EXTRAVAGANZA

octubre 2011 // DistRibuci贸n gratuita

www.extravaganza.cl

Hercules & Love Affair

Entrevista con Andrew Butler Daniel Hunt Alex Anwandter Elisita Punto Nicolas Jaar

index

extravaganza nº 90

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Andrew Butler

Aprovechando la visita de Hercules & Love Affair, Nicolás Castro entrevistó al líder del quinteto a pocas horas del concierto. Una conversación entre melómanos, que lo deja ver en un plano diferente al que nos tiene acostumbrados.

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Alex Anwandter

El multifacético cantante está a punto de lanzar su primer disco bajo su propio nombre. Conozcan los detalles de éste, en nuestro Reporte Estudio.

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Daniel Hunt

Antes de confirmar el futuro concierto de Ladytron en Chile, el músico y productor estuvo en Santiago pinchando discos. Rodolfo García consiguió entrevistarlo y esto fue lo que nos dijo

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Nicolas Jaar

Con apenas 21 años es considerado como el niño prodigio de la electrónica mundial. Recién bajándose del escenario del Electric Zoo, lo interceptamos para ustedes.

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staff

extravaganza nº 90

Judith Gomez Periodista argentina y melómana incurable. Es nuestra corresponsal en Buenos Aires y nos mantiene al día con respecto a los nuevos proyectos trasandinos. Esta vez, comenta lo nuevo de Javi Punga y Violeta Castillo. Además, es la editora de indieHearts (www. indiehearts.com) y, según ella, no puede evitar escuchar ocho horas de música al día, como mínimo.

Álvaro Molina El integrante más joven de nuestro equipo tiene 17 años y es un apasionado por la música psicodélica, drone, space rock, shoegaze y garage punk, además de ser un acérrimo seguidor de la poesía, el arte, la comida india y las películas de Martín Scorsese. Todavía no termina el colegio y ya es un personaje. Este mes nos habla de Neon Indian, Case Studies y Foster the People.

Representante Legal Francisco Mujica Maureira Gerente Comercial Rodrigo Mahana Editor Víctor Hugo Carvallo Diseño Isidora Garcia Lisette Jorquera Colaboradores Javiera Tapia Andrés Panes Rodolfo García Aníbal Valenzuela Rodrigo Salinas Rolando Inostroza Gabriel Reyes Jorge Rubio Miguel Castro Felipe Arratia Felipe Fuentealba Carol Bravo Mauricio Aravena José Antonio Sepúlveda Álvaro Molina

Sebastián Soto Martín De Mussy Sebastián Amado Manuel San Martín Andrés Venegas Diego Huenchur Martín Manríquez Cristián Carrasco Jean Parraguez Carlos Torrejón Pamela Palma Juan Fco. Guzmán Sofía Villanueva Judith Gomez Eduardo Román

Revista Extravaganza!

Fotografía Ignacio Gálvez Diego Maya Wladimir Rojas Daniela León Ángela Santelices Práctica Profesional Javiera Rojo - Periodista Valentina Quiroga - Periodista

octubre 2011 // Distribución gratuita

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Hercules & Love Affair

Entrevista con Andrew Butler

impresion Quebecor World Chile S.A.

Daniel Hunt Alex Anwandter Elisita Punto Nicolas Jaar

Octubre 2011 Edición 90 Fotografía * Ignacio Gálvez

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director Fernando Mujica Maureira

CONTACTO Nueva de Lyon 105 local 12A, Providencia, Santiago // Teléfono: 335-0741 www.extravaganza.cl contacto@extravaganza.cl twitter:@EXTRAVAGANZAmag

tecno logía por sebastian soto & luis felipe fuentealba

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01 Yamaha YAS-101 La última novedad de Yamaha es una delgada barra de sonido.

El sistema integra un subwoofer de gran alcance que ofrece un canal con sonido envolvente 7.1 junto a compatibilidad con Dolby Digital y DTS. Sus dos parlantes frontales alcanzan 120 watts de potencia. Además, incluye el modo UniVolume que permite que el éste se mantenga) a nivel constante al evitar que se suba durante comerciales. usa.yamaha.com

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02 Altec Lansing iMT63 Dentro de la variedad de parlantes compatibles con iPod e iPhone, este sistema de audio resalta tanto por su diseño ultra portátil como por la compatibilidad con todas las generaciones de la familia de Apple. El equipo de 31 cms. de ancho y 13.5 de alto posee un control remoto para manejar el menú a larga distancia y una batería recargable de hasta 7 horas de reproducción. www.alteclansing.com

03 SANDISK IMAGEMTE Es un lector y grabador con rendimiento de transferencia de interfaz USB 3.0 de hasta 500 Mb/s.

Reduce el tiempo de envío de archivos cuando se traspasan datos desde una tarjeta a un computador. Cuenta con cuatro ranuras que admiten todos los formatos principales y es compatible con dispositivos aptos al estándar USB 2.0. Su cómodo diseño y pequeño tamaño lo transforman en un componente estético que entrega una rápida transferencia de fotografías y videos de alta calidad. www.sandisk.com

04 TORNAMESA GEMINI TT-1100USB Fabricada en una base de ABS robusta sobre un recinto de peso y pies de goma, tiene la cualidad de eliminar la retroalimentación de vibración externa. La bandeja y brazo de aluminio dan precisión de tono, con mayor resistencia a los saltos. Pero la principal característica de esta tornamesa es la posibilidad de conectarla al puerto USB de cualquier computador, lo que permite transferir vinilos a un formato digital con frecuencia de muestreo a 44,1 kHz y 16 bits. www.yamaha.cl

tecno logía por sebastian soto & luis felipe fuentealba

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05 PARLANTES GRID Su pro-

puesta es volver al inicio, a la unidad mínima; lo más simple posible. Usan las retículas o grillas para expresar una formalidad auténtica, capaz de generar perfecta comunión con los entornos, además de una excelente capacidad sonora. Poseen un amplificador estéreo D-Class con gran potencia y sonido impecable gracias a la ingeniería acústica. Su base está hecha con Ulmos, árboles que crecen en nuestro país desde la VIII a la X región. www.grupovibra.cl

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06 Motorola Xoom 4G

LTE Se presenta como una alternativa entre los diferentes tablets del mercado. Funciona con el sistema operativo Honeycomb y posee conectividad 4G LTE, 3G y Wi-Fi. El dispositivo tiene una pantalla de alta definición de 10.1”, procesador de doble núcleo de 1GHz y almacenamiento de 32Gb más soporte de tarjetas microSD. Su cámara posterior es de 5Mpx con flash incorporado y la cámara frontal de 2Mpx. www.motorola.com

07 Pioneer DJM-250 Este nuevo DJ Mixer trae filtros de sonido para ir variando la canción entre los arreglos y la mezcla.

Con el mezclador de dos canales se pueden combinar los efectos de ecualización con los dos filtros que se distinguen por sus luces de color. El equipo está cargado con 8 entradas para conectar diversas fuentes de sonido y la calidad del audio se garantiza mediante la salida XLR balanceada. www.pioneerdj.com

08 WUD NITE Estos parlantes

de la línea WUD están hechos en base a madera de tineo que se planta en bosques autosustentables, lo que los hace convivir con el medioambiente. Entregan un toque nostálgico y atemporal con el diseño retro que caracterizaban a las primeras radios del siglo pasado, con formas lineales y minimalistas, transmitiendo calidez y nobleza en su textura.

Otorgan máxima eficiencia en su reducido tamaño, alcanzando baja distorsión armónica y un amplio rango de frecuencias. www.grupovibra.cl

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09 GINGEBREAD PARA ANDROID Y WINDOWS 7 Los usuarios de los smartphones LG pueden actualizar de forma gratuita sus sistemas operativos de Android y Windows 7, los que cuentan con novedades como una mejor compatibilidad con las aplicaciones, velocidad y operatividad. Los modelos que se actualizan a Gingerbread con PC Suit son el Optimus One, Optimus Black, Optimus 2x y el nuevo Optimus 3D. www.lgmobile.cl

10 Corsair Flash Survivor La memoria flash de Corsair propone algo poco frecuente en estos dispositivos: mezcla la vanguardia tecnológica y un diseño a base de materiales de calidad. El equipo de almacenamiento de 16GB cuenta con conectividad USB 3.0 y es compatible con USB 2.0. Fabricado con una carcasa de aluminio, similar a las usadas en aeronáutica, resiste a 200 metros bajo el agua para una mayor protección de los datos guardados. www.corsair.com

11 DMT SMALL SOUND Son parlantes completamente portátiles, gracias a sus pequeñas dimensiones son fáciles de transportar en tus bolsillos a cualquier parte. Se cargan a través de una conexión USB, están hechos en bases a materiales biodegradables y para esta ocasión los diseños quedaron a cargo de los artistas nacionales Victoria Zamora y Diego Quintana, además del brasilero Ralph Karam. Compatibles con iPhones, iPod, Ssmartphones, notebooks, PC’s, entre otros dispositivos. www.grupovibra.cl

12 Canon SX40 HS La actualización de la serie PowerShot SX de Canon es una cámara fotográfica que integra el sistema HS y el procesador de imagen DIGIC de Canon 5 que ayudan a mejorar el rendimiento aún con poca luz. Las imágenes obtenidas son de 12.1 megapíxeles con un zoom óptico de 35x que ofrece una experiencia de alto alcance, mientras que su estabilizador óptico facilita que las capturas sean estables y claras. www.usa.canon.com

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01 Lady Mushroom Es la marca que la diseñadora

María Jesús Infante tiene hace un par de años rondando en tiendas y exposiciones de diseño en Santiago. Con prendas en Monjitas Alamoda, Lovit Store de Drugstore, Wombailola y Tienda JOJO de barrio Italia, Mushroom nos presenta su colección primavera verano 2011, donde los encajes y cintas protagonizan una producción con más de un must para esta temporada. www.flickr.com/photos/lady_mushroom

02 CAT La mezclilla está en todos lados: chaquetas, panta-

lones y vestidos. El desafió es seguir llevándola a otros productos sin que pierda su carácter y CAT lo logró con el zapato Jeret Mid JD, creado por el diseñador J. Diamandis; quien, en colaboración con CAT Footwear, deseaba representar el desgaste y la transformación de sus viejos y hermosos jeans en un par de onderos zapatos. www.cat.cl

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03 KROSS La micro cervecería chilena cumple ocho años de edad y lo han celebrado de la mejor manera posible: lanzando una versión renovada de su exitosa variedad Kross Lupulus. Esta cerveza constará de una graduación alcohólica de 5.8º y pasará a formar parte de la familia Kross, junto con las ya consolidadas Golden Ale, Pilsner, Maibock, Stout y Kross 5. www.kross.cl 04 LEVI`S Como auspiciador del primer torneo de Hard Court Bike Polo realizado en Chile, Levi`s lanzó una exclusiva edición limitada de prendas diseñadas por y para ciclistas. La nueva línea lleva como nombre Commuter y fue especialmente pensada y optimizada con los últimos avances tecnológicos del área textil para el ciclista urbano.

La colección incluye la icónica Trucker Jacket y el 511™ Skinny Jeans, que viene en los estilos de pierna completa y corp, tanto en tela denim como en gabardina. www.levi.cl

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05 YEY Esta fábrica de juguetes, manejada por un grupo de amigos, es la pionera en desarrollar el primer Designer/Art Toy chileno, al cual llamaron Hasta Las Rodillas (HLR). Inspirado en el Indio Pícaro, propio de nuestro folclor, este juguete hecho de resina epoxi, fue especialmente creado con el fin de que sus dueños pudiesen transformarlo, pintarlo, perforarlo y cortarlo a su gusto. www.facebook.com/yeyworks

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06 MILLER Con un nuevo integrante en la familia, la marca cervecera estadounidense Miller Genuine Draft (MGD) introdujo a nuestro país un novedoso formato de botella de 709 cc, que presenta un estilizado y cuidado diseño y responde al crecimiento y calidad de esta cerveza Larger Premium. Importada directamente de Milwaukee, esta exquisita bebida ya está disponible en los supermercados y botillerías del país. www.mgd.com

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07 ALTO DEL CARMEN En la quinta versión del Concurso Mundial de Bruselas en Chile, que se realizó entre el 2 y el 9 de septiembre, Alto del Carmen Reserva Azul, el cual es elaborado con uvas moscatel, fue premiado con medalla de oro por estar dentro de los mejores piscos del mundo. A este galardón, se suman medallas de plata para Alto del Carmen Doble Destilado y también para la versión Alto del Carmen 40º Envejecido. www.altodelcarmen.cl 08 MO La marca de la diseñadora Magdalena Olazábal

presentó su colección primavera/verano 2011-12, llamada Azul, Calma y Caos. Inspirada en el mar, posee un equilibrado volumen de telas en sus prendas, como también una amplia variedad de colores y serigrafías en algunas de sus piezas. Además, MO abrió su segunda tienda de ropa femenina, ubicada en Las Urbinas 23, local 48. www.mo-store.cl

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09 SITRANA Para los hombres que buscan un zapato de óptima calidad y de un corte más sobrio y tradicional, pero no carente de estilo, la marca Sitrana ofrece en su catálogo por internet una serie de modelos fabricados a mano por artistas del calzado. Con elección de talla online y distintos materiales, entre los que se destaca el cuero, estos elegantes y cómodos diseños rodean el valor de los $70.000. www.sitrana.com 10 SWATCH Los clásicos relojes suizos se han unido con la reconocida marca de juguetes vanguardistas, Kidrobot, para crear una nueva colección de relojes que vienen acompañados de una figura de vinilo, más conocida como Dunny. En su producción, participaron ocho artistas del mundo, entre los que se encuentran Frank Kozik, Jeremy Ville, Gary Baseman y Joe Ledbetter. Son ocho coloridos modelos, cada uno basado en un personaje distinto. www.swatch.com

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nuevos sabores

Hospital Ships Jordan Geiger es el alma agradecida tras el nombre de Hospital Ships, un verdadero ejercicio de música sincera, melancólica y cautivante, pero que nunca deja de ser alegre. Algo así como un soundtrack perdido de Wes Anderson o canciones que Lou Reed hubiese escrito en sus días de mayor felicidad, cantadas siempre con un tono andrógino y adornadas con arreglos precisos pero también humildemente sencillos. Lonely Twin, su primer álbum -editado por Graveface-, es la condensación de algunas piezas que hablan del amor, la muerte y la familia con cierta gracia e ingenuidad que hacen de este disco, una de las delicias de la temporada 2011. ¿Ejemplos de ese brillo? El mensaje de ‘Carry On’ funciona

Con el corazón en la mano como un sobrecogedor himno para levantarse siempre de nuevo; el piano de ‘New Life’ conmueve felizmente desde los más simples acordes; o la energía punketera de ‘Reprise’, que celebra la buena vida junto con los amigos con una distosión que nunca sonó más alegre.

Porque para Geiger la premisa siempre parece ser la misma: ¿por qué sufrir cuando se canta de cosas que importan, si se puede hacer desde la otra vereda? Ahí está la razón final para terminar enamorándose de Hospital Ships, Lonely Twin y todo lo que este gringo alegre nos pueda regalar después.

Martín De Mussy

Suena como Jonathan Richman, The Flaming Lips, Adam Green myspace.com/hospitalships

Book Club La historia de este quinteto de Atlanta está estrechamente relacionada con el folk. Ése que ha amado toda la vida Robbie Horlick -que además toca en el grupo Cassavetes-. Una frase en su comunicado promocional lo dice todo: “More folk than most folk”. Así hay que enfrentarse ante Ghost, su álbum debut editado el 2 de agosto pasado sólo en vinilo y formato digital. Creaciones acústicas que ven a Tom Petty o Iron & Wine como referentes cercanos, pero bajo un prisma clásico y atemporal. No

A la antigua hay modernidades ni máquinas aquí. Cellos, pedaleras, percusiones, saxos, revisten una propuesta que abusa en lo tradicional. Suave y melódico, pero con arreglos más propios de la década del sesenta que de nuestros días. La banda se completa con Leigh Anne Masquarrie, Matt Jarrard, Lee Goldenberg y Joseph War. Actualmente giran por los Estados Unidos y buscan aliados para lo que pretende ser un nuevo concepto de música purista.

Fernando Mujica

Suena como She & Him, Bonnie Prince Billy, Tara Jane O’Neil www.bookclubtheband.com

nuevos sabores

Blue Skies For Black Hearts El nombre de este grupo dice mucho, porque en su música el cuarteto nos muestra el lado amable del rock; ese que coquetea con el pop sin remordimientos, sabiendo que una banda debe alejarse de las categorizaciones limitantes y que la experimentación es parte del camino que se traza día a día. Con la idea de entregar cielos azules para los corazones negros, este conjunto nacido en Oregón se sumerge en los sonidos clásicos de los sesentas, de hecho, se puede reconocer inmediatamente un tufillo beatlemanesco en el estilo que han desarrolla-

Suena como Teenage Fan Club, Viva Brother, Oasis. myspace.com/blueskiesforblackhearts

Descubrir lo nuevo en los recuerdos

do a través de sus cinco larga duración. Pat Kearns, voz y compositor indiscutido del grupo, combina junto a sus compañeros esos destellos retros que le dan un toque vintage a la banda. Los arreglos musicales son precisos y la inclusión de vientos en algunas canciones le dan un plus a las melodías. Lo viejo y lo nuevo se entrelazan de la mejor forma en Blue Skies For Black Hearts, entregando canciones coloridas y grises, llevando siempre el estandarte de la armonía mirando directo al cielo.

Andrés Venegas

ANDREW

BUTLER COLOMBINA

PARRA Adicto al Baile

Pocas horas antes de deleitar a cerca de dos mil personas en el Centro Cultural Matucana 100, estuvimos con el DJ, productor y mente tras Hercules & Love Affair, un nombre crucial para entender el renacer de los sonidos clásicos de la música para la pista de baile. Esto último fue justamente el tema central de una conversación tan apasionadamente monotemática y provocativa como Algo que abunda hoy en Australia son las bandas de pop cualquier adicción. electrónico. Gran parte de ellas le debe mucho a Cut Copy, quienes antes de tocar en Santiago por segunda vez en menos dePorseis meses, Nicolas Castro nos contaron sobre la difícil tarea Fotografía * Ignacio Gálvez de allanar el camino en su país, sus deseos de perdurar y evolucionar y de su relación ya casi familiar con Chile.

Más música que luces

Por Fernando Mujica Fotografía * Ignacio Gálvez 28 // 28//

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Alto, flaco, algo pálido y bien colorín. A ratos intenso y frenético; a otros, abúlico y displicente. Como el desarrollo mismo de una de las tantas fiestas que anima la mayoría de las noches de su calendario. Algo así es, en pocas líneas, Andrew Butler. El estadounidense, de 30 años, habla de la historia de la música electrónica con una propiedad y un respeto asombrosos para su edad, como si hubiese estado ahí cuando se creó.

Fuera de las luces es un tipo que no tiene nada que ver con el que comanda el quinteto Hercules & Love Affair desde el escenario, casi escondido en una mesa enorme con teclados, sintetizadores y máquinas de ritmo que maneja como una extensión de su cabeza, y un micrófono que no usa para cantar, sino para arengar a la multitud con la soltura de un maestro de ceremonia.

Son varios los rituales que Butler sigue antes de que se pueda prender la grabadora. Primero camina de un lado a otro, algo nervioso.

Luego fuma un cigarro con velocidad y, finalmente, se sienta. A pesar de que su ritmo para hablar es pausado, sus manos no paran de moverse. Con la ansiedad de quien, muy probablemente, debe tener que sobrellevar más de una adicción para aguantar tanto tiempo despierto al año. Pero, y muy por sobre cualquiera otra, la mayor de todas es la música. Y eso es algo que irá revelando de a poco. En la misma lógica que la sesión de fotos para la revista, que empezó de manera tímida y estática, para terminar prácticamente sin ropa y con poses provocativas que le surgieron de manera natural.

La conversación empezó con palabras de buena crianza y una explicación por haber cancelado la fecha original de su debut en Chile, a causa de una rebelde lesión. “Ocurrió al final de nuestra gira inglesa. Era un problema al hombro que llevaba un tiempo desarrollándose. El hueso me creció de manera exagerada y me tocaba la espina dorsal. Me dolía muchísimo”, explica de entrada, para luego agregar que “salir de gira no es fácil; cuando estás arriba de un bus todo el tiempo y duermes en un pequeño hoyo, puedes desarrollar problemas de postura. Venía de tres años, así que tenía que descansar. Tener que estar soportando dolor todo el tiempo ahí arriba no es agradable. Y si no estoy sonriendo sobre el escenario, ¿para qué estar ahí?”.

El eterno coleccionista Luego de un intercambio de frases más triviales, Butler empezó a soltarse notoriamente a medida que los tópicos fueron acercándose a la música. De hecho, después de confesar que “si bien amo la idea de lo que implica Chile, conozco muy poco sobre el país”, nombra rápidamente a Ricardo Villalobos y Luciano para apuntar dardos hacia el minimal techno: “En un principio seguía lo que hacía Playhouse Records a fines de los noventas. Incluso Villalobos y Luciano grabaron ahí. También me interesaba lo que hacían Pete y Matthew Herbert, pero con el tiempo dejé de prestar atención. Al menos, después de 10 años de sonar igual, algunos productores de minimal están aceptando las voces y ponen a cantantes en sus discos. Están haciendo cosas más inspiradas en el house y el soul.

Se están dando cuenta de que necesitan más de cuatro tonos para hacer música”, dispara con soltura.

Entonces es lógico ahondar en sus orígenes. Varios años antes, siendo apenas un quinceañero, dio sus primeros pasos como DJ inspirado en el sonido neoyorquino que cultivaban nombres como Masters at Work o DJ Duke. Hasta que llegó el primer momento

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“Al menos, después de 10 años de sonar igual, algunos productores de minimal están aceptando las voces y ponen a cantantes en sus discos. Están haciendo cosas más inspiradas en el house y el soul. Se están dando cuenta de que necesitan más de cuatro tonos para hacer música”. que le cambió la vida: “Tengo un mixtape de DJ Garth que compré cuando tenía 17, y tenía sólo música disco adentro. Fue el primero que escuché en mi vida y pensé: ‘No conozco ninguna de estas canciones, así que debe haber toda una escena subterránea de esto’. Cuando me di cuenta de eso, empecé a buscar todo”, recuerda.

A mediados de los noventas, Butler se fue a estudiar a Nueva York, algo que sólo empeoró –o mejoró, según cómo se vea– su adicción. A través de unos compilados de culto que vendía Alex Gloor, hoy mitad de In Flagranti, descubrió sonidos como el cosmic y el italo disco. “En ese momento, había una escena under que escuchaba post punk: Gang of Four, Liquid Liquid, Section 23. A mí también me gustaba todo eso. Por ejemplo, mi colección ya incluía todos los discos de Cabaret Voltaire, así que encontrar a Alex Gloor implicaba encontrar nueva música. Él también ponía Cabaret Voltaire en sus mixes, pero lo que no conocía era el italo, el kraut alemán o el pop francés bizarro”, reconoce.

La explosión ciega A pesar de que Andy Butler estuvo ligado a la música desde muy temprana edad, la idea de dedicarse por completo demoró mucho más de lo que uno se podría haber imaginado. El momento clave llegó cuando compuso una canción que pensó que podría funcionar. Entonces se la mostró a uno de sus mejores amigos, que por casualidad era Antony Hegarty, de Antony and the Johnsons, una de las voces más reconocidas de su generación. Dejemos que el mismo Butler nos cuente cómo fue el momento en el que se gestó ‘Blind’, uno de los himnos bailables más recordados de la década pasada: “Le llevé la canción conmigo cantándola con un efecto en el que alteraba mi voz. Le dije ‘mira, hice esto anoche’. Me respondió que le gustaba y que debería cantarla. Le dije que no quería, y si acaso se atrevía a hacerlo él. No le costó mucho aceptar y la semana siguiente entramos al estudio. Haberlo elegido a él, que venía de un mundo tan distinto, no era una idea nueva. Simplemente pensé en Antony como mi Alison Moyet –cantante de blues que formó Yazoo junto a Vince Clark–. Recién cuando me propuso que la lanzáramos, decidí dedicarme a esto”.

El gran éxito que tuvo la canción, sumado a los buenos comentarios del disco debut de Hercules & Love Affair, no tardó en ponerlos como los responsables de traer el sonido disco de vuelta a la primera línea de la música bailable. Sin embargo, Butler se ríe de esta etiqueta y la rechaza de plano. “Muchos dicen que trajimos de vuelta el disco o el house, pero la verdad es que esos estilos nunca

han muerto. Cuando me dicen eso, les digo que llamen a Chicken Lips, DJ Harvey, Faze Action o Daniel Wang. Ellos lo hacían incluso mientras estaba esa mierda de electrónica de estadio”. Cuando se le pregunta por qué cree que tanta gente opina lo contrario, responde: “Quizás porque en ‘Blind’ cantó Antony, que tenía a su público que quizás no estaba preparado todavía para el disco, pero le gustó esa canción. Por eso se causó este crossover. Y DFA, por más que sea un sello independiente, es subsidiario de EMI, así que tiene la habilidad de llegar a mucha gente. Pareciera que ese rayo es muy indie, pero en realidad puedes comprar esos discos en Urban Outfitters, ¿entiendes? Así que sí, traspasamos fronteras, pero no soy responsable por eso”, sentencia.

Del disco al house A estas alturas, Andy Butler está tan relajado que se explaya libremente sobre estilos y deja entrever su conocimiento de la historia de la música bailable. Por eso es conversación hablar del giro que dio el grupo entre su debut homónimo y Blue Songs, el segundo álbum, que salió a principios de este año. Si en el primero se basaba en el disco con ciertos coqueteos al house, en el último invirtió la fórmula basado en su actualidad como DJ. “Para mí, Blue Songs fue más acerca de lo que estaba escuchando en ese minuto y dónde estaban mis intereses. Como te decía, llevo 13 años coleccionado canciones disco. Así que, a los 30, me dieron ganas de volver a escuchar house. Principalmente fue porque me llamaban a poner música en fiestas desde las dos de la mañana, en las que podría haber puesto Boney M, pero prefería poner una canción de DJ Duke que hiciera que la gente se volviera loca; o algo clásico del house, que al escucharlo podrías pensar que lo conoces de antes, pero en realidad no. Volverlos locos era mi premisa, y eso lo logra la vibra que tiene ese sonido. Me volví a sentir atraído e inspirado por ese estilo, y eso quedó de manifiesto en mi nueva placa”, explica.

Al mismo tiempo, Butler ahondó aún más en la pista de baile con Mr. International, un sello que creó con la idea de recrear el house entre 1984 y 1994, editando canciones propias y de algunos de sus nombres favoritos. “Honestamente, lo que haga en Mr. International es hecho sólo para la pista de baile, y Hercules no siempre es así. Con la banda quiero hacer lo que me venga en gana; lo veo como un proyecto de arte. Fue una buena oportunidad para mí, para no tener que preocuparme por crear música que generara ambiente o tristeza”, cuenta el estadounidense.

Entre sus proyectos futuros, Butler ha dicho en algunos medios que no descarta volver a trabajar con voces muy conocidas. Al poner el tema en la mesa, lo corrobora: “Hercules es un grupo de artistas con el que estoy muy contento de trabajar, por la cantidad de tiempo que ellos quieran. Así que si un cantante famoso viene y dice que quiere grabar algo conmigo, por supuesto que le diré que sí. No me molesta la idea de no tenerlo en las giras. Fue un poco complicado no tener a Antony en ninguno de nuestros shows, pero ya está. Me importa más cómo suene el disco”. Aquí, se detiene por segundos y su gesticulación se pone aún más elocuente. Se nota que ha llegado al punto de inspiración máxima y remata con una frase que resume gran parte de lo dicho anteriormente: “Por más que me encante salir de gira, mi lugar favorito es el estudio”. Entonces, llega el tour manager y le indica que el tiempo se agotó y tiene que probar sonido. Casi como si hubiese recibido una fuerte inyección de adrenalina, se para, agradece y se despide. El resto de la banda lo acompaña y suben al escenario una vez más. Definitivamente, hay adicciones que no se superan con ninguna rehabilitación.

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entrevista

Elisita Punto

Con la cabeza en pedazos Por Martín De Mussy Fotografía * Diego Maya

Puede ser por sus siete años vividos en Nueva York, sus estudios fuera de Chile o probablemente por su propia personalidad, pero Elisa Balbontín parece aprovecharse más que nadie de la versatilidad y el tiempo. Con pocos años en el cuerpo, unos ojos pensativos que brillan con las buenas ideas y mucha actitud, sus logros se han ido acumulando con suficiente justicia: fue miembro de algunas buenas bandas formadas en Estados Unidos, como los punketeros Bruises y los experimentales Tiger Streifen; ha expuesto en distintas galerías de Chile y Nueva York con sus artefactos improbables; y hoy comanda el celebrado trío electrónico Makaroni. Además, como si esto fuera poco, ya ha levantado su primer emprendimiento: Impresiones Clara, una verdadera industria de serigrafías armada a la vieja usanza. “Mi trabajo con el arte, la imprenta y todas las otras cosas van avanzando paralelamente junto a lo que hacemos en Makaroni. Son cosas que van conversando entre ellas, se cruzan constantemente. No quiero estar a mil haciendo cualquier pega, sino las cosas que son interesantes y te entregan algo y en todos esos mundos hay mucho de eso”, explica Elisita Punto –su seudónimo en el grupo- con precisión.

Mientras en octubre en Santiago se exhiben algunos de sus objetos artísticos en una exposición que celebra el arte abstracto, también se puede disfrutar del formato sabrosón de Elisita cuando está sobre el escenario tocando, junto a Miopec y Román, como Makaroni. Así lo hicieron abriendo para Hercules & Love Affair en Matucana 100 hace algunos días. Una incitación al baile y el trance desde sonidos tropicales, experimentales y electrónicos, condimentados con mucha actitud. “En vivo pasa todo. Es ahí cuando nos tiramos a los leones. La gente engancha y baila y yo desde arriba doy todo, o lo que puedo, usando también el cuerpo para cantar.

Me es inevitable moverme para todos los lados, en especial junto con Marcelo y Tomás que arriba de los teclados también tiran mucha onda.

Makaroni al final se define en vivo y eso se nota en los conciertos”, apunta sobre su banda.

Un ejercicio musical y de performance que ya lleva dos LPs bajo el brazo: Maka & Roni Delux (2009) y Jumper (2011), editados por Madhaus Records y un tercer trabajo –Playa Futuro- próximo a salir antes de que termine el año. “Son canciones que ya llevan varios meses dando vueltas y tocándose en vivo, entonces la idea es poder grabarlas, editarlas y después pasar a nuevos temas”, cuenta con un dejo de satisfacción, como

Elisa Balbontín, el tercio femenino de Makaroni, posee una mente inquieta y no anda perdiendo el tiempo. Ella sabe que lo bueno hay que compartirlo y por eso no se contenta sólo con la música. Lo suyo es el arte en todas sus dimensiones y direcciones; todo un ejemplo de lo que significa ser renacentista en el siglo XXI.

cuando se cumple bien con una nueva meta. “Siempre nuestros discos van dejando algo atrás y nos aprovechamos de eso para seguir avanzando hacia algo nuevo. Playa Futuro es un álbum menos ansioso, algo que se está poniendo más sexy y que muestra una energía más contenida. Al final siento que es música más simple, pero con más profundidad también”. Una fórmula que parece haber funcionado bien en sus últimas presentaciones, ya que después de tocar a principios de este año varias veces en Chile, el trío se fue de paseo por una gira de tres meses que incluyó paradas bailables y celebradas en París, Berlín, Barcelona, Nueva York, Filadelfia y Sao Paulo. Todo un éxito que ahora último los ha convertido en uno de los imperdibles a la hora de mencionar la música chilena de exportación. Porque arriba del escenario, Elisita Punto se muestra como una especie de Karen O criolla y eso parece gustarle a todos los que se infectan de psicodelia y pop cuando ven a Makaroni en vivo.

Pero eso no es todo. Como si el cansancio y el tiempo no la agotaran nunca, esta incombustible chica no se cansa de seguir buscando y creando.

Ya lo ha hecho con la música y las artes visuales y ahora es el turno de los emprendimientos: con Impresiones Clara ha levantado en Santiago un oficio y una labor que aprendió en Brooklyn cuando trabajó por más de tres años en una imprenta de afiches serigrafiados para gigs y tocatas de una ciudad -que al igual que ella- parece nunca bajar la marcha. “Volví con la idea de desarrollar una imprenta de serigrafía, pensando en afiches y cosas de música. Allá trabajaba en eso. Y ahora acá, Impresiones Clara ya está andando y con ella hago trabajos en serigrafía para artistas que piden sus impresiones, etiquetas de ropa, tarjetas de visita, afiches de conciertos e incluso talleres junto con un montón de cosas que también sirven para acercar un tipo de arte a la calle, a la gente” afirma.

Y es esa búsqueda de transmitir algo lo que la tiene en un constante movimiento. Lo suyo es mostrar y entregar cosas para hacer vibrar al resto y lograr que Santiago sea una urbe viva. “Me gusta compartirle algo a la ciudad. Cuando muestro alguna cosa, trato de ofrecer algo que sea un aporte y que al menos le sirva a alguien. Lo que transmite la cara de una persona o de un grupo de gente cuando no entiende lo que tiene al frente es un signo de que están pasando cosas importantes y eso es lo que uno busca”. Una forma ejemplar de vivir el arte en todas sus dimensiones.

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alex anwandter

Rebelde con causa Por Mauricio Aravena Z. Fotografía * Ignacio Gálvez

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Alex Anwandter está a punto de lanzar por primera vez un álbum bajo su nombre. Algo que debió existir hace mucho, pero que antes tuvo que pasar por Odisea: la experimentación en la electrónica, luego de haber terminado con su antigua banda, Teleradio Donoso. Ahora todo es distinto, porque existe un clima diferente y sus intenciones son otras. A continuación, el reporte estudio del disco pop del universo Anwandter.

reporte estudio

Alex Anwandter mezcla sentado en el escritorio del estudio, frente a dos computadores. Uno de ellos está conectado con el resto del mundo, el otro en los detalles que se pueden mejorar de ‘Fin de Semana en el Cielo’, canción que aparecerá en Rebeldes, su nuevo disco. Faltan diez días para que el trabajo quede completo. Luego, como comenta el productor Cristian Heyne, “siempre quedan cositas pendientes, pequeños detalles por resolver”. Alex se lo toma con calma. Aprendió en todo este tiempo que lleva en el negocio de la música a no estar en función de su trabajo.

Disfruta salir con sus amigos, pero ya se siente un artista y le resulta inevitable no preocuparse por su disco. Por eso se queda encerrado hasta pasado las nueve de la noche en los Estudios Triana, con el volumen bien arriba y pendiente de cada detalle que se le pueda escapar. Está cómodo revisando en paralelo su Facebook y enterándose de las nuevas noticias sobre el movimiento estudiantil o las declaraciones que realizan diversos personajes políticos. Todo lo mantiene ocupado y todo lo que hace, por ende, le interesa.

De vez en cuando, Alex fuma. A ratos deja los cigarros a medias y otras veces no. El sabor mentolado le permite recurrir a ellos ocasionalmente, aunque compre cajetillas de veinte. Tal vez así le duran una eternidad.

Para hablar de Odisea, por ejemplo, tuvo que prender uno antes de responder. “Fue una búsqueda para hacer un retrato de lo que veía, más que de lo que sentía. Y fue súper interesante el ejercicio porque es difícil escribir sobre la realidad. Sobre todo si cuando fue editado estuvo en el contexto previo de lo que ocurre hoy, con Piñera recién elegido. Por lo tanto, no es un disco cómodo y no lo hice pensando en hacer algo bonito, sino auténtico y semi social”. Para hablar de Rebeldes en tanto, encendió otro pero le duró casi toda la conversación: “El nuevo álbum es mucho más personal e intenso en cuanto a las letras, y me pareció apropiado firmarlo con mi nombre. Así no existe la separación entre las canciones y yo.

Al llamarme Odisea inevitablemente existía una distancia”. Heyne recalca: “Para mi, el trabajo menos cercano al pop de todos los que había hecho era justamente Odisea, por lo que veníamos de un antecedente inmediato y bastante lejano a lo que yo imaginaba que debía ser un disco pop de Alex Anwandter. Eso significa tener buenas canciones, buenas letras, melodías y equilibrio entre lo correcto y lo incorrecto”. Así nacen ‘Tatuaje’, ‘Rebeldes’, ‘Fin de Semana en el Cielo’, ‘Felicidad’, ‘Cómo Puedes Vivir Contigo Mismo’, ‘Que se Acabe el Mundo, Por Favor’, ‘Sha Na Na’, ‘Tormenta’ y ‘Como una Estrella’. Ninguna de ellas sobrepasa los cuatro minutos y medio, y todas fueron grabadas análogamente en los estudios FXS de Francisco Straub.

Alex dejó de ser otra víctima del siglo XX. Decidió revelarse y comenzar a escribir de lo que siente y cree, cuestionando los valores sociales establecidos. Rebeldes es una constante de ello; entre marzo y junio de 2011 fue la pre producción del disco y en paralelo se comenzó a grabar de inmediato.

Ideó y compuso cada una de las letras con claras intenciones internas y para hacerlo, se escapó unos días a una casa sin internet cerca de Algarrobo. “Mi masculinidad la veo como fuera de cualquier clasificación. Me

gusta hablar desde lugares poco comunes. Es una mezcla entre plantear un tema determinado y agrandar un poco las percepciones sobre esa idea. Es hacer que las personas se conecten con partes de sí que en otro lado no tienen acceso, y reflexionar sobre temas o emociones que viven a diario. ‘Tatuaje’ ya tiene algo de eso. Se puede interpretar como gay pero es mucho más complejo y no me interesa definirla de otra manera que no sea a través de la música. No es bajo ningún punto activismo, sino que quiero que un hombre le diga a otro en la radio y gracias a una canción ‘me pareces perfecto’. Y te aseguro que si hubiese sabido decirlo de otra manera, lo hubiera dicho”.

El tema que titula el disco es una de las más románticas porque habla de una despedida y no por azar lleva ese nombre. Anwandter busca trasladarla a otro plano y “asociarla directamente a la disconformidad que se siente sobre muchas cosas, temática que es el eje transversal del disco y es lo que paralelamente pasa en Chile. Aunque la canción no se trate de eso ni mucho menos, me pareció interesante nombrarla así”. Alex, además, entendió que tiene y desarrolla un perfil político determinado. Ha tocado tanto para universidades como colegios en toma, acompañando a los estudiantes en sus actividades diarias. Sin ir más lejos, en el último que tocó fue en el Liceo Darío Salas. Y sólo por ellos y luego de tres años sin interpretarla para un público, cantó ‘Eras Mi Persona Favorita’. “Lo que más espero es que Rebeldes le guste a mucha gente, a pesar de que yo piense que las canciones son de amor y hablen de una despedida o el término de una relación, no creo que la música tenga que ser literal para apoyar una causa y me encantaría que acompañara a los que reúnen su fuerza social y política para cambiar las cosas de una vez”.

En escena, Alex dejará a un lado a las bailarinas y las cambiará por una guitarra que emitirá melodías grunge, ocupando la batería como eje en sus presentaciones. Este rol se lo entregará a un conocido suyo: Juan Pablo Wasaff, ex Teleradio Donoso. Planea no seguir dirigiendo sus clips, aunque el último que filmará será el de ‘Tatuaje’, el primer sencillo del disco. Quiere retomar el trabajo con diversos directores y también, durante el próximo año, completar la placa que prepara con Gepe: “Me ha encantado trabajar con él porque nos acercamos sin siquiera conocernos.

Básicamente el álbum es una síntesis muy exacta de lo que ambos hacemos. Gepe es muy fluido e intuitivo, mientras que lo mío es más pop, sumado al interés de la producción cercana a los sintetizadores. Se nota mucho que la composición es de los dos y por ende, no he escuchado nada parecido. En cuanto al nombre del proyecto, aún no lo decidimos.

Medio en broma, me gusta la idea de llamarlo Alex y Daniel, así como Valeria Lich y Ana Gabriel, aunque por lo sufrido sería yo la última”. Anwandter sonríe constantemente, más cuando habla de sus proyectos. Ha preparado minuciosamente cada uno de sus pasos, como lo cree Cristian Heyne: “No creo que el caso de Alex sea muy típico. Desde el primer EP de Teleradio hasta este disco ha pasado muy poco tiempo y eso demuestra que es un tipo prolífico”. Eso lo transforma en un hombre adicto al trabajo y, también, en un rebelde con causa.

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daniel hunt

Pop de bolsillo Por Rodolfo García Fotografía * Rodrigo Ferrari

Daniel Hunt estuvo en Santiago un par de días para una sesión de DJ, la ocasión perfecta para conversar con él acerca del nuevo disco de Ladytron y su próxima visita a Chile junto a la banda.

Sin duda, es uno de los responsables de que el indie pop cayera en la pista de baile y se expandiera como fenómeno. Doce años de carrera y una predilección por grabar en el estudio lo respaldan como precursor de esta avalancha.

Daniel Hunt, el guitarrista de Ladytron, vino de paso por Chile para actuar como DJ. Invitado por Javiera Mena a pasear en su tarde libre por Santiago, el inglés se encontró con el paro nacional y lugares cerrados por las manifestaciones. “Está sucediendo en todas partes, la diferencia es que ustedes tienen líderes visibles, como Camila Vallejo”, dice el músico y productor. Días antes, Londres tuvo sus propias revueltas. El Bierstube del Parque Forestal terminó siendo el cobijo para el británico y la cantante chilena, quienes habían colaborado en ‘Sufrir’, de Mena. Tras un intento fallido de acercamiento el 2006 -cuando la banda estaba de gira por Sudamérica-, Ladytron tocará finalmente en el país en noviembre.

Con 12 años de carrera, el cuarteto que fundó como productor -inicialmente un proyecto de estudio- tomó vuelo al ser uno de los primeros en volver a una fórmula electro pop recurrente desde entonces, con estandartes como Crystal Castles, Waldorf, The Presets y Miss Kittin. El venir del mundo indie le agregó una actitud frontal a la pista de baile y saludables dosis de perversión digital a la mezcla. El éxito fue inesperado, pero terminó por suceder. Primero invitaciones a tocar en Londres y en Europa y luego giras por Estados Unidos y otros países. “Solíamos hacerlo la mitad del año, pero ahora ya no estamos en los veintitantos. Tenemos familias y responsabilidades y no podemos estar todo el tiempo de gira. Disfrutamos mucho más estar en el estudio”, confiesa el productor.

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El encuentro con Daniel Hunt queda agendado en un café por la mañana. El día anterior se había equivocado por el cambio de hora y esperó en vano en el lobby mientras pensaba asistir como espectador a una marcha en Bustamante. Su pasada por el Bierstube le ha servido para aumentar las páginas del libro que está preparando, basado en reseñas a bares y clubes en distintas ciudades alrededor del mundo. El nuevo disco de Ladytron, el quinto, acaba de salir y es el material que el conjunto estará promocionando para su concierto en Santiago, el próximo mes. ¿Grabaron durante este tiempo?

El disco está listo desde hace un año. Es un poco más abstracto, aunque muy melódico. Creo que funciona mejor como un conjunto que los anteriores, que se basaban en las canciones como únicas. Creo que este álbum es un poco más refinado, en ese sentido. ¿Estás de productor?

Sí, como siempre. Produzco los discos y luego en vivo solía tocar guitarra, aunque ahora toco más teclados. ¿Cómo empezaste la banda? ¿Antes eras DJ? Sí, bueno, aunque nunca estuve en nada tan trascendente. La banda comenzó básicamente porque decidí armar mi propio estudio de grabación.

Armé temas y luego se sumaron los demás. ¿Una banda de estudio?

Sí, era una banda de estudio, en principio. Tan sólo queríamos grabar los temas. Nunca pensamos en tocar en vivo, lo que era muy cool para nosotros. Empezamos cuando nuestro sello nos dijo que lo hiciéramos para promocionar los discos. Los shows son algo efímero, es inútil tratar de sonar igual a como está en el disco. ¿Cuáles han sido las influencias de Ladytron? ¿Tomaron el nombre de Roxy Music?

En realidad, los admiramos pero no es un tributo. La palabra funcionaba… Es irónico porque fuimos invitados a tocar con Brian Eno. Su hija le mostró nuestra música y para nosotros fue un honor. Eso era algo que escuchaba más de niño. Nuestras influencias más reales serían Visage, Blondie, incluso Abba, me atrevería a decir. Era como el pop en un universo paralelo. Cuando empezamos, el panorama del pop era muy gris y aburrido. Yo crecí con My Bloody Valentine y cosas así, o Stereolab en los noventas. Es decir, tenemos influencias que son directas y otras indirectas. ¿Cómo sienten haber iniciado un movimiento que tiene ahora a bandas como Crystal Castles y se diferenció del britpop?

Sí, es algo distinto. Como artista, no hay nada más gratificante que el crear algo en el que otros puedan inspirarse. Es una buena vara para medir el éxito y creo que ello es valorable. Ahora es distinto a si nos estás saqueando y haciendo un montón de dinero con ello sin darnos ningún crédito (se ríe). Para nosotros, de todas formas, ya no tiene sentido sonar a cómo lo hacíamos hace diez años. ¿Cómo es su relación con las remezclas?

Hemos hecho un montón, pero creo que en este momento, haremos el disco nuevo remezclado como tal, entero. Al mismo tiempo hemos remezclado un montón de músicos como Soulwax, Dave Gahan, Nine Inch Nails, Blondie… Me gusta intentar cosas nuevas ahí, aunque, ahora estoy haciendo más producción para otra gente. Por ejemplo, María Gasolina, quien solía tocar en los brasileños Bonde do Role, y ya tiene listo su disco.

Incluso algunas canciones para Christina Aguilera, hace un par de años.

También, en algunas bandas sonoras para películas. ¿Quieren evolucionar?

Sí, tenemos nuevas ideas, y nadie es el mismo tras diez años. Creo que seguimos sonando como la misma banda, de hecho debe ser porque las voces son las mismas, pero la producción se ha sofisticado con el tiempo.

Es como decir que ahora sabemos hacer lo que queríamos hacer antes, en los discos antiguos.

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nicolas jaar

Confesiones de un Prodigio Por Eduardo Román

Habiendo lanzado hace menos de un año su álbum debut, este músico neoyorquino ya es considerado todo un genio de la electrónica. Hoy, su agenda no da abasto y durante la edición 2011 del festival Electric Zoo, Extravaganza! conversó con él, luego de haber brindado el mejor show de todo el evento.

Nacido en Nueva York hace 21 años e hijo de un renombrado artista conceptual chileno, Nicolas Jaar es tratado como un verdadero prodigio. Poseedor de una madurez musical inusual para su edad, su interés en la electrónica se gatilló a los 14, cuando su padre le regaló Thé Au Harem D’Archimède, el experimental álbum de Ricardo Villalobos. Tres años después, el dúo housero y sello discográfico de Brooklyn Wolf + Lamb descubrió su talento y publicó The Student, su primer EP. Más tarde, decidió que era hora de crear Clown and Sunset, su propio sello discográfico, el cual le permitiría editar de todo, especialmente lo que él llama música blue wave. Así, a comienzos del 2011, lanzó al mercado Space Is Only Noise, un álbum debut simplemente brillante, serio candidato a convertirse en el mejor del año y que ha recibido excelentes críticas por parte de la prensa especializada. Sus habilidades como remezclador están en alta demanda, siendo el creador de elegantes y singulares remixes para artistas como Matthew Dear, Ellen Allien, Azari & III y Maceo Plex.

Actualmente, su apretada agenda incluye atender a clases de Literatura Comparada en la Brown University, así como recorrer diversos clubes del mundo presentando su show en vivo, el cual ha sido elegido como uno de los mejores en la escena electrónica global. Sin duda, éste es su año.

Felicitaciones por tu presentación, ¡estuvo increíble! ¿Increíble? ¿En serio? El sonido no estaba muy bueno, hubo algunos problemas técnicos.

A pesar de los percances, el hecho que hayas tocado con banda completa le dio un sonido muy orgánico a tu música…

Muchas gracias. Es muy lindo escuchar lo que dices.

Teniendo en cuenta que el público presente en el escenario techno Sunday School va en busca de ritmos a 127 o más bpm, ¿esperabas tan buena reacción por parte de ellos?

Bueno, la primera parte de mi set es por debajo de los 90 bpm ¿Es difícil, ah? Algunas veces no sé si debería hacerlo o no. A veces me pregunto “¿por qué, por qué?”, cuando es tan fácil estar haciendo 120 o 125 bpm todo el día, porque la reacción que obtienes del público es distinta. Pero al fin y al cabo, creo que vale la pena.

Desde el comienzo de tu set la gente estaba muy entusiasmada bailando tu música… ¿Si? No pude ver la reacción de ellos ya que estaba intentando hacer lo mío, tratando de brindar lo mejor. Quería entregar algo honesto y no podía estar preocupado si la gente estaba bailando o no. Eso no importa tanto, lo importante es que tiene que haber sentimientos. Por supuesto que

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es bueno que la gente se mueva, pero creo que si yo estoy sintiendo la música y estoy muy metido en ella, entonces el público también lo estará. ¿Cuándo y cómo te interesaste en la música por primera vez? ¡Toda mi vida! Cuando tenía dos años de edad estaba en la iglesia con mi madre y de repente empecé a cantar. La iglesia estaba en silencio y yo empecé a seguir al órgano. Así que siempre he sido una persona musical.

Cuéntame acerca de tu infancia en Chile. ¿Qué influencia tuvo esa experiencia en tu música?

Estuve en Chile desde los dos hasta los nueve años de edad. Mis padres se separaron y estuve viviendo en Chile con mi madre, quien por cierto estuvo presente esta noche en mi show. Esa experiencia influenció mi música en el sentido que estuve separado de Nueva York, en una cultura totalmente diferente durante siete años.

El 2010 editaste el EP Inés, en el cual le dedicaste una canción a tu madre. ¿Qué rol han jugado tus padres en el desarrollo de tu carrera musical?

Inmenso, realmente inmenso. Como todos nosotros, por mucho tiempo quise rebelarme contra de ellos. Pero luego me di cuenta lo mucho que me habían ayudado y lo importante que han sido para mi desarrollo, y lo acepté con muchas ganas. Ahora siempre busco a mis padres para que me aconsejen en mi carrera. Y me encanta escribir música para mi madre; ella es una mujer especial que me inspira mucho. ¿Qué bandas y artistas te esculpieron como músico?

Erik Satie, Mulatu Astatke -el músico etíope- y Ricardo Villalobos. Pero eso fue antes. Ahora me gustan mucho The Black Keys.

Entonces, ¿también escuchas rock n’ roll?

Sí, por supuesto. Amo a Pink Floyd. Pero yo diría que hoy mi mayor influencia es la gente que me rodea y los músicos que están conmigo en mi sello discográfico. ¿Cómo surgió la idea de lanzar Clown and Sunset?

Era mi cumpleaños número 19 y quería darme un regalo a mí mismo; así que creé un sello discográfico, lo cual ha sido algo maravilloso. Me ha dado la oportunidad de mostrar la música que me rodea, música que amo y que la hacen mis amigos. Todos son jóvenes, incluso más jóvenes que yo, es decir, tienen menos de 21 años. Esto es muy excitante porque lo que quiero hacer es empujar nuevos sonidos. Eso es todo lo que me interesa.

Por favor, descríbenos de qué se trata tu música blue wave.

Blue wave comenzó como una broma para mí. Era blue y wave: blue como el blues y wave como el mar y las olas… olas electrónicas. Me gusta pensar en un blues orgánico, en un techno orgánico o en un blue house.

Me apasiona todo eso.

A principios de este año sacaste tu álbum debut, Space is Only Noise. ¿Cuánto tiempo te tomó hacerlo?

La primera canción del disco la escribí cuando tenía 17 años y la octava o novena el día anterior a que entregara todo el material. Por supuesto, hubo mucha música en el intertanto, así que en realidad fue más un proceso de selección. Yo elegí esos 14 temas específicos para incluirlos en el álbum. Fue como hacer un ser DJ set con mi propia música. ¿Y estás feliz con el resultado final?

Creo que lo puedo hacer mejor.

Cuando escribes una canción, ¿cómo comienzas?

Idealmente, no pensando en la canción. Cuando no estoy pensando en hacer música es cuando hago buena música. Sin estar consiente de ello, sólo brota de manera honesta. ¿Usas algún proceso específico para componer?

No, usualmente es un proceso caótico. Nunca es la misma cosa. Siempre trato de cambiar. A veces la voz viene primero, otras la batería o la guita-

rra. A veces un sample. Lo que sea que funcione estará OK. Además de crear tus propias producciones, también eres muy conocido por tus remezclas. ¿Podrías describirnos que proceso usas?

Sólo uso las voces. Casi nunca uso la canción en sí. Trato crear una canción totalmente nueva para usarla por debajo de las voces.

Leí recientemente que la música es sólo una parte de tu vida, y que te gustaría llevar tu carrera artística en otras direcciones también. ¿En qué otros tipos de arte estás interesado?

Películas, diseño gráfico, arquitectura y diseño industrial. Me interesa todo eso.

Según tú, ¿qué hace que un artista nuevo y su propuesta trasciendan?

Honestidad. Esa es la única forma de trascender. Tú podrías tocar en el mismo escenario sin hacer algo honesto, eso puede suceder. Hoy en día hay muchísima música, pero sólo la música que es realmente honesta es la que trasciende.

Finalmente, cuáles son tus planes para el resto del año? ¡Universidad! Estoy cursando el último año de mi carrera. También estaré de gira por Sudamérica en diciembre, una vez termine de estudiar. Voy a tocar en Chile por primera vez, ¡por lo cual estoy muy contento!

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entrevista

Las Kellies

Explorando el Mapa Texto y Fotografía: Javiera Tapia

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Luego de dos giras por Europa -una en 2009 y otra en 2011-, este trío de chicas argentinas que componen canciones donde el ritmo y las guitarras desprejuiciadas son los líderes, visitó nuestro país en septiembre. Entremedio de sus dos fechas, una en Bar Loreto y la siguiente en Cellar, se tomaron una mañana para conversar con Extravaganza!

Está todo muy tranquilo en el lobby del Hotel Foresta. Aviso de mi llegada al recepcionista, quien llama a la habitación de Silvina (batería), Julia (bajo y voz) y Cecilia (voz y guitarra). Luego de unos minutos, ésta última baja en pijamas a recibirme, disculpándose por la facha. “Estuvo muy bueno anoche”, me comenta, refiriéndose a la presentación que realizaron el jueves 29 de septiembre en Bar Loreto. Sube a cambiarse y a buscar al resto de Las Kellies. Salimos a la calle y hacemos las fotos que acompañan esta entrevista. Luego, es un buen momento para desayunar.

de quedarse en lo seguro. No quieren arriesgarse”, declara Silvina, quien además acompaña a Daniel Melero en la batería. “No están explorando.

Vemos que las bandas les están dando en la cara y los chavones no sé si se dan cuenta de lo que están viendo”, continúa Cecilia. “La prensa que nos hicieron en Europa nos sirvió para armar fechas e incluso para venir a Santiago. En Argentina no entienden que afuera somos representantes del puto país”.

Las chicas están muy contentas con su paso por Chile. “Te pagan lo que corresponde, hay movida, y sobre todo, te tratan bien. Allá en Buenos Aires, a veces tenemos esa suerte y a veces no”, explican. Hace seis años que este proyecto se transformó en su prioridad y desde ahí no han parado. Todo comenzó en un show de Félix y Los Clavos, en donde Silvina y Cecilia se conocieron y acordaron armar una banda. Después de algunas rotaciones en sus integrantes, llegó Julia a la guitarra, luego de la grabación de su segundo álbum, Kalimera. “Yo empecé a tocar la guitarra y después se fue la bajista y tomé su lugar. Ahí ya estaban hablando de hacer una gira por Europa y creo que yo lo empujé un poco”, cuenta Julia. “Si no hubiese sido por ésta, no la hacíamos”, interrumpe Cecilia.

“Ella tenia que ir a visitar a sus viejos, entonces era más fácil porque ya teníamos un pasaje cubierto. Empezamos los trámites y a mandar mucho mail. Invertimos tiempo y guita en hacerlo y al ver que había una respuesta de que nos iban a pagar por tocar, aunque no cubriera todos los gastos, ya era algo ¿no? Sientes que lo que estás haciendo tiene otro valor, pensábamos ‘guau... acá no pasa, allá sí’”, remata.

“No somos una banda feminista”

Quizás, la decisión de salir a explorar el mundo con sus composiciones se vio reforzada por el contexto sobre el que pululan la mayoría de las bandas en Buenos Aires. “Allá hubo una industria, pero no sé, yo creo que a partir de lo de Cromañón -la discoteca incendiada en 2004, donde murieron 194 personas- la historia se cagó. Se hizo mierda el lugar, chicos murieron y muchos de los boliches se clausuraron porque no cumplían con las normas. Donde antes se tocaba, ya no se podía más. Ibas a tomarte un trago y ponían musiquita, y si te parabas a bailar te decían ‘sentate, no está habilitado’. Se puso muy jodida la cuestión y eso dejó menos lugares para tocar. Hay grupos que hasta pagan por hacerlo”, describe Cecilia. Y el estado de la prensa musical -a su juicio- no dista mucho de esta realidad construida en el temor. “Hay mucha necesidad

Y si nos metemos en el terreno de las herencias o influencias sonoras, las chicas consensúan: “ESG. De ellas aprendimos la simplicidad de la composición. Eso de la base que te invita a bailar”, cuenta Cecilia y Silvina continua: “Y el valor del vacío también. De repente, con un bajo y una voz ya tienes un tema que te rompe la cabeza”. Cecilia agrega: “También nos gusta mucho trabajar con el humor. Si de repente llega un pibe y me dice ‘dale, ponete algo más sexy’, yo le digo ‘¿para qué, chavón?, me vas a generar problemas’. Y Julia concluye: “Pero hablando en serio, más que estar unidas por el hecho de ser mujeres, hacemos esto por la música que nos gusta y porque la pasamos muy bien juntas”. Sincronía y complicidad que quedaron en evidencia en las dos presentaciones que hicieron en Chile.

La tendencia al ver a tres mujeres con sus instrumentos enchufados, usualmente genera encasillamientos como, por ejemplo, pensar que se trata de “otra bandita feminista”. Para el trío, éste no es el caso. “No tenemos una ideología o una política, pero yo creo que cada una tiene su rollo feminista”, indica Cecilia y continua: “Por otro lado, no queremos tener un integrante masculino. Obviamente nos rodeamos de sonidistas y de un montón de chicos que nos ayudan, porque es un mundo masculino; pero en cuanto a la música, nos gusta que parta desde el lado femenino”.

Silvana agrega: “Para mi la mujer es más corporal que el hombre, que es más mental a la hora de hacer música. No todos, pero en general”. Por su parte, Julia indica que “siempre nos comparan con cualquier banda que tenga mujeres. No sé, las Vivian Girls o The Slits. Y al principio decís ‘no, no somos como esa banda’, pero al final te das cuenta de que hay algo en ser mujer tocando rock, que tiene cierto sonido. Por ejemplo, dejar afuera el virtuosismo”.

reportaje

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discos

Neon Indian

Era Extraña (Mom & Pop/Static Tongues)

Para Alan Palomo, el joven músico detrás de Neon Indian, sus melodías tienen que ver con la experimentación. Aquí, abstracción y complejidad nos transportan a momentos divertidos, invadidos por un sonido que mezcla psicodelia, synthpop y mucha creatividad. Con su debut, Psychic Chasms (Static Tongues/Lefse, 2009), se ubicó en las grandes ligas con su música cargada de sintetizadores, efectos e intrincadas canciones que revelaban el nuevo chillwave. Ahora, Era Extraña se consolida como un álbum directo, dueño de un art pop maduro que no se aleja de las canciones complejas y rebosantes de capas y efectos. Esto lo asemeja a sus pares Ariel Pink y Washed Out. Con temas que evocan al amor –‘The Blindside Kiss’, ‘Halogen’– hasta el single 8-bit bailable ‘Polish Girl’, Palomo nos refrescará y entretendrá por mucho tiempo.

Alvaro Molina myspace.com/neonindian

FAKUTA

Dengue Fever

Al vuelo (Michita Rex)

Cannibal Courtship (Fantasy)

Degustar de un debut como éste es una delicia. Tímida, introvertida y con un talento gigante, Fakuta explora en Al vuelo un pop minimalista, femenino y de infinitas opciones. Aunque el trabajo en equipo esté presente (no olvidar el aporte del dúo De Janeiros, deMentira y las Laura Palmers), ella logra crear una relación perfecta entre sus máquinas, su voz y ese mundo privado que construye con armonías que nunca agotan; basta dejarse llevar por melodías como ‘Al vuelo’, ‘50 años’ o ‘Virreinatos’.

Emparentada con Javiera Mena o Dënver por temas generacionales y de cierto sonido común, Pamela Sepúlveda tiene elementos de sobra para emprender vuelo propio.

Una voz que, aunque no lo quiera, pareciera interpretar el deseo de muchos cabizbajos que tienen claro sus talentos. La voz de ese Santiago que hace rato no está dormido.

Fernando Mujica M.

La banda de los hermanos Holtzman, siempre obsesiva respecto al rock camboyano, el surf y la psicodelia, vuelve a la palestra con una sonoridad limpia y estructuras depuradas.

Una obra en la que se dan el lujo de presentar un nuevo instrumento musical creado por ellos mismos: el mastadong, un híbrido de dos mástiles basado en la clásica guitarra Fender Jazzmaster y un instrumento tradicional de cuerda camboyano llamado chapei dong veng. Todo este aparataje se une a la exótica y maravillosa voz de Chhom Nimol, creando un sonido adictivo, activo y cautivador.

De esta forma, se pasean con soltura por pasajes orientales -‘Uku’- o por historias que se cuentan en clave rock -‘Family Business’-. Ojo con la colaboración de The Living Sisters en las harmonías vocales. Simplemente, un disco para comer humanos.

Jorge Rubio

www.fakuta.cl

myspace.com/denguefevermusic

The War On Drugs

Javi Punga

Slave Ambient (Secretly Canadian)

El Amor es Todo (Lastra)

Tras importantes cambios en su formación, muchos pensaron que la vida de The War On Drugs había quedado truncada. Pero los oriundos de Philadelphia avanzaron hasta lograr este atractivo elepé. Son doce tracks que tienen paredes sonoras construidas con hipnóticos riffs y arreglos electrónicos que dan una sensación de expansión a medida que las canciones van progresando.

‘Best Night’ abre el disco con un sonido que se va difuminando y entrelazando con los temas posteriores, haciendo que el viaje pase volando.

Es así como se llega a tres números destacables: ‘Baby Missile’, ‘Original Slave’ y ‘Black Water Falls’, todas llenas de texturas que se convierten en catalizadores de experiencias. La influencia de Bob Dylan es indudable y, al mismo tiempo, un acierto. Un álbum que una vez reproducido no puede dejar de escucharse.

Andrés venegas

El argentino Javier Cerecedo, más conocido como Javi Punga, es de esas personas que todavía creen fehacientemente en el amor. Cantante, guitarrista y talentoso ilustrador, este oriundo de La Plata se lució a mediados de este año con un nuevo álbum que glorifica las diferentes gamas del sentimiento más universal y antiguo de la humanidad. ‘Chocotorta’, ‘Pandillas de verano’, ‘Tanta Belleza’ y el track que da nombre al disco son los highlights de este rejunte de canciones que aparentan ser sencillas, pero que esconden una bella complejidad instrumental. Quienes descarguen la versión online del sello Lastra (www. laptra.com.ar/elamorestodo) tendrán acceso, además, a un fanzine titulado El amor es Todo: El Universo Según Javi Punga, con textos pseudo filosóficos e ilustraciones del autor.

myspace.com/thewarondrugs

myspace.com/javierpunga

Judith Gomez

JEFF THE BROTHERHOOD

We Are The Champions (Infinity Cat) El regreso de los hermanos Jake y Jamin Orrall está lleno de crudeza, pues siempre han estado tras ese camino polvoriento que genera un dúo de guitarra y batería; una senda áspera y de resultados a largo plazo.

Pero hay bastante experiencia en sus espaldas -ya habían editado cinco producciones previas, incluyendo el mítico álbum Heavy Days (Infinity Cat Recordings, 2009)-. En su regreso 2011, publicado en junio, aprietan el acelerador en algunos pasajes, pero su fórmula a la Grand Funk o AC/DC gana mucha armonía esta vez. Sin dejar de lado su compacta visión de la música, el dúo se encarga de codearse con elementos del indie, dejando entrever guiños beatlescos en un estilo que hereda más de Tony Iommi que de McCartney.

Rock sin epítetos que se convierte en obligatorio para los busca talentos que circulan en la web.

Fernando Mujica myspace.com/jeffthebrotherhood

Case Studies

Mombi

St. Vincent

Balam Acab

The World Is Just a Shape to Fill the Night (Sacred Bones)

The Wounded Beat (Own Records)

Strange Mercy (4AD)

Wander/Wonder (Tri Angle)

Lo más característico del sonido de esta obra es la simpleza y la honestidad con la que se nos transmiten sentimientos de nostalgia y alegría, además de entregarnos la satisfacción de estar escuchando un tributo a las raíces folclóricas de norteamérica. En The World Is Just a Shape to Fill the Night, convergen el country folk de Neil Young y Bob Dylan con el amigable pop de Belle & Sebastian para otorgarnos once canciones que concentran un espíritu humilde y viajero, donde la música de violines y harmónicas nos transporta al salvaje campo estadounidense. Podemos pasar buenos ratos con ‘The Eagle, or the Serpent’ o meditar con la melancólica ‘Texas Ghost Story’, pero evidentemente el combo de Seattle trata de hacernos sentir como en casa junto al fuego, intentando llenar la noche con lo más sencillo del mundo. Álvaro Molina

La pausa, el paréntesis, el espacio para la quietud, son parte de las características que describen el sonido de Mombi, dúo estadounidense formado por Kael Smith y Matt Herron.

Como Khale, lanzaron un disco el 2008 y luego cambiaron su nombre y estilo. Influenciados por el trabajo de Keith Kenniff -Helios, Goldmund-, decidieron contactarlo para la creación del nuevo disco. A las mezclas que él hizo, les dieron un retoque con capas de ambientes densos, logrando consolidar esta nueva apuesta de folk electrónico con algo de sonido drónico. El susurro de la voz de Smith sugiere intimidad, no crepuscular, pero sí autocontemplativa o miserable -como se describen en su facebook-. Teclados suaves, guitarras acústicas y percusiones mínimas, dan el marco a toda esta imaginería reposada y tenue. Ideal para amaneceres.

La ex legionaria de los Polyphonic Spree vuelve a la carga después de Actor (4AD, 2009) –uno de los mejores discos del 2009– con su versión cinematográfica y distorsionada de lo que significa el pop celestial, una receta que ya fue bendecida y probada sacando aplausos de la crítica y músicos como David Byrne o Radiohead. Eso no significa que Strange Mercy sea una repetición, sino más bien un paso lógico que se adentra cada vez más en las profundidades de las orquestaciones, la distorsión y la incomodidad de una música popular que se nutre tanto de los Beach Boys como del avant garde. ´Surgeon´, ´Dilettante´ o ´Cheerleader´ son ejemplos precisos y brillantes de lo majestuosa, incómoda y creativa que puede sonar la cabeza de Annie Clark. Como si ser tan guapa y talentosa ya no le fuera suficiente.

Alec Koone, el tímido chico de 20 años nacido en Mechanicsburg, Pennsylvania, salió a la luz pública cómo Balam Acab el año 2010. Su EP See Birds (Tri Angle, 2010) captó la atención por ese sutil juego entre dubstep, dream pop y oscuridad que muchos intentaron definir como witch house. Bajo el alero de la etiqueta Tri Angle, Wander/Wonder es el primer largaduración de Koone, y es donde Balam Acab termina de madurar y florecer en todo su mágico esplendor. ‘Await’ y ‘Now Time’ te sumergen en un lánguido sopor donde los samples de voz recuerdan una versión angelical de Burial. Mientras que singles como ‘Apart’ y ‘Oh, Why’ mezclan los beats y bajos subterráneos con arreglos preciosistas de ensueño infantil. Con este álbum, el veintenaero deja de ser la gran promesa para saltar a las grandes ligas de la electrónica actual.

Gabriel Reyes

www.sacredbonesrecords.com

www.mombi.bandcamp.com

www.4ad.com/artists/stvincent

myspace.com/thebalamacab

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Rodrigo Salinas

Martín De Mussy

Modeselektor

Monkeytown (Monkeytown Records) El dúo berlinesco, compuesto por Gernot Bronsert y Sebastian Szary, nos continúa deleitando con sus composiciones vanguardistas, secuencias complejas y estupendas colaboraciones. Este fino trabajo parte con ‘Blue Clouds’, donde se hace uso de los timbres clásicos de sintetizadores análogos antiguos, con mucha maestría. El segundo track es ‘Pretentious Friends’ y cuenta con la voz de Busdriver, rapeando una canción orientada a la pista de baile. En ‘Shipwreck’ nos encontramos con la presencia de Tom Yorke en uno de los temas sombríos del disco, junto con ‘Green Light Go’ y ‘This’. En el lado más motivacional de la placa aparecen ‘Evil Twin’, ‘Berlin’ y ‘German Clap’, donde hacen gala de la escuela del techno alemán fusionándolo inteligentemente con el hip hop y sus códigos. En resumen, misión cumplida.

Juan Francisco Guzmán www.modeselektor.com

Wilco

Dominant Legs

Lights

Biosphere

The Whole Love (dBpm)

Invitation (Lefse Records)

Siberia (Universal Music)

N-Plants (Touch)

Los cocineros de categoría mundial siempre se aprenden sus recetas de memoria. El arte de preparar un buen menú no es tarea fácil, pero se vuelve mucho más llevadero cuando los ingredientes se han convertido en tus amigos y sabes en qué orden y cantidad exacta verterlos. Jeff Tweedy, cabeza y corazón de Wilco, conoce sus componentes y medidas mejor que nadie y las aplica con suma certeza y maestría. ¿El gran problema?

Que, al parecer, en The Whole Love, su octavo disco de estudio, anduvo fallando un poco en los condimentos. La materia prima está y el plato es consistente, pero, lamentablemente, parece que la sal anduvo escaseando. Éste es un fino y delicado plato para los oídos, pero le falto un poquito de sabrosura. Extrañamos tus migrañas, Tweedy. ¿Dónde quedó ese rayo insufrible al cerebro?

Diego Huenchur

Hay ciertas combinaciones de sonidos que nunca pasan de moda y es eso, precisamente, lo que Invitation, ópera prima de Dominat Legs, nos quiere demostrar. Encabezados por Ryan Lynch -una de las partes de Girls- y Hannah Hunt, esta banda se relaciona directamente con el indie pop y la electrónica no monótona ni de pista de baile, creando una sabrosa mixtura. Además, se integran intimistas letras que, acompañadas de guitarras limpias y dos voces muy armoniosas, conforman un debut que sirve de perfecta carta de confirmación luego de un EP que pasó sin mucho aspaviento. Acá el juego es simple, se ríe, se llora y se disfruta.

Cada uno de los tracks de esta placa presenta un panorama diferente. A ratos el foco se ve un poco disperso, pero luego de un par de minutos, todo vuelve a su cauce natural.

De imagen tímida y curiosa, la joven Valerie Poxleitner se presenta en sociedad bajo el alias de Lights. Siberia es el segundo álbum de esta canadiense, propietaria de un brillo muy particular en su voz. Conducida por estilos que van desde el synth pop, pasando por el breakcore y dub step, hasta llegar a un alma electro pop, nunca una de sus canciones deja de tener personalidad defina. A diferencia de su primer trabajo, esta vez Lights se inclina más por el dance y unas ácidas estructuras electrónicas, que llenan de calidez el ambiente a lo largo de todo el disco. Una colección de músia contagiosa, donde Poxleitner seduce y encanta gracias a su sencillez y espontaneidad, algo bastante difícil de encontrar actualmente en esta rama de la electrónica. Destacan ‘Toes’, ‘And Counting’ y ‘Where the Fence is Low’.

Diego Huenchur

Cristián Carrasco

El primer disco en cinco años del productor noruego Geir Jenssen -alias Biosphere-, sale a la luz como una obra profética. El autor del clásico álbum ambiental Substrata (Origo, 1997), conceptualiza en esta nueva obra los peligros del proyecto nuclear en Japón, bautizando cada uno de los nueve tracks de N-Plants con el nombre de diversas plantas nucleares niponas. Lo increíble es que la placa fue terminada sólo semanas antes del desastre que devastó al país oriental. En lo musical, N-Plants conserva la belleza orgánica y atmosférica de discos anteriores, con un toque de beats y melodías reminiscientes del IDM noventero de Boards of Canada y la escuela de Warp Records. Una obra redonda en lo conceptual y notable en el tratamiento sonoro, que al final se transforma en una auténtica experiencia visionaria.

Gabriel Reyes

www.wilcoworld.net

myspace.com/dominantlegs

myspace.com/lights

www.biosphere.no

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Matthew Herbert One Pig (Accidental) One Pig es la placa que finaliza One, la trilogía en donde Herbert creó álbumes abordando un tema central.

Los dos anteriores - One One (Accidental, 2010) y One Club (Accidental, 2010)- ya lo habían desafiado, pero One Pig es especial. Acá, cada track evoca una sensación diferente.

Son todos parte de un relato. Como expuso el artista: “Se trata de la vida de un cerdo, desde su nacimiento, hasta su muerte y utilización como comida”. Comienza con ‘August 2009’ y un silencio prolongado que nos da la idea de la no existencia.

Más adelante, en temas como ‘October’ y ‘August 2010’, se pueden distinguir las melodías típicas del británico. Pero lo importante acá es el todo; un disco negro, opresivo, diseñado para ser experimentado como una pieza única. Una verdadera experiencia, aún cuando deja de ser placentera.

Juan Francisco Guzmán www.matthewherbert.com

Umbria En Kalafate

Das Racist

Violeta Castillo

Fruit Bats

La Muerte de los Arboles (Último Peldaño)

Relax (Greadhead)

Uno/Otro (YoConVoz)

Tripper (Sub Pop)

UMBNKLFT no es sólo cerros y mar, también es campo, Cordillera de la Costa y comidas típicas. En el cuarto álbum de los porteños se ve la evolución de su música, mezcla de folklore, post rock, noise y estilo de vida.

Con nombres de canciones sugerentes como ‘Melón con Flecos 2’ –que inicia el disco de manera potente, creciente en ruido y ondas siderales– o ‘En el Nombre del padre, del Hijo y de Ozzy’, lo nuevo de Umbria es toda una experiencia sonora. Un punto alto es cuando ‘Moebius’ baja las palpitaciones del corazón acelerado por ‘La idea’, quizás el lapsus más exasperante y provocador de la placa. Este trabajo es un testimonio, un libro de fotografías de una familia grande y unida que lleva nombre de sombra, una sombra tenue que se da sobre una fruta a la hora del ocaso.

Momentos que muchos ocupan para reflexionar, pero flotando.

Jorge Rubio

Brooklyn ha sido un bendecido pedazo de tierra que nos ha regalado en los últimos años algunos de los mejores momentos de la nueva música de este siglo. Sólo nos faltaba un combo hip hop postmoderno, y para eso está Das Racist. Este trio de MCs ya había dado un golpe sobre la mesa con dos mixtapes autoeditados, repletos de líneas inauditas y bases cargadas al hibridismo cultural. Ahora, con su primer disco, la cosa se pone jodidamente buena.

Contando con una producción genial apoyada por compañeros de barrio como Rostam Batmanglij de Vampire Weekend y Anand Wilder de Yeasayer, Das Racist entrega un trabajo absolutamente innovador que funciona como un patchwork globalizado, arriesgado y siempre entretenido. Heems, Kool A.D. y Dap vienen a dejárselo en claro a muchos: no sólo de Kanye vive el hombre.

Grabados durante diecinueve días en las cálidas tierras de San Miguel de Tucumán durante el verano pasado, los EP’s debut de esta chica de 22 años, que creció rodeada de artistas en los centros culturales donde su madre daba clases, son una muestra del más fresco y fino pop trasandino de los últimos años.

Uno y Otro recorren en diez ricas melodías con tintes de guitarra, bajo y traviesas bases electrónicas, situaciones tan íntimas y cotidianas como pedirle al ser amado que cuide sus manos para acariciarla -‘Madera’- o adular la forma y ritmo de alguien que camina bajo el sol -‘Fuego’-.

Los discos, producidos por el grupo Monoambiente y Castillo, contaron con la colaboración de los músicos Bruno Masino, Claudio Migueles, Federico Orio, Luciana Tagliapietra y Juan Cruz Palacio, también a cargo de la mezcla.

Con tu quinta placa de estudio, ya no tienes mucho que demostrarle al mundo. Las palabras ya están dichas y las canciones ya fueron hechas.

Con Tripper, Fruit Bats reafirma su marca ligada al folk en un ejercicio casi de reconocimiento. Lo bueno, y más destacable, es que en esta placa suenan mucho más afiatados. La confianza de los años sigue haciendo efecto y la inclusión de nuevos matices vocales y experimentaciones más atmosféricas, nutren las ya bien configuradas melodías para crear algo que suena fresco, a pesar de saber que nos estamos enfrentando nuevamente a algo reconocible. Dejemos que las canciones hablen. Aquí no hay nada más que hacer. Este álbum no pasará a la historia como uno de los mejores del año, pero sí como uno de los más elaborados en la carrera de estos chicos de Illinois.

Martín De Mussy

Judith Gomez

Diego Huenchur

myspace.com/umbriaenkalafate

myspace.com/dasracist

violetacastillo.bandcamp.com

myspace.com/thefruitbats

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The Babies

Owen

The Babies (Shrimper))

Ghost Town (Polyvinyl)

Bajo este nombre curioso se esconde uno de los discos de indie rock más interesantes del año. Gracias a canciones de pop punk pegajosas y encendidas, los Babies logran evocar lo mejor de una época dorada.

Si bien ésta es una colaboración entre miembros de Vivian Girls (Cassie Ramone) y Woods (Kevin Morby), su sonido no se remite para nada a la movida hipster actual. Sus raíces están en clásicos del lo-fi de los ochenta y noventa -lo que se conoció en principio como indie rock, de hecho-. Beat Happening, The Pastels y The Vaselines, cuando no los primeros Yo La tengo, son algunos de los nombres que vienen en mente al escucharlos, en su conjugación precisa de actitud y ritmos sincopados. Las voces de Ramone y Morby se conjugan a la perfección en duetos a lo largo de todo esta placa, que va de lo folk hasta temas más encendidos.

Rodolfo García

Mike Kinsell -frontman de Joan of Arc- puede sonar, a ratos, como un recién llegado en el mundo del songwriting, cualidad que usa a su favor para, de ese modo, reinventarse constantemente y nunca quedar estancado en los sonidos familiares.

Con Owen, su proyecto como solista, el músico de Illinois se pasea por los iluminados pasajes del pop rock, donde las guitarras eléctricas, los quiebres de batería y las distorsiones juegan de titulares absolutos.

Además, a la mezcla se le agrega un pequeño toque de country, lo que hace que la experiencia de escucha sea aún más cercana y para nada ajena. Ghost Town, su sexta placa de estudio, nos deja en claro que la misión es emocionar y transferir sentimientos de modo certero. Kinsell lo supo hacer y demuestra, una vez más, que al mundo le falta un poco más de oreja.

Diego Huenchur

myspace.com/thebabiesnyc

myspace.com/mybandowen

Foster the People

Joakim

Torches (Columbia)

Nothing Gold (Tigersushi )

Generalmente, lo bailable es víctima de prejuicios que acusan falta de originalidad e innovación, apuntando sus dardos a los que apelan al mainstream. Pero Foster the People se olvida de tales obsesiones y nos invita a sacudir los pies desde el primer instante. Éste es un álbum hecho exclusivamente para las masas: sintetizadores, coros simpáticos y canciones que evocan a Jamiroquai y se asemejan a contemporáneos como Black Kids y Empire of the Sun. Torches apunta directamente al single bailable en canciones como ‘Helena Beat’ y ‘Pumped Up Kicks’, que nos hacen recordar aquella época en que MGMT solía entusiasmarnos.

El trío de Los Angeles se nutre de la fuerza pop al estilo Motown y del dance punk neoyorquino ochentero, pero no se olvida que para encantar masivamente no es necesario recurrir a experimentos más complicados. Álvaro Molina

Joakim siempre se ha caracterizado por mezclar géneros eclécticos, desde el electro al italo disco en un estilo que él denomina post soft. En su cuarto elepé, que al mismo tiempo es el primero que lanza bajo su sello Tigersushi, el francés nos muestra su faceta más psicodélica, dejando de lado los hits fiesteros. Con su primer single, ‘Forever Young’, lo deja claro: éste es un recorrido a ese extraño lugar entre la juventud y la adultez, a través de un disco de escucha hogareña que no deja de lado los ritmos hipnóticos, los bajos punsates y las voces con tilde pop, pasando por melodías serias y casi cinematográficas, trayendo de pasada una ventolera de aire fresco a la electrónica de hoy. Joakim es un personaje conceptual, vanguardista y de poco hablar que aquí ha logrado dar un paso adelante con un trabajo maduro y sofisticado.

www.fosterthepeople.com

myspace.com/jimibazzouka

José Antonio Sepúlveda

Weyes Blood

My First Earthquake

The Outside Room (Not not Fun)

Friction (Independiente)

No siempre resulta atractivo un revival que no difiere de la muestra, que utiliza formulas demasiado similares al modelo o que, décadas después de algo que fue más un movimiento que sólo un género, se proponga como de novedad. Pero Natalie Mering, vocal y cabeza única de Weyes Blood, lo logra a primera escucha.

En ella nos topamos con la Nico de ‘Evening of Light’ fusionándose con el soundtrack de Macbeth (Roman Polanski, 1971) de Third Ear Band, en un relato done órganos, guitarras y campanas son protagonistas. Acá, Mering parece una chica gótica saliendo de lo más oscuro de los bosques de Twin Peaks. Pero referencias hay por montones, lo importante es destacar que The Outside Room es un disco capaz de volar cabezas, algo nada extraño viniendo del sello Not Not Fun este 2011.

Sofía Villanueva

Dentro de la famosa escena del indie pop en San Francisco, hay una banda que a punta de una voz femenina y un excelso sonido instrumental, ha destacado por sobre otras. Se trata de My First Earthquake, que este año nos deslumbra con su nueva entrega: Friction, un disco que juega a ganador. Algunos de los sonidos en una canción como ‘Whitewalled’ suenan a ratos como The Ting Tings y LCD Soundsystem. Sin embargo, la voz de Rebecca Bortman es básicamente un escape a lo más bailable y rudo de esta producción. Acá la tradición fue dejada de lado y dio paso a un vanguardismo sonoro que poco conocía esta agrupación. En cada canción, la guitarra es enérgica y la voz un bastión sólido; la vitalidad se hace latente como un pedal de arranque, sin frenos. Un artífice perfecto para salir de cacería en una noche de pura juerga.

Manuel San Martín

myspace.com/nataliewiseblood

www.myfirstearthquake.com

discos perdidos Acid Mothers Temple Univers Zen ou de zéro à zéro (Fractal Records, 2002) Esta banda, cuyo núcleo se formó en Japón el año 1995, es una de las grandes gemas de la psicodelia y el acid rock de hoy en día con más de 20 placas bajo el brazo y un sinfín de colectivos musicales recurrentes. De sus álbumes más intensos destaca este, muy meticulosos en su sonoridad y producción, pues cuenta con extensas obras musicalizadas a través de largos y tediosos drones interestelares, mucha distorsión y cables cruzados, siendo el producto final un verdadero viaje al espacio. Álvaro Molina

Jesu Lifeline EP (Hydra Head Records, 2007)

BjÖrk

Mastodon

Biophilia (One Little Indian)

The Hunter (Reprise)

Hablar del concepto de cada uno de los discos de Björk, podría ser desde impreciso hasta mecánico. Aunque, en este caso, la menuda islandesa se volcó bajo la interrogante ‘¿dónde se unen la música, la naturaleza y la tecnología?’ y la respuesta es Biophilia. Trabajo basado en las bondades sonoras del IPad, pero bajo la búsqueda microscópica de Björk, quien continua insaciable, aventurera y extrema. Su eterna juventud, la demuestra con su atemporal voz y enigmáticas creaciones. El viaje interestelar a los distintos mundos virtuales del universo de Biophilia, va de parte de temas destacables, como los sombríos paisajes de ‘DarkMatter’, las brillantes sonoridades de ‘Sacrifice’ o la magnífica ‘Mutual Core’. Björk lleva años en una sutil mutación artística que, si bien ya no sorprende, todavía cautiva.

Cristián Carrasco

Dos años tuvimos que esperar para obtener el nuevo trabajo de Mastodon, pero con justa razón. Una amalgama de distintas texturas rabiosas, llena de riffs monstruosos, solos de guitarra gloriosos, redobles de bombo infernales y todas esas cosas que nos gustan del metal. Acá no se ahorra en potencia, y la brillante ejecución no deja de impresionar. ‘Black Tongue’ funciona como grito de guerra inicial, con un motivo musical potente y limpio. Temas como ‘Stargasm’, ‘Dry Bone Valley’ y ‘Bedazzled Fingernails’ nos reúnen con la esencia de la banda, mientras que ‘The Hunter’, ‘Creature Lives’ y ‘The Sparrow’ nos sorprenden con melodías amplias y pausadas. Destaca el single ‘Curl of the Burl’, cuyo video recomendamos hace un tiempo. The Hunter, la quinta placa de estudio del combo de Atlanta, saca aplausos.

Juan Francisco Guzmán

bjork.com

www.mastodonrocks.com

Jesu es un duo de post rock que nos deleita con melodías lentas y aletargadas, hijas de algún punto medio entre los Smashing Pumpkins, Electric Wizard y My Bloody Valentine. Particularmente, este EP trae cuatro canciones que, si bien están unidas por una temática, son muy distintas entre sí; lo que aporta muchísimo a la obra en su totalidad. Un disco altamente recomendable y una buena introducción a la que podría pasar a transformarse en tu siguiente banda favorita.

Juan Francisco Guzmán

Giant Skyflower Band Blood of the Sunworm (Soft Abuse, 2007) Para el inagotable Glenn Donaldson, los proyectos musicales nunca acaban. Lo demostró cuando durante un descanso sabático dio rienda suelta a su creatividad sonora y formó esta peculiar banda, cuyo debut salió a la luz cosechando críticas que lo comparaban a clásicos como The Doors o Television Personalities. Influencias de un álbum plagado de trances psicodélicos, una atmósfera narcótica al compás de la sitar y coros fantasmales que invaden la mente, siendo una joya para la nueva generación folk. Álvaro Molina

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audiovisual

Susana Díaz

Contra la corriente Detrás de Corteirracional -colectivo que realizó el documental Supersordo: Historia y Geografía de un Ruido, lanzado en el festival InEdit 2009- se encuentra la directora Susana Díaz, quien está terminando la segunda parte de Sonidos de los 90`s, una trilogía audiovisual sobre el under chileno de antaño. Se trata de Hardcore: La Revolución Inconclusa, que se adentra en la historia de varias agrupaciones nacionales como Disturbio Menor, Silencio Absoluto y Justicia Final. “El primer documental que quise hacer fue éste, pero no sabía cómo abordarlo.

Era mucho más complejo porque no se trata de una banda en particular, sino del hardcore como movimiento; así que lo dejé en pausa e hicimos el de Supersordo”, cuenta Susana.

Luego del trabajo de investigación y la recolección de archivos fotográficos y material audiovisual, Hardcore fue tomando forma, pero no de la misma manera que su antecesor. “Éste apunta a un lado más sociológico, sin serlo realmente. No nos centramos tanto en el sonido, sino en otras cosas, como la forma organizativa de sus tocatas, el hecho de que no consumían drogas y no tomaban copete: eran muy

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Por Valentina Quiroga

Fotografía * Javiera Tapia políticamente correctos, teniendo mucho del punk y, al mismo tiempo, ruidosos y más positivos. Eran todos amigos”. Con el tiempo, esto fue cambiando, ya que por dentro se empezaron a notar las divisiones y conflictos entre grupos ideológicos y estilos musicales. “Es un movimiento que sigue fuerte pero no es lo mismo que en los noventas, ahora está súper segmentado y por lo mismo quise nombrarlo como La Revolución Inconclusa”.

Siendo fiel al estilo reflejado, el documental fue filmado con handycams y completamente autogestionado. “Pensé en postularlo a fondos estatales, pero si voy a hablar de una escena que se caracterizó por el ´Hazlo Tú Mismo`, era poco ético no hacerlo de manera independiente”. Además, Susana está haciendo clases en la Escuela de Cine de Chile y un curso en una nueva escuela llamada ContraCine, quienes están detrás del festival Sanfrik.

Ya con el primer corte listo para la post producción, se espera que el material sea lanzado a finales de este año.

power peralta

Una coreografía urbana Por Javiera Rojo Fotografía * Ignacio Gálvez

La música y la danza han estado dentro de las vidas de los mellizos Gabriel y Raúl Peralta desde siempre. “Ha sido algo familiar y nunca tuvimos un prejuicio, porque era parte de lo cotidiano”, comentan. Un oficio que fueron transformando de lo clásico a lo moderno, hasta llegar a lo callejero: el Street Dance.

“El concepto se da porque uno domina estilos que son de la calle”, explican del baile que muestran y que ahora enseñan. Pero, en un comienzo, especializarse fue sumamente difícil, sobre todo teniendo en cuenta que el estilo pertenece a una cultura ajena a lo que se hacía en el país. “Nos dimos cuenta que acá habían más referentes de Breakdance y no de lo que a nosotros nos gustaba, que es algo más coreográfico”.

En 2006, viajaron a Estados Unidos para interiorizarse aún más en su pasión. “Era lo que necesitábamos vivir para darnos cuenta a qué nos queríamos dedicar, y en Chile estábamos en una isla en la que era imposible seguir creciendo”, declaran. Esta experiencia los transformó, ya que antes sólo podían aprender por medio de videos, lo que no era suficiente.

Todo este camino lo han hecho juntos y esto se refleja en sus coreografías. Sin embargo, gracias a Calvin Klein, aceptaron el desafío de bailar por separado, ya que por ser embajadores de la campaña Atrévete y Déjate Ver -que invita a todos a participar por un viaje a Nueva York- se mostraron en un video que los aparta de su rol de dúo. “Somos reacios a hacer cosas fuera de lo que estamos acostumbrados como Power Peralta, pero nos atrevimos y bailamos en solitario”.

Hace cinco meses crearon su propia academia, con la que desean ayudar en la formación de personas que buscan el baile más urbano.

“Al ir creciendo, se nos acercaban personas interesadas en aprender de nosotros y surgió la idea de hacer una escuela para quienes quieran bailar, y no necesariamente ser bailarines”.

Para Power Peralta, lo que enseñan es más que un crecimiento académico, es pasión. El único requisito es tener las ganas de hacerlo.

vitrina

Juan Subercaseaux: “Diez Pinturas” Son diez pinturas en diversos formatos las que expondrá Juan Subercaseaux, desde el 28 de septiembre hasta el 25 de octubre en la galería Isabel Aninat. Estas obras muestran paisajes, personajes y lugares netamente ligados a la imaginación y los sueños del artista, que mantienen estrecha relación con el recuerdo y las características de orbes como la ciudad de Santiago. Son imágenes de gran melancolía que recorren la soledad de la noche, de los barrios más antiguos, junto a su particular arquitectura, con tonos oscuros y cafés que reflejan lo añejo de lo que se quiere expresar. En sus trabajos se pueden rescatar las influencias que tiene el autor, en el romanticismo alemán y la metafísica europea, presentando a los protagonistas como seres sacados de la realidad, y que gracias al entorno que los rodea son capaces de hacer creer que ignoran los ojos que tienen puestos en ellos.

www.galeriaisabelaninat.cl

Sebastián Silva El ex CHC y director de cine (La Nana y La Vida Me Mata) llega a las salas de la galería AMS Marlborough para presentar sus pinturas y dibujos, los cuales creó en la ciudad de Nueva York mientras filmaba la serie de HBO The Boring Life of Jacqueline. La exhibición cuenta con una colección de imágenes tituladas Crimen, en las cuales expone personajes caricaturescos que ocultan los delitos que diariamente cometen, al igual que sus identidades al ser reconocidos, cayendo poco a poco en lo indefinido y abstracto, representados por todo el misterio, los secretos y las mentiras con un toque de fealdad.

Por otra parte, una segunda muestra llamada Hombre Lobo refleja la paranoia en las alteraciones psicológicas dentro de lo humano. Hechos con acrílico y tinta, la serie visual ya fue mostrada en el mes de marzo en Miami y hasta el 22 de octubre estará en Santiago, en el marco de una nueva apuesta que presenta de manera colectiva a artistas visuales jóvenes.

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liv e festival electric zoo 2 -3 - 4 de Septiembre Randall’s Island Park (New York) Fotografía* Carla Vergara

Fotografía * Scott Kowalchyk

Fotografía * Bennett Sell-Kline

liv e

zonora point Viernes 16 de Septiembre Espacio Cellar Fotografía * Diego Maya

VioLEta CaStiLLo Sábado 1 de Octubre Casa Mecánica Fotografía * Javiera Tapia

El pasado domingo 09 de octubre Smirnoff, el vodka #1 del Mundo, realizó un exclusivo Meet & Greet junto a la legendaria banda Bad Religion en el teatro Caupolicán. Katherine Díaz, Cristóbal Arjel y Gerardo García fueron los afortunados seguidores que pudieron compartir junto a la agrupación californiana minutos antes de subir al escenario. Revisa las imágenes.

Fotografías concierto* Roberto Venega

Más fotografías en www.facebook.com/smirnoffchile

BeBe responsaBlemente. producto para mayores de 18 años.

liv e yajaira Jueves 6 de Octubre Bar Loreto Fotografﾃｭa * ﾃ］gela Santelices

discodeine Martes 27 de Septiembre Centro Cultural Amanda Fotografﾃｭa * Wladimmir Rojas

primal scream Viernes 30 de Septiembre Teatro Caupolicán Fotografía * Wladimir Rojas

mondo cane Miércoles 21 de Septiembre Teatro Caupolicán Fotografía * Ignacio Galvez ´

tv femme Viernes 23 de Septiembre Bar Onaciú Fotografía * Diego Maya

diez canciones Dum Dum Girls – Bedroom Eyes Noise pop de playa, producido únicamente por chicas, es mucho más que diversión para una de esas fomes tardes de semana. Una banda en donde la psicodelia y el ruido juguetean.

No te Anwandter vayas a aburrir –por mientras - Pop con luces y humo nos ofrece este artista nacional en Alex Tatuaje el primer corte de su debut solista. Destaca el uso de melodías extremadamente recordables, un coro limpio y claro y un excelente sonido en su producción.

The Pack A.D. – SirensNow El primer corte del disco Keep You Close de los belgas Deus, se Deus – Constant la juega por un sonido más cercano al post punk, con influencias de The Church y Bauhaus.

To Kill Friedberger A King – Family Eleanor –

Un tema melancólico que a ratos nos recordará a Elbow o a una versión mucho más dopada de Interpol, envuelto en folk inteligente. Adelanto del EP My Crooked Saint al que hay que estar atento.

Foster– The People –City Pum M83 vuelve a la carga mostrándonos el single de su nueva placa M83 Midnight

Hurry up, We’re Dreaming, producida por Justin Meldal-Johnsen. Una canción sólida, donde hacen gala del dominio sobre el dream pop y la electrónica retro que tanto gusta a sus seguidores.

Loney – My HeartYou Never Por fin ya circul Feist Dear – How Come Go There Del álbum Metals llega otro single que propone esta placa, con un estilo muy íntimo, pausado y lleno de blues, pero de potente interpretación a manos de la canadiense, que sabrá como hechizar tus oídos.

Ladytron White Elephant Cosmo –Jarvis – My Day Un choque entre Arctic Monkeys y Mumford and Sons es lo primero que puede venir a la mente cuando escuchas el último single de Is the World Strange or Am I Strange?, un disco que definitivamente vale la pena experimentar.

The Beets I Do Rock en el garage de sus casas, es lo que plantean The Beets.

Miguel Migs––Doing Every as body Un aire a las canciones más lentas de los Beach Boys, pero con interpretación vocal a la altura, nos recordarán que el rock es puramente gusto y actitud.

Dj Shadow – I Gotta Alpines - Cocoon (Remix) Rokk Con el particular estilo de mezclas entre rock y ritmos negros, éste es un tema que te hará saltar en tu propio asiento, lleno de poder y todo lo que se espera de la música de DJ Shadow.

Noisia Tommy’s Theme Jay Z & –Kanye West – Oti De sonido bastardo, altamente complejo, con reminiscencias a Justice, The Glitch Mob y Burial, Noisia nos presenta su nuevo single, que podríamos encasillar en el Dubstep, pero con una intención diferente, lejos de la pista de baile.

tres videos Anita Tijoux – Shock

Un video que nos hace recordar la misión que tenía el rap en su comienzo: manifestar el desacuerdo y contar lo que sucede. Una sólida canción que retrata el estado actual del descontento de muchos, en la excelente propuesta sónica de nuestra querida Anita Tijoux.

Washed Out – Amor Fati

Chillwave nocturno, con gusto a nostalgia y píldoras que hacen reír. Un excelente exponente del mid-fi que está popularizándose cada vez más, desde hace ya unos meses. Ideal para las noches de verano.

Plaid – At Last

Warp records es sinónimo de la música más extraña que puedas encontrar por ahí. En el mismo espíritu, el adelanto del nuevo disco de Plaid, se presenta como una mezcla sutil entre IDM y illbient. Una excelente introducción a su nueva producción.

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