Edición 19 by Fea Internacional

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directorio La diferencia entre el artista contemporáneo y el artista de otras épocas se encuentra precisamente en que no son la cultura ni la tradición las que ofrecen una posibilidad de continuidad, sino la conciencia de su historia y la necesidad de romper con ella para seguir haciéndola posible. Juan García Ponce

La historia del arte se construye con el registro mínimo o a profundidad de un fenómeno, sentimiento o lo que diversas personas han decidido realizar en sus momentos de ocio, a consciencia o no y siempre con matices sus grados de representación. En la pintura como en otras disciplinas, existe una categorización que depende de cosas que condicionan la posición de la obra en este registro: espacio y tiempo, contexto histórico, técnicas y materiales, recepción y un amplio etcétera. También la introducción del mercado, con todo lo que implica en la forma en que lo conocemos hoy. El grado cero y la generalidad de significaciones a partir de algo individual, íntimo. El arte incide en gran parte de la transformación de cada ciudad y Monterrey no es la excepción. Desde hace varias décadas existen comunidades y espacios que los artistas se han encargado de nutrir; o el caso de otros que han sido inaugurados por necesidad natural de cambio o ajuste acorde a nuestra historia. Es visible la producción de algunos artistas con trayectoria y otros emergentes, sus intereses o la inserción en el mercado local y nacional. Siempre es necesaria (y extraña) la concentración en la obra misma y su propio lenguaje, independientemente del artista, para así poder generar una experiencia en cada uno de nosotros. En esta edición dedicada a la pintura, como la ciudad misma, cambiante y contradictoria, platicamos con algunos artistas que le han dedicado parte de su tiempo a esta actividad, sus procesos e ideas.

DIRECCIÓN Y EDICIÓN Libertad Castillo CONSEJO EDITORIAL Alejandro Zertuche Cuauhtémoc Zamudio CORRECCIÓN DE ESTILO Carlos Blanco fea_internacionalzine@hotmail.com face: /feainternacionalzine insta: /fea_internacional Issuu:/feainternacional

INDICE ANAHID HERNÁNDEZ

JORGE ESQUIVEL

ADRIÁN MONSIVÁIS

EDER SALAS

KAREN REYES

LIBERTAD ALCÁNTARA

MIGUEL GONZÁLEZ

DANIEL MARTÍNEZ

PORTADA POR ANDREA SÁNCHEZ NAVARRO CONTRAPORTADA ADRIÁN PROCEL

*Proyecto ganador del Programa de Apoyo a Publicaciones Impresas Raúl Rangel Frías 2017 del Consejo para la Cultura y las Artes de Nuevo León y la Secretaría de Cultura.

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A n a h i d H er n a n d ez

Todo mi trabajo es entorno a la pintura. Desde hace un tiempo además soy maestra. Busco darle sentido a algunos aspectos de mi vida. Me angustia mucho el paso del tiempo y el hecho de dar clases es reflexionar sobre las particularidades que conlleva el día a día.

Últimamente he estado vendiendo piezas pequeñas en la ciudad. A través de las redes sociales la recepción es otra, una experiencia más fácil: el comprador ve las piezas y se pone en contacto directo con el artista. Dejé de pintar unos meses porque estaba buscando darle cuerpo a algunos conceptos como la vida y la muerte, el tiempo. No quería caer en lo convencional sino algo más auténtico. Comencé a construir mi estilo con mis inquietudes sobre las formas de ciertos temas en cuadros. FEA INTERNACIONAL

Cuando estaba en la facultad parecía que dedicarse a la pintura no era una buena opción. Nos está yendo bien en la ciudad en el tema de la pintura. No sé cuándo pero la figura del artista comenzó a evolucionar, surgió algo y muchas personas comenzaron a pintar, a vivir de la pintura. Antes yo no sabía de nadie, o sí pero su ingreso era mínimo. La pintura es una pieza de arte estable y se le añaden muchos valores, dependiendo de su contexto.

Tengo temporadas en que me influyen algunos artistas o corrientes, me gusta agotar esas ideas y luego paso a otros temas. Me gusta, por ejemplo, pintar sola, lo disfruto; aunque en algunas ocasiones lo he hecho acompañada y es interesante, sobre todo en murales, cuando la gente pasa e interactúa con comentarios graciosos o detalles desde su subjetividad. Exponerte a muchos aspectos en la calle, en la ciudad, es complejo, además de la figura de la mujer en todo esto, su posición, son cuestiones que se deben de tomar en cuenta para una crítica más amplia de cada disciplina. El tema principal en mis cuadros es el tiempo, la vida y la muerte. Siempre pienso en el paso del tiempo y como va cobrando el número finito de días en la vida. Inicié la serie buscando dar rostro y cuerpo a cada uno de estos conceptos en donde el tiempo es el eje central, el que mantiene

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el orden y rige la vida en una sola dirección. El tiempo nunca retrocede y con su fuerza se lo lleva todo convirtiéndolo en polvo. La muerte es sólo servidora del tiempo, pero como una figura impredecible nos observa a diario recordándonos nuestra mortalidad. La vida es un conjunto de pareceres y necesidades, la única certeza de existir es el alivio que encontramos en la trascendencia, la descendencia, la preservación de la especie, pintada con un velo que la mantiene al margen de la pregunta. La muerte le da valor a la vida y el paso de tiempo que nos hace movernos, plantearnos metas, construir sueños y llevarlos a cabo, porque sólo se pueden hacer aquí y ahora, la única manera de “no morir”, no dejar de existir, es a través de la entrega a la vida, de dar lo mejor de uno siempre, sólo así se permanece a través de los demás.

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J o rg e es qu i v el

Ya sabes lo de siempre, dibujas desde niño, rayamos paredes y hacemos este tipo de manualidades desde pequeños. Desde que tengo recuerdos me gusta bastante el dibujo, cuando estaba en la secundaria me clavaba con las ilustraciones de los libros de historia y demás. Estuve en una preparatoria de Estados Unidos y como opción técnica escogí arte en lugar de francés. Luego de un tiempo, uno de mis maestros me becó en algunos cursos fuera de las clases y tuve más acercamiento a la historia del arte y bases técnicas. Después de eso, entre otras cosas, me vine para Monterrey por asuntos familiares. Me interesaba continuar con mis estudios en el arte pero no me agradaba mucho el programa de las escuelas en ese entonces. Siempre busqué maestros por fuera para nutrir cierta técnica deseada. En la mente visualizamos algo y el ejercicio de la técnica te ayuda. Luego te das cuenta que lo que haces, aparte de la libertad de crear, a la gente le gusta. Si te empeñas demasiado, puedes tomar como oficio algo que realizas con facilidad y gusto. La pintura es algo inmenso. Estamos aquí para probar de todas las cosas. El mundo se pudre de belleza, y puedes encontrar belleza en cualquier cosa: puedes leer un poema y de ahí crear un cuadro, puedes conocer a alguien y te inyecta algo único de su mundo porque no existe en otra parte. Luego usas los elementos y personajes que creas convenientes, puedes estructurar por temas, series, con mayor espacio.

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Todos nos influenciamos, a mí me encantan los movimientos pictóricos, leer biografías, por qué pintaban de esa manera, saber sus temas; y creo que ese tipo de cosas se nos van contagiando. Me gusta mucho la pincelada de Edvard Munch el expresionista o Van Gogh, pero también los Rafaelistas; pero me encanta Bacon, Goya o Velazquez si hablamos de grandes maestros. Con poquitas pinceladas te hacían tantas cosas, con menos medios. Creo que no debemos verlo como descubrir el hilo negro de todo esto, no lo veo de esa manera ni como una competencia. Si a veces quiero hacer algo realista lo hago, y si a veces mejor pienso en el expresionismo u otra forma, lo haces porque tienes la libertad y por la personalidad que uno tiene en la pintura lo va hablando; y me encanta el caos, los excesos y todo ese tipo de cosas es lo que quiero decir en los cuadros. El fin del cuadro es dejar un registro de las ideas que tienes. Pintas algo y queda en el año, en la época, la necesidad de hacerlo.

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A d r i a n M o n s i va i s Comencé a pintar desde niño con las caricaturas, creo que fue porque crecí solo. Me ganaba los concursos de dibujo en la primaria, entonces ya te das cuenta que traes algo, sólo hay que trabajarlo. Empecé a pintar de una manera más seria a los 15 años.

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Antes de profesionalizarme o verlo como un negocio era pandillero. Un día, llegó una monjita y preguntó que quién había dibujado ese perro en la pared, esa hoja de marihuana. Luego de insistir le dije que yo, pensé que me iba a regañar pero dijo “en usted duermen grandes gigantes del bien, detrás de todo eso, usted puede ser un artista”. No me la creí. Me regaló algunos libros de bellas artes que influyeron en mis propósitos; la obra de arte habla por el artista. Puedo trascender en mi espacio, pero en el tiempo, es otra cosa.

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Antes me reconocían por ser el mejor rotulista, ahí hay dinero pero yo me sentía insatisfecho. Uno quiere que su obra personal trascienda. Además me sentía muy solo y derrumbado por algunos aspectos personales, algo muy existencial, buscaba alguna salida y fue el arte. Lo mío es realismo pictórico porque puedes ver la pincelada, te acercas y ves cómo se deforman los colores, hasta 40 tonos en una misma área, como los pixeles en las imágenes, te alejas y se funde todo. Mi pintura es algo así, en análisis del color, dentro de mi paleta uso 20 tonos, luego hago intermedios de los mismos y al final resultan 40 tonos en un mismo espacio. Al alejarse, el cerebro analiza y observa, a diferencia que el ojo sólo mira, luego se funden las tonalidades creando una imagen. Una vez una amiga me dijo que, en una pintura que estaba realizando, no le gustaba la nariz del personaje, le parecía horrible y yo pensé que era algo de la técnica, de un mal trazo, pero luego me dijo que se veía asquerosa, por el sudor, los poros, los colores. Sentí una satisfacción porque en su observación reparó sólo en los detalles feos, la representación de lo grotesco en un lugar donde sólo había acumulación de colores. Mi proceso para pintar es la observación total, analizar los colores, las personas, establecer una especie de escala. El modelo lo puedo encontrar en la calle, en una borrachera, en un picadero donde hay drogadictos o gente inconsciente. Pido permiso para tomar la fotografía, con una previa platica, ya en confianza con el modelo e inaugurada ya cierta cosa en el ambiente lo capturo como referencia.

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Ed er sa las Vivimos en Monterrey, en México, de alguna manera tenemos la cultura de la gráfica: la pintura, dibujos, fotografía, todas esas cosas. Es fácil entrar a un mercado en el que hay más demanda del arte conceptual, el performance y todo eso que está muy chido, es complicado vivir de eso. Hay personas que logran circunstancias para sobrevivir, pero digamos que dentro del arte, es más fácil que haya consumidores en la pintura, sobre todo aquí. Muchos toman la pintura más como una herramienta para informar sobre algo, para dar un mensaje. En la escuela hay teoría: literatura, filosofía, cine, libros que te educan y te hacen reflexionar en el oficio de la historia del arte. Tener acceso a toda esa información me ubica. Lo que expreso, resolver aspectos por medio del arte, las costumbres, quién soy, en eso canalizo mis pensamientos. Siempre he tenido la idea de que con la pintura, al trabajarla y enfocarme, la gente confiará en lo que hago. Dentro de lo que veo en Internet y en mis círculos, todo parece ir bien. Ahora hay trabajo para mucha gente y hay dinero para las artes plásticas. De nuevo la gente está viviendo de esto porque tienen sus estudios y organizan eventos, se hacen ver y que la gente acuda y coleccione sus obras.

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Algún tiempo estuve autogestionando mi obra en colaboración con otros artistas. “Rata” fue un taller, una casa que renté en Barrio Antiguo. Un amigo francés, Joseph Henry, pintor que ha hecho su vida aquí, me dijo un día ¿por qué no haces tu propio proyecto de hacer una galería y exponer tu trabajo para que la gente lo vea? No veía esa posibilidad. Estuve viviendo dos años ahí y platicando con él y otros amigos surgió el nombre para el proyecto. Ahí estuvo Karen Reyes, Anahid, Dazer, y fue mucha banda la que estuvo participando. La intención era seguir, pero no sucedió. La interacción con las personas al pintarlas es interesante. Pedir la oportunidad de hacerlo y luego ver su reacción, es algo íntimo y se da un ambiente tranquilo. Al tomar la fotografía de la que casi siempre me baso, y el uso de herramientas nuevas, cámaras con muchos megapíxeles, iluminación, la utilización de esas herramientas es enriquecedor, más si es realismo o hiperrealismo por ejemplo, para los detalles mínimos.

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Todo el tiempo tengo el conflicto existencial o de introspección de la condición humana, me cuestiono la realidad, la matrix, qué es el hombre y el arte o la libertad y la guerra. Mis personajes son mis conflictos o búsquedas, el formato o tamaño ajusta sus particularidades. El arte constantemente está moviéndose, transformándose. Lo que sucede aquí está muy padre, pero no me limito a este espacio como un centro, trabajamos en lo individual en lugar de la colectividad. Siento que en Monterrey están haciendo cosas chidas, pero estamos desorientados. No sé si todos estos intentos de colectivos y espacios establezcan bases para impulsar el arte local; necesitamos más responsabilidad social por decirlo de alguna manera. Espacios donde uno pueda ir a tocar puertas y ser bien recibido para profundizar o para asesorarse en convocatorias y todo eso. Conectar con banda por redes sociales de otros lugares, pero de aquí también en lo local.

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Ka r en R ey es

El aparato visual humano es un canal de placer tan frágil y sofisticado. Cuando me contaron que íbamos a platicar para esto, la revista, comencé a pensar antes de dormir en algunas cosas. No me gusta planear en general pero uno de los pensamientos que tuve fue que estaba dentro de un huevo. Y si no he roto ese huevo es porque no quiero. Quiero estar lo suficientemente fuerte cuando tenga que salir del huevo. No quiero salir y estar débil y morir. No saber cómo lidiar con el exterior. Sea el exterior lo que sea. No puedo pensar en términos de Monterrey, en términos geográficos. Estoy dentro de un huevo y sólo me importa el crecimiento interior.

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El artista crea con el propósito de encontrar, como una excavación arqueológica en el desierto, pero en este sentido sería fenomenológica, espiritual. Emprendes la búsqueda de tesoros escondidos, de cosas nuevas que nos hagan sentir bien, un éxtasis de algún tipo. Pienso que la experiencia visual se puede comparar con las sustancias que estimulan el sistema nervioso. El hombre busca sustancias y salidas, dosis, adicciones a cualquier cosa: personas, lugares, comida, dinero, lujos, café, té, coca cola. Hay muchos tipos de adicciones, el ser humano funciona con base en estos mecanismos de placer. El artista como cualquier otro ser humano busca ese placer, y su dosis está en la creación. Todo se reduce a que yo tenga mi dosis de placer, eso es lo fundamental, que algo me cause placer. En la pintura hay muchas dosis a lo largo de la producción de una obra. Cuando encuentras cosas y se va formando la imagen, ves que lo que era ayer hoy ya no lo es y mañana será diferente. El cuadro va ir cambiando todos los días y vas a tener la sensación de arrepentimiento, de que hubieras preferido que se quedara como estaba antes, se convierte en algo muy personal. El objetivo de una pieza es que después de toda su evolución al final esté en su mejor punto. Uno se encarga de que eso suceda pero no es fácil, casi nunca pasa. Entonces se trata de disfrutar del proceso, momentos que nada más tú viste y luego, se quedarán en el recuerdo. El disfrute tiene que ver con lo que quiero decirle a la gente. Sabiendo que las reacciones e interpretaciones son diversas, a nadie puede provocarle la misma reacción. Cuando veo una obra me gusta preguntarme ¿por qué esta persona quiso pintar esto? ¿por qué invertir tanto tiempo en esto que puede resultar inútil a la sociedad? A partir de ahí empiezo a analizar una obra, ¿cuál es el propósito que quería? Pero eso no significa que yo tenga claro cuál es el mensaje que quiero que la persona absorba, eso no le corresponde a uno. No me interesa que es FEA INTERNACIONAL

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lo que tengo que decir al respecto de una obra, me interesa lo que el espectador tiene que decir. Yo hago las cosas para escuchar las opiniones de los demás no para confirmar una opinión mía. Es mi manera de dejar en claro cosas pero sé que si yo pinto, no voy a dejar en claro nada.

Hay una estética pop que creo que es en la que podría descansar lo que hago en la música, en el dibujo y en la pintura, porque soy una consumidora de pop desde pequeña. Quiero popificar lo impopificable, quiero convertir algo desagradable, algo incómodo, me gustan las verdades incómodas porque hablan de cómo ya nunca va a volver a ser lo mismo. Porque en la vida hay muchas cosas que suceden que son decepciones, lo bueno permanece al sobrevivir cada día. Me gusta hablar de lo que pasa en la guerra, con los niños en África y todo lo que me causa enojo,rabia, tristeza y decepción. Entonces hablo de eso pero mi estética visual siempre ha sido pop porque ese ha sido mi escape, una dosis más. La gente lo ve bonito y le gusta pero después se da cuenta que tiene un mensaje oscuro de la realidad que se niega a observar.

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Li b erta d A lca n ta r a

Soy artista visual originaria de Veracruz. Estudié allá y me vine a vivir a Monterrey cuando salí hace ya unos años. Desde que estaba en la facultad siempre estuve produciendo, pero no sabía cómo desarrollar una carrera. Cuando estaba estudiando la idea de ser artista y vender una obra se me hacía como un mito, pero creo que es una de las bondades de Monterrey; que haya mucho más consumo aquí comparado con Xalapa. Me causa un poco de conflicto todo el asunto de las galerías y cómo funcionan los circuitos del arte en general. Se pueden observar las relaciones públicas más que de trabajo pictórico. Y como a mí me cuesta mucho trabajo esa parte, y hay cosas que no estoy dispuesta a comprometer, surgieron varias ideas. Entonces surge Visita de estudio con el impulso de visibilizar producciones. Primero pensé sólo en mi trabajo, sin necesidad de estar en una galería y viendo cómo podía generar una FEA INTERNACIONAL

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renta directa porque, por ejemplo, están todos los espacios independientes que constantemente están haciendo cosas, pero nadie entiende que esa obra la puedes adquirir de alguna manera. Entonces entendí que tenías que ser bien explícito y decir “esto es para vender”. Nos atraía la idea de hacer una parte de producción que fuera accesible; en general el proyecto trata de crear una socialización de las cosas, una horizontalidad, porque yo creo que hay mucha gente que le da miedo acercarse al arte; siempre me ha hecho mucho ruido que se vea como algo distante, para mí eso no tiene sentido. Hay gente que, igual no va a consumir pero sí quiere acercarse y tener algo, pero se topa con una primera barrera, el acercamiento se queda estancado. Existe un gusto por la pintura en Monterrey que tiene que ver con su historia en el arte. Inicialmente la producción artística se fue dando y hubo un auge con la pintura cuando la ciudad estaba surgiendo. Creo que primero la gente se acostumbró a la pintura porque es algo identificable, fácil de consumir, por decirlo de alguna manera, en cuanto a lo inmediato de generar una empatía o ganchar. Si hablamos por ejemplo de mi generación, gente que tenga entre 25 y 30 años; los que nos formamos en artes visuales lo hicimos con una educación contemporánea. Todos los ejemplos que nosotros estudiamos de arte tenían que ver con la política y lo conceptual, algo más incisivo. Tengo un conflicto con la pintura porque yo me formé con esa idea y creo que es la parte del arte que se me hace mas emocionante: cuando ya no sabes si es arte o proyecto social, cuando se vuelve algo indefinible se me hace interesante. Pero por el otro lado la pintura es donde realizaba algo sólo para mí, para descifrar o romper

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ciertas cosas de mi persona y me preguntaba por qué alguien estaría interesado en ver esto. Me di cuenta que somos seres sociales, independientemente de los procesos que tenga cada uno, simultáneamente otra persona está pasando por una situación similar. Hace poco me preguntaron si veía una identidad en el arte regiomontano actual y yo no la veo. Al contrario creo que hay un boom de cosas muy diferentes pasando y una proximidad entre todas, pero no veo una tendencia en específico en la ciudad; lo que digo pasa en todas partes. Pienso que el arte abstracto es un gusto aceptado, creo que no te compromete con nada, por eso muchas galerías giran sobre eso: se ve bien y es gusto estético pero no necesitas nada ni te va a molestar verlo en tu casa todos los días. FEA INTERNACIONAL

Obedeceaciertalógicadelobonito,dependiendo de las significaciones que cada uno tome en cuenta de su universo. En función de lo anterior creo que los espacios autogestivos en Monterrey funcionan para dos cosas: darle visibilidad a los artistas emergentes, y hasta cierto punto, una legitimación (recíproca). Entonces para mí es algo más de circuito que de obra, y creo que funciona bien por eso. Aquí veo un enlace muy cercano entre todos los gestores, por eso es que vemos a la misma gente saltando por todos lados, se me hace una estrategia muy inteligente y funcional para el interés que tiene la ciudad por figurar. Toda la ciudad trabaja por ser importante, construir lo suyo. Para mí es un claro deslinde y se permea mucho en el arte y su propio mercado.

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M i g u el G o n za lez Dibujaba mucho de chico. Aquí comencé a pintar y he vivido sentimientos fuertes que no había pasado, más que nada conflictos internos. Mucho de lo que veo que he hecho ha sido por los sentimientos que me ha provocado esta ciudad. El sentimiento del miedo, de la soledad, de vivir con una familia a vivir acá, en Monterrey solo y enfrentar todas estas experiencias me han provocado intentar reproducirlo. Llevo pintando con esta forma desde hace dos años. Surgió creo que por errores. Empecé a pintar sobre blanco con otros colores pero no me gustaba lo que hacía y terminaba pintando todo el lienzo negro. Se me hacía más fácil y como no tenía dinero para comprar más lienzos, pintaba sobre el mismo negro para poder aprovecharlo. De alguna manera esos errores me forzaron a generar un estilo sobre eso. Claro que después vinieron intereses y afinidad con el color negro; desde pintores que lo usaban y me gustan mucho hasta conceptos, ideas, sentimientos relacionados al negro, la noche y lo negativo. Regularmente los retratos parten de fotos que yo hago. Creo en esa sensación como de fe con la pintura, porque es como un tiro al aire el momento en el que dices: esto es lo que me gusta y creo que sé hacerlo, y pensar que a esto te quieres dedicar. Es una cuestión de fe en lo que quieras, en Dios o en uno mismo o en algo pero esa fe también necesita del otro. A menos que se tenga una confianza muy cabrona en uno mismo o en lo que sea, necesitas de personas que constantemente te digan que confían en ti o que les gusta lo que haces. Tienes que tener una necesidad muy grande para seguir en lo que estás haciendo a pesar de que a lo mejor te estás muriendo de hambre y todos te digan

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que no confían en lo que estás haciendo o que te dediques a otra cosa y demás. La relación de la pintura con la fotografía se sostiene en la imagen pero varía en la forma en la que se crea. En la foto dependes de un dispositivo tecnológico y tiene sus propias particularidades como los pixles, a diferencia de la pintura que muestra una imagen a través de pinceladas, de marcas que uno hace. Ese proceso tiene sus cosas íntimas con el material; la cuestión del trazo único y lo que se va formando a partir de ahí. La subjetividad se presta más a la fantasía, se une con la posibilidad de creer en algo que no existe, expandir la imaginación. Cada disciplina tiene sus distintos sentidos particulares: la música, su material es el sonido y las formas de escucharlos, la pintura alega más a la vista, la mano o el cuerpo. También tienen sus relaciones, la pintura puede ser danza en cierto punto, la danza puede ser pintura en movimiento. Todas parten de la intuición del mundo, y estimulan de maneras diversas. Es extraño porque yo mismo no entiendo cómo empecé a poder mover mi obra o que le gusta a la gente de cierta forma. He escuchado mucho actualmente en gente de mi edad que rechazan la pintura, arguyendo cosas como que la pintura discursivamente hablando ya no tiene posibilidades de seguir. Creo que hay pocos pintores que conozco que tengan una persistencia, una dedicación muy fuerte a pesar de esa negatividad o falta de fe en la pintura. Ahora predomina en las esferas altas el arte conceptual. Hay una anécdota de Duchamp que se repite, él diciendo que el pintor es un tonto. Duchamp siendo una de las figuras características del arte conceptual, restándole valor a eso, en consecuencia al valor sobremedido que se le dio al pintor. Uno como humano va a ver al humano, las posibilidades del humano. El lienzo en blanco, para mí significa eso: como una hoja en blanco para escribir, como un espacio para bailar, para manejarlo, para actuar, como la danza, inventar el espacio. Lo que más rescato del sentimiento del arte, además de las galerías y salir, las conexiones o la banalidad del arte como a veces lo plantean; lo que en realidad hace que mucha gente siga apreciando el arte (por esto la pintura no está muerta), es la inventiva que no se acaba o ese sentimiento de posibilidad de ampliar una cosa. FEA INTERNACIONAL

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Da n i el M a rt i n ez Mi papel va desde la producción visual hasta impulsar iniciativas y proyectos de venta de obra. Actualmente estoy en la parte administrativa del Expendio que es un espacio autogestivo de arte. La pintura está viva por el mercado pero en discurso está agotada. Como en la fotografía, se puede hablar de lo expandido, se piensa desde otro momento histórico y contexto social. Si pretendemos seguir haciendo cosas que anteriormente ya ha hecho la pintura, está bien, pero hay que saber cómo vender el producto finalmente. Inventamos narrativas que no pueden soportar la pintura. Me gusta vincular el dinero y la historia del arte porque es un medio muy importante en el siglo XXI. La pintura tiene esta cosa que otras disciplinas a lo mejor no tienen tan marcado: es vendible. Los artistas van a sacrificar su discurso pictórico por una venta. Dejar de ser auténtico por insertarte en el medio. No está mal, pero hay que ubicar la narrativa. Ubicar oficios y devolver algo al otro. Los artistas tienen que asumir una posición de congruencia, autocrítica. La pintura es la niña bonita del arte, dicen los teóricos o, todos pueden ser artistas, pero no todos puede hacer arte. Hay una cosa que dice Duchamp: no hay artista más estúpido que un pintor. Cuando lo leí recordé a algunos maestros de pintura que tuve, tan concentrados en la técnica, en el caballete, que todo lo demás no importa. Está bien, la pintura absorbe de esa manera, pero el pintor tiene algo que cree que es el único ser que tiene esa conexión espiritual que lo eleva cósmicamente y lo hace superior a todas las personas. Y yo creo que no es así. Uno aprovecha lo que el lugar le da para crear. El medio artístico en la ciudad te da muchas cosas si sabes usarlas. A veces la

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comunidad piensa en aspiraciรณn a CDMX y es un error. No podemos porque nuestra historia es distinta, el contexto es distinto, quizรก en el fenรณmeno somos lo mismo pero no en la realidad tal cual. Asumir ese rol es estar siempre aprendiendo.

Soy fiel sirviente de la objetividad, enmarcada bajo ciertos puntos que son reconocimiento del fenรณmeno. Un observador que de cierta forma se vuelve participante. Accionar siempre es responder a un fenรณmeno, uno tiene que planear.

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