las palabras melódicamente? “Sí, claro, hay una musicalidad en la fonética que es muy importante para mí. Pero también quiero que las letras sean interesantes, por lo que son honestamente abstractas e impresionistas. Usualmente empiezo a hacer asociaciones libres y a armar el cuento, entonces su significado potencial empieza a calzar dentro de una canción. Generalmente escribo la música primero, entonces respondo directamente a ella. En cierto sentido, en un principio improviso mucho las palabras y luego las voy refinando. He trabajado de esta manera por mucho tiempo, por lo que siento que no soy un compositor tradicional, ya que nunca hago un tema en base a una letra preconcebida. Es una combinación entre tener melodías vocales interesantes y un contenido lírico que también lo sea. Me interesa que puedan
suceder accidentes locos entre significados e imágenes. Es un recurso que ocupan algunos poetas para obtener cosas fuera de su control”. ¿Tú y Eric Claridge son pintores? “Sí. Además yo soy fotógrafo. La última exposición que realicé en solitario fue una de fotografía. Ahora he estado preparando otra de pintura para diciembre, que se desarrollará en Texas”. ¿Las artes visuales influencian la música que haces? “Pienso que hay una sensibilidad en común, aunque nunca he podido establecer lazos entre ambas de manera lógica. Es importante para mí ejercer las dos disciplinas. Creo que si no pintara, mi música sería muy distinta. Es parte esencial de mi personalidad, y el arte, en ambos casos, refleja muy bien el momento en el que me encuentro a la hora de crear, ya sea visual o musicalmente”. Tú que emergiste de la escena creativa de los noventas, ¿cómo ves las cosas ahora? Creo que no hay mucha originalidad. Por lo demás, todo llega y se va tan rápidamente que apenas logras darte cuenta. Cuando empezamos en los noventas, pudimos evolucionar a nuestro propio ritmo de manera natural. El rango de atención de las personas ahora es tan corto que se hace mucho más difícil. Si no es lo que la gente quiere oír justo ahora, es muy difícil hacer discos o agendar conciertos. Todo es muy rápido y un montón de bandas necesitan tiempo para desarrollarse”.
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JENNY LEE LINDBERG VOLANDO ALTO Por Felipe Arratia Fotografía * Javiera Tapia
A un año de la salida de su álbum debut, The Fool, (Rough Trade, 2010), Warpaint arribó sorpresivamente a Chile. Las chicas de Los Ángeles tocaron el pasado cuatro de octubre en Santiago y, horas antes de un intenso show, su bajista dialogó con Extravaganza! Un cóndor. Ese fue el inesperado visitante que salió al encuentro de las integrantes de Warpaint en su excursión al Cajón del Maipo, tal como acreditan las fotos que Emily Kokal me muestra con orgullo a cuatro horas de su concierto debut en nuestro país. No es una escena novedosa: como suele ocurrir con los extranjeros, las chicas habían quedado maravilladas con la cordillera y decidieron que necesitaban verla más de cerca. Esas alturas suenan a territorio conocido para esta banda que se ha hecho un nombre en la escena californiana a punta de elásticas construcciones sonoras que pueden expandirse o contraerse pero nunca, jamás, dejan de elevarse. La única ausente en la expedición fue la mestiza Jenny Lee Lindberg. Pero para ella, lo de tocar las estrellas no le es ajeno: su hermana mayor es Shannyn Sossamon, actriz de Hollywood que protagonizó filmes como Corazón de Caballero y 40 días y 40 noches. Además, fue la bajista, que también ha ejercido como bailarina y DJ, quien fundo la banda en el Día de los Enamorados del 2004. Tras tocar la batería en el epé Exquisite Corpse en 2007, dio un paso al costado y le cedió su puesto a Stella Mozgawa. En persona, Jenny no demuestra el cansancio que la marginó de ver al famoso cóndor: viste una larga túnica blanca que contrasta con su piel canela, sus ojos son expresivos y vivaces, hace grotescas muecas a la cámara (que sugieren un auto boicot en plan ‘no ando de guapa por la vida’) y su biorritmo es bastante más intenso que el de la apática guitarrista Theresa Wayman. Tiene sentido que sea ella la que se calce el trepidante y sexy bajo de Warpaint, columna vertebral de varias composiciones del grupo. ¿Cómo ha andado la gira hasta ahora? ¿Cómo reacciona el público latino a su propuesta? “Antes de llegar a Santiago estuvimos en Bogotá, pero ya puedo decir que este tour ha salido bastante bien. Considera que nuestro disco no está distribuido en Latinoamérica, por lo que la gente que nos conoce lo ha hecho a través de internet. Los sudamericanos reaccionan de manera distinta que otras audiencias: se mueven, bailan, no le temen a mostrar como se sienten respecto de la música; no se reprimen en demostrar cuán excitados están. Sólo se dejan llevar y no les importa si sus movimientos son torpes o descoordinados porque les nace expresar su gozo”. Las jams parecen jugar un rol importante en la identidad de Warpaint. ¿Improvisan mucho en los shows o se apegan a las versiones del disco? “No, cada noche alteramos las versiones de los temas. Ya cumplimos ocho meses en gira y todas las noches hacemos básicamente las mismas canciones, por lo que tratamos de insertar algo distinto, meter algo nuevo en cada tema. La idea es mantener al público excitado y hacerlos parte de algo que suene fresco y que no lo sientan rutinario o como que estamos en piloto automático”.
Tratar de captar la vibra de la gente…. “Sí, hacerlos sentir especiales. Que sean testigos de algo que les parezca novedoso. Es la idea central, me parece”. ¿Cómo van los planes de un nuevo disco? “Para ser sincera, la verdad es que no tenemos muchas canciones concretas; más bien tenemos bosquejos. Si nuestra agenda se cumple según lo planeado, lo que deseamos es empezar a componer en el verano del próximo año”. En sus inicios trabajaron con John Frusciante. ¿Qué trajo él a la banda en términos de composición o formas de trabajar? “John nos ayudó mucho con nuestras primeras grabaciones. Más que nada, él estuvo cerca por el simple hecho de ser nuestro amigo, especialmente de Emily. Fue un soporte muy potente: nos regaló instrumentos, nos dio amplificadores, estuvo muy cerca de nosotras. Por eso, el hecho de que se involucrara en nuestras canciones (mezcló Exquisite Corpse) se sintió como algo muy natural”. En los últimos meses han tocado en un montón de festivales y has podido ver a muchos grupos. ¿Qué bandas te han llamado la atención? “Había escuchado hablar de Wild Beasts; luego los vi en Glastonbury y me volaron la cabeza. También rayé con James Blake. Y aunque no es nuevo, siempre me emociona mucho ver a Bright Eyes. Y una banda con la que hemos tocado varias veces y tenemos mucho en común es Blonde Redhead”. ¿Te agrada estar de gira? “Sí, me gusta el movimiento constante. Obviamente hay momentos en que desearía estar en casa o en que me siento demasiado cansada, como ayer”. Bueno, ¿y qué te quedaste viendo? ¿Por cuál película cambiaste al cóndor? (Ríe) “Vi dos capítulos de esa serie de HBO, Boardwalk Empire; luego, una película que se llama Whatever it Takes, con James Franco, y Peggy Sue Got Married, la clásica de Nicolas Cage. Como puedes ver, no soy precisamente un ejemplo de rockstar”. Sí y no. Tal vez Jenny no anda de fiesta en fiesta como se esperaría de una chica de L.A., pero una vez que se inicia el concierto, la percepción que había sobre ella se transforma: toma el centro del escenario, sus movimientos son cadenciosos, las chicas (sí, chicas) presentes la piropean y todo el tiempo se tira su pelo corto hacia arriba en un tic que aunque ensayaras, no conseguirías. Y cuando la canción de Warpaint entra en su punto de cocción, la morena cierra los ojos para no abrirlos más y entra en un trance que la condensa con su bajo. Es en ese minuto exacto cuando despega el vuelo.
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Santiago Motorizado “Por más que hable de autos que chocan, siempre hay amor”
Por Judith Gomez Fotografía * Pablo Caro
Tras su segunda participación en el Primavera Sound, una gira por Europa y su paso por los festejos del Bicentenario uruguayo, la banda argentina Él Mató a un Policía Motorizado se prepara para lanzar el álbum sucesor de La Trilogía, los EP’s conceptuales -sobre el nacimiento, la vida y la muerte- que editaron entre 2005 y 2008.
Mientras Rivers Cuomo rompe su voz al grito de “The workers are going home” en ‘My Name is Jonas’, Santiago Motorizado se desplaza en su automóvil por el centro de Buenos Aires. Recorre la Avenida 9 de Julio y, con el Obelisco a sus espaldas, no puede evitar unírsele emocionado. El líder de la banda platense y artista gráfico recuerda que durante su paso por el Primavera Sound Festival en junio, adquirió un edición deluxe de Pinkerton (DGC,1994) con cuatro vinilos. “El año pasado me había comprado el CD y el vinilo en España. No tengo para escuchar vinilo, pero como estoy a punto de mudarme quiero esperar a equipar bien mi casa”, afirma. El escenario cambió, ya no es la nave motorizada de Santiago –ni el Centro Cultural de España en Buenos Aires, en donde se había presentado junto a la poeta Mercedes Halfon hacía unas horas– sino la clásica pizzería porteña Las Cuartetas. Aún con el bullicio de las mesas contiguas casi en primer plano, el músico habla, ríe, recuerda y deja entrever detalles de lo que será el nuevo disco de El Mató, a editarse –si todo sale bien– en febrero de 2012. Terminaron de grabar su nuevo disco, ¿en qué etapa se encuentran en este momento? “Así es, terminamos de grabar el disco y se lo dejamos al ingeniero de sonido Eduardo Bergallo. Él ya empezó a mezclarlo en su estudio, la idea es que lo emprolije y vea qué cosas quedan y cuáles sería mejor dejar ir. Después nosotros veremos cómo va avanzando y nos meteremos en una segunda etapa de la mezcla”.
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¿Tuvieron la oportunidad de escuchar el material con el tratamiento de Bergallo? “Nos pasó algunos mp3 para ver si teníamos que regrabar algo, pero para mi está perfecto. Las canciones tienen una nueva actitud sonora pero no dejan de ser crudas y como en vivo”. ¿Qué tan diferente fue el proceso de grabación de los EP’s de La Trilogía? “Fue diferente porque los EP’s siempre eran grabaciones caseras que en el momento en que las componíamos ya sabíamos cómo iba a quedar el disco. Acá la diferencia fue que nos juntamos en una casa que me prestaron y allí empezamos las maquetas. Compusimos unas bases, la guitarra, etcétera; y cuando lo teníamos más o menos listo lo ensayamos y fuimos a ION, donde los grabamos todos juntos a partir de eso. ION es un estudio de Buenos Aires bastante mítico, porque se hicieron varios discos ahí: cosas de la banda Manal en los años setentas, por ejemplo, y grandes orquestas en la época dorada del cine argentino. Es un lugar muy espacioso. Lo más importante para nosotros era que en las tomas quedara nuestra fuerza en vivo. Y un buen estudio sirve para que eso se pueda alcanzar”. ¿Exploraron diferentes géneros o instrumentos durante la grabación? “En particular, lo que cambió es que ahora tenemos un tecladista fijo. Por
ahí, antes, Gusti (Niño Elefante) grababa algunos detalles. Ya en nuestro último disco, Día de los Muertos (Laptra, 2008), había bastantes teclados, entonces lo sumamos para que los tocara en vivo y quedó como parte de la banda”. ¿Las canciones y el álbum siguen una línea en particular? “La idea de este disco fue juntar temas de diferentes épocas que nos gustaban mucho, pero que en su momento no encajaban con el concepto de los discos de La Trilogía. Esas las mezclamos con las nuevas para que el conjunto fuera más libre y no girara alrededor de una temática cerrada”. ¿Qué aspectos de la vida observas cuando compones para El Mató? “En las últimas canciones hay más amor que en las anteriores. Es central, está siempre; por más que hable de autos que chocan, siempre hay amor. No pienso mucho, trato de escribir lo primero que se me ocurre, que la idea sea clara y que estéticamente sean lindas las palabras que elegí. Si eso es así y quedan bien con el acento de la melodía, ya estoy contento”. Y en cuánto a la gráfica del disco, de la que seguramente te encargues, ¿tienes algo en mente? “Sí, estuvimos pensando con Willy, el baterista –que también dibuja– y
hay algunas ideas que tenemos que bocetar y ver si van encaminadas en lo que queremos. Mezclar entre algo prehistórico con un poco de la estética del cyberpunk europeo de los ochentas, que es híper realista pero con personajes extraños o bizarros. También nos gusta mucho la película La Guerra del Fuego y queremos tomar algo de ahí”. ¿Tienen un nombre o fecha de salida? “En un momento se iba a llamar El Nuevo Magnetismo, que fue el título de nuestra última gira, pero ya queda viejo. Así que estamos pensando en algo nuevo, pero no se nos ha ocurrido nada aún. La idea es que esté listo para febrero de 2012”. ¿Qué recuerdos tienen de su última visita a Chile en 2007? ¿Planean regresar? “Tengo muy buenos recuerdos, estuvo buenísimo porque nos quedamos un fin de semana en la casa de un seguidor que nos invitó y organizó dos fechas en Santiago junto a GameOver y Perrosky. En ese momento no hubo mucha difusión y no vino tanta gente, pero estaba todo bien. Estábamos contentos igual. Cada vez que vamos a un lugar nuevo no esperamos nada, no tienen por qué conocernos. Y sí, queremos volver pronto. Hay mucha movida y muchas bandas que están buenísimas”.
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discos
Duchess Says
In a Fung Day T! (Alien8 Recordings)
Con su segunda entrega discográfica, Duchess Says reafirma que su apuesta no va por el lado del mastique fácil. In a Fung Day T! es una descarga de electroshock sin concesiones: punzante, hipnótica y por largos momentos esquizofrénica. Una asfixiante atmósfera lúgubre cruza gran parte de los diez temas de un álbum poseído por enrabiadas melodías de incamuflable ADN post punk, cuyo punto de inflexión está dado por la versátil voz de Annie-Claude Deschênes, quien en todo momento se percibe como un instrumento más de la banda. Tras el dance ochentero y punk desprejuiciado de su debut hubiese sido fácil regular la distorsión, pasteurizar el sonido, angelizar el registro y así darnos otro bocado de prolijo indie rock bailable. Pero el camino escogido por estos canadienses fue, en desmedro de la autocomplacencia, aún más desafiante. Haroldo Salas myspace.com/duchesssays
Yawn
Feist
Open Season (FeelTrip/Englophile)
Metals (Interscope)
Al hablar de música, Chicago es una ciudad asociada a géneros como el rock, el blues o el jazz. Vanguardia con tintes bailables no es lo que se estila en esas latitudes. Pero eso es lo que hace YAWN desde el 2007, con una mezcla de estilos que los vuelve aún menos comunes. Esta combinación de factores no podía pasar desapercibida y su primer EP atrajo la atención de la prensa especializada. Ahora, con su debut en el formato largaduración, las expectativas eran altas y no decepcionaron. Durante cuarenta minutos Open Season construye una estructura sonora en base a electro pop y percusiones tribales, que no tarda en evocar a nombres como Animal Collective. Súmese a esto armonías vocales y pequeños guiños shoegaze y ya se tiene un álbum atípico, tanto en sus melodías como en su origen, que como mínimo genera algo de curiosidad. Sebastián Amado C.
El último trabajo de Feist viene precedido de todas las alabanzas que le entregó The Reminder (Cherrytree, 2007), cuando acercó su pop melódico de raíces folk a un público masivo y a la critica que ya se estaba derritiendo por ella desde su debut. El paso siguiente hace diez años hubiese sido la consolidación de su propuesta para avanzar en la conquista de los sellos, las radios e incluso MTV. Pero hoy las cosas no funcionan así. Es justo por eso que Metals no debe rendir nada a nadie, lo que le concede cierta libertad que hace sonar sus canciones cada vez más preciosas, aunque también más alejadas del aura pop de su celebrado antecesor. Aquí hay más The Band que Dylan, más Love que Beatles y eso parece funcionar muy bien, en especial en las composiciones intrigantes, sinfónicas y psicodélicas, que brillan por sí solas en una carrera perfecta. Martín De Mussy
www.yawntheband.com
myspace.com/feist
Hills
M83
Master Sleeps (Transubstans)
Hurry Up We’re Dreaming (Naïve Records)
Un álbum raro que podría definirse como bipolar, pues el cambio de sonoridad es sorprendente. Es costoso ampliar este tipo de análisis, ya que los suecos intentan hacer un trabajo conceptual de seis composiciones, armado en base a ritmos mántricos y ambientes místicos, casi progresivos. Pero desde la mitad en adelante, el concepto desaparece y caemos dentro de una placa con tintes de pop rock sicodélico, no de mal corte, pero que de alguna manera desequilibra. ‘Claras Vaggvisa’ es básicamente la canción que marca el quiebre. Es un ejercer de teclados que hieden a incienso religioso con delicados toques percutivos que van guiando la mente a un viaje más calmado. En definitiva, Hills nos entrega un disco doble sin serlo, una especie de ambivalencia mental frágil, estoica, pero desmembrada y pesada, como una roca. Jorge Rubio
El sexto álbum de estudio de Anthony González pretende ser grandioso desde todo punto de vista. Un disco doble que, lleno de sintetizadores saturados y texturas vocales de gran complejidad, además de guitarras precisas y oportunas, logra dar vida a esa atmósfera de ensueño que tanto persigue M83. Esta placa puede ser la mejor de la banda, alcanzando niveles de popularidad importantes, pero sin presentar mucha novedad respecto a entregas anteriores. En lugar de voces pasivas, existen gritos y frenesí, que profundizan en la parte cinematográfica de su composición. De igual forma, hay temas destinados a ser hit, como el single ‘Midnight City’, amable y juvenil; u otros como ‘New Map’ y ‘Reunion’, presentando el lado más enérgico del elepé. Un capítulo definitivo en la historia de M83, que marca un antes, augurando un mejor después. Juan Fco. Guzmán
myspace.com/hhillss
myspace.com/m83
Astro
Astro (Discos Río Bueno) La segunda entrega de Astro fue una secuela que se esperó durante tres años –considerando que los temas que componen Le Disc de Astrou vienen sonando desde el 2008– y no decepciona. La intención era crear un álbum que reflejara lo que es el sonido en vivo del cuarteto, y vaya si se logró. Dualidad curiosa: melodías más complejas, múltiples capas de instrumentos, pero con una vocación pop siempre presente y buena parte de los temas yendo de los dos a los cuatro minutos. Aunque pase desapercibido para algunos entre la sicodelia, canciones como ‘Colombo’ o ‘Ciervos’, pueden ser en extremo adictivas si se dejan de lado los prejuicios y las comparaciones. Astro es un muy buen disco, que de paso se despacha en ‘Manglares’ uno de los mejores tracks chilenos del 2011. Nada raro, viniendo de una banda pletórica en ideas, talento y trabajo en serio. Sebastián Amado C. myspace.com/astrosonidoespacial
Ganglians
Ladytron
Still Living (Lefse / Souterrain Transmissions)
Gravity The Seducer (Nettwerk)
Alegres melodías iluminadas por un sol abrasador, inspiradas en lo más enérgico del pop psicodélico de los Beach Boys y saturadas de tintineantes guitarras que rememoran a clásicos de la talla de The Feelies o The Jesus and Mary Chain. Eso es lo que nos traen de nuevo los miembros de esta peculiar banda de Sacramento, mucho brío para la primavera y simpáticos coros que van a la par de sus armoniosas canciones. En el primer adelanto de este álbum, titulado ‘Jungle’, pudimos apreciar la particularidad y calidez musical que Ganglians nos podía ofrecer en una canción, con un coro ininteligible y pegajoso. Siendo ésta su segunda entrega, evidenciamos una clara madurez en el sonido de los californianos, que se apegan a la simpatía y regocijo con su estridente jangle pop en ‘Evil Weave’ y ‘Call Me’. Perfecto para disfrutar el calor primaveral.
Álvaro Molina
Cuando ya creíamos que el grupo de Liverpool no nos volvería a entregar un nuevo trabajo, aparte del single ‘Ace of Hz’ –que formó parte del soundtrack del videojuego FIFA 2011–, Daniel Hunt y compañía nos traen éste, su quinto disco en estudio. La música de Ladytron ya es parte de nuestra memoria sonora, con un sonido electropop y vaporoso. En Gravity The Seducer, el cuarteto, juega en forma acertada con bases y sintetizadores, dando a su música un toque más actual y luminoso, dejando de lado el sonido orgánico de sus obras anteriores. Es en temas como ‘Ritual’ y ‘Altitudes Blues’ que el banda se muestra más lúdico y experimental. Gravity The Seducer es una placa bien realizada, con canciones memorables como ‘White Elephant’ y ‘Ninety Degrees’ y hits discotequeros como la ya mencionada ‘Ace of Hz’. Carlos Torrejón
Luego de estar quince años compartiendo créditos con Alkaline Trio, el bajista Dan Andriano emprende una aventura en solitario. Y si bien no es su primera incursión fuera del grupo, Hurricane Season sorprende de entrada, pues se desmarca muy notoriamente de lo que hacen los de Illinois. Acá, Andriano opta por lo acústico, otorgando melodías fáciles de escuchar, directas y sin mucho maquillaje, imperando una honestidad que es palpable a lo largo de los diez tracks. Ya sea arreglando cuentas consigo mismo en ‘Say Say Say’, demostrando agradecimiento a su esposa –‘The Last Day We Ever Close Our Eyes’– o exaltando su rol de padre en la hermosa ‘From This Oil Can’, Andriano suena demasiado cómodo en un ropaje que no es su terreno más transitado, pero que como primera excursión arroja un resultado francamente luminoso. Jean Parraguez
Criticados hasta el hartazgo por ser “desproljos” y no afinar, nadie puede negar que los platenses de 107 Faunos llevan la fiesta a donde vayan. Y es que estos seis amigos, oriundos de la ciudad de las diagonales, están unidos por la combustión y la intensidad de vivir el día a día a través de la música. Su tercer disco y sucesor de Creo Que Te Amo (Laptra, 2010) no sólo evidencia una madurez en la composición (‘El tigre de las Facultades’), sino también sus ganas de crear nuevos sonidos (‘Cachorros’) y dejar en claro que son una de las bandas del under argentino que más fuerte está pisando a ese lado de la cordillera. Con ocho temas, de menos de dos minutos de duración cada uno, la crew de Javier ‘Gato’ Sisti Ripoll nos invita al universo de la juventud que no necesita máscaras, y que recorre las calles con las suelas de las zapatillas gastadas. Judith Gomez
myspace.com/ganglian
myspace.com/ladytron
myspace.com/theemergencyroom911
www.laptra.com.ar/eltesoro.html
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Dan Andriano In The Emergency Room
Hurricane Season (Asian Man Records)
107 Faunos
El Tesoro Que Nadie Quiere (Laptra)
Tom Waits
Bad As Me (Anti) Parte el nuevo disco de Tom Waits y lo primero que suena son trompetas desastrosas, guitarras sucias, teclados de vagabundos y baterías que retumban como tarros roídos. Nada ha cambiado para el viejo Waits y su voz regada, ahumada y cabaretesca, pero luego de algunas escuchas parece notarse algo diferente en el fondo, algo que sutilmente mutó. A pesar del ruido y la locura, en Bad As Me hay más tranquilidad, alegría y un extraño aire romántico que atraviesa las canciones de un álbum que nunca cae. Ya lo había probado en sus primeros trabajos, pero ahora con Kathleen Brennan a su lado, las razones de la conversión amorosa parecen más justas y sinceras. Aun así, el lumpen de Keith Richards, Marc Ribot, Flea o Les Claypool tiene su espacio en canciones como `Chicago`, `Satisfied` o la propia y genial `Bad As Me`. Un regreso en la mejor de sus formas. Martín De Mussy myspace.com/tomwaits
Lyonnais
Felipe Cadenasso
Wavves
Unknown Mortal Orchestra
Want For Wish For Nowhere (HOSS)
Cadenasso en Estudio Elefante (Cápsula Discos)
Life Sux (Ghost Ramp)
Unknown Mortal Orchestra (Fat Possum / True Panther)
Los discos oscuros –no densos ni pretenciosamente fatalistas, sino oscuros, tan simple y complejo como eso– son un bien escaso. Por lo mismo, cuando aparece uno, debe ser examinado con atención. Y esta vez, al mirar y escuchar de cerca la ópera prima de este cuarteto de Atlanta, las maravillas no hacen más que amontonarse una tras otra. Guiños a John Zorn (‘A Sign from on High’), shoegaze rabioso (‘The Fatalist’), temas que le deben tanto a Nick Cave como a las bandas góticas (‘Modern Cavalry’), referencias a Frank Zappa y My Bloody Valentine. A ratos es dream pop, a ratos parece rock experimental. Una mezcla caótica, sin formato ni fórmula, con un resultado irresistible y repleto de detalles que necesitan oírse más de una vez para ser descubiertos. Quizás, uno de los mejores primeros pasos que se hayan editado este año. Sebastián Amado C.
Luego de dos años de la edición de El Movimiento (Cápsula Discos/ Oveja Negra, 2009), Felipe Cadenasso regresa a la esfera musical como cantautor con un disco en vivo. Una producción realizada junto a los músicos Gonzalo Planet –guitarra, percusión y voz–, Bernardita Martínez –contrabajo y voz – y Leo Quinteros –teclados y voz–, quienes dejaron registro directo de lo que pasó aquel 31 de marzo de este año en el nostálgico club santiaguino. Con diez temas, entre ellos los insignes ‘El Movimiento’, ‘La Araña’, ‘Carrusel’ y sus versiones de ‘Paper Boy’ y ‘Cotidiano’ (de Roy Orbison y Chico Buarque, respectivamente), Cadenasso se transforma en un verdadero alquimista de ocasos y auroras, interpretando canciones sombrías, impregnadas de luminosos destellos, dejando muy arriba el trabajo solista del lider de Matorral. Pamela Palma
El grupo de San Diego, liderado por Nathan Williams, da fe una vez más de su amor por el surf, la sicodelia y el ruido. Cercanos a los primeros Jesus and Mary Chain y Dinosaur Jr, los Wavves conjugan en este disco melodías y distorsión en partes iguales. Además, tanto Best Coast como Fucked Up aparecen colaborando, cada uno en un tema – ‘Nodding Off’ y ‘Destroy’, respectivamente– en este EP, que también incluye un single con un nombre tan hilarante como ‘I Wanna Meet Dave Grohl’. A un año de su tercer álbum, la banda suena intensa y lisérgica: entre las ocho canciones, fluye una energía primitiva y punk renovadora, y para eso basta oír la toma en vivo de ‘In The Sand’. Consolidados como una de las propuestas más frescas del indie rock actual, junto a sus invitados, los Wavves logran crear su propia dimensión paralela. Rodolfo García
Pocas veces uno se encuentra con la sensación de estar frente a algo de extraño origen, pero ésta es una banda que hasta hace muy poco estaba perdida en el anonimato y ahora acaba de surgir, para ubicarse en las grandes ligas de la psicodelia nueva. Con su debut homónimo, Unknown Mortal Orchestra nos otorga divertidos momentos de lo-fi espacial, llenos de ritmos que a ratos nos hacen mover gracias a su calidad funk, la que ayuda a pasar la media hora de duración de esta placa de manera veloz y entretenida. El primer adelanto del elepé se tituló ‘Ffunny Ffriends’, un curioso nombre para una canción que se caracteriza por sus alegres sonidos e inquebrantables melodías. Funk, psicodelia y acidez se funden en temas como ‘How Can You Luv Me?’ o ‘Bicycle’, para hacer calzar perfectamente este álbum con los soleados días primaverales. Álvaro Molina
myspace.com/teamlyonnais
myspace.com/cadenasso
myspace.com/wavves
www.unknownmortalorchestra.com
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Peter Murphy
Johou
Zola Jesus
Emil & Friends
Ninth (Nettwerk)
Todo Se Devuelve (Independiente)
Conatus (Sacred Bones)
Lo & Behold (Cantora)
A sus 54 años y luego de siete sin editar disco alguno, Murphy nos golpea directo al mentón con una tremenda obra. Con un sonido depurado y actual, sin dejar de lado su sello sonoro, el ex Bauhaus nos trae once temas en que demuestra que está más vigente y creativo que nunca –por algo otro grande como Trent Reznor ha buscado su colaboración–. Así, el noveno álbum en solitario del músico nos sorprende de entrada con una potente canción, ‘Velocity Bird’, que, de forma precisa, actúa como carta de presentación de esta placa y nos prepara eficazmente para lo que viene: un vuelo sin escalas. Pureza y crudeza post punk con ‘Seesaw Sway’ o ‘Memory Go’, belleza gótica con ‘The Prince & Old Lady Shade’ y el recuerdo vivo de su antigua banda con ‘Secret Silk Society’, para terminar con la sobrecogedora ‘Crème de la Crème’. Un disco redondo, por donde se le mire. Carlos Torrejón
Rock para bailar y moverse, letras que duelen de honestas, arreglos sólidos. Todo esto podrás encontrar en la cuarta placa de Johou, que bien podría ser la entrada a la siguiente etapa sónica de la banda. El centro de esta propuesta es el rock & roll, sazonado con funk, stoner y otras hierbas. Parte con ‘Zorra Petarda’, donde lo que más hay es energía, usando de pretexto guitarras crudas y melodiosas en tono de rock camionero a lo QOTSA. Temas como ‘Panamá 387’, ‘Voy a Dejarte’ y ‘Pirañas’ destacan por sus arreglos vocales, aportando a los ritmos frenéticos y motivos rebeldes. Tampoco escatiman en criticar la siutiquería que se encuentra en el circuito artístico nacional, con ‘Ragazza’ y ‘Ay Que Rico!’. Un disco entretenido, que garantiza risa y rebeldía, que debería estar en tu coleccion de música chilena. Juan Fco. Guzmán
Oscuro, profundo y deslumbrante. Luciéndose con comparaciones a Siouxsie Sioux, Patti Smith y Elizabeth Fraser, la cantautora rusa/norteamericana Nika Roza Danilova nos impresiona con su sorprendente manejo de voz, que llama la atención desde el primer momento, impregnado a letras llenas de desolación, crudeza y alienación; todo esto plasmado en un álbum musicalmente etéreo, gótico y sombrío. Siendo éste su segundo disco editado bajo el sello Sacred Bones, Danilova crea una placa atrapante, que se diferencia de sus dos antecesores debido al uso de arreglos de cuerdas y la electrónica más oscura, con la ayuda del productor Brian “Nudge” Foote. Con canciones al estilo gótico de The Cure como ‘Avalanche’ o post punk al estilo de Joy Division en ‘Vessel’, Conatus se une a las joyas de este año con una propuesta original y fresca. Álvaro Molina
La música es subjetiva. Una vez que deja las manos de su creador y pasa a estar disponible para cualquiera, las interpretaciones y asociaciones posibles pueden ser infinitas. En el caso de Lo & Behold, depende de quien lo escuche que éste califique como un álbum primaveral o veraniego. Y, a decir verdad, hay con qué respaldar ambas categorizaciones. Una pequeña muestra de lo ecléctico que puede ser Emile Hirsch, actor devenido en compositor que aquí se despacha una obra exquisita. Desde ‘Flashback’, se hace evidente su facilidad para mezclar géneros e insertar detalles inesperados, dotando a cada track no sólo de improbabilidad, sino también de frescura y atemporalidad. Su espíritu es pop, eso está claro, pero el resultado es un crossover sonoro de alto poder adictivo al que las palabras, a fin de cuentas, no le hacen real justicia. Sebastián Amado C.
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Gringo Star
Plaid
We Were Promised Jetpacks
Mates of State
Count Yer Lucky Stars (Gigantic Music)
Scintilli (Warp Records)
In the Pit of the Stomac (Fatcat Records)
Mountaintops (Barsuk)
Lo de Gringo Star no debería ser ninguna sorpresa. Mal que mal, su debut ya auguraba lo que su sucesor entrega a raudales: garage rock en su espíritu, pero con una producción limpia cortesía de Ben Allen –Animal Collective, Gnarls Barkley, Deerhunter–, que permite escudriñar entre los acordes de guitarra y notar guiños al rockabilly, doo wop y britpop, junto con un vago espíritu surf rock de fondo. En otras palabras, se podrían estar haciendo asociaciones todo el día, pero a la larga éste es un disco que se defiende solo, con hits inmediatos como ‘You Want It’, ‘Got It’ y el notable acierto que bautiza esta placa. A lo largo de once canciones, los de Atlanta demuestran su talento para componer melodías tarareables sin traicionar su espíritu, y una oída basta para comprobar –por segunda vez– que esta banda no es sólo memorable por su nombre. Sebastián Amado C.
Once años han pasado para el dúo compuesto por Andy Turner y Ed Handley. Años de experimentación dentro de la electrónica, siempre cultivando el ambient retorcido, el IDM más abstracto en sonoridad, pero melódicamente entendible. Scintilli es una colección de motivos íntimos pero nada tímidos, que parecen estrellarse contra un océano de calma. Comienza con ‘Missing’, dando una cálida bienvenida a la placa. Temas naif como ‘Unbank’, o el motivacional ‘African Woods’ dan la nota dinámica al disco, que también posee valles de misteriosa hermosura a cargo de ’Craft Nine’ o la submarina ’35 Summers’, finalizando con la nostalgia de ‘At Last’. Cada pista, puesta con delicadeza en el orden propuesto, sólo apoya la genialidad pura de Plaid en las máquinas, que nos vuelven a demostrar el poder de estas herramientas en buenas manos.
Al parecer, el matrimonio conformado por Kori Gardner y Jason Hammel se encuentra en la cima de su carrera musical. Y es que luego de la interesante crítica que recibió su placa de covers Crushes (The Covers Mixtape) (MOS Records, 2010), decidieron escribir, producir y grabar su séptimo álbum, denominándolo Mountaintops. Un hecho subjetivamente acertado, ya que en esta ocasión consiguen hacer del pop moderno un estilo propio, relajado y cargado de contenido. El disco empieza con una buena inyección de energía al mando de ‘Palomino’, al que le sigue ‘Maracas’, un ochentero hit que logra esta mística gracias a la precisa maniobra de sintetizadores. Sin embargo, el verdadero clímax de esta obra de pop melodramático se lo lleva ‘Total Serendipity’, una maravillosa canción que nos explica por qué estos chicos nos miran desde arriba.
Juan Fco. Guzmán
We Were Promised Jetpacks es la historia de cuatro escoceses que el 2009 facturaron un auspicioso debut llamado These Four Walls. En juerga hípica, ésta era una carrera corrida hacía la consagración. Sin embargo, un inexplicable y desconcertante segundo EP fue suficiente para perderles el rastro y abandonar las apuestas a su favor. Volvemos al 2011 y nos encontramos con In the Pit of the Stomac, sin duda una resurrección caótica y menos melódica que su debut, pero de factura épica y cautivante lírica oscura. Acá hay un pop más elaborado, interesantes guiños post rock y una justa dosis de melancolía: formula que se materializa en temas menos digeribles que sus antecesores, alargados con justicia y alejados de la tentación del hit radial. En resumen, un sonido más visceral e intuitivo que nos trae de vuelta a este eslabón perdido del rock. Haroldo Salas
myspace.com/thegringostars
myspace.com/plaid4thepeople
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Pamela Palma
James Blake
Born Gold
Enough Thunder EP (Universal Republic)
Bodysongs (Hovercraft/Crash Symbols)
James Blake se ha convertido en una figura suficientemente prolífica, avezada y talentosa para ser reconocido como un modelo de vanguardia en la música que hoy inunda los blogs, revistas e incluso radios. No es una mención menor si además eres un chico inglés de solo 23 años, que ya ha editado varias grabaciones y que además ha lanzado uno de los discos más celebrados de este 2011. ¿Por qué tanto aplomo sobre él? Sencillamente porque su fórmula camina por el dubstep, la electrónica y el avantgarde desde una postura humilde y nada de empalagosa, que brilla al final por su minimalismo y sus silencios necesarios. Enouh Thunder EP no es más que otra muestra de genialidad, explicada en seis canciones precisas, entre las que se encuentra una justa colaboración con Bon Iver y un brillante cover de Joni Mitchell. Más aplausos entonces. Martín De Mussy
Atípica es, quizás, la palabra más apropiada para describir esta primera muestra de lo que es Born Gold, proyecto antes conocido como GOBBLE GOBBLE. Una compilación de singles que, sea o no a propósito, pareciera que hubieran sido compuestos como un todo uniforme. No suena a recopilatorio, sino a un álbum hecho y derecho. Sintético, intenso y breve: diez temas en menos de media hora. Como si la meta al momento de crear cada track hubiera sido atacar de lleno el núcleo de cada canción, enfocar toda la atención en los coros y versos y sólo recurrir a intros y outros cuando y cuanto fuese necesario. Y por lo mismo, cada vez que ocurre es llamativo en extremo. Son canciones hechas pensando en la pista de baile, y se nota. Bodysongs es sicodelia pop, irresistible y de bajos marcados. La mejor corrosión sonora posible. Sebastián Amado C.
www.jamesblakemusic.com
www.borngold.us
Warm Ghost
Jamie Jones
Narrows (Partisan)
Fabric 59 (Fabric)
Paul Duncan es el hombre detrás de Warm Ghost. Con un par de discos a su nombre y colaboraciones en múltiples proyectos, este año optó por desdoblarse, tomar un seudónimo y dar inicio a una aventura contemplativa. Esto último puede sonar contradictorio, pero es así. Y es que los nueve temas que dan vida a Narrows tienen mucho de dualidad. Sintetizadores y conceptos pop, pero con intenciones que distan de los formatos habituales. El resultado está plagado de parajes instrumentales y momentos fríos, con influencias claras de Autechre y otros nombres similares. La idea de Duncan es retar a los oídos, pero no porque éstas sean melodías difíciles –aunque nunca dejan de ser experimentales–. El asunto, más bien, va en aceptar la invitación de este cálido fantasma a caminar por terrenos poco explorados. Sebastián Amado C.
Jamie Jones ha logrado en poco tiempo lo que muchos productores de house tardan en años: crear una identidad propia ligada a un sonido house negro y fiestero. Junto a gente como Lee Foss, Soul Clap o Art Deparment están haciendo de las pistas de baile del mundo algo mas fresco. Paseando sus DJ set en los mejores clubs de Ibiza, Berlin y Londres con un nigga house a ratos profundo, pero siempre con un groove constante y glamoroso. Dueño de su propio sello –Hot Natured– y con lanzamientos en Crosstown Rebels, Cocoon o Poker Flat, lo que nos trae ahora es su nuevo mix cd para el club de Londres, Fabric. Temas de Sebastian Tellier (Metronomy remix), James Teej, Cajmere y Crazy P, entre otros, se funden con frescos vocales y ganas de fiesta. Una excelente session enlatada de parte de uno de los nombres a destacar en la musica de baile de este 2011. José Antonio Sepúlveda
www.warmghost.com
myspace.com/jamiejonesdj
discos perdidos Maids of Gravity Maids of Gravity (Virgin, 1995)
El estilo de Maids of Gravity es ácido y sicodélico. Emparentado con los sonidos iniciales de The Flaming Lips y con atisbos del rock de Dinosaur Jr. y Smashing Pumpkins, este combo americano comenzó sus correrías a comienzos de los noventa, logrando editar sólo dos elepés. Resulta difícil creer que con este disco de 14 canciones no hayan tenido mayor repercusión, ya que no es común escuchar producciones de esta calidad, en que cada tema es aún mejor que el anterior. Carlos Torejón
Sun Dial Acid Yantra (Beggars Banquet, 1995)
Esta es la quinta entrega de una banda muy especial, que sabe combinar a la perfección la cantidad de ácidos y mantras necesarios para un viaje sin escalas por el espacio. Acid Yantra se revela como un disco experimental dentro del sonido de la banda, constituyendo una mezcla de psicodelia stoner y cósmica en ‘Apollo’ y ‘Bad Drug’, hasta drones astrales en ‘Red Sky’, todo nutriéndose a partir de la genialidad inspiradora de Jimi Hendrix, The Stooges y el Pink Floyd de Barrett. Álvaro Molina
P P (Capitol, 1995)
P, grupo de poca repercusión en su época, no es sólo la banda de Johnny Deep, sino, un combo compuesto por buenos músicos y grandes amigos. En su único disco homónimo, cuentan con la colaboración de grandes del rock como Flea y Steve Jones. Con acertados arreglos de guitarra, composiciones eclécticas y un Gibby Haynes (Butthole Surfers) inspirado, las canciones transcurren dejando la sensación de que los 57 minutos de esta placa son una de las mejores inversiones de tiempo que puedes haber realizado. Nota aparte es la versión de ‘Dancing Queen’ del grupo sueco ‘ABBA’, demostrando pura versatilidad y humor musical. Carlos Torrejón
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audiovisual
vicente fernández ARCHIVOS DEL PRESENTE
La idea de albergar en un mismo sitio web a la mayor cantidad de músicos y bandas nacionales en atractivas producciones audiovisuales (entrevistas, presentaciones y documentales), donde la locación es escogida entre el artista y el equipo detrás de cámaras, es algo que fue tomando forma desde el nacimiento de Sesiones Vivas, en febrero de 2010. Sus primeros pasos se dieron a través de Vimeo, pero, gracias a la productora Tororey, el proyecto pasó a ser un blog y, después de una marcha blanca, el sitio se dio a conocer al mundo este mes. La finalidad de este medio es transformarse en una verdadera biblioteca contemporánea de la escena local. Una plataforma abierta a ideas innovadoras y vanguardistas, pero, por sobre todo, capaces de perdurar en el tiempo. Cinco miembros estables, más una serie de colaboradores, conforman el equipo humano de Sesiones Vivas. Vicente Fernández, uno de sus fundadores, está a la cabeza. De ideas claras y sencillas, este director
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Texto y Fotografía por Cristián Carrasco
de 25 años declara: “Uno de los requisitos fundamentales para pertenecer a este sitio es ser ‘rockero‘. No en el sentido de la corriente musical, si no en la actitud de enfrentar las cosas. Tener la intención de generar ideas interesantes, pero con una visión divertida y decidida”. Así, esta ‘videoteca‘ pretende establecerse como una base de consulta para cualquier interesado con ganas de hacer memoria, indica Vicente, y luego agrega: “Hay muchos músicos que dejan para más adelante sus proyectos; en Sesiones Vivas recibimos el aquí y ahora en música e imagen”. Como muestra de esto, un puñado de destacados artistas locales, como Fernando Milagros, Matías Cena y Ángelo Pierattini (entre otros), han estado bajo su lente. Además, para marzo del próximo año preparan el estreno de un documental sobre las presentaciones que realizaron las bandas Intimate Stranger, The Ganjas y Casino en Estados Unidos, en el marco del festival SXSW 2010. http://www.sesionesvivas.cl/
vitrina
Festival Art Futura Este festival, de origen español, nació el año 1990 e indaga en todas las propuestas nuevas surgidas de los más destacados creadores en el área de la animación digital, el new media y el video clip. La gran novedad de este año, surge tras la expansión del evento por Sudamérica. Teniendo cuatro versiones en Argentina, llega por primera vez a Chile para ser presentado en el Centro Cultural Palacio La Moneda, el 23 de noviembre. Algunas de las obras que se mostrarán son Press, Pause, Play, film que cuenta la importancia de los nuevos medios digitales en la música, el arte y el diseño; The Monster of Nix, el último trabajo de animación digital del músico, realizador de videos clip y cortometrajes Rostro, que cuenta con la música de The Residents; y el documental Connected, que habla de las nuevas tecnologías y su acercamiento e importancia en nuestras vidas, dirigido por Tiffany Shlain.
www.artfutura.org
Mauricio Garrido en Galería Animal La diversidad es la principal característica de este artista, que tiene como principales medios de creación la escultura, el textil, los collages y el vídeo arte. Desde el 18 de octubre al 19 de noviembre, Garrido presentará su trabajo visual titulado Las Tentaciones de San Antonio, en Sala Cero de Galería Animal. La obra consta de siete collages de enormes dimensiones, cargados de color, que reviven el conocido mito de San Antonio. La muestra está hecha desde el profundo interés del autor en el santo, siendo éste una figura con una importante historia, visualmente atractiva.
www.galeriaanimal.com
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La poesía de las rayas Un proyecto artístico. Una forma de expresión. Una idea. Una línea. Todo eso y mucho más es lo que ofrece Lostories, una nueva muestra de vanguardia que emana de la creativa cabeza de Pato Del Sante, artista, publicista e impulsor inquieto que ya ha sido premiado y celebrado en Francia y Argentina. Las materias primas de este proyecto son libros y lápices, y su mecánica es rayar sobre lo que ya se ha escrito, dejando sólo algunas palabras claves. El resultado: una narrativa propia que nace de dos cabezas en base a un libro o una historia. “Es buscar historias perdidas en libros que ya fueron escritos, adueñarse de sus palabras y combinarlas fuera de su contexto original para darles otro sentido. Es tomar la obra de cualquier escritor con total impunidad y usarla como un pintor raya una tela, o un escultor dobla el fierro”, explica Del Sante. Con dos obras ya publicadas, un próximo ejercicio con Chuck Palahniuk y el apronte para que Lostories pase a entenderse como una pieza de arte, una librería o una comunidad, la escena artística ha comenzado a celebrar y hacerse parte de este proyecto que busca un nuevo lenguaje. Más información en:
www.lostories.com
Metropolibros. Enemigo de la ‘no lectura’ Metropolibros es un programa de televisión estrenado el 7 de noviembre por Canal 13Cable; cuenta con ocho capítulos y descubre esos espacios y tiempos en la ciudad que supuestamente son usados por los chilenos para tomar un libro y leer. Lugares como parques, cafés literarios, locomoción pública e incluso el baño, serán descritos por su animador, Gregory Cohen. Además, estará acompañado por conocidos personajes como Ramón Llao, Tea Time o Camila Moreno, que confesarán que tan importante es la lectura en sus vidas, tanto personal como profesional. La serie busca aumentar ese 41% de personas que dedican un tiempo en su día a día a leer un libro, eso sí, siempre con el humor de por medio.
www.13.cl/cable
Francisco Uzabeaga Uno de los cierres que tienen Galería Animal para este 2011 es la presentación del pintor nacional Francisco Uzabeaga, quien expondrá ocho óleos sobre tela, los que se basan en imágenes de la historia cinematográfica de los años ochenta. Debido a la época, poseen escasas resoluciones, carencia en el tinte y un notado píxel que el artista lleva a los cuadros de pintura. La exposición lleva como nombre Escenografita 2 y estará en la Sala Cero, desde el 22 de noviembre hasta el 17 de diciembre
www.galeriaanimal.com
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liv e interpol Martes 8 de Noviembre Teatro CaupolicĂĄn FotografĂa * Ignacio Galvez
warpaint Martes 4 de Octubre Centro Cultural Amanda Fotografía * Javiera Tapia
beady eye Lunes 31 de Octubre Teatro Caupolicán Fotografía * Ignacio Galvez
liv e Round Table Knights Lunes 31 de Octubre Espacio Cellar Fotografía * Diego Maya
felix da housecat Viernes 14 de Octubre Industria Cultural Fotografía * Diego Maya
the kills MiĂŠrcoles 2 de Noviembre Teatro Oriente FotografĂa * Wladimir Rojas
liv e hercules and love affair SĂĄbado 8 de Octubre Centro Cultural Matucana 100 FotografĂa * Wladimir Rojas
toro y moi Jueves 3 de Noviembre Centro de Eventos Cerro Bellavista Fotografía * Wladimir Rojas
goldfrapp Martes 8 de Noviembre Teatro la Cúpula Fotografía * Javiera Tapia
liv e los galgos Sábado 29 de Octubre Espacio Cellar Fotografía * Diego Maya
ellas no Sábado 22 de Octubre Cerro San Cristóbal Fotografía * Daniela Leon
liv e dimitri FROM PARIS Sábado 8 de Octubre Centro Cultural Matucana 100 Fotografía * Wladimir Rojas
bomba estéreo Viernes 7 de Octubre Industria Cultural Fotografía * Wladimir Rojas
The Raveonettes Levi´s® Music Viernes 4 de Noviembre Centro Cultural Amanda Fotografía * Wladimir Rojas
!!!
Intimate Stranger
Diegors
Pr im l av iv er e a Fa un a
Primavera Fauna
Gepe
SĂĄbado 5 de Noviembre Espacio Broadway FotografĂa * Wladimir Rojas
Makaroni
Flight Facilities
Flight Facilities
Vhs or Beta
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diez canciones Royksopp – Shor....................... Ritmo Machine – Maestro Latin Bitman (José Bravo) llega a buen puerto con su proyecto junto a Eric Bobo de los Cypress Hill. Beats latinos, percusión perfecta y mucho sabor en un primer corte que genera grande expectativas.
B......................... Gem Club – 252 Extraído de su álbum debut Breakers, el proyecto de Christopher Barnes apuesta por la elegancia de un piano y la interpretación de sus oscuras melodías a dos voces. Simple, triste a ratos y muy pulcro. King Krule – The Noose of.................. Jah City En el Segundo EP de Archy Marshall bajo el pseu................................................ dónimo de King Krule, el artista logra una fusión entre el sonido de Death in June y Kid Loco, siendo esta su canción más luminosa. Una base con cadencias hip hop, bajo y melodía simples, más unas letras agudas y críticas. Fakuta – Aeropuerto Extraído de su único álbum, Al Vuelo, esta segunda muestra pro.......................................
mocional deja en claro que Pamela Sepúlveda basa en el minimalismo pop su estrategia. Teclado y voz. Contenido, pasión y talento.
.......................................... Oh Land – White Nights Nuevo single de la reina del pop europeo. Rubia danesa de
ensueño que envuelve de beats burbujeantes y amigables una buena cantidad de ideas. Este es el aconsejable nuevo sencillo de su álbum homónimo. The Drums – Money post punk hecho primavera y empa .......... Doom, Thom Yorke &ElJonny Greenwood - Retarded Fren Primero el guitarrista Greenwood llegó con la banda sonora de There Will Be Blood. Luego Doom robó ruidos y sumó su más oscuro fraseo entre loops que ahogan, teclados extraños y hip hop sin etiqueta.
.................................... Leila – (Disappointed............................... Cloud) Anyway Este es un adelanto del disco U&I, a ser lanzado en enero del próximo año. Un track experimental puramente electrónico que podría ser hijo de los gemelos malvados de Postal Service. A pesar de su aparente simpleza, logra pasajes de extrema complejidad, coronados con las fantasmagóricas voces de Mt. Sims. Atlas Sound – Modern Aquatic Nightsongs The Young Profession............................. Si Tema destacable de la última entrega del proyecto solista de Bradford Cox (Deerhunter) que, fiel a su sonido, nos presenta un track que recuerda algunas de las canciones más extrañas de Beck, además de la maestría en el uso de todo tipo de efectos. Un imperdible para las noches de calor.
La nueva musa de Geoff Barrow de Portishead sigue deslumAnika – No One’s There brando con su oscuro debut 2010. Este es su nuevo sencillo. Monotonía fresca y necesaria con una voz cautivadora. El relevo que faltaba. Memoryhouse – Quiet America Dusty Kid – Chentu Mizas Una amalgama de elementos orgánicos (guitarras, voces y harmónica) sobre una suave cama de ritmos en clave house y sintetizadores lujuriosos, son la base para dar vida a esta canción, que nos muestra el poderío del pop con aspiraciones más allá del dinero y éxito.
tres videos Los Campesinos! – Hello Sadness Un video que da la bienvenida a un conjunto de micro torturas, es precisamente el apoyo visual de la esquizofrénica ‘Hello Sadness’. El concepto de necesitar el dolor queda planteado de sobria pero detallada forma, sin pasarse al extremo del mal gusto, pero haciendo equilibrio en la delgada línea que separa el arte de lo innecesario. WU LYF – We Bros Con exquisita delicadeza, la agrupación luciferina nos persuade a hacer todo aquello que está fuera de los límites de lo correcto y conocido, en pos de lo que realmente quieres y sabes que tienes que hacer, apoyándose en un oportuno e inspirador video, lleno de simbolismos sencillos. Tan sencillos como la verdad que intentan exponer. Duran Duran – Girl Panic! Un video lleno de referencias a la historia de la banda, desde el guión hasta los recursos estéticos cuidadosamente dispuestos en todo el clip. El uso de modelos, esta vez para interpretarlos, y la honestidad sónica de la propuesta hacen que este video le saque un 10 a cada jurado, y una sonrisa a todos los seguidores de la banda.
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